Composition musicale - Rythme et percussions

1. Votre voyage vers le rythme: bienvenue à ces noyaux et félicitations pour avoir choisi de maîtriser le rythme, percussions et la batterie en musique. Après ce cours, vous serez en mesure de diriger et de piloter votre musique, d' améliorer et de mettre en lumière des messages spéciaux, contrôler l'énergie et l'action, générer de l'intensité et de la puissance et de forger la fondation de voleur de toute la musique que vous créez parce que vous Lester le cool off tout rythme de la musique. Dans ce cours, vous apprendrez les fondements du rythme, le rôle du rythme, ces sons de rythme, la performance du rythme et il sera en mesure de lier tout cela ensemble dans des motifs rythmiques et la performance est pleine d'émotion et d'expression. Vous obtiendrez de vraies démonstrations en direct de différents types de sons rythmiques et de performances, comme vous pouvez le voir ici à l'écran. ce moment, mon nom est Mike et je compose de la musique depuis 1998 dans toutes sortes de styles , de E g M et beats au metal et musique orchestrale et je vous enseignerai de toutes les connaissances et l' expérience que j'ai acquises au cours de ces années, y compris mes meilleurs conseils, astuces et méthodes pratiques pour le rythme en musique. Alors demandez-vous tout de suite. Voulez-vous devenir un maître hors batterie, un maître hors percussion, un maître de la conduite rythmique sur. En fin de compte, avec la pratique de tout ce que vous apprendrez de ce cours, un maître hors rythme de la musique, je dis toujours que l'action est la seule façon d'avancer dans votre voyage en musique. m'appelle Mike, et je vous souhaite la bienvenue pour vous inscrire dès maintenant et commencer votre voyage pour maîtriser le rythme en musique. 2. What is ?: Qu' est-ce que le rythme ? Eh bien, mon opinion honnête est que le rythme est le fondement absolu de la musique. Pourquoi, faisons-le, on ne peut pas écrire de la musique sans rythme parce que toutes les notes doivent avoir une longueur et un rythme de synchronisation est en fait présent partout dans la musique, à la batterie et aux percussions dans les cours, harmonies et instruments de comping, et même les mélodies, les crochets et les motifs les plus importants . Ce cours, cependant, cependant, se concentrera sur les sons de la musique qui sont dédiés à l'ajout de dynamisme rythmique et d'énergie à votre musique. Par exemple, vos ports de batterie et de percussion, vos instruments rythmiques Dr Instruments aiment s'éloigner de la guitare, peut-être un motif de cordes ostinato. Ma définition personnelle hors rythme est la suivante. Le rythme est un modèle dans le temps, son et le silence, et je me réfère au rythme comme le noyau de la musique. Pour maîtriser le rythme. Vous devez vraiment comprendre les concepts et les éléments sur lesquels il est construit, qui sont, par exemple, les longueurs des notes de grille, BPM et temple ainsi que les signatures temporelles, et vous apprendrez tous ces concepts et mawr dans ce cours. Alors continuons votre parcours d'apprentissage dès maintenant pour maîtriser le rythme en musique 3. Les bases de le rythme la grille: la cupidité. J' appelle cela l'écriture de la musique, tous les seigneurs, des sons et de la musique, ou écrit dans votre DW dans ce qu'on appelle la grille. C' est essentiellement le temps d'arrêt des divisions dans votre séquenceur. C' est l'équivalent moderne hors partition. Il décide le point de départ sur le point final de toutes les notes et, par conséquent, la longueur de toutes les notes. Cependant, une petite percussion de notes secondaires fonctionne un peu différemment parce qu'un coup percussif sur Lee a un point de départ où vous décidez où le coup ira et non pas une longueur de note. La cupidité de votre DW et toutes les valeurs de charge ou divisées en longueurs de notes. La plus longue longueur de note est une note complète, qui est exactement un alésage de longueur. La suivante est 1/2 note, qui est la moitié d'un alésage, puis les valeurs de longueur de note se divisent essentiellement en deux pour chaque étape. Maintenant, vous devez savoir qu'il est extrêmement rare d'avoir des notes plus courtes qu'une note 64. Ces notes extrêmement courtes sont si rares que beaucoup de D. W ne montrent même pas une valeur inférieure à 1 64e Comme vous pouvez le voir ici sur la capture ou sur les options relatives. En fait, la plupart des musiques n'utilisent même pas de notes plus courtes que 1/16 note. Écoutons quelques exemples hors longueurs de note dans la cupidité afin que vous vous familiarisiez avec leurs valeurs. Ensuite, écoutons un mélange de valeurs de note ainsi que quelques poses ajoutées pour créer un motif rythmique . Et rappelez-vous, les forces doivent aussi avoir de la longueur, ce qui peut être hors des valeurs que vous venez d'apprendre. Passez à l'action dès maintenant et pratiquez l'écriture de la musique, de la grille et des valeurs de note. Et rappelez-vous toujours que le rythme est simplement un motif dans le temps libre du son et du silence. Alors prenez votre temps de pratiquer la cupidité et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 4. Les bases de le rythme BPM et de Tempo: BPM et temple. La musique est coupée. Afin de créer un rythme, vous devez définir un temple, et vous pouvez penser au tempo comme les Powell de votre musique. Presque comme si la puissance était hors de votre fréquence cardiaque. Lorsque vous êtes cool et détendu, vous avez un pouls plus faible, et lorsque vous faites de l'exercice ou de la danse, vous avez un pouls plus élevé. C' est la même chose avec le rythme. En musique, un temple haut se sent plus énergique et un temple lent se relaxe. Le temple en musique est mesuré dans quelque chose appelé B P M, qui représente des battements par minute. Et encore une fois comparez cela à votre fréquence cardiaque, qui est également mesurée en battements par minute. Donc, ici, nous avons, littéralement, un lien entre notre cœur et la musique. C' est peut-être pourquoi les gens disent souvent que nous avons le rythme dans notre sang. D' accord, alors comment tu as dit le temple de ta chanson ? Ça dépend totalement du genre de chanson que vous voulez faire et du niveau d'énergie que vous aimez avoir. Ça dépend totalement du genre de chanson que vous voulez faire et du niveau d'énergie que vous aimez Mais pour vous donner un point de départ. La plupart de la musique ont un tempo off quelque part entre 60 bpm et 180 bpm 60 bpm peut être une ballade vraiment lente, et 180 bpm peut être une chanson E g M conduite ou une chanson punk rock au rythme rapide. Donc, 60 à 180 ou environ. Tu as remarqué quelque chose ici ? Eh bien, cette plage est en fait presque la même que celle de la fréquence cardiaque humaine. La fréquence cardiaque moyenne au repos complet est d'environ 60 BPM, et le taux d'audience P pour la plupart des gens est d'environ 180 bpm environ. Donc, encore une fois, la musique semble être une extension de notre existence même. Personnellement, je trouve ce super fascinant, Ne prenez-vous pas maintenant l'action et la pratique en écoutant différentes valeurs BPM afin que vous développerez un sens profond pour divers temples dans la pratique musicale ? La routine ? Un. Un métronome. Une bonne routine de pratique est d'utiliser une application Metrodome sur votre smartphone que vous bloquez sur votre clavier Midi, piano dissuader ou même bourdonnement et battre des idées musicales. Vous constaterez que dès que vous allumez le Metrodome et que vous soulevez un tempo, votre corps et votre esprit répondront immédiatement à ce pouls. En fait, il peut être assez difficile de résister à tapoter votre pied ou à hocher la tête lorsque vous entendez le rythme . Pratique routine pour battre dans votre D. A. W. Une autre routine d'entraînement est de créer un rythme dans votre DW, puis ajuster entre les différentes valeurs de BPM par la suite. Dans votre preuve, vous ne pouvez pas par exemple programmer une partie de batterie et de percussion à droite un motif de strumming sur une guitare logicielle. Ou peut-être composer je conduis Austin Autumn Strings. Le point principal est qu'après avoir ce rythme va, vous changez votre projet BPM à différentes valeurs et écoutez attentivement comment les Powell de la musique se sent à vous lorsque vous changez le BPM. Pratiquer la routine. Trois. Tap Temple Puisque votre objectif est de maîtriser le rythme en tant que compositeur de musique, vous devez développer un instinct pour divers temples. Ainsi, lorsque vous vous sentez prêt, vous pouvez également commencer à vous entraîner à taper des temples dans votre application métronome pour viser un BPM spécifique . Beaucoup, c'est plus de film. cartes éternelles ont une fonction de temple de robinet, ce qui signifie que vous appuyez sur le rythme avec votre doigt sur la salle Metro, puis calcule le BPM pour vous. Quand vous commencez, vous devriez faire ces viles surveiller sur le compteur BPM sur l'Europe en même temps. Mais au fur et à mesure que vous vous améliorez, je recommande vraiment que vous vous entraîniez à taper le temple aveuglément et à essayer de finir avec un BPM rugueux. Par exemple, choisissez le premier objectif pour un tempo de, disons, 100 BPM, 100 BPM, puis appuyez sur le temple sans regarder vers le bas sur l'application, essayant de frapper ce BPM spécifique. Ce n'est pas aussi facile que cela puisse paraître, mais c'est vraiment une bonne routine de pratique de développer votre instinct de Temple et de Paul dans la musique. Alors agissez maintenant et pratiquez les copains de Musique, BPM et temple amusez-vous et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 5. Les bases de la signatures de rythme de temps: signature temporelle. Le système de comptage du rythme musical dans la musique dépend de quelque chose appelé Time Signature. Le sénateur de temps est juste un indicateur pour décrire comment vous comptez les battements dans chaque mesure sur le morceau de musique que vous faites et une mesure aussi appelée Bore, est tout simplement les segments de musique est divisé en. Il existe de nombreuses signatures temporelles différentes sur lesquelles une chanson peut être basée, et dans certains cas, en particulier dans la musique orchestrale, la signature temporelle peut changer dans la chanson elle-même. Il y a une signature de temps qui est utilisé dans la grande majorité de toutes les musiques jamais créées, et il est appelé 44 Cela signifie simplement que le nombre sous-jacent de votre musique est de quatre battements par mesure. Un battement dans la musique est la longueur de 1/4 note. Quart signifie 1/4 donc 4/4 notes équivaut à une note complète. C' est comme diviser un gâteau en quatre tranches aussi grandes. En termes pratiques, cela signifie que vous comptez simplement jusqu'à quatre d'une manière droite comme celle-ci. 12341234 et ainsi de suite. Une autre signature temporelle assez courante est 34 qui ressemble à ceci 123123123 et ainsi de suite. Incroyable. Vous avez maintenant appris les signatures temporelles dans la musique et comment elles sont liées au comptage de chaque mesure de votre composition. Pour avoir un meilleur sentiment pour cela, je veux que vous utilisiez encore une fois le Metrodome et écoutiez diverses signatures temporelles et temples et pratiquez, faisant chacun d'eux rester sur le rythme. Je vous recommande fortement d'installer une application métronome pour votre smartphone. Si vous ne l'avez pas déjà fait et alors il est temps pour vous de pratiquer les signatures de temps. Commencez par régler la maison en métal à quatre pleins et écoutez divers PM avec cette signature temporelle , puis passez sur 234 pour avoir une idée de ce genre de signature temporelle. Peut-être que vous voulez essayer 6/8 aussi, car c'est assez commun. Essayez d'autres centres temporels, mais rappelez-vous que 44 et 34 ou par quatre les signatures de temps les plus utilisées dans la musique. Alors pensez à ça avant qu'il ne devienne super fou avec vos rythmes et rythmes dans votre musique. Mais si tu veux devenir sauvage, personne ne t'arrête. Alors agissez maintenant pour pratiquer le temps. Seed entre dans la musique et je vous verrai dans la prochaine vidéo 6. Percussif et pitched: le rythme est présent dans chaque note de la musique, chaque son et tout aussi important, chaque port silencieux entre les notes. C' est ceci, le remix du son et du silence qui est l'essence du rythme. Il y a, cependant, trois sortes distinctes hors des éléments rythmiques et de la musique. sons percussifs purs comme des tambours, par exemple sons rythmiques réglés, ce qui signifie que vous pouvez jouer différentes notes sur cet instrument. Mais ils sont tous percussifs dans le sens qu'il ne peut pas modifier la longueur et soutenir chaque note. Par exemple, un marimba et avec Mick Instruments, qui peut essentiellement être n'importe quel instrument joué de façon rythmique, comme une guitare rythmique. sons percussifs si purs. Ainsi, tous les sons percussifs ont un point focal de fréquence, profondeur et une portée sur. Ils ont aussi une attaque et une décomposition distinctes. C' est ce qui crée le caractère sonore mais des sons percussifs purs ou connus pitched, ce qui signifie qu'ils n'ont pas un centre tonal clair. Cela signifie que vous ne pouvez pas jouer de notes avec eux. Fondamentalement, les sons des sons percussifs purs sont similaires au bruit blanc contrôlé. En fait, bruit blanc est beaucoup utilisé pour imiter la percussion avec la synthèse ou pour améliorer les sons par la conception sonore en utilisant le bruit blanc comme point de départ des sons percussifs accordés, des sons percussifs ou des instruments et des sons qui ont un hauteur fondamentale plus des harmonies, ce qui signifie qu'il peut jouer des notes avec eux. Un exemple commun pour deux tambours ou tomes. Et il y a en fait, toutes sortes de percussions rythmiques, qui sont souvent utilisées comme une couche pour améliorer d'autres instruments et motifs rythmiques comme Brooke et Spiel. Les cloches tubulaires ont gagné des instruments vibraphones. Il peut s'agir essentiellement de n'importe quel instrument que vous jouez de façon rythmique, mais qui vous permet également de contrôler la longueur de chaque note, c'est-à-dire le sustain. Un piano est en fait percussif dans le sens où un ourlet frappe les cordes quand on appuie sur une touche. Mais si vous maintenez une clé enfoncée, vous obtenez une note soutenue. Il y a un nombre incroyable d'instruments qui étaient parfaits pour une utilisation rythmique, tels que électriques, acoustiques ou orchestres. Chaînes, peut-être un synthétiseur de stratégie. Vous trouverez le plus de liberté dans cette catégorie hors des cellules rythmiques. Super, vous avez maintenant appris sur les trois sons principaux du rythme, percussifs purs accordés sons percussifs et des instruments rythmiques. C' est la base de votre rythmique à mettre en place en tant que compositeur, alors continuons dans la prochaine vidéo 7. Monophonique et polyphonique: la distinction suivante hors sons rythmiques est entre le modèle phonique et le moins phonique. En termes simples, Mona Fornek signifie un son joué à la fois, comme sur un tambour, par exemple, et polyphonique signifie plusieurs sons joués en même temps. Comme lorsque vous jouez des accords sur votre piano ou que vous jouez sur votre guitare. Eh bien, techniquement, les cordes fortes ne sont pas exactement jouées en même temps, mais les sons sont si proches qu'ils apparaissent comme un seul son quand vous jouez un accord tous sons percussifs purs ou mollah fornek par nature. Oui, vous pouvez poser votre batterie et votre percussion, mais n'importe quel instrument percussif pur ne peut jouer qu'une seule note à la fois. percussions réglées comme les marimbas, par exemple, peuvent jouer deux notes en même temps. Puisque vous avez deux bâtons, vous pouvez frapper les notes avec. Et puis il y a toute la gamme d'instruments qui peuvent être joués rythmiquement, soit mono fornek, comme un ostinato patterns ou pid vous ou faire face au rythme avec la progression froide sur, disons, un piano. Les sons polyphoniques ont la capacité d'ajouter de l'harmonie aux rythmes, qui, bien sûr, comme une toute nouvelle dimension à votre kit sonore rythmique. Cependant, vous devez savoir que dès qu'il a introduit des sons polyphoniques dans votre composition, les harmonies et les harmonies prennent beaucoup de place dans le mix. Vile Mona Phonic sons haveem, ou point focal distinct et peut être utilisé en plus de nombres en raison de leur utilisation minimale hors de la toile hors son que vous peignez. En tant que compositeur, vous avez maintenant appris deux distinctions de voies entre les sons phoniques des modèles rythmiques sons mal phoniques. Continuons donc à apprendre plus de fondements du rythme dans la prochaine vidéo. 8. Droit et triplets: Maintenant, vous avez déjà appris la cupidité de la musique et que les valeurs de note passent d'un trou plein à 1/2 bar, puis divisent par moitié, jusqu'à un 256e de un alésage. Ce sont les valeurs standard des notes droites. Mais il y a aussi une chose appelée triplets, qui est très couramment utilisée dans de nombreux styles de musique, compositions orchestrales à la musique pop moderne. En fait, nombreux styles modernes de musique basée sur le rythme reposent fortement sur les triplés, par exemple, dans les modèles de chapeau haut. Alors quoi ? Ou des triplés ? Cette explication simple est la suivante. 33 notes jouées dans une séquence ont la même longueur totale que les notes droites de la même valeur. Ainsi, par exemple, deux notes droites ou la même longueur que trois triplets huit notes. Fondamentalement, cela signifie qu'un triplet est 2/3 de la valeur de note droite. Permettez-moi de vous donner un exemple plus pratique. Si vous sentez une balle pleine sur les 16e notes droites, vous obtiendrez , bien sûr, , bien sûr,16. Mais si vous sentez un football avec 16e notes triplés, vous obtiendrez plus de notes depuis les triplés ou 2/3 de cette grande valeur de note. Donc, si vous divisez par deux, puis multipliez par trois, vous obtiendrez la quantité finale de notes. Dans ce cas, nous avions 16 notes, donc diviser par deux est huit, puis multiplier par trois et vous obtenez 24. Ainsi, dans un alésage complet, vous pouvez adapter 24 triplés. 16 notes de huitième triplet sont probablement les plus couramment utilisées, et pour cette valeur de note, vous pouvez placer huit notes droites dans un alésage complet, ce qui se traduit par 12 notes de huitième triplet. Super, Vous avez maintenant appris la différence entre les notes droites et les triplés, comment ils sonnent et comment les utiliser pratiquement et les monter dans la cupidité de votre D huit d'entre vous. Alors allez-y maintenant et pratiquez des triplés parce que c'est un excellent moyen d'ajouter de la variation et de pimenter votre groove avec et je vous verrai dans la prochaine vidéo 9. Rythme principal et syncopation: pour composer des motifs rythmiques intrigants et engageants dans votre musique, vous devez utiliser la mise hors tension Syncopation. Alors, qu'est-ce que la Syncopation en musique ? Eh bien, fondamentalement, le rythme principal est ce qui anime votre musique. Les ancres ne parlent pas et Syncopation, ou l'introduction de motifs contraires qui se sent inattendus pour l'auditeur et agissent comme une sorte d'interruption du flux régulier. Le rythme principal porte. C' est essentiellement un contre-rythme au rythme principal. La syncopation peut également être un accent inattendu, où elle ne se produit généralement pas dans le rythme principal. Donc, en termes simples et simples, Syncopation est les schémas rythmiques inattendus qui vont à l'encontre du flux régulier du rythme principal. Maintenant, comment les utilisez-vous en pratique ? Eh bien, personnellement, je crée le rythme principal d'abord et marque les accents. Puis, quand je sens que la rainure principale est terminée, j'ajoute ces syncopations rythmiques inattendues. syncopation est le plus souvent utilisée dans les percussions et les instruments rythmiques plus élevés, tandis que les instruments et les sons rythmiques inférieurs agiront comme l'ancre et la conduite du rythme principal. Laissez-moi vous donner une démonstration sonore rapide de l'utilisation de Syncopation pour pimenter vos rythmes. avec. Ainsi, comme vous pouvez le voir dans les notes de presse ici, nous avons le flux principal hors du rythme dans les 1ers 3 trous. Et puis ici dans le quatrième alésage, nous avons des notes triplets sur les sons ostinato à cordes ainsi que sur les sons clap, mais huit droits sait ici dans la base et ainsi de suite. Donc c'est ce qui crée ces Syncopation dans le rythme. Joli. Vous avez maintenant appris la différence entre le rythme principal et la Syncopation. La syncopation nécessite souvent une certaine expérimentation pour obtenir unmotif rythmique agréable et dépassé, motif rythmique agréable et dépassé, car essentiellement vous agissez contre le flux principal. Mais c'est un excellent moyen d'ajouter de l'intérêt et de pimenter votre groove avec. Alors agissez dès maintenant et pratiquez un seul patient lorsque vous créez vos motifs rythmiques dans votre d aaw on, puis continuez dans la vidéo suivante. 10. Remplissages et transitions: éléments rythmiques ou parfaits pour épicer votre musique à certains endroits de votre piste. Ceci est particulièrement important dans les transitions entre deux sections. Vous pouvez le faire en ajoutant un remplissage ou en modifiant brusquement le motif rythmique juste avant la transition. Mais il est également important d'ajouter quelques variations à l'intérieur de vos ports rythmiques en incluant quelques remplissages supplémentaires, même pendant vos sections principales de votre musique, il n'a pas besoin d'être beaucoup juste une saveur supplémentaire ici et là pour ajouter quelques variations. Par exemple, ajouter un peu de remplissage chaque quatrième alésage, ce qui est très commun pour les batteurs de le faire comment va utiliser en arrêtant vos ports rythmiques et modèles en incluant des remplissages et des transitions qui est votre liberté créative en tant que compositeur. Maintenant, laissez-moi terminer avec la démonstration sonore rapide en utilisant des remplissages et des transitions avec le rythme dans votre musique. C' est donc la première section, et c'est la deuxième section. Je vais jouer à partir d'ici et écouter attentivement les éléments de la sensation de transition ici dans la partie finale de la section 1, en entrant dans la section 2. Bon, donc si on va voir ce qui se passe, on peut voir qu'on a moins de choses qui se passent ici et qu'on bloque plus longtemps les accords, les cheveux. Et puis dans le port de transition, nous avons beaucoup plus de choses à faire, qui fondamentalement, ce sont les Phils qui vont dans l'énergie supérieure à la section 2. Vous pouvez faire beaucoup de choses comme des sensations et des transitions dans votre musique. Par exemple, introduisez quelques battements supplémentaires sur votre batterie et vos ports de percussion, quelques notes supplémentaires sur vos autres instruments, cymbales et des sons percussifs plus longs ou parfaits pour les deux sensations et surtout les ports de transition . Et vous pouvez même faire des effets sonores pour vos transitions, comme des sons inversés ou des effets Reiser. Génial. Maintenant, vous avez appris l'importance hors rythme pour les remplissages et les transitions dans la musique, et aussi comment vous pouvez les utiliser pour ajouter de l'excitation et de la variation dans les transitions entre vos sections. Maintenant, continuons dans la vidéo suivante. 11. Un battat pour les tous tous: en rythme. Les différents battements et divisions ont divers degrés hors puissance et autorité. En fait, il y a un temps pour les gouverner tous. Je parle, bien sûr, du bien sûr, dumal de chaque alésage, c'est-à-dire du tout premier temps. Voici où vous mettez généralement le plus d'accent dans vos rythmes, où la plupart des hits lourds atterrissent. Pourquoi ? Parce que c'est l'ancre rythmique pour l'auditeur. Comme au milieu d'un cercle, où tout évolue autour. J' ai créé un terme que j'enseigne la composition musicale, que j'appelle les notes de puissance. Il peut s'agir d'accents super lourds sur les tambours et les percussions, mais aussi d'une seule note avec un long, soutenu, sur n'importe quel type d'instrument. Par exemple, une guitare électrique déformée ou une note de design sonore puissante comme, par exemple, la Bram. Ces notes de puissance sont essentiellement toujours sur le premier battement sur un alésage, cependant, généralement pas sur chaque barre, surtout pas pour le grand soutenu peut-être tous les autres conseils, chaque quatrième balle ou même chaque huitième alésage. Laissez-moi vous donner une démonstration rapide maintenant, hors d'un temps pour les gouverner toute la puissance des premiers battements dans chaque barre et aussi comment nous pouvons utiliser la puissance sait pour ces accents très lourds. Puissant, en effet. Assurez-vous donc qu'il a utilisé ces connaissances à votre avantage en tant que compositeur de musique. Le premier battement a porté le seul battement pour les gouverner tous. Et n'oubliez pas d'utiliser des notes de puissance lorsque vous voulez ajouter ces accents très lourds dans votre histoire musicale. Maintenant, continuons dans la vidéo suivante. 12. Intro Le rôle du rythme: rythme est la musique cool off. Même s'il n'y a pas de batterie et de percussions dans votre piste, vous aurez toujours des motifs rythmiques partout, mais un port qui ne sera pas l'épine dorsale de vos compositions musicales. Ce que toutes les règles spécifiques rythme jouer Eh bien, j'ai fait une liste des rouleaux pratiques essentiels rythme a dans la musique choses que vous devriez vraiment apprendre bien et toujours être conscient quand vous composez votre musique. Et dans ce module, nous allons les parcourir un par un. Alors je te verrai dans la prochaine vidéo. 13. Action et énergie: rythme est ce qui définit la quantité d'énergie et de sensation d'action de votre musique. Un rythme très simple avec de longues notes soutenues aura moins d'énergie et d'action. Il peut encore être puissant en effet, mais l'absence de DR rendra l'ambiance globale moins centrée sur l'action et plus centrée sur l'humeur. D' un autre côté, si vous avez des motifs rythmiques plus distincts et essentiellement des notes et des battements plus rythmiques , cela augmentera l'énergie et intensifiera l'action. Donc, l'un des principaux rôles du rythme est de choisir de manière créative la quantité d'action et d'énergie sur laquelle vous devez vous concentrer dans n'importe quelle section de votre musique par rapport à la quantité de musique qui doit être axée sur l'humeur et l'ambiance. Le choix et le pouvoir sont entre vos mains en tant que compositeur de musique. Maintenant, laissez-moi vous donner une illustration rapide de l'utilisation du rythme pour déterminer la quantité d'action et d'énergie dans la musique. Cet exemple montre clairement le rythme de mise hors tension pour contrôler la quantité d'action et d'énergie dans votre musique. Vous avez clairement entendu la grande différence, mais vous pouvez également la voir en regardant simplement combien il se passe. Donc, si je vais dans le rouleau de piano pour, disons, la piste de piano ici jouant les courts, vous pouvez voir que le premier port a simplement de longues notes de corde sur la deuxième partie est beaucoup plus occupé avec un motif rythmique. Et si nous allons dans la piste de batterie ici, vous pouvez voir qu'il y a beaucoup plus de notes sur la deuxième partie avec un rythme beaucoup plus animé mais aussi l'énergie éteinte. Ce second port est plus élevé en raison d'une augmentation de l'intensité, ce qui signifie des tambours plus difficiles à frapper et ainsi de suite. Et vous pouvez le voir par la couleur des notes, qui représentent les valeurs de vélocité. valeurs de vitesse plus élevées signifient des notes plus fortes et plus d'intensité. Super. Maintenant, vous avez appris que le rythme joue un rôle majeur dans la conception de l'action et de l'énergie votre musique, alors continuons dans la prochaine vidéo. 14. Conde et pulse: Un autre rôle majeur du rythme est d'être utilisé comme une impulsion qui pousse votre musique vers l'avant, par exemple, sur la base, sur la base, tout peut-être une guitare rythmique ou sur ostinato String Pattern s un compositeur de musique . Vous pouvez utiliser de nombreuses façons pour ajouter ce lecteur à votre musique n'importe quoi, du battement classique de 44 kick drum à une séquence droite de huit notes sur la ligne de base. Vous pouvez également ajouter de la rainure dans le lecteur en faisant varier les longueurs et les horaires des notes. Vous pouvez faire voler le lecteur comme un ou pidio. Ou vous pouvez choisir d'avoir un regard la rainure punchy avec des accords de bloc sur les cordes de bétail , par exemple. Ou vous pouvez choisir d'avoir un récif répété pour piloter votre musique. Ce sont tous des choix créés que vous ferez en tant que compositeur. Combien de concentration devrait être sur le lecteur et copains dans votre musique, et vous voulez un Paul répété pour être comme une ancre ou se concentrer plus sur la rainure avec le lecteur de style récif et très longueurs de notes et les horaires. Félicitations. Vous avez maintenant appris que le rythme joue le rôle de concevoir le lecteur et les copains dans votre musique. Laissez cette connaissance entrer, puis continuons dans la vidéo suivante 15. Remplissages et transitions: éléments rythmiques ou parfaits pour épicer votre musique à certains endroits de votre piste. Ceci est particulièrement important dans les transitions entre deux sections. Vous pouvez le faire en ajoutant un remplissage ou en modifiant brusquement le motif rythmique juste avant la transition. Mais il est également important d'ajouter quelques variations à l'intérieur de vos ports rythmiques en incluant quelques remplissages supplémentaires, même pendant vos sections principales de votre musique, il n'a pas besoin d'être beaucoup juste une saveur supplémentaire ici et là pour ajouter quelques variations. Par exemple, ajouter un peu de remplissage chaque quatrième alésage, ce qui est très commun pour les batteurs de le faire comment va utiliser en arrêtant vos ports rythmiques et modèles en incluant des remplissages et des transitions qui est votre liberté créative en tant que compositeur. Maintenant, laissez-moi terminer avec la démonstration sonore rapide en utilisant des remplissages et des transitions avec le rythme dans votre musique. C' est donc la première section, et c'est la deuxième section. Je vais jouer à partir d'ici et écouter attentivement les éléments de la sensation de transition ici dans la partie finale de la section 1, en entrant dans la section 2. Bon, donc si on va voir ce qui se passe, on peut voir qu'on a moins de choses qui se passent ici et qu'on bloque plus longtemps les accords, les cheveux. Et puis dans le port de transition, nous avons beaucoup plus de choses à faire, qui fondamentalement, ce sont les Phils qui vont dans l'énergie supérieure à la section 2. Vous pouvez faire beaucoup de choses comme des sensations et des transitions dans votre musique. Par exemple, introduisez quelques battements supplémentaires sur votre batterie et vos ports de percussion, quelques notes supplémentaires sur vos autres instruments, cymbales et des sons percussifs plus longs ou parfaits pour les deux sensations et surtout les ports de transition . Et vous pouvez même faire des effets sonores pour vos transitions, comme des sons inversés ou des effets Reiser. Génial. Maintenant, vous avez appris l'importance hors rythme pour les remplissages et les transitions dans la musique, et aussi comment vous pouvez les utiliser pour ajouter de l'excitation et de la variation dans les transitions entre vos sections. Maintenant, continuons dans la vidéo suivante. 16. Leadership et augmentation: en utilisant le rythme pour le leadership contre l'augmentation. C' est une leçon très importante pour vous. À leur propre rythme. Peut soit prendre le rôle de chef de file dans votre musique, ce qui signifie qu'il va piloter la piste et être le centre de la mise au point. Cela signifie essentiellement que le rythme est le principal moteur de votre composition. Sur cela, les autres éléments suivront la direction de votre principal lecteur rythmique. Mais le rythme peut également être utilisé pour augmenter des ports spécifiques dans votre composition. Cela signifie essentiellement qu'il est utilisé pour accepter certains rythmes pour améliorer ce que fait le reste de votre musique. Cela est particulièrement vrai pour les tambours et les percussions, qui sont souvent utilisés pour augmenter certaines parties de vos riffs, crochets ou autres déports Melo. rythme peut passer du rôle de leadership au rôle d'augmentation et revenir plusieurs fois au cours de l'attraction. En outre, combien de rythme joue le rôle de leadership dans attirer dépend du spectacle Aunger et style de votre musique. Par exemple, dans la musique d'orchestre, musique classique et Jess vraiment plus souvent placer le rôle croissant, tandis que les styles populaires de la musique comme E g. M. Et rythme bat est plus souvent prendre le siège avant conduire et conduire la piste vers l'avant . Cependant, indépendamment de Sean Ger et du style, je vous recommande fortement d'utiliser le rythme dans les deux modes dans chaque morceau de musique que vous composez , parce que ceux qui augmentent les coups de percussion peuvent vraiment élever votre piste à un et une , meilleure expérience pour les auditeurs. Maintenant, permettez-moi de terminer par une démonstration sonore rapide, en changeant le rythme d'un rôle de leadership et de siège avant pour augmenter le rôle puis revenir à la direction, tout dans la même voie. C' est le genre de variation dans la Rome du rythme que vous devriez pratiquer en tant que compositeur, accord, donc j'ai trois sections différentes dans cet exemple. Comme vous pouvez le voir ici dans la première section, rythme a placé le rôle de chef de file, essentiellement en faisant avancer le fait. Dans la deuxième section, le rythme prend le rôle d'augmentation. Fondamentalement, les motifs rythmiques s'augmentent mutuellement sur certains battements spécifiques dans le motif. Et dans la troisième section, le rythme revient à jouer à nouveau le rôle de chef de file et essentiellement à conduire la piste jusqu'à la fin ici. Alors écoutons. - Donc si on jette un coup d'oeil ici dans le rouleau de piano, si je sélectionne tous ces ports dans la première section. abord, vous pouvez voir qu'il n'y a pas d'accents distincts dans le rythme, ce qui signifie qu'ici le rythme prend le rôle de leadership, qui est le lecteur et le flux hors de la piste. Et si nous continuons à la Section 2 et que nous allons être le rouleau de piano, vous pouvez voir clairement que ce sont des accents très distincts ici dans le rythme, ce qui signifie qu'ils se disputent. C' est quand le rythme prend le rôle d'augmentation dans votre musique, puis il revient à être un flux sec pour la piste. Je suis Jill the End Super Now, vous avez appris l'importance d'utiliser le rythme à la fois dans un rôle de leadership ainsi que dans un rôle d'augmentation, et aussi qu'il peut librement basculer entre eux plusieurs fois pendant votre composition musicale. Essayez-le et assurez-vous de pratiquer ces rôles chaque fois que vous faites de la musique. Non, continuons dans la prochaine vidéo 17. Le pouvoir du silence: l' élément le plus puissant de la musique est le silence. Sans silence, il n'y aurait pas de musique. C' est comme la lumière et les ténèbres. Ils ont tous les deux besoin l'un de l'autre pour exister. Je veux donc vous mettre au défi de penser différemment à votre rythme. Parfois, au lieu de ce que vous voulez ajouter, considérez où vous souhaitez que ces ports silencieux soient. Cela peut être vraiment ouverture de l'esprit quand vous réalisez que le silence est hors de la même importance. Donc, le rôle final et peut-être le plus important du rythme est d'introduire le silence dans votre musique. Fondamentalement, si vous y pensez, chaque motif rythmique que vous composez peut être regardé de deux points de vue différents. Soit vous voyez les notes pour ce qu'ils ou leur timing, leur longueur et leur hauteur. Ou vous pouvez le regarder de l'autre côté de la pièce. Vous avez un motif inversé entre toutes vos notes dans votre rythme, qui sont les parties silencieuses des ports. Ta musique respire, donc tu fais de l'exercice. Voici la prochaine fois que vous programmez des schémas rythmiques sur batterie et percussions ou que vous conduisez ports d'instruments rythmiques. Regardez ce silence entre les notes et vous verrez qu'il s'agit en effet d'un modèle en soi. Je crois sincèrement que c'est l'un des éléments les plus importants dont vous avez besoin en tant que compositeur de musique. Maintenant, laissez-moi vous montrer le silence hors tension dans la musique. J' ai composé ici une courte piste d'exemple. Et si vous regardez de près ici à la fin, il y a beaucoup d'espace qui signifie silence avant la fin finale de la chanson. Alors écoutons la piste. Donc, vous avez clairement entendu le silence à la fin de la chanson. Mais c'est aussi très efficace dans les transitions. ce moment, j'utilise une transition de type de champ, ce qui signifie plus de notes, comme vous pouvez l'entendre si vous écoutez maintenant, mais je pourrais plutôt utiliser le silence de mise hors tension pour créer de l'anticipation pour la prochaine partie de la chanson. Donc, si j'ai utilisé l'outil de sélection ici et prendre ces ports ici et puis les couper en sourdine, écoutons ce que ces poussières à la transition comme vous avez entendu un résultat complètement différent . Mais cela fonctionne aussi très efficace, en utilisant le silence de puissance pour créer un peu d'air et de respiration pour la musique jusqu'à ce qu'une nouvelle section frappe toujours considère le silence comme une option et un choix artistique créatif. Bon maintenant, continuons dans la prochaine vidéo 18. Intro Les sons de rythme: rythme est l'épine dorsale de la musique. Il coule à travers une chanson comme un grand pilier puissant qui tient tout pour l'obtenir. Donc, en tant que compositeur, vous devez vous assurer d'équilibrer les parties rythmiques de votre musique en termes de son hors son , parce que je suis sûr que vous voulez que votre musique soit pleine et qu'elle ait un impact émotionnel puissant parmi vos auditeurs. C' est pourquoi j'ai fait une liste de mes meilleurs conseils sur les choses essentielles sur lesquelles vous devriez vous concentrer lors de la création de votre kit sonore rythmique et équilibrer les sons rythmiques de votre musique. Ce sont précisément les choses du rythme sur lesquelles je me concentre personnellement en tant que compositeur, quel que soit le style musical ou le chanteur. Alors passons à travers eux un par un dans ce module. 19. Équilibre de style: La première chose à considérer est l'équilibre entre le style, ton et le caractère des sons rythmiques que vous choisissez d'inclure dans votre kit audio rythmique . Et, bien sûr, cela est principalement décidé par ce shong, ger et le style de musique que vous voulez composer. Par exemple, si vous comptez composer une piste cinématographique orchestrale, le son rythmique, il sera très différent d'une chanson pop contemporaine, ce style de batterie, percussions et de rythmiques instruments, le ton et le caractère de chaque son. Tout doit être cohérent avec l'image globale que vous essayez de créer. Cependant, vous ne devriez pas avoir peur d'expérimenter avec des combinaisons intéressantes et inhabituelles, tant que vous êtes conscient que la gamme complète de sons que vous finissez par utiliser pour les ports rythmiques de votre piste devrait avoir l'impression de se fondre ensemble d'une manière policière et cohérente. Le point principal ici est que vous concevez un kit sonore rythmique qui devrait se sentir comme un kit, pas simplement une bombe de sons rythmiques empilés ensemble. Permettez-moi maintenant de terminer par une démonstration sonore d'un kit sonore rythmique complet, équilibré dans le style, ton et le caractère pour une ambiance spécifique. J' ai choisi comme compositeur. Dans cet exemple, j'ai en fait composé les parties mélodiques de la piste pour mettre davantage l'accent sur les rythmes étant un kit de batterie, une percussion ivre, percussions orchestrales et des motifs ostinato à cordes hautes et basses. Donc, pour tous les sons, ils ont besoin de sonner qu'ils appartiennent ensemble dans un kit audio. Et même si j'utilise un kit de tour comme celui-ci, le kit de batterie est en fait trempé dans une grande réverbération pour aller avec la percussion orchestrale comme vous pouvez entendre Now. Si je devais utiliser comme un E g m ou beat style ivre, il ne se mélangerait pas bien avec la grande percussion orchestrale. Votre mission en tant que compositeur est de s'assurer que tous les sons rythmiques ainsi que les instruments mélodiques se fondent en un son complet. Félicitations. Vous avez maintenant appris l'importance d'équilibrer cette tonalité de style et le caractère de votre kit sonore rythmique, alors continuons dans la prochaine vidéo 20. Équilibre: En tant que compositeur, vous êtes fondamentalement comme un peintre avec une toile. Mais au lieu de sentir la toile avec Kohler, vous le sentez avec des sons. Le cadre dans lequel vous travaillez lors de la composition est basé sur la gamme de fréquences dans la musique de la base la plus basse, qui est d'environ 20 hertz jusqu'au plus grand problème, qui va jusqu'à 20 000 hertz. Maintenant, il y a une raison pour laquelle le kit de batterie acoustique traditionnel est mis en place. Le poids est, et c'est à cause de la balance off plage signifiant plages de fréquences. Chaque élément de batterie et de percussion a un port différent sur la toile pour sentir avec sa couleur . Pour rendre la musique pleine et complète, vous devez sentir toute la toile. Ainsi, lorsque vous créez votre kit audio rythmique pour votre composition, assurez-vous de sentir toute la toile, depuis les basses basses basses jusqu'aux plus grands problèmes . L' équilibre signifie également qu'aucune partie hors de cette plage ne devrait dépasser les autres. Le point principal ici est de ne pas placer trop de sons dans une plage. Au lieu de cela, faites en sorte que l'ensemble du kit sonore rythmique soit comme un plancher équilibré pour transporter toute votre composition, y compris toute la gamme de fréquences de la musique. Permettez-moi de terminer avec une démonstration sonore rapide, ou ils font vraiment un kit sonore qui remplit toute la toile de la musique avec une utilisation équilibrée sur toute la gamme de fréquences. C' est encore plus clair si nous regardons ici au piano. Rouler. J' ai sélectionné tous les ports de la piste. Donc, comme vous pouvez le voir, il va de la base la plus basse au plus haut aigu ici. Et c'est ce qui donnera un son large et complet à votre kit sonore rythmique. Incroyable. Vous avez maintenant appris que c'est un compositeur. Vous êtes fondamentalement un peintre hors son et que votre musique doit équilibrer toute la gamme de fréquences tout comme un peintre sent toute sa toile avec des couleurs. Maintenant, continuons dans la prochaine vidéo. 21. Équilibre de stéréo: en tant que compositeur de musique. Vous avez également votre portée de toile dans le champ stéréo des quatre à gauche à quatre à droite. Vous avez essentiellement une scène pour placer tous vos sons. Utilisez ceci à votre avantage lorsque vous créez votre kit audio rythmique. En règle générale, les sons et instruments plus profonds fonctionnent mieux dans ces centres hors du champ stéréo, comme votre batterie de kick. Grosse percussion, faible impulsion depuis etcetera. C' est principalement parce qu'ils ont plus de puissance et de pression sonore et ont donc besoin de l'avantage des deux haut-parleurs. Mais disons que vous avez une guitare rythmique jouant avec un piano rythmique en même temps. Panned les dans des directions opposées, et vous allez créer une stéréo plus large et plus profonde dans votre musique. Andi. Obtenir plus de clarté et de séparation dans le processus. Votre objectif est d'avoir votre kit audio rythmique avoir un champ stéréo équilibré avec beaucoup séparation et de profondeur de l'utilisation de la mise hors tension panoramique. Laissez-moi vous faire une démonstration sonore rapide. D' accord, donc ici j'ai deux pistes, une piste de piano rythmique, qui sonne comme ça, et une piste de guitare rythmique acoustique, qui sonne comme ça, donc tout seul. Très sonore. Vraiment bien. Nous avons donc deux modèles rythmiques différents. Alors que se passe-t-il si je les joue tous les deux ensemble mais que les deux ont joué au milieu ? Donc pas de séparation dans le champ stéréo ? Écoutons. Ça sonne plutôt bien, mais je peux ajouter plus de séparation dans le champ stéréo en panoramique. Disons un peu le piano à gauche et la guitare à droite comme ça. Faisons trop, en fait, pour le rendre vraiment évident. Alors écoutons maintenant, et vous entendrez une nette séparation entre ces deux rythmes. C' était un exemple de désactivation de la stéréo pour éteindre. Votre travail de compositeur est d'équilibrer tous vos instruments, y compris votre kit audio rythmique dans le domaine stéréo, vos tambours, vos ports de percussion, vos instruments rythmiques et de comping. Ils doivent tous être placés et équilibrés dans les états stéréo larges que vous avez disponibles lorsque vous peignez sur la toile. Ça sonne bien. Vous avez maintenant appris la mise hors tension du champ stéréo et la séparation lors de la création de votre kit audio rythmique , car votre toile en tant que compositeur de musique s'étend de l'extrême gauche à la quatre droite. D' accord. Maintenant, continuons dans la prochaine vidéo 22. Équilibre: maintenant une partie très importante de votre kit audio rythmique est l'équilibre de la profondeur. Il s'agit d'une dimension supplémentaire qui peut rendre votre musique mawr tridimensionnelle, et elle est créée en équilibrant la quantité et la profondeur de la réverbération. Pour tous les sons de votre kit audio rythmique, moins la réverbération sera proche et plus haut du son, sorte que vous pouvez avoir quelques sons plus loin en ajoutant Mawr et Big River à eux. Utilisez la plage de profondeur pour séparer et augmenter la séparation de l'espace de vos sons rythmiques. Mais sachez que trop de différence de profondeur peut sembler étrange. Par exemple, un son de batterie totalement sec dans un mix où le reste des sons est dans un grand trou orchestral sonnera égaré. Voici donc un kit sonore rythmique équilibré pour un son cinématographique orchestral. Nous avons des tambours bas, bassins, tous joués en profondeur, une réverbération orchestrale entière et parfois des médiateurs supplémentaires. Salut, tambours Snap de Tom sont là. Il y a 10 Marines. Quelques shakers supplémentaires apparaissent, également trempés dans une réverbération de trou énorme, puis quelques symboles orchestraux. Ensemble, ils sonnent comme un kit sonore complet et cohérent à l'intérieur d'un trou d'orchestre. Oui, vous pouvez entendre. Comparez cela à ce style E G M, ce qui est très serré et sec, qui est très serré et sec, qui signifie pas beaucoup de réverbération du tout, donc cela ne va pas bien se fondre avec ce kit de son orchestral. Laisse-moi jouer d'ici et depuis le début avec la grosse caisse orchestrale. Il ne se fond pas bien parce qu'il y a trop de différence dans l'équilibre de la profondeur dans tout ce rythmique qui l'a coulé. Votre travail en tant que compositeur est de vous assurer que votre kit complet de sons rythmiques avec tous vos sauts, percussions et instruments rythmiques soit équilibré dans le champ de profondeur. Cela se fait principalement avec la réverbération, la quantité d'utilisation de la réverbération pour chaque piste et aussi la taille de l'espace au large de la rivière est incroyable . Vous avez maintenant appris la profondeur de mise hors tension et la séparation de trois D lors de la création de votre socket rythmique parce que votre toile en tant que compositeur a en fait une dimension de trois D. Bon, continuons dans la prochaine vidéo 23. L'une des couches pour l'impact: sons rythmiques, rythmes de conduite et percussions, ou tout incroyablement bien adapté pour la superposition. Parce que lorsque vous calque deux sons ou plus qui se déclenchent en même temps, le résultat final ressemble à un seul son pour l'auditeur. Mais avec un nouveau type de couleur, sons de superposition les rendront plus riches et plus puissants, et c'est un excellent moyen d'obtenir un impact mawr. Il fonctionne particulièrement bien pour les accents dans la musique, par exemple, il est très fréquent de superposer une caisse claire avec un clap pour obtenir un accent encore plus puissant ou superposer plusieurs sons ensemble pour rendre votre kick drum plus grand. On a un Big Tom sur le même rythme qu'une grosse grosse grosse caisse orchestrale et peut-être un crash de Cymbal . superposition dans le rythme est, en fait, l' une des façons les plus fondamentales d'accepter des rythmes dans votre musique et aussi bien des meilleures façons de créer de nouvelles couleurs sonores intéressantes et uniques. Parce que non seulement les couches elles-mêmes comptent, mais aussi la façon dont vous choisissez de les mélanger et de les mélanger ensemble. Par exemple, si vous mélangez une caisse claire et un clap, vous pouvez choisir la façon dont vous mélangez les niveaux ainsi que les repères et filtres, compression et toute unité d'effet spécial par couche. Personnellement, je trouve que la superposition est l'un des ports les plus amusants et créatifs, créant votre kit sonore rythmique pour votre musique. Maintenant, laissez-moi vous donner une démonstration sonore rapide de l'utilisation de la mise hors couche à la fois dans la création de son rythmique kid sur l'arrangement des notes dans le séquenceur pour créer de nouvelles couleurs, accents plus proéminents et un son unique. J' ai donc composé cet exemple ici avec de faibles percussions sur la basse orchestrale, la batterie basse , haut de Tom, shakers de Tom, les symboles et ainsi de suite. Et si nous jouons chacun seul, la grosse grosse caisse orchestrale, la basse Tom et ainsi de suite, ils peuvent sonner assez bien seuls. Mais c'est quand on les superpose ensemble. Et si nous allons dans le rouleau de piano et Butch, si je sélectionne toutes ces parties, vous pouvez le voir si je me poursuit maintenant que les accents de la grosse caisse frappent ici sur la note basse ici, ou ex entré avec superposition sur beaucoup de d'autres ports de percussion, c'est ce qui crée plus d'impact sur les battements spécifiques. Donc, si nous écoutons tout ensemble maintenant, ça semble génial. Vous avez maintenant appris le pouvoir de superposition pour créer de nouvelles couleurs uniques et aussi pour améliorer les accents de votre musique. Alors continuons dans la prochaine vidéo. 24. Intro The Performance de rythme: de nombreux compositeurs se concentrent sur des mélodies créatives et expressives, des motifs puissants et des progressions d'accords colorées. Mais qu'en est-il du rythme ? Les performances rythmiques de votre musique sont incroyablement importantes, car c'est la musique très cool off. Et comme tout dans la musique, le rythme a aussi besoin de variations dans la performance, mouvement du mouvement et la dynamique. Pour le rendre intéressant pour l'auditeur, j'ai fait une liste de mes meilleures choses sur lesquelles me concentrer pour créer une excellente performance avec votre kit audio rythmique. Examinons les un par un dans ce modèle. 25. Variation dans l'intensité: un des aspects les plus importants de n'importe quel son rythmique est l'intensité de chaque note à quel point le tambour est frappé, quel point les cordes de la guitare ou grattées et ainsi de suite. La variation de la dynamique de l'intensité la plus élevée marque un accent et la plus faible intensité ou souvent utilisée comme notes de grâce, ce qui signifie qu'ils sont à peine entendus mais ajoutent encore un peu d'épice à la performance de votre D. W. souvent utilisée comme notes de grâce, ce qui signifie qu'ils sont à peine entendus mais ajoutent encore un peu d'épice à la performance de votre D. W. les valeurs de vitesse comprises entre 0 et 127 les plus douces et les plus bruyantes. Voici donc deux notes de piano. Le 1er 1 a la valeur de vitesse de 1, et le 2ème 1 a 127. Comme vous pouvez le voir, c'est le Mex, et c'est le plus bas avec lequel vous pouvez jouer une note. Donc si je joue ça maintenant, vous devrez vraiment écouter très attentivement pour entendre même le son éteint. Cette première note ici et puis c'est sera dynamitage à plein volume. Alors préparez-vous pour ça maintenant. Bien sûr, c'était un exemple extrême. Alors laissez-moi revenir dans le séquenceur et puis vous cette piste de piano et j'ai préparé une piste de batterie ainsi qu'une piste de basse. Et la raison pour laquelle ce sport est plus en rouge, c'est parce que je suis entré dans l'éditeur de piano et j'ai augmenté les valeurs de vélocité de ces notes. La valeur moyenne ici dans ce port est beaucoup plus élevée que la valeur moyenne de vitesse ici, et vous pouvez les voir à partir des couleurs ici, qui est plus vert et bleuâtre ici et dans cette partie, plus de jaunes et de rouges, qui est les couleurs, au moins la logique utilise pour indiquer les valeurs de vitesse de chaque note. Donc, si nous prenons une écoute maintenant, vous entendrez qu'il est beaucoup plus intense dans cette deuxième partie de la première partie. Alors écoutons, et la variation d'intensité n'est pas seulement importante pour un son individuel, elle est aussi importante pour l'ensemble de la section rythmique, par exemple. Habituellement, le chœur de son propre a une intensité moyenne plus élevée, surtout pour les parties rythmiques, car ils sont le noyau qui fait avancer la musique. Votre objectif est d'utiliser la gamme off intensité comme une performance dynamique pour rendre vos rythmes Mawr engageant et intéressant et, par conséquent, encore plus puissant, encore plus puissant, puisque les accents se sentiront plus forts s'ils sont entouré de cellules moins intenses. Super. Maintenant, vous avez appris l'importance de la variation d'intensité et de vous concentrer sur les valeurs de dynamique et de vitesse de chaque note de votre performance. Alors continuons dans la prochaine vidéo. 26. Variation de la complexité: vous pouvez avoir des regards qui se déroulent dans les rythmes, ce qui signifie beaucoup de notes dans chaque barre sur de nombreux instruments différents, que vous pouvez voir ici dans cette section, qui a beaucoup de choses dans les schémas rythmiques. Ou vous pouvez avoir un rythme très simple, que vous pouvez voir un exemple ici. Mais vous avez besoin de variations dans toutes les sections de votre musique et pour tous les éléments rythmiques individuels . Par exemple, l'interport d'une composition a généralement un rythme très simple pour guider l'auditeur dans le groove de la chanson. Et puis il peut devenir plus complexe dans d'autres ports de la composition, les schémas rythmiques les plus complexes et BC, ou des choses comme les transitions de Phil entre les sections et, bien sûr, les âmes de tambour et de percussion classiques. Votre objectif est de créer plus d'intérêt dynamique et de variation dans l'action et de chasser votre musique en utilisant la gamme de la complexité dans vos parties rythmiques de simples et sportives trop complexes et denses. Maintenant, laissez-moi vous donner une démonstration sonore rapide, construisant la complexité, passant du simple et sportif à un rythme beaucoup plus complexe et intéressant. J' ai donc deux pistes qui jouent un rythme ici, une piste de batterie et une base, et j'ai marqué la première section bleu foncé et celle-ci rouge. Donc, ces systèmes ou modèles rythmiques simples et puis cette section est beaucoup la complexité de l'embauche , que vous pouvez voir si je vais dans l'éditeur de piano roll. Il y a beaucoup plus de notes qui se passent dans cette fête. Les deux parties partagent la même structure de temple et d'accord. La seule différence ici est la complexité des schémas rythmiques. Alors écoutons. Incroyable. Maintenant, nous avons appris l'importance de la variation de la complexité de vos rythmes et concentrer sur les différentes sections de votre chanson ainsi que sur les rythmes individuels de chaque instrument. Bon, continuons dans la prochaine vidéo. 27. Variation dans les motifs: dans les modèles de Villa Mick, puisque le rythme est le cœur même et l'ancrage de la musique. C' est l'un des aspects les plus difficiles à équilibrer dans une composition, car l'auditeur a besoin d'un rythme pour s'accrocher à quelque chose qui se sent familier et prévisible. Mais en même temps, il désire des variations. En tant que compositeur, vous devez équilibrer ces choses répétition et variation dans les motifs rythmiques que vous créez dans votre composition. Vous avez besoin de répétition pour mettre l'ancre hors de la route Big Foundation. Mais il a aussi besoin de quelques variations pour créer un morceau de musique plus intéressant. La meilleure façon d'introduire la variation est, bien sûr, dans les différentes sections de votre musique et aussi dans les transitions entre elles. Mais vous avez également besoin de quelques variations dans les rythmes à l'intérieur des sections individuelles. Un pauvre naturel pour ajouter des espions dans les tambours et les percussions est, par exemple, chaque quatrième balle avec un peu de remplissage. Vous pouvez également introduire une variation en ajoutant un autre calque hors son ou même un symbole comme faisant tomber un son au milieu du rythme car dans la musique, le silence est aussi important que les sons. Votre but en tant que compositeur musical est de créer un bon équilibre entre la répétition et la variation vos schémas rythmiques tout au long de votre composition. Beaucoup de compositeurs en herbe ou de plus grandes mélodies, accords et harmonies, mais parfois oublier de passer du temps et de l'énergie pour diffuser ces détails et variations très importants dans les ports rythmiques. Maintenant, laissez-moi vous donner une démonstration rapide ou une variation des schémas rythmiques. J' ai donc deux pistes ici, une piste de batterie et une piste de basse, et j'ai en fait marqué avec des refroidisseurs les petits remplissages que j'ai ajoutés pour ajouter la variation dans les clients hors des rythmes. Il est donc courant pour chaque quatrième alésage 1234 ici, ici à la fin avant que la prochaine planche commence à avoir un peu de remplissage, surtout pour les tambours et les percussions. Mais j'ai également inclus quelques variations dans la base de référence ici aussi. Et en fin de piste, j'ai un peu plus de variation dans les motifs pour la base et la fin du quatrième alésage ici et pour cette section avant la fin de la piste, et j'ai même ajouté une petite variation dans le motif dans le dernier port hors chaque seconde alésage ici. Donc, ici, écoutons ces sons et en fait, regardons les éditeurs de piano pour que vous puissiez tout voir par vous-même beaucoup plus clairement. Très bien, donc nous avons la première petite variation ici à la fin de l'alésage, aussi, comme vous pouvez le voir ici. Ah, la fin de la barre 4, qui va dans la section suivante, la fin de la deuxième barre de la section 2. Vous pouvez voir le petit remplissage ici, et bien sûr, la fin de la piste a beaucoup plus de variations dans les schémas rythmiques. Alors maintenant, écoutons tout ça. Fascinant, n'est-ce pas ? Maintenant, vous avez appris l'importance de la variation dans vos rythmes, mais vous devez être conscient de l'équilibre entre la répétition et la variation. Trop peu de variation et les rythmes sonneront statiques, ternes, solaires et pas du tout inspirants. Et trop de variation sonnera comme un batteur qui fait une âme folle et refuse de s'arrêter. C' est votre travail en tant que compositeur de trouver cet équilibre pour chaque morceau de musique que vous créez. Bon maintenant, continuons dans la prochaine vidéo 28. Variation dans la chronologie: la musique est plus que de simples notes sur papier ou dans la grille de votre daaw. C' est un lien humain avec votre âme artistique sur la chose même qui nous rend humains. Nos imperfections sont aussi ce qui se sent plus naturel et émotionnel dans la musique. Cela signifie que c'est un compositeur qui produit de la musique dans un DEA W. Vous devez vous concentrer sur la variation du timing même de tous les instruments, sons et pistes de votre projet, la fois le timing global et le timing des notes individuelles. Par exemple, en termes musicaux, lorsque la musique est jouée légèrement avant le rythme, appelle se précipiter parce qu'elle crée une ambiance russe plus énergique et bien. Et quand les nouveaux signaux sont joués légèrement après le rythme, on l'appelle glisser, ce qui donne l'impression que la musique est en retard et cela vous rend sur le bord avec anticipation. Pour chaque nouvelle note, vous pouvez avoir différentes sections de votre musique. Soit vous précipitez ou faites glisser pour introduire une variation dans le groupe même de votre chanson, et vous serez surpris de voir comment même de très petits changements dans le timing hors de la rainure peuvent faire une énorme différence pour l'ambiance sur l'énergie de votre composition. Par exemple, avoir votre musique traîner un peu juste avant le choeur peut créer une grande anticipation et tension avant que le choeur ne frappe et avoir dans la section Russie bit peut le rendre plus énergique. Par exemple, dans le chœur, un autre aspect très important du timing dans un D. W. est la monétisation. Si vous appelez les liens tout à 100% à la grille, vous avez fondamentalement supprimé toutes les minuscules imperfections dans le timing qui rendent la musique vivante et humaine. Je vous recommande d'utiliser moins de force Qantas ation et d'ajuster manuellement la plupart des notes hors du temps dans vos performances. Et lorsque vous parlez de différences de chronométrage, non seulement le point de départ de chaque note compte, vous devriez également avoir une variation dans la durée des notes. Par exemple, disons que vous avez une ligne de base avec une huitième note. Eh bien, pour le faire paraître plus musical, humain et vivant, vous ne devriez pas avoir tous les modes être exactement huit nœuds de longueur dans le grade. Certains peuvent être légèrement plus courts et d'autres légèrement plus longs. Votre but en tant que compositeur est d'utiliser tous les éléments de timing dans la musique comme se précipiter et faire glisser timing hors des points de départ pour chaque note, ainsi que les longueurs de note pour donner à votre P une expression organique identique ou animée sur le résultat émotionnel. Laissez-moi vous donner une démonstration sonore rapide d'un rythme robotique statique sans variation de chronométrage par rapport à une performance rythmique avec toutes ces imperfections temporelles humaines et organiques essentielles qui font vraiment vivre la musique. Bon, donc je dois aller aux ports ici. Le premier Greenport est droit Quoteit, ized, statique et Solis. Et la deuxième partie, j'ai ajouté des variations dans le timing à la fois sur les départs de notes et sur les longueurs de notes. Comme vous pouvez le voir, si nous allons dans le rôle de piano pour la première partie et jeter un oeil ici, tout est très droit et kwon le plus serré. Par exemple, ici, le PM signale des notes droites en huitième position sans variation ni longueur ni point de départ . La ligne de base ainsi il est statique, et si nous passons à la deuxième partie, vérifions le piano ici. Ici, vous verrez beaucoup de variations dans les notes, les longueurs et les horaires, et voici la base pour la deuxième partie. Comme vous pouvez le voir variation dans la longueur des notes et les horaires, en particulier le premier battement. Chaque nouveau-né est plus long, et j'ai également aligné tout le port de base légèrement vers la gauche, comme vous pouvez le voir sur les notes, points de départ par rapport à la grille. Alors écoutons la différence entre le premier port plus statique et robotique. Par rapport à la seconde, plus vivante et humaine se sentent Grande. Vous avez maintenant appris l'importance de la variation du timing dans tous les aspects de la composition musicale , alors continuons dans la prochaine vidéo. 29. Variation dans Tempo: variation du tempo. C' est un aspect de la musique qui est extrêmement puissant pour la réponse émotionnelle. Mais c'est aussi quelque chose que de nombreux compositeurs et producteurs ne profitent pas pleinement aujourd'hui . Si vous écoutez du film, la musique et de la musique orchestrale, vous entendrez et vous sentirez surtout beaucoup ou variation dans le temple pendant la composition. Fondamentalement, cela signifie qu'au lieu d'avoir un BPM statique pour toute la chanson, vous automatisez les changements de temple tout au long de votre composition. Pour la musique pop comme Brooke E G. M beats etcetera. Vous pouvez également utiliser la variation de temple hors tension pour obtenir une expérience plus puissante et plus engageante . Par exemple, avoir le verset être légèrement inférieur bpm au choeur, légèrement supérieur à ADM ou à l'énergie ou avoir la fin de la chanson Gold Down in BPM, ce qui est très commun pour les groupes live et les pièces orchestrales. Une autre grande technique est de descendre à Temple juste avant le choeur parce qu'il prolongera le sport pré chœur une tension et une anticipation accrues. Cela rendra l'introduction du chœur encore plus difficile, et l'auditeur sera au paradis, alors assurez-vous de ne pas tomber dans le piège en choisissant simplement un BPM pour votre chanson et avoir statique tout au long de la composition entière. Rappelez-vous toujours la règle d'or de la musique, variation, du mouvement, du mouvement et de la dynamique. Tout cela est l'essence même de ce qui rend la musique expressive, émotionnelle et engageante pour l'auditeur. Maintenant, permettez-moi de terminer avec une démonstration sonore rapide sur la façon dont nous pouvons utiliser la variation dans le temple pour donner à votre musique et vos rythmes et une dimension beaucoup plus riche et plus profonde afin de créer votre histoire musicale de manière plus puissante. Donc, ici, dans cet exemple, vous pouvez voir que j'ai ajouté Temple Automation à la piste. Je commence à 100 BPM dans la première partie, puis avant que le cours ne frappe, qui est ici, j'ai ajouté l'automatisation du tempo pour descendre en BPM, ce qui augmente la rétention et l'anticipation pour l'auditeur. Et puis les cœurs frappent et je monte à 103 bpm, ce qui est légèrement plus élevé que j'ai commencé avec. Donc cela correspond aura plus d'énergie, et puis à la fin de la piste, je descends drastiquement en BPM, comme vous pouvez le voir ici, ce qui crée beaucoup d'anticipation pour ce hit final de la chanson, Donc écoutons. Voici un fait de style fantastique que j'ai composé pour une bande-annonce sur l'une de mes chaînes YouTube. Et comme vous pouvez le voir, j'ai une lourde automatisation du temple ici à la fin de la pièce pour l'amener à une fin plus relaxante . - Incroyable . Vous avez maintenant appris comment et pourquoi les variations de tempo dans votre musique ou si incroyablement puissantes pour ajouter du mouvement et du mouvement à votre histoire musicale, alors assurez-vous de tirer parti de la variation de temple dans votre musique dès maintenant. Continuons dans la prochaine vidéo.