Améliorez vos paroles : Un guide créatif pour écrire des chansons comme un professionnel

1. Introduction: [MUSIQUE] Avez-vous déjà écouté une chanson et vous êtes demandé comment l' auteur-compositeur a pu trouver des mots si créatifs, intelligents ou même surprenants ? Bonjour, je m'appelle April. Je suis auteur-compositeur-interprète et professeur de musique. Dans ce cours, je vais vous donner tous les outils dont vous avez besoin pour écrire des paroles incroyables. Je suis musicien professionnel, auteur-compositeur et éducateur depuis 10 ans. Je suis diplômé du Berklee College of Music, et j'ai une chaîne YouTube où je parle tenants et aboutissants de l'écriture de chansons. Tout au long de ce cours, nous allons apprendre à créer des personnages qui se sentent réels et captivants sur le plan émotionnel. Nous allons apprendre à créer des mondes élaborés et colorés. Nous allons apprendre comment utiliser tournures de phrase intelligentes afin créer des paroles inattendues et vraiment intelligentes. Si vous avez toujours eu l' impression que l'écriture lyrique est la partie la plus difficile du processus d'écriture de chansons. Si vous écrivez depuis un moment, mais que vous êtes en train d'être dans une ornière ou si vous aimez vraiment écrire et que vous voulez simplement apprendre de nouvelles techniques cool, ce cours va vous donner tout vous devez écrire comme un pro, vous vous sentiez inspiré ou non. Je suis très enthousiaste à l'idée de partager toutes mes connaissances en écriture de chansons avec vous. J'ai hâte de voir toutes les choses incroyables que vous allez créer. 2. Aperçu du projet: [MUSIQUE] Nous allons donner le coup d'envoi dans notre toute première leçon en parlant deux styles d'écriture de chansons distincts, comploter et de haletter, puis nous allons déterminer quel type de Vous êtes un auteur-compositeur. La deuxième leçon consiste à mettre en scène le décor et à se préparer à écrire vos paroles. Nous allons donc déterminer qui chante, à qui ils chantent et quand tout cela aura lieu, déterminant le point de vue et la tension de votre chanson. Leçon 3, nous allons plonger dans le caractère. Comment vos personnages pensent-ils, agissent-ils et parlent ? Nous allons examiner les points de vue de vos personnages et comment ils voient le monde afin d'écrire une très bonne narration à la première personne ainsi que des dialogues. Dans la quatrième leçon, nous allons discuter d'une de mes choses préférées à enseigner, les cinq S de l'écriture de chansons. Nous allons baser nos paroles autour de la simplicité, de l' histoire, des sens, des spécificités et des sous-textes afin de créer des personnages et des scènes multidimensionnels dans lesquels vous pouvez vraiment plonger un auditeur. Une lutte commune que j'ai tendance à voir avec les élèves qui commencent par les paroles en premier consiste à déterminer la durée de chaque ligne et à déterminer comment toutes ces lignes doivent être de chaque ligne et à déterminer comment toutes liées les unes aux autres. Dans moins de cinq ans, nous allons examiner stress, les battements et les respirations. Metaphor est l'un des outils les plus étonnants à utiliser dans l'écriture de chansons afin rendre votre histoire plus claire et aider votre auditeur à s' accrocher vraiment à ce qu'elle est, vous devez dire, donc dans la leçon six, Nous allons plonger tête la première dans Metaphor. Dans la leçon 7, nous allons jouer avec les attentes des auditeurs. Quand faire exactement ce que votre auditeur attend et quand le changer et faire quelque chose de complètement hors du commun. est très important de savoir ce que votre auditeur attend , car cela peut vous aider à créer quelque chose qui se sent à l' aise ou qui a beaucoup de tension et les maintient sur les bords de leur siège. . Certaines des choses les plus excitantes dans les grandes paroles sont des tournures de phrase intelligentes. Dans la leçon 8, nous allons donc plonger dans l'esprit, ironie et la double signification. Parfois, la façon dont vous dites les choses peut être tout aussi importante que ce que vous dites réellement. Donc, dans la leçon 9, nous allons parler sons de mots et au moment où vous arriverez à la leçon 10, vous en saurez tellement sur écriture lyrique que nous allons simplement ajouter ****** sur en tête de tout, y compris une tonne de dispositifs rhétoriques vraiment passionnants. Ce sont des outils vraiment incroyables qui peuvent faire passer votre chanson de bonne à géniale et améliorer vraiment l'expérience de votre auditeur. Dans notre dernière leçon, nous allons attacher tous les bouts et finir nos chansons. Nous allons modifier les choses en veillant à ce que tout se déroule parfaitement, et c'est fini. [MUSIQUE] Vous aurez écrit toute une belle chanson et mis à niveau votre écriture lyrique avec succès, alors commençons. 3. Quel genre d'écrivain lyrique êtes-vous ?: [MUSIQUE] Pour commencer notre parcours d'écriture lyrique, nous allons parler du genre d' écrivain lyrique que vous êtes. Il existe autant de façons différentes de commencer une chanson que d'auteurs-compositeurs. Mais aujourd'hui, nous allons nous concentrer sur deux styles spécifiques d'écriture lyrique. Un traceur est quelqu'un qui commence par créer un plan et qui planifie l'intégralité de sa chanson à l' avance. complot est vraiment génial si vous êtes le genre de personne qui a tendance à rester coincé à mi-chemin d'une chanson, ou si vous avez l' impression d'avoir juste besoin d'un peu de conseils pendant que vous écrivez. J'ai tendance à recommander les styles spécifiquement pour les personnes qui ont esprit plus analytique ou visuel, ou pour ceux qui sont tout nouveaux dans le domaine de l'écriture de chansons. C'est vraiment utile de pouvoir avoir quelque chose sur lequel revenir. De cette façon, vous n'avez pas l' impression de devoir continuer à proposer de nouvelles idées au fur et à mesure. Le tracé est génial parce que vous faites tout le travail acharné au début du processus, puis vous pouvez vraiment vous concentrer sur l' élaboration de la langue réelle. C'est aussi génial parce que vous êtes beaucoup moins susceptible de rester coincé à mi-chemin. traceurs sont souvent parfaits pour écrire des paroles vraiment méticuleuses, vraiment stimulantes, et ils sont également excellents pour les formules spécifiques au genre. Prenons, par exemple, Leonard Cohen ou Max Martin, ces deux artistes ont vraiment passé beaucoup de temps à réfléchir thèmes et aux formules de leur musique à l'avance, ce qui se montre vraiment lorsque vous regardez les produits finaux. Les pantalons, quant à eux, volent près du siège de leur pantalon. Ce qui signifie que tout ce qui se passe pendant le processus se trouve directement sur cette page. Il n'y a aucun aperçu et le pantalon est capable de trouver des trucs à la volée. C'est vraiment génial pour les personnes qui n'aiment pas vraiment suivre un plan ou qui ont simplement l' impression d' être suffisamment créatives pour continuer. Pantsing est un excellent moyen de vous surprendre en proposant des rebondissements inattendus ou des virages inattendus. Il est également parfait pour ceux qui écrivent depuis un lieu vraiment émouvant et qui veulent que leurs chansons ne soient qu' un exutoire en ce moment. Les rappeurs freestyle comme Snoop Dogg, Kendrick Lamar ou Busta Rhymes sont de très bons exemples de personnes qui peuvent simplement cracher des trucs à la volée et proposer de superbes paroles de pantalons. Ces deux styles d' écriture prennent temps et de la pratique à maîtriser, donc si vous n'êtes pas parfait tout de suite, c'est tout à fait correct. Vous pourriez également constater que le style dans lequel vous écrivez depuis un certain temps pourrait ne pas correspondre exactement à celui que vous êtes en tant qu'écrivain, alors allez-y et changez les choses juste pour voir ce qui vous convient. Lorsque vous choisissez de tracer ou de pantalons votre chanson Voici quelques éléments que vous voudrez peut-être prendre en compte. Si vous avez tendance à rester coincé à mi-chemin de l'écriture d'une chanson, avez du mal à penser à des idées ou si vous devez être inspiré pour écrire, vous êtes probablement un comploteur. Puisque les traceurs font le mieux avec un peu de conseils, j'ai inclus mon plan dans la description de ce cours ci-dessous. Si vous êtes un traceur, vous pouvez commencer en cliquant dessus et en y jetant un coup d'œil. Vous pourriez également bénéficier de listes à puces ou d'instructions d'écriture lorsque vous essayez mettre vos idées sur papier. Cependant, si vous terminez un contour et que vous n'avez plus envie d'écrire la chanson, vous commencez par une invite d'écriture, mais finissez par écrire sur quelque chose de complètement différent, ou vous obtenez des tonnes de mais si vous n'écrivez pas toute la chanson immédiatement, vous avez tendance à l'oublier, ou vous décidez que cela ne vous plaît pas, vous êtes probablement un pantser. Le pantalon a tendance à faire mieux sans contour. Ne vous inquiétez pas de cliquer sur ce lien dans la description, mais vous pouvez plutôt écrire plus de conscience. N'oubliez pas que vous effectuez tout votre travail à la fin du processus. Cela signifie que pendant que les traceurs écrivent leurs chansons, vous vous concentrerez principalement sur le montage. Personnellement, j'aime prendre un peu de temps entre les processus d'écriture et de montage, simplement parce que cela facilite un peu détachement de mon moi artistique. Je peux enlever ce chapeau d'écrivain et mettre le chapeau de montage. De cette façon, mes émotions et mon ego ne sont pas nécessairement meurtris par les changements ou modifications que j'apporterai plus tard. Au cours de ce cours, j'ai essayé de trouver le meilleur style pour vous en tant qu'écrivain. Si la réponse est les deux, ou l'un ni l'autre, ou un mélange des deux, c'est tout à fait correct. Vous constaterez peut-être que vous ne rentrez pas parfaitement dans une boîte, ou vous pouvez en choisir une et décider plus tard que l'autre pourrait réellement vous convenir mieux, et c'est tout à fait correct. Il s'agit de votre chanson et de votre processus d'écriture, de sorte que vous pouvez être n'importe quel type d'écrivain que vous voulez être, même s'il ne correspond pas parfaitement à l'une de ces catégories. instant, vous avez ma permission de modifier votre style d'écriture, écarter de votre contour, colorer en dehors des lignes. n'y a pas de réponses erronées ; s' agit de trouver ce qui vous convient le mieux. Commençons par notre prochaine leçon dans laquelle nous allons parler de point de vue et de tension. 4. Point de vue et de sens: Maintenant que nous savons que vous écrivez du style, parlons de tension et de point de vue. Le point de vue ou PDV fait référence à la façon dont votre narrateur et votre auditeur sont liés à l'histoire. Il existe trois grands types de PDV et chacun fait quelque chose d'un peu différent pour l'histoire. Nous allons passer en revue les trois et déterminer lequel vous allez utiliser dans votre chanson. Dans l'écriture de chansons en particulier, le point de vue le plus courant est de loin la première personne. La première personne signifie simplement que le narrateur parle de son propre point de vue. Je pense que c'est très populaire parce que l'écriture de chansons a tendance à être très personnelle et émotionnelle, contrairement à dire, un roman ou à un article. Pour utiliser la première personne dans votre écriture de chansons, vous allez utiliser des mots comme moi, moi ou mien. Voici quelques exemples de première personne. À la première personne, vous pouvez également décider si votre auditeur fait partie de l'histoire ou non. Votre narrateur peut soit chanter, « Je t'aime », soit « Je l'aime ». il en soit, cela fonctionne totalement et ce sont tous les deux des moyens vraiment valables d'utiliser la première personne. Si vous voulez parler du cœur ou vraiment savoir à votre auditeur ce qui se passe dans la tête de vos narrateurs, commencez certainement par la première personne. première personne est également géniale pour les gens qui commencent tout juste à écrire des paroles parce que c'est vraiment naturel et c'est agréable et confortable de commencer. La deuxième personne signifie que l'auditeur va faire l' expérience de la chanson à travers son propre point de vue. Vous pouvez y parvenir en utilisant des mots comme vous et le vôtre et en imaginant que vous parlez de votre auditeur. En plaçant l'auditeur sur le siège du conducteur, vous pouvez influencer la façon dont il pense et se sent, ce qui peut être à la fois un peu inconfortable et vraiment puissant et intense pour un auditeur. La deuxième personne est beaucoup moins fréquente que la première personne, mais vous pouvez le trouver dans ces exemples. Enfin, la troisième personne signifie que le narrateur et l'auditeur ne se trouvent nulle part dans l'histoire. Pour utiliser une tierce personne, vous devez utiliser des mots comme lui, elle, lui, elle, leur ou la sienne, le sien, le leur, le leur. Vous pouvez également nommer vos personnages. Vous devez utiliser une tierce personne si vous souhaitez que votre auditeur puisse voir plusieurs points de vue différents. De cette façon, vous pouvez rebondir d'un personnage à l'autre. Cela vous fait cependant sentir un peu plus éloigné de l'histoire. Gardez à l'esprit que c'est beaucoup moins intime que certains autres points de vue. Maintenant, certaines chansons peuvent être un peu moins claires. Par exemple, dans Lose Yourself d' Eminem, nous passons de participants vraiment passifs à actifs parce que nos vers sont à la troisième personne, alors que notre refrain est à la deuxième personne. Je ne recommanderais pas de faire ce switcheroo tout le temps. Mais dans ce contexte particulier je pense que cela fonctionne très bien. Parce que la chanson consiste à saisir la journée et à prendre une chance, donc en passant de passif à actif, nous faisons exactement ce que les paroles nous disent de faire. Sk8er Boi d'Avril Lavigne fait quelque chose vraiment similaire en ce sens qu'il commence à troisième personne, puis à la toute fin quand on attendait le moins à ce qu'elle passe à la première personne, se ramenant d' un participant passif à un participant actif, ce qui est vraiment intéressant et cela crée ce rebondissement inattendu lorsque nous réalisons qu' Avril faisait partie de l'histoire depuis le début. [MUSIQUE] Une fois que vous avez choisi un point de vue, vous pouvez commencer à réfléchir au temps de votre chanson. Nous allons nous concentrer sur les trois temps passés, présents et futurs. Le tendu est similaire au point de vue en ce sens qu'il peut vous faire sentir plus près ou plus loin de l'histoire. Par exemple, lorsque vous utilisez le passé les choses qui se passent dans l'histoire se sont déjà produites. Ils sont dans le passé. Nous n'avons plus à nous inquiéter pour eux. Nous sommes juste en train de découvrir ce qui s'est passé. Nous sommes pris au piège. Il n'y a pas beaucoup de tension au passé, mais c'est très à l'aise. Cela nous permet d'avoir l'impression d'avoir une conversation avec la personne qui raconte l'histoire. Nous sommes juste à écouter et à prendre en compte ce qui s'est passé. Au moment présent, il y a beaucoup plus de tension car tout se passe dans la chanson en ce moment. Nous sommes au bord de nos sièges pour découvrir ce qui se passe actuellement. Je pense que le présent est vraiment génial si votre personnage écrit une lettre, s'il parle à quelqu'un de ce qui se passe en ce moment ou s'il nous dit ce qu'il ressent actuellement. Écrire votre chanson dans le futur va rendre tout moins réel et beaucoup moins ancré. Parce que l'avenir ne s'est pas encore produit, tout est purement spéculatif dans le futur. C'est très rêveur et très lointain. C'est également un excellent moyen de donner à votre auditeur un sentiment d'anticipation, d' espoir ou même de suspense. Tout comme nous en avons parlé avec un point de vue, nous pouvons parfois décider d'utiliser un mélange de temps. Nous pourrions commencer par un seul endroit , puis nous déplacer dans un endroit complètement différent. Utiliser le passé, puis passer au présent, par exemple, peut donner à votre auditeur une très bonne idée de l' endroit où se trouvait votre personnage et de ce qui s'est passé à l'origine, et maintenant comment il s' agit. avec elle. Changer de tension peut nous permettre voir où est passé notre personnage, où il se trouve et où il va, ainsi que ses aspirations, ses espoirs et ses peurs. Il peut également nous aider à passer à un autre point de vue. Par exemple, dans Scenes From An Italian Restaurant de Billy Joel , il bascule entre les vignettes, chacune dans un temps différent. Le premier est tendu à l'avenir, le second est présent, et dans la troisième section, il passe du passé et le narrateur passe en fait à la troisième personne. Cette technique nous aide à différencier toutes les différentes histoires de l'histoire. Maintenant que vous savez tout sur le tendu et le point de vue, je veux que vous commenciez à réfléchir à celui que vous allez utiliser pour votre histoire. Dans notre prochaine leçon, nous allons parler des personnages, façon dont ils parlent, de leur comportement et de leur façon de penser. 5. Voix de caractères: [MUSIQUE] Maintenant que vous avez réfléchi un peu au temps et au point de vue de votre chanson. C'est une excellente occasion de commencer à penser aux personnages. Différentes personnes parlent, pensent et se comportent de différentes manières. C'est un moment vraiment amusant pour commencer à réfléchir à la façon dont vous voulez que vos personnages sonnent. Lorsque vous écrivez un dialogue et une narration à la première personne, il y a beaucoup de choses à prendre en compte, notamment la voix de votre personnage ? Quels mots utilisent-ils ? Quel est leur accent ou leur dialecte ? C'est également une bonne idée de commencer à penser à des choses dont ils pourraient parler. Colin Meloy du groupe, les Decemberists aiment beaucoup écrire sur le folklore et l'histoire. Dans ses chansons, vous remarquerez que son langage est très complexe et verbeux. Il est également dense. Vous remarquerez peut-être également qu'il y a beaucoup d' allusions historiques et littéraires jonchées. Lin-Manuel Miranda, quant à lui, aime aussi utiliser des illusions littéraires et historiques, mais son langage a tendance à être beaucoup plus actuel et il aime la ponctuer avec beaucoup de mots d'argot. Son utilisation du langage fait que ses personnages se sentent à la fois relatables et intelligents. Il nous donne beaucoup de choses sur les mondes intérieurs de ces personnages. En même temps, le week-end, par exemple, aime vraiment utiliser un langage moderne qui semble très conversationnel. Cela le rend naturel tout en étant excitant et intelligent. Voici quelques éléments à prendre en compte, que vous écriviez du vôtre ou du point de vue de quelqu'un d'autre. Quelles sont les normes du genre dans lequel vous écrivez ? hip hop, le jazz, le rock, le country metal, chacun d'entre eux, et tous les autres genres sous le soleil ont normes différentes en ce qui concerne les voix des personnages. Si, par exemple, vous écrivez dans du rap hip hop ou même de la musique country, il est très logique d' utiliser le langage moderne, probablement avec beaucoup de mots d'argot. Vous pouvez utiliser des mots comme vous ou vous dans ces genres en particulier, ces personnages ont tendance à venir de lieux crus et véridiques très honnêtes. Il est normal, par exemple, qu'ils parlent de DMing que quelqu'un sur Instagram met dans ses AirPods. Il est également tout à fait normal dans ces genres, ainsi que dans le rock ou le métal, d' utiliser des jurons. Contratez cela avec des artistes contemporains adultes comme Josh Grubbing ou Céline Dion. Je ne pense vraiment pas que ces artistes soient les plus authentiques s'ils utilisent jurons ou même un langage moderne. Quel est l'âge de votre personnage ? L'âge de votre personnage peut déterminer beaucoup la façon dont il voit le monde et la façon dont il parle. Par exemple, un personnage qui était adolescent dans les années 80 est beaucoup plus susceptible d' utiliser des mots comme mouche et noueux, alors que quelqu' un qui était adolescent dans les années 2000 comme moi, est beaucoup plus susceptibles d'utiliser des mots comme sucré ou esquissé. L'âge de votre personnage va également déterminer de quoi il aimerait parler. Par exemple, si votre chanson parle de nostalgie infantile, l'âge de votre personnage va déterminer à quel point il est éloigné des événements de son enfance, ainsi que les choses sur lesquelles il se concentre dans cette perception de l'enfance. Par exemple, un millénaire comme moi est beaucoup plus susceptible de penser à l'enfance comme une période avant la responsabilité et les prêts étudiants. Alors que quelqu'un qui a peut-être 80 ou 90 ans va beaucoup réfléchir à ce qui a changé dans le monde depuis sa jeunesse. Où et quand vivent-ils. Comme je l'ai déjà mentionné, l'âge de votre personnage peut faire beaucoup pour déterminer comment il voit le monde et comment fonctionne ses schémas de parole réels. Baser votre histoire à une époque différente ou un autre endroit déterminera également à un autre endroit déterminera également ces choses, ainsi que l'environnement réel entoure votre personnage. Sont-ils en train de passer un appel sur leur téléphone rotatif ? Est-ce qu'ils utilisent des mots comme toi, toi et toi ? Ou est-ce qu'ils font un tour et ils volent en voiture ? Faites également attention au fait que différents endroits du monde ou de l'univers, si vous écrivez une chanson extraterrestre, auront un accès différent à la technologie et aux ressources, ainsi que différents accents et dialectes différents. Enfin, si vous parlez plusieurs langues, vos personnages le peuvent également. Il est très courant dans divers genres latins, ainsi que dans la K-pop, de basculer entre deux langues différentes. Cette technique peut être utilisée dans n'importe quel genre et avec n'importe quelle combinaison de langues Gardez simplement à l'esprit que les différentes langues parlées par un personnage peuvent en déterminer beaucoup sur leur les schémas de la parole et la façon dont ils voient le monde. Si vous êtes un traceur, essayez de répondre à ces questions sur un bout de papier. Pour les pinces, cela peut aider à s' entraîner à parler à haute voix en tant que personnage. Pensez-y comme de l'improvisation théâtrale. Il est également tout à fait acceptable d'écrire de votre propre point de vue ou d'utiliser votre propre langage de conversation quotidien. Une fois que vous avez eu un moment de réfléchir à façon dont vos personnages [MUSIC] vont parler. Allez-y et passez à la prochaine leçon, où nous allons plonger dans ce que j'appelle les cinq S de l'écriture lyrique. 6. Les 5 S de l'écriture lyrique: [MUSIQUE] Dans cette leçon, nous allons parler de mes cinq S d'écriture lyrique, qui sont la simplicité, l'histoire, les sens, les spécificités et le sous-texte. Le premier S est pour la simplicité, vous devez donc commencer votre chanson le plus simplement possible. Pensez à une idée principale, à une morale ou à un message que vous voulez transmettre à votre auditeur, juste une chose simple, puis vous pouvez construire toute votre histoire à partir de là. Tout message peut être une excellente idée principale, mais il est vraiment important ici de penser simplement. Voici quelques exemples d'idées principales simples. Notez que chacune de ces idées commence par un noyau émotionnel. Je t'aime, je suis heureux, je suis en colère contre la politique, je suis en colère, et le bon vieux temps me manque, c'est triste. Si vous vous sentez perplexe pour une idée principale, commencez par ce que vous ressentez en ce moment , puis travaillez simplement en arrière, qu'est-ce qui vous fait ressentir ainsi ? bonnes chansons peuvent provenir de n'importe quelle émotion sous le soleil, alors ne vous inquiétez pas si vous ne vous sentez particulièrement triste ou anxieux, ou si vous n'avez pas une belle histoire d'amour à écrire. C'est tout à fait correct. Peu importe où vous en êtes, commencez simplement par un lieu d' authenticité et votre chanson sera meilleure pour elle. Si vous avez du mal à penser à l' émotion dont vous devriez écrire une chanson, vous pouvez également consulter un tableau utile comme celui-ci. Trop d' émotions conflictuelles peuvent rendre votre chanson déconcentrée ou même déroutante, alors assurez-vous de vous en tenir à une chose pour commencer. Ensuite, il est toujours plus facile d'ajouter plus choses que d' enlever. [MUSIQUE] Afin d'écrire une chanson convaincante que votre public va vraiment s' accrocher pour commencer par vous raconter une histoire. Tout ce que vous avez à faire pour raconter une histoire, c'est commencer par un début , passer au milieu, puis terminer votre chanson. Au début, présentez votre narrateur, votre décor, ses motivations ou objectifs, ainsi que tout autre élément d'information qui vous aide à définir votre scène. Le milieu de votre histoire est l' endroit où le conflit se produit. Pourquoi votre personnage n' obtient-il pas ce qu'il veut ? Qu'est-ce qui se dressent sur leur chemin ? Enfin, la fin de votre chanson est la résolution. Que fait votre personnage pour obtenir ce qu'il veut et cela fonctionne-t-il ? Est-ce qu'ils obtiennent ce qu'ils veulent ? Pour cet exemple, je vais tracer ma chanson en utilisant la forme de chanson pop. Vous pouvez maintenant utiliser n'importe quel formulaire que vous voulez. Mais j'ai vraiment aimé celle-ci parce qu'elle est vraiment très courante. Je vais utiliser Je t'aime comme idée principale. Si vous avez décidé de calmer votre chanson, vous pouvez simplement vous détendre et vous détendre ou prendre des notes, tout ce qui va vraiment vous aider à faire jogging cette voix créative dans votre tête, car dans un instant vous allez commencer à improviser. Si, d'un autre côté, vous avez décidé de tracer votre chanson, nous allons commencer par remplir tous les points qui disent refrain avec votre idée principale, puis nous allons remplir nos vers avec un court court des explications du début , du milieu et de la fin de votre histoire. Une fois que vous avez compris ce squelette de base de votre histoire, il est temps de commencer à utiliser vos sens et à devenir précis. L'utilisation de vos sens et spécificité dans votre écriture lyrique peut faire passer votre chanson de bonne à grande en donnant à votre auditeur l'impression de faire partie de l'histoire. Les cinq sens sont la vue, l'odorat, le goût, le toucher et le son. Mais vous pouvez également inclure d'autres sens comme le mouvement et l'équilibre. Une fois que vous avez commencé à penser en fonction de vos sens, il est vraiment crucial d'être précis. Les spécificités de votre écriture de chansons peuvent vraiment permettre à votre auditeur d' avoir l'impression d'être dans l'histoire. Par exemple, il n'est pas très convaincant de simplement dire que j'ai lu un livre, mais c'est beaucoup plus intéressant de vous dire quel livre j'ai lu, quel chapitre je suis, et ce qui vient d'arriver aux personnages. Disons que je veux que mon personnage nage dans un lac Je vais commencer à utiliser les sens et les spécificités en imaginant mon décor, puis en écrivant ce que chaque sens viendrait. Notez que ces images sont très détaillées et spécifiques. En vous racontant ces détails, je vous donne la possibilité imaginer l'histoire dans votre propre esprit, au lieu de dire simplement que je suis tombé amoureux du lac. Lorsque je vais écrire ma chanson, je n'ai pas nécessairement besoin d' utiliser toutes ces images, mais il peut être très utile tout au long du processus d' avoir une liste continue. Prenez ce moment pour mettre en pause la vidéo et écrire des points à puces pour votre propre chanson. Le S final est pour le sous-texte. Le sous-texte signifie simplement que vous faites lire votre auditeur entre les lignes de tout ce que vous dites au lieu de le dire extérieurement. Mon utilisation préférée du sous-texte n'est pas chanson Most of the Time de Bob Dylan, qui est une chanson de rupture époustouflante sur un homme qui essaie de se convaincre qu' il n'aime pas son ex partenaire. À chaque verset de la chanson, le narrateur nous raconte à quel point il va très bien la plupart du temps. Il ne changerait rien dans sa vie, il se porte très bien, mais le sous-texte est que plupart du temps n' est pas en ce moment. moment, il est totalement malheureux et cette autre personne lui manque complètement, mais peu importe parce que plupart du temps, il est bon. Au fur et à mesure que les versets continuent, sa langue devient de plus en plus spécifique et motivée par le sens, nous donnant de plus en plus de raisons de douter de lui. Pour écrire un excellent sous-texte pour votre chanson, commencez par penser à l' opposé de l' émotion que vous ressentez. Par exemple, si vous écrivez une chanson sur votre tristesse, commencez par penser que je vais très bien, puis travaillez tout au long de votre chanson pour essayer de comprendre exactement pourquoi vous ne l'êtes pas. vous allez bien, et essayez d'amener votre public à deviner. D'après ma chanson d'amour, je pourrais vouloir utiliser cette phrase, je ne suis pas amoureux, ou je peux même y aller, je ne veux pas être amoureux, et ensuite ça devient le travail de mes auditeurs de comprendre que je mens. Si vous complotez vos paroles, prenez ce moment pour commencer à décrire. Notez votre idée principale, tracez le début, le milieu et la fin de votre histoire, et si vous y travaillez encore, c'est bon. Je vais vous donner encore plus de conseils pour finir ce contour plus tard. Si, par contre, vous chantez votre chanson, allez-y et écrivez votre premier couplet et refrain. Amusez-vous à improviser et ne vous inquiétez pas de la qualité ou de la forme de vos paroles, ce n'est qu'une première ébauche et nous entrerons un peu plus tard. Vous avez par la présente la permission d'écrire paroles stupides, trop dramatiques ou même mauvaises. Tout va bien. Assurez-vous simplement de continuer , car sinon, vous allez être très doué pour ne pas écrire de chansons. [RIRES] Alors que vous travaillez à travers tous les éléments que nous venons de décrire dans cette vidéo, assurez-vous d'être gentil avec vous-même. Dans notre prochaine leçon, nous allons parler battements, de stress et de respirations. 7. Stresses, battements et respirations: [MUSIQUE] L'un des aspects les plus délicats de l' écriture de paroles avant écrire des accords et des mélodies est essayer de déterminer la durée de chaque ligne. Parce que vous devrez éventuellement prendre tous les mots que vous avez écrits et les transformer en musique. Beaucoup de gens, en particulier les poètes devenus écrivains lyriques, et les auteurs-compositeurs pour la première fois ont vraiment eu du mal à comprendre combien de syllabes battements ou de respirations devraient se produire dans une ligne donnée. La vérité est, bien sûr, que cela dépend totalement de vous en tant qu'écrivain, ainsi que de la chanson que vous essayez d'écrire. Mais voici quelques points que vous pouvez prendre en compte fur et à mesure que vous choisissez la longueur de vos lignes. Tout d'abord, commencez à réfléchir au sujet de votre chanson et au type de personnage pour lequel vous écrivez. La plupart du temps, le nombre réel de syllabes n'aura pas beaucoup d'importance, mais dans quelques exemples, vous constaterez peut-être que le nombre de syllabes fait un bon travail peindre un personnage qui est vraiment anxieux ou méticuleux. Absolument Cuckoo by The Magnetic Fields est un excellent exemple d' utilisation du nombre de syllabes pour peindre un caractère vraiment névrosé. Ce personnage a définitivement peur que quelqu'un tombe amoureux de lui et se rende compte à quel point il est vraiment fou. Comme vous pouvez le voir, les paroles ont un flux de conscience pour eux. Mais quand vous regarderez de plus près, vous verrez qu'il y a mis pas mal d'efforts. En fait, chaque ligne de cette chanson contient sept syllabes. Un autre exemple drôle est Haiku de Tally Hall, dans lequel le protagoniste essaie désespérément d'écrire un haïku pour cette personne qu'il aime, mais continue de lutter pour obtenir réellement un haïku à former. Un haïku est composé de trois lignes qui suivent un nombre très spécifique de syllabes, cinq, sept, cinq. Donc, en prêtant attention à ce nombre de syllabes, vous commencez à remarquer que ces tentatives de haïku échouent lamentablement, ce qui renverse l' attente dans votre tête d'entendre cinq, sept, cinq. Il nous en dit aussi beaucoup sur notre personnage et sur le type de circonstances dans lesquelles nous nous trouvons. [MUSIQUE] La prochaine chose à laquelle je veux que vous pensiez, c'est fois votre genre et vos styles vocaux. Par exemple, si vous écrivez vraiment de l' Americana ou du folk traditionnel, vous n' allez probablement pas ajouter beaucoup de trills ou beaucoup de trucs fantaisie. Alors que si vous écrivez une chanson R&B, vous êtes beaucoup plus susceptible d'utiliser toutes sortes d'acrobaties vocales. Prenez la chanson I Will Always Love You de Dolly Parton, surtout comme elle a été chantée par Whitney Houston. lisant les mots sur la page, le nombre de syllabes est déjà assez lâche. Il est clair que Dolly ne se souciait pas autant du nombre de syllabes spécifiques qu'elle a fait sur l'accent et la sensation de la chanson dont nous parlerons un peu plus tard. Mais quand on regarde la version de Whitney, tout ça va complètement par la fenêtre et ça commence à ressembler davantage à ça. Cela inclut toutes ses magnifiques courses folles, mais il ne commence même pas à prendre en compte l'espace pour respirer ou des notes plus longues ou plus tendues. Tout cela pour dire dans la plupart des exemples, le nombre réel de syllabes n'aura pas beaucoup d' importance et je veux plutôt que vous commenciez à penser aux contraintes de mots. Le mot stress ici fait référence aux mots que nous soulignons lorsque nous chantons ou parlons. Donc, pour pratiquer cela, essayez de dire cette phrase à haute voix. Maintenant, remarquez quels mots vous avez souligné. Par exemple, j'ai souligné, allons à Coney Island pour monter les tasses à thé qui tournent. Gardez à l'esprit ici que si vous n'avez pas dit ce phrasé exactement de la même manière que moi, c'est tout à fait correct. Différentes personnes vont dire les choses de différentes manières et elles vont mettre l'accent sur différentes choses en fonction du contexte de la situation. Par exemple, si au lieu de le dire comme je l'ai dit, vous avez décidé de mettre l'accent sur le mot « spinning », allons à Coney Island pour monter les tasses à thé qui tournent. Cela signifie pour moi que quelque chose ne fonctionne pas tout à fait, que peut-être que le trajet ne tourne pas. Je veux aller à Coney Island et faire le tour quand il fonctionne, pas quand il ne tourne pas. On pourrait dire la même chose à propos du mot « Go ». Allons à Coney Island lieu de simplement en parler et de rester assis ici, quels que soient les mots spécifiques que vous avez soulignés, vous remarquerez peut-être que ces deux lignes ont trois points de stress. Sans accords ni mélodie pour ajouter ces mots, peu importe le nombre de contraintes qu'il y a sur chaque ligne, mais ce que vous remarquerez dans cet exemple particulier c'est que les longueurs de ligne correspondent. Le fait qu'il y ait un certain nombre de contraintes entre ces deux lignes les rend vraiment stables et confortables, presque terminées. Cela se marierait très bien avec quelque chose qui semble [BRUIT] installé et facile. Alors que, si j'y vais réellement et change le nombre de mots soulignés, paroles se sentent maintenant un peu décalées, mais cela donne toujours envie de continuer à écouter. Je pense que c'est une façon géniale de surprendre votre auditeur et de les intéresser à l'histoire, surtout s'il s'agit d'une histoire vraiment instable. À ce stade, nous avons découvert que le nombre de syllabes, de battements ou de mots soulignés n'a pas nécessairement d'importance nombre de syllabes, de battements ou dans chaque ligne. Tout est vraiment une question de contexte. Mais une chose dont nous devons toujours tenir compte est le fait que nous, en tant qu'êtres humains, avons des poumons et que nous avons besoin de ces poumons pour fonctionner. Il faut donc parfois respirer. Je vous recommande de lire vos paroles à haute voix de temps en temps juste pour m'assurer qu'elles coulent bien et que vous êtes en mesure de respirer. Dans notre prochaine leçon, nous allons jeter un coup d'œil à l'une de mes choses préférées, la métaphore. 8. Métaphore: [MUSIQUE] L'une des façons les plus courantes pour les auteurs-compositeurs de rendre leurs chansons plus intéressantes est d' utiliser la métaphore. Metaphor est un outil incroyable à avoir, car il peut vous aider à vous expliquer de manière plus claire et peut également rendre votre chanson plus intéressante visuellement. Dans la chanson Titanium, le narrateur essaie d' exprimer qu'il est fort, mais au lieu de simplement dire que je suis fort, il décide d'aller plus loin et de se comparer à quelque chose que nous savons être solide, titane. Cela nous donne une image vraiment précise dans nos esprits, et cela nous permet de nous accrocher davantage au fait qu'il est fort. va de même pour le feu d'artifice de Katy Perry. Elle pourrait juste dire : « Tu es génial », mais cela ne nous donnerait pas vraiment visuels ou quoi que ce soit de plus intéressant que de simplement savoir que nous sommes géniaux. Au lieu de cela, elle va un peu plus loin et elle dit : « Bébé, tu es un feu d'artifice ». Nous savons que les feux d'artifice sont géniaux. Nous savons qu'ils sont beaux et super cool. En sachant que nous sommes un feu d'artifice, nous pouvons relier ces deux idées. Je suis génial, les feux d'artifice sont géniaux. Dans l'ensemble, la métaphore crée une expérience beaucoup plus orientée vers le sens et la viscérale. Lorsque nous examinons ce dernier exemple, signé, scellé, livré, vous remarquerez que Stevie Wonder ne dit pas réellement la phrase « Je suis une lettre ». Mais parce qu'il utilise un tas de mots que nous associons lettres ou à des colis, signés, scellés, livrés, nous savons automatiquement que c'est de ça qu' il parle, et il ne le fait pas en fait, je dois dire qu'il s'agit d'une lettre. Pour utiliser la métaphore, il suffit de comparer quelque chose de tangible à quelque chose d'abstrait. Choisissez un concept qui existe vraiment et essayez de trouver une image ou quelque chose dans la vie réelle auquel elle se connecte. Par exemple, l'amour est une étape grinçante, ou la vie creuse un trou vers la Chine dans la cour arrière. Essayez d'éviter les comparaisons que vous avez déjà entendues auparavant, l'amour est une rose, car ce sont des clichés. Ils arrivent au point où nous les avons entendus encore et encore et ils perdent tout leur sens. Au lieu de cela, essayez de trouver quelque chose d'original et d'étrange, car vous aurez beaucoup plus de facilité à penser à des choses cool à dire. Essayez de terminer ces phrases avec quelque chose d' inattendu et de concret. Des points supplémentaires pour être vraiment précis. Une fois que vous avez des idées intéressantes, essayez de comparer ces deux choses. Par exemple, comment l'amour ressemble-t-il à un pas grinçant ? Peut-être essayez-vous de l'éviter. Peut-être qu'il vous réveille au milieu de la nuit. Soyez créatif et essayez de sortir des sentiers battus. Une autre façon de choisir votre métaphore consiste à examiner l' exercice de description du sens que nous avons fait il y a quelques leçons. Dans ma liste de description, il y avait un tas d'images qui feraient des métaphores intéressantes. Le lac pourrait représenter un nouvel amour, car l'amour est rafraîchissant. Peut-être avez-vous peur d' entrer trop profondément, alors vous plongez simplement votre orteil, ou peut-être que l'amour est transparent et vous pouvez voir clairement. En ce moment, je veux que vous preniez toutes ces idées que vous commencez à réfléchir à la façon dont elles pourraient fonctionner dans votre chanson. Quelles métaphores allez-vous utiliser ? N'oubliez pas que de ne vous en tenir qu' à une seule métaphore à la fois, car le mélange de vos métaphores peut devenir déroutant. Une fois que vous avez une idée de la métaphore ou des métaphores que vous aimeriez utiliser dans votre chanson, vous pouvez passer directement à la leçon suivante, où nous parlerons d'intensité, accumulation et de formation attentes. 9. Les attentes: [MUSIQUE] L'un des meilleurs moyens faire investir votre auditeur dans votre chanson est de créer une accumulation géniale. En augmentant l'intensité ou l' excitation de votre chanson, vous pouvez jouer sur les attentes de votre auditeur et, en tant qu'auteur, c'est à vous de décider si ces attentes sont satisfaites ou non. L'intrigue, le décor et les personnages de votre histoire peuvent vous aider à déterminer la meilleure façon gérer les attentes des auditeurs. Si, par exemple, vous écrivez une chanson d'amour pure et douce dans laquelle tout le monde est heureux à la fin. Il est tout à fait logique de répondre aux attentes de chacun de vos auditeurs. Mais si vous écrivez une histoire sur un personnage vraiment erratique ou en colère, ou si votre histoire se déroule lors un carnaval et que vous regardez à travers des miroirs de maison amusants, cela n'aurait pas vraiment de sens. que ces attentes soient satisfaites de la même manière. Éloigner ces attentes peut vraiment aider votre auditeur à faire empathie avec vos personnages, surtout dans des situations où les choses se sentent un peu désagréables. Dans cette leçon, nous allons faire un petit plongeon profond dans la chanson, j'espère, Gaby Barrett, qui est une chanson fantastique si vous ne l' avez pas déjà entendue. Si vous êtes nouveau dans cette chanson, vous devriez prendre quelques minutes et lui donner un spoiler d'écoute gratuit avant que nous ne pénétrions réellement dans les mauvaises herbes. À quel point cette chanson était-elle incroyable ? Elle fait beaucoup de choses vraiment intelligentes ici. Mais l'une des choses que j'aime le plus, c'est à quel point elle joue avec vos attentes. Quand on entend le premier couplet, elle nous met en place pour avoir quelques attentes vraiment spécifiques. abord, en utilisant le mot espoir et des images comme sourire à l'autre bout d' un téléphone ou chanter à la radio, ou même au lecteur, une sensation de flou. Elle nous crée des associations positives. Nous attendons de notre narrateur qu'il soit heureux, ou à tout le moins heureux pour cet ex-partenaire. Et à cause de toutes ces images heureuses, nous supposons qu'il s'agira d' une chanson sur le passage à autre chose. Le deuxième piège dans lequel nous tombons est croire que c'est le début de l'histoire. La chanson utilise la phrase, j'espère mettre en place ses souhaits pour l'avenir. On ne s'attend pas à ce qu'elle rumine ni même mentionne grand-chose sur la relation qu'ils avaient autrefois. On prévoit l'entendre dire qu'elle est prête à trouver quelqu'un de nouveau, ou qu'elle va apprendre de ses erreurs passées et être une personne plus heureuse et plus sage. Il y a des tonnes de chansons ridiculement célèbres et populaires . Cela semble honnêtement que cela pourrait être une continuation de cette tendance. Ces images et ces souhaits se poursuivent dans le refrain, nous convainquant davantage de son intention de passer à autre chose. Mais nous obtenons ensuite la meilleure partie de la chanson. Le crochet dans lequel elle nous donne cette incroyable torsion d'intrigue. Alors j'espère qu'elle trompe comme vous l'avez fait sur moi. Après une minute solide de mensonges et tromperies de la part de notre narrateur peu fiable, nous avons réalisé que nous n'en sommes pas au début de cette histoire en plein milieu de l'action. Elle ne souhaite pas bonne chance à son ex, elle est malheureuse et elle est en colère et elle espère qu' il est misérable aussi. Quand une grande révélation ou un rebondissement d'intrigue se produit au milieu d'une chanson comme celle-ci, il peut être vraiment difficile trouver où aller ensuite, mais elle utilise une technique vraiment intelligente ici. Elle prend quelques images vraiment spécifiques du premier couplet et les retourne sur la tête dans le deuxième couplet. Prenons par exemple l' image du téléphone, qu'elle transforme d'un positif dans le premier verset en négatif dans le deuxième verset. En répétant la même image dans contextes émotionnels très différents, elle crée à la fois une comparaison et un contraste. L'image du téléphone dans le deuxième verset le même poids émotionnel que le premier parce que nous nous souvenons de ces associations positives. Mais en utilisant une émotion contrastée, elle s'appuie sur cette intensité plutôt que de la remplacer. C'est une excellente technique à utiliser dans votre propre écriture de chansons. Je vous encourage à essayer de jouer avec la même image dans deux contextes différents. Commencez par choisir une image dans votre premier verset et trouvez un moyen de la retourner lorsque vous arrivez au deuxième verset. Par exemple, si mon premier verset parle de deux personnes qui déjeunent dans un restaurant, je pourrais utiliser mon deuxième couplet pour parler de la fermeture de ce restaurant ou d'être assis au même stand de l'autre côté. depuis un siège vide. Lorsque vous planifiez ou écrivez les versets de votre chanson, essayez d'empiler l'intensité. Vous devriez avoir la partie la moins intense de votre chanson au début. Ensuite, au fur et à mesure de la chanson, vous devriez devenir de plus en plus intense. Tout après ce premier verset devrait continuer appuyer sur ce que votre auditeur sait déjà. C'est tout à fait acceptable si l' histoire est hors d'ordre, condition que vous utilisiez langage clair pour exprimer la chronologie. Comme nous l'avons appris et j' espère que vous pourrez contourner attentes de votre auditeur et accroître beaucoup d'intensité en attendant de révéler de nouvelles informations. Si vous êtes un traceur, allez-y et regardez à travers vos contours et essayez déterminer l'ordre de vos versets. Si vous êtes un pancer, prenez ce moment pour écrire réellement votre chanson, les vers et le refrain. Dans notre prochaine leçon, nous allons parler de chose la plus géniale jamais vue. tournures de phrase intelligentes. 10. Les virages intelligents de Phrase: [MUSIQUE] À ce stade, vous avez beaucoup réfléchi vos personnages, à votre intrigue et même à la forme et à la structure de votre chanson. Mais nous n'avons pas vraiment parlé de la façon de rendre vos paroles intelligentes. Dans cette vidéo, nous allons aborder certaines techniques et passer outils qui peuvent vous aider à rendre vos paroles plus intelligentes. Considérez cette chanson de la chanson Happy Face de Jagwar Twin. Je trouve cette lyrique vraiment intéressante car l'expression « get your kicks » a deux significations. La première consiste bien sûr à saisir littéralement vos chaussures et à sortir de la porte, alors vous préparer pour votre journée. Le second, c'est de trouver du plaisir dans quelque chose. Vous avez peut-être déjà entendu cette phrase dans la chanson Get Your Kicks on Route 66. En utilisant une phrase qui a deux significations distinctes, il donne à l'auditeur la possibilité d'interpréter la chanson par lui-même. Dans cet exemple, le protagoniste exprime à la fois qu'il sort littéralement par la porte, mais aussi qu'il doit prendre un moment pour mettre son faux visage heureux. J'ai l'impression qu' il se collectionne et met sa fausse bonne humeur avant qu'il ne sorte par la porte. De cette façon, personne ne s'en doute. Dans le pont de la chanson de John Legend, All Of Me, il utilise la métaphore de l'amour comme jeu de cartes afin de construire ces doubles significations. Il prend les images de cartes sur la table montrant ses cartes, le costume de cœur, et l'idée de risquer les choses afin d'exprimer que lui et son être cher sont ouverts et honnêtes avec l'un l'autre. Afin de créer une double signification efficace pour votre chanson, pensez à des phrases ou idées liées à votre idée principale, qui signifient deux choses différentes. Par exemple, si vous utilisez cette métaphore d'un jeu de cartes, vous pouvez écrire une liste d' images liées aux cartes et, une fois que vous avez des images à utiliser, pensez à des phrases populaires ou d'autres. comment ces mots pourraient être interprétés. Par exemple, les cœurs sont à la fois un costume dans un jeu de cartes, mais aussi un organe interne et aussi une chose que nous associons à l'amour. [MUSIQUE] Il y a plusieurs significations du mot ironie, et elles sont toutes très utiles dans l'écriture de chansons. Mais nous allons nous concentrer sur celle-ci, l'expression de son sens en utilisant un langage qui signifie normalement le contraire, généralement pour un effet humoristique ou énergique. En d'autres termes, créer un sarcasme en disant le contraire de ce que nous ressentons. Cela peut être un excellent outil pour créer des chansons comiques ainsi que des chansons politiquement chargées. L'un de mes exemples préférés est science politique de Randy Newman, qui était évidemment très critique à l'égard de la politique étrangère des États-Unis. Ce que vous remarquerez cependant, c'est qu'il fait passer son message en faisant passer le narrateur exagérer les vues de l'autre côté, créant ainsi un sous-texte. Au lieu de dire ce qu'il veut dire, c' est-à-dire, Hé, peut-être arrêtons de bombarder les gens, il va dans la direction opposée et exagère vraiment ce concept de, bombardons tout le monde. Cela crée un ton comique et sarcastique, mais passe tout de même à travers son message en soulignant le ridicule de la guerre. D'autre part, Itwas a Good Day by Ice Cube, utilise l'ironie pour exprimer une immense horreur et des difficultés dans la vie en réfléchissant au contraire. Il parle des choses qui ne se sont pas produites en ce jour particulier, donnant les sous-textes que les autres jours ne sont pas si bons. Les mauvaises situations effrayantes qu'il évite actuellement, les jackers de voitures, les armes à feu, police corrompue et la mort d'amis et de sa famille sont autant de situations qui se produisent dans sa vie quotidienne. [MUSIQUE] Jetez un coup d' œil à ces exemples de chansons et essayez de réfléchir à la raison pour laquelle ils se sentent intelligents. vous avez peut-être remarqué en regardant ces exemples c'est que beaucoup de ces idées et de ces mots se répètent, par exemple, seuls et solitaires. La phrase signifie beaucoup et le mot est vivant. La première fois que nous entendons chacun de ces mots ou phrases, c'est exprimé d'une manière, mais la deuxième fois, il est utilisé différemment, généralement à l'opposé de la façon dont nous l'avons interprété initialement. Ces artistes utilisent le contraste et la comparaison pour briser nos attentes. Pour pratiquer cela, utilisons des idiomes populaires. Sous le temps, marchant dans l'air et mort dans l'eau. Faisons maintenant de notre mieux pour les retourner à l' envers en pensant à leurs contraires ou à leurs inverses. Je suis venu avec les intempéries, pu être le temps au-dessus de moi, marcher l'air, peut-être que l'air marche sur moi, et mort dans l'eau, pourrait être vivant sur terre. Mes paroles peuvent ressembler à ceci. Le temps qui m'entoure me rend sous le temps. Avant, je marchais dans les airs, mais maintenant l'air marche partout sur moi, et nous étions morts dans l'eau, mais vivants dans le sable. En retournant ces phrases courantes sur leur tête, nous avons trouvé un moyen de les rendre frais et uniques, même si ce sont des phrases que nous avons entendues un million de fois. Gardez à l'esprit que vous n'avez pas nécessairement à vous en tenir aux idiomes. Vous pouvez utiliser des mots à la mode courants ou même simplement des mots que vous utilisez dans la vie quotidienne. Ce sentiment drôle de Bo Burnham crée beaucoup d'images puissantes intenses en contrastant images et les idées que nous entendons tous les jours. Par exemple, obéir à toutes les lois de la circulation dans Grand Theft Auto V. Ici, il prend ce jeu vidéo totalement basé sur l' enfreinte de toutes les lois et toutes les règles et de faire généralement des choses vraiment foirées. Mais en utilisant une phrase comme obéir à toutes les lois de la circulation, il brise complètement nos attentes et nous emmène quelque part totalement nouveau et frais. C'est aussi vraiment comique. Pendant ce temps, il utilise exactement cette même technique pour créer des idées suscitantes et troublantes comme cet air estival inapparent au début de l'automne. En déplaçant la phrase, l' air estival dans la mauvaise saison, c'est troublant et ça se sent mal à l'aise, c'est exactement ce qu'il veut que nous ressentions alors qu'il parle de quelque chose comme le changement climatique. Allez-y et recherchez des phrases et des mots qui correspondent à votre idée de chanson. N'oubliez pas que vous n' avez pas à utiliser toutes les choses dont nous avons parlé dans cette vidéo, mais si vous voulez ajouter de l'ironie intelligente ou un contraste intelligent, cela va vraiment aider à faire vos paroles sont pleines d' esprit et uniques. Dans notre prochaine leçon, nous allons parler du son de vos mots. 11. Comment vos mots sonnent: [MUSIQUE] Vous avez maintenant une excellente base pour écrire des paroles intelligentes et stimulantes. Mais qu'en est-il de la façon dont vos mots sonnent ? Le son de vos mots peut être tout aussi important que ce que vous dites réellement, mais il s'agit souvent d'un aspect négligé du processus d'écriture de chansons. Avez-vous déjà remarqué que certains mots sont vraiment moches, alors que certains mots sont vraiment jolis. Certains se sentent stupides et d'autres se sentent sérieux. Il s'agit des différentes lettres et syllabes que nous utilisons. Gardez cependant à l'esprit, au cette leçon, que les sons de mots sont totalement subjectifs et sont souvent basés sur des normes et des associations culturelles. Alors que nous discutons de choses comme l' euphonie et la cacophonie, n'oubliez pas que la beauté est dans l'œil du spectateur et que vous avez probablement une expérience culturelle très différente celle d'un autre. Jetez un coup d'œil à ces deux photos. L'une de ces images s'appelle bouba et l'autre s'appelle kiki. Lequel est lequel ? Si vous êtes plus de 90 pour cent des anglophones, espagnols et tamouls, vous avez probablement dit que la forme arrondie du curvier est bouba, alors que celle déchiquetée est le kiki. Pourquoi ces associations sont-elles si fortes ? L'une des théories possibles est la forme de votre bouche. Lorsque vous dites le mot bouba, buo-ba [RIRES], vous avez tendance à ouvrir bouche un peu plus et elle tendance à être un peu plus ronde. Alors que quand on parle kiki, ki-ki, il a tendance à être un peu plus fermé. vraiment génial cette expérience, c'est qu'elle suggère que les objets ne sont pas nommés arbitrairement, mais sont plutôt le résultat d' cartographie sonore dans notre cerveau. Encore plus cool, c'est que vous pouvez utiliser ce mappage sonore dans votre écriture lyrique pour que votre auditeur comprenne encore mieux votre sens. Par exemple, vous risquez de réagir différemment aux mots et aux phrases lorsque des consonnes sont exprimées, comme les versets b-g et d non voicés p-k et t. La combinaison de plusieurs consonnes vocales souvent tombe sur un maladroit ou un puéril, comme un bouchon de gobstopper éternel ou un bumfuzzle. Alors que la combinaison des consonnes de dévocation apparaît un peu plus durement, comme en constricte ou tacite. [MUSIQUE] L'euphonie fait référence à des mots agréables et généralement beaux à l'oreille. Dans ces exemples, vous remarquerez connexions soniques et des combinaisons de mots avec une prononciation facile. Vous remarquerez également que ces paroles assez sonores correspondent souvent très bien à leur signification. Avec votre silhouette, lorsque la lumière du soleil atténue dans vos yeux là où le clair de lune nage, mais vos lèvres lorsque nous parlons sont les vallées et sommets d'une chaîne de montagnes en feu dans un arbre près du ruisseau. Il y a un oiseau chanteur qui chante. Parfois, toutes nos pensées sont mal données. L'opposé de l' euphonie est la cacophonie, qui fait référence à des sons durs et discordants. C'est souvent le résultat d'une répétition et combinaison de consonnes au sein d'un groupe de mots. Les bruits des voyelles sont gutturaux et abrasifs, et les sons de la consonne s'affrontent souvent. Dans ces exemples, vous pourriez constater que les mots sont en réalité difficiles à dire. Quelqu'un est venu dire que je suis fou de me plaindre d'un mariage de fusil de chasse et d'une tache sur ma chemise. Il a supplié la production. Il a eu une botte de gomme de morse. Il a eu une planche latérale Ono. C'est un craqueur de la colonne vertébrale. Saviez-vous que les fosses sont toujours coincées dans la machine même si c'est un rêve d'un autre jour ? L'utilisation de la cacophonie dans ces chansons fait un excellent travail d' exprimer leur signification, c'est-à-dire que nous parlons de choses grossières ou inconfortables. Nous sommes en mesure de dire tout cela avant d'avoir réellement interprété le sens. Pendant que vous écrivez, pensez à savoir si vous voulez que les berceuses sonnent d' euphonie ou si vous voulez une cacophonie dure, intense et discordante. [MUSIQUE] Comme vous le savez probablement déjà, une rime se produit lorsque vous avez deux mots qui ont la même fin, mais un début différent, comme rose et choisi. rimes sont un excellent point de départ car elles peuvent vraiment aider votre auditeur à entrer dans le rythme de votre chanson, à commencer à avoir des attentes quant à la destination de votre chanson, et c'est un endroit idéal pour briser ces attentes. Il permet à votre auditeur de vraiment commencer à comprendre le rythme des chansons. Une bonne rime peut frapper votre auditeur directement dans l'intestin avec émotion. Il peut accentuer une punchline hilarante ou faire sourire votre auditeur lorsqu'il est capable de deviner ce qui se passe ensuite. Les schémas de rimes les plus courants que vous allez rencontrer sont AA, BB et AB, AB. Remarquez que le A rime, rime les uns avec les autres et le B rime , riment avec eux-mêmes. Mais si nous décidons de briser les attentes de nos auditeurs, nous pouvons également jouer avec schémas de rimes nouveaux ou différents. Par exemple, vous pouvez utiliser des mots composés ou contractions pour créer des rimes inclinées intéressantes comme M&Ms, célèbre orange et la charnière de porte. La chanson, A Guy Like You, du Bossu de Notre-Dame, utilise un schéma standard de rimes AB-AB, mais elle crée de la comédie en utilisant une rime oblique inattendue. Adonis avec croissant est. Cela crée un lyrique vraiment drôle. Ensuite, la chanson relie les extrémités de la blague en la suivant avec une rime plus directe. Chew et toi. Le chiffon du Vatican utilise le mot religion 'll, qui est une contraction de la religion et de la volonté afin de créer une rime inclinée comique et inattendue avec le mot original. Vous pouvez également créer des schémas de rimes inattendus comme celui-ci à partir de la chanson thème de la Big Bang Theory. Certains écrivains lyriques décident même de ne pas rimer intentionnellement, ce qui brise toutes les attentes de votre auditeur et peut les amener à se sentir désorienté ou surpris. Quand une chanson ne rime pas, on peut se sentir un peu démuni du pouls ou du rythme de la chanson. Cela peut nous amener à nous sentir un peu confus ou en l'air. Prenons par exemple What You Waiting For de Gwen Stefani, dans lequel le personnage se sent vraiment désorienté. On est aussi pris au dépourvu qu'elle. Jouer avec différents schémas de rimes est un excellent moyen d'amener votre auditeur à empathie avec votre personnage, à marcher un kilomètre à sa place. Mais ce n'est pas le seul moyen de s'en mêler soniquement. [MUSIQUE] Le mot sonic fait référence au son. Lorsque nous parlons de connexions sonores, nous parlons de la façon dont les sons chaque mot se connectent les uns aux autres. Dans cette section de Gnarls Barkley, Feng Shui, vous remarquerez que CeElo utilise beaucoup de rimes à la fin de ses phrases, brise et arbres, tisse et reçoit. Mais dans la dernière ligne, vous remarquerez qu'il utilise aussi ce qu'on appelle une rime interne. Les mots évoluent et se résolvent, un mot rimant, mais ils se produisent au milieu de cette phrase, créant un lien encore plus excitant pour notre cerveau. Mais CeElo ne s' arrête pas là. Il utilise aussi l'allitération pour faire passer son point de vue. Notez que la plupart des mots de cette section commencent par la même lettre ou le même son. Un autre excellent exemple de connexion sonore est le Cardigan de Taylor Swift, qui est l'un de mes favoris de l'ensemble de son catalogue. Parce que son utilisation de la connexion sonore est vraiment efficace et s'étend définitivement sur ce qui se passe dans les paroles. Prenons par exemple la phrase lorsque vous êtes jeune, ils supposent que vous ne savez rien. Presque toutes les syllabes sont répétées. Le y et vous, jeunes et eux, le U en vous et assument. Même le mot rien n' est prononcé comme rien ne semble semblable à supposer. Dans votre propre écriture, vous n'avez pas besoin d'aller aussi loin que ces artistes, mais vous pouvez toujours utiliser l'assonance, consonnes et l'allitération pour rendre votre paysage sonore plus excitant et attrayant. Comme je l'ai déjà mentionné, allitération fait référence à la répétition de la première lettre. Je trouve qu'il est plus facile de penser à des tornades de langue comme elle vend des coquillages au bord de la mer. L'assonance signifie utiliser des voyelles répétées tout au long de vos mots. Comme si tu bouges et groove. Le mot consonance fait référence à sons de consonne répétés qui ne sont pas au début de vos mots. Comme ce baiser dans la brume printanière. Les sons de vos mots peuvent être un outil puissant dans votre écriture lyrique. Allez-y et pratiquez l'assonance, consonnes et l'allitération. Dans notre prochaine leçon, nous allons plonger tête la première dans les dispositifs rhétoriques. 12. Dispositifs Rhétoriques: [MUSIQUE] Le terme dispositif rhétorique est défini comme une utilisation d'un langage destiné à avoir un effet sur son public. Cette définition est ridiculement vague et large, mais elle signifie essentiellement que nous prenons langage soit dans sa structure et ses sons soit dans sa signification et que nous trouvons des moyens de suscitez certaines émotions de nos auditeurs. Vous avez probablement entendu l' expression question rhétorique ou vu le mot rhétorique. Mais jusqu'à présent, nous avons utilisé un tas de ces dispositifs rhétoriques et littéraires ces dispositifs rhétoriques et littéraires dans ce cours, y compris la métaphore, l'ironie, allitération, l'assonance et la consonance. Dans cette leçon, nous allons explorer quelques-uns de mes dispositifs rhétoriques et littéraires préférés afin d'ajouter de nouveaux outils à votre ceinture d'outils. Mais pendant que vous y êtes, allez-y et explorez tous ces dispositifs rhétoriques par vous-même, car c'est un monde vraiment fascinant d' explorer de nouvelles choses intéressantes que vous peut être utilisé dans vos chansons. [MUSIQUE] Les premiers dispositifs rhétoriques dont nous allons parler dans cette leçon sont l'anaphore et l'épistrophe. Ces deux techniques permettent de mettre en valeur des idées importantes dans votre chanson en répétant la même phrase ou le même mot dans chaque ligne. Anaphora fait référence à la répétition de mots au début de chaque ligne, comme dans la chanson Wonderful World de Sam Cooke. épistrophe fait référence à la répétition de mots ou de phrases à la fin de chaque ligne. Comme dans, vous apprenez par Alanis Morissette. Ce sont d'excellentes techniques à utiliser si vous voulez découvrir une idée principale simple et concise et avoir beaucoup de répétitions tout au long de votre chanson. C'est aussi vraiment bien si tu veux te contredire, comme Sam Cooke le fait quand il chante, ne sait pas grand-chose, encore et encore. Puis termine la section par, mais je sais. [MUSIQUE] Le mot enjambment fait référence à la suite d'une phrase sans pause au-delà de la fin d'une ligne, couplet ou même d'une strophe. Je pense que c'est probablement mon dispositif rhétorique préféré à utiliser dans mes chansons car il crée un peu de tension tout en donnant la continuité de la chanson. Il agit presque comme un peu un cliffhanger qui maintient le public sur le bord de son siège jusqu'à ce qu'il arrive à la fin de cette phrase. Remarquez dans cet exemple de Blink 182 que l'expression concernant le renversement de jus de pomme est divisée entre deux lignes différentes au milieu d'une section. Alors que dans cet exemple, la ligne enjambée est chevauchée entre deux sections de chansons différentes. Vous remarquerez ici que nous avons une rime oblique au bout du pont entre les mots plébéian et avec moi et. Une rime au bout du pont entraînerait généralement que cette section se sente complète et résolue. Mais en terminant par le mot « Et », nous quittons le pont avec une question, et quoi ? Que ce soit consciemment ou inconsciemment, cela nous laisse beaucoup d' anticipation et beaucoup d' enthousiasme pour la prochaine section. [MUSIQUE] Le dernier dispositif rhétorique que nous allons aborder est le parallélisme. Le parallélisme, ou structure parallèle, signifie utiliser le même schéma de mots pour montrer que deux ou plusieurs idées ont le même niveau d'importance. Par exemple, cette illusion biblique dans The Memory Restes de Metallica. Notez que les mots et les significations changent, mais que la structure de la phrase, y compris le mot « À » et le nombre de syllabes, reste exactement la même. Cette structure parallèle peut également être utilisée tout au long d'une chanson afin de fournir une continuité à l'auditeur. Par exemple, dans What a Wonderful World de Louis Armstrong, il utilise les phrases, « Je vois, j'entends, et je regarde » divisées entre son versus. Cette technique est idéale pour rendre vos vers uniformes. Mais cela peut également être génial pour créer un sentiment de progrès ou de développement de personnage tout au long de votre chanson. Pat Pattison fait référence à la modification des mots dans un prérefrain ou un refrain, qui resterait généralement identique à la recoloration du refrain. La chanson Rain King de Counting Crows en est un bon exemple . Vous remarquerez que chaque refrain reste généralement le même, mais que deux mots de la troisième ligne changent à chaque fois. Cela donne à chaque refrain une signification légèrement différente et crée un sentiment d'élan vers l'avant tout au long du récit. Dans la chanson Kyoto de Phoebe Bridgers, cependant, elle change significativement le refrain la deuxième fois. Mais vous remarquerez qu'elle quitte le schéma de rime, nombre de syllabes, et quelques mots clés identiques. Cela procure le même sentiment de continuité que dans un refrain typique, tout en montrant beaucoup de développement dans ses sentiments. Maintenant que vous en savez un peu plus sur les dispositifs rhétoriques, commencez à réfléchir à ceux que vous pourriez vouloir inclure dans votre chanson. Votre refrain pourrait-il bénéficier une anaphore ou d'un épistrophe pour amener le point à la maison ? Pourriez-vous utiliser l' enjambment pour créer un cliffhanger au bout de votre pont ? Votre chanson pourrait-elle utiliser un peu de parallélisme dans le pré-refrain ? Si vous complotez votre chanson, allez-y et terminez votre contour. Si vous êtes un pantser, vous pouvez profiter de cette occasion pour terminer complètement la rédaction de votre première ébauche. Un pré-refrain est une bonne chose à ajouter si vous avez l' impression d'être opposé et que votre refrain ne coule pas tout à fait narrativement. Un pont est une chose incroyable à ajouter si vous souhaitez ajouter peu de contraste ou une nouvelle perspective à votre chanson. Allez-y et mettez un stylo sur papier ou pouces sur l'écran du téléphone et retrouvez-moi dans la prochaine leçon où nous allons finir vos paroles. 13. Terminer vos paroles: [MUSIQUE] Tout au long de ce cours jusqu'à présent, nous avons parlé de nombreux outils et astuces vraiment merveilleux pour vous aider à devenir le meilleur écrivain lyrique que vous puissiez être. Il est enfin temps pour vous de terminer vos paroles. Si vous êtes un pantalon, vos paroles sont déjà écrites. Il est maintenant temps de modifier votre chanson. Maintenant que vous avez une tonne de nouvelles connaissances en écriture lyrique, vous pouvez décider que certains de vos mots ou phrases pourraient être remplacés par de nouveaux afin de créer des connexions sonores intéressantes ou d'utiliser de l'ironie ou métaphore. Par exemple, ce brouillon n'est pas mauvais et inclut certaines des choses dont nous avons parlé, comme l' imagerie axée sur les sens, allitération entre le soleil et le doux, l'été, et même assonance entre les stries et le sucré. Mais avec un peu de remaniement, nous pouvons l'améliorer encore. Le message est resté exactement le même. Mais remarquez que dans ma deuxième ébauche, j'ai incorporé l'enjambage et le double sens en utilisant l'expression, « Le soleil part » et en le suivant avec « Sa lumière dans mes cheveux ». J'ai ajouté des détails en incluant le type de bière. J'ai décidé de personnifier le soleil, ce qui m'a donné de jolies connexions sonores entre elle et les cheveux. Je me suis beaucoup amusé à créer encore plus de connexions sonores. Il y a une assonance entre les cheveux, la pâle, la bière et l'air, entre nous, boire, amer et dedans, ainsi qu'entre nous et sucré. Il y a aussi une allitération entre le départ et la lumière. Enfin, j'ai opposé le mot sucré à son opposé, amer. Amusez-vous et appréciez le processus de modification de ce que vous avez déjà. N'ayez pas peur de garder ce courant d'eau brutal, car vous pourriez trouver que vous pouvez recycler certains de ces chéris tués. Ou il pourrait être amusant de regarder les deux versions consécutives lorsque vous avez terminé. Si vous êtes un traceur, utilisez votre plan pour vous guider tout au long du processus de rédaction. Si jamais vous vous sentez coincé, pensez à écrire comme faire du Sudoku ou du Wordle. Vous utilisez simplement ce que vous savez déjà pour remplir les blancs. Par exemple, si votre plan dit, je suis tombé amoureux du lac, revenez à ces descriptions orientées vers le sens et choisissez vos favoris. D'après mes descriptions de la journée de mes personnages sur le lac, j'ai aimé ces lignes au mieux. Maintenant, pour terminer ma section, je vais créer une rime. Si vous avez du mal à penser à des mots rimes par vous-même, pas de problème. Vous pouvez toujours utiliser un dictionnaire de rimes ou un site Web comme rhymezone.com. Il s'agit d'une chanson d'amour simple et directe. Je veux que la rime corresponde aux attentes de mon auditeur, ce qui signifie que j'ai la possibilité d' utiliser les orteils ou les épaules. Nous allons choisir des mots pertinents ou faciles à incorporer. Si les mots que vous avez choisis n'ont pas autant d' options de rimes que ceux-ci, hésitez pas à réorganiser vos phrases jusqu'à ce que vos lignes se terminent par des mots de rime plus faciles. Maintenant, tout ce que vous avez à faire, c'est simplement remplir les blancs. Essayez de créer une phrase autour de chaque phrase, ou choisissez simplement votre mot préféré. Si vous vous sentez coincé par complot ou le halettage, essayez de répondre à ces questions. Qui chante et à qui ? Où et quand sont-ils ? Quelle est l'histoire ? Quelle métaphore, quel double sens, ironie ou quel contraste allez-vous utiliser pour raconter l'histoire ? Comment voulez-vous que vos mots sonnent ? Enfin, quels mots ou expressions sont importants ? Comment allez-vous faire en sorte que votre auditeur se souvienne d'eux ? [MUSIQUE] Avec tout ce qui est dit, prenez ce moment pour finir vos paroles. Une fois que vous avez terminé, c'est fini. Vous pouvez continuer à ajouter de la musique ou faire tout ce que vous souhaitez faire avec ces mots. 14. Réflexions finales: Félicitations d' avoir terminé votre chanson et d'avoir réussi à améliorer votre écriture lyrique. J'espère que vous avez trouvé tout utile dans ce cours et que vous l'utiliserez pour continuer à perfectionner votre métier pendant que vous écrirez des chansons incroyables à l'avenir. N'oubliez pas qu'il n'y a pas de bonne façon d'écrire une chanson, sorte que vous pouvez utiliser autant ou moins d'informations que vous le souhaitez. Mais voici quelques points à considérer. Numéro 1, trouvez votre style. Êtes-vous un traceur ou un panzer, ou un mélange entre les deux ? Numéro 2, utilisez les cinq S de l'écriture de chansons. Simplicité, histoire, sens, spécificités et sous-texte. Numéro 3, jouez avec les attentes des auditeurs. Les auditeurs s'attendent à entendre certaines choses pendant qu'ils écoutent de la musique. Faites attention à ce que sont ces attentes en remarquant vos propres attentes. Utilisez des dispositifs rhétoriques, mélangez et associez ces différents dispositifs littéraires et rhétoriques afin d'ajouter un peu de piquant à votre chanson. Pendant que vous êtes ici, j'aimerais voir sur quoi vous avez travaillé. Allez-y et publiez vos paroles vidéo ou un enregistrement audio dans la section projet ci-dessous. Du fond du cœur, je vous remercie beaucoup d'avoir suivi mon cours. J'espère que vous avez trouvé cela utile dans votre parcours d'écriture de chansons. Si vous souhaitez plus d'informations sur l'écriture de chansons, l'écriture lyrique ou la musique en général, vous pouvez aller de l'avant et consulter ma chaîne YouTube ou mon site Web, où j'ai beaucoup d' écriture de chansons et ressources musicales, ou ajoutez à vos compétences en écriture lyrique et commencez avec l'aspect musical de l' écriture de chansons dans mon cours Skillshare , Introduction à l'écriture de chansons. Maintenant, allons écrire des chansons incroyables. [BRUIT]