Comment dessiner : Créer des compositions convaincantes

1. Bienvenue !: Hé, je suis Liz. Je suis illustrateur culinaire dans le nord du Nouveau-Mexique, et je suis ravi de vous accueillir ici au studio de l'imprimerie. Dans la classe d'aujourd'hui, vous apprendrez tout sur la façon de créer des compositions convaincantes dans vos illustrations. Je sais que la composition peut ressembler à ce terme insaisissable, complexe et à la vieille école. Je ne veux pas que tu te sentes intimidé, je veux que tu te sentes habilitée et confiante dans ta capacité à faire des compositions, c'est pourquoi j'ai fait ce cours. Je vais tout décomposer en morceaux digestes, sorte que vous vous éloignez de ce cours avec toute la terminologie artistique à jeter autour de votre prochain dîner. Mais aussi avec la capacité de créer des compositions en toute confiance, à partir d'une base solide. Nous commencerons ce cours en plongeant dans les éléments qui font une composition puissante, ainsi que les règles des compositions traditionnelles et bien sûr, quand les briser. Ensuite, nous nous entraînerons de nombreux exercices pratiques, sur papier et numériquement dans Adobe Illustrator, pour regrouper votre boîte à outils de composition. Vous allez mettre en œuvre tout ce que vous apprendrez à la fin de ce cours, avec le projet final de la classe pour créer une couverture de livre de cuisine illustrée. Es-tu prêt ? Prends ton carnet de croquis, attrape ton stylo, plongeons dedans. 2. Matériaux: Dans ce cours, vous apprendrez comment créer une composition à l'aide d'un stylo et d'un papier, ainsi que comment créer une composition numériquement dans Adobe Illustrator. J' ai créé une liste de matériaux dans le document joint dans la section Projets et ressources de cette classe. N' hésitez pas à le référencer pour les noms et les liens directs pour rassembler les outils recommandés. Pour la partie analogique ou stylo et papier de cette classe, vous aurez besoin d'un stylo. Je recommande l'ensemble de sept marqueurs d'illustration Prismacolor en noir. Je préfère actuellement cet ensemble parce que ces stylos créent des lignes noires nettes et fluides. Il y a tellement de tailles à choisir. Vous pouvez créer de petites lignes délicates avec la pointe 005 ou utiliser la pointe du pinceau pour une ligne fluide plus épaisse. Ces stylos sont également résistants à l'eau, ce qui protège vos dessins. L' une des principales raisons pour lesquelles je recommande d'utiliser un stylo au lieu d'un crayon pour vos exercices de dessin est que vous ne pouvez pas effacer vos « erreurs ». J' ai trouvé dans les cours que j'enseigne que beaucoup de gens, moi-même inclus, s'arrêtent trop tôt dans un dessin à cause de la croyance qu'ils ont foiré. Cependant, lorsque nous travaillons avec un stylo, nous pouvons dessiner des lignes confiantes et apprendre de nos erreurs en comprenant rapidement ce qui ne fonctionne pas dans un dessin ou en apprenant à incorporer les erreurs présumées dans notre dessin final. Cela fait place à des accidents heureux et à de nouvelles découvertes. Embrassez l'encre et ayez confiance en vos lignes. Quand on travaille avec un stylo, on doit le faire fonctionner. Cela semble difficile et parfois c'est vraiment. Mais c'est une excellente approche pour apprendre tout au long du processus. Pour cette classe, vous aurez également besoin de plusieurs feuilles de papier pour les exercices de dessin. Ce papier peut être n'importe quoi, du papier d'imprimante de huit et demi sur 11 pouces, au papier d'esquisse, au papier journal. Pour les croquis rapides et la pratique, je préfère le papier imprimeur ou le papier journal. Mais quand je crée des illustrations sur le pouce ou une œuvre d'art que j'ai l' intention d'être une impression finale comme la couverture du livre de cuisine pour ce cours, j'aime utiliser un carnet de croquis Canson XL. Je recommande la taille 9 x 12 pouces de ce carnet de croquis pour la classe. Vous pouvez facilement réduire le papier à la taille recommandée de 8 sur 10 pouces pour la couverture finale du livre de cuisine dans le projet de classe. Pour cette classe, vous aurez également besoin d'une paire de ciseaux, d'un bâton de colle, d'un crayon et de quelques feuilles de papier de construction. Ne vous inquiétez pas de la couleur du papier de construction. Il suffit de choisir quelque chose qui est pratique et qui frappe votre fantaisie. Vous aurez également besoin d'une règle pour mesurer votre papier jusqu'à 8 x 10 pouces pour la couverture du livre de cuisine dans le projet de classe. Pour la partie numérique de cette classe, vous aurez besoin d'un stylo. Encore une fois, le pack de Prismacolor est ma recommandation. Feuilles de papier vierges pour le dessin, accès à un scanner, ainsi qu'Adobe Illustrator. D' accord, je crois que c'est tout. Rassemblez votre matériel et plongez dans la vue d'ensemble du projet de classe dans la prochaine leçon. 3. Aperçu du projet de classe: Pour votre projet de classe, vous allez créer une couverture de livre de cuisine illustrée en utilisant les éléments de composition que nous discutons et pratiquons tout au long de cette classe. Vous aurez la possibilité de créer cette couverture de livre de recettes avec un stylo et du papier, ou numériquement dans Adobe Illustrator, ou les deux. Commencez à penser à différents aliments et outils de cuisson que vous aimeriez inclure dans votre illustration finale du projet. Je pense que je vais dessiner quelques légumes verts à la moutarde, certainement une spatule parce que j'aime cuisiner, ainsi que d'autres surprises végétariennes amusantes que vous verrez quand nous arriverons à la section Projet de classe à la fin de ce cours. Veillez à télécharger la couverture finale de votre livre de recettes dans la section Projets et ressources de cette classe. Lorsque vous téléchargez votre dernière couverture de livre de cuisine, j'aimerais également que vous incluiez quelques photos de vos croquis de processus à partir des leçons d'entraînement tout au long du cours. Cela peut inclure votre composition découpée, vos exercices miniatures et des exemples de vos compositions de motifs intuitives. J' aimerais aussi que vous incluiez votre tableau d'inspiration Pinterest que vous allez créer dans la leçon « Gathering Inspiration », ainsi qu'un court paragraphe sur la couverture du livre de recettes que vous illustrez. Est-ce un livre de recettes familiales ? Un livre de recettes de vos recettes préférées ? Un livre de cuisine pour le petit déjeuner ? Partagez l'histoire derrière votre illustration de livre de recettes avec votre projet final. Veillez à télécharger votre projet final dans la section Projets et ressources de cette classe. J' ai également partagé quelques documents de ressources sous le bouton Projet de classe qui incluent les matériaux recommandés pour cette classe, les cours de Skillshare que j'ai référencés tout au long des leçons pour plonger plus profondément dans des sujets particuliers, ainsi que des téléchargements d'images que nous utiliserons dans quelques-unes des leçons. N' oubliez pas de poser vos questions et de partager vos découvertes en cours de route dans la section Discussions. J' adore entendre parler de toi. Dans la prochaine leçon, nous allons découvrir ce que la composition signifie vraiment et pourquoi elle est si importante. 4. Qu'est-ce que la composition ?: Qu' est-ce que la composition ? Dans sa définition la plus basique, la composition est la façon dont les éléments visuels sont disposés sur une page. Cependant, le sens de la composition va beaucoup plus profond que cela, car c'est la pratique de créer un sentiment d'harmonie, unité et de beauté dans une œuvre d'art. Par conséquent, la composition n'est pas seulement un outil pour guider le spectateur à travers une œuvre d'art, mais c'est aussi une méthode créative nécessaire pour communiquer un certain sentiment ou un message à un spectateur. Comme l'affirme Matisse dans Notes d'un peintre, la composition est l'art d'organiser de manière décorative les divers éléments commandés par les peintres pour exprimer ses sentiments. Quand une composition n'est pas harmonieuse et non équilibrée, elle peut se sentir fade et inintéressante ou chaotique et surstimulante. Par exemple, une composition très occupée peut se sentir chaotique, intéressante, excitante ou troublante. Alternativement, les compositions simples peuvent se sentir paisibles, terre, et d'autres fois trop vides. Une composition harmonieuse s'intègre entre ces deux extrêmes pour créer un sens de l'ordre. Une composition convaincante peut ressembler à une inspiration profonde et expirer, un moment de pause et à un moment d'équilibre. Certaines compositions sont si puissantes qu'elles amènent un spectateur à être captivé par une œuvre d'art, perdre la trace du temps et à ressentir un profond sentiment de connexion. Le temps moyen qu'une personne regarde une œuvre d'art est compris entre 15 et 30 secondes. Mais une composition convaincante peut appeler un spectateur à rester avec l'œuvre d'art pendant 15 minutes ou 30 minutes ou plus. Vous voyez, plus nous restons avec l'art, plus nous pouvons découvrir l'œuvre, le sens et l'artiste. Tout cela nous donne un sentiment plus profond de connexion. Je parie que vous avez eu un moment comme celui-ci avec une œuvre d'art dans un musée, une rue de la ville, ou dans votre propre maison qui a frappé un accord si profondément vous n'avez pas pu l'oublier. Prenez un moment pour réfléchir à cette époque avec cette œuvre d'art spécifique. Fermez les yeux et rappelez-vous les couleurs, les sujets comptent, la disposition des éléments dans l'image, qui vous étiez à ce moment, ce que vous traversiez à ce moment de votre vie. Comment les éléments de l'œuvre sont-ils liés les uns aux autres ? Comment ces éléments sont-ils liés à vous ? Je parie que beaucoup des sentiments initiaux que vous avez ressentis à cette époque sont en train de resurfaçer maintenant. C' est à quel point l'art et la composition peuvent être puissants. Pour moi, le moment artistique qui se distingue dans mon esprit est si clair. C' est quand j'ai visité le Georgia O'Keeffe Museum quand j'avais 13 ans. J' étais en huitième année et j'ai commencé à m'amuser dans l'art à l'école, mais je n'ai jamais vraiment cru pouvoir devenir artiste parce que mes dessins, ils n'étaient pas totalement réalistes. Je pensais que l'art devait être enraciné dans le réalisme. Mais au musée, j'ai tourné un coin et j'ai vu un dessin pastel de Georgia O'Keeffe appelé Pedernal 1945. Cela m'a empêché dans mes traces et a frappé quelque chose de si profond en moi que toutes les autres œuvres semblent tomber loin de vue. J' ai été captivé. L' œuvre montrait un paysage, mais elle montrait le paysage dans le style d'O'Keeffe à partir de sa perspective et de son approche uniques. Ce dessin, ce n'était pas réaliste. C' était une œuvre de contraste de couleur entre les bleus et les pêches, en forme entre les crêtes géométriques de la montagne et l'élan organique incurvé d'un os abstrait. Ce moment m'apporte encore des frissons parce que c'était le moment où j'avais besoin de savoir que je pourrais être artiste aussi. Ce fut un moment qui m'a montré que l'art n'est pas une question de réalisme. Il s'agit de sentir. C'est à propos de connexion. Il s'agit de créer un pont entre le créateur et le spectateur pour un moment dans le temps partagé, mémorisé et influent. Je t'ai convaincu ? Des compositions convaincantes peuvent appeler un spectateur à poursuivre un rêve, avoir une nouvelle réalisation, à trouver une guérison et à ralentir pour trouver un sens plus profond. Des trucs assez puissants, hein. Pour commencer à fabriquer vos propres compositions convaincantes tout au long de cette classe, posez-vous certaines de ces questions. Comment puis-je utiliser ces éléments pour guider mon regard tout au long de l'œuvre ? Comment puis-je placer ces éléments pour guider l'œil du spectateur dans toute l'œuvre ? Comment puis-je organiser ces éléments pour inviter quelqu'un à rester avec l'œuvre ? Comment transmettre un certain sentiment ou une certaine émotion en utilisant ces éléments dans l'œuvre ? Obtenir une composition convaincante qui clique nécessite beaucoup d'essais, d'erreurs et d'expérimentations. Il y aura un moment où vous créez une composition et il suffit de cliquer, comme deux pièces de puzzle qui se réunissent. Quand vous ressentez cela, et vous le ferez, vous saurez que vous êtes enfermé dans un arrangement qui fonctionne. Nous allons parcourir de nombreux exercices dans cette classe pour pratiquer des compositions de construction. Mais avant tout, je veux dire, faites confiance à vos instincts. Écoutez ce guide créatif intérieur vous indiquant où placer chaque élément dans votre dessin. Votre foi dans ces impulsions créatives se renforcera au fil temps et vous conduira à des compositions artisanales qui collent, qui sont uniques à votre style. Dans la leçon suivante, nous allons parler des principaux éléments de la composition et de la façon de les intégrer dans votre œuvre. 5. Éléments de composition: Dans cette leçon, nous sortons du studio et retournons dans la de classe pour plonger dans les éléments de la composition. Considéré comme votre boîte à outils pour référencer au fur et à mesure que vous créez vos œuvres d'art tout au long de cette classe et dans votre propre pratique. Cela peut sembler beaucoup d'informations parce que c'est un peu, mais ne laissez pas cela vous intimider lorsque vous commencez à construire des compositions. Ne vous sentez pas pressé d'inclure chaque élément ou vous inquiétez de vous tromper. Ces éléments sont des repères que vous pouvez consulter lorsque vous vous sentez coincé ou que votre composition manque un certain flair. Alors amusez-vous, prenez-le et expérimentez. Prenez un stylo, prenez une feuille de papier et notons quelques notes dans la salle de classe. Certains des principaux éléments de la composition sont : l'équilibre, le mouvement , le rythme, qui peut également être appelé répétition et motif, focus et contraste. Selon l'endroit où vous regardez, le nombre d'éléments peut être supérieur à cette liste, mais comme de nombreux éléments peuvent fonctionner ensemble de manière cohérente, je les ai combinés pour simplifier notre exploration aujourd'hui. D' abord et avant tout, parlons de l'équilibre. La composition est tout au sujet de l'équilibre. Il s'agit de créer un véritable sentiment d'harmonie entre les différents éléments d'une œuvre. En ce qui concerne l'équilibre, il y a trois catégories principales que vous pouvez prendre en compte lors de la création de vos dessins : symétrie, asymétrie et symétrie radiale. symétrie est lorsque les éléments de votre dessin sont une image miroir de part et d'autre du centre de votre page. Si vous deviez plier votre dessin en deux, les éléments seraient-ils complètement correspondre les uns aux autres ? symétrie peut créer le sentiment d'une composition très équilibrée, mais selon le sujet, cet équilibre miroir complet peut ressentir un peu plus de malaise. L' asymétrie est le fait que les deux côtés de votre œuvre ne sont pas une image miroir, mais qu'ils sont toujours équilibrés en raison de l'utilisation du poids visuel. Cet équilibre du poids visuel repose souvent sur l'élément de contraste, dont nous discuterons plus dans un peu. Ce contraste et cet équilibre de poids peuvent être réalisés en organisant des éléments opposés dans toute votre page, comme éclaircir l'obscurité, l'épaisseur et l'épaisseur, l'espace négatif ou vide, et l'espace positif ou rempli. Petites et grandes tailles d'objets, sujets simples et complexes. L' asymétrie peut être utilisée pour créer des compositions visuellement intrigantes car bien qu'il y ait encore un sentiment d'équilibre et d'harmonie entre les différents éléments, façon dont cet équilibre est créé n'est pas immédiatement évidente. L' élément du mystère et de la découverte peut garder un spectateur engagé dans travail asymétrique assez longtemps pour découvrir comment ce sens de l'harmonie est transmis. symétrie radiale est lorsqu'il y a symétrie en miroir autour de l'axe central. Par exemple, une étoile ou l'étoile supérieure sur une tomate ou un poisson étoile ou un motif de courtepointe. symétrie radiale dans une composition peut être particulièrement efficace dans la répétition de motifs, que nous nous entraînerons à créer plus tard dans cette classe. Un autre élément de la composition est le mouvement. mouvement au sein d'une composition consiste à guider l'œil du spectateur sur votre œuvre d'un élément à l'autre. Des compositions convaincantes sont formées à partir d'une relation d'éléments qui maintiennent l'œil du spectateur engagé par le mouvement à travers un dessin ou autour d'une toile. Le mouvement n'est pas seulement une orientation visuelle, mais il s'agit aussi de transmettre un sentiment dans une œuvre d'art en ajoutant un sens d'énergie et d'activité. Par exemple, dans ce tableau, comment voyez-vous le mouvement transmis par l'artiste ? Il y a tant d'éléments de mouvement qui se produisent dans ce travail. Le parapluie à l'intérieur donne la sensation des mouvements d'une rafale de vent invisible, ainsi que la femme essayant d'attraper le parapluie avant qu'il ne s'envole. En outre, sa robe coule vers la droite, ce qui amplifie le sens du mouvement d'une forte rafale de vent. L' enfant à gauche du tableau est en mouvement avec des enfants qui semblent être ses amis. Elle pointe et son genou gauche est à un léger virage qui donne l'impression qu'elle est sur le point de bouger ou de courir. De plus, les vagues de l'océan semblent s'écraser sur la plage, amplifiant le sens général du mouvement par jour venteux. Pouvez-vous trouver plus d'éléments de mouvement dans ce tableau ? Tous ces éléments se réunissent pour créer une œuvre d'art énergisée et pleine d'action. Il existe de nombreuses façons de transmettre le mouvement dans une œuvre d'art. Vous pouvez utiliser des textures répétées sur une illustration. Par exemple, Van Gogh est connu pour son utilisation d' esprits texturés fabriqués avec une épaisse application de peinture et de coups de pinceau. Vous pouvez également utiliser de l'espace sur la toile pour transmettre le mouvement. Par exemple, Lisa Congdon place la figure humaine dans cette œuvre entre le ciel et l'eau en utilisant des marques d'éclaboussures pour montrer visuellement que la personne se déplace dans l'espace. Vous pouvez également ajouter des lignes derrière un sujet pour le montrer se déplaçant dans l'espace. Cela peut avoir un style caricatural qui transmet rapidement et directement où le sujet se déplace dans une œuvre d'art. Vous pouvez également créer une tension visuelle pour transmettre le mouvement. Cela peut être fait en gelant un moment dans le temps que nous savons visuellement ne peut pas durer éternellement. Par exemple, dans ce tableau de Degas, la ballerine se dresse au milieu de la pose, debout sur un pied, penchant son corps vers l'avant et utilisant ses bras pour équilibrer. Nous savons qu'elle ne peut pas tenir ce mouvement suspendu pour toujours et il y a donc un élément d'attention visuelle qu'elle doit bientôt tomber dans un nouveau mouvement. Cette méthode de création de mouvement moyen peut augmenter le sentiment de tension et de drame dans une œuvre d'art, ce qui conduit à un plus grand sentiment d'intrigue et de suspense pour le spectateur. L' élément suivant de la composition est le rythme, qui peut également être considéré comme une répétition ou un motif. Cet élément est directement lié au mouvement parce que, comme nous l'avons vu, répétition peut être utilisée pour créer un sentiment de mouvement visuel dans une œuvre d'art. Tout comme dans la musique où chaque chanson a un rythme spécifique, œuvre a aussi des rythmes différents selon l'artiste, le sujet et le médium. rythme et la musique sont créés à l'aide d'un espacement spécifique des notes. rythme dans l'art est créé avec l'espacement des différents éléments visuels. Il existe cinq types principaux de rythmes et d'œuvres d'art : rythme régulier, aléatoire, alternant, fluide et progressif. Un rythme régulier dans l'art est celui dans lequel les mêmes éléments sont répétés également en termes de taille, espacement, de couleur et de forme. Ce type de rythme peut se sentir très équilibré et la terre dans une œuvre d'art, par exemple, les mêmes tomates, dans ce dessin, à la même couleur, à la même taille, dans la même forme, tous espacés régulièrement à travers ce diapositive Le rythme aléatoire, en revanche, est lorsque les mêmes éléments sont utilisés plusieurs fois, mais sans ordre ou arrangement mesuré. Par exemple, dans cette peinture, Autumn Rhythm, Jackson Pollock utilise les mêmes éléments de peinture éclaboussée, mais sans un arrangement prévu. Le rythme alternatif est lorsque deux ou plusieurs éléments sont répétés chaque autre tour. Vous pouvez penser à un damier ou un échiquier, ou dans cet exemple, la section transversale de la betterave, vous voyez les couleurs du blanc et du rose alternant avec chaque cercle rayonnant. rythme fluide donne le sentiment d'un mouvement élégant et lisse travers une œuvre d'art peut faire pour l'utilisation d'éléments organiques ou incurvés. Par exemple, l'utilisation par Klimts de spirales dans ce tableau, Arbre de vie, conduit l'œil à travers l'œuvre. rythme progressif dans l'œuvre est l'utilisation d' éléments répétés qui changent dans une seule caractéristique, comme la taille ou la couleur dans un motif. Par exemple, dans cette œuvre d'Andy Goldsworthy, le caillou devient plus grand car il tourne vers l'extérieur à partir du centre de la spirale. Donc, la taille change, mais le sujet ne le fait pas. Le rythme progressif peut être drastique et dramatique ou lent et subtil. Par exemple, le décalage de la valeur entre ces trois carrés est assez rapide et donc dramatique, mais le déplacement de la valeur de la même couleur ou teinte sur 10 carrés est plus progressif et subtil. Focus, ou point focal est un autre élément énorme de la composition. focus est l'endroit où la majorité de l'attention du spectateur passe dans une œuvre d'art. Cela pourrait être la première chose à laquelle le spectateur est attiré, le sujet auquel l'œil du spectateur continue de revenir lorsqu'il se déplace autour de l'art ou le message principal de l'œuvre. Pensez à quand vous êtes tellement absorbé dans un projet que vous perdez une trace du temps et êtes complètement concentré sur la tâche à accomplir, vous regardez soudainement et réalisez 30 minutes, une heure ou plus se sont écoulées. C' est le pouvoir de se concentrer dans la composition aussi, ils peuvent conduire le spectateur à rester avec l'œuvre. au point peut être créée de différentes façons, y compris la taille , la couleur, l'isolement, créant un sentiment de l'inhabituel, par exemple, un cercle au milieu d'un groupe de carrés, ainsi qu'un outil appelé subordination, qui utilise les éléments d'appui pour attirer l'attention sur le centre de liaison et le mettre en évidence. Ceci, vous pouvez penser à cela comme des personnages de soutien dans un roman pour le protagoniste principal. Essentiellement, la subordination signifie minimiser tous les éléments de l'œuvre d' art autres que le point focal pour attirer l'attention sur ce point focal. Ainsi, la subordination peut aussi être considérée comme un accent. L' accent peut être appliqué au réalisme dans une œuvre d'art dans laquelle un sujet est reconnaissable, ou il peut être appliqué à l'abstraction dans une œuvre d'art où les éléments sont détachés du réalisme et sont plus représentatifs, par exemple, une géométrie motif. Un exemple de moyen simple mais puissant de créer une mise au point est vu dans cette annonce VW. La voiture est placée dans une mer d'espace négatif. La voiture devient le point focal principal parce qu'elle est isolée dans l'espace, aucun autre élément ne distrait du sujet. La voiture est les points de vente et qui est souligné en étant le seul sujet mis à part le texte des annonces. L' œil du spectateur sait exactement où aller, pas de confusion, pas d'agitation, juste se concentrer. Un exemple de subordination est cette simple illustration de tomate. Une tomate est remplie avec la couleur rouge, toutes les autres tomates ne sont que des contours. Cela permet à ces formes de s'estomper dans l'arrière-plan et donc d'attirer plus d'attention et d'accent sur la tomate remplie à l'avant. mise au point aide à créer une composition convaincante car elle montre clairement au spectateur où regarder, ce qui donne clarté et impact. Un autre exemple de concentration et de composition convaincante se trouve dans ce tableau, Christina's World, d'Andrew Wyeth, peint en 1948. Remarquez où votre œil va en premier dans cette œuvre d'art. Une façon de tester cela, et faisons-le ensemble, est de fermer les yeux. Maintenant, commencez lentement à les ouvrir et prenez note de l'endroit où vos yeux vont en premier, où ils vont immédiatement. Il est probable que tes yeux vont d'abord vers la femme, Christina. Qu' est-ce qui en fait le point focal ? Pour commencer, la couleur de sa robe est rose, ce qui contraste fortement avec le reste de la palette de couleurs en sourdine de la peinture. Elle est aussi au premier plan ou plus proche du spectateur que n'importe quel autre élément de la peinture, pourquoi elle est le plus grand sujet de tous les éléments de l'œuvre. En outre, elle est à mi-mouvement, ce qui crée le sentiment d'attention visuelle que nous avons discuté plus tôt. Pensez un instant si vous étiez dans sa position, mi-chemin du sol, soutenu uniquement par vos bras comme si vous étiez sur le point de vous tirer vers l'avant. C' est ce souffle d'un moment entre les actions qui crée cette tension. raison pour laquelle c'est l'inspiration pour la femme dans ce tableau était une femme nommée Anna Olson qui vivait dans une ferme en général. Olson avait un trouble musculaire dégénératif qui enlevé sa capacité à marcher vers la fin des années 1920. Elle a refusé d'utiliser un fauteuil roulant et a donc rampé autour du terrain. Donc, ici, la femme est représentée au milieu de son mouvement dans ce moment de tension juste avant qu'elle ne se tire à nouveau vers l'avant. Comme dans l'exemple de la ballerine Degas, l'artiste crée ici un moment d'attention visuelle à travers le mouvement figé dans le temps. Le mouvement que le spectateur prévoit de déplacer à tout moment. Maintenant, le point focal de ce tableau est très intéressant car il ne joue qu'un rôle dans la composition globale. Bien que votre oeil atterrit d'abord sur la femme, remarquez où il va ensuite. Elle regarde au loin le long d'une ligne diagonale implicite ou imaginaire vers la ferme lointaine. Naturellement, avec curiosité, cela nous amène en tant que téléspectateurs à regarder aussi cette ferme lointaine. Alors où va ton oeil ? Probablement à gauche, à l'autre ferme ou grange dans la peinture. Alors où va ton oeil ? Retour au point focal initial, la femme en rose. Ces trois éléments principaux de la peinture forment une composition triangulaire à l'intérieur de la toile, ce qui est un moyen très puissant de cartographier les éléments de votre propre œuvre d'art. Semblable à la règle des tiers, dont nous discuterons dans la leçon suivante, le triangle peut créer un sentiment d'intrigue et de mouvement continu tout au long d'une œuvre d'art, plutôt que de se sentir visuellement coincé ou stagnant . De plus, les lignes diagonales implicites peuvent accroître le sens du mouvement et l'énergie dans une œuvre d'art plus que les lignes horizontales ou verticales implicites. Par exemple, dans ce tableau, vous pouvez voir la ligne horizontale avec l'herbe, et bien que votre œil puisse éventuellement suivre cette ligne à travers l'œuvre, les lignes diagonales implicites du triangle sont plus fortes et prennent les premiers instants de attention et mouvement visuel. Un autre élément qui fait de la peinture de Wyeth une composition convaincante, est qu'il intègre de l'espace pour équilibrer les principaux éléments de l'œuvre. Plutôt que de remplir chaque pouce de la toile avec des bâtiments ou plus de personnes, il y a un espace de terrain qui offre de la place pour respirer l'œil. En fait, vous constaterez peut-être qu'après avoir parcouru le triangle implicite entre les trois éléments principaux de l'œuvre, votre œil se promène dans cet espace pour suivre la courbe de la prairie horizontalement, jusqu'aux pistes de pneus et hors de la seulement pour être ramené dans la toile à nouveau raison du contraste puissant de la couleur de la robe de Christina, la taille de sa silhouette et de son moment entre les mouvements. L' espace est si important pour donner à l'œil un endroit où se reposer au milieu du mouvement autour d'une composition. Lorsque vous déterminez le point focal d'une œuvre d'art, une autre façon de la trouver est de prendre note de l'endroit où votre œil continue de revenir. Donc, dès que votre œil se déplace de Christina à la ferme, essayez de garder vos yeux seulement sur la ferme, sans vous déplacer ailleurs dans la peinture. Je pense que le rose de sa robe et la taille de sa forme au premier plan appelle votre oeil à revenir vers elle comme personnage principal de cette scène, que ce soit à travers le triangle que nous avons déjà discuté ou à l'envers le long de cette diagonale, vous avez voyagé pour vous rendre à la ferme. vous créez des compositions dans cette classe et que vous regardez d'autres exemples d'illustrations, remarquez si des éléments vous distraient du point focal prévu. Ces éléments peuvent éloigner votre regard de la mise au point, ce qui peut être déroutant et laisser le spectateur se sentir incertain de l'endroit où regarder. En règle générale, vous ne voulez pas ce sentiment de distraction ou d'éléments concurrents dans une composition, sauf si c'est dans le but d'augmenter l'attention visuelle ou de transmettre un message spécifique comme le vertige ou le chaos. Mais comme nous le discuterons dans la section suivante, ces règles peuvent être brisées et jouées avec, alors faites-vous confiance et expérimentez. Nous avons déjà mentionné le contraste dans les éléments précédents de la composition. C' est un outil si puissant pour créer la tension dont nous avons discuté, pour rendre une œuvre vraiment attrayante visuellement. Le contraste est comme le drame. C' est où, contraste de couleur, ou valeur comme la lumière et l'obscurité, la taille, sujet, la texture comme lisse et rugueuse, et la forme, géométrique et organique ou courbé. Ce sont tous des exemples de contraste. Une note rapide sur la couleur. La couleur est incroyablement importante pour le contraste dans l'art. En fait, il est si important que ma prochaine classe ici sur le partage de compétences soit tout au sujet de la couleur, alors prenez cela dès qu'il est disponible. Mais pour les besoins de ce cours, nous ne plongerons pas trop dans ce sujet, et nous continuerons plutôt à nous concentrer sur les dessins en noir et blanc, pour développer nos compétences en composition. D' autres éléments à prendre en compte lors de la construction de votre œuvre, et la composition sont l'espace, comme je l'ai mentionné, il peut se référer à l'espace positif ou rempli, et à l'espace négatif ou vide. Nous avons parlé brièvement de l'espace avec les mouvements et aussi dans l'exemple du Monde de Christina. L' utilisation de l'espace et la façon dont les éléments sont placés dans cet espace sont cruciaux pour une composition convaincante. Par exemple, l'annonce Think Small, alternativement, dans « Starry Night » de Van Gogh, il y a beaucoup de mouvement, et une grande partie de la toile est remplie de marques de peinture texturée. L' écoulement de ces marques et la répétition, crée un chemin fluide pour l'œil, mais il y a beaucoup moins d'utilisation de l'espace vide et négatif pour que l'œil se repose. Boundaries est un outil puissant pour guider le placement des éléments dans votre composition. Une limite peut être les bords d'une toile, les bords de votre papier, un cadre rectangulaire traditionnel, ou il peut s'agir d'une forme irrégulière que vous découpez dans du papier. La limite peut être le premier indice de votre carte créative sur la façon de disposer les éléments de votre dessin. Les frontières peuvent parfois se sentir restrictives, mais n'oubliez pas que les limites engendrent la créativité. Il y a plusieurs façons de réfléchir à la façon de les utiliser lors de la création de vos illustrations. Par exemple, vous pouvez placer tous vos éléments dans les limites données de sorte que l'image visuelle entière soit contenue dans l'espace. Vous pouvez également faire en sorte que certains éléments s'écoulent hors de la page ou s'exécutent en dehors de la limite. Cela peut être vraiment intéressant visuellement, et une tactique qui conduit le spectateur dans et hors de l'œuvre, provoquant plus de mouvement dans la pièce. Enfin, vous pouvez incorporer la limite, selon ce qu'elle est, dans votre œuvre d'art globale. Par exemple, certains peintres comme Georgia O'Keeffe, peignaient parfois leurs cadres pour correspondre à leur peinture. De cette façon, le cadre, ou la limite, devient partie intégrante de l'illustration pour former un tout complet. Ajout à cette harmonie globale de la composition, plutôt que le cadre ou la limite distrayant par rapport à l'imagerie de l'œuvre. Avec l'illustration, vous pouvez envisager d'incorporer votre limite dans votre dessin de plusieurs façons. Par exemple, si vous travaillez sur un dessin en noir et blanc pour une impression d'art traditionnelle que vous avez l'intention d'être encadrée, vous pouvez sélectionner un cadre blanc qui se fond pratiquement avec votre papier, sorte qu'il y ait une transition transparente dans entre le dessin et ce cadre. Ou si vous travaillez sur une illustration pour le recto et l'arrière d'une couverture de livre ou de magazine, vous pouvez jouer avec envelopper une partie de votre image de l'avant, de l' autre côté de la colonne vertébrale et de l'arrière, sorte que il y a une transition transparente entre les différents espaces de la limite de la couverture. Vous pouvez également mettre l'accent sur la bordure d'une illustration pour créer un élément d'intérêt supplémentaire. Cela pourrait être réalisé en ajoutant une illustration autour de la bordure de l'œuvre comme des vignes, fleurs, ou un motif géométrique abstrait. Vous pouvez également créer une bordure qui est juste un espace négatif, pour donner plus de place à l'œuvre. Cela peut ajouter plus d'attention et se concentrer sur le sujet. Comme vous le voyez avec cette bordure blanche autour du sol abstrait Illustration. Ce ne sont que quelques idées pour vous aider à comprendre comment les frontières et les limites jouent un rôle important dans la création de vos compositions et peuvent créer des mises en page encore plus convaincantes de vos illustrations. Qu' une composition se sent occupée ou simple, cela dépend de certains des éléments dont nous avons déjà discuté, y compris les mouvements. Par exemple, beaucoup de mouvement peut se sentir vraiment trépidant. L' espace. Un travail d'art avec beaucoup d'éléments et aucun espace négatif ou vide peut se sentir occupé. œuvres d'art avec trop d'espace négatif peuvent se sentir plates ou inintéressantes. Rythme. Par exemple, le rythme aléatoire des éléments aléatoires peut se sentir vraiment occupé, un rythme équilibré du même élément peut se sentir à la terre, ou parfois trop simple. Encore une fois, il s'agit de trouver l'équilibre entre les extrêmes pour transmettre le sentiment que vous voulez communiquer avec votre art. Par exemple, vous pouvez créer une illustration d'une rue de la ville à New York, disons, et souhaitez capturer l'énergie active que vous voyez. Si c'est le cas, alors vous voudriez maximiser l'utilisation du mouvement, de espace positif et rempli, et le rythme effréné de nombreux éléments dans le travail, ce soit des personnes, des vélos, voitures, des food trucks ou tout ce qui précède. D' un autre côté, peut-être que vous voulez créer un dessin qui donne à votre spectateur un sentiment de paix et de calme. Vous pourriez être inspiré par l'espace d'un jardin à la lumière du matin. Dans ce cas, vous souhaiteriez inclure moins d' éléments avec une plus grande attention sur l'espace négatif, donnant à l'œil un endroit pour se reposer, produisant un rythme global plus lent entre les éléments de l'œuvre pour transmettre un et sentiment de calme. La façon dont vous placez les éléments ensemble transmettra inévitablement une certaine émotion, ou un certain message. Considérez ce que c'est et le ton que vous souhaitez partager avec votre spectateur. Au fur et à mesure que nous avançons, vous utiliserez probablement de nombreux éléments différents de cette liste dans vos compositions, le tout dans le but de créer ce sentiment d'équilibre, unité et d'harmonie. Au fur et à mesure que nous avançons, n'oubliez pas que certaines questions utiles à poser lorsque vous observez et construisez votre œuvre sont comment les éléments me conduisent-ils tout au long de l'œuvre ? Est-ce que les éléments m'invitent à rester dans le travail, ou est-ce qu'ils manquent d'équilibre et d'intérêt ? Quelque chose ne se sent pas à sa place ? Ou est-ce que tout s'intègre harmonieusement ? Encore une fois, quand il cliquera, vous le saurez. C' est comme un petit clic de cœur ou un flottement quand vous avez placé un élément et soudainement tout coule. Ne vous découragez pas Si vous ne le ressentez pas, souvent, cela vient après la frustration, après les essais et les erreurs, et après avoir quitté votre travail assez longtemps pour revenir plus tard avec des yeux frais. Quand j'arrive à ce point de frustration, j'aime souvent faire une promenade dans la nature, et revenir regarder à nouveau le travail, et je trouverai une nouvelle solution, une nouvelle étape à franchir. Continuez à travailler avec elle jusqu'à ce que vous trouviez cet équilibre, et sachez que vous apprendrez de chaque composition que vous faites. Dans la leçon suivante, nous allons parler des règles traditionnelles de composition des devis sur devis, et bien sûr, quand les briser. 6. Règles de composition: Nous allons plonger dans les règles traditionnelles de la composition. Mais tout d'abord, je veux partager que même si les règles sont utiles, il y a certainement des moments où elles sont censées être brisées. Mais il est très utile d'apprendre les règles, de savoir lesquelles briser, et quand vous développez votre propre style créatif. Georgia O'Keeffe et Picasso étaient deux des nombreux artistes qui développé une base solide des règles de l'art et ont suivi une formation traditionnelle. Mais ensuite ils ont forgé leur propre chemin en utilisant ces connaissances comme point de départ, mais ils l'ont brisé pour leurs propres visions créatives du monde, ce qui explique exactement pourquoi nous parlons encore de leurs œuvres d'art aujourd'hui. Picasso a dit : « Apprenez les règles comme un pro pour que vous puissiez les briser comme un artiste. » C'est ce qu'on va faire. Gardez cela à l'esprit lorsque nous examinons quelques règles traditionnelles de composition à considérer. Pour commencer, la règle des tiers est une ligne directrice qui utilise une grille de neuf carrés égaux à l'intérieur d'une limite. Ces carrés sont formés par deux lignes verticales également espacées et deux lignes horizontales également espacées. La règle est que les éléments les plus importants d' une composition doivent être placés le long de ces lignes et à leur intersection. Cela contribue à créer plus de tension et d'intrigue dans une composition plutôt que si les sujets étaient centrés juste au milieu. La règle de l'espace est appliquée pour créer un sens du mouvement, l'énergie ou de la résolution dans une œuvre d'art. Il s'agit d'incorporer cet espace négatif dont nous avons parlé autour de votre sujet. Cela s'applique si vous avez un sujet central, mais cela peut également fonctionner dans des motifs répétés. Cette règle indique que l'espace négatif peut attirer plus d'attention sur votre sujet, fournir la salle de respiration dont nous avons discuté et amplifier le sens du mouvement au sein de votre œuvre. Il peut donner à l'œil du spectateur l'endroit où se reposer et lui permettre de passer plus de temps avec votre dessin. La simplification consiste à réduire la quantité de détails intérieur d'une œuvre d'art pour en arriver aux éléments essentiels. Cela peut également être coupé comme quand arrêter avec le dessin, qui peut vraiment être un défi parce qu'il est souvent tentant de continuer à travailler et à retravailler une pièce jusqu'à ce qu'elle soit parfaite. Cependant, parfois plus simple peut être mieux. Georgia O'Keeffe a dit : « Les détails sont déroutants. Ce n'est que par la sélection, par l'élimination, par l'accent que nous pouvons obtenir le sens réel des choses. N' oubliez pas que nous essayons vraiment de transmettre l'émotion et le sentiment des œuvres d'art, et parfois réduire la distraction des détails peut aider à le faire. La simplification est cette idée. Moins c'est plus et ce message peut être communiqué puissamment avec moins de détails. Il faut de la pratique, de la confiance et de la vulnérabilité audacieuse. Il peut en fait être vraiment complexe d'atteindre la simplicité parce que c'est une tendance humaine à vouloir remplir des espaces vides. Qu' il s'agisse d'une étagère vide dans une nouvelle maison, d'un silence dans une conversation ou d'une toile dans un studio. Cependant, il y a un sens et un pouvoir à la simplicité, alors plongez dedans. Pour en savoir plus sur la réduction des détails et la simplicité de l'artisanat, vous pouvez visiter ma classe, « Comment dessiner : Learning Line ». Toutes ces règles sont comme des recettes lorsque vous apprenez à cuisiner. Au début, vous pouvez commencer avec des livres de cuisine, mais comme vous pratiquez à partir des directives de différents plats, vous apprendrez quelles épices vont naturellement bien ensemble. Quels légumes s'accordent bien, et peut-être le plus important, votre propre palette et vos goûts uniques. Peut-être que vous préférez vos repas un peu plus épicés que les recettes ne l'exigent, ou vous n'aimez pas une certaine saveur du tout, alors vous laissez tomber. en va de même lorsque vous créez de l'art. Commencez par les règles ou les recettes, trouvez ce que vous aimez et ce que vous ne creusez pas totalement. Commencez à dévier de la recette pour expérimenter en toute confiance avec votre propre style. Dans la prochaine leçon, nous allons jeter un oeil à quelques exemples de composition et parler de la façon d'améliorer le sentiment d'équilibre dans une œuvre d'art. 7. Créer des compositions attrayantes: C' est une chose de parler de théorie et une autre de mettre en œuvre des éléments en action. Une grande partie de la composition est consacrée à la pratique, aux essais et aux erreurs, à l'apprentissage au fur et à mesure. Vous trouverez ce que vous aimez et apprendrez comment différents éléments peuvent s'intégrer pour transmettre cette harmonie et cet équilibre. Personnellement, je crois qu'il n'y a pas de bien ou de mal dans les œuvres d'art, juste des approches, des styles et des préférences différents. Alors que vous créez, plutôt que de demander, est-ce que je fais ça correctement ? meilleures questions à poser sont, est-ce que cela fonctionne ? Est-ce que cela crée l'équilibre et l'unité ? C' est mon style ? C'est ce que j'aime ? Jetons un coup d'oeil à quelques exemples de compositions différentes, y compris celles qui peuvent être améliorées. Pendant que nous traversons ces, faites attention à quand vous sentez ce morceau de puzzle clic dont nous avons parlé. C' est votre indice sur les compositions que vous trouvez convaincantes. Regardez les éléments dont nous avons parlé dans ces œuvres d' art et remarquez comment vous pouvez les incorporer dans vos propres dessins. Par exemple, lorsque nous regardons cette illustration, vous pouvez voir qu'il y a un sentiment de mouvement créé verticalement par le placement des pommes. Il y a une légère courbe vers les pommes, qui conduit l'œil de ce plus grand vers le bas à travers ce motif à la plus grande en bas ici. Il y a aussi un sentiment de rythme alternatif qui se passe à cause de ces deux couleurs ; le rouge plus foncé puis ce rose très clair, donc il y a un bon sens du rythme qui se passe là-bas. Cependant, il y a un moment d'intérêt parce qu'il y a cette pomme supplémentaire jetée dedans. Si vous prenez votre doigt et couvrez cette pomme avec votre pouce, vous pouvez imaginer à quoi ressemblerait cette composition sans ce sujet. Cela crée un peu un sentiment d'équilibre asymétrique, car il y a ce décalage de pomme supplémentaire de cette mine principale de pommes. Cela crée juste un peu plus d'intrigue et aide l'œil du spectateur à passer à travers cette section des pommes ainsi que de sortir de la page ici. Un autre élément dont nous allons parler avec notre projet de classe sur la couverture du livre de cuisine est ce texte juste ici. Le texte peut faire partie d'une composition incorporée aux éléments d'imagerie. Ce texte fait partie du point focal de ce travail parce que les pommes sont placées autour d'elle dans ce demi-cercle, et c'est presque comme s'il berçait le texte pour attirer votre attention là aussi. Un autre endroit et source que j'aime vraiment aller chercher de l' inspiration pour la composition et le design est la nourriture et la nature. Quand je me sens particulièrement coincé sur une œuvre d'art et d'illustration, j'aime aller préparer un repas rapide et prendre le temps de cuisiner pour vraiment observer ma nourriture. Si je découpe un chou frisé ou que je déchire de la laitue, je regarde vraiment ce sujet et je cherche les éléments de conception et de composition dont nous parlons aujourd'hui. Ou je pourrais aller faire une promenade et chercher des plantes et chercher des preuves du design dans mon environnement naturel. Je vous encourage à le faire aussi, si vous vous sentez coincé ou même simplement à la recherche d'inspiration. Beaucoup d'éléments de design et de composition dont nous parlons se retrouvent tous les jours autour de nous, en particulier dans l'alimentation et le monde naturel. Par exemple, lorsque nous regardons cette tranche d'orange en gros plan zoomé, je suis curieux de savoir quels éléments de composition vous voyez. Prenez juste un moment pour le regarder et ensuite dites-moi plus ou notez les éléments dont nous avons discuté, que ce soit le mouvement du point focal, l'équilibre, le rythme. Quand je regarde cela, mon œil est immédiatement attiré vers cette forme d'étoile centrale, sorte que cela devient le point focal de cette composition. Mais alors, mon œil suit ces lignes vers l'extérieur vers le bord de cette photographie, sorte que cela devient un sens du mouvement, surtout avec ces lignes qui sont plus courbes et organiques à l'intérieur de chaque tranche. Il y a une belle impression de contraste qui se produit entre ces lignes linéaires droites de cette tranche et les lignes internes qui sont courbes et organiques. Cela crée un joli sentiment de contraste. Il y a aussi un sens de l'équilibre, parce que si on réduisait ça en deux ici, ce serait assez symétrique, plié en deux. Tous ces éléments de concurrence entrent en jeu. Y a-t-il d'autres choses que vous voyez ou d'autres que vous trouvez ? Si c'est le cas, veuillez les déposer dans la section de discussion parce que j'aimerais entendre vos observations. Un autre exemple peut être trouvé dans les feuilles d'épinards. Ceci provient d'une ferme locale, et j'aime particulièrement cette variété d'épinards, Bloomsdale épinards, parce qu'il est si succulent avec les lignes. C' est comme un dessin au trait, une œuvre d'art. Ce que vous pouvez voir ici, c'est que ces lignes sont comme des lignes de crête ou comme des petites collines sur les sommets des montagnes. C' est comme des crevasses que tu pourrais entrer. Quand on regarde ça, ce n'est pas totalement symétrique. C' est ce que j'aime dans chaque feuille Bloomsdale, c'est qu'ils sont tous très uniques et qu'ils se courbent autour d'eux-mêmes de différentes manières. Mais ce qui se passe, c'est que l'axe médian est la ligne la plus épaisse que l'on puisse voir, et que cela devient un peu un point focal dans cette feuille d'épinards, et cela crée aussi un sentiment d'équilibre, parce qu'il nous demande de plier visuellement cette feuille au-dessus de cette ligne, pliez-le sur elle-même. n'y a pas de symétrie totale, mais il y a un sentiment d'équilibre de part et d'autre de la ligne. Ce qui se passe, en se concentrant sur cette ligne plus épaisse, c'est que tout comme dans la tranche d'orange, notre œil commence à suivre ces autres lignes rayonnant vers les bords de la feuille. Nous pouvons suivre ces lignes sur toute la surface de cette feuille et déplacer autour de ce travail comme s'il s'agissait d'une composition. Maintenant, il n'y a pas de couleur contrastée entre les différentes couleurs, et nous allons plonger plus dans la couleur dans une autre classe plus tard, mais je veux parler de ça. Tout est vert, c'est un vert feuilles d'épinards, mais vous pouvez voir comment il y a différentes valeurs et nuances de vert qui se passe dans cette feuille à cause de l'éclairage. C' est bien parce que ça commence à jouer avec nombre de couleurs que vous pouvez obtenir d'une seule couleur, et comment il peut encore y avoir un contraste entre une nuance de vert vraiment claire, presque blanche, jusqu'à ces sombres, presque noir, nuances de vert. Parlons brièvement de la façon d'améliorer certaines compositions. Je travaillais sur cette illustration de sol, une abstraction de sol en gros plan. Quand je travaillais sur ce modèle, je dessinais chaque pièce individuellement, et je me suis arrêté ici un moment parce que je me demandais vraiment, est-ce que je veux quitter cette salle de respiration autour du motif ? Est-ce que je veux laisser ces espaces blancs vides ? J' ai pensé à le faire pendant un certain temps, mais je suis revenu à la question que je vous encourage à vous poser, qui est, quel sentiment dois-je transmettre au spectateur ? Ce que je voulais vraiment arriver avec l'interaction avec ce travail, c'est que je voulais que le spectateur se sente complètement absorbé dans cette seule section, cette seule parcelle de terre. Je voulais que l'œuvre ait l'impression que c'était une vue microscopique, comme si vous regardiez à travers un microscope une section de terre et que vous aviez presque des oeillères sur, comme si vous étiez juste dans cet espace. J' ai décidé de le jeter vers les bords complets du papier, alors j'ai continué le motif jusqu'aux bords. Mais alors ce que j'ai fait quand je me suis préparé à en faire une impression à vendre, comme j'ai ajouté une bordure blanche autour du bord. Je le fais parfois, surtout si c'est un relais pour les tirages à motifs, juste une impression d'art à vendre. J' ajoute cette bordure parfois juste pour une petite salle de respiration visuelle, même s'il n'y a pas beaucoup d'espace négatif dans l'œuvre elle-même. Parfois, j'aime l'ajouter sur les bords juste pour donner un souffle et des applaudissements. C' est un autre exemple de réflexion sur la composition et comment l'améliorer et vraiment être au milieu du processus. J' ai donc dessiné cette illustration de framboises il y a quelques années, et j'ai dessiné quelques éléments, il y en a un de plus que vous verrez dans un instant. Mais j'ai joué avec juste recadrer sur ces deux, la framboise coupée en deux et la framboise pleine. Mais je me sentais vraiment comme quelque chose manquait et comme ça manquait un sentiment d'intérêt et l'équilibre que je cherchais, alors je suis retourné au dessin initial qui incluait cette section élargie. Ce qui est intéressant dans ce travail, c'est que ce n'est pas du réalisme. Je veux dire que la section transversale d'une framboise ne serait pas plus grande que la framboise elle-même. Mais j'ai vraiment aimé zoomer et regarder l'abstraction et être funky et bizarre et sauvage avec elle et en faire la plus grande partie du dessin. Ayant rencontré à la base de ce dessin, vraiment équilibré les deux autres éléments plus petits. Ici, quand je viens de recadrer ces deux-là, ils sont à peu près égaux en taille. Ils sont assez semblables en taille, donc ce n'était pas l'intérêt que je cherchais, et ajouter cette pièce plus grande au fond a vraiment donné plus l'équilibre que je cherchais dans la composition. Lorsque j'ai illustré cela pour la première fois, j'ai permis aux illustrations de sortir de la page, et j'aime le faire parfois pour que l'œil du spectateur puisse se déplacer autour du bord d'un dessin spécifique, puis remonter en cercle. C' est ce que j'ai fait ici. Dans Christina's World, encore une fois, nous voyons le point focal entrer en jeu ici avec son corps, sa forme étant au premier plan le plus grand sujet de la peinture. Nous avons également un sentiment de mouvement qui se passe fonction de l'endroit où les éléments sont placés tout au long de la peinture. Dans Starry Night, nous avons un bon sens du mouvement basé sur les coups de pinceau que Van Gogh a appliqués sur la toile. Ainsi, leurs coups de pinceau texturés qui créent vraiment ce rythme fluide à l'œuvre d'art, un mouvement organique fluide et fluide. n'y a pas beaucoup d'espace négatif dans cette composition, mais c'est toujours assez courant parce que notre œil peut bouger très fluidement dans toute la toile. Dans ce design Surface Pattern par Elena Wilken, que j' aime tellement son travail. C' est un modèle répétitif. Avec la conception du motif de surface, plutôt que notre œil repose uniquement sur un point focal, il continue de se déplacer sur l'ensemble du motif. Ce motif peut être sur du papier peint, un tissu ou un emballage cadeau. Donc, notre œil est invité à rester en rythme et en mouvement. Donc, lorsque vous envisagez de créer un design répétitif, il est important de réfléchir à la façon de tirer des éléments de composition qui contiennent de l'intrigue et de l'intérêt sans être trop écrasant. Dans ce travail avec les tournesols, le tournesol est le sujet et il y a un bon sens du rythme qui se passe ici. Mais plutôt qu'Elena utilisant la même taille exacte et le même angle exact de chaque tête de tournesol, elle varie les tailles, et elle est aussi, sur celui-ci, vous pouvez voir comment elle a tourné certaines des feuilles en tant c' est comme si la tête de tournesol était à un angle. Cela crée un peu plus intéressé par le mouvement de notre œil à partir des différentes tailles et les différents angles du tournesol, par opposition à si tout était juste la taille et la forme répétée exactement la même à travers. En outre, elle a une belle utilisation de l'espace négatif parce que si vous plissez à ce travail, vous commencez à voir ce fond blanc cassé briller à travers. Mais ce qu'Elena a fait ici aussi est d'ajouter un peu plus d'intérêt avec ces éléments botaniques et floraux, intégrés dans cet espace négatif. Cela ajoute un peu plus d'intrigue que si elles étaient complètement disparues. Encore une fois, tout comme nous l'avons fait avec la pomme, c'est une astuce amusante et un jeu amusant à jouer lorsque vous regardez des œuvres d'art, est d'utiliser votre doigt ou votre main juste pour couvrir certaines parties du travail pour voir comment il change votre oeil et l'interaction de votre œil avec l'œuvre d'art. Comment cela change-t-il le sentiment de la composition ? Comment votre œil bougne-t-il différemment lorsque ces éléments sont dissimulés ? Cela peut être un très bon exercice lorsque vous créez vos propres compositions pour déterminer quels éléments fonctionnent vraiment et ce qui pourrait être laissé de côté. Autre chose qu'Elena a fait ici, c'est qu'elle n'inclut pas tous les détails que vous pourriez voir dans un tournesol. Elle regarde vraiment le sujet et le transforme en son propre style, et l'une des façons dont elle fait cela est d'éliminer les détails et de passer à la simplicité. Cela aide à réduire ce qui pourrait être trop chaotique d'un modèle répété. Quand il y a moins de détails, cela peut donner à nos yeux plus de moments de repos tout au long du mouvement de cette répétition. C' est un autre motif répétitif du même artiste, et c'est tout à fait différent comme on peut le voir. Ce travail se sent un peu plus occupé. Mais occupé dans une composition n'est pas nécessairement une mauvaise chose. Il peut être vraiment énergique et ludique et amusant. Ce qu'Elena a fait ici, c'est qu'elle a réduit certains de ces éléments floraux. Ils ne sont pas aussi gros que les têtes de tournesol. Une grande partie de ce sont plus petits et donc ils sont tous des fées de la même taille, ou sont dans la même gamme de tailles ici. Ils sont très proches, donc il n'y a pas beaucoup d'espace négatif ou de respiration qui se passe, mais cela donne à la pièce un sentiment d'enjouement plutôt que de chaos. L' une des façons dont elle crée cet enjouement est l'utilisation de la couleur, la façon dont elle organise et positionne chacune de ces formes, donc certaines sont orientées vers le haut, autres vers le bas, tout va dans des directions différentes. Une autre chose qui se passe et que vous pouvez penser en construisant un motif et en utilisant des éléments de composition est que dans une pièce plus remplie comme celle-ci et plus occupée, vous pouvez fournir à l'œil une ancre ou un sentiment de mise à la terre en vraiment jouer hors de la répétition. Donc, dans un motif de surface, il y a une répétition, et quand vous le cherchez, vous pouvez commencer à le trouver. Ici, nous voyons ces deux éléments de fleurs rouges. On les voit répétées ici. Donc, vous pouvez regarder ici et voir cet élément de fleur grise répété ici. Cela donne l'essence de l'œil de la mise à la terre et ce sens du rythme dont nous avons parlé dans une composition, parce que c'est comme un rythme, c'est comme un, deux, et si c'était un morceau de tissu plus long, on pourrait dire trois, quatre. Donc, au milieu de l'agitation et au milieu de l'espace rempli, notre œil a un endroit pour revenir en arrière pour créer ce sens du rythme et de la cohérence. Encore une fois, revenir à l'équilibre, qui peut aider à équilibrer plus d'espaces remplis dans la composition. Bien sûr, Elena utilise la couleur ici pour ajouter à l'enjouement avec les rouges, mais elle le fait aussi avec ces beaux gris neutres et ces jaunes dorés plus calmes. Elle crée donc un bon sens de l'équilibre avec la couleur, et en fait une composition très ludique et utilise le positionnement de tous les éléments pour créer un sens du mouvement. Dans la prochaine leçon, nous allons créer un outil qui peut conduire à des découvertes de compositions dans votre environnement quotidien. Tu vas voir le monde d'une toute nouvelle façon. 8. Viseur de poche: Cette leçon est un conseil professionnel que je veux partager avec vous afin que vous puissiez commencer à regarder votre environnement dans des sujets avec une perspective nouvelle. C' est vraiment facile pour nos cerveaux de rester coincés sur la façon dont nous pensons que quelque chose ressemble. Par exemple, quand je dis fleur, vous pouvez avoir une image générique d'une fleur qui vient à l'esprit. Mais quand vous vous approchez réellement du sujet, vous commencerez à découvrir de nouveaux détails qui sont visuellement intrigants. Il peut être vraiment difficile de sortir de notre façon traditionnelle de voir quelque chose de familier avec de nouveaux yeux. Mais cet outil que je suis sur le point de partager vous aide à le faire. Dans cette leçon, nous allons créer un viseur que vous pouvez emporter avec vous lors de promenades dans votre quartier, lorsque vous faites des courses, ou tout simplement à la maison pour commencer à voir de nouvelles compositions autour de vous tout le temps. Pour commencer, prenez une feuille de papier vierge ou de papier de construction et vos ciseaux. Coupez une fente dans une partie de votre papier, puis faites glisser vos ciseaux dans cette fente pour couper un rectangle. Vous pouvez rendre ce rectangle mince ou épais, mais je recommande de ne pas le rendre trop grand. Ici, j'ai ce rectangle coupé dans le papier, et maintenant je vais couper une limite carrée autour d'elle pour me débarrasser d'une partie de l'excès. Vous pouvez enregistrer cet excédent de papier pour les croquis futurs. Maintenant, j'ai un viseur. Cet outil regardant le monde à travers une caméra. Commencez à tenir votre viseur à bout de bras et regardez autour de la pièce dans laquelle vous vous trouvez actuellement. Réglez sur un sujet et regardez-le à travers cet outil. Déplacez le viseur vers la gauche, droite, vers le haut et vers le bas pour capturer différentes parties de ce sujet. Remarquez comment ce sujet que vous observez peut remplir le rectangle de différentes manières. Avec cet exercice, vous pouvez observer de nombreuses compositions différentes autour de vous qui peuvent servir d'opportunités d'apprentissage et d'inspiration pour vos illustrations. Transportez donc votre viseur dans votre maison et pratiquez-vous à regarder à travers différents sujets. Emportez-le avec vous lors d'une promenade pour voir des sujets naturels avec une nouvelle perspective. Il suffit de prendre note de la façon dont ces différents sujets remplissent le viseur et déplacent votre œil à travers le rectangle. Remarquez quels instantanés créent des compositions captivantes pleines d'intérêts et qui tombent à plat. Il vous suffit de noter ces observations dans votre carnet de croquis pour faire référence au fur et à mesure que nous plongons dans d'autres exercices. Dans la leçon suivante, nous allons discuter de mes principaux conseils pour commencer à construire votre composition. 9. Conseils pour créer une composition: Nous sommes sur le point de plonger avec du stylo et du papier dans le prochain exercice, mais je veux partager quelques conseils qui peuvent vous aider à jeter les bases de la construction de cette composition. Bien que la couleur joue un grand rôle dans la construction d'une composition, c'est un sujet qui nécessite totalement sa propre classe, donc je recommande pour les besoins de cette classe particulière, suffit de coller au dessin au trait et ne vous inquiétez pas de la couleur pour l'instant. Si vous voulez en savoir plus sur le dessin au trait, vous pouvez visiter ma classe, Comment dessiner : ligne d'apprentissage et aussi la classe Botanical Line Drawing de Peggy Dean. Les dessins au trait sont un excellent point de départ, car vous pouvez construire votre dessin à partir de cette étape fondamentale. Pour chaque dessin que je crée, j'aime construire les éléments un par un. Par exemple, plutôt que de dessiner des lignes et d'ajouter ombrage, puis de dessiner plus de lignes puis d'ajouter de la couleur, je travaille généralement de façon assez systématique, commençant par des dessins au trait simples, puis en explorant où la valeur, contraste et la couleur peuvent être ajoutés. Je vous recommande de construire vos dessins et illustrations une étape à la fois. C' est pourquoi j'ai divisé cette façon de dessiner une série en trois classes en plongeant dans la ligne, la composition et la couleur. Juste un conseil pro, un aperçu rapide de mon processus, dont vous pourriez vouloir saisir des morceaux de. On dirait ça. Un, choisissez votre sujet. Habituellement, cela pour moi est, quand je vois un très beau légume frais de ma ferme partenaire ou pendant que je cuisine de la nourriture. Numéro 2 est saisir mon stylo prismacolor et faire quelques dessins au trait du sujet dans mon carnet de croquis. Numéro 3 est, pour réfléchir sur ces croquis initiaux. J' aime les mettre en place, recul, plisser le papier, prendre un moment avec les dessins initiaux pour réfléchir à la façon dont je peux les rendre plus intéressants, plus abstraits, plus simples. Ensuite, je commence à placer les sujets sur un nouveau morceau de papier vierge, dans une composition en utilisant uniquement ces dessins au trait. Parfois, si je suis content de ce tracé, je m'arrête là. D' autres fois, je vais commencer à remplir certaines zones avec de l'encre pour créer un contraste ou je vais passer à la sélection et l'application des couleurs. C' est comme ça que je travaille sur le papier. Lorsque je travaille numériquement, je scanne ces esquisses initiales dans Adobe Illustrator et je les vectorise, puis je commence à jouer avec la composition et la couleur. Je vous expliquerai tout ça plus tard dans ce cours. Pensez d'abord à votre sujet, à inclure dans votre dessin et à la quantité de détails que vous comptez incorporer. Lorsque vous observez votre sujet avant de dessiner, considérez les détails qui pourraient être éliminés au besoin et ceux que vous jugez essentiels à l'œuvre. Ensuite, considérez le message ou le sens que vous souhaitez transmettre, pensez s'il s'agit d'un sentiment spécifique que vous voulez montrer avec l'œuvre. Considérez les éléments de composition que vous pourriez utiliser pour faire passer ce point, ou peut-être que vous travaillez sur un modèle abstrait, et dans ce cas, voulez-vous qu'il se sente calme, occupé, mystérieux ? Considérez votre message et comment vous pouvez utiliser la boîte à outils que vous avez créée pour le partager. Nous avons dit que les frontières étaient un élément très important de la composition. J' aime toujours me donner une limite fixe pour travailler quand je commence, que ce soit les bords de mon papier ou une forme que je dessine dans mon papier. Toute bordure que vous choisissez vous donne un point de départ et aide à la mise en page. Vous pouvez commencer avec seulement des éléments, mais alors il se sent un peu comme flottant dans l'espace. Les limites qui sont typiques pour moi de choisir de commencer sont, un morceau de papier de 8 sur 10 pouces, un carré de 8 sur 8 pouces, ou un carré de 10 sur 10 pouces. Parce que ce sont toutes les tailles d'impression d'art typiques que j'utilise qui pourraient être encadrées. Vous pouvez également choisir un cadre funky plus atypique, comme une forme ovale ou abstraite. Pratiquez les deux tout au long des leçons de cette classe. Nous avons une base solide, et il est temps de mettre le stylo sur le papier. Nous allons dans le studio, prenez vos matériaux.. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à construire des compositions. 10. Composition de formes découpées: Cet exercice est un échauffement très utile pour créer et visualiser différentes compositions. Pour commencer, vous aurez besoin de vos ciseaux, du papier de construction, d'un bâton de colle et d'une feuille de papier blanc vierge. Pour commencer, dessinez une variété de formes abstraites sur votre papier de construction. Créez des formes de différentes tailles, créez des formes géométriques et organiques ou incurvées. Cela va être votre bibliothèque de formes pour commencer à construire vos compositions. Par exemple, j'ai créé cet assortiment de formes, je découpe des triangles de différentes tailles, des squiggles, des cercles, des formes incurvées qui me rappellent certaines plantes sous-marines. Lorsque votre assortiment est dessiné sur votre papier de construction, découpez chaque forme. Une fois que vous les avez coupées, commencez à les placer sur votre papier vierge, ne collez rien pour l' instant, jouez et expérimentez avec l'organisation de vos formes sur le papier de différentes manières. Cela vous donne beaucoup de flexibilité et de liberté pour voir ce qui coule et comment combiner les éléments pour créer un sentiment d'équilibre et d'harmonie. Commencez avec un élément et construisez à partir de là [MUSIC]]. Lorsque vous êtes satisfait de votre mise en page, vous pouvez commencer à coller vos formes sur votre papier. Wallah, tu as créé une composition. Prenez une photo ou scannez ceci dans la section du projet de classe afin que nous puissions voir votre processus en action. Dans la leçon suivante, nous allons utiliser le stylo et le papier pour créer une composition de motif. 11. Motifs intuitifs: Dans cette leçon, nous allons faire une composition de motifs intuitive. Qu' est-ce que je veux dire par là ? C' est un outil vraiment utile pour commencer la pratique parce qu'il vous sort de votre tête et vous aide à faire confiance à la conversation entre votre cœur et votre main. Plutôt que d'y aller avec un plan défini, nous allons construire la composition un élément à la fois. Pour commencer, dessinez une forme irrégulière abstraite sur une feuille de papier blanc vierge. C' est ta limite. Maintenant, commencez à remplir cette limite avec une variété de formes. Vous pouvez commencer au centre ou vous pouvez commencer au bord. Dans cette limite, c'est une limite abstraite, je vais commencer ici à gauche et je vais juste commencer à imiter et à refléter les lignes que je vois déjà comme un point de départ. Ces lignes initiales peuvent vraiment guider où votre motif irrégulier, votre motif intuitif va aller. Il s'agit juste de construire les formes intuitivement. Je ne pense pas trop à chaque étape, je laisse juste ma main, mon œil, mon cerveau, mon cœur guider la prochaine forme. Je laisse un peu d'espace entre ces lignes, mais tous nos modèles vont être différents. Mais c'est un puzzle amusant. Les formes commencent à s'intégrer les unes aux autres. Ne vous inquiétez pas que ce soit parfait. Joue juste. Maintenant, une fois que vous avez rempli cet espace avec votre motif, vous pouvez commencer à ajouter un peu de contraste avec les valeurs. Je vais utiliser ce marqueur de pointe ciselée parce qu'il est plus épais et il y a beaucoup de contrôle ici pour remplir certaines formes. Je vais commencer à remplir intuitivement certaines zones. Ici, j'aime ce qui se passe entre ces deux formes. Comme ils sont près de toucher, mais pas tout à fait. J' aime l'alternance entre l'obscurité et la lumière ici. Maintenant, je regarde ces cercles et je vais commencer à remplir certains d'entre eux. Je pense vraiment en passant par ça, au début, j'ai pensé que je ferais tous les autres, mais je veux les faire tous parce que je veux qu'ils remplissent comme s' il y avait une base solide ou une solide base à cette pièce. J' ai l'impression que le poids de ce contraste, cette valeur plus sombre ramène l'œil vers le bas. Ce n'est pas seulement flottant ici dans toutes ces formes, il donne un peu de racine à tout, mais je ne veux pas le remplir dans le carré, je veux le contraste entre les deux. Vous pouvez commencer à remplir ou même épaissir certaines des lignes que vous avez faites. C' est une excellente façon d'ajouter du contraste à. Vous pouvez commencer à remplir certaines zones pour ajouter plus d'intrigue et les différences de valeur pour plus d'intérêt visuellement dans la composition. J' aime ça. En regardant cela et en regardant votre propre pièce, vous pouvez commencer à vous demander si elle est déséquilibrée ? Y a-t-il un autre domaine que je peux ajouter aussi un peu de contraste pour le rendre plus déséquilibré ? Je vois qu'il y a beaucoup de poids à voir ici. Ce que cela signifie pour moi, c'est que je veux voir s'il est contrecarré ici et c'est un peu avec ces cercles inférieurs. Mais alors je regarde, puis-je ajouter un peu de poids, peut-être même au contour de la forme qui n'est pas hors limites ? J' aime ça. Maintenant, j'ai l'impression qu'il y a plus d'équilibre dans tout le modèle. Dans la leçon suivante, nous allons plonger plus profondément dans la pratique de certaines des règles de composition dont nous avons discuté plus tôt dans cette classe. 12. Organiser une composition abstraite: Pour cet exercice, vous utiliserez une sélection de formes fournies que je vais vous donner pour construire une composition abstraite. Il s'agit d'une bonne pratique de se concentrer sur la façon d'équilibrer les éléments d'une composition sans les décisions supplémentaires d' sujet réaliste ou d'une signification spécifique d'une œuvre d'art. Voici les éléments que nous utilisons dans cet exercice. Vous avez la possibilité de choisir les éléments que vous dessinez sur votre papier et que vous omettez. Vous pouvez également répéter certaines des formes. Par exemple, je pourrais choisir d'utiliser la petite fibre carrée 10 fois dans l'illustration et exclure la majorité des autres formes. Ceci est vraiment un choisir votre propre exercice d'aventure, travaillant avec les formes fournies. Une grande partie des compositions de construction est une prise de décision créative. Avec chaque composition que vous créez, essayez de nouvelles approches et de nouvelles avenues pour trouver différentes façons de créer ce fort sentiment d'équilibre et d'harmonie. Pour commencer, prenez une feuille vierge de papier blanc, un crayon, un stylo et une règle. Nous allons commencer par appliquer la règle des tiers dont nous avons parlé plus tôt. J' ai coupé mon papier à une taille de six sur neuf pouces, mais cela fonctionnera avec n'importe quelle taille que vous utilisez. Les distances peuvent être des nombres différents de ceux de cet exemple. Pour commencer, je veux diviser la hauteur et la largeur de mon papier par trois. Donc pour le côté neuf pouces de ma page, je vais faire une marque à trois pouces et une autre marque six pouces. Pour le côté 6 pouces de ma page, je vais faire une marque de 2 et 4 pouces. Maintenant, je vais connecter ces lignes à travers la page très légèrement avec mon crayon afin que je puisse les effacer plus tard en utilisant ma règle. Maintenant, j'ai la règle des tiers grille. Comme nous l'avons discuté, si je suis cette règle, alors je vais placer l'une de mes formes principales, disons, ce grand cercle à l'intersection de ces lignes plutôt que directement au centre de la page. Ensuite, j'utiliserai ces lignes pour guider le placement de mes autres éléments également. Je peux commencer à utiliser ces lignes comme guide pour placer les formes en relation les unes avec les autres. Ensuite, quand je suis satisfait du placement, je peux effacer les lignes et parce que nous utilisons un stylo, les formes resteront. Ici, je viens de suivre cette ligne de gauche sur la règle des tiers pour aligner ces éléments ensemble. Cela peut être vraiment utile juste pour garder tout sur une trajectoire linéaire, et ceux-ci contrebalancent ce cercle qui est ici à la section transversale de ces lignes. Je ne veux rien mettre directement sous ce cercle, car alors j'ai l'impression que ce sera trop uniforme, mais je vais continuer à placer des cercles plus petits à partir de ces exemples en haut de cette ligne. Donc maintenant, l'œil suit ce chemin linéaire, et puis je pense ici pour suivre la ligne hors de la page, et je vais jouer avec l'allongement de certains des carrés en rectangles. Je pourrais continuer à jouer hors de cette grille, bien sûr vous pouvez remplir l'espace entre la grille, n'est qu'un point de départ pour aller de l'avant dans votre dessin et l'aménagement des choses. Une fois que j'étais satisfait de la composition globale, maintenant je me sens comme il est trop pondéré ici, donc ce qui pourrait équilibrer cela ici est de remplir le cercle, donner que plus de poids visuel ou ajouter quelques petits cercles autour de ce plus grand cercle. Parce que ça commence à refléter les cercles ici, donc il y a un peu plus d'équilibre. Cela me semble un peu trop chaotique pour mes préférences personnelles, mais encore une fois, c'est juste de l'expérimentation, apprendre ce qui fonctionne, ce que vous aimez, et comment créer un équilibre dans cette composition. Une fois que je suis satisfait du placement de mes éléments, je peux effacer les lignes comme si elles n'étaient jamais là. Maintenant, c'est ton tour. Commencez à placer les éléments de cet assortiment dans la grille que vous avez créée. Lorsque vous êtes satisfait de la mise en page, effacez les lignes de la grille du crayon et prenez une photo ou une numérisation de votre dessin pour le télécharger dans la section du projet de classe à la fin de cette classe. Super boulot, mais j'ai un petit secret à partager avec toi. Honnêtement, je ne dessine jamais la règle des troisièmes lignes sur mon papier. Personnellement, je préfère construire des compositions plus intuitivement, mais je voulais partager cette technique parce que cela peut être une aide visuelle très utile pour commencer, et cela peut aussi aider si vous vous sentez coincé au milieu de l'artisanat et et besoin d'une orientation sur la prochaine étape à franchir. Alors prenons une autre feuille de papier vierge, n'importe quelle taille. En utilisant les mêmes formes de ce regroupement, nous allons construire une composition sans ces lignes de grille. Selon votre approche de la création artistique, cela peut ressembler un peu à sauter dans les profondeurs sans avoir le sens de l'orientation, mais voici quelques points utiles à considérer pour un peu de plan avant de plonger complètement. Quel est votre sujet principal ? Bien que nous utilisons des formes abstraites, pensez à quelle forme vous voulez être le point focal. C' est la forme à laquelle vous voulez attirer le plus d'attention dans votre travail. Par exemple, lorsque je regarde ces options, je pourrais choisir à nouveau le grand cercle pour être le point focal de mon dessin. Comment utiliserez-vous les éléments de soutien pour attirer l'attention sur le point focal ? Je pense à créer un sentiment de répétition en utilisant les petits cercles pour conduire au plus grand cercle, ou en entourant le bord du grand cercle avec les cercles plus petits. Non seulement cette place met l'accent sur le sujet principal, mais elle crée également ce sentiment de contraste en utilisant des différences de taille. Votre choix d'éléments peut servir à plusieurs fins dans la construction de cette composition. Comment choisirez-vous de recadrer votre composition ? Le recadrage est lié à la frontière, qui est un élément incroyablement important d'équilibre et d'harmonie convaincants. recadrage est la façon dont vous choisissez de placer l'illustration à l'intérieur de sa limite. Alors choisirez-vous de couper des parties du sujet ? Ici, je choisis de commencer, encore une fois, pas de lignes de grille, je choisis de commencer par un grand cercle qui est coupé à mi-chemin par la page. Donc, cela amène déjà l'œil, et puis je pense à conduire l'œil à travers la page avec quelques éléments répétitifs, certains des petits cercles. Ils n'ont pas à être dans la ligne exacte. C' est juste enroulement dans une forme incurvée tout au long de la page. Alors maintenant que je peux suivre de ce coin en bas jusqu'à ce demi-cercle qui se passe. Maintenant, quelque chose que vous pouvez commencer à jouer avec est similaire à l'exercice de modèle intuitif que nous avons fait. Je peux dessiner des demi-cercles plus petits à l'intérieur de cette limite principale. Alors, quelle est la prochaine étape ? C' était la bonne chose à faire. Alors maintenant je l'ai, et puis vous pouvez aussi jouer avec tourner votre sujet. Ici, j'aime vraiment cet arrangement un peu mieux, et pour créer plus d'équilibre, je vais ajouter des cercles de chaque côté. Maintenant, il y a un peu d'équilibre symétrique juste ici, puis il monte ici, et il sort de l'équilibre symétrique et juste souvent au coin. J' aime ce qui se passe là-bas, et vous pouvez simplement continuer à tourner votre page et cela peut aider à informer la composition. Vous pouvez voir avec cet exemple que les éléments mènent l'œil hors de la page dans deux directions. Mais si nous devions retourner cela et contenir tout ce qui se trouve dans cet espace, cela aurait un effet totalement différent de la façon dont notre œil se déplace visuellement à travers l'œuvre. Par exemple, si ce grand cercle se produit juste ici et n'a pas été coupé, alors plutôt que de déplacer l'œil avec les cercles vers le coin, il crée quand même un mouvement vers le cercle principal, ce point focal, mais c'est un motif géométrique de cercles que celui fluide que nous regardions. Ceci est d'informer maintenant différentes décisions. Puisque nous restons dans la limite de la page, je commence à penser à comment, maintenant j'aurais pu utiliser une règle pour cela, mais pensez à comment les lignes pourraient ajouter un sentiment de symétrie ici. Encore une fois, vous pouvez jouer avec tourner votre papier dans différentes directions pour voir comment cela affecte l'œil, mais vous pouvez voir ici que c'est une pièce plus contenue dans la limite, pas courir hors de la page, donc notre oeil se déplace juste entre les éléments plutôt que de s'enfuir et de revenir sur. Comme vous pouvez le voir avec ces exemples, les deux options mènent à des œuvres d'art entièrement différentes qui déplacent votre regard sur la page de manière totalement différente. Les deux exemples fonctionnent, mais ils fonctionnent très différemment. Donc, expérimentez avec vos éléments en cours d'exécution hors de la page et en restant contenus. Voyez ce que vous préférez. Votre préférence changera probablement en fonction du sujet et du message que vous souhaitez transmettre. Une autre question clé à considérer en pensant à votre composition est la  : comment allez-vous créer un équilibre en utilisant différents modes de contraste ? Dans cet exemple, j'ai déjà utilisé un moment de contraste avec la taille, les grands et petits cercles et la valeur pour créer un contraste, remplissant certaines de ces formes et en laissant certaines vides. Pour le contraste, pensez à si vous voulez équilibrer les formes géométriques et organiques, l'espace positif et négatif, les petites et grandes formes. Pensez à la façon dont vous pouvez créer un certain oomph visuel en augmentant la tension entre ces différents éléments. Très bien, un travail génial. Prenez une photo ou numérisez votre image pour la télécharger avec votre projet de classe. Dans la leçon suivante, nous allons parler de la façon de construire un motif sur papier en utilisant les éléments de composition. 13. Concevoir un motif: Dans cette leçon, nous allons créer un autre modèle. Mais plutôt que de l'aborder à partir d'une pratique intuitive comme nous l'avons fait auparavant, nous allons passer par une planification préliminaire en utilisant les éléments de composition. Dans cet exercice, nous allons utiliser la même sélection de formes de la dernière leçon pour construire une composition à motifs. Donc, plutôt que d'avoir un point focal singulier qui est soutenu par de nombreux éléments, nous créons un motif qui répète sa conception pour créer un sentiment de continuité et de flux entre les éléments. Lorsque les motifs sont imprimés sous forme de répétitions sur du tissu ou du papier peint, par exemple, l'œil continue généralement de se déplacer sur l'ensemble du dessin plutôt que de se concentrer sur un point unique. Prenez un moment pour rechercher tous les motifs dans votre environnement immédiat. Il peut s'agir d'une couverture, d'un coussin de canapé, d'une carte de vœux ou d'une tasse à café. Le motif peut même être la spirale d'une fleur à l'extérieur de votre fenêtre ou la répétition de lames d'herbe. Les motifs sont tout autour quand nous ralentissons et prenons le temps de regarder. Commençons à faire notre propre modèle. Pour cet exercice, prenez une feuille de papier vierge, sélectionnez seulement trois éléments de cet assortiment de formes que nous utilisons. La sélection d'un nombre limité de formes peut apporter des solutions plus créatives à l'exercice, tout en apprivoisant l'écrasement d'essayer d'incorporer trop de détails, revenant à la simplification et à la simplicité. Maintenant, je vais les dessiner sur papier, commençant par le grand carré. Dans ma tête, je commence à planifier de répéter cela à travers la page en diagonale. Ce sera mon premier pas de guide. Maintenant, je pense à la façon d'intégrer les éléments de composition dont nous avons discuté dans ce modèle. A savoir, je pense à la façon de créer un contraste ainsi que de créer suffisamment d'espace négatif pour que ce modèle ne commence pas à se sentir écrasant et occupé. Je veux aussi créer suffisamment de mouvement et de rythme entre les formes pour garder le motif intéressant. Pour plus de contraste, je pourrais remplir certaines formes pour les rendre plus foncées. Je vais également utiliser des cercles plus petits pour contraster ces grands carrés. Pour le mouvement et le rythme, les grands carrés répétitifs conduiront l'œil à travers le papier et serviront d'ancrage de la pièce. Bien qu'il n'y ait pas un carré singulier un point focal parce qu'il est la forme dominante en termes de taille, il attirera probablement le plus l'attention et sera soutenu par les deux autres éléments. D' après mon plan initial, c'est ce qui a fini par arriver, et pour être franc, je ne suis pas content de ça. Même si j'ai cette idée des grandes places tombent sur une diagonale qui sert encore d'ancre, surtout si elles ont été remplies, ce qui a fini par arriver, c'est que ça se sent un peu chaotique et occupé. J' essayais de remplir certains de ces espaces négatifs qui se formaient, mais ils étaient juste un peu de formes et de tailles maladroites. J' essayais donc de les remplir avec ces lignes ajoutées, tout en créant un mouvement avec les cercles. Les choses que je pense travailler pour cette composition sont le contraste entre les carrés géométriques rigides et les cercles et les squiggles, ainsi que le sens du mouvement des cercles, équilibrant ces diagonales, mouvement rigide des carrés. Ce que je ne pense pas qui fonctionne bien avec cette composition sont ces lignes aléatoires. Les choses ont commencé à se sentir trop occupé et il se sent un peu juste au hasard de la façon dont elles sont placées. Je serais donc plus intentionnel à mesurer cela la prochaine fois. Mais c'est un bon moyen de simplement expérimenter avec le modèle répété et une façon plus planifiée que disons, la pratique intuitive que nous avons faite plus tôt. Avec cette information de ce que j'ai aimé et n'ai pas aimé avec le dernier motif plus serré, j'ai créé un nouveau modèle. Ce que j'ai gardé en termes d'éléments sont les carrés diagonaux comme point d'ancrage. J' ai aussi gardé le contraste avec les formes plus organiques des cercles, puis j'ai aussi augmenté le contraste en remplissant ces cercles. C' est une répétition beaucoup plus rythmique parce que c'est presque comme si on pouvait dire 1, 2, 3, 4, ou 1 et 2 et 3 et 4. Il y a plus de cette force motrice que l'exemple précédent qui se sentait un peu plus sauvage, plus chaotique et un peu plus dispersé. Je cherchais quelque chose qui avait plus sur la sensation de motif rythmique. Je pourrais continuer à jouer avec ça. Mais c'est la chose à propos de la composition, c'est quand vous en faites une, vous pouvez apprendre beaucoup d'informations, ce que vous aimez, ce que vous n'aimez pas, et porter cela dans la prochaine itération. La composition est tout au sujet de l'itération. Il s'agit d'essayer à nouveau. C' est la prochaine version, et je pourrais le pousser dans une autre version. Mais maintenant, je veux que vous preniez un tour et que vous fassiez ça vous-même. Il est temps pour vous de construire votre modèle. Téléchargez une photo ou une numérisation de votre création dans le cadre de votre projet de classe afin que je puisse voir votre processus. Dans les leçons précédentes, nous avons exploré comment construire des compositions en utilisant plusieurs sujets. Dans la leçon suivante, nous allons plonger dans un exercice pour construire une composition en utilisant une seule. 14. Exercice sur les miniatures: Cet exercice est bénéfique lorsque l'on regarde comment rendre la composition d'un seul sujet, convaincante et intéressante. Cela nous donne un moyen de sortir nos cerveaux de leur façon traditionnelle de voir, de commencer à créer de nouvelles connexions visuelles et des œuvres d'art créatives. Une grande partie du dessin est de ralentir pour vraiment observer l'objet devant vous. Comme je l'ai dit plus tôt, il est facile de penser que nous connaissons des sujets que nous pouvons voir tous les jours : un arbre, une feuille, une bouilloire à thé, un morceau de nourriture. Mais quand nous nous arrêtons pour observer le sujet plus en détail, même pour une minute complète d'observation ininterrompue, nous pouvons commencer à trouver plus de moments de beauté et d'inspiration. Cet exercice porte moins sur le processus décisionnel que nous avons pratiqué. Au lieu de cela, une fois que vous faites un choix initial avec cet exercice, le reste de la composition tombera en place. Nous allons plonger, prendre une feuille de papier vierge, votre stylo et un ingrédient de votre cuisine que vous aimeriez peut-être inclure dans votre projet final de classe couverte de livre de cuisine. Une fois que vous aurez rassemblé votre matériel et votre sujet, je veux que vous dessiniez trois rectangles de différentes tailles sur votre papier. Vous pouvez également placer ces rectangles sous différents angles si vous le souhaitez. Maintenant, repensez à l'exercice plus tôt dans cette classe quand nous avons créé des viseurs de poche. Je veux que vous agissiez comme si chacun de ces rectangles que vous venez de dessiner sur votre papier était un viseur que vous pourriez regarder à travers, pour voir votre sujet d'une nouvelle façon. En fait, pour une aide visuelle supplémentaire, vous pouvez également utiliser le viseur que vous avez fait plus tôt ici. Je commence par le premier rectangle sur ma page et j'agis comme si je pouvais le voir à travers mon sujet. Le premier et à peu près le seul choix que je fais est de choisir la partie de mon sujet sur laquelle je veux me concentrer à travers cette limite. Plutôt que d'essayer d'intégrer le sujet entier dans le rectangle, je suis juste en train d'affiner sur une partie. Pour cet exemple, je choisis cette partie de mon sujet. Maintenant, je dessine exactement ce que je vois dans cette section du rectangle. Tout le reste est découpé ou coupé. Encore une fois, je n'ombrage rien en ce moment, ne pas ajouter de valeur ou de contraste. Je ne prends pas vraiment d'autres décisions de composition non plus parce que j'ai déjà recadré sur le sujet, qui fait que ce sujet réaliste se transforme en quelque chose de plus abstrait. Je garde la règle de la simplicité à l'esprit. Je n'inclut pas tous les détails que je vois, juste ceux que je pense sont les plus puissants, essentiels, intéressants ou nécessaires. J' ai fini de dessiner par sujet dans ce premier rectangle. Maintenant, en utilisant exactement le même sujet que l'inspiration, je vais passer à mon deuxième rectangle et choisir une portion différente. Je choisis cette partie du sujet et je ne dessine que ce que je vois dans cet espace. Je vais faire le processus une troisième fois avec le troisième rectangle sur une troisième partie du sujet. Maintenant, j'ai trois versions différentes, ou compositions du même sujet exact. C'est génial ? Cet exercice peut être sans fin car vous pouvez créer 5,10 ou 20 rectangles et obtenir une composition différente du même sujet à chaque fois. Ce n'est pas nécessairement une limite de rectangle, vous pouvez faire un cercle ou vous pouvez faire une forme abstraite, mais vous pouvez le faire encore et encore pour regarder votre sujet de nouvelles façons. Lorsque vous vous sentez coincé, c'est une excellente façon de le secouer et de commencer à voir de nouveaux éléments dans vos dessins. Jetez un oeil à vos trois rectangles et commencez à vous poser quelques questions. Qu' est-ce que ce sujet commence à me rappeler d'autre ? Comment mon œil se déplace dans chacun de ces dessins ? Y a-t-il des endroits où je suis coincé ? Y a-t-il des endroits de contraste ou de tension visuelle ? Existe-t-il des zones où le contraste pourrait créer plus d'intérêt dans le dessin ? Y a-t-il des endroits où mon œil se déplace très doucement et continuellement tout au long du dessin ? Pensez aux éléments de composition dont nous avons discuté tout au long de cette classe, et voyez si vous pouvez les trouver dans ces illustrations. Ceux-ci peuvent inclure : la répétition, le mouvement, le point focal, la taille , bien sûr l'équilibre, que ce soit symétrique, asymétrique ou radial. Posez-vous ces questions en regardant les trois rectangles et prenez note si vous pensez que l'un des trois fonctionne mieux que le reste en termes d'harmonie, d'unité et de beauté. Quand je regarde ces vignettes de roquette, celle-ci au milieu, ça commence à me rappeler les oiseaux sur un membre d'arbre, partie à cause de la façon dont j'ai ajouté des valeurs différentes, donc celles-ci commencent à ressembler à des ombres ou à des formes abstraites. d'oiseaux peut-être sur ce membre d'arbre. Celui-ci commence à me rappeler un canyon ou une vallée qui regarde vers le bas dans la Terre. Il peut aussi faire partie d'un bâton ou d'une branche qui sort peut-être d'un arbre coupé ou découpé de cette partie du dessin. Celui-ci ne me rappelle rien et peut-être que vous l'avez regardé, vous vous rappelez quelque chose. Mais je commence à imaginer si cela a été recadré encore plus comme s'il y avait une ligne ici, donc je tiens ma main jusqu'à l'écran, couvrant le haut de ce rectangle juste pour voir si cela commence à me rappeler quelque chose. Peut-être une autre plante ou un autre arbre, mais il n'appelle rien immédiatement. Ces deux-là me rappellent d'autres associations. C' est là que cet exercice peut vraiment vous permettre d'entrer dans le monde de l'art abstrait. C' est un endroit vraiment amusant à être parce qu'il peut commencer à nous ouvrir à voir toutes ces associations différentes avec l'œuvre d'art qui pourrait ne pas être le sujet réel, mais cela nous donne plus d'occasion de se connecter sur un , et commencer à imaginer choses différentes et à établir des liens émotionnels différents avec l'œuvre en tant que spectateur, et avec l'œuvre en tant que créatrice. C' est un très grand exercice pour nous sortir de ce réalisme et de cette réalité du monde, entrer dans des formes et des lignes, sentir et expérimenter avec l'abstraction. C' est vraiment génial dans cet exercice. Ces trois, je dirais que celui-là droite, est en fait le plus réussi. Cela dépendra vraiment de vos préférences de style et de ce que vous gravitez avec les œuvres d'art. Vous pourriez être en désaccord avec moi ici ou vous pourriez être d'accord avec moi ici. Mais la raison pour laquelle je choisis celle-ci comme la composition la plus réussie, c'est parce que je suis vraiment attirée par l'art minimal. J' aime l'art qui a de la place pour respirer. J' aime l'art qui est plat et simple. Ce que je veux dire par plat, c'est que, cette ligne qui est épaisse et remplie, c'est presque comme si elle poussait vers le haut contre le papier. n'y a pas de sens de la profondeur. C' est vraiment plat et de couleur, il n'y a pas de ton moyen, c'est juste un noir riche. Mais en même temps, quelque chose de plat, une illustration plate, peut aussi être une invitation à entrer dans l'œuvre. Il y a cette poussée entre la planéité et la profondeur. Nous pouvons le voir parce que cette forme pousse vers nous, et en même temps je veux plonger dans cette fente. Je veux entrer dans cette fissure dans un rocher. Ça ressemble à quelque chose que je pourrais peut-être entrer et explorer, et pourtant ça me pousse aussi, donc c'est une sorte de poussée. J' ai l'impression que cela crée une très grande tension visuelle et intrigue dans une œuvre d'art. J' aime aussi combien d'espace négatif il y a, cela donne tellement de place à respirer pour l'œil, et ça me fait me sentir vraiment calme. J' aime comment il y a une symétrie qui se passe, comment cela se termine au milieu de ce rectangle, et soudain c'est comme si vous pouviez plier ce rectangle en deux. Ce n'est pas de symétrie dans le sens d'une image miroir, mais il y a un sentiment d'équilibre parce qu'il est presque à mi-chemin du cadre. Si vous aimez ça, donne un bel équilibre aussi. J' aime aussi penser à la façon dont vous pourriez tourner ce rectangle spécifique dans des directions différentes, voir à quoi cela pourrait ressembler, et expérimenter avec comment cela pourrait donner un effet visuel différent. Lorsque vous regardez vos compositions, vos trois rectangles, pensez à ce que vous choisiriez comme le plus réussi et pourquoi. Je n'en ferais pas nécessairement une impression d'art ou quoi que ce soit, mais me demander pourquoi je pense que c'est le plus réussi peut guider ma future œuvre d'art, et ma prise de décision future dans les compositions. Ce que j'ai répondu, c'est l'espace négatif, la simplicité, le sens de l'équilibre, la planéité. Toutes ces caractéristiques sont des choses que je peux incorporer dans une future illustration, une future impression ou un futur modèle. C' est une très bonne question à poser car elle peut guider la création future et les moments créatifs afin que nous puissions continuer à améliorer nos compositions et puiser dans le style que nous aimons vraiment et que nous voulons partager avec le monde. Dans la leçon suivante, nous allons découvrir comment créer une composition numériquement à l'aide d'Adobe Illustrator. 15. Impression d'art numérique: Pour cette partie de la classe, nous allons construire des compositions numériquement. L' avantage de créer des compositions dans un logiciel numérique comme Adobe Illustrator est que vous pouvez expérimenter avec de nombreuses mises en page différentes pour voir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas sans vous engager sur papier trop tôt comme nous pouvons le faire lors de l'expérimentation avec une épingle. Les approches analogiques et numériques de l'illustration ont leurs avantages et leurs inconvénients. Mais l'approche numérique peut être incroyablement utile pour expérimenter et en apprendre davantage sur la façon de construire des compositions convaincantes. Pour commencer, nous allons nous entraîner à construire une composition avec une estampe d'art traditionnelle. Mettons en place notre espace de documents. J' aime généralement utiliser une taille de 8 sur 10 pouces ou une taille de 11 sur 14 pouces parce que sont des tailles de cadre typiques si je dois vendre une impression à encadrer à l'avenir. Pour cet exemple, je vais configurer le document en tant que document 8 par 10. Je vais garder le mode couleur comme RVB puisque nous travaillons sur l'écran et ceux-ci seront présentés numériquement dans la section des projets de classe. Si je devais imprimer cette couverture de livre de cuisine à la maison, je voudrais que le document soit en CMJN, mais pour l'instant, RVB fonctionne. Sur une autre note si vous travaillez avec une société d'impression à la demande que je fais actuellement pour la plupart de mes impressions, parfois leur besoin pour les fichiers est RVB. Si je devais vendre cette impression par l'intermédiaire de l'entreprise avec laquelle je travaille, je voudrais quand même utiliser le mode couleur RVB. Pour plus d'informations sur la façon de commencer à vendre vos œuvres en ligne avec l'impression à la demande. Vous pouvez rendre visite à ma classe, jeter l'inventaire. Comment utiliser l'impression à la demande pour vendre vos œuvres et lancer votre carrière créative. Maintenant, je vais m'assurer que ce document est à 300 DPI et je vais cliquer sur « OK ». Au lieu de construire une composition abstraite en utilisant l'assortiment de formes que nous avons fait précédemment, nous allons utiliser des dessins basés sur des sujets réels. Puisque notre projet final de classe est une couverture illustrée de livre de cuisine, j'utilise différentes illustrations alimentaires dans cet exemple. Vous pouvez créer vos propres illustrations ou télécharger le fichier de ces dessins que j'ai inclus dans la section Projets et ressources. Vous pouvez télécharger ces exemples et les ouvrir dans Adobe Illustrator pour les suivre. Ces illustrations ne sont utilisées qu'aux fins du présent exercice et ne peuvent pas être utilisées en dehors de cette catégorie. Une fois que vous avez téléchargé le document image fourni ou numérisé dans vos propres dessins, vous pouvez placer le fichier dans Illustrator en accédant à File Place et en trouvant le fichier. Ou vous pouvez utiliser le raccourci, Commande Maj P. J'ai copié ces illustrations à partir un autre document Illustrator sur lequel je travaille pour un projet personnel. Ceux-ci sont déjà tracés dans Adobe Illustrator, mais si vous numérisez vos dessins d'origine ou vous copiez et les dessins JPEG que j'ai fournis, vous devrez effectuer une trace d'image pour travailler avec dans l'espace Illustrator. Si vous êtes intéressé à apprendre comment faire cela, vous pouvez aller suivre ma courte classe intitulée Dessin numérique : Comment transformer votre croquis en vecteur. » Mais ceux-ci sont déjà vectorisés, donc nous pouvons commencer à les utiliser tout de suite. Comme lorsque nous travaillions sur le papier, vous pouvez venir ici à la barre Formes et sélectionner un outil Segment de ligne et vous pouvez commencer à mettre des lignes pour la règle des tiers dont nous avons discuté si vous voulez qu'une grille fonctionne. Plutôt que de plonger dans ça, je vais commencer à jouer avec des placements tout seuls sans ces lignes et vous pouvez me regarder travailler. Avec cette étape juste là, quand j'ai allongé le flux de pétrole qui a vraiment aidé je pense, pour commencer à donner à l'espace plus d'une limite. Nous avons parlé de la limite de ce tableau d'art traditionnel ici est le rectangle. Mais même dans l'espace, vous pouvez créer une limite avec certains de vos éléments illustrés. Maintenant, nous avons ce flux qui se passe et bien que ceux-ci ne soient même pas sur le fond, l'œil se déplace de ce récipient d'huile d'olive autour du flux d'huile en bas. Nous pouvons commencer à réfléchir à ce qui pourrait être placé dans cet espace. Je vais jouer en copiant cet élément et en le rétrécir, en le plaçant en dehors de cette limite. Mais ça devient un peu maladroit quand il est plus petit. Faisons juste une touche plus petite et mets-le juste là. Mais, vous pouvez voir comment c'est vraiment une question d'expérimenter et de trouver ce qui fonctionne et ce qui clique et ce qui ne fonctionne pas et c'est beaucoup d'essais et d'erreurs et de réorganiser et de trouver quels éléments peuvent s'adapter ensemble et quels éléments vous devez laisser de côté. Parce que parfois ça peut être trop occupé. Une autre astuce que j'aime vraiment faire, je vais déplacer tous ces éléments ici vers la gauche. Voici votre icône de tableaux d'art, vous pouvez cliquer dessus, puis vous pouvez cliquer sur ce nouveau tableau d'art et simplement créer un peu plus. Vous pouvez en créer autant que vous le souhaitez. Je vais en créer deux de plus et puis je vais en fait sélectionner tous ces maintenez l' option et faites glisser le regroupement vers le bas. J' ai exactement les mêmes éléments avec lesquels travailler dans ces deux autres espaces de tableaux d'art. De cette façon, vous pouvez jouer avec différentes compositions et tester différentes idées plutôt que de simplement vous engager dans l'espace unique. Dans ce prochain, je vais laisser de côté l' huile d'olive et je vais jouer avec ces feuilles ramassées. Quand je les copie à nouveau ici parce que j'aime ces trois, mais je veux voir quels autres arrangements pourraient fonctionner. Celle-ci est sympa parce que c'est simple. Encore une fois, la couleur ajoute un énorme composant à la composition, mais en ce moment nous collons avec le noir et le blanc. Mais si je voulais ajouter un peu plus de contraste ici, je pourrais penser à remplir certains espaces avec du noir. ce moment, le contour est noir, mais si je remplis, en cliquant, je suis allé à la Remplir ici et j'ai cliqué en noir et puis je peux revenir sur le trait et cliquer sur « Pas de course ». Maintenant, c'est comme la silhouette de la feuille et je pourrais le faire ici. C' est la même chose ici et cela crée plus d'un sentiment de contraste. Je vais les annuler parce que j'aime le dessin au trait qui se passe. Je vais laisser ça comme c'est pour l'instant, mais vous pourriez répéter des tableaux d'art encore et encore pour jouer avec différentes compositions. Je vais apporter cette huile d'olive copiée dans cet espace. Encore une fois, j'aime vraiment la simplicité d'être juste la bouteille et l'huile. Mais si je devais jouer avec plus d'éléments de nourriture en cascade, ça pourrait être amusant aussi. Mais c'est trop occupé. Vous pouvez voir à nouveau, c'est vraiment un essai et une erreur. Mais ce que je suis vraiment attiré, c'est en fait, comme je l'ai dit, la simplicité ici et je pense à la couverture du livre de cuisine et potentiellement mettre le texte dans cet espace. Je sais que j'avais d'abord dit que j'allais incorporer certains éléments et ceux-ci pourraient ou non le faire dans la couverture finale. Mais vous pouvez voir ici que c'est une approche différente pour construire une impression d'art numériquement et vous pouvez vraiment expérimenter avec ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Ici, je n'aime pas ça parce que j'ai l'impression que ce coin manque quelque chose. J' ai l'impression que ça manque tout intérêt. Cela semble plus équilibré. C' est donc une meilleure composition dans mon esprit. Cela a beaucoup d'espace négatif vide agréable au milieu et a un mouvement autour des bords. J'aime ça. Vous pouvez vraiment jouer et comprendre quel arrangement des éléments fonctionne pour vous , puis les télécharger dans le projet de classe avec votre processus parce que je veux voir ce que vous travaillez. Pour ce faire, vous allez simplement dans Fichier, Exporter, et vous pouvez aller à Exporter sous, puis vous pouvez exporter comme ici sélectionner un JPEG. Vous pouvez sélectionner l'impression d'art, la composition comme titre, puis choisir d'utiliser des tableaux d'art et placer dans le tableau d'art que vous souhaitez exporter. Si c'est le numéro 1 ou le numéro 2. Vous devez simplement indiquer ce numéro ici, cliquez sur exporter, puis il serait enregistré à votre emplacement, puis vous pouvez télécharger ce fichier dans la section projet de classe afin que nous puissions voir votre processus. Dans la leçon suivante, nous nous entraînerons à faire une composition avec le motif numérique. 16. Motifs numériques: l'instar de la leçon précédente lorsque nous avons créé un motif répétitif sur papier, nous pouvons également créer des motifs répétitifs numériquement dans Adobe Illustrator. Illustrator est un outil puissant pour créer des motifs avec vos illustrations. Ces motifs peuvent être utilisés sur les produits, le tissu, papier peint, l'emballage cadeau, les cartes de vœux, la liste continue. Je vais vous guider à travers la façon de construire et de faire une composition de motifs très simple dans cette leçon, mais la création de modèles est un sujet avec des informations détaillées, donc pour creuser dans le sujet plus profond, je suggère fortement de visiter La page de partage des compétences de Bonnie Christine. Pour commencer cet exercice, ouvrez un nouveau document dans Illustrator. Je vais configurer ce document comme un carré cette fois, toujours RVB et encore 300 ppp. Maintenant, je vais utiliser les mêmes éléments que nous avons utilisés dans la dernière leçon. Je viens de les copier à partir de notre autre document en les sélectionnant tous, appuyant sur la commande C sur le Mac pour copier et en appuyant commande P ici dans le document de modèle à coller. Puisque j'ai déjà tracé ces illustrations dans l'autre document, elles sont prêtes à y aller. Maintenant, il est temps de jouer avec la composition. Encore une fois, puisque nous travaillons numériquement, nous pouvons jouer une expérience sans trop d'engagement à regarder tout de suite. Je vais faire des copies de ces éléments illustrés à avoir sur le côté droit de mon tableau d'art. Je vais aussi dupliquer mon tableau d'art quelques fois afin que nous puissions expérimenter avec différents arrangements à comparer, donc je vais attraper cette feuille verte moutarde ici. Je vais revenir à mon tableau d'art initial, et je vais l'agrandir pour le rendre un peu plus grand. Juste comme ça, et puis je maintiens la touche d'option sur le clavier Mac, et pendant que je maintiens l'option enfoncée, je peux faire glisser cette image sur, relâcher la touche d'option et la souris, puis je vais déposer un doublon droit là, et puis je peux juste cliquer sur les commandes D sur le clavier Mac pour faire exactement la même action à nouveau, donc je vais le faire. Maintenant, j'ai ces trois feuilles. Maintenant, je vais les sélectionner tous avec la souris, en maintenant l'option enfoncée, je vais les placer juste comme ça, donc je fais glisser l'option en maintenant la touche d'option et la souris, et je vais le dupliquer à nouveau. Ensuite, nous avons ces trois rangées de légumes verts de moutarde. Maintenant, je vais tout sélectionner parce que ça se rapproche un peu de ce bord gauche, et je vais juste l'arracher. Maintenant, pour faire un modèle, il y a une façon vraiment merveilleuse de le faire qui est vraiment en profondeur et je vais à nouveau vous diriger vers page de partage de compétences Bonnie Christine pour ce processus. Mais il existe une autre façon de le faire dans les nouvelles versions d'Illustrator, où vous pouvez accéder à Object, Pattern, Make. Mais d'abord, nous voulons sélectionner ceci, donc Object, Pattern, Make. Maintenant, ici, vous pouvez voir la largeur et la hauteur que vous pouvez regarder la grille. Cela a été ajouté au panneau Nuancier, et vous pouvez maintenant voir comment il se répète encore et encore. C' est un moyen vraiment basique de créer un motif répétitif. Vous pouvez voir comment ils sont à décimales, sorte que vous pouvez jouer avec les ramener à des nombres entiers neuf par neuf, et c'est juste espacé un peu. Maintenant, nous avons ce modèle répétitif qui se passe, puis si vous êtes satisfait, vous pouvez cliquer sur « Terminé » et maintenant c'est ici dans votre panneau de nuanciers. Pour tester ce modèle, je peux cliquer sur « M » sur mon clavier ou vous pouvez monter au rectangle pour faire un rectangle, et je vais juste faire glisser cela sur, puis je vais sélectionner le motif que nous venons de faire. Là, vous avez un motif répétitif très simple. Vous pouvez commencer à jouer avec différents éléments devenant une répétition, pensant toujours aux éléments de la composition. Dans cet exemple ici, nous avons un rythme très exact. Nous avons le même élément qui se répète encore et encore. C' est un peu intéressant, mais nous pourrions jouer avec l'espacement, et nous pourrions jouer avec ajouter plus de valeur en contraste. Dans une autre boîte ici, nous pourrions jouer avec l'ajout d'un autre élément complètement pour ajouter plus d'intérêt et d'intrigue. Par exemple, je pourrais faire glisser ça, et ensuite je vais faire glisser une feuille ici, et vous me regardez vraiment comme je travaille comme nous l'avons fait dans la dernière leçon parce que je veux vraiment marteler la maison que la composition est vraiment sur l'expérimentation. Ça ne va pas toujours tomber en place tout de suite. Certains travaux vont plus faciles que d'autres et d'autres viennent vraiment très intuitivement, très rapidement. D' autres, c'est beaucoup de frustration honnêtement et vraiment revenir à une pièce encore et encore, donc comme nous l'avons vu dans l'espace d'impression numérique, vous m'avez vraiment vu au travail essayer de comprendre comment ces éléments fonctionnent ensemble s'ils travaillent ensemble parfois, vous vous rendez compte que quelque chose fonctionne mieux à lui seul, comme la bouteille d'huile d'olive qu'avec un autre élément. Je veux juste être transparent à ce sujet et vous montrer que le processus n'est pas toujours parfait et qu'il s'agit vraiment de découvrir votre style et de pratiquer. Je vais continuer à jouer ici et plutôt que ces feuilles vont dans la même direction, je vais retourner celui-ci de cette façon, et je vais le rendre un peu plus grand que ces deux autres feuilles. Maintenant, je vais toujours m'en tenir aux feuilles comme sujet pour cela, mais je vais déplacer et copier certains d'entre eux à nouveau, avec cette touche d'option, je vais juste copier certains d'entre eux et les placer dans des directions différentes. Encore une fois, cet espace numérique est idéal pour expérimenter ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas. Je ne veux pas que cela juste à côté de lui-même à nouveau, mais ce que je vais faire, c'est que je vais réellement supprimer cela, je vais copier celui-ci et le mettre en miroir ici. ce moment, nous jouons avec un équilibre symétrique des éléments. Rappelez-vous, l'équilibre est une chose avec la composition, une composante très importante de la composition, et nous examinons cela maintenant. Il ne sera pas exactement mis en miroir, mais ce sera une référence à une image en miroir. Maintenant, je vais sélectionner tout cela et faire tourner tout et étendre tout juste un peu. C' est plus comme un motif jeté, il est plus dispersé, donc un motif dispersé qui n'est pas juste la même chose dans les lignes répétées est appelé généralement un motif jeté. Mais ici, je peux voir qu'il y a un peu plus à être en bas, et je veux qu'il soit réellement reflété, donc je vais aller à Transformer, Reflect. Vous pouvez voir dans l'aperçu, looks sont sélectionnés comme aperçu verticalement qu'il reflète juste la façon dont je voulais, et maintenant je vais faire pivoter un peu. On va les réduire en sélectionnant les deux en maintenant la touche Maj, mais vous savez quoi ? Je vais supprimer ceci et je vais supprimer ceci. Parce que c'est un processus, je vais maintenir l'option enfoncée et déplacer cette fois pour qu'elle reste dans la ligne, et puis je vais refléter cela verticalement. Je vais l'esquisser juste un peu de la feuille, et je vais faire la même chose ici, donc option, glisser, déplacer, donc il est verrouillé sur la même ligne que l'autre vert, et puis je vais le refléter encore une fois. Vous allez le pousser juste un peu, puis aller à l'option, glisser, déplacer, réfléchir. Cool. Mais maintenant, je vais tout sélectionner et faire tourner à nouveau dans l'autre sens. Encore une fois, vous pouvez voir ce processus, processus, processus. Cela a beaucoup plus d'espace négatif que le dernier, mais voyons juste ce qui se passe quand nous faisons cela en un modèle. Motif, faire. Il a été sauvé. Ici, vous pouvez voir que c'est un peu plus intéressant peut-être que l'autre modèle, mais encore une fois, je vais venir ici et changer ceci à neuf par huit et voir ce que cela fait, sorte que juste rétréci dans un peu. Vous pouvez modifier le nombre de copies que vous voyez, sorte que vous pouvez voir encore plus de copies en descendant ici. Vous pouvez réduire les copies afin que vous puissiez voir les dessins principaux encore, ou vous pouvez laisser cela comme une opacité totale. Ensuite, vous pouvez jouer avec les différents types de motifs, donc brique par rangée, brique par colonne, et tout cela encore, ils ont changé la composition et la disposition de votre motif. Certains d'entre eux commencent à se chevaucher et à devenir un peu funky, mais si nous revenons à la grille, c'est la grille classique. En fait, j'aime la brique par colonne. Je pense que c'est vraiment intéressant, il y a de belles lacunes d'espace négatif, donc il y a de la place pour l'œil pour respirer, mais nous avons encore un peu d'équilibre et de symétrie qui se passe, pourrait être comme un fond d'écran vraiment amusant, donc vous avez l'idée. Vous pouvez vraiment expérimenter, je vais cliquer sur « Terminé ». Vous pouvez vraiment expérimenter différents types de motifs dans vos carrés. Je vais appuyer sur « M » sur le clavier pour créer un autre rectangle, puis il est enregistré ici dans le panneau des nuanciers, donc je vais sélectionner ceci et il y a votre motif. Si vous voulez voir votre motif plus grand, vous pouvez aller dans Objet, Transformes, Échelle, puis ne transformez pas les objets eux-mêmes, juste le motif, puis vous pouvez entrer dans un nombre ou vous pouvez faire défiler votre souris pour le rendre plus grand, donc voir c'est vraiment un motif amusant, je pense que parce qu'il ya une certaine symétrie dans la mise en miroir et l'équilibre, et il a cette forme de diamant entre le bas de cette feuille et le bas de cette feuille ou vous pouvez remonter l'autre façon de voir c'est wow, vraiment petit ou vraiment grand. Ma souris veut continuer, donc je vais en fait entrer manuellement sur le clavier 50 pour cent, puis vous pouvez cliquer sur « Aperçu ». Ça te montre qu'il est assez petit. Je vais cliquer sur « Annuler » parce que je ne veux pas enregistrer cela, et c'est l'exemple ici. Je veux que vous expérimentiez avec les éléments que vous avez dessinés ou les éléments que je vous ai fournis, créant différents modèles et en voyant ce qui vous frappe en termes de composition, puis vous pouvez les télécharger dans le cadre de votre et une partie de votre projet, dans la section du projet de classe, et je suis impatient de voir ce que vous créez. Bon ami, je pense que tu as une bonne formation de composition sous ta ceinture, n'est-ce pas ? Dans la prochaine leçon, nous allons commencer à recueillir l'inspiration pour notre projet final de classe. 17. Trouver l'inspiration: Typiquement, j'inclut une section d'inspiration de rassemblement au début de la classe. Cependant, quand il s'agit de composition, j'ai vraiment l'impression qu'il est important de laisser votre intuition vous guider d'abord. C' est pourquoi j'ai attendu jusqu'à présent que vous commenciez à construire une collection d'exemples qui peuvent servir d'inspiration. Pour commencer à collecter des images inspirantes, je suggère de créer un tableau Pinterest. Il peut s'agir d'un conseil public ou privé. Pinterest est une ressource vraiment incroyable pour rassembler un assortiment d'images pour alimenter votre pratique créative. L' inspiration est un excellent point de départ lorsque vous essayez quelque chose de nouveau ou que vous vous sentez coincé, mais vous ne voulez jamais prendre directement d'un autre artiste. Lorsque vous êtes inspiré par une œuvre d'art ou une photographie, notez les éléments qui vous alimentent plutôt que de copier directement ce que vous voyez. Dylan Mierzwinski a un excellent aperçu de la façon de le faire dans sa classe, Leveling Up Your Art Game, que j'ai lié dans le document de ressources joint dans la section Projets et ressources. Pour commencer à recueillir l'inspiration, faites votre planche. J' ai appelé la mienne, Compositions convaincantes. J' ai commencé par une recherche de couverture de livre de cuisine illustré ainsi qu'une autre recherche d'illustration alimentaire. Voici la collection que j'ai commencé à rassembler qui m'inspire. Lorsque je rassemble ces exemples dans un seul espace, je peux commencer à voir les liens entre les styles auxquels je suis attiré. Rassemblez votre inspiration et remarquez tous les éléments de composition qui vous distinguent vraiment, y compris l'équilibre, le mouvement, le rythme, la concentration, le contraste. Remarquez les threads continus qui relient vos images rassemblées pour découvrir les compositions que vous trouvez convaincantes. Quand je cherche des thèmes et des fils communs dans ce tableau que j'ai créé à partir de compositions, je remarque quelques choses. Une des choses que je remarque est que, dans beaucoup d'entre elles, il y a un point focal principal. Ici, nous avons la mangue, ça ressemble à une sorte de jus. Ici, nous avons le pot de pâtes, ici nous avons l'assiette de poisson, donc il y a beaucoup de points focaux qui se produisent et ils sont souvent créés dans ces exemples par un espace négatif qui les entoure. En bas, il y en a un peu de plus. Il y a ces pâtes qui sont le point focal et qui sont transformées en lettrage, ce qui est vraiment amusant. Le point focal ici est le titre réel et cela est souligné par cette frontière d'imagerie. Ensuite, nous avons le point focal d'une poêle créée et soulignée par l'espace négatif qui l'entoure. Je le remarque. L' espace négatif est également un composant qui apparaît dans beaucoup d'entre eux. Une autre chose que je remarque est que, je suis vraiment attiré par l'imagerie plate, choses qui n'ont pas beaucoup de profondeur, ou d'ombre, mais qui sont plutôt juste une couleur unie. Sur l'extrémité opposée du spectre un peu à partir d'un point focal principal, je remarque que j'aime aussi la sensation de motif répété, comme cette image, cette image, cette image, et cette image. Il a un sens du mouvement et il remplit complètement l'espace, et il garde mon œil vraiment intrigué et curieux de savoir ce que sont ces ingrédients. Je remarque que j'aime ça aussi. Je suis curieux de connaître vos fils. Qu' est-ce que vous trouvez dans vos images que vous semblez attirer en matière de composition, et comment pouvez-vous intégrer cela dans votre projet final ? Je pense, en regardant ceux-ci, que je vais vraiment me concentrer sur la simplicité, l' espace négatif, et probablement revenir à cette bouteille d'huile d'olive que nous regardions plus tôt. Vous vous sentez inspiré ? Impressionnant. Dans la leçon suivante, il est temps de plonger dans votre projet de classe. 18. Projet du cours : Le papier: Pour commencer, prenez un stylo et du papier. Je recommande toujours d'utiliser uniquement le dessin au trait en noir et blanc pour vraiment se concentrer sur la composition. Concentrez-vous sur la façon dont les éléments de votre travail peuvent s'intégrer pour créer cette unité. Pour commencer le processus de fabrication de la couverture de votre livre de cuisine, remue-méninges sur les éléments que vous souhaitez inclure dans votre composition illustrée. Par exemple, je sais que je veux inclure au moins une tomate, une spatule et une feuille verte moutarde. J' ai ces éléments rapidement esquissés comme mes dessins sur une feuille de papier vierge et vous pouvez les voir colorés ici à partir d'un projet différent. Décidez d'une poignée d'éléments alimentaires et ingrédients que vous aimeriez inclure et dessinez-les sur votre papier. Ne vous inquiétez pas qu'ils soient finalisés. Il suffit de les noter comme référence pour ce prochain exercice. Un autre élément qui entre en jeu avec ce projet spécifique que nous n'avons pas encore discuté est le texte. Le texte sur ma couverture sera la cuisine créative et illustrée par Liz Brandley. J' ai écrit ça aussi sur ce papier. Notez le titre de votre livre de recettes et votre nom près de votre bibliothèque d'images sur votre feuille de papier. Commencez à réfléchir à la façon dont le style de votre lettrage peut contribuer à ce sentiment général dans la composition. Par exemple, les polices manuscrites peuvent se sentir ludiques, jeunes et créatives. polices cursives peuvent se sentir classiques et élégantes. Les polices de blocs peuvent se sentir confiantes et audacieuses. Sur la même feuille de papier que vos illustrations alimentaires, ou vous pouvez utiliser une autre feuille vierge, commencez à jouer avec l'écriture du texte que vous allez utiliser dans différents styles. Pensez au titre. Pensez à votre nom. Prenez note si vous aimez un style particulier de polices et notez simplement quelques options pour l'écrire en référence. Maintenant, sur une autre feuille de papier, dessinez 10 rectangles de petite à moyenne taille. Ceux-ci servent de vignettes de la couverture de votre livre de cuisine pour créer rapidement différents arrangements de vos éléments sans trop d'attachement ou de jugement. Cela vous aide vraiment à démarrer le processus créatif à faible risque, plutôt que de plonger directement dans l'art de la couverture finale. Cet échauffement, semblable aux découpes que nous avons faites au tout début de cette classe, est vraiment utile pour voir de nombreuses options différentes avant de s'engager dans une idée. Commencez à remplir chaque rectangle un par un, avec différentes dispositions de vos éléments, y compris les différents styles de votre texte. Pensez à ces éléments de composition qui peuvent entrer en jeu ici. Mouvement, répétition, échelle, valeur. Commencez à expérimenter différentes combinaisons dans chaque rectangle. Vous pouvez répéter ce processus pour autant de couvertures de vignettes que vous le souhaitez. Mais 10 est un bon point de départ pour continuer à pousser vers nouvelles solutions qui peuvent ne pas sembler évidentes à première vue. Vous pouvez faire tout ne pas prendre trop de temps. Ne les traitez pas comme étant trop précieux. Juste vraiment esquisser rapidement en essayant de faire sortir les idées sur papier. Ce n'est en aucun cas la finale. C' est juste pour voir à quoi pourraient ressembler les mises en page. ne reste même pas de place pour le texte. On va essayer ça avec un stylo plus fin. Continuez et remplissez tous les nombreux, puis vous pouvez toujours jouer avec des éléments comme le contraste sur ce, juste pour avoir une idée de ce que cela pourrait ressembler. En regardant celui-ci, je remplirais probablement le corps principal de la tomate. Une fois que vous avez esquissé au moins 10 esquisses miniatures, choisissez celle avec laquelle vous souhaitez aller de l'avant pour la couverture finale de votre livre de recettes. Je vais aller de l'avant avec ce croquis. Bien sûr, comme nous l'avons vu tout au long de la classe, ce croquis initial est un point de départ. Il va probablement changer au fur et à mesure que vous créez votre travail final, mais c'est la carte pour vous aider. Maintenant, sortez une nouvelle feuille de papier blanc vierge. Si vous utilisez ce tampon multimédias Cansom XL de 9 x 12 pouces, coupez l'une des feuilles de papier à une taille de 8 x 10 pouces à l'aide d'une tondeuse à papier, d'un couteau X-Acto ou de ciseaux. Maintenant, commencez à répliquer le croquis miniature de votre choix sur votre papier agrandi. Remarquez ce que vous pouvez remplir, ce que vous laissez vide, comment vous menez l'œil du spectateur sur la couverture ou attirez l'attention sur les éléments clés, attirant l'attention sur le titre, finalement créer harmonie tout au long de la mise en page. Une fois que vous avez créé votre dernière composition de couverture de livre de recettes, téléchargez-la dans la section projet de classe. Dans la leçon suivante, nous allons créer une composition de couverture de livre de recettes numériquement à l'aide d'Adobe Illustrator. 19. Projet du cours : Le numérique: Pour démarrer cette partie de la classe, vous allez ouvrir un nouveau document dans Illustrator. Je vais sélectionner ce 8 par 10 pouces. Je vais le garder dans l'espace colorimétrique RVB parce que nous allons les voir en ligne dans la section projet de classe. Encore une fois, si je devais imprimer ceci à la maison, je voudrais cela dans l'espace colorimétrique CMJN, mais RVB est bon pour ce projet spécifique. Alors je m'assurerai que c'est toujours à la résolution 300. Ensuite, je vais cliquer sur « Créer ». Maintenant, nous avons ce nouveau document. Je vais revenir à mon document de modèle et récupérer les mêmes éléments qui ont déjà été tracés. Je vais les copier. « Commande C », et collez-les à droite de mon tableau ici. Je vais déplacer ces éléments sous mon plan de travail pendant un moment, sorte que je puisse créer un autre plan de travail juste au cas où je voudrais expérimenter plus de mises en page et de composition avant de m'engager dans une idée comme nous l'avons fait dans la précédente des leçons. Mais à cause du travail que nous avons déjà fait ensemble et de ce que vous m'avez vu travailler aujourd'hui, j'ai une idée de l'orientation que je veux prendre. Je vais tirer cette bouteille d'huile d'olive ici et je vais l'agrandir. Je maintiens la touche Maj enfoncée pour qu'elle conserve ses proportions. Ensuite, je vais le placer, vous pouvez vous aligner sur votre plan de travail. Mon image est sélectionnée. Si je vais ici à l'outil Aligner et que je m'assure qu'il est sélectionné comme Aligner au plan de travail, je peux l'aligner au centre de cette façon. Vous pouvez aussi l'aligner de cette façon, mais je ne veux pas qu'il soit aussi proche du haut, donc je vais annuler cela et laisser ça ici. En raison de l'espace, je vais en fait ne pas aligner le centre de cette façon non plus. Je dis vraiment que vous pouvez vous entraîner à aligner et voir ce que vous ressentez, mais faites confiance à votre oeil. Cela se sentait un peu trop loin vers la gauche, surtout en pensant à cela comme une couverture de livre de cuisine et en pensant à cette colonne vertébrale. Mais comme nous l'avons discuté plus tôt, peut-être que vous voulez que certains de vos éléments enveloppent à l'arrière. Considérez ça aussi. Je vais juste sélectionner cette bouteille d'huile d'olive et la faire glisser un peu vers le bas. Ensuite, je vais zoomer ici et voir si je peux faire glisser cette partie inférieure de l'huile ici. J' utilise l'outil de sélection directe, je vais double-cliquer sur les points d'ancrage et juste commencer à jouer en faisant glisser cela un peu. Ça pourrait sembler un peu trop géométrique, et je pourrais venir avec le pinceau. Ouais, je n'aime pas ça. Je vais supprimer cela en fait, et laisser ça comme c'est pour le moment. Je vais bouger cette bouteille juste un peu, et je vais bouger tout ça. Maintenant, je sais que pour moi le texte a envie d'être ici, donc je vais passer au bouton Texte. Ensuite, j'essaie de réfléchir à ce que je veux remplir avec le texte. J' ai l'outil de type, et vous pouvez aller ici et regarder. Je m'assure toujours que si je vais vendre ce produit à la fin de la journée, quel que soit le texte que j'utilise est gratuit pour un usage commercial ou que j'ai acheté une licence pour ce produit. Mais dans ce cas, c'est juste un exemple, donc je cherche juste un sentiment que je veux. Je veux que ça soit la cuisine créative. Donc, je veux que ce soit ludique et amusant, quelque chose qui est invitant, quelque chose qui n'est pas trop formel mais qui n'est pas assemblé non plus. Je ne sais pas, j'aime ça. Voyons comment ça a l'air plus grand. Je vais taper mon titre. J' allais le centrer, mais ça pourrait être amusant contre la bouteille d'huile d'olive. Au début, j'imaginais un haut ici, ce qui est agréable parce que cela crée un cercle avec votre oeil, avec la composition autour du texte. Mais j'aime aussi ça ici parce qu'il est aligné contre cette bouteille et qu'il crée aussi une ligne vers la piscine de pétrole. Bien que l'espace se sent un peu vide, donc je ne suis pas totalement certain de ça. Ce que je vais faire est de sélectionner toutes ces options, puis de le faire glisser pour créer une copie. De cette façon, je peux faire glisser ce texte ici au centre. Maintenant avec elle ici, je veux l'aligner au milieu de lui-même plutôt qu'à l'alignement de gauche. Il y a ça. Ensuite, il peut être plus grand dans cet espace, mais je le, LE peut être plus petit parce que cela n'a pas besoin d'autant d'attention. C' est peut-être un peu trop petit, mais on va jouer avec. Il y a cette idée. On va le déplacer de plus en plus. C' est marrant pour moi. J' aime vraiment ces deux choses. Encore une fois, en repensant à mon tableau d'inspiration Pinterest, j'aime qu'il y ait de l'espace négatif. J' aime que ce n'est qu'une image, mais je suis toujours curieux. Que se passerait-il si je continuais ce cercle qui se passe autour du texte avec d'autres éléments alimentaires ? Je suis en fait dans celui-ci, je vais double-cliquer dessus pour l'isoler et je vais juste déplacer la bouteille juste un peu. Alors ça me semble un peu trop haut, je n'aime pas cet espace. Alors ça se sent un peu trop proche. Il y a ça. Voyons voir. J'aime le vert moutarde, mais j'aime le plus frillier que j'ai laissé accidentellement ici dans l'espace de motif. Je vais prendre ces deux et les copier ici. Je vais les traîner vers le haut. C' est bon, mais ça me semble déplacé et distrayant. Je vais vraiment les retirer une minute. J' ai besoin de mon nom. Souviens-toi, on a dit qui c'était. Je vais ajouter ça et voir si ça aide. Ce qui serait mieux ici, c'est de réduire cela et de le placer juste en alignement avec le titre, de sorte que tout le texte soit en un seul endroit. Encore une fois, selon les images avec lesquelles vous travaillez, façon dont vous travaillez votre style, cela pourrait être très, très différent et vous pourriez prendre des actions différentes que moi. Mais encore une fois, c'est la beauté de la composition. Cela peut être très intuitif. LA est 45 et ceci est 37. Ils sont un peu proches de la taille du texte, donc je vais réduire ça comme ça. Je vais faire tomber ça un peu, mais je suis toujours curieux à propos de celui-là. Je revisite ça visuellement et je vois s'il y a un moyen de le faire fonctionner. Ça pourrait être amusant en fait. Cela élimine cet espace maladroit qui ne s'est pas rempli comme fluide. Je sais que l'huile ne sort pas du haut de tout ça, mais j'aime comment c'est un ruban qui s'enroule. J' ai presque envie d'isoler la bouteille et de la déplacer un peu. Vraiment, j'aime ça. Ça marche pour moi, et je vais supprimer ce petit point d'ancrage ici. C' est intéressant et amusant, donc je vais jouer avec ça tout de suite. Je vais copier mon nom ici dans ce document et le garder là-dessous. Ensuite, je vais déplacer tout ce texte parce que ça l'a rendu un peu plus long. Maintenant, c'est une cuisine créative, alors que je joue avec ça, je commence à penser à la créativité, pinceau, ou à un crayon, et juste cette spatule que j'ai ici aussi. Donc, je vais copier tout ça à nouveau. Je vais en fait supprimer ceci d'ici et ensuite placer ceci ici. Soudain, je pense à cela comme de la peinture et pas de l'huile, et donc je joue avec une option différente ici. Si cela devait tenir à l'intérieur ici, et que ça devait tenir ici, et que ça peut boucler par là, je me rapproche un peu plus. Alors je pense juste à un pinceau juste ici. Je vais esquisser ça juste un peu, donc il y a plus de place pour respirer avec le titre. Je vais esquisser ça juste un peu. J' aime vraiment ça. Je vais dessiner un pinceau à amener ici. J' ai dessiné un pinceau sur du papier, et je vais le mettre dans cet espace. Je peux le faire en entrant « File Place » ou je peux simplement sélectionner « Shift Command P », et le trouver dans mes téléchargements. Ici, c'est. Je vais le placer ici. C'est grand. Ensuite, je vais le tracer, sorte que c'est une image vectorisée. Black and White, je vais venir ici pour Ignorer White aperçu. Voyons voir comment ça se passe. Ok, ça a l'air plutôt bien. Je n'utilise pas celui-là, juste celui-là. Je vais cliquer sur développer, puis je vais le dissocier. Je viens de faire Shift commande G sur le clavier, supprimez cela, et regroupez ces éléments ensemble. Déplacez G et amenez-les ici. Je vais les rétrécir. Vous pouvez voir comment l'élément d'huile s'est transformé en peinture et cette composition s'est complètement décalée du point de départ. C' est vraiment tout le processus. Parfois, les choses sont plus disposées, mais tout juste commencer peut vous donner l'idée et vous conduire à la solution que vous ne saviez même pas que vous cherchiez. Je suis vraiment content de ça et maintenant je vais m'assurer qu'il s'intègre, qu'il devrait, dans cet espace. Je vais sortir tous ces éléments de ce tableau d'art, et les amener. Ce serait une belle couverture carrée. Je pourrais continuer à jouer avec ça. Je pourrais frapper ici juste pour voir si nous pouvons faire fonctionner ce rectangle un peu plus. C' est vraiment un espace maladroit et j'ai aimé ça un peu mieux. Mais j'aime quand c'est un peu sur la spatule. Je pense que ça a l'air sympa. Je vais laisser ça comme il est pour l'instant, et je vais juste centrer ça ici. Ce qui se passe ici, en termes d'éléments de composition, c'est que nous avons le point focal du texte et que notre regard est conduit dans ce cercle. Bien qu'il n'y ait pas de cercle complet, c'est un cercle implicite ici, notre œil se déplace de la pointe du pinceau ici, qui entoure ce texte principal. Vous pouvez également jouer avec le contraste en remplissant certaines zones. Encore une fois, nous ne nous concentrons pas vraiment sur la couleur, mais vous pouvez remplir certaines zones avec un remplissage plus sombre. Je vais venir ici et transformer cela en un groupe de peinture en direct en cliquant sur le seau de peinture après avoir sélectionné cette section. Ensuite, je fais ça avec celui-ci, et je sélectionne le noir, et nous avons ça. C'est un peu amusant. Cela crée un joli contraste contre le dos et ce genre de miroirs et imite le contraste du texte ici. Si on joue avec ça ici, je ne suis pas certain que ça devienne trop boueux. J' ai l'impression que ça devient moins intéressant. Peut-être que si nous remplissons une certaine partie. Mais même alors, je pense que j'aime ça comme un dessin au trait, comme ça. Vous pouvez jouer avec, jouer avec le contraste du noir et blanc, jouer avec le placement, comme je pourrais même déplacer ça ici. Mais j'aime ça ici. Encore une fois, je pense que ce serait une meilleure couverture carrée, parce que nous avons cet espace vide qui se passe ici. Mais ce que nous pourrions faire pour remplir cela, nous pourrions l'étendre pour que la spatule et les peintures soient plus grandes. Aucun pour un instant. Je vais en fait les déplacer ici pour utiliser l'outil de pinceau blob. Ce que je veux, c'est que ça soit plus proche. Je vais déplacer cela là et le rendre plus aligné avec le fond de ces deux objets tout de suite. C' est un peu près du texte, je veux un peu plus de place pour respirer. Mais la seule chose que je veux voir, c'est qu'il s'intègre, c'est un peu amusant aussi, c'est qu'il s'intègre dans l'espace. Je vais en fait supprimer cela parce que nous n'allons pas l'utiliser. Je vais mettre ça dans le tableau d'art ici. Cela s'écoule hors de la page, et donc à la place, je vais l'isoler et déplacer ceci donc c'est un peu plus petit. Déplacez ça ici, comme ça. Ensuite, je vais réellement le sélectionner directement et cliquer sur Maj E pour ma gomme et effacer cette ligne. Ensuite, de cette façon, je peux simplement sélectionner ce composant supérieur et l'effacer. Maintenant, nous en avons tous. Je vais déplacer un peu ce texte vers le haut. J' aime que ce soit un texte manuscrit, il se sent ludique, il se sent créatif. Alors je viendrai au pinceau. Je vais commencer à tracer une ligne autour de cette façon qui correspond un peu mieux à l'espace. Vous pouvez voir qu'il a un peu de texture sur ce lettrage aussi, si bon. Cela correspond mieux à l'espace et je pense que je vais venir ici et nettoyer un peu ça. Je vais cliquer sur A pour obtenir l'outil de sélection directe. Ensuite, de cette façon, je peux double-cliquer sur ces ancres et les tirer pour qu'elles soient plus transparentes. Je peux utiliser cette poignée pour élargir ça, frapper ici, et même avec ici. Je suis devenu un peu farfelu. Ensuite, je peux le lisser un peu avec l'outil lisse donc ce n'est pas une courbe si dure. Alors je pense que je veux faire cela pointu, la fin de ce pointu, juste pour que reflète la pointe du pinceau un peu plus. On y va. J'ai aimé ça. J' ai vraiment aimé ce carré, mais parce que nous travaillons dans l'espace, encore une fois, la limite m'aide à prendre des décisions concernant ma composition. C' est ce que je vais faire. Je vais bouger ça juste un peu et vers le bas juste un peu. Là, nous l'avons. Je suis prêt à exporter ça. Je vais tout bouger un peu parce que ça se sent un peu trop secoué en haut. C' est un moment où je pourrais me regrouper en cliquant sur commande G, puis aller à une ligne et voir à quoi elle ressemble quand elle est alignée sur le tableau d'art. Encore une fois, cela me semble trop près de la gauche à cause de cet espacement. Donc, je vais tout sélectionner et juste le pousser vers la droite, puis voir ce qui se passe quand je le centre au milieu et j'aime ça. Je vais laisser ça là. Alors c'est le tableau d'art 3 et une façon de le dire c'est quand vous entrez ici, numéro 3, c'est sélectionné, c'est le plus sombre, c'est une bordure plus sombre que celle-ci. Si je devais en sélectionner deux, cela mettrait en évidence celui-ci, si je devais en sélectionner un, cela mettrait en évidence l'équilibre. Donc nous savons que c'est le tableau d'art 3. Pour exporter cela, je vais dans un fichier, exporter, exporter comme, Je vais dire livre de cuisine couverture. Je vais le sauver comme JPEG, utiliser des tableaux d'art et nous avons dit que c'était le numéro 3. Alors juste trois. Pour l'instant, je vais juste l'enregistrer sur mon bureau, exporter cela, RGB high. Je vais l'optimiser, et cliquez sur OK. C'est ça. J' ai hâte de voir ce que tu crées et ce que tu trouves pour ton livre de cuisine. Téléchargez-le dans la section du projet de classe et j'ai hâte de répondre à vos questions et de voir vos progrès. 20. Merci et prochaines étapes: Tu l'as fait. C'est une cause de célébration parce qu'il s'agissait d'une plongée profonde dans la composition. Félicitations pour avoir terminé la classe. C' était une grande joie de vous avoir ici dans le studio Prints & Plants. J' espère que vous partez avec plus de compétences et une base solide pour continuer à créer ces compositions convaincantes. Je veux vous rappeler que votre art, votre vision et votre voix, ils comptent. Continuez à créer. Continuez à ajouter de la beauté à ce monde. Si vous voulez continuer à parler de l'art et de la nourriture, suivez-moi sur Instagram @prints_and_plants, et inscrivez-vous à ma newsletter créative hebdomadaire sur printsandplantspress.com. Si vous voulez continuer à apprendre ensemble, suivez-moi ici sur Skillshare. J' ai hâte de te revoir bientôt, et jusqu'à la prochaine fois. À la créativité et au-delà.