Aquarelle intrépide : simplifier les scènes de rue complexes en toute assurance

1. Bienvenue au cours !: Bonjour à tous et bienvenue au cours d' aujourd'hui sur la peinture d'une scène de rue pluvieuse. Et je suis très enthousiasmée par cours d' aujourd'hui, car nous allons apprendre à décomposer les principes fondamentaux de aquarelle et à déterminer comment nous pouvons prendre une scène complexe et la décomposer en une image très captivante Quand on regarde cette peinture, on dirait qu'elle est pleine de petits détails. Mais en fait, lorsque vous zoomez, vous voyez simplement qu' il s'agit de formes abstraites. Et les principes que nous utiliserons démontrent et nous montrent comment nous pouvons décomposer la complexité et utiliser la spontanéité du médium pour créer des médium pour créer des vraiment enchanteurs et captivants L'une des choses les plus importantes à propos de l'aquarelle est de lâcher prise laisser l' aquarelle parler d' elle-même et de laisser cette magie briller Et si nous nous concentrons trop sur le contrôle de la technique et le forçage de l'image, nous perdons cette magie. C'est donc un cours parfait pour nous permettre de nous détendre et de faire confiance au processus Peu importe le résultat final. Tout ce qui compte, c'est de vous permettre de voir comment le pigment se déplace et de ne pas avoir peur de savoir où il pourrait vous mener. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, de la vie sauvage aux portraits , en passant par les paysages urbains et paysages urbains J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle Mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer. Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais ou quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés par des organisations réputées, telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être bouleversante pour ceux qui débutent, c'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à apprécier ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous, j'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aime commencer par une approche expressive libre, sans crainte de faire des erreurs, lorsque nous créons des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture avance, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion ci-dessous. Je ne manquerai pas de lire et de répondre à chaque opinion que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton Suivre en haut Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Donc, si vous voulez faire passer votre aquarelle au niveau supérieur, ce cours est fait pour vous, car je vais vous montrer comment vous pouvez être libre et expressif tout en obtenant un résultat très captivant 2. Votre projet: Merci beaucoup d'avoir choisi ce cours. Je l'apprécie vraiment, comme toujours. Je pense vraiment que vous allez trouver ce cours très utile parce que nous allons pratiquer techniques qui peuvent sembler effrayantes, et vous devez vraiment vous plonger dans ce processus pour le faire fonctionner. Et c'est en lâchant prise et en laissant l'aquarelle parler d' elle-même que la magie opère réellement. Maintenant, ne vous inquiétez pas si votre résolution ne ressemble pas tout à fait à la mienne. Je ne pourrais plus jamais peindre le même tableau parce que je laisse l'aquarelle faire une grande partie du travail à ma place Nous suivons donc la peinture en utilisant les principes du contraste, des couleurs chaudes et des couleurs sombres et du contraste des tons ou du clair et du foncé et de la texture. Ainsi, lorsque nous réfléchissons à ce qui manque ou à la manière de construire une composition, cela nous montre la voie. Nous n'avons pas besoin de penser aux détails, pour ainsi dire. Parce que si vous zoomez sur la peinture, vous pouvez voir qu'elle est en fait assez abstraite à part quelques éléments qui l'ancrent ensemble, ce sont toutes des suggestions de détails plutôt que des détails eux-mêmes. Faites donc confiance au processus, et j'espère qu'à la fin, votre peinture sera liée et que ce sera une pièce unique qui aura du sentiment, ce qui est le plus important. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter votre propre composition. Comme nous allons nous concentrer sur l'aspect peinture de l'aquarelle, j'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de peindre Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner du feedback à mes étudiants. Veuillez donc prendre une photo par la suite et la partager dans la galerie de projets des étudiants sous l'onglet Projet et ressource. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de classe N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. 3. Matériaux et fournitures (compressé): Passons donc en revue tout le matériel et fournitures que je vais utiliser dans la leçon d'aujourd'hui. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais donc passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. Ils sont très utiles à avoir à votre disposition et vous faciliteront le suivi. Commençons par les peintures elles-mêmes. Et comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune cha, sienne brûlée, rouge cadmium, sarin cramoisi, bleu outremer, bleu cobalt , bleu cerliu, lavande, violet, noir Vidu. À la fin du tableau, j'utilise souvent du guash blanc pour les petits reflets j' Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque. Bien que j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor Newton ou Holbein Passons donc aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique comme ce pinceau ascoda pla ou ce pinceau Van Gogh Ils sont très polyvalents, car leur pointe fine permet non seulement de les utiliser pour des travaux détaillés. Mais comme ils peuvent contenir beaucoup d'eau, ils sont également bons pour le lavage Ils sont également assez abordables, j' en ai donc pas mal de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également un joli embout qui peut être utilisé pour les petits détails. Mais pour les plus petits détails, les reflets ou tout ce qui demande plus de précision, j'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes Et c'est tout pour les pinceaux, sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile à peindre. Le papier bon marché se froisse facilement et est très impitoyable, vous empêchant Il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles telles que le frottement des pigments. Cependant, le papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, vous permet non seulement de retravailler les erreurs plusieurs fois, mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d'erreur sont beaucoup plus faibles et vous aurez plus de chances de créer de meilleures peintures J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou t-shirt, que j'ai utilisé pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand des éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Et enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, nous vous permettrons de créer une bordure nette et nette. Et c'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Je vous suggère d' expérimenter et d' explorer différents types de matériaux pour voir ce qui vous convient. Mais continuons et commençons à peindre. 4. Comment dessiner le dessin: Dans ce cours, j'ai inclus deux modèles de traçage, l'un avec des formulaires simples et l'autre avec tous les détails de la scène tels que les bâtiments, les fenêtres, les voitures et les lumières. Si vous le dessinez vous-même, la première chose à faire est de tracer une ligne d'horizon , puis de placer un point là où mènent toutes les lignes de perspective, connu sous le nom de point de fuite Je vais simplement faire pivoter le dessin sur papier en lignes très droites, ce qui nous guidera tout au long de la peinture, et pas seulement du dessin, pour obtenir la profondeur que nous voulons créer. Ce sera un moyen très utile de nous guider lorsqu'il s'agira de donner des coups de pinceau ou de terminer le dessin. Et je commence toujours par de grandes formes, alors je trace un cercle pour l'une des voitures. Au cours de ce cours aujourd'hui, alors je trace un cercle pour l'une des voitures. Au cours de ce cours aujourd'hui, pendant le processus de peinture, je vais expliquer un peu plus la composition. pendant le processus de peinture, je vais expliquer un peu plus la composition. Pour le moment, nous ne faisons que dessiner, et vous pouvez voir que je ne donne aucun détail au départ Je bloque simplement les formes parce que la simplification est au cœur d'une bonne composition. Nous ne voulons pas nous embrouiller avec les détails. Nous voulons d'abord que l'image principale, le message principal et les formes principales soient précis. Si nous pouvons créer une image puissante avec juste quelques formes fortes, nous pouvons ajouter des détails par la suite, juste en prime. Mais ce ne sont pas les détails qui font une peinture, ce sont les formes plus grandes et leurs interactions. J'ai tracé des lignes pour le bâtiment, contours, des blocs très simples, et maintenant je trace simplement ces cercles, en essayant de me faire une idée spatiale de l'endroit où je veux placer les voitures. Il y a quatre voitures. L'une d'entre elles est si petite au loin qu'elle est à peine concevable en tant que voiture. Vous pouvez voir, j'essaie de rendre mes verticales très fortes. Trouver l'équilibre entre des verticales et des horizontales fortes est également une astuce de composition agréable Lorsqu'il s'agira de dessiner ces voitures, nous utiliserons ce point de fuite et ces lignes diagonales pour trouver la bonne perspective Maintenant, avec le bout de mon crayon, juste pour définir les bâtiments, j'aurai un peu plus de détails maintenant que nous les avons bloqués. Et nous pouvons prendre autant de temps que nous le voulons pour la peinture soit aussi détaillée que nous le souhaitons, car c'est l'épine dorsale. C'est vraiment ce qui nous rend plus à l'aise avec le dessin, plus il est clair, plus notre peinture a de chances d'être un succès, car nous en connaîtrons le plan, l'idée. Vous pouvez donc prendre votre temps pour voir comment je dessine ces voitures et vous pouvez le mettre en pause et le ralentir juste pour voir sur quelles lignes je le fais. D'habitude, je fais d' abord la vitre en haut, puis les phares de la voiture , puis le capot des roues en bas, donc je travaille de haut en bas. Si vous y réfléchissez, ce sont des formes très simples à la fois. Ils sont assez simples à dessiner. Si vous ne l'avez jamais dessiné auparavant, cela peut être un peu une période d'apprentissage, mais c'est toujours la même chose lorsque vous dessinez des voitures. Nous n'avons pas besoin d'être aussi précis sur les différents détails. C'est vrai, ces voitures sont les seules choses de la peinture qui contiennent beaucoup de détails. Nous allons peut-être faire quelques marques de pinceau sec sur les fenêtres, mais c'est très généralisé. L'étape du dessin, bien sûr, n'est qu'une ligne. Nous ne pouvons pas montrer où se situeront les différents tons. Nous devons laisser cela à notre imagination. Mais vous pouvez voir qu'il y a beaucoup d'espace vide de chaque côté de la route. mettrai des directives pour les fenêtres, je reparlerai plus tard. Mais à part ça, c'est juste de l'espace vide. J' essaie toujours d'être consciente de l' endroit où se trouve ce point de fuite, et je ne vais pas l'effacer parce que je veux aussi voir où il se trouve lorsque je peins La peinture finira par le recouvrir, nous n'avons donc pas besoin de l'essuyer. Maintenant, il va me falloir un peu plus de temps pour peaufiner le dessin, donc je reviendrai une fois qu'il sera terminé. 5. Appliquer le liquide de masquage: La première étape de la procédure de peinture, avant même d'obtenir la peinture sur le papier, consiste à appliquer un peu de liquide de masquage Et vous pouvez voir que je n'applique pas le liquide de masquage directement sur le papier J'ai une petite vieille palette ici, et j'utilise un petit bâton juste pour l'appliquer sur des zones spécifiques Et même si cela peut sembler un peu compliqué, le résultat final sera très percutant, car nous allons utiliser tons et tirer parti des forts contrastes pour le rendre Préserver ce blanc du papier paraîtra donc si audacieux à la fin, et la scène que nous peignons aujourd'hui est vraiment une scène pluvieuse au coucher du soleil. Il n'y aura pas de lumière. Une grande partie de la lumière sera constituée de lumières artificielles lampadaires et d' autres choses de ce genre. C'est donc ce que ces petites marques de liquide masquant vont transmettre au bout, ou dans la rue, sur les panneaux de signalisation, sur les devantures des magasins C'est un bon exemple de ce que je veux dire dans cette leçon. Ce point va être répété, c'est que je ne vais pas être aussi précis dans les détails. Il ne s'agit que de suggestions de détails, et nous laissons le soin à l'imagination du spectateur de combler les lacunes, qu'il soit conscient ou non de ne pas avoir besoin d'être aussi direct avec nos détails. Vous pouvez donc expérimenter comme vous le souhaitez lors de l'application de ce liquide de masquage Je dirais de ne pas laisser trop de grandes marques. Même ces petits points que je mets là seront très évidents en raison du contraste élevé entre les tons blancs et foncés. Donc, si vous mettez vos marques ou si vous conservez trop grande partie du blanc du papier, cela sera accablant détournera l'attention du point de vue vocal Même lorsque je l'applique, vous pouvez voir que je fais pivoter ce bâton, à ce point, de telle sorte que les marques indiquant que je préserve ces points soient orientées vers ce point de fuite Je fais pivoter le bâton pour qu' il vous attire vers le centre. Je n'essaie pas de le rendre trop évident. Ils ne sont pas tous alignés les uns par rapport aux autres, mais vous pouvez sentir qu'au fur et à mesure qu'ils se rapprochent de ce point de fuite, ils se rapprochent et deviennent plus denses, et qu'au fur et à mesure qu'ils sont étalés sur les bords du papier, ils sont un peu plus espacés 6. Peindre le ciel: Maintenant, je me suis assuré d' utiliser un sèche-cheveux pour sécher complètement le liquide de masquage Je veux que vous regardiez l'image finale pour voir où se trouvent ces zones blanches préservées. Je ne m'attends pas à ce que vous suiviez la peinture sans d'abord l'avoir regardée d'un bout à l'autre , juste pour voir comment elle fonctionne, car une grande partie de l' aquarelle prépare les choses vers la fin. Vous faites peut-être des choses sans contexte, il est toujours utile d'examiner le processus complet avant de le tenter vous-même. Je commence par un ciel composé de jaune cadmium et d'un peu de bleu, et je le fais si légèrement que cela ne va pas vraiment se mélanger au vert comme le font habituellement le jaune et le bleu Je veux avoir un fort contraste dans la peinture, donc je ne veux pas que le ciel soit si sombre. Je veux qu'il existe, mais qu'il soit très subtil. J'utilise un gros pinceau pour cela car si vous utilisez un petit pinceau, le ciel ne sera pas lisse et dégradé. Je vais être trop distrayant. S'il se passe trop de choses dans le ciel, il faut juste que ce soit subtil. Ma peinture est légèrement inclinée. Ainsi, l'eau tombe progressivement, et nous utilisons cette gravité pour contrôler l'orientation du refroidisseur d'eau. Parce que si le papier est plat sur la surface, vous ne saurez pas où l'eau se déversera s' il y a trop d'eau ni où vous devez créer vos lavis. Mais si vous avez une légère inclinaison, vous savez toujours qu'elle va bas et qu' il y aura une unité vers le bas et qu' il y aura une unité dans la peinture, car tous les pigments auront cette sensation, cette essence verticale J'ai donc légèrement lavé le ciel, mais il est un peu trop pâle en bas. Je veux que ce soit un peu plus vif en bas lorsqu' il est encore humide. J'y ajoute un peu plus de jaune pour lui donner cet éclat. Cette première étape de la peinture est en fait la plus simple car nous peignons les choses les moins évidentes. Nous peignons la sous-couche. Nous pouvons donc être un peu plus expressifs. Nous n'avons pas du tout besoin de réfléchir aux détails à ce stade. Et je veux appliquer, je veux augmenter cette couche sur les bâtiments, pour leur donner un peu de chaleur, comme si de la lumière artificielle brillait Et encore une fois, regardez l'image finale pour voir de quoi je parle avec le jaune sur le côté gauche du bâtiment. Parce que lorsque nous commençons une peinture comme celle-ci, il est facile de se laisser emporter par la réflexion Nous devons être précis et exacts à chaque coup de pinceau. Mais la vraie beauté de cette pièce et l'eau en général réside dans sa spontanéité, son énergie Et l'idée principale de ce cours n'est pas de s' enliser dans la perfection technique, mais de profiter de la fluidité de l'aquarelle. La façon dont nous manipulons le pinceau, le débit de l'eau et l'imprévisibilité des pigments insufflent de la vie à l' Il s'agit de capturer un moment ou une sensation plutôt que de reproduire le moindre détail Parce que si vous essayez de le reproduire le plus fidèlement possible sans laisser l'aquarelle agir d'elle-même, alors une grande partie de la magie est perdue Par exemple, lorsque vous peignez cette lueur jaune du bâtiment sur la gauche, peut que l'eau ne se répande pas exactement aux mêmes endroits que moi simplement à cause de la spontanéité du médium 7. Le premier lavage: Je vais donc apporter ce jaune sur la route, au-delà des voitures. Et je le fais parce que j' essaie d' imiter le reflet d'une route mouillée Ces bâtiments vont donc avoir une lumière jaune. Le ciel sera légèrement jaune, et cela donnera juste cette sensation de lumière. Nous utilisons actuellement une technique humide sur mouillé. Il n'y a donc pas beaucoup de points durs pour le moment. Alors que nous travaillons sur ce tableau, n'oubliez pas que notre objectif est de transmettre le dynamisme et le mouvement de la scène Et nos traits n' ont pas besoin d'être précis. En fait, plus ils sont souples, plus nous invitons l'imagination du spectateur à combler les lacunes la qualité expressive de est la qualité expressive de ce médium qui le rend si puissant. Nous ne peignons pas une photographie, bien sûr, nous créons une interprétation évocatrice dynamique qui laisse place à l' Bien sûr, je sais que cette scène semble bouleversante au premier abord. Il se passe beaucoup de choses. Nous avons des voitures, des bâtiments, des lampadaires, des reflets, etc. Mais je tiens à vous assurer que ce n'est pas aussi complexe qu'il n'y paraît. Et même pour moi, je complique parfois les choses plus que nécessaire. Souvent, lorsque je termine la peinture, je pense que j' aurais pu le faire beaucoup plus rapidement si j'avais simplement laissé l'aquarelle faire sa magie, sans interférer plupart du temps, lorsque j' interviens, je complique les choses plus que nécessaire. Cela n'ajoute rien à la peinture, cela l'enlève. Il existe une incarnation naturelle qui pousse à vouloir en faire trop pour contrôler le médium Et bien sûr, la technique en fait partie. faut connaître la technique, mais ce n'est pas la technique qui fait la peinture au final. Lorsque nous le décomposons, il ne s'agit en fait que de couches de couleurs, de formes et de lumière. Et nous n'essayons pas de rendre chaque vitre de voiture, chaque brique du bâtiment, chaque lampadaire, chaque texte de la route. Nous nous concentrons sur l'ambiance et l'atmosphère générales. Et nous y parvenons en simplifiant les formulaires. Quelques traits bien placés peuvent suggérer quelque chose sans le définir complètement. Et c'est le plus difficile, au contraire, de trouver ces traits bien placés. Et cela passe par l' exploration et l'intrépidité, ce qui est exactement le but de ce cours Une fois que nous avons compris cela, l'ensemble du processus de peinture devient beaucoup plus accessible Essayez donc de ne pas vous sentir intimidé, car en travaillant de manière souple, nous nous libérons de la pression de la perfection Et vous pouvez voir sur ce tableau que 75 % du temps, c'est un gâchis. Et ce ne sont que les derniers détails à la fin qui permettent de maintenir le tout. Chaque peinture commence par être désordonnée. Ce n'est qu'une partie du voyage. C'est dans ces débuts abstraits et grossiers que nous commençons à intégrer l'énergie nécessaire à la pièce finale. Pour le moment, je travaille toujours sur la lueur des bâtiments, mais je m'assure de ne pas repeindre les voitures. Je l'amène juste sur le toit des voitures, et sauf au milieu de la route, cette orange ne dépasse pas la ligne d'horizon. Vous pouvez voir le point de fuite. C'est à peine inférieur à ça pour le moment. Encore une fois, vous pouvez regarder l'image finale pour voir où je prends cette orange. Une autre chose est de ne pas se laisser décourager par de mauvais résultats, car au début, lorsque vous êtes étudiant, ils vont être moches. Mais ce vilain petit canard finira par se transformer en un cygne glorieux Si vous gardez cette habitude de respecter le médium de l'aquarelle et lui permettre de faire son travail sans le forcer, il grandira et vous mûrirez en tant qu'artiste 8. Suggestion plutôt que sur l'exactitude: Maintenant, je vais étendre ce nettoyant sur le côté droit, utilisant un peu de rouge vif pour cela, et je vais être assez expressive avec mon pinceau à serpillère, peut-être même faire quelques marques de pinceau sèches, peut-être même faire quelques marques de pinceau sèches, et vous pouvez le voir en utilisant des lignes verticales et des lignes pointant vers le point de fuite Juste pour avoir cette lueur. Cette lueur rouge se trouve en bas, là où se trouveront les lampadaires , ou sur les panneaux de signalisation, ou sur les devantures des magasins, où cette lumière artificielle sortira par les fenêtres et les panneaux et illuminera le bas des bâtiments plutôt que le Je vais juste nettoyer mon pinceau et un peu d'eau en bas à gauche de la route pour ajouter un peu plus de texture et une sensation de gouttes humides Je pense que ce qui rend l'aquarelle si spéciale, c'est qu'elle invite à la suggestion plutôt qu'à l'exactitude Si nous zoomons sur n'importe quelle partie de cette peinture, si vous regardez la référence, vous remarquerez que ce qui semble être un détail vu de loin n'est en fait que quelques éclaboussures ou marques gestuelles abstraites, et c'est la magie Nous suggérons des détails sans vraiment peindre minutieusement Lorsque nous impliquons plutôt que de définir, nous autorisons cette interaction avec le spectateur et son imagination. Cela rend une peinture plus interactive et engageante. Nous guidons le regard, mais nous laissons de la place à l'interprétation. Et le spectateur peut regarder la scène et ressentir immédiatement l' énergie animée de la rue, le de la lumière sur le trottoir mouillé sans avoir à voir chaque voiture ou chaque personne En fait, je ne pense pas qu'il y une seule personne dans la scène, juste une suggestion, peut-être dans l'ombre. C'est l'ambiance, c'est l' atmosphère de l'au-delà. Et l'approche suggérer plutôt qu'à rendre est l'un des principaux éléments à prendre réellement lorsqu'il s'agit de l' aquarelle en particulier Je me rapporte également à d'autres médiums, mais cela contribue à créer une peinture vivante. Je commence à peindre l'un des bâtiments situés au loin et je garde le ton clair pour ajouter à l'atmosphère. Le réalisme est, bien sûr, très impressionnant, le talent et la technique sur lesquels ils ont travaillé pendant des années. Mais cela ne permet pas au spectateur de combler les lacunes. Cela rend une peinture plus personnelle mais plus évocatrice, et c'est là que le véritable pouvoir de l'aquarelle réside dans sa capacité à faire allusion à quelque chose et à le laisser se dérouler dans l'esprit du spectateur 9. Chaos et maîtrise: Maintenant, je l'ai complètement séché avec le sèche-cheveux, et je vais commencer à peindre le linge principal des bâtiments. Je vais mélanger un ton assez foncé, mais en le gardant assez aqueux, ce ne sera pas un pigment épais Je vais le garder assez neutre, assez brun et discret. En utilisant le bout de mon pinceau, mon pinceau Ascoda Perla Une autre chose à ajouter est que même si nous travaillons avec spontanéité, nous avons toujours besoin d'une composition sous-jacente forte, d'une idée en tête qui nous guide tout au long du tableau Cela aidera également à guider le regard du spectateur à travers le tableau. C'est là que l'équilibre entre chaos et contrôle entre en jeu. Nous utilisons la composition et contraste pour mettre de l' ordre dans la fluidité Pensez à l'endroit où vous placez les valeurs les plus sombres ou les reflets les plus clairs, et ces points de contraste créent non seulement de la profondeur, mais attirent également l'attention sur et ces points de contraste créent non seulement de la profondeur, mais attirent également l'attention sur les zones focales du tableau, qui seraient essentiellement la ligne d'horizon ou le point de fuite où tout se réunit Il donne sa structure et raison d'être malgré le caractère abstrait de l'œuvre en général. Cette structure ou composition d' une peinture peut être résumée à quelques principes simples, et certains principes interagissent les uns avec les autres, donc c'est assez dynamique. Mais en général, tout le monde peut suivre ces principes, quel que soit votre niveau de compétence. Nous ne nous appuyons pas sur des techniques avancées. Au lieu de cela, nous nous concentrons sur les principes de composition et les éléments du design, qui sont les éléments de base de toute peinture forte. Et tous les maîtres et artistes professionnels utilisent ces principes de composition et éléments de design pour faire ressortir leurs œuvres d'art et que leurs œuvres soient si spéciales. Pour le dire très simplement, lorsque nous parlons de composition, nous parlons de la façon dont nous organisons les éléments de notre peinture pour créer un équilibre, un mouvement et une concentration. Par exemple, nous utilisons le contraste pour attirer l'attention du spectateur sur les domaines les plus importants. Nous pensons à l'équilibre, pas nécessairement à la symétrie, mais à un équilibre visuel qui donne la pièce une sensation de cohésion et d'harmonie Nous guidons l'œil à travers le tableau mouvement à l'aide de lignes, formes ou même de transitions de couleurs. Dans le même temps, les éléments du design, tels que la ligne, la forme, la couleur, la texture et l'espace, nous aident à donner vie à la composition. La ligne peut créer une direction et un rythme, tandis que le contraste entre la lumière et l' obscurité donne de la profondeur et de l'ambiance. Toutes ces choses se réunissent pour former une peinture intentionnelle et expressive. 10. Contre-jour: Donc je vais juste ajouter un peu de cette orange ici parce qu'il fait un peu trop sombre. Je suis au centre. Je veux juste ramener ce jaune. Je vais donc le mouiller à nouveau avec mon pinceau pour lui redonner son jaune Nous avons donc posé la couche inférieure, et nous commençons à travailler dessus avec des tons plus foncés maintenant. Comme je le disais tout à l'heure, contraste est l'un des éléments et principes les plus puissants du design et de la composition. Et l'un des systèmes d'éclairage les plus populaires que vous pouvez utiliser pour une peinture est ce qu'on appelle le contrade Et cette scène en est un bon exemple. C'est un terme français qui se traduit par « contre la lumière du jour ». Et cette technique consiste à placer une source de lumière derrière les sujets, en l'occurrence les bâtiments, pour créer un contraste saisissant entre ombre et lumière. C'est une méthode puissante qui peut évoquer l'émotion et le drame dans nos peintures, ce qui la rend particulièrement pertinente pour cette pièce Vous pouvez voir à quel point il joue un rôle vital car il façonne l'atmosphère générale. Cela facilite également la peinture, car en positionnant la source de lumière derrière les bâtiments et les éléments de rue, nous créons des silhouettes qui se détachent sur le fond illuminé Cette approche améliore non seulement l'intérêt visuel, mais contribue également au sentiment de profondeur et de dimensionnalité de la peinture Lorsque nous observons les lampadaires incandescents et les teintes chaudes qui se reflètent sur le trottoir mouillé, il devient évident que la contradiction nous permet d' explorer le jeu de l'ombre et de la Les zones claires attirent notre attention tandis que les zones sombres créent un contraste de tension, donnant à la scène une sensation de vie et de dynamique. Ce contraste ajoute à l'impact émotionnel de la peinture. Vous pouvez voir beaucoup de ces exemples de contradu dans des œuvres d' art très célèbres ou même dans des photographies William Turner ou Mone utilisent magistralement cette technique dans leur travail Vous pouvez voir Turner avec ses paysages atmosphériques, des scènes souvent peintes où la lumière du soleil se répand sur la toile, créant des silhouettes spectaculaires sur un ciel radieux Et dans les peintures de Monet, nous pouvons voir comment il utilisait la contrade pour renforcer le dynamisme de la nature, laissant la lumière du soleil filtrer à travers les arbres ou illuminer les champs de nombreuses couleurs éclatantes Ainsi, lorsque vous travaillez sur vos propres peintures, essayez de ne pas hésiter à expérimenter le contrade Jouez avec le positionnement de votre source lumineuse et observez comment elle transforme votre sujet. Remarquez comment les ombres peuvent réellement définir des formes et créer un sentiment de mystère qui invite le spectateur à regarder de plus près et à s'engager. Contradur est donc bien plus qu'une simple technique. C'est une façon d'exprimer la relation entre l' énergie lumineuse et noire et la tranquillité. Cela nous permet d'explorer la profondeur émotionnelle de nos sujets et de transmettre une histoire à travers nos coups de pinceau. Alors que nous poursuivons cette peinture, gardons à l'esprit le pouvoir de l'ombre et de la lumière, et gardons à l'esprit comment le contredur peut nous guider pour créer des images plus excitantes et plus attrayantes J'ai donc commencé les formes principales sur la gauche, et j'utilise simplement le bout de mon pinceau pour faire descendre le linge jusqu'aux bords de ces voitures. Essayez de ne pas repeindre les voitures pour l'instant. Maintenant, j'utilise un pigment foncé juste pour créer ce contraste entre la voiture et le bas de la route. Et vous pouvez voir à quel point le liquide de masquage préserve encore ce papier, et nous avons besoin de ce contraste pour que le blanc du papier apparaisse 11. Les principes de la composition: Parlons maintenant un peu plus principes et des éléments de composition car ce sont ces éléments qui peuvent vous aider à développer vos propres compositions et vos propres peintures. En apprenant à connaître ces principes, vous comprendrez mieux ce que j'essaie de réaliser et ce que d'autres artistes essaient de réaliser. Vous pouvez remarquer ces éléments dans d'autres œuvres d'art qui pourraient vous plaire, et vous pouvez les intégrer dans les vôtres. Au fur et à mesure que je les passe en revue, vous verrez qu' il y a en fait beaucoup de points croisés parce que tout est très dynamique et qu'ils sont liés les uns aux autres même s'ils ne sont pas techniquement identiques Le premier point dont nous allons parler est celui de l' équilibre ou de la symétrie et de l'asymétrie L'équilibre de la composition consiste à créer un sentiment de stabilité et d'harmonie dans une peinture. C'est l'un des principes clés que nous pouvons utiliser pour guider le regard du spectateur et créer un sentiment de cohésion dans notre travail À l'aquarelle, l'équilibre ne signifie pas que tout doit être symétrique ou avoir le même poids des deux côtés Il s'agit de la manière dont nous distribuons éléments visuels, que les couleurs, les formes ou les valeurs parviennent à un équilibre global. La symétrie consiste à créer un équilibre en reflétant des éléments situés de part et d' autre de la composition Pensez à un reflet dans l'eau ou à un bâtiment parfaitement centré dans un paysage. La symétrie évoque souvent un sentiment de calme ou d' ordre et de stabilité Par exemple, dans une scène de rue, plaçant un objet de grande taille tel qu'un bâtiment, au milieu de la composition avec les mêmes éléments visuels des deux côtés, cela peut créer une sensation d'équilibre et d'harmonie. Les compositions symétriques peuvent être formées ou structurées, ce qui leur confère une qualité classique intemporelle. Cependant, nous devons faire attention à la symétrie, car si tout est trop parfaitement équilibré, cela peut parfois sembler un peu artificiel, un peu statique ou prévisible Il est excellent pour certains effets, mais une utilisation excessive peut rendre l'impression de la composition moins dynamique. Un autre exemple pourrait être celui d'un paysage. Si vous avez des arbres symétriques des deux côtés, alors que l'équilibre est maintenu, l'arnaque peut sembler un peu trop structurée et elle manque de mouvement ou d'énergie. C'est là qu'intervient l'asymétrie. L'asymétrie apporte une sensation d'énergie, mouvement et d'intérêt à une peinture Il s'agit de créer un équilibre en utilisant différents éléments de chaque côté de la composition. Mais ce ne sont pas des images en miroir. Au lieu de cela, nous pouvons placer une forme plus grande d' un côté et l' équilibrer , nous avons un groupe d' éléments plus petits de l'autre. C'est toujours équilibré, mais d'une manière plus spontanée et dynamique. Avec cette scène de rue, par exemple, vous pouvez voir qu'elle n'est pas symétrique des deux côtés, mais qu'elle est plutôt bien équilibrée. Sur le côté gauche, nous avons de grands bâtiments, et sur le côté droit, nous avons également des bâtiments, mais ils ne sont pas symétriques, mais ils ont le même poids. De même pour les voitures, même si nous ne les avons pas encore peintes, nous pouvons voir qu'il y a deux voitures d'un côté et deux voitures de l'autre. Mais vous avez une voiture plus petite avec une voiture plus grande, et c'est uniforme, si vous pouvez les imaginer sur une échelle Cela s'équilibre parce que la plus grosse voiture est plus éloignée du centre et que les deux plus grandes, autres voitures ne sont pas si éloignées, elles sont plus proches du centre. Mais il existe également d'autres moyens de répartir le poids visuel. Nous pouvons utiliser les lampadaires. Nous pouvons éventuellement utiliser des chiffres. La peinture reste donc équilibrée, mais elle semble plus vivante et moins prévisible qu'une symétrie stricte. 12. Équilibre: Maintenant, j'ai envie d'un peu plus d'audace Je vais donc utiliser un pigment très épais et je continue avec ce mélange violet que j'ai intégré à ma palette Et je veux qu'il soit épais parce qu'il s' intégrera lorsque nous ajouterons de l'eau plus tard, et cela créera des effets spontanés. Encore une fois, nous laissons l'aquarelle faire sa magie. Je n'ai donc pas peur de vraiment empiler le pigment épais ici. Les effets de pinceau sont très secs en ce moment. Je fais également des plans pour l'avenir. Vous pouvez donc voir sur l'image finale, encore une fois, que nous avons du violet ici. Nous avons de l'orange, et je vais également y ajouter du vert turquoise. Et ce sont des couleurs tertiaires. Si vous optez pour le primaire, si vous examinez la roue chromatique les couleurs primaires puis sur les couleurs primaires puis que vous la faites pivoter, vous verrez qu'elles s'alignent comme le font les couleurs primaires, le violet, le vert turquoise et l'orange Ils fonctionnent ensemble d'une belle manière, un peu comme des couleurs complémentaires, mais de trois manières au lieu de deux. Je sais donc que nous couvrons une grande partie de ce rouge, mais ce rouge est un très bon pigment parce qu' il tache le papier Plus tard, nous utiliserons un couteau à palette, un couteau ordinaire ou une règle pour rayer une partie du pigment et exposer une partie de cette couleur éclatante en dessous. Mais vous verrez quand nous y reviendrons plus tard. J'explique juste quelles sont mes intentions pour le futur. L'aquarelle est particulièrement adaptée à l' asymétrie en raison de son caractère spontané Nous pouvons laisser un lavis s'écouler de manière inégale sur le papier ou laisser une zone rester claire et aérée tandis que l' autre est remplie de tons et de textures plus vifs et plus foncés Les compositions asymétriques semblent souvent plus organiques, comme dans le monde naturel lui-même, où les choses sont rarement parfaitement équilibrées dans une image reflétée, tout en maintenant un sentiment d'harmonie Il est également important de tenir du poids visuel lorsque l'on considère l'équilibre, car lumière visuelle fait référence à l'attention que les différents éléments la composition attirent. Ainsi, un gros objet sombre attirera naturellement davantage le regard qu' un petit objet clair. Nous pouvons donc jouer avec ces relations pour trouver un équilibre. Une voiture petite mais aux couleurs vives peut contrebalancer un bâtiment aux tons neutres beaucoup plus grand car la couleur attire l'attention De même, un arbre sombre et très détaillé pourrait être contrebalancé par un ciel ouvert clair l'autre côté du tableau. Ce n'est pas toujours une question de taille. Parfois, il s'agit de couleur, de texture ou même de l'intensité ou du calme d'une zone de la peinture. L'un des aspects intéressants de l' asymétrie est la façon dont elle crée une sensation de mouvement Nous ne voulons pas avoir un équilibre parfait, évidemment, parce que l'œil se déplace naturellement autour du tableau, explorant différents éléments. Ce mouvement maintient l'attention du spectateur, encourage à s'attarder et à découvrir de nouveaux détails Cela nous donne également l'occasion de jouer avec la direction, exemple en orientant le regard vers un point focal ou en le guidant le long d'un chemin dans la rue, le long de la rivière ou des routes, le trottoir, n'importe où La meilleure façon de vous familiariser avec l'équilibre, qu'il soit symétrique ou asymétrique, est donc qu'il soit symétrique ou d'expérimenter, jouer avec différentes compositions dans vos croquis miniatures Essayez de placer un point focal au point mort pour une composition symétrique , un peu comme celle-ci, en fait. Ensuite, mettez-la de côté pour l'asymétrie, et remarquez à quel point l'énergie de la peinture change en faisant de telles choses 13. Utiliser le conta: Et n'oubliez pas que l'équilibre ne signifie pas que tout est égal. Cela signifie que tout va bien ensemble. Que vous utilisiez la symétrie pour le calme et ordre ou l'asymétrie pour l'énergie et le mouvement Nous voulons que nos compositions aient l' impression de fonctionner en harmonie, même lorsque nous adoptons la belle imprévisibilité de l' Je sais qu'il y a beaucoup de choses qui se passent dans la peinture que je peins, et je n' explique pas nécessairement chaque étape du processus, quelles couleurs spécifiques j'utilise, etc. Mais si vous avez vu mes autres cours, vous pouvez y voir ma palette , vous pouvez savoir quelles couleurs j'ai, vous pouvez me voir les mélanger et vous pouvez revenir en arrière dans n'importe quelle section En fait, je pense que c'est plus important et que vous verrez vos peintures s' épanouir davantage lorsque vous entendrez ces principes. Et des concepts sur l'art en général. Sur cette note, passons au principe suivant, qui est, bien sûr, le contraste, et c'est l'un des outils les plus puissants dont nous disposons pour créer un intérêt visuel, profondeur et de la concentration dans nos aquarelles Il s' agit essentiellement de contraires. La lumière contre le foncé, le doux contre le dur , le lisse contre le rugueux, le chaud contre le froid, etc., et comment ces oppositions peuvent fonctionner ensemble pour guider le regard du spectateur, créer une impression dramatique et mettre certaines zones de notre peinture Habituellement, la première chose à laquelle nous pensons en matière de contraste est la lumière et l'obscurité. C'est ce que l'on appelle le contraste des valeurs. En plaçant les valeurs claires à côté des valeurs sombres, nous créons une différence visuelle frappante qui attire l'attention. La lumière contre le noir est la façon dont nous faisons ressortir certaines zones d' un tableau. Par exemple, dans ce tableau, au point de fuite où toutes ces lumières se rejoignent, où le liquide de masquage est très dense Nous avons une zone concentrée de zones contrastées qui attire vraiment l'attention sur cette zone. Et vous pouvez constater qu'au fur et à mesure que nous nous étendons, ce contraste se dissipe presque parce qu'il n'est pas trop dense ou rapproché Imaginons que nous voulions ajouter des personnages à cette scène. Vous savez, nous peignons une scène de rue au coucher du soleil. Si nous voulions que le spectateur se concentre sur une figure ou un bâtiment en particulier, nous pourrions le placer sur un fond contrastant. Imaginez un personnage vêtu d'une chemise blanche debout devant l'un de ces bâtiments sombres, aux murs ombragés, par exemple, la chemise lumineuse attirera immédiatement l' attention du spectateur en raison du fort contraste entre les valeurs de lumière et d'obscurité Et d'un autre côté, si le même personnage portait une veste foncée et se tenait debout contre un mur tout aussi sombre, ils se fondraient dans l'arrière-plan, le contraste serait beaucoup plus faible et la silhouette beaucoup moins perceptible. Le contraste entre les valeurs claires et foncées est essentiel pour créer de la profondeur. À l'aquarelle, nous avons tendance à utiliser des lavis légers pour repousser les zones au loin et des lavis plus foncés pour faire avancer les éléments. Et vous pouvez voir qu' au premier plan, sur les bords du papier, nous utilisons du pigment ici très épais, très noir, et qu'au centre , au loin, c'est le bâtiment le plus clair que nous ayons, ce ton violacé que nous avons là Mais cela va au-delà d'une scène urbaine. Il peut s'agir d'un paysage avec des montagnes lointaines qui peuvent être peintes en bleu clair et gris doux, tandis que les arbres au premier plan sont gris et bruns foncés C'est donc le contraste entre la lumière et l'obscurité qui crée une impression de profondeur et de liberté. 14. Bords perdus et trouvés: Et puis il y a les arêtes dures et souples ou, comme on dit parfois, les arêtes perdues. Bien entendu, les arêtes dures sont l'endroit où une forme ou une couleur se termine brusquement et une autre commence, créant ainsi une limite définie. Ensuite, nous avons des bords souples, où, bien sûr, deux zones se fondent doucement l'une dans l'autre. Et dans certains cas, c'est tellement progressif que vous ne pouvez même pas en voir le bord. C'est un avantage perdu, comme on l'appelle parce qu' il n'y a pas de séparation claire. À l'aquarelle, nous avons beaucoup de contrôle sur les bords, sur quantité d'eau que nous utilisons et sur la façon dont nous appliquons la peinture possible de créer des bords durs en utilisant moins d'eau et en laissant une couche de peinture sécher complètement avant d'ajouter la suivante. Alors que des bords souples, en revanche, peuvent être obtenus en utilisant des techniques humides à humides, permettant aux couleurs de se mélanger et de se fondre les unes dans Une grande partie de cette peinture est mouillée et mouillée. Et en regardant maintenant l'écran, vous pouvez voir où se trouvent les bords rigides et les bords souples. À l'heure actuelle, il y a beaucoup de bords souples, de nombreuses zones indéfinies Mais au fur et à mesure que nous terminerons le tableau, plus tard, vous verrez apparaître de plus en plus de bords durs car nous nous concentrons actuellement sur le mouillé sur le C'est donc là que les bords souples excellent vraiment. Les bords durs sont parfaits pour attirer l'attention sur des zones spécifiques de la peinture, comme le point focal. Par exemple, lorsque nous peignons tous ces lampadaires, qui, encore une fois, au point de fuite, peuvent utiliser des bords durs Lorsque nous retirons ce liquide de masquage, seront des bords très durs car le liquide de masquage possède ces bords durs, non un bord progressif Nous souhaiterons peut-être en atténuer certaines, mais par exemple, avec ce que je ferai plus tard, vous pouvez regarder l'image de référence finale. Les phares des voitures, même si nous avons utilisé du ruban adhésif, ont un côté dur. En fait, adoucissez-les parce que je ne veux pas retiennent autant d' attention parce qu'ils ne sont pas au centre de l'attention. Je ne veux pas qu'ils détournent l'attention du tiroir central de la composition C'est ce que font les arêtes dures. Les bords souples peuvent être utilisés pour créer une impression d'atmosphère ou de distance. Dans cette scène, vous pouvez voir les bâtiments éloignés ont des arêtes plus souples, ce qui suggère qu'ils sont plus éloignés, bien sûr, et nous les voyons à travers le smog de la ville, la brume ou la visibilité qui règne au crépuscule Ce contraste entre le premier plan aux bords nets et arrière-plan aux bords doux est révélateur de profondeur et d'intérêt Il y a beaucoup de choses à prendre en compte car nous devons réfléchir à des moyens de les intégrer dans votre composition. Mais grâce à la répétition, vous pouvez retenir ces concepts et vous les verrez transparaître dans votre travail grâce à l'intuition. Tu n'as même pas besoin d'y penser. Ils ont une idée de ce qui leur semble juste en fin de compte. Mais comme je le pense, c'est une répétition. Ensuite, vous obtenez des textures lisses et rugueuses. Le contraste de texture est un autre outil puissant, en particulier à l'aquarelle, où nous pouvons créer des textures en variant la façon dont nous appliquons la peinture et le type de coups de pinceau que nous utilisons Des textures lisses sont évidemment obtenues avec des lavages même contrôlés, tandis que des textures rugueuses peuvent être créées en utilisant des techniques de pinceau sec ou en éclaboussant ou en soulevant la peinture à l'aide d' une éponge ou en grattant 15. Lisse et rugueuse: Imaginez que nous peignons une rue pavée. Nous pouvons utiliser des coups de pinceau rugueux ou cassés pour suggérer la texture des pierres, contrastant avec le doux lavis du ciel au-dessus. Ce contraste entre une texture lisse et rugueuse ajoute un intérêt tactile à la peinture et invite le spectateur à imaginer le toucher des différentes surfaces. contraste de texture peut également créer une sensation de variété et d'enthousiasme visuel. Si tous les éléments de la peinture ont la même texture, qu' ils soient tous lisses ou rugueux, la composition peut commencer à devenir monotone En variant les textures et en plaçant des zones lisses à côté des zones rugueuses et sèches, nous pouvons maintenir l'œil du spectateur en mouvement autour de la peinture, rendant ainsi plus attrayante. Parlons maintenant du contraste des couleurs, en particulier entre les couleurs chaudes et froides. C'est un autre moyen efficace d' ajouter du dynamisme à votre peinture. Les couleurs chaudes comme le rouge, l'orange et le jaune ont tendance à progresser dans la composition Ils se sentent plus proches du spectateur. Alors que les couleurs froides comme le bleu, le vert et le violet ont tendance à s'estomper, créant une sensation de distance Nous pouvons utiliser ce contraste de température pour créer de la profondeur ou mettre en valeur certaines zones. En regardant cette scène que nous peignons aujourd'hui, j'ai pratiquement enfreint règle parce que j' ai des couleurs froides au premier plan et j'ai ce jaune orangé brillant qui s' étend jusqu'au loin J'ai peut-être ces bâtiments violets éloignés, ce qui peut être considéré comme une couleur cool, mais cela montre qu'on peut parfois enfreindre les règles. Mais peut-être que si je devais refaire cette peinture et réfléchir à tous ses aspects, peut-être que la composition serait améliorée si je gardais les couleurs chaudes au premier plan et n'avais que des couleurs froides au loin Il y a aussi un aspect émotionnel en ce qui concerne les couleurs. couleurs généralement chaudes évoquent des sensations de chaleur, bien sûr, d'énergie et de lumière, tandis que les couleurs froides évoquent sérénité calme et même parfois Donc, dans un sens plus abstrait, nous pouvons utiliser des couleurs chaudes et froides pour créer du mouvement et de la concentration dans la composition, une touche de rouge chaud dans les zones par ailleurs froides. En fait, c'est ce que nous allons faire sur la gauche. Vous pouvez voir ces petits reflets rouges. J'ai fait des éclaboussures à la dernière étape du tableau. Ce contraste entre le rouge et le bleu de la composition attire immédiatement l'attention en raison de ce fort contraste de température de couleur 16. Guider l'œil du spectateur: Tous ces principes de composition visent donc à guider le regard du spectateur de différentes manières, et le contraste n'y fait pas exception. plaçant stratégiquement les zones fort contraste à côté des zones à faible contraste, nous pouvons contrôler le flux de la composition et assurer que le regard du spectateur se pose là où nous le voulons. Supposons, par exemple, que nous peignions une scène de marché animée. La scène globale peut être remplie de nombreuses valeurs de tons moyens et de textures légèrement floues Mais nous pourrions placer une figure au premier plan avec détails nets et un fort contraste de valeur, peut-être une figure sombre sur un fond clair, et cela attirera immédiatement l'attention du spectateur figure en raison du contraste, ce qui en fera le point central de la peinture À partir de là, l'œil du spectateur peut explorer les détails environnants, mais ce point initial de contraste élevé agit comme un point d'ancrage visuel. Et le contraste peut également contribuer à créer du rythme dans une peinture, entraînant le regard du spectateur dans un voyage. Ainsi, après cette initiale, cet ancrage visuel, qui permet d'explorer le tableau dans un paysage, nous pourrions alterner entre les zones claires et sombres afin de claires et sombres afin faire passer le regard du premier plan au plan intermédiaire, puis aux horizons lointains Le contraste contribue à créer une sensation de mouvement et de fluidité, tout en rendant la peinture plus dynamique et engageante. Ensuite, nous pouvons intégrer l'idée de l'équilibre du contraste. Bien que le contraste soit un outil puissant, il est également important de l' utiliser judicieusement, car trop de contraste peut donner à une peinture un aspect chaotique ou accablant, tandis qu'un contraste trop faible peut la rendre plate ou L'essentiel est de trouver un équilibre adapté à l'ambiance et au message de la pièce. Que souhaitez-vous transmettre ? est vraiment le genre de questions que vous devez vous poser avant de commencer une peinture. Bien sûr, cela vous vient à l'esprit lorsque vous peignez, mais lorsque vous regardez un sujet, vous devez vous demander ce que j'essaie de transmettre. Gardez ce message et cette idée bien ancrés dans votre esprit. Ensuite, vous serez capable de structurer ces idées de composition autour de cette idée. En aquarelle, nous avons l'avantage de travailler avec la transparence, qui se prête naturellement à de subtils Nous n'avons pas vraiment besoin de nous appuyer sur des oppositions sévères ou franches pour créer un impact Cependant, comme vous pouvez le voir sur ce tableau, c'est exactement ce que nous faisons. Nous utilisons un contraste intense parce que c'est ce que cette peinture, c'est ce que je voulais transmettre dans cette peinture. C'est une scène pluvieuse au coucher du soleil dans une ville, et peut-être que les gens se précipitent pour rentrer chez eux, ce contraste ajoute à la sensation d'énergie S'il s'agissait d'une scène de campagne où aucune voiture et où il n'y avait pas beaucoup de personnages, je voulais peut-être montrer qu' il y a de la tranquillité là-bas, donc peut-être que je n'utiliserais pas des oppositions aussi dures pour créer un impact Parfois, le contraste le plus doux entre un lavage doux et un lavage légèrement plus foncé suffit à créer de la profondeur et intérêt en fonction du message que vous souhaitez transmettre Il existe tout un éventail de ces contrastes et éléments qui s'intègrent au message que vous souhaitez transmettre. C'est ainsi que l'émotion et le sentiment peuvent être intégrés à vos peintures. 17. Exemples de conta: Vous pouvez voir que je commence à utiliser mon couteau à palette pour gratter la peinture, et vous devez le faire à un certain niveau d'humidité Il ne peut pas être complètement détrempé. Le pigment doit être malléable. Sinon, vous le verrez repartir. En fait, lorsque je l'essaie sur ma gauche, vous pouvez voir les couleurs vives qui se trouvent en dessous, mais comme vous pouvez voir les couleurs vives qui se trouvent en dessous, il fait encore très humide, elles sont immédiatement masquées par la suite. Je dois donc faire attention à ne pas en faire trop ou à ne pas attendre un peu plus tard et à revenir parce qu' il fait un peu trop humide Je peux déplacer de grandes sections comme ça, mais je ne peux pas encore faire de lignes fines comme je l'ai fait de l'autre côté. Nous pouvons voir comment passe cette couleur qui a taché le papier ci-dessous . Et un amusant excès de peinture est resté sur cette surface de ce couteau à palette pour donner des détails sur le bâtiment Ce n'est pas nécessaire de le faire comme ça, mais je me demande pourquoi pas ? J'ai de la peinture sur ma palette ? Il n'est pas nécessaire que ce soit très détaillé. Il s'agit simplement d'une suggestion de détail plutôt que de détails soigneusement planifiés et réfléchis. Si vous ne l'avez pas déjà remarqué, vous pouvez voir que j'ai ajouté des lignes à gauche de l'annonce, le côté gauche de la route, pour attirer l' attention du spectateur vers le centre. Et maintenant, si vous faites le tour dans le sens des aiguilles d'une montre, vous pouvez commencer à voir autour de vous, la composition, les différentes lignes auxquelles j'ai fait allusion pour suggérer une sorte de visuel jusqu'au milieu, là où se trouve le point de fuite Permettez-moi donc de vous donner quelques exemples de contraste à l'aquarelle Par exemple, si vous voulez créer votre propre paysage urbain, vous pouvez utiliser le contraste entre les formes dures et angulaires des bâtiments et le doux ciel qui coule ou les reflets de l'eau en dessous. Les lignes géométriques rigides de l'architecture contrastent avec les lavages fluides et imprévisibles, ce qui crée une tension dynamique qui donne à la peinture une sensation Dans un portrait, le contraste peut être utilisé pour mettre en valeur le visage en plaçant des tons de peau clairs sur un fond sombre. Le contraste entre la lumière et obscurité attire l'attention sur les caractéristiques du sujet, donnant à la peinture une impression de netteté et de profondeur. Et puis vous pouvez même le relier à des pièces abstraites. Nous pouvons jouer avec les contrastes de texture en utilisant lavages lisses et uniformes et certaines zones de texte brut, Il se passe beaucoup de choses de ce genre ici avec les bâtiments en ce moment. C'est complètement abstrait. Vous n'avez donc pas à vous soucier d' ajouter trop de détails , car il ne s'agit que d'un méli-mélo de textures douces et de textures hautes Nous avons juste besoin de quelques éléments pour l'ancrer. Et ces choses que je mentionne sont ce qui l'ancre. Bien que ce tableau semble intimidant, en essayant de vous souvenir de ces choses, vous pouvez trouver un moyen de contrôler le chaos Le contraste fait bouger les yeux du spectateur sur le tableau, crée une sensation d' énergie et d'excitation, même parfois en l'absence d'un sujet ou d'un récit clair. La relation entre les éléments, que ce soit par le biais d'une texture ou d'une couleur claire ou foncée, est donc que ce soit par le biais d'une texture ou d'une couleur claire ou foncée importante. 18. L’emphase: Vous pouvez donc commencer à comprendre maintenant ce que ces principes visent à faire, et leur objectif principal est vraiment de guider le regard du spectateur, le regard du public. Et où voulons-nous orienter ces parties prenantes ? Le point focal. Chaque tableau a besoin d'un point focal, et c'est un tableau perdu. Et quelles sont les manières dont nous pouvons clarifier le point central ? C'est le principe suivant appelé accent C'est l'un des principes les plus importants de la composition car il nous permet vraiment contrôler l'orientation de l'attention du spectateur ? Nous ne voulons pas que chaque partie de l'image demande la même attention. Sinon, cela devient accablant et difficile de s'y retrouver. Nous pouvons plutôt utiliser l'accent pour attirer l' attention du spectateur sur des zones spécifiques. Parfois, nous pouvons avoir plusieurs points focaux s'ils aident à raconter l' histoire de l'œuvre, mais en général, il n'y en a qu'un. Il suffit que ce soit une petite idée, comme le point de bannissement ici En fin de compte, l' accent est mis sur création d'une hiérarchie dans votre peinture, d'un chemin visuel clair à suivre par quelqu'un. C'est comme guider quelqu'un à travers l'expérience de regarder votre travail. Habituellement, le point focal est la zone présentant le contraste le plus élevé, plus fort contraste, l'intérêt ou l'importance de la composition. C'est là que nous voulons que le spectateur s'arrête et se concentre avant d'explorer le reste du tableau. L'aquarelle, avec sa fluidité inhérente et sa capacité des contrastes audacieux, nous donne de nombreuses occasions de jouer avec l'accent, que nous utilisions la couleur, la valeur, la texture ou la valeur, la texture Nous pouvons créer des zones qui se démarquent et attirent l'attention. Mais le point focal ne doit pas toujours être au centre d'une composition. En fait, le fait de le placer légèrement décentré, comme nous l'avons fait ici, donne à la peinture une sensation un peu plus dynamique. Il existe donc de nombreuses façons diriger le regard vers le point focal. Nous avons déjà parlé de contraste. C'est l'un des principaux moyens simples de le faire. Nous avons parlé de la couleur et du contraste des couleurs ou de l'éclat des couleurs qui mettent l'accent Peut-être que dans un paysage, la scène entière est peinte dans des tons doux pour camping-cars, mais il y a un personnage vêtu d'une veste jaune vif qui marche dans un champ, et cela attirera certainement l' attention sur le point central. Ensuite, nous avons la netteté et le détail. J'ai dit qu'il y avait peu de détails là-dedans. Il y a beaucoup d' abstraction, mais l' une des façons de mettre l' accent est d'utiliser le détail et netteté uniquement dans une zone du tableau et de laisser les autres parties abstraites ou Ainsi, lorsque nous peignons une scène, nous n'avons pas besoin de tout rendre avec le même niveau de détail. En fait, la magie de l'aquarelle tient en partie à la beauté avec laquelle elle nous permet de suggérer des détails sans tout épeler. Si vous souhaitez créer vos propres scènes ou paysages urbains, vous pouvez choisir de vous concentrer sur un bâtiment et de le dessiner avec des lignes nettes et des fenêtres distinctes tout en laissant le reste de la ville se fondre dans des tons doux Au fur et à mesure que vous vous éloignez de ce point vocal, le contraste entre les formes douces et nettes fait en sorte que celui qui construit le point vocal capte l'attention. 19. Positionnement et taille: Et puis il y a le positionnement, où nous plaçons le point vocal, qui influe également sur l'accent. Comme je l'ai déjà dit, même s'il est tentant de placer le point vocal au centre, cela peut parfois donner l'impression que la peinture est statique Habituellement, si on le place légèrement décalé ou mieux encore le long d'un des tiers de la toile, la règle des tiers, cela crée une composition plus engageante. Imaginez une scène de plage où le point focal principal est un voilier Au lieu de le placer au point mort, vous pouvez le placer dans le tiers supérieur droit de la toile, et le reste de la composition s'écoule vers celui-ci. Ce placement décentré attire toujours l'attention, mais il semble plus organique et moins prévisible. Enfin, l'accent est mis sur la taille. Les éléments plus grands de la peinture ont tendance à demander naturellement plus d' attention que les plus petits. En variant les côtés des objets de la composition, nous pouvons parfois mettre en valeur une zone par rapport à une autre. Un grand arbre au premier plan d' un paysage deviendra naturellement le point central tandis que des objets plus petits et moins détaillés en arrière-plan serviront de support à l'élément principal Cela dit, la taille ne doit pas être le seul facteur. Bien entendu, ces bâtiments sont très grands par rapport au point focal, qui est le centre. Parfois, un objet petit mais très détaillé ou aux couleurs vives peut ressortir encore plus que les grandes formes sourdes Tout dépend de la façon dont nous équilibrons ces éléments. Et alors que de nombreuses compositions n' ont qu'un seul point focal, certaines peintures ont intérêt à avoir un point focal secondaire ou plusieurs points focaux secondaires pour créer un parcours visuel plus complexe. points vocaux secondaires peuvent être des zones moins accentuées qui attirent tout de même l'attention, mais qui n'entrent pas en concurrence avec le point focal principal. Un peu comme les voitures. Les voitures attirent l'attention, mais comme elles sont toutes mises en perspective, elles attirent l' attention vers le milieu. Encore une fois, comme toutes ces choses, leur objectif principal est de guider le regard du spectateur à travers le tableau et de créer du mouvement et du flux. Dans une peinture de paysage , le point focal principal peut être une montagne au loin. Mais vous pouvez également avoir des points focaux secondaires tels que des arbres ou un autre au premier plan, et ceux-ci seront positionnés de manière à attirer l' attention du spectateur vers la montagne Ces éléments secondaires sont des acteurs de soutien, pour ainsi dire, à l'acteur principal. Ils soutiennent la composition et ajoutent de la profondeur sans créer de contraste avec le point focal principal. Et une chose que je dois souligner pendant que nous parlons d'emphase, c'est qu'il est important de se rappeler que toutes les parties du tableau ne doivent pas se concurrencer pour attirer l'attention. Lorsque trop de zones sont soulignées, le spectateur est submergé et ne sait ni comment ni où regarder en premier. C'est pourquoi il est essentiel de créer un équilibre entre les zones accentuées et les sections plus calmes et plus discrètes du tableau À l'aquarelle, cet équilibre est souvent atteint grâce à des lavages Une large zone de tons doux et neutres peut créer un arrière-plan silencieux qui met encore plus en valeur le point focal. Par exemple, une fleur rouge vif éclatera si elle est entourée d'un champ vert tendre. Ainsi, en gardant les éléments environnants simples et discrets, nous veillons à ce que le point vocal reste la vedette de la composition Vous pouvez voir maintenant comment j'ai éclaboussé la toile avec de l'eau, ai attendu un moment et j'ai utilisé le mouchoir pour l'essuyer 20. Retirer le liquide de masquage: Et pendant que je suis en train de frotter, j'utilise le mouchoir pour enlever le reste du liquide de masquage qui s'y trouve, révélant ainsi le blanc du papier en dessous Et vous devez vous assurer que les pigments sont complètement secs. Vous ne voulez pas maculer certaines zones qui ne sont pas encore sèches Maintenant, tout le liquide de masquage est éliminé. Vous pouvez voir le contraste et la puissance du blanc du papier. Nous arrivons à la fin du tableau maintenant. Nous sommes juste en train de tout assembler. J'utilise à nouveau un pigment blanc pur dans certaines zones pour aider à diriger l'œil vers le centre du point focal. Et en utilisant quelques éclaboussures. Maintenant, beaucoup de ces blancs sont trop blancs. Mais c'est bon. Nous allons utiliser la transparence de l'aquarelle Nous avions donc besoin de blanc au départ, mais nous allons en remplacer beaucoup avec des jaunes et des oranges vifs, juste pour en atténuer légèrement la blancheur Et aussi en commençant à détailler de nombreuses voitures, en ajoutant de petits points surlignés, quelques points à de petits endroits. Peu de détails, quelques traits et points bien positionnés donnent l' illusion du détail. Et vous pouvez voir les capots sous les voitures, tout est à l'ombre Tout est dans le noir, nous n'avons donc pas eu besoin de vraiment peindre les roues ni même de vraiment indiquer où se termine la voiture et où commence le plancher ou le sol. Vous pouvez voir entrer dans ces Blancs. Ce reflet au milieu correspond au blanc du papier, ce qui est très important car il s'agit de la zone à très fort contraste. Il s'agit de la plus grande zone blanche du papier, et c'est une verticale qui mène directement au point focal. Il est intéressant de noter que le point focal de cette scène n'a pas vraiment de sujet, c'est juste le centre vers lequel mène toute la perspective. Et vous pouvez commencer à voir à quel point il y a soudainement une illusion de détails. Maintenant que nous avons ajouté ces blancs du papier, ou plutôt que nous avons retiré le liquide de masquage pour révéler les blancs du papier, nous commençons à travailler sur quelques détails C'est juste un point d'ancrage, la peinture, et cela donne l'illusion du et cela donne l'illusion du détail alors qu'il ne nous reste que 3 minutes de peinture, et 90 % du tableau était assez abstrait 21. Finir la peinture: Nous avons donc parlé de nombreux concepts aujourd'hui, et il peut être difficile de réfléchir à la manière dont vous pouvez les intégrer dans vos peintures. Maintenant, l'une des façons de le faire est d'observer simplement vos propres peintures ou vos peintures préférées et de réfléchir à la façon dont ces éléments et principes se rapportent à eux. Peut-être pouvez-vous vous poser des questions telles que y a-t-il un point vocal clair ou puis-je en créer un ? Parce que sans point vocal, cela peut sembler décousu ou Vous devez donc vous demander à chaque fois s'il y a un élément fort qui se démarque ou si vous pouvez même manipuler la scène pour créer une sorte de focus. Vous pouvez alors vous demander s'il existe un flux ou un chemin naturel que l'œil doit suivre ? vous pouvez rechercher des éléments tels que des routes, des ombres, des rivières Dans l'architecture, vous pouvez rechercher des éléments tels que des routes, des ombres, des rivières ou des lignes qui peuvent naturellement guider le regard à travers la scène. Si la scène semble trop chaotique, sans déroulement clair, il peut être difficile de organiser en une composition forte. Ensuite, vous allez vous demander si la scène offre du contraste, si le sujet que vous choisissez, si vous pouvez voir le contraste en termes de couleur, de valeur, de lumière et d' obscurité ou de texture ? Si tout est pareil, en couleur, en ton, finira probablement par être tableau finira probablement par être plat ou inintéressant plupart du temps, nous devons simplifier la scène afin de réaliser ces objectifs sans perdre son essence. scènes animées comme celle-ci doivent être simplifiées grâce à l'abstraction, car avec trop d'éléments concurrents, elles peuvent être difficiles à peindre et difficiles à comprendre pour le spectateur. Nous devons donc essayer de visualiser comment nous pourrions simplifier certaines parties de la scène. Et cela impliquera probablement supprimer des détails plutôt que d'en ajouter, comme nous le disons au début, laissant davantage de place à l' imagination du public, plutôt que d' intégrer directement tous ces détails. C'est ainsi que nous créons des œuvres d'art pleines d'émotions et d'expressions. Les peintures sont particulièrement convaincantes lorsqu'elles expriment une émotion, et demandez-vous si la scène vous voulez peindre vous fait ressentir quelque chose, si elle est calme, tendue ou inspirante. Si vous pouvez entrer en contact avec ce sentiment, vous pouvez trouver comment le transmettre avec ces principes d'une manière presque formelle. 22. Réflexions finales: Eh bien, bon retour. Comment ça s'est passé ? Si ce n'est pas déjà fait, je vous suggère de vraiment vous y essayer car même si cela peut sembler une peinture plus complexe que d'habitude, vous dépasser et être intrépide est ce qui rend l' aquarelle si Quand j'ai commencé, je créais de terribles peintures, mais simplement en continuant et Toutes ces choses uniques que vous pouvez faire, uniquement en vous surpassant sont vraiment ce qui vous permet de passer au niveau supérieur, et vous devez passer par une situation difficile avant arriver à un point où vous êtes satisfait. Et cette satisfaction est vraiment permanente, car une fois que vous avez appris à faire quelque chose, vous voulez faire autre chose. Donc, même si quelque chose vous semble accablant, c'est quand même une bonne idée quand il s'agit d'aquarelle de vous surpasser car le niveau s'améliorera beaucoup plus rapidement et votre intuition s' améliorera vraiment au cours du processus N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences, alors continuez à peindre et à expérimenter Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l'aquarelle est tellement inspirante, et je suis honoré d' être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. N'hésitez donc pas à partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous, et je ne manquerai pas de vous répondre. Si tu préfères, tu peux le partager sur Instagram, en me taguant sur Williston, car j'adorerais le voir Skillshare adore aussi voir mes étudiants travailler, alors taguez-les également sur Skillshare Après y avoir consacré tant d'efforts, pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet sur la faune ou scènes sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton de suivi en haut pour pouvoir me suivre sur Skillshare Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que ce cours vous a inspiré, et vous êtes impatiente de vous perfectionner avec des techniques d' aquarelle encore plus passionnantes Jusqu'à la prochaine fois, au revoir pour le moment