Champs de fleurs sauvages à l'aquarelle moderne, à la gouache et au stylo

1. Introduction: Bonjour, je suis Anne, une artiste et éducatrice d'art en ligne de Pittsburgh, en Pennsylvanie Bien que j'aie participé à de nombreuses formes d'expression artistique pendant la majeure partie de ma vie, cela ne fait que quelques années que j'ai découvert le plaisir de l'aquarelle et, plus récemment encore, le potentiel du guash Je dois admettre que lorsque j'ai commencé mon parcours à l'aquarelle, je n'étais pas préparée à la courbe d'apprentissage que cette technique m'imposait Cependant, avec beaucoup de pratique, cela est devenu plus facile. trouver des matières que je peux payer encore et encore avec des variations a rendu le processus d'apprentissage engageant au lieu d'être périmé et répétitif Dans de nombreux cas, ces sujets sont devenus des espaces sûrs de croissance et d'exploration dans mon art, tout en développant mes compétences avec ce médium. Les thèmes de mes cours précédents, tels que les paysages forestiers éthérés, ciel éclatant des champs arc-en-ciel et les motifs à carreaux audacieux, sont devenus exactement cela sujets que je peux revisiter encore et encore lorsque je suis à court d'idées ou que je cherche de l' inspiration pour le prochain grand projet. derniers temps, ces champs de fleurs sauvages ont conquis mon cœur et mon pinceau, tout en développant ma compréhension de la superposition, et je suis impatiente que vous en fassiez l' expérience avec ce cours Ce cours met l'accent sur les de base du lavage à l'aquarelle et techniques de base du lavage à l'aquarelle et du stylo gel, y compris les coups de brasse, lavage et la superposition de couches, et combine les compétences acquises pour créer des motifs de champs de fleurs sauvages modernes, amusants et éclatants Étant donné que les principes fondamentaux de ces techniques sont discutés et mis en pratique tout au long du processus, le cours convient aux artistes de tous niveaux, en particulier aux débutants La perfection n'est pas une exigence pour ce cours. Nous apprendrons comment masquer les erreurs en superposant des seins. Dans la plupart des cas, coups de sein lâches et désordonnés peuvent produire des résultats étonnants avec ce type de projet Tout d'abord, nous allons pratiquer les lavages et les coups de pinceau utilisés pour les pétales de fleurs et les champs d' herbe tout en explorant les qualités transparentes et opaques aquarelle et du Après l'échauffement et la discussion sur l'harmonie des couleurs, nous peindrons la première couche de notre champ et de notre ciel à l' aquarelle, en recouvrant les zones blanches du papier Ensuite, le processus de superposition commence, créant du contraste, de la profondeur et de la perspective Enfin, nous ajouterons des détails Dodal modernes avec un stylo gel blanc À la fin du processus, votre projet sera plein de couleurs et de dimensions, et vous développerez les outils nécessaires pour créer de nombreuses peintures de champs de fleurs sauvages colorées et attrayantes que vous pourrez apprécier telles quelles ou que vous pourrez utiliser pour créer des arrière-plans de lettrage, des cartes de vœux, etc. et vous développerez les outils nécessaires pour créer nombreuses peintures de champs de fleurs sauvages colorées et attrayantes que vous pourrez apprécier telles ou que vous pourrez utiliser pour créer des arrière-plans de lettrage, des cartes de vœux, Les techniques apprises peuvent être appliquées à de nombreux autres projets et styles vous voudrez peut-être explorer après le cours. Mais si vous êtes comme moi, vous serez peut-être complètement enthousiasmé par le projet et voudrez continuer à peindre d'innombrables champs de fleurs sauvages J'espère que vous peindrez avec moi aujourd'hui et découvrirez ce sujet méditatif et passionnant Si vous avez des questions pendant le cours, n'hésitez pas à nous contacter. Et lorsque vous aurez terminé votre œuvre d'art, n'oubliez pas de la publier galerie du projet ou de me taguer sur Instagram. J'adore voir et partager les projets de classe. Dans la vidéo suivante, nous allons passer en revue les fournitures nécessaires, puis passer directement à l'action. Alors je t'y verrai. 2. FOURNITURES: Voici les fournitures dont vous aurez besoin pour ce projet. Un ensemble de peintures à l'aquarelle. Lors de la planification de ce cours, je voulais vraiment montrer qu'il est possible de créer de superbes œuvres d'art avec du matériel adapté aux besoins des étudiants. En parcourant mes anciennes fournitures, j'ai découvert cette vieille palette d' aquarelles opaques et dit qu'elles seraient parfaites pour ce projet Je n'ai vu que aquarelles commercialisées comme étant transparentes, mais j'ai beaucoup expérimenté avec elles, et elles semblent offrir une meilleure couverture que les aquarelles ordinaires C'est pourquoi j'ai trouvé que ces peintures sont très faciles à superposer, moins pour ce type de style artistique. J'utiliserai également un ensemble de casseroles pour étudiants d' Arteza que je viens d'acheter sur Amazon pour environ 14 dollars Ce set m'a agréablement surpris. Je m'attendais à ce qu'il y ait des mélanges de couleurs ternes. Mais en ce qui concerne les aquarelles destinées aux élèves, elles sont éclatantes et faciles à mélanger. Ces ensembles, ainsi que la plupart des kits d'introduction, proposent une large gamme de couleurs pratiques prémélangées, comme les oranges, les violets et les verts Mais si vous n'avez que quelques couleurs primaires pour commencer, une roue chromatique est un excellent outil pour apprendre à mélanger les couleurs. Il existe également de nombreux excellents cours de mélange de couleurs sur Skillshare, y compris mon cours sur la peinture des quatre saisons Au début du cours, j' expliquerai comment choisir vos couleurs discuterai de quelques conseils de base pour l'harmonie des couleurs. Ne vous inquiétez donc pas de ne pas avoir exactement les mêmes couleurs que moi. Ce cours est conçu pour vous donner la liberté de composition et de couleurs. En plus des aquarelles, nous utiliserons également du guash pour la profondeur et guash est une aquarelle lisse et crémeuse, base d'eau et soluble dans l'eau, ce qui signifie que l'aquarelle n' est pas transparente Il peut être dilué comme de l' aquarelle pour un aspect transparent, mais il est le plus souvent utilisé directement à la sortie du tube avec juste assez d'eau mélangée pour faciliter l'utilisation Il a la même texture et souvent le même pouvoir couvrant épais que acrylique, mais il sèche jusqu'à obtenir l' acrylique, mais il sèche jusqu'à obtenir une finition cartographique et peut être réactivé avec de Vous pouvez utiliser n'importe quel jeu de guash, mais si vous n'avez pas les moyens d'acheter un ensemble complet, je vais vous montrer comment créer des versions opaques de vos aquarelles en y ajoutant uniquement un peu de guash blanc Donc, au contraire, investissez simplement dans un tube de blanc. Et même si je ne les ai pas beaucoup utilisés et que je suis encore en train d'apprendre comment ils fonctionnent, je viens d'acheter un jeu de guash mm sur Amazon J'ai vu ces adorables pots de peinture sur Internet et je n'ai pas pu résister à l'envie de m'en acheter un. Je vais essayer de les utiliser dans notre projet d' aujourd'hui, mais nous n'utiliserons principalement que le guash blanc mélangé à la technique de l'aquarelle Mais si vous n'avez pas du tout accès à du guash, vous pouvez remplacer les peintures acryliques ou les stylos à peinture Veillez simplement à conserver des zones de mélange séparées pour vos aquarelles et acryliques, car vous ne voulez pas peintures séchées recouvrent vos pots d' N'importe quel type de papier aquarelle ou mixte fera l'affaire. J'utiliserai du papier pressé à froid Arches 100 % coton découpé et collé sur un bloc-notes Désormais, vous n'avez plus besoin du papier le meilleur ou le plus cher pour ce projet. Nous n'utiliserons pas de grands lavages à l'eau. Ainsi, même si vous n'avez pas inquiéter du fait que le papier se déforme trop, il doit être suffisamment épais pour supporter quelques couches de peinture et de stylo J'ai essayé ce projet sur du papier pressé à chaud, qui est lisse plutôt que texturé comme le papier pressé à froid, et qui se comporte un peu différemment selon certaines techniques, mais j'ai vraiment aimé le résultat C'est donc certainement une option. J'ai également peint ces fleurs et ces carnets de croquis. Donc, en fait, le papier que vous vous sentez plus à l'aise avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise est celui que vous devriez utiliser. Vous avez également besoin de papier brouillon pour tester les valeurs totales et les mélanges de couleurs. d'avoir une variété de pinceaux à aquarelle Il est utile d'avoir une variété de pinceaux à aquarelle, mais ce n'est pas nécessaire Je n'utiliserai qu'un huit , environ six, et peut-être une doublure pour les détails finaux, mais amusez-vous bien et expérimentez avec les pinceaux que vous possédez. Je vais passer en revue les coups de pinceau que nous allons pratiquer pour les fleurs. Mais ce projet consiste uniquement à expérimenter avec ce que vous avez Nous vous encourageons donc à utiliser les styles de pinceau de votre choix. Deux pots d'eau, l' un pour nettoyer votre brosse et l'autre pour utiliser de l'eau propre. Un stylo gel blanc ou tout autre stylo gel, y compris les stylos métalliques ou même les stylos à encre noire ordinaires, sont excellents substituts et peuvent donner des résultats vraiment uniques Une palette ou une assiette de mixage. Nous allons maintenant mélanger différentes valeurs tonales et couleurs, vous aurez donc besoin d'un espace de mixage suffisant Je préfère les palettes en céramique, mais celles en plastique sont également très pratiques. Enfin, des serviettes en papier et du ruban adhésif si vous prévoyez de travailler avec du ruban adhésif en vrac sur un bloc-notes Et c'est tout. Même si vous avez le strict minimum de ces fournitures, c'est suffisant pour peindre avec moi. Dans la leçon suivante, je ne consacrerai que quelques minutes à l'examen certains termes et techniques courants que nous utiliserons. Ensuite, nous passerons directement au projet. Je te verrai alors. Je. 3. Aquarelle et Gouache: Comme ce processus est en grande partie intuitif et spontané, nous n'avons pas besoin de tout savoir sur les bons coups de sein Comme nous allons superposer différentes valeurs tonales, c'est-à-dire des teintes allant du plus foncé au plus clair et en utilisant un support opaque, toute erreur peut être masquée ou intégrée à la composition Si vous utilisez des aquarelles pour casseroles, commencez simplement par vaporiser de l'eau sur vos casseroles pour adoucir la peinture Si vous n'avez pas de flacon pulvérisateur, vous pouvez déposer de l'eau propre sur les casseroles pour les humidifier avec votre brosse Il s'agit d'une étape préliminaire importante à la peinture, en particulier lorsque vous utilisez des peintures adaptées aux besoins des étudiants. L'aquarelle est composée de pigments en poudre mélangés à des liants. Parfois, il suffit de prendre une seconde pour bien mélanger l'eau dans la couleur de la poêle, juste pour s'assurer qu'il n'y a pas de grumeaux Lorsque j' utilise des aquarelles à la poêle, ma règle générale est de faire passer la peinture de la poêle à la palette, puis de la palette au papier La première technique que nous allons pratiquer est un simple lavage humide sur sec. Je vais commencer par mélanger environ 50 % d'eau, 50 % de peinture, charger mon pinceau et peindre un simple rectangle uniforme et coloré. Si nous voulons approfondir cette couleur et augmenter l'intensité de la couleur, nous allons simplement récupérer un peu plus de peinture bleue dans le moule, et nous pouvons constater que moins nous utilisons d'eau dans le mélange, plus la valeur tonale sera foncée Et vous pouvez déjà voir à quel point ce rectangle est plus foncé le premier rectangle que nous avons peint avec environ 50 % de peinture à l'eau. Et l'une des techniques que nous pouvons pratiquer à partir de là est la technique du traînage, où nous pouvons prendre un pinceau rempli d'eau propre et le faire passer le long du bord du bloc de couleur humide En faisant glisser votre pinceau vers le bas, vous pouvez voir les pigments s'écouler dans l'eau claire, créant un dégradé lisse entre tonale foncée et une valeur tonale ultérieure Une autre façon de penser à la valeur tonale est de prendre en compte la consistance de la peinture Les mélanges contenant le moins d'eau sont souvent appelés mélanges de miel. La consistance est épaisse, lisse et crémeuse. Si nous ajoutons de l'eau pour diluer notre mélange, le ton moyen obtenu est souvent considéré comme la consistance du lait. Et plus nous diluons notre mélange, nous obtenons la consistance T, qui peut être réduite en eau jusqu'aux taches couleur les plus claires et les plus transparentes Comme ces blocs sont encore mouillés, nous allons pratiquer une technique humide sur humide, où nous allons ajouter de la peinture humide les zones qui ne sont pas encore sèches. Et juste un conseil : chaque fois que vous changez de couleur, assurez-vous de laver votre pinceau dans de l'eau sale, puis de le rincer à l'eau claire avant de le changer de couleur Je vais juste prendre un peu de ce vert, charger mon pinceau , puis le déposer sur les zones encore humides. Et vous pouvez voir les pigments de la nouvelle couleur se disperser lors du premier lavage. Toutes les marques que nous faisons sont recouvertes de plumes, ne laissant aucune ligne dure Je vais donc simplement essayer d'ajouter des couleurs différentes avec des valeurs tonales différentes lors des premiers lavages humides, juste pour voir comment les différentes couleurs interagissent les unes avec les Et c'est à peu près la base de Wet on Wet. Et une fois que c'est sec, nous pouvons superposer ces couleurs avec notre technique humide sur sec. Si vous vous entraînez en même temps, vous pouvez utiliser un sèche-cheveux pour accélérer le temps de séchage. Mais maintenant que mon papier est sec, je vais mélanger une consistance de miel à ce bleu que nous avions utilisé précédemment. Et vous pouvez voir à quel point il est beau et lisse lors de notre premier lavage. Et si vous superposez différentes couleurs, vous pouvez commencer à voir les couleurs sous-jacentes briller , car les deux supports sont transparents, même lorsqu'ils sont utilisés avec une consistance concentrée Et ici, vous pouvez voir la différence entre la marque humide sur humide que nous avons créée avec cette orange et la marque humide sur sec que nous avons faite avec la même couleur. Donc, comme je l'ai déjà dit, nous allons utiliser l'aquarelle pour les étapes initiales. Mais pour ajouter plus de contraste et valeur tonale à nos champs de fleurs, nous allons utiliser du guash Comme Guash est opaque, il nous permet de superposer une valeur tonale plus claire à une couleur plus foncée Dans le cas des peintures à l'aquarelle, vous les abordez d' abord en utilisant les couleurs les plus claires et en construisant les zones sombres à partir de là, veillant à conserver les couleurs claires et parfois même en utilisant le blanc du papier pour représenter les zones les plus claires Si nous utilisons du guash, nous n'avons vraiment pas à nous soucier de préserver la lumière et le blanc de notre papier, car la teinte claire du guash sera suffisamment opaque pour servir de zones claires Je vais donc simplement ajouter une goutte d' eau à ce guash que j'ai extrait du tube et faire un bon mélange crémeux juste pour qu'il soit souple sur le pinceau Et vous pouvez constater que tant que le mélange est suffisamment crémeux, la couverture est lisse et opaque. Et comme je l'ai dit, le guash est généralement utilisé directement le tube avec juste un peu d' dans le tube avec juste un peu d' eau mélangée pour faciliter l'utilisation Mais tout comme à l'aquarelle, vous pouvez ajouter de l'eau et la diluer pour obtenir plus de transparence Maintenant, je vais appliquer un peu de guash blanc, et vous verrez que la peinture est suffisamment épaisse pour recouvrir tout le bleu qui se trouve en dessous Mais si vous n'avez pas d' autre couleur de guash que le blanc, voici une excellente technique que vous pouvez utiliser comme substitut Je vais prendre un peu de cette aquarelle vert vif et transparente, en déposer un peu sur ma palette à côté de mon jet blanc et mélanger les deux Je veux m' assurer de ne pas ajouter trop d'eau pour qu' elle soit transparente. Et je veux aussi m' assurer ajouter suffisamment d'aquarelle à mon mélange de gouache pour qu' il ne soit pas trop pastel Et vous pouvez voir que ce mélange est aussi brillant et opaque que la teinte que nous utilisons directement à la sortie du tube. Ensuite, je vais utiliser une partie de ce guash, qui est un peu plus difficile à utiliser pour moi J'ai l'impression que la peinture colle plus à mon pinceau qu'elle n' adhère au papier, mais chaque nouveau matériau nécessite une courbe d'apprentissage Après ce cours, je vais essayer d'utiliser différents pinceaux et différents papiers présentant cette entaille afin de vraiment la comprendre abord, je vais prendre une partie de Tout d'abord, je vais prendre une partie de cette aquarelle orange et superposer sur notre première couche d'aquarelle, pour que vous puissiez voir la différence lorsque nous en ajouterons une partie à notre guash aquarelle, pour que vous puissiez voir blanc Et je trouve que mon mélange air un peu trop pastel, alors je vais juste ajouter un peu plus de pigment aquarelle orange à mon mélange Et vous pouvez constater qu'en plus d' être teintée d'une valeur totale plus claire, la couverture est plus complète par-dessus l' aquarelle bleue que l'aquarelle seule Je vais juste donner un autre exemple rapide de superposition. Je vais juste prendre un peu de cette aquarelle verte et la superposer sur ce carré rose que je viens de peindre Et vous pouvez voir que même si cette aquarelle verte a plutôt la consistance d'un miel, elle est toujours transparente et vous pouvez toujours voir le rose briller en dessous. Mais lorsque nous ajoutons un peu de guash blanc à l'aquarelle, cela augmente l'opacité et éclaircit Et vous pouvez voir que j'ai ajouté suffisamment d' aquarelle verte pour que la teinte pas pastel et assez guash pour que la couleur soit opaque Je vous encourage donc à apprendre à connaître les qualités transparentes et opaques des fournitures que vous possédez. Ces exercices simples vous permettront réellement de développer vos compétences et vos connaissances au fil du temps. Dans la leçon suivante, nous passerons en revue quelques coups de pinceau et parlerons un peu de l'harmonie des couleurs avant de nous lancer dans le projet. 4. Brushstrokes pinceaux et harmonie des couleurs: Maintenant que nous avons exploré les différentes qualités de l'aquarelle et de la gouache, nous allons juste prendre un moment pour pratiquer les coups de pinceau utilisés pour les éléments de nos champs de fleurs sauvages. Maintenant, je ne suis pas proche d'un expert en plantes ou en art floral, et les termes que je vais utiliser pour décrire ces éléments floraux ne sont en aucun cas scientifiquement corrects. Mais c'est bon parce que nous allons utiliser coups de pinceau simplifiés pour représenter trois types de fleurs de base. En commençant par la plus grande fleur, j'ai été inspiré par la forme d'une tulipe et je l'ai simplifiée en quatre à cinq pétales de forme ovale, arrondis mais remontés. Avec la fleur du milieu. Je me suis inspiré de jacinthe de raisin ou de toutes autres fleurs en forme de cône qui sont composées de petits pétales provenant d'une seule tige. J' utilise la pointe de mon pinceau pour créer petits blobs dans un cône ou une forme triangulaire pour celui-ci. Et la troisième fleur, qui sera notre plus petite fleur, agira comme un remplisseur d'espace entre les plus grandes fleurs. Et il est composé de petits coups de pinceau blobby regroupés en grappes qui sont répartis horizontalement par opposition à la direction verticale dans laquelle poussent les fleurs moyennes. Donc, pour pratiquer la première fleur, je vais juste prendre de la peinture, et n'importe quelle couleur fera pour cet échauffement rapide si vous suivez le long. Et vous pouvez utiliser n'importe quelle taille brosse ronde pour cela. Mais sachez que plus la brosse est grande, plus vos fleurs seront grandes. Choisissez donc une taille de pinceau en fonction de la taille du papier sur lequel vous peignez. Donc, pour cette plus grande pièce de neuf par 12 pouces, j'avais l'habitude de gros rond huit pour les pétales de fleurs. Et pour la petite pièce de cinq sur sept pouces, j'ai utilisé un numéro six arrondi pour les fleurs. Assurez-vous donc que votre brosse n'est pas trop grande pour le papier que vous utilisez. Comme vous voudrez être sûr que vous avez assez de place pour tous les éléments de votre conception. Donc je vais juste mélanger une consistance laiteuse, couleur rose vif et j'utilise mon pinceau rond numéro 6. Donc, je vais charger ma brosse, puis avec la pointe de ma brosse sur le papier, je vais juste le faire glisser vers le haut dans une forme ovale arrondie, puis revenir vers le bas à l'endroit où j'ai commencé. Vous pouvez remplir tous les espaces blancs si vous le souhaitez. J' ai donc fait quelques boucles avec ma brosse, avec le fond des ovales connectés. Et puis je vais juste faire des lignes incurvées de chaque côté, juste pour que les pétales s'ouvrent pour faire face au soleil. Et lorsque vous créez ces formes ovales connectées, elles n'ont pas à être dans la même taille exacte ou dans la même direction. Juste pour qu'ils soient assez semblables pour ressembler au même type de fleur dans toute la composition. Et c'est essentiellement la première forme de fleur. Pour la deuxième fleur, je vais passer à la couleur pourpre et juste utiliser la pointe de ma brosse pour faire des petits tirets et la forme de l'arbre, veillant à garder l'espace entre les tirets afin ce ne soit pas un triangle solide de couleur. Et ne vous inquiétez pas de rendre les tirets uniformes ou de la même taille et forme les uns que les autres, juste pour qu'ils aient l'air d'appartenir au même type de fleur. Une technique que nous pouvons utiliser à partir d'ici est la technique humide sur humide, où je vais juste prendre un peu de violet profond et la déposer sur le fond de nos tirets pour qu'il ressemble à des ombres sur les dessous des pétales. Assurez-vous de continuer à garder de l'espace blanc entre les tirets et essayez simplement de concentrer les ombres sur le dessous des pédales. Les tirets peuvent être aussi soignés ou désordonnés que vous le souhaitez et n'ayez pas peur d'ajouter de la variété. Et tout comme les grandes fleurs, ces fleurs du milieu n'ont pas à avoir la même apparence, juste assez semblables en taille et en forme pour ressembler à la même espèce de fleur. Pour la troisième et la plus petite fleur, je vais juste prendre une partie de cette couleur orange doré et juste faire de petites formes d'étoiles pointues avec la pointe de mon pinceau. Ne vous inquiétez pas si elles ne ressemblent pas encore à des fleurs. La superposition que nous allons faire va les faire ressembler à des fleurs au lieu de petits blobs épineux. Et je les regroupe aussi en forme de monticule horizontal. Et je laisse aussi du blanc du papier entre les blobs. Et comme tout à l'heure, je vais tomber dans des dessous humides orangés plus foncés de ces formes. Et c'est vraiment aussi loin que les coups de pinceau vont. Et juste une chose de plus rapide avant de commencer, nous devons choisir nos couleurs. Puisque nous avons trois formes et tailles de fleurs différentes, nous voulons choisir trois couleurs qui contrastent, mais quand même, semblent harmonieuses. En gardant à l'esprit que nous allons utiliser une large gamme de légumes verts différents pour les graminées et les tiges. J' aime toujours utiliser une roue de couleur pour guider. Et à l'arrière du mien, ça me montre des relations de couleurs différentes. J' utilise le plus souvent la relation triade pour m'aider à choisir les couleurs pour cette pièce, une triade fait référence à trois couleurs espacées également sur la roue (ou en forme de triangle) Fondamentalement, les couleurs qui vivent directement en face de l'autre sont des couleurs complémentaires. Si nous allons un espace de part et d'autre de la couleur inférieure, nous obtenons la couleur gratuite divisée supérieure, puis aux triades. Et puis nous pouvons même aller aux tetrads, qui sont des couleurs qui tombent dans une forme carrée ou rectangulaire. Et maintenant, puisque nous allons utiliser toutes les gammes de vert, allant du vert froid au vert chaud. Nous pouvons les garder hors de nos couleurs de fleurs possibles. Vous pourriez peindre un champ de fleurs avec seulement des fleurs rouges, orange et jaunes, mais cela pourrait ne pas nous donner assez de contraste dynamique comme nous le ferions si nous avions utilisé quelques couleurs de la tétrade ou une règle de relation triade. Et pour cette pièce, j'ai utilisé un rose, orange jaunâtre, et un bleu. Et pour celui-ci, j'ai utilisé du corail, du jaune et du violet. Donc ils n'ont pas besoin d'être des triades exactes ou des tetrads, mais juste assez près pour que les différentes fleurs ne se fondent pas les unes dans les autres, et que vous incluez un mélange de tons froids comme les bleus et les violets et les tons chauds comme les roses, les oranges, et les jaunes. En outre, quelle couleur vous appliquez à quelle forme de fleur peut changer radicalement l'apparence. Dans les deux, les fleurs principales sont rose, orange jaunâtre et bleu, mais elles ont l'air différentes parce que les couleurs correspondent à différentes formes de fleurs. J' ai aussi varié les nuances de rose, jaune-orange et bleu entre les deux pièces. Donc, si vous vous trouvez à court de combinaisons de couleurs différentes, comme je l'étais autrefois, changez quelles fleurs correspondent à quelles couleurs. Et vous pouvez trouver tant de looks différents pour vos champs de fleurs. Voici un autre design rose, jaune-orange, et bleu que vous pouvez voir que les nuances légèrement différentes de couleur et faire le plus grand bleu fleur change vraiment la sensation de la peinture. Donc, bien que je n'ai pas décidé quelles couleurs je vais utiliser pour chaque fleur pour la démonstration du projet. Je sais que je vais certainement utiliser un orange jaunâtre, un rose magenta vif et un violet. Et je pourrais aussi ajouter un peu de violet bleuâtre. Nous allons examiner les différents verts que nous allons utiliser à ce stade. Et vous pouvez utiliser toutes les couleurs que vous voulez suivre avec, mais vous êtes plus que bienvenu pour utiliser les mêmes couleurs que je viens de choisir. Maintenant que tout est fait, nous sommes prêts à commencer. 5. Première couche de fleurs: Puisque je travaille sur une feuille de papier de 8 po x 6 po desserrée aujourd'hui, je vais enregistrer mon papier dans un presse-papiers avec un vieux ruban de masquage régulier. Cette étape n'est pas nécessaire, mais je pense que cela aide lors de l'utilisation des lavages et j'aime le bord net qu'il laisse. Quand j'ai peint ça sur un bloc de presse à chaud, je n'ai pas collé mes bords parce que le bloc maintient le papier en sécurité. J' ai cependant enregistré mes pages de carnet de croquis. Donc c'est vraiment à toi de décider. Pour commencer. Nous choisirons notre pinceau en fonction de la taille de notre papier. Et j'utiliserai un pinceau rond moyen, taille six parce que ce sera une bonne taille pour mon papier de huit par six pouces. Nous aborderons cette peinture en commençant par les plus grandes fleurs jusqu'aux plus petites fleurs. Et une fois que les fleurs sont cartographiées, pour la plupart, nous allons passer au ciel, à l'herbe, puis construire le contraste avec les ombres et les reflets avec aquarelle et la gouache avant de le finir avec des détails d'encre. Donc, à partir de la première plus grande fleur, la fleur inspirée de la tulipe, j'ai décidé de mélanger une couleur rose avec deux des nuances de ma palette. Donc, quelle que soit la couleur que vous choisissez pour votre plus grande fleur, faites-la une consistance lisse et laiteuse, et visez un peu plus bas que le milieu de votre papier. Pour le premier pétale. Chargez votre pinceau avec de la peinture, puis faites glisser la pointe de votre pinceau dans des mouvements ovales vers le haut, en se connectant au bas et en remplissant les pétales. Et après avoir fait quelques pétales centraux, nous pouvons ajouter des pétales courbes et plus minces sur les côtés. De notre première fleur. Nous irons à partir de là pour remplir le papier de chaque côté. Vous ne voulez pas que vos fleurs poussent dans une rangée droite, alors essayez de garder de l'espace pour décaler les fleurs. Vous ne voulez cependant pas être strict avec votre stupéfiant. Vous pouvez légèrement modifier la taille des pétales et la direction des fleurs pour ajouter de la spontanéité et de la variété à vos champs de fleurs. Et lorsque vous utilisez la peinture sur votre palette, sauf si vous avez de très grands puits de palette, vous devrez peut-être mélanger continuellement plus de mélange de peinture. Nous ne voulons pas non plus que les fleurs soient regroupées au milieu du papier. Ainsi, nous pouvons peindre des pétales qui chevauchent les bordures pour donner l'impression que le champ est continu dans les deux sens. Et comme nous l'avons fait lors de l'échauffement, hésitez pas à ajouter une valeur tonale plus foncée au bas de ces fleurs web. Alors continuez à étouffer les fleurs sur le papier, laissant un peu d'espace en bas. Ensuite, nous pouvons passer à notre deuxième plus grande fleur, la fleur en forme de cône. Je vais utiliser un jaune vif avec un peu d'orange doré pour le contraste. Et nous devons garder à l'esprit de rendre ces fleurs plus petites que les premières, si possible, parce que nous ne voulons pas que les fleurs rivalisent pour l'espace sur la composition. Sur le côté de la fleur au milieu du papier, nous pouvons commencer à ajouter en petits tirets avec une pointe de notre pinceau, variant légèrement en taille, mais poussant dans la même direction en forme d'arbre. Je vais m'assurer de garder un peu d'espace entre les tirets et ensuite j'ajouterai de la peinture orange à la face inférieure des pétales. Si vous trouvez que vos couleurs d'ombre plus foncées se dispersent trop loin dans votre couleur plus claire, vous pouvez incliner votre papier pour encourager les pigments à s'installer dans les zones où se trouveraient les ombres. Et maintenant, nous pouvons simplement commencer à remplir cet ensemble de fleurs, les décalant entre ou en regardant par derrière la première série de fleurs. Maintenant, ce processus est intuitif et chaque couche de fleurs dépend de l'endroit où vous placez celles avant elle. Alors amusez-vous avec ces prochaines étapes et ne vous attardez pas sur le placement. Plus vous les peignez, plus il est facile de comprendre le placement des fleurs. Nous voulons préserver l'espace pour tous nos éléments. Mais sachant que nous avons de la gouache pour couvrir les erreurs, enlève une partie de la pression de la perfection. Avant d'aller par-dessus bord avec les fleurs jaunes, je vais commencer à remplir un peu d'espace avec la plus petite fleur, qui sera pourpre dans mon cas. Et j'ai aussi décidé d'ajouter du bleu à mon mélange violet pour augmenter le contraste. Nous pouvons commencer par ajouter de petits blobs épineux dans les espaces entre les autres fleurs, en les transformant en petites grappes ressemblant à des monticules. N' hésitez pas à passer à un pinceau plus petit pour cette fleur si vous voulez plus de contrôle sur la taille des pétales. Et comme avant, nous pouvons ajouter de la peinture plus foncée avec la technique humide sur humide à la face inférieure de cette fleur. Maintenant que la moitié inférieure du papier se remplit, nous voulons ajouter des fleurs plus petites au loin. Pour avoir l'impression que notre champ est en train de reculer dans la distance, nous voulons agrandir nos fleurs au premier plan et plus petites près de l'arrière-plan. Et comme ces fleurs sont au loin, elles n'ont pas besoin d'être des formes complexes. Juste quelques blobs et tirets qui sont représentatifs de nos trois types de fleurs feront l'affaire. Je vais juste ajouter quelques uns de chaque couleur stupéfiant à travers le haut du champ de fleurs aléatoirement. Maintenant que notre couche de base de fleurs est terminée, nous pouvons travailler sur le ciel pendant qu'il sèche. 6. Calques de ciel et de grammes: Pendant que notre première couche de pétales sèche, nous allons travailler sur le ciel. Je vais prendre un pinceau plus grand pour cette étape parce que j'ai l'impression qu'il est plus facile de couvrir de plus grandes surfaces d'espace avec et je vais aussi vouloir avoir une zone propre de la palette à mélanger. On va peindre le ciel en utilisant une technique humide sur mouillé. Seulement, nous allons ajouter de la peinture au papier ordinaire humide au lieu de au-dessus de la couleur précédente. Alors chargez votre brosse avec de l'eau propre et commencez mouiller le dessus de votre papier pour qu'il soit saturé, mais qu'il n'y ait pas de flaques d'eau sur le papier. Arrêtez votre ligne d'eau juste un peu sur la petite ligne de fleurs de distance. Et on dirait que le haut de mon journal est déjà en train de se dessécher. Donc je vais ajouter de l'eau propre à cette zone. Si vous travaillez avec du papier de presse chaud ou du papier qui n'est pas du coton, vous devrez peut-être travailler rapidement à cette étape car l'eau absorbe rapidement ces types de papiers. Alors prenez n'importe quelle nuance de bleu que vous voulez que votre ciel soit ou mélangez votre propre nuance et mélangez-la dans une consistance de miel, de sorte qu'elle soit hautement pigmentée et lisse. N' hésitez pas à tester vos mélanges de couleurs. Et quand vous êtes heureux, chargez votre pinceau avec le bleu et appliquez-le sur le dessus de la feuille. Et vous pouvez lentement faire glisser le pigment vers le bas dans un gradient lisse, mais en faisant glisser peu ou pas de pigment vers la ligne d'horizon. Vous voulez vous assurer que la zone du ciel juste au-dessus fleurs est beaucoup plus claire que le ciel en haut de la page, je veux assombrir un peu le ciel, donc je vais ajouter un peu plus de bleu en haut de la page. Et je ne vais pas faire glisser la couleur trop loin, mais plutôt soulever jusqu'à ce que ma page et comme la gravité dispersent le pigment vers le bas. Si le ciel à la ligne d'horizon devient trop sombre, nous pouvons prendre un pinceau propre et légèrement humide et aspirer n'importe quel bord dur ou ligne. Et si vous trouvez le ciel bleu trop loin vers l'horizon, vous pouvez incliner votre page de la façon opposée pour encourager les pigments à s'installer plus loin de l'horizon. J' aime à quoi cela ressemble déjà et je ne ressens pas le besoin de s'en mêler plus longtemps. Donc, si vous êtes satisfait de votre ciel, nous pouvons le laisser sécher et travailler sur des couches et des fleurs avant de passer à l'herbe, cela nous aidera à affiner la composition un peu plus avant cette étape. Revenez donc à l'autre palette que j'ai utilisée pour les fleurs et mélangez une couleur de fleur rose de consistance de miel plus foncée. Et avec mon petit pinceau, je vais ajouter quelques contours gestuels. Sont les marques mouillées sur sec à l'endroit où le dessous des pétales serait. Certains de vos contours peuvent aller tout autour des pétales et d'autres pourraient simplement agir comme des ombres. Il suffit donc d'ajouter intuitivement les tons plus foncés aux zones de la fleur qui seraient dans l'ombre. Si vous pouvez imaginer que le soleil brille directement d'en haut. Passant à la fleur du milieu, je vais ajouter un peu de couleur or orangé, tout en veillant à ce que je garde certains des espaces blancs dans les grappes ici et là. Mais en profitant de cette occasion pour ajouter de la dimension et de la plénitude à la pièce. Et la même chose avec les plus petites fleurs violettes. Je vais ajouter des tirets plus sombres pour remplir un peu la page et ne pas obséder d'ajouter trop ou trop peu à ce stade. Après l'herbe, nous aurons de nombreuses occasions d'ajouter reflets ou des ombres et de couvrir toutes les erreurs avec de la gouache. Donc, avant d'arriver à l'herbe, nous devons nous assurer que notre papier est complètement sec. Le ciel devrait être presque sec maintenant, et notre couche d'ombre sèche humide ne devrait pas être trop loin derrière. Je vais utiliser un sèche-cheveux pour accélérer mon temps de séchage. Une bonne indication que votre papier est 100% sec est lorsque vous touchez le papier, il ne fait pas froid au toucher après que la chaleur du séchoir a disparu, prenez un certain temps pour appuyer sur les bords de la bande s'ils ont tiré vers le haut. Je vais m'en tenir à mon petit pinceau pour cette étape dans passage à ma palette qui a plus d'espace à mélanger, nous allons choisir une nuance plus claire de vert. Je vais choisir cette couleur vert citron et mélanger une fine consistance. Et je vais vous montrer comment nous pouvons tonifier ces verts brillants, parfois néons, jusqu'à une nuance de vert plus naturelle. C'est lumineux et joli, mais ce n'est vraiment pas la nuance de vert la plus organique ou naturelle. Je vais prendre un peu de couleur rougeâtre et le mélanger avec du vert. Et on dirait que j'ai ajouté beaucoup trop de rouge au début. Donc je vais juste ajouter un peu plus vert pour lutter contre la rougeur dans le mélange. Et vous pouvez voir que nous avons fait plus d' une nuance vert olive que de la nuance vert citron. Je vais y retourner et ajouter un peu plus de vert et juste pour l'égayer un peu plus. Et j'aime bien ça. Donc je pense que je vais juste aller avec cette nuance et ajouter assez d'eau pour m'assurer que c'est une bonne consistance de thé. Je vais commencer par le côté droit pour ne pas traîner mon bras dans ce qui est mouillé. Et si vous êtes droitier, vous pouvez commencer à gauche. Chargez votre pinceau et commencez en haut du champ. Nous allons peindre soigneusement, mais pas obsessionnellement, autour des fleurs, assurant de peindre près et autour des pétales que nous avons peints plus tôt, en remplissant toutes les taches blanches dans ou autour des touffes de pétales. Ne vous inquiétez pas si vous chevauchez les bords de vos pétales avec un mélange d'herbe. Et ne vous inquiétez pas si vos coups de pinceau deviennent un peu désordonnés. Nous pouvons couvrir toutes les erreurs avec qouache plus tard. Pour moi, c'est l'une des étapes les plus fastidieuses du projet. Et j'ai souvent l'impression que c'est là que se passe la brève et laide étape de la peinture. Mais faites confiance au processus et sachez que tout se réunira à la fin. Et quand vous arrivez à la peinture autour de la ligne d'horizon, assurez-vous de ne pas peindre une ligne solide à travers. Vous devez le rendre irrégulier et cahoteux. Continuez à mélanger plus de couleur d'herbe est nécessaire, mais ne vous obsédez pas d'obtenir exactement le même vert dans toute la pièce. Ça n'aura pas d'importance une fois que nous commencerons à superposer. Et à présent, vous pouvez remarquer que des zones de votre couche d'herbe se dessèchent avant d'y retourner, créant des bords durs où les sections se chevauchent et se rencontrent. Maintenant, c'est tout à fait correct. Toutes les lignes ou les saignements de peinture bizarres seront superposées les unes sur les autres à un moment donné. Continuez à remplir le reste de ce mélange vert dans l'une des zones blanches du papier. Maintenant que les blancs du papier sont couverts, le reste de la peinture tombera assez rapidement en place. Nous allons nous assurer que notre herbe est complètement sèche. Ensuite, nous ferons les ombres de finition, reflets et les détails de verdure. 7. Réglage du contraste avec l'aquarelle: Avant de passer à la gouache, je vais ajouter des détails d'aquarelle plus foncés aux pétales et à l'herbe. Je vais le faire magenta foncé, couleur de consistance miel en ajoutant un peu de rouge pour le contraste. Et comme nous l'avons fait auparavant avec un pinceau plus petit, tracez entièrement ou partiellement les bords ou les fonds des pétales à l'aide photos de référence pour vous donner une idée de l'endroit où se trouveraient les couleurs plus sombres des ombres. Si vous avez un peu bâclé avec la couche d'herbe plus tôt. C' est une bonne occasion de peindre sur toutes les zones qui se chevauchent avec les couleurs des pétales à une valeur tonale plus profonde. Passant à la fleur du milieu, je vais ajouter des couleurs plus foncées, dorées, orange, mais surtout en veillant à garder certaines des zones les plus lumineuses encore brillantes. Ne vous inquiétez pas si vous allez par-dessus bord. On gardera le contraste du bâtiment au fur et à mesure. Par conséquent, les reflets et les ombres vont s'équilibrer les uns les autres et continuer à ajouter du contraste et de la dimension aux plus petites fleurs aussi bien. Bien que certaines ombres des pétales soient encore humides, nous pouvons passer à l'herbe. Donc, bien que nous utilisions des teintes principalement naturelles de vert clair pour notre couche initiale, qui peut utiliser toutes les gammes de vert jaune-vert à vert bleuâtre frais pour les lames d'herbe et les feuilles. Donc, je vais juste préparer quelques mélanges verts différents à avoir à la main. Ces légumes verts peuvent être une consistance crémeuse et miel. Je vais rester avec ma brosse ronde numéro 6, mais n'hésitez pas à passer à un pinceau plus mince pour plus de contrôle. En commençant par la plus grande fleur, je vais prendre une partie de cette consistance de miel vert foncé, et faire une ligne à partir de la base des pétales vers le bas, s'arrêtant juste au-dessus de la fleur, en dessous. Et à la base des grandes pédales faire une petite encoche en forme de V de sorte qu'il semble que les pétales poussent hors de la tige et pas seulement une forme de sucette. Ne continuez pas les tiges du milieu de la page jusqu'au bas. Nous ne voulons pas faire croire aux fleurs qu'elles mesurent quatre pieds de haut, plutôt qu'il y a des couches de fleurs qui se chevauchent de l'arrière-plan au premier plan. Pour les fleurs lointaines, courts tirets feront l'affaire. Je vais changer mon vert pour les fleurs en forme de cône. Et si vous regardez l'une des photos de référence, vous verrez que dans ces types de fleurs, il y a une tige centrale ou une tige qui relie d'autres petites tiges et pétales. Ajoutez donc de petites zones de tige dans toute la fleur. Et pour les plus petites tiges de fleurs, elles ressemblent à de petites grappes avec beaucoup de verdure. J' ajouterai donc des tirets croisés plus petits pour ces pagaies juste en dessous de la ligne des pétales. Et maintenant que tous les groupes de fleurs ont des tiges, nous allons juste commencer à remplir les espaces verts avec de l'herbe. Faire des tirets et des lignes aléatoires entre les fleurs, utilisez une variété de verts et épaisseurs de coups de pinceau pour remplir les zones. Vous pouvez même croiser et les chevaucher dans les fleurs pour un look plus naturel. Plus vous vous approchez de la ligne d'horizon cependant, essayez d'utiliser des couleurs plus claires car les couleurs sont moins saturées dans le lointain et elles sont de près. Donc, je vais rester avec des couleurs plus claires et plus de consistance de peinture arrosée plus je me rapproche de la ligne d'horizon. Il suffit donc d'ajouter une variété de lignes vertes et de tirets avec la pointe de votre pinceau dans toutes les zones entre les fleurs. Alors je pense que je vais m'arrêter ici et revenir aux fleurs pour l'instant. On peut toujours y retourner et ajouter plus d'herbe plus tard. Ensuite, nous allons vraiment commencer à ajouter du contraste avec la gouache. 8. Contraste avec la Gouache: J' ai donc fait de la place sur mon bureau et sur ma palette pour la gouache, j'ai ma gouache Himi Jelly et je pense que je pourrais expérimenter certains de ces verts pour le contraste dans l'herbe, mais je vais surtout utiliser la gouache blanche mélangée avec technique de l'aquarelle. Commencez par presser un peu de gouache blanche sur le palais à côté des couleurs de fleurs que nous avons utilisées plus tôt. Vous pouvez prendre un pinceau plus petit pour les détails si vous souhaitez ou garder celui que vous utilisiez plus tôt. Et avec un pinceau avec très peu d'eau, je vais prendre un peu de blanc et le mélanger avec une couleur rose pour qu'il soit léger et opaque comme ça. Il suffit donc d'ajouter quelques reflets aux fleurs se concentrant sur le dessus des pétales dans les amas de pétales, comme sur nos photos de référence, où la lumière du soleil vient directement d'en haut. Et ils peuvent juste être des tirets et des blobs de surbrillance superposés sur les pétales. Nous pouvons aller plus loin d'ici, mais je vais d' abord sauter aux fleurs du milieu et essayer de construire la pièce par étapes. Je vais faire une couleur jaune très opaque. Et le plus lumineux, mieux c'est parce que je suis allé un peu par-dessus bord avec mon herbe et couvert trop de jaune clair plus tôt. Il suffit de tamponner la gouache teintée sur toutes les zones mises en évidence des pétales. Comment aussi couches, une partie de cette gouache légère aux zones qui sont trop clairsemées avec des fleurs. Et ça va vraiment commencer à remplir la page. Et je suis allé à ma gouache jaune , donc je vais ajouter un peu de cette gouache Himi jaune à mon mélange. Avant de me laisser trop emporter, je vais passer à la fleur violette et tamponner un peu de violet clair sur le sommet des amas de pétales, puis les étaler extérieur dans un endroit où il y a trop d'espace vert. C' est une bonne occasion de remplir la composition et couvrir également toutes les erreurs avec de la gouache opaque. J' ai perdu certaines de mes ombres sombres dans ce processus. Donc, je vais juste ajouter quelques zones plus sombres pour équilibrer certaines des zones plus légères que j'ai ajoutées. Continuez à aller et venir en ajoutant des reflets et des ombres, en équilibrant le contraste. Cette étape, avec la plupart de ce projet, est intuitive. Et vraiment vous seul pouvez dire quand l'équilibre entre la lumière et l'obscurité est atteint. J' ai l'impression qu'il y a trop d'espace au loin. Donc, je vais blob aléatoirement dans quelques couleurs avec de la gouache. Je veux aussi ajouter un peu plus de contraste avec les verts, en particulier en ajoutant quelques brins d'herbe plus foncés près du premier plan. Je vais donc ajouter certains des mélanges d'aquarelle plus sombres que nous avons faits, ainsi que certains de la gouache verte Himi Jelly. Et enfin, je veux juste ajouter quelques marques contrastantes plus sombres sur les grandes fleurs qui sortent de la tige. Et il ne reste plus qu'à ajouter les détails du stylo. Donc, si vous avez l'impression qu'il manque encore quelque chose dans votre pièce, ces détails apporteront le design complètement. 9. Touches de finitions et conclusion: Maintenant, nous allons griffonner une couche de contour de stylo amusante au-dessus de notre peinture. Et cette étape va vraiment tout rassembler. Bien que j'utiliserai un stylo gel blanc sur le projet principal, pour faciliter la visualisation des lignes du stylo, je vais d'abord vous montrer les marques sur ce papier de pratique avec un stylo noir. Maintenant, ce sont des griffons gestuels lâches sur le dessus de notre pièce dans les marques de stylo n'ont même pas à décrire chaque pétale et chaque forme. Pour la plus grande fleur. Fondamentalement, je vais juste faire des formes de pétales qui se chevauchent. Ne vous inquiétez pas s'ils ne s'alignent pas vraiment avec vos pétales. Pensez à cette couche de stylo comme un doodle séparé superposé sur notre champ de fleurs que nous avons peint. Les marques de stylo des deuxièmes fleurs sont en forme de petits « M » empilés les uns sur les autres de façon aléatoire dans une forme vague d'un triangle. N' ayez pas peur de travailler rapidement et lâche et ne soyez pas obsédé par trop de détails ou aligner le stylo avec la peinture. Pour les plus petites fleurs, je fais essentiellement des blobs en forme de fleur squiggly avec quelques points au milieu sur certains d'entre eux. Voilà donc nos trois grandes lignes. Et comme je l'ai dit plus tôt, vous pouvez expérimenter avec n'importe quelle couleur de stylo. J' aime vraiment utiliser le stylo gel blanc pour ce projet. Comme dans toutes les étapes précédentes, nous allons commencer avec la plus grande fleur et travailler notre chemin vers la plus petite fleur. Continuez donc à faire de grands contours loopy lâches et gestuels de stylo. Les fleurs les plus éloignées dans le dos n'ont pas besoin de beaucoup de détails et vous pouvez vous en sortir avec quelques gribouillons vagues pour eux. Et une fois que les fleurs sont tracées, nous pouvons faire des lignes droites et des tirets de chaque côté des tiges de fleurs principales et à travers les zones herbeuses. Près du sommet, les lignes peuvent être plus courtes, choppier. Vous pouvez les disperser au hasard à travers l'herbe. Et rappelez-vous qu'ils n'ont pas à faire face à la même direction ou quoi que ce soit. Imaginez un champ de fleurs qui souffle dans le vent. Et maintenant que c'est fait, on peut enlever la cassette et voir notre dernière pièce. Et voici notre champ de fleurs terminé. C' est lumineux, joyeux et moderne. Et une fois que vous entrez dans la rainure de superposition, il est vraiment difficile d'arrêter de les fabriquer. Et bien que j'ai principalement montré des combinaisons de couleurs vives, les possibilités sont vraiment infinies en ce qui concerne la couleur va. Ils font de superbes pièces à encadrer tel quel. Vous pouvez également les numériser pour les utiliser comme arrière-plan pour le lettrage numérique à la main. Un produit que j'ai fait avec ces champs de fleurs sauvages est un ensemble de cartes de vœux que j'ai répertorié dans ma boutique Etsy. Je terminerai la leçon avec la vidéo hyper-lapse d'un processus entier d'une pièce que j'ai faite récemment afin que vous puissiez regarder en arrière toutes les couches qui sont entrées dans ce projet. J' espère que vous avez eu du plaisir à vous joindre à moi pour ce projet et que vous êtes inspirés de peindre des miles de Flower Fields. N' hésitez pas à répondre à toutes vos questions en cours de route et assurez-vous de télécharger des photos de vos champs de fleurs sauvages dans la galerie de projets. Vous pouvez également me suivre sur Instagram, @ariane_hope_ qui sera lié à la description de la classe, et me taguer dans n'importe lequel de vos projets, j'aimerais les voir là aussi. J' ai hâte de te voir là-bas ! Joyeux tableau !