Bibliothèque : peindre avec de l'acrylique

1. Aperçu du cours: Si vous voulez commencer à peindre, vous êtes au bon endroit. acrylique est le support de peinture idéal pour les débutants et même les professionnels comme moi adorent la flexibilité et la facilité d'utilisation de l'acrylique. Je suis Nina Weiss, et c'est une bibliothèque de start-up. La peinture à l'acrylique est ma passion absolue. Et je suis là pour vous donner autant enthousiasme que moi pour la peinture. Je peins depuis 11 ans et j'apprends encore de nouvelles choses. Ce cours est rempli de toutes les choses que j' aurais aimé savoir dès le début. C'est le point de départ idéal. J'ai utilisé toutes sortes de peintures à l'huile et à la gouache, et je reviens sans cesse à l'acrylique. Maintenant, parlons de la façon d'utiliser votre temps. Tirez le meilleur parti de ce cours. Nous allons commencer par passer en revue les outils et les fournitures dont vous aurez besoin pour réussir, y compris la peinture, les pinceaux et les supports à acheter. Ensuite, nous allons approfondir et faire quelques exercices pour vous familiariser avec les peintures. Je vais vous enseigner les techniques de mélange de couleurs et de pinceau. Tout au long de ces leçons, nous commencerons à travailler avec seulement deux volets, le blanc et le noir. Et au fur et à mesure des leçons, nous ajouterons de plus en plus de couleurs. terminerez le cours en réalisant une peinture en couleur, une nature morte au citron, où vous mettrez toutes vos nouvelles compétences à l'épreuve. Vous avez fait tout ce chemin et c'est la première étape de votre parcours de peinture acrylique. Peindre est censé être amusant, pas effrayant. Alors n'oubliez pas que ce n'est qu'une peinture. Plus aucune excuse. Appuyez simplement sur. 2. Ce dont vous avez besoin de la peinture et de la palette: Commençons par le tout début et parlons de ce que nous voulons dire lorsque nous parlons de peinture acrylique. Dans cette première leçon, nous aborderons tout ce que vous devez savoir pour commencer. Je vais vous montrer comment naviguer en toute confiance dans la boutique d'art et comment acheter de la peinture, choisir une palette de peinture et choisir vos couleurs. Lorsque vous pensez aux matériaux d'art, leur point commun est le pigment. Mais là où ils diffèrent, c'est le liant qui donne aux peintures leur consistance. Et toutes les peintures ont également un enduit. Le liant en acrylique est donc un polymère, ce qui donne à l' acrylique la capacité de sécher rapidement et de se sceller. Le matériau de remplissage de l' acrylique est de l'eau, ce qui rend la peinture soluble dans l'eau. Et c'est pourquoi c'est une peinture si propre. Vous n'avez pas besoin d' utiliser de térébenthine, vous n'avez pas besoin d'utiliser de solvants. Vous venez d'avoir une source d'eau et vous êtes en activité. En fin de compte, cela signifie que les acryliques sèchent rapidement. Vous pouvez les superposer facilement. Vous pouvez les utiliser sur une grande variété de surfaces. Et ils sont vraiment polyvalents. Ils se nettoient facilement car ils sont solubles dans l'eau. C'est pourquoi ils sont si faciles à utiliser. Mais vous entrez dans un magasin d'art et vous verrez probablement une allée de peinture gigantesque et écrasante. Vous allez voir de nombreuses marques différentes. Vous allez voir un emballage différent. Vous verrez des tubes de peinture, des bouteilles de peinture, des pots de peinture, pots de peinture et d' autres couleurs et vous pouvez compter. Alors, par où commencer ? Tout d'abord, divisons toutes ces peintures en deux types ou qualités différents. Nous allons les appeler peinture de qualité artistique ou professionnelle par rapport à peinture de niveau étudiant. Ainsi, lorsque nous examinons une peinture de qualité artistique, nous avons affaire à une magnifique consistance de beurre une opacité et à une couleur exactement comme vous le souhaitez. Voyons donc en comparaison à quoi ressemble la peinture des élèves. Je vais donc vous en donner un échantillon. Et il y a quelques choses que vous remarquerez tout de suite. Vous pouvez donc constater qu'en remplaçant la qualité professionnelle, c'est une lecture riche et pleine de beurre. C'est un rouge primaire. C'est opaque. Lorsque nous avons remplacé la peinture destinée aux élèves, elle est devenue transparente et d'une couleur complètement différente. Je ne l'utiliserais pas pour mélanger comme rouge primaire. Donc deux peintures très différentes, qualité professionnelle, de qualité étudiante. autre façon de savoir que vous obtenez une peinture de qualité étudiante est de voir des mots tels que, bien sûr, étudiant, base ou studio. Et ce que vous n'allez pas voir c'est un système d'étiquetage complet. Lorsque nous examinons notre peinture de qualité professionnelle, nous voyons de nombreuses informations à l'arrière du tube qui vous indiquent des informations telles que l'opacité, l'épaisseur ou les propriétés de teinte. L'une des choses les plus importantes que vous remarquerez en termes qualité professionnelle est qu'ils sont vendus en série. Donc, sur ce tube de votre jaune primaire, vous remarquerez qu'il s'agit d'une série de pigments dont le prix est différent. Certains pigments sont beaucoup plus chers. Ainsi, par exemple, si nous regardons le rouge pyrrole, vous verrez qu'il s'agit d'une série 8 et que ce tube de peinture vous coûtera plus cher. Donc, dans la peinture destinée aux étudiants, nous n'avons pas la série numéro deux. Ce n'est pas vraiment une question de pigment. Les étiquettes vous donneront quelques informations. Ce n'est pas le type de peinture de qualité professionnelle que je souhaite que vous utilisiez pour vos projets. L'autre point à propos de cet ensemble de peintures, c'est qu'il a l'air vraiment tentant. Il y a beaucoup de couleurs ici, mais voyons ce qui se passe réellement lorsque nous réfléchissons aux couleurs dont nous avons besoin pour nos projets. Qu'est-ce que nous avons ? Nous avons un blanc, nous avons un noir. Fabuleux. Tu vas en avoir besoin. Quelle est la prochaine étape ? C'est brun. Je vais vous apprendre à utiliser votre peinture pour créer une couleur neutralisée, qui est le brun. Nous n'en avons pas besoin. Quelle est la prochaine étape ? Regarde ? C'est un autre brun. Nous n'en avons pas besoin. Quelle est la prochaine étape ? D'accord ? Un vert citron. Nous pouvons le mélanger nous-mêmes. Nous ne l'utiliserons pas. Un bleu-vert, pareil. Nous allons le mixer. jaune. Génial. Il s'agit d'un jaune primaire. J'en suis content. Laissons ça. Le violet est une couleur secondaire, je vais la mélanger. Nous n'en avons qu'un seul bleu. C'est fabuleux. C'est ce dont nous avons besoin. Le rouge n'était pas correct. Je vais le laisser dans le set, mais je ne sais pas. Cette orange est un peu néon. Je ne suis pas sûr de ce qu'il fait ici. Vous allez mixer le vôtre et ce ne sera pas du néon. Enfin et surtout, je pense que c'est censé être votre Alizarin Crimson. La couleur est très différente. Nous allons donc nous en débarrasser. Voyons ce que nous avons. Noir et blanc, fabuleux, et en gros seulement trois couleurs utilisables. Donc, vous pensez peut-être économiser de l'argent en vous procurant un ensemble de dix. Il y avait beaucoup de peinture dont nous ne voulions même pas. achetons donc pas un set et éloignons-nous de la peinture destinée aux étudiants. Nous allons nous concentrer sur la peinture de qualité d' artiste professionnel. Et vous allez toujours voir de nombreuses options en termes de couleurs. Mais je vais vous donner une liste de couleurs que j' aimerais particulièrement que vous achetiez. Et il est très important que vous vous en teniez à ces noms de couleurs exacts. En lisant les étiquettes, vous verrez des mots tels que clair ou teinte, ombre, foncé ou moyen. Donc, par exemple, si nous regardons votre jaune, ce tube de peinture indique jaune cadmium foncé. Et il est très important que vous achetiez exactement du jaune cadmium foncé, car vous verrez également du jaune cadmium clair et du jaune cadmium moyen, et ce verrez également du jaune cadmium clair et du jaune cadmium moyen, sont des couleurs complètement différentes. Restons-en donc au nom exact de la couleur. La peinture avec laquelle je pense que nous allons faire un travail fabuleux sera une bonne peinture de qualité professionnelle, comme la Liquitex, dorée. Vous obtiendrez les couleurs et la couverture exactes dont vous avez besoin. Vous constaterez donc qu'une douleur de bonne qualité coûte plus cher. Mais n'oubliez pas que vous allez obtenir la couleur dont vous avez besoin. Vous allez en utiliser moins car il offre une meilleure couverture. Et cela vous donnera les résultats que nous voulons. Donc, avec toutes ces options en magasin, vous savez maintenant exactement quel type de peinture acheter, et je vais vous dire exactement quelles couleurs vous devrez acheter dans un petit moment. Et n'oubliez pas qu'il n' y en a que huit. Donc, une autre chose que vous voudrez acheter pendant que vous êtes au magasin est une palette pour votre peinture. Il y a tellement d'options différentes. Nous allons les affiner pour vous. Vous êtes donc dans un magasin d'art et vous recherchez une palette, vous allez voir beaucoup de palettes. Commençons par regarder ceux que je ne veux pas que vous obteniez. Donc, juste en face de moi, j' ai ce qui ressemble à une palette fabuleuse, contient certaines des choses que nous voulons. Il possède de petits puits dans lesquels nous pouvons injecter notre douleur dans une belle et grande zone de mixage. C'est beau, blanc et brillant. Ouaip. Bon, maintenant, voici ce qui est arrivé à cette palette après l'avoir utilisée une fois. Ce qui se passe, c'est que le polymère et la douleur adhèrent au plateau en plastique et dès qu'il sèche, vous pouvez le nettoyer. J'aime commencer par une belle surface blanche sur laquelle mélanger ma couleur. Ce n'est donc plus une très bonne option. Laissez-moi vous montrer ce que vous allez voir d'autre. Vous serez peut-être tenté par cette jolie palette en forme de petite fleur. Ce que nous aimerions encore une fois, ce sont les petits puits recouverts d'un couvercle, mais il s' agit d'une minuscule zone de mélange. Ce n'est tout simplement pas assez grand. Débarrassons-nous de ça. Quoi d'autre ? Vous allez également voir ce que l'on appelle une palette humide. Pour ce faire, vous avez une éponge en dessous mouillez, puis vous continuez à remplacer les palettes en papier. Des étudiants ont déjà utilisé ces palettes. Ce qui a tendance à se produire, c'est que la peinture perd de la qualité de la couleur, de la qualité rose. Je n'aime pas ça. Vous êtes constamment à court de palettes en papier ou vous les remplacez. Et c'est un peu comme si on pouvait s'en occuper mécaniquement. Nous pourrions vous faciliter la vie. Ils sont si chers, alors débarrassons-nous également de celui-ci. Une autre option que vous verrez des palettes en papier jetables. Et je les trouve vraiment insatisfaisants. Ils ne sont pas très bons à mélanger. Ils sont très fins, ils se déforment et vous jetez beaucoup de papier que vous devez constamment remplacer. Ce n'est donc pas non plus mon option préférée. Les palettes que j' aime bien et que vous trouverez dans la boutique d'art sont une palette de nuit Mesa enduite de blanc qui est très artistique parce que nous pouvons la tenir. Donc, si vous souhaitez tenir votre palais et vous tenir debout, je vous suggère vraiment cette palette. Il s'adapte parfaitement à votre bras et à votre pouce, il est facilement clivable et possède une belle grande surface de mélange. Encore une fois, nous pouvons le tenir. Une autre palette que j'adore pour les acryliques est ce que l'on appelle un plateau de boucher en émail. Vous n'allez pas le tenir, vous allez travailler avec le plat. Il est en métal et possède une énorme surface de mélange et est très facile à nettoyer. Le plastique acrylique se lave et se soulève tout simplement pour devenir blanc. C'est tellement important, ma palette préférée que vous ne trouverez pas dans un magasin d'art, mais que vous allez facilement fabriquer est une palette en verre. Et ce qui est vraiment important à propos de cette palette en verre, c'est qu'elle est bordée de ruban adhésif et qu'elle est recouverte d'un noyau blanc, soit en mousse, soit, dans ce cas, d'un tableau d' illustration, car vous voulez toujours mélanger sur du blanc. Et ce que j'aime dans cette palette, c'est qu'elle possède une grande surface pour le mixage et nous allons la gratter pour la nettoyer. Le verre s'achète facilement dans n' importe quelle quincaillerie. Vous avez juste besoin d'un bout de tableau d'illustration. Et bien sûr, tout le monde a du ruban adhésif. C'est vraiment ma palette préférée sur laquelle travailler. C'est ce que j'utilise tout le temps. Vous ne pouvez pas le tenir, vous allez travailler à plat. Et en termes de taille, toutes ces palettes mesuraient environ 12 x 16 pouces, ce qui est une bonne taille pour travailler. Nous utilisons donc la palette de mots de deux manières différentes. La première concerne cela, que vous connaissez déjà, la palette, la surface sur laquelle vous appliquez votre peinture. Cependant, le mot palais peut également être utilisé pour décrire la gamme de couleurs à partir de laquelle vous choisissez de travailler. Et je vais vous présenter ce que nous appellerions une palette de couleurs limitée. Il est agréable de travailler avec cette palette de couleurs. À partir de ces couleurs. Nous allons vous aider à mélanger toutes les couleurs dont vous avez besoin et vous aiderons éviter les couleurs boueuses ou sales lorsque vous mixez. Maintenant, nous appelons cela une palette limitée, car vous n' utiliserez que six couleurs plus le blanc. Mais les couleurs que vous pouvez mélanger à partir de cette palette sont illimitées. Vous pouvez mélanger à peu près toutes les couleurs dont vous avez besoin. Donc, limiter les couleurs avec lesquelles vous commencez signifie simplement que nous avons moins de tubes de peinture. Vous dépensez moins d'argent. Mais la meilleure chose à ce sujet, c'est que vous avez plus de contrôle sur votre mixage. Voici donc les six couleurs que nous allons utiliser plus le blanc. Et au fur et à mesure que nous retirons notre palette, nous allons faire attention à l'ordre du clair au foncé. Et faites attention à l' endroit où nous mettons notre peinture. C'est notre jaune clair ou notre jaune primaire. Nous l'appelons aussi notre jaune froid. Notre palais est donc composé des couleurs primaires, rouge, jaune, bleu. Cependant, nous allons avoir une chaude et une fraîcheur pour chaque primaire. Nous avons donc notre jaune froid et maintenant nous allons extraire notre jaune cadmium, le jaune foncé, c'est notre jaune chaud. Ensuite, nous avons nos rouges. Le rouge chaud est votre rouge pyrrole. C'est aussi votre rouge principal. Ensuite, nous avons notre rouge frais. Si vous achetez de l'or, vous aurez affaire à une alizarine pourpre. Si vous achetez du Liquitex, il se peut qu'on l'appelle quinacridone. L'un ou l'autre va bien. Ce sont tous les deux vos rouges froids. Regarde comme ils sont magnifiques. Ensuite, nous passons à notre blues. Nous avons un bleu chaud qui est votre bleu principal ou un bleu cyan. Et le dernier sur votre palette sera votre bleu outremer, qui est votre bleu froid. On peut aussi l'appeler outremer français et c'est très bien. Voici donc notre palette. Vous remarquerez que j'ai extrait les couleurs très près du bord parce que nous voulons que toute cette zone soit là pour le mixage. Vous remarquerez donc que je n'ai pas ajouté de blackout à ma palette. Votre palette est limitée aux six couleurs plus le blanc. Je vous ai demandé d'acheter du noir et nous l'utiliserons pour nos études de valeur. Mais pour l'instant, je ne vais pas le mettre sur la palette. Parlons donc de la gestion des palettes. Encore une fois. Les couleurs se détachent le long du bord. J'ai vu des étudiants pressés au hasard, payer sur tout leur palais et n' avoir plus de place pour mélanger. Une autre grande question est comment travailler avec mes peintures afin de garder les taches assez propres. C'est ce qu'on appelle tirer de la peinture. Et si je dois mélanger, disons une orange, je veux tirer la peinture dans une direction. Cela laisse toujours le reste du bloc propre. Et de cette façon, le reste de la tache ne sera pas recouverte d'autre peinture. Vous remarquerez que je mélange avec un pinceau et non avec un couteau à palette. J'ai demandé à des étudiants de mélanger avec des couteaux à palette. Ils ont tendance à mélanger beaucoup plus de peinture qu'ils ont besoin et vous avez un peu moins de contrôle, sinon j'ai l'impression d'avoir un peu moins de contrôle avec le couteau qu'avec le pinceau. Et en fait, j'adore le toucher du pinceau. Pour moi. C'est un peu comme une expérience touchante, alors j'adore mixer avec le pinceau. Vous le remarquerez lorsque je mélange avec le pinceau. J'utilise aussi toujours un peu d'eau. C'est important. Vous travaillerez rarement, voire jamais, avec de la peinture directement sortie du tube. Il faut toujours le diluer avec un peu d'eau. L'autre point à propos de votre zone de mélange, si vous mélangez une peinture, essayez de ne pas couvrir géographiquement totalité de votre palette, car vous aurez du mal à la remettre en forme de goutte. Il va juste s'amincir, se recentrer et se recentrer. Vous remarquerez également que pour maximiser mon utilisation de peinture, j'ai commencé par la couleur plus claire , à savoir le jaune. Il faut un tout petit peu de rouge pour affecter le jaune. J'utiliserais un demi-tube de jaune pour changer le rouge. Vous voulez donc toujours travailler de l'obscurité à la lumière. Une autre question que les étudiants se posent fréquemment est : comment puis-je presser mes tubes ? Comment puis-je retirer ce dernier bout de jaune de mon tube ? Nous avons donc un merveilleux petit appareil. C'est ce qu'on appelle une clé de peinture. Nous avons enfilé le bout de la peinture dessus et nous l'avons simplement pressée au fur et à mesure que nous montons. Quand on arrive tout en haut du tube. Parfois, ce que j'aime faire, c'est utiliser une pince pour le sertir. Donc je ne perce pas le tube. Je vais mettre un petit chiffon dessus parce que ça ne s' enroule pas trop loin. Un autre produit que j'aime utiliser et qui est vraiment efficace pour extraire la toute dernière couche de peinture de votre tube de peinture se trouve dans une quincaillerie. Il s'agit d'un métal robuste, couleur crème rose par pièce. Je les adore, mais ils fonctionneront aussi pour vous. Et vous pouvez les trouver en différentes tailles dans la boutique d'art. Donc, en ce qui concerne votre tube rose, une autre chose très importante à faire et à laquelle vous n'y penserez peut-être pas est de garder ce bouchon de peinture propre. Parce que ce qui se passe, c'est que le rose disparaît, que l'acrylique sèche et durcit. Finalement, cela cesse de ne pas fonctionner et vous finissez par utiliser du ruban adhésif pour une casquette. Alors, essuyez-le rapidement. Vous pouvez même essuyer l'intérieur du capuchon , puis le fixer solidement et le tour est joué. Donc, la gestion des tubes roses, l'autre point dont je voudrais vous parler , c'est quelque chose de très important lorsque vous travaillez avec de la peinture acrylique. La peinture acrylique est à base d'eau, mais n'oubliez pas que le liant est un polymère, c'est un plastique. Imaginez donc que nous voulions diluer la peinture et que nous continuions à y ajouter de l'eau. Cette eau dilue la capacité de couverture de la peinture et dilue ses propriétés acryliques. Le bâillon est donc un apprêt acrylique qui l'étend et , en gros, c'est comme si nous remettions le plastique dans la peinture. Nous remettons le corps dans la peinture. Lorsque vous utilisez simplement de l'eau, vous réduisez ses qualités acryliques. Et la règle est de ne pas dépasser 50 % d'eau. Vous consommez donc de l'eau et du gaz tout le temps. Il s'agit donc de maintenir la viscosité, le corps et le débit. Donc, la façon dont je l'utilise est mettre mon GAAC dans un réceptacle. Je n'aime pas le mettre sur la palette parce que ça fait des entailles un peu partout. Et la façon dont je l' utiliserais pour mélanger est de tremper un peu d'eau, puis de le tremper dans mon GAAC. Je ne suis pas très mathématique. Je dis juste un peu 50 %. Un autre moyen de contrôler le débit d'eau serait d'utiliser un vaporisateur pour ajouter de l'eau dans une fine brume. N'oubliez donc pas que vous n'utilisez jamais de peinture directement sortie du tube. Tu ajoutes un peu d'eau. Tu ajoutes un petit gag. Nous sommes donc presque tous prêts à peindre. Mais nous devons également parler de la propreté de la palette elle-même. Et il se trouve que j' aime beaucoup ce rôle. C'est donc un grattoir. Ça vient encore de la quincaillerie, mais je pense que vous pouvez probablement le trouver dans un magasin d'art. Il y a une lame dessus, donc fais très attention. Il se rétracte. Et ce que nous allons faire, c'est simplement effacer tout ça pour payer notre palette. Même lorsqu'il est sec, il se détache parfaitement. Ensuite, nous pouvons essuyer cette lame très soigneusement. Et quand elle devient ridiculement épaisse et pleine de peinture, vous pouvez voir très attentivement la lame changée. La plupart de ces grattoirs seront équipés de lames supplémentaires. Nous sommes donc tous prêts, notre palette est prête à être utilisée. Nous avons parlé de l'écart, nous avons parlé de l'eau, mais nous n'avons pas parlé de quelque chose de vraiment important, cet outil que nous avons utilisé, mais dont nous n'avons pas discuté. Parlons donc de vos pinceaux. 3. Ce dont vous avez besoin des pinceaux: Les pinceaux sont un autre de ces outils qui peuvent être vraiment fastidieux. Lorsque vous entrez dans un magasin d'art, vous verrez littéralement des centaines de pinceaux parmi lesquels choisir. Alors, par où commencer ? Commençons par détailler vos options afin que vous puissiez choisir avec succès les pinceaux parfaits pour vos projets. La première distinction que nous allons faire est un pinceau synthétique par rapport à un pinceau naturel. On pourrait donc dire que ce sont pinceaux à poils naturels et on pourrait penser  : Oh, des poils naturels, ils doivent être fabuleux. Pas tant que ça. Voyons pourquoi. Ainsi, une brosse bon marché typique que vous pourriez trouver serait comme une brosse à poils d'écureuil. Il s'agit d'un pinceau qui ne conservera pas sa forme. C'est difficile à contrôler et ça s'écrase complètement. Nous n'aimons pas celui-ci. Au revoir. Une autre brosse que vous pourriez trouver est ce qu'on appelle une brosse à poils. Et ce seraient des poils de sanglier. Et ce que vous verrez, c'est qu'ils sont vraiment raides. Ils se détachent fréquemment et vous trouverez petits filaments de pinceau sur toute votre peinture. Ce n'est pas ce que nous voulons. Nous allons donc également dire au revoir à cela. Ces pinceaux synthétiques sont là où vous voulez être. De toute évidence, nous n'avons fait de mal aucun animal pour fabriquer ces pinceaux. C'est toujours un bonus. Mais je trouve également que la réactivité et la longévité de ces pinceaux sont optimales. Vous n'allez pas avoir ces filaments cassés dans votre peinture. Très, très réactif. Et la technologie a tellement évolué qu' ils proposent en fait des pinceaux synthétiques capables d' imiter la meilleure qualité des pinceaux naturels, entre guillemets et entre guillemets. Donc, je dirais qu'il suffit pinceaux 100 % synthétiques et vous serez très heureuse. La deuxième grande distinction que nous avons, et je pense que vous la verrez ici, est que j'ai des pinceaux à manche long par rapport à des pinceaux à manche court. La plupart du temps, vous allez peindre verticalement. Tu vas rester debout. Et vous allez vouloir prendre une sorte de distance gestuelle par rapport à votre peinture. Ainsi, une brosse à manche plus long vous permet de la tenir plus en arrière. Tu as un geste plus lâche. Nous n'avons pas l'habitude de peindre, comme si nous tenions un crayon d' un tout petit geste et que nous le tenions fermement dedans. Je recommande donc absolument les pinceaux à manche long. Tu peux en faire tout ce que tu veux. Et c'est mieux que de faire le plein de pinceaux à manche court. Je recommande donc aux débutants de se procurer des pinceaux synthétiques à manche long. Même si nous l'avons maintenant réduit aux pinceaux synthétiques, vous avez encore beaucoup d'options. Il y a beaucoup de pinceaux, ils sont dans la boutique d'art. Découvrons donc cela un peu plus en détail. Nous allons parler de la forme de vos pinceaux. Il s'agit donc d'un pinceau plat brillant. Et bien qu'il soit plat, on l'appelle spécifiquement le brillant car il est plus court. Si vous demandez simplement un pinceau plat, se peut qu'ils vous indiquent quelque chose qui est presque deux fois plus long, très difficile à contrôler et qui a tendance à se fendre. C'est ce qu'on appelle un pinceau brillant et c'est un pinceau rond. C'est l'autre forme que vous allez vouloir. Les formes dont vous n' avez pas besoin pour acheter nos poignards. Et ça a cette sorte de forme inclinée. Mais il n'y a rien que nous ne puissions pas faire avec nos appartements pour lequel vous auriez besoin d'un poignard. Vous n'avez donc pas besoin de l'acheter. Nous allons nous débarrasser de celui-ci. La brosse suivante que vous pourriez regarder serait une brosse en éventail. On dirait que ça va être très amusant. Je n'en ai jamais utilisé . Je ne sais pas vraiment pourquoi tu vas en avoir besoin. Alors ne gaspillez pas votre argent. Nous allons nous débarrasser de celui-ci. Ensuite, la dernière forme que vous pourriez voir s'appelle un filbert. L'aveline a un bout un peu arrondi. Et encore une fois, nous n'en avons pas vraiment besoin. Je suis capable de faire tout ce dont j'ai besoin avec mes talents et mes balles. Et je vais également vous montrer comment procéder. Nous allons donc nous débarrasser du filbert. Très bien, nous avons maintenant affiné nos pinceaux. Nous savons que nous voulons des manches longs, nous savons que nous avons opté pour des pinceaux synthétiques. Il y a encore beaucoup de choix. Mettons-nous sur la bonne voie. Nous avons des tailles différentes estampillées sur chaque pinceau, vous verrez un numéro. En général, vous verrez 246810. Ce nombre correspond à petit à grand. Donc, deux seront petits, dix sera votre plus grand. Ce que vous devez également garder à l'esprit, c'est que , tout comme le fabricant d'un gène, ces chiffres ne sont malheureusement pas complètement standardisés pour toutes les marques . Vous pourriez donc trouver un huit. Une certaine marque peut être un peu plus grande qu'une marque huit et une autre, tout comme vous pouvez le faire avec vos gènes. Parlons donc de vos tailles dans vos couleurs vives. Ce que j'ai ici est un 46810. Ne vous inquiétez pas si vos chiffres ne correspondent pas exactement. Pensez plutôt comme si je voulais être petit à moyen, moyen, plus grand, plus grand. Ce sera une gamme. Et cette gamme vous offrira une grande flexibilité, tant pour vos appartements que pour vos rondes. Dans vos rondes, vous avez le 246,8. Cela vous donnera beaucoup de flexibilité. N'oubliez pas que les chiffres n' ont pas besoin de correspondre exactement. Cependant, avec ces huit pinceaux, vous aurez une vaste gamme de capacités pour votre peinture. Et voyons ce que ces pinceaux peuvent réellement faire pour vous. Ils font différents types de marques et je vais choisir un pinceau plat pour certaines zones et un pinceau rond pour d'autres. Je vais donc prendre un pinceau brillant numéro six et vous montrer quel genre de marques nous pouvons faire avec ce pinceau. Alors on va t' acheter du rose. Et amusons-nous un peu. Les chaussures plates sont donc vraiment bonnes pour une couverture continue. Et plus vous voulez de couverture, vous choisirez un pinceau gras. Mais je peux faire un beau trait droit avec mon plat. Je peux également utiliser le bord de mon plat pour tracer une ligne plus fine. Les chaussures plates peuvent donc être très polyvalentes de cette façon. Mais encore une fois, n'oubliez pas que vous pouvez choisir un pinceau plus gros si vous voulez une matière grasse ou une forme Allons-y également. Disons donc que je devais couvrir une vaste zone. J'aime toujours choisir le plus gros pinceau pour cette zone. J'ai donc des marques plus lisses et plus continues. Je peux également utiliser le bord de ce pinceau pour effectuer un traitement linéaire. Et si j'avais besoin de peindre une forme, je pouvais utiliser le coin du pinceau et le tourner pour obtenir une forme plate. Mais comme moi, il est très important de penser à choisir le pinceau le plus gros possible pour cette zone, afin d'avoir moins de marques. Ce sont donc mes appartements. Voyons ce que font les pinceaux ronds. J'ai donc mentionné que pour la brosse ronde, j'aime en acheter une un peu plus petite. Ce sont les deux. Et ce que j'aime faire avec ce petit pinceau, c'est presque comme dessiner. Je peux être très expressif avec ça. Et je peux rester debout sur la pointe et faire des hachures avec. L'autre avantage rondes, c'est que si je reste sur la pointe, je trace une ligne très fine, n'est-ce pas ? Mais si je l'étale, je peux faire une bien plus grosse marque. Ils sont donc très polyvalents de cette façon. Je peux également travailler dans des espaces beaucoup plus restreints. Essayons une brosse ronde plus grande et voyons à quoi elle sert également. La beauté de ces pinceaux synthétiques est qu'ils garderont leurs pointes. Souvenez-vous que j'ai mentionné que les brosses ne ressemblaient pas à celles d'un écureuil. Le pire, c'est qu'ils ne gardent jamais leurs points. Il est donc préférable de garder un point sur une manche. Donc, même s'il s'agit d'un pinceau numéro huit, je peux quand même tracer une ligne assez petite et délicate si je reste debout sur la pointe. Mais ensuite je peux commencer à m'en débarrasser et devenir gentille et grosse. C'est une belle ligne à réaliser avec un seul pinceau. J'ai donc une grande polyvalence entre mes pinceaux brillants et mes pinceaux ronds. Le dernier pinceau que je vais vous demander d'acheter sera un pinceau synthétique de deux pouces. En fait, vous en aurez besoin de deux. La première, tu vas la dédier à Jess. Voici donc votre Jessica Canvas, et nous en reparlerons plus tard. Le second pinceau sera utilisé pour appliquer un vernis ou un vernis coloré sur votre toile. Vous n'avez donc pas besoin de pinceaux coûteux pour cette fonction, mais vous avez besoin de pinceaux plus larges. Tenons-en à ce matériau synthétique et vous pourriez aller d'un pouce et demi à 2 pouces, la fois pour votre Jethro et pour votre terrain. Donc, les pinceaux que vous voulez , les pinceaux individuels que vous avez sélectionnés, peut-être les avez-vous manipulés, ont testé le point. Ont-ils une bonne réactivité ? Les pinceaux dont je vais vous demander de vous éloigner sont ceux que vous pourriez trouver, par exemple, dans un pack multiple. Ils peuvent ajouter un DAG ou un ventilateur. Ils peuvent avoir des poignées courtes. La qualité n'est peut-être pas très bonne. Et vous vous retrouvez peut-être avec des pinceaux de formes et de tailles dont vous n'avez vraiment pas besoin. Encore une fois, lorsque vous choisissez votre pinceau, pourquoi ne l'appréciez-vous pas ? Prends-le, tiens-le, ce n'est pas une bonne idée. Qu'en est-il de cette flexibilité ? Pour moi ? Une grande partie de la peinture est tactile et réactive. Donc ça va être très important. C'est agréable de pouvoir voir ce que vous obtenez et de sentir la qualité du pinceau. Vous ne pouvez pas vraiment le faire également lorsque vous achetez des sets. Vous avez donc dépensé tout ce temps, ces soins et cet argent. Vous avez acheté vos magnifiques pinceaux, vous en êtes amoureux. Tu dois t'occuper d'eux. Comment les faire durer ? Alors parlons-en. Je ne vais pas laisser ces pinceaux face contre terre dans l'eau. D'accord ? Ce que je vais faire à la place, c'est qu'après les avoir utilisés, je vais les essuyer, enlever la majeure partie de la peinture. D'accord. Ensuite, j' utilisais un peu d' eau et de savon pour soulager le reste de la douleur. Il existe de nombreuses options pour les savons. Vous pouvez même acheter un nettoyant pour pinceaux dans magasin d'art si vous ne voulez pas amuser. Je garde un morceau de Tupperware avec tous mes embouts à savon. Et je n'arrête pas de les jeter dedans et de les marier. Et c'est comme ça que je nettoie mes pinceaux. Nous allons donc nettoyer la brosse avec du savon. Et à la toute fin, il est très important que vous façonniez ou reformiez vos pinceaux, qu' ils soient plats ou arrondis. Ensuite, vous allez les mettre dans un récipient, le fond vers le bas, ou simplement les poser à plat. Et encore une fois, réformer le point ou réformer l'appartement, ce sera très important. Un bon pinceau gardera sa forme assez longtemps. Un mauvais pinceau va se casser, se fragmenter et s'évaporer. Maintenant, tous les bons pinceaux finissent par se détériorer, mais gardons-les en bon état le plus longtemps possible, surtout si vous y avez investi. Donc, un peu plus d'argent pour un meilleur pinceau qui durera plus longtemps est vraiment une bonne façon d'y penser. Parlons maintenant des supports. Sur quoi peignons-nous ? 4. Ce dont vous avez besoin d'aide: Lorsque vous êtes au magasin d'art, vous aurez accès à de nombreuses options de supports, de panneaux de bois ou d'une toile pré-étirée. Vous verrez des tableaux Canvas, vous verrez les rôles du canevas brut. Par où commencez-vous ? Dans l'ensemble, vous devez peindre sur quelque chose qui a un peu de dent ou de rugosité pour que la peinture s'y accroche. Donc, les panneaux de bois lisse que vous pouvez regarder dans un magasin d'art ne sont pas parfaits pour l'acrylique, car la douleur aura tendance à se propager et peut être un peu frustrante. Un pas en avant serait alors une planche comme celle-ci. La différence, c' est qu'il est recouvert d'une couche de Jessup, ce qui permet créer une barrière entre votre peinture et le tableau. Plus important encore, cela vous donnera également un peu de texture. Mais ce n' est pas le cas, c'est la réactivité et la solidité que je recherche lorsque je peins. Voyons donc ce qui va suivre. Faisons un peu de toile ici. Vous pouvez trouver un tableau en toile dans la boutique d'art. Il s'agit d'une toile tendue sur du carton. Elle a donc la dent que nous recherchons. Il y a la couverture Jess oh. Mais ce qu'il n'a pas , c'est qu'il n'a pas de bon, de solidité ou de réactivité ensuite. Cela peut donc aussi fonctionner. Je ne suis donc pas non plus amoureuse du carton emballé en toile. Laisse-moi te montrer ce que j'aime. J'aime les objets qui ont un bon support solide, certaine flexibilité qui permet de saisir la peinture. Je vous recommande donc de peindre sur quelque chose comme ça. Il s'agit d'une toile pré-étirée. Si vous regardez à l'arrière, vous verrez qu'il y a des supports en bois, qu'il est agrafé. C'est beau et serré. Tout est prêt à partir. se peut que nous mettions encore quelques couches de Jesse, je le veux, mais pour l'instant, nous avons une belle toile gestuelle bien ajustée et finie. Ce canevas particulier s' appelle un canevas spline. Ce que vous remarquerez, c'est qu'il y a très peu d'agrafes. C'est comme une petite corde en plastique qui fixe cette toile. Je n' aime pas vraiment ça, car si vous voulez ouvrir Canvas, vous ne pouvez pas vraiment l'étirer. Elle ne donne tout simplement pas assez de superposition ou de bordure, mais elle est fabuleuse à peindre si vous pensez plus jamais avoir à déplacer la toile. Un autre type de toile que vous allez retrouver avant d'être étirée est la toile agrafée. Ici, vous pouvez voir que c'est un peu comme emballer un cadeau. Ils l'ont agrafée au dos. Tu as ton soutien inconditionnel. Il est aussi serré qu'un tambour, il est juste cousu. Vous pouvez également les trouver avec une agrafe latérale. Je n'aime pas les agrafes secondaires qu'ils peuvent avoir sur le cadrage. Parfois, nous n'encadrons nos toiles et vous voulez une belle bordure nette. Je rechercherais donc soit les toiles à cannelures, soit les toiles agrafées au dos. Et nous allons également faire quelque chose d'assez cool dans ce cours. Et c'est vous apprendre à étirer votre propre toile. Il en va de même pour le pré-étirement. J'ai mes barres de brancard en bois. Il est agrafé à l'arrière. Il est juste cousu sur le devant et il est dactylographié comme un tambour. Et l'avantage d' étirer votre propre toile, et nous y reviendrons plus tard, c'est que je peux choisir la taille. C'est donc une option fabuleuse pour Canvas. Le dernier support dont nous allons parler est le papier. Nous allons utiliser le papier lorsque nous faisons des exercices, lorsque nous réalisons une peinture que vous ne pensez pas vouloir accrocher au mur et que vous devez être capable de réaliser que vous ne pensez pas vouloir accrocher au mur et que vous devez être capable vos exercices un peu plus rapidement sans vous engager à tout faire sur Canvas. Donc, ce que nous voyons ici s'appelle un bloc d'aquarelle. Et si je l'ai tant aimé , c'est parce que le papier est déjà étiré pour toi. Il ne va pas se déformer et il est beau et solide. Cependant, vous remarquerez que lorsque je l'ai ouvert, cela avait l'air un peu bizarre. Où est mon article ? Laissez-moi donc vous montrer comment utiliser un bloc d'aquarelle. La première chose que vous allez voir lorsque vous ouvrez votre bloc d'aquarelle est cet étrange morceau de papier noir. Où est mon journal, n'est-ce pas ? Il faut donc s'en débarrasser. Pour ce faire, vous devez identifier l'encoche. C'est un peu mystérieux. C'est ici, en haut. Et cette encoche va nous permettre de retirer le bord gommé de notre papier noir. Je vais donc utiliser mon couteau à palette très pratique. Je ne vous recommande pas d'utiliser quelque chose de plus net, car quelque chose qui ressemble à une seule vie coupera et endommagera votre papier. Donc, si vous pouvez trouver une fine lame non létale. Tu seras en pleine forme. Nous allons donc analyser cela de fond en comble. Nous sommes en train de briser cette barrière gommée. Et nous pouvons libérer votre papier et vous débarrasser de ce morceau de noir. Et voici mon magnifique papier aquarelle blanc pré-étiré . Au fur et à mesure que vous peignez, vous allez peindre. Tout est attaché, non ? Encore une fois, au fur et à mesure que vous aurez terminé votre peinture, nous retrouverons cette encoche et continuerons à la retirer au besoin. Ils fonctionnent à merveille. Et vous n' avez pas besoin de vous étirer. Vous n'avez même pas besoin de le montrer, car ce papier est magnifique. Ainsi, lorsque vous travaillerez sur un exercice de peinture, vous voudrez probablement le conserver sur un support papier. Mais lorsque nous travaillons sur un projet de peinture complet, vous devez utiliser une toile. Il y a donc encore beaucoup d' options à aborder ici. Voyons ce que nous avons. Nous avons différentes catégories de toiles. Et la façon dont vous allez les voir divisés, encore une fois, tout comme votre peinture, c'est votre studio et votre professionnel. Et je pense que la plus grande différence que vous allez voir est l' épaisseur robuste des barres. Et ils vont se sentir un peu différents. Ainsi, par exemple , sur cette toile, nous avons une belle barre de brancard épaisse. Il est très robuste. Et au fur et à mesure que cette toile s'agrandira, vous aurez besoin de cette grande et grosse barre de toile. Celui-ci est doté d'une barre de brancard beaucoup plus légère et plus fine, donc il est toujours bon. Mais supposons que nous commencions à travailler beaucoup plus. Cette fine barre de brancard pourrait commencer à se déformer pour vous. Donc, si vous voulez travailler plus que cela, disons 36 sur 48, 24 sur 18. Vous allez avoir besoin de ce brancard plus lourd et robuste. Et vous devez également penser à une toile avec ce que l' on appelle une orthèse dorsale. Il s'agit donc d'une toile de 18 x 24 pouces. Il est stable, nous adorons ça. Et elle est dotée d'une entretoise pour que cette toile ne se torde pas et ne se déforme pas. Vous. N'oubliez pas que si vous dépassez les dimensions 18 x 24, 36 x 48, vous aurez besoin de barres de brancard plus lourdes et/ou d'une orthèse dorsale. Maintenant, vous allez découvrir autre chose qui ne vient pas avec toutes vos toiles, mais avec certaines d'entre elles. Et ce sera ce que l'on appellera une clé canevas. Et on l'insère simplement dans le coin, dans les encoches. Et ce qu'il fait, c' est qu'il resserre ces angles de 90 degrés pour vous sur une toile plus petite. Il y a probablement très peu de chances que cette déformation se produise, mais il s'agit simplement d'une couche supplémentaire de solidité et sécurité que vous pouvez appliquer à votre toile. Donc, lorsque vous magasinez pour Canvas, je veux aussi que vous pensiez que nous voulons du coton non du lin pour notre toile. Le lin va coûter plus cher et il nous donnera tissage un peu plus serré, donc une surface plus lisse. Ce n'est pas nécessairement ce que nous voulons avec nos peintures acryliques. N'oubliez donc pas que le coton ou le lin conviennent aux étudiants. Si vous utilisez une toile plus petite, fur et à mesure que vous grandissez, nous voulons penser à des civières et à des bretelles plus lourdes. Lorsque vous achetez une toile pré-étirable en magasin, vous remarquerez que la toile ne ressemble pas à une toile de roche. Il est déjà blanc. C'est parce qu'il contient déjà une couche de gesso et qu'il s'appelle le Code Canvas. Qu'est-ce que le gesso ? Gesso, traduit en italien, signifie craie. La base de Jéricho était bondée. Dans l'ancienne Italie, ils utilisaient un peu d'eau et un peu de liant, et nous utilisons un polymère acrylique comme liant, donc c'est parfait pour les peintures acryliques. Ce que fait Jess, c'est agir comme une barrière et un protecteur pour votre soutien. Vous ne peignez pas directement sur la toile. Si nous devions le faire, toutes nos peintures à l' université auraient vraiment une apparence différente. Cette barrière est donc très importante. Tu as toujours envie de peindre sur une toile. Et parfois, lorsque vous ouvrez votre bocal, vous le trouvez très épais. Et parfois pas tant que ça. En fait, ça a l'air plutôt bien. Je ne vais pas y ajouter d'eau. Je vais peindre directement à la sortie du pot avec mes deux pouces. On dirait un pinceau de peintre en bâtiment. Nous n'avons pas besoin d'un pinceau de qualité supérieure pour cela. Alors, ce que nous allons faire en commençant à peindre. C'est poser une couche. Il s'agit en fait de mon deuxième manteau, comme ce serait le cas sur votre toile achetée en magasin. S'il s'agissait de votre toile rocheuse ou de votre propre toile tendue, vous devrez travailler beaucoup plus dur pour un peu comme si broyez ce Jessup dans la toile. À l'heure actuelle. Il glisse à peu près. D'accord ? C'est donc une consistance parfaite. Et si vous devez réfléchir à la direction à prendre, cela ne m' inquiéterait pas trop. Alors que nous le mettons ainsi, je ne veux pas le porter sur un globe. Je ne veux pas d'énormes crêtes de texture. Je vais donc dans différentes directions et nous pourrons régler les choses plus tard. Et je vais vous montrer comment faire si vous perdez des filaments de brosse dans votre gesso ou vos poils de chat, comme c' est le cas dans mon studio. Vous allez vouloir les cueillir pendant que le gesso est encore humide. Et je travaille toujours d' arrache-pied pour faire entrer le gesso sur la toile. Vous remarquerez, bien sûr, que j'utilise du Jess blanc. Donc, comme nous voulons peindre sur une surface blanche, vous verrez également du noir vous verrez également du noir, alors restons-en au blanc pour le moment. J'ai donc presque terminé. J'adore faire des gestes. C'est en quelque sorte un précurseur de la peinture, votre peinture, mais vous ne peignez pas vraiment, vous ne faites que des mouvements. Et j'adore le faire, je me sens bien. Vous remarquerez donc que je l'ai dans une pinte dans laquelle je peux tremper mon pinceau. C'est vraiment important. Vous verrez d'autres types de récipients pour votre Gesso. Vous verrez comme un flacon compressible, je ne le recommande pas. Sur le marché, il y a quelque chose de nouveau sur le marché. Je vais donc vous demander de rester gentils et traditionnels avec le DIP Jessup. Au fur et à mesure que nous travaillions sur notre JSON, encore une fois , j'ai pris différentes directions, mais réglons maintenant les choses. Donc, pour le lisser, je vais généralement légèrement dans une direction avec le pinceau. Et ça me débarrasse de toutes mes crêtes. Il y a un petit filament. Débarrassons-nous de ça. Si j'ai fait une marque sur le pouce, ne t'inquiète pas, lisse-la juste dessus. C'est donc maintenant assez fluide. S'il s'agit d'un Rock Canvas, j'aurais besoin d'une deuxième couche. Il est important de laisser les jets sécher entre les couches, en fonction de l'humidité ou de l'endroit où vous vous trouvez, cela peut prendre jusqu'à 20 minutes. J'aimerais sortir ma toile et la laisser cuire au soleil et sécher très rapidement. Et vous avez également remarqué que je travaille à plat. Vous ne voulez pas travailler verticalement et vous laisser entraîner par la gravité. C'est juste pour avoir une belle surface plane. J'ai donc lissé les choses dans un sens. Je suis en train de le lisser dans une autre direction c'est à peu près parfaitement lisse. Je voudrais le laisser sécher maintenant. Ensuite, j' enfilais une deuxième couche. N'oubliez donc pas que vous avez également des sites sur votre Canvas. Cela peut être important si vous souhaitez ne pas encadrer votre toile, mais opter pour un joli gris neutre. Et ce serait une bonne façon de présenter une toile sans cadre. Encore une fois, vous ne voulez pas appliquer votre peinture acrylique sur la toile de roche. Allons-y et parlons également de ces côtés. Donc, notre toile, une fois sèche, sera prête à être peinte. Maintenant, vous avez de nombreuses options intéressantes pour acheter un campus pré-étiré au magasin. Mais si vous voulez une taille unique ou si vous voulez simplement étirer votre propre toile, elle est tellement agréable au toucher. Je vais vous montrer comment procéder ensuite. 5. Méthode d'étirement de la toile: Donc, en tant que débutant, vous constaterez peut-être que vous achetez des toiles pré-étirées et c'est très bien. Peut-être qu'ils sont en solde, peut-être avez-vous acheté un pack de six. Mais à un moment donné, en tant qu'artiste, apprendre à étirer sa propre toile est une bonne chose à faire. Cela vous donnera beaucoup de flexibilité dans le choix des tailles. Et parfois, cela peut même être moins cher que d'acheter la toile pré-étirée. Mais bon, si vous n'êtes pas encore prêt à le faire, n' hésitez pas à passer à la leçon suivante. Allez-y, peignez. Revenez me voir quand vous prêt et nous apprendrons à étirer une toile. J'aime donc beaucoup étirer mes propres toiles, car je trouve que cela vous plonge dans l'ensemble du processus dès le départ, cela vous donne davantage l'impression d'être une artiste. C'est amusant. C'est comme un véritable projet pratique. Je pense à ma peinture. Je l'utilise comme période d' incubation. Et c'est une activité formidable. Mais surtout, cela vous donnera des options pour personnaliser la taille de votre Canvas. Je vous suggère vivement de l'essayer. C'est très amusant. C'est une expérience formidable. Alors, comment décide-t-on de la taille de la toile ? Nous avons des décisions à prendre. Et j'espère que vous les réaliserez car le fait d'être un artiste implique de prendre le contrôle de son espace de création. Alors la première chose à faire est de réfléchir à ce que je vais peindre ? Est-ce une nature morte ? Est-ce que je vais peindre un paysage ? S'agit-il d'un portrait ? Disons que nous voulons peindre un arbre. Nous avons beaucoup d'options parce que nous allons réfléchir à la composition. Cela se traduira par le type de toile que nous étirons. Les deux principaux éléments auxquels nous allons penser lorsque nous pensons à la composition sont l'échelle et placement dans différents types de formats. Un format est donc un carré, un rectangle horizontalement ou un rectangle verticalement, n'est-ce pas ? Disons que nous allons dessiner cet arbre. Et c'est peut-être comme votre esquisse préliminaire. Cet arbre dans un carré peut donc avoir un aspect vraiment différent. Ensuite, cet arbre en rectangle, l'espace qui l'entoure est vraiment différent. Et ça va encore une fois être vraiment différent à la verticale. C'est donc ta première décision. De quoi ai-je besoin ? Un carré, un rectangle vertical ou un rectangle horizontal. D'accord ? Comment mon sujet va-t-il être le plus beau possible ? Ensuite, nous pensons à l'échelle et au placement. En d'autres termes, la composition consiste vraiment à savoir où placer mes objets ? Quelle est la taille de mes affaires et où vais-je les ranger correctement ? Supposons que je trace une ligne d'horizon très haute et vois un très petit arbre ici qui dit quelque chose de très différent. Ça dit que cet arbre est très loin. Il y a un grand premier plan. Et c'est très différent d'un horizon très bas avec un arbre vraiment très grand. C'est peut-être même un peu nul. C'est beaucoup plus proche de toi. C'est beaucoup plus loin. Alors, quelle est la taille de mes affaires et où les ai-je rangées ? Une autre question : où dois-je mettre mes affaires ? Vous remarquerez que les artistes ne placent pas toujours le sujet en plein milieu de la composition. Il existe donc une loi merveilleuse sur la composition. C'est ce qu'on appelle la règle des tiers. Cela signifie qu'il faut prendre notre composition, notre point central, et l'éloigner du centre. Et allons-y. Peut-être que l'arbre est maintenant là et que la ligne d'horizon n'est pas au milieu, mais nous le laissons tomber. La règle des tiers s'applique donc à la fois à l'horizontale et à la verticale. D'accord ? Nous avons donc maintenant pris de nombreuses décisions. Nous avons vraiment pensé à la composition. Nous allons dire, je pense que j'aimerais composer dans un carré, n'est-ce pas ? Ou je pense que je veux un rectangle, mais je vais le tourner verticalement. D'accord ? Tu as fait ton croquis. Quelle sera la taille de votre tableau ? D'accord ? Alors j'aime bien dire, quelle doit être sa taille ? Par exemple, si je peins juste un citron, je n'ai pas besoin de le faire énorme. Désolée, je vais peut-être d'abord faire mon sketch. Et puis, comme je le fais, calcul très simple consiste à multiplier par cinq ou six. Et puis j'ai chaque côté dans le bon rapport. Parce que parfois, vous trouvez que cette peinture devait être un peu plus grande et horizontale. Et peut-être n'aviez-vous que des carrés pré-étirés dans votre studio. C'est un peu difficile de mettre la composition dans une taille qui ne convient pas vraiment. Mais le plus important, c'est de prendre la décision. Quelle taille veut-il atteindre ? Quel est le format ? Bon, maintenant nous avons pris nos décisions. Il est temps d'étirer une toile. C'est très excitant. D'accord ? Vous êtes donc dans un magasin d'art et vous allez acheter des civières. Vous allez voir ces lamelles de bois de différentes tailles. Vous savez déjà quelle taille de toile vous recherchez. Donc, par exemple, j'ai décidé de m'étirer 16 x 20. N'oubliez pas qu'il vous en faut deux de chaque taille pour atteindre 16,2, 20 k. Vous les trouverez par incréments pairs et impairs. Vous pouvez donc faire preuve de créativité avec vos tailles. Vous n' avez besoin que de deux de chaque. Lorsque vous choisissez votre civière, vous remarquerez que vous pouvez la plus lourde ou la plus fine. Donc, pour une toile plus petite, vous pouvez opter pour les plus fines. Et au fur et à mesure que vous grandissez, optez peut-être pour les plus gros. À mesure que ces barres de brancard grossissent, elles peuvent se déformer. Ou même une petite machine en production aurait pu être un peu bancale. Donc, ce que j'aime faire, c'est simplement dessiner une perle dessus et m'assurer qu'elle est parfaitement droite. D'accord. Alors, avez-vous choisi de très bonnes barres de brancard ? Excellent. Votre test du globe oculaire vous le dira. Et vous n'allez pas commencer avec une civière déformée. D'accord ? Nous en avons donc deux de chaque taille. Et ce que nous allons faire, c'est assembler les barres en construisant deux L. Donc, ce que vous allez remarquer à propos vos civières, c'est que vous avez une encoche, un peu comme un appareil à queue d'aronde. Vous allez donc les insérer l'un dans l'autre et les faire glisser ensemble jusqu'à ce que vous puissiez obtenir un angle d'environ 90 degrés. Mais ne vous inquiétez pas, nous allons vérifier cela tout de suite. Nous sommes juste en train de les assembler. est également important de noter qu'il y a une lèvre sur un côté de la civière et que cette lèvre doit être orientée vers le haut. C'est sur cela que nous étendons la toile. D'accord ? Donc, nous allons faire un L et nous allons faire notre second L. Pour l'instant, souvenez-vous, tout se fait à la main et les deux côtés vers le haut. Vous ne voulez pas qu' on fasse fausse route. Donc, queue d'aronde. Et parfois, il faut utiliser un peu de muscle. D'accord. Ils ne sont donc pas parfaitement inclinés, mais cela n'a pas d' importance pour l'instant. Voici donc vos deux L. Et maintenant, nous allons réunir les deux L. Même chose avec la queue d'aronde dans ce coin. Ce n'est pas grave si ce n'est pas encore parfait. Ensuite, nous allons rejoindre le dernier virage ensemble. Et c'est un peu rigide, mais ne t'inquiète pas, c'était comme ça qu'on utilisait les marteaux avant. D'accord. Avant de nous engager définitivement dans la construction de la zone adjacente, nous devons utiliser un marteau et un angle droit pour nous assurer qu'elle sera parfaitement carrée. Je vais donc utiliser un marteau pour assurer qu'ils sont bien ajustés. Je vais le faire à chaque coin et ajuster selon les besoins. S'il le faut. Vous devriez peut-être soulever cette question et vous trouver un meilleur angle de vue. Cela a mieux fonctionné. Mais suis-je carré ? J'ai donc un angle droit dans mon studio. J'utilise également le sol et le mur. Vous devriez peut-être le faire également. Vérifiez si tout est aligné. C'est assez facile à faire. Nous avons l'air plutôt bien ici. Pas tant que ça ici. Je n'ai pas d'angle droit, donc je dois m'adapter. Et je trouve que c'est plus facile de le faire un peu à la verticale parce qu'il faut appuyer sur quelque chose. Très bien, vérifions-le à nouveau. Je pense que nous l'avons peut-être. Mettons-nous donc dans le bon angle et ça a l'air génial. Nous l'avons fait. Parfait. Maintenant, je peux me débarrasser de mon angle droit. Et je vais retourner l'ensemble du cadre parce que n'oubliez pas que c'est notre façade. Nous ne voulons donc pas d'agrafes sur le devant. Retournez-le. Et pour nous assurer que l'angle droit parfait pour lequel nous avons travaillé si dur ne bougera pas. Nous allons mettre deux agrafes dans chaque coin. Et ça va régler le problème. J'ai donc mon agrafeuse. Il est rempli d' agrafes et nous allons toucher chaque coin avec deux agrafes. Un bon moyen de le faire est donc de faire une rotation. N'oubliez pas de placer des agrafes dans chaque coin. Vous pouvez, si vous en avez besoin, les appuyer doucement, ils n'entrent pas toujours du premier coup, donc je dois les faire pivoter une fois de plus. Donnez un petit coup à chacun d'entre eux. Et nous sommes bons. Parlons de Canvas. Vous savez généralement de quelle taille vous avez besoin, car vous savez quelle taille de civière vous avez achetée. La toile vient généralement dans une cour. Ce sera la toile brute. Ça ressemble à ça. Si vous pouvez en acheter de plus petites quantités qu'un mètre, si vous en avez besoin, c'est également très bien. Ce que vous devez vous rappeler, c'est que vous devez vous laisser un généreux espace de 3 pouces tout autour de vos barres de brancard pour les accrocher et les enrouler autour des barreaux. N'oubliez pas que notre lèvre est ce autour duquel nous avons tendu la toile pour qu'elle descende. Et vous pouvez soit mesurer votre 3 pouces. Ce que j'aime faire, c'est que je ne me fie pas toujours aux maths. Est-ce que j'en ai assez ? Est-ce que j' ai assez physiquement pour me garer ? C'est environ 3 ? « ? Vérifie toi-même. En effet, c'est le cas. D'accord. Je vais donc en donner un peu plus pour que vous ayez besoin de ce 3 pouces sur tout le pourtour. D'accord ? Et la beauté de Canvas réside dans le fait que vous n'avez pas à tout découper. Vous pouvez en fait tracer une ligne plus droite que vous ne pouvez couper. Donc, la seule chose pour laquelle je vais utiliser les ciseaux c'est juste pour couper une petite encoche, non ? N'oubliez donc pas que la toile est de la pierre non apprêtée. Vous l'avez peut-être acheté sur le pouce, n'est-ce pas ? Maintenant, nous devons le réduire. J'ai donc laissé ma marge de trois pouces tout autour et je vais lui donner un petit cran. Et puis je vais me déchirer. Ce qui est très amusant. Nous y voilà. D'accord ? J'ai une dimension, maintenant j'ai besoin de l'autre. Donc avant de couper et de déchirer, mesurez deux fois, déchirez une fois, non ? Nous y voilà. Est-ce que j'ai aussi mon 3 pouces ici ? Ensuite, je pourrai y mettre mon cran et nous recommencerons. Très bien, j'ai mon deuxième cran et je vais la laisser déchirer. Nous y voilà. C'est ça J'ai ma toile. Il est coupé à la bonne taille. Vous pouvez conserver vos déchets pour autre chose. Mais nous sommes en bonne forme. Bien, nous avons maintenant déchiré la toile à la bonne taille. Et nous allons étirer la toile. Et pour le rendre beau et serré. Il existe une façon très précise de procéder. Il s'agit d'une agrafe d'abord sur les quatre côtés. Nous allons donc continuer à le faire pivoter. Et nous allons utiliser ce merveilleux outil. C'est un fournisseur de civières. Tu n'es pas obligée de l'avoir. C'est très utile. Et la façon dont ça fonctionne c'est que je vais prendre la toile. Et il y a un petit point d'appui ici. Nous n'en avons pas vraiment besoin pour la toute première fois, et nous allons tirer et nous étirer. Mais pour le premier, je pense que je peux le faire à la main. Nous avons donc un pointillé qui entre ici, et nous allons tourner de l'autre côté. Maintenant, je peux utiliser ma pince dès que j'ai saisi cette agrafe. D'accord. Je veux me lancer. Cela me donne juste plus de force. Je dois dire que les pinces sont beaucoup plus solides que ma main. Et voici mon seul produit de base. Ne vous inquiétez pas s'ils ne sont pas les miens ou non, car nous utiliserons notre marteau pour attaquer un peu plus tard. Faisons donc une rotation. Donc, le plus important, c'est que vous ne vous contentiez pas d' un côté puis de l'autre, mais que nous continuions à alterner. Nous y voilà donc encore une fois. Je vais donc saisir à nouveau la lèvre, utiliser ce point d'appui. Le point d'appui tire un peu contre la barre du châssis en bois. Ça te donne juste plus de force. Alors continuez à tourner aussi. Tu en as un sur les quatre côtés. Et voici ma quatrième facette. Je vais à nouveau saisir les joueurs appui vers le bas, et leur donner un coup de pouce. Donc, chaque fois que je le tire, il se resserre de plus en plus et s'agrafe. Nous avons donc les quatre côtés maintenant, le schéma est un peu différent. Je vais faire l'inverse de ces deux côtés. Alors je vais suivre ce chemin, puis ce chemin. Je vais donc commencer par la limite la plus proche de moi, car c'est là que j'ai le plus de force. Et je vais tirer, c'est une toile de canard en coton. C'est ce que vous voulez rechercher. Le poids est de 10,5. C'est un beau poids robuste. Donc, d'un côté, puis faites pivoter. Ce côté va dans cette direction. Ce côté va prendre la direction opposée. Nous y voilà. Tirez. Et vous pouvez simplement le sentir se resserrer et tourner à nouveau. Vous pouvez donc voir que nous tirons sur la diagonale. J'ai vraiment aimé les pinces. Je n'arrive pas à le serrer aussi fort avec mes mains. Et nous effectuons une rotation. Vous n'avez donc pas besoin d' agrafer jusqu' aux coins , car nous aurons besoin d' un peu d'espace pour plier. Laissons donc celui-ci. Et je pense que nous sommes bons sur ce point. Alors maintenant, allons-y dans l'autre sens. Je vais commencer ici. Je vais vers la gauche. Sur une toile plus grande, vous aurez évidemment besoin de plus d'agrafes. Sur une toile plus grande, je m'étire sur le sol et ça marche aussi. Il y a beaucoup de courbures profondes au niveau des genoux. Toiles plus petites. Tu peux t'étirer sur une table comme je le fais ici. Et nous allons continuer à tourner jusqu'à ce que nous ayons terminé ces côtés. Vous vous souvenez que vous ne voulez pas agrafer jusqu'au coin de la rue ? Et chaque remorquage lui a appris. Nous avons l'air bien. D'accord. J'en ai un de plus de ce côté. Maintenant, je vais commencer par les extrémités courtes de la toile. C'est la même chose. Nous allons faire une rotation. Vous constaterez peut-être que tous vos produits de base ne vous conviennent pas parfaitement. Ils tiennent peut-être debout et peuvent être un peu bancaux. Alors vas-y. Prends ton marteau. Donne-leur un coup de gueule. Nous avons donc étudié les quatre côtés. Nous avons enfoncé nos agrafes égarées et nous n'avons plus qu' à faire les virages. C'est un peu comme emballer un cadeau. Nous allons faire ce que nous appelons la méthode du pincement. Je vais donc prendre ce coin et pincer, puis le tirer très fort vers l'intérieur, puis l'aplatir. Et puis chaque côté recevra une agrafe. C'est plutôt bien. Donc, ce que j'essayais de faire, c'est de serrer le tissu le plus possible pour en faire un coin vraiment fin. Et je dois le faire à chaque coin de rue. N'oubliez pas que nous sommes en quelque sorte en train de le pincer et de le tirer plat et qu'il a naturellement envie de se détendre et de se replier. Ensuite, nous avons une agrafe de chaque côté. Alors pincez, tirez très fort, retournez-le , agrafez. N'oubliez donc pas de pincer, de toujours tirer bien et bien tendu. Toutes les agrafes se placent sur le dos et surveillent vos doigts. Il y avait donc un peu trop de tissu sur moi. Et je pense que nous allons bien. Retournons-le. Voyons ce que nous avons. Aussi serré qu'un tambour. Et la beauté est aussi étroite que ça. Il deviendra encore plus serré quand nous viendrons de le voir, car il y aura l'humidité et, comme cela suggère , les fibres se contracteront à nouveau. Et nous aurons une toile parfaitement lisse, serrée et tendue, que vous aurez réalisée vous-même. Bon, nous sommes presque prêts à commencer à peindre. Aménageons d'abord notre espace de peinture et allons-y. 6. Espace de travail: Il peut y avoir beaucoup de choses qui peuvent vous empêcher de peindre. Vous pourriez avoir à mener une vie trépidante avec des enfants , voire avoir besoin d'animaux de compagnie. Nous voulons donc rendre votre espace de peinture aussi simple, accueillant et confortable que possible. Nous voulons que ce soit un endroit où vous pourrez vous évader. Il doit être confortable que vous ayez envie d'être là et que vous vouliez passer le plus de temps possible à peindre Croyez-moi, cela fait vraiment une différence. Je vais donc vous montrer comment aménager votre espace de travail ou votre table de travail, comment organiser votre éclairage et vos fournitures de manière à ce que vous soyez vraiment à l'aise pendant que vous peignez. Je vous recommande donc vivement de vous tenir debout pendant que vous peignez si vous le pouvez. Si vous êtes à l'aise de cette façon, si vous êtes debout, vous voudrez probablement utiliser un chevalet non un chevalet de table. Le chevalet lui-même pourrait être en métal. Ça pourrait être du bois, ça pourrait être super chic. Tout ce qui vous convient tant qu'il est solide et que vous pouvez soulever et abaisser la partie qui soutient la toile. La hauteur de votre toile va être importante. Tu veux toujours le garder au niveau I. Vous ne voulez pas peindre en haut ou en bas. Et ce qui est vraiment important ici, c'est que votre support soit vertical k. Donc , lorsque vous êtes debout, il faut tenir compte de l'emplacement de votre table de travail par rapport au chevalet. Nous voulons que les choses restent ergonomiques, que vous puissiez me joindre facilement. Je ne veux pas que tu doives danser un peu chaque fois que tu touches le palais. Donc, si vous êtes droitier, vous voudrez que toutes vos fournitures soient à portée de main sur votre droite. Et bien sûr, si vous êtes gaucher, nous allons les mettre à portée de main de votre main gauche. Nous voulons pouvoir accéder à la source d'eau, aux pinceaux, à la palette, sans avoir à nous déplacer. Un autre avantage de cette configuration verticale au chevalet est qu'elle me permet de prendre du recul par rapport à mon travail. Je vous recommande de le faire, vous laisser un peu d'espace pour avoir cette vue. Nous pouvons également avoir un document de référence à partir duquel nous travaillons ou peut-être même une nature morte. Réfléchissons à la façon dont nous l'avons configuré à nouveau, pour que tout soit simple et ergonomique. Un autre facteur très important dans aménagement de votre espace de travail sera évidemment votre éclairage. Vous devez avoir la lumière la plus brillante et la plus constante possible. Certaines suggestions d' éclairage seraient donc d'installer votre chevalet ou votre espace de travail avec de la lumière naturelle, et ce sera votre fenêtre. Nous voulons que la fenêtre et la source de lumière soient à votre dos, si possible. De cette façon, vous aurez une lumière agréable et uniforme sur votre toile. Si vous n'avez pas la possibilité d'utiliser la lumière naturelle d'une fenêtre, que vous soyez dans un sous-sol ou que vous n'avez tout simplement pas de fenêtre, il est très efficace d' éclairer votre espace de travail à l'aide de ce que l'on appelle une ampoule à lumière votre espace de travail à l'aide de ce que l'on naturelle équilibrée. Et cela vous permettra de voir un spectre complet de couleurs. Vous pouvez soit accrocher cette lumière au chevalet. Vous pouvez utiliser un bureau ou une lampe de sol. Ainsi, même si la lumière du jour est préférable, nous n'avons pas toujours cette option. Nous pouvons utiliser des ampoules équilibrées à la lumière du jour. Il se peut donc que vous n'ayez pas l' espace nécessaire pour installer un chevalet. Vous serez peut-être plus à l'aise assis. Laissez-moi donc vous expliquer comment configurer une table comme espace de travail alternatif. Donc, si vous travaillez sur une petite toile de cette taille, aucun problème à la laisser à plat. Mais regardez ce qui se passe lorsque nous passons à l'une de nos plus grandes toiles. Si je travaille à plat sur cette toile, deux choses vont se produire. L'imagerie peut être raccourcie au fur et à mesure qu'elle se déplace sur le canevas. Et je dois étendre mon bras sur ma peinture pour travailler au sommet. Ainsi, vous pouvez atteindre le sommet de votre Canvas. Vous n'avez pas à vous soucier du raccourcissement et vous ne traînez pas votre bras à travers votre image. Et encore une fois, un bon éclairage est très important. Je veux quand même m'assurer que la lumière est dans mon dos. Mais maintenant, comme la toile est un peu plus plate, vous pouvez également augmenter votre éclairage en installant peut-être une lampe de bureau pour vous éclairer un peu plus. Et nous voulons être à l'aise. Alors, que portez-vous ? Êtes-vous à l'aise avec le fait de ressentir de la douleur sur vos vêtements ? Si ce n'est pas le cas, pourquoi ne pas vous offrir un uniforme de peinture sur lequel vous serez à l'aise de peindre ? Cela peut être une claque, cela peut être une tenue complète que vous portez. Et cela devient presque comme vos vêtements de travail. Vous êtes maintenant en mode créativité. Vous pouvez le recouvrir de peinture et vous êtes très à l'aise. Si nous pensons au confort, quoi d'autre va vous déranger est en quelque sorte vous faire perdre votre humeur à peindre. Est-ce qu'il fait trop chaud ou trop froid ? Vous aimez écouter de la musique ? J'aime chanter ensemble. Je veux donc contrôler le type de musique que je diffuse. Fermez la porte si vous pouvez empêcher les distractions d'entrer. Essaie de créer. serait-ce que pour cette heure, c'est l'espace idéal peindre à l' aise et pour pouvoir s' y perdre , car c'est ce que nous voulons vraiment faire. Transformez votre espace en un lieu de bonheur où vous aurez envie de vous évader et de peindre. Nous avons donc toutes nos fournitures. Nous avons maintenant aménagé notre espace, nous sommes à l'aise et nous sommes prêts à peindre. 8. Peindre la valeur d'exercice d'œufs: J'espère donc que vous vous sentez à l'aise avec le noir et blanc, car nous allons faire une peinture d'une autre valeur. Mais cette fois, ce sera une peinture représentative d'un œuf. Nous allons continuer à mettre en pratique compétences de notre projet précédent, mais cette fois, nous allons nous concentrer sur façon de donner à l'œuf un aspect rond. Et je vais vous montrer comment mélanger les valeurs pour créer des transitions fluides. Donc, parce que nous ne créons plus une composition plate et que nous essayons de donner à quelque chose un aspect rond. Nous avons des préoccupations différentes. Notre cerveau suit le mouvement de la lumière au-dessus d'un objet rond lorsque nous voyons la lumière passer de l'obscurité à la lumière. Et c'est ainsi que nous savons qu'il s'agit d'un objet rond. Sans ces modifications de valeur, l'objet aura l'air plat. Nous allons donc utiliser la valeur pour comprendre que l' objet est rond. Transformer un objet bidimensionnel en quelque chose qui semble tridimensionnel s' appelle créer une forme. Et encore une fois, je suis sur du papier aquarelle, donc c'est beau et plat pour cet exercice. Et nous allons nous attaquer à un œuf. Nous allons composer un tableau avec un seul œuf. Nous cherchons un tableau en vrac. N'ayez pas peur de laisser apparaître vos traits de peinture lorsque vous appliquez la peinture. Nous n'essayons pas de donner impression que c'est une photographie parfaite et complètement lisse parce que c'est une peinture. Ce sera vraiment un excellent entraînement pour utiliser vos valeurs afin créer l'apparence d'un œuf rond. Il y a de nouveaux mots de vocabulaire j'aimerais attirer votre attention. Dans cette composition particulière. Nous avons déjà parlé du premier plan et de l'arrière-plan. Mais dans ce cas, le premier plan est le plateau sur lequel repose l'œuf lorsqu'il se dirige vers vous. Et puis l'arrière-plan est le mur derrière l'œuf. Donc, une autre chose que j'aimerais attirer votre attention est qu'il s' agira d'une ligne qui ne passera pas tout à fait au milieu, mais qui traversera votre composition et vous le verrez sur votre composition et vous le verrez la photo de référence. J'ai donc déjà peint un carré gris moyen sur ma page. Et je l'ai fait avec mon joli gros pinceau plat. Souviens-toi, plus grand espace, plus gros pinceau, voilà ton numéro dix. Et si nous peignons sur fond gris, c'est parce que cela vous donne de quoi réagir au lieu de simplement peindre sur du blanc. Le blanc contraste donc trop fort avec tout, et le gris nous donne un juste milieu. De cette façon, nous partons d'un juste milieu et nous devenons fois plus sombres et plus clairs au fur et à mesure que nous créons notre composition. Ainsi, dans une peinture, l' exception de aquarelle où vous préservez vos lumières, nous allons travailler du plus foncé au plus clair afin que les lumières soient placées au-dessus. Si vous commencez par le blanc, n'avez nulle part où aller. Encore une fois. Voici notre gris moyen et nous allons reconstituer l'œuf avec une sous-couche. Mais la première chose à faire est dessiner la composition. Et pour ce faire, je vais me procurer un pinceau plus fin qui fait presque office d'ustensile à dessin. Et j'ai besoin d'une belle peinture fine qui coule. Mais j'ai également besoin d'une valeur que je puisse voir par-dessus le gris moyen. Je vais donc m'assombrir, mélanger mon eau et mon eau, pour faire démarrer le flux. Et je vais dessiner ma composition. Je le dessinerais aussi grand que possible dans votre espace, car vous devez vraiment voir ce que vous faites. Vous ne voulez pas le rendre trop petit, alors vous n'aurez pas de place. Donc, la première chose que je vais faire est de dessiner l'œuf. Maintenant, juste un mot sur le dessin. Fondamentalement, l'œuf est une ellipse. Regarde ce geste que je fais. Cela vient de l'épaule et l' inclinaison naturelle est de créer quelque chose de beau et de rond pour ne pas avoir envie d'être ici. Vous ne voulez pas dessiner l'ED. Allons-y avec ce bras et voyons si nous pouvons faire un bel œuf rond et éclipsé. Ne vous inquiétez pas si les lignes sont erronées , car elles disparaîtront. N'oubliez pas que nous travaillons par couches. Vous pouvez donc faire des erreurs, ce n'est pas grave. Ces erreurs seront corrigées dans vos couches. L'horizon dont nous avons parlé. Tu te souviens de la règle des tiers ? Je ne veux pas le mettre juste au milieu. Je vais le déplacer légèrement vers le haut parce que j'ai besoin place pour mon ombre projetée par l'œuf. Et indiquons où se trouve cette ombre. Sans l'ombre, vous avez un œuf flottant, n'est-ce pas ? L'ombre ancre l'œuf dans notre espace. C'est donc un dessin très simple. J'ai quelques lignes supplémentaires. Cela ne m' inquiète pas du tout. J'ai utilisé mon bras pour faire un joli mouvement gestuel. Et nous sommes prêts à faire notre sous-couche maintenant. OK. Mettez donc toujours votre pinceau dans l'eau. Swish, swish, swish. Je ne vais pas le laisser dans l'eau. Moins ces brosses passent de temps en place, meilleure sera la pression . Je vais donc laisser cela de côté. Et pour m'appuyer, je choisis un pinceau rond. Le plus gros, c'est un huit. Et c'est sympa. Et le mot que je dois utiliser ici est fourreau fendu, d'accord ? Et je vais vous demander de rechercher cette heure, non pas du pâturage, mais plutôt des valeurs extrêmes d'obscurité ou de lumière. Donc, tout ce que vous regarderez sera soit plus sombre, devrez simplement prendre beaucoup de décisions. Donc, la première chose que je vais faire, c'est de mettre mes ténèbres partout où je les vois. Et je peux faire en sorte que ce support soit liquide. Et lorsque vous regardez votre œuf, vous remarquerez qu'il n'y a pas de ligne géométrique abrupte entre les ténèbres et les lumières. Donc ce n'est pas grave si les Noirs et les Blancs s' écrasent l'un contre l'autre. D'accord ? Alors, souvenez-vous, je veux créer quelque chose ici, quelque part. Je veux déplacer ma peinture avec l'œuf. Et tout est sombre ou clair en ce moment. Ne vous inquiétez pas pour les intermédiaires. Donc, il suffit de prendre un tas de décisions. Et je vais ajouter des ténèbres et des lumières. J'ajoute continuellement de l'eau au mélange pour que la peinture coule. Et assurez-vous également d'avoir suffisamment de peinture sur votre pinceau pour obtenir ce flux. Ensuite, prenons d' autres décisions ici. Et je vais passer au blanc. Alors balancez, balancez, balancez dans l'eau. Et n'oubliez pas que je ne travaille jamais avec la peinture tout droit sortie du tube. Je suis toujours en train de le sortir, le mettre sur ma palette et de le mélanger avec un peu de GAAC et un peu d'eau. Maintenant, souvenez-vous que si j'avais laissé la page blanche, vous n'auriez pas du tout pu voir les points forts. Mais comme j'ai un gris moyen, on peut vraiment travailler avec ça. Les valeurs. Ce qui aide, c'est de plisser les yeux sur votre sujet. Cela vous aidera à perdre les détails et voir le type de flou lorsque les valeurs se rejoignent. Alors je vais ajouter ces ténèbres, excusez-moi. Maintenant, nous sommes allumés. Et cette lumière qui se trouve en dessous s' appelle la lumière réfléchie. Lorsque l'œuf tourne, il capte un peu de lumière réfléchie par le dessus de la table. Donc, vous devez également y ajouter cela. Vous remarquerez que je n'ai pas créé un fond noir uni parce que nous utilisons ici ce que l'on appelle le contraste . L'extrémité sombre de l'œuf paraîtra plus foncée si j'ai un arrière-plan plus clair ici. À l'inverse, là où l'œuf est plus clair, je vais avoir un fond noir qui le rendra également plus clair. Je ne veux pas laisser de contour autour de l'œuf. Si je fais mon travail, j'aurai des bords contrastés, donc je n'ai pas besoin d' avoir un contour. En fait, si j'ai un contour, cela aplatira mon œuf. OK, donc je mets une valeur plus légère ici en arrière-plan. N'oubliez pas qu'une lumière sur fond d'obscurité aidera ce bord à ressortir. Ensuite, je vais également mettre la lumière au premier plan. Il faut plus de peinture. Travailler avec une peinture à base d'eau est donc une danse constante entre le débit, l'eau et le GAAC. Parce que dès que vous le pressez et que vous voulez commencer à dessiner. Mais nous avons besoin d'un flux, d'un flux constant. C'est donc là que votre eau et votre espace entrent en jeu. Et je vais en parler ici. Je mets donc du blanc ici au premier plan parce que, encore une fois, je cherche des bords contrastés. Rappelez-vous maintenant qu'il s'agit d'un contraste extrême entre le noir et le blanc. Cela ne va pas rester blanc, mais pour l'instant, comme l'ombre est si sombre, j'ai besoin d'une bordure claire. Même chose si je continue à monter la table autour de mon œuf au premier plan, puis ce sera ma sous-couche. Souvenez-vous, je n' ai vraiment aucune grâce. J'ai décidé que chaque zone était soit sombre, soit claire. C'est notre base et vous allez vouloir le laisser sécher avant de passer à la couche suivante. Ça ne ressemble pas vraiment à un œuf pour l'instant, mais ce n'est pas grave. Ne t'en fais pas pour ça. Nous allons continuer à créer des zones d'obscurité et de lumière et nous rechercherons des zones de transition. Très bien, j' ai mes noirs et blancs et maintenant je dois penser aux zones de gris de transition. Je vais donc commencer à saisir pinceaux, des ronds et des chaussures plates. J' utiliserai probablement principalement des appartements. Et je vais commencer à mélanger quelques points gris et à examiner ces zones de transition vraiment importantes. Vous allez donc faire beaucoup de mixage ici. Et beaucoup de regards et de strabisme. C'est vraiment important. OK, donc mes zones les plus sombres sont ici, mais elles ne sont certainement pas noires. C'est donc là que je vais commencer avec quelques gris. Et souviens-toi que mes traits veulent former un œuf. Et ces traits sont appelés contour ou contour croisé traversent le contour de l'œuf. Et n'oubliez pas que nous avons créé des lumières extrêmes, mais que la lumière la plus légère se trouve à la périphérie. Et si ce n'est pas blanc, c'est que c'est gris. Il faut donc continuer à mixer. Les lumières les plus sombres et les plus claires sont les plus faciles à voir. Ce qui est plus difficile à voir, ce sont ces zones de transition. C'est là que vous plissez les yeux entre en jeu. N'oubliez pas que vous travaillez en couches afin pouvoir apporter des corrections au fur et à mesure. Ce n'est pas grave si vous ne le faites pas correctement du premier coup. Et vous n'êtes pas obligé d'aller dans une seule direction. Tant que nous donnons à cet œuf un aspect rond. Je vais suivre à la fois cette voie et cette voie pour créer l'illusion de mes jambes arrondies. Je fais un petit mélange au fur et à mesure que j'ai un bord mouillé, un bord trop mouillé. Et cela aidera à fusionner ces domaines de transition. Je pense à mon échelle de valeurs, en essayant d'obtenir toutes ces différentes valeurs ici. Plus vous obtenez de valeurs, l'ER sera fluide, plus ces transitions seront fluides. Ce n'est donc pas vraiment nerveux. Et souvenez-vous de cette zone de lumière réfléchie par ici. Souvenez-vous donc que nous avons parlé de la valeur relative. Il va donc être très important, alors que je travaille sur mon œuf, de travailler également sur l'arrière-plan. Je ne veux pas quitter ce blanc éclatant. Je ne veux pas laisser ça noir. Je vais donc passer à un pinceau plat plus grand car c'est une zone assez grande ici. Alors j'ai juste pris mon pinceau brillant numéro huit et je vais commencer à avoir des gris en arrière-plan. N'oubliez pas que nous voulons du contraste. Cette extrémité plus foncée de l'œuf peut donc devenir grise, ce qui nous permettra peut-être de passer à des valeurs plus sombres à la lumière de l'œuf. Vous n'êtes pas obligé de faire de cet arrière-plan une valeur fixe. Ensuite, lorsque je me dirige vers l'extrémité claire de l'œuf, je veux des valeurs plus sombres, pas du noir. noir et blanc est donc le contraste le plus élevé que vous puissiez obtenir. Et je ne pense pas vouloir de noir ou de blanc pur et simple en arrière-plan. Mon blanc le plus large serait probablement le bord de l'œuf, juste ici. Travaillons au premier plan ici. Et parlons également de l'ombre. Notez où se trouve l'obscurité la plus foncée. C'est généralement là que votre objet, dans ce cas un œuf, se trouve réellement sur la table. Voilà mon noir et noir. Le reste de l'ombre n'est pas vraiment si sombre, alors mettons-y en gris. Et je pense que je vais revenir à un pinceau plus moyen. Et je peux modifier mes taches de peinture préexistantes. Je n'ai pas besoin de continuer à en créer de nouveaux. Si votre douleur commence à s'assécher sur la palette, vous pouvez attraper votre M. et continuer à faire durer toutes ces taches. L'ombre repose sur le dessus de la table. Il est donc préférable d'aller dans la direction du plateau, qui est horizontal plutôt que de le faire rond. Et pendant que je travaille là-dessus, je vais également travailler sur l'arrière-plan. Excusez-moi, ce n'est pas l'arrière-plan, mais juste derrière l'ombre. C'est toujours notre premier plan, mais c'est un peu plus en arrière. Donc je veux qu'il y ait un peu de gris là-bas. OK, donc je travaille ici à mi-parcours. Et j'ai un bord foncé sur l'œuf, donc j'ai besoin d'un contraste. Je ne veux pas qu'il fasse trop sombre ici. Fais tomber ça. Et je ne veux pas laisser le plateau blanc. Cela va donc également bénéficier d'un traitement gris. Revenons au gros pinceau. Regarde comme je change toujours de pinceau. Encore une fois, j'aimerais utiliser le plus gros pinceau possible pour la zone tout en gardant le contrôle. Qu'en pensons-nous ? Super, il fait trop sombre, pas de soucis. Mélangeons un petit bâillon gris plus clair avec un peu d'eau. Mélanger la peinture est l'une de mes activités préférées. Et qu'est-ce qu'on a ? Je pense que c'est bon. Allons-y. Le dessus de la table est donc horizontal. L'œuf est rond. Encore une fois, pensez non seulement à appliquer de la peinture sur le papier, mais aussi à la façon dont vous appliquez de la peinture sur le papier ? Parce que cela va vraiment aider à créer l'illusion de ce que nous sommes en train de peindre. fur et à mesure que nous revenons à ce juste milieu, je pourrais même m'assombrir un peu, car bord de l'œuf devient plus clair. Ce n'est pas encore comme ça, mais ça va l'être. Je vais donc choisir une valeur un peu plus sombre. Et en soulevant le bord de l'œuf, vous verrez ce magnifique contraste. Je vais donc définir le bord de l'œuf. En faisant cela, j' ai remarqué que j'avais dû laisser tomber mon pinceau dans ces zones grises. Absolument aucun souci. Je peux ajuster ça. Je le ferais probablement de toute façon, car en ajustant la valeur ici, j'ai ajusté la valeur ici. N'oubliez pas que tout est relatif. Passons donc à cette limite et voyons ensuite ce que veut être ce juste milieu. C'est pourquoi il est également très agréable de travailler sur toutes les parties du tableau, car c'est relatif. Ajuster une zone signifie ajuster la zone suivante. Tu dois juste continuer à chercher. J'ai donc trouvé ma valeur la plus légère maintenant. Et je veux une bonne fluidité. J'ai ce pinceau rond et je suis là. La question qui me vient à l'esprit est donc où est ma lumière la plus claire ? Et je veux affiner la transition, en quelque sorte atténuer cet avantage. Maintenant, j'ai ce bord blanc ici et je dois modifier une valeur sur le bout du bord juste là. Vous pouvez donc trouver que c'est parfaitement normal. J'ai noté une valeur. Oups, je dois changer le suivant. Continuez simplement à regarder cette relativité. Et réparons cette zone juste là, qui peut en fait devenir un peu plus claire. Maintenant que j'ai fait griser le bout de l'œuf, je vais augmenter légèrement cette valeur et me débarrasser de certaines de mes vues en boucle. Et ils disparaissent tout simplement. C'est la beauté de l'acrylique. Vous pouvez effectuer les modifications instantanément. Vous n'aurez donc jamais à paniquer à l' idée de faire une erreur. Ça a l'air plutôt bien. Je pense que la valeur dans l'ombre est trop foncée. Je vais donc alléger les choses. C'est un peu ennuyeux, un peu comme un couvercle d'égout en ce moment. Rendons donc cela un peu plus excitant. Je vais donc rendre cette valeur un peu plus intéressante ici. Et je vois des zones où je peux accentuer mes zones de contraste. Elles peuvent être plus claires ici, plus sombres ici. Je veux un peu de légèreté ici. Je vais donc prendre un autre pinceau et le faire. C'est un pinceau plus petit. Parfois, vous pouvez avoir meilleur contrôle avec un pinceau plus petit. Notre œil se concentre sur les bords. Il est donc très important que les zones présentant des bords soient un peu plus nettes et que le contraste soit un peu plus clair. Parce que nous allons le remarquer. Ensuite, je vais juste là. Donc je suis en train de renforcer cet avantage. Et puis en quelque sorte le mélanger. Je ne suis pas ravie cette transition en arrière-plan, alors nous allons également y travailler. Et retrouvons un peu plus de solidité ici, au premier plan. Revenez à la brosse numéro dix. Et nous allons avoir un peu plus de peinture ici. C'est un peu humide et un peu trop foncé. Vous êtes donc toujours en train de prendre des décisions. Je modifie donc légèrement la valeur au premier plan. Et vous avez remarqué que je n'ai pas eu à m'asseoir et à attendre que quoi sèche, car je travaille sur l'ensemble du tableau lorsque je reviens à l' arrière-plan, il est sec. Passons donc à mes problèmes de fond. Et le problème, c'est que je n' aime pas cette transition, alors je vais la peaufiner. Tu pourrais faire comme un voile de couleur. Dans ce cas, une valeur qui facilitera cette transition peu comme si vous l'intégriez. Je dois m'assombrir un peu, souvenez-vous que je vais vers la gauche, alors revenons à cette valeur sombre. Mais encore une fois, dès que vous voyez quelque chose, vous pouvez apporter cette correction. Et il est tout à fait normal de sauter dans la composition. En fait, c'est, c'est une bonne chose à faire. Donc, en fait, je passe du mouillé au mouillé, ce qui le rend un peu mélangé, ce qui permet une transition vraiment douce. Et une chose que je remarque également, peut-être que vous l'êtes aussi, c'est que ces deux valeurs sont très similaires. Et je veux un peu de contraste. Je me suis donc demandé quel était l' arrière-plan ou le premier plan le plus sombre ? J'ai un premier plan plus clair. Je vais donc toucher le bord une fois de plus avec une lampe. N'oubliez donc pas que vous ajustez une chose et que cela affecte ce qui se trouve à côté. Allons-y. Alors je le fais. Et je suis en train d' effacer la peinture. La transition est donc agréable. Il est très important de prendre un peu de recul par rapport à votre travail et de l'examiner. En fait, ça a l' air plutôt bien. Je vais me demander : est-ce que j'ai mes zones les plus sombres ? Est-ce que j'ai allumé mes lampes les plus légères ? Je pense que je peux allumer mes lumières les plus claires une fois de plus. Souvenez-vous que c'était mon pinceau rond. Et je vais juste appuyer encore une fois sur la lumière la plus claire car mes lumières les plus sombres ne paraîtront aussi foncées que ma lumière la plus claire. Alors, donnons un petit aperçu, et je n'aime pas ça, je vais m'en débarrasser. Je préfère avoir un bord à l'autre plutôt que des contours. Nous allons donc simplement nettoyer le bord le plus léger. À présent, je dois rendre cette transition un peu plus fluide. Je vais donc juste intégrer cela pour que vous n'y voyiez aucun changement brusque. Et nous y voilà. Nous avons un œuf. Je trouve ça beau et rond. Les traits suivent le contour. Nous avons le contraste, le premier plan, le second plan, l'arrière-plan. Dans la prochaine leçon, nous allons faire quelque chose de très amusant. Nous allons prendre une couleur et l'ajouter notre noir et blanc. Et cela s' appellera une œuvre monochromatique. Nous allons nous en tenir aux œufs, mais nous allons commencer à travailler sur la couleur. 9. Exercez la peinture monochromatique d'œufs: Vous vous sentez donc probablement assez à l'aise maintenant en utilisant le noir et blanc pour les valeurs. Mais ajoutons juste un peu de couleur au mélange. utiliserons un sujet similaire, mais cette fois, nous allons le peindre en noir, blanc et bleu. Ceci est également connu sous le nom de peinture monochromatique. Souvenez-vous donc que lorsque nous avons créé nos gammes monochromes, vous aviez votre noir et blanc. Mais maintenant, regardez ces belles écailles, commençant par du blanc et un peu de bleu. Et j'ai utilisé votre bleu froid, qui est votre bleu outremer, en y ajoutant progressivement du bleu. Et puis on se courbe dans cette direction jusqu'à obtenir un bleu saturé. C'était donc une teinte bleue et blanche, c'est une tente. Dans cette gamme, nous avons le bleu outremer et le gris. Et souviens-toi que c'est un ton. Et vous remarquerez que cette échelle est beaucoup plus courte. Les choses ont tendance à s'assombrir plus vite qu'elles ne s'éclaircissent. Et cette dernière gamme plus courte, c'est le bleu plus le noir, qui est la teinte. Et il a fait nuit très rapidement et nous ne pouvions vraiment plus voir de transitions, car une fois qu'il fait noir, il fait simplement noir. D'accord ? Donc, si vous avez le temps, je vous recommande de les faire également. Ils sont amusants à faire et c'est comme lorsque vous les faisiez en gris monochrome. Très bien, alors regardons notre nouvelle composition. Nous avons trois œufs et ce que ça va nous apporter, ça va nous donner plus d'entraînement. Disposition des objets dans l'espace. Trois œufs, cela signifie que nous avons plus de bords auxquels prêter attention, plus d'endroits où nous pouvons créer du contraste. Vous avez une belle photo des trois œufs et du matériel pédagogique. Vous allez travailler à partir de cela et je vais travailler à partir de cela également. J'ai donc préparé un autre fond sur le bloc-aquarelle, cette fois en utilisant un fond bleu moyen. N'oubliez pas que le ton est de la couleur bleu et gris. Et il s'agit du milieu de gamme sur votre échelle de valeur si vous voulez vous y référer. Et le processus sera très similaire à ce que nous avons fait avec l'œuf monochromatique unique. La toute première chose que nous allons faire est de dessiner notre composition avec, encore une fois, autour de nous. Je suis donc de retour à mon deuxième ou même à mon quatrième round. Je pense que je vais maigrir. Passons au numéro deux. Et nous avons besoin d'une peinture plus fine pour cela , car elle doit couler. Faisons-le avec une valeur sombre pour que vous puissiez le voir. Alors je prends du noir et je vais juste y ajouter un peu de bleu. Pas trop. Encore une fois, travaillons le plus possible dans l'espace tout en incorporant les trois œufs à la composition. Et je vais vous encourager à travailler fort , car vous avez besoin d'espace pour voir ce que vous faites. N'oubliez donc pas que nous voulons faire ce geste parce que les œufs sont ronds. Et ce n'est pas grave s'il des chevauchements ici, car il est plus facile de dessiner un œuf plein qu' un demi-œuf parce votre main veut simplement compléter ce cercle. Et j'ai un problème ici. Ça doit être un peu plus liquide. Nous recherchons donc le geste unique de chaque œuf, croyez-le ou non, chacun est un peu différent. L'une d'elles est un peu tournée, elle est un peu raccourcie, donc elle est un peu plus courte. Elle est plus petite. Ensuite, il y en a une qui est en quelque placée derrière et un peu plus haut. N'oubliez pas que les erreurs sont acceptables. Toutes ces files d'attente vont disparaître. Au fur et à mesure que nous travaillons dans nos couches. Nous avons besoin de la ligne d'horizon. Cela permet en quelque sorte de maintenir votre composition en place. Alors mettons-le dedans. Je passe un peu par ici. Et les ombres projetées devraient faire partie de votre dessin parce que je veux vraiment que vous y réfléchissiez. Alors, où sont ces ombres projetées ? Il y a en quelque sorte un peu là-dedans, n'est-ce pas ? Et n'oubliez pas que j'essaie de tenir le pinceau assez lâchement, saisir ma main pour créer ces formes arrondies. Cette ombre disparaîtra directement la composition et c'est très bien. C'est notre dessin. N'hésitez pas à apporter des corrections. N'oubliez pas que cela n'a pas d'importance. Voilà, ils vont disparaître. Voici donc notre dessin. Après le dessin, nous voulons réfléchir à notre sous-couche. N'oubliez pas quel est le fondement. Nous établissons les lumières et les ténèbres sur l'ensemble de la peinture, en utilisant un pinceau plus gros autour votre pinceau et en gardant la peinture assez lâche. Revenons donc à l'un de nos gros pinceaux ronds, en prenant un plus doux. Maintenant, c'est un round de six. Et la façon dont je vais travailler avec mes ombres et mes lumières est mélanger un peu de bleu au noir pour obtenir du noir, donc je ne veux pas du noir pur et simple. Ainsi, à partir de maintenant, le bleu sera mélangé à chaque valeur que vous utiliserez. Et c'est la couleur monochrome plus le noir et blanc. Encore une fois, le noir, un peu de ton bleu outremer sera ton plus foncé. Et c'est un peu plus compliqué maintenant parce que nous avons les trois œufs. Il va donc être très important de se concentrer sur la localisation de ces limites. Et je vais clarifier cela un peu pour que vous puissiez clairement voir où je suis. Juste ici. Nous avons un chevauchement et je veux que vous le voyiez là. Parfait. Cela va au-delà de tout cela. C'est ici. D'accord. Où suis-je dans l'obscurité dans l'œuf ? Vous allez le garder un peu lâche, un peu liquide, et vous déplacer tout au long de la composition en prenant vos décisions. Et je pense que ce que vous allez remarquer est comme un motif de lumière sombre, claire, foncée, bords sombres contre bords clairs et c'est ainsi que nous créons notre contraste. Je déplace mon pinceau avec les œufs, pour dessiner le contour. Et puis les décisions concernant les ombres projetées. Donc, comme vous vous en souvenez, ce qui est vraiment cool , c'est de monter sur la pointe. Mais si vous devez couvrir plus de terrain, vous pouvez exercer une pression avec votre main, faire des folies et couvrir une zone plus large. Rappelez-vous que nous avons également parlé de contraste en arrière-plan. Mettons donc les zones sombres là où nous savons que nos bords clairs se situeront. N'oubliez pas que votre arrière-plan n'a pas besoin d' être constamment composé d' une seule valeur ou d'un arrière-plan plat. En fait, c'est vraiment plus intéressant si ce n'est pas le cas. Donc, dans cette obscurité, je vais m' occuper de tout le sommet, là où se trouvent les lumières des œufs. Ensuite, lorsque nous arriverons sur le côté droit, où se trouve l'œuf noir, nous allons passer à la lumière. Et je pense que nous sommes sur le point de le faire maintenant. Alors swish, swish, et passons à nos valeurs de vie. Donc, tout comme nous avons mis un peu de bleu et un peu de noir, mettons du bleu dans notre blanc pour obtenir la valeur la plus claire. Juste pour qu'il n'y ait pas de noir pur ou de blanc pur. Je crée donc une teinte de bleu et assure de mélanger suffisamment de peinture pour que cela reste uniforme. Donc, de l'eau bleue GAAC, et tout va bien. Alors, où sont mes lampes ? Tu vois ? Suivez votre formulaire. Souvenez-vous que c'est extrême, nous n'avons aucune grâce maintenant. Nous les modifierons plus tard. Et nous avons parlé du contexte. Nous allons obtenir une valeur de lumière ici par rapport à l'obscurité. Et peut-être aussi plus léger au sommet. Et nous pouvons le mettre dans le noir. Au premier plan. Je vais aussi utiliser les lumières. Et tout comme avec notre œuf monochrome, il y aura d'autres points noirs plus tard. Donc, autour des ombres et jusqu'au premier plan. Et c'est aussi un bon moyen d'apporter des corrections. Vous pouvez presque redessiner la sortie à tout moment si vous voyez quelque chose qui ne va pas. Je n'hésite donc jamais à apporter des corrections. Donc, encore une fois, votre sous-couche, des lumières extrêmes, des ténèbres extrêmes. Faites bouger les traits avec vos œufs et prenez des décisions concernant tous les domaines de votre peinture. Même si vous savez qu'il y aura du gris plus tard pour le moment, c'est foncé ou clair. Et nous en avons terminé avec notre support, que nous allons laisser sécher avant de passer à la couche suivante. Nous devons parler du fait que je sais que les œufs ne sont pas bleus. Alors, qu'est-ce que je te demande de faire ici ? Les œufs sont blancs et c'est ce qu'on appelle une couleur locale. Je vous demande d'ignorer la couleur locale blanche et de simplement regarder les valeurs. Donc, d'une certaine manière, nous attribuons à ces œufs une couleur bleue et des valeurs monochromatiques bleues. Il nous suffit donc de suspendre nos réflexions sur la couleur réelle des œufs et d'en examiner la valeur. C'est ce que nous allons faire. Nous nous dirigeons donc maintenant vers la grisaille, n'est-ce pas ? Mais cette fois, nous devons réfléchir à trois œufs et à leur valeur relative. Et il se peut que dans l'ensemble, un œuf soit effectivement plus léger que tous les autres. Il me semble que notre œuf arrière est dans l'ensemble un peu plus léger. Mais pour l'instant, je vais commencer par un gris moyen. N'oubliez donc pas qu'il n'y a pas de noir ou de blanc pur et simple , tout doit contenir un peu de bleu. Et cela vous donnera votre couleur monochrome. Les zones grisées, ce sont vos tons. Et le bleu pur va être très saturé et ce sera presque comme un ton moyen pour toi. Très bien, mettons-nous au travail. C'est probablement un peu trop léger. Donc, pour l'assombrir, à la fois en bleu et en noir. Un bon mixage est important. Cela prend un peu plus de temps, mais vous n' aurez pas de surprises. Mettez ces surprises sur votre palette et non sur votre peinture, n'est-ce pas ? OK, ça marche. Ainsi, où que vous voyiez cette valeur, vous pouvez la brancher. Il finira probablement par changer, mais pour l'instant, allons-y et utilisons-le. OK, donc n'oubliez pas que si vous voyez une valeur, elle n'est pas d'un blanc éclatant. Je dois donc le traiter avec une sorte de gris. Je pense donc également à examiner les valeurs de transition qui ne veulent pas faire un grand saut entre l' obscurité et la lumière. Cela va en quelque sorte nous faire perdre l' illusion de la rondeur de ces œufs, non ? Les zones de transition sont donc toujours très importantes, sauf si je vois du blanc. Et n'oubliez pas que même dans notre blanc pur, il y aura juste un peu de bleu à l'intérieur. D'accord ? Il est donc très important de regarder vos bords contrastés. Cet œuf est devant cet œuf. Je dois donc m'assurer d'avoir une lumière puis une obscurité et de faire entrer encore plus de gris par ici. Et faites entrer la lumière par ici. L'obscurité n'est pas omniprésente ici, n'est-ce pas ? OK, encore une fois, remarquez que mes coups de pinceau créent la forme de l'œuf. Je pense que c'est très utile d' avoir deux pinceaux à la fois. Par exemple, je pourrais avoir un pinceau pour les ténèbres et un pinceau pour les lumières. Je n'ai donc pas besoin de nettoyer ou d'essuyer constamment mes pinceaux. Parfois, j'ai même plusieurs de mes pinceaux préférés que j'aime beaucoup utiliser et généralement un pinceau brillant. Je rétablis donc certaines zones sombres et je clarifie certaines limites. Mon obscurité la plus sombre se situe un peu par ici. Ça doit être un peu plus sombre. Et il y a cette belle obscurité juste derrière la lumière de cet œuf chevauche, puis il remonte en quelque sorte dans cette direction. Alors n'oublie pas de plisser les yeux. Et dans ta tête, tu te demandes : où sont les ténèbres les plus sombres et où sont les lumières les plus claires ? Donc, l'obscurité, c'est Stark, qui se trouve entre le milieu et le centre de l'œuf . Et je veux rétablir cela. Hé, ajoutons plus de gris ici. Je suis donc constamment en train de mixer et de réajuster. En fait, c'est pourquoi nous ne prémélangeons pas nos couleurs, car il est beaucoup plus pratique de modifier au fur et à prémélanger les valeurs et de se sentir obligées de les utiliser. Parce que si vous imaginez une échelle de valeurs en dix étapes, il peut y avoir cinq nuances supplémentaires entre chacune des dix étapes dont vous aurez besoin. De cette façon, je peux les mélanger selon mes besoins. Rentre un peu de noirceur ici. Vous remarquerez donc aussi que je saute d'œuf en œuf. Quand je modifie une chose, je dois en modifier une autre. Et à l'heure actuelle, certaines des difficultés que nous rencontrons voir les sorties sont dues aux interférences de fond. Alors, occupons-nous également de cela. Je tiens à préciser ce bord supérieur de l'œuf. N'oubliez pas qu'il n'y a pas de blanc pur et simple , il y a toujours un peu de bleu dedans. Alors que je travaille avec mes ténèbres, je dois aussi travailler avec mes lumières. Et c'est ici, sur ces bords arrières, que nous captons la lumière. Et examinons notre historique. heure actuelle. Il fait trop sombre. Je vais prendre un ton et le rendre un peu plus sombre, mais pas aussi sombre que ce que nous avons ici. Mets toujours ce bleu dedans. C'est vraiment amusant de travailler avec la couleur, même si ce n'en est qu'une. Qu'en pensons-nous ? Super, OK, vas-y. Et n'oubliez l'arrière-plan n'a pas besoin d'être complètement plat. Nous pouvons le modifier au fur et à mesure que nous nous déplaçons pour obtenir des valeurs contrastées. Regardez comment l'œuf change lorsque nous mettons ce fond dedans, c'est plutôt cool. Vous voyez qu'une petite partie du bord arrière de la table transparaît. Je vais donc laisser cette petite encoche. Ensuite, lorsque nous arrivons sur le côté droit, nous voulons davantage de lumière contre l'obscurité. Je vais donc travailler avec cette valeur pour la rendre un peu plus légère et faire une sorte de transition ici. En ce moment, il fait beaucoup trop clair. Ce faisant, je redessine également l'œuf parce que je dois en atteindre le bord. J'ai du noir vraiment embêtant. C'est ce qui arrive lorsque vous ne mélangez pas très bien votre peinture. Tu as vu ces stries noires ? Débarrassons-nous d'eux. Encore une fois, avec l'acrylique, nous pouvons facilement nous débarrasser des erreurs. C'est plutôt sympa. C'est un peu sale, là. Très bien, passons au sol et aux ombres. ce moment, les ombres sont trop sombres et nous voulons qu'elles soient un peu plus grises. La plus foncée se trouve juste en dessous de l'œuf. Les parties plus grises ou lorsque les ombres s'éloignent de l'œuf. Alors, établissons cela. Ensuite, nous y retournerons et donnerons notre teinte la plus foncée juste en dessous l'œuf, là où il est posé sur la table. Et je vais changer de pinceau pour le faire avec un pinceau plus petit. Ce n'est pas du noir pur. N'oubliez pas que nous avons opté pour le bleu. Ça se passe toujours là-dedans. Où sont mes ténèbres les plus sombres, voyons voir. Juste en dessous. Oui. Et ça va déposer cet œuf sur le dessus de la table. Chaque œuf a sa propre ombre spéciale. Retournons-y avec un gris moyen. Et je suis toujours en train de redéfinir les limites. Et en examinant le contraste et en apportant des corrections, je veux redéfinir le bord de notre œuf. C'est ce que nous allons faire. C'est mieux. Passons à la brosse de table, plus grande. Nous avons une grosse dépense à faire. Je pense que nous allons améliorer la situation. Allons-y à quatre. Un bleu plutôt saturé. Les couleurs saturées ont tendance à progresser. Donc, au lieu de laisser le grain aussi bleu, je vais le laisser être un peu plus saturé. Je ne pense pas que je vais y ajouter beaucoup de noir. Et je vais en mixer suffisamment pour ne pas en manquer. Pendant que je fais mon travail. Alors mettons-y un peu plus de peinture. Parfois, l'envie de diluer ou d'étendre la peinture peut vous causer des problèmes , car vous vous retrouvez alors avec une peinture transparente et aqueuse. Alors utilisez-en plus, même plus que ce dont vous pensez avoir besoin. Ensuite, vous n' aurez plus à vous soucier d' étendre cette couleur particulière. Et un peu de blanc. Voyons voir. Ce que nous avons avons est plutôt joli. Cela semble donc beaucoup plus bleu, mais c'est toujours conforme à nos règles. C'est toujours monochrome. C'était notre bleu avec un peu de blanc et très peu de noir, voire aucun faire ressortir le premier plan comme nous le voulions. Et je me débrouille plutôt bien avec la peinture. Notez donc que je prends ces traits horizontaux pour définir la direction de la table. Et j'espère que nous avons un bon contraste avec nos œufs. Oui, nous le faisons. Mais nous n'en avons pas fini. Et il reste encore beaucoup à faire. OK, revenons à cet œuf et je pense que je vais étendre un peu le blanc qui a perdu ce bord arrière. Revenons-en à cela. C'était l'une de nos valeurs les plus légères. Souvenez-vous, un peu de blanc, un peu de bleu. Et nous y étions. Très bien, donc je suis en train de réparer ce bord supérieur. Et ce faisant, je constate que j'ai oublié ce coin supérieur droit de la table. C'était notre type de bleu le plus saturé. Alors mettons-le dedans et établissons le bord arrière. D'accord. J'aime mon pinceau plat pour appliquer la peinture. Nous avions donc cet avantage plus léger. Faisons en sorte qu'il descende dans l'œuf. Nous y voilà. OK, donc je vais continuer à parcourir les trois œufs et le genre de choses auxquelles je pense. Où est mon obscurité la plus noire ? Où est ma lampe la plus légère ? Comment se portent mes zones de transition ? À quoi ressemble cette arête par rapport à cette arête ? Et je reviens constamment en arrière et je change un tout petit peu les choses . Je n'ai pas passé trop de temps ici, alors revenons en arrière. Le bord supérieur est le plus léger, mais je n'ai pas encore de zones de transition, alors allons-y. Idéalement, lorsque vous travaillez, vous parcourez l'ensemble du tableau. Vous ne voulez donc pas simplement terminer un œuf et passer au suivant, car vous savez maintenant que tout est relatif. Donc, si je le faisais, je passais à l'œuf suivant. Le premier œuf que je pensais terminé va avoir une apparence différente. C'est vraiment bien de prendre l'habitude de penser à l'ensemble du tableau et à toutes les pièces mobiles, nous sommes plutôt beaux. Il existe des zones difficiles où leurs transitions ne sont pas vraiment fluides. Je vais y retourner et chercher ma lumière réfléchie sous cette zone de lumière réfléchie ici. Retournons et récupérons ça. Et qu'est-ce qui est plutôt cool ? Il y avait des lumières ici, des lumières ici. Et ça a l'air plutôt beau. Je pense que je veux rendre ce coin encore un peu plus léger. Nous avons donc un contraste entre le clair et l'obscurité. Je vais donc rentrer dans mon appartement pour clarifier les choses. C'est mieux. Un coin plus clair ici. Et je peux en quelque sorte intégrer cette valeur. Donc, ça disparaît un peu. Je pense que je vais faire revenir quelques points gris par ici. Nous voulons qu'il fasse plus sombre pour pouvoir passer à la lumière, à l'obscurité et à la lumière. Mais au fur et à mesure que nous arrivons ici, il pourrait en fait être un peu plus léger. Parfait. Et je vais le souligner. Je continue donc à parler de marques directionnelles qui peuvent vraiment aider votre peinture à être plus réaliste en établissant différents plans. Cela se passe de cette façon. Elles sont rondes, celle-ci est horizontale. Je vois un domaine qui ne me plaît pas beaucoup et où la transition n'est pas bonne. C'est de l'obscurité à la lumière, ici même. Je vais donc y retourner et y revenir avec une sorte de gris de une sorte de gris, pour atténuer cette transition cahoteuse. Et l'avantage est juste là. Ça a l'air un peu irrégulier. Je vais donc clarifier cela. Nous avons l'air plutôt bien. Je ne vois qu'une zone de plus. Je n'aime pas. Alors, réparons ça. Il fait noir juste en dessous de l'œuf. Ça doit être un peu plus une ombre. OK, c'est bien mieux. Je pense donc que nous en avons terminé. C'était un peu plus compliqué d'ajouter du bleu. Mais n'oubliez pas que ce que nous recherchons est vraiment le même qu'avec une peinture en noir et blanc. Maintenant que nous venons d'ajouter une seule couleur pour créer une peinture monochrome, nous cherchons toujours les valeurs. Maintenant, il est temps de dire adieu à notre noir. Dans la leçon suivante, nous allons commencer à explorer la couleur, commençant par une roue chromatique. 10. Exercez la roue de couleur: Nous sommes donc maintenant prêts à intégrer le reste de nos couleurs à notre palais et à comprendre comment ces couleurs fonctionnent ensemble. C'est un petit saut parce que vous n'avez utilisé que du bleu, noir et du blanc jusqu'à présent, mais restez avec moi. Nous allons commencer par créer ensemble une roue chromatique. Je vais vous apprendre quelques notions de base sur la théorie des couleurs , des mélanges triadiques aux mélanges thermiques. Et je vais vous montrer comment mélanger les couleurs en utilisant simplement les peintures de notre palette limitée. Commençons par la roue chromatique. Qu'est-ce qu'une roue chromatique ? Et pourquoi est-ce utile ? Vous verrez donc ici que j' ai trois roues chromatiques. Ils ont un âge différent. Ils ont été imprimés à des moments différents. Les encres sont différentes. Ils ont été exposés au soleil ou pas. Et ce que vous remarquerez probablement, c'est que les trois couleurs censées être bleu-vert sont toutes très différentes. Alors, comment savoir quel est le bon bleu-vert ? C'est pourquoi nous allons créer le nôtre. La roue chromatique représente donc ce que nous appelons le spectre visuel. Il est organisé par ordre de Roy G Biv ou rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo, violet. Ce qui est vraiment amusant à dire. Cette orientation visuelle permet de montrer à la fois l'ordre et les relations entre les couleurs au sein des roues chromatiques, telles que, par exemple, les couleurs complémentaires. Nous avons un document et une feuille de travail sur la façon de construire la roue chromatique. Mais nous travaillerons ensemble pour y parvenir également. Nous allons le faire sur notre papier aquarelle. Et on y va. Pour commencer, vous allez saisir une boussole et l'ouvrir aussi largement que possible. Vous voulez travailler assez gros pour obtenir une taille et un diamètre assez décents. Et tu vas juste te faire un cercle, comme je l'ai fait ici. D'accord ? Ce qui se passe ensuite est plutôt cool. Je vais donc garder cela ouvert dans le même rayon. Et je vais vous montrer un moyen très simple d'obtenir 12 espaces pairs, car il y a 12 couleurs sur la roue chromatique. Alors on y va. Nous n'avons pas déplacé la boussole. Vous pouvez commencer n'importe où dans votre cercle. Vous allez placer le point sur le périmètre et faire un très petit x. Ensuite, prenez la même mesure, ne la modifiez pas. Le point est le suivant : X. Voilà votre deuxième point. Nous parcourons la boussole jusqu'à ce que nous obtenions six divisions différentes. Dans tous les sens. Imaginez que vous vous promenez dans le périmètre. Fabuleux. Nous n'en avons que six. Comment obtenir notre 12e ? Voici ce que tu dois faire. Maintenant, nous allons diviser l'un d'entre eux en deux. Je vais juste le regarder. Et en commençant à mi-chemin, je fais la même marche en dehors de ma boussole, excusez-moi, au volant. Et j'ai un hachage, juste un petit X. Et chacun de ces six espaces est maintenant réduit de moitié. Plutôt cool. Et nous avons une division parfaite entre, eh bien, d' accord, donc nous allons le poser et prendre un crayon et une règle. Le crayon que j'utilise est un Tooby. Et si j' utilise un futur crayon, c' est parce que c'est un graphite plus dur. Vous ne voulez pas laisser beaucoup de graphite sur les formes de votre roue chromatique, car certaines couleurs, comme jaune, indiqueront le carbone sous-jacent. Très bien, alors voici ce que nous faisons. J'ai un point central. C'est assez clair si vous ne pouvez pas le voir, allez-y et créez-vous un petit point de carbone juste là. Et je vais prendre ma règle et dessiner à partir de ce point jusqu'au centre de chaque X. Encore une fois, gardez cette ligne assez claire. Encore une fois, du centre à mon x, vous serez peut-être tenté de tracer cette ligne d'un bout à l'autre, mais vous constaterez qu'elle ne se rejoint pas. Assurez-vous donc d'aller du point central au centre de chaque x. Et vous pouvez simplement faire pivoter votre règle. Et tu vas faire tout le tour. Vous voulez donc simplement nettoyer avec une gomme. Si vous l'avez fait, aucun groupe ne voit rien de grand. Il s'agit d'une gomme malaxée qui a juste tendance à capter le graphite. Et je l'aime bien parce qu' il ne laisse pas ces petits copeaux de gomme que l'on a parfois. Je n'ai donc pas trop insisté sur le graphite parce qu'ils ne voulaient pas déposer une tonne de substance noire sur ma roue chromatique, mais nous sommes prêts à partir. Vous devriez donc avoir 12 divisions paires. Et la première chose que nous allons faire est de placer nos trois couleurs primaires , également connues sous le nom de triade principale. J'aime commencer par le rouge en haut. Et pour peindre ce tableau, je vais utiliser, comme je l'ai déjà suggéré, le plus gros pinceau possible pour mélanger avec moins de coups de pinceau, en fait un peu plus de contrôle. Votre rouge principal est donc le rouge de la roue chromatique, et cela ressemble beaucoup à ceci. N'oubliez donc pas que nous ne peignons jamais directement à la sortie du tube. C'est toujours un peu d'eau. Un peu de GAAC, mixé, mixé. Il faut que ce flux se mette en marche. Et je vais peindre en utilisant un peu le bout long de mon pinceau pour tracer des lignes plus droites, puis les remplir. Je vais donc choisir d'être ici. Ensuite, déplacez-le tout droit vers le bas lorsque j'entre dans la tarte, je peux changer de pinceau. Rappelez-vous que nous avons parlé de la beauté des pinceaux plats. Vous pouvez également utiliser ce bord droit et obtenir des lignes plus fines. C'est donc mon rouge principal. Nous passons donc à notre deuxième couleur et nous voulons très bien nettoyer notre pinceau , car nous ne voulons pas que le rouge soit mélangé au jaune. Parlons du placement de la deuxième étape de notre triade principale. Ce que tu dois faire, c'est compter sur quatre dans le sens des aiguilles d'une montre. Nous passons donc à 1234 et voici notre position pour notre jaune. Si cela vous est utile, vous pouvez faire des notations à l'extérieur de votre roue chromatique pour ne pas vous perdre. Nous savons donc maintenant où va notre jaune primaire. Dans le primaire, le jaune est souvent appelé jaune primaire, ce qui nous facilite la tâche. Et on y va. Un peu de GAAC, un peu d'eau, un peu de jaune. Allons-y et peignons cela. Voici donc mon avantage. Vous voyez donc les pinceaux plats, super polyvalents. Je peux même entrer dans ce tout petit détail. La roue chromatique n'a pas besoin d'être parfaite. Ne vous inquiétez pas si, si les choses se chevauchent, je préfère que vous pensiez simplement à trouver les bonnes couleurs, accord, c'était donc notre jaune principal. Parfois, on l' appelle jaune citron, c'est un jaune froid. Et il n'est pas très efficace pour recouvrir le graphite, mais ce n'est pas grave. C'était donc la deuxième couleur. Et puis, en peignant, je pensais conserver une belle consistance épaisse ou opaque. Et c'est ce que vous voudrez pour toutes vos couleurs. Parce qu'il ne s'agit pas seulement d' obtenir la bonne couleur, il s'agit également de la qualité de la couleur lorsque vous l'appliquez. Nettoyons donc à nouveau le pinceau pour passer à la troisième étape de notre triade principale , à savoir votre bleu. Et souvent, les gens veulent utiliser le bleu outremer, qui est votre bleu cool ici. Pour le bleu primaire, il s'agit en fait du bleu cyan, qui correspond à votre nombre de coups chauds plus de 41 fois supplémentaires par rapport au jaune. Et ça va nous mener au point mort. Alors allons-y, 1234. Et c'est là que se termine la troisième étape de notre triade principale. Bleu cyan. De l'eau de puits, un peu de GAAC. Et nous sommes en activité. Comme vous le remarquez, la relation entre la triade primaire est assez extrême. Aucune de ces couleurs n'a quoi que ce soit à voir l'une avec l'autre. Ils constituent la base à partir de laquelle nous mélangeons tout. Mettons ce bleu ici. Donc, si j'y mélange trop d'eau, vous verrez qu'elle deviendra immédiatement transparente. Je veux donc appliquer suffisamment de peinture sur le pinceau pour conserver cette opacité. Vous ne pouvez donc pas créer de rouge, de jaune ou de bleu. Ils le sont tout simplement. Alors voilà. Nous avons notre triade principale. Nous allons passer aux couleurs secondaires. Les couleurs secondaires sont plutôt cool. Nous avons ici un excellent visuel. Ce sont en fait les couleurs qui sont créées en mélangeant à mi-chemin entre nos deux couleurs primaires. Donc, la première que nous allons faire est juste ici, entre le rouge et le jaune, l'orange. Alors allons-y. Nettoyez très bien votre pinceau. Et nous allons nous en tenir au rouge chaud et au jaune chaud. Donc, ici, sur ma palette, j'ai tout ce dont j'ai besoin pour créer une orange. On y va. Voici donc mon rouge chaud et voici mon côté jaune chaud à propos de l'orange. Vous voulez en fait commencer par le jaune et y déposer le rouge. Parce qu'il faut beaucoup de jaune pour changer le rouge, mais un tout petit peu de rouge pour changer le jaune. N'oubliez donc pas de toujours essayer de mélanger votre couleur plus foncée à votre couleur plus claire. Lorsque vous pensez à une orange secondaire, pensez à une orange ou même à une carotte. Les étudiants veulent souvent que cette orange soit un peu trop rouge. C'est donc une très bonne orange. OK. Passons à autre chose. Entre le jaune et le bleu, le mélange est vert et c'est notre vert secondaire. Et nous avons tout ce qu' il faut en bouche. Nous devons également mélanger cela. Nous allons donc commencer par ce jaune et y ajouter un peu de bleu primaire. Et bon sang, ça passe immédiatement au vert pour toi. Cependant, nous voulons un green secondaire. heure actuelle, cela ressemble un peu plus un vert jaune. Mettons donc un peu plus de bleu là-dedans. Et nous pouvons même opter pour cela du bleu outremer, qui est votre bleu froid et aide à calmer ce vert. Ça fonctionne comme un terme. Nous y voilà. Nous avons donc un très bon green secondaire ici. Et nous allons le peindre dedans. Je vais juste me débarrasser de toutes les surprises. OK, donc entre le bleu et le jaune, nous avons le vert secondaire. Allons-y. OK, bien. Notre dernière couleur secondaire, ou comme on dit, la triade secondaire est notre violet. Donc, entre le bleu et le rouge, nous avons un violet, mais les couleurs que j'ai ici ne produiront pas du violet, elles créeront de la boue. Je veux donc plutôt passer à mon rouge froid et à mon bleu froid. Tu es cool. Le rouge est ton Alizarin Crimson. Et tu es cool. Le bleu est ton outremer. Donc, dans ce cas, je vais commencer par l'outremer et y déposer un peu d'alizarine. Ou il se peut que votre tube contienne de la quinacridone , selon la marque que vous avez. Et j'ai tout de suite une très bonne violette . On y va. Encore une fois, j'y vais. Et voici notre violette. Le violet a tendance à être très foncé. Ce n'est pas ta faute. S'il fait très sombre, c'est juste la nature de la situation. Vous remarquerez qu'il n'y a pas de blanc dans la palette de cette leçon car ces couleurs sont toutes appelées couleurs à valeur spectrale, elles sont toutes aussi intenses, ou nous pourrions utiliser le mot saturé. Et la façon dont j'aime penser au mot « saturé » est on ne peut pas augmenter le volume de ces couleurs. Vous ne pouvez pas augmenter le volume. Ils sont aussi saturés que possible. Très bien, nous avons donc notre triade principale et notre triade secondaire. Et maintenant, nous allons passer à nos couleurs tertiaires. Les couleurs tertiaires sont les couleurs situées entre les couleurs primaires et secondaires. Et d'ailleurs, si vous faites une erreur de placement, vous n'avez pas à recommencer à zéro. Il existe une solution très simple. Disons que j'ai peut-être mis le vert au mauvais endroit. Je voudrais simplement y mettre la bonne couleur, laisser sécher et y mettre la bonne couleur. Il n'est donc pas nécessaire de tout recommencer. Donc je vais juste vous expliquer comment procéder et ensuite nous créerons les couleurs parce que c'est plutôt amusant. Donc, entre le rouge et l'orange, rouge, l'orange entre l'orange et le jaune, le jaune, le vert, le jaune, le vert, le bleu, excusez-moi, le vert et le bleu, bleu-vert, le bleu et le violet. Bleu-violet. Et le dernier entre le violet et le rouge se trouve un violet rouge. Ce sont vos couleurs tertiaires. Et ils sont plutôt amusants. Et ils forment en fait deux triades tertiaires. OK, donc pour rendre le rouge orange, je pourrais revenir à mon orange et modifier en y ajoutant juste un peu plus de rouge. Nous y sommes donc presque. Ce n'est donc ni super rouge ni super orange. C'est juste entre les deux. Mets un peu plus de rouge là-bas. D'accord ? N'oubliez donc pas que c'est beaucoup de mixage, beaucoup de tracas avec le flux. Et mettons-y la bonne orange. Et c'est plutôt bon. Si je veux que tu crées ta propre roue chromatique, c'est parce que tout d' abord, c'est super amusant. Et cela vous apprendra beaucoup de choses sur le mélange des couleurs et sur la raison pour laquelle elles se trouvent là où elles se trouvent. Cela vous aide vraiment à comprendre les relations entre ces couleurs. OK, donc j'ai le mien, j'ai mon orange rouge. Je n'ai pas besoin de nettoyer mon pinceau à la folie car le jaune orange contient toutes les mêmes couleurs. C'est juste un tout petit peu plus jaune. Je pourrais maintenant passer à mon jaune chaud et m'en servir. Il est assez proche d'un jaune, d'un orange et d'un jaune plus rouge. Si je vais trop loin et que je reviens à l'orange. Mais je pense que nous avons un jaune orangé plutôt décent. Alors, jetons ça par terre. D'accord, jaune, orange, voici un peu plus de jaune. OK. Parfois, vous ne le savez pas tant que vous n'avez pas compris cette relativité. Encore une fois, la palette avait l'air correcte, à côté de l'orange, elle avait l'air un peu orange. N'oubliez donc pas que le bâillon consiste à redonner du corps à vos acryliques en les abaissant trop. C'est bien mieux. OK, Nice. Nous allons maintenant passer à notre prochaine couleur tertiaire, entre le jaune et le vert, qui est le jaune-vert. Je veux nettoyer mon pinceau cette fois parce que je ne veux pas que du rouge entre dans mon jaune-vert. OK. N'oubliez donc pas que vous souhaitez laisser tomber votre couleur plus foncée dans votre couleur plus claire. Je vais donc commencer par le jaune. Et il se peut que je doive me faufiler un peu ici. Et je pourrais voler un peu de verdure ici et un peu d' essence et nous sommes prêts à partir. OK. Notre prochaine couleur tertiaire entre le vert et le bleu est donc le bleu-vert. N'oubliez pas que c'est la couleur avec laquelle nous avons eu tant de mal à regarder les roues chromatiques achetées en magasin. Lorsque vous regardez un bleu-vert, il est en fait légèrement plus bleu que vert. C'est la meilleure façon d'y penser. Commençons donc par revenir au vert, puis le rendre légèrement plus bleu. Il fait si frais, jaune, mais pas trop chaud cette fois. Et ses proches. Donc, quand vous regardez le jaune, le vert, le bleu-vert, cela semble plus chaud. Ça a l'air plus cool. Faisons en sorte qu'il y ait un peu plus de bleu là-dedans. J'ai choisi le bleu outremer parce qu'il est un peu plus profond, car il y a déjà un peu de jaune dans ton bleu chaud. Et je veux que ça calme tout ça. C'est bien. OK, laissons ça là. Donc c'est juste un peu plus profond, un peu plus frais. Bon, maintenant on passe aux violettes et celles-ci sont super amusantes. Il ne nous reste plus qu'un violet bleu et un violet rouge. Le violet rouge est parfois appelé magenta. Et le violet bleu est parfois aussi appelé indigo. Alors mélangeons un bleu-violet. Il y a beaucoup de violettes ici. Et ce que nous pouvons faire, c'est en prendre un peu et le rendre plus bleu. Et je vais le faire avec ma couleur outremer, un bleu outremer clair. Ce n'est donc pas tout à fait bleu. Tu as encore besoin d'un peu d'alizarine dedans. Encore une fois, comme avec les légumes verts. Il est plus bleu quand on le regarde à côté d'un vrai violet. Il est donc très utile d'avoir cette autre couleur juste à côté. Et nous sommes bons. Allons-y. Et nous avons une dernière couleur, le violet rouge ou le magenta. Donc, pour mélanger le violet rouge, je pourrais prendre mon violet et essayer de le rendre un peu plus rouge. Je vais le faire avec mon rouge cool et c'est l' Alizarin Crimson. Et c'est une couleur tellement délicieuse. Waouh, regarde ça. J'ai juste besoin d'un peu plus de peinture. Revenons-en donc à l'Alizarin. Et je pense que nous avons une bonne violette rouge. Jetons ça par terre. Et c'est notre dernier morceau de gâteau. On y va. D'accord, nous avons donc créé notre propre roue chromatique. Et vous savez très bien comment nous combinons les établissements secondaires, où se situent leurs emplacements et où se situent les établissements tertiaires. Chacune de ces couleurs, souvenez-vous, est connue sous le nom de valeur spectrale. Ils sont tous également saturés, d'accord ? Et nous pouvons expliquer un peu pourquoi les couleurs sont dans l'ordre dans lequel elles apparaissent. Ces couleurs constituent ce que l' on appelle le spectre électromagnétique. Ce sont essentiellement des ondes lumineuses. Donc, si nous commençons par le rouge, nous avons affaire à l'onde lumineuse qui se déplace le plus lentement. Ensuite, nous devenons de plus en plus rapides au fur et à mesure que nous traversons le Roy G Biv jusqu'à atteindre le violet, qui est l'onde lumineuse qui se déplace le plus Lorsque vous voyez un arc-en-ciel, ou la prochaine fois que vous voyez un arc-en-ciel, remarquez l'ordre des couleurs. Ils ne s'en écarteront jamais, c'est super cool. Une autre chose à laquelle il faut penser est que si je vous demandais de choisir la couleur la plus claire, vous pourriez dire que c'était le jaune. Et puis si je vous demandais de choisir la couleur la plus foncée, vous pourriez dire que c'était le violet. Cependant, nous savons qu'ils sont tous également saturés et également intenses. Ce sont les couleurs des valeurs du spectre. n'y a aucun mélange de blanc dans aucune de ces couleurs. D'accord ? Ainsi, lorsque nous parlons de mots de vocabulaire, nous n' utilisons pas nécessairement le jaune comme couleur claire ou le violet comme couleur foncée. Ils sont également saturés. Le jaune n'est pas une couleur claire. C'est une couleur plus faible. Oui, absolument. Le violet est une couleur beaucoup plus forte, mais ils sont également saturés. Donc, saturer une couleur signifie qu' elle est aussi brillante que possible. La modification de la valeur revient à ajouter du blanc. Et c'est ce que nous avons fait avec nos échelles de valeur. Souvenez-vous que lorsque nous l'avons fait , on parlait de luminosité par rapport à la lumière. D'accord ? La prochaine chose dont nous allons parler concerne des relations vraiment intéressantes dans la roue chromatique qui divisent la roue chromatique en ce que la roue chromatique en nous appelons les températures de couleur. D'accord ? Donc, si vous regardez de ce côté de la roue chromatique, impression que nous passons à la lumière k. Et c'est ce que l'on appelle les couleurs chaudes. Nous avons du rouge, du rouge, orange, du jaune, du jaune orangé. Ils sont chauds comme si vous étiez au soleil. Et les couleurs chaudes ont également tendance à nous sentir plus proches de nous. Nous réagissons également aux couleurs chaudes légèrement différemment de ce que nous avons tendance à réagir à certaines des autres couleurs de la roue chromatique. OK, alors voici notre gamme chaude. Ensuite, nous examinons certaines des autres couleurs de la roue chromatique, allant du rouge au violet en passant par le bleu. Et ces couleurs semblent plus froides, comme si nous allions dans l'ombre. Ces couleurs ont également tendance à sembler plus éloignées. Ainsi, dans une composition, nous pouvons utiliser des couleurs plus chaudes vers l'avant et des couleurs plus froides vers l'arrière. Nous avons donc une sorte de retraite anticipée. OK, un autre truc super cool à propos des ondes lumineuses et de la couleur. L'exemple de quatre montagnes violettes, Majesté. Ainsi, par exemple, vous conduisez et vous voyez une montagne, loin. Je n'ai jamais vraiment marché sur une montagne violette, mais j'en ai vu beaucoup. Souvenez-vous donc que nous avons parlé de la force des ondes lumineuses. Donc, comme la montagne est très loin, l'onde lumineuse doit toucher la montagne, rebondir et toucher vos yeux. Ainsi, les couleurs les plus faibles ou les plus lentes, comme le rouge , l'orange, le jaune, qui traversent les verts, disparaissent. ondes lumineuses, ce qui reste, sont les ondes lumineuses les plus fortes et les plus risquées. La violette est brillante. choses au loin ont donc tendance à paraître plus froides ou plus bleues, et toutes ces autres couleurs ont disparu. Notre expérience du monde et la façon dont nous percevons la couleur influencent donc vraiment la façon dont nous comprenons couleur lorsque nous la traduisons en art. OK, il y a donc quelques couleurs que je n'ai pas mentionnées. Nous les appelons les couleurs oscillantes ou les couleurs relatives. Ces couleurs contiennent à la fois du chaud et du froid, et on peut leur donner un aspect chaud ou froid. Je peux donc donner à ce vert un aspect vraiment très sexy. En mettant quelque chose de vraiment, vraiment cool à côté. Je peux lui donner un aspect vraiment très cool en mettant quelque chose de vraiment très chaud à côté. Donc, tout comme pour nos valeurs, nous avons parlé de relativité, la couleur est également toujours relative. À quoi est-ce relatif ? Cela dépend de ce qui se trouve à côté d'eux ou de leur contexte. C'est vraiment important. OK, donc une autre relation de couleurs intéressante à examiner est la gamme de couleurs analogue. Les couleurs analogues sont donc des couleurs qui se trouvent côte à côte sur la roue chromatique. Et ils se déplacent de manière séquentielle. Et en se déplaçant de manière séquentielle, ils peuvent parfois suggérer un mouvement, n'est-ce pas ? Mais si nous travaillions sur une composition, nous devons créer des contrastes. Donc, si je me concentre sur deux couleurs côte à côte, il très peu de contraste, non ? Mais si je passe du rouge au jaune, orange, je pourrais obtenir beaucoup de contraste. Gardez donc à l'esprit qu' une palette de couleurs analogue est composée d'un primaire, d'un secondaire et de deux tertiaires. D'accord ? C'est donc un peu comme un groupe de couleurs très cool. Il n'y a pas grand-chose à voir là-dedans, mais le groupe de couleurs le plus intéressant est ce que l'on appelle les couleurs complémentaires. Les couleurs complémentaires sont situées l'une en face de l' autre sur la roue chromatique. Nous avons donc un rouge, un vert et un orange, un bleu et un jaune, un violet. Et les couleurs complémentaires font des choses vraiment incroyables. Si nous prenons, par exemple, jaune et le violet, je vais vous montrer quelque chose d'assez fou. Nous allons faire l'expérience de ce que l'on appelle la fatigue oculaire. Alors, que se passe-t-il lorsque nous mettons le jaune et le violet côte à côte, ces deux couleurs complémentaires sur le bord, vous allez commencer à voir presque comme une vibration et cela peut vous blesser les yeux. Si vous avez tendance à avoir le mal de mer, vous pourriez commencer à vous sentir un peu. Si vous êtes malade, il commence à y avoir une vibration. Alors, que se passe-t-il ? OK. Nous allons vous le montrer. Je veux donc que tu regardes ce carré rouge aussi longtemps que tu peux te tenir debout, soit environ 30 s. C'est tout ce dont tu as besoin. Quand le carré rouge disparaîtra, quelque chose de fou va se produire. Vous allez probablement voir du vert. Que s'est-il passé ? Vous ne voyez pas vraiment le vert. Ainsi, les cônes de vos yeux qui sont responsables de la perception des couleurs ont connu ce que nous appelons une fatigue. Et pour soulager la fatigue, votre œil voit en fait la couleur opposée, qui est le vert. C'est comme si tes yeux essayaient de neutraliser le rouge par le vert et de te donner une pause. D'accord ? La même chose se produirait si vous regardiez l'une des autres couleurs secondaires. Mais si je ne te donne pas l' occasion de soulager ta fatigue, comme lorsque tu regardes la frontière entre le jaune et le violet, c'est alors que tu as le mal de mer. Maintenant, dans vos œuvres d'art, vous ne voulez probablement pas que les gens aient la nausée, n'est-ce pas ? Alors, comment utiliser le jaune et le violet pour égayer votre peinture ? Supposons, par exemple, que vous essayez de peindre un tournesol très jaune. Je tiens à dire que vous pouvez appuyer sur ce crayon jaune aussi fort que possible. Il ne va plus jaunir. Comment puis-je rendre ce tournesol plus lumineux ? OK, donc si vous regardez les deux moitiés ici, j'ai du jaune, il suffit de changer la valeur et ça a l'air un peu terne. Mais regardez ce qui se passe lorsque j'introduis du violet et certaines valeurs de violet parmi le jaune ? Ce jaune semble maintenant beaucoup plus clair. Nous ne sommes pas fatigués. C'est juste assez pour que ce jaune soit vraiment, vraiment éclatant. Donc, afin de rendre les couleurs plus lumineuses, nous allons inclure la proximité de leur couleur complémentaire. Donc, une autre chose vraiment intéressante que font les couleurs complémentaires est que lorsque nous les mélangeons le long de la roue chromatique, violet au jaune, elles font ce que nous appelons se neutraliser mutuellement. Vous pouvez donc voir sur cette chaîne de couleurs que nous passons jaune à un peu de blanc, puis que nous passons progressivement au violet jusqu'à ce que nous traversions une zone de neutralisation. Ils sont un peu comme du brun à l'intérieur, à travers le violet. Vous pouvez effectuer cette neutralisation avec l' une des trois paires de couleurs complémentaires. Nous pouvons le faire avec le rouge et vert, le bleu et l'orange. Et comme vous pouvez le voir ici, les jolis résultats avec le jaune et le violet. Et nous allons explorer toutes ces neutralisations dans la prochaine leçon. 11. Exercer des échelles de neutralisation: Dans cette leçon, nous allons nous plonger dans mes préférées ou dans le monde des couleurs complémentaires. J'adore travailler avec des compliments, car pour moi, c'est le moyen le meilleur et le plus simple de changer les couleurs pour des variations subtiles. J'utilise donc beaucoup de compliments. Dans cette leçon, nous allons travailler avec les trois séries de compliments et créer des échelles de couleur pour chacune d'elles. Vous pouvez donc voir à quel point ils sont magiques. Souvenez-vous de cette première leçon où j'avais l'ensemble de peintures ici et où j'ai parcouru les peintures par-dessus mon épaule. C'étaient les Browns. Nous allons créer nos propres marrons qui sont de véritables compléments neutralisés. Alors que cette roue chromatique est encore fraîche dans notre esprit et dans l'atelier, revenons sur ces couleurs complémentaires. N'oubliez pas que vous avez du jaune, du violet, bleu, de l'orange et du rouge-vert. Voyons ce que ces trois paires peuvent faire. Pour commencer, nous allons travailler avec le jaune et le violet. Et ce qui va être important ici, c' est mélanger le bon violet, mélanger une grande quantité. Alors allons-y et faisons-le. N'oubliez pas que nous allons utiliser un bleu froid qui correspond à votre bleu outremer. Et tu es rouge vif , ton alizarine, pour mélanger une violette. Et j'ai besoin d'une bonne quantité de peinture parce que je dois la fabriquer jusqu'au bout de ma balance gratuite. Faisons donc en sorte d'obtenir suffisamment de mélange sur la palette. Et puis je ne flirte pas avec le bleu-violet ou le violet. Et en ce moment, je suis au bleu-violet. Corrigons donc cela en stockant un peu plus d' alizarine et faisons bonne figure, car le violet est si foncé. Encore une fois, c'est parfois un peu difficile à voir. Donc, quand j'aime le faire, parfois fais un petit test d'échantillons où je n'aime pas, je creuse, je prends du violet et je regarde ce que j' ai là et c'est juste un petit coup bleu. Je vais donc m'y attaquer avec un tout petit peu plus d'alizarine, bon écart avec Lamar. Et je pense que ça a l' air mieux. Nous pouvons le tester à nouveau. Oui, ça a l'air bien. Je pense que c'est parfait. D'accord. Nous avons donc mélangé une assez grosse goutte de violette. Et ce que nous allons faire, c'est laisser tomber le violet dans le jaune. N'oubliez pas que nous allons changer la couleur la plus claire par la couleur la plus foncée. Je vais donc en retirer un peu de jaune et j'en ai besoin d'une assez grosse goutte également. J'ai donc pris un pinceau propre pour ne pas commencer à neutraliser tout de suite. Et ajoutons un peu de GAAC dans de l'eau. Et comme avant, je ne vais pas créer de blobs neutralisés séparés. Je vais travailler avec une blonde. C'est donc une belle progression cohésive. Là-dedans. Tu l'as. Je pense que je vais poser mon pinceau violet et faire cet exercice avec le plus petit pinceau. Vous pouvez donc commencer par un jaune pur et ainsi savoir d'où vous venez. Encore une fois, je n'ai pas exclu ma balance. Si cela vous met mal à l'aise, allez-y, prenez votre règle. Et nous sommes généralement des carrés d'environ 1 pouce. Donc, en commençant par le jaune. Encore une fois, c'est un problème de rythme où vous ne voulez pas que votre premier saut soit énorme. Alors je vais chercher de la violette. Et vous verrez immédiatement que le jaune est devenu un peu terne. Et c'est là que nous voulons aller. Assurez-vous donc de récupérer toutes vos peintures et assurez-vous que cette goutte ne commence pas à se déplacer sur votre palette. Vous aurez du mal à ramper toute votre peinture. Et c'est bien de le garder au même endroit. Donc, notre premier saut de neutralisation juste à côté, vous pouvez immédiatement constater qu'il rapporte un peu d'argent. D'accord ? Bon, nous allons donc poursuivre notre neutralisation en laissant tomber le violet dans le jaune. Profitez un peu plus de ce temps. Et vous pouvez voir que cela commence à changer. La couleur, qui commence à devenir légèrement verdâtre, est presque ce que nous appellerions un parapluie ou une couleur. Alors faites un très bon mixage là-bas. Et voyons où nous en sommes. N'oubliez donc pas que c'est aussi une question de rythme. Ils ne veulent pas sauter trop vite. Et c'est parti. Alors, continuez à ajouter cette violette et à rechercher ces changements. Le violet jaune commence donc à développer une gamme de couleurs que j'ai souvent utilisées au lieu d'utiliser des verts. Surtout lorsque je travaille sur un paysage où je pourrais avoir envie que les arbres s' éloignent au loin. C'est donc une très belle gamme de couleurs. Nous n'avons pas encore atteint la neutralisation complète. Cela va prendre un peu de temps. Alors, continuons. Il n'est pas nécessaire de pousser jusqu'au bout du violet. Et n'oubliez pas, encore une fois, que c'est une question de rythme. Si tu fais des sauts plus importants, tu y arriveras plus rapidement. Si vous faites des sauts plus lents, je pense que vous pouvez vraiment explorer la portée de la neutralisation et vous y arriverez beaucoup plus lentement. Mais si tu ne penses pas à aller jusqu'au violet, tu ne te précipiteras pas. Parce que ce que nous voulons vraiment explorer, c'est la neutralisation, comme ces couleurs super délicieuses qui apparaissent ici. Donc, l'avantage de travailler avec des couleurs complémentaires, c'est que vous pouvez faire comme nous le ferons plus tard et une composition complète avec seulement deux couleurs avec une gamme énorme. Et vous n'avez pas l'impression utiliser uniquement les deux couleurs. Regarde comme ça se passe merveilleusement bien. Il ressemble donc presque à mon pull. C'est un vert neutralisé, un peu comme un vert plus doux. Continuons. Nous voici donc passés à l'étape suivante. Donc, cette gamme de couleurs rappelle aussi que vous avez peut-être comme la moutarde les couleurs et les couleurs avocat. Ils sont vraiment très riches sans devenir trop ennuyeux pour l'instant. Nous n'y sommes pas encore. Mais nous allons continuer encore un peu. Et vous le verrez alors qu'il commence à se déplacer davantage vers le violet et à s' éloigner du jaune. Nous sommes de plus en plus sombres. Mais c'est quand même délicieux. Regarde où nous en sommes. Agréable. Donc, ce que j'espère, c'est qu'à chaque saut, les intervalles soient à peu près les mêmes. Je n'ai pas fait de grand saut, alors regardez comme il fait nuit. Allons un peu, un peu plus loin. n'y a donc rien sur la page que vous puissiez appeler violet ou violet. Nous n'y sommes tout simplement pas encore arrivés. On est juste encore en train de flirter avec ça. Ambari, presque comme un territoire verdoyant. Agréable. Je pense que je dois augmenter ma consommation de violettes ici. Allons-y une bonne chance. Je pense que nous sommes bons pour deux autres. Oui. Nous y sommes. Ça devrait être un beau saut. Waouh, fais nuit. C'est-à-dire que cette couleur est en fait quelque chose que nous appellerions presque une ombre brute. Ces couleurs ressemblent presque un ocre jaune passant à l'ombre, passant à l'ombre brute. Et maintenant, il se neutralise vraiment , presque comme s'il n'était pas tout à fait brun, mais c'est un peu brunâtre. Je vais donc vous donner un dernier coup de pouce. Et puis nous allons dire que c'est une journée où la plupart de nos violettes seront utilisées. Voici notre dernier saut. Encore une fois, vous n'avez pas besoin d' aller jusqu' au violet. Tu peux, si tu veux. On ne va pas faire ça ici. Plus d'essence. Et nous sommes bons. C'est donc la plus foncée d'entre elles à ce jour, car elle contient le plus de violet. Waouh, très sombre, vraiment délicieux. Bon, alors parlons du moment où vous pourriez utiliser cette gamme de couleurs, n'est-ce pas ? Il y a une photo de moi, je suis debout dans un champ de tournesols. Si je veux que les tournesols devant vous soient beaux et brillants, j'utiliserais beaucoup de jaune saturé. Et nous avons également parlé de l'utilisation d' un peu de violet pur autour des tournesols pour les rendre brillants. Mais nous voulons que l'arrière du terrain s'éloigne au loin. Comment allons-nous nous y prendre ? Nous allons prendre ce jaune, neutraliser avec un peu de violet. Et cela va donner l' impression que les tournesols sont plus éloignés. En peu de temps, les couleurs de plus en plus ternes s'estompent et les couleurs vives saturées progressent. Nous en avons donc terminé avec notre neutralisation jaune-violet. Passons au bleu, à l'orange. Donc, pour notre paire complémentaire bleu-orange, nous voulons nous assurer d'utiliser les bonnes couleurs, à savoir le cyan et l'orange. Alors encore une fois, assurons-nous de mélanger une orange secondaire. Comme nous nous dirigeons vers l'orange, nous pouvons utiliser le jaune chaud et y déposer de la lecture. N'oubliez pas que vous pouvez effectuer des changements beaucoup plus rapidement lorsque vous faites passer la couleur foncée à la couleur claire. Nous avons donc commencé par le jaune chaud et nous allons le remplacer lentement par du rouge. ne faut pas beaucoup de rouge pour transformer le jaune en orange, donc si vous n'allez pas trop loin, cela se déplacera lentement. Et nous n'en sommes pas encore là, nous avons à peu près un jaune, un orange. Continuons avec un peu de rouge. N'oubliez pas que c'est votre rouge chaud. Je ne suis pas sûr. Rouge froid. Rouge primaire. Entrez en territoire orange. Profitez de toutes les surprises de votre pinceau grâce à un très bon mixage. Ça a l'air plutôt orange. Donc, finalement, vous penserez toujours à l'orange de cette façon. L'orange secondaire sera bien présente et vous n' y penserez jamais autrement. Il y a un orange secondaire brillant avec le bleu. Nous n'avons pas vraiment besoin de le mélanger. Il suffit de le déplacer dans la palette. Alors allons-y. Je vais juste prendre un autre pinceau plus petit. Et nous allons prendre cette goutte et la frapper avec une feuille lisse GAAC. Vous commencez à percevoir ces contrastes complémentaires, n'est-ce pas ? Quand ils sont purs et non mélangés. Comme ils sont brillants. C'est vraiment magnifique. Et maintenant nous allons changer tout cela. On y va. OK, commençons donc par un carré orange droit vers le haut. Nous savons donc où nous allons. Et de quelle couleur pensez-vous que cela va prendre lorsque nous commencerons à neutraliser ? Découvrons-le. Ce premier saut commence donc à vous donner un indice, non ? Ça a l'air un peu verdâtre. Très bien, mettons-y la première case. C'est vraiment une belle moutarde, oh, couleur curry, une grosse différence. Et un peu plus. bleu. Juste un peu de bleu change vraiment cette tache. Il se déplace donc un peu plus vite qu'avec un violet jaune. Donc, avec autant de peinture, elle a tendance à s'infiltrer dans votre pinceau. Alors fais-le un peu, détruis-le là-dedans, sors-le de la nature. En fait, cette partie sauvage est la partie centrale de votre pinceau. Et qu'est-ce que nous avons ici ? Très beau. OK, allons-y. Ce n'est donc pas comme si nous avions une toute nouvelle couleur. C'est juste que l'orange gagne un dollar. Finalement, cela ressemblera à une couleur complètement nouvelle, mais nous n'y sommes pas encore. Si vous êtes comme moi, vous obtiendrez une neutralisation complémentaire préférée entre le jaune-violet, ce que nous avons fait, et le bleu et l' orange, ce que nous faisons. Et finalement, nous passerons également au rouge-vert. La neutralisation complémentaire commence donc à devenir de plus en plus verte. Voyons ce qui se passe lors du prochain saut. Et quand je dis saut, je veux dire peut-être plutôt hop parce que vous ne voulez pas faire un énorme saut. Tu vas manquer de t'amuser. Très bien, voyons ce que nous avons ici. C'est sympa. D'accord. J'aime ça. C'est un magnifique vert olive. Maintenant tu sais comment t'y prendre. Neutralisez le bleu et l'orange. Cette couleur est tellement différente de cette couleur. C'est amusant. Très bien, on y va. Fais son prochain petit saut. De plus en plus vert, mais pas comme un vert secondaire pur et vif, le vert a une saveur neutralisée très subtile. J'aime ça. OK, on y va. Étape suivante. J'ai besoin d'un peu plus de peinture là-dedans. Et n'oubliez pas de toujours vous soucier de la cohérence, façon dont elle s'écoule de votre pinceau et de votre couverture sur la page. Waouh, c'est ce qu'on appelle une sève verte. C'est adorable. Donc, plus on passe du bleu ici, plus on passe au vert, encore une fois, on n'a pas à tout mélanger. Passons à quelques étapes supplémentaires et voyons où nous aboutissons. J'ai beaucoup aimé cette gamme de couleurs. Alors c'est sympa. OK, je vais en donner deux de plus, et c'est terminé. J'ai une petite tache bleue là, je ne veux pas. Il fait donc de plus en plus froid. C'est une autre chose merveilleuse à ce sujet. Regardez le changement entre le chaud de ce côté le froid de ce côté, plus nous ajoutons du bleu ici. C'est donc maintenant comme un joli vert foncé. Donnons-lui un dernier coup de pouce. C'est un peu comme un beau bleu-vert là-bas. OK, voici notre dernier carré. Nous n'allons pas aller jusqu'au bout, mais j'espère que vous vous amusez autant que moi. J'aime vraiment ça. Et j'adore mélanger les couleurs. Très bien, c'est là que nous aboutissons. C'est tout un voyage entre cette belle orange chaude ce vert riche et neutralisé. Alors, où utiliseriez-vous ce type de couleurs ? Eh bien, je préfère toujours créer un vert neutralisé au lieu d'extraire le tube de vert secondaire que nous avons jeté parce l'intérêt réside dans la variation et les subtilités que l'on peut créer. Peut-être que c'est dans un paysage, peut-être lorsque vous peignez une nature morte, mais cette gamme rendra votre visuel encore plus intéressant. Passons donc à notre dernière paire gratuite de rouge et de vert. Donc, pour commencer notre neutralisation complémentaire rouge et vert, je dois mélanger tout un tas de vert. N'oubliez donc pas que lorsque nous mélangeons notre vert, nous voulons notre jaune frais. Alors sortons-le et ajoutons un peu de GAAC dedans. N'oubliez pas que nous voulons toujours mélanger le plus foncé au plus clair. Cette fois, nous allons prendre un peu de bleu chaud. Et cela devient immédiatement verdâtre, jaune, vert. Je pense donc que nous l'avons déjà fait. Lorsque nous avons mélangé du vert, nous avons également pris un peu de bleu froid, et cela calme un peu le tout. Alors, prenons un peu de votre bleu cool. Donc, les deux bleus dedans, c' est ton outremer et ça devient un peu plus doux. Un peu. instant, ce que j'ai, c'est notre jaune et notre vert bruyants , pas ce que je veux. Mettons un peu plus de bleu ici. Nous voulons donc nous rapprocher le plus possible du secondaire. Sinon, nous n'allons pas vraiment obtenir une neutralisation gratuite. Il est encore assez jaune. Et encore une poussée, je suppose que je vais y aller lentement parce que c'est assez facile de s'y retrouver. Et c'est mieux que aller immédiatement trop loin. Je suis donc d'accord pour y aller lentement. Je pense que nous allons bien. C'est un beau green secondaire. OK, donc comme avant, nous allons commencer par un premier carré de vert secondaire juste à côté. Et je dois vous prévenir que la neutralisation rouge-vert va un peu plus vite. Tu verras ce que je veux dire. Il laisse tomber un peu de rouge. Et je commence vraiment à changer rapidement. Si mon rose devient trop épais. Souvenez-vous, un peu de GAAC, un peu d'eau. Voici notre premier saut. Et c'est assez subtil. Peut-être trop subtil. Faisons un saut plus grand cette fois, un peu plus rouge. Chaque paire neutralisée gratuite a une saveur vraiment différente. Et l'avantage de faire ces balances, c'est que vous savez ce qu'elles font. Et tu sais, quand tu veux saisir cette couleur en particulier. Au fur et à mesure que cette échelle se développe, vous pouvez commencer à réfléchir à l' utilisation que vous pourriez faire de cette gamme particulière. C'est dans mes paysages que j'utilise beaucoup cette gamme particulière . Je peins beaucoup de paysages. Et une chose à laquelle vous pensez est de créer de la profondeur spatiale. Supposons que vous ayez une rangée d' arbres à l'arrière d' un champ et que je voulais qu'ils reculent. Je ferais le vert comme je le fais ici avec du rouge. Et cela va vraiment aider cette ligne arrière d'arbres à s'éloigner au loin. Il y a une grosse goutte de quelque chose. Sortons ça de là. D'accord. Donc tu vois, c'est chéri. Oh, d'accord. C'était tout un tas de rouge. Débarrassons-nous de ça. C'est un vert très riche. C'est vraiment charmant. OK, allons-y. Piégeage dans le rouge primaire. Encore une fois, il s'agit d'une gamme de greens, mais vraiment différents de ceux que nous avons vus auparavant. D'accord, ce rouge est assez persistant. Il faut vraiment y travailler. Voyons ce que nous avons. Joli, j'aime ça. Nous voyons que nous passons au rouge assez rapidement maintenant, cela va s'accélérer pour vous. Et encore une fois, nous appellerions ces couleurs une sorte d'Ambari. Donc, si vous avez mélangé énormément de douleur, il vous faudra également beaucoup de peinture pour commencer à la changer. Mais au fur et à mesure que nous basculons dans le rouge, c'est comme si j'étais une couleur rouille. Et bientôt, nous allons probablement atteindre quelque chose qui ressemble plus à une couleur brique nous ne l'avons pas encore fait. Alors ça devient rouge, rouge, rouge. Continuons. Eh bien, c'est peut-être trop. D'accord. Vous voyez à quelle vitesse il passe au rouge ? Waouh, j'aime bien ça. Tout comme je suis comme un MOV. Rouge brique. Je pense qu'il faut donner un coup de pouce de plus. Voyez où nous aboutissons. Encore une fois, ne pas aller jusqu'au rouge. Mais nous avons définitivement fait chaud. Cela s'est passé beaucoup plus vite, n'est-ce pas ? D'accord. Donnons-lui juste une dernière chance. Agréable. C'est une belle couleur rouge brique. OK, c'est donc notre dernière échelle de neutralisation. Elles peuvent devenir un peu ternes que d'autres méthodes de neutralisation, mais n'ayez pas peur d'utiliser ces couleurs. En gardant ces écailles à l'esprit, nous allons aborder nos œufs, mais cette fois-ci, nous allons utiliser une palette de couleurs de neutralisation complémentaire pour créer les œufs en ajoutant simplement du blanc. 12. Exercez la peinture en couleur complémentaire d'œufs: Nous avons déjà passé beaucoup de temps à peindre des œufs, mais cette fois, nous allons utiliser notre nouvelle compréhension de la théorie des couleurs et du mélange des couleurs pour créer la peinture en utilisant les couleurs complémentaires du violet et du jaune. Et nous pourrons également ajouter du blanc. Mais pour cet exercice, nous n' utiliserons pas de noir. Nous allons le jeter. Au lieu de cela, je vais vous montrer comment créer une obscurité en utilisant simplement notre violet et notre jaune. Je vais également vous montrer comment faire ressortir ces couleurs en utilisant les compliments à notre avantage. Voici donc l'échelle de saturation que nous avons utilisée dans notre dernière leçon. Maintenant, on pourrait penser que cela fonctionnerait également pour notre échelle de valeur. Mais vous vous souvenez que nous avons dit que le jaune n'est pas une valeur de lumière. Il semble juste être léger, beaucoup plus clair que le violet. Mais pour vraiment changer la valeur du jaune, il faut ajouter du blanc. Ces valeurs à notre gauche seront donc nos lumières. Ensuite, nous passons à nos tons moyens, puis nous passons à nos tons foncés, qui ressembleront davantage au violet. Une autre chose que vous remarquerez probablement ici est que nos lumières sur la gauche sont chaudes avec nos jaunes. Ensuite, nous passons à nos glacières, qui sont les violettes. Souvenez-vous donc que lorsque nous avons peint les œufs en bleu en monochrome, nous recherchions des valeurs, nous essayions de arrondir l'œuf en utilisant des lumières et des ténèbres. Nous allons faire quelque chose de très similaire, cette fois avec le jaune et le violet et une neutralisation complémentaire. Et ça va ressembler un peu plus à ça. Alors passons à la peinture. La toute première chose que je vais faire est mélanger beaucoup de violette. Tu te souviens aussi comment faire ça ? Je ne vais pas utiliser mon plus gros pinceau pour mélanger la peinture. Tu t'en souviens ? Lorsque nous faisons cela, le pinceau a tendance à aspirer toute la peinture pour mélanger notre violet Nous utilisons les deux bobines. Nous avons votre Alizarin Crimson. C'est ton rouge cool. Et tu es cool. bleu. Assurons-nous d' obtenir suffisamment de peinture car nous ne voulons pas terminer moitié de la peinture et devoir modifier ou mélanger à nouveau notre violet. Donc, en ce moment, j'ai l'air d'un peu de violet rouge et je veux mettre du violet directement sur le nez. Sinon, ma neutralisation sera désactivée. Cela ressemble donc à une très bonne violette. N'oubliez pas que si vous le souhaitez, vous pouvez en faire un extrait, voir à quoi cela ressemble sur le livre blanc. Je vais opter pour ça et pour le neutraliser, je vais ajouter un peu de jaune, du jaune froid. Et je vais le faire ici pour ne pas compromettre toute ma quantité de violette. Et je vais ajouter un peu de blanc et ce sera mon terrain. Souvenez-vous donc que lorsque nous avons peint nos œufs bleus, nous avions un peu un fond légèrement gris. C'est ce que j'estime et je le fais en neutralisant le violet avec du jaune, puis en y ajoutant un peu de blanc. Nous y sommes presque. Ensuite, je vais commencer à peindre mon sol. Assurez-vous d'avoir suffisamment de peinture pour couvrir tout le sol. Et c'est ce que je suis en train de faire en ce moment. Il suffit d'en donner un peu plus et tout ira bien. Ce n'est donc pas mon plus gros pinceau. Je vais le récupérer très vite. Numéro dix, dessine un carré et remplis mon terrain. En fait, du point de vue du format, je pense que ce doit être un rectangle, pas un carré. C'est donc un beau violet grisé. Je n'utilise pas de règle. Tu peux certainement. Il n'est pas nécessaire qu'il soit parfaitement droit, peu importe ce avec quoi vous êtes à l'aise. Et puis je vais le peindre dedans. Il n'est pas nécessaire que ce soit très épais, mais je veux couvrir tout le blanc. N'oubliez pas que nous voulons nous débarrasser du blanc. C'est vraiment génial d'avoir une couleur à laquelle réagir immédiatement, autant plus qu'une valeur moyenne en blanc ne l'est certainement pas. Alors je pose la peinture, étale un peu. Ce n'est plus aussi épais que par le passé et ce n'est pas grave. Il sèchera également un peu plus rapidement. Je pense que nous allons bien. On en a assez. N'oubliez pas que nous voulons toujours laisser sécher la couleur précédente . À l'heure actuelle. OK, mon sol est sec. Je vais prendre ce pinceau numéro deux, plus petit parce qu'il ressemble presque à un crayon pour dessiner. Et je vais commencer à dessiner la composition de mes œufs. Et cette composition vous est familière, car vous l'avez déjà fait avec nos œufs bleus monochromes. Je choisis le violet pur pour que vous puissiez le voir. Il est donc toujours important de pouvoir voir votre dessin. N'oubliez pas de faire bouger votre main avec un peu de gestuelle. Et vous pouvez penser à la composition, avoir suffisamment de place pour les trois œufs, tout en restant assez gros parce que nous devons voir ce que nous faisons. Commençons donc par cet œuf central. Et ne vous inquiétez pas si ce n'est pas parfait tout de suite, nous pouvons certainement apporter des corrections. Regardez la relation entre les trois œufs. L'un est en retard, l'autre un peu en avance, il y a des chevauchements. Pensez donc à leur placement. Et puis nous en avons une qui est un peu cachée derrière. Donc un peu comme ça. Ensuite, nous avons la ligne d'horizon et le placement se situe au-dessus de la moitié. N'oubliez pas que c'est notre règle des tiers. Et nos ombres projetées sont également très importantes. Cela attache vos œufs à la table. Je ne fais donc qu'indiquer où ils se trouvent. Et c'est un simple dessin au trait, mais il place tout là où il est censé être. Et vous allez attendre que ça sèche, ce qui ne devrait pas prendre longtemps. Parlons de ce qui se passe avec notre sous-couche. Donc, cette fois, je vais attribuer aux ombres ou aux ténèbres la note « cool ». Le violet est ta couleur cool. Dans la paire gratuite, les lumières sont plus chaudes Elles seront donc du jaune, du jaune froid de votre paire gratuite. Pensez également aux tons moyens ou aux zones grisées. Ce seront des violettes neutralisées. Nous avons donc déjà mélangé un bouquet de violette. J'espère que cela nous permettra d'aller jusqu'au bout. Souvenez-vous que lorsque nous l'avons fait, nos œufs monochromes envahissaient les ténèbres et les lumières. Je vais donc reprendre ce gros pinceau rond et regarder où se situent les ténèbres et où elles se mêlent à la lumière. Donc, mon noir est violet. Je vais créer ce petit bout de GAAC aqueux et me déplacer tout au long la composition, en identifiant mes ténèbres. Je déplace mon pinceau gestuellement en fonction de la forme des œufs, regarde les contours et j'identifie les endroits où je vois mes zones les plus sombres. Cela inclura les ombres projetées. Alors ajoutons-les également. Les fondements n' ont donc pas besoin d'être très serrés. La peinture est un peu plus laide. Je passe vraiment à travers les choses assez rapidement. Et j'observe les œufs, peut-être même en plissant les yeux, en regardant ces ténèbres et ces lumières extrêmes. Donc, dans le noir, on est cool, Violet, mes lumières seront les miennes. Vous pouvez donc soit très bien nettoyer ce pinceau, soit changer rapidement de pinceau pour appliquer votre peinture jaune. N'oubliez pas : jaune froid, pas de blanc. Nous voulons que notre base soit saturée. Par saturé, nous voulons dire que ces couleurs sont aussi fortes que possible. Nous avons augmenté le volume. OK. Alors, où suis-je pour allumer le dessus des œufs ? Par ici. Ce n'est pas grave si vous mélangez un peu , ne vous inquiétez pas pour ça. N'oubliez pas que, comme nous travaillons en couches avec l'acrylique, nous pouvons toujours apporter nos corrections. Et mettons un peu de jaune au premier plan de la table. Et quand j'aurai besoin de revenir en arrière plan pour mettre un peu de noir en arrière-plan, je nettoierai mon pinceau une fois de plus. Je trouve que le fait d'essuyer vos pinceaux est très utile en plus de les brosser, car cela permet d'éliminer une grande partie de l' excédent de peinture et vous permet d'aller là où vous le souhaitez un peu plus rapidement. OK, alors voici notre plateau. Et nous voyons que cette partie de l'arrière-plan peut devenir un peu plus claire car le dos de l'œuf est plus sombre. Ensuite, je vais passer à mes ténèbres sur le côté gauche. Je vais donc revenir à ma violette. Nous allons ajouter du violet sur ce fond et ce sera notre sous-couche. Très bien, nous avons donc terminé notre sous-couche ici. N'oubliez pas que ce sont des ténèbres et des lumières extrêmes. Nous n'avons aucune zone de transition. Je vais attendre que ça sèche. Ensuite, nous y retournerons et commencerons à explorer les zones de transition grisâtres, les ténèbres et les lumières. OK, donc notre support est sec et nous allons commencer à superposer des couches. N'oubliez pas que les lumières seront vos jaunes les plus chauds et les lumières foncées auront tendance à tourner vers le violet. Les tons moyens seront plus neutralisés. Commençons donc à peindre. Je vais prendre quelques pinceaux différents. Je vais penser à peut-être avoir un pinceau plus chaud et un autre plus frais. Je n'ai donc pas besoin de continuer à changer. Un autre avantage du travail avec des couleurs neutralisées dans une composition est que l' ensemble du tableau est cohérent. Pensez-y. Vous n' avez que du jaune et du violet. Toutes les valeurs, toutes les couleurs sont mélangées à partir du jaune et du violet. Nous allons donc avoir beaucoup de variations. Et pourtant, comme je l'ai dit, tout sera visuellement très cohérent. Je suis donc en train de créer un beau ton moyen légèrement grisé que je vais commencer à appliquer et à ajuster, et je vais dédier ce pinceau à mes frissons. J'adore vraiment ces sons, c'est ce que nous mixons ici. Commençons donc par regarder les œufs pour les tons moyens. Et n'oubliez pas que je devrai aussi y retourner pour mes ténèbres et mes lumières. Et n'oubliez pas que lorsque nous peignons, nous nous déplaçons sur l' ensemble du tableau. Donc, si je vois un ton moyen similaire dans les autres œufs, je vais l'ajouter également. En fait, je suis en train d'ajouter un pinceau supplémentaire. Ce pinceau sera foncé et foncé ou violet. Je n'ai donc pas besoin de continuer à nettoyer mes pinceaux. J'ai beaucoup de pinceaux et j'ai des doublons , c'est ceux que j'aime bien. Ce n'est donc pas une mauvaise idée. Quand tu trouveras ceux que tu aimes. Remettons ces ténèbres partout où nous les voyons. Il existe donc plusieurs façons de penser à la création de ces œufs. Nous avons parlé d'arêtes mélangées. Et je fais aussi ce que l' on appelle un coup de pinceau cassé, qui fait en sorte que les deux coups se rejoignent. Lorsque je fais mes coups de pinceau cassés, je pense également au contour. Et celles-ci, encore une fois, sont appelées lignes de contour croisées. C'est donc une sorte de décision stylistique. Les bords mélangés vous donneront un œuf plus lisse. Les coups de pinceau cassés à queue d'aronde vous donneront également un œuf arrondi, mais une surface plus active. C'est donc vraiment une sorte de choix. C'est un choix stylistique. Comme j'ai mon pinceau foncé, je repasse également dans les zones les plus sombres qui se trouvent sous l'œuf et je fixe l'œuf à la surface. Tu n'arrêtes pas de chercher. Plus tu regardes, plus tu vois. N'oublie pas de plisser les yeux. Ce n'est pas une mauvaise chose à faire non plus. Ensuite, j' ajuste toujours les valeurs. Alors continuez à mélanger. N'oubliez pas que plus nous avons de valeurs, plus les transitions seront fluides dans le rond ou vos œufs seront fluides. Maintenant, nous avons beaucoup parlé de la lumière réfléchissante qui se produit ici même lorsque l'œuf tourne. Il faut donc que je cultive un peu de chaleur là-dedans. Je ne l'ai pas encore fait. Je vais donc me diriger un peu plus vers le jaune. Voyons à quoi cela ressemble. Maintenant, prends un peu de violette. Et il y a cette excellente neutralisation. Et je dois aussi ajouter du blanc. N'oubliez donc pas que nous sommes toujours en train de peindre des valeurs. Seulement cette fois. Nous utilisons juste du jaune et du violet. Et nous avons en prime ces magnifiques couleurs neutralisées. Alors, où puis-je les voir ? C'est sympa. N'oubliez pas que si ce n' est pas le cas du premier coup, ne vous inquiétez pas. Vous allez laisser sécher cette peinture et y retourner et apporter vos corrections. Alors que je me dirige vers la lumière, je vais également utiliser cette valeur car elle contient beaucoup plus de jaune. Et n'oubliez pas de faire très attention à ces bords. Je suis donc toujours en train de regarder la lumière réfléchie qui se produit juste en dessous. Et je suis toujours en train de nettoyer mes bords. Vous voulez donc modifier la direction. Vous ne voulez pas que l'œuf entier soit peint avec le même trait directionnel. Parfois, si tu fais ça, ça casse un œuf parce que tout ce que nous voyons, ce sont les coups. Vous pouvez donc changer de direction. Et je pense à ce qui va vraiment nous aider lorsque nous arriverons ici dans nos lumières que nous nous dirigerons vers le jaune. Alors allons-y. Souvenez-vous que j'avais un pinceau qui était un peu plus dédié au chaud ou au jaune. Je vais donc revenir à celui-ci. Et essayez de ne pas utiliser du blanc pur. Gardons-le un peu au chaud avec un jaune frais. Alors, où voyons-nous ces lumières plus claires au sommet de l'œuf, n'est-ce pas ? Et un peu comme ça. Ensuite, en passant par ici, nous travaillerons sur ces transitions. Pour l'instant, je veux juste sucer certaines de ces lumières pour que tu puisses en voir les bords. C'est très utile. Regardez comment ce bord sombre de l'œuf se heurte à cet œuf plus clair. Et c'est vraiment un bon endroit pour se concentrer. Assurez-vous donc de prendre des décisions concernant les bords sombres et clairs. Parce que c'est là que nous allons l'enregistrer le plus. Cela ressemble donc à ce que j'utilise actuellement , à savoir un pinceau clair, un pinceau foncé et un pinceau neutralisé. De cette façon, je n'ai pas besoin de continuer à mélanger et à les nettoyer. J'adore cette gamme de couleurs. Il est tellement polyvalent et délicieux. Je sais que je n'arrête pas d'utiliser ce mot, mais je n'en ai pas de meilleur. Ils sont délicieux. OK. Alors réfléchissez au type d'accident vasculaire cérébral qui vous rend heureuse ? Aimez-vous les utiliser un peu plus comme des coups vigoureux et les laisser montrer ce qui vous convient n'y a pas de bien ou de mal tant que ces œufs ont l'air ronds, mais la façon dont vous y arrivez est tout à fait acceptable. Et je dois définir un peu mieux le fond de cet œuf. Allons-y. Et dirigeons-nous vers le chaud, le neutralisé, le chaud. Waouh, regardez cette gamme de couleurs, si belle. On y va. Voici ce Barnum. Et pour affiner cette transition, allons-y un peu plus légèrement. Plus léger encore. J'espère que ce qui vous enthousiasme autant que moi , c'est la gamme de couleurs allant du jaune au violet. C'est vraiment illimité. On y va. Donc des transitions. Souvenez-vous maintenant que ce que je fais au premier plan et l'arrière-plan a une grande incidence sur les œufs eux-mêmes. Je ne veux donc pas attendre trop longtemps avant de les attaquer. Travaillons un peu plus ici, puis parlons du premier plan et de l'arrière-plan. OK, il va falloir revenir à cet œuf. Il m'aide un peu. Donc, toujours un peu d'eau, un peu de GAAC, c'est mieux. Laisse la peinture couler. Mettons cette sauvegarde de faible valeur là-dedans. Agréable. D'accord, donc en général, vous voulez que le premier plan avance et que l' arrière-plan recule. Nous savons donc que le violet est essentiellement une couleur plus froide. Si nous y ajoutons du blanc et que nous le grisons, il disparaîtra. Si nous réchauffons le premier plan et le saturons un peu plus, il avancera. Alors allons-y. Je vais passer à un pinceau plus grand et commencer à mélanger une couleur pour l'arrière-plan. Encore une fois, nous avons dit plus cool. Oui. Si cool et un peu plus terne. OK. Cela signifie que je dois neutraliser et alléger un peu. Nous y avons donc fait deux choses. Je prévois donc de faire appel à notre expérience pour développer une autre technique plutôt cool après avoir utilisé celle-ci. Nous allons donc mettre cette sorte de couleur grisâtre et froide neutralisée. Et c'est plutôt sympa parce que le violet s'oppose au jaune au fur et à mesure qu'il recule. Et une fois que cela aura séché, je vais vous montrer une nouvelle technique. Ça va être très amusant. Ajoutons ça ici. Et au premier plan, nous allons nous diriger davantage vers le jaune. Je vais donc essuyer ce pinceau. C'est mon gros pinceau. Et réchauffons-nous la tête au premier plan. Nous avons donc une sorte de terrain neutralisé mais plus chaud et plus sombre. Et nous allons le mettre au premier plan. Réchauffons-le encore plus. Donc au lieu de me diriger vers le violet, je vais me diriger vers le jaune. C'est sympa. Nous devons encore travailler sur les ombres. Nous n'en avons pas fini avec ça. Et n'oubliez pas que j'utilise le plus gros pinceau possible pour cette zone. Je suis partante. De cette façon, j'ai réellement plus de contrôle. Je ne m'embête pas avec un petit pinceau. Ce premier plan est donc vraiment beau. Et je parlais de faire quelque chose de cool ici en arrière-plan. Alors allons-y. Donc, la technique que je vais utiliser maintenant s' appelle le scumbling. Ce mot est-il génial ? Et ce à quoi fait référence le bégaiement, c'est presque comme un bégaiement sur la surface de votre pinceau. Et cela vous permet de voir la couleur précédente sans la recouvrir complètement. Et pour obtenir ce stator, il faut travailler au sèche-linge. Alors je vais poser mes pinceaux. Vous devez essuyer votre pinceau pour éliminer une grande partie de l'humidité. Parce que nous avons parlé de flux. Maintenant, je veux que tu bégaies ou que tu trébuches, et nous ne voulons pas de fluidité. Donc, d'abord, je vais mixer, je pense que je veux un peu plus léger, un peu plus cool. C'est encore un peu sombre. Je veux quand même le neutraliser. Et je veux m' assurer que c'est presque comme si rigide serait un bon mot pour cela également. Et en fait, le plus gros pinceau possible. Revenons donc à nos dix. Je vais coucher ce bébé. Essuyez votre pinceau et pourtant, la plus grande partie de l'humidité qu'il contient, nous voulons la sécher. Et je dois continuer à résister à ce pourboire parce que j'ai tellement l' habitude de le faire. Il fait assez sec, donc quand je l'éclaircirai , vous pourrez le voir. Quand je passe mon pinceau, il bégaie. Ça pourrait marcher. Essayons ça. Oui, ça y est. Il s'agit donc d'une couverture incomplète. Et c'est presque comme si c'était moucheté. Et cela donne une très belle texture subtile à la zone sur laquelle vous travaillez. D'accord ? Je pense que je vais jouer un peu plus avec le premier plan. Pour moi, il a l'air un peu sombre, alors gardons-le au chaud, mais un peu plus clair. Je vais donc revenir à une brosse plus grande. Nous allons poser celui-ci et attaquer à nouveau au premier plan. J'aimerais y aller un peu plus légèrement. Très bien, je vais donc alléger un peu le bord arrière et l'enfoncer en quelque sorte vers le bas, comme nous l'avons fait auparavant. De sorte que nous avons un beau contraste entre le premier plan et l'arrière-plan. Et il est assez courant d'attendre la fin de votre peinture. Donc, si le bas est plus foncé que le haut, cela fonctionnera à votre avantage. La dernière chose que j'ai envie de faire est d'allumer les lumières au sommet des œufs. Ensuite, nous allons parler de la façon dont vous savez quand vous avez fini de peindre, n'est-ce pas ? Parce que tu pourrais simplement continuer à travailler. Donnons-lui juste un dernier coup de pouce pour obtenir des bords plus clairs. Et nous verrons si nous avons terminé. Je veux juste les nettoyer un peu. Il y a donc encore du jaune mélangé au blanc. J'espère donc que ce n'est pas comme si tout d'un coup on devenait blanc. Et je regarde où se trouvent mes lampes les plus légères. Et un peu plus de travail de transition pour affiner cette lumière dans l'œuf, ce que je pense que nous venons de faire. OK. Alors, comment savez-vous quand vous avez terminé ? OK. Parlons-en. Donc, ce que j'aime faire, c'est prendre du recul mon travail et presque faire semblant de ne pas l'avoir fait, de le regarder et l'évaluer en fonction de quoi ? En termes de contraste, par exemple, puis-je voir mes œufs en arrière-plan ? L'arrière-plan s'estompe-t-il ? Le premier plan progresse-t-il ? Y a-t-il un contraste entre mes ovules ? Puis-je voir l'un depuis l'autre ? Mon œuf est-il posé sur la table ? L'ai-je contractée avec une ombre ? Mon œuf a-t-il les lumières les plus foncées et les plus claires ? En d'autres termes, le contraste, c'est pousser, tirer. Vos lumières ne seront aussi claires que vos lumières les plus sombres. OK. Et qu'en est-il de mes zones de transition ? Est-ce qu'ils se rejoignent ? Est-ce que j'ai un œuf arrondi ? Une autre chose qui peut parfois arriver, et qui a commencé à se produire lorsque j'ai allumé mes dernières lumières. Si vous ne les atteignez pas et ne faites pas la transition vers eux, ils peuvent flotter au-dessus de votre œuf et se détacher. Mes lampes sont-elles donc allumées sur l'œuf ? qu'ils restent là où ils sont censés être ou est-ce que je leur ai sauté dessus trop vite ? N'oubliez donc pas que lorsque vous prenez du recul et que vous regardez votre travail, c'est comme si vous preniez une distance à la fois physique et émotionnelle. Fais semblant de ne pas l'avoir fait et dis, hé, qu'est-ce qui se passe avec ce tableau ? Comment j'ai fait ? Quelque chose vous dérange ? C'est quelque chose qui attire votre attention et qui n'est pas juste. Si ce n'est pas le cas, voyez si vous pouvez le réparer. Pour notre dernière leçon, nous allons utiliser tout ce que nous avons appris et le mettre en pratique utiliserons toutes les couleurs de notre palais pour peindre la nature morte d'un citron. 13. Faites la peinture au citron: Vous avez donc créé votre palette limitée il y a quelque temps et nous nous sommes penchés sur le mélange des couleurs, ajustement des valeurs et l'utilisation de compléments. Nous sommes maintenant prêts à intégrer notre palette complète et peindre une nature morte au citron en utilisant tout ce que nous avons appris. Vous savez comment utiliser des compléments pour neutraliser la façon de travailler du foncé au clair et du fin au plus épais. Vous savez comment rechercher la gamme complète de valeurs. Et vous avez utilisé votre analgésique pour donner à un œuf un aspect rond, mais cette fois, ce sera un citron. Donc, avec toutes ces possibilités de couleurs, cela peut être un peu difficile au début, mais il suffit de s'appuyer sur ce que vous avez appris jusqu'à présent. Et nous allons nous amuser. Parlons d'abord de la toile. Nous allons donc utiliser une toile pour cette peinture et vous pouvez soit en prendre une que vous avez déjà construite et l'étirer vous-même, soit travailler sur une toile pré-étirée achetée en magasin si cela vous convient le mieux. Si vous travaillez sur une toile pré-tendue, vous devez appliquer une deuxième couche de Jesse pour lisser la texture du blé. Parlons d'un citron jaune. Lorsque vous regardez un citron, vous allez voir ce qu' on appelle une couleur locale. Vous allez voir beaucoup de jaune. Comment se fait-il que nous puissions utiliser tout le spectre pour obtenir un citron jaune ? Donc, si nous utilisons simplement le jaune pour créer notre citron, nous allons obtenir quelque chose qui pourrait ressembler au symbole d'un citron utilisant la couleur locale du jaune. Mais ça n'aura pas l'air rond. Il n'y aura ni ténèbres ni lumières, ni chaleur ni fraîcheur. Ça va avoir l'air plutôt plat. Mais si nous incorporons une gamme complète de couleurs, nous allons nous retrouver avec un citron qui a une qualité tridimensionnelle. Nous allons avoir des ombres intéressantes. Nous allons procéder à la neutralisation. Et un citron bien plus réaliste que si nous n'utilisions que du jaune pour créer le citron. La première chose que nous allons faire est donc de créer un terrain sur lequel peindre, comme nous l'avons fait dans toutes nos autres peintures. Mais cette fois sur la toile. Nous allons le traiter un peu différemment, sorte qu'il soit un peu plus aqueux et ce sol soit d'une couleur froide. Donc, quand vous pensez qu' un citron est jaune, vous pensez qu'il est très chaud. Nous voulons donc que cela contraste sur un terrain frais. Par exemple, lorsque je peins des paysages très verts, j'utilise souvent un fond rouge pour contraster avec ce vert. Nous pensons simplement à la couleur, à la température, au contraste chaud et froid. Mettons du terrain sur cette toile. Et le sol va être, comme je l'ai dit, un peu plus mince. Donc, ce que nous allons faire c'est adoucir un peu de bleu outremer. Et pendant que nous arrosons ce bleu, nous voulons également y mettre du gaz. N'oubliez pas que ce que nous faisons, c'est y remettre ce corps. Et j'ai probablement besoin d'un peu plus de bleu ici. J'utilise mon gros pinceau et je vais obtenir une fine couche de peinture. Faisons juste ressortir un peu plus de bleu ici. Je vais le faire directement ici. OK. Nous appellerions donc ce genre de lavage. Il est donc important que nous posions notre sol sur une surface plane afin que la gravité ne nous contrarie pas et ne nous donne pas un sol dégoulinant. Nous voulons qu'il soit assez uniforme et assez plat. Prenez donc votre toile et posez-la à plat. Et encore une fois, j'ai le pinceau numéro dix en marche. C'est ton plus gros pinceau. Et je vais juste faire un bon coup d'œil ici. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfaitement uniforme. Ce que je fais, c'est en quelque sorte appliquer la peinture sur la toile. Il nous en reste encore un peu et ce n'est pas grave. Et j'étale la peinture parce qu'elle n'a pas besoin d'être particulièrement épaisse. Nous voulons juste couvrir cette toile blanche. Nous avons notre terrain et il est sec. Je ne l'ai pas fait, mais vous pouvez également utiliser ce terrain sur les côtés de votre toile et le peindre également. OK, donc la première chose que nous allons faire est de dessiner notre composition, qui dans ce cas est un seul objet. Encore une fois, je vais opter pour mon pinceau fin et rond. C'est mon numéro deux. Et je vais choisir une couleur que je peux voir sur le bleu, le chaud et le froid contrastant toujours parce que j'ai un fond frais. Je vais faire un dessin chaleureux et je vais opter pour l'alizarin Crimson. N'oubliez pas que vous voulez cette ligne de dessin soit fluide et fluide. Je dois donc y remettre l'eau et le gaz. Comme je l'ai déjà mentionné, l'avantage de se tenir debout est de faire ce geste. Maintenant, je peux vraiment bouger mon bras parce que je suis debout et que je peux créer cette jolie forme ronde de citron. tiens également mon pinceau un peu plus en arrière, car je suis juste beaucoup plus éloigné de la toile. C'est donc vraiment plus facile de créer cette forme de citron. Ta main a juste envie de faire cette ellipse. Et j'ai besoin de mon ombre pour poser le citron sur la table. Ça va juste disparaître de la toile. J'ai fait un citron assez gros. Je veux de la place pour déménager. Et c'est génial. Réduis-le un tout petit peu ici. Et puis votre ligne d'horizon, souvenez-vous qu'il ne s'agit pas de la moitié de la règle des tiers, n'est-ce pas ? Je vais donc m' en occuper ici. Et c'est un dessin très simple car il ne s'agit que d'un seul objet. Mais bon sang, allons-nous nous amuser avec ce seul objet, non ? Parlons donc du fondement. C'est ce qui vient ensuite. À la base, nous allons rechercher les zones chaudes et froides, les zones froides dans l'ombre et les chaudes là où la lumière les frappe. Nous n'allons pas utiliser de jaune. Il ne s'agit pas de couleur locale. Il s'agit de créer une couleur saturée comme structure pour votre citronnier, pour y accrocher les couleurs les plus claires. Nous allons donc utiliser des couleurs totalement saturées. Qu'est-ce que cela signifie ? Pas de blanc mélangé et je ne suis pas en de neutraliser, les différentes couleurs remplacent presque les différentes zones de valeur de votre citron. Le fondement peut sembler un peu fou. Encore une fois, il ne s' agit pas de couleur locale. Le citron aura l'air rond. Ce ne sera tout simplement pas la bonne couleur. Bon, nous en avons terminé avec un dessin assez simple de notre nature morte, mais nous allons beaucoup nous amuser avec les couleurs. Commençons notre sous-couche. Je vais utiliser mes grands pinceaux pour ce support. J'ai aussi quelques cartouches qui utiliseront des chaussures plates. Et ce que nous faisons, c'est choisir des couleurs pour le chaud et le froid. Au fur et à mesure que nous parcourons le citron, il y aura plus de deux couleurs car il y a beaucoup de valeurs différentes. Et le citron, et c'est un peu comme si ces couleurs symbolisaient les différents domaines de valeur. Je vais donc commencer par mélanger le violet. Et je vais l'utiliser dans ma zone d'ombre, sur ma zone d'ombre la plus sombre, vous allez extraire le citron de référence qui se trouve dans vos documents. Regarde ça. Le même sur lequel je travaille. Et regardez où vous réchauffez et refroidissez notre k. Et je veux une couleur différente pour différentes zones de valeur, donc ce ne sont pas toutes les mêmes. Le support doit donc toujours avoir l'air rond, même si les couleurs ne sont pas correctes. Vous remarquerez donc que toutes ces couleurs sont complètement saturées. N'oubliez pas qu'aucun blanc n'y est mélangé. Je vais même utiliser le vert comme l'une de mes valeurs. Nous ne modifions donc pas réellement les valeurs en y ajoutant du blanc. Nous ne faisons que changer de couleur. Et le vert que je mélange est pour l'un de mes tons moyens, le citron. C'est un peu comme ici. Les traits fonctionnent donc toujours avec les contours du citron. Au fur et à mesure que je monte dans la zone où la lumière frappe, je vais passer à des couleurs plus chaudes et utiliser un pinceau différent pour cela. Alors, optez pour des couleurs plus chaudes, parce que nous évitons le jaune, n'est-ce pas ? Nous allons faire des rouges, des oranges, des oranges. Le jaune est en fait une couleur faible à utiliser pour votre support. C'est la couleur qui ressemble le plus au blanc. Cela ne fonctionne donc pas très bien pour une sous-couche. Et n'oubliez pas que nous restons dans cette eau. Et puis, pour ma zone la plus claire, je pense que je vais mélanger un peu d'orange. Et je peux juste changer la tache rouge de Deja Get Out here. J'aime donc travailler avec la peinture déjà présente sur ma palette et simplement modifier ce que j'ai. C'est pourquoi nous aimons une grande zone de mixage. Ainsi, vous avez toujours un endroit frais pour mixer. Remarquez donc comment je fusionne les différentes zones les unes dans les autres afin qu'il n'y ait pas de démarcation stricte entre les lumières et les ténèbres. Jetons un coup d'œil à notre ombre. Je pense que je vais en utiliser un peu. Alizarin Crimson dans l'ombre. alizarine pourpre est votre rouge cool et elle est vraiment polyvalente car elle contient du bleu, ce qui la rend un peu cool. Ce sera donc une bonne base pour notre ombre. Et nous allons ajouter ça, non ? Et par ici. Nous pouvons nous amuser avec notre arrière-plan et notre premier plan. Mettons-y un fondement. Et faisons un avant-plan chaleureux. Maintenant, revenez au rouge. Mets-le un peu en eau. C'est le rouge chaud. Votre rouge principal. Et ajoutez-y ça. Ce qui prête parfois à confusion , c'est que toutes les valeurs sont les mêmes. Vous avez l'habitude de regarder le contraste des valeurs. Il n'est pas encore là. Ce sera parce que nous passerons de la saturation à la lumière. Nous n'avons pas encore de lumière. Nous travaillons donc couches et le processus nous mènera à nos lumières. Nous n'y sommes tout simplement pas encore. Je pense que pour m'amuser en arrière-plan, je vais faire un bleu-vert. Et j'opte pour le bleu-vert parce que c'est un peu plus cool. Le jaune-vert est trop chaud. Alors souviens-toi que c'est un peu mince. Et au fur et à mesure que nous construisons, nos couches s'épaissiront. Il est préférable d'essuyer votre pinceau avant d'essayer de le nettoyer, vous en retirerez une grande partie de l'excédent de peinture . Donc bleu-vert, nous allons simplement modifier le vert que nous avons déjà et le pousser davantage vers ce bleu-vert. Gardez-le souple et un peu liquide. Et remettons ça ici. C'est donc notre fondement. Nous devons le laisser sécher avant de continuer. Cela semble assez fou, non ? Nous n'avons pas utilisé de jaune. Il ne s'agit pas de la couleur locale. Le citron a l'air rond. Ce n'est tout simplement pas encore la bonne couleur. Voyons où nous voulons en venir. Je te promets que tu mangeras un citron. Bien, notre base est sèche et nous allons maintenant commencer à travailler sur les couches. Et n'oubliez pas que votre défi consiste à utiliser les 12 couleurs de la roue chromatique pour peindre un citron jaune. Très bien, nous n'avons pas encore utilisé de blanc. Nous pouvons maintenant commencer à l'utiliser, mais n'oubliez pas que nous ne voulons pas passer trop rapidement aux valeurs les plus légères, nous allons donc les aborder un peu plus lentement. Nous allons également commencer à intégrer certains de ces violets neutralisés que vous avez appris à utiliser pour obtenir certains de ces tons moyens. J'ai acheté des pinceaux plus petits. Je vais aussi utiliser une peinture plus épaisse maintenant. Donc, un peu plus de rose. Et je vais continuer à chercher mes ténèbres et mes lumières. C'est très important. Vous constaterez que je n'ai pas besoin d'utiliser beaucoup de jaune pour que vous compreniez qu'il s'agit d'un citron. On y va. Ce sont donc mes zones d' ombre qui sont immobiles et elles n'étaient pas assez profondes, donc je les assombris un peu. Et alors que je passe à des valeurs plus légères. Je peux revenir à cette couleur neutralisée qui y ajoute un peu plus de jaune. Et ils pensent : Oh, réchauffez-le même avec un peu de rouge. avantage de garder votre peinture humide sur votre palette est donc de pouvoir y revenir et la récupérer dans les différentes zones de mélange. Il va falloir que ça devienne un peu plus jaune là-bas. OK. Je vais changer de pinceau et penser à utiliser des couleurs plus chaudes maintenant. Très bien, je peux donc commencer à utiliser un peu de blanc pour créer des valeurs plus claires là où j'en ai besoin. N'oubliez pas que nous travaillons en couches pouvez donc l'aborder lentement et augmenter ces couleurs. Vous ne voulez pas y arriver en une seule couche. Découvrons un autre pinceau. Soyons trop légers. Je ne veux donc pas sauter trop vite vers mes phares. C'est un peu trop léger. Je vais donc revenir un peu en arrière et rechercher mes domaines de transition. Par exemple, ici même. Et je veux retourner dans mes zones de neutralisation , trop sombres. Alors, retournons-y. En fait, je veux aussi prendre un peu de vert pour ça. Je choisis le vert parce que le violet était trop foncé. Il s'agit plutôt d'une ombre à mi-teinte ou d'une ombre foncée, foncée et foncée qui se trouve juste en dessous du citron et lorsque le citron est posé sur la table, donc je ne veux pas ce genre de noir ici. Et le citron, nous travaillons autour du citron. Revenons ici à nos lumières. Et je pense que je veux retrouver l'un de mes plus gros pinceaux. Alors, attrapez et blanchissez. Et prenons certaines de ces couleurs plus chaudes, moins claires, et remontons dans le citron qui se trouve sur le dessus. Une couleur légèrement plus saturée. Cela signifie que c'est brillant, intense. Le volume a été augmenté , n'est-ce pas ? Nous sommes donc un peu ici, un peu là-dedans , bouton ici. L'acrylique sèche si rapidement que je peux simplement passer d'une couche à l'autre. Très amusant. Donc, si vous avez noté une couleur, vous ne l'aimez pas, vous voulez l'ajuster. Ça, ça peut arriver assez rapidement. Je vais mettre un peu plus de verdure ici. Je n'ai pas aimé le fait que cette transition soit trop sombre non plus. C'est tellement éclairant. Établissons l'ombre. N'oubliez pas que tout est relatif. Donc, si je passais du temps ici à travailler sur le citron et que je ne travaillais arrière-plan et au premier plan, je pourrais avoir des problèmes plus tard. N'oubliez donc pas d'essayer de travailler sur l'ensemble du tableau en une seule fois. Nous sommes en train de faire une belle nuit sous le citron, le posons là sur la table nous prenons un autre pinceau à ce sujet. OK, donc nous avons dit que c' était notre nuit la plus sombre, non ? Nous allons donc y retourner et mélanger une autre violette. Maintenant, le GAAC. Et nous allons déposer ce citron tout de suite. C'est juste ici. Joli, beau noir. Mais toute l'ombre n'est pas si sombre, n'est-ce pas ? Donc, en fait, il y a ce que nous appelons la lumière réfléchie. Juste un peu de cette ombre qui est jaune, nous sommes presque. Je vais donc aussi apporter un peu de chaleur à mon ombre. Pas grand chose. Juste un petit soupçon. C'est un peu comme ici. Ensuite, je vais retirer cette ombre vers le bout de la toile. Et en travaillant sur cette ombre, elle est généralement froide à légèrement plus claire. Je n'ai pas encore utilisé le bleu chaud. Je peux le faire. Cela va très bien fonctionner pour notre ombre. En fait, je vais aussi mettre un peu de blanc dans cette ombre. Et d'un point de vue directionnel, nous allons en quelque sorte le sortir de cette façon. Ça commence à être beau. Nous allons pouvoir mieux voir le citron si je vous donne une couleur différente ici pour le premier plan. Alors allons-y. Nous voulons que le premier plan avance, donc une couleur chaude fonctionnerait certainement. La couleur doit être suffisamment forte pour résister au citron. C'est donc bien d' avoir le rouge en dessous. Nous pouvons certainement opter pour des solutions plus légères. Nous ne voulons pas qu'il soit saturé parce que nous ne voulons pas qu'il soit saturé et insaturé. Ils vont se battre entre eux. Je dois donc y mettre un peu de blanc. Alors pourquoi ne pas mélanger un rouge chaud, un violet, un rouge parce que ça va avancer et c'est la couleur chaude et le violet parce qu' il est tempéré par un peu de bleu. Souvenez-vous donc de nos tertiaires, violet rouge était l'un de vos tertiaires et je vais juste modifier un violet que j' avais déjà sur la palette. Un peu de bleu cool. Ils sont toujours là, relisez-les. Il y a donc un autre avantage à propos du premier plan rouge-violet. N'oubliez pas que nous avons un citron jaune. Donc, ça va vraiment aider à faire cette pop au citron. Mais encore une fois, pas trop saturé. Ils vont se battre. Et je veux me concentrer sur le citron, oh, jolie couleur k. Voyons si c'est assez clair. Tu sais quoi, je pense que c'est peut-être pour ne pas y donner un coup de blanc de plus. Délicieux. Est-ce que ça va ? Mettons-le dedans. Oui, trop sombre. S'il fait trop sombre, changez la valeur, je vais le teinter, vous vous souvenez ? Je vais donc y ajouter un peu de blanc. Et voyons si nous l'avons. Et pendant que je crée l'arrière-plan, je peux également redéfinir les bords ou les contours du citron car je le découpe en quelque sorte avec mon pinceau. J'espère qu'en peignant ce citron, je vais vraiment attirer l'attention. Vous pouvez commencer à le voir un peu mieux. J'adore le toucher de cet acrylique. C'est comme du beurre. De plus, de la mayonnaise lors d'une chaude journée d'été. C'est tellement amusant de voir sa texture, sa qualité et sa fluidité. Vous voyez comment ce citron commence vraiment à éclater maintenant, nous pouvons le voir beaucoup plus clairement. Modifions également l'arrière-plan pour que vous puissiez vraiment le voir. Nous voulons que le contexte s'estompe. Nous savons donc que cela implique des couleurs plus froides. Mais nous pouvons également en alléger la valeur et en faire un dollar. Nous pouvons faire les trois choses pour obtenir une couleur. Alors pourquoi ne pas commencer par un bleu et vous aurez deux bleus, n'est-ce pas ? Alors, que devons-nous obtenir ? U2 n'est pas le bleu chaud parce que cela pourrait avancer, mais le bleu froid qui est votre outremer et qui est saturé. Toute couleur saturée progressera, donc nous ne le voulons pas. Alors maintenant, j'y ai ajouté du blanc. Mieux. Que se passera-t-il si je le double ? Juste un tout petit peu ? Je vais donc récupérer de l' orange provenant d'un blob précédent. Et ce que je vais obtenir maintenant est un peu comme un bleu grisé et plus clair. Et ça va vraiment retomber derrière le citron. Couleur cool. Nous allons faire le contraste avec le citron chaud. Il s'agit toujours de mettre en valeur le fond de la figure. Qu'est-ce que je veux me démarquer ? Pas mon passé, mais mon premier plan. Voyons donc comment cela fonctionne. Je crois que ça me plaît. Je vais insister encore une fois. Plus léger, plus léger, plus de blanc. Nous teintons le bleu. Essayons encore une fois. Bien mieux. Et vous voyez à quel point il est facile de couvrir ce contexte là-dedans. Lorsque vous commencez à peindre, vous commencez à réagir à la couleur. Et vous pensez à la théorie des couleurs, mais vous avez aussi vos propres sauts intuitifs. Et vous allez commencer à apprendre ce qui est beau et ce qui fonctionne. Et si vous n' y arrivez pas tout de suite, utilisez simplement votre théorie des couleurs. Alors que je place ce fond frais sur le citron chaud, vous pouvez voir comment il commence à apparaître. Essayons de nettoyer un peu plus cet arrière-plan. Bon, nous avons encore du travail à faire sur le citron, de quoi ai-je besoin ? Je veux le réchauffer un peu. Le jaune est une couleur primaire. Je dois utiliser du jaune pour que tu comprennes. Citron. Je vais donc utiliser un peu jaune et un peu de blanc là-dedans. Il est un tout petit peu neutralisé. Je prends du jaune ici et un peu de blanc. Et juste un peu de neutralisation, pas trop. Voilà où je veux, je veux que ce jaune fonctionne pour nous. Et l'avantage de travailler en couches est que je laisse transparaître certaines de ces couches en utilisant coups de pinceau cassés dont nous avons parlé, n'est-ce pas ? Au fur et à mesure qu'ils passent de cette façon, en fait plus saturés, ce qui signifie qu'ils prennent un jaune plus vif. Je vais donc opter pour ce jaune plus vif. Je ne pense pas que j'utiliserai un jour le jaune saturé pur dès la sortie du tube. C'est toujours un tout petit peu neutralisé. En fait, prenez simplement un peu de notre violet rouge que nous utilisons là-bas. Cela nous aidera également à nous ennuyer un peu. Pour y parvenir. C'est trop léger. Fais-y un peu plus sombre. Maintenant, je suis vraiment en train d'examiner mes valeurs et la façon dont elles se répercutent sur le citron. fait encore trop clair là-bas. Revenons en arrière. Neutralisons vraiment un peu plus. Au fur et à mesure que j'ajoute ce violet rouge, je m' assombris, juste là où je dois écrire ici. Pas assez sombre. Très bien, revenons en arrière, probablement parce que c' était un violet rouge. Revenons ici et faisons un peu plus de neutralisation. Certaines de nos couleurs les plus foncées. Ça marchera mieux. Ouaip. C'était trop léger. Encore une fois. Nous pouvons ajouter des couleurs, estomper les bords mouillés. On peut utiliser un coup de pinceau cassé pour faire apparaître un peu plus de violet ici. C'était un peu trop vert quand nous sommes descendus par ici Passons à un peu plus de violet. Je pense que cela fonctionne mieux pour notre obscurité. C'est agréable d'avoir ce green là-dessous. Tout ce dont nous avons besoin pour en repousser les parties violettes. J'ai donc travaillé sur certaines ombres et je me souviens c'est bien de travailler sur l'ensemble du tableau pendant que je travaille Je constate que ce petit nodule de citron est trop gros. Je vais donc découper le fond et rendre cette forme un peu plus citronnée. Oui, c'est mieux. Réduisez ça en quelque sorte. OK. J'ai besoin de quelques lumières et je pense que c'est probablement trop droit vers le haut, jaune en bas. Je vais donc neutraliser un peu cela et en quelque sorte le calmer. Cela pourrait mieux fonctionner. Je pense donc toujours à la création de marques directionnelles et la façon dont la forme du citron est belle et ronde. Et il y a un peu de Violet qui se passe dans l'ombre. Je pense que j'ai juste besoin de mélanger un peu plus de violette. Rafraîchissez-vous de cette obscurité la plus foncée, qui est maintenant un tout petit peu verte. Mettons une belle ombre violette, jolie ombre violette là-dessous. Cela fonctionne. Et je veux placer mes valeurs les plus claires au-dessus du citron afin que vous puissiez vraiment vous concentrer sur les lumières. Je veux aussi resserrer l'endroit où l'ombre rencontre le citron. Je vais donc me demander ce qui est le plus foncé, le citron ou l'ombre, et c'est en fait le citron. Je vais donc éclaircir l'ombre, d' accord, lorsqu' elle se faufile sous le citron. En fait, c'est un peu comme de la lumière réfléchie parce que nous avons besoin d'une lumière contre l'obscurité. En d'autres termes, nous allons perdre le bord de notre citron. Nous ne voulons pas le faire. Je vais le retirer. Qui est plutôt sympa. Mélangeons quelques blancs et allumons nos lampes les plus légères. Au sommet de ce citron, je prends du blanc. Je vais modifier la valeur. Je ne veux pas être trop léger. Dans un objet généralement arrondi, il y a ce que nous appelons un point chaud. C'est là que la lumière brille vraiment. C'est là. Eh bien, c'est le point névralgique des paris. Je vais garder ça encore un petit moment. Je le vois. Je vois où c'est. Mais faisons-le en dernier. C'est définitivement plus clair ici. Et je vais en quelque sorte le mettre dans le reste du citron. Ce n'est donc pas juste une goutte solide. Vous devez donc toujours vous pencher sur ces zones de transition. Et j'en suis un peu là. Peut-être aimer que le sternum ait l'air rond. J'ai besoin d'un peu plus de jaune saturé sur ce côté, le citron. Je vais donc prendre un peu plus de jaune. Tu vois, j'utilise du jaune et un peu d' orange pour le réchauffer. Et nous sommes là, à l' arrière du citron. Comme si c'était une lumière un peu plus saturée. OK. Et voici aussi pour éclairer. Je vais le rendre un peu plus saturé. Je vais prendre du recul et y jeter un autre coup d'œil. Mettons un peu de jaune dans ce petit bout qui dépasse ici. Parce que c'est plus foncé en haut et un peu plus clair en bas. Et revenons-en à cela. Un peu de violet neutralisant. Je pense qu'il fait trop sombre, je ne peux pas vraiment le voir. C'est mieux. Et en fait, il y en a un peu là aussi. Ça commence à vraiment bien paraître. Je tiens à clarifier certains de mes points. En fait, je pense que le premier plan, lorsqu'il s'agit du citron, peut être plus clair. Je veux vraiment que cette limite augmente. Je vais donc revenir à ce rouge violet, mais je vais y ajouter un peu plus de blanc. Vous verrez le contraste entre le clair et l'obscurité. Je ne vais pas aller jusqu' au fond des choses. Je vais juste le garder ici, au sommet. Agréable. Et encore une fois, je peux m'en servir pour redessiner selon mes besoins. Il n'est donc jamais trop tard pour apporter les corrections nécessaires. Je pense que ça marche mieux. C'est peut-être un bon endroit si vous voulez faire un petit effort pour vous souvenir que c' est à moment-là que l'on prend du rose, que l'on sèche un peu au fur et à mesure que l'on le tire vers le bas, c'est vraiment efficace. Je suis juste en train de le détruire et de le faire disparaître. C'est tellement mieux d'avoir cette valeur plus légère. Je ne suis pas amoureux de mon ombre. Ce n'est pas encore assez juteux. Faisons en sorte que cette ombre soit un peu juteuse sinon elle ne fait pas si sombre. L'endroit le plus sombre, souvenez-vous, est juste en dessous. Je pense donc que nous avons besoin d'un peu plus de peinture ici. Je vais revenir au violet rouge, mais je vais me rafraîchir. Je vais l' orienter plutôt vers le bleu-violet. Vos tertiaires sont de nouveau disponibles. Et établissons un peu mieux cette ombre . OK. Ça passe par là. Je pense qu'en apportant des corrections, je vais me tailler un peu plus dans cette ombre. Je l'ai fait un peu large. Je n'en suis pas très content, alors nous allons le découper. Vous voyez donc comment je peux intégrer mes traits, apporter des corrections, comme je l'ai dit, jamais trop tard. Et fais attention à tes limites. Rétablissons cela. Bien mieux. Je t'ai promis un moment fort. Faisons ce moment fort. Je vais prendre un pinceau plus petit et récupérer certaines de mes valeurs les plus légères. Vous avez déjà un jaune clair ici, sur la palette. Alors, où se situe ce point fort ? Agréable. Et ça aide beaucoup. Je ne suis pas ravie à 100 % de l' ombre posée sur les citrons. Alors retournons à l'intérieur et illuminons le noir. Très souvent, ce que je fais le plus à la fin, c'est de percer les lumières et les ténèbres. Encore une fois. C'est ce que nous allons faire. Et nous approchons de l'arrivée. Voici l'ombre que nous recherchons. Juste en dessous. Je pense que ça marche mieux. Nous prenons donc du recul pour regarder. Je pense que les choses se présentent plutôt bien. Je vais m' éclaircir en faisant entrer l'ombre sur le citron, en voyant des tons l'ombre sur le citron, en beaucoup plus chauds et reprenant certaines de mes couleurs plus chaudes. Mets-y du jaune. Dans Brighten Up. Ce genre de backend ici. OK, donc juste quelques derniers ajustements après avoir pris du recul et le regarder. Et nous y sommes presque. Je pense que je vais également éclaircir un peu l'ombre ici. Je reviens donc à certaines de mes violettes. Illuminez ce jeu d'échecs fantôme là où il le faut. Alors, souvenez-vous que nous avons parlé de façon dont vous savez quand vous avez terminé, n'est-ce pas ? J'ai percé mes lumières et mes ténèbres. Y a-t-il quelque chose qui me dérange ? Je dois apporter d' autres corrections. Je redéfinis simplement cet avantage pour pouvoir prendre du recul et regarder. Et je pense que tout va bien. Je voudrais simplement faire une dernière chose éclaircir le contexte une fois de plus. J'ai l'impression que c'est peut-être encore un peu en train de me battre. Éclaircir signifie donc ajouter du blanc. Je vais le faire, faire couler un peu d'eau là-dedans. C'était notre bleu le plus cool, tu te souviens ? Et j'ai juste insisté sur cette valeur une fois de plus pour que je puisse vraiment voir le citron. Et nous y voilà. La valeur la plus légère. Je ne veux pas que la saturation détruise mon citron, d'accord ? Je pense que ça a l'air vraiment bien. Et je n'ai pas besoin de faire en sorte que tout l'arrière-plan soit bleu uni. pouvez laisser apparaître certaines de vos autres couleurs, ce que je pense avoir fait. Je pense que nous avons terminé. Maintenant. Nous l'avons juste laissé sécher. Regardez toutes les couleurs que nous avons utilisées pour fabriquer notre citron jaune. Si vous regardez la palette, vous verrez que j'ai utilisé nos six couleurs chaudes et froides. J'ai utilisé du jaune, mais nous n'en avons pas eu besoin autant pour donner l'illusion de ce citron. Nous avons des zones chaudes et froides, des ombres et des neutralisations. Nous avons beaucoup étudié dans ce cours. Vous venez d'apprendre de merveilleux éléments de base qui vous aideront énormément dans votre parcours de peinture. Essayez de peindre tous les jours. Sois patient avec toi-même. Plus vous travaillerez, plus vous vous améliorerez et plus vous aurez confiance en vous. Je suis Nina Weiss, et c'est une start-up qui peint à l'acrylique dans une bibliothèque.