Comment dessiner : Apprendre à dessiner au trait

1. Bienvenue !: Bonjour, mon ami, je suis Liz, illustrateur et fermier du nord du Nouveau-Mexique. Bienvenue au studio Prints & Plants. Dans cette classe, nous allons apprendre à utiliser la ligne pour construire une base solide pour votre pratique de dessin. Nous mettrons en œuvre ce que nous apprenons en créant une carte de recette illustrée inspirée d'une vieille recette familiale ou de votre favori actuel à essuyer dans la cuisine. Nous commencerons notre classe en démystifiant ce mythe embêtant que nous nous disons  : « Je ne peux pas dessiner », afin que nous puissions plonger pleinement dans une exploration amusante en utilisant des lignes pour dessiner en toute confiance. Nous commencerons par explorer les éléments de base de la ligne avant d'essayer nos échauffements amusants pour être à l'aise avec nos matériaux. Nous allons pratiquer plusieurs exercices en ligne qui explorent comment cet élément de design simple mais puissant peut créer des œuvres d'art qui reflètent la façon dont vous voyez le monde. Nous appliquerons ce que nous avons appris en réalisant nos cartes de recettes illustrées en utilisant les compétences que nous avons développées tout au long de cette classe. Alors, êtes-vous prêt ? Dessinons. 2. Reye, Bye Limites !: Avant de plonger dans le travail en ligne, je veux parler de quelque chose que j'entends tout le temps en tant que professeur, et comme une phrase que je me disais aussi : « Je ne peux pas dessiner. » Je me suis dit ce mensonge pendant des années parce que je pensais que pour dessiner, il fallait regarder d'une certaine façon, être totalement réaliste ou correspondre à un chef-d'œuvre historique. Le dessin détient une certaine pression parce qu'il a une longue histoire. Le plus ancien dessin connu est une gravure de grotte datant d'il y a 73 000 ans. À première vue, cette histoire peut se sentir vraiment intimidante et provoquer des hésitations à même mettre la plume sur papier, mais la beauté de cette longue histoire est qu'elle est aussi pleine d'une grande variété de styles de dessin. Réalisme, abstraction, détail, simplicité, vous le nommez, vous pouvez probablement le trouver. Qu'est-ce que cela signifie ? Cela signifie qu'il y a beaucoup de place pour vous et votre style de dessin aussi. Parce que ami, vous pouvez dessiner et le monde a envie de votre style unique. Voici une excellente citation de l'illustratrice Lisa Congdon de son livre Find Your Artistic Voice  : « La peur est souvent un indicateur que nous sommes sur quelque chose de brillant ou de nouveau, territoire inexploré, quelque chose qui va bouleverser notre monde ou les mondes des autres. Si nous reformulons la peur comme un indicateur de risque et un élément essentiel dans le processus de recherche de votre voix, il est possible que nous commencions à la voir comme un signe positif, et même nous en réjouir. » Nous avons ce jugement et cette incrédulité à la porte. Il est temps de créer. 3. Matériaux: La beauté du dessin est que vous pouvez commencer avec des matériaux très minimes, que vous avez probablement déjà dans votre maison, un crayon, un stylo, et une feuille de papier. De plus, vous pouvez pratiquer vos compétences à partir de n'importe où avec juste un carnet de stylo et de croquis. J' ai créé une liste de matériaux et le document de ressources joint dans la section Projets et ressources de cette classe. N' hésitez pas à référencer cela pour les noms et les liens de marques que j'aime pour rassembler les outils recommandés. Il y a tellement d'options à choisir quand il s'agit de fournitures d'art, mais ce sont mes favoris actuels, et des recommandations pour cette classe. Numéro 1. Un stylo noir ou un ensemble de stylos noirs de différentes tailles. Je recommande l'ensemble de sept marqueurs d'illustration prismacolor en noir. Je préfère actuellement cette marque et cet ensemble parce qu'il offre une ligne noire claire et fluide, et j'aime avoir une variété de choix quand il s'agit de la taille du stylo. Je peux créer des lignes délicates incroyablement petites avec la pointe double de cinq tailles, ou utiliser la pointe du pinceau pour une ligne plus fluide. J' aime aussi utiliser la pointe ciselée pour remplir formes plus grandes pour le contraste que nous allons couvrir plus tard dans cette classe. J' aime aussi ces stylos parce qu'ils sont résistants à l'eau, sorte que vos dessins sont plus protégés contre les éléments. microns sont également une option de stylo populaire. Cependant, d'après mon expérience, j'ai constaté qu'ils ont tendance à sécher plus rapidement que l'ensemble prismacolor. J' ai aussi eu plus d'une fois quand j'ai laissé tomber le micron et la pointe n'était plus fonctionnelle. J' ai toujours laissé tomber mes stylos prismacolor de temps en temps, et je n'ai pas eu le même problème. importe quel stylo fonctionnera pour cette classe, ne laissez pas ça vous arrêter, mais l'ensemble Prismacolor est ma recommandation en ce moment. Numéro 2. Vous aurez besoin de feuilles de papier vierges pour jouer et expérimenter. Cela peut être tout simplement du papier d'imprimante blanc de base, ou du papier journal pour l'expérimentation, ou si vous voulez quelque chose avec un peu plus de poids que la dent, je recommande un carnet de croquis Canson XL à médias mixtes. Je recommande d'utiliser ce carnet de croquis dans au moins la taille de 10 pouces par sept pouces pour vos cartes de recettes lorsque vous créez votre projet de classe. Ces cartes de recettes vont être de cinq sur sept pouces, sorte que 10 sur sept vous donnera un peu de place supplémentaire. Vous pouvez également utiliser quelque chose de plus épais comme du stock de cartes si vous le souhaitez, mais je trouve Canson comme mon carnet de croquis préféré pour le moment. Numéro 3. Vous aurez besoin d'une règle pour mesurer votre carte de recette dans un rectangle de cinq par sept pouces. Numéro 4. Vous aurez besoin d'une paire de ciseaux et d'un couteau Exacto, ou d'un coupe-papier pour couper votre carte de recette. Une fois que vous avez rassemblé vos documents, passons à parler du projet de classe. 4. PROJET DE CLASSE: Pour votre projet de classe, vous allez créer votre propre carte de recette illustrée de cinq par sept pouces en utilisant une vieille recette familiale ou un favori comme inspiration. Je recommande d'utiliser une recette. Vous le recommanderiez parce que nous allons probablement tous essayer les aliments que vous partagez dans les projets de classe. Je recommande cette taille de cinq par sept pouces parce qu'elle est assez grande pour écrire votre recette et aussi être affichée comme une belle œuvre d'art dans votre cuisine ou dans la cuisine d'un ami. Une fois que vous avez sélectionné votre recette, choisissez un à trois des ingrédients énumérés pour dessiner sur un côté de la carte. Je recommande de choisir des ingrédients qui sont visuellement intéressants. Pour moi, cela signifierait que dans une recette de ragoût, par exemple, je serais plus susceptible de choisir des épinards plutôt qu'une pomme de terre, parce que les épinards ont un univers de lignes à explorer. Pour moi, une pomme de terre n'est pas aussi intrigante visuellement. Mais c'est tout à fait votre choix créatif et votre projet, et vous pouvez trouver cette pomme de terre très intrigante. Choisissez le ou les ingrédients qui vous excitent le plus. Une fois que vous aurez sélectionné votre, deux ou trois ingrédients, vous créerez un dessin au trait d'un côté de votre carte de recette en utilisant les compétences que nous pratiquons aujourd'hui. Au verso de la carte de recette, vous écrivez votre recette et, bien sûr, signez et datez votre création. Vous pouvez télécharger votre fiche de recette finale dans la section Projets et ressources de cette classe où il est dit créer un projet. Lorsque vous téléchargez votre carte de recette finale, j'aimerais également inclure votre tableau d'inspiration Pinterest que vous allez créer dans la leçon d'inspiration de collecte, un court paragraphe sur les raisons pour lesquelles vous avez choisi votre recette et ingrédients sélectionnés, ainsi que des scans ou des photos de vos croquis d'exercice que nous allons parcourir ensemble. Sous le bouton de projet de classe, j'ai partagé un document de ressources qui inclut le matériel recommandé pour cette classe et d'autres classes de partage de compétences que je fais référence tout au long des leçons. Enfin, n'oubliez pas de poser vos questions et partager vos découvertes en cours de route dans la section discussion, j'aime entendre vos commentaires. Très bien, plongons dans les éléments de la ligne dans la prochaine leçon. 5. Éléments de ligne: Avant de mettre le stylo au papier, discutons de certains des éléments de la ligne. Line est la pierre angulaire de votre œuvre d'art. Tout comme une pierre angulaire est la première pierre utilisée pour construire une fondation, ligne est souvent le premier élément utilisé sur le papier, pour guider les autres éléments de votre œuvre, comme la couleur et la composition. Lorsque nous parlons de ligne, nous utiliserons différents mots pour décrire cet élément de conception, y compris la direction, par exemple, horizontale, verticale ou diagonale. Longueur, par exemple, longue, courte ou moyenne. Contour, également connu sous le nom de contour de la forme. contour peut être très précis ou il peut être flou entre les objets. Ce flou peut également être appelé ligne implicite, dans laquelle la ligne n'est pas physiquement présente, mais les yeux des spectateurs relient toujours les informations manquantes. Lignes continues, lignes brisées, poids, qui est également connu comme l'épaisseur ou la largeur d'une ligne. Ligne définie, c'est une ligne qui est physiquement présente et relie clairement deux points. Ligne implicite, encore une fois, c'est une ligne qui n'est pas physiquement présente, mais ne fait que suggérer, l'œil du spectateur fait la connexion, même si la ligne n'est pas tout là. Organique, également connu sous le nom de lignes courbes et fluides. Géométrique, également connu sous le nom de lignes rigides et angulaires. Lignes parallèles et lignes perpendiculaires. Les lignes peuvent être seules, se croiser ou se regrouper. Lorsque les lignes se rejoignent, elles créent des formes. Souvent, on pense que, pour qu'une forme soit une vraie forme, elle doit être entièrement connectée. Cependant, comme nous l'avons vu avec une ligne implicite, une forme peut également être implicite. Si on regarde une forme comme ce carré, tout est relié, on appellerait ça un carré. Mais si nous regardons cette image, encore une fois, mais avec des lignes brisées, notre esprit et notre œil peuvent encore faire les connexions entre ces lignes brisées, pour appeler cette forme un carré. Nous verrons beaucoup de ces éléments de ligne en action dans cette classe. Faites attention aux types de lignes sur lesquelles vous êtes attiré, lorsque vous créez votre tableau d'inspiration et lorsque vous commencez à créer vos propres dessins. Dans notre prochaine leçon, nous commencerons à recueillir l'inspiration pour nos créations. 6. Trouver l'inspiration: Donc maintenant est la partie vraiment amusante. Rassembler l'inspiration. Avant de plonger dans nos propres dessins au trait, je suggère de créer un tableau Pinterest. Cela peut être un conseil public ou privé, mais Pinterest est un outil incroyable ensemble un assortiment d' images pour alimenter votre pratique créative. Pour commencer à recueillir votre inspiration, faites une planche. J' ai appelé la mine Line Inspo. J' ai commencé avec une recherche de dessins au trait. Voici la collection que j'ai rassemblée qui m'inspire. Lorsque je rassemble des dessins au trait dans un espace, je peux commencer à voir les liens entre les styles auxquels je suis attiré. Ici, je vois que j'ai vraiment aimé la simplicité, le minimalisme et les lignes continues fluides. J' aime les lignes qui sont confiantes et bien définies. J' aime aussi les lignes qui sont plus minces, et assez semblables en largeur dans toute la pièce. Rassemblez votre inspiration de ligne et remarquez les éléments dont nous avons discuté, y compris la ligne continue , ininterrompue, le poids ligne définie ou implicite, ainsi que la ligne géométrique et courbe. Remarquez n'importe quel fil continu qui relie vos images rassemblées pour découvrir le type de travail de ligne que vous aimez. Note sur le droit d'auteur. L' inspiration est un excellent point de départ lorsque vous essayez quelque chose de nouveau ou que vous vous sentez coincé. Cependant, vous ne voulez jamais prendre directement d'un autre artiste. Lorsque vous êtes inspiré par une œuvre d'art ou une photographie, notez les éléments qui vous alimentent, plutôt que de copier directement ce que vous voyez. Dylan Mierzwinski a un excellent aperçu de la façon de faire cela dans sa classe, « Leveling Up Your Art Game », que j'ai lié dans le document de ressources joint dans la section Projets et ressources. Dans la section suivante, nous allons commencer à dessiner. 7. Dessiner est Observation: Avant de mettre le stylo sur papier, il est si important de vraiment connaître votre sujet. Je vous recommande d'aller au marché fermier ou à l'épicerie de votre région pour ramasser les ingrédients que vous avez sélectionnés pour vos dessins au trait. Je recommande de travailler à partir de la vraie affaire plutôt qu'une photo parce que vous serez en mesure d'assister à tant de nuances et détails intéressants avec le sujet à portée de main qui peuvent être perdus sur une photo. Cela dit, si une photographie est tout ce dont vous avez besoin pour travailler et est certainement un excellent point de départ et beaucoup mieux que de ne pas commencer du tout, ne laissez pas ce point vous retenir. Assurez-vous simplement que la photo est celle que vous prenez vous-même, ou si vous utilisez une photo sur Internet, assurez-vous qu'elle est pour un usage personnel seulement, par exemple, pour pratiquer vos compétences de dessin dans ce cours. Une fois que vous avez votre sujet à portée de main, il est temps d'appuyer sur « Pause ». L' un des éléments clés du dessin est de ralentir suffisamment pour vraiment voir votre sujet. Combien de fois prenons-nous le temps de ralentir la journée pour apprécier ce qui est devant nous ? Nos cerveaux pensent qu'ils connaissent des objets autour de nous. Par exemple, si je dis « Arbre », alors il est très probable qu'une image visuelle d'un arbre apparaisse dans votre esprit. Pour moi, cet arbre est une forme assez rugueuse avec quelques feuilles détaillées. Mais si je vais directement à un arbre et que je l'examine de près, je découvre des centaines de détails qui ne me sont pas venus à l'esprit dès le souvenir immédiat. Il y a des textures et des lignes qui traversent l'écorce, des lignes allant dans plusieurs directions à travers chaque feuille, détails cachés dans l'herbe sous l'arbre. Pour commencer à dessiner, vous devez ralentir suffisamment pour être vraiment témoin de votre sujet. C' est à ce moment que vous pouvez faire de nouvelles découvertes et de nouvelles connexions. D' un côté, ce concept s'applique également aux personnes dans nos vies, amis, partenaires, voisins, frères et sœurs. Quand nous connaissons quelqu'un depuis longtemps, nous pouvons penser que nous savons tout à son sujet, mais quand nous ralentissons et restons ouverts aux nouvelles découvertes, nous pouvons trouver encore plus de détails, bizarreries et de qualités uniques à aimer. Alors prenez votre sujet, votre ingrédient, dans votre main, si vous voulez utiliser plusieurs ingrédients dans votre dessin final, commencez par un tout de suite. Sans dessiner ou écrire, il suffit de faire une note mentale de ses lignes. Touchez le sujet et ressentez la texture de ces lignes. Notez les motifs que ces lignes créent. Notez les formes qui apparaissent en raison des lignes qui se joignent. Remarquez comment votre œil se déplace à travers la surface de votre sujet. Est-ce que votre œil persiste quelque part en particulier ? Ou est-ce en mouvement continu ? Quels éléments font bouger votre œil de cette façon ? Considérez les éléments de la ligne dont nous avons parlé précédemment et les éléments que vous voyez maintenant dans votre sujet. Les lignes sont-elles organiques ou géométriques ? Sont-ils cassés ou continus ? À quoi ressemble le poids de la ligne ? Est-elle épaisse, mince ou variée ? Il y a probablement une combinaison d'éléments qui se produisent, alors faites juste une note mentale de ce que vous observez. Vous pouvez également noter ces notes sur un morceau de papier. En observant votre sujet, vous l'honorez et l'appréciez. Vous créez un sentiment de connexion et une compréhension plus profonde de l'objet avant de plonger dans votre représentation sur papier. Lorsque nous prenons ce temps, avant de nous plonger, nous pouvons créer de l'art avec plus d'intention, d'attention et de respect. Dans la leçon suivante, il est temps de mettre le stylo sur le papier. 8. Échauffement 1 : Contour: Mettons le stylo sur le papier. La raison pour laquelle je recommande d'utiliser un stylo pour ces exercices de ligne est parce qu'il élimine la chance de considérer des erreurs trop tôt et de les effacer plutôt que d'apprendre d'eux. J' ai vu ce rythme à maintes reprises dans les cours que j'enseigne. Lorsqu' une gomme est disponible, les élèves commencent souvent à effacer leur travail avant d'avoir été avec le dessin assez longtemps pour savoir si l'erreur perçue est vraiment quelque chose à éliminer. Lorsque nous utilisons la plume avec ces exercices, nous avons la chance d'apprendre de ce que nous appelons erreurs ou de les incorporer dans nos œuvres d'art. Embrasse les erreurs. Je crois que les erreurs sont en fait des occasions de grandir, d'apprendre, de s'améliorer, alors les embrasser. Il y a aussi une certaine beauté qui vient quand vous utilisez un stylo parce qu'il vous faut être confiant dans les lignes que vous mettez sur papier. Il est plus difficile d'être timide avec de l'encre qu'avec un crayon. Vous devez faire confiance à vos décisions, les engager dans le journal et apprendre d' elles au fur et à mesure que vous allez. Mais quand même, pas de pression. Tout cela est une question d'apprentissage. Adoptez les imperfections et découvrez comment elles peuvent réellement améliorer la beauté de vos œuvres d'art et embellir votre style spécifique. Une partie de la magie des arts, après tout, est l'occasion de se connecter avec le travail, sachant qu'une main humaine était derrière lui. Pour ce premier échauffement, nous allons faire un exercice appelé contour aveugle. Prenez votre stylo, une feuille de papier vierge et votre ingrédient que vous avez sélectionné comme premier sujet. Cet exercice est un défi vraiment amusant parce que vous dessinez la ligne de contour, également connue sous le nom de ligne extérieure de votre sujet. Mais il y a un piège. Tu ne peux pas regarder ton journal pendant que tu fais ça. Le seul endroit où vos yeux peuvent aller, c'est sur votre sujet. Tout comme lorsque nous avons observé notre sujet dans le dessin est une leçon d'observation. Ici, vous observez vos sujets, mais plutôt que d'observer, cette fois vous documentez ce que vous êtes témoin. Ce défi de ne pas regarder le papier est un merveilleux exercice pour libérer le jugement de votre dessin et de tomber dans les motifs qui vous précèdent. Voici une citation sur le contour aveugle d'un auteur nommé Sam Anderson  : « Le but du dessin aveugle est de voir vraiment ce que vous regardez, fusionner presque spirituellement avec lui plutôt que de se retirer dans votre image mentale de celui-ci. Nos cerveaux sont conçus pour simplifier, pour réduire le tumulte du monde en ordre. dessin aveugle nous entraîne à regarder le chaos, à l'honorer. C' est un acte de méditation, autant qu'une pratique artistique, une porte d'entrée vers l'être pur. Cela nous oblige à étudier le monde tel qu'il est réellement. » Ici, j'ai mon morceau d'épinards. Je peux le tenir ou juste le placer devant moi. Pour cet exercice, il est souvent plus facile d'avoir vos sujets sur votre table. Je vais régler une minuterie pour nous tous pendant trois minutes pour faire cet exercice. Vous pouvez définir une minuterie pour n'importe quelle durée. J' encourage fortement l'expérimentation avec des liens de cinq minutes, 10 minutes, 15 minutes, et encore plus. Mais trois minutes seront notre point de départ pour l'instant. Maintenant, avant de commencer, je vais choisir un point sur le contour du sujet. Mon oeil se repose ici, et maintenant je place mon stylo sur papier pour commencer. Maintenant, je commence une minuterie, et vous pouvez faire cet exercice à mes côtés. Je vais aller très lentement, comme le rythme de l'escargot lentement. Je bouge mes yeux et ma main en même temps autour du contour de ce sujet. Je ne fais que tracer la ligne. Je n'inclut pas l'ombre ou une texture même si je la vois. Je ne fais que dessiner la ligne extérieure. Ne laissez pas votre oeil aller trop vite. En fait, pour cet exercice, je ne veux pas que tu finisses le dessin dans les trois minutes. Je veux que tu y ailles si lentement que tu finis une partie du dessin. Bougez comme si votre œil et votre main étaient reliés par une ficelle, sorte que lorsque votre œil bouge, votre main bouge au même rythme. En ce moment, votre main enregistre exactement ce que votre œil voit. C' est une traduction directe de votre observation. Vous ne regardez pas le journal aussi tentant qu'il l'est. C' est construire votre observation et dessiner les muscles. Tout aussi important, c'est aussi construire une confiance que votre main peut traduire ce que vous voyez, alors ne regardez pas. Je sais que c'est tentant de regarder votre journal, mais faites de votre mieux pour garder vos yeux seulement sur votre sujet. Si vous sentez votre stylo sortir du papier sur la table, c'est génial. Ça veut dire que tu ne cherches pas. Il suffit de jeter un coup d'œil pour placer votre stylo sur votre page où vous pensez être le plus proche de l'endroit où vous vous êtes arrêté et continuez. Le temps est écoulé. Ce dessin n'est en aucun cas une interprétation réaliste ou parfaite de mon sujet. Mais cela m'a donné une nouvelle compréhension de cet ingrédient. J' ai commencé à assister à de nouvelles courbes et lignes que je n'avais pas vues au début. Quels nouveaux détails avez-vous remarqué dans votre sujet avec cet exercice que vous n'avez pas vu à première vue ? Assurez-vous de télécharger une numérisation ou une photo de votre dessin de contour aveugle lorsque vous créez votre projet de classe afin que nous puissions voir votre processus. Dans la leçon suivante, nous allons faire un autre échauffement, et oui, cette fois vous pouvez certainement regarder le journal. 9. 2 : Beaucoup de lignes: Maintenant, nous allons faire quelques marques sur papier. Encore une fois, cette fois, vous pouvez regarder. Nous allons nous entraîner à dessiner certains des types de lignes dont nous avons parlé dans les éléments de la leçon de ligne. Vous pouvez vous entraîner à faire des lignes organiques, des lignes géométriques, des lignes parallèles, des lignes continues longues, lignes brisées courtes, vous le nommez. Comme vous marquez ces lignes sur papier. Remarquez comment les différents types affectent le mouvement et la sensation de la pièce. Par exemple, lorsque je regarde ces lignes organiques incurvées, je ressens un sentiment de calme, de paix et de centrage. Quand je regarde les lignes angulaires et géométriques, je ressens un sens du jeu et de la simplicité, mais aussi un léger sentiment de rigidité. Ces types de lignes peuvent être utilisés pour former des œuvres d'art qui sont enracinées dans le réalisme ou l'abstraction. Heure de définition. Le réalisme est un type d'art qui dépeint le sujet le plus directement possible. Par exemple, Kendyll Hillegas est une illustratrice alimentaire qui enseigne également ici sur le lièvre de compétences, et elle fait un travail incroyable de rendre la nourriture de façon très réaliste. Je recommande fortement de regarder son travail pour plus d'exemples. L' abstraction, d'autre part, est un type d'art qui supprime beaucoup d' éléments réalistes pour se concentrer plutôt sur une émotion ou un sentiment. L' abstraction peut faire référence à un sujet réel comme point de départ, mais se détourner de la réalité en se concentrant plutôt sur les lignes et les couleurs, les textures et la composition, plutôt que sur une traduction directe du sujet. Personnellement, mon travail tombe généralement quelque part au milieu. Quand j'ai commencé à dessiner, je me suis senti pressé de rendre tout hyper-réaliste. Mais ce n'était pas mon style préféré ou ce que ma voix créatrice me disait de faire. Quand j'ai commencé à laisser aller cette attente et à faire confiance à ma main et à mes yeux, j'ai pu découvrir mon propre style qui fait référence à la réalité comme point de départ, mais joue ensuite avec l'élimination des détails et des expériences avec la couleur pour créer un style d'illustration plat. Un style plat signifie généralement que les dessins et les images n'ont pas de sens de la profondeur. Le réalisme a souvent plus de profondeur en utilisant l'ombre et la perspective. Personnellement, j'aime le style plat parce que pour moi il apparaît et est juste assez différent de la réalité que je trouve intrigant et ludique. n'y a pas de bien ou de mal ici. Ce sont des approches et des styles différents pour le séchage. Je vous encourage vivement à trouver la meilleure solution pour vous pendant que vous pratiquez. Si vous voulez en savoir plus sur le réalisme et le dessin, je recommande fortement Kendyll Skillshare classe, dessiner n'importe quoi. Techniques de base pour des proportions réalistes. J' ai lié à cette classe et au guide de ressources répertorié ci-dessous. Maintenant que nous avons certaines de ces lignes différentes sur papier, jetez un autre regard sur votre sujet, observez et faites une note mentale ou notez dans votre carnet de croquis les types de lignes qui sont présentes et la façon dont elles interagissent les unes avec les autres. Comment les lignes ont bougé votre œil autour de votre ingrédient ? Dans la leçon suivante, nous vous expliquerons comment simplifier votre sujet pour une approche minimale du dessin au trait. 10. Comment simplifier un sujet: Maintenant que nous sommes tous réchauffés, il est temps de plonger dans des techniques de ligne pour donner vie à votre sujet sur papier. Encore une fois, j'enseigne à partir d'un style d' illustration plus plat et plus simple parce que c'est mon approche personnelle et ma préférence. Si vous souhaitez plonger plus profondément dans le réalisme, je recommande la page Skillshare de Kendyll Hillegas. L' exercice de première ligne porte sur la simplification. Souvent, lorsque nous abordons un sujet, qu'il s'agisse d'un paysage ou d'une nature morte, il peut se sentir incroyablement accablant d'essayer de capturer tous les détails sur papier. Cet exercice aide à simplifier le processus en choisissant seulement les lignes nécessaires du sujet. Prenez votre sujet et mettez-le devant vous. On se concentre juste sur la ligne, pas d'ombrage. Aussi pour cet exercice, gardez le poids de la ligne ou son épaisseur le même tout au long de votre dessin. Regardez votre sujet et demandez-vous, quelles lignes sont nécessaires ? Cela nécessite des décisions créatives et des choix artistiques de votre part. Vous pouvez décider ce qu'il faut inclure. Par exemple, avec ces épinards je choisirais cette ligne centrale, je choisirais certainement tout le contour du contour. Je choisirais juste quelques-unes des veines rayonnantes de la ligne centrale, mais pas tous les détails. Combien de détails pourriez-vous éliminer tout en faisant référence à votre sujet ? Vous pouvez commencer par dessiner le contour ou la ligne extérieure de votre sujet avant de vous déplacer dans certaines lignes intérieures. Astuce pro, si vous vous sentez totalement débordée par où commencer, je vous entends. Une option pour commencer est de prendre une photo de votre sujet, de l' imprimer, puis d'utiliser du papier calque pour tracer la photo pour avoir une idée des lignes de votre ingrédient. Alternativement, si vous avez un iPad et Procreate, vous pouvez prendre une photo avec votre iPad, l' ouvrir dans Procreate , créer un nouveau calque, réduire son opacité, utiliser une couleur qui apparaît vraiment, et tracer sur l'image. Cela vous aidera à vous réchauffer et à connaître votre sujet directement avant de traduire en papier. Une fois que vous avez fait cela, passez à votre document et continuez l'exercice. Faites quelques itérations simples de votre sujet où vous supprimez le détail. Encore une fois, tout comme nous avons bougé lentement avec le contour aveugle, bougez vraiment lentement et intentionnellement ici aussi. Faites cela quelques fois afin qu'avec chaque version, vous choisissiez différentes lignes à inclure et à exclure. Remarquez comment le mouvement visuel change avec chaque dessin en fonction des choix que vous avez faits. N'est-ce pas incroyable ? Votre choix créatif et votre observation peuvent créer une toute nouvelle œuvre d'art à chaque fois que vous mettez le stylo sur le papier. Lorsque vous regardez vos dessins, vous pouvez constater que certains ont l'impression qu'ils manquent trop d'informations. Mais c'est une excellente pratique pour obtenir à l'aise en laissant de l'espace sur la page. Valeur de l'espace. Il peut y avoir cette tentation de remplir chaque recoin, soit sur une feuille de papier, une étagère vide et une maison, ou même en silence avec une autre personne. Mais lorsque vous commencez à supprimer les détails, vous pouvez ouvrir la salle de respiration dans votre dessin au trait pour que l'œil bouge et se repose à différents points tout au long de votre pièce. Selon votre style et vos préférences, cela peut être vraiment agréable visuellement. En outre, avec des dessins au trait stricts qui sont à l'encre noire sur papier blanc, le sens de l'espace peut également augmenter le contraste, ce qui peut créer un sentiment d'équilibre. Nous en discuterons davantage dans la leçon de contraste de cette classe. Mais si vous êtes un amoureux du détail et que vous en avez envie, ne vous inquiétez pas, nous allons plonger dans tous les détails de notre prochaine leçon. 11. Plongez dans les détails: Contrairement au dernier exercice où nous avons simplifié notre sujet, dans cet exercice, vous inclurez tous les détails que vous pouvez. Chaque ligne, marque, spot, inclut autant que vous pouvez observer. Encore une fois, il suffit de coller avec la ligne, pas d'ombrage, et d'utiliser la même largeur de ligne sur tout le dessin. Vous pouvez jouer avec des lignes qui s'écoulent hors de la page ou les garder toutes dans la bordure. Cela commence à entrer dans le sujet de la composition, que j'enseignerai bientôt à un cours, mais vous pouvez commencer à jouer avec ces décisions ici aussi, juste pour voir comment cela affecte le mouvement de votre œil à travers la page. Par exemple, ici avec mes mêmes épinards, je ne prends pas ces décisions sur ce qu'il faut inclure, mais je note à la place tous les détails que je vois. Plutôt que de simplement cette ligne de contour, et la ligne centrale principale, et quelques lignes rayonnantes, je vais inclure beaucoup de ces lignes qui n' ont pas été mentionnées dans l'exercice de simplicité. Toutes ces petites veines, certains des détails que je vois tout au long de la feuille, je vais noter tous ceux vers le bas sur papier. Peut-être que ce type de détail est votre préférence, ce qui est totalement génial. Peut-être que les champs beaucoup de détails encombrés et occupés. Encore une fois, cela revient à votre style et à votre façon de créer, alors faites-le confiance, faites confiance à ce que vous aimez. Il y a souvent un médium heureux entre le dernier exercice de simplicité et cet exercice de détail, que nous explorerons dans la prochaine leçon. 12. Choix créatif: Pour ce troisième exercice, dessinez à nouveau votre même sujet, mais cette fois, choisissez le détail que vous souhaitez inclure. Vous pourriez aller incroyablement minime, et juste faire le contour. Vous pourriez inclure beaucoup de détails, ou trouver ce médium heureux entre les deux. Ajoutez les lignes qui vous intriguent ou que vous pensez être visuellement intéressantes, et toujours coller à la ligne de largeur égale, sans ombrage. Avec mes épinards, je vais appliquer cet exercice. Tu peux me regarder travailler. Avec ces trois exercices, vous pouvez commencer à mieux voir et comprendre votre sujet, ainsi que commencer à trouver votre style de dessin, et la préférence pour le détail et la simplicité. Dans la leçon suivante, nous commencerons à jouer avec le poids de la ligne, pour découvrir comment cela influence le mouvement de votre dessin au trait. 13. L'épaisseur du trait: En utilisant le dessin que vous venez de faire dans l'exercice trois, cet espace de détail moyen heureux. Vous allez commencer à jouer avec le poids de ligne. Jetez un coup d'œil à votre sujet et notez les zones où la ligne s'élargit ou reste mince. Remarquez comment ce décalage et le poids de la ligne affectent la façon dont votre œil se déplace sur la surface de votre sujet. À l'aide de votre même stylo ou si vous avez un lot de stylos de différentes largeurs, choisissez la taille suivante, puis revenez à votre dessin de l'exercice 3 pour commencer à élargir les lignes qui sont plus épaisses dans votre sujet. Par exemple, j'utilise un stylo O3 en ce moment à partir de ce pack PRISMACOLOR. En regardant mon sujet, je remarque que la ligne centrale de la veine est plus épaisse. Dans mon dessin, je pourrais utiliser mon même stylo, l'O3, et dessiner sur cette ligne dans cette zone pour l'élargir. Je pourrais également utiliser la taille suivante jusqu'à l'O5 pour élargir les lignes. C' est vraiment amusant si vous avez plusieurs packs de stylos que vous pouvez varier les largeurs tout au long de votre dessin en fonction du stylo que vous utilisez. Le poids de la ligne peut ajouter une plus grande sensation de dimension, d'intérêt et de mouvement à votre dessin au trait. C' est un changement ou un ajout très simple, mais cela peut changer complètement la façon dont une œuvre d'art se sent. Commencez à remarquer à la fois dans votre sujet et dans votre dessin comment le poids ou la largeur de la ligne affecte la façon dont votre œil se déplace tout au long de l'œuvre d'art. Remarquez si votre œil persiste sur un certain espace plus longtemps ou s'il a conduit à une autre zone de votre dessin. Expérimentez avec cela, vous pouvez continuer à ajouter à votre dessin actuel ou faire un autre dessin au trait de votre sujet et changer le poids de la ligne à mesure que vous allez à l'aide de vos différents stylos. Dans la prochaine leçon, nous allons explorer comment utiliser contrastes pour ajouter un sentiment d'équilibre et d'énergie à votre dessin. 14. Constraste: Maintenant que vous avez votre dessin au trait sur papier, vous avez probablement des zones où les lignes se joignent pour créer des formes différentes. Si vous ne le faites pas, vous avez opté pour un parcours très minime, tel qu'un contour. C' est très bien aussi, nous allons regarder les deux exemples. Il s'agit d'un exercice pour créer un contraste dans votre dessin au trait, pour ajouter un sentiment différent au travail, à l' intérêt visuel, au mouvement et à un sens de l'équilibre. Nous allons commencer à remplir certaines zones de votre dessin au trait avec de l'encre noire. Je recommande toujours de travailler avec un stylo noir ici. Quand nous nous en tenons au noir et au blanc, vous pouvez vraiment commencer à voir comment le contraste seul peut créer une toute nouvelle œuvre d'art. Si votre dessin au trait comporte plusieurs formes, utilisez votre stylo pour commencer à remplir certaines de ces formes avec du noir. Il y a plusieurs façons de le faire en fonction de l'effet et de la texture que vous préférez. Un exemple est le hachurage croisé. Une option pour assombrir certaines zones serait d'utiliser des hachures croisées. C' est là que vous utilisez des lignes pour remplir lentement votre forme. Selon le nombre de lignes que vous utilisez et la distance elles sont espacées affectera l'obscurité de cet espace. Par exemple, si je n'utilise que quelques marques allant dans une direction, cela sera toujours assez léger. Si j'ajoute plus de lignes dans ces espaces, il commence à apparaître plus sombre. Je peux garder toutes ces marques dans la même direction, ou je peux créer des lignes dans la direction opposée pour continuer à remplir l'espace. Une autre option consiste à remplir l'espace en utilisant des points au lieu de lignes. Il s'agit d'un effet de pointillisme où la quantité de points utilisés transmet la valeur ou l'obscurité de l'espace. Plus de points ont un aspect plus sombre, moins de points ont un aspect plus léger. Vous pouvez également varier l'espacement entre les points pour obtenir un aspect sombre ou clair. Vous pouvez également être vraiment créatif et remplir les espaces avec différentes lignes comme vous le souhaitez. C' est une façon amusante d'expérimenter votre style et de créer une texture amusante et variée. Les lignes que vous pourriez choisir de créer pourraient être des lignes en zigzag, des lignes incurvées organiques, des cercles ouverts, gribouillis, des vagues, vous le nommez, amusez-vous et jouez ici. Une autre façon d'obtenir un niveau de contraste vraiment intense est d'utiliser un stylo plus épais. J' aime la pointe ciselée et le pack prismacolor pour remplir les espaces. Cela crée un noir incroyablement riche et intense qui va vraiment accentuer le contraste entre votre papier droit et votre dessin, ce qui peut créer une sensation d'intensité visuelle et aussi un sentiment d'équilibre. Note de côté, parlons de l'équilibre un instant. Il y a plusieurs façons de créer un sens de l'équilibre dans une œuvre d'art, et une grande partie de cette compréhension viendra de votre pratique et de votre expérimentation. Mais pour l'instant, parlons de quelques-unes des bases de l'équilibre. En ce qui concerne l'équilibre, il y a trois catégories principales que vous pouvez prendre en compte lors de la création de votre dessin. Numéro un, symétrie. symétrie est le moment où les éléments de votre dessin sont exactement équilibrés de chaque côté du centre de votre page. Si vous deviez plier votre dessin en deux, les éléments correspondraient complètement et se miroir les uns les autres. La symétrie est une image miroir de chaque côté. Numéro deux, asymétrie. Au début, il peut sembler que l'asymétrie se sentirait déséquilibrée, mais elle peut en fait créer un sentiment d'équilibre visuel tout comme la symétrie. Avec l'asymétrie, les deux côtés de votre œuvre ne sont pas une image miroir, mais ils sont toujours équilibrés en raison de l'utilisation du poids visuel. Cela peut être accompli en organisant des éléments opposés dans toute votre page. Par exemple, lumière et sombre, épais et mince, négatif ou vide et espace positif ou rempli, petit et grand, simple et complexe. Le troisième type de balance est radial. Un autre exemple de symétrie trouvée dans toute la nature est la symétrie radiale. symétrie radiale est quand il y a une asymétrie autour d'un axe central de toute façon vous le couper, par exemple, une étoile de mer ou cette œuvre d'art. Maintenant, revenez au contraste. Lorsque vous regardez votre dessin, tenez compte des zones que vous souhaitez remplir pour créer ce sentiment d'équilibre. Si vous assombrirez une forme juste à côté d'un espace blanc, vous augmenterez l'énergie et le contraste de cette zone de votre œuvre. Si vous avez opté pour un dessin au trait très simple, comme le contour du sujet, vous pouvez toujours jouer avec le contraste. Vous pouvez remplir l'intérieur de votre sujet avec du noir, ou vous pouvez remplir l'arrière-plan avec du noir, immédiatement vous pouvez voir que cela crée un nouveau niveau d'intensité. La page est vraiment votre terrain de jeu pour trouver le style que vous voulez utiliser. Vous pouvez commencer à équilibrer le contraste que nous voyons ici entre cette zone sombre et cette zone blanche en réfléchissant à l'endroit où nous pouvons mettre une autre forme sombre. Nous en avons déjà deux ici et cela crée une tension autour de l'espace central. Mais que se passe-t-il si nous réfléchissons à la façon dont nous pouvons attirer l'attention sur cette section aussi en utilisant ce pinceau ciseau ou en utilisant une méthode de remplissage différente. Comme nous avons beaucoup de sombres ici, si nous regardons ce côté de la feuille d' épinards et réfléchissons à l'endroit où nous voulons que l'œil aille. Je pense que ce serait bien pour l'œil d'être dirigé vers le haut sur cette forme au lieu de directement travers puisque nous avons déjà beaucoup de cette action ici. Je regarde cette forme juste ici pour le remplir. Remplissons cela et voyons comment cela affecte le mouvement de notre œil. Normalement, je n'aurais pas épaissi cette zone, mais vous avez vu que mon marqueur, ou mon stylo a glissé un peu, alors je voulais juste essayer de mélanger ça dans lequel il pourrait faire un peu plus de puis porter ça, ici. Maintenant, nous voyons, zoom arrière, que cette zone sombre équilibre même si elle n'est pas directement symétrique. Ce sont tous nos exemples d'antan aussi. Mais même ce n'est pas exactement symétrique, cela donne encore un sens de l'équilibre à ce coin de la feuille parce que c'est cette obscurité, donc elle est réfléchie à travers. Quand il s'agit de ce contraste noir et blanc, vous pouvez jouer avec strictement deux tons de contraste, noir et blanc ou vous pouvez jouer avec un troisième ton médian pour combler certaines des lacunes. Cela diminuera l'intensité du contraste que vous voyez avec le noir et blanc strict. Le ton moyen crée un moment de transition entre les deux valeurs pour permettre à l'œil de se déplacer plus lentement du blanc vif au noir riche. Vous pouvez créer ce ton moyen en dessinant moins de trappes croisées que les sombres les plus sombres. Vous pouvez également jouer avec cinq valeurs du blanc au noir pour créer une transition encore plus lente. Vous pouvez créer les différentes tonalités avec la quantité de hachures croisées que vous utilisez. En outre, si vous utilisez un crayon sur la route, alors vous pouvez créer cette variation de ton par la quantité de pression que vous appliquez de votre crayon au papier. Astuce pro, faites des copies. Je vous suggère de faire des copies directes de votre dessin au trait. Vous pouvez prendre une photo et l'envoyer à l'imprimante ou utiliser un copieur pour faire des copies, imprimer vos copies en noir et blanc. De cette façon, vous avez des multiples de votre dessin pour jouer avec. Par exemple, vous pouvez l'utiliser pour le remplir uniquement en noir et blanc. Vous pouvez ajouter des lignes texturées à une autre, ou vous pouvez jouer avec les cinq tons et un autre. Lorsque vous effectuez cette opération, prenez note de la façon dont chaque dessin change à mesure que vous prenez différentes décisions en matière de contraste. Comment le dessin avec juste noir et blanc se sent-il par rapport au dessin texturé ? Comment le dessin avec trois tons déplace-t-il l'œil différemment sur la pièce que sur l'œuvre avec seulement deux tons ? Avec cet exercice, vous pouvez vraiment commencer à explorer comment rendre votre dessin pop et parler à votre spectateur. La prochaine leçon, nous allons appliquer toutes les compétences que nous avons apprises pour créer votre propre carte de recette illustrée. 15. Cartes de recette: Très bien, nous voilà, vous vous êtes entraînés, vous avez bâti votre muscle créatif. Vous êtes prêt à créer un beau projet. Pour commencer, prenez un morceau de papier de votre carnet de croquis. Encore une fois, je recommande les canettes et l'exil pad de médias mixtes. Utilisez votre règle pour mesurer un espace de cinq sur sept pouces et j'utiliserais un crayon pour cela, afin que vous puissiez l'effacer à la fin une fois que vous avez coupé votre projet. C' est la taille typique que j'aime utiliser pour les cartes de recettes illustrées parce qu'elles sont assez grandes pour écrire la recette sur le dos et l'afficher comme une belle œuvre d'art dans la cuisine. Maintenant, en utilisant les échelles et les exercices que nous avons pratiqués ensemble aujourd'hui, dessinez vos 1, 2, 3 ingrédients choisis sur un côté de vos cartes. Au verso, écrivez votre recette et n' oubliez pas de la signer et de la dater avec votre nom dans le coin inférieur droit. Tu as fait ce chef-d'œuvre après tout. Assurez-vous de scanner ou de photographier votre carte de recette finie pour la garder en sécurité. Si vous le souhaitez, vous pouvez stratifier votre carte pour l' empêcher d'éclabousser pendant que vous cuisinez également. Si vous voulez numériser votre esquisse dans un format vectoriel, je vous recommande de visiter mon dessin numérique de classe, comment faire de votre esquisse un vecteur en trois étapes simples, pour un flux de travail simple pour vectoriser vos dessins au trait. J' ai lié cette classe dans le document de ressources. Je recommande également fortement la classe de compétences de Dylan Mierzwinski, en numérisant des croquis dessinés à la main avec du caractère. J' ai également lié cette classe dans le document de ressources. Si vous avez eu du plaisir à faire cette carte de recette, vous pouvez également envisager de faire un ensemble de cartes de recettes, avec vos repas préférés ou de créer des cartes avec dos vierges à donner à vos amis pour remplir leurs propres recettes. N' oubliez pas de partager vos créations dans la section projet de classe de cette classe, j'ai hâte de voir vos beaux dessins au trait et de goûter votre délicieuse nourriture. J' aimerais que nous puissions appeler rassemblement pour un potluck avec nos créations. Vous ne le faites pas ? 16. Réflexions finales et remerciements !: C' est une telle explosion avec toi dans la classe d'aujourd'hui. J' espère que vous partez avec plus de connaissances et compétences créatives pour continuer à dessiner ce que vous voyez dans ce monde. Votre approche, votre style, votre vision, ils comptent. Continuez à afficher la page, continuez à créer et à partager vos illustrations. Je ne veux pas vraiment que cette fête finisse. Si vous voulez traîner et continuer à discuter de tout ce qui est de la nourriture et de l'art, suivez-moi sur Instagram @prints_and_plants. Si vous voulez obtenir une dose hebdomadaire d'inspiration créative, de recettes et de pics de studio dans les coulisses, rejoignez ma newsletter à printsandplantspress.com. Si vous voulez continuer à apprendre ensemble et être sûr de me suivre ici sur le partage de compétences. J' ai hâte de vous revoir bientôt ami, jusqu'à la prochaine fois à la créativité et au-delà.