Animer avec des couches : Introduction à After Effects (Partie 2)

1. Introduction: Bienvenue dans Intro à la deuxième partie des effets après effets. La deuxième partie d'une série en quatre parties présente Adobe After Effects aux aspirants animateurs et concepteurs de mouvement qui ont peu ou pas d'expérience avec le logiciel. m'appelle Morgan Williams et je suis animateur et directeur d'animation depuis plus de 25 ans. Et j'enseigne l'animation et le design de mouvement depuis près de dix ans au Ringling College of Art and Design Online de School of Motion, et maintenant ici sur le partage de compétences. Si vous n'avez pas suivi Intro à la première partie des effets après-effets, vous allez vouloir vous assurer et regarder ce cours d'abord parce que nous allons nous appuyer sur les leçons de la première partie ici dans la deuxième partie. Cette série est parfaite pour les graphistes ou les illustrateurs qui s'intéressent à l'animation ou au design de mouvement, et qui n'ont pas encore essayé les effets ou ont pu l'essayer et être repoussé par sa complexité. Intro to after effects est une étude complète des fondamentaux du logiciel, pas seulement pour regarder une ou deux techniques spécifiques, afin que vous puissiez utiliser cet outil puissant et flexible pour créer vos propres animations uniques en toute confiance. Tout au long de la série, je vais vous enseigner les techniques et pratiques professionnelles et rendre vos workflows intelligents et efficaces. En plus de relier ce que nous apprenons sur le logiciel à principes et concepts créatifs plus larges et animation et à la conception de mouvement pour vous donner une base solide, tant sur le plan technique que créatif. Dans la deuxième partie de la série, nous allons imaginer que nous créons ce cadre de titre pour un spectacle de loup-garou branché appelé Howl. [ MUSIC] route, nous allons apprendre à travailler avec différents types de calques et d'effets après, y compris les calques vidéo, les calques d'image, les calques texte, les calques de réglage et les solides. Nous examinerons l'ajout et l'animation d'effets sur les calques. Apprenez un tas de nouveaux raccourcis clavier et bien plus encore. Ouvrons après les effets et commençons. 2. Dossier de projet: Assurez-vous que vous avez téléchargé le dossier du projet et décompressé. Ensuite, rappelez-vous de notre première classe de la série que dans le dossier du projet se trouve le fichier de projet, le fichier .aep. Ensuite, il y a le dossier de métrage qui contient les ressources que nous allons utiliser dans le projet. Maintenant, juste pour plonger un peu plus en profondeur, il est important de comprendre comment After Effects fonctionne avec les fichiers d'actifs. Lorsque vous importez un élément ou un métrage sous la forme d' After Effects inverse dans un projet After Effects, le fichier ne figure pas dans le fichier de projet. Ce qui se passe à la place, c'est que le fichier de projet After Effects crée un lien vers le fichier de ressources dans le Finder où il est importé. Donc, si vous avez un métrage ou une ressource sur votre bureau et que vous l'importez dans votre fichier de projet, il va créer un lien vers ce fichier assis sur votre bureau. Maintenant, si vous déplacez ce fichier ou si vous le supprimez, ou si vous renommez ce fichier, After Effects ne saura plus où se trouve ce fichier et lorsque vous ouvrez ce projet, vous obtiendrez un avertissement de métrage manquant et votre projet ne pourra pas être lu ou rendu correctement. Il s'agit d'un concept très important pour comprendre comment After Effects fonctionne avec les ressources ou les séquences. Maintenant, tant qu'il n'a pas été supprimé, métrages manquants peuvent être relancés en double-cliquant sur le fichier manquant dans la fenêtre du projet et en trouvant le fichier dans le Finder de votre ordinateur. Mais c'est une perte de temps et vraiment inutile si vous travaillez de manière plus organisée. En général, le processus que vous souhaitez utiliser pour ajouter une ressource à un projet consiste à copier cette ressource d'abord dans votre dossier de ressources ou de métrage de votre dossier de projet, puis à l'importer dans le projet. Ensuite, si vous prévoyez de déplacer votre projet sur un autre ordinateur ou de partager votre projet avec un collègue, assurez-vous de déplacer le dossier du projet entier avec le fichier du projet et le dossier du métrage inclus. Si vous travaillez de cette façon de manière cohérente, vous n'aurez jamais de problème avec les fichiers manquants dans votre projet. Une fois que vous avez téléchargé le fichier zip, décompressé, vous pouvez soit double-cliquer sur le fichier aep pour ouvrir After Effects, soit faire comme nous l'avons fait dans la première classe, ouvrir After Effects, choisir le projet ouvert et choisir ce fichier de projet. Une fois que vous avez After Effects et que le fichier de projet est ouvert, oubliez pas que c'est toujours une bonne idée, comme nous l'avons fait en première classe de la série, faire un incrément et d'enregistrer pour vous assurer que nous conservons une version de ce projet au cas où nous ferions un terrible gâchis et que nous voulions recommencer à zéro. Encore une fois, je vais aller sous fichier, incrémenter et enregistrer, et nous allons faire une sauvegarde en faisant automatiquement avancer ce numéro de version de la version un à la version deux. Maintenant, notons que nous avons déjà fait quelques réglages de couleur pour ce projet sur lesquels je veux attirer votre attention. Si nous montons sous les paramètres du projet de fichier et que nous allons aux paramètres de couleur, vous pouvez voir tout d'abord, que nous avons défini la profondeur de bits pour les couleurs à 16 bits par canal, ce qui est supérieur aux huit bits par canal qu'il utilise par défaut. Je recommande ce réglage dans ce cas car nous commençons à utiliser des images et des effets plus sophistiqués dans ce projet. Nous avons également défini l'espace de travail déjà sur sRGB, ce qui, si vous vous souvenez de la première classe de la série, est un bon moyen de maintenir vos couleurs lors du rendu. Vos couleurs vont toujours changer lorsque vous effectuez un rendu dans une certaine mesure, mais le réglage de l'espace de travail aidera à préserver les couleurs un peu mieux. Maintenant encore une fois, nous avons fait ces paramètres pour ce projet déjà avant de le télécharger. Mais je recommande si vous démarrez un nouveau projet pour définir vos paramètres de couleur à 16 bits et sRGB, cela fonctionnera assez bien dans la plupart des situations. Maintenant, je veux aussi mentionner une chose supplémentaire avec notre fenêtre de composition ici, maintenant que nous commençons à travailler avec des projets plus complexes. Vous pouvez modifier les paramètres d'aperçu de votre fenêtre de composition, surtout si vous ne disposez pas d'un ordinateur extrêmement rapide. Ce que je recommande est de venir ici à ce petit bouton ici avec ce petit éclair sur cette petite boîte avec un éclair et cliquez sur ce menu déroulant et je vous recommande de choisir le projet rapide. Il s'agit d'un bon paramètre général pour garder les aperçus de la RAM et l'actualisation de l'écran lorsque vous déplacez les calques en douceur. Pour le projet que nous allons créer pour cette classe, nous allons imaginer que nous sommes en train de créer le cadre de titre d'une séquence de titre pour une nouvelle émission télévisée cool sur l'endroit où les loups ont appelé How. Pour créer ce cadre de titre, nous allons utiliser une combinaison d'images vidéo, images photographiques et, bien sûr, de typographie. cours de route, nous allons parler de travailler avec ces différents types de couches. Nous allons également envisager d'ajouter des effets d'animation à ces calques, travailler avec des modes de fusion et de travailler avec des calques de réglage, ainsi que beaucoup d'autres bonnes choses. Faisons un aperçu RAM de la fin du titre ici juste pour avoir une idée de ce que nous allons créer. Nous avons ici une approche de collage amusante avec la vidéo time-lapse des étoiles comme arrière-plan. Cette superposition de cette photographie de la lune teintée à un rouge sanglant et bien sûr notre typographie pour le titre. Cela devrait être une petite animation amusante à créer. Plongons et commençons. 3. Importer des fichiers: La première chose que nous voulons faire, bien sûr, est de créer une nouvelle composition dans notre projet, créer notre cadre de titre. Allons donc à la composition du menu déroulant et choisissez Nouvelle composition. Notez que nous pouvons également utiliser les touches de commande, Commande N. Parce que je travaille sur un Mac, je vais utiliser les raccourcis clavier MAC. Si vous utilisez un PC, oubliez pas que lorsque j'utilise la touche Commande, vous utiliserez la touche Ctrl et lorsque j'utilise la touche Option, vous utiliserez la touche Alt. Sinon, toutes les autres commandes clés seront fondamentalement les mêmes. Alors allons de l'avant et choisissez Nouvelle composition et nous allons le nommer HowlTitle. Nous voulons utiliser le préréglage. Le mien utilise déjà cela par défaut parce que je l'ai utilisé précédemment et les effets secondaires utiliseront à peu près toujours le préréglage que vous avez utilisé avant d'ouvrir la nouvelle fenêtre de composition ici. Mais vérifiez simplement que vous utilisez ce préréglage ici, HDTV 1080 24, 24 images par seconde. Donc, nous voulons choisir cela et ensuite nous voulons nous assurer que notre durée est réglée à 10 secondes. Rappelez-vous que notre code temporel ici est heures, minutes, secondes et images. Donc, nous voulons 10 dans la deuxième position ici. Maintenant, si vous regardez ce cours immédiatement après mon premier cours dans la série d'intro aux effets secondaires. Cela sera réglé à 06 pendant six secondes, donc vous voudrez changer cela à 10. Le mien est déjà par défaut à 10 parce que j'ai créé le HowlTitle terminé initial. Maintenant, cela va aussi pour la couleur de fond. Vous pouvez avoir la couleur pourpre que nous avons utilisée dans la classe précédente ou une autre couleur si vous avez choisi une autre couleur, probablement une bonne idée pour revenir à son noir par défaut. Alors n'oubliez pas de cliquer sur l'échantillon ici, vous obtiendrez votre sélecteur de couleur et faites simplement glisser cela dans le coin, ce coin ou ce coin n'a pas vraiment d'importance pour vous donner plein noir. Donc, une fois que vous avez tous ces paramètres corrects, allez-y et cliquez sur « OK ». Maintenant, parce que j'ai une version finie de notre projet ici, j'ai déjà importé tous ces éléments dans le projet, mais j'ai des copies de la photo et la vidéo afin que nous puissions examiner rapidement le processus d'importation. Je vais aussi vous montrer dans la leçon suivante un petit truc cool pour importer. Commençons par importer simplement un de ces fichiers. Dans la leçon suivante, nous importerons l'autre et je vous montrerai ce petit truc pratique. N' oubliez pas qu'il y a plusieurs façons d'importer. Je peux soit utiliser la commande I, qui va lancer la fenêtre de dialogue d'importation, soit je peux double-cliquer dans la zone vide de la fenêtre du projet ici. Ce n'est pas si utile une fois que vous avez un très grand projet compliqué avec beaucoup et beaucoup de fichiers. Mais tant que le projet est relativement petit et que vous avez un espace vide ici, un double-clic est un moyen rapide de lancer cela. Une autre option consiste à cliquer avec le bouton droit de la souris et descendre et choisir le fichier d'importation. Toutes ces choses vont lancer la même boîte de dialogue d'importation et vous pouvez choisir un fichier à importer. Alors allons de l'avant et choisissez le fichier film Stars Timelapse version 1 ici. Nous avons déjà importé la version 00, alors nous allons juste importer celle-ci. Donc, nous allons sélectionner cela et choisir « Ouvrir », et nous allons importer ce fichier. Notez que lorsque le fichier est sélectionné, vous obtenez des informations à ce sujet. La fréquence d'images, le rapport d'aspect, sa durée, les informations de couleur, les informations de compression. Selon le type de fichier qu'il est, fichier image ici nous obtenons juste des informations de taille, informations de couleur, vous obtiendrez un ensemble différent d'informations. Maintenant, j'ai également inclus un fichier de bibliothèque pour les deux couleurs que nous allons utiliser la couleur du texte et la couleur que nous allons teinter la lune. Il n'est vraiment pas nécessaire que vous utilisiez ces couleurs exactes, mais si vous voulez suivre exactement avec la classe, vous pouvez importer ce fichier de bibliothèque en allant dans la fenêtre de la bibliothèque, en cliquant sur le bouton Menu ici, en choisissant Importer la bibliothèque, vous obtiendrez cette petite boîte de dialogue. Vous cliquez sur « Sélectionner la bibliothèque » pour choisir l'emplacement de votre dossier de métrage. Ensuite, vous pouvez choisir le fichier de bibliothèque AEClass2 et cliquer sur « Ouvrir ». Mais encore une fois, vraiment pas que nécessaire dans ce cas particulier parce qu'il est vraiment juste deux couleurs et vous pouvez juste jouer et choisir les couleurs que vous voulez. Maintenant, avant de commencer à assembler tout cela, nous devons toujours importer notre fichier image de la lune, mais nous voulons aussi nous arrêter et prendre une minute pour organiser notre fenêtre de projet un peu plus. Jetons un coup d'oeil à cela dans la prochaine leçon. 4. Window de projet: Maintenant que nous travaillons ici, n'oubliez pas d'économiser souvent. Vous pouvez même souhaiter incrémenter et enregistrer de temps en temps. Juste pour que les choses bougent dans ces vidéos, je vais probablement éditer mes sauvegardes la plupart du temps. Mais n'oubliez pas que vous travaillez chaque fois que vous faites quelques choses. Juste « Command S » pour sauver, juste pour être en sécurité. Au cours de la première introduction au cours des séquelles, j'ai parlé importance de rester organisé lorsque vous travaillez. Nous créons des projets relativement simples pour ces classes, mais les projets de post-effets plus avancés peuvent devenir très compliqués très rapidement. Rester organisé est essentiel et une habitude que vous voulez développer tôt. Nous avons beaucoup parlé en première classe de rester organisé dans votre fenêtre de chronologie en nommant vos couches et en les codant par couleur. Mais nous voulons aussi rester organisés dans notre fenêtre de projet. Heureusement, after-effects fournit une structure de dossier comme un Finder qui le rend facile à faire. Notez que la fenêtre du projet est de plusieurs façons comme un finder. Vous pouvez déjà voir qu'il y a un dossier ici, le dossier des solides, et nous parlerons plus tard des solides et des couches d'ajustement. Mais vous pouvez voir qu'il y a un solide et un calque d'ajustement dans ce dossier solide qui a été créé par les effets secondaires. After-effects essaie automatiquement de garder un peu organisé là-bas. Mais comme nous avons importé des fichiers et créé des compositions, ils s'empilent dans cette fenêtre au fur et à mesure que nous les créons. Mais nous pouvons également créer des dossiers ici pour garder les choses un peu plus organisées. Il y a deux façons de créer des dossiers. Je peux soit descendre en bas de la fenêtre et choisir créer un nouveau dossier là, ou encore, je peux faire un clic droit ici et choisir « Nouveau dossier ». Appelons ce dossier audio. Faites glisser notre fichier audio dans ce dossier. Maintenant, nous n'avons qu'un seul fichier audio ici, mais c'est toujours une bonne idée de créer des dossiers pour les différents types d' actifs et de séquences que vous devez garder les choses organisées. Je vais cliquer et faire glisser ce fichier audio dans ce dossier audio. Alors faisons un pour nos fichiers vidéo ici. Je vais cliquer avec le bouton droit sur le nouveau dossier et nous appellerons cette vidéo. Nous allons cliquer et faire glisser nos deux fichiers vidéo dans ce dossier. Ensuite, faisons un dossier d'images et glissons notre lune dans ce dossier d'images. Maintenant, vous pouvez également, si vous commencez à accumuler beaucoup de compositions, vous pouvez créer un dossier ou un dossier de précomposition. On parlera des précomps dans un cours à venir parce qu'on en a juste quelques-uns, je vais laisser ces flottants libres. Mais tout de suite, nous avons un espace de travail beaucoup plus organisé dans notre fenêtre de projet. Je t'ai promis un truc amusant. Nous n'avons pas encore importé notre image de lune. Encore une fois, je reconnais que nous avons une image de lune ici. J' imagine juste qu'on construit ça à partir de zéro. Si vous avez créé des dossiers et que vous travaillez de cette manière organisée. Vous pouvez réellement importer directement dans ces dossiers, ce qui est assez pratique. Nous allons importer l'image de l'autre lune ici et nous voulons qu'elle aille dans le dossier des images. Si je sélectionne d'abord le dossier images, puis appuyez sur la commande i pour importer, je vais obtenir mon dialogue d'importation ici et nous pouvons sélectionner ce jpg moon. Maintenant, je vais faire une pause juste un instant ici parce qu'il y a une case à cocher importante que nous devons décocher avant d'importer ceci. C' est parce que nous avons deux JPG appelés Moon-v00 et Moon-v01. C' est une chose assez courante que vous pourriez avoir quelques images avec des noms similaires ou des nombres différents à eux. Il y a un petit piège ici dans lequel vous allez tomber si vous n'êtes pas prudent, peut causer une vraie confusion avec les utilisateurs débutants des effets secondaires. Regardez ce qui se passe lorsque je sélectionne Moon Version 1 jpg. Notez qu'ici en bas, il vérifie automatiquement cette séquence jpg importateur. Ce que cela signifie, c'est qu'il lit ces deux fichiers comme une séquence d'images. séquences d'images sont essentiellement un moyen d'introduire une séquence d'images comme un film, un fichier vidéo. Mais on ne veut pas ça. Nous voulons juste une image fixe de ce jpg. Nous ne l'obtiendrons pas si la séquence jpg de l'importateur est vérifiée. Il est vraiment important de toujours rechercher cela parce que selon la façon dont vous nommez et organisez vos fichiers, cela peut parfois être vérifié par défaut car les effets secondaires remarquent qu'il y avait deux fichiers de même nom avec un nombre séquence. Il a deviné que nous voulons que ce soit une séquence d'images. C' est encore une fois, cette chose de séquelles, essayant d'être intelligent et utile, ce qui est souvent vraiment génial. Mais parfois tout comme avec la correction automatique lorsque vous envoyez des textos, peut être irritant. Nous voulons nous assurer qu'une séquence jpg importateur décocher. Gardez un œil sur cela lorsque vous importez des images, assurez-vous qu'il est coché à moins que vous ne vouliez qu'il s'agisse d'une séquence d'images, ce qui signifie qu'il apparait comme s'il s' d'un petit clip vidéo composé de votre séquence d'images, vous pouvez le faire si vous créez, par exemple, une séquence d'animation dessinée à la main dans Photoshop, puis l'importez dans des effets postérieurs. Mais dans ce cas, nous voulons qu'il ne soit pas vérifié. Nous importons juste une vieille image jpg. Maintenant, allons-y et ouvrons. Vous remarquerez cela parce que nous avons sélectionné le dossier avant de cliquer sur « Commande I », ou le menu déroulant. Il importe automatiquement directement dans ce dossier, ce qui est vraiment lisse. Maintenant, cela ne fonctionnera pas avec le bouton droit de la souris. Cela ne fonctionnera pas. Si vous avez sélectionné cette option, elle cliquera automatiquement hors du dossier. Si vous avez sélectionné le dossier, vous devez utiliser la commande I ou le menu déroulant Importer le fichier. Je vous recommande bien sûr d'utiliser les raccourcis clavier que vous voulez obtenir le plus à l'aise avec autant de commandes clés que possible pour rendre votre flux de travail plus professionnel et efficace. Maintenant que nous avons notre fenêtre de projet tout soignée et organisée, nous sommes prêts à commencer à construire notre projet. 5. Travailler avec des calques vidéo: Commençons par créer notre arrière-plan. On va le faire avec une vidéo en time-lapse des étoiles. Ouvrons notre dossier vidéo ici dans la fenêtre du projet et prenons les étoiles time-lapse version 1. Nous allons simplement cliquer et faire glisser ça tout droit vers le bas et le déposer dans notre chronologie. Nous voulons nous assurer que nous faisons glisser cela directement vers le bas dans cette zone de pile de couches, pas dans la timeline elle-même, car cela le placerait réellement partout où nous le plaçons le long de la timeline et nous voulons qu'il commence à droite à l'image 0. Nous voulons cliquer et faire glisser cela tout droit vers le bas. Tout de suite, nommons cette couche parce que ce nom est long et difficile ici. Encore une fois, pour rester organisé, nous allons appuyer sur la touche « Retour » et nous appellerons cela BackgroundStars. Une fois que nous aurons quelques couches supplémentaires ici, nous les coderons également. Même si ce n'est pas un projet très compliqué, il est toujours bon de maintenir ces bonnes habitudes organisationnelles. Maintenant, notez que notre clip vidéo est lu comme on s'y attendrait. Je peux cliquer et faire glisser sur le fichier vidéo pour le déplacer d'avant en arrière dans le temps sur la chronologie. Je peux également choisir le point d'entrée et de sortie du calque en cliquant et en faisant glisser sur les bords de l'élément comme ceci. Il y a d'autres options pour éditer des vidéos avec un effet secondaire, mais nous n'allons pas plonger trop profondément dans cela avec cette classe particulière. Une grande idée à noter à propos de la vidéo est que si vous devez faire beaucoup de montage vidéo, vous voulez vraiment utiliser Adobe Premiere. After Effects n'est vraiment pas un bon logiciel de montage vidéo. Vous pouvez faire du montage vidéo dans After Effects, mais ce n'est pas vraiment fait pour cela. L' une des principales raisons est que chaque clip vidéo que vous apportez doit occuper un calque séparé. Vous ne pouvez donc pas, par exemple, mais plusieurs clips vidéo ensemble au sein d'une seule couche. Donc, je dis toujours aux étudiants qu'After Effects est excellent dans presque tout, mais l'une des choses qui sont très pauvres est le montage vidéo, en particulier le montage vidéo complexe. Si vous devez éditer une vidéo compliquée avant de lui dire d'ajouter des effets ou des animations, vous souhaitez le faire dans Adobe Premiere, puis importer ce rendu dans After Effects. Mais nous n'avons pas à faire d'édition compliquée ici. Maintenant, l'autre chose que je veux que vous notiez à propos ce clip vidéo que nous avons ajouté à notre chronologie est, notez qu'il a en fait un point d'ancrage juste là au centre. Si je l'ouvre, il y a notre onglet de transformation et il y a nos transformations, elles sont toutes disponibles pour nous, toutes animables comme nos calques de forme l'étaient. Si vous vous souvenez de la première classe, j'ai dit qu'à peu près chaque couche et After Effects a ces propriétés disponibles. Donc, je peux mettre à l'échelle et faire pivoter et je peux faire tout ce que je peux faire avec n'importe quel autre calque avec ce calque vidéo. Mais on ne va pas faire quelque chose de si fou avec ça. Nous allons garder cela assez simple, mais nous avons un problème ici : notre clip vidéo ne dure que huit secondes et 11 images et nous avons besoin que ce soit 10 secondes ici pour notre image titre. De même qu'Adobe Premiere, nous avons la possibilité de modifier la synchronisation d'un clip vidéo. Ce que nous devons faire ici, c'est d'étirer cela de huit secondes à 10 secondes, qui va ralentir un peu la vidéo, mais probablement pas assez que nous pourrions même remarquer particulièrement. le calque sélectionné, je monte jusqu'à Calque, Temps et nous allons choisir l'étirement temporel. Maintenant, juste pour vous montrer une autre façon de le faire. Si vous ne voulez pas utiliser le menu déroulant en haut, ce qui est un peu plus de temps pour vous déplacer là-haut, vous pouvez également simplement cliquer avec le bouton droit de la souris sur le « Calque » lui-même. C' est un peu plus direct et vous aurez la plupart des options disponibles que vous avez dans le menu déroulant du calque. Donc cliquez avec le bouton droit sur Time, Time Stretch C' est un petit effet pratique ici qui nous permet d' étirer un clip dans le temps et nous pouvons le faire de deux façons différentes ; nous pouvons soit le faire avec un pourcentage pour que nous puissions le faire deux fois plus vite, soit deux fois plus lent ou deux fois plus vite ou la moitié à nouveau plus vite ou la moitié à nouveau aussi lent ou ce que nous voulons faire. Ou nous pouvons simplement définir une nouvelle durée, soit plus courte ou plus longue. Nous pouvons également le maintenir ou l'épingler, soit au niveau du point In-point des calques, cadre actuel ou du point de sortie du calque. Nous voulons le maintenir en place à la couche In-point ici, mais nous savons que nous avons besoin d'une longueur de 10 secondes. Donc, plutôt que d'essayer de régler cela avec un pourcentage, nous allons juste taper 10.00 pendant dix secondes, puis nous allons cliquer sur « OK » et vous pouvez voir qu'il étire automatiquement le clip à exactement 10 secondes. Si nous le lisons ici avec un aperçu de ram, c'est peut-être un peu plus lent que le clip original, mais cela fonctionnera à notre avantage puisque nous essayons de créer cette ambiance atmosphérique effrayante. Maintenant, vous voulez être prudent avec l'étirement du temps, surtout lorsque vous étirez un clip plus longtemps qu'il ne l'est. Si vous l'étirez trop, vous commencerez à voir les images individuelles et il sera bégaiement. Mais un petit tronçon comme celui-ci ne va vraiment pas être très perceptible du tout. Rendre le clip plus court, bien sûr va l'accélérer et vous pouvez vraiment cela autant que vous voulez. Cependant, sachez que plus vous la compresser, elle commencera à supprimer des images, sorte que vous ne verrez pas toutes les images de votre clip. Maintenant, nous avons notre clip vidéo en place, et nous l'avons étiré jusqu'à 10 secondes. Examinons ensuite l'ajout d'effets à ce calque pour le rendre plus efficace pour notre cadre de titre. 6. Ajouter des effets aux calques: After Effects, tout comme Photoshop, a des tonnes d'effets que nous pouvons ajouter aux calques afin de les modifier de différentes manières. Dans ce cours, nous allons juste regarder quelques effets. Je ne peux pas vous faire découvrir tous les effets du menu. Vous voudrez faire un peu d'exploration par vous-même là-bas. Mais regardons les bases de la façon d'ajouter un effet et d'ajuster un effet. Il existe deux méthodes principales pour ajouter un effet à un calque. Une fois le calque sélectionné, je peux monter sous Effet. Ensuite, vous verrez ce menu géant avec des sous-menus avec tous les effets que nous avons disponibles ici dans After Effects. Si vous êtes familier avec Photoshop, beaucoup d'entre eux sont similaires, mais il y en a différents et certains de ceux que vous connaissez peut-être peuvent fonctionner un peu différemment, mais vous remarquerez certainement certains anciens favoris si vous avez l'habitude d'utiliser Effects dans Photoshop. Le premier que nous allons utiliser ici est la balance des couleurs HLS, ou teinte, légèreté et saturation. Lorsque le calque est sélectionné, nous choisissons simplement cet effet, et il ajoute automatiquement l'effet au calque. Maintenant, nous allons regarder la deuxième façon d'ajouter un effet en seulement une seconde. Notons quelques choses. Notez tout d'abord qu'une nouvelle fenêtre est apparue, la fenêtre de contrôle des effets ici avec les contrôles d'effets en eux. Notez qu'il apparaît par défaut comme un onglet dans la même fenêtre où se trouve notre fenêtre de projet. Je peux à peine voir la fenêtre du projet là-bas, mais si je clique dessus, il y a l'onglet pour cela. Si vous ne pouvez pas réellement voir et cliquer sur l'onglet « Projet », il suffit de cliquer sur ces deux petites flèches ici et vous pouvez voir que vous pouvez sélectionner entre les deux onglets dans cet espace de fenêtre unique ici. Mais notons également que sur le calque lui-même, si j'ouvre le calque, remarquez qu'un nouvel onglet a été ajouté, l'onglet effets. Si je l'ouvre, il y a ma balance des couleurs, HLS. Si je tabulation qui s'ouvre, voici les mêmes contrôles exacts qui sont disponibles ici, et ils sont exactement les mêmes. Vous pouvez les ajuster ici ou vous pouvez les ajuster ici. Maintenant, notez également que ces contrôles ont tous des chronomètres à côté d'eux. Vous devriez vous rappeler ce que cela signifie, cela signifie que tout est animable, tout comme nos cinq propriétés, c'est l'un de ces aspects d'After Effects qui est extrêmement puissant. Presque tout est animable, y compris les propriétés sur les effets. Maintenant, si vous animez une propriété sur un effet, vous allez avoir tendance à l'utiliser ici dans la chronologie parce que vous allez créer des images clés, etc., comme si vous animiez un autre calque. Si vous réglez simplement les paramètres et que vous n'animez pas nécessairement, vous pouvez utiliser la fenêtre de contrôle des effets à la place, juste parce qu'elle est un peu plus grande et un peu plus facile d'accès, vous n'avez pas besoin de cliquer sur les onglets ouverts dans afin d'y arriver, mais de toute façon fonctionnera. Examinons l'autre façon d'ajouter des effets à un calque. Donc, pour ce faire, supprimons réellement notre effet et ensuite nous allons également apprendre à supprimer un effet. Notez que le nom de l'effet est sélectionné, cette boîte blanche autour d'elle. Si je clique dessus, cliquez dans cette zone vide qui désélectionne l'effet, mais si je sélectionne l'effet et puis appuie simplement sur la touche « Supprimer », cet effet disparaît. Maintenant, comment pouvons-nous ajouter des effets à un calque ? L' autre façon qui est peut-être un peu plus efficace si vous connaissez l'effet que vous recherchez est de, avec le calque sélectionné, aller dans cette fenêtre ici, Effets et Presets et vous pouvez soit creuser à travers le effets. Voilà notre balance des couleurs, HLS. Notez qu'il est mis en évidence parce que c'est le plus récent que nous avons utilisé. Ou vous pouvez utiliser cette petite fenêtre de recherche, encore une fois, si vous connaissez le nom de l'effet que vous recherchez, ou peut-être le type d'effet que vous recherchez et vous pouvez essayer différents termes de recherche. Si nous tapons ici, couleur et commençons juste à taper équilibré au moment où nous arrivons à L, vous pouvez voir qu'il vient avec les deux effets de balance des couleurs. Celui, bien sûr que nous voulons est la balance des couleurs HLS. Maintenant, avec le calque sélectionné, tout ce que j'ai à faire est de double-cliquer dessus et il ajoute automatiquement l'effet au calque comme nous l'avons fait auparavant. Maintenant, une autre chose à noter avant d'aller beaucoup plus loin ici est que je peux ajouter autant d'effets que je veux à un calque. Vous pouvez les empiler. Nous pourrions également ajouter un effet de flou, puis nous pourrions ajouter un effet de distorsion. Vous remarquerez qu'ils s'empilent, il est également important de le savoir et nous n'allons pas approfondir cela avec ce projet particulier, mais l'ordre des effets compte en fait. After Effects traite chaque effet dans l'ordre, ce qui est particulièrement important lorsque vous avez affaire à des effets de couleur. Ainsi, vous pouvez réorganiser l'ordre des effets en cliquant dessus et en les faisant glisser vers le haut et vers le bas et vous pouvez modifier l'ordre qui à nouveau, peut être très important en fonction des types d'effets que vous utilisez. Mais pour l'instant, allons-y et supprimons tout sauf notre balance des couleurs HLS. Nous avons sélectionné le renflement, supprimons cela. Flou bilatéral, supprimons cela et revenons simplement à notre balance des couleurs, HLS. Maintenant, ce que je veux faire de notre effet ici, c'est que je veux rendre ça un peu plus sombre. Je veux essayer de pousser le ciel un peu plus vers un bleu de minuit. Je vais commencer par le cadran Hue. Maintenant, la teinte est vraiment puissante parce qu'elle ne fait que déplacer toute la base de la teinte de l'image. Comme je tourne ça autour, vous pouvez voir que je peux faire mon ciel presque n'importe quelle couleur que je veux. Maintenant, nous ne voulons rien d'aussi maladroit que je veux juste changer ça un peu plus vers le bleu de minuit. Je vais soutenir ça juste un peu. C' est probablement un peu trop loin. Ça a l'air bien là, juste autour de moins 10 degrés sur le cadran Hue. Mais c'est aussi un peu trop brillant. Nous voulons aussi que cela lui donne cette sensation atmosphérique effrayante, qu' il soit un peu plus sombre. Réglons un peu la légèreté et assombrissons ça. Maintenant, comme j'ai assombri ça, c'est devenu un peu gris. Donc, je veux augmenter un peu la saturation pour ramener certaines de ces couleurs. Allons juste ramper cette saturation un peu plus, donc notre couleur est un peu plus riche. Avant de passer à autre chose, prenons une note de ce que nous avons fait avec cet effet. Remarquez le petit bouton FX juste ici. C' est en fait un petit bouton. Je peux cliquer dessus et juste très rapidement activer et désactiver l'effet. Vous pouvez voir que nous avons un bleu plus riche et plus profond, il semble un peu plus sombre, d'humeur et d'atmosphère. Passons à la leçon suivante et ajoutons notre image de lune. 7. Couches d'image et modes mélangés: Revenons à la fenêtre de notre projet ici. Fermons notre onglet dossier vidéo et ouvrons notre onglet images. Cliquez et faites glisser notre image de lune une fois de plus tout droit vers le bas et mettez-le au-dessus de, pas en dessous, mais sur le dessus de nos étoiles de fond. Maintenant, cette image de la lune est énorme, 2400 par 2400 pixels, ce qui est génial. Cela signifie que nous pouvons en faire beaucoup. Commençons par renommer notre couche. Je vais juste supprimer la dernière partie du nom ici. Maintenant, une note très rapide sur le nommage des couches. Nous avons modifié les noms de ces deux couches, et nous les considérons comme leur nom de couche, mais leur source, le fichier d'actifs liés, n'a pas changé. Si je clique ici où il est dit nom de la couche, cliquez, je le change en nom source et vous pouvez voir les noms d'origine sont toujours ici. En d'autres termes, la source de cette couche est la version lune un JPEG. L' instance de couche de cette lune, est appelée lune. Je pourrais avoir plus d'une instance de ce même atout dans ce projet si je veux, je pourrais avoir trois lunes différentes et les appeler Lune 1, 2, 3. Mais leur source sera la même JPEG. Maintenant, ramenons un peu la taille de cette lune. C' est clairement plus grand que nous n'en avons besoin. Encore une fois, alors que nous ouvrons nos transformations, nous avons nos cinq transformations habituelles comme nous nous y attendions. Apportons cela un peu réduit. Juste pour qu'on puisse voir ce qu'on fait. On va le garder relativement grand. Et nous n'essayons pas de créer une image réaliste du ciel ici. Nous créons plus d'un effet de collage. Vous remarquerez également qu'autour de cette image de la lune est noire. Évidemment, nous ne voulons pas voir ce noir. Nous voulons juste la lune seule, et nous voulons la mélanger avec le fond pour créer ce look collage. Pour ce faire, nous allons utiliser un mode de fusion. Maintenant, une fois de plus, si vous êtes familier avec Photoshop, vous devriez être très familier avec les modes de fusion. Mais si vous n'êtes pas familier avec Photoshop et que vous n'avez pas travaillé avec les modes de fusion auparavant. Les modes de fusion sont essentiellement des moyens de créer différents types de relations de transparence entre les couches. Nous avons notre opacité de base et simplement en le désactivant, nous créons une relation entre cette couche et cette couche. Mais les modes de fusion peuvent créer une relation plus complexe entre deux couches différentes. Les modes de fusion sont disponibles ici dans la colonne Mode. Pour une raison quelconque, vous ne voyez pas la colonne Mode, si vous voyez la colonne des commutateurs qui ressemble à ceci, cliquez simplement sur ce petit bouton en bas de votre chronologie, bascule les commutateurs et les modes et qui fera apparaître le Mode colonne. Vous pouvez voir en ce moment les modes de ces couches sont réglés à la normale. Si je clique sur ce petit menu déroulant, vous pouvez voir tous les différents modes de fusion. Une fois de plus, je n'aurai pas le temps de passer par tous les différents modes de fusion avec vous. Ils sont regroupés en groupes, et au sein de chaque groupe, les modes de fusion font des choses similaires, mais il y en a beaucoup. Une fois que vous apprenez à connaître le caractère général de chaque groupe, vous pouvez jouer avec les différents modes de fusion en fonction des situations différentes. Mais pour vous aider, nous avons également inclus pour la classe qui fait un très bon travail d'expliquer ce que fait chaque mode de fusion. Il a une belle petite référence d'image pour chacun. Alors assurez-vous et téléchargez cela et vérifiez que si vous n'êtes pas familier avec les modes de fusion. Mais dans ce cas particulier, parce que nous avons un fond noir que nous voulons fondamentalement assommer. Nous allons utiliser l'un des modes du groupe add ici. Le groupe assombrir ou le groupe multiplier. Multiply est l'un des modes de mélange les plus populaires et les plus courants. Ce groupe fera essentiellement tout ce qui est blanc ou léger, transparent, et il le rendra plus ou moins transparent selon la proximité du blanc. S' il est blanc à 100 %, il sera transparent à 100 %. Donc juste pour voir ça, je vais choisir de multiplier ici. Vous pouvez voir que toutes les zones claires de la lune sont devenues transparentes et que les zones sombres sont encore opaques. Ceci est très efficace lorsque vous avez une image avec un fond blanc et que vous voulez assommer ce fond blanc. Mais il crée également de la transparence tout au long de l'image en fonction de la lumière qu'il est. Mais nous voulons faire le contraire, donc nous allons utiliser l'un des modes de fusion dans le groupe add ici, je vais juste utiliser add, et quand nous choisissons cela, remarquez que ce qu'il fait, c'est qu'il faut tout les zones sombres et les rend transparentes et si c'est un noir 100 pour cent, il le rend 100 pour cent transparent. Vous pouvez voir le noir disparaît. Nous avons essentiellement coupé notre lune, mais nous pouvons également voir à travers les zones sombres de la lune aussi. Ce n'est pas comme si nous avions coupé la lune exactement, mais nous avons détruit ce fond noir et maintenant nous avons un mélange cool entre la lune et notre fond. Maintenant, positionnons un peu notre lune et ajustons l'échelle, puis nous allons modifier sa couleur avec un effet. On veut cette lune dans le coin supérieur. Parce que l'image est un joli carré propre, nous avons automatiquement notre point d'ancrage juste au centre, et donc ce que je veux faire c'est que je veux l'accrocher au coin de notre cadre. Je vais déplacer la lune vers le coin du cadre, puis à droite quand je me dirige vers le bord, je vais maintenir la touche de commande enfoncée. Ce que la touche de commande fera est d'engager, d'accrocher. Maintenant, la capture des valeurs par défaut à être désengagé ici, et je peux vérifier cela pour l'engager tout le temps. Mais il est un peu plus facile d'utiliser simplement la touche de commande pour activer et désactiver l'accrochage, pour les situations où vous en avez besoin. Ce qu'il va faire, c'est qu'il s'accroche aux bords ou aux points d'ancrage des autres calques. Dans ce cas, il va s'accrocher au coin de notre image vidéo. Alors que je me dirige vers le coin de cette image vidéo, je vais maintenir la touche de commande enfoncée et boum, il accroche ce point d'ancrage juste à ce coin, ce qui est vraiment pratique. Maintenant, nous allons aussi faire monter un peu la taille de la lune. Je vais le mettre à environ 85 pour cent. On va animer l'échelle un peu plus tard. Donc ça grandit dans le cadre, mais on va le mettre à 85 pour cent pour le mettre à mi-chemin. Encore une fois, parce que nous essayons de créer cette atmosphère effrayante pour notre spectacle de loup-garou. Nous voulons que notre lune soit sombre, et nous voulons qu'elle soit sanglante, une lune de sang. Pour ce faire, je vais teinter la lune. On va utiliser un effet appelé teinte. Avec la lune sélectionnée, je vais monter sous les effets et les préréglages, et je vais taper, teinter. Il y a notre teinte sous correction de couleur. Je vais double-cliquer dessus. Ce que fait la teinte, c'est essentiellement prendre l'image et en fait, prenons le mode de fusion temporairement ici. On va le remettre. Désactivons temporairement le mode de fusion afin que nous puissions voir ce qui se passe. Donc, quand vous ajoutez la teinte, ici je vais l'éteindre et ensuite, il mappe fondamentalement l'image du noir au blanc à deux couleurs, et il est par défaut cartographié le noir au noir et le blanc au blanc, ce qui essentiellement transforme l'image en noir et blanc. Maintenant, avec la teinture, vous pouvez mettre n'importe quelle couleur de votre choix dans ces deux canaux pour créer l'effet que vous voulez. Mais tout ce qu'on veut faire, c'est rendre cette lune sanglante. Je vais appuyer sur le bouton de réinitialisation ici, il va réinitialiser les valeurs par défaut. La première chose que nous voulons faire est de laisser le noir seul parce que nous utilisons ce mode d'ajout de fusion. Nous voulons laisser ce noir comme il est parce que nous voulons l'assommer. Si nous mettons une couleur ici, alors le mode d'ajout de fusion ne l'éliminera pas. Jetons juste un coup d'oeil à cela pour que nous comprenions. Là, on a fait tomber ce black-out. Si je mets une couleur là-dedans, tout à coup ça n'assomme plus parce que ce n'est pas pur noir. Donc on ne veut pas ça, on veut laisser ça noir. Tout ce qu'on va faire, c'est mettre de la couleur dans le blanc. Une fois de plus, j'ai déjà créé une couleur pour la lune, mais vous pouvez ajouter la couleur que vous voulez. Donc, si je clique sur le blanc ici, nous obtenons notre sélecteur de couleurs et vous pouvez expérimenter différents types de couleurs rouges, de lune de sang. La couleur que j'ai choisie était une tentative de faire correspondre les nuages bruyants, ou aurores boréales. Je ne sais pas vraiment ce que c'est, de l'autre côté ici. Je voulais que ces couleurs correspondent. Je suis allé de l'avant et j'ai utilisé cette couleur ici pour créer une relation entre eux. Mais encore une fois, vous êtes absolument libre de choisir la couleur que vous voulez. Donc, notre lune a l'air vraiment cool. Maintenant, nous sommes prêts à lui donner un peu d'animation. 8. Animer la lune: Maintenant, nous avons parlé un peu dans la première classe de la série, sur les facilités et sur la façon dont presque rien dans la nature bouge sans une sorte de facilité ou de facilité dans. Donc, la grande majorité du temps lorsque nous animons, nous mettons des facilités sur notre animation. Mais il y a des moments significatifs où nous pourrions choisir ne pas utiliser les facilités et d'utiliser le mouvement linéaire à la place. Un de ces moments est quand nous voulons qu'un mouvement apparaisse comme un flotteur continu ou une dérive sans début ni fin. Un bon exemple de cela serait le mouvement de notre lune. Nous voulons faire semblant que la lune est en mouvement continuel tout au long de notre scène. Nous ne voulons pas qu'il commence à bouger, et nous ne voulons pas qu'il cesse de bouger. Nous voulons juste le voir flotter et dériver continuellement. Pour ce faire, nous ne voulons pas utiliser les faciles, car les faciles nous montreraient le début du mouvement quand il se relâche, et la fin du mouvement quand il se relâche. Notez que les étoiles de nos séquences temporelles ne font pas d'assouplissement, elles sont en mouvement quand le tir commence, et elles sont toujours en mouvement lorsque nous coupons à la fin. Nous voulons ce même sentiment avec notre lune, donc le mouvement commence au tout début de la scène, et se déplace jusqu'à la fin. Ici, à l'image 0, commençons par ajouter une image clé de rotation ici, juste à zéro rotation. Donc nous allons d'abord faire tourner la lune un peu. Ensuite, nous allons aller jusqu'à la fin de notre composition, et ajoutons simplement une rotation. Nous voulons que cela tourne dans la même direction que nos étoiles se déplacent, donc nous voulons qu'il tourne dans le sens inverse des aiguilles d'une montre. Je vais juste taper moins 25, juste pour faire environ un huitième du chemin. Jetons un coup d'oeil à ce que ça ressemble. Nous y allons, un peu plus vite que le ciel, mais dans la même direction. Je ne veux pas qu'il bouge exactement la même vitesse que le ciel, parce qu'alors il se sentira enfermé ensemble et nous voulons maintenir cette séparation, ce sentiment de collage. Remarquez également ce sentiment d'être continu. Nous l'avons vu en mouvement, nous la regardons en mouvement, la scène se termine, elle est toujours en mouvement. n'y a aucun sens que la lune commence ou termine son mouvement. C' est parce que nous utilisons ces cadres clés linéaires sans facilité. Faisons la même chose avec l'échelle. Laissons cette mise à l'échelle doucement un peu, sorte que la lune empiète sur nous. Cela soutiendra cette idée du loup-garou où la lune est évidemment très importante pour la personne qui est un loup-garou. Ça va certainement empiéter sur la vie de cette personne qui se transforme en loup-garou. Donc nous allons avoir la lune empiéter sur notre scène. Je vais commencer par une image clé de balance ici, mais retirons un peu la balance en arrière. Revenons à 80 pour cent, puis nous allons le faire évoluer jusqu'à 90 pour cent. Cela signifie qu'il passera à 85 pour cent au milieu, ce qui était la taille que nous avons fixée pour notre design. Je vais utiliser la touche K pour aller avant à notre image clé à la fin ici sur notre rotation, et nous allons aller de l'avant et taperons 90 pour cent pour augmenter cette échelle de 10 pour cent. Exécutons l'aperçu. Très bien, super. Nous avons, encore une fois, ce mouvement continu de la lune qui tourne, et grandit, venant vers nous d'une manière inquiétante qui correspond vraiment bien à notre thème et à notre sentiment. Dans la leçon suivante, nous allons envisager d'ajouter notre typographie. 9. Travailler avec les calques de texte: Ajouter le type et les effets secondaires est très similaire à l'ajout de type dans Illustrator ou Photoshop, vous pouvez voir dans notre menu de la barre d'outils ici, il y a un outil de type. Je vais aller de l'avant et sélectionner cela et quand je sélectionne cet outil de type, la fenêtre de caractères s'ouvre. Encore une fois, si vous êtes familier avec Illustrator et Photoshop, tout cela vous sera assez familier, mais si vous ne l'êtes pas, nous allons juste parcourir les bases ici très rapidement. Je vais juste cliquer dans notre image ici pour nous faire commencer, nous allons juste cliquer et nous allons taper le mot trou dans toutes les majuscules. Maintenant, vous remarquerez que lorsque nous avons cliqué et tapé ce mot, nous avons créé un calque de texte dans les effets secondaires, vous pouvez voir le petit t là. Il est codé par défaut en rouge, modifiera ces codes de couleur et un peu, et il sera par défaut en Helvetica standard en noir à une taille moyenne. Maintenant, avec le calque de type sélectionné ici, je peux ajuster tous ces éléments comme je le souhaite, donc je peux choisir différentes polices dans le menu déroulant ici et vous pouvez choisir la police que vous voulez pour ce projet particulier, je vais utiliser Gill Sans. Je vais juste commencer à taper Gill, vous pouvez voir Gill Sans venir. Je vais commencer avec Gill Sans habitué ici, et ensuite je vais juste changer ça à la lumière. Gill Sans light, et encore une fois, s'il vous plaît utiliser la police que vous voulez. Au fait, je choisis Gill Sans parce que j'aime le o parfaitement circulaire, ce qui me fait penser à la pleine lune. C' est aussi une police d'apparence moderne, et ça va être l'un de ces spectacles branchés de loup-garou, comme les spectacles de vampires branchés. Plutôt que de choisir une police serif, je choisis une police moderne, alors je veux que je suggère la lune. Je peux également changer la taille de la police ici en cliquant et en faisant glisser la police vers la droite ou la gauche pour la rendre plus grande ou plus petite. Je vais aller avec 130 juste pour le rendre beau et grand. Nous voulons que le type soit une couleur rouge pour aller avec notre thème rouge sang ici. Maintenant, j'ai vraiment une couleur que nous pouvons utiliser. Je vais juste vous montrer rapidement comment je suis arrivé à cette couleur et ensuite je vais aller de l'avant et juste sélectionner la couleur que j'ai déjà choisie. Vous pouvez à nouveau choisir la couleur que vous voulez, mais nous pouvons changer la couleur ou choisir une couleur en cliquant sur l'échantillon de couleur juste ici et cela nous donne notre sélecteur de couleur. Mais il y a aussi une pipette ici et il est parfois bon de commencer vos couleurs en échantillonnant à partir de l'arrière-plan que vous utilisez afin que vous puissiez créer des couleurs qui se rapportent. Je vais prendre la pipette ici, et je vais choisir peut-être une des couleurs de ma lune ici. Mais il y a un peu de gris dedans et c'est peut-être un peu trop fuchsia. Je veux que ce soit un peu plus sanglant. Une fois que j'ai échantillonné ça, je vais maintenant choisir mon sélecteur de couleurs et maintenant nous allons tirer un peu de ce gris et nous allons le déplacer un peu plus vers les oranges pour lui donner plus d'une couleur rouge sang. Nous avons commencé avec cette couleur échantillonnée, puis l'avons ajustée, c' est une bonne méthode pour travailler, pour garder toutes vos couleurs liées dans une certaine mesure. Comme je l'ai dit, Je choisis déjà une couleur ici, Si vous voulez choisir la couleur que j'ai utilisée, nous allons avoir besoin de, oculaire cette couleur de la bibliothèque, nous voulons ouvrir plus qu'une seule de ces fenêtres. Je vais maintenir la touche de commande enfoncée et cliquer sur « Bibliothèques », qui ouvrira toutes ces fenêtres très rapidement ici et je vais faire défiler vers le bas. Je vais prendre cette pipette et je vais choisir la couleur du texte est allé avec quelque chose qui semble être encore plus orangé avec cette couleur. Maintenant, je vais commander cliquer à nouveau, fermer tous ces. Maintenant, nous allons également utiliser un mode de fusion dans une certaine transparence à ce sujet, nous laissons un peu de l'arrière-plan montrer à travers. En ce moment, notre type est vraiment juste une couleur plate, juste assis sur le dessus de l'image. Ne se sent pas vraiment intégré à l'image, ne se sent pas mélangé à l'image, cela fait partie de ce que sont les modes de fusion. Maintenant, je vais utiliser un mode d'ajout de fusion à nouveau, parce que les modes d'ajout ont tendance à faire ressortir beaucoup de luminance et de couleur, et cela va alléger un peu cette couleur. Passons à notre calque de texte et ajoutons notre mode de fusion d'annonces, et vous pouvez voir que cela l'illumine, remarquez maintenant comment la couleur ressemble beaucoup plus à la couleur de la lune. Juste un petit conseil ici, partie de la raison pour laquelle j'ai fini par choisir cette couleur est que j'ai modifié la couleur avec le mode de fusion activé. Ce n'est pas une mauvaise idée si vous allez utiliser un mode de fusion pour ajouter le mode de fusion et ensuite jouer avec votre couleur, puisque le mode de fusion va affecter la façon dont cette couleur apparaît, c'est évidemment très différent de ce que On dirait ici. Il y a beaucoup plus de luminance, il a dérivé dans cette zone fuchsia que nous avons avec notre lune, comme le mode de fusion, mais c'est encore un peu plus de ce fond que je voudrais pour ce sentiment atmosphérique et effrayant que nous voulons, j'aimerais qu'il se sent un peu plus, une partie de ce ciel étoilé, peu plus intégrée à l'arrière-plan. Ouvrons notre couche de type et remarquons comme toutes nos autres couches, il y a nos cinq transformations exactement comme nous nous y attendons. Abaissons l'opacité juste un peu, nous allons la réduire de 10 pour cent, je vais descendre à 90 pour cent, et là maintenant, c'est juste un peu plus, une partie de ce contexte, un peu plus mis dans l'espace. Maintenant, regardons quelques autres choix de paramètres ici, dans notre fenêtre de personnage, nous avons le suivi ici. suivi, bien sûr, est l'espacement entre toutes les lettres d'un mot ou d'une ligne de type. Je vais laisser ça à zéro. Au-dessus de cela, nous avons le letting, qui est l'espace entre les lignes de type, mais nous n'avons qu'une seule ligne de type ici, donc nous ne allons pas nous inquiéter à ce sujet. Mais là, nous avons le crénage et nous voulons vraiment envisager le crénage. Le crénage est l'espace entre chaque lettre, vous ne voulez jamais laisser les paramètres de crénage automatique comme ils sont, les différentes formes des lettres. Presque toujours signifie que vous devez ajuster individuellement le crénage. Le but, bien sûr, avec crénage est d'avoir une quantité similaire d'espace négatif entre chaque lettre. Ceux d'entre vous qui sont graphistes, bien sûr, seront très familiers avec le crénage, je ne vais pas prendre beaucoup de temps pour y entrer ici, mais nous devons certainement faire quelques petits ajustements. Pour ajuster le crénage, je vais cliquer dans le type avec mon outil de type pour placer mon curseur entre deux lettres. Je peux ajuster le crénage en ajustant cette valeur ici, mais l'utilisation des raccourcis clavier est un peu plus facile, avec mon curseur entre les lettres, je vais maintenir la touche d'option enfoncée, puis je vais cliquer sur le bouton les touches fléchées avant et arrière pour modifier ce crénage. Je veux que ce soit un peu plus serré, je veux que H soit un peu plus proche de ce O, la façon dont il est par défaut, il y a beaucoup d'espace entre H et O, donc je vais resserrer ça un peu. En passant, vous devriez toujours définir votre suivi en premier, définir que vous suivez d'abord, puis entrer et ajuster votre crénage. Je laisse le suivi là où il est parce que j'ai aimé l'espacement global et je suis juste en train d'ajuster un peu là. Je pense que le reste de ces champs est plutôt bon. Maintenant, nous allons animer ce calque de type. Notez que la position par défaut du point d'ancrage est en bas à gauche, juste pour le rendre un peu plus facile à animer et que vous voulez placer ce point d'ancrage et le centre à la ligne de base du type. Je vais prendre notre outil de point d'ancrage et je vais le ramener, et encore une fois, comme nous l'avons fait avec la lune, je vais maintenir la touche de commande enfoncée et ça me permet de piquer le point d'ancrage dans les coins ou le centre en bas ou en haut ou au centre du type. Je vais m'approcher de cette zone. Je vais maintenir la touche de commande enfoncée et mettre ça en place. Définissons notre position initiale pour ce type avant de l'animer. Pour ce faire, je vais revenir à notre structure de grille. Maintenant, j'espère que vous avez regardé et suivi avec la première classe de la série où nous avons mis notre grille 16 par 9. Si vous ne l'avez pas fait, je vous recommande de revenir en arrière et de regarder ça, mais si vous l'avez fait, alors vous devriez avoir votre grille 16, 9 prêt à partir. Je vais passer sous choisir les options de grille et de guide et activer notre grille, nous voulons nous assurer que nous avons snap to grid check. Je vais aller de l'avant et prendre notre outil de sélection régulier, posons ça sur la première grille, carré vers le haut du bas pour nous donner une petite marge sur le bas. Commençons tout d'abord ici caché dans cet espace négatif sous le poteau téléphonique ici. Maintenant, je vais laisser cette grille allumée parce que ça nous aidera quand nous créerons notre animation pour notre type. Mais avant d'animer notre type, je veux prendre une minute et regarder un autre type d'image-clé. Nous avons examiné les cadres clés linéaires, les petits diamants, nous avons examiné les extrémités faciles, les sorties faciles et les facilités faciles qui se trouvent à l'intérieur et à l'extérieur d'un cadre clé. Ce sont les petits cadres clés en forme de sablier. Mais je veux regarder un autre type d'image clé, l'image-clé auto bezier. Regardons ça dans la leçon suivante. 10. Auto Bezier Keyframes: Donc, pour jeter un oeil aux images clés AutoBezier, continuons et double-cliquez sur la composition AutoBezier dans la fenêtre du projet. Double-cliquez dessus pour l'ouvrir. Ce que j'ai mis en place ici est très simple. C' est un petit carré, qui s'anime à travers le cadre, et il s'anime en deux morceaux, la première étant très, très rapide, sorte que vous pouvez voir l'espacement entre ces images très, très large là. Ça va bouger très, très vite, puis ça va frapper cette image-clé ici, juste au milieu, et ensuite ça va ralentir. C' est aussi un bon exemple de synchronisation et d'espacement. Nous déplaçons la même distance entre ces images clés. Notre timing est beaucoup plus court, ce qui rend ce mouvement très rapide, et d'ici à ici, notre timing est beaucoup plus long, ce qui rend le mouvement très lent. Maintenant, quand vous avez ce changement radical de vitesse, vous avez tendance à obtenir un clunk ou un jerk, à l'image clé où cette vitesse change. Alors jetons un coup d'oeil à ça. Je vais en prévisualiser ça. Là, vous pouvez voir que comme il change de vitesse, il se craque vraiment, se bloque juste là. Il y a presque un crétin, car ça change de vitesse. Votre premier instinct en tant qu'utilisateur des effets secondaires débutants, pourrait être d'utiliser eases pour essayer de lisser cela. Maintenant, dans certains cas, lorsque le changement de vitesse n'est pas trop drastique, vous pouvez utiliser une facilité facile dans, pour faciliter le mouvement plus lent ou inversement, si vous allez plus lent à plus rapide facilité, et cela va lisser la transition. Malheureusement, cela ne fonctionne pas toujours parce que le pourcentage de facilité peut ne pas être suffisant pour lisser le changement de vitesse. Je vais faire une série à venir, aller plus loin dans les séquences qui aborderont l'éditeur de graphes de mouvement qui vous permet d' aller beaucoup plus loin que les facilités contrôle de la vitesse et de la vitesse dans et hors d'un image-clé. Mais pour l'instant, avant d'entrer dans le graphe de mouvement, utilisant simplement un facilité facile, vous n'aurez pas assez de contrôle sur ce changement de vitesse pour nécessairement éliminer la secousse. Mais cela fonctionnera parfois, dans ce cas particulier, le changement de vitesse est un peu trop radical. Alors jetons un coup d'oeil à ça. Je vais faire un clic droit sur cette image clé et je vais ajouter une facilité facile dans. Vous remarquerez que l'espacement se rapproche de ces images clés, mais il change encore très, très radicalement de cet espacement à cet espacement, et vous verrez que nous avons encore un gros crétin quand nous arrivons à cette partie plus lente. Alors passons un aperçu de cela. Vous pouvez voir que c'est toujours secouant. C' est mieux, mais c'est toujours une sorte de secousses quand il frappe cette image-clé plus lente. Maintenant encore une fois, cette méthode, comme vous avez un changement de vitesse de lent à rapide ou plus lent d'utiliser une facilité, cela fonctionnera parfois. L' autre chose que vous pourriez être tenté d'essayer est une facilité facile en d'autres termes, facilité d'entrée et facilité d'assouplissement facile. Mais cela créera un problème légèrement différent. Donc, revenons à une image-clé linéaire et faisons un clic droit et ajoutons une facilité facile. Maintenant, nous sommes faciles à faciliter l'entrée et l'assouplissement facile, donc ce sera plus lisse, mais il y aura un nouveau problème ici. Jetons un coup d'oeil à ça. Vous pouvez voir qu'il est plus lisse. Mais remarquez que maintenant il attire vraiment l'attention sur ce moment de changement parce qu'il est presque s'arrête, puis accélère à nouveau dans le mouvement suivant. Nous avons un arrêt, puis une accélération qui va de l'avant. Ce qui nous manque ici, c'est juste une transition en douceur d'une vitesse à une autre. Selon le type d'animation que vous créez, vous voudrez peut-être que cet arrêt, puis recommencez, et dans ce cas, la facilité d'entrée et la facilité de sortie sont très bien. Mais ce que nous voulons, c'est juste une transition en douceur d'une vitesse à l'autre, et d'une certaine façon, nous avons presque attiré plus d'attention sur le changement de vitesse ici. Donc, afin de nous donner ce changement en douceur de vitesse, ce que nous voulons utiliser est une image-clé AutoBezier. Réglons cela à une image-clé linéaire par commande, en cliquant dessus. Qu' est-ce qu'une image-clé AutoBezier ? Ce qu'une image-clé AutoBezier fait, et le terme Bézier a à voir avec son effet sur le graphe de mouvement, et nous ne allons pas plonger dans le graphique de mouvement dans cette série, puisque ce n'est qu'une série d'introduction. Mais l'AutoBezier prend essentiellement la vitesse entrant dans une image-clé et la correspond à la vitesse qui sort de l'image-clé. Il rassemble les deux vitesses. Donc, au point de cette image-clé AutoBezier, la vitesse d'entrée et la vitesse de sortie sont les mêmes, mais cela ne crée pas une facilité d'entrée ou de sortie complète, elle rassemble simplement la vitesse, pour répondre à la vitesse qui arrive et en sortant au milieu. Maintenant, cela fonctionne très bien pour lisser les changements de vitesse où vous ne voulez pas une facilité complète ou une facilité complète ou si une facilité d'entrée ou sortie ne pas complètement lisser le changement de vitesse. Alors jetons un coup d'oeil à cela sans rien sur cette image-clé, juste linéaire, rappelons-nous le problème ici. Donc il y a ce gros bonbon, qui s'accroche dans ce changement de vitesse. Maintenant, ajoutons l'image-clé AutoBezier et nous le faisons en cliquant sur l'image-clé linéaire. Donc, cliquez sur commande, et nous obtenons ce petit cercle, cette forme de cercle, et cette forme de cercle nous indique que nous avons l'image-clé AutoBezier. Maintenant, vous verrez que nous avons une transition beaucoup plus fluide d'une vitesse à l'autre. C' est encore un changement assez radical, mais c'est une transition beaucoup plus douce de l'un à l'autre. On n'a presque pas le sentiment qu'il y a une image-clé là-bas. Il change juste la vitesse en douceur de l'un à l'autre. Maintenant, je vous concède que ces différences sont très subtiles, mais être capable de voir et comprendre et de contrôler la subtilité de votre mouvement, c'est vraiment ce qui sépare les professionnels des amateurs de le monde de l'animation et du design de mouvement. Il est donc très important d'examiner attentivement ces différences subtiles et de commencer à vraiment former votre œil pour vraiment voir les différences entre ces changements subtils de vitesse, de vitesse, de facilité, etc. Passons maintenant à la leçon suivante, où nous allons animer notre type, et nous allons mettre ces images clés AutoBezier pour travailler créant une animation en attente mobile sur notre type. 11. Animer le type: Revenons à notre cadre de titre Howl ici, et nous allons créer une animation pour mettre notre type sur et faire ressortir notre type. Commençons par nous donner une piste audio à synchroniser. Rappelez-vous, comme nous en avons parlé dans la première partie de la série, combien il est important de toujours synchroniser avec une piste. Maintenant, ce morceau n'a pas un rythme très, très fort et nous faisons juste un peu d'animation. Mais même avec une animation simple, nous voulons une relation avec cette piste. Maintenant, j'ai déjà dépassé le délai de la piste dans la version finale. Donc, juste pour gagner un peu de temps, copions-le et collons-le. Allons à Howl Title Fini. Prenons la couche de musique ici où vous voyez que j'ai fait des marqueurs. Commandions C de copier cette couche, revenons à notre projet actuel ici, et commande V de coller. Cliquez et faites-le glisser vers le bas vers le bas de notre pile. Maintenant, comme nous commençons à accumuler plus de couches ici, allons de l'avant et aussi code couleur certains d'entre eux. Nous allons créer un petit motif arc-en-ciel ici juste pour séparer nos différents types de couches. Vous pouvez choisir les couleurs de calque que vous aimez. J' aime toujours m'amuser avec les couleurs de la couche un peu et créer un motif. Donc, nous allons juste faire un simple motif arc-en-ciel ici. En partant du vert, nous allons changer nos deux couches d'images, nos étoiles de fond et notre lune. Puisque ce sont les deux couches d'image de la vidéo, et la photographie. Faisons les mêmes, nous allons les rendre jaunes, puis nous allons rendre notre calque de texte orange et ensuite nous allons ajouter deux derniers calques sur le dessus, nous allons coder ces derniers en rouge. Encore une fois, vous pouvez choisir la couleur que vous aimez. After Effects possède des couleurs par défaut pour différents types de calque. Vous pouvez donc les utiliser aussi bien jusqu'à ce qu'il commence à devenir un peu compliqué, alors vous pouvez commencer à penser codage couleur d'une manière qui vous aide à organiser votre projet. Maintenant, juste un coup d'oeil à notre musique ici, j'ai juste marqué quelques battements à partir de ces petites notes que vous entendez. Alors ouvrons la forme d'onde et vous vous souviendrez, bien sûr, que nous avons couvert cela dans la première partie de la série. Donc, si vous voulez savoir comment chronométrer une piste et créer ces marqueurs, vous allez vouloir regarder la première partie de la série Intro To After Effects, mais vous verrez que nous avons ces rythmes simples à travers la piste audio. Laissons un aperçu et passons juste une écoute. Nous avons juste ces notes de clavier frappant sur ces longs battements lents, et elles sont très faciles à voir dans la forme d'onde. Mais cela nous donnera un modèle de base à suivre pour l'animation de notre type. Vous remarquerez également que j'ai ajouté un peu d'animation aux niveaux audio, juste pour créer un fondu ici à la fin. Le début de la piste ici est le début réel de la piste, qui fonctionne bien pour nous amener dans la piste, mais, nous avons interrompu la piste, qui va bien sûr pendant quelques minutes de plus, avec notre court petite 10 deuxième pièce, et je viens d'ajouter un peu fondu ici à la fin, laissant tomber le volume à rien à la fin ici. Nous allons donc utiliser ces notes simples pour temporiser l'animation de notre type. Maintenant, parlons un instant de l'animation de notre type. Ce que nous allons faire est de le glisser comme il s'estompe, puis de le tenir pendant un moment pour que nous puissions le lire, et ensuite nous allons faire glisser le type à mesure qu'il s'estompe. Le concept derrière cette animation de type est un sentiment de ramper et de se faufiler. On va se faufiler le genre et se faufiler le type, imaginant le mouvement d'un loup-garou rampant. Maintenant, lorsque nous animons la conception de type et de mouvement, il y a quelques idées que nous voulons penser. Tout d'abord, nous voulons nous assurer de ne jamais interférer avec la lisibilité. Nous voulons toujours être en mesure de lire le type pendant qu'il est à l'écran. Lorsque vous animez le type sur et hors tension, selon la façon dont vous animez le type, ce n'est généralement pas le moment où notre public va pouvoir lire le type clairement. Le public va généralement lire le type après son apparition et avant qu' il ne disparaisse pendant le temps qu'il tient à l'écran. Mais une autre grande idée générale dans le mouvement design et l'animation est que nous voulons rarement que le mouvement s'arrête complètement. Nous ne voulons pas que le cadre cesse de bouger complètement. Maintenant, avec le type, on peut parfois s'en sortir avec l' immobilité pendant un peu de temps entre les deux. Mais c'est souvent plus souhaitable et crée un peu plus d'intérêt visuel si le type continue à bouger un peu, même pendant la période qu'il tient pour que nous puissions le lire. Cette petite motion où nous tenons sur le genre pour que nous puissions la lire, mais elle bouge aussi un peu, j'aime appeler une attente en mouvement. Une prise en mouvement est en fait un terme utilisé dans l'animation traditionnelle de personnages, ce qui est mon arrière-plan, et le concept est très similaire. L' idée est que vous ne voulez jamais que votre personnage cesse de bouger complètement, même si vous voulez que le personnage tienne dans une pose pour que le public puisse lire cette pose clairement, tout comme nous voulons que notre public lise notre genre. Donc, vous avez le personnage tenir une pose, mais bouger juste un peu, une prise en mouvement. C' est à peu près la même idée que nous allons utiliser avec ce type. Nous allons le déplacer rapidement, puis nous allons le tenir pour que le public puisse le lire, mais le déplacer juste assez pour le garder en vie, et ensuite nous allons le déplacer rapidement. Nous allons utiliser ces images clés BCA automatiques pour faciliter la transition entre le mouvement plus rapide entrant, le mouvement plus lent de la prise en mouvement et le mouvement plus rapide sortant. Créons notre animation initiale avec notre type. Nous allons commencer par un mouvement de position pour faire glisser le type en position, puis nous allons le flotter pendant un petit moment dans cette cale mobile, puis faire glisser à nouveau et nous ajouterons de l'opacité et d'autres effets par la suite. Alors allons à notre couche Howl ici, notre Type Layer, et utilisons nos touches J pour revenir à notre premier marqueur. Nous utiliserons cette première note dans l'audio comme point de synchronisation pour mettre notre type à l'écran. Maintenant, nous allons aller de l'avant et animer la position ici, mais je vais vous apprendre un autre jeu rapide de cadres clés qui vont rendre ça un peu plus facile. Jusqu' à présent, nous avons accédé à nos propriétés de transformation en tablant Ouvrir le calque, puis en tablant Ouvrir l'onglet Transformation pour accéder à nos propriétés de transformation. Mais nous pouvons utiliser les commandes clés pour sauter un peu plus facilement et c'est tous les deux un peu plus rapide. Cela nous permet également d'économiser de l'immobilier d'écran ici dans notre chronologie. C' est un ensemble facile de cadres clés à retenir. Il suffit de se rappeler le mot TRAPS ; T-R-A-P-S, TRAPS. Passons à travers ces lettres et voyons comment elles fonctionnent. Je vais sélectionner notre calque de texte ici et commençons par le T dans les pièges. Si j'appuie sur la touche T, remarquez qu'elle ouvre juste la propriété opacité. Pourquoi ce n'est pas O ? Eh bien, c'est parce que O est utilisé dans un but différent. Ils ont dû utiliser une autre lettre que O. La façon d'y penser est, T pour la transparence, c'est-à-dire l'opacité. T pour la transparence, et cela ouvre la propriété opacité. Si je frappe à nouveau T, ça ferme cette propriété. R bien sûr, est la rotation, rotation ouverte et fermée. A est bien sûr, point d'ancrage. A s'ouvre et A ferme la propriété point d'ancrage. P est la position, la position ouverte et fermée. S est l'échelle, ouvrir et fermer « Scale » avec la touche S, T-R-A-P-S, TRAPS, transparence, rotation, point d' ancrage, position et échelle. Très facile à retenir et un excellent moyen de travailler rapidement. Maintenant, dans un petit peu, je vais vous montrer une autre commande clé une fois que nous aurons ajouté quelques images clés. Maintenant, dans une minute, je vais vous montrer un autre raccourci pratique une fois que nous aurons ajouté quelques images clés ici. Allons de l'avant et appuyez sur la touche « P » parce que nous allons d'abord animer la position et faisons un peu d'animation en arrière ici en fait. Plutôt que de commencer sur ce premier marqueur, j'aurais dû sauter sur le second, donc c'est « K » avant au deuxième marqueur et ajoutons une image clé juste là à cette première position que nous avons créée. Ensuite, nous allons « J » en arrière ici à l'endroit où nous allons vouloir que notre animation commence et nous allons cliquer et faire glisser notre type en arrière un carré entier de grille juste là. On va s'animer avec ce premier carré de grille. Remarquez que nous ne chevauchons pas la ligne électrique ici, donc nous ne créons pas de tangentes laides. Nous sommes toujours dans cet espace négatif donc nous allons animer jusqu'à présent. Ensuite, nous allons avoir le type assis pendant son temps de lisibilité. Mais encore une fois, au lieu de l'arrêter, gardons-le en vie avec cette idée d'attente émouvante. Mais nous voulons qu'ils se déplacent pour être assez lents afin que le mouvement soit très subtil de sorte qu'il n'interfère pas avec la lisibilité du type. Allons de l'avant deux de ces marqueurs pour qu'on y aille deux fois plus longtemps et qu'on fasse la moitié de la distance, donc ça sera beaucoup plus lent. Maintenant, je vais juste faire glisser ceci vers le marqueur suivant ici donc nous allons juste faire glisser ce demi-carré de grille vers l'avant et l'accrocher à ce point. Nous allons la moitié de la distance en deux fois plus de temps pour rendre ça vraiment gentil et lent. C' est juste un flotteur, juste une dérive, une prise en mouvement. Il tient fondamentalement dans cette position, juste en bougeant un peu et puis laissons cette animation hors. On va faire la même distance, mais peut-être un peu plus court pour le rendre un peu plus rapide. C' est en partie parce que nous sommes à court de temps ici, mais aussi pour donner cette idée de se faufiler et de se cacher, presque comme si nous avions repéré le type et que le type s'est rendu compte qu'il a été repéré, et tout comme un loup-garou qui se faufile, ça va vite s'éloigner et se cacher. Nous allons faire une plus courte distance ici, allons juste à neuf secondes ici. Mais nous allons le faire déplacer à la même distance, un quadrillage complet pour s'enfuir et se cacher. Maintenant, passons un aperçu de ceci maintenant, et nous allons certainement voir ces imbéciles au fur et à mesure que la vitesse change. Il y a notre cale en mouvement, et puis il se faufile. Maintenant, nous n'avons pas ajouté l'animation ampacity évidemment. Mais vous pouvez voir comment cela s'accroche vraiment quand il atteint ce point où la vitesse change, puis là encore, branle en avant quand il avance. Encore une fois, nous pourrions potentiellement utiliser et « Easy Ease » sur cette image-clé et une Easy Ease » sur cette image-clé. Mais avec ce changement de vitesse, nous allons probablement toujours avoir un crétin juste là. C' est le moment idéal pour utiliser les images clés Auto Béziers pour vraiment lisser cette situation. Ajoutons ces Béziers Auto donc je vais commander « Cliquez » pour ajouter cette forme de petit cercle et la commande « Cliquez » sur cette image-clé ici pour ajouter la forme de cercle là. Juste pour être sûr, ajoutons également une image clé de maintien à la fin de notre séquence d'animation. Nous n'avons pas vraiment besoin de faire ça ici, mais j'aime toujours pratiquer ces bonnes habitudes, juste avoir ces habitudes juste au cas où le client reviendrait, veut faire un changement, quelque chose change. Si vous pratiquez toujours ces bonnes techniques de sécurité, alors vous avez beaucoup moins à vous inquiéter sur la route. Allons de l'avant et commandez « Option » cliquez juste pour mettre une attente à la fin de cette image-clé alors maintenant regardons notre mouvement et nous devrions avoir beaucoup plus de transitions dans et hors de cette attente mobile. Beaucoup plus lisse beaucoup plus agréable donc nous passons en douceur dans et hors de cette prise mobile beaucoup plus doucement. On a perdu ces petits crétins et sauts. Maintenant, nous voulons aussi que cela s'estompe et s'estompe, donc il apparaît du ciel nocturne, disparaît à nouveau dans le ciel nocturne, faisant écho à ce concept plus large du loup-garou et parce qu'il va s'estomper et puis nous n'ajoutons pas de facilités aux images clés de première et dernière position, tout comme si le type entrait et sortait de l'extérieur de l'image, nous voulons que le type apparaisse déjà en mouvement car il estompe et continue à se déplacer comme il s'estompe. Nous voulons des images clés linéaires là, alors ajoutons une image clé d'opacité. Je vais payer de l'avance ici à cette première image clé et puis je vais à nouveau « K » vers la deuxième image clé parce que c'est là que nous voulons qu'elle soit à pleine opacité, ce qui, si vous vous souvenez, n'est pas un 100 pour cent, c'est à 90 pour cent. Maintenant, sélectionnons à nouveau le calque et appuyez sur la touche « T » pour la transparence ou opacité et continuons et cliquez sur le chronomètre pour ajouter une image clé ici à 90 %. Maintenant, je vais t'apprendre une commande de plus cool ici. Nous avons maintenant des images clés sur l'opacité et la position. Je veux pouvoir les voir tous les deux parce que je veux synchroniser les images clés d'opacité avec les images clés de position. Mais je veux aussi continuer à sauvegarder mon écran immobilier ici comme je l'ai fait avec le T-R-A-P-S, les TRAPS, les commandes clés. Je vais utiliser la touche « U ». La touche « U » est l'un de mes raccourcis clavier préférés et après les effets, je l'utilise constamment avec TRAPS, avec T-R-A- P-S. Ce que fait la touche « U », c'est lorsque vous sélectionnez une couche qui contient des images clés et que vous appuyez sur la touche « U », ce qu'elle fera, c'est qu'elle ouvrira uniquement les propriétés avec des images clés sur elles. Maintenant, c'est très pratique, surtout lorsque vous modifiez des images clés. Disons que vous avez défini des images clés et que vous voulez y aller et les gâcher un peu. Cela vous permet d'ouvrir uniquement les propriétés que vous devez voir, seules les propriétés avec lesquelles vous travaillez et pas d'autres, économise beaucoup d'immobilier d'écran et vous garde concentré sur ce sur quoi vous travaillez plutôt que d'avoir à regarder beaucoup de différentes propriétés. Très, très pratique, la touche « U » qui frappe à nouveau va fermer le calque si la touche « U » pour ouvrir toutes les propriétés d'images clés, touche « U » pour fermer les propriétés d'images clés. Pratique, appuyez sur la touche « U » et maintenant nous pouvons utiliser nos touches « J » et « K » nous allons utiliser j pour sauter en arrière, et maintenant nous allons mettre notre opacité ici à zéro. Nous sauterons en avant, sauterons de nouveau à notre prochaine image-clé ici, nous définirons à nouveau notre image-clé opacité à 90, puis nous sauterons à notre dernière image-clé ici et nous mettrons à zéro à nouveau. Maintenant, mettons aussi une image clé entière à la fin. Mettons également une image-clé de maintien sur cette image-clé, car elle détient cette valeur de 90 pour cent. heure actuelle, il ne bouge en aucune façon. Mais il y a certaines situations où les séquelles crétions créeront d'étranges petites dérives dans vos valeurs, même entre deux images clés identiques. Cela n'arrivera pas tout le temps, mais cela se produit dans certaines circonstances lorsque vous créez vos images clés de certaines façons et si cela arrive, cela peut être très frustrant, surtout si vous n'êtes pas familier avec ce qui se passe. Juste pour être du côté sûr, et je suis un grand croyant en l'exploitation du côté sûr. L' option de commande « Click » va ajouter une attente, donc nous maintenons cette valeur de 90 jusqu'à ce que nous atteignions cette deuxième image clé, puis maintenant elle va s'animer à zéro. Regardons cette animation à nouveau, super, et nous avons une bonne synchronisation avec la bande son. C' est très simple audio, c'est une animation très simple, mais même ce petit peu de synchronisation est si important chaque fois que vous avez la possibilité de synchroniser, d'attirer, de le faire. Maintenant, nous avons certainement un sentiment effrayant et sournois amusant avec ce type, qui est ce que nous voulons. Mais je pense que nous pouvons accentuer cela encore plus avec un effet de flou sur ce type. C' est vraiment comme si le flou sortait de la nuit, la façon dont notre loup-garou effrayant sortira de la nuit alors ajoutons une animation, un effet de flou dans notre prochaine leçon. 12. Animer les propriétés d'effet: À ce stade, nous pouvons aller de l'avant et éteindre notre grille. On n'aura pas besoin de ça. Allons de l'avant et désactivez notre grille. Ajoutons un effet de flou à notre type. Le type émerge non seulement avec l'opacité, mais aussi se solidifie, ajoute à notre sensation atmosphérique effrayante, presque comme le type sort de la brume. Avec notre Type Layer sélectionné, je vais passer sous les effets et les préréglages et je vais taper en flou. On va utiliser le flou gaussien. Continuez et double-cliquez sur le flou gaussien pour ajouter cela à notre calque. Vous pouvez voir notre fenêtre de contrôle des effets s'ouvre avec le flou gaussien dessus. Maintenant, je ne veux pas que le type soit floue après qu'il soit fondu, mais je voulais commencer à flouter. Maintenant, pour animer une propriété sur un effet, nous utilisons la même procédure que nous utilisons pour animer n'importe quelle propriété. Nous commençons par cliquer sur le chronomètre. Maintenant, je pourrais ouvrir l'effet ici et frapper le chronomètre juste ici sur la timeline, mais un moyen un peu plus rapide de travailler ici est de commencer par frapper le chronomètre dans les contrôles d'effets. Je vais aller de l'avant et cliquer dessus, qui est notre réglage à zéro, qui est ce que nous voulons à ce stade dans l'animation. Ensuite, je vais descendre, sélectionner le calque, je vais appuyer sur la touche U et qui va maintenant s'ouvrir avec l'opacité de position, la propriété flou. N' oubliez pas que la touche U ouvrira toutes les propriétés des images clés. de suite, nous avons juste ce dont nous avons besoin ici, nous n'avons pas à gâcher avec beaucoup d'onglets et d'absurdités. Nous sommes également en train de nous épargner beaucoup d'immobilier d'écran parce que si nous ajoutons toutes les transformations ouvertes et l'onglet effets et l'onglet gaussien floue avec toutes ses propriétés, nous utiliserions beaucoup de biens immobiliers, alors que maintenant nous avons juste ces trois éléments est très pratique. Maintenant, revenons J et nous ne pouvons pas voir le type à ce stade. Modifions temporairement cette valeur d'opacité à 90, juste pour que nous puissions voir ce que nous faisons avec le flou. Flançons ce flou un peu. Donc, je vais ajouter du flou. Ça m'a pris beaucoup de temps pour faire monter ça. Si vous voulez accélérer lorsque vous glissez sur n'importe quelle valeur, en cliquant et en faisant glisser sur n'importe quelle valeur, si vous maintenez la touche Maj enfoncée, elle va sauter d'un facteur de cinq, je crois, et nous pouvons la déplacer beaucoup plus rapidement. Allons le monter à environ 100, et en fait, je vais juste aller de l'avant et tapez 100 dans. Maintenant, vous pouvez voir qu'il est brumeux et floue, presque comme nos nuages ou nos aurores boréales ici. Nous essayons de faire correspondre ce sentiment de brouillard. Donc notre genre va juste émerger de ça. Cool, c'est un bon sentiment. Maintenant, il s'anime dans la solidité ici avec notre type à pleine opacité et sans flou. Retournons notre opacité à zéro ici et définissons le reste de nos images clés. Allons de l'avant et nous allons définir notre image clé de flou ici à nouveau à zéro. Ensuite, nous sauterons jusqu'à la fin. Maintenant, nous allons simplement copier et coller cette première image clé. Donc, je vais sélectionner la commande d'image-clé C, commande V pour copier et coller ce flou réglé à 100 là à la fin. Il s'estompe avec le fondu à la fin. Maintenant, nous allons aussi, parce que nous voulons que le timing aussi soit lisse ici, allons commande cliquer pour ajouter nos béziers auto sur notre floue ainsi et l'option de commande cliquez pour ajouter notre image clé de maintien juste pour nous assurer que nous détenons cette valeur de flou tous le chemin à travers. Pourquoi on n'a pas mis un bézier auto sur l'opacité ? Facilite ou auto béziers sur l'opacité généralement vraiment, vraiment difficile à voir. Dans certains cas extrêmes, je les ai utilisés, mais dans de nombreux cas, vous pouvez à peine voir la différence, surtout juste avec des facilités faciles. Une fois que vous commencez à utiliser l'éditeur de graphes de mouvement, cela est plus susceptible d'être utile, mais dans ce cas, il ne va vraiment pas créer de différence discernable donc je vais juste laisser cela. Si vous le souhaitez, vous pouvez ajouter un béziers auto à ces deux si vous le souhaitez et voir si vous pouvez voir une différence. Je pense que c'est négligeable. Je n'ai probablement pas vraiment besoin de l'ajouter pour le flou non plus, mais le flou est un peu plus d'un effet perceptible. C' est probablement un peu plus visible que l'opacité. Jetons un coup d'oeil à ce que nous avons ici. Génial, très effrayant. On dirait vraiment que ça fait partie de notre environnement, puisqu'il correspond à ces nuages bruyants ou qu'Aurore boréale, il a une couleur très similaire, un sentiment similaire. Maintenant, nous avons ce sentiment effrayant, sournois, se faufiler et se faufiler, donc notre genre agit comme notre loup-garou. Mettons une option de commande, cliquez sur Ajouter et maintenez à la fin là aussi. Encore une fois, j'aime jouer en toute sécurité chaque fois que possible et juste entrer dans ces bonnes habitudes. Nous en avons presque fini avec notre petit cadre de titre ici, mais j'aimerais accentuer l'humeur du cadre juste un peu plus avec une vignette autour du bord. Pour ce faire, nous allons utiliser un calque d'ajustement. Jetons un coup d'oeil à cela dans la prochaine leçon. 13. Les bases de masques de réglage: Maintenant, comme je l'ai dit, je veux ajouter une vignette à cette scène. En d'autres termes, de sorte que les bords du cadre s'assombrissent pour ajouter à notre humeur et créer également un peu plus de forme dans le cadre. Notre fond de ciel nocturne est même à peu près comme un peu de dégradé qui monte, mais la vignette lui donnera un peu plus de forme et un peu plus d'ambiance et d'ambiance. Maintenant, pour créer cette vignette, je veux assombrir tout dans le cadre, toutes nos couches en même temps. Chaque fois que vous souhaitez ajouter un effet à plusieurs calques, il est conseillé d'utiliser un calque de réglage. Maintenant, c'est un autre élément qui sera familier à ceux d'entre vous qui connaissent Photoshop. Ils fonctionnent de la même manière, bien qu'il y ait quelques différences significatives. Un calque de réglage est essentiellement un shell vide pour contenir des effets. Lorsque vous placez un calque de réglage au-dessus d'un ou de plusieurs calques, il se répercutera sur l'effet que vous y mettez, n'importe lequel des calques situés en dessous. Voyons comment cela fonctionne avec notre vignette ici. Je vais aller de l'avant et j'ai fermé mon type ici et je vais désélectionner en cliquant dans la zone vide de ma chronologie. Allons vers le haut sous « Calque », « Nouveau », «  Calque d'ajustement  » et voir aussi l'option Commande Y fera également la même chose. Je vais aller de l'avant et créer ce calque d'ajustement et initialement rien ne va se passer car encore une fois, un calque d'ajustement est juste un shell vide auquel nous pouvons ajouter des effets. Je vais nommer ce calque tout de suite, Vignette, pour qu'on sache ce que c'est et ce qu'il va faire et qu'on le cogne en rouge. Ce que nous voulons faire est d'assombrir les bords de notre cadre, nous voulons assombrir tous les calques ensemble. Commençons par créer cet assombrissement. Ce que nous allons utiliser, c'est un ajustement des niveaux. Je vais monter sous les effets et les préréglages et taper les niveaux. Vous pouvez voir « Niveaux » ici sous « Corrections de couleur ». Allez-y et double-cliquez dessus, pour ajouter des niveaux. Les niveaux devraient être très familiers pour ceux d'entre vous qui maîtrisent Photoshop. Niveaux est un outil très puissant qui vous permet essentiellement de changer l'exposition d'une image. Il est conçu pour la photographie et la vidéo, mais fonctionne également très bien sur les illustrations. Pour ceux d'entre vous qui ne connaissent pas le fonctionnement des niveaux, et en passant, si vous avez une situation de crampe comme celle-ci où vous ne pouvez pas voir tous les contrôles de votre fenêtre, allez au bord de la fenêtre. Vous verrez un petit symbole double barre de flèche et je peux cliquer et faire glisser et je peux ouvrir cette ouverture là pour que nous puissions voir tout notre ensemble de contrôle ici. Vous verrez deux petits graphiques ici, un histogramme de toutes les couleurs de notre image. Cela représente l'entrée, en d'autres termes, quoi ressemble l'image telle qu'elle est. Ensuite, nous avons une sortie qui vous permet de mapper les couleurs d'entrée à travers le spectre de l'obscurité à la lumière. Maintenant, vous pouvez ajuster à la fois l'entrée et la sortie. Dans de nombreux cas, lorsque vous voulez juste ajuster l'exposition globale d'une image, vous allez généralement laisser le jeu de sortie tel quel. En d'autres termes, vous voulez une gamme complète de l'obscurité à la lumière. Maintenant, ce serait différent si vous essayiez dire « Réduire le contraste », alors vous vous éloigneriez du noir en bas ou de la lumière en haut. Nous voulons notre gamme complète de contraste ici. Nous ne voulons pas rendre l'image plus plate et moins contrastée. On veut juste l'assombrir comme si c'était une exposition plus sombre. Au lieu de cela, nous allons changer le niveau d'entrée. Nous allons essentiellement dire : « Prenez une couleur plus claire, claire dans le spectre et mappez-la au noir pour assombrir toute l'image. » Je vais prendre ce petit curseur ici et je vais le faire glisser vers l'avant et je vais dans l'obscurité et toute notre image. Vous pouvez voir que c'est comme si nous rendons l'exposition de notre image de lune et de notre fond plus sombre. Cela affecte même le type, donc tout a été obscurci. Maintenant c'est cool et tout, mais on veut une vignette. Nous ne voulons pas que toute l'image sombre. Nous voulons juste que les bords du cadre sombre. Pour ce faire, on va utiliser un masque. Maintenant, les masques dans After Effects peuvent devenir très compliqués. On va apprendre les bases ici. Un masque vous permet essentiellement de découper une forme d'un calque ou d'un trou dans un calque. Dans ce cas, nous allons couper un trou dans le calque pour permettre à notre arrière-plan de s'afficher au milieu. La couche dans laquelle nous allons couper un trou est notre couche de réglage. Nous allons couper un trou dans le calque de réglage pour voir à travers notre image normale sans l'effet sur elle. Un masque est un outil basé sur des vecteurs et vous pouvez dessiner des masques, les dessiner à la main avec l'outil Plume, mais vous pouvez également utiliser l'outil de forme pour dessiner des masques avec des formes vectorielles de base. Avec notre calque de réglage sélectionné et il est très important que nous sélectionné car si nous n'avons pas sélectionné le calque lorsque nous utilisons l'outil de forme, nous allons simplement créer une forme. Mais ce que nous voulons faire au lieu de faire une forme est couper un masque dans notre couche. Nous voulons que cette couche soit sélectionnée. Nous allons monter et nous allons attraper l'outil ellipse et je vais cliquer et faire glisser sur ce calque de réglage et je vais dessiner une ellipse. Encore une fois, je n'aurais pas dessiné de masque sur le calque. Je viens de dessiner une forme d'ellipse si ce calque n'avait pas été sélectionné, mais parce que le calque a été sélectionné, plutôt que de dessiner une forme, je dessine un masque. Il est important de se rappeler si vous essayez de dessiner une forme ou si vous essayez de dessiner un masque si jamais vous obtenez le contraire, c'est à cause de ce que vous avez sélectionné ou non. Dès que nous dessinons notre masque, l'onglet masque apparaît sur notre calque de réglage et vous remarquerez que l'onglet Masques est « Masques », puis voici Masque One. Vous pouvez avoir plusieurs masques sur un calque et créer des relations relativement complexes entre eux. Vous pouvez également animer des masques, mais nous allons regarder cela dans les cours à venir. Dans ce cas, tout ce dont nous avons besoin est de couper ce trou dans notre couche de réglage. En ce moment, vous voyez que nous avons le contraire. Nous avons découpé une forme de notre calque de réglage, donc notre ajustement est à l'intérieur cette forme et à l'extérieur de la forme, nous n'avons pas l'ajustement. C' est le contraire de ce que nous voulons. Allons au masque ici et remarquons qu'il est par défaut un masque additif. En d'autres termes, c'est couper une forme plutôt que de couper un trou. Pour changer cela, il suffit de cliquer sur ce menu déroulant et de le changer masque de soustraction et maintenant nous coupons un trou dans le calque de réglage, ce que nous voulons. Mais nous ne voulons pas non plus ce bord dur qui semble super maladroit. Nous voulons un bord doux, donc on a juste l'impression qu'il s'assombrit doucement sur le bord. Nous devons regarder les paramètres du masque. Nous allons à Tab, Ouvrir, Masque One, et à l'intérieur, vous verrez nos paramètres de masque et celui que nous voulons utiliser est la plume de masque. Je vais cliquer et faire glisser vers le haut sur cette plume de masque et je vais maintenir la touche Maj enfoncée parce que nous avons besoin de beaucoup de plumes sur ce masque. Je vais maintenir la touche Maj enfoncée et je vais cliquer et faire glisser vers le haut et je vais monter assez loin, peut-être autour de 600 ou 700, quelque chose comme ça. Eh bien, c'est peut-être un peu beaucoup, ramenons-le à 500 là-bas. C' est un peu mieux. Maintenant, je crois que j'ai trop fait l'effet. C' est un peu trop sombre. Retournons notre entrée en noir, un peu en arrière. Allons baisser un peu ça, quelque chose d'un peu plus comme ça. C' est mieux. Nous avons une petite transition douce vers le noir sur les bords. Souvenez-vous maintenant que je peux activer et désactiver l'effet afin de voir la différence ou de pouvoir activer et désactiver la visibilité du calque de réglage. L' un ou l'autre me permettra de voir avec et sans l'effet. Vous pouvez voir comment cela nous donne, encore une fois plus d'humeur, c'est un peu plus sombre, c'est un peu plus mystérieux que ces bords disparaissent dans l'obscurité, améliorant vraiment notre sentiment d'humeur et de peur. Maintenant, la dernière chose que nous allons faire est de créer un fondu d'entrée et de fondu au début et à la fin de notre cadre de titre, pour le polir. Regardons ça dans la leçon suivante. 14. Travailler avec des solides: Allons de l'avant et tabulons fermé notre calque de vignette ici, et créons un fondu dans et un fondu out. Maintenant, tous ces calques sont définis sur un fond noir. Vous pourriez penser que pour créer un fondu entrant et un fondu, ce que nous voulons faire est d'animer l'opacité des calques de 0 à 100. Mais il y a un problème avec cela parce que nous avons plusieurs couches, modes de fusion, différentes choses qui se passent. Si vous essayez d'animer l'opacité de chaque calque, il est très probable que vous finissiez avec des effets très inhabituels que vous n'avez pas planifiés en raison des modes de fusion, calques de réglage, tout ce qui se passe. Les choses vont se comporter pas nécessairement comme vous le souhaitez. Maintenant, avec notre simple petite scène ici, ce n'est peut-être pas si mauvais, mais plus vos compositions sont complexes, plus il sera impossible d'essayer d'animer l'opacité sur chaque couche. Dans les cours à venir, nous allons jeter un oeil au pré-comping, ce qui permettrait de résoudre certains de ces problèmes. Mais il existe aussi un moyen très simple de créer un fondu d'entrée et de fondu et une composition multicouche, c'est-à-dire en utilisant un solide. Si vous vous souvenez de la partie 1 de cette série, un solide est un calque qui n'est qu'un carré ou un rectangle de n'importe quelle taille ou couleur. Ceci est un parfait exemple de la situation où il ya une couche très simple mais très utile est utile. Commençons par ajouter notre couche solide. Encore une fois, nous allons monter sous couche. Nouveau solide, également Command Y, et nous obtiendrons notre boîte de dialogue de paramètres solides. On peut nommer le solide ici. Je vais l'appeler fondu, fondu. Je veux que ce soit la taille de notre cadre, soit 1920 par 1080. Si vous n'avez pas 1920 par 1080 dans votre largeur et votre hauteur, et que vous voulez que votre solide soit la taille de votre cadre. Vous pouvez simplement cliquer sur Make Comp Size et il fera automatiquement la taille de votre comp, ce qui est pratique. Mais vous pouvez taper tous les numéros ici que vous voulez. Vous pouvez en faire un carré, vous pouvez en faire un rectangle de n'importe quelle taille. En bas, ici, vous avez votre sélecteur de couleurs, votre sélecteur de couleurs standard. Ce qu'on veut, c'est du noir. Si pour une raison quelconque vous n'avez pas de noir ici, cliquez sur le sélecteur de couleur et assurez-vous juste que vous avez du noir, que vous êtes dans l'un de ces deux coins. Cliquez ensuite sur OK pour ajouter le solide. Vous pouvez voir que le solide apparaît juste sur la couche supérieure ici. Notez qu'il est par défaut rouge, ce qui est pratique parce que je veux ces deux couches, qui ne sont pas vraiment des couches contenant des images. L' un est notre couche d'ajustement avec notre effet. L' un est juste un solide noir pour créer notre fondu et s'estomper. Vous voulez qu'elles soient marquées avec la même couleur. Maintenant, tout ce que nous avons à faire est juste d'animer l'opacité de ce solide. Ce que cela fera est d'éliminer les surprises si nous essayons d'animer l'opacité sur toutes nos couches, c'est aussi moins de travail parce que tout ce que j'ai à faire est d'animer une propriété d'opacité plutôt qu'un tas de propriétés d'opacité. Cela nous fait gagner du temps. Allons de l'avant et appuyez sur la touche T pour ouvrir notre propriété de capacité, nous allons commencer l'opacité ici à 100, et continuons juste à une seconde. Tapons une seconde fondu, et nous allons juste l'animer jusqu'à zéro. Cliquez sur Option de commande pour ajouter un cadre clé de maintien là juste pour être sûr. Ensuite, nous allons passer à neuf secondes, une seconde avant la fin. Touchez une autre image clé là, il devient automatiquement une prise. Donc, cliquez sur Commande pour le transformer en une trame clé linéaire, puis nous allons à la fin ici et taper 100 pour le fondre. Donnons un aperçu de notre cadre de titre fini. Très gentil. Super. Nous sommes tous prêts à rendre notre projet. 15. Rendement: Maintenant, nous avons regardé les procédures de rendu dans la dernière classe, mais passons juste en revue rapidement ici. Avec notre composition sélectionnée, nous allons passer sous composition, ajouter à Adobe Media Encoder Q. N'oubliez pas d'être patient pendant qu' Adobe Media Encoder Q démarre et ajoute votre composition à la file d'attente. Cela prendra parfois plusieurs minutes. Une fois que le Media Encoder Q s'ouvre et qu'il est ajouté, votre rendu à la file d'attente, cliquez ici sous préréglage, et encore une fois, soyez patient car la connexion dynamique est configurée et vous vous retrouverez dans les paramètres d'exportation. Vous pouvez modifier le nom de sortie si vous le souhaitez, ou l'emplacement vers lequel il est rendu. Je vais juste le laisser en utilisant par défaut le nom de la composition et le rendu dans le dossier AME automatiquement créé dans mon dossier de projet. Je vais revenir aux paramètres vidéo ici. Faites défiler vers le bas et nous allons changer l'encodage du débit binaire à 2 passes. Nous allons changer le débit binaire cible à huit, et le débit binaire maximal à 10. Une fois que nous avons fait cela, nous cliquerons bien et lorsque nous serons prêts à rendre, appuyez sur le bouton vert de rendu. N' oubliez pas d'être patient pendant que vous êtes en train de rendre. Le temps de rendu sera différent en fonction de votre projet, de la vitesse et de la configuration de votre système informatique. 16. Rendez-vous dans le prochain cours !: J' espère que vous avez beaucoup appris de la deuxième introduction au cours After Effects. Nous avons beaucoup parlé de l'utilisation de différents types de couches dans After Effects. Nous avons examiné les calques d'image, les calques vidéo, les calques de texte, les calques de réglage et les solides. Nous avons également examiné comment ajouter un effet d'animation et comment travailler avec les modes de fusion. Nous avons appris à propos des images clés de base automatique A et de la valeur de l'ajout de blocages mobiles à l'animation de texte. cours de route, nous avons créé un cadre de titre cool pour notre nouveau spectacle imaginaire. Maintenant, bien sûr, si vous le souhaitez, vous pouvez créer votre propre série TV, film ou jeu vidéo ou utiliser votre émission existante préférée, film ou jeu vidéo et créer votre propre cadre de titre. Mais que vous suiviez exactement avec moi ou que vous ayez fait votre propre truc en mettant ce projet en place, j'aimerais voir ce que vous venez avec et je sais que vos collègues le feraient aussi. N' oubliez pas de rendre et de publier votre cadre de titre. Nous poursuivrons notre exploration d'After Effects dans la troisième partie de la série. Merci beaucoup d'avoir regardé, et je te verrai dans le prochain cours.