Comment utiliser les accords et l'harmonie dans votre musique | Mikael Baggström | Skillshare
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Comment utiliser les accords et l'harmonie dans votre musique

teacher avatar Mikael Baggström, Music Composer | Sound Designer | Video Producer

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Bienvenue et félicitations

      1:57

    • 2.

      Introduction The Storyline de musique

      3:10

    • 3.

      Apprendre des intervals et des harmonies

      4:01

    • 4.

      Apprenez comment tout de l'ensemble de liens

      8:39

    • 5.

      Apprendre 204 accords en 15 min

      15:22

    • 6.

      Les accords de l'action

      1:40

    • 7.

      Jouer des accords de bloc Smooth

      6:39

    • 8.

      Jouer en deux accords de bloc rythmiques

      6:34

    • 9.

      Jouer de 3 Arpeggios

      7:18

    • 10.

      Jouer le rythme de l'de style 4

      5:10

    • 11.

      Inversions d'accords

      6:20

    • 12.

      Diriger la voix

      6:11

    • 13.

      Style d'accord

      4:59

    • 14.

      Ryde de progression d'accords

      2:25

    • 15.

      Accords de diatonic

      7:45

    • 16.

      Les 3 accords forts

      4:23

    • 17.

      Harmonie est comme les relations

      4:49

    • 18.

      Ligne 1 et facteurs vs Melody

      4:49

    • 19.

      Ligne d'action et facteur d'action

      5:31

    • 20.

      Guiden 3 Stabilité vs facteur de flux

      5:06

    • 21.

      Guideline 4 vs Factor

      4:00

    • 22.

      Ligne 5 d'accords pour les transitions

      5:35

    • 23.

      Ligne 6 pour l'émotion

      5:23

    • 24.

      Ligne 7 La simplicité est puissant

      5:48

    • 25.

      Ligne 8 accords fermés et ouverts

      5:29

    • 26.

      Ligne 9 et réduites de l'énergie

      3:41

    • 27.

      Ligne 10 vs résolute

      7:21

    • 28.

      Félicitations vous êtes étonnants

      2:05

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

561

apprenants

--

À propos de ce cours

CONGRATULATIONSAfter de ce cours, vous pourrez utiliser le véritable pouvoir des accords et des
progressions d'accords dans votre musique. Vous serez en mesure de contrôler le noyau de votre musique et de soutenir votre thème principal et de mélodies. Parce que les accords, c'est ce qui ajoute de la profondeur et de l'ambiance à la musique. Les accords font de la musique plus complète, plus et plus puissants.

VOUS APPRENDrez

  • Les bases des accords et de l'harmonie dans la musique

  • Utilisation pratique des accords dans votre musique

  • 10 directives puissantes sur l'utilisation des accords dans votre musique

APRÈS ce coursen
s'exerçant et en mettant en œuvre tous les concepts, les lignes de l'en et les end, vous serez en mesure de libérer le véritable pouvoir de la composition de musique, en maîtrisant les accords et les progressions d'accords de votre musique.

COMMencer,
et de manière vraie les accords et les progrès d'accord, pour ajouter de l'émotion, de l'humeur et de la profondeur à votre musique, pour soutenir vos mélodies de et vos de de crochets. Débloquez les secrets de vos accords et les utiliser dans vos compositions

musicales. Les respectées, Mikael « Mike » BaggströmMusic », "Mike" "Mike" regards,Mikael 
regards,Mikael de la
musique

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Mikael Baggström

Music Composer | Sound Designer | Video Producer

Enseignant·e

Hey Friends and Creative People!

My name is Mike, and I am a Music Composer, Sound Designer and Artist. I Share my Story, Journey, Experience and Knowledge, to Inspire and Empower Creative People like you. =)

MY PASSION

I believe that learning should be fun. I love to bring my personality into my teaching style. I also try to make my courses dynamic, to be more interesting to you. =)

Friendly regards,
Mike from Sweden
Compose | Artist | Educator

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Level: Beginner

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Transcription

1. Bienvenue et félicitations: bienvenue et félicitations pour avoir choisi de faire progresser vos compétences en tant que compositeur de musique. Après ces cœurs, vous pourrez utiliser la vraie puissance des accords et des progressions d'accords dans votre musique. Vous serez en mesure de contrôler le noyau émotionnel de votre musique et de soutenir votre principale chose et mélodies. Parce que les cordons sont ce qu'Ed trempe et déplacé vers la musique, les cordons rendent la musique plus profonde et plus puissante. Vous apprendrez les fondements des tribunaux et les progressions froides. Utilisation professionnelle hors accords dans la composition musicale, directives puissantes sur l'utilisation des accords dans votre musique. Et en fin de compte, en mettant en œuvre beaucoup le concept, lignes directrices et les astuces, vous serez en mesure de libérer la véritable puissance ou la composition musicale en maîtrisant l'utilisation des accords et des progressions d'accords dans votre musique. Mon nom est Mike, et je compose et produit de la musique depuis 1998 dans de nombreux styles, et je suis vraiment passionné de partager les connaissances et l'expérience que j'ai acquises avec vous afin que vous puissiez progresser en tant que compositeur muc beaucoup plus vite. Je vous souhaite la bienvenue pour commencer ces cœurs dès maintenant et apprendre le véritable pouvoir des accords et des progressions d'accords pour ajouter de l'émotion, l'humeur et de la mort à votre musique pour soutenir votre piste, mélodies, crochets et motifs. Déverrouillez les secrets, bien sûr, et utilisez-les dans vos compositions musicales. 2. Introduction The Storyline de musique: Maintenant, apprenons l'essence même des accords et des progressions d'accords. Dans la musique, la musique est une question de mouvement. Variation sur le mouvement. Je dis toujours que la musique est comme une histoire, et chaque histoire a besoin d'une sorte de progression sans progression. Ce n'est pas une histoire, mais un pouce statique. Pensez à ça. Une seule note n'est pas une mélodie. Une série de notes est ce qui crée une mélodie. Un seul cordon n'est pas grave, bien sûr, crée une progression égale. Et maintenant, c'est super important. Vos progressions cool, signifie ce que les questions de la cour et dans quel ordre en combinaison avec la façon dont vous jouez ces cœurs est ce qui crée l'émotionnel, cool et l'histoire de votre composition musicale. Oui, les tribunaux ou, en effet, la vraie racine de votre histoire musicale. Mais la grande chose est que vous n'avez pas besoin d'utiliser des votes de cordes avancées pour créer de la musique étonnante parce que, comme avec toutes les choses de la musique, façon dont vous jouez les nœuds a plus d'impact. Mais alors quelles notes vous jouez ? C' est pourquoi vous pouvez utiliser seulement trois accords, jeter toute votre composition et encore être en mesure de les jouer dans des combinaisons presque infinies parce qu'il peut utiliser puissant à garder, comme les versions de refroidissement et la voix menant divers rythmiques styles de jeu, techniques expressives et bien plus encore pour créer une performance unique de Onley ces trois accords. En fait, cette cour se concentre principalement sur la façon dont vous jouez votre cours et appelez les progressions dans vos compositions musicales pour façonner la base de votre musique pour contrôler l'émotion, la tension, l'énergie, l' action, l'intensité et, fondamentalement, comment raconter votre histoire avec Parce qu'en tant que compositeur, vous êtes comme un réalisateur de films. Tu es comme Steven Spielberg. Mais au lieu de déplacer des images, vous créez votre histoire avec des sons et dans ces analogies, quartz et progressions cool, ou comme l'emplacement et l'arrière-plan de chaque scène de film. Les paramètres d'un film sont ce qui crée un contexte, déplacé une atmosphère, et par conséquent, il dicte l'émotion hors de chaque scène sans est assis. Ce serait comme un film avec tous les acteurs étant dans une pièce complètement blanche, vide. Pas un film très intéressant, n'est-ce pas ? C' est la raison pour laquelle les cordes ou la vraie base de la musique, Alors apprenons à utiliser les accords de mise hors tension dans votre musique. Je vous verrai dans la prochaine vidéo 3. Apprendre des intervals et des harmonies: Maintenant, il est temps pour vous de maîtriser tous les intervalles et harmonies dans la musique. Maintenant, vous avez déjà appris que sur Interval dans, musique est la distance entre deux notes qu'il crée une mélodie en jouant des intervalles dans un sérieux que les harmonies ou les intervalles jouent ensemble, et que les cordes ou faites à partir de Stax hors harmonies, intervalles et harmonies. Ou bien, les blocs de construction même de la musique. Vous les utilisez pour créer des mélodies pour créer des lignes d'harmonie pour construire des cordes, essentiellement des intervalles et des harmonies, ou les blocs de construction de chaque histoire musicale. C' est pourquoi vous avez vraiment besoin de maîtriser tous les intervalles et harmonies dans la musique et vraiment développer un instinct pour la façon dont ils chaque son parce qu'ils tous ce que vous allez utiliser pour créer chaque motif Milady, crochet, riff, contre, mélodie, mal en ligne et, bien sûr, chaque accord de votre musique. Maintenant, vous apprendrez rapidement tous les intervalles principaux et harmonies dans la musique. La construction bloque toutes les compositions musicales que vous allez créer, donc un intervalle est la distance d'une note à une autre, et eHarmony est un intervalle où vous lisez les deux notes ensemble. Voici tous les intervalles principaux et harmonistes. Ils ont tous des noms de théorie de la musique de fantaisie comme Minor Sickened sur un cinquième parfait sur, vous devriez apprendre tous ces intervalles comme combien de demi-pas ils sont faits à partir et ils ont. Step est fondamentalement deux notes juste à côté de l'autre. C' est donc un second intervalle mineur lorsque vous jouez les deux ensemble. C' est une petite seconde harmonie. Donc voici votre première activité principale de pratique et il est vraiment important que vous appreniez ces Eh bien, je vous recommande d'abord d'écrire ce qui est vers le bas parce qu'il vous aide à vous en souvenir mieux. Ensuite, utilisez votre piano ou votre clavier multimédia et jouez chaque intervalle d'abord. Monter comme ça se passe, puis en harmonie. Ensuite, vous répétez ceci à l'intervalle suivant sur vous passez par chaque intervalle comme celui-ci. Je vous recommande même d'ajouter cela à votre routine de pratique musicale quotidienne afin que vous puissiez à temps savoir exactement comment chaque intervalle et harmonie sonnera. Je vous promets que l'entraînement des oreilles et des exercices de mémoire musculaire comme ceux-ci seront extrêmement bénéfiques pour vous en tant que compositeur de musique. Bonne chance et amusez-vous à pratiquer et à maîtriser tous les intervalles et l'hormone est une musique. Et je te verrai dans la prochaine vidéo 4. Apprenez comment tout de l'ensemble de liens: Bonjour encore. Super de voir que vous êtes encore sur ces aventures d'apprentissage pour maîtriser l'utilisation pratique, bien sûr, et les progressions d'accords lorsque vous composez votre musique. Parlons maintenant de la façon dont tous les éléments de la musique ou interconnectés c'est une perspective vraiment importante et un concept fondamental que vous devriez développer un instinct de base pour en tant que compositeur. Ici, il va, mélodies ou intervalles dans une harmonie sérieuse est un intervalle joué ensemble, Coors ou empile des harmonies et des progressions cool ou des accords joués dans un Siri. Permettez-moi donc de le démontrer rapidement. Le fondement absolu de la musique est, bien sûr, les 12 notes, qui se répètent sur plusieurs octaves. Ensuite, si vous avez une distance entre deux notes comme, par exemple, aller de dire Faire ceci, cela s'appelle un intervalle. À partir d'un mot, Teoh, il y a un intervalle qui monte sur le même intervalle. Descendre la chose s'appelle La Cinquième Perfect qui monte, et c'est ce qu'on appelle le 50 parfait. Le suivant, c'est Harmony. L' harmonie est simplement un intervalle joué ensemble, alors disons celui-ci. Maintenant, c'est un intervalle. Si je les joue ensemble, c'est l'harmonie. Ensuite, il ou des cordes et refroidit ou simplement des piles d'harmonies. Donc, si j'empile un tiers mineur, qui est cette harmonie ici, l'intervalle est appelé troisième jeu mineur. Ensemble. C' est une troisième Harmony mineure, puis on prend cette note et on empile un tiers majeur. En plus de cela, les yeux juste un troisième intervalle majeur ensemble. Major Third Harm une Troisième Harmonie mineure avec une troisième harmonie majeure sur un mineur. Et si nous faisons le contraire pour empiler un tiers majeur avec mineur, c'est un majeur. Essayez-le, et c'est essentiellement comme ça que la musique fonctionne. Des mélodies ou des intervalles en harmonie sérieuse sont des intervalles jouant ensemble Cordes ou des piles d' harmonies. Les corporations sont des accords joués dans son Siri comme je viens de vous le montrer, mais le fait est que vous ne devriez pas voir aucun élément dans la musique comme séparé parce qu'ils sont tous connectés comme une unité entière. Ils ont formé le film complet ensemble. Oui, en fait, c'est une bonne analogie. Votre composition musicale est comme un film. La base de votre composition est comme le fil qui tisse l'histoire complète du film du début à la fin. Le thème principal crochet motif et les mélodies de votre composition, ou comme les principaux acteurs d'une scène, les acteurs qui ont le focus et le principal projecteur, le fond et la scène de lixiviation assis. C' est comme les progressions cool que vous utilisez dans votre musique. Chaque scène ressemble à chaque section de votre chanson. Une longue scène pourrait être 16 ennuis, tandis qu'une courte scène dans le film serait similaire à une courte section de quatre ou huit barres dans votre composition musicale. Les acteurs de soutien de chaque scène seraient comme les notes de chaque cour dans vos progressions de base et les lignes d'harmonie pour vos mélodies principales, et la façon dont ils agissent serait similaire au style de jeu de chaque cour et harmonie. Je pourrais continuer, mais tu as la photo. Chaque élément de votre composition musicale est simplement un port off. La plus grande image, votre film complet ou, comme je l'appelle, votre histoire dans le son. Une autre leçon importante ici est que vous ne devriez pas regarder chaque élément comme une unité fixe . Qu' est-ce que je veux dire par là ? Eh bien, par exemple, chaque élément de la musique a un motif rythmique parce que tout a un point de départ, une durée et une fin. Cela signifie que vos mélodies ont du rythme. Tes cordes ont du rythme. Vous faites du mal aux lignes ont du rythme et, bien sûr, vos tambours et percussions ou tout sur le rythme. Mais allons-y un peu plus loin. Si vous décomposer une progression d'accord sur cela n'a pas d'importance si vous utilisez 34 notes ou même plus pour les cordons dans votre progression de cœur. Pensez à ça. Qu' obtenez-vous si vous considérez toutes les notes hors cour dans votre progression principale comme des séquences distinctes ? Eh bien, vous obtenez des lignes mélodiques, intervalles dans une séquence, courts ou essentiellement trois lignes mélodiques ou plus empilées l'une sur l'autre. Cependant, si vous jouez des cordes de livre solitaire pour un seul coup chacun, vous n'entendrez pas autant de mélodies internes en écoutant le cours seul. Mais plus vous changez de cœurs, ce qui signifie que plus vous entrez dans votre progression de noyau, plus vos oreilles ramèneront effectivement ces lignes mélodiques à partir de la progression de l'accord . Apprenons 1/3 écouter ici, puisque vous apprenez beaucoup de choses nouvelles qu'un taux rapide maintient maintenant, et que l'écoute est quand vous jouez n'importe quel accord, la note sur laquelle votre oreille se concentrera le plus est la note la plus élevée de chaque accord, et vous pouvez en profiter en tant que compositeur de musique en choisissant de manière créative différentes inversions de cour pour former essentiellement un e mil avec seulement votre progression d'accords. Vous en apprendrez davantage sur les versions de cours plus tard dans ce cours. Mais d'abord, permettez-moi de vous montrer cette excellente technique. Disons que vous voulez bien avoir cette mélodie, puis choisissez des versions courtisantes pour que la note la plus élevée soit la même que la ligne de mélodie comme celle-ci . Incroyable. Vous avez maintenant appris ce que je considère comme l'une des leçons les plus importantes de la composition musicale, savoir que chaque élément est relié à une unité complète. Tes tambours et percussions, tes cordes, tes lignes Horman, tes mélodies, motifs, tes riffs. Tout fait partie de votre histoire musicale. Souvenez-vous de ceux-ci. Écrivez-le. Ne l'oublie jamais. Programmez cela dans votre instinct si vous le pouvez, parce que cette perspective vous donnera un pouvoir incroyable. En tant que compositeur de musique, j'ai commencé à composer de la musique en 1998 et ce concept fondamental m'a pris des années à réaliser C'est pourquoi je veux maintenant que vous les appreniez ici et maintenant. Résumons tout ça comme ça. Vous voyez, la composition est d'écrire et de relier des éléments musicaux d'une manière créative mais stratégique pour aboutir à une histoire musicale complète, cohérente, cohérente, ciblée et engageante. Bon, je pense que tu l'as maintenant, alors continuons dans la prochaine vidéo. 5. Apprendre 204 accords en 15 min: dans cette vidéo, vous allez apprendre les motifs refroidis pour fondamentalement tous les cordons que je considère personnellement comme les plus utilisés dans la composition musicale. Si vous apprenez tous ces cœurs et, plus important encore, comment ils sonnent, vous aurez une trousse d'outils étonnante, bien sûr, à utiliser comme compositeur de musique. Mais d'abord, vous devez apprendre à appliquer les modèles de cour que vous obtiendrez dans cette vidéo. J' ai nommé chaque accord tel qu'il est joué en position de route, ce qui signifie la façon standard de jouer le terrain sans utiliser aucune inversion. Chaque modèle de cour commence par la lettre ou qui signifie route, car c'est le nom de la clé qui définit le nom de la cour. Par exemple, prenons le simple voir Major. Essayez-le. Il a la note racine. voyez, ce qui est pourquoi le nom du cordon commence par la lettre C. Après cela, vous obtiendrez un nombre sérieux off qui définit les intervalles que vous empilez pour créer le cordon. Chaque intervalle est le nombre de demi-étapes, ce qui signifie essentiellement le nombre de touches d'un accord. Note à la note suivante dans la cour, Par exemple, si nous prenons le dossier majeur c. Encore une fois, il a une formule cool comme celle-ci, ou plus quatre plus trois, ce qui signifie que vous commencez avec la note racine sur le cordon. voyez, dans ce cas, alors vous comptez 4/2 étapes en haut, qui signifie quatre clés comme ça. 1234 Ensuite, à partir de cette note de corde, vous comptez encore. Mais cette fois, trois clés en place. 3/2 étapes. Donc, en commençant par ou puis 4/2 pas, puis à partir de la note de basse, vous comptez trois. Et c'est un triomphe majeur dans ce cas, do majeur. Maintenant que vous avez appris à appliquer ces modèles d'accords, apprenons tous les accords les plus courants en musique. Maintenant que vous avez appris à appliquer ces modèles d'accords, Commençons à apprendre le modèle d'accord pour l'accord majeur. abord, c'est notre plus quatre plus trois, par exemple, l'accord en C majeur, qui, en passant, il est souvent raccourci comme vous voyez simplement appliquer le modèle de la cour. Vous apprenez maintenant, et vous obtiendrez la note racine. Voyez, dans ce cas, comptez quatre clés 1234 et vous obtiendrez la note. E. Comptez trois autres notes et vous obtiendrez G. Félicitations. Vous venez d'apprendre à jouer l'accord majeur en C, C, E et G. Mais la chose étonnante à propos des motifs refroidis est que vous pouvez les appliquer à n'importe quelle touche de racine. Par exemple, appliquez le même motif de cour avec la note racine D, et il obtiendra l'accord majeur en ré. Ou qui ne l'est pas. C' est le jour 1234 des cas et vous finissez avec l'offshore, puis 123 et vous obtenez un record en D. majeur . Cela signifie qu'en apprenant un motif de cour, vous apprenez automatiquement 12 nouvelles cordes pour chaque motif, une pour chaque clé. Apprenons ensuite le modèle de l'accord mineur, qui est la route plus trois plus quatre. Donc, dans la racine, voir voir voir, monter trois clés. 123 qui est e plat. Alors monte encore quatre baiser. 1234 qui est G donc C E plat G est do mineur. Maintenant, laissez-moi répéter qu'une fois que vous avez appris un nouveau modèle d'accord, comme celui-ci pour l'accord mineur, vous pouvez l'appliquer aux 12 touches de route. Donc, disons que vous allez jouer un accord mineur dans Disons que la touche de route de G Eh bien, appliquez la formule ce modèle de cour à nouveau, mais commencez par G comme note racine. Donc g 123 qui est si plat, et 1234 qui est en ré sol mineur. Maintenant, apprenons le modèle de la cour pour l'accord diminué, qui est la route plus trois plus trois. Donc, avec la racine éteinte, vous voyez voir 123 qui est e flett. 123 pouces G plat est un C diminué. Maintenant, apprenons le modèle de la cour pour l'accord augmenté qui est la route plus quatre plus quatre. Donc, avec la racine de voir vous obtenez voir +1234 qui est e +1234 qui est G Shore voir augmenté. Et maintenant le quatrième accord suspendu qui est la route plus cinq plus deux. Donc, pour la racine de voir vous obtenez voir +12345 qui est F et un à qui est G C f g ce suss Pour l'instant, le second accord suspendu qui est la route plus deux plus cinq. Donc, le contraire de la quatrième corde suspendue dans la racine de voir vous obtenez C +12 qui est D était +12345 qui est G C D G See sauce. Trop étonnant. Vous apprenez des accords à un rythme super rapide. En fait, vous avez maintenant appris les trois principaux types d'accords de notes. Maintenant, arrêtons cette vidéo pour que vous puissiez prendre des notes à droite tous ces types et modèles de cour vers le bas dans un bloc-notes ou note vers le haut parce que c'est un moyen éprouvé de vous aider à vous souvenir et apprendre plus en profondeur. Et c'est quelque chose que vous voudriez vraiment faire, parce que ces six cordes sont si essentielles que vous devriez être capable de dire les modèles d'accords pour chacun. Même si vous vous réveillez au milieu de la nuit et quand vous avez fini d'écrire vos notes, continuons à apprendre des cours plus avancés. Maintenant, apprenons votre premier cordon avancé, le sixième froid majeur. Il a le suivant appelé Pattern Route plus quatre plus trois plus deux. Donc, avec la racine de See vous obtenez voir 1234 qui est e 123 qui est G 12 qui est un voir e g A. Ce qui est le do majeur 6. Et cela nous amène à la sixième corde mineure, qui a la chute appelée route de modèle 342 Donc, en commençant par voir vous obtenez 123 e plat 1234 g 12 c mineur. Six. Maintenant, apprenons votre 1er accord 7ème. Le septième accord dominant. C' est un accord très couramment utilisé dans toute la musique, donc le motif cool est comme suit. Route Plus quatre plus trois plus trois. En commençant par Voir vous obtenez Voir 1234 qui est E 123 qui est G 123 qui est B plat. C' est C sept et maintenant le septième accord majeur, qui a la route suivante du modèle d'accord plus quatre plus trois plus plein. Donc, en commençant par voir vous obtenez voir +1234 qui est e +123 qui est G un, 234 qui est en do majeur sept. Et le septième accord mineur, qui a le modèle d'accord comme suit. Route 343 Alors prévoyez que vous obtenez voir 123 qui est e plat. 1234 qui est G et 123 qui est boeuf. Voyons voir, les mineurs ont dit. Et maintenant, nous sommes vraiment avancés. Le mineur majeur septième accord, qui a le suivant appelé Pattern route Plus trois plus quatre plus plein. Donc, pour voir vous obtenez voir courir à trois, qui est E plat. +1234 Sorcières G 1234 qui est en ut mineur, majeur sept et l'orgue ventilé. Septième accord a la route suivante du modèle d'accord plus quatre plus quatre plus deux. Donc pour voir vous obtenez Voir +1234 qui est e +1234 qui est G court +12 qui est B plat, Voir Augmented seven. Cela peut également être appelé C sept avec un court et un cinquième. Et voici la racine de septième corde majeure augmentée plus quatre plus quatre plus trois. Donc pour voir vous obtenez Voir +1234 qui est e 1234 qui est G pointu, et 123 qui est B C augmenté majeur septième accord, qui est souvent raccourci nous Voir Major sept avec un cinquième aiguisé et maintenant le septième accord diminué qui est la route plus trois plus trois plus trois. Donc pour voir vous obtenez voir +123 qui est un appartement +123 Mrs G plat +123 qui est double plat. Alors pourquoi j'appelle ce mot ? Soyez double Fert au lieu d'un puits, pour être honnête, le nom hors cours est plus sur le côté technique de la théorie musicale. Mais la réponse courte est que le fondement des tribunaux est basé sur l'empilement des tiers les uns sur les autres, qui signifie eHarmony sur un tiers mineur comme celui-ci ou un tiers majeur comme celui-ci. Donc, dans le cas terminé, disons en do majeur, si vous voulez transformer ça en accord mineur, qui est cette note est nommée à partir de l'origine du troisième ici, qui est l'appartement dans le cas du do mineur, et tous les cordons sont nommés à partir de leur relation avec le boîtier blanc. Donc, dans ce cas, le nom vient de ces clés larges tiers et ou alors soit aplatis ou aiguisés pour former ces motifs de noyau sur le septième accord diminué Dans ce cas si plat et ce plat dans ceci et ceci, vous devez double plat 12 pour descendre à cette note. C' est pourquoi nous allons maintenant apprendre la moitié diminuée septième accord, qui a cette route de modèle quart plus trois plus trois plus quatre. Donc, dans le cas de See vous obtenez voir +123 qui est un appartement +123 qui est G plat +123 quatre, qui est si bémol C mineur. Sept avec un plat et cinq, aussi appelé moitié diminuée septième accord. Et maintenant, nous allons apprendre le neuvième accord dominant, qui a le modèle de cour comme des imbéciles Route Plus quatre plus trois plus quatre. Donc, dans le cas de See, vous obtiendrez C 1234 qui est e 123 qui est G 123 qui est B flat 1234 qui est D. Donc le C dominant neuvième accord ou aussi appelé C nine Amazing ! Vous apprenez incroyablement vite maintenant Voici un résumé. Un rapide, court, sur tous les modèles d'accords que vous avez appris dans cette vidéo. Je vous recommande de commencer par écrire ces pistes vous-même dans un cahier ou une application de notes , car prendre des notes vous aide vraiment à apprendre plus profondément. Maintenant, quel est votre objectif ici ? Eh bien, fondamentalement, apprendre à jouer autant d'accords que possible et, plus important encore, développer un instinct pour la façon dont chacun sonne. Cela vous fera avancer incroyablement sur votre voyage en tant que compositeur de musique. Voici donc votre activité de pratique pour vous aider à atteindre cet objectif. Utilisez ce court court court rapide et faites une routine quotidienne où vous vous concentrez sur l'apprentissage profond sur un ou deux de ces types de tribunaux à la fois. Joue la conversation cool. Vous voulez vous concentrer sur, par exemple, l'accord majeur dans chaque clé de route allant à travers beaucoup de 12 touches, puis descendre, puis sauter entre différentes clés de route comme vous le souhaitez, mais avec le même type cool. Prenons maintenant un moment pour réfléchir à quel point vous avez appris dans la seule vidéo. Vous avez appris tous ces accords et le modèle ou la formule d'accords respectifs, si vous voulez. C' est donc 12 clés pour chaque type de cour. Cela signifie que vous pouvez maintenant jouer et utiliser 17 accords sur les accords les plus courants dans la musique. Dans les 12 clés. C' est 17 fois 12 204 et ça ne compte que la position racine de chaque accord. La prochaine étape pour vous est d'en apprendre davantage sur les inversions d'accords et les tribunaux ouverts ou fermés à nouveau. Vous avez maintenant appris 204 accords différents que vous pouvez utiliser en tant que compositeur de musique. Félicitations. Apprendre un grand nombre de cours et de musique a Bean une des choses les plus bénéfiques pour moi en tant que compositeur, parce qu'il ouvre un grand monde de sons et d'émotions qu'il peut appliquer lorsque vous écrivez vos histoires de musique. Alors vous amusez-vous à pratiquer, à apprendre à temps, maîtriser les accords en musique ? Non, continuons dans la prochaine vidéo. 6. Les accords de l'action: Bonjour encore collègues compositeurs. Maintenant, nous allons plonger dans le fond de la piscine parce que dans ce module je vais vous montrer des exemples en direct hors accords en action. J' utiliserai diverses progressions d' accords, rythmes de progression d'accords, mais aussi appelés styles de jeu et même techniques d'expression . En fait, répétons cela parce que ces concepts forment l'essence de la façon dont les coupes et les progressions cool fonctionnent en musique. La ligne d'histoire de votre musique est basée sur ces facteurs. Un. La progression cool que vous choisissez, ce qui signifie les cœurs que vous utilisez et dans quelle séquence pour le rythme de progression cool, qui signifie le rythme interne de vos progressions de noyau pendant combien de temps vous jouez chaque accord avant qu'un nouvel accord ne soit introduit. Trois. Le style de jeu refroidi, ce qui signifie le rythme et le style de jeu de chaque voix de cour dans votre progression de terrain et pour l'expression de corde signifiant ALS, les différentes façons d'ajouter la variation dynamique, l'expression et l'émotion dans vos progressions d'accords. Maintenant, je vous recommande de tirer cette vidéo pour écrire ces concepts dans votre bloc-notes ou votre application de notes , parce que prendre des notes est un excellent moyen d'apprendre plus profondément et de se souvenir de ce que vous avez appris. Bon, jouons à quelques cours et progressions d'accords maintenant. 7. Jouer des accords de bloc Smooth: maintenant écouter attentivement que je joue ce bloc lisse accords de style de jeu sur le piano et les cordes . - Donc pour ce genre de style de jeu, que j'appelle des accords de livre lisses style de jeu, j'ai quelques conseils pour vous. Un. Utilisez votre pédale de sustain pour attacher les cordons ensemble. Donc, par exemple, prenons la cour F ici à nouveau dans la troisième inversion. Maintenez simplement la pédale de sustain enfoncée. Maintenant, puis-je continuer à sonner ? Et puis vous soulevez momentanément et très brièvement la pédale de sustain à droite lorsque vous changez le cordon, puis appuyez à nouveau sur la pédale de sustain lorsque vous appuyez sur la nouvelle cour comme ceci et si bien d'utiliser des inversions d'accords qui réduisent le saut de voix pour créer une douceur des transitions d'enregistrement et par saut de voix, je veux dire des intervalles plus grands dans les changements de cour. Donc, disons que vous voulez aller de F pour bien voir, ce serait une transition nerveuse dans la position de route, ici seul. Les appareils dans le quart montent à grand intervalle. Au lieu de cela, vous pouvez le faire peut rester, mais seulement déplacer ces deux notes vers le bas aime légèrement comme ça à nouveau, beaucoup plus lisse. Trois Utilisez la voix, menant avec de nombreuses voix continues pour réduire la quantité hors note que le changement. Donc par cela, je veux dire soutenir certaines des notes qui sont présentes dans les deux accords dans le changement de cour . Donc, par exemple, si nous prenons le tribunal F à nouveau et je veux aller à un mineur, eh bien, eh bien, comme vous pouvez le voir est ici, Voir est également dans un mineur afin que vous pouvez rester sur ces notes et simplement déplacer vers le bas l'argent et puis allez de la base. Note de F aujourd'hui. Si je veux me concentrer sur aller avec la mélodie à l'année de la mer, vous pouvez simplement diffuser cette note comme ça. Quatre. Faites usage des accords suspendus. Non seulement cela aide à diriger la voix et à créer des transitions plus fluides, mais il ajoute beaucoup d'émotion et de caractère à votre musique. Donc, disons que vous avez si apparaître dans la troisième inversion. Eh bien, si je vais simplement descendre à la déchirure Gino, c'est-à-dire, si suss à dans la version 30 comme ça, et alors je peux simplement déplacer la base vers le bas pour voir quand j'appellerais ça cesser nous quatre. Donc, euh, et ensuite je peux simplement descendre 1/2 pas avec F deux ans Onda, aller au tribunal de C. Donc toute la séquence sonnera comme ça. C' est nous aussi. Voir une forme et c'est tout. Cinq. Attachez les notes d'accord ensemble dans votre d. W. W. Donc je suis à l'intérieur du rouleau de piano, et ceci est une section de cordes dans l'une de mes compositions, et vous pouvez voir que cette note est maintenue pendant longtemps. Et c'est parce que la note est effectivement présente dans tous ces accords dans la séquence. Donc, dans la logique et la plupart des UW, avez-vous une fonction de colle ? Si vous sélectionnez deux notes, vous pouvez utiliser l'outil de colle et les coller ensemble. Comme Donc, laissez-moi supprimer ça. Et c'est ce que j'ai fait pour cette cour ici, et ceux-ci ont appelé et cette corde pour prolonger cette note et cette note. J' aurais pu le faire avec ça aussi. Plus vous collez de notes, plus la transition cruelle et fraîche sonnera. Alors écoutons ça maintenant va jouer les cordes avec la façon de piano responsable et six notes de corde qui se chevauchent pour que vous puissiez voir qu'il y a un tribunal ici, et c'est en fait un changement de cour dans cela, aussi. Et si vous regardez de près. Vous pouvez voir que cet avis se chevauche réellement dans cette note et nous entendre bien et ici aussi. Donc, vous n'avez pas ces écarts entre eux, mais au lieu de cela, ils se chevauchent légèrement, ce qui créera une transition encore plus lisse. Incroyable. Maintenant, voici un résumé de mes conseils sur ce style de jeu d'accords de bloc lisse. Assurez-vous de prendre des mesures pour vous entraîner beaucoup. Ces concepts apprennent vous-même en faisant parce que c'est toujours la meilleure façon. Amusez-vous et je vous attendrai dans la prochaine vidéo. 8. Jouer en deux accords de bloc rythmiques: maintenant, je vais jouer les blocs rythmiques style de jeu sur les cordes staccato. Astuce un. Concevez un groove rythmique, alors ne jouez pas simplement un rythme simple et direct comme ça. Par exemple. 123123123123 Je veux dire, tu pourrais faire ça, et ça pourrait marcher à certaines occasions, mais c'est assez ennuyeux, non ? Donc, ce serait plus facile si vous imaginez le strumming rythmique des courts sur une guitare acoustique , parce que c'est fondamentalement le style de jeu dont nous parlons ici. Vous voulez créer un motif intéressant lors de l'utilisation des accords de bloc A rythmique style de jeu comme celui-ci, par exemple, astuce pour ajouter des espions avec les couleurs de cordon. Et par cela, je veux dire que vous pouvez parfois utiliser différents refroidisseurs refroidis en utilisant des modifications comme, par exemple, allant d'un grand Teoh nous quatre ou une version majeure. Nous aussi, aussi, disons, et aussi appelé extensions à partir de, disons simple. Essayez-le et en ajoutant, Disons, 1/7 ou dans l'annonce six simplement comme de courtes variations pour rendre la progression plus intéressante. Astuce. Trois. Créez un focus avec des inversions judiciaires. La note la plus élevée dans un accord sera toujours l'objectif principal que nos oreilles écoutent le plus . Ainsi, vous pouvez l'utiliser à votre avantage en tant que compositeur en choisissant des inversions d'accords pour diriger l'attention sur chaque terrain de votre progression. Donc, par exemple, disons que vous voulez passer de do majeur. Si majeur à sol majeur. S' il a tous utilisé la position racine de chaque accord, votre oreille va ramasser ces notes. G ici du Sea Court. Voir ici F Court, le D ici de l'accord D, parce que votre oreille entendra la note la plus élevée de chacun marqué le plus. C' est l'objectif, donc vous pouvez l'utiliser à votre avantage en choisissant le focus à l'aide des versions courtisées. Donc, au lieu d'utiliser C et la position racine si vous pouvez utiliser C et cette inversion de F donc maintenant vous êtes ici va ramasser, et vous pouvez utiliser cette technique pour toute votre progression de cour. TP quatre. Choisissez les accents. rythmes intéressants sont également très dépendants de la façon dont vous choisissez les accents dans le motif rythmique . Donc, par exemple, je peux jouer comme ça sans accents, ce qui est très ennuyeux, et à la place je peux ajouter des accents sur les rythmes choisis comme, disons, celui ou étaler les accents à créer un motif rythmique plus intéressant. Je peux également jouer la note racine avec ma main gauche sur Lee sur l'accent comme cette pointe cinq couche avec variation de voix refroidie. Donc maintenant, pour ce pourboire, je suis à l'intérieur du piano. Roll off, mon cher w et ceux-ci, ils disent chaîne insolvable staccato string motif, qui sonne comme ceci sur si un. Donc maintenant, cette astuce est pour organiser ces livres de cour rythmiques sur différents instruments. Je dirais pour le meilleur impact. Si vous voulez calquer, gardez le rythme, mais changez la hauteur en transposant les notes, ce qui signifie que si vous avez deux instruments jouant des blocs rythmiques au lieu de simplement coller le motif entier, changer les inversions par une transposition de la gamme des voix de la cour. Donc, disons que vous voulez qu'un alto couche sur ces notes ici. Eh bien, vous pouvez les transposer sur une octave comme pour la copier sur la piste d'alto ou pour regarder, par exemple, un violoncelle. Tu veux doubler ces voix ? Eh bien, vous pourriez vouloir transposer ceux dans une octave ou même deux couches Teoh avec ces coincés à la pointe 6 de motif de chaîne. Ajouter des notes entre les livres. Donc, comme vous pouvez le voir ici, j'ai ajouté des notes simples entre certains des regards de cour me débarrasser, ce qui ajoute plus de saveur et de mouvement. Vous pouvez voir un célibataire ne pas ici et par ici et ainsi de suite. Vous pouvez penser que cela ressemble à une guitare acoustique strumming accords mais parfois cueillir des cordes simples à l'intérieur du motif pour le pimenter. Félicitations. Voici maintenant un résumé de mes conseils sur le style de jeu des accords Ville Nick Block. Écrivez-les dans vos notes afin que vous vous en souviendrez mieux que de vous amuser à pratiquer ce style de jeu pour apprendre en faisant, et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 9. Jouer de 3 Arpeggios: D' accord. Maintenant, nous allons en savoir plus sur le ou le style de jeu PDO. Quatre accords. abord, d'abord, écoutez cet exemple que j'ai enregistré. - Astuce un. Choisissez la direction par note. Par cela, je veux dire que vous n'avez pas à jouer l'arpège comme une simple séquence de gauche à droite sur votre clavier ou de droite à gauche. Vous avez la liberté créative de sauter autour dans les voix de la ou vous avez payé pour créer plus variation comme celle-ci. Par exemple, astuce pour ajouter des notes de passage ou pidio zor idéal pour passer les vieux entre les principales notes de cour. Fondamentalement, vous pouvez voir ces ALS passant est en fait faire un nouvel accord comme une modification ou une extension de votre cordon principal. Laissez-moi vous démontrer. Donc, disons que vous avez un accord en do majeur comme ce plateau de table en trois chêne, et que vous voulez ajouter un peu de post it notes dans ces opéra faire pour le rendre plus intéressant. Eh bien, disons que vous voulez ajouter ceci, qui est en fait le SAS 4 de la suite. Vous voudrez peut-être ajouter ce zc sept wishy ou même peut-être ceci une note, qui est voir à six. Jouons toute cette séquence. En fait, pointe trois longueurs de notes très à l'intérieur du ou Paju, un simple motif droit de jouer l'arpège comme des notes de quart, par exemple, peut souvent fonctionner très bien comme ça. Mais vous pouvez également choisir d'ajouter des variations dans les longueurs de notes à l'intérieur de votre modèle ou Pedro comme ceci, par exemple, tout droit, astuce pour tempo, variation pour plus d'émotion. Personnellement, je pense que le mouvement progressif dans le tempo hors du style de jeu de votre arpège, ce qui signifie ralentir et accélérer à certaines occasions dans l'arpège peut rendre un son simple ou Pajot incroyable et beau. Alors laissez-moi vous montrer. abord, un temple statique qui peut zone. Disons que ça sonne bien, mais je veux ajouter de la dynamique dans le temple maintenant, alors laissez-moi vous montrer comment vous pouvez faire ça. Astuce. Cinq. Choisissez la gamme sur le ou Paju. Vous pouvez jouer en arpège comme un simple essayer où vous pouvez ajouter des doubles sur les notes à l'intérieur la gamme arpège sur une large gamme de votre clavier. En allant de la gamme moyenne, disons, en ajoutant une octave apparaissent et disons que les deux notes ici ou un très grand ou PDO, qui est souvent joué par des espoirs, exemple, et personnellement j'aime le son large ou pidio doit. Voici un exemple sur le piano, hein ? Astuce. Six Ad Horman est de pimenter le ou Paju. En fait, j'aime casser la pièce ou AOP en empilant occasionnellement deux notes comme celle-ci dans l'arpège, créant une harmonie. Techniquement, ce n'est pas un vrai ou un pidio si vous jouez plus d'une note à la fois, mais ce n'est pas le but. Le fait est que c'est un excellent moyen de pimenter votre ou pidio avec des harmonies. Les armes vous montrent. Disons qu'on va jouer en arpège sur le terrain si bémol, n'est-ce pas ? C' est donc un vrai arpège qui joue ici avec une seule note à l'époque. Maintenant, ajoutons quelques harmonies pour le pimenter. Disons que tu veux aller comme ça ou me laisser jouer encore plus loin pour te montrer ce que je veux dire. Félicitations. Vous allez étonnamment bien maintenant. Voici un résumé de tous mes conseils sur le style de jeu ou pidio, et il y a tellement d'autres façons que vous pouvez jouer ou des vidéos que vos options sont presque illimitées. Alors allez-y et amusez-vous à pratiquer ce style de jeu particulier, bien sûr, et je vous verrai dans la prochaine vidéo 10. Jouer le rythme de l'de style 4: Maintenant, regardons le style de jeu que j'appelle le rythme de comping. Maintenant, laissez-moi vous donner quelques conseils pratiques sur l'utilisation du style de jeu du rythme de comping. Conseil. Un. Concentrez-vous sur la rainure. Comper est principalement une question de rythme et de groove, donc concentrez-vous sur les motifs rythmiques plus que sur les notes spécifiques que vous utilisez. Essentiellement le timing des notes, ce qui signifie par exemple 12341234 ainsi que leur longueur. Ainsi, par exemple, en utilisant des notes plus courtes et plus longues dans différentes longueurs de notes. Laissez-moi vous donner un exemple, et je vais commencer par de courtes notes, puis ajouter des notes plus longues à l'intérieur du modèle. Et donc un conseil pour mélanger tous les styles comme vous le souhaitez des looks rythmiques, accords longs blocs ou des harmonies pidio. Lorsque vous comptez, vous pouvez les mélanger et les mélanger dans une performance très unique. Laissez-moi vous démontrer. - Conseil . Trois Accent avec des notes de basse. Vous pouvez utiliser votre main gauche pour ajouter des accents plus puissants avec la note racine de la cour dans le registre de base. Cela fonctionne particulièrement bien sur les sections de piano ou d'ensemble orchestral comme les cordes ou les seins. Jouer des notes courtes de façon rythmique. Je vais te montrer ça au piano maintenant. Donc disons que vous avez sur F court. Vous pouvez utiliser des accidents comme celui-ci sur. Ensuite, vous pouvez accentuer même mawr avec des notes de basse. Donc, laissez-moi montrer avec cela dans une vraie astuce de séquence pour Alter les cordons lors de la composition fondamentalement tous les styles de jeu rythmiques. Vraiment, les cordons bénéficient d'une coloration refroidie comme des cordes altérées ou des accords étendus. Il peut ajouter plus de flux, plus d'intérêt et essentiellement viser ou de performance dynamique. Laissez-moi vous démontrer. Donc, par exemple, disons que vous avez un accord majeur comme celui-ci, ajoutant un accord suspendu dans le style de jeu rythmique comme celui-ci. résoudre en arrière, peut-être que les époques utiliseront des inversions et du quartz Abd, en ajoutant une note comme celle-ci ou d'excellentes façons d'ajouter des couleurs et de modifier le cours lors de la composition me permettent de jouer que n'importe quelle séquence. Génial. Maintenant, nous avons appris mes meilleurs conseils sur l'utilisation du style de jeu de rythme de comping. Gardez à l'esprit que vous pouvez utiliser toutes ces techniques en écrivant simplement toutes les notes des tribunaux dans votre séquenceur, utilisant votre souris et votre clavier d'ordinateur dans votre DW. Allez-y et pratiquez le style de jeu du rythme de comping avec des cordes maintenant et quand vous vous sentez prêt, continuons dans la vidéo suivante 11. Inversions d'accords: Maintenant, parlons d'inversions refroidies d'abord quoi ? Ou des inversions d'accords. Voici donc ma courte définition. inversions hors cour. inversions de la cour sont diverses voix d'un même accord en transposant des dénotations de noyau en octaves. Eh bien, si vous vérifiez votre piano ou clavier midi, vous savez que les 12 notes de musique ou répétées en octaves, par exemple, vous avez le C central ici sur. Si vous montez une octave parfaite, vous obtenez un autre C que C est la même note tout simplement une octave supérieure ou, pour être précis, exactement la double fréquence hors de la présidence. C' est l'aspect technique hors octaves de note. Ce sont des multiples de la même fréquence fondamentale, c'est pourquoi ils sonnent si semblables et pourquoi ils sont tous la même note. Donc, pour n'importe quel accord que vous jouez, vous pouvez choisir d'attribuer chaque note individuelle hors du cordon à pratiquement n'importe où sur le clavier. Prenons donc un simple accord en do majeur. Par exemple, il se compose de trois notes C, E et G. Si vous jouez le milieu C, suivi par le E juste au-dessus, puis le G qui est appelé jouer le cordon en position de route parce que vous jouez chaque de la cour d'une manière linéaire. La route la troisième et la cinquième dans ce cas. Mais maintenant, transformons ce cordon en inversion. Si vous prenez la note racine, voyez et la transposez vers le haut d'une octave, vous jouez maintenant la 3ème route de la cour qui s'appelle la première inversion. Si vous continuez à déplacer la nouvelle note basse, qui est la troisième ou E dans ce cas, haut d'une octave aussi, vous jouez maintenant le cordon en cinquième racine troisième, qui s'appelle la deuxième inversion. Fondamentalement, vous pouvez jouer n'importe quel accord de trois notes en trois variantes. Position racine, première inversion et deuxième inversion. Si vous ajoutez une note à la cour de sorte qu'il se compose de quatre notes, par exemple, 1/7 accord. Vous avez encore une autre inversion à choisir, appelée la troisième inversion, car il y a une autre note que vous pouvez transposer maintenant. Préparez-vous à apprendre une des méthodes de puissance réelles que vous pouvez utiliser en tant que compositeur lors de l'écriture des progressions d'appel , car vous pouvez choisir de manière créative le type d'inversion que vous voulez jouer pour chaque accord dans votre progression dans votre histoire musicale. Donc, même si vous n'avez que quatre accords dans votre progression. Cette dimension supplémentaire des inversions hors cour ajoute une flexibilité incroyable et ouvre de nombreuses possibilités pour vous. Permettez-moi de le démontrer en jouant quelques variations différentes sur la même progression d' accord. La seule chose qui est différente est les inversions refroidies que j'ai choisies pour chaque accord pour - Ouais , super. Et comme vous l'avez déjà appris, la note la plus élevée de chaque accord est ce que nos oreilles ramassent et se concentrent le plus. Donc, cela signifie que vous pouvez maintenant utiliser des inversions refroidies pour décider essentiellement de la mise au point de la progression de l'accord. Essentiellement, cela signifie que vous pouvez réellement façonner une milady intégrée à l'intérieur de votre progression principale en choisissant des inversions de cour pour répondre à cela, Milady. Donc, même si vous n'avez pas de mélodie dans votre piste, vous avez le pouvoir de créer un milady par utilisé dans les inversions de cour d'une manière créative dans votre progression d'accord. Et quand vous les combinez avec votre chef de file, cela signifie que votre thème principal aura une concentration et une clarté incroyables. Laisse-moi te montrer. Disons que vous avez une mélodie qui va comme ça. Maintenant, je vais utiliser la puissance des inversions d'accords pour écrire une progression cool afin que chaque accord ait sa note la plus élevée comme la même que cette ligne de mélodie. Écoutez attentivement la mélodie à l'intérieur de la progression de l'accord. Incroyable. Vous avez maintenant appris l'incroyable puissance hors cour inversions pour choisir le focus, soutenir votre thème principal, ajouter de la variation et rendre votre histoire musicale plus puissante et intéressante. Continuons votre parcours d'apprentissage dans la prochaine vidéo. 12. Diriger la voix: Hé, compositeurs. Parlons maintenant de la voix refroidie leader parce que vous venez d'apprendre sur les inversions d'accords, qui vous a montré que les progressions cool rarement ou simples, blocs droites dans une séquence. Au lieu de cela, il a souvent beaucoup de variations en cours. Une de ces variations est appelée voix Leading, et elle est très intégrée au concept des inversions froides. Voici ma courte définition hors voix menant la voix est le mouvement hors voix internes, ce qui signifie que toutes les notes changent de chaque accord dans la progression ? Parce que si nous regardons à nouveau le clavier du piano, disons que nous voulons jouer une progression simple et cool comme le do majeur. Si le major G majeur et de retour voir Major Well, si nous jouons au centre commercial en position de route, vous entendrez que ça semble un peu nerveux. En effet, les intervalles que vous déplacez chaque note à l'intérieur de la cour lorsque vous changez de notes sont plus longs qu'il ne doit l'être. Comparons ces deux en utilisant des inversions d'accords de manière à rendre la progression cool plus lisse . Je peux choisir de jouer les accords comme ça à la place, et comme vous avez entendu ces sons tellement plus lisse. Mais pourquoi ça sonne, mère, mère, Parce que chaque Millo déclinent, aussi appelé une voix sonne plus lisse si vous jouez des intervalles plus courts, ce qui signifie avoir les notes plus proches ensemble. Donc, ce concept s'applique réellement pour les mélodies à pour voix froide menant. Vous voulez souvent utiliser les inversions d'accords de manière à minimiser les mouvements de vos mains si vous le jouez sur votre piano ou votre clavier à la fois pour le rendre plus facile à jouer, mais surtout parce qu'il semble beaucoup plus lisse. Cependant, ce n'est pas une pièce, et franchement, même si elle waas, je choisis de la casser personnellement beaucoup de fois quand je compose de la musique. Mais même ainsi, c'est un concept qui est important à apprendre car quand on pense aux tribunaux de cette façon, comme les cette façon, différentes voix qui mènent les unes aux autres, on commence à se rendre compte que les tribunaux ne sont vraiment pas des obstacles. harmonies. Mais en fait plusieurs déclins Millo ou voix jouées dans une séquence. Dans le même temps, La meilleure façon de pratiquer la voix leader, à mon avis est de jouer vos voix cool, ce qui signifie les notes individuelles sur différents instruments. J' ai donc une activité d'entraînement pour vous maintenant créé une progression cool sur votre piano ou clavier en utilisant des accords Onley Triad, ce qui signifie trois accords de note plus une note de basse ajoutée en jouant la racine de chaque cour avec votre main gauche stockée en faisant de cette progression de cour en utilisant Onley la position racine chaque accord comme ceci, puis s'entraîner à organiser cette progression froide, en utilisant chaque voix individuelle de chaque accord, joué sur un instrument différent dans, Disons, sur la section de cordes orchestrales, utilisez la double base jouant la racine et les Chelios, et les violons jouant les voix hors de la corde de la triade. Donc, en position de route, vous le joueriez comme ça. La double base jouant l'ajouté la note racine sur le terrain, les frissons jouant la route principale. Notez les altos jouant le troisième de la cour et les violons jouant le cinquième. Maintenant, quand on regarde les médias comme ça, il est encore plus clair que les tribunaux ou les voix fondamentalement différentes jouent en harmonie les unes avec les autres. Et maintenant, les magasins de fonds. Vous pouvez utiliser votre liberté de création en tant que compositeur pour choisir différentes inversions d'accords et décider lequel des instruments à cordes ou tout autre instrument doit jouer quelle voix hors la cour. Alors allez-y et faites quelques inversions de la cour et pensez à la voix qui mène comme vous le faites . Vous ne serez pas vraiment lisser les transitions ou peut-être vraiment les transitions nerveuses. Ensuite, vous pouvez aller un bâton plus loin si vous voulez, et ajouter une note de tête sur certaines voix juste avant que le cordon ne passe dans la prochaine cour dans la séquence. Cela ajoute plus de fluidité et d'intérêt à votre progression froide comme celle-ci. Donc, disons que vous voulez passer de C à F. La première chose que vous pouvez faire est d'utiliser une inversion qui minimise la distance entre ces cœurs. Donc, disons que je commence par Sian Root Position faire aller à if dans la troisième inversion. Et vous pouvez également ajouter une note de tête ou une note de passage au bout de la mer pour les faire couler encore mieux les uns dans les autres. Comme ça. Félicitations. Vous avez appris le pouvoir de diriger la voix, c'est la façon dont diverses voix se conduisent les unes dans les autres d'un accord à l'autre. Et vous avez même appris à ajouter des tonalités vocales entre les changements de base, que vous pouvez utiliser pour rendre le flux de transition plus fluide. Incroyable. Maintenant, continuons dans la prochaine vidéo 13. Style d'accord: Maintenant, apprenons sur les styles de jeu d'accords, parce que la façon dont vous jouez chaque accord dans vos progressions de base est votre choix créatif en tant que compositeur, et cela fait une énorme différence. Alors, qu'est-ce que je veux dire par style de jeu ? Eh bien, fondamentalement, le rythme interne et l'interaction entre les notes du cordon, les voix à l'intérieur du cordon, le moyen le plus simple et le plus simple de jouer un accord est appelé accords de bloc. Il s'agit essentiellement d'un gros livre pour chaque accord, où chaque note à l'intérieur de la cour est tenue jusqu'à l'accord suivant. Dans la progression. Si vous utilisez le style de jeu de blocs de cour, vous utilisez généralement une voix menant avec un ton de tête avant le changement de cour pour le pimenter , pas et aussi long, accords bas qui ont perdu une balle ou plus besoin d'une autre façon de faire c'est plus intéressant. Expression et mouvement. C' est pourquoi ce style de jeu de base de livre, est principalement utilisé sur les cordes et les instruments de cuivres parce qu'ils ont tellement de contrôle sur l' expression dans le son soutenu Passons au prochain style de jeu ou pidio. Ça veut dire accord cassé. Fondamentalement, cela signifie que les notes de bloc solide sont brisées et jouées dans une séquence. Le rythme des paillettes et la façon dont vous sautez entre les notes dans la cour sont totalement à vous et un moyen super puissant d'ajouter de l'intérêt et un flux rythmique à l'intérieur de vos progressions d'accords . Suivant style de jeu, j'appelle blocs rythmiques parce qu'il est toujours des courts de livres. Mais au lieu de longs blocs entre chaque changement de cour, vous les divisez en petits morceaux et ajoutez monté. Fondamentalement, c'est ce que vous avez dit Strumming est, mais vous pouvez le faire sur n'importe quel type d'instrument qui peut jouer des courts dans un style court et rythmique, par exemple, par exemple, notes de bétail coincé sur des cordes, poitrine et bois. Ensuite, nous avons le style de jeu de cour que j'appelle le rythme de comping, qui est fondamentalement un mélange entre plusieurs de ces autres styles dans un motif rythmique unique , généralement à la guitare ou au piano. Le style de jeu de comping peut, par exemple, mélanger entre des notes simples, blocs courts, Juno pour l'harmonie et changer la longueur des notes, tout pour créer un rythme de comping. Comme je l'ai dit, cela fonctionne particulièrement bien sur le piano ou la guitare, Donc vous avez maintenant appris que le style de jeu signifiant le rythme et l'interaction entre les notes ou les voix de chaque accord est complètement libre de choix, même avec une progression de noyau super simple comme, par exemple, voir Major fa Major G majeur et retour pour voir Major. Vous avez des options illimitées sur la façon dont ces progressions cool sonneront en créant un style de jeu pour chaque accord dans la progression. Maintenant, essayez ces différents styles de jeu pour vos cordons. Bloquer les accords qui sont tenus jusqu'à la prochaine cour. Les blocs très ethniques, qui est fondamentalement ce qu'est la guitare strumming, ou pidio, c'est qui, ou accords cassés en notes individuelles et en rythmes de composition, qui est un mélange de ces choses, y compris des longueurs de notes pour créer votre rythme. Alors amusez-vous à pratiquer des styles de jeu d'accords, et je vous attendrai dans la prochaine vidéo. 14. Ryde de progression d'accords: Maintenant, vous avez déjà appris à propos de votre pouvoir créatif en utilisant des styles de jeu de terrain. Mais il y a encore plus de puissance dans les mains de vos compositeurs parce que vous avez aussi une liberté créative totale de la durée de jeu de chaque cour dans la séquence. Donc, pour chaque terrain à l'intérieur de votre progression de noyau, vous pouvez choisir si elle doit être jouée pour une planche pour percer la moitié de la balle ou même 1/4 de bol de la longueur de chaque accord. Le moment de la cour change. Ces pièces sont totalement gratuites pour vous de choisir à l'intérieur de vos compositions musicales. Le fait est que techniquement c'est la même progression d'accords, mais cela semble si différent. Laissez-moi vous démontrer. Si nous prenons à nouveau la simple progression de l'accord C F G C, je vais permettre joué avec différentes longueurs de chaque accord. Bien sûr, cela signifie également que la durée de la progression froide peut être plus ou plus courte, Mais cela fait également partie du point. Écoutons maintenant. Voici une leçon très importante à apprendre. Une erreur courante de nombreux nouveaux compositeurs est de Onley ajouter des accords change chaque balle. Pourquoi veux-tu te limiter comme ça ? En fait, j'encourage Non. Je vous mets au défi de commencer à utiliser les changements d'accords MAWR car cela ajoutera plus de profondeur, plus de variation et, par conséquent, un personnage plus intéressant et plus engageant dans votre musique. Félicitations. Vous avez maintenant appris le rythme de progression cool, ce qui signifie la longueur de chaque accord et le timing de vos changements de cœur dans vos progressions. Vous avez également rompu des chaînes à partir d'un changement d'accord de alésage. Alors allez-y et entraînez-vous à changer le timing interne de vos principales progressions, et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 15. Accords de diatonic: Maintenant, bien sûr, la base de vos progressions fraîches est basée sur ce qui refroidit que vous choisissez de mettre à l'intérieur . Et une chose qui peut vous aider est d'apprendre sur les accords diatoniques, les courts dia torrey ou tous les cordons qu'Onley utilise des notes de l'échelle que vous avez choisie pour votre chanson. Donc, par exemple, disons que nous utilisons l'échelle A mineure pour écrire votre composition dans, eh bien cette échelle. Onley utilise des touches blanches sur votre clavier. Alors les accords diatoniques utiliseront également Onley des notes du boîtier blanc. Maintenant, une échelle standard a sept notes, plus le ruban de chêne ajouté sur la note racine pour terminer ce jeu avec. Donc si je joue toutes les touches blanches de A à une octave au-dessus de ça comme ça, je viens de jouer l'échelle A mineure, non ? Eh bien, chaque clé que j'ai joué a un numéro qui est fondamentalement c'est le placement dans l'échelle appelée degré d' échelle. La note racine, qui est un dans ce cas, est appelée celle à laquelle est appelée Next B, et ainsi de suite jusqu'à sept, qui est G dans ce cas. Et puis l'échelle se termine avec le A une octave au-dessus de la note racine bien, pour être précis. En théorie de la musique, vous utilisez des chiffres romains pour indiquer le degré d'échelle de chaque note ou accord comme celui-ci, tous les sept degrés sur une échelle standard de la musique. Et cela signifie que vous avez sept accords diatoniques à choisir. Si vous utilisez tous ces accords triades simples, vous pouvez en obtenir encore plus si vous étendez vos cœurs ou leur ajoutez de la couleur en ajoutant des notes ou en modifiant des notes dans l'accord en les poussant vers le haut ou vers le bas. Donc, pour l'échelle mineure, qui utilise l'affaire Lee White, vous obtenez ces tribunaux diatoniques de triade. Regardons cette séquence attentivement parce que je veux que tu t'en souviennes bien, pourquoi ? Eh bien, parce que la grande chose à propos des modèles d'échelle et des accords diatoniques pleins de l'échelle est que c'est la même chose pour toutes les touches du type d'échelle spécifique. Donc, pour cet exemple, nous avons utilisé l'échelle mineure naturelle dans un Donc, chaque fois que vous composez de la musique dans cette échelle, dans n'importe quelle autre clé, vous obtenez les mêmes paillettes d'accords diatoniques, le même ordre que celui que vous voyez ici, ce qui signifie que vous pouvez simplement supprimer les clés du même modèle et le faire comme ceci place. Et puis nous avons simplement nommé ce modèle naturel, accords diatoniques à échelle mineure. Maintenant faisons la même chose. Mais pour toutes les échelles majeures, alors nous obtenons ce modèle d'accords diatoniques. Félicitations. Vous avez maintenant regardé ce secret pour choisir des accords qui sonnent bien pour votre composition. Les accords diatoniques. Bien sûr, la séquence des tribunaux compte beaucoup, et certains changements sympas sembleront toujours plus naturels que d'autres. Mais fondamentalement, les accords diatoniques peuvent être un excellent point de départ comme une banque hors cours à choisir lors de création de votre progression d'accords, je veux vous donner un dernier bonus avancé aussi bien. Avez-vous remarqué que le type d'échelle mineure et le type d'échelle majeure ont tous les deux un accord diminué dans le modèle d'accord diatonique ? Eh bien, je peux honnêtement dire que les accords diminués sont rarement utilisés, principalement parce qu'ils ont l'intervalle de tonalité d'essai redouté à l'intérieur du cordon, ce qui est très dissonant. Donc, sachant que je dirais que vous pouvez vous concentrer principalement sur ces six autres cœurs diatoniques comme point de départ de vos progressions d'accords. Et n'oubliez pas, vous pouvez également ajouter des notes pour prolonger les rapports de triades avec plus de trois notes ou modifier notes dans l'accord pour, par exemple, rendre suspendu. Cool. Apprenez vraiment ça. J' ai une autre activité de pratique pour toi. Je veux que vous écriviez ces modèles diatoniques à la fois pour l'échelle principale et pour l' échelle mineure naturelle, car écrire les choses aide le processus d'apprentissage. Mais pas seulement ça. J' ai ensuite voulu regarder vos notes pendant qu'il joue à travers les cordes de chacun de ces motifs . Disons que vous commencez par les accords diatoniques majeurs à l'échelle. Eh bien, commencez par choisir la clé. Je vous recommande d'abord d'utiliser l'échelle en C majeur, puis de jouer chaque dia. Tony a refroidi la balance, monter et descendre. Ensuite, vous changez de touche, mais utilisez le même type d'échelle. Disons en ré majeur, choisissez les accords diatoniques de ré majeur en utilisant la formule d'accords diatoniques que vous venez d'apprendre et jouez-les dans les paillettes, allant de 1 à 7 et 7 à 1 plus l'octave pour résoudre l'échelle. Après avoir pratiqué cela pendant un certain temps, commencez à mélanger les choses. Basculez aléatoirement ou de manière créative entre les degrés hors de l'échelle de 1 à 62 peut-être trois que cinq. Et ainsi de suite. Le but de cet exercice est de vous familiariser avec le son et le caractère hors cours diatoniques de l'échelle spécifique, mais aussi de développer un instinct sur la façon dont les différents accords ressemblent, parce que allant de 4 à 1 a une émotion totalement différente de celle de passer de 3 à 6, par exemple. C' est donc le son de la grande échelle avec les accords diatoniques. 141 1541 16451 et ainsi de suite. Pratiquez donc autant d'options que vous le souhaitez et assurez-vous que vous pratiquez dans toutes les clés de l' échelle principale ainsi que sur l'échelle mineure naturelle. Après avoir pratiqué ce lot, vous découvrirez que vous saurez à l'avance à quoi ressemblera un changement de cour spécifique dans votre progression d'accords. Et cela accélérera votre processus de composition et vous donnera beaucoup plus de liberté et de puissance créatives . Amusez-vous à développer vos accords diatoniques et vos instincts changeants d'accords, et je vous verrai dans la prochaine vidéo 16. Les 3 accords forts: D' accord. Vous avez donc appris les accords diatoniques, et bien que vous n'êtes pas liés par eux, ils sont en effet un excellent point de départ pour écrire vos progressions d'accords. Cependant, dans cette vidéo, vous allez apprendre sur le concept que j'appelle les trois accords forts en musique parce que vous avez appris que vous avez sept accords diatoniques dans son échelle, un pour chaque degré d'échelle de 1 à 7. Et il a aussi appris que pour la grande échelle et l'échelle mineure, vous avez un accord diminué comme un accord sur les accords diatoniques. Eh bien, celui-ci est rarement utilisé, ce qui réduit vos options 26 accords. Bien sûr. Vous pouvez utiliser la cour diminuée de votre lumière parce que vous êtes en contrôle. En tant que compositeur, j'essaie juste de vous aider à développer le sens des différents accords diatoniques ici. Maintenant, les trois cordes fortes, toutes les courts que vous utiliserez le plus parce qu'ils ont une relation mathématique dans les fréquences mêmes de leurs photos de notes qui les lient essentiellement ensemble. Ces cordes ou le cordon racine, le quatrième accord et le cinquième appelé de l'échelle dans le nom des degrés d'échelle de toutes les échelles. Ceux-ci sont appelés le Tonic, le quatrième parfait et le cinquième parfait. Le tonique est la maison harmonique de votre composition musicale sur la quatrième parfaite et parfaite cinquième ou très liée à votre tonique. Donc, gros, si vous écoutez, disons, musique Pope, il y a des millions de morceaux qu'Onley utilise ces trois cordes fortes comme base de la progression de la cour dans le chanson. Donc, une directive que vous pouvez utiliser est de donner à ces trois accords diatoniques un peu plus de poids lorsque vous développez vos progressions d'accords, ce qui signifie que vous avez utilisé et plus souvent que les autres accords diatoniques dans votre composition musicale . Voici donc les trois cordes fortes pour l'échelle mineure naturelle à gauche et l' échelle majeure à droite remarqué que le type d'échelle mineure a les trois courts forts comme accords mineurs à l'opposé pour le type d'échelle majeure où les trois forts les cordons sont tous majeurs. C' est, en fait, ce qui crée le triste caractère émotionnel à partir des chansons à petite échelle et des chansons édifiantes , optimistes , hors échelle majeure. Permettez-moi de le démontrer en jouant une progression d'accords en utilisant Onley, les trois bastions d'abord en utilisant l'échelle mineure, puis avec la compétence majeure, permettez-moi de commencer par l'échelle A mineure, où la progression 1451 sonnera comme ça. Les trois coeurs forts et maintenant jouons la progression d'un accord 51 complet les trois accords forts sur l'échelle du C. majeur. Essentiellement, ils ont formé le CenterPoint harmonique de votre histoire musicale. Vous pouvez penser à la 145 comme la famille cool, la mère, père et l'enfant sur les autres accords diatoniques comme vos meilleurs amis, la famille cool passera naturellement le plus de temps ensemble. Essaie ça par toi-même. Maintenant, pratiquez-vous à jouer des accords diatoniques à partir d'une échelle majeure, puis faites le même exercice sur une échelle mineure et prenez note de la nature de jouer le parcours 145 de l' échelle. Mais parfois, vous voulez voir vos amis, , alors ajoutez quelques autres accords diatoniques dans votre progression d'accords. Amusez-vous, apprenez la volonté et je vous verrai dans la prochaine vidéo 17. Harmonie est comme les relations: accords et harmonies est ce qui ajoute de la profondeur dans la musique. Quel genre de profondeur et de ton émotionnel est votre choix en tant que compositeur ? Pour chaque Milady, il y a des millions de choix pour le scénario harmonique pour le soutenir, ce qui signifie les cordes que vous choisissez, la longueur de chaque courting, la progression, le rythme et le style de jeu de chaque accord. Maintenant, voici une leçon vraiment importante que j'ai personnellement apprise comme l'un de ces moments ah ha . Voici ce que j'ai réalisé des années dans mon voyage de composition se refroidit et les harmonies se forment automatiquement à partir des relations. Fondamentalement, cela signifie que chaque fois que vous avez deux voix ou plus signifiant des lignes mélodiques jouant différentes parties en même temps, vous le ferez. Pour une relation harmonique entre eux, cela signifie que le cours et les harmonies. La musique n'a pas besoin d'être jouée par un seul instrument, comme, par exemple, un strumming un grand piano de composition. En fait, accords et les harmonies sont automatiquement formés à partir de la relation entre tous les ports jouant dans votre piste. Imaginons donc que vous ayez une composition dans votre D W faite à partir d'instruments logiciels Onley, sorte que vous puissiez regarder toutes les notes de médias dans n'importe quelle section. En même temps, il vous suffit de sélectionner tous les ports et d'ouvrir la ligne de piano. Et la plupart des D A. W devraient être en mesure de vous montrer les médias de tous ces ports dans un seul éditeur de rangées de piano comme celui-ci. Maintenant, hors cours, vous devriez exclure toutes les pistes de médias de batterie et de percussion parce que ceux-ci sont connus, lancés et ne peuvent donc pas pour beaucoup d'harmonie. Mais sélectionnez toutes les autres pistes, puis regardez attentivement à l'intérieur de la salle de piano, votre mélodie principale , contre-mélodies, composition de piano et cordes à jouer. Chaque note de chaque instrument s'additionne ici. Donc, partout où vous placez la tête de jeu dans le séquenceur, lorsque vous êtes à l'intérieur du piano et regardez toutes les notes comme celle-ci, c'est fondamentalement le cordon de ce moment précis dans votre composition. Laissez-moi être encore plus clair. Votre mélodie, votre contre-mélodie, les morceaux jouant des cordes de livre ou des arpèges. Tout crée une somme totale dans chaque point de votre composition, et que certains sont la structure harmonique hors de ce moment, ce qui signifie le cordon. C' est ainsi que je regarde toute la musique de nos jours, et je trouve ce point de vue très libérateur et stimulant car maintenant il peut tout voir comme des voix individuelles qui créent des harmonies avec leurs relations. C' est comme si ta composition était comme une équipe. Disons une équipe de football. Si vous introduisez un nouveau joueur signifiant une nouvelle voix dans votre composition, l'équipe sera un résultat différent. Vos relations sont formées automatiquement parce que c'est l'essence même d'une équipe. Tout le monde joue son rôle, mais le résultat final sera toujours au-dessus de l'équipe entière. Alors pensez en ces termes lorsque vous composez votre musique, mélodies, harmonies, court et tout style de jeu hors, ces éléments forment automatiquement une équipe à partir des relations entre eux. Et ces relations changent au fil du temps dans votre composition, tout comme le placement sur le terrain de tous les joueurs de l'équipe pendant un match. Maintenant, enfin, je vous recommande de profondément dans cette perspective et le sens des relations dans la musique en allant dans différentes compositions que vous avez créées et en louant la tête de jeu dans le séquenceur dans différents ports de votre suivre que d'analyser quelles notes ou présentes à ce moment même. Quel cordon se forment ces relations à chacun des endroits de votre composition ? Encore une fois, toutes les harmonies de la musique portent sur les relations entre les notes à chaque moment votre histoire musicale, alors assurez-vous que vous les apprenez vraiment par cœur, et je vous verrai dans la prochaine vidéo 18. Ligne 1 et facteurs vs Melody: Un Courts contre Milady Factor, car vous avez déjà appris toutes les voix mélodiques de tous vos instruments ou ce qui crée l' accord actuel à n'importe quel point spécifique de votre composition musicale. Ceci est automatique par la relation hors tous les intervalles entre les notes. Maintenant, si vous jouez une progression d'accords sur, par exemple, piano, vous changez généralement les accords trop lentement pour que les voix internes des tribunaux soient prises en tant que mélodie. Comme vous pouvez l'entendre dans cet exemple, donc fondamentalement la façon habituelle de regarder le cours dans la musique est comme une base harmonique, un cadre pour votre histoire. Cependant, si vous changez d'accords très souvent, comme presque chaque quart de note, votre progression de cour se sentira plus comme une harmonie de contrepoint, ce qui signifie plusieurs lignes mélodiques individuelles jouées ensemble. Donc, dans cet exemple, j'ai changé de cordons très souvent, ce qui en fait crée des déclins Melo à l'intérieur de la progression de l'accord. Prenons une écoute d'abord, sorte que la note de tête de chaque accord sera toujours la plus focalisée. Donc la mélodie que vous entendez le plus est celle-ci. Mais si vous écoutez attentivement, vous pouvez entendre une autre ligne mélodique ici et peut-être celle-ci aussi. Euh, et en fait ici dans le stand, euh, la différence entre cette façon de base harmonique d'utiliser le cours pour entrer dans l'harmonie presque contrepoint est ce que j'appelle les cordes contre le facteur mélodique. Et vous pouvez utiliser ce facteur à votre avantage pour ajouter encore plus de soutien à votre mélodie principale . Parce que chaque fois qu'une note à l'intérieur de votre cour change même une seule voix, c'est comme un micro accent, et ce micro accent peut soutenir votre milady. Si vous êtes mentalement change la note au même moment aussi. Si vous changez tout le cordon, c'est encore plus souvent l'accent. Vous commencez à voir ce que vous pouvez faire ici ? Vous pouvez utiliser vos changements d'accords et de voix menant à l'intérieur des cordes pour accentuer et soutenir vos mélodies, crochets, motifs et riffs principaux, surtout si vous utilisez la tête vocale qui prend une voix dans le cordon à la même note comme la mélodie. Donc, fondamentalement, en changeant les accords plus souvent, vous entrez plus dans le domaine de l'harmonie des contrepoints dans votre progression froide, ce qui ajoutera plus de soutien à votre mélodie principale. Maintenant, essayez ceci par vous-même, faites une ligne de mélodie sur quatre trous, puis d'abord des cordons publicitaires qui changent chaque alésage. Ensuite, essayez d'ajouter des changements de cour entre les deux, et si vous pouvez le gérer, allez encore plus loin et essayez de changer les accords tous les trimestres. Notez aussi. Voici un conseil pour vous. Un changement cool n'a pas besoin d'être un accord complètement différent. Cordes altérées et accords étendus étaient souvent grands aussi, comme passer d'une triade à un ajout six accords ou accords suspendus, peut-être 1/7 accord. Et ainsi de suite. En fait, vous constaterez que ces colorants de cordon sont souvent plus puissants en tant que support supplémentaire à votre mélodie principale que des tribunaux complètement nouveaux, parce que vous avez souvent besoin de changer une seule voix hors du cordon, et que voix peut alors aller à la note de mélodie. Bonne chance et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 19. Ligne d'action et facteur d'action: ligne directrice à l'humeur par rapport au facteur d'action autre que le tempo. Ce qui décide de l'énergie et de l'action de votre musique, rythme et rythme ne doit pas être batterie et percussion. En fait, si vous y pensez, chaque instrument et son de votre musique est intégré automatiquement au rythme, car le rythme est simplement un modèle dans le temps et chaque note et son comme un début, une durée et une fin. Ainsi, un rythme Basie donnera plus d'action et d'énergie. Et un rythme très lent et simple fera que votre musique se concentre davantage sur l'humeur et l'ambiance. Fondamentalement, vous pouvez y penser comme ça. Si vous retirez, disons, quatre balles de votre composition musicale et vous compteriez chaque note, changez tous les instruments et additionnez à un nombre total. Plus ce nombre est élevé, plus cette section aura d'action et d'énergie et vice versa. Donc, pour des progressions fraîches, cela signifie ajouter plus d'accords dans une section signifie plus de changements courtisés, ce qui, par conséquent, donnera à votre piste plus de lecteur et d'énergie, au moins dans les ports de la cour. Voici une astuce que vous n'avez pas besoin de changer le cordon ou la voix pour ajouter de l'énergie. simple découper en un rythme fonctionne tout aussi bien. Pensez à une guitare, en battant un accord une fois et en le laissant sonner contre une guitare, frappant un accord dans un modèle rapide. Alors pourquoi est-ce que j'appelle ça le facteur d'humeur et d'action ? Eh bien, parce que c'est comme une échelle de 0 à 10 0 étant absolument minime. action et l'énergie, qui est essentiellement Onley se concentrer sur l'humeur et 10 étant super ambiance d'action rythmique, ce qui est de nombreux changements de cour. Une façon très rythmique de jouer vos cordes. Donc, disons que vous voulez partir pour une sensation minimale en se concentrant sur l'humeur. Eh bien, utilisez un cours long et soutenu comme celui-ci, et si vous voulez y ajouter un peu plus de flux, vous pouvez utiliser une voix lisse menant, ne changeant que quelques-unes des voix de la cour comme ceci. Et plus la voix change et le rythme que vous ajoutez dans vos cours dans votre progression, l'action et l'énergie mawr Par rapport à l'humeur, laissez-moi vous montrer un exemple de beaucoup d'action et d'énergie. Maintenant, le facteur humeur contre action ne repose pas sur le terrain. Il repose sur le rythme. Combien de notes change l'ordre même si les notes sont simplement répétées. Bien sûr. Vous devez également le sauvegarder avec votre batterie et vos percussions. Si vous voulez vraiment ajouter des regards hors de l'énergie et de l'action dans votre composition maintenant, plusieurs fois vous ne voulez pas cela, mais voulez plutôt un lit lisse sur la musique de l'école qui est principalement axée sur l'humeur . Ensuite, faites durer vos cordons plus longtemps. Concentrez-vous sur les inversions judiciaires qui créent une voix plus lisse menant un sens, ayant les voix plus rapprochées. Souvent, vous pouvez aller au-delà d'un record de barre. Dans ce cas, - vous pouvez le sauvegarder avec un tampon doux ou un drone sur une seule note qui se tient dans une section plus longue de votre piste, peut-être en ajoutant quelques sons et textures atmosphériques. Vous avez le point ici. C' est ce que j'appelle le facteur humeur contre action. Combien de fois changez-vous les cordons, ou même changez-vous juste une voix à l'intérieur de la cour ? Ajoutez du mouvement et combien de rythme ajoutez-vous à votre composition ? Donc, pratiquez cela en créant d'abord une progression froide de type soulignement complètement axée sur l'humeur, puis découpez-le. SMA. Ou cool change le rythme dans le mouvement interne de l'avoine de maïs hors des voix à l'intérieur de la cour et tout ce que vous voulez pour obtenir votre progression d'appel plus concentré sur l'action et l'énergie. Amusez-vous à les pratiquer, et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 20. Guiden 3 Stabilité vs facteur de flux: lignes directrices. Trois. Stabilité vs flux Les tribunaux de facteurs ont la capacité de rendre votre musique stable, noble et pleine autorité, ou aller dans l'autre direction et faire couler votre composition comme une rivière. L' un des principaux moyens de contrôler ces facteurs de stabilité par rapport à la grippe ou en utilisant de gros livres stables par rapport aux notes de cordon. Et en exécutant Cornell, je fais référence à Orp Agios, ce qui signifie accords cassés dans et ou pidio l'avoine de maïs ou rompu et joué un par un dans une séquence fluide. L' ordre des notes et le rythme de cette séquence fluide sont à vous en tant que compositeur. Je trouve que l'utilisation d'arpèges peut aussi être un excellent moyen de pimenter vos accords avec des tons de pose et des tons de tête signifiant des orteils en dehors de votre corde qui sont joués sous peu comme une sorte de transition ou de mépris ajouté. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Donc, pour la pitié de toi, je viens de jouer pour toi. J' utilisais le disque C d'abord comme ça, puis je suis devenu Teoh e bémol, comme cette tante. C' est là que je commence à ajouter des notes de passage comme celle-ci, celle qui n'est pas dans la grande cour. C' est en fait le septième et ensuite la thèse fait partie de la cour. Mais ensuite j'ai eu ces deux-là. Avant de redescendre et d'en faire un si bémol majeur, vous savez, et je vais le faire. Si vous voulez jouer des accords de cette grippe comme celle-ci, je vous recommande d'utiliser des instruments qui peuvent jouer des sons courts dans un style staccato ou placke ,par exemple, par exemple, pianos ou des grâces ou des pédales. Mais si vous voulez aller plus vite que, disons, huit pianos notes, magasins à lutter parce que les notes ne sont pas assez courtes et il commence à sonner un peu boueux cordes orchestrales jouant une petite note. L' articulation fonctionne très bien. Et, bien sûr, sur les synthétiseurs. Vous avez un contrôle total sur la longueur du son de sorte que vous pouvez obtenir des sons clairs et pincés à utiliser pour rapide ou pigeons. Laissez-moi vous montrer que je joue une radio ORP rapide sur des cordes staccato. Voici un conseil pour vous. Vous n'avez pas à briser vos cordes en toutes les notes simples lorsque vous jouez un arpège. Vous pouvez également utiliser des parties qui jouent deux notes en même temps comme ça, n' est-ce pas ? Vous pouvez également pimenter vos accords de bloc prolongés avec voix menant à l'aide de petits teasers, souvent arpège comme ça, Par exemple, Euh, donc fondamentalement, la stabilité vs flux dépend de la quantité de stabilité dans les blocs soutenus à long terme. Ce qui est le rapport inférieur de l'échelle A supposé pour le plus ou Peggy ated sensation et flux de vos tribunaux en utilisant, comme, comme, disons, ou quelque chose comme ça. Maintenant allez-y et pratiquez le facteur de stabilité par rapport au facteur de débit. Faites vos propres arpèges et essayez-les sur différents instruments comme le piano, cordes de staccato et ainsi de suite, et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 21. Guideline 4 vs Factor: ligne directrice pour le facteur haut contre bas. Vous pouvez utiliser les courts pour construire de l'énergie en utilisant des versions courtisantes et des voix qui vont vers le haut en hauteur. Ou vous pouvez faire le contraire pour abaisser le niveau d'énergie en faisant simplement le contraire. Il s'agit simplement d'entrer dans votre éditeur de médias, également appelé Pierrot, et de contrôler la direction générale dans le pitch pour votre progression de base. Si cette direction va vers le haut, elle va générer de l'énergie et de l'anticipation, ce qui fonctionne très bien, par exemple, dans les transitions vers les Coors ou toute autre section puissante hors de votre piste. Alors laissez-moi vous montrer un exemple, allant vers le haut dans la direction avec les cordes à l'apogée et mettant fin à cette composition. Et si vous choisissez la direction de votre progression du cœur qui descend, cela ramènera le niveau d'énergie à une sensation plus détendue. Presque comme ton héros. Ayant accompli son grand jeté sur est sur le chemin de la maison de nouveau. Bien sûr, il y a tellement d'options pour les directions de vos cordons. Vous pouvez les faire aller en ligne droite ou vous pouvez sauter autour et changer de direction, ce qui peut ajouter des descends sur l'anxiété et le Kenya est une action, cependant, le facteur haut/bas est l'un de mes favoris personnels, en particulier pour les transitions vers de nouvelles sections de votre piste. Pour construire de l'énergie dans une section de choeur ou de puissance, ou pour ramener votre héros à la maison à la fin de votre piste, permettez-moi de démontrer à quel point l'effet est hors de la direction de votre progression principale. Permettez-moi tout d'abord de vous montrer un exemple où j'amène le flux et l'énergie de la progression fraîche bas en prenant la progression fraîche dans une salle vers le bas. L' élan. Ramenant votre héros à la maison comme ça. Maintenant, ramenons le héros dans une aventure à nouveau en remontant dans votre progression de base comme celle-ci. Maintenant, essayez ceci par vous-même, en créant la progression des accords. Disons huit barres de long, chaque cour étant une demi-barre de longueur, puis allez dans le rouleau de piano et utilisez la transposition en octaves sur des notes choisies et sur des notes de corde pour rendre toute la progression fraîche inclinée vers le haut en hauteur. Sentez la direction de coupure dans vos cordons, l'énergie, tension et l'anticipation. Alors faites le contraire. Faites descendre la direction, expérimentez autant que vous le souhaitez, puis commencez à utiliser cette direction Technique dans vos propres compositions musicales, utilisez la puissance hors tension du facteur haut contre bas. Incroyable. Maintenant, continuons dans la prochaine vidéo 22. Ligne 5 d'accords pour les transitions: lignes directrices. Cinq refroidissements pour les transitions. transitions entre les sections de votre musique sont l'une de ces choses avec lesquelles tous les compositeurs ont du mal à apprendre et à améliorer leur métier. Utilisation de remplissages rose Syncopation sur d'autres techniques sur le rythme et la percussion est l'un des meilleurs moyens de créer de bonnes transitions. Mais les cordons peuvent être utilisés avec beaucoup d'effet. Vous apprenez simplement à utiliser la direction refroidie pour les transitions. Eh bien, une autre façon est d'utiliser des notes de passage ou des notes de tête dans vos cordes. Ce sont des prêts dans vos cordons qui sont utilisés à la fin du cordon spécifique avant le changement dans la nouvelle cour, souvent en modifiant simplement ou en ajoutant une voix de votre cordon sur le dernier trimestre. Note ou même huitième notes avant le prochain changement de cour. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire. Donc, disons que vous avez une simple progression d'accords comme celle-ci D g e a. On. Ensuite, vous allez résoudre avec D en octave, plus haut pour la nouvelle section, qui, par exemple, pourrait être votre cours. Donc, au lieu de simplement aller directement de la A, essayez-le aujourd'hui, vous pouvez ajouter une pose de notes. Donc, ici, nous avons le A essayé en position de route. Voyons cette note, qui fait fondamentalement le dans un sept sur DA. Ça marche vraiment bien parce que c'est sur Lee. Ils ont marché de cette note, qui est, dans l'accord d apparaissent donc, ce qui rend la résolution encore mieux en raison de l'attention supplémentaire de la demi-étape là-bas. Donc, dans la séquence, ça peut ressembler à ça. Une autre excellente façon d'utiliser les courts pour faciliter les transitions est d'utiliser le rythme interne ou le style de jeu des cordes dans la musique. Lorsque vous allez passer à une nouvelle section de votre piste, vous voulez guider l'auditeur pour savoir que quelque chose de nouveau est sur le point de se produire. C' est comme dans un film, quand la musique change, peut-être que les angles de la caméra deviennent différents, et vous savez que quelque chose arrive. Vous pouvez faire de même avec vos progressions cool et votre style de jeu dans votre musique pour rendre vos transitions plus claires. Fondamentalement, juste en cassant le flux, vous dites à l'auditeur que c'est quelque chose que vous allez venir. Donc, si vous êtes cool, la progression jouait d'une manière rythmique. Vous pouvez, par exemple, que la barre finale avant le point de transition B un accord long soutenu, ou vice versa. Donc, si nous prenons une écoute de cet exemple ici, nous entendrons d'abord un flux rythmique ici. Et puis les tribunaux commencent à jouer un flux complètement différent dans le port de transition ici pour préparer l'auditeur pour la nouvelle section, Prenons une écoute. Une autre façon est d'utiliser des cordons pour imiter un rouleau de tambour en jouant un rythme droit avec les cordons. Vous pouvez ensuite utiliser des valeurs d'expression dynamique et de vélocité pour que ce rôle refroidi se construit en énergie jusqu'au point de transition. Laissez-moi vous montrer un exemple rapide d'utilisation de cette technique et hors cours. L' un des aspects les plus puissants de la musique est toujours aussi une option. Silence. Donc, fondamentalement, n'avoir pas de cordon dans cet alésage final avant la transition vers disons que votre choeur rendra votre transition plus puissante par contraste. Permettez-moi donc de vous montrer un exemple d'utilisation du silence dans le port de transition vers l'attention et l'anticipation. Comme vous pouvez le voir à partir de tous ces ports sourds ici, y compris la progression des accords ici, prenons une écoute pour que vous puissiez voir des cordons ou super puissants pour vos transitions aussi bien . Maintenant, essayez-le par vous-même. Expérimentez avec des changements dans vos courts et le style de jeu dans ces derniers moments avant une transition, casque et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 23. Ligne 6 pour l'émotion: lignes directrices. Six. Expression pour l'émotion L'un des aspects les plus étonnants de la musique est l' émotion hors dynamique ,le mouvement et le mouvement dans les notes et pour les cours. , Ceux-ci peuvent faire une énorme différence, surtout si vous utilisez des accords de gros livres sur des cordes. Cuivres, etcetera, orphelin avec des sons longs et soutenus sur des instruments logiciels, vous pouvez contrôler la dynamique avec le Mudville sur votre clavier multimédia. Vous pouvez faire un tour d'expression à un contrôleur de respiration comme celui-ci. Un contrôleur de respiration est un appareil dans lequel vous soufflez de l'air, et plus il reçoit de la pression d'air plus élevée qu'il envoie à votre instrument logiciel sur Comme vous pouvez le voir, un avantage majeur de ceux-ci est que vos deux mains sont toujours libres de jouer les médias. Gardez une pédale d'expression, un curseur ou pas d'os, votre clavier midi ou tout ce que vous préférez. Mais si vous préférez, vous pouvez, bien sûr, entrer dans les données d'automatisation de vos instruments logiciels et manuellement directement dans l' expression de l' aviation avec votre souris d'ordinateur et votre clavier. En fait, même si vous enregistrez l'automatisation avec un contrôleur de bordure de clé multimédia, il est souvent bon d'entrer et d'ajuster les données d'automatisation. Pensez à cela presque comme la station Qantas et corrigez les notes de pneus. Mais dans ce cas, c'est pour les données d'expression. Maintenant, la façon la plus courante d'ajouter de la variation dans la dynamique est avec les valeurs de vitesse de viande de chaque note. Donc, disons que vous avez enregistré une petite progression d'accords comme celui-ci, et maintenant vous voulez directement dans les données d'expression pour cela. Donc, vous devez d'abord aller dans l'éditeur de rouleau de piano. Ensuite, vous devez ouvrir la voie d'automatisation dans la logique. Vous cliquez sur un sur le clavier de votre ordinateur, et ici nous avons la voie d'automatisation et ici nous pouvons choisir quel paramètre vous allez écrire dans les données d'automatisation. Pour Dans ce cas, nous avons un instrument à cordes qui contrôle la dynamique sur la volonté modérée. Donc, si nous cliquons ici votre simple choisir la modulation, qui est la roue de modulation, et maintenant vous pouvez utiliser le stylo pour écrire dans les données d'automatisation comme ceci. Donc, vous vouliez rouler ici en dynamique, puis descendre comme ça et maintenant il sonnera comme si cette variation est la clé de la musique. Cela s'applique à tout. Les notes que vous avez utilisées, le timing de chaque note, le temple, les cordons et, bien sûr, expression et la dynamique. Sans variation dynamique, la musique sonnera plat, statique et ennuyeux. Permettez-moi de vous montrer la différence entre une progression cool jouée au piano, avec une vraie variation de moi-même enregistrant le port sur mon piano numérique ici. Comparé à la même performance quand je suis assis seul les notes à la même vitesse, la différence est comme nuit et jour. Ainsi, les deux principales façons d'ajouter l'expression pour l'impact émotionnel dans vos cordes ou la variation dynamique dans l'attaque des notes des valeurs de vélocité médiatique et la variation dynamique dans le sustain off. Les notes de données d'expression dynamique souvent mappées au mode réel, mais peuvent également être mappées librement à un autre curseur, noble ou même un contrôleur de respiration. Maintenant, allez-y et essayez de prendre l'habitude d'ajouter une variation dynamique et expression dans toutes les parties de votre musique. Et quand vous vous sentez prêt, continuons dans la prochaine vidéo 24. Ligne 7 La simplicité est puissant: lignes directrices. Sept. La simplicité est puissante. Je l'ai dit, j'ai répété mes cours de composition musicale. La façon dont vous jouez les notes a plus d'impact que les notes que vous jouez, et c'est la même chose avec vos accords. En fait, vous ne pouvez utiliser que trois ou quatre cours dans l'ensemble de votre composition et faire en sorte que le son de chaque section soit différent sur l'ensemble de votre composition. Unique. Comment est-ce possible ? Eh bien, pensez-y. Presque toute la musique populaire moderne s'en sort avec cela, et la raison est basée sur exactement ce que je viens de dire, comment vous jouez les tribunaux en premier. La séquence, bien sûr, puis la longueur et le rythme interne de la progression de la cour et, surtout, comment vous jouez chaque voix de la corde, qui peut être arrangé en deux instruments différents, ont un rythme différent. Et maintenant, la simplicité est puissante, et vous avez déjà appris leurs trois bastions, celle d'avant et celle de cinq dans l'échelle de votre chanson. Ces degrés d'échelle sur les cordons qui les correspondent ont une relation mathématique qui les fait fondamentalement en une famille hors de l'échelle et de la clé que vous avez choisie. C' est pourquoi je les appelle les trois cordes fortes. Si vous analysez quelles écoles sont utilisées pour toutes les compositions. Chaque écrit, vous trouverez que le 14 et cinq ou par quatre les plus utilisés. Donc, même si vous écrivez de la musique orchestrale, cinématographique ou expérimentale, ou quel style vous voulez, vous devriez toujours être conscient de l'incroyable piscine que ces trois cordes fortes ont sur vos auditeurs. Alors ne les évitez pas simplement parce que vous détestez que la musique pop moderne utilise. Fondamentalement, Onley. Ces cordons embrassent la puissance hors d'eux, et surtout dans vos cœurs ou les grandes sections puissantes de votre musique. Vous avez tellement de façons d'utiliser l'alimentation hors tension des trois cœurs forts. Un. Vous pouvez étendre ces noyaux forts des triades simples au 7ème 9ème et ainsi un à vous pouvez les modifier en,par exemple, par exemple, quarts suspendus ou des deuxièmes cordons suspendus et trois. Vous pouvez, bien sûr, toujours utiliser des inversions cool pour façonner la progression de la cour de l'histoire de votre composition musicale et pleine. Bien sûr, ils jouent le style de chaque accord, le rythme interne de chaque voix, la dynamique de chaque note. C' est la vraie musique de mise hors tension, comment vous jouez les notes. Donc, disons que vous avez une progression super simple appelée, allant 145, puis revenez à une. Faisons ça en do majeur d'abord, euh, euh, donc c'est la façon la plus simple de jouer à cette progression de base. Les tribunaux de blocs longs soutenus chacun en position de route, ce qui franchement, est très ennuyeux. Mais vous avez des façons presque illimitées de jouer ces accords et chaque voix à l'intérieur d'eux. Permettez-moi de vous montrer brièvement quelques exemples. Ajoutez un peu de rythme et des notes de tête comme ça, euh, assiette. Comme un arpège comme cette même progression de noyau, mais une façon complètement différente de le jouer. Vous pouvez le jouer dans un style rythmique plus probable comme celui-ci, et les choix continuent, surtout si vous combinez beaucoup de styles de jeu différents et les mélangez ensemble. Donc, la principale leçon ici est que la simplicité est puissante dans la musique et que vous pouvez le faire incroyablement avec seulement les trois cordes fortes comme base de base. Vous vous souvenez de ces trois accords ou du cool off presque toutes les compositions jamais faites ? Celui des quatre et celui des cinq. C' est comme une famille. Les un et cinq ont le plus de pouvoir dans toute la musique. Ils sont comme les parents sur les quatre est comme leur enfant. Parfois, ils invitent des amis chez eux, qui sont les autres accords diatoniques. Parfois, ils font des voyages sur des activités, qui sont comme des cordons altérés de porte prolongée. Mais ils restent toujours fidèles à leurs valeurs familiales fraîches, qui est encore une fois la forme essentielle, la triade des 14 et 5. Maintenant, vous pouvez pratiquer la simplicité de mise hors tension en faisant une composition complètement en utilisant les accords 14 et 5 sur n'importe quelle échelle et clé de votre choix. Vous découvrirez bientôt par vous-même qu'il y a encore un nombre infini de variations. Si vous considérez la façon dont vous jouez facteur et les couleurs de ces trois cordes fortes, alors amusez-vous, et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 25. Ligne 8 accords fermés et ouverts: lignes directrices. Huit cœurs fermés contre cœurs ouverts. Vous avez déjà appris les inversions d'accords de mise hors tension, mais il existe une autre façon d'ajouter de la variation, profondeur et de l'espace. Et c'est en ouvrant les cordons, ce qui signifie littéralement espacer les notes. Parce qu'avec les inversions appelées, vous jouez toujours les notes de l'accord sans aucun écart entre elles. , Bien sûr, vous avez des notes entre eux, mais pas une des notes de la cour elle-même. Laissez-moi vous montrer la différence entre les tribunaux fermés et les cours ouverts. Prenons un simple cordon comme le do majeur. Essayez-le. Tu vois, sont les notes à l'intérieur de cette cour. Et comme vous pouvez le voir, il n'y a pas de C, e ou G entre ces notes sur Si je choisis une inversion comme, disons, je prends cette octave ci-dessous, il n'y a toujours pas d'orgie de ce entre ces beignets . Je pourrais utiliser une autre inversion en descendant avec cet e à ce s. o. sont toutes les combinaisons possibles hors C E et G enfermé la position racine jeudi Mission version malade. Mais vous pouvez ADM ou couleurs en étalant les notes sur. Donc disons avoir cette suite. Maintenant, au lieu d'utiliser simplement une inversion, vous pouvez ouvrir le cordon afin que vous puissiez jouer la mer ici, mais ne pas utiliser celle-ci. Il est utilisé le G ici sur le troisième sur le dessus de l'ici qui est encore un C majeur accords triades. Mais en position ouverte, vous pouvez l'ouvrir encore plus loin par, disons, la route la troisième ici, disons, si je peux atteindre, j'ai l'habitude de soutenir la pédale pour la cinquième ici. C' est aussi un do majeur. Essayez-le, mais avec un son très ouvert. Cette dimension supplémentaire est appelée accords ouverts. Comparez à la façon standard de jouer des accords, qui est appelée position fermée. En répandant les notes des tribunaux, vous êtes en fait, ajoutant plus de séparation entre les notes de la cour. Sur elle peut également rendre votre cœur plus plein. Depuis l'utilisation d'une gamme plus large dans les fréquences, Voici un conseil de bonus pour rendre votre cours encore plus grand et plus complet doubler certaines des voix dans la cour que vous les étalez, ce qui signifie les accords ouverts. Mais en règle générale, vous devriez avoir le plus de puissance sur la note racine suivie par la cinquième et être un peu plus prudent en doublant le 3ème 2 mois. Maintenant. Créons un énorme accord imbécile et puissant en faisant un accord ouvert avec plusieurs doubles voix internes de la cour. Comme je l'ai dit, je recommande de doubler l'un et la foi plus que les autres notes à utiliser. Par exemple, Third et je recommande également d'avoir la note de basse la plus basse que la note de racine hors du cordon. Donc, disons que vous utilisez un accord en C majeur plutôt qu'un za plus bas. Je vais maintenant maintenir le pichet soutenu pour que je puisse ajouter une note à la fois lorsque je construis ce cordon en un son d'accord massif. Faisons ça avec ce do majeur. Essayez-le. Donc, en commençant par la mer comme la clé la plus basse, faisons une autre. Voir ici. Favoris ici. Voir encore. Faisons le troisième enregistrement ici. C' est ainsi que vous créez un accord ouvert avec les doubles des voix de la cour pour créer un son de cour super épais et complet. Cordons fermés ou plus concentrés dans une plage d'une octave primaire, tandis que les accords ouverts ont plus de profondeur, plénitude et de séparation entre les voix. Super. Maintenant, vous avez appris la mise hors tension des accords ouverts par rapport aux cordons fermés. Vous devez utiliser les deux options de manière créative pour ce qui fonctionne le mieux pour votre composition spécifique. également Rappelez-vouségalementque le doublement de certaines voix de vos cœurs ajoute encore plus de plénitude et de puissance. Cependant, si vous avez un thème principal et un jeu de mélodie principal, assurez-vous que vos accords et harmonies ne sont pas trop énormes et ne tombent pas car ils risquent de dépasser le focus et d'obscurcir la clarté du thème principal. Et quand le thème principal est la prière, il devrait toujours avoir une grande lumière parlée dessus. Allez-y et entraînez-vous à jouer des accords ouverts maintenant et comparez-les par le son des accords fermés . Ensuite, quand vous êtes en panne, continuons dans la vidéo suivante. 26. Ligne 9 et réduites de l'énergie: lignes directrices. Neuf Build vs énergie réduite. Maintenant, vous avez seulement appris à utiliser la dynamique et l'expression du pouvoir hors tension dans vos tribunaux. Ajouter du mouvement, du mouvement et de la variation est l'essence de l'émotion dans la musique. Mais maintenant, concentrons-nous sur la direction primaire. Vous pouvez apporter un accord en intensité. Je parle d'uneintensité et d'un volume progressifs et croissants, intensité et d'un volume progressifs et croissants, que l'on appelle en termes musicaux un crescendo, par rapport à une diminution progressive de la dynamique, qu'on appelle une diminuendo. Vous devriez vraiment essayer de maîtriser l'utilisé hors de ces deux directions hors expression dynamique parce qu'ils sont le fondement de l'énergie et de l'intensité dans la musique. Par exemple, lorsque vous construisez de l'énergie dans vos cœurs, un crescendo est super puissant. En fait, crescendos et les insinuations dim sont utilisés dans pratiquement toutes les transitions dans l'énergie de construction musicale . Si vous allez dans une section haute énergie de votre composition et vice versa, voici maintenant un conseil bonus. Si vous utilisez la puissance off crescendos et diminuendo, ceux qui sont des directions hors dynamique en combinaison avec la direction, hors pitch dans vos cordes était elle déjà appris sur Ensuite, vous serez en mesure de créer vraiment impactante et transitions émotionnelles, donc fondamentalement, vous pouvez utiliser la puissance souvent direction vers le haut avec vos tribunaux comme celui-ci en combinaison avec un crescendo, soit en augmentant progressivement les valeurs de vitesse, par exemple, sur un piano comme ceci, ou en augmentant l'expression dynamique. Par exemple, sur des chaînes comme celle-ci. Bien sûr, les crescendos et les insinuations sommaires ne sont pas seulement utilisés pour les transitions, mais peut-être que c'est là qu'ils sont souvent les plus visibles. Vous devez utiliser des crescendos et des insinuations comme direction d'expression cool et dynamique lorsque vous ajoutez mouvement et mouvement dans votre musique. Il fonctionne particulièrement bien pour les notes longues sur cordes, cuivres et bois,par exemple, par exemple, jouant rythmiquement au piano ou à la guitare. Maintenant, il est temps pour vous de pratiquer la construction et de réduire l'intensité et le bruit en utilisant crescendos. Et diminuendo est dans votre musique. Je recommande de me concentrer sur les cordes orchestrales parce qu'elles ont une incroyable gamme de dynamiques. Ils peuvent avoir un crescendo ou diminuendo sur un seul cordon, ce que vous ne pouvez pas faire au piano ou à la guitare, par exemple. Bonne chance et je vous verrai dans la prochaine vidéo 27. Ligne 10 vs résolute: lignes directrices. 10 Tension contre Résolu Composer de la musique, c'est comme faire un film. C' est mon vrai point de vue personnel, parce que la musique a une progression. Les sections comme les scènes d'une musique de film ont l'émotion, l'énergie, le mouvement et la variation dans tous les aspects. Comme l'action et l'histoire sur la musique de film, les épaules et les styles peuvent ressentir n'importe quoi, d'un film d'aventure fantastique à un film d'horreur suspensif qui fait frissonner votre colonne vertébrale. C' est le vrai pouvoir de la musique racontant votre histoire en émotions Maintenant, comme vous n'avez pas d'images ou d'acteurs qui peuvent ajouter la tension et le drame, vous avez besoin de quelque chose d'autre vous avez besoin des cordons d'alimentation et de l'harmonie, et tous les intervalles et la musique ont divers degrés et sortes hors tension intégrés en eux. Et comme l'harmonie est fondamentalement, les intervalles jouent ensemble et les cordes ou les harmonistes empilés les uns sur les autres, eh bien, cela signifie que vous pouvez utiliser les accords de mise hors tension et les voix d'accords pour créer n'importe quoi à partir d'un super son heureux et agréable à une sinistre dimension dork sorte de son. Donc, si vous voulez ajouter une atmosphère heureuse et édifiante dans votre piste, vous pouvez vous concentrer principalement sur les grands tribunaux et surtout les triades majeures. comme, par exemple, aller pour maths major au sol major Baxter avec major, et vous pouvez également jouer dans un style de jeu qui est plus lu, faisant jumpy, qui peut ajouter au personnage heureux comme ça. Et si vous voulez Eddie Dork Retiré et mawr tension dans votre composition, vous pouvez utiliser des tribunaux qui comprend un intervalle décent comme, par exemple, la seconde mineure, le ou le tri ton. Par exemple, le diminué Essayez-le ici. Donc, l'une des meilleures façons d'utiliser la technique de tension par rapport à la technique de résolution dans vos compositions musicales est d'ajouter un intervalle décent qu'il a ensuite résolu à un intervalle constant, ce qui signifie un son agréable. Donc, disons que vous avez un intervalle hors d'un trio de ton dans ce score diminuant. Merci vous pouvez le résoudre parce que cette tension est si élevée si vous êtes vendue à la façon parfaite . Cinquièmement, vous vous retrouvez avec un mineur et voyez, dans ce cas, donc en allant de la tension par rapport à la ressource, vous ajoutez la tension principalement en utilisant les tribunaux et les voix qui incluent décent et intervalles. Plus vous ajoutez de tension, plus la piscine et le besoin de l'auditeur se sent pour vouloir revendre à un son agréable. Vous pouvez ajouter quelques épices de tension qui rapidement résolu comme, par exemple, location de cours suspendu qui se résout à la corde principale. Disons que vous allez à partir de un, puis allez jusqu'à d suspendre ce quatrième, donc ce n'est pas un mineur ou un majeur, mais ceci sur résoudre cette note de retour à une majeure ici, sorte que cette séquence sonnera comme ça sur. Parfois, vous pouvez même passer de suspension 4ème 2 seconde, puis le résoudre comme ceci , ou en utilisant un cordon de plomb ou posant qui a une forte piscine ou tension, que vous revendez ensuite avec un cool le changement, ou même en retournant au tonique. Disons que nous jouons une progression d'accords en do majeur comme celui-ci sur Maintenant, nous voulons aller à if, mais qui ajoutera au lieu de seulement la triade ? Cette note la septième comme une pose. Notez une certaine tension qui veut être résolue. Même mawr, à cette note, quand vous allez au G O et le tonique est comme la sécurité et le confort de votre maison dans votre composition musicale, le cool que tous les accords dans votre pool de progression vers fondamentalement tous vos accords progressions veut finalement re vendu au cordon de la maison le premier accord de votre échelle. La plupart du temps, vous utiliserez des cœurs dissonants, des intervalles et des voix très brièvement en raison de leur forte réserve à résoudre. La tension est tout simplement trop élevée pour la plupart des types de musique, cependant, pour sentir la musique, soulignement dramatique ou toute musique écrite pour les médias, il y a plus de place pour jouer avec pour la tension et la dissonance, surtout pour les thrillers, horreur, drame suspensif et ainsi de suite. Je recommande qu'il pratique de créer l'intention de suspense dans vos progressions fraîches en ajoutant des tribunaux et des voix qui comprennent un intervalle décent. Et rappelez-vous, plus ils ont appelé de notes inclut les intervalles mawr que vous avez à l'intérieur car un intervalle est simplement comme une connexion de deux notes. Disons que vous avez un simple accord de trois notes. Eh bien, alors vous avez un intervalle entre le noeud 1 et Non. Deux. Non à une note 3, mais aussi de la note 1 et 3. Et ces intervalles orteils sonnent également différents, en fonction de la voix de la cour que vous choisissez quelle inversion hors du cordon. Bonne chance, et je vous verrai dans la prochaine vidéo 28. Félicitations vous êtes étonnants: félicitations, vous ou incroyable, parce que vous avez terminé tout le cours, ce qui signifie que vous avez appris de nombreuses fondations importantes, concepts et lignes directrices, ainsi que mes propres astuces professionnelles et secrets qui vous aideront à améliorer en tant que compositeur de musique pour apprendre et maîtriser l'utilisation des accords et de l'harmonie dans la musique. Maintenant, ce qui est le prochain pour vous de prendre des mesures et d'apprendre en faisant. Agir est le seul moyen d'avancer sur n'importe quel chemin, et apprendre par la pratique est l'expérience d'apprentissage ultime. C' est pourquoi je vous recommande sincèrement de prendre des mesures dès maintenant et d'appliquer tout ce que vous avez appris ici ou les trois façons que j'en recommande une. Apprenez en répétant, passez par les notes que vous avez écrites pendant le cours et lisez également le résumé PDF bonus Parce que la répétition est la mère d'apprendre à apprendre en pratiquant chaque concept , chaque et toutes les astuces pratiques que vous avez apprises dans ce cours sur votre clavier multimédia ou votre piano et aussi dans votre DW sur trois. Apprenez en créant commencer à utiliser toutes les techniques et conseils pratiques directement dans vos compositions musicales . C' est le seul moyen de s'assurer que vous apprenez vraiment quelque chose. Eh bien, la seule façon de devenir un maître de l'utilisation de cours en musique. Enfin, je tiens à vous souhaiter bonne chance et beaucoup de succès dans votre parcours professionnel en musique. Va faire de la musique étonnante pour que le monde l'entende. Allez créer vos histoires musicales. m'appelle Mike et je vous verrai dans un autre cours.