Coloriage Art numérique : une approche pratique

1. Intro: Bonjour à tous. Je suis Mauricio Perez, illustrateur numérique et passionné de peinture numérique basé à Mexico. Pour moi, la théorie des couleurs et des couleurs sont des sujets fascinants, mais ils ont un grand nombre de sous-sujets parmi lesquels choisir, et il peut être très facile se perdre dans leur complexité. Vous avez des couleurs primaires, couleurs secondaires, des couleurs tertiaires, couleurs, de l'harmonie couleurs, de la température des couleurs, des aberrations chromatiques , la liste continue et continue, et si vous la regardez depuis une perspective purement théorique, les choses peuvent devenir vraiment compliquées et vraiment frustrantes en un rien de temps, mais ce n'est pas forcément comme ça. J'ai décidé de faire ce cours sur la couleur parce que c'est un sujet avec lequel j'ai eu du mal toute ma vie. Aussi parce que je sais que chaque artiste qui aspire à devenir professionnel doit maîtriser cette compétence. Si vous venez de mettre la main dans une tablette à dessin et que vous voulez remplir votre dans une tablette à dessin et que vous voulez toile numérique d' œuvres d'art étonnantes et colorées, mais que vous ne savez pas par où commencer, cette classe est faite pour vous. Si vos œuvres dépendent beaucoup de lignes et que vous avez du mal à passer à dessins et des peintures plus volumétriques, cette classe est faite pour vous. Si vous aimez l'art graphique bidimensionnel, mais que vous souhaitez expérimenter une approche plus plastique, ce cours est également fait pour vous. Je veux que les choses restent amusantes, je veux que les choses soient simples, et à la fin du cours, je veux que vous ayez un produit fini, une illustration finie que vous pouvez partager sur vos réseaux sociaux. médias. Voici comment ça va fonctionner. Tout d'abord, je vais vous montrer mes outils et mon travail. Vous vous familiariserez avec les pinceaux que j'utilise, mes paramètres et comment je garde mes calques organisés. Ensuite, je vous apprendrai les fondamentaux de l'ombrage. Je vais vous montrer comment façonner des volumes de base avec certaines de mes techniques d'ombrage. Vous découvrirez les trois éléments constitutifs de la couleur : teinte, la saturation et la luminosité, comment ils sont liés à la roue chromatique et comment ils relient deux concepts clés : la valeur de couleur et la température de couleur. Après avoir abordé ces trois sujets, nous commencerons un processus étape par étape dans lequel vous apprendrez à appliquer des couleurs locales à votre personnage, à capter une source de lumière, ajouter des ombres. , quelques effets d'éclairage, et donc des touches finales pour compléter votre projet, qui sera une version 3D de votre tête de personnages 2D préférés. J'ai créé ce cours pour vous aider dans votre propre parcours d'exploration des couleurs et pour rendre la théorie des couleurs un peu plus agréable et beaucoup plus agréable. Ne perdons plus de temps. Allons-y. 2. outils: [MUSIQUE] D'accord, tout le monde. Je pensais avoir fait une petite vidéo d' introduction pour vous montrer les outils que j' utiliserai pendant ce cours. Ce sont des outils très simples qui sont fournis par défaut dans n'importe quel logiciel de peinture numérique. Même si vous n' utilisez pas Procreate, vous ne devriez pas avoir de problèmes à suivre. abord, je vais ouvrir ma bibliothèque de pinceaux, qui est l'icône du pinceau dans la barre de menu en haut à droite. Allez dans le kit de brosses à aérographe et sélectionnez une brosse ronde douce. Comme vous pouvez le voir, on l'appelle un pinceau doux car il produit des points et des lignes avec un bord doux et flou. Ensuite, je vais choisir un pinceau dur qui, comme son nom l'indique également produit des points et des lignes nets et durs. En parlant de lignes, Procreate a une fonctionnalité très cool. Si vous tracez une ligne et maintenez le bout du doigt ou de l' Apple Pencil vers le bas, cela créera une ligne parfaitement droite. Avant de lever le doigt, vous pouvez modifier la longueur et la direction de votre ligne. Quelque chose de similaire se produit lorsque vous tracez une ligne courbe. Si vous maintenez votre doigt ou votre Apple Pencil enfoncé, il vous permettra de modifier la taille et l'orientation de votre courbe. Après avoir levé le doigt, vous pourrez continuer à modifier vos lignes en appuyant sur le bouton Modifier la forme. Si vous dessinez une forme semblable à un cercle et maintenez votre doigt vers le bas, cela créera une ellipse. Si vous appuyez et maintenez le doigt enfoncé avec un autre doigt, cela créera un cercle parfait. Quelque chose de similaire se produit lorsque vous dessinez un rectangle et maintenez votre doigt vers le bas. Sauf cette fois-ci, si vous appuyez et maintenez le doigt avec un autre doigt, vous créerez un carré parfait. En passant, si je touche et que je maintiens l'outil de sélection des couleurs dans le coin supérieur droit, glisse la couleur avec mon doigt et que je lève mon doigt au-dessus de mon rectangle, je peux remplir la forme entière de couleur. Passons à notre prochain outil, l'outil de bavure. Il s'agit d'un outil très puissant qui vous permet d'enduire des pigments autour la toile et de créer des transitions douces et douces d'une couleur à une autre. Mais il y a deux choses que je dois mentionner. Numéro 1, comme pour la bibliothèque de pinceaux, la bibliothèque d'outils de smudge vous permet de choisir parmi n'importe quel pinceau de votre collection, mais j'utiliserai toujours l'outil Smudge avec le pinceau doux sélectionné. Numéro 2, je m'assure d'ajuster opacité de mon pinceau à environ 40 %. Puis j'ai commencé à tacher le pigment à l'aide de mon doigt ou Apple Pencil avec des touches rapides et douces sur l'écran, passant du noir au gris, puis du gris au noir, et aussi avec des traits verticaux jusqu'à ce que je reçoive le dégradé que je veux. Ensuite, nous avons l'outil de gomme à effacer. Si je l'utilise avec le pinceau rond dur sélectionné, vous m'aidez à créer des bords nets et durs. Dans ce cas, cela m'aide à définir les bords du rectangle que j' avais créé précédemment. Ensuite, si j'utilise l'outil de bavure, je peux brouiller ce bord et même le faire disparaître dans un dégradé. Ensuite, je peux reprendre ma gomme et redéfinir mon bord. Je peux également utiliser ma gomme avec un pinceau rond doux sélectionné pour créer un bord plus flou et plus doux. Ensuite, nous avons l'outil de sélection. Pour l'activer, je clique sur l'icône de sélection en haut à gauche de mon menu. Cet outil m'aide à sélectionner une section de mon canevas et à la modifier sans modifier le reste de ma pièce. Dans cet exemple, j'ai sélectionné une zone de ma toile et je l'ai remplie de peinture à l'aide de mes pinceaux. Nous pouvons également utiliser l'outil de sélection pour apporter d'autres modifications. Cette fois, je l'utilise pour sélectionner un élément de ma toile, ce point noir. Ensuite, en activant l'outil Transformation, qui est la petite icône de flèche à côté de l'outil de sélection, je peux apporter des modifications encore plus radicales comme changer sa taille, le déplacer ou même le déformer pour changer complètement sa forme. C'est à peu près tout. Nous sommes maintenant prêts à aller de l'avant et à commencer à peindre. Dans notre prochaine leçon, nous parlerons de lumière et d'ombre. Je vous y verrai. [MUSIQUE] 3. Le panneau de couleurs: [MUSIQUE] Pour notre première leçon, je veux vous montrer la façon la plus simple et la plus rapide que je connaisse pour ombrer une forme simple. Mais avant de le faire, je dois présenter notre ami, le panneau de couleurs. Sur le côté droit du menu supérieur, vous verrez un petit cercle représentant la couleur active. Touchez pour ouvrir le panneau de couleurs, puis sur l'onglet « Classique » en bas de la fenêtre contextuelle. Dans sa version classique, le panneau de couleurs permet d' ajuster la saturation et la luminosité d' une couleur en déplaçant un radical autour de ce champ de couleur rectangulaire. Pour changer de teinte, il faut utiliser le premier des curseurs ci-dessous. Mais attendez une minute. Que signifie même la saturation ou la luminosité des teintes ? Eh bien, Hue n'est qu'un mot fantaisiste pour la couleur. Nous déplacons le curseur de teinte vers la gauche et la droite, et le champ de couleur change de couleur. C'est aussi simple que ça. La saturation ou la chroma désigne la brillance et l'intensité d'une couleur ou d'une teinte. Déplacez le curseur vers la droite pour qu'il devienne plus dynamique et intense. Déplacez-le vers la gauche et il devient plus boueux et plus gris. Remarquez comment, lorsque nous manipulons ce curseur, le radical se déplace en ligne droite de gauche à droite à l'intérieur du champ de couleur. Enfin, la luminosité, également connue sous le nom de valeur, décrit à quel point une couleur ou une teinte est claire ou sombre. Si nous déplacons le curseur vers la droite vers le blanc, notre teinte devient plus claire. Si nous le déplacons vers la gauche vers le noir, il devient plus sombre. Notez que cette fois, le radical se déplace en ligne droite du haut vers le bas du champ de couleur. Pour l'instant, nous allons déplacer le curseur de saturation vers la gauche, vers le gris. Ce faisant, notre curseur de teinte devient hors de propos puisque nos teintes sont complètement désaturées, ce qui signifie qu'il y a les plus ternes qu'elles puissent être. De cette façon, nous pouvons peindre en niveaux de gris et concentrer sur le fondement même de la couleur, la valeur ou de la luminosité, en suivant la leçon numéro 3. 4. Valeur: [MUSIQUE] Pendant ce cours, vous me verrez changer mon niveau d' opacité tout le temps. Mais que fait exactement la réduction de l' opacité d'un pinceau ? Je vais vous donner un exemple rapide. Je vais peindre avec le pinceau rond dur en utilisant ce gris foncé. Bien que l'opacité soit réglée à 100 %, je peux peindre cette valeur exacte d'un seul coup en appuyant simplement avec l'Apple Pencil. Lorsque je baisse l'opacité à 29 pour cent, même lorsque la couleur sélectionnée est le même gris, un seul trait superposé sur lui-même ne m' amènera jamais à cette valeur, peu importe à quel point j'appuie fort avec mon Apple Pencil. Pour que ma valeur soit plus foncée, je vais devoir soulever mon stylet et peindre dessus. Cette approche nous permet de développer nos valeurs de manière beaucoup plus contrôlée. Pour commencer à ombrer un objet, la première chose que je dois établir est la valeur locale ou la tonalité locale de cet objet. En termes simples, la valeur locale est la valeur réelle d' un objet sans l'influence de la lumière ou de l'ombre. Un moyen facile de comprendre la valeur locale d'un objet consiste à peindre un arrière-plan. Je dois maintenant poser une question très simple. Mon objet est-il plus clair ou plus sombre que cet arrière-plan ? Si je décide qu'il est plus léger, je vais le peindre avec une valeur plus légère. S'il est plus sombre, avec une valeur plus foncée. sens puisque les choses ne sont ni claires ni sombres en elles-mêmes, elles sont toujours plus sombres ou plus claires que d'autres choses. Maintenant, j'ai une forme plate. Pour le faire paraître en trois dimensions, je dois introduire la lumière et l'ombre. Pour ce faire, j' ai besoin d'une source lumineuse. Imaginons que le soleil illumine la sphère sous cet angle. Maintenant, une chance pour nous, artistes c'est que la lumière se déplace en ligne droite. Pour déterminer la zone d'ombre de mon objet, il suffit de tracer deux lignes droites à partir de la position imaginaire de ma source lumineuse et j' obtiendrai ces deux points. Maintenant, je n'ai qu'à joindre ces deux points en suivant la forme de mon objet, comme une ligne de latitude dans un globe terrestre. Quelle doit être la valeur de mon ombre ? Cela dépend de nombreux aspects tels que la texture, matière et la réflectivité de mon objet. J'ai entendu des gens dire qu' un bon point de départ est à mi-chemin du noir par rapport à votre valeur locale. Mais je pense que c'est peut-être un peu excessif. Je vous recommande d'aller un peu plus sombre que votre valeur locale. S'il est trop léger, vous pouvez toujours devenir plus sombre. Mais comme pour les médias traditionnels, si vous faites trop sombre, il est beaucoup plus difficile d' essayer d' éclaircir vos ombres. Pour ajouter mon ombre, je vais aller dans le menu Calques, créer un nouveau calque et en faire un masque de découpage. De cette façon, je ne peux dessiner que sur la zone peinte du calque sous-jacent. Maintenant, je prends mon pinceau doux, diminue son opacité, augmente considérablement sa taille et commence à ajouter mon ombre. Une note rapide et très importante. Pendant que je peins dans mes lumières et dans mes ombres, je ne pose pas mon stylet à doigt et ne le frotte pas sur l' écran sans le soulever. Au lieu de cela, je fais de petits coups, touchant à peine mon écran comme si je dessinais la lettre U avec mon doigt en l'air, dans un mouvement de va-et-vient, partant de loin de ma forme et de travailler mon en arrivant, en augmentant lentement ma valeur. Je vais créer une nouvelle couche et la placer sous ma forme. Vous vous souvenez de ces deux lignes que j'ai dessinées pour établir notre ombre de forme ? Eh bien, maintenant j'ai juste besoin d'étirer ces lignes là où je pense que la lumière touche le sol et de joindre ces deux nouveaux points pour créer mon ombre projetée. J'utiliserai l' outil de sélection situé sur le côté gauche de la barre de menus pour créer une ellipse. Ensuite, avec l'outil Transformation, je lui donnerai la forme dont j'ai besoin et je tapoterai mon doigt n'importe où sur ma toile. Quelle devrait être la valeur de mon ombre projetée ? J'utilise le sélecteur de couleurs en appuyant et maintenant enfoncé pour sélectionner la valeur du sol. Maintenant, je le rends un peu plus sombre et je peins dans ma nouvelle valeur. Foncez l'ombre terminée. Je vais créer un nouveau calque et le nommer ombre d'occlusion. Je vais à ma roue chromatique et je descends beaucoup en valeur. Je rends mon pinceau un peu plus petit et je peins. Ce sera la valeur la plus sombre de ce tableau, car la lumière a le plus de mal à y arriver. ombres comme celles-ci ont tendance à apparaître là où deux surfaces ou objets se rencontrent, comme ma sphère et le sol dans ce cas. Voyez comment ce type d'ombre rend ma scène beaucoup plus volumétrique ? [MUSIQUE] Peignons à notre lumière. Commençons par le moins populaire d'entre eux, la lumière réfléchie. En plus de voyager en ligne droite, lumière a une autre propriété, elle aime beaucoup rebondir. Dès qu'un rayon de lumière touche une surface, il rebondit sous un angle, perdant une partie de son intensité, mais en préservant à peu près suffisamment pour éclaircir les zones de l'ombre. Lorsque je peins ma lumière réfléchie, il est impératif de s' assurer que sa valeur est plus claire que mon ombre formée, mais plus foncée que ma valeur locale. Pour ce faire, je peux ouvrir mon panneau de couleurs, choisir la valeur de mon ombre, puis ma valeur locale et choisir une valeur entre elles. En ajoutant de la lumière réfléchie, j'ai créé la valeur la plus sombre de ma sphère, une bordure ou une frontière qui marque là où la lumière n'est plus la bienvenue, communément appelée terminator. Une lumière vers le bas, deux autres à faire. Je vais créer un nouveau calque de masque de découpage, je choisirai ma valeur locale et cette fois, je vais le rendre un peu plus léger. Doucement et lentement, j'ajouterai de la lumière directe. Enfin, dans une autre couche, je vais peindre un peu de surbrillance spéculaire en allant un peu plus léger en valeur. mon point fort spéculaire devrait , mon point fort spéculaire devrait être de pointer directement vers ma source de lumière Au fait, mon point fort spéculaire devrait être de pointer directement vers ma source de lumière, car c'est littéralement le reflet de cette source lumineuse. C'est fini. Ce petit exercice pratique nous a beaucoup appris sur la foudre, un objet et le contrôle de nos valeurs. Ils seront très utiles lorsqu'il sera temps de reprendre notre projet de classe. Maintenant, nous allons enfin introduire la couleur en apprenant quelque chose sur la saturation et la teinte. 5. Saturation: [MUSIQUE] Dans la leçon précédente, je vous ai appris à manipuler le curseur de luminosité de notre panneau de couleurs pour obtenir différentes valeurs. Dans la vraie vie avec des pigments réels, l'équivalent serait de mélanger de peinture noire et blanche pour obtenir différentes nuances de gris. Chaque fois que je montais dans le champ de couleur c'est comme si j'avais ajouté du blanc au mélange et quand je suis descendu, c'est comme si j'avais ajouté du noir à un mélange. Nous devons maintenant examiner ce qui se passe lorsque nous ajoutons de la couleur à nos palettes numériques. Vous savez maintenant que si nous déplacons le radical jusqu' au coin supérieur gauche du champ de couleur, nous obtenons la valeur la plus légère possible, c' est-à-dire un blanc pur. À l'inverse, si nous le déplacons vers le coin inférieur gauche ou droit, nous obtenons la valeur la plus sombre possible, un noir pur. Mais si nous le déplacons vers le coin supérieur droit du champ de couleur, nous obtenons une couleur pure ou une teinte pure. Une couleur pure est la version la plus intense d'une teinte, une couleur qui n'a pas été contaminée pour ainsi dire par le noir ou le blanc. Lorsque nous déplacons ce cercle autour du champ de couleur, ce que nous faisons efficacement, c'est ajouter du blanc ou du noir à une couleur. Démontrons cela de manière plus traditionnelle. Ajouter du blanc et du noir manuellement comme nous le ferions avec de vrais pigments. Je vais commencer par ce rouge pur. Je vais le goûter et y ajouter un peu de blanc. Je prends mon rouge à 100 % d'opacité et j'ajoute du blanc à 50 %. Ensuite, je choisis cet échantillon et j'ajoute 50 % de blanc, échantillonne cela et j' ajoute 50 pour cent. Faites-le deux fois plus jusqu'à ce que j'atteigne le blanc pur. Analysons maintenant ce qui s'est passé à l'aide du sélecteur de couleurs. Si je prends mes échantillons en couleur, nous pouvons voir comment notre rouge pur évolue vers le blanc, perdant de la saturation ou de l'intensité dans le processus. Essayons maintenant la même chose, mais en ajoutant du noir pur cette fois, vous remarquerez que notre rouge a baissé en valeur mais qu'il n'a pas perdu de saturation. Nous pouvons terminer cette leçon en disant que lors de l'ajout noir pur, notre couleur a diminué en valeur, et lorsque nous avons ajouté du blanc pur, notre couleur perdu sa saturation et a pris de la valeur plus claire. Mais attendez une minute maintenant, je pensais que vous disiez que si le petit cercle était en haut du champ de couleur, c'était la valeur la plus légère que nous puissions obtenir. C'est vrai lorsque vous travaillez en niveaux de gris. Si nous passons au blanc pur et que nous commençons à saturer ce blanc vers n'importe quelle teinte, nous augmentons son intensité mais en affectons également sa valeur. Toutes les couleurs ne sont pas saturées égales. Lorsque nous saturons un blanc vers le violet, le bleu ou le rouge, il devient plus sombre très rapidement. Le vert, l'orange et surtout le jaune sont des fleurs tardives et il est plus difficile pour eux de s'assombrir en valeur. En d'autres termes, lorsque nous passons d' une valeur plus claire à une valeur plus foncée en niveaux de gris ou en réticule, se déplace en ligne droite du coin supérieur gauche vers le coin inférieur gauche du champ de couleur. Mais lorsque nous ajoutons de la couleur au mélange, il se déplace en forme de L depuis le coin supérieur gauche vers le coin supérieur droit, puis vers le coin inférieur droit du champ de couleur. Comme je l'ai déjà dit, le rouge, le bleu et le violet à pleine saturation sont plus foncés que le jaune, orange et le vert à pleine saturation. Gardez cela à l'esprit lorsque vous travaillez des niveaux de gris à couleur, car ils peuvent vraiment gâcher vos valeurs. Cela couvre à peu près la saturation. Passons à ma partie préférée, le curseur de teinte, ou comme je l'appelle, le curseur de température de couleur. [MUSIQUE] 6. Température de couleur: [MUSIQUE] Je sais ce que vous pensez. Je sais que vous savez que je vais parler des couleurs primaires : rouge, bleu et jaune. Si vous pensez que je suis sur le point de vous dire que si vous mélangez ces couleurs ensemble, vous obtenez les trois couleurs secondaires : vert, orange et violet, vous aurez également raison. Je suis également presque sûr que si vous le devinez, vous devez savoir que si vous continuez combiner primaires et secondaires, vous obtenez un autre type de couleurs appelé couleurs tertiaires. Mais laissez-moi vous arrêter là, avant de parler des couleurs tertiaires, j'aimerais séparer ces six couleurs ici en deux groupes différents. [MUSIQUE] Deux nations différentes séparées par une frontière. Nous appellerons ces deux nations en litige, couleurs chaudes et des couleurs froides et ces deux nations ont chacun un souverain. D'une part, il y a de l'orange que nous considérerions comme le roi des réchauffeurs dans la roue chromatique, et d'autre part, nous déclarerons le bleu comme la couleur la plus cool de la roue chromatique. Ce n'est qu'une métaphore  : dans la vraie vie, plus une source de lumière est chaude, plus elle devient bleue. [MUSIQUE] Regarde ça, c'est plutôt cool. De plus, la température de couleur est assez subjective, mais dans le cadre de cette leçon, disons que notre couleur plus chaude est orange et que notre couleur plus froide est bleue. [MUSIQUE] Mettons de côté la politique pendant une minute et continuons à mélanger les couleurs. Je suivrai la même méthodologie que dans la leçon précédente, mais cette fois-ci, au lieu de mélanger les couleurs avec le noir et le blanc, je les mélangerai avec les couleurs adjacentes dans la roue chromatique. Je commencerai par ce vert et j'ajouterai un peu de jaune jusqu'à ce que je change de teinte, puis je ferai la même chose mais avec du bleu. Ensuite, je répéterai le même processus avec chaque couleur et je vous parlerai un peu. [MUSIQUE] En mélangeant les couleurs ensemble, nous avons créé des chemins, des lignes de communication entre les couleurs des deux nations. Même lorsque leurs dirigeants respectifs souhaitent attirer leurs citoyens vers eux et les forcer à prêter allégeance, les autres couleurs ne peuvent s' empêcher de parler à leurs voisins et, ce faisant, certains d'entre eux changent leurs penchants politiques. Commençons à nouveau par le vert. Nous savons que le vert est une couleur fraîche parce qu'il est du côté frais de la frontière, mais ces verts qui gravitent vers le jaune sont plus libéraux, plus ouverts au dialogue avec l'ennemi. Ils embrassent le multiculturalisme et se considèrent comme des verts chauds. Certains d'entre eux sont tellement radicaux qu' traversent même la frontière à la recherche d'asile politique. inverse, les verts qui gravitent vers le bleu ou plus conservateurs, sont loyaux envers leur roi, ce sont des verts cool. l'heure actuelle, il devrait être évident pour vous que chaque couleur primaire et secondaire a deux inclinations politiques possibles. jaunes qui gravitent vers le vert sont plus froids, et les jaunes qui vont vers l'orange sont plus chauds. oranges qui ont voyagé vers le rouge sont plus chaudes que celles qui voyagent vers le jaune. bleus qui vont vers le vert sont plus froids que ceux qui vont vers le violet. Dans certains cas, il y a des réchauffements chauds , chauds et frais, et frais frais et frais frais. Mais ensuite, il y a un troisième type de couleurs tertiaires. Ces couleurs ne se mélangent pas uniquement aux couleurs adjacentes du spectre politique ou des couleurs. Ces couleurs se mélangent aux couleurs l'autre côté de la roue chromatique et elles le font parce qu'elles ne se lancent tout simplement pas en politique. Ils se considèrent neutres. Pour eux, toutes les couleurs sont créées égales et elles doivent vivre dans un monde sans frontières, en paix et en harmonie des couleurs. J'aimerais en parler un peu plus dans notre prochaine leçon et après cela, nous commencerons à travailler sur notre projet de classe. [MUSIQUE] 7. Couleur et lumière: [MUSIQUE] Nous savons maintenant que chaque teinte du spectre des couleurs peut se déplacer dans deux directions différentes. Selon la direction qu'ils prennent, ils peuvent devenir plus frais ou plus chauds. Mais comment savoir dans quelle direction une couleur doit se déplacer lorsque nous peignons ? La réponse réside dans la source lumineuse. Tout comme la couleur peut être plus chaude ou plus froide, sources lumineuses peuvent également être plus chaudes ou plus froides. La première étape de la foudre et de la coloration n'importe quelle scène consiste à établir la température de notre source lumineuse. Voici quelques exemples de sources de lumière chaude : la lumière du soleil , bien sûr, une ampoule en tungstène ou un feu de joie, un jour couvert, le clair de lune ou la lumière de votre écran d'ordinateur . de sources de lumière froide. La couleur de la lumière déterminera la direction dans laquelle vos couleurs vont se déplacer dans les familles de lumière et d'ombres. Vous avez peut-être entendu dire que la lumière chaude produit des ombres froides et inversement, lumière froide produit des ombres chaudes. Tu te rappelles comment j'ai parlé d'une bordure qui séparait la lumière de l'obscurité dans l'exercice en niveaux de gris appelé terminator et que j'utilise également analogie des supporters pour séparer chaud et des couleurs sombres dans ma roue chromatique ? C'est parce que ces frontières ne sont qu'une seule et même. Pour mieux illustrer ce point, j'utiliserai ce portrait de Matisse du peintre français André Derain. Espérons que vous puissiez voir une décision très consciente de l' artiste de séparer clairement ses familles de lumière et d'ombre à séparer clairement ses familles de lumière et d'ombre l'aide de la température de couleur. Je n'ai même pas besoin de goûter ces couleurs pour que vous reconnaissiez immédiatement que les couleurs les plus chaudes font face à la lumière, qui est probablement produite par le soleil. Vous devriez également sentir qu' il y a des homologues plus cool. Ces bleus, verts et violets sont dans l'ombre. Il y a une idée que j' ai eue de Marco Bucci, il appelle ça le principe de l'intimidation. Je paraphrase, mais Marco dit essentiellement que la lumière est comme un tyran. Il veut influencer toutes les couleurs qu'il touche et les rendre plus semblables à elle-même. Dans la peinture de Derain, vous pouvez voir ce principe en action. La lumière jaune orangée du soleil est tellement écrasante qu'elle domine les couleurs locales de la peau et de la pipe de Matisse ainsi que l'herbe derrière lui. Les couleurs chaudes de ce tableau vivent dans la tyrannie. Vous pouvez sentir à quel point le jaune les contamine et contrôler leur comportement. Pendant ce temps, du côté de l'ombre, les choses sont beaucoup plus lâches et anarchiques, et les couleurs fraîches peuvent se promener plus librement autour de la roue chromatique. En fait, les choses peuvent être tellement détendues qu'il y a une fête vraiment cool qui se déroule dans l'ombre de pratiquement n'importe quel tableau. Une fête est tellement sauvage qu'elle peut remettre en question notre perception de la réalité. J'utiliserai cette autre peinture de Claude Monet pour expliquer ce que je veux dire. Ce tableau possède également des lumières chaudes et des ombres fraîches. Mais la façon dont Monet a réalisé ce contraste est moins évidente et plus fascinante que celle de Derain. Dans ce tableau, les couleurs les plus fraîches sont ces tons violets en arrière-plan. Mais quand je les choisis, le petit cercle de mon panneau de couleurs ne les place pas dans le côté froid de la roue chromatique, il les place dans le côté chaud. En fait, il n'y a pas de teintes de la famille cool dans ce tableau. Comment peut-il se sentir si équilibré et coloré ? Puis j'ai pensé aux couleurs tertiaires. Je me souviens que lorsque nous mélangeons deux couleurs opposées, nous obtenons ces tons neutres et terreux. J'ai choisi une orange dans la peinture de Matisse et j'ai choisi un bleu foncé parce que c'est l'opposé dans la roue chromatique et j'ai essayé de les mélanger ensemble. Après un certain temps, j'ai pu correspondre à sa valeur et quelques minutes plus tard, j'ai pu correspondre à sa teinte. Puis ça m'a frappé. Lorsque nous neutralisons une couleur en la mélangeant à son complément, nous avons également modifié sa température. Cela signifie que la neutralisation d'une couleur chaude la rend plus fraîche et la neutralisation d'une couleur fraîche rend plus chaude. C'est pourquoi toutes les teintes du tableau sont restées dans le côté chaud de la roue chromatique. Ce ton violet frais était en fait un orange neutralisé. Il a l'air plus frais parce qu'il a un peu de bleu dans son ADN et parce qu'il est entouré tous ces jaunes, oranges et rouges saturés. Dans la leçon 1, je vous ai dit qu' un objet est plus sombre en soi et qu'il s' avère que les couleurs ne sont ni froides ni chaudes en soi. Tout dépend du contexte dans lequel ils se trouvent. Eh bien, c'est à propos de toute la théorie des couleurs que je connais. Le moment est enfin venu de commencer à travailler sur notre projet de classe. [MUSIQUE] 8. Ébaucher sommairement: [MUSIQUE] Il est temps de dessiner notre personnage. Je vais commencer mon croquis en activant le guide de dessin dans le menu Actions, qui est la grange en haut à gauche de l'écran. Ensuite, je vais appuyer sur « Modifier le guide de dessin » et sélectionner l'option « Symétrie ». Maintenant, tout ce que je dessine d'un côté de ma toile sera dessiné de l'autre côté en temps réel. Cela me permettrait de terminer mon croquis dans la moitié du temps. Lorsque je fais des esquisses, j' essaie de décomposer la figure que je veux dessiner dans des formes de base, laissant tout détail pour plus tard. J'utilise la même approche pour les personnages de dessins animés, ainsi que pour des formes plus réalistes et organiques. Je pense que vous auriez dû deviner qui est ce personnage. Permettez-moi donc de vous donner un exemple de ce que je veux dire en décomposant un personnage en formes simples. Je pense que le crâne est en forme de cercle. Je fais de même pour les yeux et les oreilles. Les lèvres supérieures sont comme un ballon de football dégonflé, et les joues sont également deux cercles. J'utilise le pinceau à la menthe poivrée inclus par défaut dans la bibliothèque de pinceaux. Il laisse la marque semblable à celle d'un crayon HB ou 2B, et c'est à mon avis, la chose la plus proche de dessiner avec un crayon réel. Mais vous pouvez utiliser n' importe quel pinceau avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise, ou vous pouvez numériser ou prendre une photo d' un croquis que vous avez dessiné traditionnellement. y a vraiment pas de bonne ou de mauvaise façon de le faire. Une fois que j'ai défini mes formes simples il s'agit d'ajouter des détails et d'affiner mon dessin jusqu'à ce que j'obtienne le caractère et l' expression que je cherche. Ce croquis n'a pas besoin d'être parfait, car nous n' utiliserons pas ce travail de ligne dans notre illustration finale. Assurez-vous simplement de nettoyer vos lignes pour savoir exactement où se trouvent tous vos contours. N'ayez pas peur de vous éloigner du design original d'un personnage. Ici, j'ajoute quelques crocs à mon design parce que je veux ajouter une touche personnelle à ma pièce. Il vous faudra peut-être du temps pour vous habituer à dessiner avec l'option de symétrie activée. Mais croyez-moi, cela en vaut vraiment la peine, et c'est un sauvetage quand il faut finir une pièce à la hâte. Ici, j'utilise à nouveau des formes simples pour dessiner ses cheveux. Vous remarquerez qu'il me faut quelques essais pour bien faire les choses. Je vous conseille donc de ne pas essayer de sauter directement dans des lignes épurées au tout début de votre dessin. Les lignes épurées sont le résultat de nombreuses couches d'esquisse. Effectuez plusieurs passes grossières, réduisez l'opacité de votre pinceau et tracez des lignes lâches jusqu'à ce que vous ayez l'impression d'être prêt à vous engager sur des lignes plus dures et plus foncées. Et c'est fini. Passez à la phase suivante, le bloc de couleurs. 9. Blocage de couleurs: [MUSIQUE] Nous commencerons notre processus de coloration en créant un blocage avec des couleurs plates, séparant et en nommant les plus grandes formes de notre sujet en différents calques. [MUSIQUE] Je vais commencer par créer un nouveau calque et le placer sous mon croquis. Ensuite, je choisirai ma première couleur locale et je commencerai à peindre sans tenir compte des bords de ma silhouette. Rappelez-vous que dans la leçon 1, je vous ai dit que votre valeur locale était la valeur d' un objet sans l' influence de la couleur ou de la lumière ? Eh bien, la même idée s'applique aux couleurs locales ou plates. Ils sont censés servir de point de départ à partir duquel nous commencerons à ajouter nos ombres et nos lumières. Un blocage de couleur est essentiellement un calque de couleur qui sert de point de départ. Les couleurs plates se réfèrent aux zones de couleur peintes dans un ton et une teinte uniformes ou identiques. [MUSIQUE] Lorsque j'aurai fini colorier une zone de mon dessin, je choisirai ma gomme à effacer avec le pinceau rond dur sélectionné pour créer un contour agréable et propre. Je peux également configurer mon calque d'esquisse pour qu'il se multiplie et diminue sa capacité pour voir plus clairement ce que je fais. [MUSIQUE] Il existe de nombreuses façons de bloquer les couleurs selon le type de logiciel que vous utilisez. Certaines personnes préfèrent l'outil Lasso, l'outil Stylo ou la baguette magique lors de l'utilisation de Photoshop par exemple. Ce qui est génial avec Procreate, c'est qu'il me permet utiliser cette fonctionnalité dont je vous ai parlé dans mon introduction, où si je peins une ligne droite ou incurvée, Procreate avec polissage automatique puis laissez-moi le modifier. Seulement cette fois, je ne l'utilise pas pour peindre, mais pour effacer toute la peinture dont je n'ai pas besoin. [MUSIQUE] Lorsque j'aurai fini de corriger, j'ouvrirai un nouveau calque. Cette fois, je le placerai au-dessus ma couche de peau car les yeux sont devant elle. C'est aussi la raison pour laquelle je n'ai pas poli ces bords parce que je savais qu'ils seront recouverts de peinture. Avec le nœud d'assistance au dessin activé, je dessine un cercle et Procreate fait la moitié du travail pour moi. Ensuite, j'appuie sur mon écran avec un autre doigt pour en faire un cercle parfait. Ensuite, je tape et je fais glisser le curseur du cercle de couleurs vers l'intérieur d'un de mes globes oculaires pour les colorer. [MUSIQUE] Au cours de ce processus, nous ne nous concentrerons pas sur les détails, mais plutôt sur l'établissement des masses majeures de notre sujet dans notre gamme de couleurs. Il est très important que chaque fois que vous coloriez un nouvel élément, vous le faites dans un calque différent. Placer les éléments les plus proches de nous dans des calques au-dessus de notre premier calque et les éléments les plus éloignés de nous dans les calques situés sous notre première couche. Cela peut sembler beaucoup de travail maintenant, mais croyez-moi, cela nous facilitera beaucoup la vie plus tard là où nous commencerons à ombrer notre personnage. [MUSIQUE] Je m' assurerai également d'inclure le fichier PSD de cette illustration afin que vous puissiez voir comment j'organise mes calques. Il s'agit d'un processus assez simple. Ce n'est pas particulièrement difficile, mais cela peut prendre du temps en fonction de la complexité de votre personnage. Alors mettez de la musique, desserrez les épaules, détendez-vous et profitez-en. [MUSIQUE] Choisir les bonnes couleurs pour une peinture est un sujet qui mérite sa propre classe, et c'est précisément pourquoi je pense que cet exercice de peinture d' un personnage de dessin animé est tellement utile car la palette de couleurs est déjà établie. Les personnages de dessins animés ont déjà couleurs très distinctives qui leur sont attribuées, que nous pouvons utiliser comme couleurs plates pour notre illustration. Au fait, vous avez probablement remarqué que je choisis mes couleurs locales dans une palette. Je l'ai créé en appuyant sur l'onglet palettes dans le panneau de couleurs, puis j'ai appuyé sur le signe plus dans le coin supérieur droit et j'ai sélectionné de nouvelles photos. Puis j'ai chargé une capture d'écran de mon personnage que j'ai enregistrée dans ma pellicule et c'était tout, j'avais ma palette. Mais vous n'avez pas nécessairement besoin d'utiliser cette méthode. Vous pouvez choisir et choisir vos couleurs plates en suivant vos intestins. Changer les tons plus froids pour des tons plus chauds ou vice versa. Ne vous sentez pas limité ou n'ayez pas peur d'expérimenter tant que vous n'aurez pas quelque chose qui vous paraît beau. [MUSIQUE] N' oubliez pas d' activer l' aide au dessin chaque fois que vous créez un nouveau calque en appuyant dessus et en sélectionnant aide au dessin dans le menu des options. [MUSIQUE] Une erreur courante lors de la peinture des yeux et dents est de les colorer en blanc pur, mais vous devez vous rappeler que vous devez être en mesure d'être plus léger pour ajouter votre lumière directe et points forts dans ces zones. Je préfère utiliser un gris clair pour les yeux et un jaune clair pour les dents. Mais encore une fois, donnez-vous la permission d'expérimenter différentes options jusqu'à ce que vous obteniez quelque chose qui vous ressemble. [MUSIQUE] C'est également une bonne idée de désactiver votre calque linéaire temps en temps pour vérifier les imperfections et les bords bancaux de vos plats. [MUSIQUE] Notre blocage des couleurs est terminé et nous sommes prêts à commencer l'ombrage. [MUSIQUE] 10. Ombres: [MUSIQUE] Il est maintenant temps d'ajouter nos ombres. Pour ce faire, je vais commencer par établir ma source lumineuse et la direction à partir de laquelle la lumière s' écoule sur le visage de mon sujet. J'ai dessiné ces lignes directrices bleues pour m'aider à déterminer où les zones de lumière et d'ombre commenceront et finiront, et aussi pour m'aider à créer des ombres projetées. Dans cet exemple, je vais ombrager le nez en peignant dans mon ombre là où ces deux lignes bleues le touchent. [MUSIQUE] Vous remarquerez que le rouge que j'ai choisi de peindre mon ombre va vers le violet ou devient plus bleu. En faisant ce choix, j'ai déjà établi que ma source de lumière est chaude et toutes mes ombres seront donc fraîches tout au long de la pièce. Tout ce que nous avons abordé dans cette classe s' articule autour de cette idée simple. Lorsque vous appliquez des ombres et lumières à vos couleurs locales, vous modifiez leur valeur en les rendant plus claires ou plus foncées. Mais chaque fois que vous changez de valeurs, il doit y avoir une teinte changeante correspondante vers une version plus chaude ou plus froide de votre couleur plate. La direction de vos couleurs sera déterminée par la température de votre source lumineuse. S'il fait chaud, vos reflets doivent être chauds et vos ombres fraîches. Si votre source lumineuse est froide, vos ombres doivent être plus chaudes. [MUSIQUE] Maintenant, vous m'avez vu utiliser mes directives pour peindre dans l'ombre projetée par le nez de mon personnage. La technique et le pinceau que j'utilise pendant tout ce processus sont ceux que je vous ai montrés dans la leçon sur la valeur. J'utilise une brosse douce à très faible opacité et je crée mes ombres en travaillant de extérieur vers l' intérieur de ma silhouette, soulevant doucement mon Apple Pencil après chaque coup. N'oubliez pas que vous pouvez également sculpter vos formes d'ombre à l'aide l'outil Gomme. Astuce rapide. En ajoutant mes ombres, je continue de penser à chaque zone individuelle du visage de mon personnage en termes de formes simples. Je pense au crâne, au nez, aux yeux, la bouche, aux joues et au menton, essentiellement des sphères. La seule différence est que certains d'entre eux sont plus allongés ou moins parfaits que d'autres. Vous pouvez voir que réduire votre personnage à des formes simples est non seulement utile pour les esquisser, mais aussi pour le rendre. Je vous ai dit dans la leçon numéro un d'éviter d'être trop sombre avec vos ombres. Mais il semble que je n'ai pas suivi mes propres conseils dans la zone buccale. Pas de problème, tout ce que j'ai à faire est de taper sur mon calque de masque de découpage et d'ajuster son opacité pour rendre ces ombres un peu moins intenses. Je suis sûr que vous avez remarqué que j' ajoute mes ombres à l'aide de masques de découpage. Pour utiliser un masque de découpage et procréer, je crée simplement un nouveau calque au-dessus de n'importe quel calque de couleur plate. J'appuie sur mon nouveau calque et je sélectionne masque de détourage dans le menu Flyout. Toute modification apportée à un masque de détourage sera coupée sur le calque juste en dessous. Vous pouvez appliquer autant de masques d' écrêtage sur vos plats que nécessaire. Je pourrais également utiliser l'option Alpha Lock dans le menu Flyout pour ajouter mes lumières et mes ombres. Mais si je choisis de le faire, tous les changements que j'apporterai à mon image seront permanents. J'aime avoir la possibilité d'essayer différentes températures de couleur et de supprimer tout changement qui ne me plaît pas. J'utilise généralement un masque d' écrêtage pour mes ombres et un autre pour mes lumières, et une fois que je suis satisfait de la direction que prend ma pièce, je les ai fusionnés. Mais cela se produira plus loin. [MUSIQUE] Le processus est toujours le même. Pour créer une nouvelle ombre, je colore, choisis la couleur locale d'une zone, change sa teinte, la rendant légèrement plus fraîche un peu de saturation et rend sa valeur plus foncée. [MUSIQUE] N'oubliez pas de travailler lentement et progressivement. Ne rendez pas vos ombres trop sombres trop tôt. Il est préférable de continuer à réévaluer et à modifier vos valeurs lorsque vous ajoutez davantage de lumières et d' ombres à votre image. [MUSIQUE] C'est l'intérêt d'utiliser des masques de découpage pour pouvoir apporter des modifications à votre image à n'importe quelle étape du processus et comme vous le jugez nécessaire. [MUSIQUE] N'oubliez pas que c'est ma première passe d'ombre et je vais probablement continuer ajuster mes valeurs tout en ajoutant des détails à ma pièce. [MUSIQUE] Eh bien, ces ombres de forme me paraissent plutôt bien. Je pense qu'ils ont déjà ajouté beaucoup de volume à mon personnage. Dans cette optique, passons à l'étape suivante, les ombres d'occlusion. [MUSIQUE] 11. Ombres d'occlusion: [MUSIQUE] ombres d' occlusion, également appelées occlusion ambiante ou ombres de contact, sont un type d'ombre indépendant de la source de lumière directionnelle. Pour sélectionner la couleur de mon occlusion ambiante, je choisis simplement la couleur de mon ombre de forme et je la rends un peu plus faible en valeur et j'augmente un peu de saturation. Cela ne fait pas de mal de rendre la teinte un peu plus fraîche si vous le souhaitez. Pour peindre les ombres, j'ai besoin de rendre mon pinceau beaucoup plus petit afin de créer un bord dur. Ensuite, je vais l' agrandir légèrement pour créer une transition plus fluide. Vous pouvez considérer ce type d'ombres comme les endroits où deux surfaces se rencontrent, où la lumière n'a aucun moyen de s'y rendre. Vous me verrez les peindre là où le nez rencontre la bouche, où les yeux touchent le visage, dans les coins de la bouche, à l'intérieur de ses oreilles, et à n'importe quel autre endroit je pense que le la lumière aurait du mal à entrer. J'ai mentionné que la lumière aurait du mal à pénétrer dans les coins de la bouche de mon personnage, ce qui créera une ombre projetée sur mes dents. Pour atteindre cet effet, je vais maintenant utiliser l'outil de sélection. Si je clique sur l'option « Main levée » dans la barre de menus en bas de l'écran, l'outil Lasso me permet de dessiner librement la zone sur laquelle je veux travailler, créant ainsi une ligne pointillée indiquant la zone que j'ai sélectionnée. Lorsque je suis satisfait de ma sélection, je clique simplement sur le point gris apparu lorsque j'ai commencé à dessiner pour fermer ma sélection. Maintenant, je peux utiliser mon pinceau doux pour peindre au bord même de ma sélection, créant ainsi un bord dur et mon ombre projetée. Je n'ai plus qu'à répéter le même processus de l' autre côté de la bouche de mon personnage. Ensuite, je dois sélectionner mes dents et assombrir un peu plus l'ombre que j'ai peinte plus tôt. [MUSIQUE] Pendant la phase des couleurs plates, j'ai peint et ombragé mes dents comme une seule structure solide. Mais l'outil de sélection me permet de séparer chaque dent et de peindre rapidement et facilement les ombres d'occlusion entre elles. Je dois simplement passer par-dessus le bord d' une dent et sélectionner une petite zone d'une dent adjacente. Ensuite, en utilisant un pinceau doux, je commence à peindre près du bord de ma dent pour créer l'ombre d'occlusion. De cette façon, je peux donner l' impression que ses dents sont en contact les unes avec les autres et qu'elles sont les unes devant les autres. Maintenant, je n'ai plus qu'à répéter le même processus cinq fois. [MUSIQUE] Je pense que cela couvre les ombres d'occlusion présentes dans la bouche de mon personnage. Passons à son visage. J'ajouterai quelques ombres d' occlusion dans chaque zone où deux surfaces se rencontrent, comme les yeux et son front ou ses joues et ses yeux, au sommet de sa tête où cette boule de cheveux et son la peau crânienne se rencontre. Un autre endroit évident pour ajouter une ombre d'occlusion sera l'intérieur de ses oreilles. Je pense que c'est dans cette partie du processus que nos personnages commencent vraiment à prendre vie. À mon avis, les ombres d'occlusion vendent vraiment l'illusion de la tridimensionnalité. Comme je l'ai mentionné dans la leçon précédente, ajouter des ombres à votre image et ajuster leur luminosité ou leur obscurité sont un processus long. En général, je ne peins pas dans mes lumières et ombres si ordonné et méthodique. Étant tout à fait honnête, j'ai tendance à faire des allers-retours de l'ombre à lumière et à revenir aux ombres une manière beaucoup plus intuitive et indisciplinée. Mais par souci de clarté, j'essaie de garder les choses aussi ordonné que possible. N'oubliez pas que la plupart du temps, vous devrez passer une seconde ou même une troisième passe pour obtenir correctement les valeurs de vos ombres de forme et de vos ombres d' occlusion. Super. C'est tout pour nos ombres d'occlusion. Passons à l'étape suivante, peindre sous notre lumière. 12. Éclairage: [MUSIQUE] C'est probablement la partie la plus facile du processus. Pour créer un surlignement, je vais simplement choisir ma couleur locale et aller la direction opposée dans le curseur de teinte vers une teinte plus chaude. Ensuite, je diminuerai considérablement la saturation. Enfin, je vais alléger cette valeur en faisant glisser le curseur inférieur vers la droite. Mais rappelez-vous, faites de votre mieux pour ne pas passer au blanc pur. Je vais commencer par ajouter une lumière directe à l'iris ou aux pupilles de mon personnage. C'est un peu comme ajouter de la lumière à cette sphère que nous avons peinte en échelle de gris au tout début de la classe. Ensuite, je vais peindre dans la lumière directe sur le nez de mon personnage. Je m'assure de désaturer ma couleur locale et de la déplacer vers une teinte plus chaude cette fois. N'en faites pas trop, un peu le fera. [MUSIQUE] Maintenant, il est temps d' ajouter quelques points forts. Il doit s'agir des valeurs les plus légères de notre composition. J'irai avec un rouge super clair pour le nez de mon personnage. [MUSIQUE] Essayez également d'être subtil avec les points forts. Si vous en faites trop, votre personnage pourrait finir par paraître trop plastifié. [MUSIQUE] Je vais également mettre un point culminant dans la lèvre inférieure car elle fait également face à la lumière. [MUSIQUE] Ensuite, je pense que je vais ajouter un peu de lumière directe à sa langue. Mais cette fois, j' utiliserai l'un des pinceaux de texture fournis par défaut avec Procreate au lieu de mon pinceau habituel. Après quelques expériences, j'ai décidé d'utiliser l'ancien pinceau pour peau dans section matériaux de la bibliothèque de pinceaux, mais vous pouvez également essayer d'autres pinceaux à texture. [MUSIQUE] Pour les reflets des yeux, j'utiliserai un blanc presque pur et un pinceau rond dur. [MUSIQUE] N'oubliez pas de désactiver l'option de symétrie lorsque vous peignez des points forts, car ils doivent tous être orientés vers la source lumineuse. [MUSIQUE] Je pense que pour faire ressortir ces reflets, je dois assombrir la valeur des ombres dans les globes oculaires pour créer un peu plus de contraste. C'est ce que je voulais dire en faisant plusieurs passages d'ombres. Au fur et à mesure que vous progressez dans votre peinture et que vous continuez à ajouter des détails, ce type d'ajustements deviendra de plus en plus nécessaire. [MUSIQUE] Ensuite, à l'aide de ma gomme, je vais créer un bord plus doux au bas de la surbrillance, en l' effaçant avec un pinceau rond doux à très faible opacité. [MUSIQUE] Je pense que c'est fini. Maintenant, il est temps de travailler sur nos antécédents. [MUSIQUE] 13. Lumière de backgrund et réfléchie: [MUSIQUE] Pour travailler sur mon arrière-plan, j'aime créer un nouveau calque et le placer sous tous les autres calques de mon projet. Il est maintenant temps de choisir une couleur pour notre arrière-plan, qui nous informera ensuite la couleur de notre lumière réfléchie. J'adore l'apparence de ces roses neutres contre les couleurs les plus vives de mon personnage. Mais depuis que je lui ai donné des crocs, je ne pense pas que ça corresponde à l'humeur de la pièce. J'ai besoin de quelque chose d'un peu plus sombre et macabre. J'ai décidé d'aller avec un violet foncé car mon personnage est jaune pâle et le violet est gratuit. Ensuite, je vais choisir une version plus légère de ce violet et créer un dégradé à l'aide d'un gros pinceau doux. Ensuite, je peux utiliser le réglage du flou gaussien pour le rendre encore plus fluide. Maintenant, je vais ajouter quelques lumières réfléchies en choisissant une version plus légère et plus désaturée du violet en arrière-plan, car ce phénomène est produit par la lumière produite par votre source lumineuse. rebondissant sur votre arrière-plan. N'oubliez pas que ce type de lumière est moins intense et visible uniquement dans les zones ombragées de votre peinture Veillez donc à la peindre doucement et en douceur l'aide d'un pinceau doux à très faible opacité. J'ajouterai de la lumière réfléchie dans chaque zone de mon personnage qui fait face au sol, comme le bas de la lèvre supérieure, le bas des oreilles, le menton, le bas de ses cheveux et le bas de son nez, et aussi le bas de ses globes oculaires et le bas de ses pupilles. Vous devez également garder à l'esprit que sa valeur doit être plus claire que la valeur de votre ombre de forme, mais plus foncée que votre demi-teinte ou votre valeur locale. Pour vous aider, je pense que c'est le moment idéal pour introduire un petit hack qui peut vous aider à garder vos valeurs sous contrôle même lorsque vous travaillez directement avec la couleur. C'est ce que vous devez faire. Tout d'abord, créez un nouveau calque et placez-le au-dessus de toutes les autres couches de votre projet. Sur le côté droit de votre calque, vous verrez une ou plusieurs lettres qui vous indiquent quel mode de fusion est actif sur votre calque. Par défaut, le mode normal est actif, affiché par la lettre N. Appuyez dessus pour ouvrir le menu « Modes de fusion ». Maintenant, sélectionnez l'option « Couleur » en bas de la liste. Maintenant, peignez toute votre couche avec peinture blanche et vous disposez d'une version en échelle de gris de votre pièce. Il sera ainsi beaucoup plus facile de juger si vos valeurs nécessitent des ajustements. qui est génial, c'est qu'en utilisant ce calque avec ce mode de fusion activé, vous obtenez deux illustrations pour le prix d' une, une en couleur et une autre en échelle de gris. J'adore la façon dont la lumière réfléchie aide vraiment à vendre la vraie dimensionnalité du personnage. J'ai oublié de mentionner que je suis toujours créer un nouveau masque de découpage et les clipser sur mes calques de couleurs locaux , mais à ce stade, vous pouvez choisir de peindre des lumières réfléchissantes dans votre ombre. ou vos calques de lumière, ou vous pouvez fusionner ces calques ensemble pour garder les choses plus simples et organisées. Vous en apprendrez plus à ce sujet lors de la prochaine leçon. C'est fini. Passons maintenant à notre dernière leçon où nous allons peaufiner et ajouter une touche finale à notre projet. [MUSIQUE] 14. Touches finales: [MUSIQUE] Maintenant, je vais faire quelque chose que je pense que j'aurais dû faire plus tôt, qui consiste à fusionner mes couches. Vous pouvez fusionner un calque en appuyant dessus, en ouvrant Options de calque, puis en touchant « Fusionner vers le bas ». Ici, j'utilise une autre méthode. Je fusionne plusieurs groupes en les pinçant avec deux doigts. Il suffit de pincer les couches supérieure et inférieure que vous souhaitez fusionner. Bien mieux. Maintenant, ce que je vais faire, c'est créer un nouveau groupe de calques en appuyant sur un calque, puis en sélectionnant tous les autres calques que je veux regrouper en faisant glisser mon doigt vers la droite au-dessus de chacun d'eux, puis je appuyez sur l' option « Regrouper » dans le coin droit du panneau de calques. Une fois que j'ai regroupé mes calques, je balaie vers la gauche d' un doigt et je sélectionne l'option « Dupliquer ». Je vais appuyer sur mon nouveau dossier créé et sélectionner « Aplatir ». J'ai maintenant une copie de mon personnage en un seul calque. Il est temps d'ajouter une touche finale à notre tableau pour vraiment le faire éclater. Je vais commencer par ajouter une texture. J'ai rassemblé des textures sur Internet et je les ai enregistrées dans un fichier procreate pour pouvoir y accéder facilement. Mais je suis presque sûr que vous pouvez en trouver beaucoup plus en naviguant sur Internet. Je vais choisir cette texture de vieux livre. J'appuie sur la diapositive avec trois doigts mon écran et un menu apparaîtra, puis j'appuie sur « Copier ». Ensuite, j'irai dans Mon dossier, je glisse trois doigts vers le bas et j'appuie sur « Coller ». La texture apparaîtra dans un nouveau calque. Maintenant, je dois l' agrandir jusqu'à ce qu'il s'adapte à mon Canvas à l'aide de l'outil Déplacer. Ensuite, je vais appuyer sur le calque et choisir entre la couche la plus procrée ou n'importe quel logiciel de peinture numérique. J'essaie d'abord de le multiplier, puis je vais faire défiler vers le bas pour voir s' il y a autre chose que j'aime. Je suis vraiment en train de creuser ce mode de division. Cela a rendu tout plus frais. Maintenant, je peux aller dans le menu Réglages et ajouter un peu de bruit à l'aide du filtre de bruit. Je vais faire glisser mon doigt vers la gauche et la droite plus difficile ou plus lisse . Je pense que je vais ajouter un peu de sang dans ses crocs en créant une nouvelle couche au-dessus mes dents et en jouant avec les pinceaux dans la section éléments de la bibliothèque de pinceaux. J'abaisse l'opacité du pinceau des nuages et crée des taches de sang sur ses dents. Cette brosse à nuages me permet également d'ajouter un peu de brouillard en arrière-plan qui, je pense, ajoutera une touche agréable à la pièce. J'ai juste besoin de créer un nouveau calque, placer au-dessus de mon arrière-plan et de peindre. Ensuite, en peignant sur le même calque, je vais choisir un pinceau rond dur avec une taille plutôt petite, faible opacité et peindre avec un peu de lumière de jante. Je pense que ses cheveux pourraient aussi utiliser du travail. Comme vous pouvez le voir, j'ai cassé les bords des cheveux sur le côté gauche de sa tête. Je l'ai fait en sélectionnant la brosse à cheveux fine dans le dossier des matériaux de la bibliothèque de pinceaux. Puis je colorie l'échantillon de ses cheveux et j'ai ajouté quelques mèches de cheveux lâches en ajoutant quelques coups de pinceau suivant les lignes courbes des bords de ses cheveux. Lorsque vous avez fini d'ajouter des détails à votre personnage, il suffit de continuer à ajuster vos valeurs à l'aide du calque de mode couleur que nous avons créé précédemment jusqu'à ce que vous soyez satisfait. Vous pouvez continuer à jouer avec la vaste gamme de filtres et d' effets fournis par votre logiciel numérique de choix et avec tous les pinceaux de textures incroyables que vous pouvez trouver en ligne si vous regardez autour. Une fois que vous êtes satisfait du résultat, il est temps d'enregistrer votre fichier et l'exporter pour le partager avec le monde entier. Félicitations. [MUSIQUE] 15. Réflexions finales: [MUSIQUE] Bonjour à tous. Si vous avez réussi jusqu'ici, il ne reste plus qu'une chose à dire, merci. J'espère vraiment que vous avez aimé regarder ce cours autant que j'ai aimé le créer. Croyez-le ou non, pendant le long processus d' écriture, de tournage et de montage de ce cours, j'ai solidifié beaucoup de concepts que j'ai compris. J'ai fait en sorte que ce cours essaie d'inclure toutes les informations théoriques et pratiques que j'aurais aimé avoir lorsque j'ai mis la main sur une tablette à dessin, et j'ai à peine gratté la surface. Ce cours a pour but de vous motiver à approfondir votre compréhension de la théorie des couleurs, à étudier les anciens maîtres à vous permettre de comprendre le flux de travail de nombreux artistes contemporains qui téléchargent leurs vidéos de processus de peinture numérique sur le Web. N'oubliez pas qu'être bon dans n'importe quoi est une question d'effort et de cohérence. N'hésitez pas à laisser un commentaire ou un commentaire sur le cours, et n' hésitez pas à me suivre pour recevoir d'autres contenus comme celui-ci si vous aimez ce cours. Encore une fois, merci beaucoup d'avoir suivi ce cours, et je vous verrai la prochaine fois. [MUSIQUE] 16. Vidéo bonus : Critique du projet d'étudiant #1: Bonjour à tous et bienvenue sur le premier épisode de Critique Rig, un espace dédié à vous faire part de vos commentaires sur les projets de cours que vous soumettez dans le cadre de mon cours Skillshare. Colorier l'art numérique, une approche pratique. À ce jour. Il présentera des œuvres d'art soumises par Edna. J'aimerais commencer par souligner tous les points positifs de votre projet. Tout d'abord, excellent dessin. C'est impressionnant de penser que vous n'avez même pas utilisé un stylet, mais plutôt votre souris d'ordinateur pour le dessiner. Alors bravo à toi. Deuxièmement, il me semble que vous avez une très bonne compréhension des anciens principes d'éclairage discutés en classe. Je vois que tu utilises une seule source de lumière. Je peux voir la direction dans laquelle la lumière se déplace à travers nos ombres projetées, nos ombres occlusion et même une partie de la lumière réfléchie. Cela me permet de savoir que vous avez une assez bonne compréhension des concepts et des idées discutés en classe. Sur une base suffisamment solide pour continuer à la développer et à s'améliorer par la pratique. Mais il y a quelques problèmes avec votre peinture. Pour mieux les illustrer, je vais tirer parti du hack de la couche de couleur que je vous ai montré dans la leçon 13. Au cas où vous l'auriez oublié, voici comment cela fonctionne. Vous ouvrez votre panneau Calques, vous créez un nouveau calque. Appuyez sur la lettre N pour ouvrir le menu Modes de fusion. Sélectionnez ensuite l'option couleur, remplissez toute la couche de peinture blanche et vous obtenez une version instantanée en niveaux de gris de votre projet. Je vais dupliquer la couche pour pouvoir vous montrer les versions avant et après de mon QuickPaint Over. Le premier problème que je vois concerne vos valeurs. Remarquez que même lorsque les couleurs sont différentes, la valeur de l' arrière-plan est presque la même que celle que vous utilisez pour colorer votre personnage. En fait, si vous plissez les yeux par endroits, il est difficile de voir où se termine le personnage et où commence l'arrière-plan. C'est ce qu'on appelle un avantage perdu et ce n'est pas toujours une mauvaise chose. En fait, de nombreux artistes utilisent cette technique pour améliorer leurs compositions, améliorer leur langage des formes et attirer l'attention du spectateur. leur fait perdre tout intérêt pour les zones qui se fondent dans l' arrière-plan et leur fait pointer les yeux vers les points focaux. Mais dans ce cas, étant donné que nous n'avons qu' un seul caractère sur un fond de couleur unie, je pense qu'il vaudra mieux avoir un contraste plus clair et plus élevé entre le personnage et l'arrière-plan. Le deuxième problème concerne la température de couleur. Je pense que la différence de température entre les zones claires et les zones sombres pourrait être un peu plus marquée ou dramatique, étant donné qu'il s'agit des pierres violacées que vous utilisez pour les chariots colorés sont tous les deux plutôt cool. J'ai l'impression qu'ils n' ont pas non plus assez de contraste. Nous avons donc un manque de contraste à la fois en termes de température et de validité. Et je peux résoudre les deux problèmes en choisissant la couleur violette que vous avez utilisée dans les ombres et en la rendant un peu plus désaturée, plus lumineuse et plus chaude. Je vais également colorer l'intérieur de sa bouche un peu plus foncé pour créer un peu plus de contraste avec les dents jaunes. Maintenant, vous allez me voir colorer les dents en jaune plus clair pour créer un peu plus de contraste. Enfin, abordons les zones les plus sombres du personnage, que sont le nez, les oreilles du navigateur. Lorsque vous utilisez du noir ou une couleur similaire, vous pourriez être tenté d'être très conservateur lorsqu'il s'agit de peindre à la lumière du jour. Mais ne le soyez pas. Il est tout aussi important de faire une distinction claire entre la lumière et les ombres dans ces zones que lorsque vous utilisez des couleurs plus claires ou plus vives. Enfin, ne négligez jamais d'ajouter reflets lumineux dans des zones telles que les notes. Surtout si votre personnage est un animal. Les chiens, les chats, les ours et les loups ont tendance à avoir le nez très humide et brillant. Mais concentrez-vous sur les yeux, car ils constituent le point focal ultime de toute peinture de portrait. Maintenant, lorsque j'activerai ma couche de niveaux de gris, j'espère que vous pourrez voir une distinction claire, un contraste plus élevé entre les parties du personnage Dorian Light et celles qui sont dans l'ombre. Ça va un peu mieux. Mais je pense que nous pouvons obtenir un contraste encore plus élevé cette fois en modifiant la couleur de fond. J'utiliserai une version moins saturée et légèrement plus lumineuse de ce vert. Et cela fait reculer l'arrière-plan au loin, qui permet à notre personnage de paraître plus proche et d'attirer l' attention du spectateur. Donc, en conclusion, chaque fois que vous voulez savoir si vos valeurs et votre température de couleur fonctionnent bien. Tu peux faire deux choses. Lorsque vous travaillez numériquement. Vous pouvez utiliser une couche blanche en mode de fusion des couleurs pour obtenir une version en niveaux de gris de votre peinture qui supprimera la couleur de l'équation et vous permettra de juger de votre choix de valeur. Et si vous travaillez de façon traditionnelle, vous pouvez simplement plisser les yeux et voir si les zones d'ombre et de lumière se distinguent à la fois en termes de valeur et de température de couleur. Ici, j'utilise l'outil de flou gaussien pour simuler ce qui se passe lorsque nous plissons les yeux. Si vous pouvez voir la frontière entre les familles de couleurs claires et froides et familles de couleurs chaudes et froides dont nous avons parlé dans la leçon 6.7. Avec suffisamment de clarté, cela signifie probablement que vous devez ajuster vos valeurs. Et c'est tout pour le petit conseil d'aujourd'hui. J'espère que vous trouverez ces informations utiles et utiles dans les années à venir. Enfin, j'aimerais vous encourager à publier vos œuvres d'art dans la section projets et ressources de la classe. J'ai hâte de voir sur quoi vous travaillez et je serais ravie de critiquer vos œuvres et de vous aider à réussir. N'hésitez pas non plus à laisser une critique du cours dans la section de révision. Cela peut sembler peu, mais cela fait vraiment une différence en termes de rendre ce cours accessible à un plus grand nombre de personnes sur la plateforme. Merci beaucoup pour le temps vous m'avez accordé et à très bientôt.