Aquarelle pour débutants : techniques pour peindre des paysages loose

1. À propos du cours: Si je vous demandais à quoi vous heurtez-vous le plus en matière d'aquarelle, quel serait-il ? Eh bien, l'une des réponses les plus courantes que me donnent mes étudiants est d'essayer de peindre de manière plus souple et plus détendue. Je me souviens que lorsque je commençais à peine à peindre à l'aquarelle, j'avais aussi l'impression d'arrêter de peindre peintures à rendu serré et de surtravailler. Je voulais que mes peintures soient simples, fraîches et picturales, comme le font des artistes célèbres comme Alvaro Castagnet et Joseph Zi, mais sérieusement, je finis toujours par être frustrée de voir mes peintures serrées, rigides et trop détaillées. Mais vous savez quoi, bien que certaines personnes aient naturellement un style plus souple que d'autres, après des années passées à étudier, à pratiquer et à observer de grands maîtres de l'aquarelle, j'ai réalisé qu'un style de peinture souple est une compétence qui peut réellement être apprise et développée. Bonjour, je suis Bianca Rayala, aquarelliste, éducatrice et meilleure enseignante de Skillshare. Je travaille avec des marques comme Etchr Studio, Silver Brush Limited, Schmincke, Arkon Mounts et All About Art International. Je crois sincèrement que la peinture est pour tout le monde. Au fil des ans, j'ai enseigné des milliers d'étudiants à travers le monde. Mon objectif est d'inspirer les gens à découvrir et à poursuivre leur mode créative. Dans ce cours, je vous aiderai à donner vie à la beauté de la nature avec expressivité et liberté de style Vous apprendrez des stratégies puissantes et efficaces pour assouplir votre style de peinture et créer des chefs-d'œuvre captivants en utilisant l' aquarelle dans une grande variété de techniques. Pour votre projet final, vous allez peindre sept paysages inspirés de la nature dans un style pictural moderne. Les projets de chaque classe peuvent être peints en seulement 15 minutes selon une approche très simple et de petite taille. Pour y parvenir, je vais expliquer ce que signifie peindre en vrac et ce qu'il faut pour y parvenir. Je partagerai les stratégies et les pratiques efficaces que je pratique, telles que la bonne façon de regarder votre sujet, façon de tenir votre pinceau, quantité de peinture à charger sur votre pinceau, comment effectuer un trait en toute confiance et bien plus encore. Je vais vous apprendre à améliorer votre pinceau unique pour peindre des traits avec énergie, dynamisme et expressivité sans trop travailler votre peinture. Nous verrons ensuite comment couleurs influent sur l'ambiance générale de votre peinture et comment elles contribuent à garder votre travail frais et souple. Vous apprendrez à mélanger des palettes de couleurs vintage atténuées en utilisant quelques couleurs. Enfin, je vais vous apprendre étape par étape comment peindre sept paysages, du premier lavage jusqu'à la touche finale, par exemple en ajoutant des éclaboussures et des rayures pour des effets intéressants. Ces exercices vous aideront à mettre en pratique toutes les stratégies et tous les concepts que vous avez appris et vous proposeront différentes manières de les appliquer. À la fin du cours, vous aurez tous les conseils et techniques nécessaires pour réaliser une aquarelle picturale libre, vous serez plus confiant et plus expressif dans votre travail au pinceau et, bien sûr, vous aurez votre propre collection de sept peintures de paysages vintage inspirées de la nature. Pour vous aider davantage en classe, je partagerai des ressources gratuites, comme une recette de couleurs personnalisée pour créer des palettes de couleurs sourdes ou vintage que j'ai créées spécialement pour ce cours. J'ai également inclus un tutoriel sur la façon de découper les bords votre papier pour obtenir un chef-d'œuvre au look vintage. De plus, j'ai rassemblé quelques photos de référence que vous pouvez utiliser comme référence ou inspiration pour vos futures peintures. Je partagerai également une liste complète fournitures recommandées, de mes boutiques en ligne et de liens de réduction. Vous pouvez trouver et télécharger tout cela gratuitement dans la section des projets et des ressources du cours. Si vous souhaitez participer à mes concours et que vous voulez savoir quand mon prochain cours sera lancé, vous serez le premier à le savoir, si vous me suivez sur Skillshare. Cliquez simplement sur le bouton Suivre en haut, et vous pouvez également me suivre sur Instagram @biancarayara pour voir plus de mises à jour et regarder d'autres courts tutoriels. Si vous êtes un débutant en aquarelle, qui souhaite apprendre à peindre librement et à vous débarrasser du surmenage, des peintures et de l'expérience. Si vous souhaitez améliorer votre travail au pinceau et faire passer vos peintures à un niveau supérieur, ou si vous souhaitez simplement faire une pause créative et échapper à la routine quotidienne de la vie quotidienne, ce cours est parfait pour vous. Je suis sûr que tu es aussi enthousiaste que moi. Commençons donc à créer des paysages à l' aquarelle lâches. 2. Projet du cours: Ce cours est conçu pour vous aider à concrétiser votre désir d' assouplir votre style de peinture. Pour y parvenir, la première partie du cours sera consacrée à des concepts et à des conseils pratiques pour assouplir efficacement votre style de peinture. Nous approfondirons également l'amélioration de votre pinceau, qui est un élément essentiel pour garder vos traits frais et non surchargés. Je vais également vous apprendre à simplifier le mélange de couleurs et à tirer le meilleur parti d' une palette de couleurs limitée. La deuxième partie du cours est l'application de tous les concepts que nous aborderons. Je crois que la pratique est la clé du succès. J'ai donc préparé non pas un, mais sept exercices de peinture de paysage que vous pourrez pratiquer et apprendre. Si vous avez besoin d'aide ou si vous avez des questions sur le processus qui vous viennent à l'esprit, vous savez que je suis toujours heureuse de partager mes connaissances et de vous aider à réussir. Vous pouvez m'écrire dans la section de discussion sous cette vidéo, et j'adorerais voir ce que vous avez peint et comment ce cours vous a aidé à prendre du temps pour vous. Sous cette classe, vous verrez la galerie des projets des étudiants, sous l'onglet Projets et ressources. C'est ici que vous pouvez partager votre projet de classe. Prenez simplement une photo de votre travail et téléchargez-la là-bas. Voici comment partager votre travail, vous verrez un bouton vert sur la droite indiquant Créer un projet. Appuyez sur ce bouton, puis vous aurez la possibilité de télécharger une photo de couverture, d' ajouter un titre et d'écrire une petite description. Vous pouvez inclure des textes et des images dans la case prévue à cet effet. J'adorerais également voir vos progrès, alors n'hésitez pas à partager quelques photos, telles que vos exercices d' échauffement, études de palettes de couleurs, œuvres finales et votre espace de travail. Une fois votre projet téléchargé, il devrait apparaître dans la galerie des projets des étudiants, et je peux laisser un commentaire sur votre travail. Vous pouvez également y consulter les projets d'autres étudiants, et je vous encourage vivement à aimer et à commenter les travaux des autres étudiants également. De cette façon, nous construisons une communauté saine d'artistes encouragent et se renforcent mutuellement. De plus, ils peuvent aussi vous découvrir. Je vous verrai dans la prochaine vidéo, et examinons le matériel nécessaire pour le cours. 3. Comprendre vos matériaux: Dans cette leçon, je vais vous montrer le matériel que nous allons utiliser dans ce cours et expliquer comment chacun fonctionne. Vous pouvez télécharger la liste PDF des matériaux dans la section des ressources du cours, où j'ai répertorié les noms des couleurs des peintures de ma palette, les types de pinceaux et également une liste de sources artistiques que vous pouvez prendre en compte. Les matériaux que nous allons utiliser ici sont assez similaires à ceux que nous avons utilisés dans mes cours précédents. J'utiliserai toujours du papier aquarelle pressé à froid de qualité artistique de Baohong . Il est composé à 100 % de coton de 300 g/m². Ce papier est vendu soit en grandes feuilles, soit en blocs, composés de plusieurs feuilles de papier reliées entre elles sur les quatre côtés. Le format de papier que j'utilise est de six pouces sur neuf pouces. Dans la vidéo suivante, je vais vous expliquer comment décalquer le bord pour obtenir la boucle vintage. Personnellement, je préfère acheter grandes feuilles plutôt que des blocs d' aquarelle, afin de pouvoir découper les feuilles en plus petits formats en fonction du format de papier que je vais utiliser. Je sais qu'il existe d'autres marques de papier sur le marché, mais d'après ma propre expérience, cela fait vraiment une énorme différence lorsque vous peignez des paysages avec du papier aquarelle Baohong 100 % coton de qualité artistique. La façon dont il absorbe l'eau et conserve l'éclat de la peinture est vraiment agréable. Il est également facile de modifier la couleur et d'utiliser différentes techniques. Pour les pinceaux, je vais juste utiliser ces deux pinceaux. Les deux sont fabriqués à partir d'une brosse argentée. Il s'agit d'une brosse synthétique et à poils d'écureuil Silver Atelier , taille 40, tandis que cette brosse violette est une brosse ultra ronde en soie argentée 88, taille 6. Jetons un coup d'œil à cette brosse à plumes. Il est composé d'un mélange de poils d'écureuil et de fibres synthétiques. Cette brosse est très assoiffée et permet d'absorber un maximum de liquide, limitant ainsi le temps de rechargement. Les fibres sont également assez souples et un des secrets pour peindre rapidement est d'utiliser un pinceau plus gros. De cette façon, vous pouvez couvrir de grandes surfaces en quelques traits, ce qui vous permet de peindre plus rapidement. Comme ce pinceau contient également une bonne quantité d'eau, vous pouvez effectuer plusieurs coups sans avoir à recharger votre pinceau. De plus, lorsque vous effectuez un trait, la couche ne sèche pas immédiatement. En effet, vous pouvez presque tout peindre en une seule couche sans avoir bord rigide entre les transitions. J'utilise ce pinceau pour peindre principalement l'ensemble des lavages. Comme il s'agit d'un pinceau assoiffé, il est important de contrôler la teneur en eau votre mélange de couleurs pour obtenir la bonne consistance et les tons appropriés. Par exemple, si vous souhaitez créer un mélange de couleurs crémeuses, vous aurez peut-être besoin d'un mouchoir ou d'une serviette pour éliminer l' excès d' eau cheveux en tamponnant simplement la base des cheveux sur la serviette. Pour peindre les détails et les textures, j'utilise ce pinceau ultra-rond. Il est doté d'une pointe pointue et d'un bon enclenchement, ce qui le rend plus facile à contrôler. Il est parfait pour peindre les petits détails et les lignes comme les feuilles d'herbe et les fils. Comme il est également purement synthétique, il est idéal pour créer des traits secs des empreintes d' arbres en frottant simplement le pinceau sur le papier La texture rugueuse naturelle du papier vous aidera à obtenir cette impression très naturelle d'arbres. J'utilise également ce pinceau pour peindre des éléments de paysage avec des textures rugueuses comme des clôtures en bois , des granges, etc. Pour les peintures, les couleurs que j' utilise sont Schmincke Horadam Aquarell. Je n'utiliserai pas toutes les couleurs de ma palette pour créer le thème vintage, mais laissez-moi énumérer les couleurs pour vous guider. Jaune de Naples, jaune transparent, orange cadmium, ocre jaune, poivre de Sienne brûlée, pérylène rouge foncé, violet pérylène, magenta quinacridone, bleu cobalt, turquoise cobalt, violet des profondeurs, violet cobalt, gris paynes, vert olive, indigo, bleu des profondeurs, bleu de Prusse, bleu glace. Vous pouvez également utiliser le blanc de titane comme alternative. autres couleurs sont le nouveau gamboge, le rose coquillage et le sépia. Dans la section des ressources, j'ai fourni une copie téléchargeable de la recette du mélange de couleurs pour créer une palette de couleurs sourdes ou vintage pour votre guide. Les autres matériaux que nous utiliserons sont deux verres d'eau et une vieille serviette. Il s'agit d'un flacon pulvérisateur ordinaire au cas où nous voudrions adoucir les bords et créer un effet fluide. Il s'agit d'un vaporisateur ordinaire que vous pouvez vous procurer dans les magasins locaux. J'ai également ici un crayon mécanique et une gomme à effacer pour les croquis de base, ainsi qu'un dossier ou un tableau imperméable pour contenir vos feuilles de papier lorsque vous peignez. Enfin, un cutter et vieux carton pour créer du papier à bords décalques. Une fois que votre matériel est prêt, passons à la leçon principale, à savoir comment écouter votre style de peinture. 4. Démasquer votre style de peinture: Lorsque nous disons que nous voulons assouplir notre style de peinture, nous voulons souvent dire que nous voulons arrêter d' exagérer nos peintures. C'est un combat courant pour la plupart des artistes car, naturellement, nous avons toujours tendance à trop réfléchir, trop travailler et à trop compliquer les choses. Admettons-le, il est tentant de trop se concentrer sur une zone en particulier et d'y mettre autant de détails, en pensant que cela donnera belle apparence à l'ensemble de la peinture. Si l'on observe les œuvres de grands artistes comme Alvaro Castagnet et Joseph Zbukvic, leurs peintures ont un dénominateur commun. Simplification : ils simplifient l'image, simplifient les traits, mettent l'accent sur l'élément important ou le point focal, puis le résultat final est une peinture fraîche et fluide. Jetons un coup d'œil à l'une des peintures de Joseph Zbukvic extraites de son livre. Bien sûr, il y a beaucoup de détails et de mouvements à l'endroit même où il a peint ce tableau, mais pouvez-vous voir la simplicité du ciel sur le terrain ? Comme les couleurs à utiliser sont limitées, observez comment il a simplifié les traits des arbres en jouant avec des pinceaux fluides et organiques. Nous pouvons également remarquer qu'il a appliqué coups de pinceau serrés sur le point central, qui est la grange, et qu'il a peint les détails sous forme de grandes formes connectées. Quelles leçons pouvons-nous en tirer ? Pour assouplir notre style de peinture, la première étape consiste à modifier la façon dont vous voyez votre sujet. Lorsque nous avons examiné notre sujet, qu'il s'agisse d'une référence photographique ou d'un paysage réel. Lorsque nous peignons sur place, il est naturel que nous prenions note de chaque détail , mais cela ne fera que nous mener à surcharger notre travail. Nous devons apprendre à notre esprit à voir les images, formes et non les objets. Nous n'avons pas besoin de peindre tout ce que nous voyons, nous devons choisir notre point focal, étant donné que l'on se concentre sur celui-ci au laser et laisser tout ce qui l'entoure se transformer petites formes connectées qui forment l'ensemble de l'image. J'ai un moyen de le faire, c' est de plisser les yeux lorsque vous regardez votre référence strabisme vous permet de simplifier l'image car vous regardez à travers le filtre foncé de vos cils. Lorsque vous plissez les yeux, vous ne voyez que des masses de grande valeur Le point focal est généralement celui qui domine la photo tandis que tous les autres détails s'estompent simplement. Par exemple, si nous regardons cette photo de référence, malgré tout le bruit et les détails qui se produisent en arrière-plan, lorsque vous plissez les yeux, nous pouvons facilement déterminer que cet arbre de droite est le point focal. Car c'est le seul objet qui reste fort et dominant alors que tous les autres apparaissent comme une forme floue. Maintenant que nous avons identifié partie la plus importante que nous voulons capturer dans leur sujet, nous pouvons concentrer notre attention sur la manière de bien la capturer dans notre peinture et peindre les autres détails de manière très vague. Deuxièmement, levez-vous pour peindre. Je me lève quand je peins, et même les grands artistes le font. Quelle en est la raison d'être ? La position debout permet à vos bras et à vos épaules de bouger pendant que vous peignez et de rester à distance du papier, ce qui vous évite de trop vous concentrer sur une seule partie. Si vous avez suivi mes autres cours, vous m'entendrez souvent dire : prenez du recul et regardez votre travail à distance. Cela incite à regarder le tableau dans son ensemble et à ne pas perdre l' essence de la scène. Troisièmement, peignez avec un gros pinceau et maintenez votre pinceau plus en arrière. Lorsque vous débutiez dans l'aquarelle, quelqu'un vous a peut-être appris à tenir le pinceau, comme tenir un stylo. Eh bien, c'est vrai dans certains cas, si vous voulez peindre des coups de pinceau serrés ou précis, mais pour assouplir votre style de peinture, le secret est de tenir le pinceau un peu plus en arrière. De cette façon, vous avez moins de contrôle et nous vous empêcherons de peindre de petites formes et de petits détails. Essayez-le vous-même, vous sentirez encore plus le flux et la fluidité de l'aquarelle lorsque vous maintenez le pinceau plus en arrière. Maintenant, la taille du pinceau est également importante Un grand pinceau vous permet de vous concentrer sur la peinture grandes formes plutôt que créer des traits précis. Vous créez des formes qui donnent une impression des objets. Entraînez-vous donc à utiliser le même gros pinceau du début à la fin de la peinture , puis passez à un pinceau plus petit juste pour peindre de petits détails et des traits pour le point focal. Un autre avantage de l'utilisation d'un grand pinceau est qu'il peut couvrir de grandes surfaces en quelques coups, vous pouvez apprendre à peindre rapidement. C'est la raison pour laquelle j'ai décidé de terminer chaque projet de classe en 15 minutes. Lorsque vous peignez rapidement, vous évitez de trop réfléchir, d'en faire trop et de trop compliquer les choses. Commencez rapidement et librement, puis ralentissez vers la fin du processus d' ajout de détails précis. Quatrièmement, limitez votre palette de couleurs mais utilisez beaucoup de peinture riche. Utiliser peu de couleurs et apprendre à les mélanger favorise non seulement harmonie des couleurs, mais permet également de garder votre peinture simple, fraîche et soignée. N'oubliez pas que moins c'est plus. Vous pouvez télécharger ma recette de palette de couleurs vintage dans la section ressources de ce cours. En ce qui concerne la quantité de peinture qui chargera notre pinceau, voici le conseil : n'ayez pas peur d' utiliser beaucoup de peinture juteuse. L'aquarelle s'estompe d'un ton plus bas lorsqu'elle sèche sur le papier. Si vous utilisez une consistance pâle , la peinture aura un aspect plat et terne. Chargez votre pinceau de peinture et laissez-la couler librement sur votre papier N'ayez pas peur du flot d' aquarelle ou des éclaboussures, et vous découvrirez moment il est préférable de les utiliser pour créer des effets intéressants sur votre peinture. Cinquièmement, entraînez-vous à travailler le pinceau. pinceau est la façon dont les peintres utilisent leur pinceau, c'est comme votre signature, c'est ce qui distingue votre peinture des autres. Nous pouvons suivre la même procédure de peinture étape par étape , mais c'est votre pinceau qui rend votre peinture unique et la vôtre. Comme vos pinceaux révèlent votre propre style de peinture, ils reflètent également votre peur ou votre hésitation. Pour assouplir votre style de peinture, vous devez pratiquer votre pinceau afin de refléter votre énergie, confiance et votre dynamisme. Entraînez-vous à utiliser votre pinceau en variant l'angle, la pression ou la direction en fonction l'effet que vous souhaitez obtenir. Certains traits nécessitent de la rapidité ou rapides et répétitifs pour suggérer un mouvement ou une émotion dans votre travail Parfois, vous pouvez tamponner ou frotter votre pinceau sur le papier, modifier le niveau de pression lorsque vous appuyez sur le pinceau ou peut-être effleurez votre pinceau pour créer des effets intéressants. La clé ici est de peindre, de peindre, continuer à pratiquer pour être aussi à l'aise que possible avec votre pinceau. Plus vous serez à l'aise, plus vous serez confiant et expressif et quand ils disent « confiant », nous ne voulons pas dire un coup rapide mais insensé. Cela implique de planifier à l'avance façon dont vous aborderiez une peinture, quel pinceau convient à chaque fragment, et d'apprendre à faire confiance à votre cœur. N'analysez pas trop au point de vous paralyser. Dernier point mais non le moindre, peignez pour vous-même. Peindre librement est un état d'esprit Tout commence par la façon dont vous pensez et ce que vous ressentez par rapport à vous-même et le fait de vous charger de la pression pour créer quelque chose de parfait vous enlève la peur de commencer et d'expérimenter. Peignez parce que vous aimez peindre et parce que cela vous donne de la joie de vivre. Je trouve utile de créer une atmosphère relaxante avant de peindre, m' éloigner de toute distraction, jouer ma musique préférée, danser et de chanter sur la musique pendant que je peins. Cela m'aide à m'évader vers un endroit où je peux être libre et créative. Lorsque vous êtes heureux, inspiré et que vous vous sentez positif pendant que vous peignez, cela apparaîtra dans votre peinture. Il est environ 90 ans et l'intuition jaillira librement de votre cœur. Rappelez-vous toujours que l'art ne consiste pas seulement avoir les bonnes compétences , c'est vous. Pour récapituler, pour assouplir votre style de peinture. Tout d'abord, changez la façon dont vous voyez votre sujet, peignez des formes et non des objets, plissez les yeux pour identifier votre point focal. Deuxièmement, levez-vous pour peindre, prenez toujours du recul pour avoir une vue d'ensemble. Troisièmement, peignez avec un gros pinceau et maintenez votre pinceau plus en arrière. Numéro quatre : limitez votre palette de couleurs mais utilisez beaucoup de peinture riche. Cinquièmement, entraînez-vous à travailler le pinceau. Numéro six, peins pour toi-même. Dans la vidéo suivante, je vais partager avec vous certains de mes pinceaux, que vous pouvez essayer pour mieux connaître votre pinceau. 5. Améliorer votre pinceau: Mon processus de peinture est très simple. C'est comme une approche en trois lavages. Premier lavage pour peindre des valeurs de lumière, deuxième lavage pour des valeurs moyennes, troisième lavage pour peindre des valeurs, des détails et des accents sombres . Notre pinceau change en fonction de l'étape où nous en sommes dans le processus de peinture. Comme le premier lavage est destiné à peindre toutes les valeurs de lumière, comme le ciel et la terre, je peins ces éléments de manière continue, en les considérant comme une seule grande forme à l'aide d'un gros pinceau. Le pinceau que j'utilise ici est ce que j'appelle un lavage intensif à l'aide d'un trait horizontal rapide. C'est comme ça que je m'y prends. Je charge mon gros pinceau de nombreuses peintures fraîches et juteuses, puis je fais un trait horizontal de gauche à droite, puis de droite à gauche. Je le fais rapidement afin d'obtenir une transition fluide et d'éviter de masquer les lignes. Parfois, il est également utile d'incliner légèrement le papier pour permettre à la peinture de s'écouler d'elle-même. J'utilise également le même pinceau pour peindre vastes terres ou le lavis de base du métal. Le deuxième lavage de mon approche en trois étapes consiste à peindre les valeurs moyennes comme peindre le pli de fond, les montagnes et les structures des maisons. Je peins ces valeurs intermédiaires lorsque le premier lavage est encore humide afin de créer un mélange doux entre les couches. Je charge ma peinture avec un mélange de couleurs crémeuses pour qu' elle ait un ton plus foncé sur l'arrière-plan et que je puisse créer de la profondeur. L'un des pinceaux que j'utilise souvent au cours cette étape est le trait de frottement pour peindre des arbres. Pour ce faire, j'appuie le pinceau le papier et je le déplace dans une direction aléatoire, créant ainsi la forme générale de l'arbre. Un autre est ce que j'appelle un coup de pinceau. Pour peindre le métal la prairie ou un gros morceau de trois, je joue avec mon pinceau pour créer le lavis en faisant varier le côté ou l'angle du pinceau et la pression que j'exerce dessus. De cette façon, je crée différents types de marques et donne de l'énergie et du mouvement à l'image. La clé ici est d'éviter de créer la même marque à chaque trait afin que votre peinture ne paraisse pas ennuyeuse ou répétitive. Le troisième et dernier lavage consiste à peindre les zones sombres, à ajouter des détails et à améliorer l'ensemble de la peinture. Commençons par le glissement rapide à l'aide d'un pinceau sec. C'est parfait pour peindre des textures rugueuses comme des troncs d'arbres, des clôtures en bois, etc. Je charge mon pinceau avec de la peinture épaisse et moins d'eau, puis je le fais glisser rapidement. Vous verrez ces petites taches peintes sur le trait. Vous pouvez le faire horizontalement ou verticalement selon le but recherché. Un autre est le mouvement répétitif vers le haut. Je l'utilise pour peindre des brins d'herbe. Cela peut sembler très simple, mais l'erreur la plus courante lorsque vous peignez du gazon est d'avoir des brins d'herbe raides et naturels. Je vous encourage à le pratiquer souvent pour développer la mémoire musculaire et pour créer des mouvements plus fluides et plus naturels pour imiter le mouvement de l'herbe. L'un de mes pinceaux préférés, que j' utilise non seulement pour imprimer des fleurs, mais aussi pour ajouter de la texture, est flatteur. Je charge mon petit pinceau d'un mélange de peinture crémeux et fluide, puis je tape doucement sur mon pinceau pour obtenir ces magnifiques éclaboussures aléatoires. La taille de votre pinceau et la quantité d'eau contenue dans votre peinture influent sur la taille des éclaboussures que vous pouvez créer. Si c'est quelque chose de nouveau pour vous, essayez d'abord de tester les éclaboussures sur une feuille de papier avant de l'appliquer sur votre peinture. Le dernier point, mais non le moindre, est le grattage. J'utilise cette technique pour enlever la peinture sur certaines zones afin de les mettre en valeur ou simplement créer une impression de lignes claires. Au lieu d'utiliser du liquide de masquage pour préserver une tache sur votre peinture, qui peut sembler trop serrée et trop raffinée, je gratte la peinture avec mon ongle pour un effet plus souple. Maintenant, le timing est important pour obtenir une rayure parfaite. Le niveau d'humidité de votre papier doit être correct, ni trop humide ni trop sec. Si elle est trop humide, la peinture retournera simplement vers la zone rayée. Lorsque la peinture est trop sèche, vous ne pourrez pas non plus obtenir une peinture claire. Ce sont toutes les œuvres au pinceau que nous utiliserons pour peindre les sept paysages du projet de classe. Lorsque vous serez prêt, préparons nos peintures et découvrons comment simplifier le mélange des couleurs. 6. Mixage des couleurs simplifié: Comme je l'ai mentionné dans nos leçons précédentes, la clé d'une peinture à l'aquarelle souple et fraîche est de rester simple. Lorsque nous disons « simplifiez votre peinture », il ne s'agit pas seulement de simplifier l'interprétation et les traits, mais également de simplifier l'utilisation des couleurs. Lorsque nous utilisons une palette de couleurs limitée dans notre peinture, nous créons une harmonie de couleurs. En combinant quelques couleurs, nous rendons notre peinture agréable à regarder. Vous pouvez avoir un beau sujet, bonne esquisse au crayon, des valeurs correctes, mais sans harmonie des couleurs, la peinture aura toujours une mauvaise apparence. Un autre avantage de l'utilisation d'une palette de couleurs limitée est que vous simplifiez le mélange des couleurs et que vous comprenez mieux comment vos couleurs fonctionnent ensemble. Vous n'avez pas besoin d'obtenir toutes les couleurs qu'une marque d'aquarelle a à offrir. Avec le bon ensemble de primaires froides et chaudes et de tons terreux, et peut-être une seule couleur verte de base, vous pouvez créer de magnifiques peintures. Enfin, s'en tenir à une palette de couleurs limitée donne à votre travail un sentiment d'identité. Votre choix de couleurs et vos mélanges ont le pouvoir de différencier votre peinture. Tout comme votre pinceau qui vous est propre, vos décisions en matière de couleurs font partie de votre identité en tant qu'artiste. Permettez-moi de partager un guide simple pour mélanger et assortir couleurs limitées afin de créer une palette de couleurs vintage. Pour la couleur du ciel, je joue principalement avec des couleurs comme violet cobalt et le bleu cobalt pour les tons froids, nouveau Gamboge et le rose coque pour les tons chauds. Essayez de mélanger chaque ensemble et de faire varier le rapport et la proportion des couleurs pour découvrir différentes nuances. Par exemple, je mets plus de bleu cobalt que de violet de cobalt si je veux représenter la lumière du jour. Mais si je veux peindre un coucher de soleil, je choisis plus de violet cobalt que de bleu cobalt dans mon mix. Pour la couleur de la prairie et de la verdure, vous pouvez faire preuve de créativité en jouant avec les couleurs au fur et à mesure que vous les peignez. Les couleurs de base que j'utilise pour cela sont la terre de Sienne brûlée, New Gamboge, le vert olive et l'indigo. Pour obtenir un ton plus clair et plus sourd sur le terrain, je mélange Burnt Sienna et New Gamboge. Ensuite, à partir de ce mélange, vous pouvez légèrement introduire du vert olive pour obtenir une teinte verte. Pour le premier plan ou les verts foncés, je mélange le vert olive et l'indigo. Vous pouvez également essayer de mélanger de la terre de Sienne brûlée, du vert olive et de l'indigo pour obtenir une couleur verte atténuée. Pour que les impressions des fleurs restent fraîches et éclatantes, j'utilise toujours des peintures de couleur propre et pure. Mes couleurs préférées pour cueillir quatre fleurs sont le magenta quinacridone, jaune de Naples et le bleu glacé. J'adore ces couleurs car Naples et le bleu glacé sont opaques. Ils font vraiment une bonne mise en valeur et un bon accent. Pour le magenta quinacridone, même s'il s'agit d'une couleur transparente, si vous éclaboussez un mélange crémeux et saturé de cette couleur, vous obtenez un bel effet vibrant. Parfois, si je veux l'utiliser pour les accents et les reflets, je le mélange avec du blanc ou du bleu glacé pour le rendre opaque. Maintenant, pour la couleur du bois, vous devez avoir des tons différents pour montrer la dimension. J'utilise de la terre de Sienne brûlée et du violet de cobalt comme base. Le violet atténue l' éclat de la terre de Sienne brûlée. Plus vous ajoutez de violet, plus le ton s'assombrira. Si je veux rendre le bois encore plus foncé, je peux ajouter du violet pérylène et du sépia à mon mélange pour plus de profondeur. C'est ça. Si vous n'avez pas exactement les mêmes couleurs que moi, ce n'est pas grave. Vous pouvez utiliser les couleurs de votre palette avec lesquelles vous êtes à l'aise. Tout ce dont vous avez besoin, c'est une teinte de violet et de bleu pour les tons froids, jaune et de pêche pour les tons chauds du ciel, de la Sienne brûlée et du sépia pour votre couleur neutre, d' une couleur verte, indigo ou d'un bleu indanthrone créer des nuances de vert plus foncées, et de votre choix de rouge , jaune ou rose pour vos fleurs. Une fois que vous avez sélectionné vos couleurs, conservez votre palette limitée et explorez nouvelles nuances en les mélangeant et en les assortissant. De cette façon, vous pouvez pratiquer l'harmonie des couleurs et simplifier votre peinture. Je suis sûr que vous êtes plus que prêt à commencer notre exercice quotidien de peinture. Je vous retrouve dans la prochaine vidéo pour préparer nos papiers à bords arrondis. 7. Comment Deckle Edge votre papier: [MUSIQUE] Pour donner une touche vintage à ces œuvres d'art, je vais partager avec vous un tutoriel rapide et facile pour décorer votre papier. Il s'agit d'un papier de neuf pouces sur six pouces. À l'aide d'un carton comme guide et d'un cutter, je vais créer un pli sur le côté du papier. Utilisez légèrement le cutter pour éviter de couper complètement le papier. Je fais la même chose pour les quatre côtés du papier. Après avoir marqué les quatre côtés, je plie chaque côté et je déchire doucement le papier le long de la ligne de pliage. Voilà, vous l'avez. Voici à quoi ressemblera votre papier à bords frangés. 8. Jour 1 Prairie calme: Bienvenue au premier jour. Notre sujet est assez simple avec très peu d'éléments. L'objectif de notre premier exercice de peinture est de vous préparer à peindre de grands lavis audacieux. Je vous encourage à vous lever que vous peignez et à tenir votre pinceau plus en arrière lorsque vous peignez de grandes quantités. Pour vous donner un aperçu, je vais peindre sur du papier sec et je n'utiliserai pas de ruban adhésif pour fixer mon papier au tableau. Comme nous allons peindre la totalité du papier lors de notre première montre, déformation ne sera pas un problème. Toutefois, si vous n'êtes pas à l' aise pour peindre sans les côtés du ruban de sécurité en papier sur votre tableau, n'hésitez pas à coller les bordures de votre papier. De plus, si votre papier n' est pas 100 % coton, je vous recommande vivement de coller du ruban adhésif sur les quatre côtés de votre papier pour un support adéquat et pour éviter que le papier ne se déforme. Commençons notre invite à peindre un simple paysage de coucher de soleil. C'est un croquis au crayon. Je trace la ligne d'horizon ici dans la partie centrale supérieure du papier, puis je dessine le contour des montagnes lointaines. Ensuite, je dessine une seule clôture en bois ici, dans le coin inférieur droit des documents, car elle servira de point central. Je trace également des lignes horizontales pour les fils de la clôture. Je vais ajouter quelques traits de gazon ici et là, mais je ne vais pas dessiner les détails du milieu. L'aquarelle le fera pour nous plus tard. Maintenant, commençons à peindre à l'aide d'un gros pinceau à serpillière Je commence à mélanger du violet cobalt et bleu cobalt pour obtenir cette jolie couleur fraîche de coucher de soleil. Je veux que tu regardes mes pinceaux. J'ai peut-être l'air rapide à peindre, mais ce n'est là que la grande touche audacieuse que j'ai racontée dans la leçon précédente. Faites glisser votre pinceau de gauche à droite et vers l'arrière pour créer un lavage doux et agréable. Ensuite, je nettoie mon pinceau et nous obtiendrons de la couleur New Gamboge et un peu de rose coquillage. Notez que je mélange cette couleur chaude à mes restes de peinture violette pour atténuer la couleur chaude. Je commence par un seul trait horizontal ici, dans la partie montagneuse , puis j'ajoute de l'eau dans mon pinceau pour obtenir un lavage plus doux pendant que je peins vers la ligne d'horizon. Nous avons ici une bande non peinte entre le jaune et le violet. Pour mélanger les deux couleurs, j'ajoute à nouveau de l'eau dans mon pinceau et je relie les deux couleurs. L'utilisation d'eau pour mélanger le violet et jaune nous aide à éviter le mélange boueux. J'ai également légèrement incliné mon papier pour que le violet coule vers le bas et se mélange au jaune tout seul. Je veux créer de la profondeur dans le ciel ajustant le ton sur la partie centrale du ciel en utilisant la même couleur mélangée à un peu plus de violet cobalt. J'ajoute quelques traits supplémentaires ici, au milieu du ciel. Notre ciel est terminé. Regardez comme c'était simple et rapide. Peindre le ciel n'a pas besoin d'être compliqué. Comme ce n'est pas notre point central, nous n'avons pas besoin d'y mettre beaucoup de détails. Dans la mesure du possible , évitez de trop réfléchir, d'en faire trop et de retourner au fragment de ciel et peignez d'autres couches par-dessus. Passons à la peinture des fragments de lentille. Je prends du vert olive et je mélange un peu de gamboge neuf et de terre de Sienne brûlée pour atténuer la couleur. En utilisant le même trait rapide et gras je fais glisser mon pinceau horizontalement. Au fur et à mesure que je peins la zone, j'ajoute peu à peu de la terre de Sienne brûlée pour créer une variation de ton avec mon vert. Ensuite, je charge mon pinceau avec de l'eau et j'obtiens un mélange de vert olive et d' indigo pour une teinte plus foncée. Comme nous peignons le juste milieu, je vais changer de pinceau, de placer les coups de pinceau. [MUSIQUE] Je commence à faire des mouvements de haut en bas et même à faire des mouvements en zigzag, pour voir la pression que j'exerce sur mon pinceau lorsque je le frotte sur mon papier. À mesure que je m'approche du bord du papier, je fais également passer mes valeurs à des tons plus foncés pour créer de la profondeur. J'ajoute simplement plus d'indigo à mon mélange de vert pour obtenir cette riche couleur vert foncé. Maintenant qu'ils ont complètement peint le fragment de terrain, j'utilise mon petit pinceau rond pour pulvériser de l'eau au premier plan pour obtenir de la texture. Ici, nous pouvons lentement voir la magie se produire lorsque les peintures réagissent sur les gouttelettes d'eau. Ne vous inquiétez pas pour les tirages à l'aquarelle si vous en voyez. N'oubliez pas que notre objectif est de peindre de manière détendue et décontractée. J'essaie également d' éclabousser de la peinture vert foncé au premier plan en utilisant le même mélange vert foncé composé d'indigo et de vert olive. Faites-en peu, cela peut être amusant, mais évitez d'en faire trop. Maintenant, je vais mélanger de la terre de Sienne brûlée à ce mélange vert foncé composé de vert olive et d'indigo. J'obtiens une couleur vraiment juteuse pour peindre la montagne lointaine. À l'aide de mon petit pinceau, je le fais glisser en diagonale pour créer la pente de la montagne. J'ajoute un peu de vert à mon mélange pour créer un jeu de couleurs et peins la partie inférieure de la montagne. Je veux que tu fasses attention à mes pinceaux. La rapidité avec laquelle le trait permet de représenter la forme, et non l'objet lui-même. Comme le ciel de fond est encore humide en même temps, vous verrez ce doux mélange de couleurs au bord de la montagne. Maintenant, en utilisant du nouveau gamboge et de la terre de Sienne brûlée, je crée un mélange épais de cette couleur pour peindre l'autre montagne qui se trouve derrière moi. Je pose le pinceau à plat sur le papier pour créer un trait latéral en appuyant fortement sur le pinceau. J'essaie de peindre la forme à l' aide de marques de pinceau. Ensuite, je nettoie mon pinceau et je mélange du vert à de la terre de Sienne brûlée pour assombrir la montagne en face, ce qui la fait ressortir davantage. [MUSIQUE] Ici, j'essaie de créer une légère couleur à partir de la montagne qui se trouve derrière moi en faisant simplement glisser doucement mon pinceau sur la couche. Ces petits pas donnent à la montagne une sensation de texture sans trop de traits ou de détails. Maintenant, je peins le pied de la montagne avec quelques marques de pinceau pour les relier à la terre. La clé ici est de rendre le mélange de peinture suffisamment épais pour qu'il se superpose à la couleur de fond. Si le mélange est trop humide, il créera des fleurs. Notez également que je tamponne simplement mon pinceau pour appliquer les couleurs. Je ne peins pas toute la ligne d'horizon, mais uniquement des lignes suggestives. Ensuite, j'ai pris un mélange vert foncé, toujours à base de vert olive et d'indigo, pour en faire un mélange vraiment crémeux pour peindre les brins d'herbe. Les traits de peinture sont fins et organiques Je tiens mon pinceau plus en arrière du manche et le positionne à presque 90 degrés. Je fais des mouvements rapides vers le haut et j'essaie d'imaginer le mouvement naturel de l'herbe pour éviter les lignes raides et répétitives. Je peins principalement ici, dans la partie inférieure droite sous l'endroit où je placerai la clôture en bois. Je peins également des brins d'herbe avec de la terre de Sienne brûlée pour les varier et je fais varier la longueur et l'angle de mon trait. Ici, je fais des reflets en grattant le papier avec mon ongle pour créer une impression d' herbe sur cette rayure. De manière efficace, la peinture ne doit être ni trop humide ni trop sèche. Grattez à l'aide de votre ongle d'un mouvement rapide vers le bas. J'ajoute quelques traits vert foncé pour combler les lacunes, mais en faisant cela, j' essaie de prendre du recul pour voir l'image dans son ensemble. Maintenant, mélangeons le sépia, Sienne brûlée et le gris de Payne pour obtenir la couleur de la clôture en bois. Le mélange doit être vraiment opaque et sec pour imiter la texture du bois. Au fur et à mesure que je pose le trait, vous verrez à quel point mon pinceau est sec. J'ai essayé de donner à la clôture un aspect 3D en peignant la partie latérale droite avec un ton plus clair. [MUSIQUE] Ensuite, je gratte quelques lignes horizontales pour plus de détails. J'assombris également un peu le côté gauche. Maintenant, je peins les fils avec le même pinceau, maintenant mon pinceau à un angle de 90 degrés et en exerçant une très légère pression pour créer des traits fins. C'est normal que la ligne soit un peu instable. Le fil ne doit pas être peint avec trop de douleur afin qu'il ne domine pas la clôture en bois. Si vous sentez que la douleur est devenue un peu plus intense, tamponnez simplement votre doigt dessus pour aplatir la couleur. Ensuite, je peins le fil avec une couleur bleu glacé ou vous pouvez utiliser du blanc de titane pour les reflets. [MUSIQUE] Pour terminer, ajoutons un peu de jaune pur sur la pelouse. Vous pouvez utiliser votre doigt ou un autre pinceau pour tapoter le pinceau et faire des éclaboussures. Faites attention à l'orientation de votre pinceau afin de ne pas éclabousser le fragment de ciel. J'éclabousse également certaines couleurs comme le blanc. Enfin, j'ajouterai quelques points roses ici et là comme accents finaux. Notre peinture est terminée. J'ai hâte de voir ce que vous avez peint aujourd'hui et de me rendre dans la section des projets et des ressources. N'hésitez pas à partager votre travail en y téléchargeant votre projet de premier ordre. Dans la leçon suivante, nous allons nous entraîner à utiliser quelques pinceaux pour peindre une impression de pins et de lacs calmes. 9. Jour 2 Lac Calme: [MUSIQUE] Je suis si heureuse de t'avoir de nouveau parmi moi. Aujourd'hui, peignons un autre paysage en nous concentrant sur les œuvres de pinceau spécifiques pour peindre l'impression des pins et du lac calme. Notre objectif ici est de saisir l'essentiel des éléments importants de votre sujet sans être trop détaillé. Nous allons commencer. L'esquisse au crayon est simple. Nous commençons par tracer la ligne d'horizon dans le tiers inférieur du papier et de légers traits de la montagne. J'ai dessiné une impression de petite île ici sur la gauche, et c'est terminé. Mélangeons les couleurs du ciel. J'utilise toujours le violet cobalt comme couleur de base du ciel. À l'aide de mon gros pinceau, je fais de grands traits horizontaux, comme nous avions peint le ciel dans l'exercice précédent. Lorsque je peins le milieu du ciel, je désature la peinture en ajoutant de l'eau à mon pinceau. Ici, vous verrez que j'ai arrêté de peindre le violet à mi-chemin, et nous allons changer la couleur. Avec un léger mélange de nouveau gamboge dans mon pinceau, je continue le lavage à plat depuis l'endroit où je me suis retrouvé jusqu'à atteindre l'horizon. Ensuite, je prends du bleu cobalt et j'ajoute un peu de violet marin pour renforcer le ton, et j'ai peint la partie supérieure du ciel. Il est important d' assombrir la partie supérieure du ciel afin de créer une impression de perspective et de ne pas donner à votre peinture un aspect plat. Nous en avons fini avec le fragment de ciel. C'est simple et facile. Maintenant, peignons le lac. Un conseil important est que lorsque vous peignez de l'eau, souvenez-vous toujours que la couleur de l'eau doit refléter la couleur du ciel et des objets qui l'entourent. Si nous avons peint le ciel en violet, la couleur de l' eau devrait également avoir une influence violette. Une autre chose est que, si vous remarquez, je n'ai pas nettoyé ma palette avant commencer un autre tableau. Eh bien, c'est l'avantage d'utiliser une palette de couleurs limitée pour toutes vos œuvres d'art. Vous évitez d'obtenir des mélanges boueux même si vous mélangez sur la même palette utilisée, car les couleurs que vous utilisez appartiennent à la même famille. Continuons notre peinture. Ici, je prends de la peinture violette cobalt juteuse , mon pinceau à serpillière, puis je charge mon pinceau avec un peu d'eau puis je charge mon pinceau avec un peu d'eau et je le mélange avec le reste de jaune que j'ai. Je peins le fragment d'eau avec des traits horizontaux rapides et légers de gauche à droite à partir de la ligne d' horizon vers le bas. Vous pouvez voir ici que les fragments de ciel et de lac n' auront pas des valeurs presque égales dans la même couleur. Ensuite, passons à la peinture du juste milieu, commençant par une montagne en arrière-plan. En utilisant du violet de cobalt et de la terre de Sienne brûlée, je crée une teinte brun violacé pour peindre le support. Le mélange doit être plus épais que celui que nous utilisons dans le ciel, afin que la valeur tonale soit plus foncée. Pendant que je peins, le fond est assez humide. C'est pourquoi j'ai obtenu des bords lisses mais maîtrisés. Observez comment je pose mon pinceau sur le papier et comment je fais varier l' angle pour créer un trait. Parfois, j'utilise le côté de mon pinceau et parfois je l'appuie sur le papier. Ensuite, en utilisant de la terre de Sienne brûlée , du nouveau gamboge et du violet cobalt, je peins une teinte de brun légèrement plus foncée mais plus chaude pour cette montagne sur la gauche. J'appuie le pinceau vers le bas pour peindre la pente, tout en gardant un trait simple. Je change mon pinceau pour notre pinceau rond. Je prends du vert olive, je le mélange avec mes restes de peinture brune, et j'ajoute un peu de nouveau gamboge pour peindre le gros morceau d'arbres situé sur la gauche. N'oubliez pas que nous allons peindre des formes, pas des objets. Ici, au lieu de peindre chaque arbre un par un, nous jouons avec les couleurs en faisant varier le rapport des couleurs dans le mélange, et peignons la forme générale du fragment d'arbre. Vous pouvez également voir ici que je fais des taches plus foncées tandis que d'autres les réchauffent. Je peins également des traits verticaux pour représenter les différentes hauteurs des arbres. Je laisse la peinture couler et je la mélange naturellement, au lieu de la mélanger avec mon pinceau. Je continue à peindre des formes avec des pinceau ludiques et expressifs pour compléter l'ensemble du fragment. Comme le côté droit du papier est déjà en train de sécher, vous pouvez remarquer ces bords durs lorsque je peins des arbres. C'est très bien, et très agréable, car cela nous donne une impression de bords perdus et trouvés dans la peinture. Maintenant, je commence à créer une plus grande illusion d'arbres en peignant la pointe des arbres fins à l' aide de coups de tamponnage. Ici, votre peinture doit être suffisamment épaisse et crémeuse pour superposée à la tache de couleur verte. Essayez de ne pas peindre chaque arbre en détail. Il suffit de peindre la pointe des arbres, varier la hauteur et peut-être l'angle en peignant d'autres arbres en position inclinée, puis de tamponner une épaisse couche de peinture sur la grande forme verte pour créer de la profondeur et des notes de corps. Maintenant, je vais peindre l' île de gauche avec un brunch, et maintenant avec des traits glissants. Je veux créer une séparation entre la terre et l'eau, et ce trait horizontal suggestif est un bon moyen. Je récupère également ma brosse à serpillière pour améliorer le lac. En utilisant du violet de cobalt et un peu de vert olive, je souhaite créer un riche mélange de violet verdâtre pour peindre l'eau. D'un rapide trait horizontal, je crée des coups de pinceau secs ici, au fond du lac, pour représenter les reflets sur l'eau. J'essaie de ne pas passer plusieurs fois sur une zone afin de préserver l'éblouissement que j'ai créé à l'aide de coups de pinceau secs. Enfin, approfondissons le ton ici, dans la plus grande partie du lac, à des fins de prospective et de dimension. J'utilise toujours du violet de cobalt pour cette portion, et je fais en sorte que mes traits soient légers et rapides pour faire preuve d'énergie et de dynamisme. Terminons en ajoutant un peu de violet de pérylène à mon violet de cobalt, et en effectuant quelques derniers traits horizontaux. Prenez du recul et regardez votre travail à distance. Décidez d'arrêter avant même de penser que votre peinture est terminée pour éviter de trop la travailler. Notre prochain sujet est l'un de mes préférés. Peignons une grange à sérine dans un pré fleuri dans la leçon suivante. [MUSIQUE] 10. Grange dans un champ: [MUSIQUE] Pour notre troisième exercice, nous allons peindre une grange sereine dans un pré fleuri. Nous verrons ici comment des textures contrastées, des bords durs et doux et divers effets intéressants peuvent créer une dynamique et une énergie à votre peinture. Commençons par un bref croquis au crayon. Je trace la ligne d'horizon dans la partie centrale du papier, puis je trace quelques traits en zigzag pour dessiner le contour du morceau d' arbres en arrière-plan. Ensuite, dans la partie droite du papier, je dessine le toit triangulaire de la grange. [MUSIQUE] Je dessine le contour de l'herbe sous la grange et des troncs d'arbres qui l' entourent pour mon guide. Je ne dessinerai pas les arbres en détail, car nous les concevrons au pinceau. Mélangeons les couleurs. Comme nous voulons peindre un coucher de soleil éclatant, nous avons besoin d'un mélange épuré de nouveau Gamboge avec une touche de rose coquillage. J'ajoute de l'eau dans mon pinceau et je vois à quel point mon mélange est aqueux et juteux. Maintenant que mon pinceau est plein de peinture, je fais des traits horizontaux à mi-chemin à partir de l'horizon. Avant de passer à une autre couleur, j'adoucis encore plus le bord avec un pinceau aqueux. Cela me donne plus de temps pour préparer ma couleur violette sans la couche jaune ne sèche et ne devienne dure. Ensuite, je prends une bonne quantité de violet cobalt et je peins la partie supérieure du ciel quelques traits, puis je la mélange lentement et doucement avec du jaune en quelques traits seulement. Un mélange excessif avec trop de mouvements peut provoquer un mélange boueux. [MUSIQUE] J'assombris un peu plus la partie supérieure en appliquant un ton plus foncé de violet cobalt. J'incline mon papier de temps en temps pour laisser la teinte violette se mélanger au jaune d'elle-même. Vous pouvez maintenant voir une transition de couleurs très agréable et douce. Pas de bord dur et pas de mélange boueux. Laissons les choses ainsi et allons peindre le lavis de base du pré. À l'aide d'un nouveau Gamboge et de la Sienne brûlée, je peins la lumière réfléchie sur la prairie. Je veux que vous regardiez comment je tiens mon pinceau et j'exécute le trait. Mon pinceau est positionné vers le haut et je fais de petits coups de tampon. Le positionnement du pinceau de cette façon me permet de créer une texture irrégulière, ce qui est un bel effet sur le terrain. Je laisse également tomber la couleur saturée de la Sienne brûlée à certaines zones, pour créer un jeu de tons. Je continue le même trait vers l'autre côté du papier. Ensuite, sans nettoyer mon pinceau, je prends du violet cobalt et du vert olive pour passer lentement à une teinte violacée dès le coucher du soleil. Au fur et à mesure que je peins ce fragment, je fais varier le rapport entre le vert olive et le violet de cobalt. Certaines parties contiennent plus de violet de cobalt dans mon mélange, tandis que d'autres contiennent plus de vert olive. Mais je veille à trouver le juste équilibre entre les deux afin que le juste équilibre entre les deux afin mon mélange de couleurs corresponde à l'atmosphère et au cadre de la journée. mesure que j'approche du premier plan, je dois introduire des textures plus visibles dans la prairie Je vais donc remplacer mon pinceau par des coups de pinceau répétitifs de haut en bas. Je commence également à modifier la position de mon pinceau pour que mes traits ne soient pas ennuyeux. Ici, au premier plan, mon ton devrait être encore plus sombre et plus profond. J'utilise maintenant du vert olive et de l'indigo avec du violet de cobalt et de la terre de Sienne brûlée pour obtenir une couleur vert foncé atténuée. Je m'assure que le premier plan soit le plus foncé possible dès le premier lavage afin de pouvoir diriger les yeux des spectateurs vers l'horizon. [MUSIQUE] Ici, j'ajoute simplement quelques points de couleur sombres supplémentaires pour créer de la profondeur. Juste un conseil, la valeur tonale doit être plus foncée à mesure qu'elle s'éloigne de la ligne d'horizon. [MUSIQUE] Maintenant, je prends mon pinceau rond et je peins des empreintes d'herbe alors que la couche est encore humide. Je le fais avec quelques mouvements ascendants. [MUSIQUE] J'éclabousse également de l'eau propre à l'aide mon pinceau pour créer un petit effet de floraison. J'ai l'intention de le faire mouillé pour que la peinture ait un aspect atmosphérique et doux. Maintenant, je prends du violet pérylène, l' éclabousse dans la prairie et je place mon pinceau dans la direction opposée pour la direction opposée pour ne pas éclabousser de peinture sur le ciel. [MUSIQUE] Ici, j' ajoute simplement plus de couleurs dans le champ pour le rendre plus coloré et plus charmant. J'utilise du rose quinacridone mélangé à du bleu glacé pour rendre la couleur opaque. J'utilise également du jaune de Naples pour l'effet éclaboussures. Comme l'aquarelle a tendance à s'estomper un peu lorsqu'elle sèche, se peut que nous devions ajouter il se peut que nous devions ajouter quelques couches sombres supplémentaires pour compenser. Ici, je prends un mélange de couleurs vert foncé et je peins quelques traits d'herbe au premier plan. [MUSIQUE] J'ajoute une autre touche de bleu glacé pour avoir cette touche de lumière dans le champ sombre. Laissez la peinture s'épanouir sur la surface mouillée et créez sa propre magie. Nous allons le laisser sécher pour le moment et nous pourrons peindre la grange et les éléments qui l'entourent. Maintenant, en utilisant du violet de cobalt, de la terre de Sienne brûlée et un peu de vert olive, je frotte mon pinceau rond sur le papier pour peindre la verdure lointaine. [MUSIQUE] N'ayez pas peur de frotter votre pinceau à plat car il ne sera pas endommagé. Ensuite, je prends du violet pérylène et de l'indigo et de la terre de Sienne brûlée pour donner à la grange une couleur brun foncé foncé. [MUSIQUE] Dès le premier coup, j'ai remarqué que mon papier était encore humide et que si je continue à le peindre, je n'obtiendrai pas de bord dur et net pour le toit. La grange étant notre point central, elle doit être définie. Je dois d'abord sécher complètement la zone l'aide d'un pistolet thermique et continuer à la peindre lorsqu'elle est sèche. En utilisant le même mélange de couleurs, je peins le côté de la grange faisant face à l'avant. Remarquez comment je peins la zone. J'utilise tout le ventre du pinceau pour créer traits épais jusqu'à ce que je remplisse toute la zone. [MUSIQUE] Remarquez également que j'ai dentelé la partie inférieure pour impression que la grange est partiellement recouverte d'herbe. [MUSIQUE] Je peins l'autre côté de la pièce sur un ton plus clair et j'ai également laissé une ligne diagonale brisée non peinte pour distinguer les côtés du toit. [MUSIQUE] Nous pouvons maintenant voir clairement comment les textures contrastées, c' est-à-dire le lavage doux sur la prairie et les bords durs de la grange se combinent pour créer une peinture magnifique. [MUSIQUE] Je ne veux pas que la grange ressemble à un autocollant apposé sur le tableau Nous devons donc la connecter à la prairie. À l'aide de mon doigt, je fais glisser doucement la peinture de la grange vers le bas pour qu'elle établisse un lien avec la prairie et ait un bord irrégulier. Maintenant, la partie amusante, c'est de peindre les arbres en frottant de manière expressive. J'obtiens du vert foncé en utilisant mes restes de peinture verte. La peinture doit être si épaisse et contenir moins d'eau. Je commence par un pin ici sur la gauche. Je fais des mouvements tortillants à l'aide de la pointe de mon pinceau et je représente cette forme triangulaire de l'arbre. [MUSIQUE] Ensuite, je change la teinte en ajoutant un peu de jaune, nouveau Gamboge, à mon mélange de couleurs, et je frotte la zone avec mon pinceau pour peindre un arbre plein et touffu. Je pense à la forme générale de l'arbre et j'essaie représenter en frottant rapidement à sec. Je tamponne des morceaux de peinture foncée pour donner de la dimension à l'arbre, mais j'essaie de ne pas y mettre trop de détails. [MUSIQUE] Maintenant, peignons l' arbre sur la droite. J'utilise toujours mon trait de frottement, mais cette fois je veux créer une forme différente de celle des autres arbres sur la gauche. Au lieu d'utiliser un seul mélange de couleurs, essayez de faire varier le ratio de couleurs pour le jeu de couleurs. Je gratte également certaines parties du papier pour donner l' impression de troncs. N'oubliez pas de le faire lorsque votre peinture n'est plus aussi humide. [MUSIQUE] Finissons le tableau en mettant en valeur le pré. Je vais ajouter quelques éclaboussures car le lavage initial s'est déjà estompé. J'éclabousse un peu de rose mélangé à du bleu glacé et aussi du jaune de Naples dans la partie la plus basse du pré puisque c'est au premier plan. [MUSIQUE] Nous avons terminé notre troisième tableau. J'adorerais savoir comment ça va pour toi jusqu'à présent. Vous pouvez partager vos œuvres et écrire dans la légende, vos réflexions ou peut-être votre expérience lorsque vous téléchargez votre projet de classe afin que je puisse voyager avec vous. À bientôt pour notre prochain cours. 11. Jour 4 Forêt au coucher du soleil: notre quatrième exercice de peinture, Dans le cadre de notre quatrième exercice de peinture, nous utiliserons des pinceaux encore plus expressifs pour représenter la lumière et les arbres de la forêt. Nous nous entraînerons à éliminer les détails en peignant le premier plan comme une seule grande forme. Le dessin au crayon ne sera qu' une pente pour les montagnes de fond. Dessinons ensuite un petit cercle ici sur le côté droit, pour représenter le soleil. J'éclaircis le dessin pour qu'il ne soit pas visible sous le tableau. Commençons à peindre. À l'aide de mon pinceau à serpillière, j'obtiens un nouveau gamboge en rose coquillage pour peindre la lumière chaude du soleil. Encore une fois, je peins sur du papier sec. Remarquez que j'ai peint un cercle plus grand que le dessin. La raison en est que j' adoucirai le bord intérieur avec une brosse propre et humide plus tard. Ensuite, j'adoucis également le bord extérieur de mon trait rond initial. Je peins la zone qui l'entoure avec un mélange saturé de nouveau gamboge et de rose coquillage. Je veux que vous remarquiez l'intensité de la couleur que je place à l'horizon. Je fais également de rapides traits horizontaux pour peindre les autres parties du ciel. Pour la partie supérieure du ciel, je diffuse le ton en la recouvrant avec un pinceau aqueux. [MUSIQUE] Ici, j'ai fini de peindre l' intégralité du fragment de ciel. Mais avant de passer aux autres fragments, je vais adoucir ce bord en bas afin qu'il ne sèche pas immédiatement et ne laisse pas de bord dur. Je prends un peu de violet de cobalt et je le mélange à mon mélange jaune pour diffuser le ton jaune. Je vais peindre la partie inférieure du papier avec un vernis doux pour installer la lumière dans notre couche de base. En utilisant du violet de pérylène et du violet de cobalt, je vais peindre la montagne en arrière-plan, puis je mélange bien les peintures pour obtenir un joli mélange crémeux. Lorsque je peins leur silhouette de montagne, le fragment de ciel doit être humide pour que vous puissiez obtenir ce bord doux mais maîtrisé. La valeur tonale doit être plus foncée et plus crémeuse que le fond jaune pour qu'elle apparaisse au milieu. Remarquez que je joue avec les sons de la montagne, certaines parties paraissent plus épaisses et plus sombres que d'autres. Ne vous inquiétez pas si la peinture s'estompe, c'est un effet unique d' aquarelle que nous voulons adopter. Maintenant, je vais nettoyer mon pinceau et le remplir d' une couleur verte pour peindre les arbres de la forêt. Il est agréable de peindre ce fragment alors que le papier est encore humide. Cela permet d' obtenir un doux mélange de couleurs dans la forêt, contrastant avec le bord dur et résistant de la source de lumière, qui est notre point central. Je mélange du vert à mon mélange violet restant, j'ajoute un peu de violet de cobalt et je fais des mouvements répétitifs vers le bas. Ici, je veux représenter les arbres des montagnes et les peindre comme une seule grande forme. Je passe lentement à un ton légèrement plus foncé en ajoutant de l'indigo à mon mix. Je continue à faire les mouvements de haut en bas pour cette portion. Ensuite, je prends mon pinceau rond et j'obtiens un mélange de vert très saturé et épais avec du vert olive , de l' indigo et un peu de nouveau gamboge pour peindre les grands pins en arrière-plan. Je commence à peindre ce grand arbre qui donne un aperçu sur la gauche, nous n'en peindrons qu'une partie et je veux que vous travailliez dessus avec votre pinceau. Concentrez-vous sur l'impression générale de l'arbre en jouant avec l'angle de votre pinceau. Essayez de faire des traits en utilisant le ventre entier du pinceau et, dans certaines zones, en utilisant simplement la pointe du pinceau. Le secret est d'être à l'aise lorsque manipulez votre pinceau afin vous manipulez votre pinceau afin de pouvoir utiliser vos traits en toute confiance. J'ai peint jusqu'à la partie inférieure, mais je vais ajouter des tons sombres pour la rendre plus complète. Je mélange du vert olive, de l'indigo et du chana brun pour ce mélange vert foncé foncé. Lorsque vous ajoutez des tons foncés, ne recouvrez pas tout, tamponnez simplement des traits foncés sur des points sélectionnés uniquement. Je charge mon pinceau avec un peu plus de vert, mais je mélange un peu de violet de cobalt pour modifier légèrement la valeur par rapport à l'autre arbre. Ici, j'utilise la pointe de mon pinceau pour peindre la partie supérieure de l'arbre. Observez les coups de tamponnage que je fais pour créer des traits plus épais. Au fur et à mesure que je descends, j'exerce plus de pression sur mes mouvements en tapotant et en me tortillant pour obtenir des marques encore plus épaisses. Cette fois, je ne peindrai pas jusqu'au bord du papier. À l'aide d'un vaporisateur, je pulvérise de l'eau sur la partie inférieure et je laisse la peinture s'écouler. Je passe à la peinture de l'arbre suivant. Je l'ai fait plus petit que l'autre. Je répète les mouvements de tamponnage et de tortillement pour créer la forme triangulaire. J'ai pulvérisé de l'eau sur le bord inférieur pour faire également couler la peinture sur le papier. Comme cette portion a été mouillée à cause de ce pulvérisateur, je tamponne quelques légumes verts pour ajouter de la couleur. J'applique aussi du chana brun ici, pour que cet endroit ne soit pas trop ennuyeux avec la même teinte verte. C'est un moment fort. Je peins un autre arbre ici et je l'ai réduit, afin de ne pas couvrir le fragment de soleil. Je répète le processus qui consiste à peindre les arbres et à pulvériser de l'eau pour que la peinture coule. C'est comme créer un effet selon lequel la peinture se dissout pour mettre davantage l' accent sur la lumière. Ici, alors que nous peignons l' arbre plus près du soleil, utilisez un nouveau mélange de gamboge avec du chana brun. De cette façon, nous donnons l'impression que la lumière touche la partie de l'arbre. C'est l'une des choses que j'aime ce pinceau ultra rond. Il permet une sieste très agréable et est si facile à contrôler que peindre de tels détails donne l'impression de dessiner avec un stylo. La pointe pointue me permet également de créer une petite marque de pinceau, ce qui me permet de ne pas avoir à changer de pinceau de temps en temps. Maintenant, au fur et à mesure que vous vous éloignez de la lumière, nous redonnerons la couleur au vert. Dans cette zone inférieure, je frotte simplement des traits pour remplir une zone plus grande. Je continue à peindre quelques arbres supplémentaires ici, sur le côté droit, en élargissant et en agrandissant mes traits. J'ai l'impression que la zone du ciel sur la droite semble un peu vide, alors je vais ajouter un autre grand arbre ici. Je commence toujours par une couleur orange , puis je passe au vert lorsque j'atteins la partie centrale et inférieure. J'ajoute également un petit arbre au milieu, car l'espace est assez grand et semble vide. Je vais ajouter de petites marques pour donner à la forêt un aspect plus dense et je vais également appliquer quelques traits sombres en bas. terminer, je vais créer un nouveau gamboge en utilisant mon pinceau rond, situé dans la partie inférieure, comme accent et pour briser la couche solide de couleur verte. Notre peinture est terminée. J'espère que vous avez pu suivre. Si vous avez des questions, n'hésitez pas à me laisser un message dans l'onglet Discussions sous cette vidéo. Dans la leçon suivante, nous nous entraînerons peindre des clôtures en bois en nous concentrant sur la création de textures rugueuses à l'aide différents coups de pinceau. [MUSIQUE] 12. Clôture de ferme en bois: Nous en sommes aux derniers exercices, et je suis sûr qu'à ce stade, vous pourrez constater des progrès et des différences dans la façon dont vous abordez et je suis sûr qu'à ce stade, vous pourrez constater des progrès et des différences dans la façon dont vous abordez votre processus de peinture, ainsi façon dont vous tenez et jouez avec votre pinceau. Maintenant, pour l'exercice de peinture d'aujourd'hui, nous allons nous entraîner à faire ressortir la texture rugueuse des clôtures en bois et à mélanger plusieurs couleurs dans le ciel en une seule fois. Commençons notre esquisse en identifiant la ligne d'horizon. À partir de là, j'assigne un point l'extrême droite de la ligne qui me servira de point de fuite. Pour qu'une clôture en bois soit réaliste, elle doit être dessinée selon une perspective horique. J'ai tracé deux lignes diagonales qui se croisent toutes jusqu'au point de fuite. Cela me sert de guide pour dessiner la hauteur de chaque clôture. J'ai dessiné le bois ici en commençant par la gauche, puis le suivant légèrement plus court, suivant ma ligne diagonale comme guide. [MUSIQUE] Au fur et à mesure que j'ajoute du bois, la distance entre chaque bois doit également diminuer. [MUSIQUE] Voici notre dernière esquisse. Commençons à peindre le ciel. Nous peignons sur du papier sec. Je commence par mélanger la couleur chaude en utilisant un nouveau gamboge et une nouvelle coque. Mon mix contient encore un nouveau gamboge. Ensuite, d'un trait horizontal complet, je peins la ligne d'horizon. Je recharge mon pinceau avec de la peinture, en y ajoutant un peu de rose coquillage. Je peux penser à faire le Big Bold Wash et à simplement varier la quantité de nouveau gamboge ou de rose coquillage à chaque lavage. Ensuite, j'ajoute un peu de quinacridone magenta pour une touche de rose coquillage à mon mélange. J'ai fait quelques traits courts et légers pour voir à quoi cela ressemble dans le ciel. Comme il semble trop pâle, je prends du violet de pérylène et je l' ajoute à mon mélange jaune. Ici, j'obtiens une belle couleur orange violacé pour le coucher du soleil. [MUSIQUE] Ensuite, je prends du violet cobalt et je l'ajoute à mon mix actuel pour obtenir cette très belle couleur violet foncé sur la partie supérieure du ciel. [MUSIQUE] Pour ajouter de la profondeur, j'ajoute un peu de violet marin à mon mix. J'ai également fait quelques traits rapides mais courts de la même couleur pour représenter des bandes de nuages dans le ciel. Ensuite, j'ai oublié une petite portion de peinture pour faire apparaître la lumière. Ensuite, j'ai utilisé mon pinceau propre et humide pour enlever le reste de peinture et enlever complètement la couleur. C'est l'avantage de peindre rapidement et avec un gros pinceau. Nous pouvons peindre le ciel entier avec différentes couleurs sans avoir de bords durs. Je prends à nouveau mon pinceau à serpillière, mélange du violet pérylène, nouveau gamboge et du rose coquillage pour peindre petites bandes de nuages dans le ciel. Il est préférable de le faire lorsque le fragment de ciel est encore humide afin que le trait soit doux et contrôlé. J'ai essayé de faire disparaître la couleur une fois de plus dans la zone exposée au soleil parce que la peinture continue de saigner. Maintenant que nous peignons le champ, la couleur du champ est influencée par la couleur du ciel. Nous ne nous contentons pas de peindre le terrain en vert. Je vais peindre la lumière réfléchie sur le terrain en utilisant une couleur similaire à celle que j'ai utilisée sur le ciel. Je mélange du violet pérylène, du nouveau gamboge et du rose coquillage pour obtenir cette couleur et peins cette partie du champ juste en dessous de l'horizon. Ensuite, je prends du violet de cobalt pour peindre le champ , puis j'introduis progressivement du vert dans mon mélange. Nous avons ici une couleur verte mélangée à un peu de violet cobalt. Petit à petit, ajoutez de l'indigo et du violet cobalt pour obtenir un ton plus foncé que j'utiliserai pour peindre le premier plan. Lorsque je peins cette zone, je fais des traits dans différentes directions, car je veux créer de la texture et du mouvement de l'herbe. [MUSIQUE] Maintenant que nous avons fini de peindre le champ, impression qu'il manque de profondeur, car la partie inférieure n' est pas assez sombre. Ici, je vais mélanger du vert olive, de l'indigo et de la terre de Sienne brûlée pour obtenir un ton plus foncé, puis le recouvrir de touches ludiques, imitant le mouvement de l'herbe. [MUSIQUE] À l'aide d'un pinceau rond et en mélangeant du violet de cobalt et de la terre de Sienne brûlée, je vais éclabousser de la peinture au premier plan. [MUSIQUE] Si vous pensez qu'il n'y a pas assez de peinture qui sort, cela signifie que vous devez ajouter un peu d'eau dans votre pinceau. Ensuite, peignons les arbres en arrière-plan. Je prépare une couleur violet bleuâtre foncé en utilisant du violet de pérylène, du violet de cobalt, de la terre de Sienne brûlée et de l'indigo. [MUSIQUE] Une fois que j'ai obtenu cette jolie couleur violet foncé, je charge bien mon pinceau et je fais des coups de pinceau ici, sur la gauche. Comme mon fragment de ciel est encore humide, l'effet est doux et léger. Je veux qu'il apparaisse un peu plus foncé que l'arrière-plan pour donner une impression de silhouette Je fais donc un mélange plus épais en utilisant les mêmes couleurs mais moins d'eau. Je frotte à nouveau le pinceau dessus, et nous obtenons ici cette silhouette d'arbre. [MUSIQUE] [MUSIQUE] J'ai tracé des traits horizontaux, puis j'ai fait glisser la peinture vers le bas avec mon doigt pour relier l'arbre au champ. Cela est similaire à ce que nous avons fait pour relier la grange au champ lors de notre exercice précédent. Maintenant, en utilisant du rose coquillage dans le mélange de violet restant, je peins des traits brisés sur la ligne d'horizon. Évitez de peindre en traits droits pour ne pas distraire les yeux. [MUSIQUE] Nous maîtrisons maintenant le ciel et le juste milieu. Passons maintenant à l' amélioration du premier plan en ajoutant de l'herbe, puis en peignant des clôtures en bois. Je mélange du vert, de la terre de Sienne brûlée et de l'indigo et je l'utilise pour peindre l'herbe ici. [MUSIQUE] Dans les deux premières clôtures, mes traits sont plus grands et plus audacieux. Mais à mesure que je m'approche du point de fuite, mes traits deviennent plus petits et plus légers. [MUSIQUE] Je laisse également des marques de Sienne brûlées en guise reflets sur l'herbe des premières herbes. [MUSIQUE] Ensuite, j'éclabousse de la peinture jaune le côté droit pour plus d'effet, et je fais également un léger coup de pinceau sec pour relier le gazon au sol. Ne vous laissez pas intimider si je me déplace trop vite lorsque peins ces éléments, car cela fait partie du pinceau. Au fur et à mesure que vous vous entraînez, vous développerez également le rythme déplacer rapidement votre pinceau pour créer des marques et des traits. C'est en fait à cela que sert le pinceau. Maintenant, peignons la clôture en bois. Pour faire ressortir la texture solide du bois, le ton doit être vraiment solide et opaque. Nous devons également changer de ton de chaque côté du bois pour montrer la dimension. Commençons par la partie horizontale de la clôture. Je mélange du violet de pérylène, de l'indigo et un peu de nouveau gamboge ainsi que du violet de cobalt. Ici, je peins chaque portion avec soin. J'ai pris un mouchoir et je l'ai frotté sur la douleur pour atténuer l'accident vasculaire cérébral. Comme c'est proche du point de fuite, le ton doit être plus clair et moins fort. J'ai évité de peindre sur l'herbe. [MUSIQUE] Je fais un AVC rapide pour avoir ce patch stroke. [MUSIQUE] Au fur et à mesure que je m'éloigne, peux voir plus clairement la texture rugueuse créée par un coup de pinceau sec. Je corrige également le contour sur une partie. Ensuite, je prends de l' ocre jaune et je peins la partie supérieure du bois pour montrer les dimensions. Cela donne l'impression que la partie éclairée de la partie supérieure du bois est éclairée par le soleil. Ensuite, peignons les bois verticaux. J'utilise toujours la même couleur brun violacé foncé. Mais remarquez que j'ai laissé une petite partie non peinte sur le côté. Je vais utiliser une teinte différente pour montrer la dimension. Ici, j'ai peint dans une teinte plus claire, et vous pouvez rapidement voir les côtés du bois. Je vais utiliser des tétons jaunes et un peu de rose coquillage pour mettre un peu de lumière sur certains points. Cela aidera à faire ressortir la clôture de l'arrière-plan. J'ai également mis de minuscules points orange cadmium pour simplement accentuer le surlignage. Mais remarquez que lorsque je l'applique, je fais juste des traits suggestifs et ne peins pas la ligne entière. [MUSIQUE] Finissons en frottant à sec sur le sapin , juste pour compléter la scène, et en ajoutant quelques sur le sapin , juste pour compléter la scène, éclaboussures sur le terrain pour qu'elle ne soit pas trop lisse et uniforme. C'est notre dernier tableau. J'espère que vous vous êtes amusé à faire cet exercice. N'oubliez pas de partager votre travail dans la section des projets et de me faire part de votre expérience. Dans la leçon suivante, nous allons peindre un paysage de forêt asséchée en automne et pratiquer des techniques de grattage. 13. Jour 6 Forêt d'automne: Bienvenue au sixième jour. Notre invite à peindre aujourd'hui est tout à fait unique par rapport à nos exercices précédents, car il s'agit d'un paysage automnal vivant. Nous apprendrons à représenter les troncs d'arbres en les grattant et à superposer les couleurs sans les faire ressembler à une goutte. Tracons d'abord la ligne d'horizon ici en dessous de la ligne médiane. Ensuite, la partie importante de notre esquisse est l' angle de la route. Pendant que vous le séchez, faites un trait aussi naturel que possible pour qu' il ne paraisse pas trop rigide. La ligne ne doit pas non plus se croiser avec le coin du papier. Enfin, tracez des lignes qui représenteront la position des arbres. Commençons à peindre. Je fais de nouvelles manœuvres avec mon pinceau à serpillière et je peins depuis l' horizon. Au fur et à mesure qu'ils s'éteignent, j'ajoute de l'eau à mon pinceau pour rendre mon trait plus fluide. Ensuite, je prends du violet cobalt et je peins de haut en bas. Je fais des mouvements rapides et je mouille le papier avec suffisamment de peinture. Pour rendre la couleur violette un peu plus forte, j'y ajoute un peu de violet marin. Ensuite, je mélange le jaune et le violet en chargeant mon pinceau avec beaucoup d'eau et en effectuant quelques mouvements horizontaux. J'ai vu une flaque de peinture jaune sur mon papier. Je dois m'en débarrasser, sinon cela créera une fleur aquarellée. Je le lave simplement à l'aide de ma brosse à serpillière qu'il s'étale uniformément sur le papier. Ensuite, je prends un brunch et maintenant, avec beaucoup d' eau, je commence à peindre la zone sous l'horizon. Je l'ai fait pour qu'il n'y ait pas de bord jaune dur dès le premier lavage. Ensuite, je prends du violet cobalt pour peindre le produit de base sur la route. J'assombris un peu plus la partie la plus proche de nous. Ensuite, en vert olive, je peins les deux côtés de la route. Vous pouvez voir ici que nous traitons la photo entière comme une seule grande forme. C'est pourquoi nous avons peint le premier lavage avec la même valeur tonale. Nous peindrons les éléments du paysage plus tard, une fois que nous aurons fini de créer l'ambiance initiale ou le style de la scène. J'ai également éclaboussé de la peinture ici sur la route pour obtenir de la texture. J'utilise du violet pour la route et du vert pour les côtés. Ensuite, je prends mon pinceau rond pour peindre les brins d'herbe. J'utilise toujours mon mélange vert avec de l'indigo. Ce n'est pas grave si vous n'obtenez pas un trait détaillé étant donné que le lavage initial est encore humide. Cette étape n'est que la deuxième, qui consiste à définir les valeurs moyennes. Je fais varier le ton de vert ici. Mes mouvements sont très rapides et répétitifs, mais ils varient en hauteur et ne sont pas raides. Je prends de l'orange cadmium, crée un mélange crémeux avec du nouveau gamboge et je tamponne le bout de mon pinceau sur le papier. C'est comme créer des impressions de plants d'orangers derrière. Ensuite, j'ajoute de la peinture vert foncé entre les deux et aussi ici devant. Je maintiens les mêmes mouvements vers le haut et vers le bas, mais en les réduisant à mesure que je me rapproche de la ligne d'horizon. J'ajoute d'autres éclaboussures orangées ici sur la route pour unir toutes les couleurs. En utilisant le même mélange d'oranges, je vais peindre des arbres en arrière-plan à l'aide du ventre de mon pinceau. J'alterne les couleurs lors de la transition vers le vert, puis je repasse à l'orange. En gros, je modifie le rapport des couleurs dans le mélange pour créer un jeu de couleurs. Vous ne peindrez pas chaque arbre un par un, mais vous créerez simplement une impression de la forme générale des arbres dans leur ensemble. J'assombris le ton ici , dans la partie de base. J'utilise la couleur vert foncé et j'utilise toujours le ventre du pinceau tout en le tenant sur le côté. Ici, j'ajoute quelques couleurs et traits dans la partie centrale qui semblent assez vides. [MUSIQUE] [MUSIQUE] J'ajoute également quelques traits de gazon plus définis, car le papier est déjà en train de sécher. À l'aide de [inaudible], je dois relier cette herbe au sol en peignant de suggestifs points de peinture horizontaux. Ensuite, puisque la peinture a déjà été absorbée par le papier, c'est le bon moment pour gratter. À l'aide de mon ongle, je trace des lignes verticales pour le tronc de l'arbre. Vous saurez que le moment est venu d' obtenir une belle rayure nette. Si vous voyez la peinture refluer vers la zone rayée, cela signifie que votre papier est encore très humide. Il faut attendre encore un peu pour qu'il soit humide. Ici, je trace un certain nombre de lignes au-dessus des arbres. Nous pouvons commencer à les peindre. Toujours à l'aide de mon pinceau rond, j'obtiens un mélange de couleur vert brunâtre et je peins les côtés de la rayure juste pour créer plus de contraste. Je ne trace pas une ligne brune droite de bout en bout. Encore une fois, des traits suggestifs sont suffisants pour créer un contraste. Je prends du gamboge et du vert olive neufs, fais en sorte que le mixeur soit épais et crémeux pour qu'il paraisse opaque. J'étale les poils de mon pinceau et je commence à le frotter sur le papier. Je fais de l'ombre plus foncée et j'ai continué peindre des arbres en utilisant ce trait. La clé ici est d' utiliser une couleur plus épaisse et plus foncée que la couleur que vous avez au milieu. Comme il s'agit de l' arbre principal sur la droite, j'utilise de l'ocre jaune et je peins le bout de l'arbre. Je le fais de la même manière que je peins nos anciens pins. Je tamponne le bout du pinceau et pose partiellement le ventre pour créer des traits plus épais. [MUSIQUE] Je peins la partie inférieure de l'arbre en verdâtre, puis j' ajouterai des points d' ocre jaune en guise de reflets. Je recouvre partiellement le coffre à gratter avec de la peinture pour qu'il ait un aspect plus naturel. Ensuite, comme la partie droite semble un peu vide par rapport aux arbres de gauche, je vais ajouter quelques feuilles dans le coin supérieur droit pour compléter la composition. Je vais terminer la peinture avec moins d'éclaboussures, de points de peinture sur la route et le sol, et puis nous aurons terminé. Notre leçon sera le dernier exercice de la classe. Je suis si heureuse de t' avoir jusqu'ici. Combinons tous les pinceaux et peignons une intrigue très intéressante dans la vidéo suivante. 14. Jour 7 Vieux arbre: Je suis tellement heureuse de t' avoir si loin. Il s'agit de notre dernière et dernière invitation à peindre et j'espère que cela a été une expérience merveilleuse et enrichissante pour vous. Pour le dernier exercice, nous allons peindre ce paysage résumant toutes les techniques et tous les pinceaux que nous avons utilisés tout au long du cours. Commençons le dessin au crayon. Je trace ici une pente en bas à droite pour la colline, puis la ligne d' horizon à partir de la gauche. Ensuite, je dessine le contour des buissons, puis le gros tronc d'arbre situé tout à droite. [MUSIQUE] Je le fais assez grand car c' est notre point central. [MUSIQUE] J'essaie d' imiter le mouvement naturel des branches en faisant des mouvements tremblants. [MUSIQUE] Je suis bon avec mon croquis et nous pouvons commencer à peindre. Je commence par le fragment de ciel. Je prends une nouvelle gamboge et une nouvelle Shelby, je charge complètement ma brosse à serpillière et je fais les lavages horizontaux en partant de la ligne d'horizon. Ensuite, je mélange du violet de pérylène à mon mélange pour obtenir un ton violacé. [MUSIQUE] Je continue à peindre le fragment de ciel, créant un jeu de couleurs entre mes jaunes et mes roses. [MUSIQUE] Le secret est de faire en sorte votre trait soit aussi bref et limité que possible afin d' obtenir une couche de peinture fraîche et agréable. Plus vous revenez sur une couche peinte et que vous la recouvrez d'une autre couleur, elle aura l'air boueuse ou trop travaillée. Je vais prendre la peinture violet cobalt et la peindre sur la partie supérieure du ciel. Notez que je ne peins pas juste à côté jaune, car cela ne ferait que créer un mélange boueux. Nous avons besoin d'eau pour bien mélanger ces deux couleurs. [MUSIQUE] Au fur et à mesure que le pinceau se rapproche du jaune, je charge mon pinceau avec plus d'eau pour diluer la peinture violette qu'il contient. J'approfondis également le ton violet ici sur la partie supérieure. [MUSIQUE] À l'aide de traits rapides mais légers, je peins des impressions de nuages et fais des traits fins et fluides. Vous pouvez peindre ces nuages violets alors que le fragment de ciel est encore humide. Si le papier est déjà sec, vous créerez des bords durs et gênants ou vous créerez des fleurs à l'aquarelle provoquées par un pinceau humide. [MUSIQUE] Je pense que je suis douée pour le ciel et que je vais arrêter avant d'en faire trop. Ici, je nettoie mon pinceau et j'essaie de retirer la peinture à l'aide de mon pinceau humide. Je change de couleur pour créer une lueur de lumière dans le ciel. Ensuite, peignons l'océan en utilisant le même mélange violet. Vous vous souvenez de la façon dont nous avons peint la jambe calme dans l'exercice 2 à l'aide d'un coup de pinceau sec ? Nous faisons essentiellement la même chose ici. [MUSIQUE] Je veux conserver les taches de papier non peint pour montrer les reflets de la lumière sur l'eau. Maintenant, peignons la colline en utilisant du nouveau gamboge et du vert olive. [MUSIQUE] Peignez la colline avec des coups de pinceau orientés suivant la pente de la colline. Remarquez que j'ai commencé par des traits diagonaux vers le bas, Remarquez que j'ai commencé par puis que je passe à des traits horizontaux pour montrer la dimension de la colline. N'oubliez pas de créer la partie la plus proche de nous en utilisant le ton le plus sombre pour obtenir de la profondeur. [MUSIQUE] Maintenant, je prends mon pinceau rond et j'obtiens du violet de cobalt et du violet de pérylène. [MUSIQUE] Je peins un peu plus sur le fragment d'eau pour approfondir le ton. Ensuite, peignons le pinceau derrière l'arbre. En utilisant les peintures restantes de ma palette, je vais essayer de créer une couleur verte atténuée. Je prends du vert olive, violet pérylène et de l'indigo. [MUSIQUE] Je fais un mélange crémeux de peinture, je frotte mon pinceau de la partie droite au milieu du papier et je peins la forme générale du buisson. [MUSIQUE] J'ajoute une touche de nouveauté à mon mix existant pour peindre les cimes des buissons sur un ton plus clair. [MUSIQUE] Ici, j' essaie de retoucher la couleur avec mon pinceau rond puisque j'ai recouvert la partie du tronc de l'arbre. Ensuite, j'éclabousse de la peinture au premier plan pour que cela ne soit pas trop clair. J'utilise mes restes de peinture verte pour cela. [MUSIQUE] Je prends du violet cobalt et je peins la partie éclairée de l'arbre. [MUSIQUE] Il s'agit de la partie gauche du tronc et des branches. [MUSIQUE] Ensuite, en utilisant un brunch , puis du violet cobalt et un peu d'indigo, je peins le tronc avec cette couleur marron foncé. Je dois rendre le mélange très épais pour qu'il ressorte de l'arrière-plan. [MUSIQUE] Comme je ne peux pas faire de petits traits parce que le papier est encore humide, j'utilise d'abord mon pistolet thermique pour sécher le papier. Je continue à peindre la partie du tronc. [MUSIQUE] Pour peindre ces branches et ces brindilles, j'utilise la pointe de mon pinceau et peins avec une pression minimale. [MUSIQUE] Si vous avez du mal à contrôler la pression sur votre pinceau, je vous recommande d'utiliser un pinceau plus petit ou un pinceau à doublure. [MUSIQUE] Je fais des mouvements ondulés et tremblants pour créer une impression naturelle. [MUSIQUE] Parfois, je tape aussi sur la peinture avec mon doigt pour estomper la couleur. [MUSIQUE] Lorsque nous peignons les brindilles, le ton doit également être très léger. Mais lorsque nous peignons le tronc et les branches, les deux peuvent avoir un ton un peu plus foncé. [MUSIQUE] Je prends le gris de Payne et je le mélange avec mon brun pour obtenir une couleur brun foncé foncé. J'ai besoin de ce ton sombre pour rendre l'arbre plus vivant. Nous devons créer un contraste élevé entre la partie éclairée de l'arbre et la partie sombre de l'arbre dans l' ombre pour qu'il apparaisse dimensionnel. Ici, je ne fais qu'améliorer la forme générale du tronc en rendant certaines pièces plus épaisses et proportionnées. [MUSIQUE] Ensuite, je prends du bleu glace et du violet cobalt et peins sur les parties éclairées du tronc pour les mettre en valeur. [MUSIQUE] Je tamponne cette peinture opaque uniquement sur certaines zones de la partie éclairée. [MUSIQUE] Attention à ne pas en faire trop pour ne pas avoir l'air gênant. Il est préférable de le placer sous forme de points sur la partie du tronc et également dans certaines brindilles et branches. [MUSIQUE] Assurez-vous de faire pause de temps en temps, une pause de temps en temps, de prendre du recul et de regarder votre travail de loin pour voir si vous y mettez déjà trop de détails et s' il vaut mieux arrêter. [MUSIQUE] Je crois que notre peinture est terminée, je vais m'arrêter ici et la laisser sécher complètement. Waouh, imaginez que vous avez terminé les sept exercices de peinture. Félicitations. La leçon a été pleine à craquer. Nous avons abordé de nombreux sujets stratégies pratiques, les pinceaux, mélange de couleurs avec la palette de couleurs limitée diverses manières de les appliquer à différents sujets de peinture. J'espère que vous continuerez à pratiquer pour réussir à assouplir votre style de peinture. Il est normal d' être parfois mécontent de votre travail , mais ne vous laissez pas empêcher de pratiquer. Votre pratique n'est jamais vaine. Je vous retrouve dans la vidéo finale pour quelques conseils qui vous permettront de continuer à grandir. [MUSIQUE]. 15. Continuez le voyage: [MUSIQUE] Tout d'abord, merci beaucoup de vous jointe à moi toute la semaine pour créer ces peintures de paysages et félicitations pour vos œuvres incroyables. J'ai hâte de voir votre peinture, alors n'oubliez pas de prendre une photo de votre travail et télécharger dans la section projets et ressources. Je vous encourage également à partager votre travail sur Instagram et à me suivre et à me taguer Biancarayala et Skillshare sur Skillshare. De cette façon, je peux aimer, commenter et partager votre travail sur mes stories Instagram. 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