Composition pour les artistes

1. 1 Introduction: Je me réjouis de ce cours sur la composition. Mon nom est Paul, donc ce cours se termine principalement chez Pinter, mais peut être utile aussi aux photographes . Le cours lui-même, je l'espère, sera un cours pratique. Nous examinons quelques idées de composition qui sont utilisées par des artistes célèbres pour créer de grandes œuvres d'art. Et j'espère que nous pourrons les examiner et les utiliser de manière pratique pour améliorer nos propres œuvres d'art. Alors peut-être la première question que nous pouvons poser est Qu'est-ce que la composition maintenant ? Certaines personnes route réduira la composition à des idées comme ça, la position hors éléments dans une image et ce que de positionnement des éléments est une partie importante de la compensation. Ce n'est pas le tout et la fin de la composition, Um, dans ce cours, plutôt que de relancer des idées comme la règle des tiers qui se concentrent beaucoup sur la position sur la position seulement nous allons regarder des idées beaucoup plus puissantes comme le rythme, harmonie, équilibre et l'unité, des idées que nous pouvons réellement utiliser pour améliorer nos propres œuvres d'art. 2. 2 centre d'intérêt: Ok, donc on va commencer par l'idée d'un centre d'intérêt. Alors, qu'est-ce qu'un centre d'intérêt ? Donc, c'est un élément dans la chose européenne que vous voulez que le spectateur remarque, et vous voulez probablement qu'ils le remarquent d'abord avant qu'ils ne remarquent quoi que ce soit d'autre à l'intérieur selon. Ainsi, par exemple, nous avons cette peinture de Vermeer, le peintre néerlandais. On a deux personnages. Il y a une sorte d'histoire qui se déroule dans le dépendant. Donc, le personnage sur la droite nous l'avons remarqué probablement d'abord, parce qu'elle a ces robes ou robe jaune vif. Elle a la peau très pâle. ensemble, les valeurs que j'ai utilisées pour la peindre sont beaucoup plus légères que le fond très sombre. Et puis l'autre personnage. Elle n'est pas aussi perceptible. Ses vêtements sont plus plan, et ils fusionnent plus dans l'arrière-plan. Mais on remarque quelques choses sur elle. Nous la remarquons féroce, son bras et sa main, et , bien sûr, la lettre qu'elle tient. Il y a donc une sorte d'histoire qui se passe ici. Le serviteur a reçu une lettre de quelqu'un. Elle l'amène contre la dame de la maison, et alors il se demandera ce qu'il y a dans la lettre ? Qui a écrit la lettre. Mais de toute façon, on a cette histoire. Nous avons ces trois centres d'intérêt, les vrais chiffres sur la main avec la lettre. Si l'un de ces trois éléments n' était pas un centre d'intérêt pour toute l'histoire de la peinture, jecommencerais à m'effondrer assez rapidement. n' était pas un centre d'intérêt pour toute l'histoire de la peinture, je Une autre question que nous pouvons poser est un centre d'intérêt est-il nécessaire ? Eh bien, dans l'exemple précédent, je dirais oui, c'est le cas. Donc, si vous peignez a une sorte de signification ou un message ou une histoire que vous voulez transmettre au spectateur, alors vous avez probablement besoin d'au moins un centre d'intérêt dans votre peinture. Il y a aussi des genres où il est difficile d'imaginer une peinture sans centre d' intérêt, donc deux genres en particulier sur le dernier que nous avons le portrait et sur la droite. Nature morte bien, il est difficile d'imaginer une peinture de portrait sans centre d'intérêt, donc genre de toute l'idée du portrait est que vous êtes en train de peindre la baby-sitter, donc, la baby-sitter est le centre d'intérêt souvent spécifiquement, la personne féroce, peut-être même plus précisément ses yeux. C' est ce que nous avons remarqué en premier. Si le spectateur a remarqué l'arrière-plan avant de remarquer la gardienne. Peut-être que l'arrière-plan a un fond d'écran très, hum, hum, criard ou quelque chose comme ça. Si nous avons remarqué le fond d'écran avant de remarquer la gardienne du portrait, alors peut-être que nous pouvons dire que la peinture de portrait est un échec parce que, vraiment, nous voulons que le spectateur remarque la gardienne. La personne d'abord, euh, de la même manière. Nature morte, Vraiment, L'objet hors de la nature morte est le centre d'intérêt. Ainsi et, par exemple, tournesols de van Gogh, les tournesols eux-mêmes sont vraiment le centre d'intérêt. Peut-être qu'ils sont assis sur une table jaune, mais ils ont peut-être une sorte de fond jaunâtre. Donc, ces choses ne sont vraiment là que pour une sorte de contexte. S' ils ne l'étaient pas, il pourrait sembler que le voleur avec des tournesols flottait dans l'espace, ce qui aurait l'air un peu bizarre, donc nous avons besoin d'une sorte de table ou autre chose, et nous avons besoin d'un arrière-plan, S' ils ne l'étaient pas, il pourrait sembler que le voleur avec des tournesols flottait dans l'espace, ce qui aurait l'air un peu bizarre, donc nous avons besoin d'une sorte de table ou autre chose, et nous avons besoin d'un arrière-plan, mais ils ne sont là que pour le contexte. Mais il y a d'autres genres. Par exemple, ici, nous devons peintures de paysage par l'argent. Alors, quel paysage. Un centre d'intérêt n'est pas toujours nécessaire. Alors peut-être qu'avec le paysage, il n'y a pas de message signifiant notre histoire derrière le tableau. C' est juste une œuvre d'art décorative. Mais cracher un sens ou un meurtre ou un sentiment dans le spectateur ? Peut-être un, peut-être un sentiment de désagrégation. Détendez-vous, ation ou peut-être, à moins que le spectateur. Mais il n'y a pas de message. Par conséquent, il n'y a pas vraiment besoin d'un centre d'intérêt. Parfois. Alors, si nous voulons un centre d'intérêt, ou si nous avons besoin d'un centre d'intérêt dans notre haleterie, comment pouvons-nous réellement créer Crochet me, en fait créer le centre d'intérêt ? Donc je dépend du Premier ministre, il utilise le contraste pour établir les centres d'intérêt. Donc contraste, par exemple, que les pistolets jaune vif, opposition à l'ensemble du thème sombre avec la peinture les visages, les mains, la lettre, ces valeurs Airil plus légères par rapport à l'arrière-plan très sombre, donc la valeur, la couleur et généralement le contraste sont de bons moyens de créer des centres d'intérêt. Je sais qu'il ya moyen de créer le contraste est par taille, donc si vous avez un certain nombre de chiffres et en fonction de l'un de ces chiffres, il est peut-être plus proche de nous sur apparaît plus grand. Ce contraste est suffisant pour faire qu'un chiffre standard des autres figures de la peinture afin de la taille plainte partie en contraste et aussi des lignes. Ainsi, exemple, dans cette peinture par un centre d'intérêt de gendarme est la réassurance, la pluie venant chien, et il y parvient par un contraste. Mais cette fois c'est le contraste des lignes plutôt que les couleurs ou les valeurs er ou taille. Donc, si vous regardez le premier plan, tout est très horizontal et aussi la masse de nuages dans le ciel, au moins sur le côté gauche. C' est assez horizontal, mais le re entrant fait est très vertical ou diagonale. Donc, cela a changé et mensonge modèles attire l'attention sur la re dîner entrant et crée un centre d'intérêt pour nous afin qu'une chose de plus que nous pouvons regarder et les techniques pour créer des centres d'intérêt est la position des éléments dans la peinture . Ok, donc maintenant nous passons à une partie de la composition, où mes idées peut-être légèrement controversées et ne sont pas d'accord avec ce que d'autres personnes vous diront peut-être sur la composition. Donc, certaines personnes vont le fixer sur la position hors de l'idée et il y aura parfois réduire la composition, mourant à juste, um, la position de vos éléments. Bien sûr, la position est importante. Il semble logique de dire que c'est important, et c'est le cas. Mais ce n'est certainement pas la chose la plus importante dans la composition. Ainsi, avec le positionnement, les gens divisent souvent leur zone d'image ou la zone d'image en sections à l'aide de grilles imaginaires . Et un exemple très commun que vous trouverez sur l'endroit sur Internet est cette idée hors de la règle des tiers. Donc, la règle des tiers est très simple pour un titre de base pour une idée très simpliste. Fondamentalement, vous dessinez des lignes verticales en lignes horizontales qui divisent la zone d'image sûre en neuf. Tous les trois par trois grille neuf rectangles individuels sur cette règle des tiers dit que pour obtenir une bonne composition, vous devez toujours placer votre centre d'intérêt, votre élément homme, où la verticale et lignes horizontales se rencontrent. Donc, le problème avec cette idée, cette simplification de la composition en position juste des éléments. Donc si vous regardez l'image à l'écran, nous avons notre triangle. Donc si vous regardez l'image à l'écran, Quel est notre centre d'intérêt ? Il est placé sur une des lignes verticales. Mais qu'en est-il du côté gauche du tableau ? Que se passe-t-il là ? Mais absolument rien. On a juste de l'espace vide. Est-ce qu'on veut cet espace vide ? Pourquoi il est là ? Qu' est-ce que cela contribue à l'image globale ? Ce sont toutes des questions auxquelles la règle des tiers ne répond pas, parce que la règle des tiers se fixe simplement sur l'idée, la position de l'élément. Plus tard dans le cours, nous allons examiner des façons plus sophistiquées de penser à la composition. Nous avons des choses comme l'équilibre sur le rythme. Sur les Indes. La position de l'élément est importante, mais elle est importante du point de vue de l'équilibre car importante du point de vue du rythme avec les éléments de votre image. Je comprends donc que beaucoup de gens aiment l'idée de la règle des tiers. C' est simple, mais l'une des idées clés de ce cours que je veux franchir est que la règle des tiers est peut-être trop simple. Corrigez son juste sur l'idée de la position des éléments, et il y a beaucoup plus à la composition que juste où vous mettez des éléments dans l'image 3. 3 Balance: Ok, alors maintenant nous allons examiner le sujet de l'équilibre. Nous allons regarder des exemples symétriques et aussi asymétriques d'équilibre dans les peintures. Donc l'équilibre est fondamentalement plus difficile. Vos éléments disposés dans l'image sur Comment utilisez-vous des broches vides ou de l'espace négatif dans l'image. Ainsi, par exemple, dans cette image, nous avons juste un élément. Le triangle. C' est beaucoup sur le côté droit, et puis nous avons toujours de l'espace vide ou des esprits négatifs sur le côté gauche. Nous pourrions dire que ce n'est pas une composition bien équilibrée, parce que l'espace vide sur le côté gauche ne fait rien. Ça ne contribue pas à l'image. C' est juste une zone gaspillée. Maintenant, il est possible d'avoir ce genre de composition symétrique mais d'avoir quelque chose, euh, dans l'espace vide. Ou peut-être si c'est une figure regardant dans l'espace vide qui peut fonctionner si vide par lui-même n'est pas mal. Mais si c'est juste là à cause d'une mauvaise planification, alors ça ne fonctionnera probablement pas. Un autre cas particulier, ce genre d'équilibre symétrique. Nous allons voir un exemple où cela peut fonctionner. Il est assez commun dans un portrait de cours et la nature morte parce que très souvent l'avait parson être haletant avec Nature morte est centré dans l'image pour lui ou près du centre. Mais en dehors de la peinture de portrait sur Nature morte, ce type de conversation n'est peut-être pas aussi commun. Ok, donc personne ne regarde en fait quelques exemples. Ainsi, la peinture à gauche s'appelle le Martyre de Saint-Sébastien, et c'est presque exactement la composition que nous venons de voir. Il a cette composition triangulaire sur sa symétrique. C' est la figure de l'homme qui est centrée dans l'image. Bien sûr, ce n'est pas un accident. L' artiste a planifié cette composition, mais en réalité, l'objectif de l'artiste était de nous concentrer sur la figure de Saint-Sébastien, peut-être surtout sur ses poings. Donc tous les gens qui l'emmenaient à la figure de l'homme, ils le regardent tous. Encore une fois, cela nous redirige vers la figure de l'homme. Donc, dans ce cas, la composition fonctionne très bien. Mais comme je l'ai dit, c'est une sorte de baiser spécial, une composition spéciale, mais probablement mieux être utilisé avec parcimonie. Cela ne fonctionnera pas toujours, donc c'est un exemple d'équilibre symétrique. Ensuite, nous allons regarder une symétrie. équilibre asymétrique est un imprimé en bloc de bois ou imprimé Yukio par un ordre japonais appelé Hawks. I Ces peintures japonaises, Yukio ou Ukyo utilisaient rarement des compositions symétriques. Ils ont préparé une compositions symétriques, mais le Seigneur asymétrique il est équilibré. Donc, nous avons l'esprit Fuji à nouveau beaucoup sur le côté droit de la composition. Mais nous n'avons pas seulement de l'espace vide sur le côté gauche, nous avons ce motif nuageux dans le ciel et aussi ces arbres vert foncé et en bas à gauche. Ces deux choses ont aidé à équilibrer le mont Fuji à droite. Si le modèle nuageux où les arbres n'existaient pas, euh, peut-être la composition globale ne serait pas aussi réussie. Donc un autre couple d'exemples l'air deux peintures par l'argent de l'artiste. Donc, celui sur le côté droit à nouveau, c'est un symétrique, puis celui sur le côté gauche est plus symétrique. Donc, tout d' abord, l' argent asymétrique a tout d' abord, l' argent asymétrique apeint la baby-sitter sur le côté droit de la composition. Quand nous avons beaucoup d'espace vide sur le côté gauche, mais ce n'est pas complètement vide. Nous avons sa main, la fumée de cigare qui vient du cigare. J' ai aussi remarqué que la baby-sitter est en quelque sorte un regard sacré vers la gauche, donc ces choses aident à équilibrer l'art, votre composition orale et , dans ce cas , encore une fois, beaucoup d'asymétrie. Il y a assez d'équilibre global pour que la rémunération fonctionne, selon la gauche. Lorsque vous avez deux figures, bien sûr, il est plus facile de créer une composition plus symétrique. Vous pouvez mettre l'un des chiffres sur la dernière fois, l' un des chiffres sur la droite. Dans ce cas, vous remarquerez que la main droite a pensé que l'homme a très sombre est une barbe sombre sur une veste sombre . Les valeurs sombres ont une sorte d'esprit visuel, ce qui peut créer un déséquilibre que si vous aimez les valeurs plus sombres, les couleurs plus sombres sont plus lourdes, visuellement plus lourdes par rapport à la couleur bleuâtre claire de la robe de la femme. Mais nous avons encore l'équilibre car affaiblir Seymour de la femme et elle a sa jupe. J' ai trébuché sur le banc, donc globalement la figure féminine est plus grande que la figure masculine. Donc ce genre d'équilibre, je pense, en général, les êtres humains nous préférons des images qui sont plus équilibrées. , Mais aussi, si vous avez une composition déséquilibrée, il est possible que vous ayez beaucoup d'espace vide dans votre image. Et vous devez vous demander : Est-ce que l'espace vide contribue quelque chose à l'image globale ? Ou est-ce que vous gaspillez juste une partie de votre zone d'image ? Ok, donc dans cette partie du cours, nous avons examiné l'équilibre. Alors que vous concevez votre image au fur et à mesure que vous créez votre image, vous pouvez vous demander Est-ce équilibré ? Cette image est-elle équilibrée ? Si ce n'est pas le cas, y a-t-il de l'espace vide dans l'image qui ne contribue vraiment pas à l'image globalede quelque façon que ce soit ? Si ce n'est pas le cas, y a-t-il de l'espace vide dans l'image qui ne contribue vraiment pas à l'image globale C' est juste de l'espace vide. Je pense que c'est quelque chose que nous voulons essayer d'éviter autant que nous le pouvons. Parfois, vous pouvez utiliser l'espace vide d'une manière positive de manière constructive. Donc nous avons vu avec le portrait par argent l'homme fumant le cigare. Il était beaucoup d'un côté à droite de la peinture, mais il y avait quelques éléments sur le côté gauche qui donnent la peinture et l' équilibre général . Dans d'autres cas, nous pouvons vouloir de l'espace vide d'un côté. Mais nous avons un personnage qui regarde dans cet espace parce qu'il y a peut-être quelque chose là-bas. Peut-être qu'on ne peut pas dire quelque chose. Nous devons utiliser un peu d'imagination. Cela revient donc à l'idée de raconter des histoires dans les images. Donc, dans l'ensemble, nous pouvons dire qu'en général, nous aimons l'équilibre. Nous aimons l'équilibre dans notre vie. Généralement, nous aimons l'équilibre au sein des images. C' est quelque chose à propos de la condition humaine. Nous préparons quelque chose d'équilibré, mais nous pouvons aussi créer sur des images équilibrées. Parfois, si l'espace vide ou le déséquilibre aide à raconter une sorte d'histoire, par exemple, ou est l'un de vos objectifs avec l'image. 4. 4 composition de paysage Lanscape: Ok, donc quand vous allez à pant ah, paysage, paysage, il y a des décisions que vous devez prendre avant de pouvoir mettre n'importe quelle peinture sur papier. Donc la première décision est de quelle orientation allez-vous avoir ? Le journal. En supposant que c'est un rectangle, allez-vous l'avoir en format paysage ou portrait ? Donc, les trois premières images sont toutes paysage, puis les trois dernières sont portrait. Une autre décision que nous devons prendre est de savoir quel genre de vous avoir hors de ce paysage. Donc, le 1er 2 sur le côté gauche et le paysage sur dans Portrait C'est la vue normale. Imaginez que vous êtes dans un champ. Tu regardes vers l'horizon. C' est le genre d'année que l'on se penche normalement dans cette situation. Vous pouvez abaisser un peu l'horizon, mais il va être au moins 50% du bas de votre papier ou de votre toile, puis dans le baiser au milieu à ceci est plus off. Vous avez développé des super-pouvoirs ou quelque chose dans votre couteau volant dans ce gars ou flottant dans ce gars, et c'est plus comme une vue d'oiseau. Donc la terre l'horizon est beaucoup plus bas et vous allez voir plus du ciel. Et puis le troisième exemple est le contraire. Si vous voulez, c'est plus comme la vue d'un ver. Non, vous êtes couché face cachée sur le sol. Vous ne pouvez voir qu'un peu de ce type sur. La plupart de ce que vous voyez est le paysage dans le message avec. Ce n'est pas un choix commun pour les paysages, mais si vous l'avez fait, tout au premier plan sera très grand. Tu vas voir chaque brin d'herbe sur n'importe quel Flores sauvage. Tu vas voir tous les pétales sur le sol sauvage. Le contraire serait vrai pour la vue de l'oiseau, et c'est la situation. Tout dans le paysage va être assez petit parce que vous êtes élevé au-dessus de la terre regardant fait maintenant avec des paysages. Vous pouvez opter pour une sorte d'interprétation réaliste du paysage ou euh, ou une sorte d'interprétation graphique. Vous pouvez opter pour une sorte d'interprétation réaliste du paysage ou euh, L' interprétation de la conception graphique serait plus bidimensionnelle. Ce serait une image plate. Une approche plus réaliste serait d'essayer d'indiquer que votre paysage est tridimensionnel et qu'il a de la profondeur, donc certaines façons de créer un sentiment de profondeur dans le paysage. Donc, d'abord, ce que vous pouvez diviser votre paysage en trois parties. Ce ne sont pas nécessairement des parties égales, mais vous aurez un avant-plan. Donc, dans ce cas, le premier plan est la partie inférieure de l'image. Vous avez alors un terrain intermédiaire, puis votre arrière-plan et l'arrière-plan peuvent bien inclure n'importe quelle partie du ciel vous avez incluse dans votre image. Maintenant, dans ce baiser avec essayer de créer un sens de la profondeur, perspective linéaire est importante. Je sais que la perspective linéaire peut parfois sembler une idée compliquée, mais c'est un niveau très basique. choses qui sont plus proches de vous sont plus grandes sur les choses qui sont plus éloignées ou plus petites . Donc, dans cet exemple, au premier plan, nous avons des lames d'herbe. Les lames d'herbe sont presque de la même taille que la haie, ou les arbres dans le sol du milieu sur notre plus grande mince la haie dans les arbres en arrière-plan. Donc, nous savons que hérisson est probablement d'au moins un ou deux mètres dit donc au moins cinq ou six pieds de haut. Où sont les lames d'herbe ? Ne sont qu'une petite fraction de cela. Donc, en utilisant une perspective linéaire, avoir une chose est plus grande au premier plan. Cela, dans le milieu en arrière-plan crée un sentiment qu'il est plus proche de vous, qui aide à créer ce sentiment de profondeur dans l'image maintenant, ainsi que la perspective linéaire. Il y a aussi une chose qu'on appelle la perspective aérienne. C' est donc un tableau de Mona, et c'est un bon exemple hors perspective aérienne. On a donc deux versions de la peinture. L' un est la version couleur sur le 2ème 1 est juste la même version, mais avec les couleurs supprimées, donc supprimer les couleurs rend plus facile de voir les valeurs sur par valeurs. Je veux dire, c'est sombre ? C' est de la lumière ? C' est quelque part entre les deux ? C' est tout ce que les valeurs signifient. Donc cette peinture que nous pouvons voir au premier plan dans la partie la plus proche de nous. Il y a beaucoup de variations dans les valeurs, donc nous avons certaines des plus sombres de la peinture, juste à côté de certains des blancs les plus brillants en fonction, alors que si vous allez à l'arrière-plan, vous pouvez voir cette ligne d'horizon le ciel sur la mer, fusionner les uns dans les autres. Il est difficile de voir où l'on commence et on s'arrête juste de faire ce genre de promontoire ici, s'étendant à travers la flexion. Mais encore une fois, la différence de valeur entre cela et le ciel est qu'ils sont presque les mêmes. C' est donc la perspective aérienne. Comme les choses s'éloignent de vous, euh, les valeurs 10 vers le milieu de la plage de valeurs. Donc, plutôt que d'avoir des sombres sombres à côté des blancs brillants, tout se déplace là sorte de Ah, gris moyen Tom ou la valeur du gris moyen en termes de couleurs. Au fur et à mesure que vous vous éloignez, les choses tendent vers l'extrémité plus bleue du spectre. Donc, le vert oubliable comme dans l'herbe, va commencer à devenir une couleur plus bleue. Donc, cette peinture pastel, la marque Four, nous pouvons voir différentes valeurs plus brillantes et plus sombres les uns à côté des autres, le milieu du rang dansé, émergé vers une gamme de valeur plus proche, plus petite valeur gamme, puis au loin, la colline lointaine devient bleuâtre. Vous pouvez voir cet effet se produire dans le monde réel, en particulier où pure debout dire au sommet de la colline, vous pouvez voir sur une longue distance, herbe lointaine commence à apparaître légèrement bleuâtre. Andi, le Grand et le ciel. Les valeurs tonales seront très proches les unes des autres. Donc finalement à l'horizon, le ciel, la terre peut presque fusionner en un seul. Ok, donc dans cette partie de la classe, nous avons regardé quelques idées sur les positions d'appel spécifiquement pour le paysage en attente. Donc, une des décisions que vous devez prendre dès le début est, allez-vous avoir un format paysage ou un format portrait ? Formats donc dépeints Très bon pour vous donner une composition plus serrée, en se concentrant sur un peu du paysage. D' autre part, si vous voulez faire un paysage balayant, sera dans ce baiser un portrait quatre mois pas vraiment aller travail des orteils. Alors alors une autre chose que vous devez considérer son style de peinture que vous voulez produire. Si c'est quelque chose qui est plus vers le réalisme, alors vous allez devoir penser à la profondeur dans votre haletant. Il y a plusieurs façons de créer de la profondeur. Donc tu te rappelles. Si vous pensez au premier plan milieu sur fond puis dur, vous divisez votre peinture en trois parties. La perspective linéaire entre en elle parce que dans votre premier plan, les choses vont apparaître plus grandes. Puis elle s'est déplacée dans le milieu, puis dans l'arrière-plan. Tout réduit en taille, alors vous avez aussi la perspective aérienne. Donc, à mesure que les choses s'éloignent en arrière-plan, les valeurs sont tout fusionne vers une sorte de plus petite plage de valeurs quelque part au milieu. Donc, vous n'avez pas les plus sombres ou les blancs les plus brillants. Habituellement en arrière-plan. Tout fusionne plus vers ah, valeur grise moyenne. 5. 5 Rythme et mouvement: Ok, donc la prochaine chose que nous allons examiner, c'est les idées de rythme et de mouvement. Aucune émotion n'est pas quelque chose qui est peut-être associé à des peintures et des dessins ou des photographies, parce que ce sont des formes d'art très statiques. Mais il est possible, grâce à l'utilisation de la ligne sur les navires, créer un sentiment de mouvement dans les peintures. Nous allons regarder quelques exemples de peintres qui ont créé des peintures qui ont à nouveau ce sentiment de rythme de mouvement. rythme n'est pas souvent associé à des artistes visuels plus associés à la musique, mais nous pouvons avoir un sens du rythme à l'intérieur des terminaisons P, des dessins et des photographies. Donc, nous allons commencer par regarder le rythme. Maintenant, ce sont deux images sur l'écran. Les deux ont un sens du rythme créé par les lignes. Les deux sont, je suppose, un genre d'art particulier, tout en partie ou une illusion d'optique. Mais d'autres formes d'art d'autres genres peuvent aussi avoir ce sens du rythme souvent introduit à travers les navires et les lignes. Donc, dans ce, ces deux exemples de ces deux tableaux d'air par l'argent, l'impression de dépensé er sur les deux d'entre eux. Nous avons des arbres contre un ciel, un ciel bleu sur ces deux mangent sont de bons exemples de la façon dont vous pouvez utiliser le rythme dans vos peintures. Donc, sur l'attente sur la gauche, vous pouvez voir les arbres ne sont pas également espacés. Cela donne un rythme aux lignes verticales sont quelque chose qui sont à l'œil est attiré, mais vous verrez qu'ils ne sont pas tous réguliers, et cela crée un rythme plus intéressant. Si les arbres étaient tous aussi espacés, eh bien, tout d' abord, cela ne serait pas aussi naturel, mais aussi ce serait moins intéressant pour nous. De même, sur le côté droit, le côté droit est légèrement différent en raison de la façon dont nous le regardons. Nous avons aussi une perspective linéaire à venir. Les arbres devenaient plus petits à mesure qu'ils s'éloignaient. perspective linéaire aurait également amené les arbres à se rapprocher ensemble au fur et à mesure qu'ils s'éloignent. Mais encore une fois, vous pouvez voir, surtout sur le côté droit avec les arbres qui sont plus proches de nous. Il y a un rythme différent. Les troncs d'arbre ne sont pas également espacés. Donc, lorsque vous créez, en particulier avec des paysages ou si vous créez, disons, une ville, sautez avec des gens avec des figures, pensez à l'espacement et au regroupement de ces figures ou des arbres dans votre paysage. Vous n'avez pas à les mettre tous aussi espacés. Et le fait que c'est probablement mieux dans de nombreux cas, pour le groupe trois éléments un peu plus ont des espaces plus larges entre les autres éléments pour créer ce rythme plus intéressant. C' est donc un autre grand exemple hors rythme et un sens du mouvement au sein d'une peinture. Eso Il y a en fonction de Matisse. Je pense que ça s'appelle juste la danse ou les danseurs, mais vous pouvez voir son utilisation de ces vaisseaux comme ils coulent ensemble. Il crée ce merveilleux sens du mouvement et du rythme. Et encore une fois, les danseurs ne sont pas tous également espacés, ce qui est des modèles plus intéressants, rythme plus intéressant à l'image. Donc encore une fois, avec le travail de la figure avec des paysages, pensez au rythme. Pense au mouvement. Comment pouvez-vous incorporer ces idées dans vos tableaux ? Parce que si vous le pouvez, cela donnera une meilleure composition d'image beaucoup plus attrayante pour le spectateur. Ok, donc non, encore l'exemple, celui de Van Gogh. Nous avons donc certaines des mêmes idées. Les arbres. Ils ne sont pas aussi espacés. Certains de cela est vrai à la perspective linéaire, mais même les arbres de premier plan sont les distances entre eux est plus intéressant, plus varié. Et Van Gough était bien connu pour sa brosse est très évidente brossage sur les lignes linéaires qu'il a créé pour les graminées et les haies et des choses comme ça. Mais si vous regardez comme il est, il a dessiné ou peint ça, ça suggère vraiment un mouvement. Vous pouvez presque imaginer l'herbe se déplaçant dans la brise. Donc, c'est une technique que vous pouvez utiliser similaire à celle de Van Gogh lorsque vous créez des herbes et buissons et des choses en utilisant des coups de broche plutôt que seulement des zones de broche plate, Um, cela peut vous aider à créer un sens du rythme et du mouvement dans votre images. Ok, donc dans cette leçon, nous avons examiné deux idées qui sont souvent étroitement liées au rythme et au mouvement. Nous avons vu le rythme cardiaque crée essentiellement de l'intérêt. Il est plus intéressant de regarder une peinture qui a un rythme intéressant. Euh, si vous avez entendu, par exemple, avec les arbres d'argent, s'ils étaient tous également espacés sur fond plat, cela crée en fait une composition très intéressante ou légèrement ennuyeuse. N' oubliez pas de varier le rythme si vous avez des choses comme des arbres. Si vous avez des figures dans votre œuvre comme elles, un goût haletant, créez un rythme intéressant en faisant varier la distance entre les éléments. La motion est également importante. Nous avons revu avec la peinture de Matisse avec les peintures de Van Gogh. Uh, ajouter dans ce mouvement ou ce sentiment de mouvement ajoute vraiment un niveau d'intérêt supplémentaire pour le spectateur pour rendre votre œuvre standard beaucoup plus donc la prochaine peinture que vous créez, ou si vous voulez essayer de recréer une peinture que vous avez déjà fait, je pense qu'il est possible orteil ? Ajoutez ces idées de rythme et de mouvement. 6. 6 Unity et l'harmonie: Ok, donc la prochaine idée que nous allons examiner, mais deux idées. Nous allons regarder notre unité sur l'harmonie. Commencez par une idée d'unité thématique. Euh, un exemple ici sur le côté droit sur l'écran. Dans ce tableau, il y a deux éléments de base. Il y a des lignes qui répètent des lignes, et ce sont aussi des cercles. Donc, l'étude de la ligne de direction différente avec un esprit différent. Les cercles sont des couleurs différentes , etc., mais répéter les cercles en répétant les lignes crée une unité sur l'harmonie, euh, dans l'image. Et encore une fois, comme avec eux, nous avons vu avec équilibre plus tôt. Les idées d'unité et d'harmonie sont quelque chose qui, en général, en tant qu'êtres humains, nous aimons l'harmonie ou au moins beaucoup d'entre nous aiment l'harmonie. La plupart du temps les peintures, les images qui manquent d'harmonie, l'immunité peut être faisceau ou ils peuvent être difficiles à regarder. Cela pourrait être plus difficile. Ce n'est pas forcément une mauvaise chose. Dans certains cas, bien sûr, c'est exactement ce que vous voulez. Vous voulez défier le spectateur, hum, encore une fois, avec toutes ces idées de composition, si vous voulez défier le spectateur, si vous voulez un manque d'unité et d'harmonie, c'est bien tant que vous abordez cette question de façon méthodique et préplanifiée. Si votre œuvre manque d'unité et d'harmonie juste parce que, eh bien, eh bien,c'est exactement comme ça que vous l'avez peinte sans anticipation, ce n'est pas une bonne approche. Donc, je pense que l'une des idées générales et ce cours était d'aborder vos images avec une certaine planification. Mais certains pensaient, Quel est votre objectif avec un message, ou y a-t-il une histoire derrière l'image ? Que voulez-vous que le spectateur ressente de votre image ? Voulez-vous qu'ils remarquent quelque chose en particulier ? Ok, donc nous avons encore deux exemples. Unité et harmonie. La peinture à gauche est par argent, selon la droite par Picasso. Tous les deux ont, ah, un sentiment harmonieux. Ainsi, la peinture de Manet sur la gauche, l'harmonie l'unité est créée par les couleurs, les drapeaux français. Les bâtiments sont tous très similaires. Couleur. Il y a des répétitions de navires, et dans le dessin de Picasso, il est de différentes couleurs. Mais le mensonge travaille sur le sens général du mouvement. Andi, ces vaisseaux qu'il utilise notre harmonieux. Il y a un sentiment d'unité, donc aucun des chiffres standard n'est très différent. Ils ont tous un certain degré de similitude. Donc un autre exemple encore lundi peinture. Donc, dans ce cas, il crée un sentiment d'unité grâce principalement à l'utilisation de la couleur. Donc, dans les exemples que nous avons vus, il y a peut-être quelques idées d'hommes. Um, l'unité et l'harmonie peuvent être obtenues à travers la couleur que vous utilisez et aussi à travers les vaisseaux et les lignes. Ok, c'est un autre exemple, celui-ci tout à fait différent. C' est un Kalash plutôt que de peindre et vous pouvez voir dans le choc. Les artistes ont utilisé de nombreux objets différents. Différentes tailles, différents navires. Mais il y a une unité globale et une harmonie dans le schéma de couleurs à choisir. Donc, pour résumer avec unité et harmonie, euh, sont des choses importantes à être conscient, alors que ce n'est pas toujours nécessaire, vous ne devriez avoir un manque d'unité et d'harmonie que si c'était votre intention. Ok, donc dans cette partie du cours, nous avons examiné l'unité et l'harmonie. Um, l'unité et l'harmonie en général, sont de bonnes choses orteils ont à l'intérieur de votre image. Les êtres humains étaient prêts à voir l'harmonie si vous préférez des images harmonieuses et unifiées, mais ce n'est pas toujours nécessaire. Il peut y avoir des cas où vous décidez intentionnellement d'introduire une certaine disharmonie dans votre image. Cela dépend vraiment du cool que vous essayez d'atteindre. Je pense que le milieu, c'est que si vous peignez, manque d'harmonie. Si ce n'est pas unifié, c'est bien tant que vous le faites intentionnellement. Donc l'unité et l'harmonie ne sont pas quelque chose que vous devriez menacer, ou je m'inquiète trop. Fondamentalement, comme nous l'avons vu dans des exemples, par exemple , la peinture du lundi, L'harmonie a été créée par l'utilisation des drapeaux sur les couleurs à répéter les couleurs et les navires sur à nouveau avec le dessin du château les navires de ligne, euh, ont créé une image harmonieuse. Alors pensez aux couleurs ou en utilisant le schéma de couleurs global. Je pense au style dans lequel vous créez l'image. Tant que ces choses sont le CME sur toute l'image, vous allez créer une image unifiée et harmonieuse