Apprendre à peindre un paysage d'aquarelle

1. Introduction: Bonjour à tous et bienvenue pour apprendre à peindre 15 étapes pour devenir de meilleurs aquarellistes. Je m'appelle Paul Richmond. Je serai ton professeur. Et dans ce cours vidéo, nous allons passer en revue toutes les étapes du début à fin pour créer votre propre peinture de paysage à l'aquarelle Vous passerez d' une feuille de papier vierge à une magnifique aquarelle finie. L'aquarelle est un médium tellement polyvalent. Tu peux être très lâche. Laissez la peinture aller où elle le souhaite, ou elle peut être plus serrée et mieux contrôlée, ce qui vous permettra d' obtenir beaucoup de détails. Dans ce cours, nous apprendrons notamment comment mélanger les couleurs que vous souhaitez, comment créer de la profondeur, quels types de coups de pinceau utiliser, où créer différentes textures dans la scène. Et bien plus encore. J'ai dessiné et peint toute ma vie. J'ai commencé à prendre des cours d'art très jeune et j'en suis tombée amoureuse. Depuis, l'art a toujours fait partie de ma vie. J'ai eu l'occasion de montrer et de vendre mes œuvres dans tout le pays. J'ai réalisé de nombreuses commandes, notamment des peintures, Dolly Parton, Teresa Vaughn plein d'autres personnes géniales. Et je veux partager ce que je sais avec toi. Je croyais vraiment que tout le monde est un artiste et qu'en faisant preuve de créativité, nous avons beaucoup appris sur nous-mêmes et sur la façon de nous exprimer. Si vous n'avez jamais peint auparavant. Ne vous inquiétez pas, c'est un excellent cours pour commencer. Et si vous avez de l' expérience, mais si vous souhaitez vous rafraîchir les bases, rejoignez-moi à ce cours, c'est parfait pour tout le monde. Plus il y en a, mieux c'est, et j'ai hâte de faire de l'art avec toi. 2. Projet: Bonjour à tous Je suis Paul Richmond. Voici ma version du projet que nous allons réaliser ensemble et j' adorerais que vous partagiez votre travail terminé avec moi dans la section des projets sur Skillshare. J'adore voir ce que vous avez créé, pouvoir le commenter et interagir avec vous tous. C'est la moitié du plaisir de donner ces cours honnêtement que de savoir qu'il y a tant d'artistes qui font de l'art à mes côtés. Alors allons-y. Tu es prêt ? 3. Aperçu des matériaux et croquis l'image: Bonjour à tous et bienvenue pour apprendre à peindre 15 étapes pour devenir un meilleur aquarelliste. Chaque jour pendant 15 jours, je vous enverrai une nouvelle leçon vidéo de 10 minutes. Vous passerez d' une feuille de papier vierge à une belle aquarelle finie. J'ai dessiné et peint toute ma vie. J'ai commencé à prendre des cours d'art très jeune et j'en suis tombée amoureuse. Depuis, l'art a toujours fait partie de ma vie. Dans cette leçon, nous allons passer en revue tous les matériaux pour vous montrer comment ils fonctionnent comment préparer le papier afin que vous soyez prêt à commencer votre aquarelle. Ensuite, nous ferons un croquis de l'image qui sera peinte. Commençons par jeter un coup d'œil à nos matériaux. C'est donc tout ce que je vais utiliser dans ce cours. J'ai quelques pinceaux. Ils sont assez bon marché. Pour l'aquarelle. Vous voulez juste des pinceaux dotés de beaux poils doux. Généralement dans le magasin d'art. Les pinceaux seront répartis entre des pinceaux pour aquarelle et de l'huile acrylique. Cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas les utiliser pour autre chose, mais en général, les pinceaux à aquarelle sont un peu plus doux. J'ai également un crayon pour dessiner d'abord le dessin, et j'aime utiliser une mine plus dure lorsque je dessine pour une aquarelle afin que le plomb ne se détache pas et ne s'étale pas lorsque je commence à peindre. J'utilise donc un crayon to H. Le H signifie dur. Donc, en fait, n'importe quel crayon H serait parfait. Quel que soit le chiffre qui se trouve devant, cela signifie simplement que s'il s'agit d'un chiffre plus élevé, cela signifie que c'est une avance plus difficile. Vous ne devez pas appuyer trop fort lorsque vous dessinez car cela créerait des rainures dans le papier. Mais l'avantage du plomb plus dur, c'est qu'il ne se tache pas lorsque vous commencez à peindre. Nous avons des pinceaux, un crayon. Qu'est-ce qu'on a d'autre ? Nous avons des peintures à l'aquarelle. Vous avez de nombreuses options ici. J'aime les aquarelles en tubes, mais j'ai aussi utilisé celles qui se présentent dans un petit plateau. Vous pouvez également obtenir des petits rectangulaires, un peu comme des sachets de peinture. Il existe donc de nombreux styles différents qui fonctionnent tous de la même manière. Ils sont tous très interchangeables. Alors expérimentez et voyez ce que vous préférez, mais c'est ce que je vais utiliser. Et puis comme ce n'est pas un tube, j'ai aussi une palette ici, juste une palette en plastique dans laquelle je peux mettre la peinture pendant que je travaille. Papier aquarelle C'est-à-dire vous verrez du papier pressé à froid, ce qui signifie qu'il a juste un peu de texture. Lorsque le papier aquarelle est pressé à chaud, il est très, très lisse et lisse. Mais j'aime peindre sur presse à froid car cela a un peu plus de texture. J'ai l'impression qu'il absorbe la peinture d'une manière que je préfère. Mais encore une fois, vous devriez essayer différents types de papier et voir ce qui vous convient le mieux. Ensuite, j'ai ce morceau de bois très lisse que je vais utiliser pour coller du ruban adhésif sur mon papier pendant que je travaille. La raison pour laquelle vous le faites est qu'il ne commence pas à se déformer et à se déformer complètement. Le ruban le maintiendra en place. Si vous n'avez pas un morceau de bois comme celui-ci, vous pouvez utiliser n'importe quel type de surface lisse et dure. Donc, du carton, du noyau en mousse, quoi que vous ayez du carton mat ou que j'ai vu des artistes, il suffit de le coller sur leur table, mais assurez-vous simplement que ce n'est pas une table sur laquelle vous craignez de mettre de la peinture. Enfin, j' ai du ruban adhésif, une tasse d'eau et des serviettes en papier. Alors ne vous inquiétez pas si vous n' avez pas exactement les mêmes choses que moi. Si vous avez des marques différentes. Ce cours vous permet déterminer ce qui vous convient le mieux. Donc, ne vous en servez pas comme excuse pour le remettre à plus tard. Utilise ce que tu as. Et allons-y. J'ai retiré une feuille de papier du livre. Je vais le mettre ici sur mon tableau. Et puis laisse-moi m'en débarrasser. Je me vois bien en parler très rapidement. J'utilise simplement du ruban adhésif ordinaire et j'arrache une pièce un peu plus longue que la largeur. Et ce que vous voulez faire quand vous l'enregistrez ou ce que j'aime faire, je suppose que je dois dire que vous pouvez faire ce que vous voulez. J'aime essayer de le rendre très uniforme. Donc, même distance du bord des deux côtés. Ensuite, j'essaierai de faire correspondre cette distance sur tout le trajet. Parce que c'est très amusant, lorsque vous terminez une aquarelle de décoller le ruban adhésif et d'obtenir un joli bord blanc éclatant. C'est comme une petite bordure. C'est amusant. Fais-moi confiance. Placez donc le ruban uniformément pour qu'il soit vraiment beau lorsque vous le décollez et répétez l'opération. Tous les côtés. Maintenant, ils fabriquent des livres d' aquarelle où les papiers sont tous attachés les uns aux autres. Donc, si vous avez ce type de livre d'aquarelle, vous n'avez pas besoin de le déchirer et de le coller avec du ruban adhésif pour que la page soit en quelque sorte assemblée en un seul bloc. Elle a le même rôle que la cassette. Très bien, il en reste deux. Fais-le juste comme il faut. Je ne suis pas perfectionniste sur la plupart des points, mais sur quelque chose comme ça. Cela met en évidence les qualités qu'il a de moi. Je suis même connu pour prendre une règle et mesurer, croyez-le ou non. Mais tu n'es pas obligée d' aller aussi loin. Il est censé avoir été créé par une personne, pas par un ordinateur. Nous allons donc simplement aborder nos imperfections dans ce cours. Sois donc une bonne thérapie pour nous tous. Moi y compris. Très bien, j'ai mon ruban adhésif et puis j'aime juste courir sur le bord avec mon téléphone et m'assurer qu'il est bien scellé de ce côté afin la peinture ne remonte pas en dessous. Très bien, maintenant nous sommes prêts à commencer. Ce que j'aimerais faire du reste du temps que nous consacrons à cette leçon, c'est de commencer à esquisser l'image. Voici la référence avec laquelle nous allons travailler. Je l'ai choisi parce qu'il offre une belle combinaison de grands espaces ouverts et textures et de détails intéressants sur lesquels nous travaillerons ensemble à l'aide de vos deux crayons H. Pour moi, c'est ainsi que j'aime dessiner pour une aquarelle. J'aime utiliser le moins de lignes possible. Je ne vais donc pas y aller et dessiner chaque petite feuille et chaque petite branche du rocher dans l'eau. Je vais en garder une bonne partie pour le peindre. Je cherche donc juste les formes principales pour le moment. Je vais d'abord choisir la ligne d' horizon. Je vais dessiner ça, que je lis comme la ligne où se termine le vert foncé, puis qui a un peu fait exploser des arbres au loin, limite des arbres apparaît. Donc, voici la moitié du chemin. Et si nous nous éloignons de là, c'est peut-être ici que je vais tracer cette limite. Maintenant, votre papier peut avoir une proportion différente de la mienne, peut-être une proportion différente de celle de la photo de référence. donc très important de réfléchir à votre composition et à la façon dont vous alignez les choses à la façon dont vous alignez les choses. Alors ne vous précipitez pas. Si vous avez besoin de plus de temps que ce que je vous donne ici dans cette vidéo, mettez-la simplement en pause et prenez votre temps. Très bien, maintenant, ce que je suis en train de dessiner ici est en quelque sorte une indication de endroit où cette rangée d' arbres éloignés ne sera pas très pointilleuse. Pour l'instant, nous allons le manger. Je fais juste quelques petites bosses, des grumeaux. Je ne sais même pas si tu peux voir parce que je dessine si légèrement. Je vais essayer de faire un peu plus sombre pour vous tous. En général, c'est une bonne idée de dessiner très légèrement lorsque vous dessinez une aquarelle, car vous, à moins que vous ne vouliez que les lignes au crayon apparaissent et fassent partie intégrante de celle-ci. Sinon, il est difficile de s'en débarrasser une fois que vous commencez à peindre. Bon, maintenant je vais dessiner la banque, je suppose la partie inférieure de cette parcelle de terrain vert foncé. Donc, une autre sorte de ligne horizontale grumeleuse. Nous avons cette grande pelouse que vous regardez et tout ce que je vais dessiner ici. Et enfin, les montagnes lointaines. Ils verraient donc qu'il y a une montagne par ici. N'hésitez pas non plus à modifier certaines formes si vous le souhaitez, si vous voulez créer des montagnes de tailles différentes, ou si vous souhaitez placer des arbres ailleurs, c'est votre peinture. n'est pas le cas, vous n'êtes pas obligé suivre exactement ce qui est sur la photo. Si tu as d'autres idées. Nous y voilà. Je pense que ces arbres doivent être un peu plus grands. Voici le processus d'esquisse, quatre, afin que vous puissiez apporter les corrections dont vous avez besoin. C'est bon. Oui, un peu esquisse l'endroit où se trouve ce grand arbre devant. Il y en a quelques-uns ici. Et je pense que c'est assez détaillé pour celui-ci. C'est, c'est par là que je vais commencer. Hum, différents artistes abordent les choses différemment. Donc, si vous avez envie de dessiner les choses de manière plus détaillée que cela, allez-y. Mais j'aime laisser un peu de place l'interprétation pendant que je peins ceci, cela me convient. Excellent travail à tous. Vous êtes maintenant prêt à partir. Je vous verrai dans la prochaine leçon et nous pourrons commencer à mettre de la peinture dessus. 4. TECHNIQUE DU MOUILLÉ SUR MOUILLÉ: Bonjour à tous et bienvenue à la deuxième leçon. Je suis Paul Richmond, et dans cette vidéo, nous allons commencer à peindre. Préparez-vous donc à apprendre la technique mouillé sur mouillé aujourd'hui, qui consiste à mouiller la surface abord avec de l'eau claire, puis à ajouter la peinture. Cela permet aux couleurs de fusionner. Vous obtenez ce très beau look d'aquarelle organique. Nous allons donc l'utiliser dans le ciel de notre paysage. Très bien, commençons à peindre. Tu es prêt ? J'aimerais donc commencer en arrière-plan et progresser dans le domaine des paysages. C'est ma préférence personnelle. Mais puisque tu regardes ma vidéo, c'est ce que nous allons faire. Sur la photo, le ciel a l'air un peu délavé. C'est donc un cas où je vais utiliser un peu de liberté artistique. Je veux rendre mon ciel un peu plus coloré que ça. Vous pouvez également vous en tenir à la photo si vous le souhaitez. Mais je vais commencer par un peu d'orange. C'est une teinte orange cadmium parce que je le vois bien sur la photo. Même. Ensuite, il suffit d' en injecter un peu dans le plateau comme ça. L'avantage de l'aquarelle, c'est que si vous mettez trop de peinture et qu'elle sèche dans le bac, vous pouvez l'utiliser à nouveau. Tout ce que vous avez à faire est de le mouiller à nouveau dans quelques semaines et il reprendra vie. Très bien, je vais aussi mettre un peu de rouge. Et tu vas vite découvrir que j'adore les couleurs. Moi, la plupart de mes peintures finissent par être un peu plus colorées que les références que j'utilisais. Cela peut donc être une occasion amusante pour vous de déterminer quelles sont vos préférences. Vous pouvez commencer par utiliser des couleurs plus calmes et neutres, puis passer à ce qui vous convient le mieux. Très bien, donc, je vais faire mon ciel ressemble à celui de la photo, mais il fera très chaud ici, un peu comme au lever ou au coucher du soleil, puis il fera plus frais. donc davantage vers les bleus et les violets au fur et à mesure que l'on remonte vers le haut. Maintenant, pour cette partie du tableau, je voulais vous montrer ce que l'on appelle la technique mouillé sur mouillé. C'est un excellent moyen de laisser la peinture faire la majeure partie du travail à votre place. Mais avant de le faire, je vais prendre une gomme. Il s'agit d'une gomme malaxée. Vous pouvez utiliser l'une d'entre elles, ou si vous n'avez que des gommes ordinaires. Ils fonctionnent aussi. Mais j'aime juste adoucir un peu mon dessin au trait. Alors, parcourez-le très doucement. Enlevez le bord des lignes, faites en sorte qu' elles n'apparaissent pas. La peinture finale que vous possédez doit seulement être visible pour vous. Ça va ? De plus, j'aime qu' mieux c'est pour moi, car il y ait moins de lignes, mieux c'est pour moi, car je peux en quelque sorte inventer au fur et à mesure. Très bien, la technique mouillée sur mouillée est similaire à celle que vous voyez dans de nombreuses aquarelles où les différentes couleurs se mélangent et se mélangent d'elles-mêmes. Donc, la façon dont vous y êtes parvenue est très, très, ce que j' appellerais simplement de l'aquarelle. Vous regardez, vous prenez votre pinceau, le mettez dans l'eau et vous mouillez simplement la zone que vous avez l'intention de peindre. Ne mettez donc pas de peinture dessus au début. Mouillez ce papier. Pour le faire assez rapidement. Parce qu'une fois qu' il aura séché, il ne fonctionnera plus. fait qu' il y ait déjà de l'eau sur cette section permettra à la peinture de décoller de reprendre vie d'elle-même. Ça va saigner, ça va juste couler. Donc, avec beaucoup d' eau sur mon pinceau, tu vois, je ne fais que saisir la douleur pure. Je le trempe dans l'eau, le mouille bien. Entrez et voyez à quel point c'est très transparent quand je mets cette couleur au-delà du très clair, du très sanglant. Ensuite, j'ai échangé mon pinceau dans l'eau et j'ai opté pour le rouge cette fois plutôt que ça. L'essentiel, c'est que moins vous pouvez faire de coups de pinceau, mieux c'est. Et c'est un peu vrai pour de nombreuses aquarelles. ne faut pas trop travailler sur le papier, sinon ça se verra, croyez-moi. Et si vous commencez à frotter, travaillez trop longtemps sur une surface, vous risquez d' endommager le papier. C'est donc une très bonne idée d' essayer de le faire avec le moins de coups de pinceau possible. Pour l'instant, je passe à ma peau violette. J'ai juste laissé une couleur entrer directement dans celle qui se trouve en dessous. Vous n' obtenez donc pas de bords nets. Et c'est à cause de la technique mouillé sur mouillé. Et je vais vous montrer comment peindre de manière à créer des détails très serrés et des arêtes vives. L'une des choses que j' aime dans l'aquarelle, c'est qu'elle est si polyvalente. Vous pouvez obtenir toutes sortes de looks différents. Du bleu maintenant, en le mettant ici dans le ciel, en haut, j'essaie de ne pas faire apparaître clairement où une couleur s'arrête et la suivante commence. Donc, vous voulez juste peindre un peu dans la dernière couleur. Si tu veux regarder ça, après-midi, mon eau, ça va mal finir. Déplacer des œuvres d'art très fréquentées est un autre secret de la peinture à l' aquarelle, c' est que c'est généralement une bonne idée de commencer par la lumière, puis de se frayer un chemin vers l'obscurité. La peinture à l'aquarelle utilise le blanc du papier pour créer la lumière dans l'image. Ainsi, plus vous voulez qu'une valeur soit claire, plus vous utilisez d'eau et moins de peinture dans cette zone. Ensuite, si vous voulez qu'une zone soit plus sombre et plus solide, vous utilisez moins d'eau et plus de peinture pure. Nous avons donc tout notre ciel ouvert. Et je ne veux pas encore sauter directement sur ces montagnes , car elles se heurtent à ce ciel très, très humide. Nous allons donc leur donner une minute. Mais ce que je pourrais faire, étant donné qu'il nous reste encore quelques minutes dans cette leçon, c'est de mettre un peu de vert. C'est ce qu'on appelle le feu vert de Hooker. N'importe quel type de vert foncé fonctionnera. Et je vais simplement appliquer une couche de base sur cette zone verte où se trouvent des arbres au sol et au milieu. Très bien, tout est assez sombre à cet endroit. Mais je vais quand même l' affiner un peu parce que je ne veux pas me laisser trop enfermer dans des couleurs très foncées tout de suite. Très bien, maintenant tu vois, puisque je n'ai pas jeté l'eau en premier cette fois, je suis capable de peindre avec un bord plus net et plus net. Vous pouvez donc déjà voir dans cette peinture deux effets très différents, deux approches très différentes pour appliquer la peinture sur le papier. Je ne vais pas m' attarder sur les détails pour l'instant. Nous sommes juste en train de couvrir le papier pour le moment. C'est ainsi que j'aime y penser. Cela le rend un peu moins intimidant. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. Il suffit de noter quelque chose. Ensuite, nous pouvons nous adapter. Il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire avec la superposition de couleurs. Nous allons certainement aborder le sujet puisque l' aquarelle est un support très transparent. Lorsque vous laissez sécher une couche et que aquarelle est un support très transparent vous en placez une autre par-dessus, vous verrez, selon la quantité d'eau que vous utilisez, selon la quantité d'eau que vous utilisez, la couche de base passer à travers et peut-être se mélanger à la couleur. Nous allons donc en profiter pleinement. J'utilise simplement ce pinceau plat parce qu'il est très utile pour créer certains de ces effets, les branches et créer certains de ces effets les feuilles ne le sont pas, ne sont pas trop pointilleuses pour le moment. Ils essaient juste de les faire entrer pour que je puisse commencer à le voir. Ensuite, nous nous adapterons au fur et à mesure. Dernier point mais non le moindre, toi. Très bien. Nous y voilà. Très bien, vous l'avez fait lors de notre prochaine leçon, nous allons commencer à travailler sur la montagne. Alors prépare-toi et je te verrai alors. 5. Peindre les montagnes: Bonjour à tous et bienvenue à la troisième leçon. Je suis Paul Richmond, impatient de recommencer à peindre avec vous tous. Et aujourd'hui, nous allons peindre les montagnes. Mon ciel, dans cette partie du milieu, est donc sec et je ne vais pas utiliser la technique mouillé sur mouillé cette fois-ci pour les montagnes, comme nous l'avons fait dans le ciel, parce que je veux qu'elles aient une arête plus nette. Vous pouvez voir à quel point le ciel est intéressant maintenant qu'il est sec. Vous pouvez voir toutes ces zones où il ressemble presque à du cristallisé, où il passe d'une couleur à l'autre. C'est l'aspect vraiment organique de l'aquarelle que je trouve magnifique. Et c'est en quelque sorte un transfert de contrôle. Il peut être difficile de laisser la peinture le faire en une seule fois. Mais j'aime beaucoup ce look. Mais comme je l'ai dit, pour les montagnes, nous n'allons pas le faire parce que je veux des bords tranchants, donc j'ai les mêmes couleurs que dans la vidéo précédente. Je vois les montagnes lointaines ou un bleu pâle. Ce que j'aimerais faire, c' est récupérer un peu de ce bleu. Mets-le au milieu. Ici. C'est ainsi que j' aime mélanger les couleurs. Alors je vais prendre juste une goutte de violet, une goutte de rouge. Tu n'en veux pas trop ou ça va rendre les choses boueuses. Mais j'essaie juste d'atténuer ce bleu, étant donné que les montagnes sont très éloignées, je ne veux pas que ce soit d'un bleu très vif. La couleur orange rougeâtre est bonne pour l'atténuer un peu. Comme j'ai du violet dans mon ciel dois aussi utiliser un peu de violet avec. Maintenant, la couleur semble toujours trop foncée ici sur la palette. Mais n'oubliez pas que vous ne pouvez pas ajouter du blanc pour éclaircir la couleur, même si certains kits d'aquarelle contiennent blanc et que vous pouvez l' expérimenter. Mais je n'ai jamais vraiment aimé le fonctionnement de l'aquarelle blanche. Je préfère utiliser le blanc du papier, n'est-ce pas ? Je vais chercher une autre serviette en papier. Lorsque vous avez fini de mélanger une couleur avec votre pinceau, passez-la simplement dans l' eau, puis je prends la serviette en papier et je la pince un peu. Et vous verrez que comme les poils de mon pinceau étaient blancs, la peinture les a tachés et ce n'est pas grave. Cela ne fait pas de mal tant que vous en retirez la peinture humide, vous pouvez passer directement à la couleur que vous souhaitez utiliser. Mais dans ce cas, j'utilise toujours du bleu, donc cela n'a pas beaucoup d' importance. Je vais l' éclaircir un peu. Alors je trempe mon pinceau dans l'eau. Voyez à quel point la palette semble uniforme et à quel point elle est plus claire. Cela ressemble beaucoup à la couleur que je recherchais, donc ça me rend heureuse. Vous devez réfléchir à une stratégie pour savoir où reposer vos mains lorsque vous peignez. Je suis droitier, donc je vais commencer à peindre les montagnes sur le côté gauche et continuer à travailler pour pouvoir toujours poser ma main sur le papier. Tu n'en as pas envie. n'y a rien de pire que de peindre quelque chose de beau et d' y mettre la main. Et je parle d' expérience, j'y suis déjà allée. J'ai donc commencé par le côté qui te convenait le mieux. Et je vais commencer ici et définir le bord de la montagne. Et comme je l'ai déjà dit, mais je ne le dirai jamais assez. C'est une bonne idée d' essayer d' être aussi léger que possible. Dans un premier temps. Vous pouvez toujours ajouter une autre couche et assombrir les montagnes. Si tu veux lire, assombrir quelque chose si tu veux. Mais si vous faites trop sombre au début, vous êtes en quelque sorte coincé. Puisque les arbres qui se trouvent entre la partie verte des montagnes ou d'un bleu plus foncé que les montagnes ne le sont. Je vais juste peindre les montagnes jusqu'au vert. Et puis, quand ça sèche, on peut peindre la prochaine rangée de montagnes au sommet. Et vous pouvez peindre directement dans les verts, voir si cela ne fait pas de mal. Maintenant, si vous frottez trop, cela pourrait réactiver le vert. Vous devez donc être un peu prudent, mais vous pouvez laisser une couleur se superposer à la suivante. Tu peux faire ce que tu veux. C'est ton tableau. Et j'espère que vous vous amusez avec ça, que vous ne vous sentez pas stressée ou que vous ne vous dites pas  : « Oh, ça doit être parfait ». C'est juste l'occasion pour vous d' apprendre les techniques et de vous amuser. J'ai intitulé de nombreux cours d'art au fil des ans. Et je sais que, pour une raison ou une autre, nous , les adultes, avons particulièrement tendance à aimer stresser. Nous craignons que ce que nous fabriquons ne soit pas parfait ? Peut-être que je ne devrais même pas faire ça. Est-ce que je perds mon temps ? J'ai 20 autres choses à faire sur ma liste de choses à faire et pourquoi est-ce que je m'embête à souffrir si je ne suis même pas douée pour ça, bla, bla, bla, bla, et je peux simplement les entendre parce que beaucoup de mes étudiants m'ont dit tout cela. Et je le comprends. Je veux dire, nous avons tous cette voix dans notre tête qui nous donne un sentiment de syndrome de l' imposteur. Ce n'est donc pas une séance de thérapie, mais je voulais juste vous dire, ne vous inquiétez pas, prenez vraiment le temps d'en profiter. Je trouve que l'aquarelle est un médium très relaxant. Et je pense que plus vous serez détendu quant à la façon dont vous l'utilisez, plus cela se reflétera dans la pièce finale. Donc, profitez simplement de ne pas être stressé. Nous prenons notre temps et nous accumulons les couches nécessaires. Nous allons donc voir cette peinture évoluer un peu au fur et à mesure. Nous en sommes encore à la phase de couverture papier de ce processus, ce qui représente une bonne rémunération. Maintenant, j'ai rendu mes montagnes un peu plus légères qu' elles ne devraient l'être. Et c'est une bonne chose car si vous regardez bien la photo, vous verrez que le bas des montagnes s' éclaircit un peu. Il y a une sorte de filtre de lumière à l'intérieur qui fait que le sommet des montagnes est plus sombre et que le bas de la montagne est plus clair. Donc, ce que nous pouvons faire tant que nous avons encore cette couleur ici, c'est, eh bien, je dis cela, mais en partant du principe. Donc je vais en prendre un peu plus. En fait, Nixon, mon violet, mon rouge, un peu plus de bleu. Je vais retraverser les sommets des montagnes, les assombrir un peu et les laisser couler ou se fondre dans un bleu plus clair. Très bien, alors je nettoie mon pinceau, le mouille bien. Et je vais juste revenir ici tout de suite. Je pose ma main dans le ciel parce que je sais que c'est peut-être encore un peu humide. Et je vais juste faire une autre couche, voir comment il fait plus sombre cette fois. , la même peinture en gros, mais c'est parce que je consomme un peu moins d'eau et aussi parce que cette zone est déjà payante, donc elle ne fait que s'y ajouter et le pigment s'assombrit. Et puis je vais juste le faire fondre en suivant le bas, là où vous voulez qu'il s'élargisse, et en utilisant simplement de l'eau pour laisser la peinture opaque du haut se fondre en eau. Et je vais me frayer un chemin à travers. Maintenant, j'ai remarqué ces montagnes ici. Les plus petits sont assez légers, même à distance. Je vais donc sauter ça et passer à ma prochaine grande question. Même si je vais essayer de trouver certaines de ces petites bosses que je vois, elles ressemblent probablement à de petits ou même à de grands arbres qui se trouvent là-bas. Donc, si vous voulez obtenir des détails vraiment précis, vous pouvez, si vous voulez simplement créer des formes de montagne simples, cela fonctionne aussi. En fait, je vais réduire cette couleur d'ombre, cette couleur plus foncée , parce que je vois sur la photo qu'il y une petite distinction entre cette montagne et celle qui se trouve à côté , qui s'assombrit un peu plus ici, ce qui ajoute un peu plus d'intérêt et de profondeur à l'œuvre. N'oubliez pas que moins c'est plus lorsqu' il s'agit de coups de pinceau. Si vous pouvez le faire d'un seul trait au lieu d'un tas de petits traits, vous peignez. Votre peinture le fera. Vous ne voulez pas que cela prenne le dessus sur le travail. Très bien, on y va. Nous avons quelques montagnes maintenant. Bon travail, tout le monde. Vous voyez, je savais que vous pouviez le faire. Dans notre prochaine leçon, nous allons passer à certains de ces arbres éloignés. Alors prépare-toi et je te verrai alors. 6. Peindre les arbres: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro quatre. Je suis Paul Richmond, et aujourd'hui nous avons des arbres à peindre. Alors allons-y. Très bien, je vais travailler sur cette rangée d'arbres lointaine maintenant en arrière-plan. Et ils sont également très bleus. Mais je n'y vois qu'une touche de vert aussi. Et je pense que cela apporte un tout petit peu cette couleur de premier plan, permet à ces arbres de se démarquer des montagnes et de se rapprocher un peu plus. Elles sont également un peu plus sombres que les montagnes ne le sont deux, mais nous allons nous y préparer. Jusqu'à présent, je n'ai utilisé qu'un seul grand pinceau plat. Je vais passer à la taille maintenant, elle fait environ la moitié de la taille de ce environ la moitié de la taille de pinceau parce que je veux être capable de le saisir et de créer des formes d'arbres intéressantes. mouillez, nouveaux pinceaux peuvent parfois sembler un peu raides au début, puis vous les mouillez et ils se ramollissent tout de suite. Ce sont des pinceaux très doux. Très bien, je vais prendre un peu de mon bleu céruléen. En fait, je vais tout prendre. Il y a beaucoup d'arbres, ils sont un peu propres à mes broussailles. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait. Alors je vais juste prendre un peu de vert. Vous n'en avez pas besoin trop car il est encore principalement bleu. Il y a juste un petit côté vert. Nous y voilà. Comme ça, même si c' est peut-être devenu un peu trop vert, laissez-moi y mettre un peu plus de bleu. Le mélange des couleurs est toujours une question d'équilibre. Un peu plus de bleu. Voyez ce que cela nous donne. Oh oui, comme ça. C'est magnifique. Alors n'abandonnez pas si vous mélangez les couleurs et que cela ne semble pas tout à fait correct. Prenez une minute pour l' analyser et voir, eh bien, de quoi a-t-il besoin ? Dans ce cas, c'était un peu trop près, trop loin, du vert. Donc, ajouter plus de bleu l'a fait revenir. Bien, nettoyez, mon pinceau devient un peu plus humide. Je veux qu'il fasse assez sombre, mais je continue à utiliser de l'eau parce que je ne veux pas qu'il le soit. Il s'agit toujours de ma première couche, donc nous allons augmenter jusqu'à la valeur la plus foncée. Mais pour l'instant c'est une bonne chose. Ensuite, ce que j'aime faire avec des arbres comme celui-ci, c'est commencer par déterminer où se trouve le tronc, la ligne médiane. Ensuite, sortez de là et faites de petites formes feuillues jusqu'à ce que vous arriviez vers le bas, puis tout devient plus solide. Il y en a un, nous en avons encore beaucoup à faire. Et comme le disent toujours les peintres de la télévision, vous pouvez créer ce monde. Comme vous le souhaitez, placez vos joyeux petits arbres partout où vous les imaginez. J'aime bien le fait que c' est une bonne façon de penser à la peinture parce que j'ai parfois l' impression qu'il est souvent très facile de se laisser emporter et de s'inquiéter idée que cela doit ressembler exactement à la photo, mais ce n'est pas si secret, d'accord. Mais pour de vrai, personne ne comparera jamais votre peinture à la photographie sans aimer la façon dont j'ai pris cette décision. Je voulais plus de couleurs dans mon ciel. Vous pouvez faire des choix artistiques tout au long du processus et modifier ce que vous voulez changer. Ou si vous gâchez quelque chose, vous pouvez simplement dire, eh bien, je voulais que ça ressemble à ça. Célèbre lignée de la plupart des artistes professionnels. À un moment donné, vous devez l'utiliser. Très bien, cet arbre se trouve un peu au-dessus de l'horizon ou au-dessus des montagnes, excusez-moi. Alors je vais le faire. Les construire en essayant de rendre les formes intéressantes. Vous savez, ne les considérez pas comme des arbres ou vous pourriez recommencer dessiner ce à quoi vous vous attendiez lorsque vous étiez jeune, comme ce petit sapin de Noël triangulaire. Il suffit de regarder, d'étudier les formes, les formes organiques, la direction dans laquelle les feuilles poussent et d'imiter cela avec votre pinceau. Mais vous optez plutôt pour l'impression, non pour une reproduction exacte de ces arbres spécifiques à V. Nous nous frayons un chemin. Ça a l'air bien. Encore la plupart du temps, une seule couleur. Vraiment, nous ne faisons pas encore beaucoup de mélanges. Nous allons, ajouterons plus de couleurs à ce cours. Mais pour rester simple pour le moment, trouvez une couleur qui fonctionne bien avec cette section générale. Et je m'en sers. Vous verrez que j' essaie de laisser quelques petits espaces ici parce que c'est plutôt agréable d' avoir des ouvertures dans les feuilles pour avoir des ouvertures dans donner l' impression qu'il ne s'agit pas simplement d'un mur d'arbres solides, mais plutôt entrecoupées. Il y a peut-être quelques couches quelques rangées et de petits espaces négatifs. C'est ce que vous appelez les ouvertures, où vous pouvez voir ce qui se cache derrière quelque chose. Vous voulez essayer d'inclure une certaine variété dans la mise en forme et, dans cette taille T, vous ne voulez pas qu'ils se ressemblent tous. J'en ai donc créé des courts, des vents arrière, autres très rapprochés, d'autres plus espacés. Quoi, qu'est-ce qui rendrait cela vraiment anormal , comme si vous faisiez le même arbre et encore et que vous les faisiez tous être à une distance égale les uns des autres ? Ce serait le cas, à moins que vous n'optiez pour un style plus fantaisiste avec des motifs et d'autres choses. Mais si vous optez pour quelque chose de réaliste, variété y contribue vraiment. Cela donne l'impression d'être de plus en plus organique, de plus en plus comme dans la nature. Je sais que ce vert que j'ai peint ici finira par s'assombrir. Donc, je ne m'inquiète pas trop de savoir si je mets un peu de bleu là-dedans. C'est bon. Je pense que c'est toujours mieux de laisser la peinture bouger, de s' laisser la peinture bouger, de installer dans l'espace de ses voisins tant qu'il fait plus sombre là-bas. Parce qu'ainsi, vous ne vous retrouvez pas avec tous ces coups de pinceau qui donnent l'impression éviter cet endroit avec précaution. Si cela a du sens, vous pouvez presque avoir l'impression qu'il y a un halo autour de vous ou quelque chose comme ça si vous ne faites pas attention. Alors je peins juste dessus. Nous nous frayons un chemin à travers. Comment allez-vous ? Tu t' amuses à faire tes arbres. Ça a l'air d'être un endroit très beau. J'adorerais y aller. Je suppose que nous arrivons, du moins dans notre imagination, arbre caché derrière un arbre vert. Peut-être encore un peu plus grand avec toi. Je trouve que les arbres sont vraiment amusants à peindre. J'aime peindre toutes sortes d'arbres. Des arbres comme celui-ci, mais aussi grands. J'aime beaucoup les grands arbres tordus avec des branches qui se tordent un peu et qui ont des formes intéressantes. Tellement de variété. Passez toute votre carrière à peindre des arbres. Mais personnellement, j'aime trop peindre des personnages pour cela, donc j'aurai un arbre en arrière-plan, mais la plupart de mes peintures. Très bien, faisons-en un ici. Une chose que vous avez peut-être déjà remarquée, c'est que lorsque vous avez fini de peindre votre journée et que vous la laissez sécher. Lorsque vous y revenez, cela peut sembler, la peinture peut sembler un peu plus claire qu'elle ne l'était, ou la nouvelle dont vous vous souvenez peut sembler belle. C'est tout à fait normal. La peinture à l'aquarelle a tendance à sécher un peu plus légèrement qu'elle n'en a l'air lorsqu'elle est mouillée, ce qui peut être une bonne chose. Surtout si vous essayez de faire trop sombre et si vous êtes un peu autoritaire, je suppose que c'est parfois le cas, alors c'est peut-être ce qui vous sauvera. Mais c'est aussi quelque chose que vous devez planifier lorsque vous atteignez les dernières couches. suffit de savoir qu'il peut sécher un peu plus légèrement que ce que vous voyez lorsqu'il est mouillé. Vous pouvez donc faire des ajustements pour cela ou simplement revenir en arrière et créer une autre couche pour l'assombrir davantage. Encore un arbre par ici. Je vais juste les réunir toutes parce qu' il y a juste une grande section bleue ici. Très bien, on y va. Nous avons maintenant nos arbres intermédiaires. Un travail magnifique. Vous pouvez commencer à le voir se mettre en place maintenant, n'est-ce pas ? Nous avons encore beaucoup de chemin à parcourir, alors ne jugez pas votre travail trop sévèrement, notre prochaine leçon sera très amusante car nous allons commencer à peindre l' eau. On se voit alors. 7. Peindre l'eau: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro cinq. Je suis Paul Richmond. Et aujourd'hui, nous allons commencer à jouer dans l'eau. Nous allons peindre des ondulations, des reflets et toutes ces choses amusantes. Alors allons-y. Je suis enthousiasmé par ce rôle car j'adore peindre à l'eau. Je pense que tu peux t'amuser beaucoup avec ça. Soyez très lâche, puis revenez en arrière et ajoutez plus de détails et d'ondulations. Cette première couche utilisera donc à nouveau la technique « mouillé sur mouillé », comme nous l'avons fait dans le ciel , pour lui donner un aspect organique fluide. Et une autre chose que je voulais mentionner, c'est que je vais peindre l'eau de manière à recouvrir complètement cette section dans le coin où vous pouvez voir ces herbes. Et c'est parce que je veux d' abord pouvoir terminer l'eau jusqu'au bout, puis y apporter la touche finale. Tout ce qui se trouve sur l'herbe est plus sombre que l'eau qui l'entoure. Il sera donc très facile d' entrer et de le peindre à la toute fin. Sinon, si nous le peignions maintenant, nous devrions contourner tout le temps que nous passons à travailler dans l'eau. Et j'aime pouvoir être plus souple. Je fais quelque chose avec des reflets, des ondulations et d'autres choses. Je pense donc que c'est un bon exemple pour montrer que lorsque vous réalisez une aquarelle, vous devez parfois être un peu stratégique quant à ce que vous choisissez de peindre et à quel moment. Donc, dans ce cas, nous allons simplement recouvrir toute la partie inférieure du papier avec de l'eau propre. Et encore une fois, lorsque vous faites cela, vous devez travailler rapidement. Je suggère donc un beau gros pinceau, comme celui que j'utilise ici. Avec toute cette zone inférieure. C'est pourquoi nous l'enregistrons. Si c'était inscrit dans le livre et que nous y mettions autant d'eau. Ce serait un véritable gâchis en ce moment. Heureusement, nous n'en faisons pas l' expérience. Très bien, maintenant, l'eau, les couleurs de l'eau sont essentiellement une image miroir de ce qui se passe au-dessus, car l'eau est réfléchissante. Je vais donc commencer par cette orange rougeâtre où l'ouverture se trouve entre la grande ouverture entre les montagnes. Je vais donc juste entrer et faire la plupart des traits que j'aime faire lorsque je peins à l'eau ou à l'horizontale. Vous pouvez voir que sur la photo, les ondulations, le mouvement de l'eau sont très horizontaux. J'utiliserais tes coups de pinceau pour imiter ça. C'est une bonne idée de toujours réfléchir à l'orientation de ce que vous peignez. Comme. Lorsque nous peignions les feuilles des arbres, elles se déplaçaient dans tous les sens pour suivre leur mouvement. Avec de l'eau. Pense à la façon dont ça coule, la façon dont nos yeux perçoivent ces ondulations. Et imaginez presque que vous sculptez chaque petite section de votre scène. Très bien, maintenant je vais prendre une couleur bleu-violet. Juste en utilisant une touche de violet. Parce que cela le rendra également plus agréable à l'orange. Si vous passez directement du bleu à l'orange, puisque ce sont des opposés, cela deviendra un peu boueux. Il est donc bon d'utiliser un tampon. Et c'est ce qu'est le violet dans ce cas. D'accord. C'est une sorte de théorie des couleurs, mais je pense que c'est bien d'y réfléchir. Cela semble vrai lorsque vous peignez un ciel, par exemple si vous faites un coucher de soleil, peut-être que le ciel passe d'une couleur jaune à l'horizon à une couleur plus bleue au-dessus. Si vous partiez directement du jaune et que vous le mélangez ensuite au bleu, il deviendrait vert, car le bleu et le jaune font le vert. Vous devez donc ajouter une autre couleur comme tampon entre les deux afin d'obtenir une transition plus naturelle. Encore une fois, en le gardant très, très léger ici. C'est certainement une section que nous allons développer au fur et à mesure. Ce n'est que notre première tentative. Je vais m'en procurer un peu plus. C'est mon bleu céruléen. Je pourrais opter pour bleu outremer. Si vous en avez, c' est aussi une bonne solution. Le bleu céruléen est un peu plus chaud. C'est un peu comme une couleur bleu ciel. Le bleu outremer est plus profond. Dans une glacière. Il y a un peu plus de violet dedans. Tout est encore humide et ce n' est pas du tout surchargé de travail. Je vais donc continuer à ajouter du bleu. Voyez comment nous savons qu'il est mouillé, car lorsque je mets les coups de pinceau et que vous ne voyez pas de bord, cela se répercute sur ce qui s'y trouve. Regardez certaines zones où le bleu se retrouve peut-être dans la section orange. Ce n'est pas comme si tout était parfaitement réparti. Ça y est, l'eau bouge. Les ondulations créent ce mouvement de texture. Vous voulez donc que les couleurs suivent et entrent et sortent les unes des autres. Cela vous donnera le look le plus réaliste possible. Ça va être tellement amusant. Il suffit de penser qu'après cette leçon, tout le document sera couvert. Nous avons terminé à peu près le tiers du chemin, et nous sommes vraiment bien placés parce que nous avons de la peinture partout sur le papier et maintenant nous retrouvons schizo, revenons en arrière, peaufinons à notre guise et le rendons magnifique. Si vous n'aimez pas encore votre peinture. Ne t'inquiètes pas. Je pense qu'une chose que beaucoup d'artistes font, c'est de juger leur travail trop tôt. Décidez que ce n'est pas bon, que cela ne fonctionne pas. C'est un gâchis. Je ne sais pas ce que je fais, mais bien en dessous. Mais si vous pouvez simplement accepter que cela fait partie du processus, que cela ne sera pas parfait tout de suite. Cela prend du temps. Tu ne veux pas trop travailler. Il suffit de donner l' impression que les couleurs se déplacent de manière naturelle. Vous pouvez faire des lignes plus fines même si vous voulez simplement utiliser le bord de ce pinceau. Faites-en plus avec la couche suivante de l'œil pour commencer et réaliser certains de ces mouvements. Maintenant, cela m'aide simplement à voir l'eau. Cela se voit sur le pH. Parfois, lorsque vous faites glisser votre pinceau dans une zone humide, cela peut légèrement soulever la peinture. On va donc passer d'une marque plus foncée à une marque plus claire, ce qui est intéressant à mon avis. Et je vais y ajouter une touche de vert pour créer une couleur verte ou bleue un peu plus foncée à utiliser ici, le long de la rive. Parce que c'est là que cela refléterait vraiment un peu plus cette couleur. Je ne vais pas devenir fou avec ça. Un peu trop sombre. Si vous posez un trait et qu'il fait trop sombre comme ça, nettoyez simplement votre pinceau , mouillez-le bien et mouillez-le. Tu peux revenir en arrière et y intégrer un peu. Nous y voilà. Cela arrive parfois. Il faut beaucoup de pratique pour s'habituer à évaluer l' foncé ou clair aspect foncé ou clair de la peinture en fonction de la façon dont vous avez chargé votre pinceau. Donc, si vous êtes nouveau dans ce domaine et que c'est une pierre d'achoppement pour vous, ne vous inquiétez pas. C'est quelque chose que l'on fait de mieux en s'entraînant. Très bien, je me sens plutôt bien cette eau pour le moment. Je veux vraiment y revenir et m' y intéresser davantage avec notre prochaine couche. Mais comme point de départ, je pense qu'il est souvent rendu. Joli travail. N'était-ce pas amusant ? J'adore peindre à l'eau. Tu peux être si libre et si lâche. Je pense que cela fait ressortir certaines des meilleures qualités de la peinture à l'aquarelle. Dans la prochaine leçon, nous allons commencer à revenir en arrière sur ce que nous avons fait précédemment et à ajouter plus de détails. On se voit alors. 8. Ajouter le détail de la montagne: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro six. Je suis Paul Richmond. Et aujourd'hui, nous allons revenir sur ce que nous avons déjà peint une fois, y compris le ciel et les montagnes, et faire quelques ajustements et ajouter plus de détails. Alors allons-y. Maintenant que tout le document est couvert, nous pouvons revenir en arrière, nous pouvons revenir en arrière, le traiter section par section et commencer à ajouter des détails, peaufiner jusqu'à ce que nous ayons l' impression que c'est terminé. Nous sommes donc en bonne forme. Nous avons parcouru le tiers de ce cours et il nous reste encore beaucoup de temps pour bricoler, ce qui est l'une de mes activités préférées avec la peinture. J'aime revenir en arrière et suivre le même chemin que pour la première couche. Je vais donc commencer par le ciel, puis me frayer un chemin à travers les arbres des montagnes, pour finalement atteindre la zone aquatique dans cette herbe à l'avant. Je suis plutôt content du ciel dans l'ensemble. J'aime son côté souple. J'aime la façon dont les couleurs apparaissent. Ils sont amusants. Aquarelle, tu fais saigner le truc. La seule chose que je n'aime pas pour le moment, c' est que j'ai l'impression que la couleur de ce jaune orange devient un peu trop intense et qu'elle en enlève peut-être un peu au reste de l'image. Permettez-moi donc de vous montrer ce que vous pouvez faire si vous vous retrouvez dans une situation comme celle-ci où vous souhaitez atténuer un peu le ton. Vous pouvez faire quelque chose que vous appelleriez un glaçage ou un lavage. Nous allons donc peindre très, très finement, principalement à l'eau, juste une touche de pigment sur cette zone pour que ce qui s' y trouve reste visible. Il sera simplement teinté par la couleur que nous appliquerons sur le dessus. Donc, ce que je veux faire, c'est atténuer le jaune. Je regarde donc la roue chromatique dans la couleur opposée du jaune qui est le violet. Alors je vais prendre, j'utilise ce pinceau arrondi cette fois, tu peux utiliser ce que tu veux. Je vais prendre juste un peu de violet. Toi, crois-moi, tu n'as pas besoin de grand-chose. Et je vais même y mettre une touche de cette couleur orangée. Tu touches du rouge. Ce que je suis ce que j'essaie d'obtenir, je ne veux pas simplement y mettre du violet pur. Ça va ressortir, mais je veux que le violet et le jaune commencent à se neutraliser sur ma palette. Donc ça ressemble presque à un, peut-être plus, juste un brownie. Brownie. Je dois avoir faim. Un ton brun légèrement teinté de violet. Vous n'en aurez peut-être même pas besoin. Donc je suis juste en train de vous montrer, si jamais vous le faites, si jamais vous êtes satisfait de votre ciel tel qu'il est, ne vous inquiétez pas pour ça. Donc, principalement de l'eau et qui passe très doucement par-dessus. Mon jaune et atténue-le juste assez. Veillez à ce que ce ne soit pas vraiment le cas, que cela n'ait pas changé. Vous pouvez toujours voir tous les traits textures et tout le reste. Cela atténue simplement cette couleur, et c'est exactement ce que nous voulions. Nous y voilà. Je préfère ça. Il y a encore du break, ce qui est bien. J'aime un ciel radieux. C'est juste que je n'ai pas l'impression de sortir du tube. Jaune, orange. Maintenant, vous pouvez le faire autant de fois que nécessaire, mais vous devez le laisser sécher entre les deux. En fait, j'en suis plutôt contente, car c'est lorsque je termine le reste du travail de peinture et que je peux toujours y retourner et en faire plus si je pense que c'est nécessaire, mais je pense que nous sommes peut-être bien ici. D'accord. C'était facile. Maintenant, la prochaine étape est de retourner dans les montagnes. Donnez-leur un peu plus d'amour, voyez de quoi, voyez ce dont ils pourraient avoir besoin. Je pense qu'une grande partie de la réalisation d'une peinture, en particulier d'une peinture figurative comme celle-ci, signifie qu'elle est basée sur quelque chose de réel. Vous voulez prendre une minute pour vraiment regarder la référence et qu'y voyez-vous qui n'apparaît pas encore dans le tableau ? Quand je le regarde, je vois des traces de petites crêtes dans les montagnes. Et je constate que les montagnes prennent également un tout petit ton chaud ici, dans cette zone claire. C'est presque comme si une partie de la chaleur du ciel se reflétait juste ici dans cette partie plus claire de la montagne. Maintenant, c'est une chose assez subtile. Peut-être pas, vous ne l'avez peut-être pas remarqué ou peut-être ne le voyez-vous toujours pas. Mais si vous zoomez vraiment sur l'image et regardez la température de la couleur, ce qui signifie que, qu'il fasse chaud ou froid, la température de ce bleu se déplace légèrement vers le chaud. Ici en bas. Je voudrais commencer par utiliser à nouveau un peu de ce bleu avec une touche de violet. Allez-y et utilisez toujours cette zone centrale de ma palette. Donc bleu et violet, restez assez fin , je ne le suis pas, je n'essaie pas de faire vraiment noir ici. Alors reviens. J'utilise un pinceau un peu plus petit cette fois. Et je peins juste sur certaines de ces crêtes que je vois. Je recherche les détails. N'oubliez pas que vous ne recevez quelques coups dedans qui vous aideront à vous sentir bien. Ce n'est pas juste une grande chose solide. Il a de la texture, des bords, des éléments qui commencent par le haut et qui descendent vers le bas parce que c'est là que les arêtes sont les plus apparentes sur l'image. Il semble qu'il doit y avoir un peu de brouillard ou de brume ici, parce que lorsque nous arrivons à la partie la plus claire, je ne vois pas autant de détails. Je vais donc suivre, suivre ce que je vois sur l'image. Il suffit de les peindre là où ils apparaissent. Je pense que l'un des plus grands défis auxquels sont confrontés les artistes en général lorsqu'ils réalisent des œuvres réalistes est de ne pas simplement peindre ce que nous savons, ce à quoi nous pensons que quelque chose ressemble , mais de vraiment étudier , de vraiment regarder ce qui est notre référence. Et essayez de choisir certaines des choses subtiles que d'autres personnes remarqueront peut-être. Même certains des détails que je suis en train de peindre en ce moment n' auraient peut-être pas été très évidents pour tous ceux regardaient cette image avant vraiment ralentir et de l'étudier. Ici, j'ai un peu de jaune répand sur la montagne. Mais ça ne me dérange pas, j'ai l'impression que la couleur du ciel se reflète un peu sur la montagne, alors je vais suivre. Mais tu pourrais le soulever si tu le voulais. Si vous avez de la couleur dans une zone que vous n'en voulez pas, si vous prenez simplement un pinceau propre rempli d'eau dessus et que vous passez en revue la couleur. Vous ne voulez pas le frotter, mais très doucement. Vous pouvez réactiver la peinture , puis la soulever avec une serviette en papier. Si vous trouvez de la peinture à un endroit où vous n' en voulez pas et que vous voulez pouvoir l'enlever. C'est ainsi que vous pourriez laisser une petite impression, mais vous pouvez en obtenir la majorité. Comme ce que nous faisons ici est assez subtil, cela rend l' arrière-plan un peu plus intéressant, un peu plus activé. Et pas comme des coups de pinceau aléatoires partout. Les coups de pinceau ajoutent à l'histoire, je suppose, au lieu de simplement remplir l'espace. Et puis encore une fois, attendez. Portez ce haut un peu mieux. L'objectif est de donner l'impression que chaque coup de pinceau est intentionnel. Beaucoup d'accidents heureux se produisent. Mais si tu peux juste revenir en arrière et y arriver, faire en sorte que tout le monde ait l'impression que c' est ce que je voulais. Très bien, et maintenant je vais nettoyer mon pinceau et prendre juste une petite touche d'orange, de rouge et de violet, pour qu'il ne soit pas aussi brillant. Ensuite, nous voulons vraiment éclaircir tout cela , car nous n'essayons pas de peindre les montagnes en orange. Nous voulons juste qu'il fasse un peu plus chaud vers le bas. Ce serait un domaine où il serait très facile d' exagérer très rapidement. Je suis juste en train d'ajouter un peu de cette couleur. Très subtil. Si tu en prends trop, tu peux juste gonfler avec une serviette en papier. Mais regardez la différence que cela fait. un peu ça, rassemble toute la montagne et relie davantage au ciel. C'est très subtil, mais lorsque vous pouvez faire bouger les couleurs d'une pièce, au lieu de vous contenter d' une zone isolée, vous finissez par au lieu de vous contenter d' une zone isolée, créer une image beaucoup plus harmonieuse. C'est le terme technique, ou vous pourriez simplement dire que cela donne une belle apparence. Lorsque vous avez une couleur qui n' apparaît que dans des zones isolées, exemple si toutes les feuilles étaient vertes ou le ciel est bleu, que le ciel est bleu, peu importe, on parle de couleur locale. Cela signifie que la couleur reste au même endroit, ce qui est bien aussi, si c'est le look que vous souhaitez. Mais si vous recherchez plus de réalisme, plus de mouvement de la couleur, c'est la solution. Il suffit de regarder où vous voyez ces changements de température et d'autres choses et essayez de le faire ressortir un peu. Un professeur m'a dit un jour que si vous vouliez donner à une peinture un aspect réaliste, il parlait spécifiquement de paysages, mais cela fonctionne avec n'importe quoi. Chaque fois que vous constatez un changement de valeur dans quelque chose. Ainsi, le passage d'une valeur plus foncée à une valeur plus claire signifie simplement la luminosité ou l'obscurité de l'image. Où que tu voies. Le changement de valeur, comme nous le voyons ici sur ces montagnes, se produira également un changement de température car lorsqu'un objet est en blanc ou dans l'ombre, la température de la couleur chaude ou froide de la couleur changera légèrement. Donc, en fait, c'est une touche très subtile, mais cela fait vraiment une grande différence dans l'ensemble de la pièce. Bon travail, tout le monde. Dans notre prochaine leçon, nous allons simplement continuer vers le bas en ajoutant plus de détails sur les arbres distants. On se voit alors. 9. Ajouter des détails dans les arbres lointains: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro sept. Je suis Paul Richmond. Et aujourd'hui, nous allons retourner dans les arbres lointains et commencer à ajouter plus de détails. Allons-y. Il est maintenant temps de revenir à la limite des arbres lointaine et de faire ressortir plus de détails. Étudiez vraiment toutes les couleurs et tous les tons que nous voyons dans cette section de l'image. Je vais donc zoomer un peu sur l'image afin que nous puissions nous concentrer sur environ la moitié d'entre elles pour le moment. Ensuite, nous passerons à l'autre moitié plus tard. Cela ne veut pas dire que nous devons peindre chaque arbre exactement comme il est, mais cela nous permet simplement de prêter attention à certains détails que nous ne remarquerons peut-être pas si nous zoomons dessus. Donc, lorsque je peins quelque chose comme ça, ma règle générale est de commencer peindre en regardant l'image dans son ensemble afin de ne pas me laisser trop rapidement emporter par les détails. Mais lorsque je suis prête à voir les détails, zoomez pour vraiment voir ce que je fais. Maintenant, j'utilise un pinceau plus petit pour obtenir un petit bout. Ce sera idéal pour faire certains de ces troncs et branches d'arbres et ajouter des détails supplémentaires. Mais je vais utiliser un pinceau plus gros pour mélanger les couleurs. Je veux mélanger à nouveau le bleu que nous avons utilisé pour ces arbres. Ensuite, nous pourrons en créer quelques nuances différentes. Je vais mettre un peu de travail, mon bleu civil sur la palette. Et ajoutons une touche de violet, de vert qui ne se limite pas au toucher. Tu te laisses toujours emporter. Si vous mettez trop de couleur avant de la mélanger, vous pouvez simplement l'essuyer. Oui, c'est ça. Je voulais juste autant de vert. Un beau vert. Touchez-la de ce bleu pour vous en souvenir, si vous utilisez toujours la même palette que celle que vous avez toujours utilisée. Si la couleur commence à sécher ou si elle est complètement sèche, suffit d' y ajouter de l'eau pour il suffit d' y ajouter de l'eau pour lui redonner vie. Plus de violet. C'est une jolie couleur. C'est donc le violet qui lui donne l'impression de reculer au loin. Et puis le green le tire un peu vers le vert ici. Ces représentations sont donc très coincées entre les deux. Mais lorsque vous zoomez et que vous regardez, vous pouvez voir des zones un peu plus vertes dans des zones un peu plus violettes, même si dans l'ensemble, c'est bleu. J'ai donc ma couleur et je vais probablement choisir quelques-unes des autres couleurs pures. C'est en cours. Mais commençons par ceci. Vous n'avez pas besoin de beaucoup d'eau sur votre pinceau, mais vous en voudrez un peu. L'une des premières choses que j'ai remarquées c'est que l'on ne voit vraiment pas les troncs plus que ce que j'avais peint. Donc je vais y retourner et assombrir un peu avec ces quelques branches, peut-être. Tu ne veux pas faire grand-chose. Vous ne voulez pas que cela soit trop forestier, trop caricatural ou quoi que ce soit d'autre, mais simplement ajouter ces petits détails supplémentaires. Et il y en a quelques-unes où vous ne voyez que la ligne du tronc et il n'y a pas de feuilles sur cette section, alors peut-être que quelques branches dépassent. Je vais donc expliquer comment vous pouvez utiliser ce pinceau plus pointu. Vous pouvez vraiment y entrer et faire beaux travaux de détail comme ça. Si vous aimez les détails, nous avons atteint la partie de ce cours que vous allez adorer. Je vais aussi revenir en arrière et faire en sorte que certains côtés de l'arbre, d' autres ou les bords des feuilles les cassent un peu plus. Fait intéressant, des touffes de plus en plus petites. Le simple fait d'ajouter une couche supplémentaire d'intérêts en détail donne l'impression d'être un peu plus précis. Je vais peut-être créer une zone ici où j'y ajouterai un peu plus de vert, parce que je pense que cela peut parfois être agréable de voir comment certaines couleurs changent dans une zone que vous n' aimez pas, comme je le disais tout à l'heure, vous ne voulez pas que la couleur reste locale. Vous souhaitez déplacer les autres couleurs. Peut-être même pour faire comme certains troncs, certaines zones ne sont que du bleu outremer ou du bleu civil. Juste différent, quelles que soient les couleurs que vous voulez. Toutes ces petites choses. Les détails sont maintenant plus précis, ce qui rend les bords des feuilles plus précis. Je pourrais passer une éternité à faire ça. Nous avons des problèmes maintenant. Ces leçons vont durer de 10 minutes chacune à 10 heures. Vraiment, je vais m'en tenir à ma limite de temps. Je veux dire, je trouve que c'est la beauté de l'aquarelle, d'une certaine manière, elle peut sembler terminée à tout moment. Si vous peignez quelque chose de la vie. Si nous étions réellement dans cet environnement pour peindre cette scène, vous n'auriez que très peu de temps, probablement des ressources limitées, car vous ne pourriez pas emporter une tonne de choses avec vous. Vous pourriez créer une pièce très finie qui ne soit peut-être pas très détaillée, mais qui capture l'ambiance, cette atmosphère, l'atmosphère générale du lieu. Peu importe le niveau de détail de votre peinture, je pense que c'est vraiment de cela qu'il s'agit car nous avons déjà la photo, donc nous n'avons pas besoin de vous, vous n' avez pas besoin de la reproduire exactement. Nous voulons simplement pouvoir avoir une peinture, une peinture avec des zones plus expressives qui ressemblent toujours à cet endroit et qui pourraient même ressembler davantage à cet endroit. Parce que parfois, la photographie peut être un peu limitée. Surtout si vous êtes comme moi et que vous ne savez pas grand-chose à ce sujet. Je ne suis pas un grand photographe. J'ai suffisamment appris pour pouvoir prendre des photos de référence pour moi-même, si c'est à peu près tout. Mais si vous savez, par exemple que le ciel dans des zones très lumineuses a souvent tendance à être effacé sur vos photos. Ensuite, vous pouvez faire comme nous l'avons fait ici dans cette peinture et l'assombrir. Ajoutez une couleur que vous pensez être présente. C'est pourquoi il est également intéressant de peindre à partir de vos propres références, car vous avez déjà vécu cet environnement et vous vous souvenez peut-être de détails qui ne sont pas capturés sur la photo. n'y a rien de mal à peindre à partir de d'autres personnes, de photos de stock ou quelque chose comme ça. Mais si vous pouvez peindre vous-même, c'est encore mieux et vous, c' est plus original pour vous, vous appropriez entièrement ce concept. Vous pouvez peindre à partir de n'importe quoi, surtout si vous vous entraînez , trouvez des images qui vous plaisent. L'une des choses merveilleuses que j'aime dans le fait d' enseigner la peinture aux gens, surtout quand on pense simplement à travailler avec la couleur, c' est que cela change vraiment la façon dont vous voyez le monde après avoir travaillé sur cette peinture. Si c'est la première fois que vous faites quelque chose comme ça, vous remarquerez maintenant beaucoup plus de couleurs dans le monde qui vous entoure. Et des choses de plus en plus subtiles parce que vous avez été obligée de vous arrêter vraiment faire attention et de regarder de près celle-ci. Beaucoup de mes étudiants m'ont dit, Paul, que tu m' avais ruinée. Comme quoi tu veux dire ? Comme on dit, je ne peux pas arriver à temps maintenant parce que je dois toujours m' arrêter et garer ma voiture pour admirer les couleurs du ciel ou du coucher du soleil ou quoi que ce soit d'autre. Je ne pense pas que cela signifie que tu es ruinée. Je pense que cela signifie que vous appréciez davantage les choses. C'est une bonne chose. Mais je ne dirais pas ça. Je ne veux pas avoir l'impression d' avoir ruiné quelqu'un. Prenez donc votre temps pour cette étape. Je pense que lorsque vous faites cette première couche, c'est bien d'y aller vite. Ainsi, vous ne surmenez pas une zone. Vous ne voulez pas supprimer les journaux, comme on les appelle communément, si vous en faites trop et trop rapidement. Mais maintenant que nous sommes dans cette phase de détail, si, surtout si vous utilisez un petit pinceau comme IN, prenez votre temps et voyez vraiment ce que vous pouvez faire ressortir. Allez dans une petite section à la fois. Faire ressortir des touches de branche d'arbre ici et là. Mais je saute parce que c'est un peu comme ça que cela apparaît sur la photo. Et cela donne l' impression qu'il y a peut-être une touffe de feuilles qui chevauche cette partie ou quelque chose comme ça. Ce n'est pas que vous ne voulez pas que ça ait l'air trop emporte-pièce, je suppose que c'est la bonne façon de le dire. Bien, nous allons continuer à travailler sur cette section d' arbres dans notre prochaine leçon. Veillez donc à enregistrer ces couleurs. Nous y reviendrons tout de suite. Excellent travail à tous. J'espère que cela vous a plu. Et notre prochaine leçon, nous allons simplement continuer à travailler sur ces arbres. Alors je te verrai alors. 10. Ajouter plus de détails aux arbres lointains: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro huit. Je suis Paul Richmond. Et dans cette leçon, nous allons continuer ce que nous avons commencé précédemment , à savoir peindre les détails sur les arbres éloignés. Alors allons-y. Reprenons là où nous nous sommes arrêtés sur ces arbres lointains. J'ai fait environ le tiers du chemin. Je vais voir si je peux aller jusqu'au bout cette fois. Je ne fais aucune promesse. Très bien, allons-y. Je viens juste d'utiliser le violet, bleu céruléen, le bleu outremer et le vert prostitué. Je les ai juste ici, au milieu de ma palette, et j'en prends un peu dans une section, prends un peu ailleurs. Je ne suis pas quelqu'un qui garde une palette très ordonnée Quel que soit le support sur lequel je travaille, ma palette a tendance à devenir un peu désordonnée. J'aime ça, d'accord, ça marche pour moi. Certains artistes ont vraiment besoin que tout soit un peu plus organisé. Donc, si vous l'êtes, si vous êtes cette personne, nettoyez votre palette et faites-la fonctionner, vous. Mais j'aime bien avoir ces petits endroits où je peux poser mon pinceau et profiter un peu de ce petit événement. Et c'est un peu différent à chaque fois. Cela fonctionne bien pour cette étape. Parce que je ne veux pas continuer à utiliser exactement la même couleur à chaque fois que je veux apporter de la variété. J'adore l'aspect superposé de l'aquarelle. ai vraiment tous les médiums, tous les médiums de peinture que j'utilise. L'une de mes activités préférées est de poser ou même lorsque je fais de la peinture à l'huile, vous pouvez créer couches transparentes intéressantes, faire du glaçage et toutes ces choses. Chaque média possède ses propres spécialités. Mais il y a aussi beaucoup de choses que vous pouvez transférer de l'un à l'autre. Donc, si vous aimez cela, vous aimerez peut-être peindre avec d'autres médiums. Cela vaut donc la peine d'essayer autant que possible pour voir ce que vous préférez. Et je vais certainement offrir d'autres cours sur d'autres techniques de peinture comme l'acrylique et l'huile et d' autres techniques de ce genre. Nous pouvons donc tout essayer ensemble. Voyez ce que vous pensez, ce que vous avez préféré. Si vous êtes comme moi, vous pourriez finir par les aimer tous. Ça va aussi. Je n'essaie pas non plus de faire la même chose à tout le monde. Je sais que je l'ai déjà dit, mais cela vaut la peine de le répéter, simplement parce que lorsque vous faites quelque chose qui se répète beaucoup, il est facile de tomber dans un état d' esprit où vous faites les mêmes marques et le même traitement à chaque chose. C'est pourquoi je trouve très utile d'avoir la photo de référence à côté de moi et de la regarder fréquemment. Même si je ne peins pas nécessairement exactement ce que j'y vois, cela m'inspire simplement pour différentes manières de déplacer le pinceau, pour créer différents types de formes pour ne pas tomber dans le piège. Faire la même chose encore et encore. Votre limite forestière ne devrait pas ressembler à un tampon en caoutchouc. et encore. Chacun doit être un peu différent. Maintenant, c'est plus amusant pour toi de dire, honnêtement, je déteste faire tout ce qui est trop répétitif et que c'est très monotone pour moi. Donc j'aime la variété. Dans certains de ces arbres, ils sont plus éloignés que d'autres. Donc, certains d'entre eux vous permettent de voir plus de détails et d'autres pas. Vous pouvez donc décider que, comme celui-ci, il a déjà l'air un peu plus clair que les autres, donc je ne vais pas faire trop sombre avec eux et nous allons donner à celui-ci l' impression qu'il est un peu plus en arrière et peut-être que nous ne verrons même pas le coffre dessus. Nous allons juste améliorer un peu les bords des feuilles et ensuite dire que c'est bon. Il ne ressemble donc pas exactement à celui d'à côté. J'aime vraiment imaginer que je suis là quand je peins quelque chose comme ça . C'est la réalité. Je suis attiré par ce que je peins. C'est une sensation formidable. C'est comme une telle évasion. Passez simplement ce temps dans ce paysage magnifique et imaginez ce que c'est que de marcher là-bas, voir tous ces arbres, la lumière chaude qui vous frappe. Je trouve donc cela tellement relaxant et merveilleux. Être artiste est la meilleure chose au monde car vous pouvez simplement rester dans votre chambre, votre studio ou n'importe où vous travaillez et voyager partout. J'ai commencé à beaucoup enseigner en ligne pendant la COVID, en particulier en travaillant avec des enfants. Et l'un des avantages de pouvoir leur enseigner l'art à cette époque, c'est qu' ils étaient tous coincés à la maison. Mais pendant que nous faisions de l'art ensemble, ils pouvaient imaginer qu'ils se trouvaient n'importe où. Et ce n'est pas seulement pour les enfants. C'est certainement aussi du temps de jeu pour les adultes, pour qu'ils puissent créer de l'art et vous le méritez. Tout le monde doit avoir la possibilité d'être créatif. Tellement de concurrence pour notre temps et notre attention. Maintenant, probablement, cela a probablement toujours été comme ça , mais de différentes manières. Mais j'ai l'impression que plus je vieillis, plus il est difficile de trouver du temps juste pour peindre pour le plaisir de façon égoïste. C'est pourquoi j'adore suivre ces cours. Parce que je peux peindre en même temps que toi et c'est génial pour moi. Donner vie à ces arbres. Nous n'y avons apporté aucune modification vraiment radicale. Nous ajoutons simplement un peu de raffinement, améliorant ainsi un peu la mise en forme. Ajouter quelques détails sur les troncs, les branches et ce genre de choses. Mais ce n'est pas le cas, car vous ne constatez pas un changement aussi spectaculaire dans l'image que lorsque vous créez cette couche de base. Je veux dire, parce que ça passe d'un livre blanc à quelque chose comme ça. Maintenant, nous passons simplement d'un paysage un peu flou à un paysage un peu plus détaillé. Mais l'essence est vraiment la même. Et je pense que c'est, pour moi, l'étape du processus la plus amusante, parce que je n'ai pas vraiment à soucier de mettre les choses au bon endroit ou si j'ai obtenu la forme de rythme parce que tout est déjà établi, là, c'est peut-être vague, mais les choses sont essentiellement là où elles doivent être. Alors maintenant, maintenant je dois juste y aller et leur donner une belle apparence. J'aime bien ça. Vous pouvez ajouter toutes les couleurs que vous voulez à une nouvelle couleur. Je pense que c'est vraiment une bonne chose avec l'aquarelle d'utiliser beaucoup de couleurs. Quand, si, à moins que vous ne fassiez quelque chose de vraiment sombre et maussade, neutre, mais s'il y a beaucoup de couleurs dans l'image alors allez-y, car la peinture se mariera parfaitement lorsque vous commencerez à superposer et à petites touches de couleurs inattendues ici et là. J'adore ça. De ce côté, je vois une sorte de petite rangée de troncs, de troncs d'arbres. Tu vois ça ? Une partie de cela, je ne l' ai jamais remarqué auparavant. C'est incroyable de voir comment, lorsque j'ai pris cette photo pour la première fois, je l'ai trouvée assez simple. C'est le truc de l'art. choses que vous pensez simples finissent généralement par ne pas être aussi simples que vous l'imaginiez. Mais je veux dire, c'est une bonne chose, ça rend les choses encore plus intéressantes. C'est aussi pour ça que j'aime beaucoup peindre des gens pour toi. Je fais beaucoup de portraits. Quand je prends le temps de peindre quelqu'un, surtout si c'est quelqu'un que je connais. J'ai l'impression de mieux les connaître parce que je prends le temps de les regarder de plus près. Il en va de même pour la peinture de ces arbres. J'ai l'impression de les connaître beaucoup mieux maintenant qu'à nos débuts. D'accord. Je vais m'arrêter ici et il me reste encore un peu à parcourir sur mes arbres de fond. Donc, dans la vidéo suivante, nous allons terminer cela , puis passer à la zone intermédiaire. Bon travail. Dans notre prochaine leçon, nous allons monter un peu plus haut et peindre certains des arbres du milieu, cette fois. Tellement d'arbres. Je te verrai alors. 11. Ajouter plus de détails dans les arbres de fond partie 1: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro neuf. Dans cette leçon, nous allons commencer à peindre les arbres et le juste milieu. Nous allons donc ajouter plus de détails et faire avancer cette zone dans l'espace. Commençons d'abord par terminer cette dernière petite section d' cette dernière petite section d'arbres lointains. Ensuite, nous passerons à la section verte au milieu. Si vous avez besoin de plus de temps avec les arbres d'arrière-plan, prenez tout le temps dont vous avez besoin. Tu peux toujours me mettre en pause. Et puis j'ai juste ri parce que j'ai imaginé qu'il y a des gens dans la vraie vie que nous aimerions pouvoir me faire ça. Mais si vous avez besoin de plus de temps, faites une pause, mettez-moi en pause et prenez tout le temps dont vous avez besoin pour ces arbres se sentent bien. J'y suis allée et j'ai en quelque sorte mis un tas de ces lignes verticales pour créer les troncs à l'arrière. Maintenant, je suis en train de les mélanger dans un ton un peu plus foncé pour qu' ils aient l'impression qu'il y a des feuilles par-dessus. Pas juste comme un mur rayé là-bas. En quelque sorte, divisez-le un peu aussi. Ainsi, même les files d'attente ne semblent pas parfaites, car il y aurait des perturbations. Il se peut que certaines aient des feuilles plus basses ou d'autres choses qui ne les rendraient pas parfaites. Hein ? Maintenant, ce petit bonhomme est de retour ici. J'ai beaucoup parlé de mes tableaux. J'adore les petites lignes délicates que l' on peut obtenir en utilisant un petit pinceau comme celui-ci. Surtout le contraste entre cela et les grands coups de pinceau très fluides dans le ciel. Je pense que c'est une excellente façon de vous illustrer toute la gamme de looks que vous pouvez obtenir avec l'aquarelle. J'ai beaucoup aimé son aspect lâche, mais j'aime aussi pouvoir y entrer et y faire très petites marques et détails subtils. Et j'ai des amis qui sont des aquarellistes qui font tout, qu'il s'agisse images très, très détaillées et photoréalistes. Si vous êtes ce type d'artiste. L'aquarelle peut aussi le faire pour vous. Ou tout ce qui va de cela à des peintures abstraites très lâches, fluides et organiques. C'est un média tellement polyvalent. Je pense que c'est pourquoi c'est idéal pour les personnes qui débutent dans la peinture, en particulier parce que vous pouvez essayer de nombreux looks différents et voir ce qui vous convient le mieux. Ça va ? Je me sens bien dans mes arbres éloignés et je suis prête à passer à cette zone intermédiaire, la partie vert foncé. Maintenant, comme nous pouvons le voir, cette section est en fait censée être un peu plus sombre que les arbres qui se trouvent derrière elle. Et actuellement, c'est l'inverse. J'ai donc un peu de travail à faire pour que cette partie verte rattrape ce qui se trouve derrière Je vais commencer par un pinceau plus gros. Ce sera probablement un processus en quelques étapes. Je veux commencer par trouver la valeur, l' obscurité et la lumière là où elles sont censées être. Ensuite, je vais revenir avec le petit pinceau et faire encore plus de détails. OK, nous avons donc ce vert foncé dans ma marque de peinture. Ça s'appelle Hooker's Green. Alors je vais prendre ça, mettre au milieu. Mais je vois aussi des sons très cool dans cette section. Alors je vais prendre du violet Still. C'est bon pour, il fait beau et sombre. Cela le rendra donc beau et ombragé, mais cela le rafraîchira aussi un peu. Et je vais prendre un peu de mon bleu outremer. Je suis juste en train d'aligner les trois couleurs que je pense vouloir pour cette section, juste au milieu. Ensuite, je peux les intégrer l'un dans l' autre si je veux les mélanger ou les utiliser isolément. Donc, ce que je veux faire, c'est parcourir cette section centrale et commencer à identifier les gros morceaux d' espace qui doivent être repoussés ou déplacés vers l'avant. Je vais commencer par ce vert violacé. Et le violet contient du rouge. Le violet est rouge et bleu. rouge est le contraire du vert, donc ça neutralisera un peu aussi, ce qui est bien, c'est ce que nous voulons. Donc, pour commencer, je vois qu' il y a une section ici. Sur la gauche, il y a une zone d'arbres plus sombres à l'arrière, puis une sorte de superposition. Il s'agit d'une section plus légère. Alors je vais y aller et peindre cette partie sombre. Je n'aime pas peindre quelque chose comme des feuilles, je n'aime pas que les bords soient très nets, autant plus que c'est dans des zones sombres. Je vais donc juste adoucir le bord. Cela semble donc un peu plus progressif. Au lieu d'une perspective vraiment étriquée. Je veux aussi vous montrer une façon assez intéressante de créer de la texture. Si c'est ce que tu veux dans ton œuvre, dans ta pièce. Permettez-moi de comprendre, cette section reviendra avec le petit pinceau et fera plus encore. Mais fais-en sorte qu'il ait l'air un peu feuillu. Je vais vous montrer une astuce de texture. C'est assez sombre. Cela fonctionne très bien aussi, quand il y a une couleur plus claire en dessous, ce ton foncé est encore humide dans l'ensemble. Donc, si vous voulez essayer de créer plus de texture, vous pouvez prendre une serviette en papier et la tamponner comme ça. Je suppose qu'on pourrait dire que c'est un peu comme soulever la peinture à certains endroits et vous donne une texture un peu plus organique, ce qui convient très bien aux feuilles et aux arbres. Très bien, maintenant je vais continuer à travailler. Donc, ce que je vois ensuite, c'est qu'il y a une sorte de division ici. Il y a une section qui ressemble ceci et qui descend. Je dessine avec mon pinceau en ce moment. Ce n'est pas un détail que j'ai fait ressortir avec le crayon, mais on peut toujours le considérer comme un dessin. Pour entrer et ajouter, divisez les choses en sections ou pour ajouter plus de détails. Parfois, il faut s'orienter avec vin pour comprendre ce qui se passe. C'est donc bien de le faire. La section avance un peu et se divise en fait. Il y a un peu d'eau qui coule derrière. C'est pourquoi je le retire. C'est plus ombragé en bas, puis un peu plus clair. Vers le sommet. Il est toujours bon de penser à la source de lumière chaque fois que vous peignez quelque chose de réaliste C'est la source de lumière qui crée tous ces reflets et ces ombres. Et si vous en êtes conscient et que réfléchissez à la provenance de la lumière, vous pouvez vraiment donner votre peinture une impression très dimensionnelle. En ce moment, il y a une autre rangée. Les tons les plus sombres que je vois sont donc les plus éloignés de cette section et peut-être un peu plus bleus. Je vais l'utiliser un peu plus en bleu pour avoir l'impression de remonter plus loin dans l'espace. refroidir les objets ou de les faire grisonner plutôt que de les faire disparaître a tendance à les faire passer au second plan C'était juste une touffe verte solide, mais maintenant elle commence déjà à se diviser en différentes sections, c'est exactement ce que nous voulons. Vous pouvez mettre autant de couches que vous le souhaitez. Amuse-toi bien avec ça. C'est là que ça commence à vraiment se sentir superposé et dimensionnel. Maintenant, si vous ne regardez que cette partie C avec toutes les différentes choses que nous avons faites, vous avez presque l'impression que vous pourriez simplement y revenir. Ce serait marrant. Je veux vraiment y aller. Nous allons nous arrêter ici, puis reprendre là où nous nous sommes arrêtés dans la leçon suivante et continuer. Ouais, bon travail à tous. Très bien, dans notre prochaine leçon, nous allons simplement continuer, en tenir à ces arbres du juste milieu. Alors je te verrai alors. 12. Ajouter plus de détails dans les arbres de fond partie 2: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro dix. Dans cette leçon, nous allons continuer à peindre sur les arbres du milieu. Alors allons-y. Très bien, mes amis, nous sommes de retour dans mauvaises herbes, au sens propre comme au figuré. Au sens figuré, parce que c'est une bonne façon décrire ce que vous faites lorsque vous entrez dans les petits détails d'une peinture. Très bien, alors je travaillais sur cette section ici même et je me suis quelque sorte arrêtée à ce moment-là. Je vais donc reprendre là où je m'étais arrêté. J'ai mon violet, mon bleu outremer et mon vert. J'en prends juste des combinaisons différentes à chaque fois. Juste en fonction de ce que je suis, ce que je vois sur l'image. Et je vais commencer par le faire, il y a une ombre assez foncée juste en bas. Cette petite touffe. Alors il y a juste une petite rangée ou une petite ? Un peu, oui. Je suppose qu'une rangée serait le bon mot, mais une petite rangée haut, qui est en fait d'un vert plus clair et plus chaud, presque comme le vert que j'ai déjà là. Nous allons donc simplement le laisser se fondre dans cela et voir à quoi cela ressemble. C'est parce qu'elle est façonnée de telle sorte que cette section s'oriente un peu plus vers la lumière. Nous avons parlé la dernière fois de la source de lumière, c'est une considération importante. Et des peintures réalistes. Oh, ça a l'air tellement cool. J'adore ça. Cette obscurité s'étend vraiment de part en part. Je vais aller de l' avant et le faire. Et j'utilise juste de l'eau sur le bord pour que ça ne s'arrête pas. Non, les ombres se font nettement entendre. Je pense que c'est simplement parce que c'est une zone très fréquentée avec beaucoup de textures et de choses intéressantes. Vous ne voulez pas qu'il ait l'air découpé, trop pointu, je suppose. Revenez toujours en arrière et ajoutez d'autres textures d'essuie-tout ou essayez-en différentes, essayez-les, essayez différentes choses à estampiller dans la peinture. Une chose qui peut être amusante, c'est de l'utiliser comme une pellicule plastique, comme du Saran, et de la froisser. Cela créera une texture très différente. Il existe toutes sortes de façons d' obtenir différentes textures avec l'aquarelle. pouvez utiliser une éponge, comme une éponge naturelle ou véritable plutôt qu'une fausse pour le faire. Mais je veux dire. Très bien, en y retournant et en explorant ce genre de zone, j'adore prendre le temps étudier vraiment ce qui se passe dans chacune de ces sections et d'essayer de le faire ressortir avec de la peinture. Et il se peut que cela n'arrive pas d'un seul coup. Vous aurez peut-être besoin de plusieurs couches, plusieurs couches supplémentaires, même pour l'obtenir où vous le souhaitez. Je suis plutôt satisfaite de la situation dans laquelle je me trouve, mais cela ne veut pas dire que ce n'est pas possible, vous ne pouvez pas aller plus loin, faire plus. Tant que vous ne travaillez pas trop sur le papier, vous pouvez au moins y ajouter plusieurs couches supplémentaires. N'essayez donc pas de tout accomplir en même temps et ne vous inquiétez pas si cela n'a pas l'air beau, radiez dès le départ, car cela pourrait nécessiter un peu plus de travail. Très bien, je vais ajouter un peu plus de texture d' essuie-tout dans cette section. Alors froissez-le, estampillez-le comme ça. Cela lui donne juste un aspect un peu moins prévisible, un peu moins contrôlé, je pense qu'il peu moins contrôlé, s'agit d'une texture plus organique. Il y a de grands arbres ici. Je reviendrai sur certaines de ces questions avec le pinceau le plus petit pour y apporter plus de détails. Mais laissez-moi y aller et faire un petit peu. Maintenant, puisque ce pinceau est un de ces pinceaux plutôt plats, si vous le tournez sur le côté, il est bon pour tracer des lignes. Faites également de belles répliques avec eux. Ensuite, divisez-le en feuilles. Je vais juste au-dessus des lignes que je viens de tracer parce que vous les verrez toujours, mais cela les mélange un peu ou trop flou, c'est juste un peu, donc ça n'a pas l' air trop, trop linéaire. Et essayez de laisser des espaces négatifs. Vous ne voulez pas tout cacher complètement. Laissez de petites ouvertures, car il y en a beaucoup et cela permet à la lumière de traverser davantage les arbres, afin qu'ils ne soient pas trop lourds. Je pense que ça crée juste des formes plus intéressantes. Également. Certaines de ces couleurs que nous obtenons ainsi ne sont tout simplement pas couleurs que vous pourriez obtenir avec une seule couche, car cela nécessite l'accumulation de transparence d'une couleur sur l'autre. Je pense qu'en général, la couleur est l'une de ces choses lesquelles les gens ont vraiment du mal avec lesquelles les gens ont vraiment du mal lorsqu'ils commencent à peindre. Je n'arrive pas à le faire ressembler à la couleur qu'il est censé être. Qu'est-ce que je fais de mal ? Il se peut que vous ayez simplement besoin plus de couches et que vous en déposiez une. Ensuite, vous pouvez l'analyser. Demandez-vous : qu' est-ce qui fonctionne à ce sujet et qu'est-ce qui ne fonctionne pas ? Que dois-je modifier ? Est-ce trop chaud, est-ce trop froid ? Est-ce trop neutre ? C'est trop clair ? Ensuite, faites simplement une autre couche sur le dessus qui met l' accent sur le contraire de tout ce qui ne fonctionne pas avec cette couleur. Si cela a du sens. Donc, en gros, une autre couche pour le pousser dans la bonne direction et voir comment, maintenant que ces arbres s' assombrissent, ils se dirigent vers l'avant. Ils ont à nouveau l'impression d'être devant ces arbres lointains. Habituellement, dans un paysage, vous verrez un contraste plus spectaculaire mesure que les éléments se rapprochent de nous. Les choses sont donc un peu plus douces et plus discrètes dans le dos. Puis, au fur et à mesure qu'il se rapproche du premier plan, vous voyez des couleurs plus foncées. Vous voyez plus de contraste de valeur, plus de contraste de couleur. Et vous pouvez également voir plus de détails. Nous avons sous-entendu certains troncs et autres éléments, mais dans cette section, j'essaie vraiment de faire ressortir davantage ces détails afin qu'ils se sentent plus proches de nous. Il est vraiment utile de s'arrêter et réfléchir à la profondeur de l'image et ce qui se trouve au premier plan à l'arrière-plan. Comment pouvez-vous faire en sorte que chacune de ces choses habite réellement l' espace dans lequel elles se trouvent ? Là-bas. Beaucoup de grands concepts. Cela prend un certain temps. Je peins depuis longtemps. C'est donc une seconde nature pour moi, mais il m'arrive encore souvent de m'asseoir pour peindre où j'ai impression de ne pas avoir la moindre idée de ce que je fais. Si je l'ai fait, je pourrais aimer un imposteur. Est-ce que je sais même peindre ? Mais c'est le truc. C'est tellement normal. Tous les artistes que je connais ont parfois ce sentiment. Et c'est en fait une bonne chose car cela vous permet de rester vigilant et d'empêcher la peinture de devenir ennuyeuse. Vous. Chaque nouvelle peinture a quelque chose de nouveau à vous apprendre. Si vous êtes ouvert à l'apprentissage et que vous ne voulez pas vous lancer dans une ornière créative. Ce sentiment ne me dérange donc pas maintenant, car je sais que le surmonter et que je trouverai quel vais le surmonter et que je trouverai quel est cet obstacle, puis j' en tirerai des leçons. Échouer. L'échec est tout aussi précieux, peut-être même plus , pour un artiste. Réussir. C'était une touffe d'arbres qui commençait à se former. Nous allons nous arrêter ici et aborder cette section dans notre prochaine leçon. Un travail génial. Ces arbres prennent du temps. Il nous en reste encore beaucoup à faire dans notre prochaine leçon vidéo. Alors je te verrai alors. 13. Ajouter plus de détails dans les arbres de fond intermédiaire: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro 11. Dans cette leçon, nous allons terminer de travailler sur cette zone intermédiaire avec tous les arbres. Alors allons-y. Très bien, revenons à ces arbres. Nous allons terminer cette section intermédiaire, je crois, dans cette leçon, retournant directement dans cette grosse touffe d' arbres et en continuant à ajouter d'autres troncs, autres sortes de feuilles implicites, des touffes de feuilles. Vous ne peignez pas vraiment des feuilles individuelles. Votre peinture ressemble un peu aux petites grappes de feuilles. Je pense donc que c'est une bonne façon d'y penser. Si l'arbre que nous sommes très proches, très grand au premier plan, vous êtes peut-être en train de le peindre individuellement. Vous voulez toujours vous demander à quelle distance se trouve quelque chose de moi et à quel niveau de détails je serais capable de voir ? Et si vous peignez plus de détails que vous ne pouvez en voir, n'aurez pas l' impression que c'est dans cette zone de l'espace que vous souhaitez. Ensuite, voyez quel point la superposition est amusante, même là où je suis déjà entrée et que je mets un peu de noir, je vais entrer et faire plus encore, en brisant cette, cette ligne semble trop droite. Alors je vais y aller et le fragmenter un peu plus. Différentes tailles, différentes. Quelque chose qui semble trop prévisible ? J'aime juste tout gâcher un peu. Cela me semble plutôt bien. C'est bon. Ici, encore une fois, j'utilise mon violet, mon bleu outremer et mon vert. Et vous n'hésitez pas à ajouter les couleurs que vous voulez. Si vous avez différentes couleurs à essayer, allez-y. Je pense que plus il y en a, mieux c'est. Et essayez également différentes manières de tenir votre pinceau. Je pense que lorsque je peins des feuilles comme ça, par exemple vous voyez comment je vais, je tourne toujours mon pinceau dans des directions différentes. C'est une façon de créer une texture intéressante qui ne va pas toutes dans la même direction. Gardez simplement votre pinceau en mouvement. Très bien, maintenant, je voudrais en faire une autre, appliquer une petite serviette en papier sur cette partie, alors froissez-la. Nous y voilà. Oh, j'aime bien ça. Parfois, je retiens mon souffle quand je le fais parce qu'on ne sait pas si ça va être beau ou mauvais quand on le soulève. Mais dans ce cas, je pense que c'était bien. Maintenant, je veux prendre mon petit pinceau. Revenez simplement à la page et ajoutez quelques petits détails supplémentaires dans cette section. Il n'en faut pas trop. Je trouve que ça a l'air plutôt bien, mais je veux juste l'affiner, faire paraître comme résolu ou peut-être même un peu plus résolu. Les arbres à noix qui se trouvent derrière eux pour qu'ils puissent avancer. Regarde comment j'utilise la pointe du pinceau. Je le pointe, je l'ai pointé vers l'extérieur pour que les pointes des branches soient les grappes de feuilles, se terminent par le point le plus petit la partie la plus épaisse se trouve vers l' intérieur de l'arbre. Faites en sorte que le pinceau fasse le travail à votre place. Une autre chose que vous pouvez faire, je veux dire, je ne peux pas pour l'instant parce que j'ai un ruban adhésif pour le maintenir en place pour vous. Mais vous pouvez prendre votre papier et le tourner s'il y a un angle différent qui permettrait à votre pinceau de pénétrer plus facilement dans certaines parties, euh, c'est autorisé. Je vais arracher quelques branches et faire comme nous l' avons fait à l'arrière. Je trouve ça cool. Tout ce qui ajoute simplement ces petites touches de détail pour le rendre plus intéressant. Je pense que c'est vraiment ce que cela pourrait être. Un peu de ça sur la gauche. Une question que les gens se posent souvent est la suivante : comment savoir quand une section est terminée ? Si quelqu'un trouve la réponse à cette question, faites-le moi savoir. Parce que je ne pense pas qu'il existe une réponse très claire qui fonctionne tout le temps à cette question. Vous n'avez qu'à le ressentir et vous n'avez même pas à le considérer comme fait, fait. Vous n'avez qu'à y penser, car j'en suis arrivée à un point où j'ai l'impression de pouvoir arrêter de travailler sur cette section pour le moment. Ensuite, vous pourrez toujours y revenir plus tard, une fois que vous aurez travaillé davantage sur le tableau. Je pense que c'est l'un des aspects merveilleux et aussi difficiles de la peinture, c'est que tout est si relatif. Je veux dire, avez-vous remarqué à quel point le ciel et les montagnes étaient différents quand il n'y avait rien d'autre sur le papier Si, lorsque vous le comparez simplement au blanc du papier par rapport à son apparence actuelle, avec la couleur partout, cela change tellement. Je pense donc que nous pouvons parfois devenir vraiment obsédés par le fait de travailler sur une certaine partie d'un tableau avant même d'avoir suffisamment d'informations sur le papier pour savoir si ce que nous faisons l'aide ou lui fait vraiment du mal. J'essaie donc d'encourager les gens à commencer par les choses , puis à tout développer au même rythme. Vous savez, obtenez chaque couche, chaque section jusqu'à ce qu' elle ait l'impression être résolue autant que tout ce qui l'entoure. Ensuite, vous pouvez toujours décider d'y retourner et d'aller plus loin. Ou vous pouvez décider, c'est bien, c'est tout ce dont il a besoin, c'est fait. Mais il est certain que si vous vous retrouvez coincée dans une zone en particulier et que vous ne ajouter de la douleur faites qu'ajouter de la douleur alors qu' il fait encore humide, croyez-moi, j'ai emprunté cette voie donc je peux vous dire que cela ne finira pas bien, il vaut toujours mieux arrêter. Laissez sécher, passez à une autre zone pendant un moment. Videz votre tête. Mais un peu, et éloignez-vous de vos œuvres d'art. Aussi souvent que possible. Ces leçons sont suffisamment courtes pour que à la fin de chaque leçon vidéo, occasion de vous éloigner un peu de la peinture, puis d'y revenir avec une nouvelle perspective. Je voulais juste tracer certaines de ces petites lignes verticales ici. Détaillez ça un peu. Ça commence à avoir l'air intéressant. Comment sont tes peintures ? Ça arrive. J'espère qu'ils te rendent heureuse aussi. J' adorerais vraiment les voir. C'est donc l'une de mes activités préférées dans l'enseignement, en particulier dans le cadre d'un projet comme celui-ci. Cependant, de nombreuses personnes finissent par réaliser ce tableau avec moi. Il y aura autant de variations différentes parce que tout le monde voit les choses différemment et comprend des choses différentes. Chacun a sa propre façon de faire des marques. C'est totalement unique. J'adore donc voir ce que vous créez, partagez-le avec moi. une chose que j'ai remarquée et que je voulais apporter à la touche finale de cette leçon. Si vous regardez la photo, il y a une toute petite bande juste là, à limite bleue des arbres, où vous avez presque l' impression que c'est une main le sol ou peut-être qu' il y a plus d'eau, qu' il y a quelque chose mais qui devient un peu plus clair. C'est comme une ligne droite. Tu vois ça ? Je veux vous montrer comment vous pouvez le faire si vous avez déjà peint la zone et qu' déjà peint la zone elle est plus foncée que vous ne le souhaitez. N'oubliez pas que nous ne pouvons pas vraiment utiliser le blanc à l'aquarelle Nous ne pouvons donc pas simplement le peindre plus clair. Mais ce que vous pouvez faire, c'est prendre un pinceau propre, le mouiller, puis entrer et soulever la peinture très doucement. Vous voyez à quel point je suis très général. Si vous frottez trop, vous allez endommager le papier. Mais si vous êtes très doux avec ça et que vous le rembourrez simplement avec une serviette en papier. Regardez comment vous pouvez soulever la peinture pour que le papier ne soit pas dérangé ou endommagé parce que je ne le suis pas, je n'appuie pas trop fort. Je laisse les poils doux faire le travail à ma place et de l'eau propre à chaque passage. Et vous pouvez faire ressortir la peinture directement si vous le souhaitez. Ensuite, vous obtenez la jolie petite touche supplémentaire de ce petit peu de lumière. Mais cela aide à diviser les sections, mais cela donne aussi l'impression qu'il y a plus d'eau à la surface. C' est un bon moyen si vous avez besoin de faire ressortir est un bon moyen les reflets sur quelque chose ou simplement si vous peinture à un endroit où vous n'en voulez pas, vous pouvez toujours la faire sécher, vous pouvez toujours la récupérer. Je le vois un peu ici. Plus d'informations ici, je suppose. Et je le vois un peu ici. En fait, on dirait que le ton est un peu chaud. Mais ce que je vais faire pour l'instant, c'est laisser cette zone sécher. Et puis, quand nous reviendrons dans la prochaine leçon, je vais y peindre un peu ce ton chaud. Très bien, on y va. Super travail, tout le monde. Très bien, nous sommes prêts à passer à l'eau la prochaine fois, et j'en suis très heureuse. Je pense que c'est probablement mon moment préféré. Je te verrai alors. 14. Ajouter plus de détails dans la partie 1: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro 12. Je suis Paul Richmond. Et dans cette leçon, nous allons commencer à travailler sur les détails de l'eau. Donc des ondulations, des reflets, toutes ces choses amusantes. Allons-y. OK, ça arrive. Super. Revenons en arrière très rapidement. Mettez un peu, juste une touche de chaleur , dans cette parcelle de terrain que nous avons découpée à la fin de la dernière leçon. Je vais prendre un peu d'orange, de rouge et un peu de violet pour que ça ne devienne pas trop clair. Mélangez le tout. Nous y voilà. Un truc comme ça devrait ressembler à un brownie. Je n'arrête pas de dire que ton brun est brun, pas brun. De l'eau en bouteille, un peu de peinture. Il suffit d'entrer et d' ajouter une petite touche à cette section. Ça va le repousser tout de suite. Nous y voilà. Oh oui, c'est sympa. Cela correspond un peu aux tons chauds du ciel parce que nous sommes au milieu d'une zone très fraîche. Mais c'est juste cette petite touche de chaleur qui fait toute la différence. L'autre chose que je voulais faire très rapidement, que j'ai remarqué certains espaces négatifs dans cet arbre et je les aime vraiment beaucoup. Je vais donc simplement utiliser de l'eau sur mon pinceau et enlever quelques taches comme ça. Encore un couple. Ensuite, je vais y retourner et attaquer ces zones avec le blues civil. Nous aurons donc l'impression de voir à travers les arbres lointains qui se trouvent dans ces ouvertures. Nous travaillons donc un peu à reculons, comme S, mais cela les ouvrira un peu plus, je pense. Donc. J'ai compris, j'ai les points lumineux, maintenant je vais prendre mon bleu céruléen. Venez simplement remplir ces sections. Cela donne juste l' impression que les arbres sont un peu moins solides, peu plus comme s' ils avaient des zones ouvertes et nous pouvons voir ce qui se cache derrière tout cela. D'accord. Maintenant, je suis prête à descendre dans l'eau et cela va nous prendre un peu de temps. Nous allons nous amuser avec ça. Je vais passer à mon pinceau de taille moyenne ici. Et la première chose que je veux faire, c'est entrer et trouver les tons les plus sombres là où je les vois dans l'eau. Si vous regardez toute cette grande partie de l'eau, qu'il s'y passe beaucoup de choses. Et ne vous laissez pas submerger pensez pas que vous devez tout peindre en même temps. Ce que j'aime faire, c'est simplement décomposer les choses en étapes simples pour que, vous savez, vous puissiez vraiment tout peindre. Donc, pour commencer, je veux créer couleur d'ombre que je vois ici, parce que l'ombre de toutes les terres, des arbres et de tout ce qui rend l'eau un peu plus foncée ici, ici. Et puis il y a juste quelques stries sombres qui apparaissent partout. Je ne m'inquiète toujours pas pour les rochers et je ne m' inquiète pas pour cette touffe d' herbe ici. Je crois que je voulais utiliser mon, je vais prendre un peu de mon bleu outremer. C'est difficile. Il est sec mais je peux le mouiller à nouveau, lui redonner vie. Et un peu de vert. Peut-être une touche de violet. Ça a l'air d'être ma couleur préférée. Oh, c'était plus qu' une simple touche. Très bien, très bien. Sois comme ça. Plus de bleu, plus de vert. Nous y voilà. Peut-être même un peu de céruléen. Je suis juste en train de tout jeter là-dedans maintenant. Nous sommes verts. Il n'y a pas de formule précise et cette eau contient de nombreuses couleurs, alors choisissez simplement quelque chose qui vous convient. Je pense que cela correspond assez bien à certains des tons d' ombre que je vois, la combinaison vert, bleu et violet. Et je vais commencer par ici, près de la terre, parce qu'ils savent qu'il va faire nuit et je peux même laisser les coups de pinceau remonter qu'ils savent qu'il va faire nuit et je peux même laisser légèrement jusqu'à la terre pour la relier en quelque sorte à cette eau. Je reviens à des coups de pinceau très horizontaux. C'est ainsi que je peins l'eau, du moins dans ce cas. C'est ainsi que l'eau se déplace. profite de ce pinceau à pointe carrée ou rectangulaire pinceau à pointe pour faire tout le travail à ma place. Je ne fais que le déplacer d'avant en arrière. Commençons par trouver certains de ces tons sombres. Voyez comment il suffit de faire, ne serait-ce qu'un peu de noir dans l'eau, ici même. Sous la terre ferme. L'eau devient de plus en plus crédible et j'ai l' impression qu'elle remonte directement sur la rive. Il y a beaucoup d' ombres sombres de ce côté. Je vais y mettre certains d'entre eux. Au fur et à mesure que vous tracez ces lignes, vous devez essayer de créer une certaine variété dans votre trait. Vous voyez donc à quel point certains de ceux que je fais sont très maigres. Certains sont épais. Beaucoup d'entre eux aiment même changer au fur et à mesure qu'ils avancent. Il se peut donc qu'ils commencent comme ça, puis je vais appuyer davantage avec le pinceau et le laisser épaissir. Il s'agit donc simplement de créer cette variété. Tu veux vraiment ça dans l'eau. Cela lui donnera davantage l'impression de bouger. Cela apportera beaucoup d' énergie à cette section. Partout où je vois les ondulations les plus sombres, c'est là que je mets cette couleur. Je ne suis pas totalement en train de me couvrir. Vous pouvez voir à travers et autour des traits pour retrouver la couleur qui existait auparavant. Voici donc un autre exemple d'utilisation de la superposition à votre avantage. Il suffit de saisir des couleurs différentes chaque fois, voire de les soumettre. C'est une belle variété. Il fait assez sombre par endroits. J'ai remarqué qu'ici, dans ce coin inférieur droit, certaines lignes horizontales tournent un peu plus en diagonale, elles commencent à viser vers le haut de cette façon. Juste un peu, c'est à cause de la façon dont l'eau se déplace. Je vais donc peindre de cette façon. C'est incroyable de constater qu'il suffit de quelques coups de pinceau pour changer complètement la façon dont nous percevons cette eau. Se déplacer sur la page. Il y en a, à mesure que nous nous rapprochons du premier plan, il y en a aussi de plus petits. Nous voyons beaucoup plus de détails intéressants. Donc, certaines foncées et d'autres plus claires à l'arrière, elles aiment toutes se joindre, devenir très horizontales et droites B. Mais au premier plan, nous voyons beaucoup plus d'individus, de couleurs différentes, de tailles différentes, de formes différentes. Il est donc utile de réfléchir à la profondeur de votre image lorsque vous peignez ce qui est proche de nous, ce qui est loin ? Je ne vais pas m'inquiéter de trop peindre ici , car je sais que cela sera dissimulé. Voulez-vous en faire ressortir un peu plus, comme cette section verte et vert foncé ici. Dans l'ensemble, l'eau est assez sombre, donc je vais la mettre dedans. Ça commence à prendre vie. Je suis enthousiaste. Bien, mais cela nous amène à un bon point d'arrêt pour le moment. Et nous reprendrons avec l'eau lors de notre prochaine leçon. Bon travail à tous. Dans notre prochaine leçon, nous allons continuer à travailler dans l'eau. Alors enfilez vos palmes et allons-y, mourons. Je te verrai alors. 15. Ajouter plus de détails dans la partie 2 de l'eau: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro 13. Aujourd'hui, nous replongons dans l'eau, alors commençons. OK, retournons directement dans cette eau. Je vais juste intervenir. En fait je dois d' abord appliquer un peu plus de peinture. Je vais prendre un peu plus de bleu céruléen parce que je n'en assez. Rien d'autre ? Peut-être un peu plus ultramarine aussi. Et je vais prendre une de leurs couleurs. Si vous l'avez, vous devriez peut-être vous le montrer et c'est de la Sienne brûlée. C'est une sorte de couleur brun orangé que je pense qu'il serait bon d' ajouter à quelques-unes des ondulations, car cela ressemble une version plus foncée de l'orange du ciel. C'est un peu comme une rouille, mais lorsque vous l'éclaircissez, cela fonctionnera très bien pour cela. Très bien, dans cette leçon nous allons finir par créer toutes les ondulations, les reflets et tout ce qui se trouve dans l'eau afin de pouvoir y ajouter les pierres la prochaine fois. Ensuite, dans la vidéo finale, nous allons tondre le gazon. Je n'arrive pas à croire que nous sommes presque arrivés à la fin. C'est dingue. Très bien, alors occupez-vous et prenez d' abord un peu de mon bleu céruléen et neutralisez-le avec une touche de Sienne brûlée. Oh, nous y voilà. C'est plutôt bien. Je vais m'intéresser davantage à la Sienne, d'un bleu serein et brûlé. Ça prend juste un peu l'avantage. Très bien, maintenant je vais y retourner parce que j'ai remarqué que je voulais juste être un peu plus bleue et égaliser certaines de ces zones ici. Je vais donc faire une légère lessive de couleur. Il suffit de rassembler certaines de ces sections pour obtenir une sensation un peu plus sombre. Ensuite, je vais passer directement à la zone la plus orange, parce que si vous regardez la photo, il y a beaucoup d'ondulations, ondulations très subtiles qui se séparent simplement de cette section. Il ne semble pas aussi grand et lumineux que dans mes peintures. Maintenant, mon ciel est plus clair que celui de la photo. Je tiens donc à en tenir compte, mais je pense quand même que je peux aller un peu plus loin. Et aussi en utilisant ma sienne brûlée, peut-être avec une touche de violet pour l'atténuer. Je vais aussi faire quelques ondulations chaudes. Surtout ici même. Oh oui, j'aime bien ça. Comme cette zone se trouve davantage à l'ombre de cette touffe d'arbres et de terres, il fait peut-être encore chaud à cause de la lumière du ciel, mais nous pouvons tout de même faire plus sombre. Il peut être sombre, sombre et chaud. Prends juste ton temps. N'oubliez pas que vous devez essayer de ne pas faire trop sombre, trop vite. Vous voulez couvrir une section entière et vous le regrettez. C'est pourquoi je me contente d'adopter ces tons sombres, je pense que c'est une bonne façon de le décrire. Je ne vais pas sauter directement dans la nuit, je prends juste mon temps. Vous pouvez voir comment cela commence à s'assembler simplement en y ajoutant une plus grande variété de tonalités. Plus de sections d'ondulations. Cela active vraiment cet espace d'une manière magnifique. Je trouve que peindre à l'eau est vraiment amusant parce que, surtout si cela reflète ce que nous voyons ailleurs dans l'image, c'est un peu comme si vous pouviez peindre. Tu peux le peindre deux fois. Mais la partie réfléchie est bien plus abstraite. C'est vraiment libérateur, surtout avec l'aquarelle, parce que mon Dieu , un excellent médium pour laisser la peinture aller où elle veut de toute façon, serait une très bonne activité thérapeutique pour quelqu'un qui a vraiment besoin de tout contrôler à tout moment. Parce que parfois, j'ai l' impression d'être la meilleure aquarelle ou quand on lâche tout ça et qu'on laisse la peinture faire son travail. J'essaie aussi de faire de plus gros coups de pinceau là-dedans. Pas seulement celles qui sont très fines, car il y a tellement de tailles et de formes d'ondulations différentes que je vois sur cette image. Donc, de la variété, surtout à mesure que cela se rapproche de nous, nous en verrons de plus en plus. Laisse-moi m'échauffer un peu plus à l'orange et au violet. Il y a aussi quelques places là-dedans. C'est joli j'aime ce contraste entre les tons très chauds que nous recevons du ciel. Et puis tous ces magnifiques bleus et violets et ces verts frais. Joli contraste. C'est très accrocheur, très agréable à regarder. Dans ce cas, nous travaillons des deux côtés de la roue chromatique. Il suffit de passer un peu de bleu céruléen les deux côtés pour qu' il soit vraiment clair que nous avons le reflet de cette montagne là-dedans. Une petite mienne. vous pouvez expérimenter cela, vous pouvez expérimenter différentes tailles de pinceaux. Moi, quand je fais beaucoup de lignes comme celles de Ripley, je préfère un pinceau un peu plus gros plutôt qu'un pinceau pointu. J'ai aimé le pointage quand il petites lignes et de petits détails, mais lorsque j'ai besoin de tracer beaucoup de lignes très fluides, il est plus facile d'utiliser un pinceau plus grand. Je ne sais pas pourquoi. Alors, expérimentez si tout cela est nouveau pour vous, essayez tous les pinceaux, toutes les options. Parce que chaque artiste est différent certaines choses fonctionneront pour vous qui ne fonctionneront pas pour d'autres personnes. J'adore peindre à l'eau. Je pense que tu peux être tellement libre. Et je pense que c'est parce que j'aime vraiment le vin. Et c'est une façon de vraiment intégrer vin en tant qu'élément à votre peinture, simplement pour créer toutes ces ondulations et les rendre toutes différentes. Ça a l'air super. J'espère que vous appréciez le vôtre également. Encore quelques petits accents, je veux donner l'impression que les tons sont vraiment chauds, la vraie couleur orangée se trouve plus loin ici. Parce que vous devez penser que ce que nous peignons dans l'eau est une image miroir. La tonalité la plus claire sera donc la plus proche, puis elle ne commencera à prendre cette direction qu'au fur et à mesure qu'elle diminuera. C'est toujours une bonne idée d'avoir quelques différences lorsque vous peignez un grand espace comme celui-ci Vous ne voulez pas avoir les mêmes couleurs et les mêmes formes que celles que vous avez ici, ce qui l'aplatit. Mais si vous pouvez y apporter de la variété, en faisant en sorte qu'il y ait des couleurs différentes, des types de traits différents au loin et à l'avant. Cela donnera plus de profondeur à l'image. Je pense que la profondeur est très importante dans un paysage, en particulier. Vous voulez, vous voulez que le spectateur ait l' impression de pouvoir entrer directement dedans ou nager dans le sien ou quoi que ce soit d'autre. C'est bon. Je me sens plutôt bien avec cette eau. J'ai hâte de mettre les pierres dans la pelouse et de peaufiner toutes nos petites touches. C'est donc un bon point d' arrêt pour le moment. Un travail génial à tous. OK, donc notre eau est prête à être consommée. Dans notre prochaine leçon, nous allons commencer à ajouter des pierres. Je te verrai alors. 16. Peindre les rochers: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro 14. Je suis Paul Richmond et je n'arrive pas croire que nous sommes déjà là. Cela s'est passé bien trop vite. Très bien, dans la vidéo d'aujourd'hui, nous allons ajouter des pierres dans l'eau et ça va être très amusant. Alors allons-y. C'est une période difficile. Je vais choisir quelques couleurs qui, à mon avis, seront bonnes pour les pierres. Prenez donc une minute pour les étudier sur votre écran et voyez quelles couleurs vous y voyez. Votre cerveau vous dira probablement qu'ils sont gris. Et il y a pas mal de gris dedans, mais il y a aussi d'autres couleurs. Je veux donc que tu regardes pour voir ce que tu vois. Je vois du blues. Je vais mettre de l'outremer. Et je vois un peu de céruléen, un peu de violet, un peu de tout. Ensuite, il a fallu les neutraliser. Vous avez besoin d'un peu du contraire de certains d'entre eux. Je vais donc sauter de l'autre côté et prendre peut-être un peu de cette Sienne brûlée, qui est d'une belle couleur brunâtre chaude. Et l'utiliser en combinaison avec ceux-ci aidera à les réduire légèrement. Peut-être une petite lecture pour toi. Pourquoi pas ? OK, je vais donc commencer par un pinceau plus petit et commencer par percer certains des rochers les plus éloignés, puis me frayer un chemin vers l'avant où nous en avons de plus gros. Et c'est une autre façon délicate d' ajouter de la profondeur à votre image, simplement en laissant les roches grossir à mesure qu'elles se rapprochent de nous, cela renforcera cette idée de l'espace. C'est donc toujours une bonne chose. Je prends donc un peu de mon bleu outremer, mélangeant un peu de Sienne brûlée y mélangeant un peu de Sienne brûlée et je vois comment vous pouvez obtenir cette couleur grise assez belle et très riche que vous pouvez plus vers le frais ou plus vers le chaud, selon ce que vous y mélangez. Je vais juste recommencer ici où je vois de petits blocs de pierres. J'ai essayé de les faire en quelques coups de pinceau. Vous n'avez pas besoin d'une loi, il suffit d'en intégrer l'essentiel. Nous ne voyons pas beaucoup de détails dans ces rochers lointains. En fonction de la façon dont ils sont tournés. Certains d'entre eux sont plus légers que d'autres. Certains d'entre eux ont plus de bleu que d'autres. Donc, comme lorsque nous peignions les arbres ou quoi que ce soit d'autre, c'est bien d'avoir de la variété, alors ne les créez pas tous de la même manière. Prends un peu de sourdine. J'en vois quelques unes ici qui ont un côté un peu sombre, mais il y a un surlignage sur le dessus. Ce que je vais faire pour cela, c'est d'abord en créer la base sombre. Pendant que j'y suis, je vais juste y aller et en faire quelques-uns. Alors. Nettoie mon pinceau. Peut-être une couleur plus claire, peut-être un bleu, un bleu céruléen. Ensuite, entrez et allumez le sommet de l'allume-roche. Maintenant, voyez comment il possède un côté clair et un côté ombre et il devient beaucoup plus dimensionnel avec très peu de travail. C'est juste comme ça que je l'aime. Rendez les choses aussi faciles pour vous si vous le pouvez. Pourquoi pas ? D'accord. Elles ont l'air bien. Une sorte de superposition du terrain. Plus vous pouvez y trouver de variété, mieux c'est. J'adore la façon dont ils décomposent l'eau. Je pense que cela ajoute juste un petit moment de pause. Et c'est un peu comme ça que je vois les choses dans un tableau. Pour être honnête avec vous, quand je peins quelque chose de réaliste comme ça, vous voulez bien sûr qu'il ressemble à ce qu'il est censé être. Mais en fin de compte, vous voulez que la peinture fonctionne bien en tant que peinture. Et vous devriez être capable de réfléchir à tous les éléments qui font la qualité d'une peinture abstraite, la façon dont les couleurs la traversent, la façon dont votre œil se déplace lors de la mise en forme, tout cela. Toutes ces choses devraient également s' appliquer à une peinture réaliste. Même s'il s'agit de pierres, elles sont aussi un peu comme de petits battements visuels qui ont contribué à interrompre le mouvement très directionnel de cette eau et à susciter beaucoup plus d' intérêt pour le spectateur. De petites choses intéressantes à voir en cours de route. toujours Lorsque je peins un paysage, j'essaie comment le spectateur voyage à travers ce paysage. Que voient-ils en premier ? Où vont leurs yeux et où sont-ils allés ensuite ? Et vous pouvez réellement contrôler cela en tant qu'artiste, vous pouvez décider que, pour les gens, là où vous accordez le plus de contraste de couleur, une valeur, c'est là que leurs yeux se tourneront en premier. Et puis, où allez-vous, où vous les menez à partir de là, dépend entièrement de vous concerne les lignes directionnelles, éléments qui attirent ensuite leur attention et ont aidés à les guider dans la pièce. pensé pour y réfléchir, mais c'est aussi une chose très intuitive. Il n'est pas nécessaire que tout le soit. Vous n'êtes pas obligé de vous asseoir et de rédiger un plan. Les utilisations commencent, mais pensez-y au fur et à mesure. Où, où est le point central de ma peinture ? Où est-ce que je veux que les gens regardent ? Je veux attirer les gens jusqu'à cette partie centrale. Donc, toutes ces lignes vous aideront à zigzaguer à travers la pièce. Je pense que c'est ce à quoi je pense avec celui-ci. Un bon tableau. L'astuce de composition consiste à faire passer le regard des gens à travers l'œuvre, faire passer le regard des gens puis à avoir quelque chose qui les attire vers l' arrière, afin de ne pas simplement attirer leur attention sur le tableau suivant. Vous voulez qu'ils aient envie de rester et de regarder les vôtres. Vous y conservez donc des éléments qui ne cessent de bouger. J'ai jeté, je suis sortie et j'y ai trouvé une sacrée tangente. Mais bon, nous sommes juste en train de peindre des pierres, donc nous parlons de quelque chose. Tu me connais, je ne peux jamais me taire. Très bien, c'est bien. Nous sommes sur le point de passer au premier plan et d'en faire une très grande. Je voulais juste m'occuper de tous ces petits gars d'abord. Tu peux mettre autant de pierres que tu veux. Ils ne doivent pas tous correspondre à la photo ou à ma peinture. Où que vous en ayez envie , ce sont de jolis petits accents qui les font ressortir, ils se brisent et donnent l' impression que l'eau ressemble presque à de petites étincelles, presque à de petits points d'intérêt en cours de route. une chose que je fais et que vous avez peut-être remarquée, mais je dois le dire pour que vous compreniez vraiment. Je contourne certains d' entre eux et je fais de petites ondulations dans l'eau juste pour donner l'impression que l'eau bouge. Les rochers sont peut-être aussi comme s'il y avait l'ombre d' un rocher dans l'eau. C'est ce que vous ressentirez. ai juste l'impression d'être vraiment assis là et de ne pas planer. De petites lignes, de petites ondulations, de petites ombres, tout ce qui se trouve sous les rochers pour les ancrer en place. Très bien. C'est l'heure du rock au premier plan, Woohoo. C'est à peu près juste. Je ne veux pas, je ne veux pas que ce soit au point mort. Sur la photo. C'est un peu sur la droite. Je pourrais le déplacer encore un peu plus. Prenez votre licence artistique comme vous le souhaitez. Maintenant, comme celle-ci est grande, je vais commencer par la peindre d'une couleur gris bleuté plus claire, comme nous l'avons fait pour toutes les autres sections. Je vais d'abord utiliser la couleur la plus claire. Ensuite, je vais revenir en arrière et ajouter des ombres plus foncées pour le rendre plus tridimensionnel. Comme ce rocher est plus proche de nous, nous allons voir beaucoup plus de détails à son sujet. Alors mets-le d'abord dessus. Ensuite, prenez votre couleur plus foncée. J'utilise mon bleu et mon violet avec un peu de brun pour le neutraliser. Et entrez et repartez, je pars du bas parce que je sais que c'est là que doit se trouver une ombre noire. Peindre des roches, c'est vraiment réfléchir aux différents plans de la surface. Non, vous ne voulez pas le peindre tout même quand c'est vu de près comme ça. Vous êtes allé à la lumière et cela affectera chaque petite section différemment. Il suffit donc de retirer les ombres et les reflets de la manière dont vous souhaitez qu'ils soient aussi fins que possible. Mais j' encourage toujours les gens, lorsqu' ils peignent des pierres, à vraiment réfléchir aux sections, aux plaines, et à les mettre en valeur, presque comme si vous les sculptiez. Ensuite, nous verrons un peu plus d'ondulations et d'ombres avec celui-ci, car c'est terminé. Je vais même faire quelques petites ondulations qui s'en éloignent comme ça. Voyez à quel point cela se reflète vraiment là-dedans. Maintenant. Encore un petit caillou ici. Peut-être que celui-ci est juste un petit coup d'œil. Très bien, nous avons des pierres. Très bien, excellent travail à tous. Et dans la prochaine leçon, qui est également la dernière, nous allons ajouter au premier plan une petite touffe d'herbe. Vous allez signer votre œuvre , puis nous retirerons la cassette. On se voit alors. 17. Touches de finitions: Bonjour à tous et bienvenue à la leçon numéro 15. Je suis Paul Richmond, et aujourd'hui nous mettons la touche finale à cette pièce et ajouterons la touffe d'herbe au premier plan. Vous allez signer votre nom , puis nous retirerons le ruban adhésif et vous aurez une belle aquarelle finie. Allons-y. Très bien, dernier point mais non le moindre, nous allons peindre cette petite touffe d' herbes ici à l'avant. Ensuite, nous le signerons et retirerons la cassette. La meilleure partie. OK, je vais utiliser le même type de brosse de taille moyenne que j'utilise pour beaucoup de choses et j'utiliserai peut-être une plus petite, même pour certaines herbes, mais nous allons commencer par cela. Et je veux utiliser mon vert, mon vert foncé. Je vais le réhumidifier pour lui redonner vie. Nous allons aussi prendre un peu de bleu et l'apporter ici pour pouvoir le refroidir si nous avons besoin d' un peu de violet pour l' assombrir s'il le faut. OK. J'ai mes couleurs. Donc, pour commencer, comme pour tout ce qui concerne l' aquarelle, tu sais, tu ne veux pas faire trop sombre au début. Vous voulez vous y préparer. Je vais donc l'affiner un peu et entrer et, en quelque sorte, en étudier toute la section principale d'abord. C'est plus solide. Ensuite, commencez à détester certaines lignes vraiment délicates. Tu sais quoi, je vais passer à mon pinceau Queenie parce que je pense qu'il fonctionnera mieux pour ça. D'accord ? Je pense que la clé pour créer des lignes vraiment élégantes est d'aller vite. Si vous allez très lentement, ils commencent à trembler. Et vous devriez essayer de faire en sorte qu'ils soient plus épais à l'intérieur, puis plus fins vers la pointe. Il suffit de regarder la direction dans laquelle ils tombent, même ceux qui se trouvent à l'intérieur de la touffe, se dirigent vers nous. Vous pouvez toujours y lancer quelques coups de pinceau pour presque simplement essayer de créer des lignes élégantes vraiment délicates. C'est ce que je choisirais presque comme de la calligraphie. Et laissez-les se chevaucher et essayez obtenir le plus de variété possible. Remarquez que sur la photo ils ne vont pas tous dans la même direction. Certains, d'autres très inclinés vers le bas, d'autres montent. La variété est donc la clé ici. Si vous passez de la lumière à l'obscurité, vous créez des vents légers à l'intérieur en peignant les ombres à côté. Vous voyez comment, ici, on mais c'est que des herbes claires et plus claires sortent, dirait que des herbes claires et plus claires sortent, mais c'est comme ça que je fais le tour et que je crée des ombres à côté de ces sections. Peindre à l' aquarelle demande donc souvent un peu de réflexion en sens inverse. Mais c'est ta 15e leçon. Vous êtes maintenant un pro de l'aquarelle, vous pouvez donc gérer cela. J'espère vraiment que vous avez apprécié ce cours et que vous vous sentez un peu plus aise avec l' aquarelle maintenant que vous allez continuer à l'utiliser et à l'essayer avec toutes sortes de sujets différents. C'est un médium formidable. C'est génial pour tant de choses différentes. Il y a tellement de manières différentes de l'utiliser. Je vous encourage également à expérimenter avec des crayons aquarelle. Si cela vous a plu, vous pouvez le colorier avec ces crayons de couleur. Mais quand tu passes un pinceau humide dessus, ça se transforme en peinture. En gros, c'est comme de la magie devant vos yeux. Et c'est de l'aquarelle, mais juste au crayon pour lui. Il existe donc toutes sortes d'outils et de manières d'utiliser le média que nous n'avons pas abordés dans ce cours. Nous devrons suivre d' autres cours parce qu' il y a tellement de choses à aborder avec tout cela. Il existe également un excellent outil appelé poitrine de bœuf, qui n'est qu'un petit pot contenant ce liquide. Et il est utilisé lorsque vous voulez conserver des reflets, comme ces petits espaces négatifs et les arbres, vous peignez, vous pénétrez sur ces espaces, le produit sèche et durcit, un peu comme du ciment à caoutchouc, c' et durcit, un peu comme est presque ce à quoi il ressemble. Ensuite, vous peignez tout et cela protège ces taches. Quand vous revenez en arrière, vous retirez la poitrine et vous conservez le blanc du papier . Vous pouvez donc toujours la peindre d'une autre couleur si vous le souhaitez, ou peut-être que vous voulez qu'elle soit d'un blanc pur. C'est un outil amusant. Ils fabriquent maintenant ces magnifiques pinceaux , parfaits lorsque vous êtes en déplacement. Vous pouvez en fait charger de l'eau dans le manche de la brosse. Ensuite, il suffit de presser le côté du pinceau pour qu'il sorte à travers les poils. Je l'ai utilisé lors de notre récente croisière il n'y a pas si longtemps et je voulais faire beaucoup de petites aquarelles pendant mon voyage. Mais je veux transporter un tas de provisions. J'ai donc acheté ces pinceaux remplis d'eau et c'était merveilleux. Alors, allez visiter votre magasin d'art local ou regardez en ligne et achetez-vous d'autres jouets si cela vous plaît. Je vais utiliser cette astuce qui consiste à utiliser l' eau et à en soulever quelques-unes ici pour en obtenir un bon, oh, oui. Joli petit moment fort. Quelques-uns. Très bien, mes amis, nous y sommes presque. Fromage. C'est allé si vite. Nous devons le refaire. Et nous allons le faire, nous allons réaliser de nombreuses vidéos. J'en ai déjà plusieurs. N'oubliez donc pas de les consulter également Si vous avez aimé travailler avec moi dans cette leçon, j'adore penser qu' il y a tant de personnes dans le monde qui font de l' art avec moi et qui apprennent et nouvelles compétences et techniques au fur et à mesure. Ensuite, prenez ces informations et appliquez-les comme vous le souhaitez dans votre style. C'est le principal. Vos œuvres d'art n' ont pas besoin de ressembler aux miennes. Cela devrait ressembler à ce que vous voulez donner à votre art. Très bien, nous avons une pièce finie. Alors maintenant, la dernière étape, bien sûr, c'est à l'artiste de signer son œuvre. Les gens n'aiment pas le faire parfois, mais c'est quelque chose que vous pouvez faire si vous décidez d'en faire une carrière, ne serait-ce que dans le cadre de la vente de votre travail. Je dois vous dire que les collectionneurs recherchent vraiment cette signature. J'utilise un petit logo que j'ai créé, juste avec mes initiales, donc c'est ainsi que j'ai signé le mien. Cela fonctionne très bien. Tant que tu as quelque chose , je signe toujours mon nom complet au dos. P. On dirait des lettres au pochoir. Si vous n'avez pas la signature d'un artiste de renom, s'ils le savent déjà, ce n'est pas grave. Écrivez simplement votre nom ou signez-le. Quoi qu'il en soit, tu le signerais. Tu peux le faire avec un pinceau. Mais si cela ne vous convient pas, tant que la zone est sèche, vous pouvez également le faire avec un crayon. Alors, bien sûr, Je dois faire en sorte que ce soit chic. Quelques petites fioritures. Je l'ai fait tellement de fois que je pourrais le faire pendant mon sommeil. Nous y voilà. Il suffit de le serrer un peu pour qu'il ne ressorte pas trop, trop. Nous y voilà. Je préfère ça. Très bien, nous sommes arrivés jusqu'ici. Il est maintenant temps de passer à la partie la plus satisfaisante de toutes retirer le ruban adhésif. Tu es prêt ? Maintenant, la seule chose sur laquelle je tiens à vous mettre en garde à propos de cette partie, c'est d'être très doux. Tu ne veux pas déchirer le papier. Aussi impatiente que je sois de voir cette jolie bordure blanche, je vais prendre mon temps , y aller très lentement et éloigner du tableau. Regarde ça. C'est bon. J'ai fait une face. J'ai cherché où le ruban se chevauchait afin de pouvoir d'abord retirer la couche supérieure du ruban. Le haut a l'air bien. Ensuite, très lentement et doucement. Déchirez votre papier à ce stade, ce serait tragique. Il en reste un. Je retiens toujours mon souffle pendant cette partie. Ce n'est pas une bonne chose de t'apprendre, Bill , que tu dois respirer. Respirer, c'est bien. 18. Dernières réflexions: Très bien, bon travail à tous. Cela a été très amusant de peindre avec vous tout au long de cette série de leçons. Je l'ai vraiment adoré et j'espère que vous aussi. J'espère que tu as appris de nouvelles techniques. J'espère vraiment que tu vas continuer à peindre. Ce n'est que le point de départ pour vous. Vous pouvez utiliser l'aquarelle pour peindre à peu près tout ce que vous voulez. Et j'espère vraiment que vous continuerez si vous avez apprécié ce cours. J'espère que vous m'écrirez une critique, si vous avez apprécié ce cours. J'espère que vous m'écrirez une critique me suivrez et que vous suivrez d' autres cours parce que j' adore savoir que vous êtes si nombreux à faire de l'art avec moi. Continuez à peindre, à être créatif. Et je te verrai la prochaine fois. Au revoir tout le monde.