Ableton Live 12 Complete : de A à Z

1. Partie 4 : Introduction: Salut, tout le monde. Bienvenue sur Ableton Live 12 cinquième partie. Effets multimédia audio. Dans ce cours, dans cette partie de la gigantesque série de cours, nous allons vraiment nous concentrer sur les effets multimédias. Maintenant, je vais vous présenter tous les effets audio et MIDI que nous avons dans Live 12. Mais je vais également parler longuement de la théorie des effets, façon d'utiliser les effets, des différents types d'effets, ordre dans lequel ils doivent être et de la manière d'utiliser d'autres techniques comme le chaînage latéral et le busing, etc. Je recommande donc vivement regarder ce cours du début à la fin pour avoir une idée de tous les effets. Mais après cela, conservez cette classe dans votre compte et utilisez-la comme une sorte d'encyclopédie. Retirez-le chaque fois que vous voulez savoir comment utiliser un effet. Vous pouvez toujours y revenir et revoir n'importe quel segment pendant que vous travaillez sur des pistes Vers la fin de ce cours, nous allons parler des racks d'effets, en particulier des racks effets audio Et c'est l'une des choses les plus puissantes de la vie. Si vous n'avez pas encore exploré les supports d'effets audio, vous allez vous émerveiller Alors, commençons. Plongeons-nous dans le vif du sujet. Allons-y. C'est bon. Il y a donc toutes les fréquences de notre son. Maintenant, voici ce que nous voyons. Donc, sur la gauche, nous avons des sons graves, tout cela en même temps. Nous pouvons monter jusqu'à ce triangle ici et cliquer sur. Maintenant, ne paniquez pas. Il semble que nous ayons 1 million de réglages supplémentaires ici, mais nous ne le réduisons pas, puis nous augmentons le tout d' autant que nous l' avons atténué OK, donc nous allons le lisser, le compresser, puis tout améliorer Maintenant, c'est mon préféré. C'est mon genre de prédilection pour la plupart des effets, d'accord, alors écoutons les trois maintenant 2. Flux de travail : travailler avec les instruments de Live: OK. Passons donc aux instruments Lives. L'objectif de ce cours est donc de vous familiariser avec tous ces appareils. D'accord ? C'est beaucoup Il y en a beaucoup ici. Mais en fait, nous avons également un autre objectif, et notre objectif principal est d' en apprendre davantage sur le design sonore , d'avoir une vue d' ensemble du fonctionnement du design sonore afin de pouvoir l' appliquer à tous les instruments. J'enseigne le design sonore depuis des années, dans le cadre de laquelle nous allons d' abord parler de ce qui entre dans la composition d'un synthétiseur, ce qui fait d'un synthétiseur ce qu'il est Ensuite, nous utiliserons ce concept pour apprendre tous ces différents synthétiseurs Cela vous facilitera dix fois et vous pourrez l'appliquer à n'importe quel synthétiseur, physique ou virtuel, quel que soit le synthétiseur que vous rencontrerez Donc, tout d'abord, ce que nous examinons ici, ce sont les instruments. Ceci est différent des plugins. Dans les plugins, il y a des instruments. Il y a ici tout un tas d' instruments que vous pouvez utiliser pour générer du son et faire de la synthèse. Cependant, tout cela se fait en dehors du live. Ce sont en quelque sorte leurs propres petits programmes. Nous allons donc simplement nous concentrer sur les instruments intégrés à la vie. Donc, pas de branchements. Mais à la fin, nous examinerons un maximum pour les êtres vivants. Nous y reviendrons. Accroche-toi à ça pendant une minute. Une autre chose à souligner avant de commencer, c'est que votre liste ne ressemble peut-être pas à la mienne. Si c'est le cas, si vous n'avez pas ce que j'ai ici, c'est peut-être parce que vous n'avez pas la version complète de Live. C'est l'un de ces endroits où la version complète est vraiment importante. J'ai donc la suite Live, et c'est ce sur quoi je travaille. Live Suite possède donc tous ces instruments. Si vous avez Live Standard ou les versions plus petites de Live intro ou Live Light, vous aurez moins de choses ici Je vais donc travailler sur la version sucrée. Si vous n'avez pas de sweet, si vous en avez une version inférieure, vous pouvez toujours suivre tout ce que nous faisons ici très bien. Il y aura juste des instruments j'ai et que tu n'auras pas. Mais ceux que vous avez fonctionneront de la même manière que je vais vous parler. Donc, tout ira bien pour vous. OK, nous allons donc nous plonger dans le design sonore dans une seconde. abord, je voudrais simplement faire un petit rappel sur le fonctionnement du MITI , afin que nous soyons sur la même longueur d'onde quant à la manière de créer du contenu pour ces éléments Et nous savons tous en quelque sorte ce que nous faisons. Alors allons-y d'abord. 3. Une remise à niveau rapide sur le MIDI: OK, donc en ce qui concerne notre rapide mise à jour MIDI, il y a deux choses que je voudrais juste vous rappeler Tout d'abord, fais-le avec moi. Allez dans Options et descendez dans Chase MIDI notes et assurez-vous que cette option est activée. S'il y a une petite case à cocher, c'est activé. C'est ce que tu veux. S'il n'y a pas de case à cocher, cliquez dessus, une case à cocher s'affichera Nous voulons l'activer parce que cela corrige un problème inné avec le MIDI, dans la mesure où parfois nous manquons la note du message C'est compliqué et bizarre. Ne t'inquiète pas pour ça. Il suffit de laisser ce paramètre activé, et cela vous simplifiera la vie. OK, deuxième chose. Nous pouvons créer des notes midi autant que nous voulons, mais nous ne les entendrons pas tant que nous n'aurons pas mis un instrument midi sur ces notes. Je vais donc juste prendre quelques notes ici. D'accord ? C'est cool. Et si je clique sur Play, nous n' entendrons rien. Ces points ici indiquent que Live joue des mini-notes, mais qu'il n'a aucun instrument pour les jouer. Si j'appuie sur l'onglet Shift, vous verrez que c'est là mon instrument devrait être, et il n'y est pas. Je dois donc placer un instrument ou l'un de ces préréglages pour l'instrument sur cette piste et maintenant nous allons entendre ces mouvements Voyez, instantanément, les petits points se transformer en son. Je ne peux donc pas vous dire à quelle fréquence je reçois un message de personnes disant que je prends des notes. Tout va bien, mais je n'entends pas mes notes. Pourquoi ? Et c'est parce que tu dois mettre un instrument sur cette piste. De plus, si nous voulons entendre ce morceau, nous voulons jouer sur un clavier et nous voulons l'entendre. Cela doit être armé pour être enregistré. Donc, si vous tapez des notes sur un clavier comme je le fais en ce moment. Mais vous n'entendez rien, assurez-vous d'avoir un instrument, et vous avez cet instrument armé pour enregistrer ou ce morceau armé pour enregistrer, en fait. Ce sont donc deux points importants à garder à l'esprit chaque fois que vous utilisez le MIDI. Bien, parlons maintenant un peu du fonctionnement des clips MIDI. 4. Clips MIDI: OK, si vous avez suivi mes autres cours, vous savez, à ce stade, vous vous y retrouvez avec ce stade, vous vous y retrouvez Session View et Arrangement View. Et vous vous y connaissez probablement avec les clips. Faisons donc une petite revue sur MiiClips. Nous sommes donc ici dans Session View. J'ai fait un mini-clip ici. Je vais passer en mode Arrangement en cliquant et en maintenant enfoncé. Je le tiens juste en appuyant sur la touche Tab, et maintenant je vais le déposer dans la même piste. OK ? Cette piste est grisée car elle est actuellement terminée dans Session View Live va donc jouer à Session View jusqu'à ce que je lui dise : Non, je veux que tu joues à Arrangement View en cliquant sur ce bouton. OK, alors maintenant nous y voilà. Vue de l'arrangement I. Si je double-clique dessus, j'ai accès à Loop et à toutes sortes de choses amusantes. Nous reviendrons et parlerons nos principales informations dans une minute. Mais je peux en modifier la longueur ici. Je peux l'ouvrir pour en avoir le contenu complet. Vous pouvez le voir tourner en boucle ici. Nous pouvons déplacer les notes dans la grille Mi à l'aide des touches fléchées ou en cliquant et en faisant glisser Vous pouvez prendre plus de notes en double-cliquant. Nous pouvons les faire sortir de cette façon en saisissant le bord. Et n'oubliez pas mon raccourci clavier préféré sur le Mi Grid, déplacement vers le haut ou vers le bas. Nous allons vous décaler d'une octave. Cela peut être très important. Et puis juste le comportement général des clips MIDI. Cela vaut également pour les clips audio. Nous pouvons copier avec la commande C, placer notre curseur quelque part et la commande V pour coller. Nous pouvons le coller dans différentes pistes MIDI. Attention aux pistes audio. Si nous le collons dans une piste audio, cela la convertira en piste MIDI à moins qu'il n'y ait déjà quelque chose sur cette piste midi ou cette piste audio , auquel cas, il dira simplement non. Mais ici, dans notre chronologie, nous pouvons faire bouger les choses et faire ce qu'il faut. OK, je pense que c'est à peu près tout ce qui concerne les mini-clips. Parlons de ces éléments essentiels car c'est une nouveauté de Live 12, et cela va être très important au fur et à mesure que nous allons créer des mini-pistes et des clips MIDI. 5. Paramètres de connaissance des clés: OK, parlons de l' essentiel, d'accord ? Donc tout d'abord, le contrôle principal se trouve ici, d'accord ? Ici, nous pouvons définir notre clé. Et par défaut, il sera toujours réglé en do majeur. C'est un truc bizarre, genre théorie musicale. Par défaut, tout est en do majeur. C'est vraiment étrange. Quoi qu'il en soit, disons que nous voulons que la tonalité de notre morceau soit en sol mineur. Bien sûr. D'accord ? Maintenant, si nous désactivons ce petit bouton violet, il n'y prêtera tout simplement plus attention. C'est donc tout nouveau, donc je commence encore à m'y habituer, mais je n'ai pas trouvé de bonne raison de simplement le désactiver car vous pouvez toujours sortir de la clé. Alors laisse-le allumé tout le temps. Mais maintenant, si nous passons à un clip, nous pouvons voir que ce clip nous a ramenés au do majeur, et nous sommes en do majeur ici. D'accord ? Je pense donc que nous devons refaire ce sol mineur et dire que nous sommes maintenant en sol mineur D'accord ? Comme je les ai créés avant de changer de tonalité, peut revenir en do majeur. Oui, ils le sont. Donc, si je les sélectionne tous, puis que je passe en sol mineur. Ils devraient désormais tous être en sol mineur. Oui, ils le sont. D'accord ? Je les ai donc tous sélectionnés, puis je suis passé en sol mineur. Toutes les nouvelles que j'en créerai seront en sol mineur car elles suivent le réglage basé sur les touches. Alors, qu'est-ce que cela signifie d'être au courant des clés ? Eh bien, si je fais un nouveau clip ici, première chose est qu'il montre la tonalité de sol mineur, avec ces trucs violets. N'importe laquelle de ces notes violettes sera dans la tonalité de sol mineur, d'accord ? Donc, si je m'en tiens à ces notes violettes, je serai plutôt prudent. Les choses vont sonner plutôt bien. Mais je peux aussi sortir de la tonalité en jouant certaines de ces notes qui ne sont pas violettes, ces notes grises. Ils vont être hors de propos, donc ils vont probablement être dissonants Comme je l'ai dit, de très nombreuses fois, quand il s'agit de clés, de balances et de tout ça. Et si vous ne connaissez pas mes autres œuvres en dehors d'Ableton, euh, j'ai créé beaucoup de contenu J'ai écrit un livre à ce sujet. C'est un peu mon truc, c'est de la théorie musicale pour les producteurs de musique électronique. C'est en fait le titre de mon livre. Et voici ce que vous n'êtes pas obligé d'acheter mon livre. Je vais vous résumer le tout maintenant. C'est que si vous restez dans la tonalité tout le temps, si nous ne faisons que des notes qui se trouvent dans la tonalité, vous allez créer tout un tas de musique qui sonne parfaitement bien. D'accord ? Si vous sentez mon sarcasme, vous avez raison C'est la musique qui sonnera bien. Je vais avoir l'air génial. Tu sais, c'est cool. Mais vous ne trouverez pas de moments géniaux et géniaux sans explorer les notes en dehors de la tonalité. Nous pourrions donc faire quelque chose comme ce bouton d'échelle ici, où nous cachons toutes les notes qui ne sont pas dans la tonalité, d'accord ? Tu peux le faire. Désormais, nous ne pouvons utiliser que les notes qui se trouvent dans la clé. Nous avons caché ceux qui ne rentrent pas dans la clé. Mais encore une fois, vous allez créer tout un tas de musique ennuyeuse mais bonne de cette façon. Je vous encourage donc à rester dans ce mode, non dans cette fonction d'échelle. C'est ce que l'on appelle le fold to scale, mais gardez-le comme ça pour que vous puissiez voir les notes que vous n'utilisez pas, et vous savez, vous pourriez entendre cette mélodie et vous dire  : Oh, et si j'y allais, n'est-ce pas ? Sortez un peu de la clé. Expérimentez, voyez si cela vous plaît. Maintenant, ce ne sera pas un cours de théorie musicale. J'en ai plein. Donc, si vous voulez en savoir plus sur ce qui fait que les notes sonnent bien et sur les notes avec lesquelles vous pouvez expérimenter en dehors de la touche et qui sont susceptibles de sonner bien, j'ai tout un tas de contenu à ce sujet. Vérifie ça. Mais pour l'instant, je vais m'en tenir à cela, en sachant simplement comment fonctionne ce paramètre sensible aux clés et comment l'utiliser. Si vous voulez simplement rester dans la touche, vous pouvez appuyer sur ce bouton de détartrage pliable et ne vous inquiétez de rien Mais laissez-vous expérimenter en dehors des sentiers battus. Vous y passerez de bons moments. OK, passons à autre chose. 6. Qu'est-ce que la conception sonore ?: Alors, qu'est-ce que le sound design ? Le design sonore est un terme étrange, et il prend un air un peu bizarre. Les gens ont utilisé ce terme pour désigner de nombreuses choses différentes au fil des ans. Cela peut simplement signifier synthèse. C'est donc principalement ce que cela signifie. Cela signifie être capable d'intégrer un synthétiseur parfaitement adapté pour que vous puissiez produire les sons que vous souhaitez qu'il produise Mais cela peut aussi impliquer de superposer des sons, créer une bande son non musicale pour quelque chose Il y a des éléments de design sonore dans toutes sortes de choses. Il existe une industrie appelée Industrial Sound Design. Ce serait comme le bip émis par votre four à micro-ondes lorsqu'il s'éteint. C'est du design sonore industriel. J'ai déjà été embauché pour émettre de petits bips et d'autres choses pour différentes applications, comme les applications de style Zoom lorsque vous rejoignez un appel, cela devient ding de ding Je n'ai pas produit ces sons, mais j'ai créé des sons similaires pour d'autres applications. Il y a beaucoup de design sonore dans les jeux vidéo. En fait, je définirais le design sonore sens large comme la création de sons uniques, que ce soit à des fins musicales ou non musicales. Nous allons donc nous concentrer ici principalement sur la synthèse, quelque sorte l' élément de synthèse du design sonore. Cependant, j'ai un projet de design sonore très court, et j'ai pensé que ce serait amusant de vous expliquer. Alors peut-être que nous allons le faire, et je pense que je peux vous donner cette séance. Comme c'est tout mon matériel, normalement, lorsque vous faites de la conception sonore, en particulier pour la conception sonore d'un film, vous ne pouvez pas vraiment partager ces sessions parce que vous n'êtes pas propriétaire du film. Mais dans ce cas, oui, même si c'est pour une sorte de film. Je vais vous l'expliquer dans une minute. Alors faisons-le maintenant. Parcourons cette session et je vais vous parler un peu que je pense du design sonore, puis nous aborderons les éléments du design sonore. 7. Une séance de film: OK, c'est un projet plutôt amusant parce que vous l'avez vu. Vous l'avez déjà vu si vous êtes dans ce cours. C'est en fait comme l' intro de ce cours. Alors, voici comment cela s'est produit. J'ai donc chargé cet artiste de créer ce truc pour moi, cette introduction que vous avez vue au tout début de ce cours Et ce qu'il m'a donné , c'est cette vidéo, et elle était géniale. Ça m'a plu. Mais c'était totalement silencieux, ce que j'ai également préféré parce que je voulais faire le design sonore moi-même. Donc, euh, j'ai fait la conception sonore ici en live. Donc, deux ou trois choses. Tout d'abord, pour ce faire, vous pouvez faire glisser un fichier vidéo dans live, et c'est ce que j'ai fait ici. Ça se voit comme ça. Ce sera l'audio du fichier, qui était vide quand je l'ai reçu. Ensuite, une nouvelle fenêtre s'ouvre laquelle vous pouvez vous déplacer et qui montre la vidéo Je vais juste laisser cette vidéo là. Ensuite, je vais juste y jouer une fois pour que tu puisses voir ce que j'ai fait. C'est ce que nous allons faire. OK. Maintenant, tout cela est en fait assez simple. Tout d'abord, j'ai émis ce genre de son « boom swoosh ». OK. C'est vraiment ça. C'est très sec. Mais je l'ai doublé avec ce son. Et c'est un son que j'ai reçu lors d'un autre projet où j'ai ajouté ce truc de bas en bas Maman. C'est une sorte de son très tendance, presque cinématographique à ce stade Puis, avec ce swoosh, j'ai réutilisé le même son, mais avec quelques effets, pour obtenir une sorte de partie arrière de l' C'est pareil que ça. Il y a juste un refrain dessus Rien d'extraordinaire, donc. C'est un bruit de navire. Il s'agit d'un fichier audio que j'ai pris il y a longtemps lorsque j'étais sur un navire et que je me promenais juste autour du navire. Ce ne sont donc que des sons aléatoires, et il y a beaucoup de réverbération. Hein ? Et puis il y a aussi ce gros boom pour le premier, mais ce n'est pas le cas pour les autres. C'est là, mais c'est rapide et silencieux. Donc tu n'entends pas ça et puis ça ne revient pas. Cela rend le second un peu différent. Ce sont différents pads, comme la synthèse, que j' ai placés sur ces pistes. Et puis voici notre seul véritable mitti et c'est juste cette longue note de basse qui se produit ici Donc, juste un gros son de basse qui s'ajoute à tout le reste. Ce genre de grande ouverture n'est qu' un son, mais à l'envers. Donc ça sonne encore une fois, mais à l'envers, ça ressemble à ça Si je désactive tous les effets. Ça ressemble à ça. Mais avec un compresseur, un retard important et tout un tas de réverbération, cela ressemble à ceci Donc, c'est assez simple, en fait. Principalement de l'audio, juste une vidéo ou juste un mini-clip ici. Mais vous savez, c'est ainsi que fonctionne une session de design sonore pour un film. Donc, pour produire tous ces sons, vous devez vraiment vous y prendre en matière de synthèse. Même celui du fichier audio, comme ces pads, ne sont que miti, puis je les ai rendus en audio Et même ces explosions et autres phénomènes, pour vraiment comprendre ce que nous faisons ici, il faut commencer il Alors, allons-y. Je vais vous donner cette séance. Vous pouvez jouer avec ça, je suppose. Il sera accompagné de cette vidéo. Alors oui, amusez-vous bien. 8. Les 3 éléments d'une bonne conception sonore: Lorsque vous concevez des sons , vous devez garder trois points à l'esprit. Il y a essentiellement trois éléments que vous pouvez ajuster sur un son que vous pouvez créer pour rendre unique et convaincant. Ces trois choses sont le tambrage, la forme et le mouvement. D'accord ? Souvenez-vous donc de ces formes et de ces mouvements d'altération Définissons-les. La plus délicate de ces trois choses est l'apprivoisement Tambor est donc un mot étrange. Nous utilisons le tamber en musique tout le temps. Le bois se traduit littéralement par couleur. Cela signifie la couleur du son , terme encore plus inutile. Voici ce que cela signifie réellement. Imaginez dans votre tête une flûte jouant une note D'accord ? Maintenant, imaginez un piano jouant la même note. Exactement la même note. Maintenant, qu'est-ce qui fait que le son de la flûte est différent de celui du piano ? Ils jouent la même note. Ce qui les différencie le plus, c'est le timbre. C'est la qualité du son. Ma voix est différente de la tienne. Pourquoi ? À cause du timbre de ma voix. Il y a beaucoup de choses qui entrent dans le timbre d'une chose. En ce qui concerne ma voix, les éléments qui entrent en jeu sont la forme de ma gorge, les cordes vocales, la forme de ma bouche, le rhume que je suis encore en train de surmonter me bourre le nez Toutes ces choses contribuent à la tonalité de ma voix Et pour tamber, les éléments techniques qui modifient le son en matière de tambrage sont appelés harmoniques ou harmoniques D'accord ? Nous allons en parler plus en détail dans la prochaine vidéo, alors accrochez-vous à cela pendant une seconde. Mais le tambre est la couleur du son, ce qui rend un son unique. D'accord, les deux autres ont une forme et un mouvement relativement simples La forme a-t-elle un rapport avec la rapidité du son ? Par exemple, pensons à ce son. D'accord ? Cela a une attaque très forte. C'est juste allumé. Il ne s'estompe pas. C'est juste allumé. Et il se dégrade assez rapidement. Il s'arrête lorsque le son s'arrête. Il ne tient pas pendant un certain temps. Réfléchissons maintenant au fait que je ne sais pas. Réfléchissons à ce son. D'accord ? C'est allumé quand je joue la note. Arrête, c'est éteint, non ? C'est un peu comme le clap dans la mesure où il a une forme similaire Mais une forme peut entrer lentement. Il peut se déplacer pendant qu'il se maintient, puis il peut disparaître. La forme d'un son peut faire de nombreuses choses différentes . La troisième chose, c'est le mouvement. Cela a juste à voir avec le fait qu' un son se produit, à quoi sert-il ? Est-ce juste toujours ou y a-t-il du mouvement dedans ? Écoutons à nouveau ce son. Maintenant, il y a du mouvement ici. Vous pouvez l'entendre, il se passe quelque chose. Ce n'est pas beaucoup. autres sons que nous rencontrerons Les autres sons que nous rencontrerons seront soumis à beaucoup de mouvement, et ils se déplaceront et feront toutes sortes de choses différentes. Ce sont donc vraiment les trois principaux éléments lesquels nous travaillerons toujours : le timbre, la forme et le mouvement. D'accord ? Passons maintenant à autre chose et parlons un peu des harmoniques et des harmoniques 9. Tons et harmoniques: OK, parlons des harmoniques. Préparez-vous à être époustouflé. Chaque son est donc composé d'une tonne d'autres sons, comme une infinité d'autres sons. C'est un peu fou. Si vous pensez à la couleur, par exemple, le violet est composé de rouge et de jaune, n'est-ce pas ? Non, bleu et rouge, non ? Bon sang, je ne m'y connais pas en couleurs. Le bleu et le rouge font le violet. On pourrait donc dire que le violet est la couleur, et puis il y a le bleu et le rouge qui, ensemble, forment le violet. Les harmoniques sont un peu comme le bleu et le rouge ici et le violet Pour chaque son, il y a ces fréquences situées au-dessus et peut-être même en dessous qui contribuent au timbre du son. Je sais que c'est dingue. Je vais te montrer. Mais ils sont prévisibles. Regardons donc ce graphique. Si tu ne sais pas lire la musique, c'est bon. Voici ce que vous avez juste besoin de comprendre. Si je joue cette note, c'est une note très basse. C'est comme. Dans cette note, il y a un C. À l'intérieur de cette note, il y a un do, un do supérieur d'une octave, puis un sol, puis un autre do, puis un mi, puis un sol, puis un si bémol , puis un C, puis un D, puis un E, puis un fa dièse, puis un A, puis un bémol, désaccordé, B naturel C et puis c'est en quelque sorte parti B naturel C et puis c'est chromatique à partir de là Il y a beaucoup de notes dans chaque note. Et chacune de ces notes peut avoir un certain volume. Et l'intensité de chacune de ces harmoniques détermine le timbre, d'accord ? C'est bizarre. Voici une autre façon de voir les choses. Voici ma voix. C'est juste moi qui parle. Cela provient également de l' introduction de cette vidéo C'est extrêmement précieux. OK. Le bleu représente la forme d'onde C'est juste la forme d'onde que vous avez l'habitude de voir. Mais l'orange est l' ensemble des fréquences qui composent le timbre de ma voix. Vous pouvez le voir se déplacer un peu, mais les plus grands et les plus brillants sont les plus dominants. Et à mesure qu'ils s'élèvent, ils deviennent de plus en plus sombres. Ils disparaissent parce que nous indiquons ici le volume en termes de luminosité ou d' orange Vous pouvez donc voir le type de tonalité principale dans lequel je parle, puis tous ces autres bits oranges sont des fréquences présentes dans ma voix, d'accord ? Donc, lorsque nous concevons du son, nous devons vraiment sculpter ces harmoniques, toutes ces notes situées au-dessus la note que nous essayons réellement de jouer Il y a donc le son, et puis il y a toutes ces notes au-dessus qui contribuent à ce son. Alors que nous faisons de la conception sonore, nous sculptons le son original, mais aussi toutes les harmoniques qui le précèdent, d'accord Si vous gardez cela à l'esprit, cela vous aidera à apprendre à faire de la synthèse et à la conception sonore. Maintenant, une dernière chose que je vais dire à propos des harmoniques, c'est que si vous aimez le mysticisme et les choses étranges, il existe toutes sortes de traditions et de mythologies Je vous recommande ce livre Harmonies of Heaven and Earth J'ai trouvé ce livre vraiment fascinant Ce n'est pas un livre scientifique. Ce sont des choses très, très spéculatives. Mais il y a toutes sortes de choses là-dedans, comme des exemples presque pythagoriciens d' harmoniques utilisées de différentes manières, comme ça C'est un symbole que nous voyons beaucoup. Tu sais, des structures diphoniques utilisées pour construire les pyramides et des trucs bizarres. Cela peut donc devenir vraiment presque spirituel si vous aimez cela. J'ai donc trouvé que c'était un livre vraiment amusant qui parle vraiment du mysticisme de la musique, et en particulier, on parle beaucoup d'harmoniques, de ces nuances de ces C'est un tout. Donc, vous n'avez pas besoin de le lire pour ce cours, mais si cela vous intéresse, c'est un livre recommandé. 10. Types de synthèse: OK, alors revenons sur Terre pendant une minute et revenons à l'aspect pratique. Comment s'y prendre ? Commençons donc par parler des différents types de synthèse. Ensuite, nous allons aborder les différents éléments de tous les synthétiseurs Mais il existe tout un tas de types de synthèse différents, peut-être dix, si vous vous lancez dans les plus étranges Mais il n'y en a qu'environ cinq que nous rencontrons régulièrement en direct. Permettez-moi donc d'expliquer les différentes manières dont la synthèse peut fonctionner. Ainsi, lorsque nous parlons de différents types de synthèse, nous parlons de différentes manières de combiner des sons pour créer de nouveaux sons. Donc, tout d'abord, nous pourrions avoir ce que l'on appelle la synthèse additive. La synthèse additive est donc assez simple. Nous prenons un son, nous en prenons un autre, peut-être un troisième, nous les additionnons, et cela produit un son qui nous plaît. Dans certains des autres cours de cette série, je faisais des choses comme superposer différents sons, différentes synthèses C'est essentiellement de la synthèse additive. C'est relativement simple. Maintenant, la synthèse additive n'est pas quelque chose que nous utilisons à part entière. Ce n'est pas un type de synthèse très populaire, peut-être parce qu'il est simple, peut-être parce qu'il ne donne généralement pas de résultats vraiment convaincants. Mais la synthèse soustractive est probablement le type de synthèse le plus courant que nous utilisons au quotidien, c'est La synthèse soustractive signifie que vous allez commencer par une forme d'onde très complexe, ce qui, lorsque je parle de forme d'onde complexe, signifie simplement que nous avons quelque chose avec beaucoup d' C'est très lumineux et animé. Cela signifie que cela a beaucoup de connotations délirantes. Nous allons donc commencer par quelque chose comme ça. Ensuite, nous allons utiliser ce on appelle des filtres pour éliminer et éliminer les sons que nous ne voulons pas, puis il nous reste les sons que nous voulons. C'est ce qu'on appelle la synthèse soustractive. Il existe un autre type de synthèse appelé synthèse FM. C'est comme si cela une sorte de son distinctif, mais la FM est une façon différente de faire les choses, et j'aime décrire la FM, qui est une simplification excessive, mais une façon simplifiée de voir les choses est qu'au lieu de prendre deux sons et de les additionner qui est une simplification excessive, mais une façon simplifiée de voir les choses est qu'au lieu de prendre deux sons et de , comme nous le faisons avec la synthèse additive, c'est plutôt comme prendre deux sons en les multipliant ensemble et en obtenant un nouveau son. Nous nous retrouvons donc avec un seul son, mais il est basé sur plusieurs sons. Multiplier ou moduler est un terme plus précis pour créer La modélisation physique est un autre type de synthèse, et c'est un animal complètement différent. Et pour ce qui est de la modélisation physique, ce que nous avons, c'est un gros , long et fou algorithme mathématique. Cela essaie de reproduire le monde physique, et nous pouvons nous y intéresser et modifier différents paramètres Vous avez peut-être un algorithme qui dit : voici un modèle physique d'un violon, et il existe des moyens de contrôler la pression que vous exercez sur la corde, la pression sur l'archet, le nombre de poils sur l'archet, l'humidité ambiante, tout ce qui peut affecter le son du violon. Les modèles physiques peuvent être très complexes, mais lorsque nous les utilisons dans quelque chose comme Live, nous disposons d'outils assez simples qui s'occupent de toutes ces mathématiques à notre place. Ce n'est pas comme si nous avions un énorme algorithme et que nous devions saisir des chiffres. Ce n'est pas du tout ça. Nous avons une interface élégante qui nous permet d'ajuster les choses Le dernier point dont je parlerai en guise d'introduction est la synthèse de tables d' ondes. C'est probablement le sondage le plus complexe. Et ce que nous avons ici c'est tout un tas de sons différents. Et puis, lorsque nous en jouons un, le logiciel passe en revue tous ces sons différents pour créer un nouveau son en effaçant tout un tas d'autres Si vous imaginez ces gros sons de basse torrides que vous pouvez obtenir dans le dubstep et d'autres choses de ce genre, ce sont des trucs comme ça C'est une table très vague. Si vous avez utilisé un synthétiseur très populaire appelé sérum, c'est Wave Table Live possède un synthétiseur de table d'ondes intégré. C'est ce qu'on appelle wave table, et nous verrons comment l'utiliser sous peu. Voici donc un bref aperçu des différents types de synthèse auxquels nous avons accès. Maintenant, allons-y et parlons des différents éléments de tous les synthétiseurs 11. La section Oscillator: Voici donc ce que j' ai ici. J'ai une nouvelle piste, une nouvelle mini-piste. Et sur ce morceau, j'ai mis un instrument analogique. Maintenant, je mets juste l' instrument analogique ici, ce qui signifie que nous avons le correctif par défaut. Je n'ai chargé aucun préréglage. Il s'agit simplement du patch analogique par défaut. Ça ressemble à ça. OK. Et nous allons juste travailler là-dessus pendant une minute. J'aime donc parler de ces différents éléments du synthétiseur avec l'analogique parce que cela les présente très facilement Je vais donc m' en servir comme exemple. Mais souvenez-vous, le fait est qu'une fois que je les aurai soulignés , nous devrions pouvoir les trouver sur n'importe quel type de synthétiseur, d'accord ? Nous n' allons donc pas simplement apprendre l'analogique. Nous allons apprendre à apprendre la synthèse, si cela a du sens. OK. C'est bon. Donc, d'abord, la section de l'oscillateur. Chaque synthétiseur possède une section oscillateur. Ils ne l'appellent peut-être pas section oscillateur, mais ils ont une section oscillateur Maintenant, en analogique, c'est ça. Et en fait , nous en avons deux. Vous pouvez voir Osk un et Osk deux. OK ? Il y a ces deux choses, d'accord ? Alors, qu'est-ce qu'une section d' oscillateur ? oscillateurs sont la seule partie d' un synthétiseur qui produit réellement du son. Tout le reste consiste à sculpter ce son. Les oscillateurs sont donc des unités qui oscillent réellement et émettent du son Nous pouvons donc dire : créez une forme d'onde sinusoïdale, qui oscillera et produira une onde sinusoïdale comme celle-ci parce que c'est ce que font les ondes sinusoïdales Ou vous pouvez dire : faites une onde triangulaire et ça ira. C'est en quelque sorte ce que font les ondes triangulaires. Nous pouvons lui dire quel type de vague créer, puis il va simplement commencer à émettre et à générer cette vague. heure actuelle, nous avons l' Oscillator One qui est configuré pour créer cette forme d'onde appelée onde en dents de scie Et l'oscillateur 2 est configuré pour produire une onde en dents de scie. OK ? Ils font tous les deux une vague en dents de scie Maintenant, également dans la section sur les oscillateurs, en plus du type d'onde, et je parlerai plus en détail des types d' ondes dans une seconde Nous avons des réglages. OK ? Nous pouvons donc régler le réglage pour faire différentes choses. Octave, semi et detune. Maintenant, ils ne se ressembleront pas dans tous les synthétiseurs, mais vous aurez généralement une sorte de paramètres de réglage Donc octave signifie de grands sauts l'un par rapport à l' autre, d'accord ? Notez donc qu'il y a une octave plus haut. Laissez-moi éteindre l'oscillateur 2. OK, c'est juste Octive Up. Vous pouvez donc considérer une octave comme le registre dans lequel nous nous trouvons, grave ou aigu, et deux entre les deux Semi est un demi-ton. C'est toutes les notes d'un piano, si vous les regardez, les notes blanches et les notes noires. Il y en a 12 pour une octave, d'accord ? Donc, si vous montez de 12, allons-y. 12. Puis je redescends à zéro, mais je monte de 12 ici. Et quelque chose. OK ? Donc 12 demi-tons par octave. Détune, c'est logique. C'est une très, très, très petite quantité d'espace. Il y en a 100 pour un, d'accord ? Donc avec ça, tu ne vas même pas l'entendre au début. OK. Les chiffres présentés ici sont donc un peu confus. Je pense donc que ce que nous voyons c'est qu'un demi-ton serait un demi-ton Nous augmentons donc en pourcentages d'un demi-ton. On peut aller jusqu'à trois. OK, c'est donc notre réglage. Parlons maintenant un peu plus des formes d'oscillateurs. 12. Formes d'onde: D'accord, étant donné que l'oscillateur est le seul élément qui produit du son, il est important de comprendre les différentes formes disponibles Or, tous les instruments n' ont pas les mêmes formes. existe quatre vraiment standards que presque tous les instruments auront. Et puis certains instruments ont des instruments différents et loufoques. Mais regardons d'abord ces quatre points. Je vais donc passer à un programme appelé Audacity. Vous avez peut-être entendu parler d'Audacity. Il s'agit d'un programme gratuit que vous pouvez trouver en ligne si vous le recherchez simplement. J'aime Audacity parce qu'elle nous montre que nous pouvons zoomer et voir des formes d'onde individuelles Donc, ce que j'ai fait dans Audacity, c' est que je lui ai demandé générer une onde sinusoïdale pour moi, 30 secondes d'onde sinusoïdale Ça ressemble à ça. OK ? C'est une onde sinusoïdale. Une onde sinusoïdale est le son le plus pur que nous puissions produire. Cela a très peu de connotations, d'accord ? Il contient l'argument fondamental que nous lui demandons de présenter. Et puis au-dessus, les harmoniques sont presque nulles Et c'est ce qui le rend si pur. OK. Si nous zoomons et le regardons, zoomons. Nous parlons maintenant de fractions de millisecondes. OK ? Nous voyons une onde sinusoïdale. Une onde sinusoïdale est une chose parfaitement fluide, d'accord ? C'est le son le plus simple que nous puissions créer. Cependant, c'est super utile. Nous utiliserons des ondes sinusoïdales tout le temps. C'est bon. Passons à Let's Select All et supprimons-le. Et je vais lui dire de générer une onde carrée. Il s'agit d'une autre des formes d'onde les plus courantes. OK ? Maintenant, une onde carrée a beaucoup de connotations Ça va donc avoir l' air plus animé. Plus quelque chose sonne bourdonnant, plus il a de connotations Voici à quoi ressemble une onde carrée. OK ? Cela ne semble pas très utile, mais ça l'est, croyez-moi. Non Pas question. Si nous zoomons d'une manière ou d'une autre et que nous regardons une onde carrée, nous pouvons voir qu' elle ressemble à un carré. Il monte, plat, descend, plat, haut, plat, bas, plat. Ce n'est qu'un carré. Ça fait des carrés un peu partout. Maintenant, la règle générale est que plus le son a des angles droits ou des arêtes vives, plus il créera d'harmoniques C'est juste un truc un peu bizarre. Je ne connais pas les mathématiques ou la physique qui expliquent pourquoi cela se produit, mais cela arrive. Donc, dans ce cas, il y a ces côtés plats partout, ce qui le rend très animé, ce qui signifie que cela va avoir beaucoup de connotations Donc, juste en contrastant les deux, l'un d'eux est vraiment doux et simple sans harmoniques ou très proche de celui-ci L'autre est animé et plein de connotations. Rien qu'avec ces deux éléments, nous pouvons produire beaucoup de sons en les combinant, puis en utilisant d' autres outils de synthèse pour les façonner. Mais découvrons-en quelques autres. Allons tout sélectionner, supprimer et passer à générer un son et Sautooth OK. Une dent de scie. Je pense que nous venons de voir une dent de scie. Sawtooth ressemble à ça. Zoom. On dirait les dents d'une scie, non ? Donc, il monte, puis presque tout droit vers le bas, puis il remonte tout droit vers le bas. Maintenant, vous pouvez voir qu'il y a des angles vifs dedans, ce qui signifie qu'il va y avoir un peu de bruit. Mais c'est différent, Buzzy, non ? Vous entendez la différence entre cela et l'onde carrée. C'est le timbre. C'est ce bourdonnement. Ce sont les connotations. Ils ont un son différent. Ils ont tous joué sur le même terrain, d'accord ? Ondes sinusoïdales, ondes carrées, ondes en dents de scie. Ce qui les rend différents, ce sont les harmoniques générées au-dessus d'eux, et les harmoniques sont générées raison de la forme de la forme d'onde OK ? Maintenant, il y en a une autre qui, pour une raison ou une autre, ne s' intègre tout simplement pas facilement à Audacity, et c'est la vague triangulaire onde triangulaire ressemble beaucoup à une onde en dents de scie, sauf qu'au lieu d'un côté plat, elle a à l'intérieur qui descend de la même manière Donc, si nous allons ici, voici, celui-ci n'a pas non plus d'onde triangulaire. Intéressant Les différentes formes sont analogiques, j'ai une onde sinusoïdale. J'ai une dent de scie. J'ai un carré. Et j'ai celui-ci, qui fait du bruit. Nous parlerons plus en détail du bruit plus tard. Celui-ci n'a donc pas triangle et Audacity n'en a pas, mais l'onde triangulaire est l'une des formes d'onde que je considère comme les plus courantes Mais ils ne sont pas tous présents dans tout le monde. Chaque synthétiseur est unique de cette façon, mais il vous permettra toujours de composer quelque chose L'onde triangulaire produit un son similaire à celui d'une onde en dents de scie. OK, donc quel que soit le synthétiseur sur lequel vous travaillez, vous pourrez trouver une section d'oscillateur, et vous pourrez sélectionner une sorte de forme d'onde Vous allez probablement voir une onde sinusoïdale, une onde dents de scie, une onde carrée, peut-être une onde triangulaire, puis peut-être une poignée d' autres éléments uniques Donc, chaque fois que vous rencontrez un nouveau synthétiseur, il vous suffit de vous y rendre et votre première question sera : où se trouve la section de l'oscillateur ? 13. La section Filtres: OK, cette deuxième grande section de n'importe quel synthétiseur sera constituée par les filtres D'accord ? Trouvez donc la section du filtre. Dans notre instrument analogique, c'est juste là, d'accord ? Cela indique donc le filtre 1. Il y a aussi un filtre en bas qui est actuellement désactivé. Alors filtrez-en un, d'accord ? Nous aurons toujours deux commandes. Eh bien, pas toujours. Tous les synthétiseurs n' ont pas deux commandes, mais la plupart du temps, nous devrions avoir deux commandes sur notre filtre, et une sorte de menu déroulant avec quelques options D'accord ? Parlons donc d'abord de ces options. Alors, à quoi sert un filtre ? Un filtre est le principal outil dont nous disposons pour éliminer le son. Il va filtrer certains sons. D'accord ? Nous devons donc lui dire quel type de comportement nous voulons qu'il ait afin qu'il puisse filtrer les sons que nous ne voulons pas. Et ici, nous pouvons voir dans cette liste plusieurs types de filtres qui peuvent être utilisés. Passe-bas, passe-bande, encoche, passe-haut, informateur, d'accord ? Commençons donc par le low pass. Maintenant, afin de vous montrer à quoi sert ce filtre, je vais afficher quelque chose de différent. Je vais créer un effet audio lequel je peux dans lequel je peux afficher un filtre d'une manière beaucoup plus facile à comprendre. Voici donc l'EQ 8. OK, je vais faire en sorte que ce soit beau et grand pour nous. Nous parlerons de ces filtres plus tard. Je vais les désactiver. Nous examinons donc simplement l'un d'entre eux. D'accord ? Et configurons un filtre passe-bas. D'accord. Voici donc ce que fait un filtre passe-bas. Pour lire cette grille, voici ce que vous devez savoir. Les sons graves se trouvent de ce côté et les sons aigus de ce côté, donc les basses fréquences et les hautes fréquences. D'accord ? Des choses basses, des choses hautes. Et puis au milieu, nous avons un zéro, puis nous avons six, 12, puis moins six et moins 12. Donc, cette ligne bleue, quand elle est à zéro, signifie que nous ne faisons rien au volume. Mais quand je monte, nous augmentons le volume, et lorsque je passe en dessous de ce zéro, nous le réduisons. D'accord ? Donc, si je le fais, cela signifie que nous n' allons rien faire pour augmenter le volume de ces faibles émissions. Mais une fois que nous serons arrivés ici, nous commencerons à diminuer le volume des matières les plus importantes. Voici un K. Donc, d' un peu avant un K, à un peu plus tard après un K. D'accord ? Nous allons donc réduire le volume de ces fréquences à mesure qu'elles deviennent plus fortes, puis tout ce qui dépasse ce point sera simplement coupé Nous n'allons pas écouter. D'accord ? C'est ce qu'on appelle un filtre passe-bas car il laisse passer les basses fréquences, et non les hautes fréquences. Si nous voulons un filtre passe-haut, c'est celui-ci que nous voulons. Il va laisser passer les hautes fréquences et éliminer les basses fréquences. D'accord. Pour en revenir à notre filtre analogique, nous avons ici quelques choix différents. Donc, passe-bas 12 et passe-bas 24. D'accord ? Revenons donc à une passe basse. Le Low Pass 12 va ressembler à ceci. Oups, ce n'est pas une passe basse. Allons-y. Le Low Pass 12 va ressembler à ceci. Le chiffre a à voir avec la raideur de cette ligne, d'accord ? Donc, si c'est 12, 24, oups, 24 ressemblera à ça Ça va être plus raide, d'accord ? Techniquement, le nombre est de décibels par octave, mais vous pouvez simplement le considérer comme la raideur de cette ligne D'accord ? Il s'agit donc d'une passe basse et d'une passe haute. Le pass de bande serait quelque chose comme ça où nous n' avons qu'une seule zone à laisser passer. Et l'encoche serait quelque chose comme ça où nous sommes en train de creuser une zone. Donc dans ce cas, nous n'allons pas entendre ces fréquences ici, et celles-ci vont être très silencieuses D'accord ? Revenons donc à l'analogique. Donc, si je dis passe-bas 12, vous devez imaginer que cette forme de filtre en analogique analogique ne vous montre pas à quoi ressemble réellement ce filtre. C'est pourquoi j' utilise cet égaliseur ici afin que vous puissiez en quelque sorte vous aider à visualiser ce que cela fait Nous n'avons pas besoin de l'utiliser à des fins sonores. Je l'utilise juste pour vous montrer à quoi il ressemble. D'accord, et puis la fréquence, d'accord ? La fréquence sera également connue sous le nom de fréquence de coupure Cela signifie où est-ce que cela commence à baisser, d'accord ? Nous pouvons donc ajuster cela. Et puis résonance signifie donner un petit coup de pouce au sommet, c'est ainsi que je pense les choses. La résonance va donc être quelque chose comme ça. D'accord ? Cela signifie qu'il va augmenter légèrement en haut, juste avant qu'il ne commence à se couper, il va l'augmenter. Ça fait un peu l'effet d'un pistolet laser. Je te le montrerai dans une seconde. OK, alors débarrassons-nous de cet égaliseur, puis écoutons-le D'accord ? Alors déplacez-vous, souvenez-vous que nous avons un laissez-passer bas ici. Donc, lorsque je déplace la fréquence, nous laissons différentes quantités de hautes fréquences passer ou se couper. Bien, maintenant que les hautes fréquences sont baissées, il ne nous reste plus que les basses fréquences. Si je réduis la résonance jusqu'en bas, en laissant passer plus d'euphorie. D'accord. Donnons-lui maintenant un peu plus de résine. Voici comment ils font la même chose sans résonance D'accord ? La résonance peut donc être amusante, elle peut être un son. C'est un effet que vous pouvez utiliser ou non. OK, alors la seule autre chose ici dans notre section des filtres en ce moment, ce sont ces deux filtres. Ceci est propre à l'analogique. Cela nous permettra d'envoyer le signal après ce filtre vers notre deuxième filtre afin que nous puissions effectuer un petit routage. Nous en reparlerons sous peu. Ce n'est pas quelque chose que l' on voit toujours dans une section de filtres. D'accord ? Nous avons donc la section oscillateur, nous avons la section filtre Maintenant, il y a les enveloppes, et celle-ci fonctionne un peu différemment 14. Les enveloppes: Vous vous souvenez donc qu'il y a peu de temps, j'ai dit que les trois principaux éléments sur lesquels nous devons nous concentrer pour créer des sons sont le tambre, forme et le mouvement, n'est-ce pas ? Donc, avec Tamber, nous parlons principalement de la section oscillateur. D'accord ? C'est ce qui va vraiment contrôler notre tambourin. La section des filtres va également beaucoup contribuer à notre tamponnage Ce sont les enveloppes qui contrôlent réellement la forme, entre autres choses enveloppes ne constituent donc pas nécessairement une section, mais elles sont réparties de différentes manières dans la plupart des synthétiseurs Vous pouvez donc en voir un ici. C'est à ça qu'ils ressemblent, d'accord ? Si je clique sur la section de l' oscillateur, celle-ci en est une également. Ça a l'air un peu différent, mais c'est quand même une enveloppe. Filtre, c'est une enveloppe, amplificateur, c'est une enveloppe. D'accord ? Il y en a un peu partout. Ce petit graphique est l'enveloppe. Nous pouvons accéder à ses paramètres ici. Mais vous vous habituerez vraiment à voir ce petit graphique. En fait, Ableton aime faire les choses un peu différemment. Si vous recherchez un autre synthé, vous verrez peut-être qu'il ressemble davantage à celui-ci C'est ce qui est le plus traditionnel. Par exemple, si vous me disiez si vous avez dessiné ce petit tableau et que vous m'avez dit : Qu'est-ce que c'est ? La plupart des concepteurs ou producteurs sonores expérimentés vont immédiatement dire Envelope. L'autre chose qu'ils pourraient dire est l'ADSR, dont je parlerai dans une seconde Alors, à quoi sert une enveloppe ? Eh bien, jouons-y avec celui-ci, par exemple. C'est donc dans notre amplificateur. Il s'agira donc d' une enveloppe de volume. Nous pouvons appliquer des enveloppes pour faire tout un tas de choses différentes. Ils nous donnent certains points que nous pouvons appliquer à différents paramètres. Avec l'enveloppe du volume, on peut dire à quelle vitesse ce son démarre ? Est-ce que ça commence tout de suite, auquel cas ce point est que cette ligne va être droite de haut en bas. Cela commence tout de suite. Est-ce que je ne veux pas que ça commence tout de suite ? Est-ce que je veux qu'il s'estompe  ? Ensuite, c'est ce que nous faisons. Maintenant. Alors maintenant, nous donnons déjà beaucoup de forme à cela simplement en faisant cette seule chose. D'accord ? Comment voulons-nous que ce son cesse ? Voulons-nous qu'il disparaisse ? Dans ce cas, c'est le cas. Donc je te le montrerai quand je soulèverai ma silhouette, non ? Maintenant, non ? Ça s'estompe rapidement. Faisons en sorte que cela s'estompe plus longtemps. Ici, arrête. Très lent, s'estompe. Allez. D'accord. S'estompe depuis longtemps. Et si je voulais juste arrêter ? À la seconde où je lève mon doigt, arrête. D'accord. Il s'arrête juste. Et il y a d'autres points ici, et j'en parlerai dans une seconde. Donc, avec ça, je peux produire un son de type pad si je lance une attaque lente et un relâchement lent. Maintenant j'en ai le droit ? le droit ? le droit ? C'est plutôt un son de pad. Ou si je le fais avec une attaque et un relâchement rapides, j'ai plutôt un son principal. Ignorez l'étrange scintillement. C'est mon étrange clavier Roly. C'est un peu étrange parfois. Mais allons-y. Nous pouvons avoir une enveloppe filtrante, non ? Donc, avec cette enveloppe, on pourrait dire que je veux que la fréquence de mon filtre s'ouvre au fil du temps. Et se referme avec le temps, non ? Maintenant, écoute. Tu entends ça, qui ? Ce filtre s' ouvre en une minute. Plus d'une demi-seconde environ. En fait, 835 millisecondes. C'est le montant réel. OK, je peux faire en sorte que ça aille plus lentement. Maintenant, nous donnons encore plus de forme à notre son. Les deux plus courantes sont l'amplitude, c'est-à-dire le volume, qui lui donne réellement sa forme, et le filtre, qui contribue au mouvement du son. D'accord. Parlons maintenant un peu plus de ce graphique et parlons spécifiquement de cette histoire d'ADSR. 15. ADSR: OK, ce petit graphique s'appelle une enveloppe ADSR. OK ? Un ADSR, ces quatre lettres correspondent aux quatre points Cette ligne est notre A. Cette ligne est notre D. Cette ligne est notre S et cette ligne est R R. D'accord ? Voici ce qu'ils représentent. Attaque. OK ? La ligne d'attaque. Si c'est direct de haut en bas, alors nous avons une attaque instantanée. Si c'est incliné, alors nous allons avoir une attaque plus lente, non ? Cela peut donc être droit haut en bas ou à des degrés divers. OK ? Nous pouvons également contrôler l'attaque ici même. Nous pouvons dire, vous savez, que nous voulons une attaque très lente, vous savez, d'une attaque de 15 secondes. C'est fou, ou c'est une attaque presque instantanée. OK ? Le premier paramètre est donc l'attaque. Maintenant, le deuxième paramètre est le D, ADSR. Le D signifie décadence. À quelle vitesse le son initial se dégrade-t-il ? Maintenant, pour visualiser cela, pensez à appuyer sur un symbole, comme un symbole de collision, sur un symbole de collision. Donc tu vas frapper ce truc avec un bâton. L'attaque va donc être instantanée. Dès que tu le touches, c'est juste un coup. Fort, d'accord ? Le fait de frapper le symbole avec le bâton est très fort. Mais une fois que vous aurez terminé le contact réel entre le bois et le symbole, ce symbole sonnera à un volume inférieur à celui que vous un volume inférieur à celui que lorsque vous l'avez réellement touché, n'est-ce pas ? Voilà donc ce qu'est cette décadence. C'est le temps et la distance qu'il faut pour atteindre ce niveau de maintien, d'accord ? Permettez-moi de vous en montrer quelques exemples. Si je le fais, nous allons recevoir un son soudain à cause de cette attaque. Et puis très rapidement, faites en sorte que ce soit moins rapide. Le son va presque disparaître. Ensuite, il va rester ici sur la partie support. OK ? Vous allez donc entendre le son monter et descendre puis vous asseoir là où il se trouve à un moment soutenu. OK, faisons-le un peu plus vite. En fait, faisons la décomposition un peu plus lentement. Oups Nous en sommes toujours à l'enveloppe filtrante. Nous pouvons donc entendre le filtre s'ouvrir et se fermer assez rapidement. OK. Revenons à notre enveloppe de volume, où c'est un peu plus facile à entendre. Ouvrons simplement notre enveloppe filtrante et passons à un volume. OK, alors maintenant, nous allons entendre ce son monter puis descendre rapidement. OK ? C'était une erreur. Voici ce bruit que tu as entendu Faisons en sorte que ce blip soit un peu plus long. OK, rendons notre sustain un peu plus fort. OK ? Maintenant, vous pouvez entendre le volume monter , puis baisser, puis atteindre un point soutenu. Et maintenant, nous en sommes au point mort. C'est notre troisième élément, le S de l'ADSR, le maintien. OK ? Le modèle soutenu fonctionne un peu différemment car ce n'est pas une question de temps alors que les autres sont une question de temps. L'attaque, c'est la rapidité avec laquelle le son entre. La décadence correspond à la vitesse laquelle le son descend jusqu' à son point de maintien. Le S, le sustain, correspond à un niveau. OK ? Il s'agit donc d'un niveau. Par exemple, à quel point cela va-t-il être bruyant pendant que nous sommes assis sur le billet, d'accord ? Il sera là pour toujours. Donc, si je pars comme ça, alors nous allons avoir une décroissance initiale, puis nous allons nous asseoir sur un volume presque identique à celui où il était. En fait, nous pouvons nous débarrasser complètement de la pourriture en faisant simplement cela. Ce son n'est pas très intéressant, même s'il a son utilité. Donc, là où se trouve cette ligne, il s'agira d'un sustain fort et non d'un sustain, d'un sustain silencieux, d'un sustain, d'un sustain moyen. Le S est donc le volume auquel il va se maintenir indéfiniment. Mais la fin du sustain, c'est ici. Ce point est créé lorsque je soulève le doigt de la note. OK ? Donc, c'est oublier la note, c'est juste là. Nous ne pouvons pas contrôler ce point ici parce que ce point est contrôlé lorsque je lève doigt ou lorsque je demande à la note midi d'arrêter de jouer. Mais dès que je le fais, cela se produit, et c'est le R qui signifie release. Donc, lorsque je relâche la note, est-ce qu'elle s'arrête immédiatement ou s' estompe-t-elle lentement ? Est-ce que ça s'estompe très lentement, d'accord ? Nous pouvons donc maintenant créer un son avec une certaine forme comme nous le souhaitons. C'est bon. Puis-je lâcher prise, et c'est ce qui arrive. C'est ainsi que fonctionnent les enveloppes. Vous verrez ces trucs ADSR un peu partout. Parfois, vous ne verrez que quatre boutons et ils indiqueront simplement AD, S et R, et vous devrez simplement savoir comment ils fonctionnent Nous pouvons les ajuster ici A, D, S et R. Nous avons ce temps prolongé qui ne s'applique pas vraiment à nous en ce moment. Les enveloppes ADSR jouent un rôle crucial dans la synthèse. Alors habituez-vous à les voir et comprendre les quatre points différents auxquels ils sont confrontés. 16. L'amplificateur: Enfin, le quatrième élément principal de tout synthétiseur est l'amplificateur, d'accord ? L'amplificateur est le plus simple. Nous aurons une enveloppe dans l'amplificateur pour contrôler le volume. Nous aurons également notre niveau principal parce que nous devons y donner un peu de jus, et il y a probablement aussi de la planification là-dedans Le panoramique correspond à l'équilibre entre la gauche et la droite. Donc, tout le chemin est parti Si cela vous semblait pareil, il se peut que le panoramique de cette vidéo ait été supprimé, ce qui se produit sur certaines plateformes C'est bizarre Je ne sais pas pourquoi ils font ça, mais peu importe. Voilà donc la section de l'amplificateur. Maintenant, n'importe quel synthétiseur doit avoir ces quatre sections quelque part dedans, puis probablement quelques cloches et sifflets, comme LFO , Unison, Glide C'est un peu tout pour celui-ci. Nous en parlerons donc au fur et à mesure, mais ce sont les quatre sections. Au fur et à mesure que nous commencerons à apprendre les différents instruments live, je vais le faire en disant : OK, examinons un nouvel instrument et disons : OK, où est notre section d'oscillateurs Nous allons le trouver, et nous allons apprendre comment il fonctionne. Ensuite, nous allons demander  : Où sont nos filtres ? Ils sont là. Où est notre amplificateur ? C'est ici. Et si vous comprenez ces quatre sections, l'apprentissage d' un synthétiseur sera 1 000 fois plus facile Fais-moi confiance. 17. Aperçu des instruments Ableton Live: OK. Donc, pour la prochaine grande partie de ce cours, en fait, pour la majeure partie du reste, nous allons passer en revue chaque instrument Nous allons passer en revue tout ce qui se trouve dans cette liste. Mais pas tout à fait dans l'ordre. Ici, c'est une sorte d'ordre alphabétique, et je voudrais le faire un peu plus systématiquement. Nous allons donc commencer par l'analogique, que nous avons déjà examiné Il vous sera donc familier, mais nous allons entrer un peu plus dans les détails. Ensuite, nous allons passer à l'opérateur parce que c'est similaire à l' analogique mais un peu augmenté Ensuite, nous finirons par passer en revue tout cela. Maintenant, la façon dont nous allons procéder est de ne pas expliquer chaque bouton et chaque bouton S'il y a un bouton et un pommeau dont vous mourez d'envie de savoir ce qu'ils font et que je n'en ai pas parlé, pensez simplement à activer IFOviewt et à placer cette petite boîte Vous pouvez même simplement appuyer sur ce petit bouton, et il vous montrera ces choses. Donc, même s'il y a un paramètre dont je ne parle pas, il est là pour vous dans cette vue d'informations. Cependant, je vais parler de la plupart des paramètres. Nous allons passer en revue nos quatre zones différentes, à savoir les oscillateurs, les filtres, les enveloppes Ensuite, nous allons aussi disséquer et examiner quelques préréglages, concevoir nos propres sons Je vais partager quelques fichiers avec vous et vous montrer comment vous pouvez, euh, enregistrer vos correctifs personnalisés et les partager avec d'autres personnes. D'accord, il y a aussi quelques appareils Max for Live cachés ici. Cela se voit en quelque sorte grâce aux icônes. Tous ces instruments DS sont des appareils Max for Live. Nous les examinerons dans cette section. Je tiens juste à souligner qu'il s' agit d'appareils Max for Live, mais nous en parlerons. Il y a en fait quelques autres appareils Max for Live qui ne figurent pas dans cette liste et qui méritent d'être considérés comme des instruments, un en particulier appelé granulateur Nous en reparlerons donc également vers la fin de ce cours. OK, et puis la dernière chose que je vais dire à ce sujet avant dans le vif du sujet, c'est de se souvenir des choses communes à tous les instruments. Si vous voulez placer un instrument sur une piste, vous devez le charger dans un préréglage ou le charger dans un préréglage. Vous pouvez ajouter des effets audio par la suite. Vous pouvez y mettre des effets MIDI, d'accord ? Dans cet esprit, plongeons-nous un peu plus dans l'analogique. 18. Synthé analogique de Live: Bien, commençons par un nouvel analogue. Je vais juste placer l'appareil par défaut ici sur cette piste, puis nous allons y jeter un œil. OK, donc nous connaissons un peu notre chemin, non ? Nous connaissons déjà en quelque sorte notre section oscillateur, notre section filtre et notre section amplificateur Mais il y en a d'autres ici. Les choses que nous ne connaissons pas sont des choses comme les LFO. Nous en parlerons. De plus, comment les différents oscillateurs interagissent les uns avec les autres, n'est-ce pas ? Nous avons donc deux oscillateurs, quelque sorte trois, en fait Et je ne sais pas si je l'ai mentionné, mais le nombre d' oscillateurs que possède un instrument ou un synthétiseur est l'une des raisons qui rendent les différents synthés uniques les uns aux autres différents synthés uniques les uns aux Certains synthétiseurs n'ont qu' un seul oscillateur dans leur section d' oscillateur Certains en ont deux comme celui-ci. Même s'il en existe trois, j'en parlerai dans une minute. Certains ont quatre opérateurs similaires que nous examinerons bientôt. Certains en ont 100, non ? La plupart d'entre eux en ont 2 à 4, mais certains ont mais certains ont un nombre incroyable d'oscillateurs Une autre chose courante dans de nombreux instruments Ableton est que lorsque vous cliquez sur une section, vous obtenez plus de commandes ici Toute cette boîte noire est unique à ce sur quoi vous venez de cliquer, n'est-ce pas ? Donc, si je clique sur la section Oscillateur, tout est lié à cette section oscillateur Si je vais dans la section des filtres. Tout cela est lié à ce filtre, voire à ce amplificateur LFO, non ? Tu vois, tout est noté ici parce que ce LFO est éteint. Bien, examinons donc notre flux de signaux analogiques, car c'est un peu compliqué. Ensuite, nous allons nous concentrer sur ces LFO pendant un petit moment, puis nous allons créer certaines choses. 19. Flux de signal: Bien, examinons le flux de signal dans ce synthétiseur D'accord ? Cela vous aidera à vraiment comprendre comment l' utiliser en analysant le flux de signaux. Maintenant, la plupart des synthétiseurs vous donnent une idée du flux de signal Donc, la plupart du temps, c'est dans la conception, surtout lorsque vous vous intéressez aux synthétiseurs analogiques, euh, certains éléments de conception vous indiqueront en quelque sorte la façon dont le signal circule Comme dans ce Syth ici, il contient tous ces éléments de design similaires qui, une fois que vous l'avez éléments de design similaires qui, regardé pendant un moment , sont comme des flèches qui vous montrent comme ceci va dans tel , sont comme des flèches qui vous montrent comme ceci ou tel sens Mais celui-ci n'en a pas, bien que les choses se passent généralement de gauche à droite. Cependant, ils peuvent prendre quelques virages en cours de route. D'accord ? Nous désactivons donc tout sur la rangée du bas. Ce que nous avons ici, c'est juste l' oscillateur 1 qui va passer au filtre 1, qui va passer à l' amplificateur puis sortir D'accord ? Cependant, c'est un peu plus compliqué que cela. Il y a quelques points sur lesquels les choses peuvent en quelque sorte diverger. Le premier est ici, filtre un, filtre deux. Nous disons donc : voulons-nous que le son de ces oscillateurs disparaisse heure actuelle, il est configuré pour en filtrer un, qui se trouve ici. Assez facile. Mais je pourrais changer cela pour dire 50 50. Maintenant, il va en filtrer un et en filtrer deux. Donc, la moitié des signaux vont ici et l'autre moitié des signaux vont là-bas. Pourquoi voudrais-je faire ça ? Je pourrais définir deux filtres différents de cette façon. Je pourrais dire que ce filtre a toute une série de résonances et une fréquence de coupure assez élevée. Ce filtre a une fréquence de coupure plus basse et Il s'agit peut-être d'une forme de filtre différente. Il y a plein de choses que je peux faire avec ça. Nous sommes donc en train de diviser le signal et de l'envoyer à deux endroits différents Maintenant, si je le fais, je dois activer l'AMP 2, sinon le pourcentage, la moitié du signal qui passe ici dans le filtre deux est en train de mourir quand il arrive ici. Ça ne mène nulle part. Donc je dois l'activer si je veux entendre ça. D'accord ? Alors filtrez un, filtrez deux. Je peux le faire sur cet oscillateur 2. Je pourrais donc dire que celui-ci va tout filtrer pour en filtrer un ou pour en filtrer deux. Et vous vous demandez peut-être si je pourrais simplement faire en sorte que celui-ci filtre un et celui-ci filtre deux pour qu'ils se déplacent de gauche à droite. Vous pouvez tout à fait le faire, et c'est une très bonne façon d' utiliser cet instrument. Mais si je le faisais, maintenant, les oscillateurs un et deux filtreront un, puis deux, la moitié de leur signal chacun Vous allez donc obtenir un son légèrement différent de cette façon. Restons donc simples. Allons en filtrer un et en filtrer deux ici. Maintenant, il y a un autre point où les choses peuvent diverger si nous le voulons, et c'est ici Cela indique d'en filtrer deux. Quel pourcentage voulons-nous atteindre pour en filtrer deux ? Cela signifie que si je prends ce signal, tout va en filtrer un, donc tout ira ici. Une fois qu'il est passé au filtre un, tout est envoyé à 100 % vers le filtre deux de toute façon, mais c'est différent, non ? C'est différent du signal qui part d'ici, la moitié pour filtrer 1,5 pour filtrer deux. Cela indique que tout ce signal va aller au filtre un, et il va être filtré par le filtre un. Tous ces paramètres vont s'y appliquer. Ensuite, le résultat va sortir et descendre pour en filtrer deux. Ça a du sens ? OK. Ensuite, le filtre deux va l'envoyer à l' ampli deux, puis nous l'entendrons. Nous ne pouvons pas envoyer le filtre deux au filtre un. C'est donc notre flux de signaux. Nous avons ce genre de point un, deux ou trois où nous pouvons interrompre le flux du signal et l'envoyer dans le synthétiseur de différentes manières Tout cela va changer le son. Nous en examinerons quelques exemples bientôt lorsque nous examinerons quelques préréglages ou que nous concevrons peut-être quelque chose de notre propre chef. Une fois arrivés à l'amplificateur, nous partirons tout de suite. Nous allons appuyer sur ce bouton de volume pour un autre type de réglage principal du volume, puis envoyer, ce qui signifie évidemment revenir à la piste Il va atteindre ce compteur, puis notre compteur principal. Et c'est notre flux de signaux. 20. LFO: D'accord, parlons de ce LFO. LFO, je me demande toujours si je dois ou non inclure cela dans mes quatre sections du synthétiseur, car à peu près tous les synthétiseurs que j'ai vus contiennent un LFO Mais j'ai l'habitude de le laisser de côté pour simplifier les choses. Mais c'est une chose très, très courante que vous allez trouver. Apprenons donc à l'utiliser. OK, notre LFO est là. Tout d'abord, qu' est-ce que cela signifie ? Le LFO est un oscillateur basse fréquence. OK, alors analysons ça. C'est un oscillateur, non ? Il y a un O qui signifie oscillateur. Ce sont donc des oscillateurs. Il n'y a que des choses qui génèrent du son. Alors, comment se fait-il que ces oscillateurs produisent du son, alors que ceux-ci ne le sont pas ? Eh bien, ce sont des oscillateurs à basse fréquence. Ils sont trop bas pour que nous puissions les entendre. Ils sont très bas. Moins de 20 hertz. Par exemple, nous pouvons entendre jusqu'à 20 hertz. Elles se situent généralement entre zéro et peut-être dix hertz. Vous pouvez voir les taux habituels ici, ils vont jusqu'à 17 hertz, je suppose que c'est le taux le plus rapide. C'est donc trop bas pour que tu puisses l'entendre. Tu ne vas pas les entendre. Alors, à quoi bon ? Nous n'allons même pas les acheminer vers une sortie audio. Nous n'allons même pas essayer de les entendre. Ça ne sert à rien d'entendre. Alors, que peuvent-ils faire ? Eh bien, souvenez-vous de ce que font les oscillateurs. Ils oscillent, non ? Ils font des allers-retours. Ou si vous êtes comme une onde sinusoïdale, elles se comportent comme ça. Et ils le font pour toujours. Ils sont comme des poissons qui nagent pour toujours. Cela ne s'arrêtera jamais. Ça va juste faire ça pour toujours. Notre idée est donc la suivante ne serait-ce pas cool de pouvoir le prendre et, exemple, l'attribuer à quelque chose ? Et si nous voulions notre volume Notre volume principal, disons, non, volume de notre oscillateur Comme, et si nous voulions juste que volume de notre oscillateur augmente et descende constamment de haut en bas pour créer un mouvement Le mouvement est l'une des principales choses que nous pouvons contrôler dans un son. Donc, si nous pouvions simplement le faire monter et descendre , monter et descendre, monter et descendre pour toujours, cela pourrait nous donner un peu de fraîcheur. Nous pouvons donc utiliser l'un de ces oscillateurs basse fréquence et prendre l' onde sinusoïdale qui s'y trouve, ou il peut s'agir de n'importe quel type d'onde Et dites : OK, vous qui faites ça pour toujours, je vais juste vous connecter à mon volume, puis vous allez monter et descendre comme ça pour toujours. du sens ? Essayons-le. Son de base. Je vais activer ce LFO. OK ? Maintenant que ce LFO est activé, nous allons jouer avec ces paramètres dans une minute. Mais revenons ici. Je vais donc passer à l'amplificateur et contrôler ce volume au lieu de celui-ci. Alors celui-ci, je vais y aller. Je vais passer à la modulation de niveau c'est ce que signifie Mod ici, LFO One Augmentons ça. OK. Maintenant, quand je joue cette note. Ça y est. Voilà notre onde sinusoïdale. Nous allons un peu plus vite que je ne peux le faire. Mais c'est ce qu'il fait. Si je refuse, accord. Vous pouvez penser à ce montant que je compose ici comme si je disais au volume de passer de zéro à 100, n'est-ce pas ? Faites deux, deux, deux, deux, deux, deux, deux, deux, ce serait tout. Ça va où, ça va vraiment, mais si je dis, genre 50, ça ne va pas vraiment aller de zéro à 100. Ça va plutôt aller de 25 à 75 ans. La fenêtre est un peu plus étroite, d'accord ? Donc, très bien. Cela ne va pas tout en bas ou en haut. C'est juste un peu plus assis au milieu. Et au fur et à mesure que je réduis ce chiffre, il bougera de moins en moins. Cela n'a rien à voir avec la vitesse. Si je veux ajuster la vitesse, c'est le taux ici. OK. Donc, dans mes paramètres LFO, j'ai ces deux petits boutons ici, Hertz, puis ce qui ressemble à une petite note C'est courant. Vous le verrez dans de nombreux contextes différents. Hertz signifie donc que je peux le composer en fonction de la fréquence. Donc 1,2 hertz. C'est une certaine vitesse du LFO. C'est cool. Si je ne veux pas m' occuper de Hertz, je peux m'en occuper, qui est en fait qu'une division du rythme. OK ? C'est généralement plus utile, du moins dans ma façon de travailler. Donc voilà, je peux dire que maintenant c'est au quart de note. OK, alors redémarrons-le. Alors maintenant, le pouls que je reçois est d'un quart de note parce que cela indique un quart de note. Vous pouvez le changer en huitième note, c'est une huitième note. Nous pouvons donc contrôler les choses de cette façon. Maintenant, dans cette Normenclature, trimestre est un quart La huitième est la huitième note. Lorsque vous voyez un T ou un D après ceux-ci, D signifie huitième note en pointillé Ce sera un peu plus lent qu'une huitième note, et T signifie triplet de huitième note ou quoi que ce soit d'autre Voici un triplet de huitième note. Ça va être un peu plus rapide qu'une huitième note. Vous vous dites peut-être : Oh, cela semble être un moyen d' obtenir ces sons du Big Web en faisant simplement un son bas comme ça. C'est en quelque sorte un moyen d'obtenir les sons du Big Web. Il y a d'autres moyens que nous examinerons plus tard. Mais oui, c'est une façon de les obtenir. C'est avec un LFO. OK ? Donc, pour utiliser un LFO, nous devons activer le LFO Nous ajustons le taux, c'est-à-dire sa vitesse, puis nous l' attribuons à quelque chose. Jusqu'à présent, nous l'avons attribué à un amplificateur, mais il y a des tonnes d'autres choses auxquelles nous pouvons l'attribuer. Nous pouvons l'affecter au panoramique. OK ? Maintenant, c'est le volume et le panoramique Éteignons le volume. OK ? Maintenant, il fait du panoramique. Je pourrais entrer dans mon oscillateur et dire pitch OK, maintenant le terrain va monter et descendre comme des fous. Et ce qui est intéressant, c'est que vous entendez toujours une fréquence, non ? se passe en dessous de cela, une fréquence calme qui dit simplement constante. Tu entends ça ? C'est cet autre oscillateur. Je n'ai donc activé le LFO que pour un seul oscillateur. OK ? C'est vraiment ennuyeux, alors désactivons-le. Je peux faire des filtres. Je peux parler de modulation de fréquence avec le filtre. Montez ça. Maintenant, mon filtre monte et descend comme un fou. Faisons donc ça, pas si follement. OK ? Maintenant, nous pouvons entendre le panoramique et le filtre sont tous deux affectés par le LFO, d'accord ? Maintenant, si je veux en créer un plus complexe, activons un deuxième LFO Mettons-le à la 16e note en pointillés et posons-le un petit peu ici sur Pitchma, juste pour nous donner une petite sensation de vibrato Nous allons également le mettre beaucoup sur ce filtre. Maintenant, nous allons avoir un son assez complexe. OK ? Il y a une tonne de mouvements dans ce son en ce moment, n'est-ce pas ? Nous avons donc vraiment obtenu ce mouvement que j'aime dans les sons. n'est pas nécessaire que tous les sons soient animés, mais c'est une bonne chose à ajouter parfois. C'est donc ce que fait le LFO, d'accord ? On peut les désactiver comme ça. Et maintenant, nous sommes revenus là où nous étions. Cool. 21. Programmation analogique: D'accord. Faisons d'un patch un analogue. Donc, généralement, lorsque nous assemblons quelque chose, nous l'appelons un correctif. Je ne sais pas pourquoi. Cela a probablement à voir avec l'analogique, alors que vous êtes déplacer des câbles de raccordement, mais nous aimons quand même appeler cela un patch, même si nous ne faisons que composer quelque chose Alors, revenons à notre correctif par défaut, d'accord ? Je vais donc simplement charger une sauvegarde analogique sur la même piste. Vous pouvez le faire glisser directement au-dessus de votre analogique existant, d'accord ? Cela va nous ramener à notre correctif par défaut. Maintenant, je devrais peut-être souligner ici que vous pouvez modifier le correctif par défaut si vous le souhaitez. Je ne recommande pas vraiment de le faire, mais si vous le voulez vraiment, si vous appelez un patch et que vous êtes du genre, c'est moi. C'est ce que je veux que mon patch par défaut soit à l'avenir vous suffit de l' enregistrer avec ce petit bouton de sauvegarde , puis de cliquer sur l'en-tête de votre analogue et de dire enregistrer comme préréglage par défaut ». Mais nous n'allons pas le faire pour le moment. Je parlerai de la sauvegarde et partage des correctifs dans une minute. Mais bon, nous avons donc un correctif par défaut. Ça ressemble à ça. OK. Que voulons-nous ? Que voulons-nous créer ? Faisons un son de pad, d'accord ? Les sons du pad sont donc des sons qui évoluent lentement. Ils sont généralement très mouvants, mais ils sont très délicats. Ils ne sont pas très intelligents. Ils peuvent être brillants. Mais attaque lente, libération lente, tout ça. Commençons donc par là, en fait. Passons donc à notre amplificateur d'amplitude et disons simplement que nous voulons une attaque lente et une libération lente. Écoutons-le. Laisse-moi un peu plus lentement pendant l'attaque. C'est plutôt bon. J'aime bien, tu sais, en toute honnêteté. Tu sais, un gros aveu , c'est que j'aime beaucoup le son analogique par défaut, surtout, dans un cinquième comme ça. J'aime bien ce son. Je pense que c'est vraiment sympa. Mais changeons-le. Passons donc à notre section des oscillateurs, d'accord ? Si nous voulons un son plus calme. Nous pourrions passer à une onde sinusoïdale. Nous pourrions laisser celui-ci en dents de scie. J'ai l'impression que ça change complètement tout. Faisons les deux ondes sinusoïdales. C'est pas mal, mais c'est un peu trop propre. Essayons, revenons à cela. J'aime bien ça. OK, configurons notre filtre. Eh bien, en fait, avant de configurer notre filtre, il y a une chose que nous pouvons faire pour rendre ce son beaucoup plus épais. Cela semble déjà assez épais à cause de cette onde en dents de scie, mais passons à deux ondes sinusoïdales Donc, en ce moment, j'ai deux ondes sinusoïdales qui font la même chose. OK ? Ils peuvent passer à différents filtres, mais le réglage est le même sur eux. Une chose que je pourrais faire ici, c'est peut-être que je vais prendre celui-ci et le réduire d'une octave Maintenant, écoute. Alors maintenant, nous avons un tout autre type de son, non ? C'est presque comme un orgue. Je peux même faire un petit peu plus. Si j'en changeais le réglage, si vous désaccordez un petit peu un oscillateur, vous obtiendrez cette densité sonore Cela le rend vraiment épais. Maintenant, ce n'est pas si évident quand on le sépare par octaves Passons donc à la même octave. Maintenant, c'est ce que nous avons, mais regardez ça. Hein ? Je crée presque mon propre petit LFO, juste à cause du fait que les notes sont un peu désaccordées. Ils sont en quelque sorte en train de le faire. Cela peut être un bon son, mais je ne pense pas en avoir besoin ici parce que j'ai préféré la différence d'octave. OK, laissons ça de côté. OK. OK, alors maintenant, que faisons-nous avec nos filtres ? Celui-ci va en filtrer un. Celui-ci va être filtré, d'accord ? Ensuite, nous allons tous en filtrer deux par la suite. Resserrons donc notre filtre, un peu de résonance. C'est cool. Ici, d'une octave. Il y a cette résonance. OK, activons ce filtre. Ajoutez un peu plus de résonance à un endroit différent. C'est sympa. Je vais jouer avec ces filtres avec une enveloppe dans une seconde. OK, passons à l' amplificateur 2 et laissons notre niveau comme ça. OK, donc je reçois un étrange clic. Je pense que ça vient de cet autre filtre. Nous nous occuperons de cela dans une minute. OK, ajoutons un LFO et créons juste un petit mouvement dessus Faisons-le donc avec notre filtre. Ajoutons un peu de modulation de fréquence. Celui-ci, deux, un petit peu pour les deux. Je ne me soucie pas vraiment de la division du rythme en ce moment. Je veux juste une ambiance calme ici. OK. OK, voici d'où vient ce clic. Je n'ai pas défini d'enveloppe, d'enveloppe d'amplitude pour mon deuxième amplificateur. C'est certainement un peu en baisse. OK, maintenant ajoutons une petite enveloppe à mon filtre. OK, réduisons-le un peu. D'accord. Ce n'est donc pas un mauvais son de pad, non. Entrons. Faisons un petit clip pour avoir un OK, je n'aime pas vraiment ce LFO, mais sans lui Y yo yo. Nous avons un très bon son. C'est assez simple et sympa. 22. Enregistrer et charger des patchs: OK, tout au long de ce cours, je veux être en mesure de vous présenter les patchs que nous créons. Je vais donc simplement vous montrer comment enregistrer et partager un correctif. Cela fonctionne donc de la même manière, je crois, pour tous les instruments. Ce que vous devez trouver, c'est cette petite icône en forme de disque. Juste là. Je vais donc appuyer sur Enregistrer. Et dès que je clique sur cette petite icône en forme de disque, mon navigateur et moi passons à bibliothèque utilisateur, puis il m'invite à lui donner un nom Appelons donc ce panneau de signalisation. OK ? Et il va automatiquement connecter l'appareil ADV Ableton OK. Alors maintenant c'est mon patch. Pour toujours, je peux le charger sous forme de patch que j'ai créé. Soigné. Parfois, les gens font des choses comme des abréviations avec leur nom. Je peux donc cliquer sur Command R pour le renommer, et je pourrais dire, par exemple, J sign pad si je voulais juste savoir, par exemple, que c'est ce que j'ai créé Mais ça ne m'intéresse pas vraiment. Je vais donc m'en débarrasser. OK, super. Maintenant, si je veux trouver où cela se trouve sur mon ordinateur parce que c'est un vrai fichier maintenant, ce petit panneau de signalisation, ADV, si je veux le trouver et vous l'envoyer, je peux contrôler, cliquer et dire « Afficher et Finder Et c'est ici. Il semblerait que ce soit un autre que j'ai créé, un énorme synthétiseur Base Peut-être que nous le chargerons dans une minute. Je vais donc le poster dans le cours et vous pourrez le télécharger. Et une fois que vous l'avez sur votre ordinateur, si vous le faites simplement glisser dans votre Finder, il devrait l'emporter. Vous pouvez en quelque sorte voir où il est prêt à le mettre, n'importe laquelle de mes collections, puis ma bibliothèque d'utilisateurs. Si c'est dans ma bibliothèque utilisateur, il apparaîtra dans les préréglages de Synth, ou du moins il OK, donc je vais le poster ici, puis revenons et faisons une petite déconstruction prédéfinie 23. Déconstruction de préréglages: Faisons une déconstruction prédéfinie. C'est un excellent moyen d' apprendre n'importe quel synthétiseur. J'adore faire ça, et c'est littéralement ainsi que j'ai appris tout cela en le faisant encore et encore. Passons donc aux instruments analogiques, ouvrez-la pour voir tous nos préréglages. Tout ce que je cherche, c'est je ne veux pas regarder un rack Vous pouvez donc voir par l'icône s'agit d'un préréglage analogique parce qu'il contient cette icône et que nous sommes dans le dossier analogique. Celui-ci est un support, un porte-instruments. Nous parlerons des porte-instruments sous peu, mais je ne veux pas m'y attarder tout de suite. Donc j'en veux juste un qui n'ait cette ligne au milieu, donc comme ça. Et je vais juste en trouver un au hasard. OK, vérifions-le. Je vais donc faire glisser celui-ci par ici et jetons-y un coup d'œil. OK, alors voici à quoi ça ressemble. Intéressant. OK, donc les oscillateurs, nous avons deux ondes carrées, et elles sont toutes les deux activées. Tout va complètement en filtrer une Le volume est différent. Il est intéressant de noter qu'ils ont réduit le volume d'Oscillator 2 Il est plus silencieux qu'Oscillator One. C'est intéressant. Hum, nous n'avons aucun LFO activé, donc je n'en vois aucun ici . C'est très bien. Maintenant, en ce qui concerne le pitch, rien n'a été ajusté ici, mais ici, nous avons augmenté de 0,07$ Maintenant, c'est très courant parce nous pouvons entendre que nous jouons comme une harmonie Les sept demi-tons sont un cinquième, non ? Cela signifie que nous entendons un intervalle d' un cinquième dans chaque note, ce qui est bon à savoir parce que si je vais ici et que je dis, je ne veux pas ce son. Je veux ce son, mais je ne veux pas entendre cette harmonie. Il suffit de le ramener à zéro, et maintenant nous ne l'avons plus. Ou je pourrais le remplacer par un quatrième. Ou, tu sais, autre chose. Retournons là où c'était. OK, cool. Voyons ensuite ce que fait son filtre. Son filtre a juste une sorte de grande enveloppe ouverte, assez basse, sans résonance. Donc, je ne fais pas grand-chose dans le filtre, amplificateur assez simple. Tu vois, c'est vraiment intéressant. L'enveloppe qu'ils ont utilisée ici, attaque très rapide, mais pas instantanée. C'est comme monter en puissance, mais c'est très rapide. Juste mais instantanément éteint. Par exemple, pas de libération du tout, arrêt dès que nous arrêtons Pas de LFO. Un peu de glisse. C'est intéressant. Cela signifie que si je joue une note puis une autre note avant relâcher la première note et que les notes se chevauchent, cela va légèrement glisser jusqu'à cette note Il y a donc un peu de glissement. C'est cool. C'est une bonne astuce. Donc un patch très simple, mais avec un son sympa. Donc ce que j' aime dans ces déconstructions prédéfinies, j'aime les appeler, c'est que je pourrais regarder, vous savez, quelque chose comme un demi-ton Et si je ne savais pas ce que c'était, je pourrais juste jouer quelques notes puis tourner le cadran, non ? Et écoutez et voyez si vous pouvez comprendre ce qu'il fait. C'est donc un excellent moyen d'explorer n'importe quel synthé, charger certains de ses préréglages, puis de choisir un cadran, de l'écouter, de commencer à tourner ce cadran et de voir comment il le modifie Cela vous en dira long sur ce qu'il fait. OK, j'ai en quelque sorte oublié ce truc de bruit. Revenons donc à ce bruit et parlons-en très rapidement, puis nous passerons à un autre instrument. 24. Le son: OK, j'ai dit à quelques reprises que dans le synthé analogique, nous avons deux oscillateurs, en quelque sorte un troisième Vous pourriez même plaider en faveur d'une sorte de quatre ou peut-être même d'une sorte de cinq. Et voici ce que cela signifie. Nous avons ces deux oscillateurs. Ce sont deux choses que nous pouvons entendre. Voici notre type de trois, et c'est du bruit. ce que nous pouvons entendre. Nous allons l'entendre. Le type de quatre et le type de cinq seraient notre LFO. Ou des oscillateurs, mais on ne les entend pas. Donc, pas vraiment. Mais revenons au bruit. Pourquoi aurions-nous du bruit ? Le bruit est exactement ce à quoi il ressemble. Si j'éteins les oscillateurs et que j'active le bruit, mais que le bruit passe à travers un filtre, tu peux faire plein de choses avec Vous pouvez ajouter du bruit à un synthétiseur. Par exemple, si on prend ce son et qu'on y ajoute du bruit. Cela change un peu le son, non ? Il y a donc de nombreuses raisons pour lesquelles nous pouvons utiliser le bruit sur quelque chose. Une autre bonne solution serait juste pour les éléments percussifs. J'enlève ça, ça, j'enlève ça. Prends ça, et je pars comme ça . D'accord. Maintenant, j'ai, genre, un élément percussif. Si je le mets dans mon son, non ? Maintenant, cela contribue à cette percussions. Le bruit peut donc être très utile. En fait, nous avons également du bruit ici sous cette forme. J'ai juste un son plutôt cool. Il est donc utile, et vous le verrez dans de nombreux synthétiseurs, d' avoir le bruit en option, soit sous forme d' oscillateur séparé, soit sous forme d' onde dans la section de l' oscillateur, soit les deux, comme c'est le Il peut donc être amusant d'ajouter du bruit, en particulier pour les éléments percussionnels, mais parfois simplement pour tamber et créer Nous pouvons changer de couleur. Il s'agit essentiellement d'un filtre , revenons ici. accord, il s'agit donc essentiellement d'un filtre passe-bas , mais il aide à beaucoup changer le son. Bien, passons à l'opérateur, où nous allons certainement voir la possibilité d' utiliser le bruit 25. Interface de synthétiseur d’opérateur de Live: OK, donc je pense que je vais essayer de créer un morceau en utilisant tous les synthés Donc, pour en revenir au préréglage du fil de synchronisation carré que nous avons créé, je viens de mettre une note ici. Je vais juste laisser ce drone parcourir toute cette section. Je vais donc renommer ce morceau Command R, l'appeler analogique OK, maintenant passons à Track Two et créons un opérateur. Donc, si nous passons aux instruments, fermez Analog, et passons à l'opérateur. Maintenant, Operator est probablement mon synthétiseur préféré en live. Si je travaille sur un morceau et que je ne fais que explorer, je n'ai pas encore vraiment d'idée précise de ce que je vais faire. Je joue juste avec les sons. D'habitude, je fais appel à un opérateur pour quelque chose. C'est un excellent outil pour simplement explorer. C'est juste un excellent outil à tous points de vue. Alors lançons un opérateur ici. Ok, celui-ci a l'air un peu différent. Mais que devons-nous faire ? Découvrons nos quatre sections. D'accord ? Qu'est-ce qui vient en premier ? Si vous avez dit oscillateurs, je suppose que vous avez dit oscillateur Tu as dit oscillateur. OK. Chaque fois que vous recherchez la section de l'oscillateur, commandes de réglage peuvent souvent être un indice Donc, si vous voyez, grossier et fin, ce sont des commandes de réglage. D'accord ? Voici donc un oscillateur. D'accord ? Si je clique dessus, notre menu contextuel ici, le menu, tout ce qui change lorsque nous cliquons sur différentes zones C'est encore une fois cette boîte noire. Cela va nous montrer d' autres commandes, y compris notre forme d'onde D'accord ? Nous avons donc de nombreuses options pour les formes d'onde. Nous y reviendrons. OK, cela signifie que nous avons un, deux, trois ou quatre oscillateurs différents à notre disposition Génial. OK. Quelle est la deuxième section que nous recherchons ? Des filtres, non ? Est-ce que vous voyez une section de filtre à l'écran ? C'est ici, facile trouver grâce au filtre de mots, dans ce cas. Mais si vous ne voyez pas le mot filtre, vous pouvez généralement le trouver en recherchant fréquence et la résonance, juste là. Et hé, regardez ça. Nous avons une enveloppe dedans. OK, si nous voulons chercher d'autres enveloppes, nous pouvons en trouver un peu partout Si nous passons à nos oscillateurs, vous verrez Osciator et enveloppe. Cliquez dessus. Il y a une enveloppe, non ? Chose familière. Euh, nous avons donc trouvé des oscillateurs, des filtres, des enveloppes et des amplificateurs probablement juste ici Il y a un gros bouton de volume, commande de dernière tonalité, qui est un autre type de filtre Nous avons également une enveloppe de pitch, une transposition par étalement, quelques éléments supplémentaires et un LFO, et un LFO, Nous savons comment utiliser les LFO, et ils sont là. Disposition générale de l'opérateur, parlons donc du flux de signaux. 26. Flux de signal dans l'opérateur: D'accord, parlons du flux de signal dans l'opérateur. Maintenant, c'est un peu différent. Nous n'avons pas le même type de routage qu'en analogique. Mais il existe un tout autre type de schéma de routage ici. Commençons donc par notre premier oscillateur. Notez donc que nos oscillateurs sont étiquetés A, B, C et D. Vous pouvez également prendre note de ces couleurs OK ? C'est assez important. OK, donc oscillateur A, nous l'examinons. Nous examinons nos paramètres ici. Donc, une fois que notre oscillateur émet un son, il va essentiellement passer dans notre filtre Et dans ce cas, les quatre oscillateurs vont entrer dans ce filtre, d'accord ? Et puis ce filtre, en supposant nous n'y fassions rien d'autre, sera envoyé à notre amplificateur. Donc, d'une certaine manière, c'est simple, non ? Nous n'avons pas à nous occuper du routage et des choses comme nous le faisions en analogique. Parce que tout, seuls tous les oscillateurs vont au filtre, puis le filtre passe à la sortie C'est simple, non ? Rien d'extraordinaire. Mais attendez. Regarde ça juste ici. C'est un peu curieux, n'est-ce pas ? Cliquons dessus. OK, tu vois tous ces points là-haut. Analog en avait une version simple, mais celle-ci est beaucoup plus compliquée. OK ? Allons par ici. Ce que nous voyons ici n'est pas seulement le routage de nos quatre oscillateurs, mais aussi différents types de synthèse OK ? Dans celui-ci, les quatre oscillateurs se dirigent donc vers la sortie. Donc, lorsqu'une petite ligne sort de cette case, cela signifie qu'il faut se diriger vers le filtre, puis vers la sortie. Donc, dans ce cas, nous allons entendre les quatre oscillateurs A, B, C et D s' éteindre et se diriger vers le filtre Il s'agit essentiellement d'une synthèse additive. On pourrait dire que c'est de la synthèse soustractive parce que nous allons toujours utiliser un filtre, et nous allons réduire un peu ces sons Mais nous accumulons simplement des sons provenant d'oscillateurs Il s'agit donc de les additionner tous. Et c'est donc génial. Vous pouvez obtenir des sons vraiment sympas de cette façon. Mais que se passe-t-il dans un cas pareil, n'est-ce pas ? Ici, il n' y a qu'un seul oscillateur, le jaune, A, qui va à la sortie Les autres s'emboîtent les uns dans les autres. OK ? C'est intéressant, non ? Nous avons donc l'oscillateur D en haut. D va dans C, qui va dans B, qui va dans A. Alors, que signifie entrer dans ? Cela signifie qu'ils se modulent mutuellement. En d'autres termes, l'oscillateur D va contrôler l' oscillateur C, oscillateur C va contrôler l'oscillateur B, et l'oscillateur B va contrôler l'oscillateur A. C'est de la synthèse C' Alors maintenant, pour ce qui est du routage de notre son, ce que vous devez savoir, c'est que quelle que soit la sélection que nous avons ici, au final, tous nos oscillateurs sortent, passent dans notre filtre, puis dans notre amplificateur C'est donc encore relativement simple. Mais je voudrais consacrer un peu plus de temps à ce routage, car il est compliqué et important. OK ? Prenons donc une minute pour parler de ce qu' est la FM et de la façon dont nous l'utilisons ici, ainsi que de toutes ces autres technologies. Faisons-le maintenant. Oui 27. Synthèse FM: Bien, revenons à parler de notre LFO pendant une minute. Notre LFO, si vous vous en souvenez, fait ce truc loufoque, non Par exemple, il continue de bouger. C'est un oscillateur trop bas pour que nous puissions l'entendre, et nous pouvons l'assigner pour qu'il fasse quelque chose pour nous, comme contrôler le volume, n'est-ce pas Maintenant, imaginez que nous augmentions la tonalité de cet oscillateur. Donc, en général, un LFO est, vous savez, inférieur à 20 hertz, donc nous ne pouvons pas l'entendre Mais que se passerait-il si nous l'emmenions là où nous pouvions entendre, puis que nous l'assignions à faire quelque chose à notre oscillateur, d'accord ? Si nous le faisions, alors ce LFO modulerait l' autre oscillateur Moduler, c'est simplement le contrôler. Le LFO n'est donc plus un LFO à présent. C'est un indicateur de débit audio que nous allons utiliser pour contrôler un autre oscillateur C'est de la synthèse FM, d'accord ? C'est un LFO qui se situe dans la gamme audio supérieure. Nous n'allons pas entendre ce LFO. Nous n'allons pas entendre cet oscillateur, mais nous allons l' utiliser pour moduler la fréquence d' un autre oscillateur, d' Donc F signifie modulation de fréquence, et c'est ce que nous faisons. Nous utilisons un oscillateur pour moduler un autre Donc, lorsque nous avons une configuration comme celle-ci, nous avons D, permettez-moi d' y revenir. Nous avons D, modulant C, qui module B, qui module A. Et si nous examinons l'un de ces autres modèles de routage, ils sont similaires . Par exemple, regardons celui-ci. Dans celui-ci, A et B sortent d'eux-mêmes, mais C est modulé par D. Nous allons donc entendre trois oscillateurs et C va être un oscillateur modulé parce que D Allons-y. Nous allons avoir B , C et D modulant tous A. Nous n' entendrons donc qu'un seul oscillateur, mais il sera modulé par trois Passons à celui-ci. Nous allons avoir D modulant C, puis C modulera B et A. Donc, tout cela va sonner un peu différemment. Voici notre correctif par défaut. Laisse-moi juste les monter. OK. Maintenant, j'ai du volume sur chacun d'entre eux. Ils émettent tous juste une onde sinusoïdale, d'accord ? Passons à notre modulation ici. Nous entendons donc maintenant quatre oscillateurs faire exactement la même chose. D'accord ? Rien d'extraordinaire. Passons à la FM. Hein ? C'est très différent. Nous entendons maintenant tous ces oscillateurs se moduler les uns OK, passons à celui-ci. Légèrement différent C'est très différent. Et un peu, OK. Le modèle de modulation ou le routage sont donc très importants. donc ce qu'est la FM. C'est ça ou en fait n'importe laquelle de ces combinaisons sont des combinaisons de FM et d' additif ou peut-être de soustraction C'est de la FM pure, où nous avons tout un tas de choses qui en modulent une autre. C'est bon. Cool. C'est bon. Essayons maintenant de créer quelque chose avec notre opérateur. A. 28. Programmation opérateur: OK, faisons quelque chose avec l'opérateur. Revenons donc à notre correctif par défaut. Je vais juste faire glisser l'opérateur dessus et m'assurer que je reviens à mes paramètres par défaut. OK, donc nous avons ceci. D'accord ? Prenons donc ce son. Faisons quelque chose d'un peu plus de plomb, quelque chose qui nous donnera un petit coup de pouce. Donc, tout d'abord, cela me dit que je ne veux pas faire d'onde sinusoïdale. Nous avons donc ici toutes ces formes d'onde différentes, mais vous pouvez voir qu'elles sont assez similaires Nous avons trois signes différents. Nous avons un tas de scies différentes, un tas de carrés, de triangles, de tronçonneuses à boucle, de bruit blanc et d'utilisateur Donc, si je passe à l'une de ces scies, elles vont essentiellement vous montrer différentes quantités d'harmoniques Ce sont ce graphique vous montre en quelque sorte des partiels. Et ce qui est amusant avec Operator, c'est que vous pouvez simplement dessiner les partiels que vous voulez, et cela changera le son Vous êtes donc en train de dessiner une forme d'onde ici. Vous dessinez les partiels, mais vous pouvez voir ici quelle est la forme d'onde qui en résulte C'est donc plutôt amusant. Mais passons à l'un de ces carrés. Donc, un carré à trois partiels, c'est ce que cela vous indique. Les harmoniques ne sont pas très bruyantes. Square avec 64 va être beaucoup plus animé. Restons-en à ça, en fait. J'aime bien ça. Maintenant, une chose que je vais souligner pendant que nous sommes ici, c'est le bruit et le bruit en boucle Le bruit blanc est donc un pur bruit. Il n'y a pas de pitch. Donc, si je sélectionne le bruit, peu importe la note que je joue, peu importe la note que je joue, c'est pareil. Hein ? Le bruit n'a pas d'importance touche que vous jouez, car le bruit n'a pas de tonalité. Ce ne sont que des terrains. Mais si vous voulez que le bruit ait une tonalité, vous pouvez faire du bruit en boucle. Et il s'agit essentiellement d'un petit fichier sonore contenant du bruit qui peut être mis en boucle et qui peut avoir une tonalité Vous pouvez entendre un bruit de boucle ici. Voilà donc les différences entre les deux. Mais revenons à la case 64. OK. C'est bon. Passons maintenant à notre routage, et faisons quelque chose de FM. Donc dans ce cas, nous allons faire , allons-y. D'accord ? Donc B module A et C module D. D'accord ? Ajoutons donc un peu de son à B. D'accord. OK, nous voulons faire quelque chose avec ces enveloppes, mais nous allons les laisser telles quelles pour le moment Ensuite, prenons C et passons également à une onde carrée. OK, donc je voudrais ajuster mon enveloppe pour celui-ci parce que ça me donne juste un petit son. Alors j'éteins les deux autres. Et je vais m' en aller avec ça. OK, je vais m'y attarder un tout petit peu. Ensuite, nous allons ramener A et B. D'accord, plutôt cool. Je ne pense pas avoir besoin d'un LFO. Mon filtre est plutôt bon. Il y a une sorte de mouvement frénétique là-dedans qui, je crois, vient de ce réglage OK, réglons nos enveloppes d'amplitude pour qu'elles soient un peu plus courtes Ou plus longtemps, en fait, c'est ce que j'essaie de dire. Pour ne pas entendre ce son de chien. Nous sommes un tout petit peu décolorés. Plutôt bon. J'en reçois encore un peu. Démontons ça. Oh, c'est ce que c' était, je crois. OK. J'en suis plutôt content. Ajoutons-le à notre clip ici. Donc je pense que ce que je vais faire ici c'est peut-être certains de nos peggios, non Faisons en sorte que je pense que c'est un C que j'ai mis là-bas. Faisons donc du C E bémol en partant de la touche. G. Eh bien, faisons-en un peu plus, en fait. C Un appartement. OK, ça devrait faire un bruit un peu effrayant. Allons-les pour qu'ils soient longs, je ne sais pas. Faisons en sorte que cela ressemble à quelques barres. Ensuite, peut-être que nous le changerons pour peut-être une sorte de F F A bémol C. Remettons-nous celui-ci en F. Peut-être que nous le remonterons en do bémol. Passons ça à D. Bien sûr. C'est un peu bizarre. Voyons ce bémol en mi bémol. Passons maintenant à nos effets MIDI, ajoutez-y un petit arpégiateur juste pour le fun Nous allons le faire en solo. OK, pas mal. Maintenant, juste pour égayer un peu les choses. Pas d'exagération, mais ajoutons des effets audio. Ajoutons un écho. J'aime toujours échos sur des objets arpégés. C'est juste que c'est plutôt agréable. OK. Je vais combiner ces deux clips avec Command J, puis les dupliquer encore et encore. Très bien, voyons ce que nous avons tous ensemble maintenant. Cool. Ensuite, je pense que nous avons besoin d'une sorte de bloc-notes, mais nous y reviendrons quand nous y serons. Continuons à jouer un peu plus avec l'opérateur et procédons à une déconstruction prédéfinie 29. Déconstruction de préréglages: OK, alors allons voir notre opérateur ici. Et regardons quelques préréglages. Donc, opérateur L, voyons voir ici. Qu'en est-il des touches déformées ? Distorad. Que diriez-vous de celui-ci ? Je vais juste le mettre là. Oh, c'est une étagère, et je ne veux pas en faire. ce que je vois. C'est assez proche de ce que nous avions fait. En termes de son semblable à un plomb. OK, regardons ce qu'ils ont. Oh, c'est intéressant, tout de suite. OK, donc notre premier oscillateur est activé. C'est un peu décalé, et le réglage du cours est fixé à sept. Maintenant, cela fonctionne un peu différemment de ce que nous avons vu en analogique. Le réglage du cours ressemble, d'une certaine manière, à un accord, mais en réalité, cela ne nous indique pas des octaves Cela nous indique quel partiel. Vous pouvez donc entendre comme si je les désactive, nous avons choisi de désactiver cet écho. Et cet arpégiateur. Nous sommes donc en train de passer en revue les harmoniques. Nous passons donc par les harmoniques ou différents partiels, plutôt que Vous pouvez donc créer des effets intéressants de cette façon. Bien, revenons-y certainement et parcourons-les. OK, donc notre enveloppe est complètement ouverte, et nous avons une onde sinusoïdale. C'est assez simple. Notre deuxième oscillateur, notre oscillateur B, celui-ci est vraiment intéressant Ce mode fixe est défini. Le mode fixe signifie qu'il ignorera le nœud sur lequel je joue sur le clavier. Il jouera toujours quelle que soit la fréquence indiquée ici. Ainsi, dès que vous passez quelque chose en mode fixe, le cadran de trajectoire devient uniquement une fréquence. Ce sera toujours 693 hertz, celui-ci. C'est donc réglé. Maintenant, ce qui est intéressant ici, c'est de regarder notre itinéraire. Cette fréquence va donc toujours moduler l'oscillateur A. Mais même si c'est à une seule fréquence et qu'il jouera toujours cette fréquence, il ne jouera pas toujours cette fréquence parce que cette fréquence est modulée à parce que cette fréquence est la fois par C et par D, n'est-ce ce que nous pouvons voir ici. C est donc plus silencieux que les autres. Le niveau ici dépend vraiment de l'ampleur modulation qui va se produire. Plus vous appuyez sur ce volume, plus il va moduler la prochaine étape. Regarde, écoute. Non. Oh, c'est vrai. Cela a donc à voir avec la modulation. Nous en sommes à la septième partie. Ici aussi, nous avons une forme d'onde unique avec seulement quatre partiels Même chose ici, nous avons une forme d'onde unique qu'ils ont simplement dessinée avec une trajectoire partielle, puis l' ont désaccordée d'une manière ou d'une autre, environ un demi-pas Et puis tous ces éléments se nourrissent les uns les autres. J'ai un LFO activé, voyons où nous l'utilisons Le LFO arriverait OK, donc le LFO est là, nous pouvons aller ici et voir Ça passe juste à A, et c'est une hausse assez élevée, 100 %. Mais le montant ici est assez faible, donc ça ne rapporte pas grand-chose. Ce serait le cas si on le lançait. Je lui donne juste un peu de mouvement. Et puis cette enveloppe filtrante est en quelque sorte réduite, elle ferme donc un filtre au fur et à mesure. Ne te réchauffe pas comme ça. Et puis son volume est un peu faible. C'est tellement intéressant. Essayons cela sur notre petite piste. Je vais réactiver Echo et notre pagiateur. Je crois que ça me plaît. Continuons cela. OK, des choses géniales que nous pouvons faire avec l'opérateur. OK, euh, juste pour des raisons de cohérence, je vais vous donner cette séance à nouveau, puis nous passerons à la dérive. 30. L'interface Drift: Très bien, passons à la dérive. Je vais créer une nouvelle mini-piste ici avec Command Shift T. Peut-être que je vais me débarrasser de ces deux pistes audio pendant que nous sommes ici parce que nous n'en aurons pas besoin Et mettons-y de la dérive. Maintenant, Drift est une nouveauté dans Live. Ce n'est pas nouveau et Live 12. Je pense que cela s'est en quelque sorte faufilé dans une version tardive de Live 11, comme la version 11.5 environ C'est un instrument qui ressemble beaucoup à l' analogique dans la mesure où nous pouvons l'utiliser de la même manière que nous utilisons l'analogique. Il comporte quelques fonctionnalités supplémentaires. Mais il est également capable de faire des choses FM, donc c'est un peu comme l' opérateur 2, d'une certaine manière. OK, passons donc en revue la mise en page de base. D'accord ? Donc, d'abord, la section de l' oscillateur. C'est assez simple ici. Nous avons des oscillateurs ici. Nous avons deux oscillateurs et puis du bruit. Donc, un peu comme l'analogique. Nous avons une forme d'onde différente. Voyons voir. Nous avons un sinus, un triangle. En fait, j'ai entendu des gens parler de cela comme d'une vague de dents de requin. C'est un terme un peu nouveau pour moi, mais il existe. Je ne sais pas comment on appelle celui-ci. Dent de scie. Il s'agit d'une onde de pouls et d'une onde carrée. Alors allons-y, oups. Mauvais trek en solo. OK, alors voici ce que nous avons en ce moment. Nous pouvons créer une sorte de forme de vague sympa avec ça. Par exemple, désactivons-en deux. Voici donc juste Oscillator 1. Nous pouvons en quelque sorte façonner. Vous pouvez voir ce que cela leur fait. Cela vous montre en quelque sorte. Nous sommes donc en train de prendre cette forme d'onde et de la modifier un peu Passons à ce truc cool avec les dents de requin. C'est un son cool. Nous pouvons faire un peu de modulation ici, donc nous pourrions dire LFO. Découvrez ce que fait le LFO. Donc, si je vais jusqu'ici et que change le LFO, je peux le faire Mais ici, nous avons une certaine capacité de modulation. Et puis cela active notre oscillateur, ce qui est un peu confus, mais ce bouton l'envoie au filtre, d'accord ? Si nous le désactivons, il va contourner le filtre et passer directement, je crois, aux enveloppes, puis à la sortie Donc, si nous voulons passer au filtre, nous allons y aller. Nous allumons donc notre deuxième oscillateur. C'est ce que nous allons faire. Celui-ci, on peut le dérégler un peu Est-ce que ce genre de bruit est plus fort ? Juste le volume ? Cool. Ensuite, nous pouvons faire plus de modulation ici. Nous pouvons dire : modulons l'enveloppe 2, que nous n'avons même pas encore configurée, stupide. Donne-nous juste une touche. Un peu comme ça, Slob. Oui, nous pourrions ajouter du bruit si nous le voulions. Eh bien, non ? Notre fréquence de coupure du filtre. Cela nous est familier. Nous avons ici un beau graphique sympa. Resonance, ça nous est familier. Ce type est que nous avons deux types de filtres différents. Vous pouvez en quelque sorte voir la forme. Cela a juste à voir avec l' algorithme en arrière-plan. Vous aimerez peut-être le type 1 et le type 2. Si je comprends bien, type deux est le filtre Ableton le plus traditionnel et le type 1 est un peu nouveau. Hum, suivi des clés. Nous n'avons pas encore parlé du suivi des clés. Revenons-en peut-être à cela. Je vais parler du suivi des clés dans la prochaine vidéo. Résidents, ce col haut ici, ce col haut HP, c'est ce que nous voyons dans de nombreux endroits différents, parfois, c'est juste un moyen d'éliminer les vraies basses fréquences. Parfois, vous le voyez allumé depuis alors que vous ne voulez tout simplement rien de bas. Il y a donc comme une passe haute assise là, prête à se débarrasser de tout ce qui gronde. Tu n'es pas obligée de t'en servir. Plus de modulation. Nous pouvons choisir ce que nous voulons utiliser pour moduler. Et puis ce que nous voulions moduler. Donc plus de LFO, plus d'enveloppe, de nombreuses opportunités de modulation Et nous arrivons aux enveloppes ici. Nous avons l'ADSR traditionnel. Rien d'extraordinaire là-dedans. OK. Allons-y. Je vais l'affiner un peu plus. Cool. Notre deuxième enveloppe a une petite fonctionnalité sympa. Nous pouvons donc ajouter une deuxième enveloppe et il y a ce bouton qui va faire tourner cette enveloppe, d'accord ? Alors, qu'est-ce que cela signifie ? Une enveloppe qui façonne la forme de notre son, mais qui circule encore et encore assez rapidement Il s'agit essentiellement d'un LFO. Donc, cela transforme en quelque sorte cette enveloppe en un LFO. Et si nous l'activons , nous pouvons contrôler sa forme. Peut-être que nous l'appellerons ici Envelope two cycling. C'est donc là que si nous le réglons vraiment pour moduler notre fréquence, nous entrons dans une sorte de territoire FM Il s'agit plutôt d'un réglage LFO, donc il s' agit essentiellement d'un autre LFO, si l'on considère Le montant, ce que nous voulions moduler, puis le mode. C'est ce que l'on retrouve dans de nombreux synthétiseurs. Je pense que nous l'avons vu dans d' autres, mais poly signifie polyphonique Il peut jouer de nombreuses notes différentes. Mano signifie monophonique. Il ne peut jouer qu' une seule note à la fois. Stéréo signifie qu'il va avoir deux notes qu'il peut jouer à la fois ou deux signaux différents. Et l'unisson signifie qu'il ne peut jouer qu'une seule note à la fois, mais il est généralement doublé par un effet, pour créer un effet stéréo Maintenant, je crois que cette dérive ajoute plus d'harmoniques et quelque sorte de nous déplacer avec les harmoniques Cela devient encore plus intéressant si vous passez en mode stéréo. OK, calmons-nous. Vous pouvez entendre que la modulation devient de plus en plus intense lorsque vous augmentez le réglage de dérive. Nous avons ici plus de modulation. Vous pouvez essentiellement choisir ce qui fait la modulation et ce qu' elle module et dans quelle mesure sélectionner trois autres éléments ici Et c'est en quelque sorte ça. Donc, assez similaire à l' analogique mais avec quelques nouvelles fonctionnalités intéressantes. 31. Étude préréglée: OK, regardons un petit préréglage. Que diriez-vous du Morning Chorus Pad ? Ça a l'air génial. D'accord. C'est un très beau son. Regardons ce qu'ils ont ici. Ils ont donc ce genre de vague de dents de requin, puis une vague en dents de scie La deuxième enveloppe se module un peu, cette première L'enveloppe 2 est donc ici, celle-ci. Nous avons le paramètre de forme activé, et cela crée une forme un peu loufoque. Cette enveloppe, cette enveloppe est en train de changer de forme. Et n'oubliez pas que je peux dire que ce n'est pas un LFO qui change de forme parce que cela ne se produit qu' une seule fois puis s'arrête Deux, pas de bruit. Filtre, type 2, suivi des touches. Je promets que nous arriverons au suivi des touches en seconde résonance de filtre. Filtre assez bas. Est-ce que c'est modulé ? Comme les filtres qui sont modulés en ce moment. Un peu de modulation de fréquence, c'est de la FM, donc un peu de FM se produit. ADSR, une attaque plutôt lente. Attaque lente également sur le second. Ce genre d' enveloppe en boucle pour en faire une sorte de LFO n'existe pas Le LFO est très subtil. Je ne pense pas avoir indiqué ici que vous pouvez modifier la forme du LFO avec ceux-ci Ils en ont quelques nouveaux ici, comme ce wander, qui est un peu une onde sinusoïdale plus subtile, d'une certaine manière Donc un peu de LFO, un peu subtil. Le montant est élevé à l' approche de l'enveloppe 2. Stéréo, un peu de dérive. Ouais. Kel Sam. 32. Suivi de clé: OK, suivi des clés. Je l'ai promis, et maintenant nous sommes de retour. Le suivi des clés, c'est donc ce petit travail ici. Voici donc l'objectif du suivi des clés. La raison en est que nous avons un filtre, et qu'il est, vous savez, juste là, d'accord ? Notre résonance est donc là. C'est juste dans le milieu de gamme, d'accord ? Disons que c'est pour ça. Maintenant, c'est là que réside notre résonance. OK ? Donc, ce billet aura une petite pointe juste au-dessus. Hum, donnons-lui plus de résonance. OK, cool. Maintenant, le problème, c'est que cette note va ressortir parce qu'elle va avoir une résonance supplémentaire . Si je continue à monter mes notes vont commencer à avoir un son différent. Ils deviendront plus silencieux en tant que filtre à mesure qu'ils passeront devant le filtre, non ? Donc, ce que nous voulons vraiment, c'est que toutes les notes mon clavier soient similaires, n'est-ce pas ? Ils sont un peu plats en termes de volume. Mais ces notes situées juste au milieu seront plus fortes que les autres parce qu' elles se trouvent fortes que les autres parce qu' juste en dessous de cette bosse de résonance Ils vont être boostés, d'accord ? n'est donc pas une bonne chose. Cela va créer un synthé au son amusant Nous utilisons donc ce que l'on appelle le suivi des clés pour éviter ce problème très spécifique. Le suivi des touches permet d' ajuster votre filtre. Dans ce cas. Il est généralement utilisé avec un filtre, mais vous pouvez également voir quelques autres endroits. Cela va ajuster votre filtre un peu, vous savez, 30 %, en fonction de la touche que vous jouez. Il s'agit donc de suivre la touche que vous jouez et de l'ajuster à partir de là. Donc, si je joue une note aiguë, cela va essentiellement déplacer mon filtre là où je suis, n'est-ce pas ? Hum, ça ne va pas se mettre à jour et nous montrer ça. Peut-être si je le monte très haut. Non, on ne le voit pas, mais ça marche. Promesse. C'est donc ce que fait le suivi des clés. Nous observons également souvent le suivi de la vitesse, qui fait la même chose. Quand je joue une note très fort, les choses peuvent s'ajuster si je le configure plutôt que si je joue une note très doucement, n'est-ce pas ? Vous pouvez donc voir que le suivi de la vitesse apparaît généralement très près suivi des touches lorsque le suivi des touches est disponible. C'est donc ce qu'est le suivi des clés. En général, cela peut simplement atténuer votre son si vous constatez que vous jouez et qu'il y a une augmentation de volume étrange quelque part à cause de la configuration de votre filtre Activez le suivi des clés, ce qui peut vous aider à résoudre ce problème. 33. Programmation en dérive: Bien, ajoutons-y notre belle expérience de design sonore ici Euh, alors émettons un son. Revenons à notre dérive par défaut. OK, alors passons à ce genre de dent de requin ou oui, et peut-être à cet autre truc bizarre. Forme active. OK, je veux quelque chose d'un peu brillant ici, alors tu peux régler celui-ci un tout petit peu. Nous y voilà. J'aime bien ça. Pour l'instant. Laisse ça tranquille. Pas de bruit, de fréquence. Tirez-le vers le bas, donnez-moi une petite résonance Je vais m'en servir un peu parce que je vais me comporter comme un bloc-notes. Je ne veux aucune modulation de fréquence. Je veux que ce soit un peu plus lent. Allons-y. C'est ce que nous allons faire. Wely a besoin du second. Augmentons notre rythme, et passons à cette division subtitude errance du Et le huitième nœud est probablement correct, mais passons au quart de note. Non, configurons-le pour moduler. Enveloppez-en un peu, puis nous retournerons ici et monterons notre LFO ici Juste un petit peu. Là-bas. Très bien, allons-y. OK, alors pour mon morceau, je pense que je vais juste utiliser ces cordons, mais sans arpégiateur Alors faisons-le, puis dupliquons-les. Et écoutons-le. Cool. Écoutons tous mes sens en ce moment. Je dois étiqueter celui-ci. Celui-ci va être opérateur, opérateur et dérive. D'accord. Plutôt cool. Passons maintenant à la toute dernière version appelée Meld. OK. 34. L'interface de fusion: Très bien, parlons de Meld. Il s'agit donc d'une toute nouvelle version de Live 12. Créons une nouvelle piste MIDI, et chargeons-la dans Meld Donc, la première chose que nous devons faire avec Meld est d'ouvrir ce petit cadran ici, d'accord ? Cliquez dessus. Maintenant, nous voyons tout cela, d'accord ? Il y a beaucoup de choses ici. OK. Donc, en gros ce que nous voyons ici, c'est que c'est l'instrument. C'est ce que nous allons appeler une matrice de modulation, d'accord ? Accroche-toi à ça pendant une minute. Nous y arriverons. OK, donc tout d'abord, notre section sur les oscillateurs. Nous commençons donc à nous éloigner de la dérive ha ha. Nous aimons la synthèse traditionnelle, et nous abordons des sujets un peu différents maintenant. Mais il contient toujours à peu près les mêmes éléments. Notre section sur les oscillateurs est donc un peu différente. Ce qu'ils ont ici ressemble presque une table à vagues, mais ce n'est pas vraiment le cas. Il s'agit donc évidemment de la section oscillateur, mais elle l'appelle moteurs Et ce que nous avons ici, c'est un tas de formes différentes qui sont des sortes de combinaisons d'oscillateurs Ils sont plus complexes que vos oscillateurs classiques. OK ? Nous n'allons pas trouver une simple onde carrée normale ici. Certains d'entre eux sont conçus pour tirer parti des paramètres sensibles aux touches. Lorsque vous voyez ces petites parenthèses à la fin, cela signifie qu'ils seront en mesure tirer parti de la reconnaissance des touches et de se conformer à la clé dans laquelle vous vous trouvez Et puis, quand vous voyez ce petit symbole, j'entends des membres de la communauté Ableton l'appeler symbole du hashtag B. Non, ne l'appelez pas un symbole de hachage B. Je n'approuve pas cela. Nous allons l'appeler un symbole pointu ou un symbole sensible aux touches. Mais les deux symboles présents sont suivant : le premier est un plat et le second un pointu. Appelons donc cela des flats tranchants. D'accord, en tout cas, choisissons-en un qui tient compte des clés. Ok, donc celle-ci s'appelle Swarm saw. Assurez-vous que nous sommes sur celui-ci. J'ajoute de la lotion. Sonorisation ? C'est donc devenu instantanément un son énorme. Nous pouvons ajouter un deuxième oscillateur ici si nous le voulons. Nous en avons déjà un. OK. Pas mal. OK, jusqu'à présent, nous ne faisons que de la synthèse soustractive, et c'est plus ou moins ce que nous allons obtenir Meld, c'est de la synthèse soustractive, mais avec une quantité incroyable de paramètres de modulation. Cela frise donc probablement le FM. Mais bon, passons à notre section des enveloppes ici. Nous avons donc A et B, d'accord ? Je crois donc qu'ils sont alignés avec le moteur A et le moteur B. Donc, pour A, nous avons une enveloppe d'amplitude et une enveloppe de modulation. Et voici nos paramètres ADSR typiques. Vous entendez toujours l'autre partir parce que vous entendez B. Passons à B et faisons la même chose. Cool. Des enveloppes, nous avons des LFO ici que nous pouvons appeler. Nous pouvons maintenant créer des LFO plus complexes en modifiant, vous savez, le taux, nombre de pas, les pulsations Cela donne du matériel vraiment intéressant. Une fois que nous l'aurons utilisé, nous aurons un autre LFO ici. Revenons aux enveloppes. Quelques autres paramètres, réglages, suivi des touches. Activez-le là-bas. OK, passons à nos filtres. Nous avons tout un tas de paramètres de filtre. Il s'agit simplement de différents types de filtres. OK, et un petit mixeur ici. Ce qui est cool avec Meld, c'est que nous avons une sorte de limiteur intégré juste pour éviter que cela ne devienne incontrôlable Un limiteur l'empêche simplement de devenir trop fort. Il dira simplement : «   C'est ta limite ». Vous ne pouvez pas aller plus haut que cela, plus fort que cela. Bien, jetons maintenant un coup d'œil à notre matrice de modulation. OK, ça peut blesser un peu ton cerveau. Hum, nous avons donc des sources en haut et des cibles en face. Supposons donc que je veuille moduler mon oh, je ne sais pas. Hum, ce bouton de tonalité, d'accord ? Maintenant, dès que je clique dessus, nous sommes passés au filtre de tonalité. Tu l'as vu ? Il suffit de sauter dessus. Si je clique sur celui-ci, il va passer ici, celui en gris clair. Revenons donc à l'endroit où nous étions. OK ? Alors ça saute là. C'est génial. Alors maintenant, je peux moduler cela avec n'importe lequel de ces éléments simplement en activant quelque chose. Disons donc que le filtre de tonalité va être modulé par mon LFO OK, voici LFO One. Alors maintenant, je vais juste cliquer et faire glisser pour l'augmenter, d'accord ? OK, augmentons ça. OK. Et vous pouvez en quelque sorte voir ce qui se déplace et à quelle vitesse en regardant simplement ici. Hein ? Peut-être que je vais essayer ELFO two là-dessus aussi. J'aime bien ça. Nous mettons donc F deux, puis nous pouvons moduler des choses. Une fois que nous aurons examiné un préréglage ici, vous verrez que certaines de ces choses se compliquent avec la quantité de modulation qu'elles effectuent Donc en fait, allons-y nous avons en quelque sorte fini d'explorer cette question. Alors oui, regardons un préréglage. 35. Étude préréglée: OK, essayons ce préréglage. Donc je vais juste le traîner ici. Voici ce que nous avons obtenu. Il se passe beaucoup de choses ici. Regardez toute la modulation qui se produit. Il se passe tout ça ici. Tellement dense. OK, voyons ce que nous avons d'autre. Donc, bien sûr, nous avons juste une onde carrée normale ici, même si je l'ai dit, vous n'allez pas trouver une onde carrée normale, mais voilà. Donc oui, d'accord, il y a un carré. Mais c'est la cinquième case, donc je pense qu'il y a probablement une deuxième fréquence là-dedans. Scie à essaim pour notre deuxième moteur, pour ainsi dire. O. Filtres, assez agressifs là-haut. Mais je parie qu'ils sont modulés. Regardons. Juste ici. Oui, il est modulé par le LFO, et celui-ci est également modulé par Il est donc presque difficile de se fier à ce que vous voyez à l'écran à cause de la forte modulation qui se produit. Ces enveloppes, je parie qu'elles sont modulées par Voyons voir. Fréquence du filtre. Oui, il est en fait modulé par deux choses. Il y a tellement de modulation. Cette tonalité n'est pas modulée. C'est cool. Mais tant d'autres choses encore, comme l'espacement. La macro deux est ce qu'on appelle l'espacement ici, je suppose. Donc, juste une quantité insensée de modulation. Mais cela crée des sons vraiment dynamiques, n'est-ce pas ? Dix sons différents. Cela ressemble à quelque chose que nous avons intégré au morceau, Ben Frost. Cherche Ben Frost. OK, créons quelque chose de notre propre chef et voyons ensuite si nous pouvons ajouter quelque chose à notre drôle de petit morceau de synth ici 36. Programmation Meld: Bien, revenons à notre patch de fusion par défaut. D'accord ? Maintenant, je ne veux pas quelque chose de très compliqué, parce que je vais essayer de créer quelque chose qui soit en quelque sorte une piste pour cela. Faisons donc défiler la page ici. On dirait un orchestre qui s'échauffe. Toutes les harmoniques ne font qu'ajouter. OK. J'ai une section de réglage ici, donc je peux la régler. Ce que je veux vraiment, c'est juste que cette seconde soit un peu plus silencieuse Donc ça va être par ici. Épaissit ça juste au toucher. Et peut-être qu'avec cet espacement, je vais m'y attarder un peu avec LFO one. Je voudrais ralentir un peu. Nous devons donc trouver le LFO 1 et baisser le taux. Peut-être revenez-vous à cette question : je remonte le taux à la hausse. OK. C'est pas mal. Les enveloppes sont plutôt belles comme elles sont. Filtres. Je veux toutes ces choses brillantes là-dedans, donc je n'en ai pas trop envie. Je me demande si je peux moduler le lecteur avec quelque chose. Hum, je ne peux pas, apparemment. C'est cool. OK, voyons maintenant si nous pouvons trouver quelque chose à ce sujet. Je pense donc à une sorte d'idée mélodique. Peut-être que nous passerons à C. Et ensuite, je ne sais pas, fais-le. Je pense que nous sommes en do mineur ou quelque chose comme ça. Peut-être que nous l'étendons. Faisons une réduction très lente. J'aurais dû composer le bon barème. Cela aurait beaucoup facilité les choses, mais ce n'est pas grave. Appartement A bémol G F E plat. Eh bien, dupliquez ça. Regarde à quoi ça ressemble. Ça ne me dérange pas, mais j'ai besoin d'un peu plus de modulation dans ce son, parce qu'il est juste un peu plat. Alors voyons voir. Voyons voir. Modulons notre filtre avec le LFO deux et également ce filtre avec le LFO C'est mieux Nous modulons un peu le volume Le volume est modulé par la vélocité parce que c'est ce que vous feriez, mais disons aussi LFO 1 Faisons-le ici aussi. Volume LFO 1. Comme, n'est-ce pas ? Cool. Ça me plaît. OK. Hum, ce sera probablement mon préféré pour le brillant sinth de Bazinas maintenant. OK, permettez-moi de vous donner à nouveau cette séance. Si vous l'aimez, vous pouvez jouer avec. Passons ensuite à la collision. 37. Synthé de Collision de Live: Bien, la prochaine étape est la collision. C'est l'un des plus anciens qui existe depuis un petit moment, et ce sera notre premier modèle physique. N'oubliez donc pas que j'ai expliqué ce que sont les modèles physiques. s'agit de ce gros algorithme fou qui tente de recréer les paramètres physiques d'un instrument Maintenant, souvenez-vous que j'ai dit, ne vous inquiétez pas, vous n'aurez pas à faire tous ces calculs. C'est vrai. Voici donc à quoi ressemble l'interface. Donc, en gros, nous avons ici un modèle physique de percussion, mais plus précisément des maillets, donc des xylophones, des vibrations, des choses comme ça donc des xylophones, des vibrations, Vous pouvez également lui faire faire d'autres choses plus étranges Mais vous pouvez voir ici, gros, qu' il y a ce graphique d'un faisceau. Et nous pouvons en quelque sorte dire où nous allons l'atteindre. Quelle est sa taille. Et puis, genre, avec quoi nous allons nous attaquer. Passons donc en revue cela. Ainsi, dans un modèle physique, nous n'avons pas vraiment de section d'oscillateur Nous avons plutôt un maillet et une section de résonateur. Et ce sont deux sortes d' oscillateurs, car ils contribuent tous deux à produire le son Au-delà de cela, nous pouvons avoir un filtre, mais ce n'est pas le cas dans celui-ci. Mais nous avons des choses comme les LFO, un peu de routage que nous pouvons effectuer et des enveloppes un peu partout OK, alors commençons ici, dans le maillet. Le maillet est donc ce que nous allons utiliser pour frapper autre chose. Donc, si vous avez déjà joué des percussions ou frappé un xylophone, vous savez que le maillet contribue beaucoup au son Il peut s'agir d'un maillet souple ou d'un maillet dur Toutes ces choses auront de l'importance. Nous pouvons donc dire que le volume dépendra essentiellement de la force avec laquelle nous aurons atteint le but. Ensuite, il y a la rigidité du maillet, quantité de bruit qu'il contient, la couleur du maillet, le matériau, etc. Voyons ce que nous avons. OK. Rendons-le plus rigide C'est comme un maillet en laiton. Et puis ça va être, genre, un maillet en laine très doux OK. Bruit. Je vais garder ça bas, en fait, parce que j' aime bien ça Son. Que font les couleurs ici ? Pas grand-chose pour nous en ce moment. OK ? Nous pouvons ajouter du bruit. Cela fonctionnera un peu comme un oscillateur de bruit que nous avons vu Nous voyons que ce générateur de bruit possède un filtre intégré. Voici notre fréquence de coupure et notre résonance, et il possède même une enveloppe ADSR intégrée C'est celui dont je parlais un peu plus tôt où nous ne voyons pas le graphique qui nous montre l'ADSR Nous devons juste savoir ce que nous faisons ici. Et nous avons une enveloppe pour notre bruit. Voici donc l'éteindre. Il ne fait pas grand-chose en ce moment. OK, maintenant, résonateur. C'est donc ce à quoi nous sommes confrontés, n'est-ce pas ? Donc, en ce moment, nous frappons une sorte de faisceau de taille moyenne, d'accord ? Nous pourrions frapper un marimba, une ficelle, une membrane, comme une tête de tambour, une plaque, un tuyau ou un tube Disons tube, d'accord ? Hein ? On dirait que c'est ce que l'on attend d'un tube. Si je le touche juste sur le bord, ça résonne plus. Si je le trouve ici en raison de ce à quoi on s'accroche probablement, cela ne résonne pas autant Certaines choses que nous pouvons fabriquer grands et de petits tubes, nous ne pouvons pas toucher une corde. Si je le frappe un peu sur le côté. Avec les cordes, nous pouvons faire des basses, moyennes et hautes. C'est donc beaucoup plus lumineux comme ça. Revenons à euh. Eh bien, essayons une membrane très rapidement. On dirait un carillon, peut-être, ou une sorte de timbale, quelque chose là-dedans D'accord, de toute façon, revenons à Beam. J'aime bien ça. OK, nous avons donc quelques harmoniques que nous pouvons ajouter. nharmoniques sont généralement des harmoniques désaccordées, elles vont donc En voici aucune. Pas plus bruyant n' est pas le bon terme Ce ne sera pas ils vont ajouter des notes au-dessus de la fondamentale, donc ces harmoniques, mais ce ne seront pas harmoniques consonantiques ou ce ne seront pas des OK, on peut ajouter un autre résonateur si on veut. Cela rend les choses incontrôlables rapidement. Nous avons une section LFO que nous pouvons ajouter. On peut donc dire LFO 1. Mettons ça comme la rigidité du maillet. OK, c'est cool. J'aime ce genre de choses parce que cela signifie que cela va constamment changer, c'est ainsi qu'un maillet agirait réellement dans le monde réel Tout cela est donc la cartographie clé et la cartographie de la vitesse dont nous avons parlé. On peut donc dire que le volume du maillet dépend de la clé. Si je le mets à 100 %, cela signifie qu'au fur et à mesure que je monte, le bruit augmentera. Hein ? Les notes graves sont donc plus calmes que les notes aiguës. OK, c'est donc notre schéma de base en matière de collision. Jouons avec. 38. Collision de programmation: OK, alors faisons quelque chose rapidement en cas de collision. Donc en fait, je suis plutôt intéressé par ce que nous avons commencé ici. Voilà notre maillet. Je vais éteindre le bruit. Restons là, mais ajoutons un deuxième résonateur qui est une corde. J'aime bien ce son. C'est bien plus fort que l'autre. J'ai donc modifié la structure. Je ne suis pas certain de ce que fait cette structure, mais elle donne la priorité aux deux résonateurs Donc, si je passe à un ou deux, ils sont plus équilibrés. Baissons R et les harmoniques . Baisse de luminosité. Je veux un son très court. Je vais peut-être passer aux cordes hautes. J'aime bien ça. OK, donc j' ai ce genre de son court et brusque Ajoutons-le à notre album ici. Mon idée était de prendre ça. Copiez, posez-le là. Mais je vais faire quelque chose d'un peu plus bizarre Je vais associer tous ces mini-clips à Command J. Maintenant, je vais passer à ce clip Mi et utiliser nos styles Transform et Arpegiate pour lui donner forme un peu plus longue. Oh, regarde ça. Allons-y en solo. Oh, j' aime bien ça. C'est bizarre. OK, c'est un peu distinct des paramètres du synthétiseur, mais nous ferions mieux de le faire pendant que nous sommes ici J'aime donc beaucoup ce son que nous obtenons et la façon dont il arrive par vagues, mais il ajoute des notes basses étranges que je ne veux pas. Je pourrais donc y faire face de deux manières. Je pourrais juste aller ici et les supprimer probablement là-bas. OK, maintenant, pour récupérer le son d'onde que nous avions reçu, je vais passer à la vélocité. Et allons-y. Faisons, genre, une rampe ici. Et puis rampez ici. Ensuite, je vais juste le faire pour créer une sorte d'effet de vague. Cela n'a rien à voir avec le design sonore, mais je pense que c'est peut-être une bonne leçon. Je vais entrer et supprimer ceux que j'ai manqués dans une seconde. OK. Supprimons simplement ces notes. Nous n'allons pas vraiment avoir d'importance. OK, allons-y. Écoutons-le. OK, ma vélocité ne fait vraiment rien. Allons ici et vérifions-nous que la vélocité affecte le volume, 100 % du volume de bruit. Nous n'utilisons pas de bruit, mais LFO résonnant, qui devrait suffire Allons-y. Le tout est un peu chaud. Cool. Ça me plaît. Écoutons-le dans le contexte de l'ensemble de notre incroyable son de synthé. Il se passe beaucoup de choses. Mais si on mixait un peu ça, je pense que nous aurions un bon son. Peut-être que nous le mélangerons à la fin. Passons à autre chose. Pourquoi ne pas vous donner ce correctif de collision, mais j'attendrai de vous proposer à nouveau toute cette session jusqu'à ce que nous en ayons ajouté un peu plus. D'accord ? Voici donc ce patch. Appelons cela une onde de percussion. Que diriez-vous de Percussion Wave ? Bien sûr. 39. Synthé de tension de Live: OK, je voudrais passer à la tension ensuite parce que c'est un autre modèle physique. Alors, mettons de la tension sur une piste. D'accord ? Donc, ce que nous avons ici en tension est un modèle physique String, d'accord ? Alors imaginez la tension comme une corde serrée avec, quelque sorte, de la tension. Je suppose que c'est pour ça qu'ils l'ont appelé ainsi. Ils trouvent des noms si intelligents au siège d'Ableton OK, il s'agit donc d'un modèle physique de chaîne. Notre section de filtre à oscillateur va donc être un peu différente Et ce sera différent de la collision que nous venons d'observer. Les modèles physiques ne sont pas aussi uniformes que la synthèse classique, je suppose, faute d' un meilleur terme. Ce n'est donc pas que nous aurons le même type de paramètres que ceux que nous avions ici où nous avions un maillet et un résonateur Pour ce modèle physique à cordes, nous avons un excitateur et un amortisseur, euh, aussi une terminaison et Donc, je veux dire, les paramètres d'un instrument à cordes sont différents de ceux d'un instrument à percussion. C'est pourquoi les attributs du modèle physique sont différents. Vous pouvez donc regarder celui-ci en quatre morceaux, non ? Vous avez l'excitateur ici, le terminateur ici, l'amortisseur ici et le corps D'accord ? Il s'agit donc d'une chaîne. Donc, l'excitateur, il y a plusieurs choses différentes avec lesquelles nous pouvons toucher une corde, non ? On pourrait le toucher avec un pic ou un plectre. On peut l'incliner, le frapper avec un marteau, ce qui est toujours amusant, ou avec un marteau rebondissant, qui est un peu le son le plus cool C'est comme, si vous êtes guitariste, prenez un crayon et que vous le faites rebondir sur la corde, comme nous l'avons tous fait en tant que guitaristes, euh, si nous l'inclinons Ce n'est pas un son particulièrement agréable pour le moment. Il se peut que nous devions le composer un peu plus. Mais faisons-le avec un pic. Le son que nous avons maintenant est donc une sorte de guitare à cordes en nylon. Regardons donc nos paramètres pour le choix. Une protubérance, c'est comme si j'avais le choix ici. Donc, la protubérance va être, vous savez, comme la quantité qu'elle va sortir, et cela va contribuer à la force avec laquelle vous la frappez et à la raideur du médiator Voici juste la rigidité en général du choix. La vélocité, la force avec laquelle nous allons la frapper , la position, l'endroit où nous allons toucher la corde, et l'amortissement si nous voulons en faire , la position, l'endroit où nous allons toucher la corde, et l'amortissement si nous voulons en faire un amortissement de la main droite pour en couper un peu le Si vous êtes guitariste, cela reviendrait à masquer les paumes. Tous ces éléments peuvent avoir une vélocité et un contrôle des touches, ce qui signifie que plus nous appuyons sur une note pour obtenir la vélocité, nous pouvons modifier la rigidité du médiator si nous le voulons. Augmentons ça. Donc, si je joue vraiment doucement. Si je joue vraiment fort, c'est un peu plus dur. Je vais donc baisser le ton. OK, passons à la résiliation. Cela peut être considéré comme une pédale sur un piano, une masse de doigts, une raideur des doigts et une raideur des frettes. Donc, en gros, ce sont des choses qui vont empêcher le son de se produire un peu. OK. Et ceux-ci peuvent également être contrôlés par la vélocité et les touches. Amortisseur. Maintenant, c'est comme la pédale d'un piano. C'est ce que je voulais dire. Donc, l'amortisseur, vous savez, la rigidité de la masse Cela va juste arrêter le son. Corps. C'est amusant de jouer avec ça, vous pouvez faire des choses inhumaines. S'agit-il d'un corps de piano, d'un corps de guitare, d'un corps de violon ou d'un corps générique ? Disons que c'est un piano, très petit. Donc, au lieu de dire guitare, disons un très petit piano. Cela produit des sons différents. Nous pouvons définir certains paramètres à cet égard. Maintenant, nous avons quelques autres choses qui sont cachées ici, comme notre position de prise en charge. Est-ce que c'est en avant ? Est-ce que c'est de retour ? Où le voulons-nous ? Et nous pouvons également définir certains paramètres concernant notre chaîne et tout vibrato que nous voudrions y mettre Passons au marteau rebondissant. J'aime bien ce son, en fait. C'est juste une petite tique, et c'est plutôt chouette. Choisissez que nous avons obtenu de la rigidité sur Maximum. Éteins cet amortisseur. Maintenant, nous avons , genre, un numéro d'appel Si vous connaissez un instrument de koto. Ils sont vraiment cool, et ils sonnent exactement comme ça. Cool. Je suis plutôt content de ce son. Jouons avec. 40. Déconstruction du préréglage de tension: Très bien, je vais enregistrer ça en tant que pluck Je pense que Kyoto c'est peut-être parce que j'aime ça. Et puis faisons une petite exploration prédéfinie ici. Passons donc aux instruments, tensions et voyons ce que nous pouvons faire. Base distante verticale, base en bois, WOW Pad, bruit réglé. Essayons le quatuor à cordes. Maintenant, ça va être intéressant. Nous allons charger le patch pour quatuor à cordes, mais je tiens à souligner une chose à propos des modèles physiques. Ils peuvent sembler très réalistes, mais ils ne sonneront jamais aussi bien qu' un sampler qui utilise réellement les instruments Donc, lorsqu'il s'agit de produire un son très réaliste, samplers restent référence absolue et la voie à suivre Nous parlerons bientôt des samplers. Cela ne va donc pas ressembler à un quatuor à cordes parfait. Voyons ce que nous avons. Oui, c'est bizarre. Je veux dire, c'est cool, mais ça ne l'est pas, ça ne produit pas un vrai son. il y a probablement des choses amusantes que nous Mais il y a probablement des choses amusantes que nous pourrions en faire. Mais voyons comment ils l'ont fait. Donc, d'abord, ils utilisent un arc comme excitateur. Ils ont de nombreux contrôles de vélocité un petit contrôle des touches. Terminator est activé. Donc un doigt normal. Pas de micro, l'amortisseur est allumé, c'était assez rigide. Body est un petit piano. C'est intéressant parce qu' ils auraient pu parler de violon, mais ils ont plutôt parlé de petit piano. C'est intéressant parce qu' ils auraient pu parler de violon, mais ils ont plutôt parlé de petit piano Écoutons la différence. Hein. Bien, donc si nous voulons ajouter quelque chose à notre grande composition de Synth, je voudrais en quelque sorte revenir au son que nous avons créé il y je voudrais en quelque sorte revenir au son que nous avons a juste une minute . Alors faisons-le. 41. Programmation de tension: OK, donc je vais retourner dans ma bibliothèque d'utilisateurs et extraire le son de Pluck Kyoto ici Et voyons ce que nous pouvons en faire. J'ai envie d'adopter l' approche similaire à celle que nous avons adoptée pour celui-ci, mais pas avec le Cord. Alors allons-y. Ouvrons-le, joignons-les ensemble Commande J, accédons à ce clip, sélectionnons A. Et passons à notre péggiate et non à notre péggiate et déclencheur d'accord Allons-y en solo. C'est plutôt sympa. Essayons ça. Voyons à quoi cela ressemble mélangé. C'est vraiment intense. Maintenant, j'ai une idée, juste une idée de composition. Peut-être que c' est notre ancienne note analogique, j'ai envie de la prendre, et oups Je n'ai pas besoin de l'ouvrir. Changez-le. Et si nous faisions cette note analogique pendant, vous savez, environ 4 mesures ? Et puis une autre note pour 4 mesures, mais passons à celle-ci, boum. B bémol. Ça va être un grand moment. C'est cool. C'est juste de la synthèse, de la frénésie. C'est presque comme si Stranger Things était devenu fou, si vous connaissez cette émission. OK, passons à autre chose. 42. Synthé électrique de Live: OK, passons à l'électrique. Je crois que c'est notre dernier modèle physique. Et Electric est un modèle physique un peu étrange parce que c'est modèle physique d'une sorte d'instrument semi-électronique. Je suppose que ce serait une sorte de guitare électrique, mais c'est un modèle physique de piano électrique. Ou si vous voulez voir les choses différemment, vous pouvez considérer un piano électrique comme un orgue Rhodes ou un orgue Wrlizer Des choses comme ça. C'est très précis. C'est tellement spécifique, en fait, vous pouvez voir n'y a que, vous savez, peut-être 20 préréglages ici contre certains de ces autres qui en ont, vous savez, 50 ou 60 préréglages Mais jetons-y un coup d'œil. Donc, comme les autres modèles physiques, il comporte quelques sections différentes liées à sa création sonore. Nous avons un marteau. Nous avons une fourche, un amortisseur et un pick-up Maintenant, nous avons également ce graphique ici. Cela nous montre donc un peu comment fonctionne un orgue Rhodes. Vous avez un marteau qui heurte une fourchette, et vous pouvez imaginer que c'est comme si un marteau heurtait un diapason. C'est un peu comme ça. C'est ce que nous entendons par fourchette. Deux parties pour cette fourchette. Il y a une partie appelée dent et une partie appelée ton, et nous pouvons y accéder . Et puis il y a le pick-up. Par exemple, où est le pick-up ? Est-ce que c'est en avant ? Est-ce que c'est de retour ? Il y a aussi un amortisseur que nous pouvons obtenir ici. OK, alors écoutons-le. OK, donc si vous connaissez l'orgue d'un Rod, c'est ce à quoi il ressemble. Euh, tellement la rigidité de ce marteau. Tu sais, tu auras un ton plus métallique si tu deviens plus rigide La fourchette, tu as la dent et l'orteil. Il fait beaucoup plus clair là-haut. C'est là que l'on trouve une partie de ce son, euh exagéré là-haut. L'amortisseur, vous savez, le pick-up, on peut en quelque sorte dire où il se trouve Elle devient beaucoup plus lumineuse à mesure que vous y retournez. C'est un peu comme jouer vers le haut ou vers le bas sur le manche d'une guitare, où, si vous montez, c'est plus doux, vous vous éloignez du micro ou du chevalet Je ne sais pas exactement à quoi sert la symétrie. Mais ça devient définitivement plus doux au fur et à mesure que vous montez là-haut. Donc, vous savez, nous n'avons pas beaucoup de contrôle ici. C'est très simple. Chargons donc un préréglage et créons-en quelque chose. OK. 43. Déconstruction de préréglages: Piano souple Worltzer. Une ambiance douce ? Revenons à Worltzer soft. OK. OK, maintenant j'ai une idée. Eh bien, regardons d'abord ce qu'ils font ici. Rigidité, pas de bruit sur le marteau. La fourchette est à peu près droite, en T et en ton. La symétrie est très élevée, ce qui va rendre son et le volume plus doux C'est en quelque sorte tout ce qu'il y a à voir. OK, c'est tellement plat. Allons en bas. Je pense que je vais créer un nouveau mini-clip pour quelque chose d'amusant. Je vais faire quelque chose qui corresponde notre analogue là-haut. C'est un peu plus court que ça. OK. Alors voyons voir. Allons-y Je pense que nous avons un accord de do mineur là-haut Faisons une huitième note. Mais ajoutons un peu plus à cet accord. C EG, C, E à plat, et faisons un G en bas. OK. Faisons un zoom arrière pour que je puisse voir toutes ces notes en même temps. Je vais le dupliquer. Mais je le veux juste là. Donc je vais juste devenir clodo, clodo. Bom, boum, boum, boum, boum. Peut-être un ici, deux, mais pas celui-là. OK. J'ai donc un petit rythme, un rythme assez simple. Mais maintenant, là où la base change, je voudrais passer à un accord en si bémol Mais passons au B & B flat. D bémol. Allons-y et nous ferons de même. C'est bon. Je pense que c'est juste à la barre 5. Oui, c'est vrai. J'ai donc juste besoin d'un petit peu plus. OK. OK, écoutons-le. OK. Et ensuite, agrémentons peut-être un petit écho. Bien, écoutons cela dans son contexte. Je ne pense pas que ça va être une solution parce que nous devons y aller, nous devons, par exemple, prendre un moment pour faire un mix sur ce truc fou, mais écoutons-le. Cool. Presque psychotique. Continuons. 44. Synthé Impulse de Live: D'accord, la prochaine étape est l'impulsion. Impulse est un peu bizarre. Je ne l'utilise pas très souvent. C'est une sorte de sampler. Et que, vous savez, nous pouvons charger différents échantillons dans ces boîtes et les jouer. Vous pourriez penser que cela ressemble beaucoup à une boîte à rythmes parce que c'est en quelque sorte une boîte à rythmes. Ce qui est intéressant, cependant, c'est que nous avons également un porte-batterie dont nous parlerons bientôt. Et dans un rack à batterie, on peut faire la même chose qu'on peut faire de façon impulsive , mais avec beaucoup plus de contrôle. Vous pouvez donc considérer cela comme un simple porte-tambour. Examinons donc tout de suite l'un des préréglages et parcourons-le en quelque sorte Passons à cette impulsion de droite à droite, en fait. OK ? C'est donc comme une boîte à rythmes huit sur huit. Vous pouvez cliquer ici pour les jouer. Cool. chaque échantillon, nous avons un certain contrôle sur l'étirement de transposition, l'heure de début, la dégradation de celui-ci, ainsi que sur la façon dont il s' estompe à la fin, panoramique et sur le volume Et vous remarquerez que ces commandes dépendent toutes de celle sur laquelle vous cliquez. Donc, si je remonte le tronçon, puis que je vais ici, le tronçon redescend parce que c'est là qu'il se trouvait. Vous n'avez donc pas besoin d' y mettre de batterie. Tu peux y mettre ce que tu veux. Vous pouvez mettre des sons de chat ou quoi que ce soit d'autre. Je veux dire, il suffit de faire glisser un fichier son dessus. Donc, si je regarde des échantillons et que je dis, bien sûr, je peux les mettre là. Génial. Ça y est. J'ai juste besoin d'ajuster ma longueur pour entendre le tout. Je vais annuler ça. Donc, pour créer un clip midi avec ça, vous savez, nous ouvrons notre clip midi, puis, vous savez, nous n'avons que ces notes. C'est donc très facile à faire. Voyons donc peut-être si nous pouvons créer quelque chose qui correspond à notre situation chaotique ici. 45. Programmation Impulse: OK, je vais faire quelque chose d'un peu différent avec celui-ci. Plutôt que de cliquer sur toutes les notes pour créer une sorte de schéma, je vais juste essayer d' enregistrer quelque chose d'ajouter un tas de couches, puis de le quantifier OK, ça suffit. Ajoutons une autre couche. Je vais donc mettre mon overdub MIDI ici, enregistrer et enregistrer tout un tas de choses OK. Maintenant, prenons-le. Passons à la commande A, puis passons à la quantification, à la commande U. Et je ne sais pas, voyons ce que nous en OK. Pas mal C'est frénétique, mais je pense que nous trouverons une utilité à cela plus tard Alors prenons ça. Faisons-le jusqu'au bout et voyons si nous pouvons y donner un sens plus tard. Il y a presque une ambiance ambiante, même si c' est de la batterie. C'est très étrange. Quoi qu'il en soit, euh, d'accord. Passons à la table des vagues. 46. Qu'est-ce qu'un synthé Wavetable ?: D'accord. Ensuite, table à vagues. Vous pourriez même appeler cela l'événement principal. Je ne sais pas Mais la table Wave est plutôt cool. Jetons donc une table à vagues ici. Alors, qu'est-ce qu'une table à vagues ? Je crois l'avoir mentionné plus tôt lorsque je parlais de différents types de synthèse, mais la table d'ondes utilise une synthèse de table d' ondes. D'accord ? Il s'agit d'un type de synthèse. L'idée ici est que la section des oscillateurs est composée de tout un tas d'oscillateurs, et le son que nous allons créer est utilisé en les effleurant, d' accord Jetez-y un coup d'œil. Voici un son. Vous pouvez donc voir que le son que je fais réellement est en jaune, d'accord ? Mais si je passe en revue ces formes d'onde, j'active chacune d' OK, c'est donc ma table des vagues. J'ai une onde sinusoïdale, une onde triangulaire, une onde en dents de scie et une onde carrée Hein ? Mais on peut en trouver des plus compliquées. Allons-y, comme ça. Et ça commence à devenir intéressant. Et si on faisait comme ça ? Et ça commence à devenir vraiment intéressant. OK, nous avons donc Oscillator One qui est cette chaîne de cette table d'ondes. Nous avons l' oscillateur 2 Nous pouvons activer et ajouter des éléments similaires. Nous vérifierons celui-ci. OK. Nous avons un filtre, la fréquence est en résonance. Nous avons un deuxième filtre que nous pouvons activer ici. D'accord ? Nous avons la modulation. Maintenant, nous avons de la modulation partout ici. Et la modulation est très importante dans la table des vagues, notamment parce que nous voulons qu'elle bouge pendant que nous jouons. Nous allons donc examiner cela dans une seconde. Mais nous pouvons moduler en fonction d'une enveloppe d'amplitude, comme celle-ci Voici une autre enveloppe que nous pouvons affecter à différentes tâches, une troisième enveloppe, une LFO et une LFO deux Alors, comment assigner ces choses à des tâches ? Eh bien, comme nous l'avons déjà vu, nous avons une petite matrice de modulation. D'accord ? Supposons donc que je veuille que mon enveloppe d'amplitude module la position de ma table d'ondes D'accord ? L' enveloppe d'amplitude est là. Oups, c'est ici, et Oscillator One position est là. Maintenant, lorsque je joue cette note, l'enveloppe d'amplitude se déclenche et elle se déplace autour de ma source de modulation. Oups. Vous pouvez donc le voir se déplacer là-bas. Allons-y plus lentement. OK, vous pouvez donc voir que cette ligne contrôle maintenant ma position dans la table des vagues. D'accord ? C'est important. Maintenant, vous pensez que nous n'avons encore rien entendu de brillant. Examinons certains de ces préréglages, puis vous verrez à quel point cela peut devenir fou 47. Déconstruction de préréglages: OK, donc si nous examinons certains de ces préréglages, il y beaucoup ici, beaucoup parce qu'il y a tellement de choses intéressantes que vous pouvez faire avec ça OK, alors allons-y. À voir les déchets, c'est tellement cool et tellement dynamique. Tous les éléments d'une bonne conception sonore sont réunis dans un seul patch. Vous savez, nous obtenons la forme, le mouvement, le bois. Tout y est. Que diriez-vous de Wobble Base ? Passons à l'octave. Ça y est. C'est donc ici que se trouvent vos sites Web si vous aimez cela Non , d'accord, cool. Utilisons-en donc, vous savez, je vais juste prendre cet autre point de référence et le doubler ici. Peut-être que nous changerons d' octave dans une minute. Mais voici à quoi cela ressemble dans l'ensemble. Super cool. Jouez avec la table à vagues. Il y a tellement de choses amusantes ici. 48. MPE et Wavetable: Encore une chose à propos de Wave Table avant de passer à autre chose. Nous avons examiné cette matrice de modulation et, vous savez, lorsque Wave Table est sortie pour la première fois, toutes les choses avec lesquelles vous pouvez moduler étaient un peu intimidantes toutes les choses avec lesquelles vous pouvez moduler Mais avec, vous savez, la matrice de modulation en dérive, semble vraiment petite, donc ce n'est pas si mal. Mais gardez à l'esprit que c' est l'un des éléments les plus puissants de Wave Table. Mais consultez également l'onglet MPE. N'oubliez donc pas que le MPE est comme ce MTI à haute résolution. C'est un bon exemple qui vous permettra de voir ce qu'il fait. Il existe certains paramètres que de nombreux claviers n'ont tout simplement pas, mais un MPE de clavier activé en possède Et la façon dont wavetable l' utilise est que si vous travaillez sur un clavier doté de ces fonctionnalités supplémentaires, vous pouvez les utiliser comme sources de modulation Ainsi, par exemple, diapositive. C'est une question intéressante. Donc, sur mon clavier, il a, euh, du MPE Et ce que je veux dire, c'est que je me demande si je peux l'obtenir pour que vous puissiez le voir . Nous y voilà. Je vais utiliser ce pitch. OK, donc diapositive sera «   Ce clavier l'a ». Donc OK. Et puis, le dernier, appuyez sur. Je crois que c'est de la pression ou de l'après-contact, parfois c'est ce qu'on appelle ça. Donc, en gros, si je touche la note, puis que cette pression très délicate se produit. Mais je peux contrôler les choses de cette façon. Maintenant, nous avons également Note Pitch Bend. Pitch Bend, beaucoup de claviers ont un pitch band. Vous avez généralement un petit cadran sur le côté gauche, où vous pouvez régler la hauteur, mais cela s' applique à toutes les notes. Note Pitch Band est destiné à une note individuelle. Que je peux obtenir de différentes manières sur mon clavier MPE ici Et ce clavier, d'ailleurs, est un clavier roly Il existe donc un tas de paramètres supplémentaires qu' un clavier MPE peut vous permettre d'utiliser comme sources de modulation pour créer un son plus dynamique Ce patch en profite , ce qui est vraiment cool. Vous n'avez donc pas besoin d'acheter un clavier MPE, mais si vous en avez un, il peut être assez amusant de l'utiliser pour certains de ces patchs Wave Table 49. Que sont-ils ?: OK, ensuite, passons en revue ces choses sur DS. Maintenant, si vous ne les voyez pas, il se peut que vous soyez dans une version pas adorable qui semblait vraiment drôle. Mais je suppose que ce n'est pas doux en direct, je crois qu'ils n'apparaissent que dans le sucré. Vous les avez peut-être aussi dans un dossier de votre système pour Mais pour moi, ils sont là, tous ouverts, DS, Klang clap, symbol, FM, chapeau haut, kick, sampler, snare Maintenant, ce sont des appareils Max for Live. Vous verrez que Live est vraiment ou qu'Ableton, je dois dire, tient vraiment à parsemer Max for Live sur tous les appareils plupart du temps, quelqu'un construit un appareil Max for Live, puis décide de l'inclure dans la version. Je ne pense pas que ce soit ce que c'est. Mais si vous optez pour Max for Live, vous verrez qu'il existe des appareils permettant de suivre un cours complet sur Max for Live dans Live 12, alors restez à l'affût Et nous allons parler de la façon de programmer des choses. Mais pour l'instant, nous ne parlons que d'utilisation de choses. Nous n'avons pas besoin de savoir comment programmer pour utiliser les appareils Max for Live. Nous pouvons dire que ce sont des appareils Max for Live car ils ont un petit symbole différent ici. Mais en gros, ce ne sont que des sons de batterie très simples et rapides. OK ? Donc des synthés à batterie Ce ne sont pas des samplers sauf celui-ci. Ce ne sont que des sons de batterie classiques. Ils sont un peu comme vos huit oh 87 oh sept, ces types de sons classiques de type boîte à rythmes. Donc, ce que je veux faire dans les dix prochaines vidéos , c'est simplement les parcourir toutes Je ne vais pas faire quelque chose avec tous, parce que si vous regardez à l'intérieur des préréglages, agit d'un support de batterie qui utilise tous les rouleaux de batterie, et c'est le même support de batterie, et c'est le même support de batterie, et c'est le même support de batterie Tu comprends. Passons donc revue et examinons tout cela individuellement, peu rapidement, puis nous reviendrons et fabriquerons quelque chose avec le support à tambour lui-même. OK ? Allons-y. 50. DS : Clang: OK, DS Klang. Je vais donc l'ajouter à une nouvelle piste. Ici, c'est assez simple. Cela produit ce son. Vous avez déjà entendu ce son , si vous avez déjà joué avec une boîte à rythmes classique. Nous avons certaines commandes qui l'éloigneront de ce son traditionnel de clang de boîte à rythmes Nous pouvons changer le ton. N'oubliez pas que si vous modifiez un paramètre en direct, je souhaite revenir à sa valeur par défaut, cliquer sur ce paramètre et appuyer sur Supprimer. Cela nous ramènera là où c'était. La décadence, tu sais, c'est juste ce que tu penses qui l'étire. Volume. Et puis une sorte de tambor. Nous pouvons ajouter ce type de son clave et un pourcentage de celui-ci filtre et produit du bruit Il s'agit apparemment d'un filtre passe-haut. Ajoutez-y un peu de bruit. Manton A B. Vous jouez simplement avec le son, probablement un autre type de filtre C'est tellement simple. Comme tous les appareils Max for Live, si vous voulez vraiment l'ouvrir et, par exemple, reprogrammer pour qu'il fasse exactement ce que vous voulez, vous pouvez appuyer sur ce bouton ici, et il s'ouvrira comme dans un éditeur de code. Nous le ferons lorsque nous approfondirons Max for Live, vers la fin de cette séquence. Mais pour l'instant, il n'y a aucune raison de le faire. Vous pouvez simplement jouer avec et vous amuser avec. Donc, si vous voulez ce son dans votre morceau, ajoutez-en un à quelque chose et ajoutez-y des rythmes. 51. DS : applaudissement: Avez-vous déjà travaillé sur un morceau en disant : « Mec , j'aimerais juste avoir des applaudissements Par exemple, j'ai juste besoin d'un échantillon de clap. Eh bien, en voici une meilleure. Voici donc DS Clap. C'est ce à quoi ça ressemble. Maintenant, ce qui est cool, c'est qu'il intègre une certaine randomisation sorte que si je clique dessus 1 000 fois, vous entendrez que cela change légèrement à chaque fois Hein ? Il y a une petite variation, ce qui est une bonne chose car c'est ce qui se passerait si nous applaudissions vraiment Nous avons donc cette queue très étroite et bâclée Donc, comme une queue de réverbération. Propagation. Ton un peu plus clair. Les réglages vont le transformer en bruit, puis en volume. C'est un clap. Doux. OK 52. DS : Cymbale: Très bien, regardons le symbole suivant. OK ? Une sorte de petit symbole bruyant, qui est vraiment un peu ce genre de son 8087 oh seven Oui, nous ajustons juste le volume de Pitch Decay. Un peu sur le ton, probablement pour imiter la composition et la taille du symbole Mais c'est un symbole. 53. DS : FM: OK, passons à celui-ci FM. Celui-ci est légèrement différent. OK ? Nous avons un petit ton, non ? Ce qui est intéressant à ce sujet, et je pense que c'est vrai pour tout cela, c'est que lorsque je joue une mini-note sur mon clavier, ils ne répondent pas aux notes. J'obtiens donc la même chose quelle que soit la note que je joue. Il s'agit donc en fait d'un simple clic dans une note. Mais ici, nous pouvons en quelque sorte dire quelle note nous voulons en augmentant le ton. C'est plutôt amusant. Vieillit. Tu sais, Decay Ça pourrait être cool pour les trucs de base. Peut-être, peut-être. Mais ce n'est qu'une simple tonalité FM. 54. DS : HH: Très bien, passons à la suivante. HH c'est Hi Hat. Tellement cool. Nous avons donc quelques options ici. Nous avons du blanc et du rose. Cela a à voir avec le type de bruit. Nous avons du bruit blanc, du bruit rose et quelques autres types de bruits Mais la plupart de ces sons de percussion sont basés sur le bruit. C'est juste comme ça qu'ils fonctionnent. Le bruit d'un filtre va vous donner essentiellement ce type de son. Le type de bruit que vous utilisez en changera donc un peu le son . Je peux changer de ton, attaquer en pente. Je me demande si cela a à voir avec le fait que vous le frappez sur le dessus du bâton ou sur le bord du bâton. Oh, c'est littéralement l'attaque. Accroître l'attaque. Diminution du ton en volume. Rien d'extraordinaire. Je suis surpris qu'ils ne nous donnent pas de chapeau ouvert ici, mais c'est en quelque sorte le symbole. Ici, nous avons juste un chapeau haut fermé. 55. Coup de pied: OK, pour ce qui pourrait m'être le plus utile, c'est ce coup de pied. Parfois, vous avez juste besoin d'un coup de synthé propre. Et je ne veux pas fouiller dans un tas d'échantillons. Alors c'est pour ça que j'aime celui-ci, non ? C'est tout simplement parfait. C'est un bon coup de synthé. Je peux changer le ton pour l'empêcher de faire autre chose. S'il le faut, je peux l' overdrive un peu, ajuster un peu son attaque, diminuer le volume Pour être honnête, quand je l'utilise, je n'ajuste rien. Je l'utilise tel quel et je le place sur une piste. Nous le ferons dans une minute, mais celui-ci m'est très utile. 56. DS : Sampler: Très bien, sampler. est assez simple et un peu pratique. Nous pouvons donc y ajouter ça. Nous pouvons y faire glisser n'importe quel échantillon. Alors faisons-y glisser ça. OK ? Je peux cliquer dessus et le récupérer. Je peux le jouer, et il répond en fait aux notes midi. Je peux ajuster le point de départ, ajuster la longueur, ce qui permet d' ajuster efficacement le point final. Réglez-le, mettez-le en boucle, décomposez-le, ajoutez-y un peu de décadence, le shaper un peu plus de forme lui donne un peu plus de forme ou une enveloppe Donc, juste un sampler très simple. Mettez-y n'importe quoi et repérez-le un tas de fois. Soigné. 57. DS : Saisie: D'accord, deux de plus. Piéger Encore une fois, exactement ce dont vous avez besoin. Maintenant, il s'agit d'un piège très spécifique. C'est comme, tu sais, le son d'une vieille caisse claire classique Tu sais, on peut ajuster un peu la couleur. Passe haute. Il y a un laissez-passer bas que nous pouvons lui attribuer. Alors, fais-le beaucoup plus sombre. Banass Kitchen, un peu. Ajoutez un peu de pourriture. Et puis, tu sais, une caisse claire classique. Rien d'extraordinaire. 58. DS : Tom: D'accord, enfin et surtout le Tom. On dirait un plancher. Je peux changer le ton. Cela ressemble à une couleur, à un ton de rototm. Bande. Diminution du volume. C'est assez simple. Honnêtement, je ne crois pas avoir déjà utilisé celui-ci, mais il est là si vous le souhaitez. Il y a un Tom. 59. Programmation de batterie synthé: Bien, maintenant que nous avons passé en revue tout cela, ajoutons l'un de ces supports de batterie DS à ce morceau C'est donc un porte-tambour. Nous l'avons déjà vu, et il y a tous ces sons dessus. Maintenant, pour chacun d'entre eux, nous pouvons passer en revue et ajuster ce que nous voulons. Nous avons le contrôle du pitch pour celui-ci. Dans celui-ci, nous avons le contrôle de la tonalité et tout le reste. Nous pouvons donc toujours ajuster tout ce que nous voulons simplement en cliquant dessus. Donc, ce que je pense que je pourrais faire, c'est passer à Mini Clips. Voyons si je peux trouver un rythme de batterie cool. C'est plutôt cool. Alors faisons-le glisser là-dedans. OK ? Ensuite, nous allons simplement le boucler, l'ouvrir. Bon, maintenant j'ai un bon pattern de batterie utilise ces sons. Allons-y en solo. Cet uro est marrant. Je ne sais pas ce que c'est. OK, eh bien, écoutons ça dans le contexte de notre grand truc fou. Ça va aller quelque part. Ça pourrait être quelque chose. D'accord. Maintenant que nous avons terminé tout cela, permettez-moi de vous donner une dernière fois cette session au cas où vous voudriez jouer avec de ces clips et nous partirons de là. 60. Rappel de cours de batterie: C'est bon. Prochaine étape. Passons à Drum Rack. Maintenant, nous nous sommes déjà penchés un peu sur la batterie dans le cours précédent, je crois, classe 3 de cette série, lorsque nous avons examiné le titre Slice the New Midi, n'est-ce pas ? Nous avons donc pris un battement de batterie et la commande a cliqué dessus, et nous avons dit que le menu qui s' affichait découpait la piste New Midi Cela a pris ce rythme et a placé chaque transitoire dans une étagère à batterie Examinons donc un support à batterie un angle différent cette fois-ci. Donc, si nous montons ici et sélectionnons un support de batterie et que nous en créons un vide sur une nouvelle piste midi. Ouvrons-le. Voilà à quoi ça ressemble, rien. Si je le joue, si je prends des notes midi, je n'obtiens rien. Il ne s'agit en fait que d'un conteneur. C'est juste un contenant pour les objets que vous voulez toucher, non ? Nous pouvons y mettre tout ce que nous voulons. OK ? Donc, si nous voulons prendre un fichier audio, passons aux échantillons et disons « Bien sûr ». Disons que toute cette boucle, je peux la mettre là, si je veux, si je veux mettre ce ton juste là. Je peux le faire. Si je veux mettre ce coup de doigt juste là pour une raison ou une autre, il y a un claquement OK ? Je peux donc les mettre où je veux. OK. C'est cool. Chacun de ces appareils, chaque fois que je mets quelque chose ici, je reçois un appareil plus simple, et nous allons passer en revue le plus simple sous peu. Mais cela se crée à chaque endroit lorsque j'y insère un fichier audio. Mais je n'ai pas besoin de simplement extraire des fichiers audio. Disons que j'ai ce patch de synthé analogique que j'aime beaucoup Celui-là ? Bien sûr. Je peux mettre un appareil analogique entier sur un pad de batterie. OK ? Alors maintenant, vous vous demandez : Eh bien, quand je clique dessus, comment puis-je contrôler la note qu'il joue ? Eh bien, nous allons ici. Nous ouvrons ça. Ensuite, nous l'ouvrons, et maintenant nous pouvons en quelque sorte voir ce qui se passe. Donc, pour celui-ci, c'est ici. Il est écrit : « Recevez B une ». Donc, quand je joue un B sur mon clavier, cela déclenche ce son, et il joue un C trois. Je peux donc changer cela et dire, jouez réellement un do dièse quatre. Non. Hein ? Je peux donc décider quelle note il joue, mais je vais ignorer la note que je joue sur le clavier midi en ce qui concerne ce synthé, mais je peux contrôler cela ici Vous pouvez donc faire glisser tout ce que vous voulez sur une batterie, n' importe quel synthé, n'importe quel sample Vous ne pouvez pas simplement faire glisser des fichiers MIDI qui ne feraient vraiment rien. Mais pratiquement tout le reste peut être mis sur un bloc-notes ici. OK, donc juste un petit rappel de ce qui se passe avec Drum Rack Je voudrais parler de deux choses que nous n'avons pas encore abordées : le routage interne que nous pouvons créer dans Drum Rack et aussi ce genre de réglage étrange du starter ici C'est une question assez importante si vous souhaitez créer des porte-batteries au son très réel Passons donc à ces deux choses maintenant. 61. Contrôle MIDI du Drum Rack: OK, avant de passer aux paramètres de routage et d'étranglement, je voulais parler un instant différentes manières de contrôler le rack à batterie, car il propose des options intéressantes Vous pouvez donc le jouer comme n'importe quel clavier MIDI. Et n'oubliez pas qu'ici, nous voyons en quelque sorte où nous en sommes. Donc, si je joue cette note, vois ce point jaune clignotant Cela me donne une idée de l'endroit où je me trouve dans l'éventail des notes possibles. Et ça veut dire : « Oui, tu es trop haut ». Il n'y a aucune note là-dedans. Je dois me rendre dans l'une de ces boîtes gris clair. Il y a cette option analogique. Mais ce genre de grille de notes de quatre par quatre est également disponible en direct. C'est un peu comme cette grille deux par quatre dont j'ai parlé plus tôt pour les commandes. Cette grille de quatre par deux ressemble à une grille de batterie. Vous pourriez donc être en mesure de voir que c'est un peu là-haut. Vous ne pouvez pas le voir, mais ça se voit tout le temps sous mes ordres. Et si vous avez un appareil MIDI conçu pour les déclencheurs de batterie, tous les types de pads ou quoi que ce soit d'autre, il sera probablement automatiquement mappé en fonction de ces touches. J'ai ce genre spécial de synthé à batterie qui, tu sais, ressemble à une sorte de jeu de patins en caoutchouc que tu peux jouer comme une batterie Et c'est vraiment amusant de le connecter à un support de batterie. Il suffit de le brancher et il sait automatiquement quoi faire. Alors chargeons-nous. Passons à un porte-tambour. Et faisons juste un de ces préréglages. C'est cool. Chargons celui-ci. OK, voici mon porte-batterie. Alors laisse-moi te montrer ce que je fais ici. Voici donc mon petit tambour envoyé. C'est la base de frappe d'Alyssa. Il a quelques jantes. Donc c'est cool. Je peux juste jouer de la batterie dessus, comme avec des bâtons, comme si tu jouais de la batterie. On dirait un pad d'entraînement de batterie. C'est donc plutôt amusant. Ces pads y sont donc automatiquement mappés. J'ai donc un coup de pied et un bloc de bois, bloc, dit-on, un piège Je pouvais donc simplement enregistrer puis jouer comme je le voulais. C'est en fait un peu difficile à jouer. Mais c'est pratique. Je pourrais faire à peu près la même chose sur le push, sauf que je ne veux pas utiliser sticks sur le push parce que ce n'est pas conçu pour ça. Je me sentirais bien, mais les pads sont si petits que je ne suis pas assez bon batteur pour les frapper correctement Je voulais juste souligner que vous pouvez vous procurer ce genre de sinthés de batterie conçus spécialement pour les supports de batterie et tous les types de synthés à batterie, et que conçus spécialement pour les supports de batterie et tous les types de synthés à batterie, vous pouvez simplement jouer des trucs. C'est vraiment amusant. 62. Routement de rack de batterie: OK, routage de la batterie. Passons donc à une nouvelle question, car nous avons quelque chose de compliqué. Passons à Sure. OK, donc, lorsque vous travaillez avec un porte-batterie, faites attention à ces boutons sur les côtés, d'accord ? Les sections principales que nous avons ici sont un instrument plus simple, nos pads, puis nos macros, qui sont ces cadrans. Si vous ne voyez pas les macros, pensez qu'elles sont là, sur ce cadran. OK ? Ces macros nous permettent de contrôler différentes choses dans le plus simple d'ici. Ainsi, par exemple, si je voulais associer la résonance à quelque chose, je peux contrôler, cliquer dessus et dire, mapper à la macro neuf, puis je peux ajouter une neuvième macro ici en utilisant le bouton plus, et il y en a neuf et dix qu'elle aime garder symétriques. Je peux donc associer cela à cela, et ensuite j'y ai simplement accès plus facilement que d'entrer dans l'instrument. C'est ce que font les macros. Mais je peux aussi avoir accès à quelques autres choses ici. Voici donc mes différentes chaînes. Dans ce cas, chaque son sera sur sa propre chaîne. Maintenant, nous allons examiner les porte-instruments sous peu, et je dois dire que toute cette idée de chaînes deviendra beaucoup plus importante OK, alors passons maintenant à notre section IO en bas. C'est donc ce que nous venons de regarder où nous voyons des notes entrer et sortir. Et puis ici, il y a l' envoi et le retour. OK ? C'est donc ici que nous pouvons effectuer un routage interne. Supposons donc que nous voulions que ce clap soit retardé, mais juste le clap, pas toute la batterie C'est pourquoi nous avons ce routage interne. Si nous voulons retarder le développement de cette batterie, il suffit de le retarder. C'est très bien. Mais si vous voulez retarder un seul élément de la batterie, vous devez faire des choses amusantes, et c' est pour cela que cela a été conçu. Nous avons donc déjà un retard ici. Mais nous pourrions facilement ajouter d'autres effets ici. Si nous passons simplement aux effets audio et disons «  Créons cet écho ». Faisons-le simplement glisser vers le bas. Maintenant, nous avons un bel écho. Voici tous nos paramètres pour cela. Passons maintenant à cet applaudissement et disons, envoyez C est là, donc je vais juste augmenter le tout Maintenant, quand j'applaudis, cela prend un gros retard, mais rien d'autre ne le fait. Juste ce clap. C'est donc le routage interne. Il vous suffit donc de vous rendre dans cette section d' envoi et de réception. Mettez un effet sur la partie inférieure. Tu vois, il y a une partie inférieure ici et une partie supérieure ici. Donc, mettez-le sur la partie inférieure, puis vous aurez envoyer A, envoyer B et envoyer C. Voici l'envoi C, et nous le lançons simplement sur l' envoi C juste là OK ? C'est ainsi que vous pouvez acheminer les effets dans un rack à batterie. OK, voyons maintenant le réglage du starter. 63. Drum Rack « Choke »: OK, je vais masquer cet envoi et cette réception. Je veux juste voir les paramètres d' E/S. Voici un étrangleur. OK, alors imaginez ça. Tu es batteur, non ? Vous jouez de la batterie, et vous avez le meilleur exemple qui illustre ce que cela fait, c'est le chapeau. Vous avez donc le chapeau qui peut faire deux choses. Le chapeau peut être ouvert, il s'ouvre et il peut être fermé, ou il fonctionne, non ? Donc deux sons différents proviennent de la même chose. Donc, si vous deviez créer une crémaillère précise et qui sonne correctement, vous feriez sorte que ces deux sons ne puissent pas se produire en même temps, n'est-ce pas ? Parce que ce n'est pas possible dans une batterie acoustique. Par exemple, si vous aviez un chapeau haut ouvert il sonnait et vous frappez un chapeau haut fermé pendant qu'il sonnait, ces deux sons ne peuvent pas se produire en même temps, Parce qu'il faudrait le relancer, et c'est le même tambour. Maintenant, dans un environnement électronique, nous pouvons les toucher tous les deux en même temps, car ce ne sont que des échantillons que nous déclenchons dans ce cas. Mais si vous voulez que votre batterie soit précise, nous devons nous assurer que cela ne peut pas se produire en même temps. Passons donc à une batterie plus traditionnelle. Comme un kit acoustique. OK. Alors voyons voir. Avons-nous un chapeau haut, un chapeau haut ouvert ? Et avons-nous un chapeau haut fermé ? Ça y est. OK, chapeau haut ouvert, chapeau haut fermé. Génial. Donc, ce que je dois faire, c'est dire, allez dans mes paramètres d'E/S. Oh, et c'est déjà fait pour moi. Donc, si je disais ce chapeau haut ouvert c'est réglé sur un sur le réglage du starter Et ce bonnet à cravate fermée est également réglé sur un. D'accord ? Donc, en les réglant sur la même chose, cela signifie qu'une seule de ces deux choses peut se produire à la fois. Donc, si j'appuie sur mon chapeau haut ouvert et qu'il sonne toujours, puis que je touche le chapeau à cravate fermée, voir si je peux le faire avec ma souris Non Voilà, je l'ai fait. Cela va empêcher le HAP ouvert de sonner parce que c'est ce qui se passerait dans le monde réel Vous pouvez donc considérer ces chiffres comme des groupes. Nous allons juste en signer un, un. Nous pourrions même faire des choses plus étranges. exemple, si nous voulions que ce clap ne puisse pas se produire même temps que le salut HP pour une raison ou une autre, Par exemple, si nous voulions que ce clap ne puisse pas se produire en même temps que le salut HP pour une raison ou une autre, nous l'avons simplement réglé sur un Maintenant, une seule de ces trois choses peut se produire à la fois. Mais si nous voulions le claquement et le piège, arriverait pas Nous pourrions les mettre tous les deux à deux, et maintenant nous les avons en quelque sorte liés pour qu'ils ne puissent pas se produire en même temps. Cela va rendre les choses plus réalistes. C'est un peu subtil, mais si vous l'installez comme une mini-boîte à rythmes et que vous la donnez à un batteur et que vous lui dites de jouer, sera content qu'elle se comporte correctement C'est donc ce que fait ce réglage d' étranglement. OK, alors peut-être que juste pour être complet, nous ne devrions pas fabriquer notre propre batterie. Nous devrions fabriquer notre propre porte-tambour à partir de zéro. Créons-en un et voyons ensuite si nous pouvons ajouter quelque chose à notre kit ici. 64. Construire un rack de batterie: Bien, repartons à zéro avec un porte-tambour vide. Et fabriquons quelque chose. Passons donc à Je vais juste utiliser des exemples pour la plupart de cela. Allons faire Kick. Et je pense que je veux en quelque sorte savoir, je pense que je sais ce que je veux faire ici. Donc en fait, tu sais ce que nous devrions utiliser pour notre coup de pied ? Utilisons notre Drum Synth Kick. Mettons-en un juste là. D'accord ? C'est juste une super petite touche techno. Passons maintenant aux échantillons, et trouvons un clap Faisons-le en claquant droit. Et oui, je pourrais utiliser le clap du synthé à batterie. Ce serait bien aussi. En fait, utilisons quelques applaudissements. D'accord ? J'ai reçu trois applaudissements maintenant C'est en quelque sorte tout ce que je veux utiliser. D'accord ? Je n'ai pas besoin de routage, dans ce cas, même si je pourrais y accéder ici si j'avais besoin envoyer et de recevoir, iOS. Je n'ai pas vraiment besoin de m' occuper de tout ça. Je pourrais configurer des macros si je le voulais, mais je n'en ai pas vraiment besoin. Mais si je le voulais, je pourrais dire, genre, le volume de ces applaudissements Réglons le volume de tous nos claps sur le même bouton Maintenant, les trois volumes de clap sont là. OK. C'est cool. Ce sera pratique. OK, maintenant allons-y et fabriquons quelque chose. Si je n'ai fait que des applaudissements c'est parce que je voulais juste ajouter des applaudissements Je ne veux pas ajouter un tas percussions supplémentaires ici parce que j'ai déjà une quantité incroyable de percussions dans ce petit morceau Donc ce que je pensais faire, c'est juste un très gros applaudissement Donc, tous les trois sont là , zoomons un peu pour voir où je suis. Donc bon, Pacelle a mis ça sur deux et quatre. Bouclez ça. C'est très bruyant, on va le démonter. OK. Et maintenant, nous allons voir notre maître . D'accord. Plutôt bon. Alors maintenant, j'ai fabriqué un porte-tambour sur lequel je n'ai que trois claquements J'ai pensé que j'utiliserais peut-être ce coup de pied, mais j'en ai assez et d'autres trucs. Alors peut-être que nous y reviendrons. Mais je pense que je suis plutôt content de tous ces applaudissements. Cool. C'est bon. Passons à autre chose. 65. Le simplificateur et le sampler: OK, alors ensuite, nous allons parler des samplers en direct Maintenant, souvenez-vous, revenons au début de cette partie de ce cours. Nous avons parlé de nos quatre principaux sujets, n'est-ce pas ? Oscillateurs, filtres, enveloppes, amplificateurs, d'accord ? Maintenant, voici l' avantage des samplers. Tout ça, c'est pareil. C'est totalement pareil. Sauf que la seule différence est que notre section oscillateur peut contenir un véritable fichier audio Plutôt que de simplement nous donner des formes d'onde, cela nous donnera un fichier audio, mais le reste est pareil Des filtres, des enveloppes, des amplificateurs, tout ça. C'est pareil. Nous avons donc deux samplers principaux en direct Nous avons ce que l' on appelle le sampler et nous avons ce que l'on appelle le plus simple, d'accord ? Maintenant, si vous vous disiez, eh bien, il semblerait que la version la plus simple est une version simple du sampler Tu recevras une étoile dorée pour la journée. Parce que c'est exact. Nous utilisons des simplificateurs partout, et nous avons vu des simplificateurs partout Tout cela sur des supports à batterie, ce sont tous des instruments plus simples D'accord ? Nous verrons donc comment tout cela fonctionne dans une seconde. En fait, chargeons une version plus simple sur une nouvelle piste dès maintenant. D'accord. Allons-y. Voici donc un simple vide. Notre section d'oscillateurs sera cette grande zone d'échantillonnage ici Mais alors, comme vous le savez, nous avons un filtre. Voici la fréquence en résonance, formes des filtres et même un bouton de filtre pour l'activer et le désactiver. Nous avons un LFO. Tu sais ce que c'est. Et nous avons ces quatre boutons qui vous sont probablement familiers maintenant : Attack Decay, Sustain Release. C'est notre enveloppe ADSR. D'accord. Et puis nous avons un gros vieux bouton de volume ici Nous avons maintenant d'autres contrôles que nous pouvons obtenir pour un plus grand nombre de filtres, un LFO plus grand et d'autres contrôles pour notre enveloppe Mais toutes ces choses devraient déjà vous être familières. Alors, plongeons-nous dans le plus simple. Je voudrais parler de types d'exécution plus simples dans trois modes différents. Parlons-en donc dans les prochaines vidéos, puis nous passerons à Sampler 66. Utiliser Simpler (mode classique): OK, j'ai donc une solution plus simple. Chargeons-y un échantillon. Nous pouvons y charger un échantillon de partout. Si nous avons un échantillon qui nous plaît dans notre session, nous pouvons simplement cliquer dessus et le faire glisser vers le bas, ou nous pouvons accéder à nos échantillons ici. C'est plutôt cool. Faisons-le glisser vers le bas. Nous allons juste le placer directement sur cette zone sombre. C'est bon. Et voilà. OK, donc les trois modes différents du mode classique plus simple signifient que nous avons maintenant un échantillon, et nous pouvons déclencher cet échantillon. Et par défaut, cet exemple ne bouclera pas, mais nous pouvons le boucler. Il s'agit d'un échantillon assez long. Nous pouvons créer une boucle là-dedans. Nous avons quelques contrôles de distorsion ici. Nous pouvons l'estomper pour que ce soit un peu plus fluide et voir comment cela se passe en boucle. C'est cool. OK. Donc, si nous jouons une note et que nous maintenons simplement le doigt sur la note, elle va revenir en boucle. Nous pouvons le désactiver ici. La note que nous jouons sur notre mini-clavier va également jouons sur notre mini-clavier va transposer ce son La valeur par défaut est donc toujours le milieu C. Si je joue au milieu du C, ce qui n'est pas le cas, alors le ton d'origine sera rétabli. Nous ne pouvons pas facilement changer ce qu'est ce pitch original. En termes plus simples, vous devez simplement vous rappeler que la tonalité que je mettrai dans cet échantillon ne sera pas celle qui ressortira lorsque je le jouerai sur un clavier. D'accord ? Il n'est pas vraiment conçu pour ça. Avec Sampler, nous pouvons le faire, mais avec Simpler, nous ne le faisons pas vraiment Donc je peux donc je joue un C ici. Je ne sais pas de quel pitch il s'agit. En fait, je le sais. C'est aussi un C. Mais Live ne sait pas de quel pitch il s'agit. Donc, si je joue un pas entier, cela va simplement le transposer sur un pas entier, quel que soit le pitch réel OK, c'est très simple. Si je veux ajuster ma fréquence de résonance, je peux le faire là, mon enveloppe, je peux rendre l'attaque moins puissante, la faire disparaître en quelque sorte et régler le volume. C'est assez simple, non ? C'est assez simple. Il va lire notre fichier. C'est vraiment tout ce que ça va faire. OK, passons en mode one shot. 67. Simpler en mode 1 prise de vue: D'accord, lorsque nous passons en mode one shot, nous avons un peu moins de paramètres en fait ici. Les deux principaux sont le déclencheur et la démarche, d'accord ? Donc, si je suis sur le déclencheur, cela signifie que lorsque je dis de jouer cette note, elle va jouer cette note, et elle ne va pas tourner en boucle. OK ? Je tiens toujours mon doigt vers le bas. Ça s'arrête tout simplement. C'est cool. Je pourrais toujours utiliser mon ADSR, même s'il fonctionne un peu différemment. Ça me donne une sorte de point d'entrée et de fin. J'ai ici une transposition qui me permet utiliser la mesure dans laquelle la vélocité que je joue est convertie en volume. Je dirais beaucoup de choses. Cela signifie que jouez si je joue doucement sur mon clavier, la note sera jouée doucement. Si je joue dur, il va vraiment jouer fort. Mais il se peut que vous ne le vouliez pas. Vous voudrez peut-être simplement qu'il joue toujours le même volume à chaque fois. OK ? Il va encore être transposé, fonction de la note que je joue Mais revenons à cette démarche déclencheuse. Git signifie qu'il jouera la note tant que je maintiens la note enfoncée, il jouera cet extrait. Mais dès que je lâcherai prise, le sample cessera de jouer. Donc, sur le déclencheur, je vais appuyer sur une note, et ça va simplement dire de jouer cet extrait, comme du feu. Écoutez ce sample, quoi qu'il arrive. Dans la démarche, cela signifie que lorsque je pose mon doigt vers le bas, la porte est ouverte pour jouer, mais lorsque je lève le doigt, la porte s'arrête. OK. Relativement simple. Mêmes paramètres de filtre, rien de trop fou. OK, passons à la tranche la plus amusante. 68. Simpler en mode Tranche: OK, donc en mode tranche, ça va nous permettre de découper un peu cet échantillon. Maintenant, ce n'est pas une bonne solution pour ça. Trouvons, par exemple, une boucle de banjo. OK, donc en mode Slice, vous voyez qu'il a automatiquement saisi tous ces différents transitoires, d'accord ? Et quand je joue des notes midi, une note midi est attribuée par tranche, d'accord ? Maintenant, c'est un peu comme une tranche vers une nouvelle piste MIDI, sauf que cela permet de tout simplifier au lieu le diviser en un tas de simplificateurs OK ? C'est donc vraiment amusant de simplement trouver de nouveaux sons. Il y a toutes sortes de choses amusantes ici. Nous ignorons donc le terrain que je joue. Il ne transpose plus cela. Il s'agit simplement de l'utiliser pour déclencher tous ces différents points. Vous pouvez donc définir la façon dont il le découpe. Vous pouvez dire « tranche par transitoire », région de battement » ou « manuel Mais même si vous le définissez sur transitoire, ce qui est généralement le meilleur moyen, vous pouvez ajuster ces transitoires Déplacez-les où vous le souhaitez. Nous avons toujours le réglage de distorsion, et nous avons des modes de distorsion que nous pouvons activer ici S'estompe, s'estompe. Je pense que cela s'appliquera à chacun d'entre eux. Filtrez la fréquence et la résonance. Donc, en gros, c'est très utile sur un rythme. Par exemple, si on prend un battement, maintenant je peux trouver ce coup de pied. Il y a un piège. Très bien, maintenant je peux juste prendre le rythme et le jouer très simplement OK, c'est donc ce que Slice vous permettra de faire. Cela va juste vous permettre de découper les choses et de les déclencher par transition plutôt que par échantillon complet 69. Utilisation de Sampler: OK, passons à l'échantillonneur et voyons en quoi c'est différent Donc, échantillonneur d'instruments. OK, donc l'échantillonneur est un peu plus compliqué et pour une raison, je veux dire, il vous donne plus de contrôle sur les échantillons, mais il vous permet également de charger plusieurs échantillons Nous verrons donc comment et pourquoi vous le feriez en une minute. Mais regardons d'abord l'interface principale. Prenons l'un de nos préréglages ici. OK. Voici donc à quoi cela ressemble. Terrifiant. OK, nous avons donc tout cet échantillon ici, mais nous ne faisons que tourner cette section en boucle Nous pouvons utiliser ce que l'on appelle un mode soutenu ici. Donc celui-ci signifie qu'il va simplement jouer puis s'arrêter. Celui-ci signifie qu'il va essentiellement tourner en boucle. est ce qu'on appelle une boucle de boomerang où l'on joue en avant , puis en arrière et en , puis en arrière et en arrière Cela permet parfois d'obtenir une boucle plus fluide. Nous avons donc plus de commandes de réglage de notre échantillon ici. Nous pouvons donc voir ici une liste des échantillons mis à notre disposition . Nous pouvons l'inverser. Nous pouvons définir ici la note fondamentale de cet exemple. Maintenant, c'est important parce que c'est quelque chose de grand que nous ne pouvons pas faire de manière plus simple. Donc, une fois que nous avons correctement défini la note racine, cela signifie que tout s' alignera correctement sur votre clavier. Donc, si je charge un échantillon qui est un son en ré dièse, bien sûr. Ensuite, quand je joue un do sur mon clavier, vais le jouer en ré dièse. Tout ça va être bizarre. Mais si je change ici la note fondamentale en ré dièse, alors Live saura comment transposer correctement la note pour jouer la bonne note au bon moment Donc, si vous avez affaire à des samples aigus, à créer des harmonies, etc., il est important que la note racine soit correcte OK, regardez juste ici le cross fade et le loop end. Ce que nous voyons ici, c'est le nombre d'échantillons, non ? Par exemple, c'est très, très spécifique que nous pouvons faire ici. Les paramètres de fondu croisé, la longueur de la boucle. Et tous ces éléments sont uniques par échantillon que nous examinons, n'est-ce pas ? Ils vont être réinitialisés pour les différents échantillons. Nous pouvons le dérégler Toutes ces choses nous sont assez familières. Si nous allons ici, nous avons des commandes ADSR ici Nous avons une enveloppe de présentation ici avec un autre ADSR. Nous avons des filtres. Ils sont globaux, ils vont donc tout affecter, pas seulement tous les échantillons, pas seulement celui que nous utilisons. Quelques réglages de modulation si nous voulons faire des LFO. Nous en avons trois à notre disposition, puis nous pouvons faire du mappage MIDI plus compliqué si nous le voulons vraiment. Mais la vedette de l'émission est cet onglet Zones ici. Passons donc à une nouvelle vidéo et découvrons ce que signifie Zones dans un sampler 70. Échantillons et zones: D'accord, vous avez peut-être déjà vu des exemples de bibliothèques que vous pouvez acheter en ligne. Il y en a des tonnes. Vous l'avez peut-être déjà vu, comme une bibliothèque d'orchestre. Par exemple, vous voulez un orchestre qui sonne bien , que vous pouvez faire la queue et utiliser. C'est génial. Vous avez probablement vu des bibliothèques d' orchestre qui coûtent 100 dollars, et vous avez vu des bibliothèques d' orchestre, peut-être que cela coûte cent dollars. Et peut-être avez-vous vu une bibliothèque d' orchestre qui coûte 10$. Pourquoi ? Quelle est la différence ? Il y a quelques points. Il y a la qualité des enregistrements. Voici comment les échantillons ont été édités et assemblés. Mais l'une des principales choses qui les séparent est le nombre d'échantillons, n'est-ce pas ? Parce que si j'enregistre un violon qui joue une note, une seule note. Je l'ai mis dans un sampler, puis je le transpose sur quatre octaves Ça ne va pas sonner comme une basse, non ? Ça ne l'est pas. Ça va paraître drôle et bizarre. Tu l'as déjà fait. Prenez votre voix, transposez-la d'une octave vers le bas, et elle ne ressemblera pas à quelqu'un qui a une voix plus grave Ça a l'air drôle. Prends ta voix et monte d'une octave. On dirait que vous montez d'une octave ? Non, on dirait Mickey Mouse. Hein ? Donc, pour éviter cela, nous avons un extrait Let's Use the voice thing. Continuons avec ça. Nous avons un échantillon de ma voix là où il se trouve, puis un autre échantillon de ma voix où je parle en octave Ensuite, l'ordinateur sait quand il doit changer. Chacun d'eux n'est donc que légèrement transposé, puis il passe à l'autre échantillon Il peut donc transposer ma voix, ma voix d'origine, mais il atteint ensuite un seuil où, mais il atteint ensuite un seuil au lieu de la transposer davantage, il passe à la plus haute et la transpose vers le bas car il peut effectuer moins d' étapes Donc, plus il y a d'échantillons, mieux c'est. Vous pouvez également avoir du volume. On pourrait dire que si je chuchote, si je chuchote très doucement, c'est un certain tambourinement, non ? Et si je prends ce son et que je monte le volume, tu ne vas pas me faire crier, Vous devriez avoir deux sons distincts qui connaissent deux fichiers distincts et l'échantillonneur qui sait quand utiliser le bon son en fonction de la vélocité du nœud sur lequel j'appuie C'est ce que tout ça a à voir, d'accord ? Donc, si nous examinons les zones, nous voyons dans cet instrument en particulier cinq échantillons, et vous pouvez voir qu'il s' agit d'octaves différentes, F un, F deux, F trois, F quatre et F cinq OK ? Maintenant, ce truc de type matriciel ici nous indique quand utiliser chaque échantillon. Donc, si je joue une note en do 2 ou moins, elle utilisera cet extrait. Je joue une note entre do deux et do trois, elle va utiliser celle-ci, C trois et do quatre, C quatre et C cinq, puis C cinq et plus, elle va utiliser celle-ci. Chacune d'entre elles ne doit être transposée qu'environ une octave. Nous avons également des commandes de vélocité ici où nous pouvons régler la même chose. Maintenant, celui-ci ne l'a pas réglé. Celui-ci n'a pas défini de commandes de vélocité, donc toutes les notes seront sur la même vélocité. Mais un seul extrait peut être joué à la fois. OK, donc si je joue une note, elle est juste sur le bord, non ? OK, allons-y. Il s'agit donc de jouer cet extrait. Vous pouvez voir en rouge quelle note je joue. Mais si je lis toujours le même échantillon, nous sommes maintenant passés à un autre fichier. OK ? Ainsi, une bonne bibliothèque d'échantillons est constituée de cette manière avec des tonnes de fichiers. Plus il y a de fichiers, plus l'échantillonneur est volumineux. Et d'une manière générale, plus le son est meilleur et plus réaliste s' il s'agit d'un instrument acoustique. Chacune de ces zones est donc appelée zone. Il existe différentes zones pour chaque échantillon et vous pouvez les configurer pour qu'elles se déclenchent de différentes manières. Nous allons voir quelque chose de très similaire lorsque nous parlerons de porte-instruments dans une minute. Mais avant cela, ouvrons une bibliothèque d'orchestre, et laissez-moi vous montrer à quoi ressemble une grande bibliothèque d' orchestre. 71. Exemple de bibliothèque Sampler Orchestra: OK, je vais donc fermer tout cela en accédant à nouveau à l'onglet Zones. Et maintenant, regardons l'orchestre Ableton. Le moyen le plus rapide d'y parvenir est donc de passer à PAX et vous devez installer celle-ci pour qu'elle fonctionne, mais pour les cordes d'orchestre, passons à String Ensemble À. C'est un orchestre qui sonne plutôt bien Désormais, les véritables bibliothèques d' orchestre ne transposeront plus du tout vos fichiers Ils auront un seul fichier pour chaque note et probablement cinq ou six vitesses différentes de cette note, des volumes différents de cette Celui-ci se transpose quelque peu, et il est en mode multi-échantillons. C'est donc un truc un peu bizarre en direct. Mais en gros, lorsque vous voyez ce mode multi-échantillonnage, si vous voulez y accéder et vraiment travailler avec lui, cliquez sur la partie d'en-tête ci-dessus et descendez en mode plus simple à échantillonner Et il va essentiellement le sortir du mode multi-échantillons et le reconvertir en échantillonneur Je ne sais pas vraiment pourquoi certaines choses se présentent de cette façon, mais cela en fait redevient un échantillonneur, et c' est ce qu'il doit être OK, alors passons aux zones. Vous pouvez voir qu'il y a 300 échantillons dans cet instrument. Donc, si nous allons jusqu'aux zones, nous voyons tous ces fichiers. D'accord, en fait, oui, celui-ci contient des fichiers uniques. Donc, si nous passons juste au milieu, disons celui-ci. Donc, ce fichier joue pour note, voyons voir, qu'est-ce que c'est ? C Sharp 5 uniquement. OK ? Ce fichier ne se transpose donc tout simplement pas du tout Si je joue à C 5, cela déclenche ce fichier. OK ? Alors maintenant, vous verrez également qu'il le déclenche en fait quatre fois. Pourquoi ce serait le cas ? Je vais t'expliquer ça. Donc, si je joue C Sharp 5, ces quatre notes vont être déclenchées. Cependant, le réglage de la vélocité va les arrêter. Voici donc cette même note. Si je joue à basse vélocité, jouerai celui-ci. Si je joue un peu plus vite, jouerai celui-ci, un peu plus haut et un peu plus haut. Ainsi, pour chaque note de l'éventail de l'orchestre, nous avons un audiophile de cette Quatre fois à quatre volumes différents, du plus faible au plus fort. Cette configuration sera donc capable de dire en direct quelle note déclencher lorsque je joue cette note à un certain volume . Vous pouvez donc les construire. Vous pouvez les créer très facilement en faisant simplement glisser les sons dans un échantillonneur et en constituant ainsi une bibliothèque complète Hum, et, tu sais, tu peux acheter certains de ces samplers Si vous avez quelque chose comme le contact, c'est un exemple de joueur qui fait la même chose. Il est capable de gérer une tonne de samples différents, et vous pouvez les publier. Vous pouvez configurer un système dans lequel il décide lequel jouer, et c'est là que vous obtenez de grandes bibliothèques de samples. Le contact est gratuit, mais les bibliothèques que vous achèterez pour cela ne le sont certainement pas parfois OK, c'est ainsi que Zones fonctionne dans une grande bibliothèque d'orchestre. Et celui-ci sonne plutôt bien. C'est une bibliothèque qui sonne plutôt bien. 72. Ajouter des échantillonneurs à notre piste: Bien, ajoutons un sampler à notre titre délirant ici. Ce que je veux, c'est une sorte de clavier pour renforcer ce son. Passons donc à l'échantillonneur et examinons certains des préréglages. Avec une sorte de flingue. C'est plutôt intéressant. Mais cela pourrait maintenant fonctionner pour nous. Non, il y a des accords entiers là-dedans, donc je ne veux pas ça. C'est plutôt amusant. Essayons ça. Nous allons donc prendre tout cela et le mettre ici pour le doubler. Écoutons à quoi ça ressemble. Je ne l'aime pas vraiment. Tu essaies ça ? C'est trop gros. J'aime bien ça. OK, cool. Peu importe. Ces choses sont un peu ridicules. Mais je vais vous donner à nouveau cette séance. Je pense que nous avons ajouté quelques couches depuis que nous vous l'avons donné pour la dernière fois. Donc, si c'est amusant pour vous, vous pouvez le télécharger et jouer avec lui si vous le souhaitez. Passons ensuite à Rack. 73. Aperçu des instruments Racks: Très bien, parlons des racks. Je crois l'avoir déjà dit une fois dans l'un des cours précédents, mais je vais le répéter parce que c'est important. Lorsque je passais l'examen d' entraîneur certifié, l' un des employés d'Ableton, l' un des employés d'Ableton Company, a décrit des supports comme Il a dit : « S'il y avait quatre éléments qui constituent le live, comme les quatre éléments les plus importants du live, ils déformeraient Session View, Arrangement View et Racks Je pense que c'était peut-être avant que Max for Live n'existe, alors j'ajouterais cinq Max for Live. Mais les racks sont les quatrièmes. Nous avons déjà vu des porte-tambours, mais il existe d'autres types de supports, deux en particulier Il existe des porte-instruments et des porte-effets. Nous allons parler des porte-instruments maintenant et nous parlerons des supports à effets dans le prochain cours Donc, ce que vous pouvez faire avec un porte-instruments , c'est essentiellement fabriquer des super instruments. Vous pouvez combiner des instruments ensemble. Vous pourriez aussi penser au fait que par le passé, jusqu'à présent, j'ai dit à plusieurs reprises qu' on ne pouvait mettre qu'un seul instrument sur une piste. Et chaque fois que je disais ça, je un peu étouffé, et je crois que j'ai probablement dit que dans la plupart des cas, on ne peut mettre qu'un seul instrument sur une piste, ou la plupart du temps, on ne peut mettre qu'un seul instrument sur une piste C'est l'exception. Si vous utilisez un rack, un porte-instruments, vous pouvez, d'une certaine manière, mettre plus d'instruments qu'un sur une piste. Jetons donc un coup d'œil. Ils ressemblent en quelque sorte à des porte-tambours Passons donc au porte-instruments, et jetons-en un vide ici. OK ? Ça y est. Rien à voir, non ? Il n'y a vraiment rien là-dedans. Mais maintenant, disons que je veux ce correctif de collision. Maintenant, cette zone de collision est un rack. Tu te souviens ? Mais je mets juste un rack dans un rack, ce que vous pouvez tout à fait faire. Maintenant, disons que je veux cette table de vagues. Bien sûr. Je vais donc ouvrir ce truc appelé chaînes, que je vais expliquer dans une seconde, et continuer comme ça. Et maintenant, voyons voir. Que diriez-vous d'un moule ? Bien sûr. Mets ça là. Peut-être un autre moule. Bien sûr. OK ? Maintenant, j'ai créé un super son. C'est assez dingue. Hum, mais c'est ce que tu peux faire avec des racks. Alors, allons-y un peu plus et parlons du fonctionnement des racks et de ce que vous pouvez en faire. Nous allons commencer par cette partie sur les chaînes. 74. Chaînes et sélecteurs: Donc tu peux avoir un instrument par chaîne, d'accord ? Alors repartons à zéro. Débarrassons-nous de ça. Revenons au porte-instruments. Pose-le ici. OK ? Maintenant, choisissons un son. Bien sûr. Nous allons le faire glisser là-bas. OK ? Maintenant, dès que j'aurai fait ça, je dois ouvrir des chaînes ici, d'accord ? Si je veux une autre chaîne, je peux faire deux choses. Je peux contrôler le clic quelque part dans cette zone et dire « créer une chaîne ». Maintenant, j'ai une chaîne vide, ce qui peut être utile, en fait. Mais nous allons nous en débarrasser pour le moment. Une autre chose que vous pouvez faire est de simplement faire glisser un instrument ou un préréglage vers cette zone et de créer une autre chaîne. OK ? Jusqu'à présent, chaque chaîne va être déclenchée en même temps. Donc, lorsque je joue des notes midi, ces notes midi entrent ici et sont envoyées aux quatre chaînes, puis envoyées. Je peux régler le volume de chaque chaîne ici. Donc, si je veux les mélanger d' une manière ou d'une autre, je peux faire un peu de panoramique Je peux en désactiver ou en activer un, je peux les jouer en solo, les échanger , faire différentes choses. Mais c'est là que le vrai pouvoir entre en jeu. J'ai ces choses ici. Ces quatre boutons. Hide n' est pas vraiment l'un d'entre eux. Vélocité des touches et chaîne. Cela me permettra de choisir chaîne que j'entends et à quel moment. Pour l'instant, je vais tout le temps entendre toutes les chaînes. Mais que se passerait-il si nous avions un instrument réglé par clé ? OK, alors regarde ça. Je vais contrôler, cliquer ici dans cette zone des chaînes et dire «   Répartissez les gammes de manière égale ». Petite astuce amusante pour gagner du temps. OK, maintenant ce que nous avons ici, c'est quand je joue une note basse sur mon clavier. Nous y voilà. Je vais jouer. Il va jouer de cet instrument. Lorsque je joue une note un peu plus haute, nous passons maintenant à cet instrument. Si je vais plus haut, je garderai cet instrument. Bon, maintenant, passez à l'autre. Passons à la suivante. Oh, c'est trop haut pour que celui-ci puisse le supporter. Celui-ci est trop haut. Ça va. Hum, vous pouvez donc voir que maintenant nous avons décidé quels instruments se situent dans quelle gamme, d'accord ? Nous pouvons les déplacer. On peut dire que celui-ci se produit là-bas. Ils peuvent se chevaucher. Alors maintenant, ici même, je vais entendre ces deux instruments. Nous pourrions dire que nous entendrons toujours cet instrument, mais nous entendrons également d' autres instruments en cours de route. C'est un effet cool. Mais ce que je préfère faire, c'est regarder ça. D'accord, nous pouvons donc décider quels instruments jouent à quel moment en utilisant ce type de grosse barre verte. Mais voyez-vous cette petite barre verte au-dessus ? Cette petite barre verte ressemble à un fondu croisé. Alors jetez un œil à ceci. Maintenant, ils se chevauchent un peu, mais attention Je vais prendre cette petite barre. Appelle comme ça et comme ça. Oups. Parfois, c'est un peu difficile de l'attraper parce qu'il est petit Mais que croyez-vous qu' il se passe actuellement ? Nous sommes des instruments de cross-fading. Au fur et à mesure que je monte dans cette gamme, je vais prendre un peu de cet instrument et un peu de cet instrument jusqu'à ce que cet instrument finisse par prendre le dessus, puis il disparaîtra entre les deux, n'est-ce pas ? Je vais donc prendre un peu des deux et créer ce truc fou C'est un peu fou. Hum, donc c'est avec le sélecteur de touches. Je peux faire la même chose avec la vélocité. Vous voyez maintenant à quel point cela vous est familier grâce au sampler, n'est-ce pas ? Je peux dire que lorsque tout ira bien, distribuons les fourchettes. Je peux donc dire que lorsque nous sommes sur celui-ci, nous jouons des notes calmes, utilisons ce synthé, nous jouons des notes fortes, utilisons ce synthé, des notes plus fortes, utilisons ce synthé, et des notes très fortes, utilisons ce synthé et des notes très fortes Maintenant, j'ai créé un petit problème ici et il faut faire attention à cela. Et c'est que nous avons deux types de sélections différents en cours. Cela signifie donc que si je joue une note grave très doucement, je vais entendre ce synthé et ce synthé Donc, juste ce super synthé. Mais si je joue une note aiguë, très doucement, elle ne jouera rien parce que la gamme basse se trouve ici, mais la gamme haute est là-haut. Vous devriez donc essayer de prendre l'habitude d'utiliser l' un ou l'autre d'entre eux. Ce n'est pas génial d' utiliser les deux car vous pouvez finir par ne rien déclencher. Je vais tout rouvrir, puis il y aura encore une chose à examiner OK, je vais les rouvrir, puis nous examinerons le sélecteur de chaîne et la vidéo suivante 75. Le sélecteur de chaîne: OK, j'ai donc réinitialisé mon sélecteur de chaîne de vélocité et mon sélecteur de touches Passons maintenant à ce sélecteur de chaîne ici. OK, alors imaginons une autre situation. Disons que vous faites partie d'un groupe et que vous êtes le claviériste de ce groupe. Et vous partez en tournée avec ce groupe, jouez des claviers, et vous voulez en apporter un peu, vous voulez apporter un mini-clavier Vous ne voulez pas emporter tout votre arsenal de 50 claviers différents Donc tu vas apporter un clavier MIDI et un ordinateur portable, d'accord ? Tu vas monter sur scène. Vous allez connecter votre clavier à votre ordinateur portable, et vous allez charger un patch Ableton Et il y aura un porte-instruments dessus, d'accord ? Vous allez configurer les instruments dont vous avez besoin pour chaque piste. Voici donc la piste 1, la piste 2, piste 3, la piste 4. Alors peut-être que c'est un orgue, peut-être que c'est un piano Rhodes. C'est peut-être un piano normal. C'est peut-être une sorte de bloc-notes. Pour chaque chanson que tu as dans ton set, tu as une chaîne différente, d'accord ? Ensuite, ce que vous allez faire, c'est accéder à ce sélecteur de chaîne, et vous allez y aller pour le déplacer de 1/1 Cette 1/2. Ce 1/3. D'accord ? Vous allez associer cela à un cadran de votre clavier. D'accord ? Donc, en faisant cela, vous pouvez définir un cadran qui contrôle cela. Vous pouvez le faire avec le mappage MIDI. Nous parlerons de la cartographie Mi dans le prochain cours. Donc, en fait, je vais juste vous montrer comment le faire très rapidement. Commandez M, cliquez dans cette zone violette, puis déplacez un paramètre sur un MIICtroller, et vous en aurez Une fois que vous en avez le contrôle, vous êtes prêt à jouer à cette émission sans jamais avoir à toucher votre ordinateur portable. Vous avez votre clavier ici. Tu dis « Cool ». Pour la chanson suivante, il ne te reste plus qu'à tourner ce cadran d'un cran comme ça. Vous en êtes maintenant à votre deuxième synthé. Chanson suivante, tournez ce cadran d'un cran. Vous en êtes maintenant à votre troisième synthé. Vous en êtes maintenant à votre quatrième synthé. Le sélecteur de chaîne. Et puis , ils veulent un rappel, alors tu retournes à ton premier synthé. Pas de problème Il suffit de tourner ce cadran. D'accord ? C'est pour cela que ce sélecteur de chaîne est vraiment doué C'est juste dire que je veux jouer sur l'un de ces synthés, et que je vais juste tourner un cadran, et ce sera une sorte de sarcelle. C'est ce que je suis en train de changer. Et je peux simplement sélectionner ce que je veux faire. Vous pouvez aussi faire le même genre de choses en créant, par exemple, une longue zone et peut-être, vous savez, en un fondu. Et puis c'est tout le contraire. Donc, vous savez, vous pouvez toujours l'utiliser pour simplement composer un effet pour, par exemple, passer d'un péché à l' autre et peut-être en avoir un qui continue comme ça. Maintenant, tu dois créer un son incroyable. C'est donc ce que fait le sélecteur de chaîne. Il vous permet essentiellement de le sélectionner. 76. Macros: OK, ensuite, revenons à ce petit bouton macro que nous avons vu plus tôt. Nous avons vu que nous pouvions attribuer certaines choses à différentes macros, non ? Explorons cela un peu plus car il y a beaucoup de choses folles que nous pouvons faire avec ça. L'idée qui sous-tend les macros est de revenir à cet exemple. Tu es dans un groupe. Vous êtes sur scène et vous ne faites que parcourir tous ces différents stands pour les différentes chansons de votre set Mais disons que dans cette deuxième chanson, vous devez avoir accès à la fréquence de votre filtre, d'accord ? La dernière chose à faire est d' ouvrir votre ordinateur, fouiller pour essayer de trouver ce cadran au milieu de tout ce qui se passe sur scène. Vous allez appuyer sur le mauvais bouton, et quelque chose d'étrange risque de se produire. Nous voulons vous éviter d'avoir à fouiller dans l'intérieur d'un instrument lorsque cela se produit. Donc, ce que nous allons faire, c'est simplement dire « contrôle de fréquence », « cliquer », « mapper » à « Macro 1 ». Alors maintenant c'est là, d'accord ? Donc, quand je déplace ceci, ça déplace cela. Cool. C'est ça, non ? Rien d'extraordinaire. Il s'agit simplement de cartographier un paramètre pour nous éviter d'avoir à fouiller au plus profond de notre instrument et de le trouver, nous donnant simplement accès à certaines informations très rapidement. Cependant, même si c'est quelque chose d'important que nous pouvons faire, les macros sont en quelque sorte leur propre petit moteur de synthèse , un peu accidentellement, car regardez ceci. Disons que je voulais créer ce filtre, mais je veux aussi créer un effet fou où mon taux de LFO diminuera à mesure que mon filtre augmentera Je pourrais totalement le faire. Cliquez sur le bouton Ctrl, mappez-le également à Macro One. OK ? Maintenant, ils augmentent tous les deux en même temps. Ensuite, je vais revenir ici, cliquer à nouveau dessus avec le bouton droit de la souris et appuyer sur Modifier la carte macro. Maintenant, j'ai un certain contrôle sur ces choses. Mon taux de LFO passe donc de 0 à 127. Si je voulais faire le contraire, montez ça vers le haut, vers le bas Maintenant, lorsque je déplace cette macro, l'une monte et l'autre descend. OK, désactivons le mappage pour voir ça un peu plus facilement. OK ? Faisons autre chose. Et si en même temps que cela se produisait, je voulais que mon oscillateur à deux niveaux monte et descende OK ? Maintenant, je suis en train de créer cet effet fou. Et il n'est pas nécessaire que ce soit uniquement dans cette chaîne. Et si cette chaîne se produisait également, et que j'entrais dans cet appareil et que je disais : je veux que l'enveloppe du pitch change également pour cet instrument complètement différent. Maintenant, j'ai ce cadran qui fait des choses insensées. Je peux en changer la couleur, le renommer, super cadran Bien sûr. C'est ainsi que fonctionnent les macros. Vous pouvez faire une quantité incroyable de choses avec les macros. Nous le verrons encore plus une fois que nous serons dans les racks d'effets, où nous pourrons commencer à créer ces effets vraiment complexes et personnalisés Mais cela devrait vous donner une idée de base de ce dont ils sont capables. Vous pouvez mapper autant d'éléments que vous le souhaitez à une macro. Vous pouvez appuyer sur ce bouton de carte pour contrôler les valeurs minimales et maximales, ce qui vous permet de le personnaliser encore plus. Il y a donc un énorme potentiel uniquement dans les macros. OK, examinons quelques préréglages rapides. 77. Quelques préréglages de support: Euh, d'accord. OK, je vais me débarrasser de ce truc dingue que nous avons créé. Et passons au porte-instruments. Et regardons ces préréglages. Maintenant, il y a beaucoup de préréglages ici. Alors, euh, c'est fou. Regardons ça. OK, alors on l'ouvre. Nous n'avons que des macros. La plupart du temps, c'est ce que tu veux. N'oubliez pas que les macros sont conçues pour vous éviter d' avoir à fouiller dans tous les instruments. Il a donc été construit de telle sorte qu' il contient juste ce dont nous avons le plus besoin. Soigné. Jetons un coup d'œil à l'intérieur. Donc, si je clique sur ce bouton, je vais voir les chaînes. Il y en a deux. D'accord ? Si je double-clique ici, je peux développer cela. Il existe donc un échantillonneur en mode multi-échantillons. Il existe un modulateur en anneau, qui n'est qu'un autre échantillonneur en mode multi-échantillons Nous n'avons donc que deux échantillonneurs ici. Regardons cette batterie. OK, alors qu'est-ce qu'on a ici ? C'est un peu compliqué parce que nous avons ici un porte-batterie, mais il est contenu dans un porte-instruments. C'est quelque chose que tu trouveras. Vous pouvez avoir des racks dans des racks dans des racks. C'est un peu fou. Ils n'ont donc que quatre macros pour nous. Si nous examinons nos chaînes, il n'y en a qu'une, ce qui est tout à fait normal. Et ils ont également mis des effets sur cette chaîne, également, ce que vous pouvez faire, en passant, en plaçant certains effets au bout de la chaîne, après l'instrument. Cela semble assez simple. Regardons-en un autre. Essayons celui-ci. OK. Juste quelques macros. Une chaîne, un opérateur, puis une tonne d'effets. Et vous pouvez déjà voir que tous ces points verts sont mappés à des macros Il existe donc des paramètres, en particulier, l'activation et la désactivation de cet effet sont mappées à une macro Voyons si nous pouvons en activer un. voyez cet ampli ici, il sera contrôlé par cette lampe. Donc, à un moment donné, il atteint une valeur qui l'active. C'est juste quelque chose de supérieur à zéro, ça l' active avec ça. Vous pouvez donc le configurer dans cet onglet de mappage ici. Il y a donc tellement de possibilités de faire des choses complètement dingues avec l'instrument x. C'est littéralement infini. OK. Nous avons presque terminé. Nous avons presque terminé. Hum, il y a juste quelques petits bricoles que je voudrais aborder, puis nous terminerons cette partie du cours. Alors faisons-le. 78. Instrument externe: Bien, parlons de cet instrument externe. Celui-ci est un peu bizarre, donc nous sommes un peu dans la section des bricoles maintenant. Le but de cet instrument externe est le suivant. Disons que j'ai ce synthétiseur MIDI là-bas, juste là Imaginons que je veuille le jouer en live. Je veux faire un séquençage MIDI et envoyer ces données MIDI à cet instrument, puis récupérer un signal audio OK ? C'est ce qu'est un instrument externe. Techniquement, je pourrais faire tout cela sans l'instrument externe. Je pourrais simplement le faire avec le routage en créant une nouvelle piste Mi, puis en disant que cette sortie MIDI est dirigée vers un périphérique externe là-bas, puis en configurant une nouvelle piste audio qui enregistrera le son à partir de cette piste. Je pourrais le faire. Il faudrait deux voies, un tas de câblage et de bizarrerie Cela rend les choses un peu plus faciles. Donc, avec cet instrument externe, tout ce que j'ai à dire, c'est Mi deux, puis je peux simplement le sélectionner. Il n'est pas branché pour le moment. Mais je pourrais sélectionner le destinataire de ce MDI. Et puis je dirais audio à partir de ça. J'ai obtenu un petit gain, quelques contrôles de latence. Et puis, en gros, sur cette même piste, il va y envoyer du MIDI et y réintégrer le son. Et à un moment donné, je peux simplement enregistrer cet audio et l'avoir. Mais c'est une question d'utilité. Il va juste envoyer du MIDI, par exemple, de votre ordinateur vers un autre appareil, puis réintroduire le son. C'est tout C'est en fait relativement simple. Vous n'en aurez vraiment besoin que si vous avez un équipement MIDI externe dont vous voulez obtenir les sons, d'accord ? C'est la seule vraie raison de l'utiliser pour le moment. C'est tout ce que j'ai à dire à ce sujet. 79. Granulateur III: Maintenant, j'ai parlé de Max for Live ici et là. Nous allons faire une tonne de Max for Live dans la dernière partie de ce cours. Mais certains instruments Max for Live se cachent en quelque sorte sur votre ordinateur. Un super puissant. Et en fait, je pourrais même dire que c'est l'un des instruments les plus puissants que nous ayons sur scène, et qu'il est en quelque sorte caché. C'est le granulateur 3 Nous avions un granulateur. Nous avions le granulateur 2, et maintenant la nouveauté de Live 12 est le granulateur 3. Ce truc est dingue, et c'est un appareil Max for Live, censé être fabriqué par Robert Hinke, le genre de boss. Donc, pour l' utiliser, je dois ouvrir ce dossier, puis accéder au granulateur à trois pistes, puis je peux le charger N'oubliez pas que l'appareil Max for Live signifie simplement que vous pouvez l' ouvrir et le modifier si vous le souhaitez vraiment Mais ce truc ressemble à un drone complètement fou. Laisse-moi te montrer. Allons-y, euh, B, bien sûr. Faisons simplement glisser un fichier son là-dedans. Et maintenant, si tu y joues. Donc, il fait comme de petites choses en boucle. Examinons certains de ces préréglages. C'est complètement fou. Donc tu peux entraîner n'importe quel audiophile là-dedans , et ça va faire des choses dingues. Peut-être pas un chapeau haut. C'est peut-être bien. Bien sûr. OK. Et je n'ai encore touché aucune des commandes. Nous avons donc des enveloppes, des filtres. Mais en fait, notre oscillateur est cet échantillon. Mais c'est comme si on démontait l'échantillon et qu'on y faisait des choses complètement dingues. Granulator est le nom granulateur dérivé du terme granulaire, qui est un type de synthèse, la synthèse granulaire, dans laquelle vous prenez un son et le découpez en de très petits morceaux appelés grains, petits morceaux appelés grains, puis vous les saupoudrez et faites des choses amusantes Alors jetez un œil à cet instrument. C'est plutôt puissant. Je crois que c'est gratuit avec sweet et peut-être avec d'autres versions. Si vous l'avez, il apparaîtra en packs. Donc, granulateur 3 PAC. Si vous ne l'avez pas, consultez le site d'Ableton, accédez au PACS, puis passez à la version gratuite et voyez s'il apparaît pour vous comme quelque chose Vous pourriez aussi probablement l' obtenir directement depuis cette fenêtre. Je pourrais venir ici pour toi. Mais joue avec . C'est vraiment amusant. 80. Autres appareils M4L: Et bien sûr, n'oubliez pas que si vous allez dans l'onglet Max for Live ici, vous devriez y avoir plusieurs éléments qui sont d'autres instruments. Ce ne sont pas tous des instruments, et vous ne les aurez pas tous. Beaucoup d'entre eux sont simplement des objets que j'ai créés ou avec lesquels j'ai joué, mais vous pouvez télécharger des instruments tomforive.com. Si vous les recherchez. Il y a des tonnes de choses gratuites avec lesquelles jouer. Le Buffer Shuffler est idéal pour faire des tâches fastidieuses. L'ARP est cool. Euh, il y a beaucoup de choses qui viennent avec Live, et il y a beaucoup de choses que vous pouvez simplement télécharger vous-même. Ne les oubliez donc pas si vous recherchez autres idées d'instruments ou d'effets. 81. Quoi ensuite ?: OK, nous sommes arrivés à la fin de la quatrième partie de cette séquence sur le design sonore et les instruments. Ensuite, P 5 concerne les effets audio et midi. Donc, dans cette section, nous allons vivre ici. Nous allons passer en revue tous ces effets. Nous parlerons d'autres sujets liés à la conception sonore, la théorie des effets, à la composition et à leur utilisation. Et nous aborderons un peu le mixage et le mastering au fur et à mesure que nous serons à l'aise avec certains de ces plug-ins Nous apprendrons également ce que sont certains d'entre eux, non seulement comment les utiliser, mais aussi les compresseurs, les différents types de filtres, les manettes de vitesses, les phaseurs, les flangers, les vocodeurs, toutes ces entre eux, non seulement comment les utiliser, mais aussi les compresseurs, les différents types de filtres, les manettes de vitesses, les phaseurs, les flangers, les vocodeurs, bonnes Alors rejoignez-moi pour cet autre cours. Il est probablement sorti maintenant, et nous poursuivrons notre voyage pour maîtriser chaque élément d' Ableton Life. Nous vous y verrons. 82. Partie 5 : Introduction: Salut, tout le monde. Bienvenue sur Ableton Live 12 cinquième partie. Effets multimédia audio. Dans ce cours, dans cette partie de la gigantesque série de cours, nous allons vraiment nous concentrer sur les effets multimédias. Maintenant, je vais vous présenter tous les effets audio et MIDI que nous avons dans Live 12. Mais je vais également parler longuement de la théorie des effets, façon d'utiliser les effets, des différents types d'effets, ordre dans lequel ils doivent être et de la manière d'utiliser d'autres techniques comme le chaînage latéral et le busing, etc. Je recommande donc vivement regarder ce cours du début à la fin pour avoir une idée de tous les effets. Mais après cela, conservez cette classe dans votre compte et utilisez-la comme une sorte d'encyclopédie. Retirez-le chaque fois que vous voulez savoir comment utiliser un effet. Vous pouvez toujours y revenir et revoir n'importe quel segment pendant que vous travaillez sur des pistes Vers la fin de ce cours, nous allons parler des racks d'effets, en particulier des racks effets audio Et c'est l'une des choses les plus puissantes de la vie. Si vous n'avez pas encore exploré les supports d'effets audio, vous allez vous émerveiller Alors, commençons. Plongeons-nous dans le vif du sujet. Allons-y. C'est bon. Il y a donc toutes les fréquences de notre son. Maintenant, voici ce que nous voyons. Donc, sur la gauche, nous avons des sons graves, tout cela en même temps. Nous pouvons monter jusqu'à ce triangle ici et cliquer sur. Maintenant, ne paniquez pas. Il semble que nous ayons 1 million de réglages supplémentaires ici, mais nous ne le réduisons pas, puis nous augmentons le tout d' autant que nous l' avons atténué OK, donc nous allons le lisser, le compresser, puis tout améliorer Maintenant, c'est mon préféré. C'est mon genre de prédilection pour la plupart des effets, d'accord, alors écoutons les trois maintenant 83. Les 4 domaines de ce cours: D'accord. Plongeons-nous dans le vif du sujet. Dans ce cours, nous allons donc vraiment nous concentrer sur les effets audio et MIDI. Cependant, dans Live in Live 12, cela nous placera dans quatre zones différentes de notre navigateur. D'accord ? Nous allons examiner les effets audio, non ? Nous allons passer en revue tous ces effets et voir comment ils fonctionnent tous. Nous allons également examiner les effets multimédias. Nous allons examiner tous ces effets multimédias et leur fonctionnement. Nous allons également examiner les modulateurs. Ce sont des effets qui visent à moduler les choses. Si vous avez suivi le reste de ma série de cours Live 12, vous savez déjà en quelque sorte ce qu'est la modulation, mais nous allons l' approfondir avec ces éléments. Et enfin, Max for Live. Nous n'allons donc pas entrer dans les détails de Max for Live, mais nous allons découvrir quelques effets Max for Live, car ils sont éparpillés un peu partout Vous verrez ici que même dans le domaine des effets audio, il existe quelques effets Max for Live qui apparaissent comme ce LFO, ce delay d'alignement L'icône indique qu'il s'agit de Max for Live. Ils ont ces petites lignes qui sortent de Let's see s'il y en a d' autres, oui, Shaper Effets MIDI, il y a probablement quelques enveloppes, MTI, contrôle d'expression, shaper MIDI tout cela est Max for Live. Les modulateurs sont tous conçus pour les effets Max for Live. Nous n'allons donc pas aborder création d'effets avec Max for Live, car si vous ne connaissez pas Max for Live, il s'agit essentiellement d'un langage de programmation intégré au live et qui nous permet de créer des choses. Parfois, des choses sont tellement cool qu'Ableton dit nous allons les intégrer dans la version principale Et c'est ce que vous voyez ici lorsque vous voyez les effets Max for Live dans l'ensemble du programme. Vous pouvez donc créer vos propres effets avec Max for Live, et nous le ferons, je crois, dans P seven de ce monstre, tout ce qu' je crois, dans P seven de ce monstre, il y a à savoir sur la classe Ableton Live Nous allons le consacrer uniquement à MAX et apprendre comment fonctionnent les bases de la programmation dans MAX. Mais dans ce cours, pas de programmation, nous allons simplement utiliser certains des effets Max for Live qui ont été programmés par d'autres personnes. Ce sont donc nos quatre domaines dans lesquels nous allons travailler : les effets audio, les effets multimédias, les modulateurs et Max for Live Nous n'allons pas trop nous attarder sur les plug-ins. Les plug-ins peuvent être des effets. Les plugins peuvent être des effets. Ils peuvent être des instruments, et ils peuvent également être d' autres choses. Mais les plug-ins sont propres au système de chacun. Vous aurez des plug-ins que les autres n'auront pas. Ce ne sont pas des choses fabriquées par Ableton, mais par quelqu'un d'autre. Nous n'allons donc pas nous concentrer sur les plugins de cette classe. Nous allons juste nous concentrer sur les produits fabriqués par Ableton. effets audio, des effets multimédias, des modulateurs, puis des éléments de Max for Live. OK. Cool. Alors, soyons bons dans toutes ces choses. Commençons par les effets multimédias. O 84. Que sont les effets Midi ?: Effets MIDI. Commençons par les effets MIDI. Les effets midi sont donc généralement plus simples que les effets audio, car souvenez-vous que le MIDI n'est que des chiffres, n'est-ce pas ? C'est comme la note numéro 60, allumez-la, éteignez-la. Comme à un volume de 100. C'est juste un tas de chiffres. Donc, MDIEffects fait essentiellement des calculs de différentes manières Ne t'inquiète pas. Nous n' avons pas à faire de maths. Pour nous, c'est l'effet qui gère cela. Mais ils ne sont pas aussi compliqués que d'ajouter des fréquences, des harmoniques, des partiels et toutes ces autres choses que d'ajouter des fréquences harmoniques, des partiels et toutes ces autres Par exemple, les effets audio le sont. Passons donc en revue nos effets MIDI et découvrons simplement ce que chacun fait. N'oubliez pas que pour tout effet MIDI, nous avons besoin de quelques éléments pour qu'il fonctionne. Tout d'abord, nous avons besoin d'un instrument sur une piste. Nous n'entendrons rien si nous ne fabriquons pas d'instrument. Utilisons donc simplement le patch analogique par défaut. Ça y est. Ensuite, nous passerons à nos effets MIDI et y ajouterons quelque chose. L'autre chose dont nous avons besoin, ce sont des informations MIDI, soit un clip, soit un clavier comme celui que j'ai branché J'ai donc un clavier, donc quand vous me voyez, faites-le, cela signifie que je prends le clavier et que je joue quelques notes. Nous pourrions même simplement ajouter quelques clips. Nous verrons comment ça se passe. Maintenant, lorsque nous arrivons dans notre zone d'effets, nous avons toujours notre instrument et un effet MIDI avant, et les effets audio viennent après si nous le voulons. N'oubliez donc pas que ces petits points nous indiquent que nous avons affaire à du MIDI, et ces lignes nous indiquent que nous avons affaire à du son. Les effets MIDI doivent donc être compatibles avec le MIDI. Vous verrez donc ces points ici et ici. Donc des points entrent, des points sortent, ce qui signifie que des données MIDI entrent, des Midiatas Les instruments sont des objets magiques où les données MIDI entrent et où le son sort. Tous les effets MIDI doivent donc précéder l'instrument. Si je clique dessus et que je le fais glisser ici, cela me dira simplement que non, tu ne peux pas le faire. Très bien, alors assurez-vous d'avoir ces choses. Si vous n'êtes pas doué pour configurer un clavier MIDI, vous n'avez pas vraiment besoin d' un mini-clavier Vous pouvez simplement créer des clips mais si vous avez besoin d'aide pour configurer un clavier MIDI, vous pouvez revenir, je crois, à partie de la série Ableton laquelle nous sommes actuellement dans la cinquième partie . J'ai parcouru toutes vos procédures de configuration, y compris les claviers que vous devriez acheter si vous voulez acheter un Très bien, alors allons-y. Passons simplement en revue cette liste. Je pense que tout ira bien par ordre alphabétique. J'aime toujours commencer par notre pegiateur qui est pratique car il est inscrit en premier dans l'ordre alphabétique Alors allons-y. 85. Arpégiateur: Bon, parlons de l' arpégiateur. Donc, si le concept d'arpéggiation ne vous est pas familier , cela signifie que vous pouvez le considérer comme une harpe Et je pense que RP l'origine du mot arp vient du mot harpe. J'ai lu ça quelque part. Hum, mais en gros, si tu imagines une harpe, tu la joues comme ça, pour voir si je peux te trouver un bon angle Vous pouvez jouer des accords en utilisant Bing et en jouant un tas de notes à la harpe Cependant, lorsque nous pensons à une harpe, associons souvent à l' arpéggiation, ce qui signifie jouer cet accord, peut-être, mais une note Donc, ce que nous faisons avec un arpégiateur c' est lui donner un accord, et il va jouer les notes une par une, d' accord, selon une sorte de schéma Alors laissez-moi faire une démonstration, peut-être que je vais vous le démontrer en mettant un clip ici. Faisons donc exactement comme un C. Eh bien, allons-y. J' allais juste taper un accord en do majeur Cependant, tirons parti de notre nouveau paramètre sensible aux clés. Je vais donc simplement passer à un accord mineur ou à une tonalité mineure D'accord ? Alors maintenant, je vais mettre un accord en do mineur OK, accord de do mineur très simple. Peut-être que je vais aussi mettre une note de plus en haut, un autre C. D'accord, donc j'ai quatre notes dans cet accord. D'accord ? Maintenant, je vais appuyer sur Shift Tab pour revenir arrière et voir mon arpégiateur D'accord ? Donc, si je commence, le style est configuré. Cela signifie donc qu'il va jouer la note la plus basse puis monter. D'accord ? Allons-y. Un, deux, trois, quatre, non ? Je peux changer le modèle à l' cette liste ou simplement en utilisant ces touches fléchées. Je me suis à celui-ci en ce moment. OK, vous pouvez donc voir que parfois il doit répéter une partie du schéma pour compléter la séquence, mais cela nous indiquera ce qu'il fait. Nous avons donc tout un tas d'autres options ici. Passons en revue certains d'entre eux. Tout d'abord, le rythme, c'est la vitesse à laquelle nous allons. Nous pouvons le régler en millisecondes ou en division du rythme. Il est actuellement réglé sur une division du rythme et une huitième note. Donc, si c'est notre rythme, il jouera le double. Fum, clou, clou, clou. Donc deux pour chaque clic. Nous pouvons l'accélérer en passant à la 16e note. Soigné. Oh, je dois également souligner que nous avons ici des choses aléatoires que j' aime beaucoup utiliser. Nous avons le hasard, le hasard autre et le hasard une fois. Je crois que la différence est que le hasard est vraiment aléatoire. autre note aléatoire signifie qu'il ne peut pas choisir la même note deux notes d'affilée. Et au hasard une fois, je ne sais pas en quoi c'est différent. Mais si je choisis le hasard, je ne veux pas de répétitions. C'est plutôt amusant. Laissons-le là. OK, alors voici ma vitesse. Je peux le ralentir ou l'accélérer. Distance. Celui-ci est intéressant, et cela va de pair avec des étapes. Donc ce qui se passe ici, c'est que nous allons laisser tomber les quatre notes que je lui ai données, d'accord ? heure actuelle, nous disons de ne pas vous éloigner des quatre notes que j'ai données, car les étapes sont mises à zéro. Donc, si on en dit un, d'accord ? Maintenant, c'est la distance qui change. Donc, ce que nous disons ici, c'est possible de parcourir le modèle une fois, puis de le transposer une fois C'est ce que signifie « étapes » ici. Et qu'est-ce que cette transposition ? Quelles notes allez-vous choisir ? Nous disons la distance 12, qui est une octave. Maintenant, il va jouer nos notes et une octave plus haut. OK. Si nous voulions jouer sur deux octaves, nous pouvons aller ici Alors maintenant, nous allons dire : OK, fais ton schéma, mais ensuite tu peux aussi faire deux octaves, plus haut, et le réglage sera réglé sur des octaves OK. Il n'est pas nécessaire que ce soit des octifs On pourrait dire de faire deux étapes. Ça va devenir bizarre. Mais nous pouvons également activer nos paramètres sensibles aux clés ici. Et maintenant, il va en quelque sorte savoir dans quoi nous nous trouvons et se comporter un peu mieux. OK, maintenant il ne prend que ces quatre notes, mais il joue quatre fois deux. Il joue donc huit notes. En fait, il joue 16 notes parce que nous le lâchons deux fois. Et il se transpose différemment. Je vais donc revenir à une octave qui donne toujours un bon son La démarche indique la longueur des notes. Si on raccourcit le portail, il va devenir **** Si on l'allonge, il va devenir dit, il va devenir Titi dit ti tit Ça va les rendre plus longs. Laissez-moi vous montrer plutôt que d'utiliser ma voix. Court, long. Je vais me contenter d'écrire dans notre octave. C'est donc le portail. OK, alors nous avons deux autres sections ici. Nous avons la section de déclenchement et la section de vélocité. Oh, avant d'en arriver là, laissez-moi vous montrer ce truc parce que c'est plutôt amusant. Maintenir signifie essentiellement que je peux jouer quelques notes. Par exemple, si j' appuie simplement sur deux notes, je peux en appuyer autant que je veux. Mais si j'appuie simplement sur deux notes, cela va commencer à Do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do do Je peux lâcher prise et m' en aller. Ça va continuer à faire do do do do do do do do do do. Cela va se maintenir dans ce schéma. J'ajoute deux autres notes. Ça va passer à ce schéma et je pourrai m'en aller. Comme. Maintenez. Va. Appuyer sur deux notes de plus ? J'ai perdu une jolie option. D'accord. Une seule note. Aux notes. Quatre notes. Donc tu peux juste, comme, ça note. Appuyez sur les accords. Éloigne-toi. C'est plutôt amusant. Je vais l'éteindre. Le déclencheur est le suivant : à quelle fréquence le schéma recommence-t-il ? Nous pouvons dire que le schéma doit recommencer de différentes manières. De cette façon, nous n'avons pas vraiment de schéma, donc cela ne servira à rien, mais revenons en arrière pour converger On pourrait dire que le schéma va recommencer à zéro, c'est-à-dire quand il sera terminé. Il y a donc quatre notes dans ce modèle, donc il va recommencer toutes les quatre notes. Mais on pourrait aussi dire qu'à chaque fois je lui donne une nouvelle note, je redémarre le pattern, assure qu'il commence ce schéma au début, ou à chaque nouveau rythme, le redémarre au début. Donc, si le schéma recommence et que nous ne sautons pas au milieu d' un schéma, l'intervalle serait comme un multiplicateur. Donc, si je dis chaque battement, je peux dire tous les deux battements, si je veux. Je laisse presque toujours ça de côté. Et puis je peux dire de répéter le schéma autant de fois que j'en ai besoin. Ici, nous avons cette fonctionnalité sensible aux clés qui est actuellement désactivée parce que nous utilisons la fonctionnalité de reconnaissance des clés ici. Si nous le désactivons, nous pourrions mettre notre propre clé ici si nous le voulions. Mais j'aime bien ça. La vélocité va ajouter une certaine variation à notre vitesse. Nous pouvons dire « désintégration », «   cible » et « re-déclenchement », juste pour faire varier notre vitesse. Mais vous pouvez en quelque sorte l'entendre s' estomper, puis grandir et s'estomper. Cela peut ajouter de la variation à votre arpégiateur. OK, c'est ainsi que fonctionne l'arpégiateur. Passons au contrôle CC. 86. Contrôle CC: OK, j'ai créé une autre piste MIDI ici et j'y ai mis une collision par défaut. Maintenant, c'est comme une commande CC. C'est presque une chose utilitaire où, en gros, ce que nous pouvons faire ici, c'est envoyer des messages CC. Maintenant, les messages CC signifient l'une des deux choses selon votre école de pensée. Je l'ai appris en tant que contrôle continu. C'est-à-dire tout type d' appareil MIDI qui n'est pas un bouton, comme une touche comme un fader ou un cadran, sur lequel il ne suffit pas d'activer ou de désactiver Cela a une certaine valeur. C'est ce qu'on appelle des contrôleurs continus. définition la plus moderne est également le changement de contrôle, ce qui signifie que c'est un contrôleur qui change, je suppose. Il n'envoie pas de messages de changement de contrôle. C'est un peu différent, mais il s'agit d'un message de changement de contrôle. Donc, ce que nous pouvons faire ici, c'est imiter le fait d'avoir une molette de modulation, un pitch bend, sensibilité à la pression si nous ne l'avons pas sur notre clavier Nous pouvons définir des éléments personnalisés où nous pouvons dire : «   Voici, vous savez, personnalisé B. Nous disons : C'est une sortie ». Voici tous les messages CC possibles qui sont à notre disposition. Nous pourrions donc dire d' envoyer Sustenuto. C'est une bonne idée. Envoyez un message Sustenuto Sustenuto est, si vous avez un vrai piano à queue acoustique, le pétale central Il y a trois pétales en dessous. Celui de gauche rend les choses plus calmes. Celui du milieu s'appelle sustanuto et celui de droite est un pétale soutenu Sustanuto maintient essentiellement certaines notes que vous Cela peut donc être vraiment amusant à utiliser. Voici donc la pédale Cestenuto. Aucun mini-clavier que j'ai vu n'avait de pédale cestenudo Nous pouvons donc en quelque sorte l'imiter si c'est ce que nous voulons faire et l'envoyer à l'instrument Nous pouvons également les mapper ou les automatiser si nous créons un clip et que nous accédons à nos enveloppes d'automatisation ici. Nous pouvons configurer tous ces contrôleurs continus que nous obtenons à partir de cet appareil Voici donc tous nos modèles personnalisés et ceux intégrés. Et nous pouvons les cartographier sous forme d'enveloppes ou, si nous étions en mode arrangement, nous pourrions simplement créer des voies d'automatisation avec celles-ci. En résumé, si vous souhaitez envoyer des informations sur le pitch bend, par exemple, à cet instrument, mais n'avez pas de pitch bend sur votre clavier, vous pouvez le faire de cette façon, puis l'automatiser. C'est ainsi que cela fonctionne. Il n' émet aucun son par lui-même n'envoie aucune autre donnée de note, il envoie des données CC, qui sont une sorte de message de contrôle. 87. Accord: OK, je vais m' en tenir à la collision et en faire quelque chose. Je me suis donc débarrassé de notre effet midi CC Control, et je vais y mettre du fil. Maintenant, celui-ci est vraiment cool. Avant, je vais être totalement honnête avec toi et ne pas dire à personne que j'ai dit ça. Cet effet Cordon MIDI était autrefois vraiment inutile. Je ne l'ai pas fait, je n'ai jamais pu en trouver un bon usage. Et même lorsque je faisais ces vidéos dans les versions précédentes, et que je devais en faire une démonstration , je me disais : «   Euh, parce que ce n'était pas très utile ». Mais maintenant c'est génial. Regarde ça. Donc, ce que nous pourrions faire, c'est essentiellement ajouter des notes avec cela. Donc, si je joue une note, je peux dire : OK, ajoute six étapes à cette note. Disons une octave. OK ? Maintenant j'ai une octave Donc, chaque note que je joue maintenant va avoir une octave ajoutée. C'est cool. Mais je pourrais aussi ajouter un cinquième, soit sept étapes. C'est cool. Cependant, nous commençons à avoir un problème ici, car si vous êtes dans une clé et que vous ajoutez un cinquième à tout, vous commencerez à sortir de la clé une fois que vous aurez atteint le sommet d'une échelle. Mais rendons les choses encore plus moches. Ajoutons une troisième étape majeure, composée de quatre étapes. Maintenant, à chaque note que je joue, j'ai un accord majeur, non ? Mais c'est complètement bizarre parce que ces accords vont devenir désordonnés un peu partout Mais avec nos nouveaux paramètres sensibles aux touches, je peux dire « Cool ». Faisons-le encore une fois. Disons 12 un cinquième et un troisième. Un troisième majeur. Et maintenant, nous allons rester dans clé, car cela ne laissera aucune note se produire qui ne soit pas dans la clé. Alors maintenant, je vais alterner entre les accords majeurs et mineurs au fur et à mesure que je monte. Cool, non ? Vous pouvez donc ajouter jusqu'à six notes ici. Maintenant, il y a une autre nouvelle fonctionnalité qui est vraiment cool ici aussi. Réinitialisons-les. N'oubliez pas que si vous souhaitez réinitialiser un cadran en direct, suffit de cliquer dessus, puis d'appuyer sur la touche de suppression. Mais je peux apprendre ça. Et maintenant je vais juste jouer un accord, d'accord ? Et maintenant c'est dit : cool. Je viens donc de jouer quatre notes, et ça va en ajouter trois. Donc, ce qu'il dit, c' est pour les notes, donc la plus basse sera appelée fondamentale, puis elle indiquera moins sept étapes, moins trois étapes, plus quatre étapes. Il en a donc choisi une au milieu comme racine, et il va les ajouter tout autour. Je ne sais pas comment il a choisi celui qui est la racine, mais cela n'a pas vraiment d' importance. Alors maintenant, oups Je l'ai perdu parce que je n'ai pas désactivé l'apprentissage. OK, maintenant, ça va rester pareil tout au long. Je peux ajouter du strum à cela, qui fait exactement ce à quoi il ressemble C'est comme si tu jouais de la guitare. Fais entrer un petit Debussy. Et, tu sais, si je fais du crescendo, ça va devenir plus fort au fur La tension, je crois, rend notre strum un peu inégal si nous montons Cela peut donc être amusant si vous souhaitez ajouter un tas de notes à des notes individuelles. Ne mettez pas ça sur les accords. Mets-le comme si tu voulais qu' une mélodie soit harmonisée. Vous pouvez jouer avec cela et voir si vous pouvez trouver quelque chose qui fonctionne. Cela peut donc être amusant. 88. Enveloppe MIDI: OK, j'ai donc créé une autre piste Mi, et j'y ai ajouté la dérive par défaut. Et maintenant, ajoutons l'enveloppe MTI. C'est un effet plutôt cool. Donc, ce que nous avons ici est vraiment très simple. Nous avons une enveloppe ADSR, non ? Si vous regardez le dernier cours où nous avons passé en revue tous les instruments et où nous avons beaucoup parlé de synthèse , vous les connaissez. Attaquez, désactivez, maintenez, relâchez. Nous avons également un montant et un petit graphique qui nous permettront de contrôler les mêmes paramètres de l'ADSR OK ? Maintenant, vous vous souvenez peut-être de la synthèse, quoi sert l'enveloppe ADSR ? Il doit être assigné à quelque chose. Nous avons donc ici une sorte d' enveloppe flottante que nous pouvons attribuer à tout ce que nous voulons sur un instrument, d'accord ? Donc, il ne nous reste plus qu'à faire. Alors, d'accord, je vais juste vous montrer ce que j'ai fait ici. J'ai fait un mini-clip. C'est juste ça, cette note encore et encore. OK. Donc ça a l'air, tu sais, bien, ennuyeux. Mais disons que je voulais mettre une enveloppe sur n'importe quel paramètre , même s'il s'agit d'un que je n'arrive pas à atteindre avec les enveloppes intégrées à cet instrument, peut-être, d'accord, alors disons quelque chose comme l'octave, n' Et si je voulais mettre une enveloppe sur l'octave pour faire monter et descendre en forme d'ADSR Tout ce que j'ai à faire c'est de cliquer sur la carte. Maintenant, il clignote et il indique que la prochaine chose sur laquelle vous cliquerez, je vais le verrouiller Alors maintenant je vais cliquer sur Octave, d'accord ? Et maintenant j'ai une enveloppe sur le réglage de l'octave. OK. Cool. Je peux m'en débarrasser en cliquant ici. Alors je peux dire : mettons une enveloppe sur ce montant de filtre. Bien sûr. Ce bouton de fréquence. C'est donc intéressant parce qu' il y a tellement de modulation que nous pouvons faire dans cet instrument. Mais s'il y a un paramètre que nous ne pouvons pas moduler, nous pouvons le faire avec cette enveloppe midi Voici un bon exemple. Cartographions l'attaque. OK ? Maintenant, j'ai une enveloppe, et configurons-la pour contrôler la forme de notre son. Mais ensuite, nous allons contrôler la forme de l'enveloppe avec une autre enveloppe en utilisant cet effet. OK, donc c'est un peu fou. Vous pouvez essentiellement mettre une enveloppe ADSR sur tout ce qui possède cet effet multimédia. C'est plutôt cool. 89. Contrôle de l'expression: OK, j'ai chargé un appareil électrique ici. Soigné. Et ajoutons notre prochain effet multimédia, qui est le contrôle de l'expression Cela ressemble beaucoup à l'enveloppe que nous venons de regarder. Ce que nous avons ici, ce sont certaines de nos nouvelles commandes MPE intéressantes que nous pouvons associer à n'importe quoi d'autre. Prenons donc quelque chose comme la vélocité. Vous voyez, nous pouvons voir ici quelle est ma vitesse. En fait, prenons la diapositive. OK, j'ai donc un curseur sur mon clavier MD où je fais glisser mon doigt de haut en bas. Vous m'avez vu le faire dans la quatrième partie de cette série. Nous pouvons donc voir où se trouve mon doigt, et je peux le redimensionner si je veux pour que ce ne soit pas si extrême. Ensuite, je peux appuyer ce bouton de carte et nous aurons le même paramètre de carte. Faisons donc correspondre la rigidité du marteau à ce paramètre de lame. OK ? Maintenant, j'ai le contrôle de ce paramètre de diapositive sur mon clavier. Je peux lui donner un peu plus de précisions si je le souhaite et faire quelque chose comme ça OK ? Alors maintenant, l'endroit où je joue et la façon dont je joue vont vraiment avoir un impact sur cet instrument. Il s'agit essentiellement d'intégrer ces commandes MPE à des instruments qui ne les supportent pas encore Faisons donc quelque chose ici très rapidement. Faisons que je sorte que je sois juste en train de faire des bêtises. OK, cool. Alors allons-y en solo. Et maintenant je peux utiliser la randomisation que j'ai ici. Associez cela à l'incrément t. Donc, ça va juste monter en série. C'est sur la couche ? Donc, ces deux derniers aléas et incréments ne sont que des incréments qui vont juste passer à travers quelque chose et le hasard va s'y déplacer aléatoirement Et nous pouvons également les attribuer. C'est vraiment génial. Alors faisons en sorte que je construise discrètement une petite piste ici. Écoutons tout cela maintenant. Ce n'est peut-être qu'un pur chaos. J'aime bien ça. 90. Rack à effets MIDI: OK, la prochaine étape est Midi Effect Rack. Maintenant, si vous avez regardé la quatrième partie de cette série de cours, vous connaissez les porte-instruments, et vous savez que l'ARAC signifie que nous pouvons y ajouter un tas d'effets et créer une sorte de super Nous n'avons pas besoin de l'IRAC pour produire plus d'un effet. Même avec les effets MDi, oui. Je peux mettre d'autres effets MIDI sur une seule piste. Mais les supports d'effets, faisons des choses spéciales en les combinant Examinons donc certains des préréglages du rack d' effets multimédia Les accords font donc écho aux variations. Mettons-le sur ce nouveau morceau que j'ai créé ici. OK ? Nous avons donc ici un effet midi lequel nous pouvons en quelque sorte lancer différents réglages. OK ? C'est ce qu'ils sont. Mettons donc un instrument ici. Qu'est-ce que je n'ai pas encore fait ? Impulse n'est pas parfait pour ça. Faisons fusionner la fusion par défaut. OK. Waouh. D'accord, j'ai juste appuyé sur une note. C'est une note. C'est un peu fou. Nous pouvons donc maintenant passer à un autre ensemble de paramètres. D. Il se passe beaucoup de choses ici. Nous pouvons donc voir ce qu'il contient si nous appuyons sur ce bouton pour afficher tous les appareils. L'effet Cord, c'est quoi ça ? Si je double-clique dessus, il s'ouvre. C'est un retard, et c'est un écho de note. C'est un delay midi, je suppose. Et puis Chord Nous pouvons donc voir que nous avons des paramètres différents pour chacune d'entre elles, ces variantes de macros. Vous pouvez donc créer des effets multimédias complexes et intéressants grâce au rack d'effets multimédias . Alors jetez un œil. Faisons-en une autre ici. Débarrassons-nous de ça. En voici donc une autre. Et dans celui-ci, nous n'avons pas enregistré de variantes de macros. Nous avons juste quelques cadrans. Mais regardons ce qu'il contient. Un objet aléatoire, un objet en échelle, et je pense que c'est un objet façonneur Mais maintenant, nous pouvons créer un ensemble de macros, qui sont ces petits cadrans qui nous permettront de contrôler un tas de choses différentes Alors voilà, je vais rejouer une note. OK, je vais jouer un accord. Il joue donc des notes différentes. Je vais jouer le même accord encore et encore. Il s'agit donc en quelque sorte de choisir différentes notes à jouer dans cette gamme. Cool. Alors jetez un œil au support d'effets Midi. Il y a des trucs sympas là-dedans. Il y a des choses intéressantes que vous pouvez faire si vous voulez construire quelque chose comme ça. 91. 10 MIDIMonitor: Bien, passons à Midi Monitor. C'est exactement ce à quoi ça ressemble ici. Mais ce que nous pouvons voir ici, c'est essentiellement ce qui se passe. Je peux donc jouer quelques notes, et ça va dire : «   C'est un accord en fa majeur » Tu vois ma vélocité, ma racine. Je peux regarder toutes mes données MIDI entrantes. Je peux regarder toutes les données MPE présentes ici et voir ce qui se passe C'est un peu fou. Donc, cet effet particulier ne fait vraiment rien. Cela vous montre simplement ce qui se passe. La chose la plus utile pour moi, toute façon, est cette fonction de cordon. C'est génial parce que vous pouvez jouer des notes au hasard, et je dirais : Oh, c'est un accord en si diminué. Septième en ré mineur. Ça ne peut pas devenir trop fou avec des accords vraiment, vraiment bizarres, mais je peux très bien comprendre ce que tu fais C'est donc très pratique pour cela. De plus, si vous vous demandez ce qui se passe avec le MPE, vous pouvez toujours le consulter et voir ce qu'il fait Cela ne fait donc pas grand-chose, mais cela vous montre simplement ce qui se passe. C'est un excellent outil lorsque vous en avez besoin. 92. Contrôle MPE: OK, oui, ensuite, le contrôle MPE. Cela nous donne un autre type d' accès à certaines de nos valeurs MPE Donc, ce que nous pouvons faire ici, c'est avoir accès à certains d'entre eux , puis les contrôler un peu. Cela ne générera donc aucune donnée MPE. Cela va juste nous permettre d' aplanir les choses. Donc, si je fais glisser, vous savez, je peux voir où je suis en faisant glisser mon doigt sur ce clavier compatible MPE, et je peux en quelque sorte le redimensionner Ce qui est vraiment très pratique. Par exemple, si je subis de la pression, celle-ci est, pour moi , très sensible. Je pourrais donc le faire. Et maintenant, je peux entrer dans le bas de gamme un peu plus facilement. Nous y voilà. Il est donc très, très sensible sur ce clavier, donc cela m'aidera à le redimensionner un peu. Cool. Encore une fois, presque un utilitaire qui ne va pas vraiment générer du son, mais qui nous permet de contrôler un peu nos informations MIDI. 93. Écho de note: OK, je vais me débarrasser de ces deux utilitaires ici et ajouter note echo ensuite. OK, donc ce que cela va faire c'est ajouter l'écho d'une note. Cependant, n'oubliez pas qu'il ne s' agit pas d'un écho audio. Ce n'est pas comme si nous avions un appareil appelé echo qui émet un écho audio. C'est un écho de note. Cela signifie donc que si je joue une note, elle va générer cette note à nouveau, peut-être à une vitesse moindre, puis envoyer ces deux notes à l'instrument. Cela aura parfois un effet différent d'un effet différent d'un retard audio. Donc en fait, comparons-les juste pour le fun. Je vais également lancer un écho audio sur ce morceau. OK ? Maintenant, je vais désactiver l'écho des notes. OK ? Alors, on y va. Je vais jouer une note. Jouez à Note plusieurs fois. Augmentons un peu les choses. OK, maintenant désactivons cet écho et activons l'écho des notes. Eh bien, c'est beaucoup plus long. C'est beaucoup plus croustillant. L'écho de la note se répercute un peu. C'est juste un son un peu différent. Ce n'est pas dramatique, donc ce que nous avons ici, c'est le délai. Elles sont en 16e note. Donc, quatre, cinq, six, huit et 16. La synchronisation va vous permettre d'utiliser ces délais comme 16e notes. Si vous désactivez la synchronisation, cela ne vous donnera que des millisecondes Vous pouvez le transposer un peu. Vous pouvez désactiver ce son, je crois qu'il va désactiver votre note originale Oui, et joue juste le delay. C'est donc essentiellement comme se débarrasser de la sécheresse. Ensuite, nous avons le montant du délai, commentaires, puis certains contrôles MPE qu'il utilisera également Cela fonctionnera donc essentiellement comme un délai. Maintenant, votre prochaine question est peut-être dans un monde normal, est-ce que je vais m'occuper de cela ou du délai audio ? 100 % du temps, retard audio. Je ne sais pas pourquoi. Il n'y a pas de bonne raison à cela. C'est exactement ce que je ferais. Donc, pour être honnête. Passons à autre chose. 94. Longueur de note: OK, la prochaine étape est la longueur des notes. J'ai donc créé une nouvelle mini-piste ici, et j'y ai affecté un opérateur. J'ai également fait un petit clip midi avec juste quelques notes courtes dessus. Alors écoutons simplement ce que j'ai fait ici. D'accord. Donc, en ce qui concerne la longueur des notes , ce que cela va faire est assez évident. Nous allons être en mesure d' allonger ou de raccourcir les notes Nous pourrions effectivement faire la même chose simplement en procédant de la sorte. Mais si vous avez une séquence complète et que vous voulez soudainement qu'elle ressemble à du staccato, notes très courtes, alors c'est une méthode pratique Nous pouvons donc dire, à quoi allons-nous essentiellement utiliser la note activée ou désactivée ? Si nous utilisons la commande note off, nous pouvons contrôler l'effet de la vélocité avec cette commande note off. Mais si nous avons indiqué de prendre note, ce qui est probablement ce que vous voulez faire dans 90 % des cas, alors nous devons essentiellement nous occuper de ces deux contrôles. Allure et longueur. La démarche allongera ou raccourcira vos notes jusqu'à 200 Hum, comme ça. La longueur, cependant, est ce qui va vraiment les rendre beaucoup plus longs ou plus courts. Alors maintenant, tout est très, très court, et nous pouvons tout faire très, très long. Environ 60 secondes. C'est insensé. Nous pouvons également passer aux divisions du rythme, ce qui est très pratique. Maintenant, cette commande va utiliser la pédale de sustain et d'autres notes midi ou, en gros, elle va maintenir jusqu'à ce qu'elle obtienne de nouvelles informations MIDI. Donc ça va en quelque sorte remplir l'espace vide. Donc, quand je l'utilise, c'est dans ce cas, où j'ai une tonne de mini-notes, et je veux faire quelque chose où elles deviennent toutes staccato soudainement C'est une bonne façon de le faire. Cela peut simplement vous faire gagner du temps en vous évitant d'entrer et de modifier l' intégralité de la séquence MIDI. 95. Intensité: Très bien, Pitch. Je vais maintenant ajouter pitch au même patch d'opérateur ici. Donc, si je vais lancer, lance-le là-bas. J'ai donc déjà une longueur de note qui devrait être très courte. Comme ça. Maintenant, lancez très simplement. Cela va changer votre ton ton. Mais il peut faire quelque chose de magique. Donc zéro demi-ton. Donc, si vous n'êtes pas familiarisé avec la théorie musicale, un demi-ton est la plus petite quantité possible que vous pouvez déplacer sur un clavier Alors c'en est une, d'accord ? Hum, on parle parfois de pas et de demi-pas. Un demi-pas équivaut à un demi-ton. OK ? Si vous êtes en Europe ou ailleurs, vous pouvez dire ton et demi-ton. Donc, une tonalité correspond à deux points de la grille midi, et un demi-ton correspond à un point De plus, une étape correspond à deux points sur la grille midi, et une demi-étape correspond à un point sur la grille midi. Oui, c'est bizarre. C'est exactement comme ça que nous procédons. OK, donc un pas ou zéro demi-ton, un demi-ton. Nous pouvons également devenir négatifs avec cela. Donc, si je clique sur Play, nous pouvons monter. Nous pouvons donc ajouter un tas de choses. On dirait que cela va augmenter . Cela va nous augmenter de 12 Donc 12 est une octave. Cela signifie qu'en gros, si vous ajoutez une octave à quelque chose, vous faites les mêmes notes, mais dans une gamme supérieure Donc, si vous avez quelque chose qui sonne bien, si vous ajoutez une octave, cela sonnera toujours bien en termes de heurts de notes, de dissonance et tout ça OK, maintenant, nous avons également ces commandes ici. Ce qu'ils font, c'est définir une plage. Nous pouvons donc dire quelle est notre note la plus basse et la note la plus haute. N'oubliez donc pas que la hauteur ajoutera des demi-tons à toutes les notes de ce clip OK ? Nous pouvons donc définir une plage ici et dire ne pas sortir de cette plage. Ce mode nous indique donc ce qui se passe lorsqu' une note sort de la plage. Supposons donc que cette fourchette soit de 90 et que nous la disions avec ceci pour aller au-dessus. Eh bien, l'une des trois choses suivantes peut se produire. Bloquer signifie simplement bloquer ces notes. Ça ne va pas les laisser passer. Plier signifie qu'il va en quelque sorte les enrouler et commencer à les déplacer vers le bas pour que vous les entendiez. Et je crois que limiter signifie que cela ne créera tout simplement pas ces notes. Donc ça va juste toucher le mur supérieur. Nous pouvons également activer ce paramètre sensible aux touches, ce qui nous permettra de rester dans la clé. Nous sommes donc toujours en do mineur ici. Cela dit, je peux devenir fou et savoir que je ne vais jamais transposer de manière impromptue. Je ne vais jamais déplacer mes notes parce qu'elles sont là. Nous avons donc ici un demi-ton. Mais quand j'active cette option sur SD, nous obtenons un degré d'échelle. OK, donc ça va sonner plus ou moins pareil depuis parce que nous n'avons pas d'harmonie, mais restons-en là, juste pour le fun. Euh, voyons ce que ça fait à l'ensemble de notre morceau loufoque. Oups. Éteignez le mode solo. Je préfère que ce soit là à zéro, donc nous n'allons pas vraiment l'utiliser, mais c'est bon. Nous savons maintenant ce qu'il fait. Passons à autre chose. 96. Aléatoire: OK, la prochaine étape est aléatoire, une de mes préférées. Celui-ci, ajoutons celui-ci toujours à notre liste d' opérateurs ici. Donc, ce que nous pouvons faire avec le hasard , c' est simplement choisir un ton aléatoire. Donc, ce qu'il va faire, c' est prendre des notes, et nous pouvons dire, par hasard, nous pouvons dire : Dans et nous pouvons dire, par hasard, quelle mesure voulons-nous que cela devienne aléatoire ? Choix, on peut dire, combien de notes possibles pourriez-vous choisir, 12. Et puis l'intervalle, on peut dire : Quelle est sa taille ? quelle distance de notre note initiale allez-vous aller ? OK ? Donc, si je laisse tout le reste pareil, je suis à 0 % de chance maintenant. Donc ça sonne exactement pareil. Vous pouvez voir ici ce qu'il fait. Donc zéro signifie qu'il joue les notes que nous lui avons données. Plus signifie qu'il augmente et moins signifie qu'il baisse. Disons donc plus haut. Donc, presque zéro, de temps en temps, ça nous donne une nouvelle note. Disons 100 %. Alors maintenant, nous n' allons pas obtenir de zéros, peut-être une fois de temps en temps, je pense. OK ? Maintenant, nous ne faisons que monter. Il s'agit d'ajouter des notes aléatoires au-dessus des notes que nous lui avons données. C'est parce que nous avons dit « ajouter ». Donc, ce qu'il fait, c' est qu'il va additionner ces notes. Nous pouvons dire soustraire, et cela ne fera que baisser, ou nous pouvons dire les deux Maintenant, ça va monter et descendre. Si nous voulons devenir vraiment farfelus, nous augmentons cet intervalle Maintenant, ça se répand un peu partout. Retournons en arrière. Donc, une chose à garder à l'esprit ici est que ces notes sont vraiment aléatoires. Ils ne sont pas dans la clé. Si nous voulons qu'ils restent dans la clé, nous devons appuyer sur le petit bouton sensible aux touches. OK ? Maintenant, ces notes aléatoires vont rester dans cette touche. OK ? Donc, ce que je vais faire pour que cela sonne bien, je vais dire qu' il suffit de monter, donc d'ajouter. Je ne veux pas que ça monte si haut. vois, maintenant nous avons de jolies petites idées mélodiques surgissent. C'est plutôt cool. Maintenant, j'aurais aimé que tout cela soit une location d'octave, alors revenons à la tonalité et, euh, réglons ça à 12, augmentons le tout en octave De jolies petites mélodies apparaissent en quelque sorte. Cool. Passons à autre chose. 97. Échelle: OK, créons une nouvelle mini-piste. Passons à Sampler. Je ne sais pas C'est plutôt cool. C'est bon. Mettons-y une note en haut octave et juste en long. À peu près aussi longtemps. D'accord. Revenons maintenant à nos effets multimédias et passons à l'échelle. D'accord ? Maintenant, l'échelle est une question étrange parce que l'échelle était autrefois très importante, parce que ce que vous pouviez faire, c'est dire : «   Voici la touche dans laquelle je suis, puis la mettre sur la balance, puis appliquer l'effet d'échelle dessus, et toutes vos notes seraient conformes à cette échelle ». Mais maintenant, dans Live 12, nous avons cette activité axée sur les clés, n'est-ce pas ? L'échelle est donc devenue beaucoup moins importante, mais il y a une utilisation importante que je vais vous montrer tout de suite. D'accord ? Regarde ça. Alors d'abord, disons dans quelle clé nous nous trouvons. Nous sommes en do mineur. Maintenant, cette liste de clés possibles est la même que celle ci-dessus. D'accord ? Ce ne sont donc que des clés différentes. Nous pouvons y ajouter une transposition supplémentaire. Et nous pouvons définir une plage pour qu'elle n'en sorte pas. Maintenant, cela va être conforme à l'échelle. Si nous voulons faire quelque chose de vraiment bizarre, vous savez, nous pourrions en quelque sorte dessiner notre propre échelle si vous le vouliez. Et ce que cela signifie, c'est que les notes qui entrent sont en quelque sorte considérées comme un clavier de piano de cette façon. Voici donc les notes qui arrivent , puis comment seront-elles remappées ? Donc, lorsque cette note arrivera, elle sera poussée vers le bas ou vers le haut, nous pouvons en quelque sorte la quantifier d'une manière ou d'une autre sur une échelle Mais nous pouvons également activer la fonction de reconnaissance des touches, puis cela dit simplement : « Eh bien, vous êtes en do mineur, et ceci est en do mineur ». Et maintenant, tout ce que nous pouvons vraiment faire avec cela, c'est ajouter une transposition et une gamme si nous le voulions. Mais une chose que vous pouvez faire avec l'échelle et que vous ne pouvez pas faire avec le paramètre sensible aux clés est de l'automatiser. Cela va donc devenir un peu compliqué, mais croyez-moi, cela en vaudra la peine. D'accord ? Voici donc ce que je vais faire. Je vais y aller, peut-être que je devrais regarder une nouvelle vidéo à ce sujet, simplement parce que si vous voulez savoir comment utiliser l' échelle, c'est un peu ce qu'il vous faut. Et puis ce sera une technique plus avancée. Passons donc à une nouvelle vidéo, et je vais vous expliquer comment je vais l'utiliser. 98. Automatiser les gammes: OK, je vais donc revenir à mon premier morceau ici. Je vais copier ce clip et le mettre ici. OK, maintenant je vais mettre un objet à l'échelle dessus. Maintenant, cet objet à l'échelle se trouve sur les deux clips, et c'est très bien. Nous allons donc dire do mineur. Maintenant, pour ce clip, je vais passer au clip MIDI. Je vais entrer dans mes enveloppes, et je vais dire l'objet à l'échelle Je vais dire base. D'accord ? Nous sommes donc en do mineur. Mais pour ce clip, ce deuxième clip, nous allons passer à F. D'accord ? Maintenant, nous allons être en fa mineur lorsque je lancerai ce clip. D'accord ? Ce clip va donc faire passer l'objet de la balance en fa mineur. D'accord ? Maintenant, pour que cela ait du sens, je dois le faire sur tous ces sujets, ce qui est pratique parce que vous allez vouloir me voir le refaire. Cela va donc changer toutes les notes en fa mineur, mais cela ne va pas nécessairement changer tout mon accord, n' est-ce pas, parce que les notes ne seront conformes qu'au fa mineur Ils ne vont pas se transposer vers haut ou vers le bas en fa mineur OK, alors mettons de l'échelle sur celui-ci. OK. Ensuite, allez dans ce clip, allez dans les enveloppes, allez dans cet objet à l'échelle, allez à la base, déplacez-le vers le haut pour ce clip Maintenant, avant de poursuivre, je dois souligner que celui-ci, je dois le verrouiller en C afin que, lorsque je le lancerai à nouveau, il revienne à C. Donc je vais juste faire remarquer qu'il y a une automatisation disant que celui-ci est en C. D'accord, pareil pour ce clip. Mettons une balance dessus. Eh bien, passons à ce clip. Oups, j'ai réglé ? Celui-ci doit être mineur. Do mineur. Accédez à ce clip. Enveloppes, base d'échelle F. Et puis celle-ci C. Très bien. Cette seule balance. Celui-ci ne veut pas d' échelle pour une raison ou une autre. Pourquoi ? Allons-y. Do mineur. Enveloppe. Oups. Je n'en ai pas besoin. C'est presque terminé. Maintenant, cela semble fastidieux, mais la raison pour laquelle c'est pratique, c'est parce que maintenant je peux le faire plus d'une fois Je peux juste continuer à déplacer la base ou la balance si je le voulais. Et cela crée un effet cool que j'aime beaucoup utiliser. C'est bon. Donc des enveloppes, une base d'échelle. Pour le premier, nous voulons que ce soit pour un C. Ensuite, nous voulons que ce soit pour un F. Enfin, nous avons déjà une échelle à ce sujet. Alors définissons-le simplement sur mineur. Et puis avec celui-ci, ce clip, nous voulons le régler sur l'échelle de base, C, puis sur l'échelle de base F. D'accord. Alors maintenant, lorsque je lancerai cette rangée supérieure, je vais entendre à peu près la même chose que ce que nous avions avant. Et puis quand je lancerai la deuxième scène, tout se transposera dans la tonalité de F. D' accord. Maintenant, vous pourriez dire : « Eh bien, ce n'était pas aussi dramatique que ce à quoi je m'attendais. Mais la tonalité de do mineur et la tonalité de fa mineur ne sont différentes que d'une note. Ce n'est donc en fait qu'une seule note qui a été modifiée. Ce que je voudrais vraiment faire, c'est ajouter une note de base pour souligner que nous avons changé de touche. Ou je pourrais passer à une touche plus radicalement différente. Mais en réalité, une seule note a changé lorsque nous l'avons fait. Ajoutons donc une note de base avec notre prochain effet midi, et il y aura même un son bien plus cool. Fais-moi confiance. 99. MIDI Shaper: OK, quel est mon prochain instrument ici ? Nous venons de faire un sampler Faisons plus simplement. Nous voulons une sorte de basse. Alors allons-y. Euh, c'est plutôt cool. Je veux dire, ce truc ressemble déjà à un synthé super 80, alors faisons un synthé super 80 OK, donc je vais juste mettre une grosse note ici qui est un C. Ensuite, je ne vais pas utiliser l' échelle d'objet là-dessus, et je vais juste faire une grosse note ici qui est un F. D'accord. Maintenant, découvrons un autre effet MIDI, qui sera Shaper MIDI OK, donc la forme ou le MTI nous seront très familiers grâce à l'enveloppe MIDI où nous avons essentiellement une enveloppe que nous pouvons mapper à un paramètre Ensuite, nous pouvons en quelque sorte voir ce qui se passe ici. Alors, cliquons sur le bouton Carte, et voyons ce que nous avons ici. Essayons cette faible fréquence de passage. À l'heure actuelle, nous pouvons voir ce qui se passe ici. Nous pouvons modifier certaines formes. Je vous en prie. Donc des formes prédéfinies. Mais nous pouvons également simplement déplacer des points sur la grille. Nous pouvons cliquer sur la commande pour un peu plus de résolution. Et nous pouvons déplacer le clic pour nous débarrasser de quelque chose. Nous pouvons également commander une option pour y ajouter, vous savez, un arc. Mais faisons-le simplement. Est-ce que tu aimes ça ? Alors reprogrammons-le Voici donc notre bouton de cartographie. Cliquez dessus. Waouh. Instable. Dramatique. Essayons de passer. C'est bon. Tuons ça et trouvons quelque chose. Essayons cette résonance. Nous allons en augmenter la durée. OK, maintenant je peux associer cela à plusieurs choses. Si j'appuie sur ce bouton ici, j'ai tout un tas d'options de mappage. Je pourrais donc créer un instrument beaucoup plus compliqué en faisant ce genre de choses. Maintenant, revenons en arrière. Maintenant, frappons simplement au hasard à quelques reprises. Aléatoire. Oui, c'est cool. Essayons celui-ci. Sac Butchie. Très bien, allons-y pour le moment. Bien, maintenant, il y a encore une chose que je veux faire ici, c'est y retourner et descendre ceci en octave et celui-ci en Et maintenant, essayons à nouveau notre petit changement d'accord. Voici donc notre première scène. Oups Éteignons le mode solo, première scène. Deuxième scène. Faisons quelque chose d' un peu cool. 100. Vitesse: OK, le dernier effet midi est la vélocité. Ajoutons cela à. Revenons à l'un d'entre eux. Faisons celui-ci. Cette collision. Mettons donc de la vélocité là-dessus. C'est ici. En gros, cela va nous donner un peu plus de contrôle sur notre vitesse, et nous pouvons l'adapter de différentes manières. Nous pouvons donc le pousser. Nous pouvons en quelque sorte fixer une limite, basse et une limite haute. Ajoutez efficacement une certaine compression ici. C'est un peu comme une fausse compression, mais ça va ressembler à une compression. Anti randomisation de la vélocité. C'est super pratique pour rendre quelque chose un peu plus humain, un peu plus réaliste. Cependant, nous pouvons maintenant faire la même chose dans le clip midi sans avoir besoin de cet effet, mais il est parfois préférable d'avoir cet effet. C'est donc relativement simple. Génial. Il y a donc une chose que je voulais ajouter ici. Je voulais modifier cette note. Je sais que tu es du genre, Jay, tu es un peu trop obsédé par cette ambiance que tu crées. Alors jetez-y un coup d'œil maintenant. Oh. Sortons du solo. Faisons quelque chose. Ajoutons encore une chose dramatique à cela, puis je vais vous donner cette séance. 101. Autres changements d'accords: OK, je vais dupliquer cette scène. Je ne fais donc que contrôler le clic, dupliquer. Maintenant, je vais passer par ici, revenir à cette enveloppe. Assurez-vous que nous sommes sur la base de l'échelle. Et faisons quelque chose d'un peu plus spectaculaire. Passons à, euh, G sera un peu dramatique. A sera un peu dramatique. Donc, de do mineur à A mineur. Oui, ça va être assez dramatique. OK, alors faisons-le pour tout ça. Base d'échelle, jusqu'à une base d' échelle, jusqu'à A. En fait, je ne vais pas le faire sur les deux dernières. OK, maintenant, celui-ci, je vais juste remplacer cette note par un A. Mais ensuite je devrais aussi changer cette enveloppe juste pour m'en assurer, car je vais bloquer ce A. Donc, assurons-nous d' y parvenir. OK, maintenant, celui-ci, je vais juste cette note par un A. Mais ensuite je devrais aussi changer cette enveloppe juste pour m'en assurer, car je vais bloquer ce A. Celui-ci, il me suffit de changer la note en A. D' accord. Bien, écoutons les trois maintenant. C'est assez dramatique. C'est tellement bizarre parce que le saut vers A c'est hors de A ne se trouve pas dans la tonalité de do mineur. C'est donc un saut étrange. Nous pourrions faire un appartement, puis ce serait dans la clé, mais ne jouons pas avec les cheveux. Je voulais faire quelque chose de dramatique, et c'est ainsi que nous l'avons fait. OK, donc c'était amusant. Je vais vous donner cette séance. Vous pouvez jouer avec elle et devenir fou. Passons ensuite aux modulateurs. 102. Que sont les modulateurs ?: Très bien, Modulators. modulateurs sont donc un nouvel onglet qui vient d'apparaître dans Live 11 ou Live 12 Et vous savez probablement déjà ce que sont certaines d'entre elles. Si vous étiez avec nous pendant la quatrième partie de ce cours où nous avons parlé de synthèse, vous connaissez déjà de nombreux modulateurs Les modulateurs sont tout ce qui permet de contrôler autre chose. Ça module ça, non ? Nous l'avons vu en synthèse un peu partout. Nous avons un LFO. Un LFO est un oscillateur qui s'accroche à un autre oscillateur Il s'agit donc d'un modulateur. Cela module cela. Une enveloppe, le truc ADSR, c'est un modulateur En synthèse, nous avons la FM, où nous avons un ou plusieurs oscillateurs porteurs, puis un ou plusieurs modulateurs Ils contrôlent certains ou tous les éléments d'un autre. Les modulateurs ne sont donc que des choses qui affectent autre chose. Nous pourrions faire valoir que tout type d'automatisation est un type de modulation. Ces modulateurs vont donc être des objets qui contrôleront d'autres choses Maintenant, nous pouvons voir, à partir des icônes que ce sont tous des appareils Max for Live, n'est-ce pas ? Encore une fois, cela ne signifie grand-chose si ce n' est que nous pouvons les ouvrir et les réécrire ou leur faire faire des choses différentes juste pour le fun Mais sinon, ce ne sont que des effets normaux. Maintenant, il ne s'agit pas d' effets audio ou d'effets MIDI. C'est une sorte de somme des deux. Nous allons voir un peu des deux ici. Ici aussi, il y a quelques redondances, comme Envelope MIDI, que nous avons déjà constatées dans les effets MIDI, Envelope Nous les traiterons donc au fur et à mesure qu'ils se présenteront. Alors plongeons-nous dans le vif du sujet. 103. Enveloppe de suiveurs: OK, suiveur. C'est vraiment cool. C'est un utilitaire vraiment très cool. Alors, créons une nouvelle piste, mais je vais créer une piste audio. Et trouvons un long échantillon à mettre dessus. J'essaie juste de trouver quelque chose de très évident que nous pouvons faire avec ça. Maintenant, debout sous la pluie, reposez vos plumes. Très bien, utilisons celui-ci. OK, alors voici un long extrait vocal. OK, maintenant trouvons l' un de nos autres sons et voyons ce que nous pouvons en faire. OK, peut-être pas ça D'accord, utilisons celui-ci. Ça va être un peu bizarre. OK, alors voici ce que je vais faire. Je vais prendre mon stylo à enveloppes et le mettre sur cette mini-piste, d'accord ? Maintenant, regardez où il est. Mets-le. Tout d'abord, cela va nous indiquer qu'il s'agit d'un effet audio, car il le place après l'instrument, ce qui est très bien. Donc, ce que cela va faire, c' est examiner le son et en quelque sorte extrapoler une enveloppe que cela fait OK ? Ça y est. Il est écrit : « Il y a une petite enveloppe ». Renforçons-le. OK ? Nous pouvons le façonner un peu. Oh, avec certaines de ces commandes ici. OK, maintenant je peux mapper cette enveloppe à tout ce que je veux, à n'importe quel autre paramètre. Je vais donc cliquer sur Carte. Ensuite, je vais passer au volume de cet autre morceau, mon extrait vocal. OK ? Maintenant, cette enveloppe va contrôler le volume de l'échantillon vocal. Cool. Hein ? Je peux donc faire la même chose. Je vais sur cette liste et je dis : je veux aussi que cette carte contrôle notre base de référence. Cool. Sortons de ça. Donc, en gros, nous avons pris l'enveloppe de volume d'une piste, d'un son, et l'avons appliquée à tout autre élément. Écoutons le tout. OK. J'aime bien ça au chant. Je n'aime pas être sur cette ligne de basse. Je vais aller ici et juste tuer celui-ci. OK, maintenant. Vous pouvez donc créer cette enveloppe, faire ce que vous voulez. 104. Enveloppe MIDI: OK, Envelope MTI. Maintenant, nous avons déjà vu Envelopti. Il s'agit d'une question superflue . Nous l'avons mis ici sur notre piste de dérive. Donc, avec Envelope Midi, nous pouvons faire quelque chose de très similaire, sauf un peu à l' envers d'une certaine manière Nous pouvons dessiner une enveloppe puis l' appliquer à n'importe quel paramètre MIDI. D'accord ? Il s'agit donc d'un effet MIDI. Il va passer avant l'instrument et nous permettre contrôler n'importe quel élément de l'instrument. Mais c'est essentiellement la même chose que le suiveur d'enveloppes, mais un peu à l'envers Donc, vous savez, nous avons le montant ici. Nous pouvons personnaliser un peu notre enveloppe, puis utiliser cet outil pour saisir n'importe quel paramètre de notre instrument ici. Je peux faire la même chose. Vous pouvez saisir plusieurs paramètres et contrôler plusieurs choses. Je ne pense pas qu'avec celui-ci, nous puissions sortir de cette piste. Je me suis trompé. Nous sommes supercanes Maintenant, cette enveloppe contrôle le panoramique de notre appareil électrique J'adore ça. Ainsi, l'enveloppe Midi peut contrôler n'importe quel paramètre simplement avec une enveloppe ADSR. 105. Contrôle de l'expression: Très bien, contrôle de l'expression. Un autre que nous avons déjà vu. Nous l'avons utilisé sur notre appareil électrique ici. C'est celui où nous avons certains paramètres, mais aussi un incrément aléatoire que nous pouvons utiliser pour contrôler notre instrument MIDI Donc celui-ci, comme Envelope MIDI est à la fois un modulateur et un effet MIDI Il est donc conçu pour contrôler les paramètres d'autre chose, ce qui en fait un modulateur C'est pourquoi ils l'ont répertorié deux fois. Mais, vous savez, cela vaut la peine de les considérer comme des modulateurs comme des éléments capables de moduler autre chose, car vous envisagez de les utiliser pour créer Donc, juste pour le souligner encore une fois, passons à notre prochain, LFO, qui est nouveau 106. LFO: Très bien, regardons ce modulateur LFO. Maintenant, celui-ci est très similaire à Envelope Follower, sauf qu' au lieu de récupérer l' enveloppe d'un autre appareil, il va simplement générer un Maintenant, si vous vous souvenez de Synthesis, un LFO est l'abréviation d'oscillateur basse fréquence C'est un oscillateur qui fonctionne en quelque sorte et nous pouvons nous accrocher à ce modèle et l'appliquer à un autre paramètre, en l'utilisant comme modulateur, en modulant Cet effet est incroyable parce qu'il consiste essentiellement appliquer un LFO sur n'importe quoi, en quelque sorte Alors, mettons-le ici. Cet effet ce son, c'est ce genre de chose durable. Éteignons ça. Le son. OK. Ajoutons un peu plus de forme à cela, un peu plus de mouvement avec ce LFO OK ? Voici donc notre LFO. Notez qu'il s'agit d'un appareil de débit audio, il se trouve donc sur le côté droit de notre instrument. Nous pouvons donc l'utiliser pour tout. Nous pouvons donc façonner notre LFO de toutes sortes de manières. On peut dire, vous savez, un triangle, faire monter et descendre, une sorte de triangle errant et sinueux J'aime bien ça. Allons-y avec ça. Réglons-le sur les divisions du rythme, de la profondeur et de la phase de décalage. Et ensuite, associons-le à quelque chose. Nous pourrions donc retourner à notre appareil MIDI et le mapper à ce filtre. Voyez ce qu'il fait là-bas. Écoutons-le. C'est intéressant. Mettons-le également sur le plan du haut col. Mais faisons le contraire. Nous allons donc passer à 100 ici et à une valeur négative, 100 ici, donc ils se déplacent dans des directions opposées. C'est plutôt amusant. Ça donne un peu plus de mouvement. Mettons-le en correspondance avec la conduite, mais moins. C'est cool. Nous pourrions également le mapper à n'importe quel autre paramètre. Je veux dire, allons voir Meld et expliquons la forme. Tu vois, je viens de saisir la forme de ce moule. Vous pouvez donc le mapper à des tonnes de choses. Il n'est pas nécessaire que ce soit le même appareil. Cela peut être le cas tout au long de votre séance. C'est beaucoup de choses à suivre pendant que vous travaillez dessus, mais cela nous donne un son cool. Tu vois, c'est juste de plus en plus vivant, tu sais ? C'est comme si tous ces éléments de modulation nous donnaient simplement l'impression de mettre de l'électricité dans Frankenstein, vous savez, ou pas Frankenstein, C'est Frankenstein. Tout le monde commet cette erreur. Quoi qu'il en soit, insuffler de la vie dedans. Passons à autre chose. 107. Formateur: D'accord, j'ai l'impression que nous avons besoin d'une sorte de rythme ici J'ai donc ajouté cette boucle de batterie. Et voyons si nous pouvons le faire fonctionner avec notre prochain modulateur, le shaper Oh, et nous avons déjà vu Shaper  ? Ou l'avons-nous fait ? Nous avons vu un shaper MIDI, mais c'est du son. C'est donc différent. Il y a le Shaper Midi et le Shaper Audio. Vous pouvez voir que nous allons revoir Shaper midi. C'est le suivant. Mais il s'agit d'une version audio du même effet. Donc, tout ce que cela signifie vraiment, c'est que nous pouvons associer cela à quelque chose de différent. Et si je mettais ça sur cette boucle de batterie ? Je ne pense pas que cela va sembler particulièrement intéressant, mais peut-être que si je faisais une sorte de modèle, mettons-le ici. Oui, tu vois, ça va un peu trop vite. Ok, donc accessoire Oui, ça ne marche pas vraiment pour moi. Essayons donc un autre mappage. Peut-être faire un peu de cartographie sur le plan panoramique, peut-être. Eh bien, faisons en sorte que ce soit un peu aléatoire. Nous y voilà. Maintenant, nous allons faire le tour un peu. Mon fils a mal tourné. Donc, le truc du shaper, c'est que nous pouvons essentiellement cartographier n'importe quoi. Il fonctionne de la même manière que le MIDI, sauf que nous pouvons faire certaines choses audio avec. Euh, bien. 108. MIDI Shaper: OK, maintenant nous revenons à notre shaper midi, que nous avons ici. Et celui-ci, tu sais, a exactement la même apparence. Il peut faire les mêmes choses sauf qu'il figure sur notre piste précédente sur une piste MIDI. Il est donc un peu plus facile de suivre ce qui se passe car nous pouvons voir nos paramètres midi très rapidement. Mais sinon, il s'agit essentiellement du même appareil. 109. Préréglages: Bien, avant de terminer cette section, je tiens à souligner une chose que j'ai en quelque sorte ignorée, que nous avons préréglages intéressants pour des préréglages intéressants pour tous ces paramètres, pas pour tous La plupart d'entre eux. Alors explorez-les. Donc, Shaper Midi ne le fait pas, mais Shaper oui, et cela peut vous donner des effets intéressants Alors, explorez ces préréglages. Maintenant, permettez-moi de vous reparler de cette session si vous voulez voir comment nous avons effectué ce mappage. Vous pouvez jouer avec, le déchirer, vous amuser Ensuite, nous passerons aux effets audio. 110. Trois types : dynamique, temporel, fréquence: D'accord. Ensuite, nous allons traiter des effets audio. Maintenant, nous avons une longue et ancienne liste ici. Réfléchissons donc à un moyen de les diviser en catégories Maintenant, dans Live 11, ils les classent tous dans des catégories. Donc, si vous regardez Live 11 ou si vous connaissez Live 11, vous verrez que je pense qu'il y avait cinq ou six dossiers différents lesquels tous ces effets étaient classés dans ces dossiers. C'était un peu controversé parce que les gens se disputaient sur le contenu de quel dossier et sur le type de choses que je ne voulais pas avoir à voir là-dedans. Mais maintenant que ces dossiers ont disparu, il existe peut-être un moyen de les remettre dans des dossiers avant la sortie de la version complète, car la suppression des dossiers est également controversée. Je vais donc les diviser en trois catégories auxquelles j'aime réfléchir. Nous pensons donc aux effets audio en termes d'effets dynamiques, d'effets temporels et d'effets de fréquence, d'accord ? Les effets dynamiques sont donc des effets qui traitent du volume d'une manière ou d'une autre. Les effets temporels sont des facteurs qui influent sur le temps d'une manière ou d'une autre, comme les retards, etc. Les effets de fréquence sont des effets qui concernent, euh, l'ajout ou la suppression de fréquences, une sorte de matériau de type pitch. Maintenant, de nombreux effets entrent dans plusieurs de ces catégories. Ne les prenez donc pas trop au pied de la lettre. Je vais étudier tous ces effets, en me basant sur ces catégories, basant sur ces catégories puis sur une sorte de sous-catégorie Nous allons donc commencer par les effets de fréquence et passer à autre chose. Maintenant, je pense que ce que je veux faire ici est différent de ce que nous avons fait avec les effets MIDI. Je pense que parce que nous voulons vraiment comprendre ce que fait l' effet, je veux vraiment prendre un clip audio et mettre tous ces effets sur un seul clip afin que nous puissions vraiment entendre comment il change pour chaque effet, d'accord ? Donc, en général, je n'aime pas faire ce genre de choses parce que ça peut devenir ennuyeux écouter le même clip encore et encore. Je pense que dans ce cas, c'est le meilleur moyen de vraiment comprendre l'effet, ce qui est le plus important. C'est ainsi que nous allons explorer ces effets. La dernière chose que je vais dire à ce sujet est que, tout comme dans la section sur les modulateurs, certains effets de modulateur ont été répertoriés dans la catégorie des modulateurs et également dans Il en va de même pour les effets audio, où certains effets sont répertoriés dans les modulateurs et les effets audio En particulier, le suiveur d' enveloppe, le LFO et le shaper Je ne vais donc pas les aborder à nouveau dans la section des effets audio car nous en avons trop pour les examiner. Mais nous allons passer en revue chacune d' entre elles, à l'exception de ces trois, car nous les avons déjà passées en revue. Cool. D'accord. Passons maintenant à quelques effets basés sur la fréquence. 111. Ampli: OK, alors j'ai un peu menti. Au lieu d'un échantillon audio, j'ai rassemblé quatre courts échantillons qui ont tous des caractéristiques différentes et qui mettront en valeur l'effet. Nous allons donc attribuer des effets différents à chacun d'entre eux, parce que nous sommes tous sur la même voie, nous allons en quelque sorte nous concentrer sur quelques points différents Voici donc mes quatre petits clips rapides que nous allons écouter. Ce n'est aucun effet. Totalement sec. Boo Boo Ok. Cool. Je viens de modifier le réglage de distorsion pour le rendre un peu plus propre Cool. OK, donc violoncelle, petit rythme, trombone, et encore un petit rythme Commençons donc par Amp. OK ? Voici donc Amp. Maintenant, tous les éléments de cette première catégorie seront des effets de fréquence, et en particulier des types d'effets d'entraînement, ce types d'effets d'entraînement, qui est en fait une façon sophistiquée de parler de distorsion. Cet effet d'ampli est donc vraiment un émulateur, ce qui signifie qu'il est en quelque sorte conçu pour imiter quelque chose du monde physique et du logiciel, et celui-ci est conçu pour émuler des amplis C'est très simple ici, en fait. Nous avons donc ici quelques types d' amplis qui vous seront familiers en fonction des graphismes. Ils ne disent pas le nom de ce que c'est, mais je pense que ça ressemble à un garde-boue C'est, genre, votre grande armoire rock, du genre 51 50. Je pense que c'est un boogie Mesa ou quelque chose comme ça. Base lourde. Où est le mien ? Donc plusieurs choses différentes. Maintenant, en plus de cela, nous pouvons augmenter le volume. Le gain ne sera toujours qu'une augmentation du volume. Nous avons un petit égaliseur ici. Donc base, milieu et problème. Donc, si nous voulons en savoir plus, nous allons l'augmenter. Si nous voulons entendre plus de médiums, de fréquences moyennes, nous allons les augmenter Plus de problèmes, nous allons ajouter plus de fréquences. OK. Presence est une autre sorte d'égaliseur qui zoome sur les moyennes et hautes fréquences C'est un élément plus important dans effets de distorsion, car une grande partie de ce que nous ajoutons en termes de fréquence est constituée de fréquences supérieures. Alors très rapidement, laissez-moi vous expliquer pourquoi un effet de distorsion est un effet de fréquence. Lorsque nous ajoutons de la distorsion à quelque chose, nous ajoutons un ensemble de fréquences, en particulier les plus hautes, qui génèrent le son, distorsion ajoute un ensemble la distorsion ajoute un ensemble de fréquences dans la gamme supérieure supérieure. Écoutons-le sur notre violoncelle. Passons donc à Rock. Et utilisons simplement les paramètres par défaut ici. Hein ? Cette rondeur, cette Ce ne sont en fait que des hautes fréquences. Ou plutôt, je dois dire que ce sont surtout des hautes fréquences. Donc, il y a quelques autres points que nous allons souligner ici et que nous allons voir dans tous nos effets, en gros. Nous avons un volume ici et encore ici, d'accord ? Vous le verrez donc dans de nombreux effets. Le gain va essentiellement augmenter l'entrée, puis la faire passer à travers l'effet. Le volume va augmenter la sortie, d'accord ? Dans certaines situations , vous pouvez augmenter le gain ou le volume, mais cela n' aura pas vraiment d'importance. Cela va rendre les choses plus bruyantes. Mais il existe d'autres situations où, si vous voulez quelque chose de plus fort , cela changera considérablement le son, que vous l' amplifiiez ou non à l'entrée ou à la sortie Essayons-le. Alors allons-y, d'accord. Dis-le encore une fois. OK, maintenant augmentons beaucoup le gain et baissons le volume pour qu'il soit à peu près le même. OK ? C'est plus croustillant. C'est beaucoup plus croustillant là-bas. Voilà donc la différence entre les deux. Quantité humide sèche. Vous verrez cela sur presque tous les effets. Il s'agit simplement d'un bouton d'équilibre entre l'effet et le non-effet L'effet non obtenu est donc sec. Donc, si je l' éteins complètement à sec, nous désactiverons l'effet. Mmm. OK ? Au fur et à mesure que je l'augmenterai, nous en ressentirons de plus en plus l'effet. Le mouillé est le son affecté. OK ? Si vous êtes complètement mouillé, vous voulez un effet maximal, d'accord ? Parfois, si vous voulez obtenir un effet, mais que vous voulez l' atténuer, sans changer le caractère, c' est vraiment le sec et humide que vous recherchez. Ici, j'obtiens la moitié de l'effet original et l' autre moitié de l'effet mouillé. Déchirez-le sur nos tambours. Pas mal. Plus. OK, tu vois, c'est trop. Tirez-le vers l'arrière. Bon sang, j'ai une bonne dose de distorsion. OK, alors allons-y. Maintenant, cette sortie, mono et stéréo, en gros, si nous l' activons, nous allons traiter chaque signal séparément, ce qui sera pratique aura un effet sur activons, nous allons traiter chaque signal séparément, ce qui sera pratique aura ce battement de batterie car il s'agit d'un fichier stéréo, mais n'aura aucun effet sur celui-ci. OK ? Il n'est donc pas nécessaire de l'activer ici. Mais si le fichier contient beaucoup de données panoramiques, vous voudrez probablement l'activer Bien, passons au cabinet, qui complète très bien Amp. En fait, ils sont conçus pour fonctionner ensemble. 112. Cabinet: OK, le cabinet est un autre effet d'entraînement, un effet de fréquence. Je pourrais même simplement appeler cela un effet de coloration parce que cela va ajouter de la couleur. Lorsque nous ajoutons de la couleur à un son, nous ajoutons des fréquences et des harmoniques, qui sont des fréquences Le cabinet est donc un autre type d' émulateur, conçu pour émuler un En fait, si vous ne connaissez pas ces termes, ampli et armoire, laissez-moi vous emmener rapidement en excursion. Ici, c'est un cabinet. Il y a des haut-parleurs. Celui-ci contient 44 petits haut-parleurs. L'ampli est à l'arrière, puis dans le boîtier. Donc, n'importe quel type d'ampli de guitare a l'ampli puis le boîtier. La plupart des traitements, tous les traitements ont lieu dans l'ampli. Mais le cabinet, la disposition des haut-parleurs sont importants. Et lorsque vous l'enregistrez, l' endroit où vous placez un microphone est également important. Beaucoup de gens ne se rendent pas compte que dans un studio d'enregistrement, lorsque nous enregistrons de la guitare, parfois la plupart du temps, surtout si elle est déformée, nous l'enregistrons en plaçant le micro devant l' ampli. C'est ainsi que cela fonctionne. Parce que nous voulons obtenir le son et la couleur de cet ampli. Nous avons donc l'ampli, puis nous avons aussi le cabinet. C'est la disposition des haut-parleurs. D'accord ? Donc, ce que nous pouvons dire, c'est quelle est la disposition des haut-parleurs ? Un par 12 signifie que nous avons un haut-parleur de 112 pouces. Il a un son légèrement différent de celui du deux par 12, deux grands haut-parleurs, quatre par 12, quatre haut-parleurs, généralement dans une grille de deux par deux, quatre dizaines, c'est ce que j'ai là-bas, des haut-parleurs de 410 pouces ou des haut-parleurs de basse de 410 pouces. OK, alors réglons-le sur 410, mon ampli. Et puis où mettons-nous le micro ? OK, disons que cette boîte de cordes de guitare est notre haut-parleur, et que ce microphone est notre microphone parce que c'est un microphone. OK, alors comment allons-nous le micro ? Proche d'accès. D'accord ? Donc, si c'est notre haut-parleur, voyons voir. Comme ça. Je vais passer à la verticale. Et nous ne sommes pas loin d'y avoir accès. Cela signifie essentiellement que nous allons placer un microphone à proximité, juste devant le haut-parleur. Cool. Si nous voulons nous rapprocher de l'axe, nous allons nous y prendre comme ça, d'accord ? Ce ne sera donc pas comme si c'était juste devant. Ça va être un peu décentré. Et puis loin signifie que nous allons être, vous savez, plus loin. proximité et l'éloignement du centre n'ont pas vraiment d'importance lorsque vous êtes plus loin. Donc, je préfère toujours décentrer le micro de mon ampli et près de Lee, lorsque j'enregistre des micros, je commence toujours par un micro hors accès Je peux dire quel type de microphone j'utilise, à condensateur et dynamique La plupart du temps, j' utilise une dynamique. Est-ce que je veux une sortie mono ou stéréo, puis j'ai un mix sec et humide. Le boîtier va donc ajouter une certaine coloration, mais c'est beaucoup, beaucoup plus subtil que l'ampli. Alors écoutons-le. OK, revenons à tout ce qui est mouillé sur notre ampli. Et laissez-moi éteindre le cabinet pendant une seconde. Voici donc notre ampli Cello through the rock sans enceinte. OK. Maintenant, le voici avec le cabinet. OK. Il fait beaucoup plus sombre, en fait. Essayons-le avec un condenseur, Mike. Donc, dans ce cas, le boîtier colore un peu le son. En fait, ça enlève une grande partie de cette distorsion. Il le filtre. Vous pouvez donc utiliser l'ampli ou le boîtier indépendamment, mais ils vont vraiment bien ensemble. 113. Bus de batterie: OK, le suivant est Drum Bs. Maintenant, je ne l'ai pas fait remarquer avant, et j' aurais probablement dû. Les effets que je vais ressentir, la liste des effets, ce sont tous les effets du sucré. Si vous n'utilisez pas de sucre, vous n'avez probablement pas beaucoup de ces effets. Et c'est bon. Vous pouvez les ignorer. Mais je vais tous les passer en revue. Quoi qu'il en soit, parce que je suis complétionniste. J'ai donc retiré tous les effets de notre son. Nous sommes donc de retour au nettoyage. Mettons-y un bus à batterie. Donc, le drum bus fonctionne vraiment bien en groupe ou en bus. C'est pourquoi on l' appelle drum bus. Alors pourquoi ? Et qu'est-ce que cela signifie ? C'est vraiment conçu pour associer des sons de tambour à colle. En fait, nous avons un autre outil destiné à cet usage précis, le compresseur de colle, dont nous parlerons bientôt. Mais l'idée ici est que nous avons un processeur de style analogique qui ajoutera de la couleur et de la luminosité à nos batteries et les aidera à se lier entre elles. Donc, si vous avez cinq titres, et que vous avez des coups de pied ici, des pièges ici, des chapeaux hauts ici, et d'autres effets ou des percussions de bœuf ou quelque chose comme et que vous avez des coups de pied ici, pièges ici, des chapeaux hauts ici, ça ici, alors vous pouvez les mettre dans un groupe , puis y mettre ce bus de batterie, et cela vous aidera à les mélanger d' une manière qui ressemble à un kit C'est le genre d'objectif principal ici. Ce n'est donc pas ce que nous avons ici, mais nous pouvons tout de même en tirer beaucoup de couleurs. Alors écoutons-le sur ces tambours. OK, donc on peut déjà entendre qu'il y a, genre, une vraie pulsion qui se produit. Je peux vraiment le pousser. Je vais réduire notre production parce que c'est criant fort OK, appuyons sur ce lecteur. C'est un peu comme un son analogique classique. Crunch. Cette crise va vraiment pousser le haut de gamme, boum, aller vers le bas de gamme Waouh. C'est un peu intense. Nous pouvons ajuster les fréquences de ces deux appareils. N'oubliez pas que les transitoires sont des attaques. Et c'est vraiment à ce moment-là que nous nous retrouvons dans une situation difficile, comme si essayer de faire fonctionner les choses ensemble avait beaucoup à voir avec les événements transitoires Voici donc le niveau de rigueur que nous allons appliquer à nos transitoires Nous avons donc trois types de distorsion différents : douce, moyenne et dure. Si doux, c'est comme une distorsion en forme de vague. C'est un terme sophistiqué car il va en quelque sorte rendre la forme d'onde un peu plus rigide et produire des harmoniques supérieures que nous entendrons Le médium est une distorsion limite, et cela va essentiellement établir un plafond et nous permettre de le repousser, ce qui crée une certaine distorsion. Et la distorsion par écrêtage est difficile, qui va essentiellement imiter fait que nous découpons notre signal, qui dépasse un seuil Ils ont donc des sons légèrement différents, et ils sont de plus en plus agressifs à mesure que vous montez en altitude. De toute évidence, le son doux est doux et le dur est un son plus agressif. Cette réduction augmente notre quantité d'entrée, nous pouvons donc la réduire si nous voulons être moins agressifs. Ensuite, nous pouvons également y ajouter un peu de compression, ce qui va colorer d'une manière différente, en fait. OK. La dernière chose, c'est ce bouton Go est un peu étrange. Cela va essentiellement définir votre bas de gamme. Ce boom est donc un amplificateur bas de gamme. Et lorsque vous cliquez sur ce bouton Go, le grave est réglé sur la note midi la plus proche. Il s'agit donc essentiellement de vous quantifier en une note réelle lieu de simplement avoir vos fréquences dans le bas de gamme. Cela peut donc aider à nettoyer un peu un mélange. Ensuite, nous avons un mélange sec et humide ici. Donc, c'est ton bus de batterie. Utilisez-le sur des tambours. 114. Tube dynamique: OK, le suivant est Dynamic Tube. Donc, si vous avez déjà entendu des gens parler d'amplificateurs à tubes, cela signifie un ampli équipé de véritables tubes à vide Ils ressemblent à un petit objet que vous pourriez trouver dans le laboratoire de Frankenstein Ils sont cool, et ils ont un certain son. Vous les trouvez dans certains amplis plus chers , certains amplis plus anciens. Vous ne les trouvez pas dans la plupart des amplis modernes car ils sont parfois un peu délicats. Mais ils ont l'air cool. Cet effet imite donc le son du tube. Les amplis à tube ont une couleur particulière et un certain type de distorsion. Et c'est ce que nous allons en tirer. Nous avons donc notre sortie, notre lecteur, c'est juste notre niveau de distorsion. Le ton est le nôtre, c'est le type de couleur de notre distorsion. Nous avons ici trois types de distorsion différents. Vous pouvez en quelque sorte voir ce qu'ils font. OK, donc la façon dont un tube obtient sa distorsion et sa véritable tubitude. Est-ce un mot ? Je pense que oui. C'est le pousser au-delà de ses capacités. Donc, si nous utilisons le tube comme il est censé être utilisé, nous obtenons un bon son. Mais si nous insistons trop fort, c' est là que vous obtiendrez ce son de tube cool. Donc, nous allons appuyer trop fort sur ce bouton de polarisation C'est donc en quelque sorte là que réside la magie. Passons donc à A, et écoutons-le sur notre violoncelle. Non, ce son de violoncelle va tourner en boucle parce qu'il fonctionne vraiment très bien pour tout ça OK, pas grand-chose. Mettons fin à ce biais. Waouh. OK. Il y a ce biais, mais nous n'avons aucun intérêt à le faire. Donnons-lui donc un peu plus de dynamisme. Oui, essayons le goût d'abeille. Un peu plus stable. OK. Je peux augmenter le rendement. Augmentez vraiment ce biais. Il s'agit d'un autre type de distorsion. Maintenant, nous pouvons également le piloter avec cette enveloppe, qui contrôle ce bouton de polarisation Donc, si nous insistons davantage, l'enveloppe suivra notre signal et le diffusera davantage selon les besoins de notre signal. Nous pouvons également passer à la négative pour en quelque sorte l'inverser Ensuite, l'attaque et le relâchement aideront à façonner la façon dont cette enveloppe sera appliquée. Il s'agit donc d'un autre type de distorsion. C'est plutôt une distorsion du tube. Écoutons-le sur cette boucle de batterie ici. J'aime utiliser l'effet tube sur boucles de batterie parce qu'ils donnent une sorte de DVD hip hop des années 90, ce que j'aime bien. 115. Érosion: OK, regardons l'érosion. Une autre saveur de distorsion ou de pulsion. Ce que nous avons ici, c' est que cela va ajouter de la distorsion par modulation. Il va donc moduler dans le signal un autre signal, qu'il s'agisse d'un bruit, d'un bruit large ou d'une onde sinusoïdale C'est donc une sorte de synthèse, en fait, qui se produit ici. Revenons donc à notre violoncelle. Et voyons voir. Donc, le bruit, nous pouvons en quelque sorte le diriger là où nous voulons qu'il soit. Au fur et à mesure que nous montons, nous en recevons davantage. Faisons du bruit large. Un peu plus désordonné. Et le signe supprime le paramètre de largeur. Vous pouvez donc déplacer cette petite boule sur cette grille pour vraiment la placer où vous le souhaitez. Maintenant, je m'en voudrais de ne pas vous dire que cette distorsion due à l'érosion n' est pas ma distorsion préférée En fait, je ne l'utilise pas très souvent. Je trouve que c'est un peu trop numérique. Sondage numérique. Ce n'est tout simplement pas mon son préféré. Si vous aimez ce son, c'est génial. Vous devez utiliser ce son en permanence. Mais, euh, je ne sais pas. Ce n'est pas celui que je recherche. Je préfère le tube et d'autres encore plus les effets de tube et les effets d'overdrive, comme le plug in overdrive, comme l'effet overdrive sur lequel nous allons passer en ce moment. Alors faisons-le. 116. Overdrive: OK. Oups, débarrassons-nous de l'érosion et ajoutons de l' énergie à notre violoncelle D'accord, celui-ci est relativement simple, mais j'aime bien le son. Nous avons en quelque sorte quelques étapes ici. Tout d'abord, nous avons un petit filtre passe-bande. C'est ce que nous allons appliquer au son, puis nous allons y ajouter de la distorsion. Cela nous permet d'affiner ce que nous voulons déformer. Voulons-nous donc concentrer notre distorsion sur le bas de gamme, le milieu de gamme, ou presque tout si nous la poussons vers le haut de gamme, le haut de gamme Disons que c' est un son un peu faible, mettons-le juste là. OK. Le drive, le ton, le ton vont juste être un petit filtre sur nos produits haut de gamme, juste pour les façonner un peu. Cette dynamique va appliquer un peu de compression, ce qui signifie essentiellement que nous allons passer compression en un rien de temps. Mais en gros, cela signifie que la distance entre les choses bruyantes et les choses calmes ou entre les choses calmes et les choses fortes peut être légèrement réduite Cela peut permettre à la distorsion d'être appliquée un peu plus uniformément. C'est. OK, poussons ce lecteur un peu plus fort. Repoussons notre eau sèche jusqu'en haut. Rendez-le un peu plus lumineux. Alors, voilà. Un overdrive assez simple, mais je veux dire, cet overdrive imite vraiment un classique, comme Boss Distortion Petal, vous savez, comme si vous êtes guitariste, vous savez ce que Des pétales d'effets de guitare, en gros. 117. Pédale: OK, la prochaine étape est la pédale. Maintenant, si vous aimez l' overdrive, il en va de même pour la pédale. La pédale imite littéralement comme les pédales de guitare. Ceci est répertorié par Ableton comme un effet de guitare. Cela ne veut rien dire. Cela ne signifie pas que vous ne pouvez l'utiliser que sur des guitares. Cela signifie que vous pouvez l'utiliser sur tout ce que vous voulez. Je connais beaucoup de gens qui aiment l'utiliser au chant. Je connais des gens qui l'utilisent à la batterie. Tu peux l'utiliser sur n'importe quoi. Mais c'est vraiment une imitation d'une pédale de guitare. C'est pourquoi on l'appelle pédale. Vérifions-le. Gain, nous pouvons simplement vraiment augmenter notre gain, ce qui provoquera plus de distorsion , y ajoutera plus de distorsion, et nous pouvons couper notre sortie ou augmenter notre sortie si nous le souhaitons. Nous avons trois types de distorsion différents. Nous avons OD, abréviation de overdrive. Nous avons une distorsion, c' est-à-dire une distorsion. Et nous avons du duvet. Vous pouvez les considérer comme, par exemple, overdrive, c'est comme appuyer un peu trop fort sur un ampli, et cela vous donnera une sorte de distorsion chaleureuse Distort va être un peu plus clair. Et plus agressif. Et puis Fuzz, c'est comme si votre ampli était partiellement cassé C'est comme si le fuzz ressemblait au son d'un ampli cassé Donc, avec ce petit changement, nous pouvons essentiellement décider de ce que nous voulons améliorer. Donc, si nous voulons augmenter les médiums, nous l'augmentons et le mettons au milieu Si nous voulons aggraver les problèmes, nous le mettons ici, d'accord ? Hum, laissons les choses telles quelles pour le moment. Nous avons un mélange sec et humide, puis un remplacement. Sub va amplifier les basses fréquences de votre son. Si vous avez un son qui a beaucoup de basses fréquences, vous pouvez l'activer, et il le fera ressortir un peu plus. Et la plupart du temps, avec ces pédales de guitare, vous n'avez pas envie de trop jouer dans le bas de gamme C'est donc en quelque sorte une option. Très bien, alors écoutons-le Faisons d'abord de l'overdrive. Avec ça, un petit peu. Le gain est super bon. D'accord, tu sais, comme la distorsion. Passons à la distorsion. La dernière fois, plus brillante, plus floue. Et du duvet Tu entends du duvet entre les notes ? ai juste l'impression que c'est comme s' effondrer pendant une minute. Essayons l'overdrive avec notre sub allumé. Ce n'est pas si évident ici. Nous n'avons pas beaucoup de bas de gamme. Écoutons-le sur ces tambours. Vous pouvez vraiment entendre ce sous-entendu sur ces sons de batterie. Passons à celui-ci, un peu plus longtemps. Mais il n'y a pas beaucoup de basses. Bien, permettez-moi de vous donner celui-ci pour en savoir un peu plus. Sous-activé. Oh. Donc ça fait vraiment ressortir un peu ce coup de pied. J'aime donc le sub activé pour la distorsion à la batterie. Pas tant pour la guitare que pour des trucs plus compliqués. Dans 118. Redux: OK, passons à Redux. Peut-être avez-vous déjà entendu parler d'un broyeur de bits. Vous savez, beaucoup de gens pensent que le bouchon d'érosion que nous avons regardé il y a quelques vidéos est un peu écrasant, mais ce n'est pas le cas. Cela semble être un bon nom pour un concasseur de bits, et je pense que c'est de là que vient la confusion . Mais ce n'est pas un peu nul. Redux, cependant, est un peu écrasant. Alors, à quoi sert un broyeur de bits ? En général, si vous vous en souvenez, ou si vous étiez ici dans la deuxième partie, je pense que lorsque nous avons parlé d'enregistrement, nous utilisons des systèmes à 44 001 échantillons par seconde et 16 bits OK ? C'est comme un son standard. Vous n'avez pas besoin de savoir ce que cela signifie. Permettez-moi simplement de vous dire qu'il s'agit d'un débit audio standard. C'est un son de bonne qualité. Si nous voulons un son de mauvaise qualité, nous pouvons utiliser un effet comme celui-ci pour le réduire ou pour simuler une baisse ce débit ou taux d'échantillonnage, ce qui créera un certain type d'effet de distorsion. L'effet a généralement un vieux son de jeu vidéo, comme un jeu vidéo Atari Revenons donc à notre violoncelle. Cela fonctionnera probablement très bien dessus. OK, nous avons donc un tarif ici. C'est ce taux d'échantillonnage. Ici, nous en avons des bribes. Nous pouvons ajouter un peu de gigue, ce qui va en quelque sorte ajuster un peu notre taux d'échantillonnage, le bousculer, le déplacer, donner une forme au débit binaire Écoutons-le d'abord, d'accord ? Le voici donc tout en haut. Nous ne faisons donc rien, c'est tout. Commençons par la fréquence d'échantillonnage, car la fréquence la moins dramatique, si je la baisse, vous pouvez instantanément entendre A Let's row up jitter dessus OK, cool. Disons tout cela jusqu'au bout, puis passons à notre débit. Donc, une fois qu'on en est arrivé à un, plus rien. Combiné. Nous obtenons ce véritable son de jeu vidéo. D'accord. Nous pouvons ajouter un petit filtre à cela si nous voulons ajuster certaines fréquences, les sécher et les mouiller. Ce changement de courant continu est ce que nous pouvons faire avec ce que cela fait ici Lorsque nous sommes, notre concasseur de bits est en panne très bas, comme là où nous sommes actuellement. S' il devient trop incontrôlable, vous pouvez activer ce changement de vitesse à courant continu, et il l'adoucit un peu Remettons ça en place. Amour. Hein ? Par exemple, cela crée vraiment plus de chaos entre les notes. qui est un peu fou. Mais les notes elles-mêmes sont un peu plus douces et contrôlées, mais les notes intermédiaires sont un peu dingues. Donc, si vous voulez ce vieux son de jeu vidéo, ce son de concasseur de bits, cet outil est fait pour vous. Oh, avant de passer à autre chose, j' adore les broyeurs de bits à batterie. Nous y voilà. 119. Saturateur: D'accord, le suivant est le saturateur. Nous avons donc vu ce mot apparaître plusieurs fois. Voici comment j'aime penser à la saturation. Voici mon analogie étrange et colorée pour cela. Supposons que vous ayez un sac d'eau. Non, utilisons cette tasse. Tasse à café vide, pleine d'eau, d'accord ? Et tu as mis un tas de paillettes dans cette tasse. Dans l'eau de cette tasse, d'accord ? Alors toi, tu es en quelque sorte en train de le bousculer. Et maintenant, vous avez cette eau remplie de paillettes, n'est-ce pas ? Et c'est cool. Il y a beaucoup de paillettes dedans Supposons que vous preniez la même quantité de paillettes, mais moins d'eau et une tasse plus petite, d'accord ? Nous allons donc passer à une tasse plus petite grande que celle-ci. Et tu vas utiliser la même quantité de paillettes. Vous allez avoir beaucoup plus de paillettes, d'eau, non ? Votre eau sera beaucoup plus éclatante de paillettes, non ? Parce qu'il est plus saturé dans l'eau, non ? Il y a plus de paillettes dans l'eau. C'est un peu ce que je pense de la saturation. En gros, nous disons qu'il faut prendre la distorsion et l'atténuer pour qu'elle soit la même, la distorsion et l'atténuer pour qu'elle soit prendre plus de distorsion et l'atténuer pour obtenir la même quantité de signal, le saturer de paillettes, d'une OK. Assez d'analogies colorées Revenons à notre extrait de violoncelle et examinons cet effet. Donc, notre commande d'entraînement principale est ici. Revenons un peu en arrière sur notre sortie et faisons fonctionner notre disque aussi fort que possible. OK, reculons un peu. Donc, ce que nous allons faire ici c'est essentiellement utiliser la mise en forme des vagues, d'accord ? mise en forme des vagues signifie donc que nous allons prendre les vagues et les moduler avec une autre forme d'onde afin de les modifier et de créer plus d'harmoniques Voici donc nos options. OK, nous avons donc un clip analogique, un panneau souple, une courbe moyenne, une courbe dure, un SnoidFold, un clip numérique et Regardons donc SanoidFold. Augmentons en quelque sorte les choses et écoutons simplement les différences de sons Mmm, hum. OK, donc un peu de variété pour eux. Quelques éléments que nous n'avions jamais vus auparavant : ce clip souple, vous verrez un clip souple sur différents objets. C'est juste une très légère distorsion. C'est juste un peu trop insister. En poussant le signal un peu trop fort et nous donnant une petite distorsion qui, en fait, la plupart du temps, se traduit chaleur du son. Donc, si je ne fais rien là-dessus, alors, tout va mal. OK ? Sauf ce clip souple. Permettez-moi de reconstituer nos résultats. OK, c'est un bon ton. Donc, vous savez, c'est très subtil, mais sur de nombreux effets, plus récents, vous allez voir ce bouton à clip souple caché là, et il peut ajouter un peu de chaleur. OK, alors revenons à la couleur. Maintenant, un étrange petit secret se cache dans le saturateur. C'est-à-dire que si nous passons à Waveshaper, ce sera la plus extrême, et cela nous permettra vraiment de définir l' onde que nous utiliserons pour façonner l'autre onde , le signal entrant, Alors vous vous demandez : « Comment créer ma propre vague ici ? Parce que waveshaper me permet créer ma propre vague que nous allons appliquer Eh bien, certaines commandes sont cachées, et elles sont là. OK ? Ces six contrôles ne s'appliquent donc qu'à Waveshaper Si je passe à une autre vague avec ça ouvert, ils seront tous classés. Seul Waveshaper peut les utiliser. Donc, avec cela, nous pouvons vraiment définir des choses loufoques et créer très belles distorsions Et vous savez, une chose que je dois dire à ce sujet, c'est qu'à l'époque, il existait un outil de façonnage des vagues, un outil de façonnage des vagues très ancien dans un programme dédié appelé turbosynth Turbosynth, je crois, est révolu depuis longtemps. longtemps que je n'ai rien vu dans Turbosynth, mais j'adorais ce programme à cause de sa fonction de façonnage des vagues Et j'avais l'habitude de garder un vieux MAC qui était vraiment vieux, comme OS 8 ou quelque chose comme ça, le but de faire fonctionner Turbosynth Avec cet outil Waveshaper qu'il avait, on m'a toujours dit que c'était ce Trent Resner utilisait pour faire fonctionner ses guitares parce que c'était tellement tordu Ce son, cet outil, Waveshaper sur le saturateur s'en rapproche le plus possible Donc, si vous faites passer des guitares là-dedans, vous pouvez vraiment obtenir son des premiers clous de neuf pouces où cela ressemble à un mur de distorsion Alors considérez cela. 120. 41 RoarBasics: Très bien, ensuite, nous avons ROR. C'est en quelque sorte la mère de tous les effets de distorsion. C'est un peu ce qu'on appelle un super effet parce qu'il contient dix effets différents intégrés. Il y a un compresseur dedans. Il comporte trois niveaux de distorsion. Il y a des égaliseurs dedans. Il y a du routage dedans. C'est un peu géant. Nous allons donc le passer en revue. Nous pourrions cependant diviser celle-ci en quelques vidéos différentes. OK, alors commençons par là. Nous avons donc d'abord notre lecteur sur lequel nous pouvons envoyer le signal ou le retirer avant qu'il n'atteigne tout notre traitement. Le ton est comme avant, juste un petit filtre. Si nous le poussons vers le haut, nous obtiendrons plus de choses à haute fréquence. Si nous le baissons, nous obtiendrons des fréquences plus basses. Et nous pouvons en quelque sorte définir le seuil avec ce cadran ici. OK, ensuite, nous avons ce truc de routine. Nous n'avons donc jamais vu cela auparavant. C'est tout à fait nouveau. J'appellerais cela du routage, mais Ableton veut l' appeler routine C'est un itinéraire un peu différent. C'est une sorte de routine. Donc, si vous regardez cette petite icône ici, ce que nous avons, c'est qu'elle indique « unique  », c'est-à-dire « étape 1 », tous ces paramètres sont essentiellement notre type de réglage de distorsion. Nous allons donc transmettre notre signal à première étape, puis à la sortie de la première étape, et c'est terminé. C'est assez facile, non ? Nous pourrions passer à des séries, auquel cas nous aurons deux niveaux de saturation. Nous allons passer à notre première étape puis à notre deuxième étape, puis nous aurons une boucle qui créera des commentaires dans notre deuxième étape si nous le voulons. Nous avons un parallèle où nous allons parcourir les deux étapes en même temps , puis les assembler à nouveau. Nous avons plusieurs groupes où nous obtenons une troisième scène, et ils sont séparés entre les basses, les moyennes et les hautes. Et nous pouvons en quelque sorte définir les seuils de chacun d'entre eux ici. Nous avons une face médiane, qui est un type d'égaliseur ou de traitement dans lequel nous faisons différentes choses en fonction de notre champ stéréo, et nous faisons des choses comme au milieu et sur les côtés Ensuite, nous avons juste une chaîne de feedback dans laquelle nous passons à notre première étape, puis à la rétroaction Nous pouvons donc voir ici, c'est direct et c'est du feedback, et nous pouvons en quelque sorte mélanger les points où cela se produit. Vous pouvez donc voir comment les choses évoluent ici, n'est-ce pas ? Nous avons donc une petite entrée pour nous montrer où va notre signal lorsque nous ajustons les trois étapes différentes. OK, passons aux céréales, et regardons la première étape ici. Donc, tout d'abord, nous avons un montant que nous allons envoyer au shaper, et nous avons tout un tas d'options pour notre shaper Cela ressemble un peu à ce que nous avons déjà observé en termes de différents types de saturation et de distorsion. Un clip numérique, un concasseur de bits, nous savons ce que c'est maintenant un préampli à tubes, une découpeuse à diodes que nous n'avons pas encore vue Nous en avons donc vu certains et d'autres non. Mais ce sont essentiellement des formes différentes que nous allons appliquer à notre signal entrant. Et dans ce façonneur d'ondes, il s'agit en fait d'un bon exemple, d'un bon visuel de ce que fait le biais ici Il s'agit essentiellement de nous montrer où nous allons atteindre ce façonneur de vagues Donc, si nous changeons ce biais, vous pouvez voir que nous pouvons en quelque sorte trouver un juste équilibre pour notre son particulier avec cet outil de biais. Ensuite, nous passons également par un filtre. Si nous le voulons, nous pouvons le désactiver. Nous avons un tas de paramètres de filtre, quantité de résonance et notre fréquence de coupure. Et nous pouvons être avant ou après, ce qui signifie que nous pouvons en quelque sorte appuyer sur pré, et je crois que nous y allons si nous sommes sur le pré, le filtre s'applique avant le shaper Si ce n'est pas le cas avant, cela s'applique après le shaper, un peu comme cela ressemble ici OK, ensuite, nous avons cette section de commentaires où nous pouvons sélectionner un mode, la durée, puis la durée pendant laquelle nous allons l'utiliser. Donc, si nous le laissons se répercuter sur lui-même, ce que nous faisons ici, vous finirez par obtenir ce genre de son de filtre à peigne, c'est-à-dire ça, qui peut être cool parfois. L'avantage de ce mode de feedback c'est que vous pouvez le configurer pour qu'il soit noté , puis centrer vos commentaires sur un ton en particulier. Ce qui peut parfois être vraiment cool pour vos mixages. OK, et ensuite, nous avons ce compresseur à la fin. Maintenant, nous allons parler davantage des compresseurs, comme je l'ai dit, mais en gros, la compression est une activité dynamique qui atténue en quelque sorte le volume du son Maintenant, cela peut être important dans un domaine comme celui-ci où vous ajoutez et faites tellement de choses et où vous recevez ces commentaires. Certains éléments de votre son sont peut-être très forts et d' autres très faibles. Cette compression peut donc en quelque sorte lisser les choses. Donc, si vous avez un son vraiment délirant, augmentez votre compression Nous n'en avons pas tellement besoin dans ce que nous faisons, mais cela peut nous aider. Ce SCHPF est un filtre passe-haut à chaîne latérale. En gros, si vous l'activez, cela fera ressortir une partie du bas de gamme. Si vous le désactivez, il ne le fera pas. Cela peut donc être un peu comme un boost de milieu de gamme ou de bas de gamme. Pas vraiment un boost, mais plutôt un boost, voyons voir un boost. OK, ce sont les bases de RR, mais il y a une tonne de choses que nous n'avons pas encore examinées dans RR. Passons donc à une nouvelle vidéo et concentrons-nous sur cette section sur la modulation. 121. Roar (Modulation): OK, passons donc aux paramètres de modulation ici. OK ? Nous avons donc deux onglets ici, source du mod et matrice. Cette matrice devient probablement un peu familière. Nous l'avons vu à quelques reprises dans la section de synthèse. Passons donc aux sources d'humeur. En gros, ici, nous allons configurer des choses qui peuvent moduler des choses, d'accord ? Ce sont nos objets, et ce sont nos objets qui peuvent être utilisés pour les moduler Alors c'est ici que nous allons les connecter. OK, donc d'abord, nous avons un LFO. Nous pouvons dire que nous pouvons lui donner une forme. Nous pouvons lui donner un débit, des réglages différents, un autre LFO, une enveloppe, et juste un générateur de bruit aux caractéristiques différentes Nous avons vu ce truc se balader un peu. Nous pouvons le synchroniser avec le rythme ici. Alors on pourra aller ici. Maintenant, il semble que nous puissions simplement moduler une chose, mais c'est très imprécis Cette cible va changer en fonction de ce que nous cliquons. Tout ce sur quoi nous pouvons cliquer ici est donc modulable. OK ? Supposons donc que je souhaite moduler le niveau de saturation lors de la première étape OK, il suffit de cliquer dessus pour qu'il apparaisse ici. Et modulons-le avec LFO one. D'accord, nous pouvons voir dans ces petites lignes ce que font ces modulateurs OK, il y a Shaper One. Montant. OK, passons peut-être à notre fréquence ici. Vous pouvez donc voir que le shaper fonctionne. C'est juste très subtil. C'est le contraire de cela. Alors, abaissons-le. Soyez un peu moins subtil. Que voulons-nous d'autre ? Notre mode de feedback. Mettons cela également sur le compte de notre bruit. Passons peut-être à la deuxième étape et disons, notre deuxième LFO sur ce montant ici Retire-le un peu en arrière. Compliquons les choses en y mettant également une enveloppe. Faisons quelque chose d'étrange avec le bruit ici, peut-être un filtre à peigne, une bonne quantité de résonance. C'est bon. Alors maintenant, nous commençons à avoir un son vivant très vivant. OK, donc l'une des choses qui se passe ici est que nous pouvons voir les paramètres que nous avons modulés dans cette petite fenêtre Nous pouvons voir la deuxième étape ici et la première étape, mais nous ne pouvons pas tout voir en même temps. Si nous voulons tout voir en une seule fois, nous pouvons monter dans ce triangle ici et cliquer dessus. Maintenant, ne paniquez pas. Il semble que nous ayons 1 million de réglages supplémentaires ici, mais ce n'est pas le cas, c'est juste la première étape qui a été interrompue . Nous pouvons donc la voir en même temps que étapes deux et trois, les étapes deux et trois, que nous n'utilisons pas actuellement. Ici, nous avons nos sources de mods et notre matrice de modulation ici. Nous l'avons donc en quelque sorte configuré pour pouvoir voir un tas de choses supplémentaires, non ? Et si nous l'ouvrons encore plus en l'extrayant, nous pouvons en voir plus. Nous pouvons voir nos sources de modulation en bas. Alors maintenant, nous avons ce beau gros truc. Nous pouvons également voir dans notre matrice de modulation tout ce qui est possible, d'accord ? Voyons donc ce qui a fait l'objet d'une action, et procédons à une modulation supplémentaire. J'aime bien ce réglage du bruit, donc je vais juste mettre un tas de choses sur le bruit. Faisons notre fréquence de feedback. Ça va probablement devenir vite un peu ennuyeux . Nous y voilà. C'est comme marcher là-haut. Donc, cette modulation est complètement insensée. Je n'ai pas mentionné auparavant que ce suiveur d'enveloppe que nous pouvons voir suit en quelque sorte notre forme d'onde, et nous pouvons l'utiliser comme source de modulation ici, ce qui peut être une façon vraiment amusante de moduler Passons à notre violoncelle, car il y a tellement de modulation possible ici que les gens l'utilisent en fait comme synthétiseur Et si je modulais notre modulation avec une partie du LFO OK, alors maintenant j'ai créé quelque chose de complètement fou Passons à ce rythme. Oui, c'est super génial. Il s'agit d'un effet géant. Je pourrais y passer toute la journée. Alors jetez-y un coup d'œil, jouez avec. En particulier, jetez un œil à certains des préréglages de RR. Il y en a beaucoup de vraiment sauvages et cool qui vous emmèneront très rapidement dans des endroits vraiment sympas. Alors jetez un œil à certains d' entre eux. Passons à autre chose. 122. Distorsion vinyle: Bien, passons maintenant à quelque chose de complètement différent. Passons à la distorsion du vinyle. C'est un effet très simple qui va essentiellement donner l'impression du vieux crépitement d'un disque vinyle Passons à notre violoncelle. Tu auras le crépitement. Ça a de la densité. Vous pouvez en quelque sorte le composer pour le rendre plus réaliste. Mais en réalité, c'est un effet très simple. Il s'agit simplement de superposer ce bruit de vinyle par-dessus. Par exemple, je l'ai arrêté et tu peux toujours l'entendre . C'est cool. Tu peux le faire. C'est un effet cool. Il ajoute des fréquences, donc je l'inclus dans l'effet de fréquence. Mais c'est en fait très simple. Ajouté si vous aimez les trucs. C'est chouette. OK. Passons à autre chose. Ensuite, nous avons les QI et les filtres. Allons-y. 123. Égaliseur huit: OK, ensuite, nous allons créer quatre effets différents, et ce sont tous des égaliseurs et des filtres Ce sont toujours des effets de fréquence, car ils perturbent tous les fréquences de notre signal ou de notre son. Nous allons donc commencer par le plus compliqué, mais c'est le meilleur moyen visuel comprendre ce qui se passe. Et après cela, les trois autres seront relativement simples. Nous allons donc passer à l'EQ 8, non ? Je vais l'ajouter à cette piste. Dans la partie synthèse de cette série de cours, nous avons parlé du fonctionnement d'un égaliseur, mais je vais le refaire simplement parce qu'il est très important que vous compreniez comment fonctionnent les égaliseurs. Maintenant, l'une des meilleures choses à propos d'EQ Eight est que nous pouvons appuyer sur ce bouton ici et obtenir une version beaucoup plus grande de ce qui est affiché à l'écran ici. Alors faisons-le. Bien, maintenant nous avons ce beau gros truc, et nous pouvons également y voir notre son D'accord. Il y a donc toutes les fréquences de notre son. Maintenant, voici ce que nous voyons. Donc, à gauche, nous avons des sons graves, et à droite, nous avons des sons aigus, n' est-ce pas ? C'est assez simple. Des choses basses, des choses hautes. D'accord ? Maintenant, sur le type d'axe vertical, nous avons ici un zéro en dessous de cette petite ligne bleu sarcelle, puis six, 12, moins six et moins 12 D'accord ? Donc, quand cette petite ligne est à zéro, nous ne faisons rien, d'accord ? Zéro ne veut rien dire. Au-dessus de zéro signifie augmentation et en-dessous de zéro signifie réduction. Et les chiffres 6 et 12 sont des décibels. Donc, en ce moment, j'augmente les très basses fréquences de ce son de 6 décibels D'accord ? Et puis de peut-être 5 décibels, quatre, trois, deux, un, puis revenez à 0 décibels pour le reste. D'accord ? Maintenant, je réduis le volume en le faisant passer du bas au milieu de gamme. Ça fait toujours du bien ici, juste ici. Nous ne faisons rien. Et puis ici, nous réduisons le son environ 4 décibels, ici, autour de 200 K. accord. Donc, des choses faibles, des choses hautes, des boosters, des coupes. Cool. Alors maintenant, cet égaliseur particulier s'appelle EQ huit. Et ce que cela signifie, c'est que le huit signifie que nous avons huit bandes d'égalisation différentes Nous en voyons quatre ici. D'accord ? Nous pouvons donc configurer chacun de ces quatre pour qu'il fasse ce que nous voulons. Si nous descendons ici, nous voyons que voici les quatre premiers, nous pouvons en activer quatre autres si nous le voulons et en avoir jusqu'à huit. D'accord ? Je vais passer à un seul pendant une seconde. Bien, en voici un, un groupe EQ. Voici donc ce qu'il y a dans un groupe. Tout d'abord, nous avons une fréquence. Par exemple, où voulons-nous cibler ce truc ? Et puis, disons, nous voulons y remédier. Et ensuite, que voulons-nous en faire ? Voulons-nous augmenter ou voulons-nous réduire ? D'accord ? Et puis la troisième chose, c'est la forme. D'accord ? Nous avons beaucoup de formes différentes ici. Nous avons le High Pass. Cela signifie laisser passer les hautes fréquences, mais couper les basses fréquences. Nous avons un laissez-passer bas, c'est le contraire. Laissez passer les basses fréquences, mais coupez les hautes fréquences. Ensuite, nous avons différents types de rejet de bande passante, et des choses comme ça. Faisons donc un filtre passe-haut. Et je peux régler la fréquence avec ce cadran ou simplement en cliquant sur celui-ci et en le déplaçant. D'accord ? Alors maintenant, dans ce passage haut, cela signifie que nous allons supprimer tous les points bas en dessous de ce point. C'est ce qu'on appelle la fréquence de coupure. Il va donc être lancé. OK. Mais ce qui se trouve au-dessus n'en est pas affecté Nous pouvons lui donner ce qu' on appelle une résonance en faisant ce genre de chose. La résonance lui donne un petit coup pouce juste à la fréquence de coupure. Et puis nous avons quelque chose appelé Q, qui correspond en quelque sorte à sa largeur. Cela ressemble à une résonance ici, mais cela a à voir avec la largeur de cette bosse Cela se voit plus clairement dans des choses comme le rejet d'un groupe, comme celui-ci où nous allons simplement passer à un type de zone spécifique et dire que nous voulons supprimer ces sons. Le signal sera de la même largeur, n'est-ce pas ? Donc, dans quelle mesure voulez-vous vraiment que ce soit précis ? Je crois que c est synonyme de qualité. OK, alors c'est ça. Nous pouvons le faire huit fois avec l'EQ huit Si j'en active plus, chaque fois que tu ajoutes un autre groupe, les choses se compliquent un peu et commencent à s'accumuler. Vous pouvez donc créer des égaliseurs intéressants de cette façon. Mais revenons à notre single band pour que nous puissions juste l'entendre. OK. Passe haute. Voici Ancelolo Nous allons donc simplement en supprimer toutes les basses fréquences. Ah non ? Si nous voulons faire le contraire, supprimer toutes les hautes fréquences, nous pouvons le faire. Va ouvrir ça. D'accord, c'est donc votre égaliseur de base. Et l'EQ 8 est vraiment la solution idéale pour moi. exemple, je prends toujours l'EQ 8 pour vraiment voir ce que je fais J'ai beaucoup d'espace pour travailler, et je peux y ajouter d'autres groupes au fur et à mesure. OK. Voyons maintenant une sorte de mini-version de ce jeu, qui s'appelle EQ Three 124. Égaliseur trois: Très bien, débarrassons-nous de Q eight et passons à EQ. EQ en est une toute petite version. Waouh, c'était un mauvais usage de mots. Bonne chance aux traducteurs qui travaillent sur celui-ci. Laisse-moi réessayer. Il s'agit d'une version plus petite de celui-ci. Donc, ici, tout ce que nous avons c'est un bouton bas, un bouton central et un bouton haut Et ce que nous pouvons faire, c'est dire ce qui définit un faible dans ce cas ? C'est le cas avec ce cadran. Nous disons donc, 1 000 hertz ou, vous savez, 600 hertz, comme nous voulons. Nous disons : Qu'est-ce qui définit l'euphorie ? Et nous avons défini où nous voulons que cela soit. Et puis ce qui reste, ce sont les médiums. Qu'est-ce qu'il y a de cool dans celui-ci ? Cet égaliseur est en quelque sorte un très bon outil DJ. Parce que regarde ça. Passons à ce B. D' accord. Maintenant, ça va sembler normal. Bien. Mais nous pouvons essentiellement désactiver les bas, médiums et aigus avec uniquement ces boutons LMH Donc je peux dire : « Cool ». Nous allons à la pause de la chanson. Allons prendre ça. Cool. Revenons-en au milieu. Ajoutez les bas, ajoutez les hauts, jouez avec eux, faites ce genre de choses Peut-être ici. Rajoutez-le, jouez. Peu importe. Vous pouvez donc créer des moyens sympas d'activer, par exemple, tous les éléments bas ou hauts et les utiliser pour de petites fêtes. Vous pouvez associer ces boutons LMH à votre clavier original, à un clavier un bouton, à un fader ou autre Vous pouvez donc simplement les toucher, tuer tous les bas, faire quelque chose, puis les remettre dedans quand vous le souhaitez. C'est vraiment pratique pour ça. OK, passons au filtre automatique. 125. Filtre automatique: Va. D'accord, l'autoflter est une sorte de filtre à bande unique avec des modulateurs intégrés Nous pouvons donc dire  : voici notre filtre. Nous pouvons le composer comme bon nous semble. Nous avons différentes formes ici. Nous avons ici deux circuits différents, que nous appelons circuits, et ils auront un son légèrement différent. Et puis nous avons ce LFO que nous pouvons configurer pour le moduler, presque comme une pédale murale Tu entends ce genre de son de pédale Wah ? Nous pouvons l'ajuster un peu. Quelques formes différentes pour notre LFO, cela nous permet d'obtenir, par exemple, un échantillon et un maintien, c'est ce que signifie ce SNH C'est une sorte de son sample and hold. C'est un peu comme une bascule activation/désactivation. Nous pouvons essayer cette quantification qui fera en sorte que le mochin de modulation soit attaché à un Je peux avoir un son plutôt cool. Oui, c'est un petit filtre cool. Nous pouvons également l'utiliser en chaîne latérale. Nous avons parlé du chaînage latéral dans le dernier cours, mais lorsque nous pensons au chaînage latéral, nous pensons normalement aux compresseurs, mais nous pouvons également faire du chaînage latéral avec des égaliseurs et quelques autres effets également Donc, si vous voulez l'enchaîner, vous devez cliquer ici. OK, passons au canal EQ. 126. Égaliseur de canal: OK, le dernier de cette catégorie est le canal EQ. En fait, pour être totalement honnête avec vous, je pense que cela vient du fait que Logic Different Da a introduit une fonctionnalité il y a quelque temps où il y avait juste un égaliseur sur chaque piste ou chaque canal de la table de mixage, peu la même chose, juste par défaut Et c'était en quelque sorte la réponse d'Ableton à cela, je crois, où ils ont dit : « Faisons simplement un égaliseur simple et sympa que vous mettriez sur chaque piste Ils ne l'ont pas mis sur toutes les pistes pour vous, mais ils l'ont facilité à ajouter à n'importe quelle piste. Ne fais pas ça. Je ne le mets pas sur toutes les pistes. Mais certaines personnes le font probablement. C'est un simple égaliseur Nous pouvons vous appeler. Nous avons trois groupes. Nous avons donc un faible niveau. Nous pouvons augmenter ou réduire à moyen ou haut. Nous pouvons augmenter notre production grâce à cela. Notre milieu, nous avons un sélecteur de fréquence moyenne ici. Donc, si nous lui donnons un petit coup de pouce ici au milieu, nous pouvons en quelque sorte nous adapter à ce point. Nous pouvons également couper avec si nous le voulons. Et puis nous avons juste une sorte de bouton bas de gamme ici. Je dirais que cette chaîne EQ est géniale. C'est un utilitaire. Il est conçu, je pense, pour un travail d'égalisation plus subtil Donc, si vous en avez besoin, lancez-le sur une piste, et, vous savez, vous voulez juste une coupe de base rapide, lancez-le sur une piste. Cela fonctionne vraiment très bien et facilement. 127. Panne automatique: D'accord, passons ensuite à quelques effets de hauteur et de modulation. Ce sont des effets qui ont une sorte de modulation intégrée qui sont toujours des effets basés sur la fréquence. Commençons donc par Auto Pan. Allons-y. Il s'agit donc d'une question relativement simple. Le panoramique, à droite, est donc notre équilibre de gauche à droite. Nous avons accès au panoramique sur n'importe quelle piste ici, à gauche et à droite Donc, ce que cela va faire en gros, c'est nous pouvons configurer un LFO dans cet effet qui commencera à déplacer notre son vers la gauche et vers la droite Donc, euh, tu peux commencer avec un certain montant. OK ? Nous pouvons voir notre signal gauche et notre signal droit. Nous pouvons l'accélérer. Nous pouvons ajuster la phase. Donc ici, ils vont se déplacer en même temps et ici complètement à l'opposé. Et nous pouvons en quelque sorte arrondir la forme si nous voulons qu'il impression de bouger simplement en sautant d'avant en arrière, ou s'il glisse plutôt d'avant en arrière Tu le sens ? C'est peut-être plus évident sur quelque chose comme ce son de violoncelle. Tu sais, j'ai envie de faire des allers-retours , c'est un peu dingue. Ralentissons un peu. OK. C'est cool. Nous pouvons également passer en mode division du rythme. Donc, pour le moment, c'est une 16e note. Ralentissons jusqu'à une huitième note, peut-être. Nous y voilà. Mm. Maintenant, on passe à une huitième note. Ce sera plus intéressant pour un battement de batterie. Nous pouvons faire des allers-retours entre une version inversée , mais si nous la ralentissons Eh bien, accélérons les choses pour voir. OK. Donc, en gros, c'est ce que l'on appelle normal. Une version inversée va en quelque sorte l'inverser, donc vous pouvez voir que nous basculons La gauche devient droite, la droite devient gauche si on l'inverse. C'est tout Nous pouvons le compenser un peu. Peut-être voulons-nous qu'il commence le schéma à l'unisson. Quelques formes différentes avec lesquelles nous pouvons jouer , en quelque sorte de manière aléatoire C'est un peu farfelu. Donc, c'est assez simple. Ça va nous faire bouger les choses. 128. Chorale: Ensuite, c'est l'ensemble Chorus. Attrapons-le et ajoutons-le dessus. Maintenant, celui-ci semble en fait un peu similaire parce qu'il contient, vous savez, une modulation de mouvement intégrée. Donc, si vous n'êtes pas familier avec le chorus, c'est un effet que nous utilisons habituellement pour épaissir un peu le son Si vous pensez à un chœur, ce qui fait qu'un chœur sonne grand sont les légères imperfections entre tous ceux qui chantent une partie similaire. On peut donc penser à la même chose dans un orchestre à cordes. Par exemple, si vous avez 20 violons qui jouent exactement de la même manière. Tout ce que ça va vraiment sonner c'est un violon très fort. Mais si vous avez 20 violons jouent normalement comme les humains, qui jouent normalement comme les humains, avec de très légères variations, cela ressemble à un grand ensemble C'est donc comme un effet de chœur. Ce que nous allons faire, c'est utiliser deux ou parfois trois, dans ce cas, des lignes à retard très courtes pour les séparer. Et puis nous pourrions même dérégler ces signaux en un clin d'œil. Ça va le faire paraître gros et épais. Alors, vérifions-le. Voici donc notre classique. Nous pouvons faire une petite réduction rapide ici si nous le voulons avec ce taux élevé, ce sera notre vitesse. Mettons ça sur notre violoncelle. Ce sera le plus évident. Vous pouvez donc déjà ressentir cette chose étrange. Cette chose étrange s' appelle le phasage. Tu peux l'accélérer. Nous ne voulons généralement pas le faire. Plus de quantité, plus de feedback. Ça nous donne ça. Bruit du pistolet laser. OK, passons au mode Ensemble, où nous avons une troisième ligne de retard. Ça donne juste l'impression qu'il est un peu plus gros. Essayons-le sur un autre de nos trombones ici. C'est tellement évident. Retournez à Ochelo. L'effet Vibrato va se réduire à une ligne de retard, et il va se déplacer un peu plus Mm. C'est énormément. Pour le vibrato, vous voulez que ce soit un peu plus court Donc, ensemble de chœurs, ces types d'effets épaississants peuvent vraiment vous aider dans votre mixage ou dans la synthèse et la conception sonore, juste pour rendre un son ou une partie d'un son encore plus complet. 129. Corpus: Corpus. Corpus est le suivant. Donc, il vous arrive de faire ce truc où vous chantez dans le corps d'une guitare, et vous entendez comment le corps de la guitare résonne, ou vous chantez dans un ventilateur et vous entendez comment le ventilateur vous coupe la voix C'est un peu ce qu'est le corpus. Corpus est donc un modèle physique. Nous avons donc parlé de modèles physiques lorsque nous avons parlé de synthèse. Ce qu'est un modèle physique, c' est qu'il s' agit essentiellement d'un algorithme géant qui essaie d'imiter le monde physique Donc, ce que nous pouvons faire avec un corpus, c'est faire un son à travers un objet. Comme si vous faisiez passer un son dans le corps d' une guitare et que vous laissiez le corps de la guitare le faire résonner. C'est un peu la même chose. Jetons donc un coup d'œil. Voici donc ce que nous allons examiner avec notre son. Faisons comme une pipe, accord ? C'est assez évident. Nous pouvons changer l'endroit où nous écoutons le tube. Modifiez la taille du tuyau. Ajustez le rayon, diminuez. Le tuyau est-il ouvert aux deux extrémités ? Quelle est la taille de cette ouverture ? Et nous avons accès à davantage de paramètres, en fonction de ce que nous utilisons , du matériau que nous utilisons. Nous avons le réglage ici, qui va vraiment en quelque sorte intégrer ce son, euh, les fréquences qui résonnent à partir de celui-ci Donc, le violoncelle joue quelque chose en sol aigu. Donc, le régler pour faire résonner G sharp semble plutôt agréable. Réglage fin. Vous pouvez ajouter un LFO juste pour l'embellir Oh, ça a l'air fantomatique. Jette un petit filtre dessus. Ce saignement est un peu comme un mélange sec et humide. Il va prendre une partie de l'original et le filtrer à nouveau. C'est donc quelque part entre un mélange sec et humide et un feedback. Et allons-y tout mouillés. C'est un effet assez extrême. Vous pouvez faire des choses vraiment amusantes à Corpus. Passons-le à une chaîne. Et si on passait notre violoncelle sur une corde ? C'est comme si j'avais un peu le mal de mer. C'est un effet vraiment amusant. Jouez avec certains des préréglages de celui-ci, en particulier, et vous trouverez des outils intéressants 130. Commutateur: OK, le suivant est Shifter. Hum, mettons-le sur notre piste. Maintenant, c'est un pitch shifter. Donc, encore une fois, un effet de fréquence. Maintenant, beaucoup de gens se demandent : Ableton dispose-t-il d'un bon plugin Autotune ? Et non, ce n' est probablement pas c'est probablement l' une de leurs plus grandes plaintes. Et lorsqu'on m'a demandé directement à ce sujet lors d'une récente réunion, la personne à qui je parlais a en quelque sorte répondu «  Non », ce qui me fait penser qu'elle travaillait sur un projet. Mais il ne s'agit pas d'un effet autotune. C'est un effet qui va complètement changer le ton de votre truc. Nous pouvons donc dire le transposer plus haut, vous savez, le transposer Déplacez simplement le tout vers le haut ou vers le bas. C'est différent de l'autotune. Cependant, il y a des sortes de petits joyaux cachés qui en font un effet vraiment amusant, en particulier pour créer de gros sons ambiants. OK. Donc, d'abord, nous pouvons faire passer notre son par là. Ensuite, nous pouvons simplement ajuster le ton. Ici, je suis par étapes ou par demi-tons. C'est bon ou je peux y aller, peu importe. C'est bon Je peux affiner ma position dans le bon sens. Je peux également passer, par exemple, à un mode fréquence où je compose simplement les fréquences de transposition ou à un modulateur en anneau, qui revient à multiplier les C'est un peu comme la synthèse FM. Mais revenons au pitch. Et allons-le presque vers le haut. OK, maintenant, si nous sommes complètement mouillés ici, nous entendons juste le texte transposé, qui est généralement ce que vous voulez quand vous le faites Mais si je le réduis à moitié humide et à moitié sec, nous allons entendre le non transposé et le transposé OK, c'est bizarre. Mais nous avons également intégré cette petite boucle de feedback, ce qui devient vraiment amusant. OK ? Regarde ça. Activez la boucle de feedback, réglez-la sur un quart de note et augmentez-la légèrement. Nous avons un LFO que nous pouvons ajouter. OK. Rendons cela un peu moins maladif et réglons notre transposition à une octave Essayez d'abaisser d'une octave. Ça ne me plaît pas. Donc, avec la boucle de rétroaction, vous pouvez faire des choses folles où vous pouvez créer des choses qui continuent à bouger et à aller et venir. Je pourrais peut-être y mettre un peu de réverbération, puis utiliser ce puis utiliser ce suiveur d' enveloppe pour façonner tous les commentaires qui en découlent Et ça en ferait presque une sorte de son de pad. C'est donc simple, mais vous pouvez faire des choses amusantes avec. 131. Phaser-Flanger: Ensuite, il y a notre phaser Flanger. C'est donc un peu similaire à l'ensemble de chœurs, où nous avons en fait trois effets en un ici Donc, un phaseur, c'est comme lorsque nous prenons les formes d'onde de quelque chose et que nous les laissons entrer et déphaser, nous disons que cela crée un type d'effet très spécifique que nous appelons un phaseur. Écoutons-le. Tu peux en quelque sorte l'entendre. Ce que vous entendez s' appelle le phasage. Tu peux le faire aller plus vite. Je vais y ajouter quelques commentaires. C'est du phasage. Et le phasage ne fait que créer une autre copie de notre forme d'onde et la déplacer vers l'intérieur et vers l'extérieur, en alignant parfois avec l'autre et en la laissant en quelque sorte se déplacer Un flanger est très similaire. Il s'agit d'un délai très, très court et, avec les problèmes de phasage que cela entraîne, cela donne un son très spécifique La moelle rugit. Rugissant. Un flanger ressemble toujours à un rugissement. Ensuite, un doubleur ne fera qu' épaissir les choses, un peu comme notre chœur et notre ensemble, mais cela fait les choses un peu différemment, et le son est un peu étrange Notez nos commentaires et notre montant. Nous y voilà. Tu vois, on dirait deux violoncelles essayent de jouer ensemble et qui sont vraiment désaccordés l'un par rapport à l'autre Mais vous pouvez créer des effets sympas avec, jouer avec. Vous pouvez ajuster le timing pour le rendre un peu plus élégant, mais avec des effets assez simples 132. Résonateurs: Bien, ensuite, nous avons le résonateur. Nous avons observé des effets très similaires à celui-ci, où nous avons en quelque sorte ajouté du contenu en fréquence en superposant un résonateur, essentiellement Mais nous avons ici quelque chose de beaucoup plus centré sur le pitch. Nous avons donc d'abord un filtre. Maintenant, ne dormez pas sur ce filtre car je trouve que ce n'est pas très utile de l'utiliser sur l'ensemble de votre son . Mais si nous disons, OK, je veux juste que cela affecte les sensations fortes. Allons jusqu'au bout. OK. Cela ne va donc s'appliquer qu'aux produits les plus élevés maintenant. Donc, ce que nous allons faire, c'est le configurer, puis nous allons reprendre notre version sèche et humide, et cela va ajouter toutes sortes de résonances chatoyantes à ce son allo Donc, premier type de choses, nous avons quelques paramètres principaux. Le mode est peu comme un algorithme différent dans les coulisses. Euh, le mode A est en quelque sorte le mode par défaut pour obtenir un son réaliste. Le mode B est préférable pour les effets les plus extrêmes, en particulier lorsque vous faites des choses lentes. Nous filtrons donc le bas de gamme, de sorte que le mode B n'est pas la meilleure solution. Passons donc à A. Ce bouton const, qui est l'abréviation de constant, maintient le temps de décroissance du pitch plus longtemps, quel que soit le ton Bon, maintenant que nous voyons ces chiffres romains, un à cinq, c' est là que nous entrons dans la vraie résonance Le premier est donc différent des quatre autres. Et la première, nous allons dire ce qu'est un pitch. Je crois donc que nous avons découvert que ce violoncelle était un peu en sol dièse. Alors, inscrivons un G dièse. Il va utiliser les touches fléchées pour obtenir G sharp ici, d'accord ? Maintenant, ces autres sont relatifs à la première. Nous allons donc dire, vous savez, sept demi-tons, 12 demi-tons. Je pense juste à une sorte d'idée harmonique. Et puis peut-être faisons-en un neuvième, qui sera de 14 demi-tons. Eh bien, j'en ai encore une. Deux. D'accord, vous pouvez donc les régler comme vous le souhaitez. Nous ajoutons donc un tas de demi-tons au-dessus du premier Nous pouvons le dérégler avec ceux-ci. Ils vont nous donner un certain contrôle sensoriel, ils vont donc le désaccorder en moins d'un demi-ton Et puis gagnez afin que nous puissions contrôler la quantité de ces fréquences supplémentaires qui apparaissent Alors écoutons-le maintenant. Remontez ça vers le haut. Vous pouvez entendre ces harmoniques supplémentaires qui arrivent. Et ils s' accumulent en quelque sorte parce que nous atteignons ce fondamental avec ce sol dièse, qui le fait résonner, et c' est ce qui nous donne Mais retirons notre eau sèche. Et maintenant, nous venons d'ajouter une sorte de scintillement étrange à notre son de violoncelle Essayons-le sur ce trombone. Voici donc juste la résonance. Vous entendez ce genre de choses. C' est comme si vous heurtiez un tuyau en plomb. Il peut donc être intéressant d' ajouter une sorte de force brute, ajouter des parties supérieures à certains de vos sons 133. Résonateur spectral: D'accord, nos deux effets suivants sont tous deux des effets spectraux. Que sont les effets spectraux ? Ainsi, dans la plupart des outils que nous avons en ligne, nous avons accès à deux paramètres. Il s'agit de l'amplitude du son. Et le temps. Si nous examinons une forme d'onde, nous voyons le temps passer dans cette direction et le volume dans cette direction C'est principalement ce à quoi nous avons accès dans votre forme d'onde moyenne Mais en ce qui concerne les effets spectraux, ils font des calculs ils font des calculs complexes en arrière-plan, généralement appelés FFT, et ils nous donnent accès au contenu du pitch Nous avons donc maintenant accès à trois paramètres, le contenu du pitch, le temps et l'amplitude. Nous avons donc tendance à voir des choses affichées dans un spectrogramme, quelque chose comme ça Où nous voyons le contenu du pitch horizontalement, le temps verticalement et l'amplitude en couleur. Avec cela, puisque nous avons accès au contenu du pitch, nous pouvons faire des choses plus loufoques. Nous savons donc déjà ce qu'est un résonateur. Nous allons ajouter ou faire ressortir des partiels supérieurs ou des fréquences du son Mais avec un résonateur spectral, nous pouvons vraiment amplifier cela. abord, nous avons deux modes, interne, ce qui signifie que nous pouvons simplement écouter le son qui arrive et sélectionner les fréquences que nous voulons faire ressortir ou le MIDI. Si nous sélectionnons le MIDI, nous allons sélectionner une piste MIDI, ce que sélectionner une piste MIDI, je n'ai pas avec tout ce qui se passe, puis il examinera cette piste MIDI, y trouvera les données des notes et les utilisera pour déterminer les hauteurs que nous voulons faire ressortir. Mais utilisons le mode interne pour le moment. OK ? C'est donc ici que nous définissons notre fréquence. Je l'ai déjà réglé sur G Sharp. Vous pouvez donc entendre qu'il s'agit simplement de conserver le bois et de réduire le son de notre violoncelle. N'oubliez pas que c'est ce à quoi cela ressemble lorsque le résonateur spectral éteint. Et le voici avec elle. Il s'agit donc de garder le rythme, mais de le faire jouer ce sol dièse encore et encore. Nous avons ici un certain filtrage que nous pouvons effectuer. Et puis quelques effets supplémentaires qui donnent vraiment vie à tout cela. Alors, regarde ça. Taux de modulation. Restons-en à ce dernier battement de batterie pendant une minute. Passons plutôt à cette unisson à quelque chose de grand, comme huit Peut-être augmenter un peu notre argumentaire. Maintenant, nous sommes embauchés pour une octave. Maintenant, nous sommes dans une grotte humide. Au fait, ce que j'ai fait avec cet unisson, c' est qu'il était réglé par défaut sur un, ce qui signifie qu'il utilisera simplement notre signal Si nous le réglons sur un nombre plus élevé, cela va dupliquer notre signal, et je l'ai mis à huit. Il y avait donc huit versions de notre signal là-bas. Cela crée des sons de phase et juste un son plus épais. Revenons-en à notre violoncelle, car nous le connaissons tous très bien maintenant Passons à huit heures. Combinez-le avec le sec. Maintenant, nous allons ajouter ces notes supérieures. Faisons-le avec une piste MIDI. Alors, qu'avons-nous dit, G sharp ? Alors, voyons voir. Ajoutons-y quelques notes. Passons au sol dièse, do dièse, au fa dièse, au sol pointu. Bien sûr. Ça ira. Et nous allons simplement les étendre à l'ensemble de ce clip. Je ne vais même pas y mettre d'instrument parce que je ne pense pas en avoir besoin. Bien, revenons maintenant à notre résonateur spectral, sélectionnez MIDI et MIDI parmi deux MIDI. OK ? Maintenant, il utilise ces notes MIDI pour décider de ce que nous voulons voir sortir de notre résonateur Allons-y tout mouillés. Nous pouvons y ajouter une transposition. Je peux donc monter ou descendre d'octave. D'accord, il ne s'agit donc en fait que d'une seule note. Il n'utilise pas tout l'accord que j'ai mis dedans, mais le son reste cool Le résonateur spectral est donc super amusant. Passons au temps spectral. 134. Temps spectral: Donc, lorsque je commence un nouveau morceau, et que je ne sais pas vraiment ce que je vais faire, mais peut-être que j'ai un extrait qui me plaît, et que je veux juste commencer à m'en servir pour voir ce que je peux en tirer et ce qui me fait du bien, le premier outil que j'utilise est le temps spectral Voici pourquoi. J'ai l' impression que je peux le mettre sur un morceau ou sur un sample, en fait, et trouver l' essence harmonique de cet échantillon. Ce n'est pas un vrai terme. C'est juste quelque chose que je dis parfois. En gros, je peux empiler toutes les fréquences les maintenir pour toujours et commencer à jouer dessus. Tu sais, je pourrais juste commencer à improviser dessus et à le ressentir Laissez-moi vous montrer quoi. D'accord, nous avons donc deux grandes sections ici, le congélateur et le délai, d'accord ? Donc, ce que nous pouvons faire avec le congélateur est exactement ce à quoi il ressemble. Nous pouvons simplement dire « geler », et c'est exactement ce que nous allons faire. Alors, jouons ce son et je vais appuyer sur le bouton de blocage quelque part au milieu. OK. Cela ne fonctionne pas lorsque nous sommes en boucle. Alors allons-y comme ça. Prendons-les, mettons-les ici, désactivons la boucle et allons-y OK. Ça y est. Nous avons donc notre matériel spectral ici. Je peux donc le faire tout le temps. Je peux également régler le déclencheur et lui dire d'appuyer sur ce bouton de blocage pour moi. Comme chaque quart de note, disons, quart de note, d'accord ? Maintenant, il va falloir un nouveau gel par trimestre. OK, c'est plutôt cool. Revenons-en à le mettre en boucle OK. En fait, c'est trop rapide. J'ai besoin d'un son plus long pour que cela fonctionne vraiment comme je le souhaite. Mais nous allons faire en sorte que cela se produise. Donc, une fois que j'ai quelque chose avec lequel je joue, je peux passer à ce délai et lui attribuer un retard spectral. J'ai donc le temps, des commentaires, et je peux changer de ton ton. Augmentez le champ stéréo, mixez, inclinez. Tu le verras dans une seconde. Spray et masque. Alors laisse-moi y mettre quelque chose. OK, voici Tilt. Oups, je suis passé au manuel. Maintenant, avec ça, je peux faire un fondu et un fondu. Et si je les mets tout en haut, j'ai, genre, de la musique d'ambiance instantanée. Jouons sur cette boucle de batterie. Allons-y tout mouillés. Un événement que j'adore vraiment. Tout est prêt, revenons à notre extrait de violoncelle. Allons-y. C'est donc de cela que je parle. Vous pouvez obtenir ce genre de chose commencer à jouer avec, commencer à ressentir ce qui se passe et ce que nous pouvons en faire. J'adore ce genre de son. Jouez donc avec cet effet. C'est l'un des effets les plus amusants que nous ayons. Cela peut être compliqué, mais vous pouvez configurer ces modèles vraiment dérivants Découvrez certains des préréglages ici. Le freeze fading, je pense, est probablement l'un de mes préférés 135. Vocodeur: OK, le dernier de cette catégorie est Vocoder. Maintenant, Vocoder n'est pas Autotune. vocodeur est un autre type d'effet dans lequel nous allons essentiellement prendre différentes bandes de ce signal Donc, un peu comme une bande EQ. Donc, une section différente des fréquences, reconstruisez-la avec un signal porteur différent, d'accord ? Donc, dès la sortie de la boîte, il va être réglé sur le bruit. Nous allons donc prendre notre son de violoncelle. En gros, nous allons le démonter et le reconstruire avec cet échantillon de bruit. D'accord ? Oui, pas très intéressant. Nous pouvons changer cela. Ce n'est donc pas du bruit, mais quelque chose d'extérieur, un son différent. Alors peut-être que nous allons aligner ce trombone, puis nous dirons « audio », de quoi s'agit-il ? Le trombone, trois trombones. Maintenant, nous allons utiliser la même chose, mais nous allons utiliser ce son de trombone pour cela Oh. OK, donc ce n'est pas une bonne option ici. Nous pouvons également faire un modulateur. Débarrassons-nous de ce son pour le moment. Et le suivi du pitch lorsqu' il essaie de le faire avec différentes formes d'onde Nous pouvons également définir les limites des différents groupes. Si nous voulons que les choses soient fortes , je peux le faire de cette façon. Maintenant, il y a un peu plus d'effervescence. Cela peut être cool si vous voulez vous détendre un peu. Tu peux te mouiller jusqu'au bout. Nous avons un tout nouveau son. C'est donc intéressant. Maintenant, nous avons expliqué que ce n'est pas un Autotune et le connecteur du levier de vitesses que nous avons examiné est un autotune et qu'il n'y a pas d'autotune en direct, mais qu'il y en a en quelque sorte Il existe différents appareils Max for Live qui sont d'excellents petits plug-ins Autotune Nous y reviendrons donc lorsque nous parlerons de Max for Live en détail. Mais pour l'instant, passons à la dynamique et parlons des compresseurs. 136. Comment fonctionne la compression: Bien, passons à autre chose et parlons des effets dynamiques. ce qui concerne les effets dynamiques, nous parlons donc principalement de volume. D'accord ? Vous pourriez donc vous demander combien d'effets il peut y avoir avec le volume, n'est-ce pas ? Par exemple, tu le montes, tu le baisses. Pas vraiment En fait, pas mal, parce qu'il y a tout un tas de façons différentes de faire monter les choses ou de les baisser. Et nous pouvons le faire très, très rapidement. Commençons donc par la compression. compression est le principal La compression est le principal effet dynamique le plus courant. C'est également un effet très mal compris et très important, car si vous voulez que votre musique sonne fort et puissant, comme si elle était diffusée à la radio, c' est ce que vous devez maîtriser en utilisant la compression OK, alors jetons un coup d'œil. Avant d'utiliser la compression, examinons rapidement le contenu de cette forme d'onde, d'accord ? Voici notre petit extrait de violoncelle. Alors écoutons-le encore une fois. OK, c'est chouette. Maintenant, voici ce que nous voyons ici. Nous voyons que notre signal monte et descend, n'est-ce pas ? C'est un peu comme ça que ça fonctionne. Pesez, nous verrons que ça monte et descend, et qu'il fait une sorte d'embardée autour de cette ligne ici Nous n'allons pas nous inquiéter des détails à ce sujet pour le moment. Ce qui va nous inquiéter, c'est ce top. En haut, c' est le plus fort que l'on puisse faire. Maintenant, nous mesurons généralement le volume en termes de nombre négatif. Donc, ce sommet, le point le plus fort est zéro, d'accord ? Tout ce qui se trouve en dessous est un nombre négatif. Donc, si nous voulons que quelque chose soit aussi fort que possible, nous voulons qu'il soit le plus proche possible de ce zéro. Nous pourrions donc augmenter le volume de tout cela jusqu'à ce que le point le plus fort, c' est-à-dire probablement que ce point atteigne zéro, d'accord ? Ensuite, nous augmenterions le tout de manière à ce que le point le plus fort atteigne zéro, puis tout le reste est relatif à celui-ci C'est ce que l'on appelle la normalisation. Il s'agit donc simplement de tout augmenter jusqu'à ce que le point le plus fort atteigne zéro, pour normaliser Mais ce n'est pas de la compression. La compression va en fait modifier la plage dynamique. Cela signifie la distance entre une chose bruyante et une chose silencieuse. Tu vois, c'est si loin, d'accord ? En matière de compression, ce que nous pouvons faire, c'est dire : baissons ce qui est fort et ce qui est silencieux vers le haut et, exemple, équilibrons le volume pour qu'ils aient le même volume, d'accord ? Techniquement, la façon dont nous procédons est de prendre les choses bruyantes, calmer, puis de tout augmenter d'autant que nous les avons calmées D'accord ? Nous allons donc le lisser, le compresser, puis tout améliorer Si nous utilisons une tonne de compression, une tonne de compression, nous pouvons aplatir le tout pour que tout ait le même volume, d'accord ? Toutes les notes ont le même volume. Si nous utilisons un peu de compression, cela pourrait ressembler à ceci. OK, alors allons-y. Passons à Compressor. Je vais le mettre sur cette piste. OK, alors voici ce que nous avons ici. Nous avons le ratio de lancement des attaques et le seuil, c' est-à-dire ces lignes, cette ligne ici, d'accord ? Nous pouvons aussi l'obtenir sur place. Le seuil est en quelque sorte notre viande et nos pommes de terre ici. Maintenant, une chose que j'aime à propos du compresseur Ableton c'est que nous avons ces boutons ici, et ils ne nous montrent en fait que trois manières différentes de voir ce qui se passe D'accord ? Tout cela fonctionne , nous pouvons donc vraiment visualiser cela de trois manières différentes, qui est formidable car cela peut être un peu difficile à visualiser. Commençons donc par celui-ci. Donc, si on fait entrer notre sable, d'accord ? Et mon seuil est abaissé. Donc, c'est fini. OK. La ligne bleue est le seuil, et elle est au-dessus de notre signal, n'est-ce pas ? Donc c'est bon. Ce n'est pas le top. Le compresseur ne fait rien. Mais si j'étais déprimé. OK. Donc, ce qui se passe maintenant, c'est que la ligne jaune s'ajuste en quelque sorte. Cette ligne jaune représente notre variation de volume, n'est-ce pas ? Donc, ce que vous pouvez voir ici, c'est que s'il y avait un fader de volume , il ne ferait rien ici Et là, ça commence à le faire baisser. Et puis quand le signal devient très fort, il le fait fortement baisser, non ? Cela reflète presque l' arc de la forme d'onde, non ? Parce que lorsque la forme d'onde augmente, cette ligne indique baisser le volume pour qu' il reste à peu près au même volume Et si nous abaissons ce seuil, nous avons pratiquement complètement aplati ce volume Je peux le prouver en exportant simplement ce clip Nous l'appelons « smooshed Ensuite, je l' importe pour que nous puissions le voir. Et maintenant vous allez voir que c'est réglé. Tout est au même volume ici, d'accord ? Et il se trouve que c'est très silencieux. Nous l'avons donc aplati de manière ce que le volume des sons faibles et forts soit au même niveau, mais qu'il soit vraiment très silencieux volume des sons faibles et forts soit au même niveau, mais qu'il soit vraiment très Alors, comment le rendre plus fort ? Un paramètre a été appelé. Ce que le maquillage va faire, c'est la quantité que nous allons faire baisser les choses bruyantes. Si nous nous maquillons, cela augmentera le tout d' une telle quantité. Donc nos sons bruyants seront aussi forts qu'avant, et nos sons silencieux apparaîtront, d'accord ? Alors je l'active. Maintenant, on peut vraiment l'entendre. Mais si vous écoutez attentivement, vous entendrez que les choses calmes et les choses fortes sont identiques. Reprenons notre activité d'exportation pour que vous puissiez entendre et voir ce que nous faisons. S, passé à OK. Et ajoutons Smush Two, et vous verrez qu'il a maintenant plus ou moins le même volume tout en restant très silencieux Probablement parce que j'ai refusé cette voie pour pouvoir en parler. Mais volume très similaire. D'accord ? Examinons donc les subtilités du fonctionnement réel de la compression maintenant que nous comprenons ce qu'elle fait réellement. 137. Utilisation du compresseur: OK, donc je viens de vous dire que ce compresseur montre ce qu' il fait de trois manières différentes. Passons à un autre point de vue ici. Je vais augmenter légèrement notre seuil. OK, maintenant ce que nous voyons ici c'est que cette balle est notre seuil, d'accord ? Et c'est dans la petite boule que se situe actuellement notre signal en termes de volume. C'est au-dessus du seuil. C'est en dessous du seuil. Ça va en haut et en bas. Donc, cette ligne bleue indique ce que nous allons faire au signal lorsque le volume atteint et à quel point. Alors faisons-le. OK ? Maintenant, nous ne faisons rien au signal, d'accord ? Le volume n'est pas affecté lorsque nous sommes dans une diagonale parfaite comme celle-ci Le volume augmente et diminue donc. OK. Rien d'extraordinaire. Et si je touchais ça ? OK. Cela signifie que le volume n'est pratiquement pas affecté jusqu'à ce qu'il atteigne le seuil, puis vous pouvez le voir s' aplatir Nous continuons donc à le laisser devenir un peu plus fort une fois qu'il a dépassé le seuil, parce que c'est incliné Ce n'est tout simplement pas aussi raide que ça, mais nous n'allons pas le laisser monter beaucoup plus haut, d'accord ? Nous allons en quelque sorte ralentir sa vitesse d'ascension. Nous voulons vraiment l' aplatir, c'est ce que nous faisons. Alors maintenant, une fois que le volume dépasse le seuil, nous disons que non, vous ne pouvez pas aller plus haut que cela. Nous allons donc baisser le volume pour qu'il reste au même niveau. Mais en dessous du seuil, nous n'allons pas nous en mêler. Nous allons le laisser faire ce qu'il fait. OK ? Voyons donc ce que ces 3 mètres nous disent. Celui-ci nous montre notre seuil et où nous sommes. Celui-ci est le plus intéressant du moment. GR correspond à la réduction du gain, mesure dans laquelle nous atténuons ce son, quel point nous le réduisons Donc, comme vous voyez un montant ici, il va être un peu à l'envers. Vous allez le voir venir du haut, et cela va nous montrer à quel point nous baissons le volume à un moment donné. OK. Ici, nous n' avons que notre résultat, le résultat, et nous pouvons également lui donner un coup de pouce rapide si nous le voulons. Si nous voulons une réduction de gain plus importante, cela signifie que nous voulons le compresser davantage. Nous allons abaisser ce seuil. OK ? Si je vais jusqu'ici, ce petit bout fluctuera encore , mais au-dessus, il sera totalement plat Dis, ressens. Sensation de compression. C'est ce sentiment. OK, examinons notre troisième façon de voir les choses. Ici, nous avons juste le seuil, la réduction de gain et la sortie. Donc, si vous voulez faire un peu de compression, vous devez placer votre seuil quelque sorte couper les cheveux à ce signal, juste en haut de celui-ci C'est un peu de compression. Peut-être un petit peu plus. Si vous voulez en donner beaucoup, abaissez ce chemin. Maintenant, tout est plat. Maintenant, nous avons également quelques autres commandes ici. Ratio, nous pouvons voir le meilleur ici. Le ratio est l'angle de cette ligne. Hein ? Nous pouvons donc le rendre plus ou moins extrême. L'attaque et la libération. Maintenant, c'est la vitesse, la rapidité avec laquelle ce truc démarre Selon les situations, vous souhaiterez peut-être que des choses différentes se produisent. Vous devriez peut-être démarrer lentement pour que le signal augmente , puis vous le réduisez légèrement, puis vous le relâchez lentement. Donc, il descend complètement avant que vous ne lâchiez prise, la compression s'arrête, n'est-ce pas ? Pour le mastering, vous avez tendance à vouloir choses très rapides Vous pouvez donc vous en mêler. D'habitude, je les règle tous pour qu' soient assez rapides. C'est généralement ce dont j'ai besoin. Le genou est cet angle. Tu peux voir ça comme un genou sur ta jambe. C'est donc la netteté de cet angle, de ce point. Et puis nous avons un mélange sec et humide. Maintenant, il y a une histoire assez intéressante derrière tout cela. Il existe de nombreux types de compression. Peut-être avez-vous vu l'expression « compression de New York ». Il existe un tas de types de compression différents qui portent le nom d'une ville comme New York ou San Francisco. Je crois que c'en est un, la compression de Los Angeles, des choses comme ça. Beaucoup d'entre eux concernent le mélange d'une certaine quantité de signal non compressé avec le signal compressé Donc, si vous voulez une compression à New York, je crois que c'est 50 50. Donc, en mélangeant une partie du sec, nous obtenons ce que l'on appelle la compression new-yorkaise. Le son est légèrement différent dans ce cas. Mais si vous voulez vous développer, si vous voulez jouer avec ça, vous pouvez le faire. C'est ainsi que fonctionne la compression. Maintenant, il y a autre chose que nous pouvons faire avec la compression, savoir le chaînage latéral Nous avons déjà parlé du chaînage latéral, je crois, dans le cours précédent Alors peut-être que nous allons revoir comment procéder simplement parce que c'est une question que l'on me pose 1 million de fois par jour. Parlons donc de la compression des chaînes latérales. 138. Chaînes latérales avec le compresseur: OK. Compression de la chaîne latérale Donc, la seule chose qui rend les choses différentes, c'est que nous allons utiliser pour compresser un clip, mais nous allons contrôler le compresseur avec un autre clip, d'accord ? C'est la compression de la chaîne latérale. C'est tout ce que c'est. Alors, prenons quelque chose comme ça. Et si je le faisais et que je mettais un instrument dessus, quelque chose qui n'a qu'une résonance, OK. Réduisons-le d' une octave pour ne pas nous rendre fous. C'est cool. Maintenant, je vais retirer mon compresseur de cette piste , car pour faire ce que je veux faire ici, j'ai besoin du compresseur sur cette piste. Mettons donc notre compresseur ici. OK. Maintenant, ce que nous allons faire, c'est demander à ce compresseur de compresser ce morceau, ce synthé, mais de le faire en écoutant autre chose Nous allons donc appuyer sur cette petite flèche juste ici et cliquer sur la chaîne latérale, et nous allons dire Écoutez et nous allons faire ce truc de violoncelle. OK ? Maintenant, je peux en quelque sorte voir qu'il y a le violoncelle. Tout mon seuil est abaissé. R D'accord, maintenant vous pouvez presque imaginer le violoncelle jouer, mais nous sommes en train de créer une enveloppe de volume avec celui-ci et de l'appliquer ici. Donc c'est plutôt cool. Essayons-le sur ce battement de tambour Il est déjà configuré pour cela, il écoute ce morceau. Allons-y. Oups. Alors maintenant, essayons-le. Maintenant, ce sont les tambours qui contrôlent le volume. Le compresseur. C'est vrai. Donc, la plupart du temps, vous avez entendu parler de compression par chaîne latérale. C'est juste avec un coup de pied, boum, boum, boum. Et c'est créer cette façon, une façon, une façon, une chose type. Euh, laisse-moi te montrer ça. Trouvons juste un échantillon de Kick. Échantillon, une dose. Bien sûr. On va y aller comme ça. Un, deux, trois, quatre, transformez-le en un seul clip et mettez-le contre cela. OK. Ensuite, nous allons le mettre en boucle. OK. C'est ce que vous avez l'habitude d'entendre parler de compression, n'est-ce pas ? Il s'esquive donc à chaque fois que le coup de pied frappe. Donc, le coup de pied frappe, puis le volume du sinth descend en dessous puis augmente Donc, si on écoute les deux, c'est ce son. Tu as entendu ce son un million de fois. Certains pensent que c' est un peu nauséabond. Et je suis plutôt d'accord. Mais c'est un son tout à fait normal, mais il utilise simplement la compression par chaîne latérale d'une manière extrême. Il y a des choses vraiment intéressantes vous pouvez faire avec le chaînage latéral, qui ne le sont même pas, comme le prendre pour le réduire Tu vois, même ça, c'est un bon son. Vous pouvez donc faire beaucoup de choses avec la compression par chaîne latérale. Cela peut être très pratique une fois que nous commençons à mixer. C'est génial pour la composition de créer des effets. Je l'aime même pour les effets étranges, comme donner un rythme à ce son en l'utilisant . Tu sais ? Cela appliquera ce rythme de batterie à ce son. Vous savez, ce n'est pas la façon traditionnelle dont nous envisageons d'utiliser le chaînage latéral Mais c'est un excellent effet. C'est donc une chaîne latérale. OK. 139. Porte: OK, la prochaine étape est Gait. Alors que je parlais tout à l'heure combien de manières différentes pouvons-nous augmenter ou diminuer le volume ? Eh bien, nous avons vu un compresseur. Ça en est un. Git en est un autre. Git est souvent utilisé pour réduire le bruit, mais ce n'est pas très bon pour cela, mais c'est bon pour d'autres choses. En gros, ce que nous avons prévu, c'est un seuil. OK ? Donc, avec ce seuil, nous allons dire de ne pas émettre de son tant que nous n'avons pas dépassé le seuil. Cela signifie que nous pourrions baisser ce chiffre très bas et nous pourrions dire, faire en sorte que lorsque je ne parle pas, il descende simplement à zéro, n'est-ce pas ? Par exemple, de petites quantités de volume sont simplement mises à zéro. Alors, regardons-le. OK ? Maintenant, notre seuil est inférieur à la majorité de notre signal. Allons-le vers le haut, introduisons-le un tout petit peu. Hmm ? Alors maintenant, vous pouvez en quelque sorte voir ce qu'il fait. Nous n'entendons rien sauf si nous franchissons le seuil, d'accord ? Cela signifie donc qu'il faut penser à cela, comme au nom d'une porte. Si nous dépassons cette ligne, le portail s'ouvre et nous pouvons entendre ce son. Si nous entrons, le portail se ferme et nous n' entendons pas ce son. Maintenant, pour compliquer un peu les choses, nous avons ce montant de retour. Cela signifie que le signal peut dépasser le seuil et que nous allons commencer à l'entendre. En redescendant, il doit passer le retour avant de s'éteindre, d'accord ? Cela peut rendre les choses un peu plus faciles. Mm. Mmm, hum. Maman, hum. Donc, vous savez, vous pouvez jouer avec ça pour qu'il soit presque allumé. Quand j'ai parlé de réduction du bruit, nous l'utilisons souvent si nous avons un enregistrement et qu'il y a du bruit ambiant en arrière-plan, cela supprimera ce bruit, ce qui signifie que chaque fois que je le souhaite, si nous faisions passer mon micro dessus en ce moment, chaque fois que je ne parle pas, il tomberait à zéro, n'est-ce pas ? Mais le problème, c'est que si ce n'est pas idéal pour réduire le bruit, c'est parce que pendant que je parle, ce bruit serait toujours là, n'est-ce pas ? Vous allez donc toujours avoir un micro bruyant. Il va juste rester silencieux entre les deux. Ce n'est donc pas très bon pour, euh, pour réduire le bruit, mais ça peut être un effet cool, disons, mettons-le sur ces batteries. Alors maintenant, nous pouvons en quelque sorte en avoir le dessus. J'ai donc allégé ces batteries en écoutant simplement les notes les plus fortes Maintenant, nous avons également ce réglage du sol. Cela va faire en sorte qu'entre les deux, nous ne descendions pas jusqu'à zéro. En fait, nous avons laissé entrer un peu le son de fond. Cela peut le rendre un peu plus élégant. Donc, si c'est jusqu'en haut, l'effet est vraiment nul. Nous sommes donc en train de refuser les produits en dessous du seuil. OK ? Ensuite, il y a l'heure de l'attaque et de la libération. Ce sera juste la rapidité avec laquelle l'objet s' accrochera au son, puis le temps qu'il pourra y rester avant qu'il ne commence à se déplacer Dans le cadre du retour. Donc, c'est assez simple. Vous pouvez également le retourner, ce qui est plutôt amusant. Alors maintenant, nous éliminons ces sons faibles. Cela peut être un petit truc amusant. Et tu peux t'en servir comme ça. Ce n'est pas quelque chose auquel nous penserions normalement à propos du chaînage latéral, mais cela peut être vraiment intéressant Alors, expérimentez avec ça. Mais c'est un chat. 140. Compresseur de colle: OK, le suivant est le compresseur de colle. Maintenant, nous sommes de retour dans le domaine des compresseurs. Il s'agit donc, d'un côté, d' un autre compresseur, non ? Il fonctionne de la même manière que l'autre compresseur que nous avons déjà examiné. Cependant, celui-ci contient un peu de sauce supplémentaire, et la majeure partie de cela se passe en coulisses. C'est ce qu'on appelle un compresseur de colle parce qu'il est vraiment conçu pour que vous puissiez prendre plusieurs pistes différentes , les mettre dessus, et il est censé les aider à bien se mélanger. Cela va tous les compresser et les aider à se mélanger. Nous le faisons donc généralement avec un groupe. Nous dirions donc de sélectionner deux éléments, la commande G, les placer dans un groupe, puis de placer compresseur de colle sur ce groupe. D'accord ? C'est en quelque sorte sa meilleure utilisation si vous voulez avoir un son de colle, mais vous pouvez aussi simplement l'utiliser comme compresseur. Alors, vérifions-le sur ces tambours. Cela devrait donc vous être assez familier maintenant, nous avons notre seuil, puis nous avons le gain de maquillage. Nous pouvons en quelque sorte augmenter un peu ce gain de maquillage manuellement , ce qui est différent de ce que nous avons vu sur l'autre. D'accord ? Donc pour le moment, il ne fait rien. Nous allons baisser le seuil jusqu'à ce que l'aiguille commence à bouger. OK, maintenant nous sommes juste en train de baisser notre seuil. OK, maintenant ça bouge beaucoup. Nous appliquons donc beaucoup de compression maintenant. Mettons-nous de nouveau en maquillage. Et nous y voilà. Voici notre signal compressé. Cela fait donc vraiment ressortir les petites choses délirantes entre les deux, certaines de ces choses Encore une fois, nous avons notre attaque, notre libération, le ratio. Ce clip souple que nous avons déjà vu. Nous l'avons vu sur quelque chose récemment. Cela va simplement augmenter légèrement le signal et lui donner cette petite distorsion chaude. Comparons en quelque sorte les deux. Donc, voilà, c'est éteint. Activé. Nous avons également ce bouton de plage que nous pouvons utiliser pour réduire la possibilité de compression. Donc, si nous le retirons maintenant, essayons le clip souple maintenant que nous sommes vraiment en train d' atteindre ce clip. Oui, c'est un peu plus doux. C'est donc quand il est déjà se couper et que nous appuyons sur ce clip souple, il l'adoucit un peu Mais je connais beaucoup de gens qui utilisent cet effet en ce moment pour rien. Ils le laissent juste tout en haut, tout en bas, tout en haut. Alors maintenant, il ne fait rien. Pas de compression. La seule chose qu' il fait, c'est le clip souple. J'ai donc vu des gens l'utiliser beaucoup pour cela. Donc quelque chose à prendre en compte. Beaucoup de gens aiment vraiment ce circuit à clips souples ici. Mais essayez cela avec des groupes, en particulier des groupes de batterie. Cela fonctionne particulièrement bien sur no 141. Limiteur: Est un limiteur. Un limiteur, d'une certaine manière, est comme une porte renversée, en quelque sorte. Ce que nous avons dans le limiteur est un effet relativement simple où nous allons dire que le signal peut atteindre une certaine quantité, et une fois qu'il atteint cette quantité, il ne doit pas augmenter. Cela ne passera pas. Nous fixons donc ce que l' on appelle un plafond et nous disons que c'est le sommet. Tu ne peux plus aller au-delà de ça. OK ? Alors jetez un œil à ça. Voici notre plafond, abaissez-le. OK. Maintenant, vous pouvez voir que nous atteignons ce plafond. Si nous écoutons, nous les adoucissons vraiment. Genre, je suis vraiment en train de me heurter à ce plafond maintenant. Donc, ce qui se passe ici, c'est que nous le découpons en abaissant artificiellement le son le plus fort possible, n' Parce que c'est zéro, c'est le son le plus fort que l' on puisse entendre Nous l'abaissons donc avec ce plafond. Nous le découpons donc artificiellement en lui disant de s'écraser contre Normalement, vous ne voulez pas vous y heurter si fort Mais c'est un outil que nous utilisons beaucoup pour maîtriser. Nous en utilisons beaucoup lors du mixage, où vous pouvez simplement les placer à la fin d'une chaîne d' effets pour que rien ne devienne fou, n'est-ce pas ? Vous pouvez dire, quoi qu'il arrive, c'est le sommet, ne le dépassez pas. Et vous devriez peut-être définir ce chiffre à moins huit pour le mastering ou quelque chose comme ça Cela empêchera tout de devenir incontrôlable. Il est donc souvent utilisé comme filet de sécurité à la fin d'un ensemble de traitements complexes. 142. Dynamique multibande: OK. Dynamique multibande Donc, le contenu musical que je vais utiliser ici pour démontrer peut être un peu différent des vidéos à ce sujet, parce que j'ai fait cette vidéo, puis je me suis littéralement réveillée au milieu de la nuit hier soir en me que je ne l'avais pas très bien expliqué. Faisons-le encore une fois. Donc, dynamique multibande Et ce que nous avons ici, ce sont deux choses, trois fois. Nous avons un égaliseur et un compresseur, d'accord ? Donc EQ, compresseur, et puis nous avons trois fois un autre EQ, un autre compresseur, un autre EQ et Nous avons donc trois bandes d' égaliseur et un compresseur pour chacune Nous avons donc ici un triple compresseur. Alors, commençons par composer notre égaliseur. Donc, si je joue ce petit clip, j'ai des oreilles de batterie et de basse. Voici nos hauts, nos médiums et nos bas. D'accord ? Maintenant, on m'a toujours appris à faire avec ça, c'est écouter la caisse claire D'accord ? Donc, si je fais le plus bas, je veux juste avoir un aperçu de cette caisse claire là-dedans Ça y est. OK. Maintenant, c'est la même chose dans le sien. Je vais augmenter un peu ma limite ici parce que je ne veux qu'un tout petit peu de ce syndrome. Je vais le faire. OK, tu peux le configurer comme tu veux. Nous parlerons plus en détail de cet appareil en particulier lorsque nous aborderons le mastering Mais pour l'instant, ce n'est qu'une bonne règle générale de base. Maintenant, le compresseur en fait partie. Il s'agit d'une interface pour le compresseur différente de toutes les autres interfaces de compresseur que j'ai utilisées. C'est différent. C'est un peu difficile à comprendre. Voici donc ce que vous devez savoir. Regardons nos hauteurs. D'accord ? Donc, la première chose que je vais faire est de déplacer ce bloc vers le bas pour que mon signal soit dans la plage de mon compresseur, d'accord ? C'est essentiellement votre seuil, n'est-ce pas ? Nous allons juste le faire monter jusqu'à notre seuil. Maintenant, nous n'effectuons aucune compression pour le moment. Nous n'y avons rien fait. Nous sommes juste en train de le mettre dedans. Maintenant, ce que vous devez retenir, c'est que chacune de ces lignes verticales représente dix dB de volume, d'accord ? Donc, ce que je vais faire, c'est cliquer et faire glisser le pointeur dans cette boîte. Je vais me retirer. OK. Maintenant, chacune des lignes à l'intérieur de cette boîte a toujours un volume de dix dB. D'accord ? Alors maintenant, vous pouvez voir qu'il suffit d' aller plus loin pour obtenir un volume de dix dB. C'est donc de la compression. C'est un peu comme si vous êtes un passionné de science-fiction comme moi, vous savez peut-être que c'est comme un lecteur FTL dans beaucoup d'émissions de science-fiction où ils déforment l'espace-temps pour, genre, se déplacer rapidement Nous sommes un peu en train de déformer les mathématiques pour les comprendre plus rapidement. C'est ainsi que je pense les choses. Nous avons donc beaucoup de compression ici maintenant. Regardons notre milieu. Allons-y , puis maintenons-le un peu enfoncé, compressez-le ainsi que notre base. D'accord ? Nous pouvons le compresser de cette façon. Maintenant, il y a autre chose que vous pouvez faire avec cela que vous n'avez peut-être pas remarqué. Nous pouvons monter. OK. Cela ne semble pas très bien dans ce cas, mais cela va faire en sorte que chacune de ces dix lignes de base de données soit plus éloignée l'une de l'autre. C'est ce qu'on appelle la compression rétrograde, et cela signifie essentiellement que nous allons la décompresser un peu Donc, si vous travaillez avec un échantillon qui a déjà été largement compressé et que vous souhaitez y retrouver une plus grande plage dynamique, voici une méthode de compression rétrograde Parfois, nous le faisons en mastering un peu, juste pour nous donner un peu plus de plage dynamique si quelque chose a été vraiment beaucoup compressé au cours du processus de mixage . Mais nous y voilà. En plus de cela, chacun de nos compresseurs possède ses propres paramètres, son seuil en termes de ratio, seuil en termes de ratio, temps d' attaque et de relâchement, son rendement Nous pouvons augmenter ce volume si nous le voulons. Et c'est à peu près tout. OK. C'est donc une autre façon de voir la compression, mais c'est vraiment utile si on s'y habitue. Encore une fois, nous reviendrons sur celui-ci dans le domaine du mastering car c'est là que celui-ci est vraiment puissant 143. Utiliser les effets temporels (Bussing): OK, nous en sommes aux effets temporels. Il y a donc un tas d'effets qui agissent de différentes manières avec le temps. Retards Echo. Même la réverbération est un effet temporel, car le délai est très court, c' très court est en quelque sorte ce qui produit un son de réverbération Pour utiliser les effets temporels, nous devons donc parler un peu du bus Il est donc courant, et c'est une bonne pratique, d' utiliser les effets temporels dans un bus. Voici ce que cela signifie. Nous en avons parlé plus tôt, je crois, mais en direct, nous avons ces deux bus par défaut. Cela signifie que nous pouvons très facilement acheminer le son vers ces pistes, d'accord ? Et ils sont là. Cela va donc envoyer un signal de cette piste vers cette piste. C'est le premier, c'est le second. C'est A, c'est B. Donc, le premier envoie le signal à A. Donc, si je clique sur Play maintenant, vous allez le voir apparaître dans A. Voilà mon signal. OK ? Rien n' apparaît dans B parce que je n'ai rien envoyé à B, je peux aussi l'envoyer à B, mais en faisant cela. OK. Maintenant, il existe différentes raisons de prendre le bus. Mais ce qui nous préoccupe en ce moment, ce sont les effets, en particulier les effets temporels. Vous pouvez le faire avec n'importe quel effet. Mais il est généralement admis , je suppose, qu'il vaut mieux prendre le bus pour beaucoup d' effets temporels. Donc, si je voulais mettre un retard important, je pourrais l'envoyer. Je ne mettrais peut-être pas le retard directement sur cette voie, mais plutôt le mettre dans un bus, puis j'acheminerais le signal vers ce bus. Maintenant, la raison en est que cela peut rendre le son un peu plus propre de cette façon. Ce que tu ferais, faisons-le. Nous avons donc B, et cela a un gros retard, non ? Donc, lorsque nous faisons cela, nous le réglons toujours complètement mouillé. Donc, si tout est mouillé, cela signifie que ce bouton de volume correspond essentiellement à votre délai, A ? Donc, si je ne veux pas de retard, oups. Je suis sur la mauvaise voie. Celui-ci. Si je ne veux pas de retard, je refuse complètement. Si je veux un délai, je l'augmente. Mettons ça en boucle. OK. Je peux donc l'augmenter, et maintenant montant de mon retard est ce volume de ****. L'idée est donc que si nous séparons les deux, si nous avons un bouton de volume qui ne fait que retarder et un bouton qui est juste sec, ce serait celui-ci, alors nous pouvons superposer le delay en haut, à droite, et le son peut être plus clair Mais si nous mettons ce retard directement sur la piste, cela peut légèrement brouiller le signal sec. Essayons-le vraiment. Je vais donc prendre exactement le même délai et le mettre sur cette piste. OK ? Et débarrassons-nous de cette dynamique multibande OK, il y a donc le même délai sur cette piste. OK. Réduisons-le à moitié sec, moitié K. D'accord ? OK, maintenant, gardez ça en tête, et je vais désactiver ce délai et activer le retard du bus. Oups. Cela semble correct. Ouais. OK, donc le son est un peu différent. Euh, donc quelque chose à considérer. Permettez-moi également de dire que si vous regardez sur Internet, vous trouverez des personnes qui disent qu' il faut absolument mettre des délais, peut-être même des réverbérations, sur un bus pour pouvoir les utiliser. Quiconque met un retard directement sur la piste se trompe, se trompe, se trompe. C'est ce que disent les gens, et je suis tout à fait en désaccord. Parfois, il suffit de retarder cette piste et personne n'est blessé. C'est bon. Je le fais tout le temps. Ainsi, vous n'avez pas à prendre le bus pour régler vos problèmes de temps. Tu n'es pas obligée de faire ça. Tu peux le faire. La raison en est qu' il en résulte généralement un son un peu plus propre. Mais si vous avez un son super déformé auquel vous ajoutez beaucoup de retard et que vous ne vous souciez pas qu'il soit propre, alors, vous savez, vous n'êtes pas obligée de le faire. C'est bon. Gardez donc cela à l'esprit. Vous n'êtes pas obligé de le faire, mais cela peut sembler plutôt bon. Pour les besoins de notre exemple, je ne vais probablement pas le faire pour les besoins de notre exemple. Je vais juste les mettre directement sur la piste afin que nous puissions faire des allers-retours pour les entendre de temps en temps. Mais gardez cela à l'esprit. Je pense que je pourrais en parler un peu plus à la fin lorsque je parlerai de la manière de créer des chaînes d'effets. Alors plus d'informations à ce sujet sous peu, d'accord ? Alors on y va. 144. Mettre des effets sur les envois: OK, permettez-moi de dire très rapidement que si vous voulez utiliser les envois pour des raisons telles que les retards, voici comment procéder. Nous avons donc parlé de les utiliser pour envoyer. Ici, nous avons ce qu' Ableton, par défaut, vous donne deux envois, l'un appelé réverbération et l'autre appelé retard, et ils ont une réverbération et un retard Ils n'ont pas besoin d' être appelés comme ça. Vous pouvez supprimer cette réverbération débarrasser et la renommer avec Command R, comme vous le souhaitez Euh, des retards. Bien sûr. Vous pouvez en ajouter d'autres en allant vers le haut pour créer un insert Return Track, et vous en obtiendrez un troisième. Et chaque fois que vous créez un autre envoi, vous en obtenez un autre ici. Donc, un autre endroit où nous pouvons l'envoyer. Vous pouvez créer autant d' envois que vous le souhaitez. Vous en trouverez des tonnes ici. Ensuite, il ne vous reste plus qu'à passer à votre envoi, puis à y appliquer les effets que vous souhaitez. Voici donc un phaseur Echo Gate. Bien sûr. Maintenant, j'ai ce genre d'effet compliqué ici, et si nous voulons l'utiliser, nous lui envoyons simplement un signal. Assurez-vous que lorsque vous faites les choses de cette façon, vous le réglez toujours complètement mouillé. Il n'y a pas de peau sèche. Ça n'a pas vraiment de sens. Peu importe. Réglez-les donc sur complètement mouillés afin de pouvoir équilibrer tous les effets avec cela. Vous pouvez donc le faire pour n'importe quel type d'effet. Et comme je l'ai dit, il y a d'autres bonnes raisons de le faire. L'une des raisons pour lesquelles j' aime vraiment procéder cette façon, c'est pour quelque chose comme le retard, pourrais-je dire, ou même cet effet complètement fou. Je dois dire que je veux que cet effet fou se produise sur un tas de choses, et il est assez difficile de suivre tous ces paramètres. Je pourrais donc simplement le mettre ici dans un bus, puis tout ce que je veux y envoyer, je peux le faire avec ça pour ne pas avoir à copier tous ces paramètres sur un tas de pistes différentes et à m' inquiéter de me tromper sur une piste. Je peux en fait penser à un autre très bon exemple. Je travaillais sur ce podcast où j'écrivais la musique du podcast, mais ils voulaient aussi un traitement des voix. Les voix doivent donc sonner comme si elles trouvaient à un certain endroit ou avec certaines choses. Et il y a environ dix pistes de voix. Mais il n'y a que trois personnages. Il y a donc un tas de morceaux différents, un tas de morceaux différents de différentes personnes. Je pouvais donc simplement configurer les effets dans un bus en fonction de l'endroit où je voulais qu' ils sonnent, puis les acheminer vers le bon bus pour chaque piste. Ensuite, j'ai été sûre que tous les bons personnages produisaient les bons effets et que personne ne s'y mêlerait. Et je mets les effets d'une personne sur la voix de l'autre ou quelque chose comme ça. C'est très pratique pour ce genre de choses. Quoi qu'il en soit, c'est ainsi que nous l'avons configuré. Tu peux mettre ce que tu veux sur ces pistes. Ces lignes de bus sont plutôt géniales parce qu'on dirait qu'on peut en faire des trucs sympas ici, mais on ne peut pas y mettre de clips Genre, ça ne me laissera pas traîner ça là-bas. C'est un peu de place perdue pour le moment. Euh, ils contiennent juste des effets et d'autres choses. C'est pourquoi nous les gardons généralement petits et beaux car il n'y a pas vraiment besoin de voir tout ça. OK. Passons à autre chose et parlons de retard. 145. Décalage: OK, parlons du retard. Il s'agit de notre type de retard généralisé. La façon dont nous avons ces chiffres ici peut donc être un peu confuse au début. Commençons donc par là. OK, tout d'abord, synchroniser ou ne pas synchroniser. Si la synchronisation signifie qu'il n'y aura retard par division de rythme, si nous la désactivons, nous n'obtenons qu' une milliseconde Donc, si vous voulez faire des choses basées sur le rythme, synchronisez-les. Si vous faites plus de choses ambiantes et qu'il n'y a pas de pouls ou quoi que ce soit d'autre, vous pouvez très bien utiliser le UnsinkedPBABly Hum, cela va unifier les canaux gauche et droit pour qu'ils restent les mêmes, ce qui peut être une bonne chose parfois et parfois vous voulez qu'ils soient différents pour produire un petit son de hockey. Ce petit pourcentage ci-dessous peut donc être utilisé pour faire notre retard avancer ou reculer très légèrement le montant de Donc, si nous disons trois 16es notes, et que nous l' augmentons un peu, vous pouvez obtenir une sensation de swing ou simplement une sensation différente Vous pouvez donc jouer avec ça. Je ne l'utilise pas très souvent, mais c'est très bon pour vraiment calculer, par exemple, les quantités exactes de groove dans vos délais Le feedback est un feedback qui indique combien de fois ce retard va revenir. Ce symbole de l'infini sur le feedback semble terriblement dangereux. On dirait que vous allez transmettre quelque chose pour toujours, puis nous allons tous mourir. Ce n'est pas ce que c'est. C'est un peu comme un bouton de blocage que nous avons vu dans Spectral Shaper où, en gros, il arrête d'intégrer de nouvelles informations et se contente arrête d'intégrer de nouvelles informations et se de renvoyer ce qu'il a déjà dans sa mémoire tampon pour toujours jusqu'à ce que vous lui disiez d'arrêter OK. Oh, donc ces chiffres. OK, attendez. Revenons donc à ces chiffres. Donc ces chiffres sont des numéros de 16e billets, d'accord ? Donc un, deux, trois, quatre. Ce sera une 16e note, deux 16e notes, également une huitième note, trois 16e notes, quatre 16e notes ou un beat, cinq 16e notes. Six, il n'y a pas de bouton sept ici. Huit, ce sera deux temps, 16, quatre temps. Vous pouvez donc les composer un peu plus précisément en utilisant ceci si vous voulez un de ces numéros étranges, mais sept, c'est étrange. Par exemple, tu ne ferais pas ça normalement. D'habitude, c'est ce que nous voulons, c'est l'une de ces options. OK, alors nous avons un filtre. Ce filtre ne fait rien tant que nous ne l'avons pas activé. Alors voilà, allumé. Et en gros, ce que nous pouvons faire, c'est utiliser ce filtre pour déterminer ce qui va être retardé Disons que, juste ici, j'ai un petit rythme. OK, et disons que je ne veux pas retarder ces coups de pied. OK ? C'est quelque chose que nous faisons souvent avec retard, c'est-à-dire essayer de ne pas retarder nos coups de pied ou nos sons de type low basi Cela complique vraiment notre mix. Alors prenons ça et disons : OK, je vais découper le bas de gamme, et nous allons simplement appliquer un délai au haut de gamme Donc, ce que nous allons entendre maintenant, comme mon mouillé est à 100 %, nous allons juste entendre le high différé. Mais si nous voulons entendre les basses paroles, retirons notre peau sèche. Et maintenant, nos coups de pied ne sont pas retardés. Cool. Enfin, ce mode a à voir avec ce qui se passe lorsque vous modifiez le délai pendant qu' il fonctionne, d'accord ? Donc, dans la plupart des cas, vous n' avez pas à vous inquiéter à ce sujet. Mais disons que ça va aller. Faisons-le simplement grand et large. Et je modifie le montant du retard. Cela crée un petit problème qui se produit parce que, bien, parce que vous avez une mémoire tampon et que vous lui demandez faire quelque chose de différent, c'est compliqué Mais en gros, lorsque vous modifiez le délai pendant qu'il fonctionne, cela revient à dire : Voulez-vous que je fasse ce truc étrange de re-pitch ? C'est juste une sorte d'algorithme. Voulez-vous que je passe d'un montant à l'autre ou voulez-vous que je passe directement au nouveau montant Vous pouvez donc en quelque sorte spécifier comment cela fonctionne ici. Le ping-pong va ajouter un peu de planification à votre retard. Ça va faire bouger les choses d'avant en arrière, ce qui est plutôt amusant, puis mouillé. Nous avons également une petite modulation nous pouvons appliquer à notre filtre si nous voulons qu'il bouge un peu pendant que nous jouons avec. OK ? Mais c'est un peu comme un délai normal prêt à l'emploi. Nous en examinerons d'autres plus compliquées bientôt, en fait, ensuite. Donc, oui, allons-y et examinons un exemple un peu plus compliqué, l'écho. 146. Écho: OK, le suivant est Echo. Maintenant, l'écho est comme un délai, mais c'est beaucoup plus compliqué. Commençons donc par là. Nous avons donc ici le montant de notre retard, pareil. Nous pouvons les relier entre eux pour qu'ils soient identiques ou non. Nous avons donc ici la 16e note, et nous pouvons simplement augmenter une division du rythme, mais nous avons encore quelques options Nous pouvons désactiver la synchronisation juste pour revenir à une milliseconde Mais si nous ne voulons pas le faire, nous pouvons dire triplet en pointillés 16e. Ils vont donc y ajouter des rythmes différents Nous pourrions donc le dire, et nous les combinerions. Donc, si je disais huitième note, triplet, notre retard sera donc une huitième note, un triplet plutôt qu'une huitième Si vous ne connaissez pas ces termes, un triplet est un peu plus rapide qu'une huitième note Et ça va compliquer les choses. Ça va faire en sorte que ça ne s' aligne pas parfaitement. Même chose avec le pointillé. Ce sera un peu plus long qu'une note As, s'il s'agit d'une note As en pointillés Et cela va créer un écho beaucoup plus complexe. Nous avons notre décalage ici, donc nous pouvons l'augmenter un peu Nous pouvons atténuer un peu notre contribution au fur et à mesure qu'elle arrive, ainsi que la quantité de commentaires que nous OK, ensuite, nous avons ce graphique vraiment cool. Ableton appelle cela le tunnel. Tu sais, ce serait hilarant si je mettais tout un tas d'écho là-dessus quand je le disais, comme l'écho que j'ai comme l'écho dû me divertir d'une manière ou d'une autre pendant que je faisais tout ça Quoi qu'il en soit, voici ce que nous voyons ici. Nous voyons le signal gauche et le signal droit. Donc, si je sépare les deux signaux, vous pouvez voir qu'ils sont différents, à gauche et à droite. Les points blancs ici nous indiquent une huitième note constante, d'accord ? Voilà ce que serait une huitième note constante. Les points blancs ne sont donc qu'une sorte de référence. Les lignes jaunes sont nos commentaires. C'est donc là que nous allons le voir en descendant vers le centre. Nous allons donc faire boum, boum, boum, boum , bum, bum, bum, bum, bum, non ? Si je retire les commentaires, nous en recevrons moins , non ? À zéro, nous allons juste entendre boum, boum. C'est ça. Laisse-moi régler ça là. OK, donc c'est juste une sorte de représentation visuelle de ce que nous allons entendre. C'est plutôt chouette. Et en fait, si vous avez une manette, elle est vraiment magnifique sur simple pression, pour être honnête. Nous avons un filtre ici. C'est un peu caché, mais il y a un filtre, comme nous l'avons vu dans Delay. Si nous voulons nous concentrer sur cela, nous pouvons l'utiliser. Je vais l'éteindre. Ensuite, nous avons une réverbération que nous pouvons y ajouter juste parce que, vous savez, la réverbération, comme nous en parlerons dans une minute, est en fait un délai très, très court Cela ajoute donc une couche de retard supplémentaire, et nous pouvons décider si cela se produit avant l'autre retard ou après l'autre retard ou s'il est combiné avec le feedback de ce délai. Diminution de cette réverbération, qu'il s'agisse d'un delay stéréo ping pong, c'est-à-dire qu'elle fait des allers-retours Vous pouvez voir ce que cela va faire là ou au milieu du côté, ce qui signifie que nous avons deux éléments de base avec lesquels nous jouons, c'est-à-dire le milieu et les côtés. Plus d'informations à ce sujet lorsque nous parlerons du mixage. OK ? Maintenant, nous avons également quelques cadeaux supplémentaires ici. Nous avons une modulation dans laquelle nous pouvons vraiment jouer avec la balance stéréo en ajoutant de la modulation. En gros, nous avons quelque chose comme un LFO qui vient le contrôler Et puis quelques éléments de caractère. Nous pouvons ajouter un portail. Nous pouvons faire un peu d'esquive, c' est-à-dire essentiellement parler de chaînage latéral, mais c'est juste une sorte de manuel ici Nous pouvons dire, voici le seuil, baissez-le. Ajoutez un peu de bruit, ajoutez-y un peu d'oscillation, c'est amusant Et voici le repitch que nous avons vu tout à l'heure. Donc, si nous modifions certains paramètres pendant son exécution, vous allez obtenir cet effet de repitch. Cela va ressembler à la tonalité, vous pouvez la désactiver là. Et c'est tout. Echo est étrangement compliqué, et jetez un œil à certains de ces préréglages, car il y a beaucoup de choses vraiment pratiques Mais c'est essentiellement ainsi que cela fonctionne. 147. Retard de filtre: Très bien, à la prochaine étape. Retard du filtre. Voici donc à quoi cela ressemble. Cela peut sembler un peu familier, non ? Cela ressemble un peu à la dynamique multibande, où nous avons trois filtres configurés, puis nous pouvons effectuer les choses séparément. Nous avons donc vu dans delay et echo qu'ils avaient un filtre intégré qui nous permettait concentrer notre délai là où nous le voulions. C'est juste un peu amplifié. Donc, si nous voulons dire : voici mon creux, mon milieu et mon haut, nous pouvons le faire. Nous disons donc : je veux que cela soit retardé comme ça. Je veux que cela soit retardé différemment, celui-ci, peut-être que nous ne voulons pas du tout que celui-ci soit retardé. C'est très bien Nous pouvons le désactiver ou le régler sur quelque chose de différent. Maintenant, nous pouvons également faire des choses de planification intéressantes ici. Donc, si nous le voulons, nous pouvons dire : celui-ci est à gauche, celui-ci est à droite, et celui-ci est à gauche et à droite. C'est en quelque sorte ce qui est configuré par défaut. Vous pouvez voir le panorama ici, mais nous ne sommes pas obligés de l'utiliser de cette façon Nous pouvons dire que, vous savez, sont tous centrés ou qu'ils sont centrés comme nous voulons qu'ils se passent. En d'autres termes, nous pouvons configurer cela de manière à ce que les filtres pointent vers des fréquences spécifiques ou nous pouvons le configurer de manière à ce qu'ils traitent différemment nos canaux gauche et droit, ou nous pouvons réellement faire les deux. C'est donc ici que nous avons défini notre temps de retard, encore une fois, dans les 16es notes. Notre quantité de feedback, la quantité panoramique, puis le volume de chacun, notre quantité sèche et humide, et nous courons souvent J'aime bien ça à la batterie, quelque sorte, où je pourrais dire, rien dans le bas de gamme, peut-être trois dans les médiums et quatre dans les aigus Non, dans l'autre sens. Les nombres impairs vous donneront un son plus complexe. Ils vont interférer avec tout. Et d'une manière générale, les termes généraux les nombres impairs et votre retard, les nombres impairs des 16e notes vont devenir plus souples. Même les chiffres permettront d'aligner les choses plus facilement. Cela va donc rendre nos hauts de gamme un peu flous et nos médiums plus ou moins alignés Il y a donc cette sorte de sensation de syncope dans l'urticaire. Je comprends en quelque sorte ce qui se passe au milieu. Éteignons l'urticaire. C'est une sorte de rainure solide. Peut-être devrons-nous y revenir et jouer encore un peu avec. Mais pour l'instant, passons au délai de livraison des céréales. 148. Retard de grain: D'accord, parlons du délai de livraison des céréales. Maintenant, vous souvenez-vous quand nous parlions des effets spectraux d'avant, du résonateur spectral, du temps spectral ? parlions des effets spectraux d'avant, du résonateur spectral, du temps spectral Cette notion de spectre est très similaire à l'idée de grains ou de granulaires Nous avons parlé de synthèse granulaire, je crois, à l'époque où nous parlions de synthèse Donc, chaque fois que vous voyez ce mot grain ou granulaire, cela signifie que nous utilisons une technique qui ressemble beaucoup à cette technique spectrale Mais dans ce cas, nous prenons le son et le découpons en petits morceaux, comme de petites quantités de son de 10 à 15 millisecondes Maintenant, une fois que nous avons découpé le son en petits morceaux, nous pouvons les réarranger comme bon nous semble, et cela peut produire des sons vraiment intéressants Considérez-les comme de petites gouttelettes de pluie, non ? exemple, il y a toutes ces petites gouttelettes de pluie qui tombent un peu partout, et nous pouvons les ramasser et les assembler comme pluie qui tombent un peu partout, et nous pouvons les ramasser et les Par exemple, il y a toutes ces petites gouttelettes de pluie qui tombent un peu partout, et nous pouvons les ramasser et les assembler comme bon nous semble Les effets granulaires nous permettent donc de contrôler certaines choses intéressantes C'est donc un effet un peu déroutant tel qu'il est. En gros, nous avons cette grande grille avec laquelle nous pouvons jouer. Nous pouvons donc régler ces choses ici. On peut dire spray. Maintenant, c'est un peu comme lorsque ces petites gouttelettes de pluie tombent sur le sol, jusqu'où vont-elles aller de façon chaotique ? Nous pouvons donc dire, oui, beaucoup de choses. Nous pouvons donc définir la fréquence à laquelle un certain nombre de fréquences seront générées. Je crois que le pitch est plus une transposition qu'un ajout de nouvelles choses. Nous pouvons dire que le ton est aléatoire, qu'il s'agit de créer des éléments aléatoires, quantité de feedback que nous voulons et la quantité de produit sec par rapport à l'humidité. Donc c'est complètement mouillé en ce moment. Ensuite, nous pouvons lui indiquer le montant du retard ici. Maintenant, vous disposez de ces paramètres. Et puis les mêmes réglages ici. Et la raison en est que nous pouvons leur attribuer des valeurs ici, mais nous pouvons également en choisir deux à placer dans cette grille. On peut donc dire que je veux pulvériser sur mon axe vertical et tondre sur mon axe horizontal. D'accord ? Cela fait de ce petit point un objet vraiment amusant à cartographier. Par exemple, si vous avez un pad ou sorte de manette sur laquelle vous pouvez vous déplacer, faites-le, vous pouvez créer des effets vraiment dingues en le modulant Vous pouvez même l'automatiser, mais c'est plus amusant de le jouer en direct. Tu vois, genre, regarde ça. Allons-y tout mouillés. C'est plutôt cool. C'est plutôt amusant. Je vous en prie. 149. Réverbe: Très bien, place à la réverbération. Nous ne considérons donc pas souvent la réverbération comme un type de retard ou un effet temporel, mais il s'agit en fait d'une sorte de rebond à très court délai, et c'est ce qui donne à l'effet une Alors, comment fonctionne la réverbération ? La réverbération est en fait composée de trois éléments, d'accord ? Dans la situation la plus classique, nous avons le signal direct, premières réflexions et le conte de réverbération, d'accord ? Donc, dans notre réverbération, ce filtre d'entrée, il va traiter le signal direct, le signal d'entrée OK ? Nous pouvons donc façonner ce que nous voulons. Nous pouvons faire une coupe basse, une coupe haute, les deux, et simplement une forme dans laquelle nous voulons placer notre réverbération. OK ? Laissons donc ça de côté pour le moment. premières réflexions sont donc le premier rebond du signal Par exemple, dans la pièce où je me trouve actuellement, il y a un mur d'environ sept pieds derrière moi. Mais il y a un écran à environ 1 mètre devant moi. Quand je parle, la première chose qui se passe , c'est que ma voix va frapper cet écran, puis rebondir, et je vais la comprendre tout de suite. Cela va donner à mon cerveau beaucoup d'informations sur ce qui se passe. Et ça va prendre moins de dix millisecondes. Telles sont les réflexions précédentes. Après cela, le son va rebondir derrière moi, heurter ce mur, puis revenir Il s'agit de la plus grande réverbération réelle. Ainsi, grâce à nos premiers reflets, nous pouvons faire cette rotation en les déplaçant un peu, en ajustant la forme. Et tout cela repose sur ce type d' automatisation ou de modulation, devrais-je dire, de celles-ci. Le réseau de diffusion est un peu ce qui se passe lorsqu' il heurte ce mur arrière et qu'il émet ensuite. J'ai ces gros objets noirs juste là. Ces types de sons aspirent et ne les laissent pas rebondir sur tout un tas de sons, mais ils sont spécialement conçus pour arrêter Nous pouvons donc créer un petit filtre pour façonner la façon dont ces sons reviennent. Donc, si nous voulons une réverbération plus claire, nous allons faire ce genre de chose, si nous voulons une réverbération plus foncée, ce genre de OK. Ensuite, ici, ce pré-délai, en quelque sorte, pour m'en tenir à l' analogie avec l'endroit où je suis, ce pré-délai va en quelque sorte faire reculer mon écran un peu si je le veux, afin de donner l'impression que la pièce est un peu plus grande qu'elle ne l'est. Et puis la taille est la taille de notre chambre. Ce lissage, je crois, ce lissage a à voir avec ce dont nous parlions tout à voir avec ce dont nous parlions Si nous modifions les valeurs en cours d'exécution, comment s'y prend-il ? Rapide et lent signifie qu'il va rattraper son retard rapidement ou lentement, ou qu'il ne fera tout simplement rien. J'ai toujours dit qu'il fallait être rapide. Et puis le déclin, cela a à voir avec la longueur de notre queue de réverbération réelle Je remarque donc que c'est en quelques secondes. Tout le reste est exprimé en millisecondes. C'est en quelques secondes. Donc, vous savez, 2,5 secondes, c'est une grosse queue de réverbération. Nous pouvons le congeler pour qu'il devienne vraiment fou pendant longtemps. La densité va en quelque sorte diviser notre signal en plusieurs signaux et les assembler à nouveau, peu comme un effet de chorus, que nous avons également ici OK. Et puis la quantité de diffusion humide sèche et la quantité de réflexion. Donc tout cela nous donne de la réverbération. La réverbération est en fait un effet étrangement compliqué. Consultez vos préréglages pour vous mettre dans le vif du sujet, puis partez de 150. Réverbe hybride: Il existe donc deux manières différentes de faire de la réverbération. Il existe en fait plusieurs manières de faire de la réverbération, mais il y en a deux plus courantes. Il existe une sorte de réverbération par algorithme, c'est un peu ce dont nous venons de parler dans l'effet de l'outil de réverbération Ensuite, il y a aussi ce que l' on appelle la réverbération à convolution. Et dans le cas de la réverbération à convolution , vous prenez ce que l'on appelle une réponse impulsionnelle, vous analysez et vous créez une réverbération basée sur cela Supposons que vous vouliez une réverbération qui ressemble à un silo à grains, n'est-ce pas ? Si vous ne savez pas ce qu'est un silo à grains, recherchez-le sur Google. C'est un grand bâtiment en béton. Donc, une chose que vous pouvez faire est d'entrer dans un silo à grains avec un pistolet, comme un vrai pistolet N'utilisez pas un vrai pistolet. Mais comme un pistolet de démarrage, un pistolet qui tire à blanc. Et vous pourriez installer un tas de microphones, tirer avec votre arme, puis écouter ou enregistrer la réverbération, la durée de cette réverbération et toutes les fréquences de celle-ci Vous pourriez ensuite intégrer cette analyse dans ce que l' on appelle une réverbération à convolution, extrairait les éléments de réverbération de ce son et vous donnerait ce son et vous donnerait une réverbération qui ressemble Réverbération à convolution. C'est plutôt cool. Donc, dans une réverbération hybride, nous avons ici les deux Nous avons le genre de méthode algorithmique de le faire mélangée à la réverbération à convolution D'accord ? Cela peut donc produire une sorte de sons de réverbération loufoques. Nous avons donc des choses similaires ici. Nous avons un pré-délai. Nous pouvons définir cela comme une division du rythme si nous voulons obtenir le nombre de commentaires. Nous avons ici notre paramètre de convolution. Donc, réponse impulsionnelle de convolution IR. Alors, que voulons-nous ? Voulons-nous des réflexions préliminaires, des choses du genre ou de grandes choses ? Disons, par exemple, des textures. Et puis nous avons ceux-ci. Couverture lavable au jet. Bien sûr. Voilà à quoi ressemble la réponse impulsionnelle. Donc c'est comme si ça allait vraiment grossir pendant quelques secondes, puis ça allait s'arrêter. Ça va paraître dingue. Essayons-le sur notre son de violoncelle ici. C'est une longue réverbération. OK. Nous pouvons donc définir le processus de ces choses. Voulons-nous qu'ils traitent en parallèle deux types de réverbération différents , puis qu' ils se rejoignent à la fin en parallèle ils se rejoignent à la fin En série, ou voulons-nous simplement faire de la réverbération algorithmique ou simplement de la réverbération à convolution D'accord ? C'est ainsi que nous pouvons les combiner. Pour ce qui est de l'algorithme, nous avons ici quelques modèles différents. Nous pouvons nous occuper du gel, du retard, de la décomposition, de la taille, de la forme d'amortissement Une sorte de réglage normal. Cet effet vintage peut être plutôt cool chaque fois qu'il renvoie, il le dégrade un peu plus au point qu'il donne l' impression qu'il s' effondre au fur et à mesure qu' il s'éloigne de vous Nous avons également un égaliseur ici si nous voulons adapter la sortie de celui-ci C'est un effet plutôt cool. Allez-y si vous recherchez un son de réverbération un peu plus étrange Il y a plein de préréglages complètement dingues qui vous permettront d'obtenir des effets vraiment sympas Génial 151. Répéter: D'accord, deux autres effets temporels. Et ces deux types entrent dans une vaste catégorie que nous appelons généralement performance, ce qui signifie que ce sont d'excellents outils pour utiliser une performance en direct. Cependant, au moins le premier, j'en ai utilisé tout un tas juste sur un morceau, pas pour une performance live. Donc, les deux, je veux dire, ils peuvent être utilisés comme vous le souhaitez. Tu sais, tu es le patron. Tu fais ce que tu veux. Hum, d'accord, alors répétez le rythme. C'est parfait pour les effets glitchy. Voici donc ce que fait celui-ci. Imagine que tu as un verre d'eau, d'accord ? Et tu verses de l'eau. Eh bien, vous avez un verre vide et vous y versez de l'eau. Ensuite, de n'importe où dans le verre, l'ordinateur décide percer un trou dans ce verre et de laisser l'eau s'échapper de différentes manières. C'est un peu ce que fait Beat Repeat. Nous allons capter un signal, la musique que nous y jouons, puis il va en quelque sorte le stocker, puis commencer à le diffuser de différentes manières, en créant des sortes d'effets de glitchy Nous pouvons y ajouter un peu de randomisation si nous le voulons, ou nous pouvons le rendre très prévisible Donc, en gros, ce que nous avons ici, c'est que nous avons cette grille où nous voyons quatre temps, d'accord ? Et nous avons affaire à 1 bar. Voici donc le premier temps, le deuxième temps, le troisième temps et le quatrième temps. Nous pouvons l'allonger si nous le voulons avec cet intervalle, mais 1 barre est la valeur par défaut. OK, donc pendant que nous écoutons, nous allons saisir quelque chose dans ces 2,5 premiers temps, c'est comme ça que nous sommes configurés maintenant. Nous pouvons dire que nous voulons qu'il capte plus que les 2,5 battements en allant jusqu' plus que les 2,5 battements en allant à cette porte et en l'ouvrant davantage. Maintenant, nous disons que nous pouvons écouter le bar en entier ou quoi que ce soit d'autre. Reprenons-le. Faisons en sorte que ce soit deux temps. Nous pouvons avancer là où se situent ces deux rythmes. Oups. Nous pouvons avancer les deux battements qu'il cible avec cela. Nous pouvons le découper davantage. Avec cette grille, nous pouvons dire que je veux que vous vous concentriez sur les 16e ou 32e notes Mettons-le à la 16e note. Nous pouvons augmenter cette variation. Ils ajouteront un peu de randomisation. Même chose avec le hasard. Nous pourrions réduire le risque, ce qui signifierait que nous allons avoir l'une de ces répétitions, peu comme des céréales, en fait, seulement 50 % du temps que nous nous y attendons Nous pouvons ajouter quelques changements de tonalité à ses répétitions, et nous pouvons même définir un délai ou une décroissance sur le ton qu'il augmente ou diminue Et puis c'est ce que je trouve le plus intéressant à ce sujet. Donc, ce que nous pouvons faire avec ces trois commandes, c'est dire : je veux entendre à la fois le contenu et le contenu original. C'est presque comme un mélange sec et humide. Ou vous pouvez dire : « Je veux juste entendre les petites choses ». Avec cette porte, ou je veux juste entendre le signal d'entrée avec cette entrée. Et puis, bien sûr, nous avons un petit filtre pour vous aider à le cibler. Examinons donc certaines de ces valeurs par défaut. Danse cérébrale. Mettons-le. Passons à ce clip ici, et écoutons-le. Éteignons celui-ci. OK, alors voici ce préréglage de brain dance. Tu entends ça ? C'est le pitch decay. Si nous allons à la porte, nous n'entendrons que les détails que cela ajoute. Oui, c'est plutôt cool. Déconstruisons-en un. Écoutons un mix. C'est juste dingue. Celui-ci est très puissant . Je veux dire, évidemment, il est conçu pour imiter, je crois, Square Pusher, sa musique Allons à la porte. Donc, des trucs amusants et fastidieux avec celui-ci 152. Boucle: OK, la dernière chose dans nos effets temporels, c'est le looper. Donc, si vous avez déjà vu quelqu'un, comme un auteur-compositeur-interprète, utiliser une pédale de boucle, ou n'importe quel type d'interprète utiliser une pédale qui lui permettra peut-être de faire revenir sa voix à nouveau, peut-être à sa guitare pour créer de grandes harmonies et des choses une pédale de boucle, ou n'importe quel type d'interprète utiliser une pédale qui lui permettra peut-être de faire comme ça peut-être à sa guitare pour créer grandes harmonies et des Quelqu'un qui le fait vraiment bien, j'adore regarder ces performances. Cela peut être tout simplement fascinant. Donc, la plupart du temps, lorsque les gens font cela, ils utilisent quelque chose qui ressemble une pédale de guitare posée sur le sol et ils y font passer leur équipement, mais ils peuvent le faire avec un ordinateur portable. Et s'ils le font dans Ableton, c'est ainsi qu'ils le font Ceci est conçu pour imiter parfaitement ces pédales looper Vous pouvez donc enregistrer dans un objet, puis y ajouter des couches. Vous pouvez donc continuer à enregistrer dessus, puis vous pouvez laisser jouer pendant que vous faites autre chose. Je ne suis pas très doué pour les utiliser. Mais en gros, ce que nous avons c'est ce gros bouton rouge, eh bien, il va devenir rouge. En gros, ce que nous avons ici, c'est ce gros bouton, et c'est en quelque sorte notre bouton d'action. Nous disons donc, lorsque je clique dessus, faites-le , enregistrez des barres X, que nous pouvons modifier comme bon nous semble. Et puis le plus signifie, je crois, continuer à ajouter d'autres couches ou nous pouvons changer cela pour simplement jouer la couche que je viens d'ajouter. Donc si je le fais, je vais y jouer cette boucle de batterie, ce qui est un peu bizarre. Déplaçons-le ici. Je n'ai pas besoin de cette boucle, mais je pourrais l'avoir. Armons-le pour enregistrer afin qu'il fasse passer ma voix. Et essayons-le. Alors, on y va. Vérifiez, vérifiez, vérifiez. Maintenant, je vais y ajouter un looper et vérifier , vérifier, vérifier D'accord ? Maintenant, il devrait commencer à jouer à ça. Et vérifiez, vérifiez, vérifiez. Maintenant je m'en vais et je cours. Allez-y et vérifiez, vérifiez, vérifiez D'accord ? Je vais y ajouter un looper Je pourrais donc me laisser rallumer le cordon. OK. Maintenant, je pourrais faire des choses étranges, comme en modifier la vitesse, l' inverser, y ajouter des commentaires. Hum, et l'une des choses les plus cool, c'est que si j'aime vraiment ce que j'ai fait, je peux me lancer dans ce jeu, le prendre sous forme clip, le lancer sur une piste et le garder C'est donc une fonctionnalité intéressante. Mais l'idéal serait de cartographier ce Whoops. Vérifiez. Associez ce bouton à une pédale une touche ou à quelque chose comme ça afin pouvoir l'utiliser comme outil de performance. Donc, utiliser ces boucleurs n' est pas mon truc. Je trouve ça génial quand les gens sont vraiment bons dans ce domaine, mais je ne me suis jamais vraiment entraînée et j'ai commencé à utiliser des pédales looper Mais si vous voulez le faire en direct, c'est la solution. La guerre des étoiles. 153. Rack d'effets audio: Bien, la prochaine étape est Audio Effects Racks. Maintenant, nous avons examiné les porte-instruments. Nous avons examiné des porte-tambours. Je pense que nous avons examiné les supports d'effets Midi. Ce que nous devons examiner ici, ce sont les racks d'effets audio. Maintenant, c'est mon préféré. Pour la plupart des effets, je préfère utiliser un rack d'effets, parce qu'il est tellement puissant et polyvalent et qu'il y a tellement de choses que vous pouvez faire avec. Donc, si vous vous souvenez des porte-instruments, ce sera vraiment similaire Ce que nous allons faire ici c'est créer des super effets. Nous allons combiner tout un tas d' effets en une seule chose. OK ? Passons donc à cette piste. Nous allons regarder ce truc de batterie. Maintenant, disons que je veux faire quelque chose à ce sujet en lui donnant une certaine compression. Mettons un compresseur dessus, peut-être un peu plus tard, et Spectral Time, fait quelque chose d'étrange. OK. Et peut-être qu'il y a aussi une réverbération là-dedans, d'accord ? Maintenant, j'ai cette chaîne d'effets. J'ai un compresseur, puis une réverbération, puis un écho, puis le temps spectral. OK ? Je peux mettre tous ces effets sur une piste. C'est très bien Et ils vont fonctionner en série. Ils vont courir de celui-ci à celui-ci, de celui-ci à celui-ci. Ça va ressembler à ça. J'avais l'impression qu'il y avait du pop-corn partout. Maintenant, je pourrais les composer et faire en sorte que ça sonne cool. Tout cela est génial. Mais je pourrais aussi en faire un support d'effets, d'accord ? Donc, si je vais ici sur Audio Effect Rack, d'accord, lançons-le sur cette chaîne, d'accord ? Donc, ce que je vais voir, c'est mon support d'effets audio, d'accord ? Il est donc vide. Maintenant, il n'y a rien dedans. Prenons le temps spectral, mettons-le et faisons-le simplement glisser dans ce rack d'effets. Maintenant, mon rack d'effets possède cet effet temporel spectral. Ouvrons nos chaînes ici, à savoir ce bouton. Tu te souviens de ça à propos de porte-instruments ? Et plaçons Echo sur une autre chaîne simplement en le faisant glisser vers le bas. OK, maintenant j'ai deux chaînes. Mettons la réverbération ici. Et installons le compresseur ici aussi. OK ? Maintenant, j'ai trois chaînes différentes dans mes effets. Donc, la façon dont c'est différent, qu'avant, tout fonctionnait en série. Il est donc passé d'un effet à l'effet suivant à l'effet suivant à l'effet suivant à la sortie. OK ? C'était avant. Maintenant que c' est en Irak, ce que cela va faire avant que je ne m'occupe de quoi que ce soit, c' est qu'il va tous les traiter en même temps. Le signal entre donc, se divise en quatre, est traité par chacun de ces effets, puis se réunit en un seul de l'autre côté C'est ce qu'on appelle le traitement parallèle. Ils sont tous traités en même temps puis assemblés. Donc, dans notre cas, pour le moment, cela ne va pas sembler très différent de ce que cela avait été le cas lorsqu' ils étaient juste dans une rangée Écoutons-le. En fait, ça a l'air un peu différent, en fait. Mais ce n'est pas ce qu'il y a de mieux dans tout ça. Nous pouvons faire certaines choses. Avant d'entrer dans les trucs vraiment cool, il y a des choses que nous pourrions faire sur le devant de la scène. On pourrait dire que, vous savez, cet écho est un peu plus faible que la réverbération, si nous Nous pouvons en quelque sorte bien mélanger ces effets, juste comme ça. Nous pouvons ajuster le panoramique de l'effet. On peut le mettre en solo, on peut le désactiver. Nous pouvons faire toutes sortes de choses. Maintenant, il y a deux choses très spéciales que nous pouvons faire avec un rack à effets. Et traitons-les dans des vidéos séparées. Parlons donc d'abord du sélecteur de chaîne, puis des macros 154. Sélecteur de chaîne: OK, si vous vous souvenez des porte-instruments, nous pourrions créer une sorte de super instrument en accédant au sélecteur de chaîne et en décidant quel effet était utilisé et à quel moment Nous pouvons faire la même chose avec un rack d'effets. Nous cliquons donc sur cette chaîne ici, non ? OK ? Maintenant, en gros, nous allons créer un fader croisé pour nos effets afin qu'un effet se transforme en un autre, d'accord Supposons que le temps spectral se produise, je ne sais pas, la moitié du temps. Echo, nous voulons que cela se produise la moitié du temps, et que la réverbération se produise la moitié du temps Et ce compresseur, peut-être voulons-nous le faire fonctionner tout le temps. OK ? Disons que dans le bas de gamme, nous voulons passer à la réverbération, puis à l' écho, puis au temps spectral Il s'agit essentiellement de créer une réverbération ou un retard de plus en plus long, en fait Nous commençons donc par la réverbération, le teeny, teeny, le teeny, le tiny delay. Nous arrivons à l'écho là où nous avons un retard important, et nous arrivons au temps spectral où nous effaçons essentiellement le OK ? Ensuite, nous aurons ce compresseur qui est toujours allumé et en mouvement. OK ? Nous avons donc ajusté leur gamme. Nous allons maintenant ajuster la petite barre minuscule. Tu dois y aller directement, et nous pouvons faire ceci et cela. Et puis ça et oups. Il est parfois difficile de saisir cette petite barre. OK. Maintenant, alors que je déplace ce sélecteur de chaîne vers le haut, nous allons passer en revue ces effets Le compresseur sera toujours appliqué , puis nous nous retrouverons à cette heure spectrale, d'accord ? Alors maintenant, vous vous souviendrez que lorsque nous l'avons fait avec les porte-instruments, nous avions un sélecteur de touches permettait de décider quel synthé utiliser en fonction de la touche que nous jouions, et qu' il y avait un Il pourrait donc décider quel synthé utiliser en fonction de la vélocité. Il n'y en a aucun parce que ce n'est pas une mini-piste, n'est-ce pas ? C'est du son. Ils ne s'appliqueront donc pas toujours. Parfois, ils le feront si nous mettons cela sur un fichier audio. Eh bien, parfois ils le feront. Nous n'avons donc ici que le sélecteur de chaîne. Nous pouvons donc prendre un bouton et le lancer, mais nous pouvons également automatiser le sélecteur de chaîne OK ? Nous pouvons donc en quelque sorte tracer une ligne sur la façon dont cela va évoluer. Donc pour l'instant, je vais juste cliquer dessus et voici à quoi cela ressemble. Maintenant, nous sommes dans la réverbération. Passons à l'écho. Passons au temps spectral. Cool. Configurons un peu nos paramètres de temps spectral ici. OK, je vais couper le son de notre compresseur juste pour que ça soit vraiment dramatique Et je vais me concentrer sur tous ces effets. OK, maintenant allons-y. OK, alors voici notre tisserand qui s' apprête à prendre du retard ? Et puis dans le vide infini, où nous arrivons ici. OK ? Nous avons donc maintenant ce super effet. Alors, comment contrôler ce cadran un peu plus élégamment ? Parlons maintenant des macros. 155. Macros: Des macros. Nous cliquons donc sur ce petit bouton ici, et nous obtenons des macros. Encore une fois, nous l'avons vu avec des instruments, non ? Donc, une chose que nous savons que nous pouvons faire avec les macros est d'attribuer tout un tas de paramètres à un seul effet. L'idée qui sous-tend les macros est donc que nous ne voulons pas parcourir toutes ces chaînes et tous les paramètres d'effets pour trouver l'effet souhaité. Donc, tout ce à quoi nous voulons accéder rapidement, nous pouvons mettre en place l'une de ces macros afin de le voir dès le départ. Donc, la première chose à laquelle je veux accéder est le sélecteur de chaîne Je vais donc contrôler le clic dessus pour accéder à Macro One. D'accord ? Alors maintenant c'est là. Voici mon sélecteur de chaînes. Maintenant, si je veux faire autre chose, je pourrais dire le mélange sec et humide. Mettons cela sur la macro 2. Passons ensuite à Spectral Time et mettons également le mix dry wet sur Macro Two Reverb J'ai déjà fait écho, je ne crois pas l'avoir fait. Mettez l'écho sur Macro 2 et sur le compresseur, peut-être si je veux. Bien sûr. D'accord ? Alors maintenant, Macro Two est le mélange sec et humide des quatre effets, d'accord ? Je peux donc les contrôler sans même cliquer sur ces paramètres, je peux les contrôler là où ils se trouvent. Donc, tout ce que je veux d'autre, je peux le mapper à une macro. Nous pouvons créer plus ou moins de macros ici avec ces avantages et ces inconvénients. Et puis, avec ce sélecteur de chaîne, je peux facilement passer en mode automatisation et dire, vous savez, cliquer sur le sélecteur de chaîne pour m' assurer que vous l'avez, puis dire «   je veux que ça se passe comme ça Maintenant, ce rack à effets est l'outil ultime pour les performances live, n'est-ce pas ? Vous déplacez ce sélecteur de chaîne et vous obtenez une quantité incroyable d'effets Je vais vous montrer une astuce pour cela une fois que nous serons entrés dans le DJ set, où il s' agit essentiellement votre transition pour tout. Il suffit d'utiliser l'un d'entre eux. Mais pour l'instant, même pour les performances non pas en direct, mais uniquement pour la production, ces sélecteurs de chaînes sont géniaux Donc, si je pars d'ici, eh bien, je peux laisser ça allumé, et nous écouterons ça. Éliminons tout ce qui est mouillé. Oui, c'est plutôt cool. C'est ce que nous pouvons faire avec les macros. Nous pouvons vraiment contrôler chaque élément avec les macros. Encore une fois, il y a tellement de supports d'effets audio ici. C'est ridicule, d'accord ? Il y en a des tonnes. Il y en a comme la maîtrise des configurations C'est là qu'il est dommage qu'ils n' aient plus les dossiers dans lesquels ils se trouvaient. Mais vous pouvez voir ici Master Master Big Boom, Over Driven Tape Master, Media Analog Master, Full Chain Master. Vous savez, cela va vous mettre dans la peau d'un bon maître Prends ce master, mets-le sur ta piste principale. Et maintenant, vous avez une bonne configuration pour un morceau masterisé. Il n'est pas totalement maîtrisé. Vous devez le composer, mais en un clin d'œil, c'est un bon point de départ. Alors, jouez avec ces supports d'effets audio. Ils vous époustoufleront une fois que vous les aurez vraiment découverts. Ils sont géniaux. 156. Retard d'alignement: OK, il ne nous reste plus que cinq effets, puis nous aurons tout abordé dans cette liste géante. Ces cinq derniers éléments sont en quelque sorte regroupés dans la catégorie des services publics Ce sont des choses pratiques. Commençons donc par examiner le délai d'alignement. D'accord ? Le délai d'alignement est donc un maximum pour un appareil en direct. Nous pouvons le dire. pas trop important pour nous, mais c'est quelque chose de nouveau, et ma meilleure idée de la façon dont je l'utiliserais, c'est en direct, que je fasse fonctionner un je fasse fonctionner sonorisation, une fonction de lecture ou quelque chose comme ça. Ce que cela va nous permettre de faire en gros, c'est de définir un très petit délai pour chaque haut-parleur. Et nous pouvons l'utiliser à des fins de chronométrage. Par exemple, disons que je suis dans un club ou quelque chose comme ça, et que j' ai deux pieds de câble entre moi et le haut-parleur gauche, et que j' ai deux pieds de câble entre moi et le haut-parleur gauche, mais environ 80 pieds de câble entre moi et le haut-parleur droit, d'accord ? Dans ce cas, je pourrais ralentir le haut-parleur gauche d'un peu, quelques millisecondes, pour que le signal atteigne le haut-parleur gauche et le haut-parleur droit en même temps C'est le genre de choses de configuration que vous pouvez faire avec cet outil en particulier. Vous pouvez le définir en millisecondes ou en échantillons, retarder un certain nombre d'échantillons, ou ce qui est À distance. Donc des mètres ou des pieds. Je peux donc dire, vous savez, retarder cela de 19 pieds, ce qui correspond à 17 millisecondes parce que le son traverse un fil à une certaine vitesse, et évidemment cela a Vous pouvez même régler la température pendant cette opération, car la température affectera la vitesse du son. C'est donc un utilitaire pratique. Je ne l'utiliserai jamais à des fins de production. C'est vraiment juste dans le but d'aligner les haut-parleurs et d'autres choses de ce genre. 157. Effet audio externe: OK, effet audio externe. Vous vous souvenez peut-être de l'effet MIDI externe. Rappelez-vous que l'effet MIDI externe nous a permis d'envoyer un signal MIDI vers une sorte de synthé dans le monde physique et de ramener un signal audio L'effet audio externe est similaire sauf qu'il ne s'agit que d'un effet audio. Donc, le meilleur objectif est, disons que vous avez, par exemple, une unité d'effets externes ou des pédales de guitare sympas ou quelque chose comme unité d'effets externes ou des pédales de guitare sympas ou quelque chose comme ça, quelque chose comme ça Voici donc une pédale de réverbération. C'est ma pédale de réverbération pratique et fiable. Je l'utilise depuis des années. Et disons que je veux juste dire que je suis amoureuse de cette réverbération et que je veux utiliser cette réverbération sur mon morceau Aucune réverbération interne. J'aime bien celui-ci. Donc, ce que je pourrais faire, c'est accéder à mon interface, accéder à l'une de mes sorties et brancher un câble, puis je vais dire où se trouve cette sortie. Je vais donc dire sortie 1. OK ? Je peux lui donner un petit gain supplémentaire si je le souhaite. Cela va donc envoyer cette piste, celle du signal de sortie sur mon interface. Maintenant, je vais prendre ce câble et brancher à mon effet, puis je vais le débrancher et retourner là où je le dis ici. Disons deux. Je peux en tirer un petit avantage. Je peux le faire un peu sec et humide. Maintenant, je peux le faire en direct. Comme si ce signal allait passer par cet effet maintenant, et je pouvais ajuster mon signal l'écouter et le composer. Et c'est comme n'importe quel effet en direct à ce stade. C'est donc le seul vrai, probablement pas le seul, mais c'est le véritable but de cet effet, un effet audio externe. Vous permet d'envoyer un signal audio à un objet physique et de récupérer un signal audio. Donc, pour effectuer un traitement en dehors du live. 158. Spectre: D'accord, le suivant est Spectrum. Spectrum est donc vraiment cool. Je vais mettre du spectre sur cette piste. Maintenant, Spectrum n'effectue aucun traitement du signal que nous pouvons entendre, d'accord ? Le spectre nous permet de voir ce qui se passe dans notre signal audio. Donc, si je le charge ici, j'ai cette grille, et vous l'avez déjà vue. C'était quelque chose de très similaire à cela. J'étais dans notre QE 8. Mais si je diffuse ce signal, nous pouvons le regarder, d'accord ? Et c'est utile. Mais ce qui est encore plus utile c'est que nous avons cette petite flèche ici, et nous pouvons la rendre belle et grande. Nous pouvons donc maintenant voir une analyse spectrale de ce qui se passe dans notre signal. Ce qui est pratique, c'est que nous pouvons placer notre souris à différents endroits, puis voir dans le coin inférieur gauche, nous pouvons en quelque sorte voir où nous sommes. Nous sommes à 99,5 Hertz, ce qui correspond à peu près à la tonalité G. Et la souris est à moins 66,4 décibels, d'accord ? Donc, on me demande souvent pourquoi nous émettons un signal, puis lorsque nous arrêtons de diffuser un signal, il semble que le signal augmente, n'est-ce pas ? Voici donc notre signal. Quand j'appuie sur Stop, c'est comme si je m'éloignais. La raison en est que nous examinons en fait un graphique de moyenne Il faut donc faire la moyenne des signaux émis pour le voir. Et une fois qu'on arrête, on continue à en faire la moyenne par rapport à zéro, et ça disparaît tout simplement C'est donc ainsi qu'ils fonctionnent. Hum, cela peut changer ce que nous cherchons ici. Les blocs sont essentiellement la fidélité de ce que nous voyons. Vous pouvez regarder les canaux gauche et droit, le taux de rafraîchissement, la moyenne, façon dont les choses sont représentées graphiquement. Mais si vous voulez approfondir vos connaissances et voir ce qui se passe dans un signal, c'est une bonne façon de le faire. Jetez du spectre dessus et jetez-y un coup d'œil. 159. Accordeur: Ensuite, il y a le tuner. Très pratique. Nous nous connectons parce que cela nous tient à cœur. Ce n'est qu'un tuner. C'est un tuner old school. Donc, euh, je lance ça chaque fois que j'enregistre ma guitare, je le lance sur un morceau. Celui-ci, tout comme le spectre, n'effectue aucun traitement, mais vous pouvez le placer dans une chaîne d'effets, et cela ne vous fera aucun mal. Donc, même si j'ai d'autres effets ici, comme cet effet de pédale , le signal va entrer et sortir du tuner va entrer et sortir du tuner Cela n'affectera en rien notre signal. Nous pouvons donc le mettre là , peu importe. Il va quand même le traverser et passer au pédalage ou à la prochaine étape de notre chaîne ou de notre sortie. Donc, avec ça, si je mettais simplement mon signal ici, vous pouvez le voir faire ce qu'il fait. Euh, je m'en rapprochais un peu. Ainsi, lorsqu'il passe au vert, il est synchronisé. Faisons-le. Passons à l'entrée 2, qui est ma guitare. Et maintenant, regardons. Est-ce que ma guitare est en accord ? C'est potentiellement embarrassant. Oh, tellement plat Monte-le. Nous y voilà. Allez. Allez. Un tout petit peu tranchant. J'aime que ce soit ma corde soit un tout petit peu tranchante, mais c'est trop. Il fait moins 1 000 dans le Minnesota en ce moment, et j'ai un radiateur juste à côté de cette guitare , c'est pourquoi elle est désaccordée. Mais c'est ainsi que cela fonctionne. C'est très simple. C'est un tuner, comme n'importe quel autre tuner Tu peux y mettre n'importe quoi. Tu peux y chanter. Tu peux y jouer de la guitare. Tu peux y jouer ton kazoo. Je vais vous dire si vous êtes d'accord ou non. 160. Utilitaire: D'accord, enfin et surtout, l'utilitaire correctement nommé Si nous disons utilité, il s'agit d'un petit couteau suisse rempli de choses loufoques que vous devrez peut-être faire à différents moments pour un clip donné J'ai dû tous les utiliser. Donc, si tu as juste besoin d'une incroyable augmentation de gain, tu peux le faire. Si vous avez juste besoin de faire un peu de panoramique, vous pouvez le faire Hum, cela va inverser votre phase, si vous devez faire une inversion de phase, si vous devez échanger des canaux, donc le canal gauche et le canal droit, vous voulez échanger Je suis comme ça. On pourrait dire que c'est juste un canal droit, juste un canal gauche. On pourrait dire que c' est une piste mono. Ou on pourrait dire que la base de tout cela est mono. C'est pour cette activité monopiste que je l'utilise le plus en raison de cas exactement comme celui-ci. Tu vois ce qui s'est passé ici ? C'est ce que nous avons fait avec le looper, a enregistré un fichier stéréo avec un seul microphone, ce qui signifie que tout notre signal est sur un seul canal Donc, quand je jouerai à ce jeu tout sera rejoué du bon côté. Ou du côté gauche. Vérifiez, vérifiez, vérifiez. Et je pourrais le planifier. Mais si je le planifie complètement , il n'y en aura plus. Alors je le fais tourner complètement à gauche, il est là. Donc, la bonne personne va juste jouer à ça. Donc, dans une situation comme celle-ci où vous avez un signal d'un côté, mais qu'il s'agit d'une piste stéréo, c'est tout simplement difficile à gérer. Donc, ce que vous pouvez faire, c'est mettre cet utilitaire dessus et dire : « Yo, c'est mono ». Vous pouvez maintenant l'utiliser comme une piste mono. Vous pouvez le déplacer vers la gauche et vers la droite, et tout ira bien. C'est donc la principale raison pour laquelle je l'utilise. Cet effet utilitaire. Et je l'utilise beaucoup quand je reçois ces fichiers audio bizarres. C'est vraiment pratique pour ça. OK, ça suffit. Passons à quelques points supplémentaires. 161. Ordre des opérations: Très bien, très vite. On me demande souvent quel ordre dois-je placer les effets. Nous avons donc ce qu'on appelle la chaîne de signaux ou la chaîne d'effets. C'est à dire si nous appliquons tout un tas d'effets à quelque chose, dans quel ordre devraient-ils entrer ? Voici donc ma réponse à cette question. Voici ma réponse étrange à un flic artistique, et c'est que les effets doivent toujours être placés dans l'ordre dans lequel ils vous semblent géniaux Il n'y a pas de règle stricte à ce sujet. Certains disent qu'il existe une règle stricte, mais il n'y en a pas. La règle stricte est que l'ordre des effets est important, d'accord ? Dans la plupart des cas, ils modifieront le son. Donc, peu importe qu'ils passent dans une commande, cela aura un son différent d' une autre, d'accord ? n'y a rien de tel que cela avant cela et cela avant cela. Si vous aimez le son, et que c' est dans le bon ordre. Maintenant, si vous avez besoin d'un point de départ, la façon la plus courante de penser à cela est de placer les effets dynamiques en premier dans votre chaîne. Tout type de pitch influe sur la seconde et le temps influe sur la troisième. OK ? Encore une fois, il y a plus d' exceptions à cette règle qu'il n'y en a de règle, si cela a du sens. Mais cela peut être un bon point de départ. Mais n'oubliez pas de toujours l' écouter. Si vous entendez quelque chose et c'est proche, réfléchissez-y, essayez peut-être de changer l' ordre des effets Cela pourrait le changer et vous donner quelque chose que vous aimez vraiment. En cas de doute, optez pour Dynamics Pitch Time. 162. La chaîne à effets: En ce qui concerne la chaîne d'effets, la chaîne d'effets que vous utilisez sur une piste, si vous entendez quelque chose que vous aimez vraiment, exemple si vous entendez un son dans une piste, ils se demandent : « Mec, comment ont-ils obtenu ce son ? Recherchez en ligne le nom de cette piste , puis la chaîne d'effets. Tu le trouveras peut-être. Certaines personnes publient ces informations. Cela est particulièrement vrai pour les effets vocaux. Lorsque vous travaillez avec des voix, vous découvrirez que la chaîne d'effets ne peut pas être vraiment importante pour obtenir un son vocal très spécifique et pour que vos voix se Donc, s'il y a un interprète ou un producteur que vous aimez vraiment, recherchez sa chaîne d'effets, en particulier une chaîne d'effets vocaux. Par exemple, si vous voulez savoir comment ils traitent la voix de Taylor Swift, recherchez la chaîne d'effets vocaux de Taylor Swift. Vous pouvez probablement le trouver ou trouver des personnes qui ont reconstruit quelque chose qui, selon elles, semble assez proche. Ces informations sont disponibles en ligne, alors n'ayez pas peur les consulter et de voir ce que les gens ont fait. C'est ainsi que nous avons tous appris à faire les choses. Donc quelque chose à garder à l'esprit. 163. Que faire ensuite ?: N. Très bien. Nous en sommes à la fin de cette histoire d'effets géants. C'était beaucoup. Alors respirez profondément, prenez peut-être un jour de congé pour apprendre en direct, puis revenez parce que nous avons encore beaucoup à faire dans le prochain cours, la sixième partie. Nous allons apprendre le mixage, le mastering, le DJing. OK ? Nous allons donc passer un peu de temps à parler façon dont les gens font toutes ces choses sur scène, en direct. Et lorsque vous voyez des DJ sur scène en direct avec un ordinateur portable et qu'ils tournent des cadrans, que font-ils réellement ? Nous allons aborder ce sujet dans le prochain article. Nous allons également parler du mixage et du mastering. Vous savez donc que nous allons sortir un grand nombre de ces racks d'effets audio, en particulier dans la section de mastering Il y a quelques autres astuces dont nous n'avons pas encore parlé, comme des contrôleurs, le mappage, le suivi des actions. Je vais vous montrer la configuration de mes performances en direct. Et nous parlerons également un peu de l'utilisation du push pour la production . Tout cela dans le prochain cours. Ce sera donc la sixième partie. Il est probablement sorti maintenant. Va y jeter un œil. OK, encore une chose pour toi avant de partir. 164. Partie 6 : Introduction: Bienvenue à tous sur Ableton Live 12, sixième partie. Dans ce cours, nous allons nous concentrer sur le mixage, le mastering et le Djang Nous allons donc commencer. Nous allons parler des manettes, tout ce que nous devons savoir sur les manettes, façon de connecter tout un tas de manettes que j'ai sur le marché et de les utiliser en direct, à fois pour la production et pour les performances en direct. Ensuite, nous parlerons longuement de cette manette push, fonctionnement si vous devez en acheter une, si vous devez en acheter une. Quels sont les avantages et les inconvénients d'en avoir un ? Nous aborderons d'autres éléments de configuration des performances , comme le suivi de l'action, certains racks de performance , la façon de convertir une session d'affichage d' arrangements en session de visualisation de session afin que vous puissiez en faire un DJ set Ensuite, dans la seconde moitié de ce cours, nous passerons au mixage puis au mastering Dans ce processus, j' ai un morceau que nous allons mixer, puis que nous allons masteriser. Je vais vous montrer comment je fais tout en live et comment vous pouvez le faire. Alors restez dans les parages pour ça. Ça va être vraiment amusant. Nous allons faire toute une série de trucs vraiment utiles dans ce cours. Alors, tapons. D'accord. Voici A. Voici B, non ? Hein ? Vous pouvez donc faire des choses sympas avec ça. Et cela va aider. Maintenant, nous ne voulons pas simplement aplatir toute notre dynamique, n'est-ce pas ? Ça va faire un mix très ennuyeux. Mais nous voulons le réduire un peu et le contrôler en quelque sorte. Donc, ici en haut. C'est ici que je trouve ma grille de rainures à clips. Ici, je peux voir des échantillons individuels. Et à ce stade, tu sais, j'entends essentiellement une chanson à la radio. Disons que vous conduisez sur la route, que vous écoutez la radio et que vous entendez une chanson. Ensuite, tu entends une autre chanson, d'accord ? Si la chanson suivante est juste plus silencieuse, par exemple vous n'avez rien fait à votre chaîne stéréo, elle est juste plus silencieuse que la chanson précédente Vous atteignez donc le bouton. 165. Ce que nous abordons ici: OK, alors nous y voilà. Sixième partie. Si vous m'avez suivi jusqu' au bout depuis la première partie, vous en avez probablement assez de moi, et je suis désolée, mais il nous reste deux grandes parties. Je vais essayer d'être aussi divertissant que possible. Comme toujours, j' essaie toujours d'être divertissant, toute façon, pour la reprise des affaires. Voici donc ce que nous allons aborder dans ce cours. C'est un peu tout un tas de choses. d'abord, tout tournera autour du dejing, mais il y a quelques outils que nous devons apprendre afin de tirer pleinement parti des capacités de DJ et de performance du live Nous allons donc commencer par parler de manettes. Nous avons parlé des manettes il y a un petit moment, je crois, dans le premier cours. Nous allons nous y attarder un peu plus, notamment en ce qui concerne les contrôleurs de performance. Pas tant avec les claviers, les mini-guitares et tout le reste, comme nous en avons parlé tout à l'heure Mais je vais vous montrer comment utiliser un instrument comme contrôleur. Plus d'informations à ce sujet dans une minute. Nous parlerons du Push the Push Controller, du Push Three. C'est ce truc que tu ne peux pas voir. Mais je vais le sortir. Nous parlerons des actions de suivi, de la configuration des performances. Ensuite, nous passerons au mixage. Il s'agit donc d'un tout autre changement, d'un changement de paradigme. Mais nous allons passer au mixage. Je vais vous expliquer comment je mélange certaines techniques mixtes que j'ai apprises au fil des ans. Et puis enfin le mastering. Ce sont donc nos principaux atouts pour ce cours. Après ça, il ne reste vraiment plus que Max for Live. Je pense que nous avons abordé à peu près tout dans ce programme au cours des 30 dernières heures, quelques heures de contenu de cours que vous avez regardées, ce qui est génial. Passons donc aux manettes. 166. Le monde des contrôleurs: OK, définissons donc un peu les contrôleurs. Nous ne parlons donc pas d'instruments ici, bien que les manettes soient souvent cachées sous forme d'instruments, et il n'est pas très rare que nous ayons les deux, quelque chose qui est à la fois une manette et un instrument La façon la plus simple de penser aux deux est que les instruments jouent des notes, que manettes déclenchent des objets, qu'ils déplacent des objets. Généralement, ce ne sont pas des notes. Il existe des moyens de transformer un instrument en manette, et je vais vous le montrer dans quelques minutes. Mais pour l'instant, parlons simplement des manettes. Allons donc au cimetière de mes contrôleurs, d'accord ? Allons faire une promenade. OK, donc cette batterie est un peu un instrument, pas vraiment une manette. Un autre ordinateur peut toutefois être un contrôleur, si vous souhaitez le configurer de cette façon. Ici, j'ai un tas de micros, mais en dessous, il y a un APC 40 C'est en quelque sorte le contrôleur DJ préféré depuis de nombreuses années. Je vais sortir celui-ci dans une minute. J'ai adoré cette manette. Donc, pas de notes à ce sujet, juste des cadrans, des déclencheurs et des faders C'était une excellente manette live pendant de nombreuses années. Ça m'a vraiment plu. Ce clavier Novation est un clavier, mais il contient des éléments de manette, il peut donc être utilisé comme manette Voici le point fort, je crois. Donc, ce n'est pas mon push actuel, pas le push trois, mais le push deux. C'est une interface audio. Un iPad peut être une manette. Il existe de nombreuses applications qui vous permettront d'utiliser un iPad comme manette. C'est mon ancienne pédale de manette. C'était ma pédale de prédilection pendant de très nombreuses années. Ce truc était génial. Je ne soutiens pas souvent les produits Baringer, la société Baringer, mais celui-ci est super fiable pour Il est donc doté de deux contrôleurs continus , puis d'un tas de boutons que j'ai étiquetés pour ma configuration spécifique, comme vous pouvez le voir . Et puis nous avons la nouvelle manette Push Three, nouvelle maintenant, je suppose Il y a donc beaucoup de manettes ici. Donc, lorsque nous utilisons des manettes, nous parlons de lancer des clips, contrôler le volume, de contrôler le panoramique, contrôler les effets, tout un tas de choses que nous pouvons faire en direct Maintenant, vous pouvez utiliser les manettes pour bien plus que simplement jouer, mixer, etc. Ils sont géniaux à avoir sur votre bureau pour mettre la main sur le mix. Il y a beaucoup de choses que nous pouvons faire avec eux. Parlons donc d'abord connexion des contrôleurs et du mappage des contrôleurs, puis nous verrons ce que nous pouvons faire avec eux. 167. Connecter des contrôleurs: Bien, connectons quelques manettes. J'ai donc sorti celui-ci, ce lancement de novation, Remote Zero SL Je ne l'ai pas utilisé depuis longtemps, et je ne l'ai jamais utilisé avec cette version de Live Nous allons donc le connecter pour la première fois ensemble. Donc, pour ce faire, laissez-moi d' abord parler du type de connexion que laissez-moi d' abord parler du type vous devez utiliser. Vous pouvez voir, espérons-le, au dos de celui-ci qu'il possède des ports MIDI à l'ancienne, ainsi qu'un port USB et un port d'alimentation. Maintenant, la façon dont la plupart des appareils fonctionnent est s'ils possèdent à la fois des ports MIDI et un port USB, utilisez le port USB. Épargnez-vous une tonne de travail. Utilisez un port USB. S'il n'a pas de port USB et qu'il ne possède que des ports MIDI, ce qui signifie qu'il s'agit d'un ancien appareil, vous aurez besoin d'une interface MIDI quelconque. Si vous utilisez un port USB, vous n'avez probablement pas besoin d'alimentation. Donc, l'entrée d'alimentation est probablement réservée aux utilisateurs de MIDI, n'est-ce pas ? L'USB intègre donc un peu de puissance. Parfois, vous avez besoin à la fois d'une alimentation et d'un port USB. Mais dans ce cas, je pense que j'ai juste besoin d'une clé USB, et tout ira bien. Je vais donc brancher le port USB et non les ports MIDI. Avant cela, je vais accéder à Live, à mes paramètres, et à Link tempo et MIDI. OK ? Nous l'avons donc déjà vu ici. Nous avons tous nos instruments ici. Voir mon clavier, une interface USB MDI. Ce Fishman est ma guitare MIDI, appuyez sur trois. Ici, nous avons une surface de contrôle. Maintenant, surface de contrôle est essentiellement un nom plus chic pour le contrôleur C'est le type de manette dont nous parlons ici. Vous voyez donc que mon Push Two a été configuré comme surface de contrôle. Cette mini touche de lancement , c'est un petit clavier que j'ai là-bas. Cela a été configuré comme surface de contrôle, mais aucun d'entre eux n'est branché pour le moment Vous pouvez voir qu'ils sont tous de niveau inférieur. Branchons donc celui-ci. D'accord, alors maintenant il est branché par USB. Et activons-le sur le paramètre USB. OK ? Et il s'allume. Et voilà. C'est apparu tout de suite. Remote SL classique. C'est ce qu'est ce truc. Nous avons donc des entrées et des sorties. Maintenant, nous avons besoin de contributions. Donc, cette entrée signifie que cet objet va envoyer des nombres et des valeurs à Live, et Live va les accepter. Assurez-vous donc qu'il est configuré pour écouter vos entrées. Sorties dont vous pourriez avoir besoin ou non. C'est du live qui renvoie des choses à ça. Maintenant, il y a un écran dessus, et il peut dire certaines choses. C' est donc ce que Live lui renvoie c'est simplement une mise à jour et nous explique ce qu'il fait. Je peux également nous donner le rythme que vous avez vu dans cette petite lumière clignotante J'espère que vous pouvez le voir. Tu vois ça un peu clair ? Ouais. Il peut donc obtenir le rythme. Nous pouvons donc récupérer des choses. Il se peut que votre appareil n' ait pas besoin de récupérer des données. C'est donc vraiment tout ce que cela a à voir. Parlons très rapidement de ce mode de prise de contrôle pendant que nous sommes ici. C'est ce que signifie le mode Takeover. Disons que j'ai ce fader. Hmm. Disons que je sais où aller. Ce fader correspond au volume du canal 1, d'accord ? Donc, sur l'écran, je clique sur le volume et je le déplace complètement vers le haut. Mais ce fader se trouve en bas. Alors, que se passe-t-il lorsque je prends ce fader et que je le déplace, n'est-ce pas ? Parce que le logiciel pense que c'est ici et que ça se trouve ici. Et quand je le déplace pour le prendre en charge, pour ainsi dire, que se passe-t-il ? C'est ce que fait ce mode de prise de contrôle. Donc, si nous disons « non », ça va juste se mettre en branle là où il se trouve Ça va faire un son assez grossier. Le ramassage signifie que ce fader ne fera rien tant que je n'aurai pas atteint son emplacement dans la piste du logiciel, puis il s'y accrochera, puis je vais le contrôler Je vais donc devoir aller le chercher, pour ainsi dire, puis je l'ai et je pourrai le déplacer. Et puis la mise à l'échelle de la valeur signifie qu'il faut essentiellement faire des calculs complexes et augmenter un peu très lentement jusqu'à ce que je m'y accroche, et ensuite ce sera parfait Il va donc en quelque sorte imiter la forme et faire des choses sophistiquées, puis revenir et le saisir D'habitude, c'est là que je préfère. La mise à l'échelle de la valeur est pratique pour moi. Mais c'est tout. C'est tout ce qu'il faut pour le configurer. Alors on est prêts à partir. 168. Que puis-je faire avec des contrôleurs ?: OK, alors que peux-tu faire ? Que pouvez-vous faire avec les manettes une fois qu'elles sont configurées ? Et pourquoi s'en soucions-nous ? Disons que je travaille sur ce morceau qui est à l'écran. Je peux utiliser cette manette pour m'aider à mixer, ou peut-être pour l'amener à un état où je suis prêt à le jouer. Examinons ces deux situations. Alors laisse-moi monter ma table de mixage ici. Ce contrôleur utilise ce que l' on appelle le mappage automatique, et c'est ce que font de nombreux contrôleurs. Cela signifie que dès que je le branche, Live connaît cette marque de manette. Il sait ce que c'est, et il l' a reconnu quand il l'a vu. On pouvait dire qu'il connaissait son nom. Donc, à cause de cela, vous pouvez le mapper automatiquement, ce qui signifie qu'un tas de choses y seront automatiquement connectées. Donc ce que nous avons ici, c'est que nous avons tous ces faders, non ? Je vais donc simplement déplacer celui-ci et voir ce qui se passe à l'écran. Il sait déjà comment les utiliser pour ma session ouverte, non ? C'est amusant de mixer parce que cela signifie que vous pouvez vraiment mettre la main sur le mix. C'est parfois un peu plus réel comme ça. Comme, non ? Cela peut donc être vraiment amusant. Maintenant, si vous commencez à jouer et que vous êtes en train de visionner une session, nous pouvons utiliser certains des pads ces appareils pour lancer des clips. Nous pouvons également continuer à mixer depuis la vue Arrangement, donc depuis la vue session, de sorte que si nous interprétons quelque chose, nous pouvons contrôler le mixage. Je peux peut-être contrôler une partie de la planification et des envois. Nous utilisons donc ce qu' on appelle le mappage automatique ici, mais je peux remplacer le mappage automatique et créer mon propre Donc, j'ai un cadran ici et je veux peut-être que ce cadran contrôle le panoramique de mon premier morceau Je peux le configurer pour le faire très facilement. Alors faisons-le maintenant. 169. Cartographie MIDI: OK, ce truc s'appelle le mappage MIDI, d'accord ? Voici ce que nous allons faire. Nous allons aller jusqu'à ce bouton MI jusqu'ici. Vous pouvez également appuyer sur la touche Commande M quand vous le souhaitez. Mais ils vont transformer votre écran en un mélange de violet ou de ce à quoi ressemblera votre vie. Tout ce qui est violet peut être mappé sur un appareil MIDI, d'accord ? Donc une sorte de manette, même un instrument, que je vais vous montrer dans une minute. Supposons donc que je veuille que ce bouton de panoramique se trouve sur l'un de mes cadrans de ma télécommande Zero Tout ce que j'ai à faire est super facile. Je n'ai qu'à cliquer dessus une fois, d'accord ? Je vais cliquer sur l'objet que je souhaite mapper. OK ? C'est cliqué Maintenant, sur mon appareil, je vais déplacer ce bouton Je vais juste le remuer. OK ? C'est ça. C'est fait. Vous pouvez voir ce truc apparaître ici. Voici une liste de tous nos mappages. Et ça ne marchera pas pour le moment. Cela ne va pas sembler avoir fonctionné parce que je dois sortir du mode Mi Mapping. Je peux donc cliquer à nouveau sur ce bouton ou appuyer sur la commande M. Maintenant, je n'en ai plus. Mais maintenant, chaque fois que je déplace ce cadran, j'ai soudainement le contrôle de mon panoramique J'ai toujours le contrôle de mon volume ici dans mes faders, même sur celui-ci Mais maintenant, le panoramique est sur ce cadran. Je peux donc le faire toute la journée. Et si je voulais Cette manette a quelques pads juste là. Et si je voulais que ce pad désactive ce morceau très facilement, d'accord ? Il me suffit de retourner dans Mi Mapping, Command M, d'appuyer sur cet activateur de piste, et maintenant d'appuyer sur ce bouton D'accord. Et c'est apparu ici, et c'est terminé. Sortons de Mi Mapping. Maintenant, quand j'appuie sur ce bouton, nous désactivons ou rétablissons le son OK ? Je peux donc le faire toute la journée. Je peux associer n'importe quoi à n'importe quel paramètre tant que c'est l'un de ces éléments qui apparaît en violet, qui représente presque tout, en fait. Je veux dire, il y a des tonnes de choses que tu peux faire ici. Donc, comme lancer des clips, non ? Par exemple, si je voulais lancer un clip, il me suffisait de cliquer sur la case, d' appuyer sur un pad et de m'en sortir. Et puis chaque fois que j'appuierai sur ce pad, nous lancerons ce clip. Hein ? Super cool. Le mappage MIDI est donc une chose vraiment importante que vous pouvez faire. Maintenant, il en existe une autre version appelée mappage des touches je ne pense pas que nous ayons encore parlé. Cela ne concerne donc pas entièrement les contrôleurs, mais je veux que vous sachiez ce qu'est le mappage des touches. Passons donc à une nouvelle vidéo et parlons-en. 170. Cartographie clé: OK, vous avez peut-être remarqué que nous avons du MIDI là-haut, mais nous avons aussi cette touche de mots qui traîne là-haut. Cliquons dessus. Maintenant, nous avons tout un tas de choses qui sont devenues oranges. La différence entre le mappage MIDI et le mappage des touches est que mappage des touches veut que vous le mappez à cet objet, votre clavier Quirti Tout ce qui s'y trouve peut être mappé à tout ce qui est orange à l'écran en ce moment. D'accord ? Supposons donc que je veuille lancer ce clip en appuyant sur F. D'accord ? Je clique juste dessus une fois, puis je clique sur la lettre F. Peut-être que je voudrais lancer celui-ci avec G et celui-ci avec OK ? Sortons du mode Mi Mapping. Et maintenant, j'ai ces trois points sous F, G et Hein ? Cool. Et si je veux bien, la commande K va nous ramener en mode mappage MIDI. Donc, les choses avec, par exemple, les baisses de volume sont difficiles exemple, et si je le voulais, je peux associer cela à Par exemple, et si je le voulais, je peux associer cela à ma touche fléchée pour pouvoir augmenter et descendre en quelque sorte Mais c'est un peu difficile à faire avec Corti. Cela vous permet de le faire, mais ce n'est pas très utile. Essayez donc de faire des choses qui ne sont que des boutons, comme lancer un clip. Lancer une scène, mettre en sourdine, jouer en solo, des choses comme ça exemple, si je voulais jouer ce morceau en solo en appuyant sur le chiffre quatre. Cool. Je peux le faire. Alors maintenant, c'est en solo. Je peux passer en mode solo en appuyant sur le chiffre quatre de mon clavier Maintenant, vous pourriez que cela vous pose des problèmes. Si tu penses, Jay, rien de tout ça ne marche. Ces touches ne fonctionnent pas, et ce petit truc clignote en ce moment C'est très possible. Voici pourquoi. Ce petit truc est notre mini-clavier d' ordinateur. Cela dit que cela indique à AB de traiter cela comme un clavier de piano, n'est-ce pas ? Et c'est cool pour saisir des notes. Mais si vous essayez d'associer des notes ou des éléments à cela, ce petit objet clignote pour indiquer que je suis déjà utilisé Ce truc clignote et te crie dessus en disant que je ne peux pas faire les deux Il ne peut donc pas faire les deux. Il n'y a aucun moyen de contourner cela. Vous devez désactiver cette option si vous souhaitez effectuer des mappages de touches. Par exemple, si je l'active et que j'en fais quatre, ça marchera toujours pour quatre, mais pas pour le reste, tu vois ? Si je fais ce mappage en F que j'ai fait, cela revient à dire : « Non, c'est une mini-note et une clé ». Donc tu dois changer ça. D'accord ? Le mappage des touches est super cool. Si vous avez des tâches vraiment répétitives, associez-les à une touche, puis retirez-les. C'est excellent pour les performances, mais c'est également excellent pour la production. Bien, revenons à nos contrôleurs MIDI, et laissez-moi vous montrer comment vous pouvez utiliser un instrument comme contrôleur. 171. Claviers MIDI comme contrôleurs: OK, donc je peux utiliser le mappage MIDI, je peux mapper des notes pour contrôler les choses si je le veux vraiment. Alors laisse-moi y aller. Tout d'abord, permettez-moi de revenir à Mimpping et de vous montrer comment démapper certains éléments Donc, si je veux démapper ces éléments, je reviens simplement au mappage Mi. Je peux faire deux choses. Premièrement, je peux cliquer sur la ligne ci-dessus, c'est ce que je veux démapper, il suffit d'appuyer sur Supprimer Ou je peux accéder à l'objet mappé comme celui-ci, cliquer dessus, puis appuyer sur Supprimer, et tout disparaît OK, donc je vais tous les supprimer. Je vais également supprimer ces clés car elles ne feront que me faire trébucher plus tard. OK. Bon, maintenant je suis passé à Mi Mapping, et j'ai ajouté trois nouvelles pistes audio avec chacune un extrait J'ai un piège, un coup de pied et un chapeau haut. Je pourrais donc aller ici et les associer au pad de ma manette, mais je pourrais aussi les associer à une note et les déclencher avec une note. Donc, si vous utilisez, par exemple, un clavier de piano, vous pouvez mapper des notes pour faire des choses, pour déclencher des choses, pour faire des choses qui ne sont pas que des notes. OK, j'ai intégré ces trois nouveaux clips, et je vais les associer à quelques notes de mon clavier. Donc je joue juste des mini-notes. Jouons un C, un D et un E. D'accord ? C'est un peu compliqué de le faire de cette façon, mais c'est possible. Vous pouvez cartographier des notes si vous le souhaitez vraiment. Il serait plus facile de cartographier des éléments tels que les pads de cette manette, qui sont des sortes de notes. Permettez-moi de les supprimer et d'essayer. voyez, elles arrivent aussi sous forme de notes, mais elles sont un peu plus faciles à gérer. Maintenant, je peux y jouer avec mes doigts. Si vous regardez autour de vous en ligne, vous verrez des gens qui jouent du tambour. C'est incroyable. Je ne suis pas ça. Mais les gens peuvent faire des trucs géniaux en matière de batterie. Quoi qu'il en soit, passons à autre chose. Euh, ouais. 172. Qu'est-ce que la poussée ?: OK, parlons de l' Ableton Push pendant une minute. Maintenant, c'est un peu comme une super manette. Vous les avez peut-être vus dans les environs. Il s'agit d'un contrôleur fabriqué par Ableton. C'est le seul contrôleur qu'ils fabriquent, du moins pour le moment. Ceci est conçu pour intégrer complètement tout ce que Live peut faire. La théorie ici est que vous n'avez même pas besoin de regarder votre écran. Vous pouvez tout faire en un clin d'œil. Donc, si vous dites, qu'est-ce que le push, c'est une manette. Il s'agit d'un contrôleur. Il s'agit d'une surface de contrôle. C'est également un instrument. Ces touches sont configurées pour nous permettre de jouer. C'est ce qu'ils font en ce moment. Et cela nous donne un contrôle total sur tout ce que nous examinons. Si, vous savez, je regarde quelque chose de différent, nous verrons des choses différentes en fonction de ce sur quoi je me concentre. Voici quelques clips, différents titres. C'est donc quelque chose de très polyvalent. Maintenant, le push three , que nous examinons ici, existe en deux versions différentes. Premièrement, vous devez être connecté un ordinateur qui fonctionne sous tension Si vous ne le souhaitez pas, vous n'aurez jamais à regarder Live. L'idée est que vous puissiez le sortir sur scène ou l'utiliser pendant que vous produisez sans avoir à regarder Live. Vous pouvez absolument tout faire à partir de la manette Push Three. Mais il existe une deuxième version qui contient en fait un ordinateur, et vous n'avez donc pas du tout besoin d' être connecté pour vivre. Vous pouvez simplement vous asseoir dans un avion et utiliser votre push. Il ne dépend absolument pas d'un ordinateur. C'est donc celui-ci qui doit être attaché. Il doit être branché. Il ne s'agit pas d'une version autonome Donc, si vous regardez sur leur site Web, il existe une version autonome et je pense à ce que nous appelons une version connectée, qui signifie qu'elle doit être branchée C'est le cas. Maintenant, le push trois est différent du push un et du push deux, mais le push trois est également une interface audio. Tu peux te connecter. Il y en a deux. Entrées et préamplis micro Vous pouvez donc le brancher et l'utiliser de cette façon. Il est donc vraiment polyvalent. C'est vraiment cool. Je dirais que vous devriez vous en procurer un si l'argent n'est pas un problème. Ils ne sont cependant pas bon marché. Nous avons donc des commandes de jeu, d'enregistrement, de capture, d'automatisation de la quantification, tout ce qui se trouve à l'écran ici et sur lequel vous pouvez accéder à tout ce qui se trouve à l'écran ici et sur lequel vous pouvez appuyer Parlons donc très rapidement de sa configuration , puis de ce que vous pouvez faire avec Push. 173. Se lancer 3: D'accord, je ne cache pas mon visage intentionnellement pour le moment. C'est juste que je n' ai qu'un seul bon appareil photo. Et je veux me concentrer sur la promotion de cette section. Si mon visage te manque, ne t'inquiète pas. Je vais revenir. OK, parlons de la configuration du Push Three. C'est donc pareil pour tout le reste. En fait, c'est encore un peu plus facile. Il y a donc un câble USB qui en sort. Nous le branchons donc sur notre ordinateur, puis si vous utilisez Live 12, vous êtes plutôt prêt. Il devrait le voir automatiquement. Mais si nous ne sommes pas sûrs, nous pouvons aller ici et le voir comme des entrées et des sorties. Voici donc mon troisième conseil, et j'ai activé la plupart des choses. Je pourrais l'activer pour ça si je le voulais. Sorties. Rapport d'utilisation. Bien sûr. Pourquoi pas ? Ça ne va pas faire de mal d'activer plus de choses. Maintenant, si vous voulez l' utiliser comme interface audio, vous allez accéder à Audio et dire « entrée audio » en appuyant sur le bouton 3. Je ne veux pas le faire, mais tu peux le faire. Il a, je crois, deux entrées. Et maintenant, Ableton le voit parfaitement. Donc, tout ce que je fais en direct est mis à jour instantanément. Il génère également cette boîte orange ici. Cette boîte orange nous montre ce que nous voyons sur push en termes de grille de rainures à clips. Maintenant, le push n'est pas configuré comme une grille à clips. Ça en a l'air, et je peux passer à un mode où il me montre simplement la grille des emplacements pour les clips, et je peux lancer des choses. Mais pour le moment, il est en fait configuré comme un clavier. Mm. Je vais m'allonger dessus. Donc, si je montrais la grille des emplacements pour clips, c'est ce que je verrais. Laisse-moi te montrer. OK, maintenant il me montre la grille des emplacements des clips, et il ne me montre que ces quatre clips parce que je n'ai que ces quatre clips. Je pourrais donc lancer ces clips ici si je le voulais. Il n'y a vraiment rien dessus. Si je voulais lancer ces tambours ici, je dois y glisser cette boîte orange. Et pour ce faire, je vais ce bouton de page, qui me permettra en quelque sorte de faire défiler la page. Et maintenant j'ai ces trois tubes de batterie. Cool. Je peux donc revenir à la page précédente avec ce bouton ici et revenir là où nous étions. Et si je monte ici, si je monte ici, je peux vraiment voir ma grille de clips ici et ce qu'elle fait. Passons à la page précédente. Vous pouvez voir ma grille d'emplacements pour clips apparaître exactement comme à l'écran. Et je peux aussi faire défiler la page en utilisant cette roue géante ici. Bref, c'est ainsi que vous configurez le Push Three. Passons maintenant à une vidéo séparée, et nous allons parler de la navigation un peu plus bas dans Push. 174. Navigation avec la poussée: Hmm. OK, faisons un peu de navigation sur simple pression, juste pour voir comment il est orienté pour ressembler un peu à l'écran d'Ableton Maintenant, je ne veux pas y consacrer trop de temps parce que tout le monde n'est pas poussé et ce n'est pas un cours sur le push. On m'a demandé 100 ou 1 000 fois de créer un cours sur le pouce, et je le ferai probablement bientôt. Donc, si vous voulez en savoir plus sur le push, je vais créer un cours distinct à ce sujet. Mais pour l'instant, juste un bref aperçu de la façon dont vous vous y retrouvez pour voir ce que cela peut faire. Donc, si vous montez ici en haut, c'est ici que je trouve ma grille d'emplacements pour clips. Ici, je peux voir des échantillons individuels. Et à ce stade, vous savez, je cherche essentiellement une solution plus simple. Je peux faire défiler les différentes options et régler les paramètres ici. Donc, si je veux accéder, par exemple, à mes paramètres de zoom, à mes paramètres de recadrage, je peux le faire avec ça. Bien, donc je peux le faire avancer un peu si je veux Je peux accéder à certains paramètres de distorsion et faire toutes sortes de choses folles qui vont créer de la folie Tu sais, je peux presque tout modifier directement sur l'écran. Bref, si je vais ici, je vais chercher mon mixeur. Cela me permet donc de contrôler un peu mon mix. Je peux aussi voir ce qui se passe. Si nous jouons de la musique, nous la verrons dans toute sa splendeur ici. OK. Nous pouvons donc l'utiliser pour mixer. Patiné au-dessus de la piste. C'est plutôt cool. Je peux arrêter ça avec ce bouton de lecture ici. Ensuite, je peux accéder aux paramètres de mon appareil. Donc, sur cette piste en particulier, je n'ai aucun appareil, mais ici, nous avons toutes nos macros pour ces différents appareils sur chacune de ces pistes. Vous pouvez donc voir tous mes titres listés ici, et je peux accéder à tout ce que je veux ici. Je peux me déplacer avec ces flèches ici, ce qui change en quelque sorte ce que je vois. Si je reviens à Session View, je peux déplacer notre grosse boîte orange de cette façon plus délicatement que de simplement utiliser la page par-dessus des éléments. Mais ils le feront tous les deux. Revenons-en au clavier MIDI. Vous pouvez vraiment voir ce que je fais ici. OK, alors j'appuie sur ce bouton et nous allons sur Mon clavier. Permettez-moi de passer à un instrument moins fou. Et d'accord, eh bien, ça va faire l'affaire. Nous avons donc essentiellement ici des notes d'orange. Dans ce cas, cela dépendra de la couleur de votre piste. Mais les notes d'orange sont la racine, et toutes les notes blanches sont d'autres notes de cette gamme. Cela est donc configuré pour le moment pour examiner une échelle individuelle. Nous allons donc jouer toutes les notes dans la tonalité. Vous pouvez ainsi voir comment les notes se répètent. Comme si cette note se trouvait également ici. Les notes se répètent donc tout le temps. Si nous allons par là, nous allons monter d'une échelle, suivre cette voie, nous allons monter d'un cinquième, je pense Euh, donc ça donne lieu à des motifs sympas. Mais il s'agit essentiellement d'un accord majeur. Si nous voulons simplement passer totalement en mode chromatique, nous pouvons appuyer sur le bouton d' échelle ici, puis en mode touche ou chromatique, nous pouvons passer en mode chromatique Maintenant, ce qu'il nous montre, il nous montre toujours notre gamme, mais il nous montre également les notes intermédiaires. Alors maintenant, nous sommes totalement chromatiques. C'est vrai. C'est donc un peu comme ça que ça fonctionne. C'est très différent d'un clavier, mais je l'aime bien. Je m'y suis habitué assez vite. Je reviens à l'échelle. Retournez à Inky. Oui, un format très différent, mais je l'aime bien. C'est amusant. 175. Devriez-vous acheter un coup de pouce ?: OK, alors devrais-tu sortir et acheter un push ? Peut-être. Euh, si vous aimez technologie et les gadgets et que vous avez de l'argent illimité, oui, vous devriez acheter un push. En avez-vous besoin pour faire de la musique géniale ? Nan. Tu ne le fais pas super. Hum, j'en ai un. Assis ici. C' est mon troisième. J'ai dû appuyer sur un, sur deux, et j'en pousse sur trois. Et ils sont géniaux. Est-ce que je l'utilise sur tous les morceaux que je crée ? Non Est-ce que je l'utilise sur la plupart des morceaux ? Non Je ne le sais vraiment pas. Ce pour quoi je l'utilise, pour être totalement honnête avec vous, plus que toute autre chose, c'est que j'aime tendre la main sans regarder et simplement jouer à des trucs. Avec cette disposition de touches, je connais tellement mon ordinateur le clavier de piano traditionnel que j'ai parfois l'impression de me retrouver coincée dans une ornière et de tendre la main et d'utiliser ce format si différent que cela m'aide parfois à trouver une nouvelle idée lorsque je suis sur un pitch Je l'adore donc pour ça. Mais honnêtement, je ne l'utilise pas beaucoup. Mais je connais des gens qui le savent. Je connais des gens qui l' utilisent pour tout. Donc c'est génial. C'est vraiment bien conçu , et c'est génial. Tu n'en as pas besoin, mais ils sont plutôt cool. 176. Que sont les actions de suivi ?: OK, pour la suite, je voudrais examiner quelque chose qui est souvent utilisé dans les performances live. Je l'ai également utilisé en production d'une manière assez étrange. Il s'agit principalement d'un outil de performance. Mais si vous le configurez correctement, il peut simplement écrire de la musique pour vous. Donc, ce que j'ai pensé faire dans cette section, c'est qu'on m'a expliqué comment procéder, et en cours de route, je vais créer une sorte de générateur de musique ambiante, d' accord, où nous appuyons sur Play et commençons simplement générer de la musique aléatoire, de la musique ambiante. Musique d'ambiance aléatoire. OK ? Nous parlons donc ici de suivre les actions. Je vais donc juste prendre un clip audio et le mettre ici, puis juste pour le nettoyage, je vais désactiver ces mini-pistes Vous pouvez le faire avec des pistes Mi et des pistes audio. OK ? C'est une question de vue de session. Je ne pense pas qu'il y ait vraiment quoi que ce soit lié à cela dans la vue des arrangements, donc cela ne fonctionne vraiment que pendant la session we. Je vais donc mettre un clip ici. Maintenant, si je vais ici dans la fenêtre de mon clip et que je passe à ce paramètre de lancement, d'accord ? Ici, nous voyons les actions suivantes, puis un tas de choses. C'est ce sur quoi nous nous concentrons ici. Maintenant, ce que signifie suivre l'action, c'est. Je peux jouer Je peux cliquer sur ce bouton, ce petit bouton de lecture pour lancer ce clip. OK ? C'est facile. Nous le savons tous. Mais ce que font les actions de suivi, c'est qu'elles disent : «  Que voudriez-vous que je fasse une fois la diffusion de ce clip terminée, d'accord ? Donc, ce que je peux faire, c'est dire : Eh bien, fois ce clip diffusé, rejouez-le ou rejouez le clip précédent. Jouez le clip suivant, jouez le premier clip de cette piste, jouez le dernier clip de cette piste, écoutez n'importe quel clip. Jouez n'importe quel clip autre que celui sur lequel vous venez de regarder, ou passez à un autre clip. Donc, en gros, je peux dire, choisissez un autre clip au hasard et commencez à jouer. Maintenant, il y en a quelques uns, cela a de nombreuses utilisations, et l'une d'elles est de faire ce que nous allons faire ici, comme, simplement dire de commencer à jouer et de dire, de passer à autre chose au hasard et de continuer pour toujours. Mais il y a aussi des choses beaucoup plus pratiques. Par exemple, imaginez que vous avez un tas de chapeaux hauts, qu'ils sont légèrement différents et que vous voulez qu'il choisisse au hasard le chapeau qu'il utilise. Donc ça va aussi vite. Il peut le faire. Il peut très bien le faire. Et vous le configureriez de la même manière que nous allons le configurer. OK ? Donc, pour ce faire , nous allons d' abord avoir besoin d'un tas de clips. Trouvons donc d'abord quelques sortes de clips d'ambiance. OK. N'aime pas ça. N'aime pas ça. C'est cool. Je vais le mettre ici. Ce sera juste mon morceau d'ambiance. C'est plutôt cool. Peut-être que nous allons mettre cela sur une autre voie. Acouphène doux. Je n'aime pas ça. C'est plutôt cool. Mets ça là-bas. C'est cool. Encore quelques ambiances. Capsulage. Je l'ai déjà fait. En voici une autre bonne. Ceux-ci, au plus, sont vraiment bons pour cela. Mettons-en juste un tas là-dedans. J'aime bien ça. OK, alors maintenant j'ai, voyons voir, un, deux, trois, quatre, cinq. Faisons-en peut-être une de plus. Bien sûr, six. OK. J'ai six clips là-bas. Alors, remplissons-le. Ajoutons-en un peu plus. Voyons si nous pouvons ajouter des percussions pas trop abrasives. C'est plutôt cool. Mettons-le sur une nouvelle piste. Maintenant, je veux en quelque sorte une sorte de cordon. Alors désactivons-le. Allons-y, Cord. Euh. C'est plutôt cool. Faisons-en un élément d'harmonie. C'est cool. Je choisis juste des trucs au hasard. C'est cool. Je ne fais pas vraiment attention aux harmonies et à la façon dont elles fonctionnent ensemble Je pense que tout ira bien. OK. J'ai peut-être besoin de quelques autres instruments de percussion. Hum, en fait, mettons ça là. Bien sûr. Nous allons le mettre là. OK. Ça suffit. OK, alors maintenant nous avons quelque chose en place. Nous avons toutes ces choses ambiantes qui se baladent en quelque sorte Passons à une nouvelle vidéo et configurons les actions suivantes. 177. Configurer les actions de suivi: OK, alors voici ce que je vais faire. Je pourrais aller ici, cliquer sur le premier, puis je pourrais aller ici et dire : OK, passez à l'action. Donc ce que nous avons ici, ce sont ces deux menus déroulants, d'accord ? Et puis ce slider. Voici donc la façon la plus simple d'y penser nous allons définir ce curseur, car il s'agit d'un pourcentage, c'est tout ce que nous faisons réellement ici Je pourrais donc dire que je pourrais le laisser là. 72 %, 28 %, d'accord ? Donc, 72 % du temps, cela va se produire, et 28 % du temps, cela va se produire. OK ? C'est assez simple. Donc pour ce clip, j' ai envie de dire, 100 % du temps, passer à un autre clip, choisir un clip au hasard, c'est ce que dit celui-ci. Ensuite, je peux accéder à ce truc lié ou non. Maintenant, nous l'avons déjà vu, juste avec des enveloppes. Cela signifie que si je dis lié, signifie que cette action de suivi se déclenchera à la fin d'une fois dans cette boucle. Je peux changer cela pour dire quatre fois ou ce que je veux. Donc, quatre fois dans la boucle, puis il va faire l'action suivante. Tu reviens à une époque. Mais si je dis non lié, nous disons simplement à quel moment voulons-nous que cela se déclenche et que nous obtenions une barre de battements, et des millisecondes lues ici en millisecondes Nous pouvons donc le dire à ce moment-là, déclencher la prochaine étape. Nous pouvons donc le dire maintenant que nous avons le paramètre de lancement afin de pouvoir dire comment nous voulons le lancer, déclencher la porte, basculer ou répéter Déclenche notre habituel. Cela signifie que nous allons dire « vas-y », et le jeu se jouera jusqu'à la fin. Git signifie que nous disons « vas-y ». Et quand on arrête de dire «   vas-y », ça arrête de jouer. Toggle signifie que nous allons dire « vas-y », et le jeu va commencer à jouer Et si nous disons « go again », ça va arrêter de jouer. Je ne sais pas vraiment ce qu'est la répétition. Je pense que cela pourrait simplement vouloir dire recommencer à zéro à chaque fois que nous disons « vas-y ». Mais pour ce que nous faisons ici, cela doit en quelque sorte être un déclencheur sinon cela ne fonctionnera pas vraiment . D'accord, Legato est une idée un peu compliquée, et je voudrais y consacrer une vidéo séparée Alors, accrochez-vous à Legato pendant une minute. Nous allons y revenir. Quantifier signifie quand cela peut-il être lancé, d'accord ? C'est un concept délicat car Live est configuré, comme nous en avons parlé il y a longtemps, Live est configuré de telle sorte que lorsque vous lancez un clip, il attend le lancement du prochain downbeat, n'est-ce pas ? C'est donc défini ici. OK ? Il s'agit de notre montant de quantification global, qui indique 1 barre, ce qui signifie que cela ne lancera les choses qu'au rythme inférieur d'une Maintenant, c'est peut-être bien. Cela pourrait bien fonctionner pour nous ici. Ce n'est peut-être pas non plus le cas. Donc, ce que nous pourrions dire, c'est que le paramètre ici est global, ce qui signifie qu'il faut l'utiliser, d'accord ? Mais je peux le changer. Je pourrais juste dire non et simplement dire : Lancez dès que vous êtes prêt. Chaque fois que vous obtenez l' action suivante, lancez-la, d'accord ? Faisons-le, et je pourrai ajuster sa vélocité si je le souhaite, mais je vais le laisser tranquille pour le moment. OK, maintenant vous voyez que ce bouton de jeu a un peu plus de style parce qu' il nous indique qu'il y a une action de suivi dessus Alors essayons-le. Nous l'avons configuré. Je vais donc appuyer sur Play, puis nous verrons ce qui se passera à la fin de ce clip. Tu vois, il en a déjà un autre. Alors celui-ci attend. Est-ce que c'est arrivé à la fin ? Cool. Et saute dessus Génial. OK, donc à la fin de celui-ci , ça va s'arrêter parce que celui-ci n'a pas d'action de suivi. Donc, ce que nous devons faire, c'est configurer des actions de suivi sur tout cela, d'accord ? Et il existe un moyen simple et rapide de le faire. Passons à une nouvelle vidéo, et c'est ce que nous allons faire. Et mettons également une petite enveloppe décolorée au début et à la fin de chacune d'entre elles. 178. Regrouper des actions de suivi: OK, donc d'abord, juste pour que ça sonne un peu mieux et que rien ne saute vraiment dessus, je vais passer à ce premier clip Je vais passer aux enveloppes, au volume des pistes, et je vais juste ajouter une sorte de fondu et de fondu doux à tout cela OK, alors maintenant nous avons un joli petit fondu. Je vais le faire pour tout ça très rapidement. Celui-ci en a déjà un. Ce n'est pas vraiment un évanouissement. Passons à la suivante. Fondez dans la peau. Ça a l'air plutôt bien. Yo. Fondez dans la peau. S'estompe. Vous n'êtes pas obligée de faire cette étape d'introduction, de disparition. J' aime juste One more on our ambience stuff. D'accord. Je pourrais faire la même chose pour le reste, mais je devrais peut-être le faire. Celui-là n'en a pas besoin. Celui-ci le fait en quelque sorte. En fait, c'est un truc de guitare. Peut-être que c'est bon. Laissons les autres pour le moment. OK. Alors maintenant, si je veux mettre en place une action de suivi pour tout cela, voici ce que je peux faire. Vous pouvez sélectionner tous ces clips. J'ai donc simplement cliqué sur le premier , puis sur Shift Click sur le dernier Maintenant, vous allez voir que je suis en train de modifier des choses en groupe. Vous pouvez le faire avec presque n'importe quoi, mais c'est un peu dangereux, alors vous devez faire attention à ce que vous faites. Ce genre de truc rayé ici me dit que tu es en train de modifier tout un tas de choses. Il est écrit six clips. Je suis en train de monter six clips à la fois. Je peux donc modifier le volume et les paramètres de distorsion de tous ces clips en une seule fois . Cela peut être dangereux. Donc, tout ce qui est activé ou désactivé signifie que c'est pareil dans tous ces clips. Mais s'il fait ce genre de chose, cela signifie que c'est activé dans certains cas et pas dans d'autres. Alors fais attention. L'action suivante est donc activée sur certains et non sur d'autres. C'est allumé sur le premier. Je vais donc simplement cliquer dessus et cela va l'activer pour tous. Je vais vous dire de passer à un autre 100 % du temps. Lié une fois. Déclenchez, quantifiez. Aucune La vélocité est la même. Je n'ai pas besoin de faire du legato ici. Eh bien, nous arriverons à Legato dans une minute. OK. Maintenant, faisons la même chose avec ceux-ci, avec tout le reste. J'aurais pu toutes les faire en même temps, mais une autre action n'en liait aucun dans 100 % des mais une autre action n'en liait aucun dans 100 % des cas . Loi. OK. Maintenant, il ne me reste plus qu'à démarrer un clip par piste, et il va simplement commencer à jouer de la musique. Je vais donc lancer cette première scène, puis nous partirons pour les courses. Ok , c'est plutôt marrant, non ? Très bien, parlons de ce mode legato, puis je vais vous donner cette session Parlons donc de legato. 179. Mode Legato: OK, regardons ces deux clips. En fait, ces trois clips, vraiment. Hum, quand nous parlons de legato, dans un environnement musical, ce dont nous parlons si nous voulons jouer quelque chose de legato, nous avons peut-être deux notes, non ? Et si j'écris ça pour un violoniste et que je lui dis : «   Joue ce legato », ce que je veux dire, c'est laisser la première note dériver vers la deuxième note, comme si tu la combinais avec la Et c'est un peu ce que nous faisons avec Legato ici. Donc, si je dis legato, cela signifie que je vais jouer ce clip, et disons qu'il est diffusé jusqu'ici Et puis une action de suivi est déclenchée, d'accord ? Il passe donc à un autre clip. Maintenant, sans le mode legato, cela signifie que prochain clip sera déclenché, puis qu'il recommencera à jouer depuis le début, d'accord ? Donc, si ce clip de Kalimba est ensuite déclenché, il recommencera à jouer dès le début, n'est-ce pas ? Si le mode Legato est activé, que je suis là et qu'un nouveau clip est déclenché, cela signifie qu'il faut aller au même endroit dans le clip suivant et prendre le relais Donc, celui-ci va jouer jusqu'ici, puis nous déclencherons notre action suivante. Et puis, vous savez, nous sommes à 1,3. Donc, dans celui-ci, nous allons passer directement à 1.3. Ce clip est beaucoup plus long, mais nous allons tout de même sauter au même endroit et prendre le relais. Maintenant, la raison pour laquelle vous pourriez vouloir le faire, c'est si vous faites ce truc de suivi d'action comme avec un beat, n'est-ce pas ? Et tu veux lui dire d' allumer chaque quart de note, comme si c'était vraiment une bonne astuce. Faisons-le très vite. Allez. Tu percussions. OK, voyons ça sur un nouveau morceau. Bien sûr. Bien sûr. OK. Nous allons le faire sur ces trois-là. Donc, si je leur dis de changer chaque quart de note, alors sans legato, vous allez juste entendre un battement sur ces boucles par quart de note Vous allez entendre Beat One, puis ça va déclencher un nouveau clip, et vous allez entendre Beat One à nouveau. Ensuite, cela va déclencher un nouveau clip et vous allez entendre Beat One. Mais si c'est en mode Legato, vous allez entendre des battements un, deux, trois et quatre, un, deux, trois et quatre, sauter d'un clip à l'autre Laisse-moi te le démontrer. Alors voilà, suivez l'action. Allons-y, passons à la suivante. Ils y vont donc dans l'ordre. Aucune action. Mais déclenche chaque quart de note, Legato. Maintenant, faisons-le d'abord sans Legato. Oups, je dois me déconnecter et dire un battement. Déclenche chaque battement, d'accord ? OK. Alors maintenant, nous n'écoutons que Beat One. OK ? Mais si nous disons gato pour tout cela, alors nous entendrons tous les battements Vous voyez, c'est ce que le mode Legado peut faire. Ça va reprendre là où le dernier s'est arrêté et continuer. Donc, si vous le faites avec des rythmes, cela peut être une sorte de générateur de rythme vraiment cool. Mais désactivons ça. Bon, maintenant nous avons notre magnifique petit générateur de musique d' ambiance. Donc, si vous voulez le lancer, lancez simplement un clip dans chaque élément. Vous pouvez le faire simplement en lançant la scène ici, ou vous pouvez simplement choisir au hasard des éléments à lancer de différentes manières, et maintenant tout va jouer. Écoutons juste cette ambiance, cette belle chose pendant une minute. 180. Convertir en écran Session: OK, donc ce que nous allons faire ici dans cette section, c'est essayer de créer une piste de performance. Nous allons donc tout configurer pour pouvoir jouer en direct si nous le voulions. Maintenant, nous le faisons généralement avec Session View. Notre première tâche consiste donc en mode session si nous ne travaillons pas déjà passer en mode session si nous ne travaillons pas déjà en mode session. Donc, j'ai un morceau ici sur lequel je travaille. Il s'agit d'un tout nouveau titre. Il n' en est qu'à ses débuts. Ne me jugez pas. Ça ressemble un peu à ça. Cool. Donc, la première chose nous devons faire est de passer en mode session. Maintenant, il y a plusieurs façons de le faire. y en a vraiment trois, il y en a un peu, mais trois sont les plus pratiques. Et la troisième que je vais vous raconter est probablement la plus simple. La première solution serait donc de simplement faire rebondir nos tiges. Cela signifie prendre cette piste entière, silence et tout le reste, l' exporter en un seul fichier audio contenant également cette piste, puis faire la même chose avec cette piste. Et puis cette piste, puis cette piste, en gros, forment des racines de notre piste. Ensuite, nous pourrions les importer dans Session View. Et si on les alignait tous et qu' on appuyait ensuite sur Play, le son serait le même. Cela nous donnerait un peu de contrôle sur eux. Mais pas grand-chose. Si vous vouliez le faire, le moyen le plus rapide de le faire serait d'exporter des fichiers audio et vidéo. Ensuite, dans ce menu où il est écrit « Piste rendue », sélectionnez toutes les pistes individuelles. Vous obtiendrez ainsi un fichier audio pour chaque piste audio. Mais c'est un peu long , et ce n'est pas génial. Donc, la deuxième option, s'améliorant un peu, nous pourrions tout sélectionner en cliquant et en faisant glisser. Et pendant que nous maintenons cela, appuyez sur la touche Tab, et nous pourrions le déposer directement dans notre vue de session. Et ça ressemble à ça, d'accord ? Maintenant, cela fonctionne. Cela nous donne accès à tous nos clips, et nous pouvons cliquer dessus et les lancer. Mais si nous voulions vraiment que cela ressemble à une chanson et ressemble à une chanson, nous avons beaucoup de nettoyage à faire, non Nous devons nous débarrasser d'une grande partie de ces trucs supplémentaires. Nous devons organiser les choses et les arranger de manière à ce qu' il soit pratique de les exécuter. Cela fonctionne donc très bien, mais ce n'est pas ma méthode préférée. Donc je vais vraiment annuler ça. D'accord. Laisse-moi y retourner. Notre troisième méthode est appelée capture et insertion de scène. C'est une méthode un peu plus récente. Et voici ce que je vais faire. Je vais commencer à y jouer, et chaque fois que je passe à une nouvelle section, je vais appuyer sur la touche Shift Command I. Si vous êtes sur un PC, vous pouvez la voir ici, quel que soit votre raccourci clavier. Capturez et insérez une scène. D'accord. Donc, chaque fois que je clique dessus, cela crée essentiellement une scène dans Session View. Maintenant, quand il le fera, je vais devoir appuyer dessus, puis appuyer sur le bouton de retour à l' arrangement parce que cela va donner l'impression que nous sommes en mode session pendant une seconde. Et puis je recommencerai, d'accord ? Je vais donc en parler en quelque sorte. Passons donc à cette intro, je vais appuyer sur Play, puis nous allons simplement le faire Allons-y. Allons jusqu'au bout pour commencer. D'accord. Cela semble donc être un bon endroit. Command Shift, je vais bien ? Et maintenant, je vais revenir à la vue Arrangement. Allons jusqu'ici, d'accord ? Commande Shift, I. Retour à la vue Arrangement. Cette section. D'accord. Va ici Passons à la section suivante et je vais en faire une. Hanche. OK, donc je l'ai fait cinq fois, quatre fois. Je vais appuyer sur l'onglet et passer à la vue de session. D'accord ? Voici ce que nous avons obtenu. Il a donc saisi tous les clips qui étaient en train de jouer quand j'ai cliqué dessus. Maintenant, j'ai un peu plus de facilité à gérer les choses. Donc, si je lance cette scène, la scène suivante. Maintenant, c'est mon truc. D'accord ? Voici nos clés. Donc ça les a en quelque sorte arrangés à l'envers, ce qui est intéressant. Mais même s'il me reste encore un peu de nettoyage à faire pour que cela soit vraiment facile à voir et à gérer dans un environnement de performance, je n'ai pas grand-chose, pas autant que n'importe quelle autre option Je suis donc en assez bonne forme. C'est donc mon préféré. Capturez et insérez une scène. Command Command Shift I si vous aimez les raccourcis clavier. Sinon, vous pouvez créer , puis capturer et insérer une scène. OK, ensuite, nettoyons cela et préparons-le un peu plus à fonctionner. 181. Configurer les scènes: D'accord. Ensuite, nous avons quelques décisions créatives à prendre car je ne veux pas simplement jouer ce morceau, n'est-ce pas ? Par exemple, si je clique sur Play pendant toute la durée du morceau, ça ne sert à rien de faire tout ça. Je pourrais tout aussi bien arranger avec toi, non ? Je veux donc rendre cela plus fluide. Par exemple, je peux faire plein de choses. Alors allons-y. Sélectionnons tous ces éléments, et je vais juste les tirer vers le bas pour me laisser de la place en haut, d'accord ? Maintenant, je pense que je veux vraiment commencer par ceci. Je veux peut-être laisser ça de côté. Cela peut arriver ensuite. Et, vous savez, j' essaie juste de trouver une sorte d'arrangement. Je n'ai même pas besoin de le faire autant. Mais je veux que dans le pire des cas, je puisse simplement lancer des scènes ici, non ? Je peux donc aller ici et appuyer sur la commande R pour renommer Je peux dire que c'est une introduction. Peut-être que c'est Intro Two contre Bridge, Command R, Chorus, etc., d'accord ? Maintenant, je peux lancer l'introduction. C'est ce truc. À un moment donné, nous allons passer à l'introduction 2, qui, je pense, est la même Je peux donc probablement me débarrasser de l'un d' entre eux. Alors passe au couplet, d'accord. Maintenant, supposons que je veuille quitter le script. Retirez-les. En tant que mineur. Prends ça en compte. Ouais L'équipe est de retour. A déclenché une étrange progression de base. D'accord. Génial. Alors maintenant, je l'ai en gros. Donc, si c'est ce que vous voulez faire avec votre musique, vous devez ensuite organiser vos clips manière à ce qu'ils vous permettent de faire tout ce que vous devez faire. Libérez-vous du morceau original et, vous savez, expérimentez, soyez un peu différent avec ce que vous êtes en train de composer. OK, nous avons donc préparé nos scènes maintenant. Ajoutons-y un peu plus juste pour que ça se passe un peu mieux. Parlons donc certaines transitions et de ce que nous pouvons faire. 182. Créer des scènes de transition: OK, maintenant, si c'est ce que vous êtes en train de construire, il se peut que vous n'ayez pas une seule piste ici, mais tout un tas de pistes. Vous voulez créer un ensemble complet, une performance complète, n'est-ce pas ? Imaginons donc que nous avons deux pistes ici. OK ? Je vais donc simplement copier notre premier titre dans notre deuxième titre. Alors mettons en place quelques éléments de transition, non ? Vous n'en aurez peut-être pas besoin, parce que si vous avez deux bons morceaux, vous pouvez toujours laisser la batterie tourner sur l'un et commencer l'autre et vous frayer un chemin au coup par coup pour passer au suivant Mais si vous souhaitez ajouter du matériel, allons-y. allons-y. Je vais ajouter un autre titre ici, et je vais juste le mettre dans la transition ici même. Mettons-le ici et ensuite nous ferons en sorte que tout commence alors que cette dernière scène est encore en cours de diffusion. Hein ? Nous allons donc le réduire à cela. Ensuite, nous allons commencer à intégrer certaines de ces autres choses. Sont là-haut. OK, emportons ces tambours. Nous passons maintenant au suivant. Hein ? Donc, tout ce que j'ai fait, c'est ajouter une autre pince à batterie qui pourrait en quelque sorte servir de colle pour passer au morceau suivant, non ? Vous pouvez donc le faire tout au long de la journée. Maintenant, il y a aussi une tonne d'effets que vous pouvez utiliser. Vous pouvez simplement les augmenter, puis laisser l'ambiance s'éloigner pendant une seconde, puis passer à la piste suivante si vous en faites plusieurs Nous en parlerons donc dans la section suivante lorsque nous aborderons les effets de performance. Alors allons-y dès maintenant. Et 183. Mappings et contrôleurs pour la performance: Bien, revenons aux contrôleurs de performance. Et nous en avons parlé plus tôt dans ce cours. Mais maintenant que nous avons défini un ensemble, ou du moins le début d'un ensemble, voyons comment ils peuvent être utilisés. OK ? Donc, d'abord, je vais activer mon push afin que nous puissions voir comment cela s'inscrit dans notre session. OK, dès que cela sera en ligne, vous verrez cette boîte autour de certaines parties de la grille des emplacements à clips ici. OK ? Ça y est. Nous avons donc cette sorte de boîte orange. Cela nous montre donc ce que nous pouvons voir sur le pouce lorsqu'il s'agit de lancer des clips. Je peux me déplacer à l'aide des touches fléchées, mais c'est ce que ce serait. Si je devais le faire avec le push, je passerais dans le mode push qui m' indique la grille des emplacements des clips, puis je pourrais simplement lancer des clips, vous savez, toute la journée. Ce serait génial. C'est génial. Si je veux utiliser quelque chose en dehors de cette boîte orange, je peux déplacer la boîte. OK, donc dans ce cas, je n'ai pas besoin de faire de mappage, comme ce dont nous avons parlé tout à l'heure, car le push est configuré juste pour le voir et le mapper. Si je voulais mapper une autre manette, je pourrais dire revenons à ma télécommande Zero SL, celle-ci. Et cartographions cela. Maintenant, je n'ai que huit boutons dessus. Je n'ai pas de grille complète d'emplacements pour les clips, mais je pourrais les associer au lancement de mes scènes. Pour ce faire, je vais passer à la commande M, cliquer sur la première scène et appuyer sur un bouton, deuxième scène, bouton, troisième scène, bouton, quatrième, descendre dans cette direction, même s'ils ne sont pas étiquetés. C'est ça. OK, je désactive le mappage MIDI. Maintenant, je peux lancer ces scènes en utilisant ma manette ici. Ce sont donc ces Sears, allons-y. Il est difficile de naviguer avec cet appareil photo. OK, alors lançons la première scène. Passons maintenant à la troisième scène. Chip jusqu'à neuf ans. Oup, celui-ci est silencieux. Passons à cette nouvelle étape. Bois noir. OK ? C'est génial. Maintenant, je n'ai pas assez de boutons pour sélectionner des clips individuels avec cette manette en particulier. Mais si j'avais un tas de boutons, je pourrais le faire. Alors, recherchez-le lorsque vous achetez une manette de performance, si c'est le cas. Maintenant, une fois arrivés à ce stade de notre aventure avec Ableton, nous allons débloquer quelques petites choses secrètes, d'accord ? Certaines choses n'apparaissent pas à l' écran, mais ce n'est que dans certaines situations qu'elles apparaissent. OK ? Passons donc à une nouvelle vidéo et parlons-en. 184. Contrôles secrets de la cartographie: D'accord, il arrive parfois que lorsque vous enregistrez des centaines quelque chose ne tourne pas rond lorsque vous enregistrez des centaines de vidéos, et c'est le cas ici J'ai donc fini de filmer ce cours, et pour faire court, vidéo que vous allez regarder n'a enregistré aucun son. Mon micro ne fonctionnait pas ou quelque chose comme ça, alors je vais juste le réenregistrer. Et la seule raison pour laquelle je vous dis cela, c'est parce que je dois y retourner et le recréer. Ce morceau est bien tel quel, mais je n'ai pas tout configuré. C'est pourquoi il n'y a rien ici, parce que je vais y retourner et le faire de cette façon. Heureusement, lorsque cela se produit, je peux généralement le faire sans que personne ne le sache car je porte les mêmes vêtements tous les jours. Mais dans ce cas, tu vas le savoir. Ça arrive beaucoup, en fait. Quoi qu'il en soit, voici ce dont nous allons parler à propos de ces contrôles secrets cachés. Alors que je me promenais et que je vous montrais les mini-appareils que j'ai traînés ici, les manettes, etc., je vous ai montré cette pédale, n'est-ce pas ? La raison pour laquelle j'utilise une pédale, mon ancien appareil de performance, alors que je jouais beaucoup, c'est vraiment bizarre, mais j'ai joué avec ces gants. J'avais donc des gants, et ils étaient adaptés à tous les sons C'est un peu ce que fait Imogen Heap, si vous la connaissez , même si je l'ai fait dix ans avant elle, peu importe, mais je dis juste Mais pour interagir avec mon ordinateur, j'ai dû utiliser des pédales car je ne pouvais rien toucher Cela déclencherait juste un tas de sons. Je me suis donc beaucoup appuyée sur ces choses secrètes qui se produisent. Si je passe en mode mappage Mi, d'accord ? Cela nous est familier maintenant. Je peux tout cartographier pour faire quelque chose, mais j'apprends aussi quelques nouvelles choses. Je trouve ces choses ici, et j'ai un gros bouton de lecture ici, non ? C'est donc de cela qu'il s'agit. Ce qu'ils vont faire, c'est vous permettre d'avancer vers le haut ou vers le bas, d'accord ? Je vais donc mapper un bouton sur mon clavier Mi. Vers cette flèche vers le bas, d'accord ? Donc, cela signifie que je peux faire défiler la scène surlignée ici en la cartographiant, d'accord ? J'ai donc une pédale alignée dessus, deux d'entre elles, en fait, une qui monte et une qui descend. Et ça me permet de naviguer comme ça, non ? Je peux aussi, si je reviens au mappage Mi, mapper ce bouton de lecture et ce bouton d'arrêt. Et ce que cela va faire, c'est lancer la scène dans laquelle je suis. Je peux donc dire : OK, je veux lancer la cinquième scène. Je vais appuyer sur Tap Tap, puis sur le bouton Play, celui-ci pour lancer cette scène. Je pourrais également utiliser n'importe lequel d'entre eux pour lancer uniquement le clip sur ce qui est surligné, n'est-ce pas ? Je pourrais donc y aller si je voulais lancer le clip Keys qui s'y trouve, je pourrais le monter et mapper à quelque chose pour le lancer à partir de là. Ces petites choses n' existent que lorsque vous cartographiez. Si je sors du mode cartographie, ils s'en vont. Ils sont cachés. Ils sont donc très utiles, pas seulement pour les pédales, mais aussi si vous essayez de faire correspondre quoi que ce soit à une manette avec un nombre limité de boutons, comme un nombre limité de boutons, toutes les manettes, alors surveillez-les Si vous essayez de configurer les performances de manière élaborée, celles-ci peuvent être très utiles. Maintenant, il y a une autre chose qui est peu cachée ici, et c'est un bon vieux crossfader Si vous avez déjà vu quelqu'un DJ, par exemple pour deux disques, il avait un crossfader pour faire des allers-retours entre les deux disques Nous avons aussi un crossfader, mais il est caché. Alors, repérons-le et faisons-en des choses amusantes. 185. Configuration de Crossfader: OK, donc si vous avez déjà vu un DJ produire en direct et qu'il utilise peut-être deux disques, une table de mixage au milieu, et ce qu'il peut faire, c'est qu'il peut enregistrer un seul enregistrement, et il a ce qu'on appelle un Crossfader, un fader qui se déplace à gauche Donc, pendant que vous écoutez ce disque, ils déplacent le fader jusqu' ici, jusqu'à ce que vous puissiez me voir Et puis s'ils passent à cet enregistrement, ils y déplacent le fader , non ? C'est donc celui que vous entendez c'est celui vers lequel se dirige le crossfader Maintenant, vous pouvez faire la même chose ici. Tout d'abord, nous devons trouver ce fader croisé. Elle existe bel et bien. Il a été déplacé dans Live 12. Il n'est plus là où il était. Donc, dans Live 12, nous allons aller ici. Nous appuyons sur ce bouton pour afficher le mixeur, non ? Mais si nous appuyons sur la petite flèche à droite, il y a deux autres choses que nous pouvons afficher ou masquer. Et l'un d'eux est le Cross Fader. Ainsi, lorsque nous activons le cross fader, nous obtenons deux choses. abord, nous obtenons le cross fader lui-même, qui se trouve ici sur notre piste principale, puis nous mettons ces ABS un peu partout Vous avez peut-être déjà deviné comment cela fonctionne. Donc, ce que vous pouvez faire, c'est dire, c'est A. Et disons, c' est B. Je vais juste diviser ça de façon arbitraire Ce n'est pas vraiment comme ça que je le ferais. Je vais vous montrer comment je m'y prendrais réellement en une minute. OK ? Et disons que c'est B. D' accord ? Maintenant, A est mon record sur la gauche, et B est mon record sur la droite. Donc, avec mon cross fader, lançons une grande scène Lançons comme. Voici A. Voici B, non ? OK. Hein ? Vous pouvez donc faire des choses sympas avec ça. Vous pourriez créer des pistes B et d'autres A. Une chose qui serait amusante dans ce cas serait de tout laisser A sauf cette couche de batterie supplémentaire que nous avons ajoutée, et c'est B. D'accord ? Alors maintenant, allons-y jusqu'au bout. Maintenant, nous allons écouter notre titre complet. Tout va bien. Maintenant, ajoutons un peu de ce B. Peut-être allons-y encore un peu plus. Hein ? Lancement de notre prochain titre. Remettons-le dedans. Hein ? C'est donc un excellent outil de performance. Cela peut être une transition parfaite. Il suffit de maintenir ce rythme de batterie pendant tout le processus. Et puis, lorsque vous en avez besoin, lorsque vous avez besoin d'une transition, il suffit de tirer votre crossfader vers le haut, puis de le retirer Il existe une autre façon d'utiliser le cross fader. C' est une astuce très populaire que beaucoup de gens utilisent, et c'est une astuce très utile Laisse-moi te montrer ça. Passons à une nouvelle vidéo. 186. Configurer les effets pour la performance: Très bien, regarde ça. Nous allons donc intégrer tout un tas de choses que nous connaissons. Tout d'abord, nous allons utiliser un rack d'effets audio. Passons donc aux supports d'effets audio. Allons ici et découvrons qu'il y en a une sorte de célèbre qui est utilisée à cette fin. Et ça s'appelle Fade to Gray. OK ? Voici ce que je vais faire. Je vais faire monter Fade to Gray dans un bus ici. OK ? Je vais tout appeler A. Je vais augmenter complètement ce degré de fondu augmenter complètement ce degré et il y a déjà une réverbération. C'est cool. Nous allons faire avec. Je vais créer cet effet B. Faisons les deux effets B, même si je n'utilise pas vraiment B. D'accord ? Maintenant, je dois envoyer tout un tas de mes morceaux à A ou à mon bus d'effets, A. Oh. OK. Passons maintenant en revue ce qui se passe ici. J'ai envoyé tout un tas de signaux provenant de toutes mes pistes à ce bus, d'accord ? Dans ce bus, y a-t-il un effet géant qui passe au gris, d'accord ? Cela va essentiellement absorber tout le son qui se produit et le transformer en une vague de bruit que nous pouvons utiliser comme transition. OK. Ensuite, nous avons attribué cet effet au deck B avec notre cross fader Alors voici ce que ça va me permettre de faire. OK. Nous sommes bons. Croisière. Ajoutons notre deuxième battement de batterie. Très bien, amusant. OK, voici cette transition. Et je vais juste mettre mon crossfader par-dessus. Ça y est. Je vais passer à la piste suivante, et je vais la redescendre. OK, je ne vais pas tirer autant de profit de ce fondu vers le gris que je le souhaiterais pour le moment. Mais ça n'a pas d'importance. Vous pouvez simplement créer d'énormes effets. Echo Fuzz. Faisons quelque chose de fou ici. Des effets énormes. C'est bon. Ça a l'air bien. C'est bon. Maintenant, faisons à nouveau cette transition. Et puis passez à la chanson suivante, remettez-la en place. Et puis, si nous voulons être encore plus performants, cartographions ce fondu croisé. Cross fader. Je vais donc passer au mappage MIDI. Je vais me lancer dessus. Je vais le mettre sur ce fader Je vais arrêter le mini-mapping. Maintenant, j'ai cette manette juste là. Donc, si je veux faire une grosse série d'effets, c'est tout. Ça y est. Et puis dehors, non ? C'est vraiment simple. Vous n'êtes donc pas obligé d'utiliser un Crossfader cette façon, mais c'est une bonne astuce 187. Modèle de performance de DJ: OK, maintenant, si vous voulez vraiment vous lancer dans le DJing, laissez-moi vous donner un petit raccourci ici Je vais donc créer un nouvel ensemble, commande, et ne pas dire cela. OK, maintenant je vais passer à mes modèles, et vous devriez avoir un modèle de DJ set fourni par défaut avec Live 12. Je vais donc simplement double-cliquer dessus. Et c'est parti. Il se passe toutes sortes de choses amusantes ici. Il y a donc du contenu qui a été envoyé vers Session View. Il y a donc une sorte de contenu d'espace réservé ici Je ne pense pas qu'il y ait vraiment quoi que ce soit ici. Et ce contenu réservé pourrait même être quelque chose que j'ai mis ici Donc, ne t'inquiète pas pour ça. Mais jetez un œil aux effets que vous avez configurés. Nous avons déjà créé quatre envois ici : delay, echo, filter delay et reverb Vous avez créé des scènes. Vous avez probablement configuré votre cross fader. Oui, vous avez un A et un B et votre crossfader. Si vous êtes plus intéressé par le DJing, jetez un œil à ce modèle de jeu, vous aidera à démarrer Et encore une fois, le vôtre ne ressemble peut-être pas au mien. Je pense avoir apporté quelques ajustements aux miens qui ne sont pas dans la valeur par défaut. 188. Le processus de mixage et de mastering: C'est bon. Ensuite, nous allons parler du mixage et du mastering Maintenant, quelques mises en garde. J'ai deux grands cours sur le mixage et le mastering. C'est un sujet très vaste, il y a de l'art là-dedans. Il faut de l'entraînement pour devenir bon. Nous allons donc faire deux choses dans cette section. La première est que je vais vous montrer les outils et les techniques de mixage et de mastering dans Ableton Live 12 car c'est le but de ce cours Et deuxièmement, je vais vous montrer quelques méthodes et stratégies de mixage et de mastering Mais ce que vous allez voir dans cette section suivante ne ressemble pas à un didacticiel très complet sur la façon de mixer et de masteriser. Cela vous permettra d'entrer dans le vif du sujet et vous apprendra ce que vous devez faire, mais cela demande beaucoup d'entraînement, et il y en a encore beaucoup à faire Donc, encore une fois, j'ai ces grands cours sur ces deux sujets que je vous encourage à consulter si vous voulez vraiment devenir bon dans ce domaine. Cela étant dit, voyons comment fonctionnent le mixage et le mastering Alors d'abord, définissons quelles sont ces deux choses, d'accord ? Tout d'abord, le mixage. Cela signifie que nous allons poursuivre notre séance. Nous allons réussir tous nos niveaux. Nous allons nous assurer que rien ne sort, et nous allons faire en sorte que le son sonne exactement comme nous le voulons, Cela ne se limite pas à ajuster les niveaux, mais c'est un élément important. mastering est donc probablement le plus méconnu des deux Donc, en matière de mastering, ce que nous faisons généralement , c'est que notre mix est terminé, d'accord ? Nous sommes satisfaits de notre mix, et nous le réduisons à un fichier audio stéréo, d'accord ? Et c'est ce qui est maîtrisé. S'il y a un problème avec le mix, vous devez revenir en arrière d'une étape. Le mastering ne fait que travailler sur ce fichier stéréo, d'accord ? Et c'est juste pour lui donner un peu plus de brillance et s' assurer qu'il sonne bien dans le plus grand nombre d'endroits possible. D'accord, nous y reviendrons quand nous arriverons au mastering. Commençons donc par le mixage. Alors, on y va. 189. Organisation des sessions: OK, donc le morceau que nous allons mixer et masteriser est juste un petit morceau rapide que j'ai créé juste dans le but d'en avoir un. Tu sais, c'est toujours moi et je suis toujours dans mon étrange petite bulle Synth Wave Donc j' adore vraiment Synth Wave. C'est donc un peu un truc cyberpunk noir avec un peu de trip hop mêlé En gros. OK, tu as compris le point. Nous allons donc utiliser ceci comme exemple de piste, n'est-ce pas ? Donc, tout d'abord, nous devons organiser un peu notre session, et cela nous aidera à mieux mixer. Donc, euh, première chose que je vais faire est de me débarrasser de toutes les pistes que je n'utilise pas. Nous voyons cette piste ici. Y a-t-il quelque chose dessus ? Il y en a, donc c'est bien. Je n'ai donc aucune piste vide. Si c'est le cas, c'est bon. C'est très courant pour moi d' avoir une poignée de morceaux que, vous savez, j'ai créés, j' y ai mis quelque chose, puis j'ai décidé que je n'en voulais pas. J'ai donc ces pistes vides qui flottent. Si vous en avez , supprimez-les. Débarrasse-toi d'eux. Nous n'en avons pas. OK, maintenant organisons un peu notre ordre de suivi. Voici donc notre basse. Ce sont des choses d'harmonie. C'est un bloc-notes, comme Harmony Things. Voici nos cloches. Ce sont aussi des cloches, et voici nos tambours. Ils sont donc ordonnés et assez bons dans le bon sens, je pourrais regrouper quelques éléments. Je le ferais certainement dans le cadre d'une session plus importante. Je n'ai pas vraiment besoin de le faire parce que c' est une petite session, mais je vais le faire quand même, juste par exemple. Ce sont donc deux choses d'harmonie. Waouh. OK. Je vais donc les regrouper. Je vais cliquer sur les deux, puis sur Command G, et je vais juste créer un groupe. Et je vais le renommer Harmony , d'accord ? Je vais juste le ranger une seconde. Maintenant, nous avons du contenu Harmony. La base va bien. C'est un pad. Je pourrais également mettre ce pad dans Harmony. Ce n'est pas une mauvaise idée. Faisons-le. OK. Alors maintenant, Harmony contient ces trois éléments. Faisons un groupe de cloches, Command G, bells. OK ? Ensuite, nous laisserons nos tambours seuls. Ensuite, je dois étiqueter chaque morceau individuellement, selon son nom. C'est donc l'harmonie des basses. Appelons ça harmonie sombre, et celle-ci est un peu plus lumineuse. OK. Je veux juste un moyen de savoir ce qui est quoi ? Je vais donc appeler cela une harmonie plus lumineuse ou simplement une harmonie lumineuse. J'ai donc du noir et du clair. Voici ce bloc-notes. Ça ressemble à ça. OK, ce sont des cloches. L'un d'entre eux est donc vraiment affecté. Ouais. Et celui-ci ne l'est pas. OK, donc je vais mettre celui-ci en haut. Cloches. Affecte les cloches. D'accord ? Et puis des tambours. Cool. Alors maintenant j'y vais, si je remonte mon mixeur, ça va être un peu plus facile à gérer maintenant. OK, nous avons la basse, l'harmonie, les cloches, la batterie. Doux. Sympa et organisé. OK ? Je ne pense pas du tout utiliser ces retours, mais je l'ai fait, donc normalement, je peux les supprimer et les rendre vraiment petits Mais je n'ai pas besoin de l' espace de l'écran. C'est bon Mais peut-être que je le ferai quand même, juste pour le fun. OK ? Maintenant, je veux le mixeur beau et grand. Cool. Très bien, passons à l'étape suivante. 190. « Imprimer » des pistes MIDI: D'accord. La prochaine étape du processus consiste à imprimer des mini-pistes. Maintenant, ce n'est pas quelque chose que tu dois faire. Ce n'est pas quelque chose que tout le monde fait. C'est quelque chose que j'ai pris l'habitude de faire. Je vais donc vous le montrer. Si vous décidez que vous ne voulez pas le faire, c'est probablement bien. Mais ce que je vais faire, c'est accéder à mes mini-pistes comme celle-ci, et je vais les rendre sous forme audio. Maintenant, la raison en est que les pistes audio sont beaucoup plus permanentes et plus faciles à gérer pour moi que les mini-pistes. Lorsqu'un synthétiseur produit un son, de nombreuses variables entrent en jeu Et à ce stade, je veux vraiment éliminer les variables, non ? Je veux m'assurer de savoir exactement ce qui va se passer et à quoi cela ressemble exactement Et donc, les transformer en pistes audio les rend permanentes, en gros. Je peux le faire de différentes manières, mais la plus simple est cliquer sur la piste avec le bouton contrôle, puis de figer et d'aplatir Track Cela va prendre une seconde, puis il s' agira simplement de le transformer en piste audio. Cool. Maintenant que nous l'avons fait, maintenant que nous avons une piste audio, il n'y a pas de retour en arrière possible. Ce que nous devons faire, c'est l'enregistrer immédiatement afin de passer à Save Live set as. Et c'est ce qu'on appelait le titre génial de Track Five. Nous allons l'appeler Track Five mix ou mix down, comme vous voulez. Voici donc le mix de Track Five. Parce que si je veux revenir en arrière et modifier l'une de ces notes, je ne peux pas vraiment le faire maintenant, n'est-ce pas ? Alors, enregistrez-le comme quelque chose de nouveau. Ne remplacez pas la version que vous aviez auparavant. D'accord ? Je vais faire la même chose sur cette piste. Nous utilisons et aplatissons Et sur cette piste, et c'est tout. Ce sont tous mes mini-titres. Maintenant, j'ai tout un tas de fichiers audio. Encore une fois, vous n'êtes pas obligé de suivre cette étape. C'est juste quelque chose que j'ai pris l'habitude de faire, et cela m'a un peu facilité la vie. D'accord. Passons à l'étape suivante. 191. Égaliser tous les éléments !: OK, ensuite, nous allons passer au QI de toutes les choses. Si vous ne connaissez pas cette référence que je fais , je parle de tout. Il y a bien longtemps qu'il y avait ce mème sur Internet. Un des premiers mèmes d'Internet. Je pense que tout était propre. Et c'était ce genre de personnage de dessin animé, qui brandissait un balai et criait pour tout nettoyer De toute façon, tes parents le savent. EQ toutes les choses. Nous allons donc y mettre tout un tas d'égaliseurs, et nous allons faire deux choses avec chacun de ces égaliseurs La première chose à faire est que nous allons installer un filtre passe-haut. Donc, en gros, nous allons juste utiliser les choses les plus basses, celles que personne n'entendra, et cela ne fera que nous causer des problèmes. Je vais sortir du bas de gamme. Ensuite, nous allons voir si nous pouvons trouver petites fréquences que nous voulons augmenter ou réduire s'il y a problèmes ou si nous obtenons simplement un meilleur son. Commençons donc par le bas. Commençons par nos tambours ici. OK ? Voici donc nos tambours. Pour tout cela, je vais utiliser l'EQ huit OK, donc je vais essentiellement mettre un EQ huit sur tout. OK. Et je vais faire en sorte que cet égaliseur beau et grand pour que je puisse le voir Je ne suis pas si grand que ça. Et ce que nous allons faire, c'est que je vais les désactiver tous les trois. Je vais juste faire celui-ci en premier. Nous allons faire une passe haute, une passe haute plus agressive. Je vais corriger ça, environ 30 hertz. C'est assez bas. Maintenant, c'est de la batterie, donc nous pouvons la laisser descendre un peu plus bas, mais écoutons-la. Faisons une boucle ici en solo. La raison pour laquelle nous abandonnons le bas de gamme, désactivons-le pendant une seconde. OK, on ne l'entend pas vraiment. C'est dans cette zone que nous voyons le vrai sens de ce coup de pied. Nous ne faisons donc rien qui puisse vraiment le perturber ici. Nous essayons juste de nous assurer qu'il n'y a boue dans le bas de gamme qui rendrait les choses difficiles à mélanger. Nous allons donc simplement supprimer tout ce qui est bas. Maintenant, si je veux essayer d'adoucir les choses, je pourrais faire une autre remarque Je vais le resserrer un peu avec le signal. Regarde s'il y a quelque chose. Par exemple, est-ce que je veux en tirer un peu plus de Ça ? Je ne pense pas en avoir besoin. Ce petit bois sonne plutôt bien. Ajoutez en quelque sorte une touche de ça. Mais bon, celui-ci sonne plutôt bien. Passons à notre piste suivante, celle des cloches concernées. OK, même chose ici. Regardons où il se trouve. Ensuite, désactivons-les. Et je vais juste aller là où je vois ce signal et appliquer mon filtre juste à côté, pour être sûre que rien ne passe par ici. C'est plutôt bien. Laissons celui-ci là. Passons à nos cloches intactes. OK ? C'est le même type de schéma. Nous avons des trucs ici, mais je n'en ai pas vraiment besoin. Explorons ce petit nœud. Maintenant, je ne veux pas amplifier ici où se trouve le signal principal parce que cela ne fera que le rendre plus fort Je recherche vraiment toute fréquence qui n'est pas bien représentée et qui pourrait me plaire. Oui, je ne pense pas avoir besoin de quoi que ce soit ici. Cela semble plutôt bon. Très bien, je vais aller de l'avant et m' occuper du reste. Je vais peut-être le faire rapidement. Hum, donc je ne vais pas faire partie de ce groupe. Je n'ai pas besoin de faire ce groupe parce que j'ai fait les deux individuellement. Je vais donc sauter celui-ci et passer à ce bloc-notes. OK, ce bloc-notes n' existe pas ici. Là-bas. D'accord. Nous pouvons donc voir un beau. Voyons voir, il se passe beaucoup de choses ici. Hein ? Mais nettoyer tout ça va probablement m'aider. Cela va rendre les choses beaucoup plus faciles. Passez à la suivante. C'est Bright Harmony. OK, revenons à notre point départ. À venir. À venir. À venir. À venir. C'est voir ce que j'aime. J'aime bien ça. Donc je vais m'en tenir à ça. Passons à notre jeu de fléchettes Carmony. Tu es d'accord avec ça. D'accord. Et enfin, notre base. D'accord. Celui-ci est un peu plus délicat C'est pourquoi je l'ai fait après une commande. Notre élément fondamental est donc là. OK ? Je veux donc faire la même chose. Tu entends ça ? C'est vraiment là que c'est. Mais je veux le réduire d' environ 30, si j'en ai besoin. Plutôt bien. D'accord. Je veux juste m'assurer de ne rien enlever du sabot de cette base Mais s'il y a quelque chose d' encombrant là-haut, je veux m'en débarrasser. Et je pense que c'est ce que nous avons fait. D'accord. C'est amusant. D'accord, je pense que nous l'avons trouvé Nous avons donc nettoyé le bas de gamme. Nous avons ajouté un peu d'éclat à quelques autres endroits, et nous les avons en assez bon état Bon, commençons maintenant à penser à la dynamique. 192. Dynamiques: OK, la prochaine chose que nous devons faire est un peu de travail dynamique, d'accord ? Nous allons donc faire la même chose en installant un compresseur sur la plupart de nos pistes, peut-être sur toutes. Commençons par les tambours. Donc, si vous vous souvenez, et je suis sûr que vous faites ce que fait un compresseur, comment il fonctionne, cela va améliorer notre plage dynamique, Maintenant, la raison pour laquelle nous voulons le faire lorsque nous mixons c'est que plus la plage dynamique est petite, tout peut être fort, d'accord ? Et si vous voulez en savoir plus sur quelque chose de fou et de fou, recherchez The Loudness Wars sur Google, d'accord ? Cela vous dira tout ce que vous devez savoir sur ce phénomène. En gros, nous voulons que notre musique soit typique, peut-être pas toujours, mais en général, nous voulons que notre musique soit assez forte. Nous voulons que ce soit aussi fort que possible dans le mix. Et cela va aider. Maintenant, nous ne voulons pas simplement aplatir toute notre dynamique, n'est-ce pas ? Ça va faire un mix très ennuyeux. Mais nous voulons le réduire un peu et le contrôler en quelque sorte. Voici donc un moyen rapide savoir s'il est nécessaire ou non d'ajouter un peu de compression. Lorsque nous examinons les compteurs d'Ableton, vous verrez deux choses à la fois Je crois que nous en avons parlé tout à l'heure, mais vous allez voir Let's go to our drums here. OK ? Vous allez voir ces petites lignes rouges, vous allez aussi voir le vert ou le jaune. Regarde où se trouve cette ligne. La distance entre le vert ou le jaune et ceux bloqués, les rouges situés en haut, est la plage dynamique. OK ? L'espace entre les deux est la plage dynamique. Ce que vous regardez en fait sont ces rouges qui collent en haut. Ce sont vos pics, et le plus mobile est votre filtre RMS, qui est un peu une moyenne de tous les sons. Ce que nous voulons faire, c'est réduire légèrement ces pics afin que la distance entre ceux-ci et la valeur RMS ne soit pas aussi Et c'est exactement ce qu'un compresseur est conçu pour cela. OK. Celui-ci possède donc une plage dynamique assez importante, parce que parfois, il se résume à un chapeau haut, puis il devient vraiment silencieux Ensuite, il y a ce coup de caisse claire, c'est très fort. OK ? Supprimons donc cela pour lui donner une bonne quantité de compression. Notre ratio est donc de quatre. C'est probablement une bonne chose pour ça. OK. Une autre chose que je veux faire ici est de régler ce paramètre sur peak afin de vraiment compresser les pics. OK ? Ensuite, je veux me maquiller. OK. Ma distance est donc meilleure. Ce n'est pas rien. Si je voulais vraiment y aller, je le ferais. Mais je ne veux pas faire ça. Je n'en ai donc pas besoin de trop. Il y a du bon dans les parages. Les batteries auront beaucoup de variété dans leur gamme dynamique. Essayons ces cloches, qui devraient être beaucoup moins chères. OK ? Voici donc nos sommets. y a donc pas vraiment besoin de grand-chose ici, mais allons-y un peu. J'ai un aperçu, abaissez un peu notre seuil. Juste une touche. Et maintenant, nous avons plus de volume ici, mais nous pouvons le réduire beaucoup plus facilement. OK, passons à autre chose. OK, c'est plutôt bien. Voici notre groupe, nous n'avons donc pas besoin de le faire. Passons à ce bloc-notes. Nous devons aller à l' endroit où se trouve le bloc-notes . Sois là-haut. accord, il n'y a vraiment pas grand-chose ici, mais ajoutons-en un peu pour nous aider à le contrôler de toute façon. Coupons un peu. C'est bon. C'est une bonne chose. Passons à cette harmonie éclatante. Venons-en à un endroit où nous entendons cela. Où est l'autre ? Cette sombre Harmony. Tu es où ? Très bien, arrivons à cette base. Jetez-y un coup d'œil. C'est en fait très plat dynamiquement, ça fait littéralement la même chose sur toute la piste. Vous n'avez donc pas vraiment besoin de quoi que ce soit d'autre que de faire bonne mesure. Tout à fait, oui, beaucoup. C'est bon. C'est bon. Maintenant que nous avons un peu apprivoisé nos pistes, je pense toujours à cette étape comme à ces deux étapes, l'égaliseur et le compresseur, comme apprivoiser les pistes, de les réduire partout Passons donc à les adoucir et à faire quelques trucs stéréo. 193. Égaliseur mid-side et imagerie: OK, pour la suite, nous voulons nous concentrer sur la sensation stéréo. Nous l'appelons également imagerie stéréo. C'est-à-dire dans quelle mesure cette piste remplit le champ stéréo, n'est-ce pas ? C'est l'espace entre nos haut-parleurs et nos haut-parleurs, et parfois même au-delà de nos haut-parleurs. Nous n'allons donc pas le faire en faisant des plans aléatoires, d'accord ? Nous pourrions, vous savez, nous pourrions dire, vous savez, que nous voulons ce bloc-notes un peu à gauche, ce bloc-notes, un peu à droite. Laissez celui-ci au centre. Ça a affecté les cloches, un peu par ici. Nous pourrions le faire de cette façon. Et je pourrais bien aimer ça pour ces deux blocs-notes. C'est bon Mais ce que nous allons vraiment faire, c'est ce que l'on appelle l'égaliseur médian Donc, ce que cela va faire, c'est regarder, euh, quelle part de notre signal est diffusée sur les côtés et quelle part se trouve au milieu. D'accord ? Laisse-moi, vas-y. Donc le milieu signifie le milieu, milieu et les côtés, d'accord ? Donc, ce que nous voulons faire, c'est examiner chaque piste individuellement et essayer d'ajouter un peu plus de son au milieu ou au côté. Quelle est donc la pensée conventionnelle à ce sujet, divisons tous nos instruments en deux catégories. L'un est le leader et le second le soutien, d'accord ? Quel est l' élément principal de ce titre ? rôle principal commun serait votre voix, s'il y a un instrument solo, quelque chose comme ça Dans ce cas, je dois dire que c'est probablement la batterie et la basse qui jouent un rôle principal. D'accord ? Donc, en premier lieu, je vais me concentrer principalement sur le milieu et les autres points que je vais laisser agir un peu plus sur le siège. Passons donc à notre batterie ici. Je ne vais pas changer cet égaliseur. Je vais en ajouter une autre. Attends, voici un autre égaliseur D'accord ? Donc, celui-ci, je vais le mettre au milieu. Et voici le tambour. Nous voulons donc beaucoup de cela en cours de route. Donc, ce que vous pouvez faire, c'est simplement lui donner un petit coup de pouce. D'accord ? Donc en fait, c'est la basse. Désolée Euh, mais appuyons un peu sur les médiums et peut-être enlevons-en un peu sur les côtés Votre argent réel pour cela se situe dans le milieu, le milieu de gamme. C'est dans le milieu de gamme que nous pouvons vraiment entendre le mieux l'effet stéréo. Pas tant dans les bas que dans les plus hauts. OK, donc je ne peux pas faire grand-chose ici parce que c'est si bas. Mais allons-y. Et en fait, dans ce cas, je pourrais le faire directement sur ce groupe, non ? Juste ici. Au lieu de le faire individuellement, je vais essentiellement faire la même chose pour les trois. Je vais donc le faire directement au sein du groupe. Je vais donc attribuer un QE 8 à ce groupe. Je vais passer au milieu. Et ces coussinets offrent un meilleur soutien, donc je vais leur donner un petit plus à l'intérieur. Oh, tu peux vraiment te sentir comme si le cas. Ces cloches ? Sérieusement. Cloches. Allez au milieu, tirez le milieu vers le bas, soulevez nos flancs. D'accord ? Ça va vraiment commencer à faire très chaud. Nos batteries allaient à peu près rester seules ici. Nous avons déjà des choses à faire, retiré les côtés, ajouté les médiums. Cool. C'est génial Donc, si vous voulez faire encore plus, vous pouvez faire bien plus que cela. Vous pourriez mettre une sorte d' effet stéréotypé juste avant cet égaliseur Nous avons beaucoup de choses différentes qui pourraient être utilisées comme effet stéréo. Cette dynamique multibande LFO pourrait certainement dynamique multibande LFO pourrait être utilisée pour augmenter l'effet stéréo Panorama automatique, filtre automatique, ce genre de choses, Autopan en particulier Donc, si vous voulez plus d'effet stéréo, vous pouvez totalement le faire. Très bien, ensuite, nous allons passer au comptage. Jetons donc un coup d'œil ou, excusons-nous, écoutons ce que nous avons fait jusqu'à présent. Une grande partie de ce que nous avons fait a vraiment gâché notre mix, n'est-ce pas Parce que nous avons fait de la compression. Nous avons ajouté beaucoup de choses. Voyons si cela ressemble toujours à notre morceau, juste par curiosité. Oups, désactivons notre solo. Qu'est-ce que le solo ? D'accord. Nous y voilà donc. Donc, ce que j'entends, c'est que la basse est bonne. Les tambours sont bons. Voici que mes synthés sont trop forts et que la cloche est trop faible. Il est donc temps de passer à l'ajustement des niveaux. Passons à une nouvelle vidéo pour celui-ci. 194. Gagner en mise en scène: OK, commençons à ajuster volume pour que nos morceaux sonnent vraiment bien Maintenant, la première chose que nous voulons faire ici est de regarder notre table de mixage. Nous voulons ajuster certains de ces volumes, et ce que nous voulons faire, c'est être en mesure les augmenter ou de les diminuer légèrement sans nous soucier de rien d'autre. Donc, si vous avez automatisé l' un de ces faders, n'est-ce pas ? Par exemple, vous avez dessiné un peu d'automatisation ici, et vous avez fait ce genre de chose. Maintenant, vous pouvez voir le point rouge ici et vous pouvez voir qu'il y a de l' automatisation là-bas. C'est très bien. Nous ne voulons pas nous occuper de ça, mais c'est cool que ce soit là. Voici ce que nous allons faire pour contourner ce problème. Nous allons laisser votre automatisation là parce qu'il y a une raison pour laquelle vous l'avez faite, cela sonne bien, n'est-ce pas ? Mais pour le mixage, nous allons essentiellement prendre ce fader, le placer dans un autre fader afin de pouvoir ajuster l'ensemble du Et c'est très facile à faire. Nous allons simplement cliquer dessus, Commande G. Nous allons créer un groupe d'une piste. OK ? C'était une base. C'est maintenant la base. Renommez cette base, fermez-la. Voilà. Vous avez un seul fader qui sert de base. Votre automatisation ici, ça va toujours se produire. Nous allons le laisser faire ce qu'il fait. Mais nous allons avoir un seul fader non automatisé que nous pouvons utiliser pour notre base maintenant Cool. Faites-le donc sur n'importe quelle piste dont le volume est automatisé. OK. La prochaine chose que nous allons faire est d'appeler le gain staging, d'accord ? Cela signifie que nous allons définir le gain d' une chose, puis commencer à faire correspondre tout ce qui l'entoure. Alors, par quoi devriez-vous commencer ? Vous pouvez commencer par n'importe quoi, mais je vous recommande commencer par quelque chose qui aura le plus de pouvoir. Si vous créez de la musique de danse, commencez par la batterie ou, mieux encore, par le kick. La plupart du temps, la batterie est un bon point de départ, d'accord ? Donc ce que je vais faire, c'est tout désactiver ici. Je ne vais pas le mettre en solo parce que je veux commencer lentement à les ajouter. Alors maintenant, nous allons juste avoir de la batterie, d'accord ? Maintenant, voici ce que nous allons faire pour notre première étape. Il existe une tonne de façons différentes de le faire. Si quelqu'un vous dit le contraire, il a probablement raison. C'est exactement comme ça que je le fais. C'est ainsi qu'on m' a appris à le faire. Cela fonctionne bien pour moi. OK, passez à votre alimentation principale, assurez-vous qu'elle est bien à zéro, d'accord ? Nous allons laisser ça là, d'accord ? Maintenant, cette boîte ici est notre point culminant, d'accord ? Cela indique où se situe notre volume le plus élevé. Sur notre signal, d'accord ? Donc, ce que nous allons faire, c'est régler volume de notre batterie jusqu'à ce que notre pic sur notre chaîne principale atteigne moins dix, d'accord ? Nous sommes donc à un point négatif en ce moment. N'oubliez pas que zéro est le sommet, nous devons donc redescendre. OK, réinitialisez-le. Sept. Encore un peu plus bas. Très bien, plutôt bien. 10,1. Je vais le prendre. Bien, nous avons maintenant une base de référence pour notre volume. OK, la prochaine chose que je vais faire est de me concentrer sur la base. Encore une fois, vous pourriez faire autre chose, mais la base de la batterie est généralement l'une des choses les plus difficiles à gérer. Je vais donc m'occuper de cela ensuite. Donc, en laissant les tambours là où ils sont, je vais baisser ma base, l' allumer, et je vais juste la pousser vers le haut jusqu'à ce que ça fasse du bien. Je ne vais pas m' inquiéter des niveaux pour le moment, ou des chiffres et moins dix et peu importe. Je vais juste le regarder dans les yeux ou, comme on dit, le regarder dans le globe utérin Ce n'est pas un vrai terme. Mais on y va. Ils ont arrêté d'y aller. OK, je veux que cette basse soit vraiment prononcée, parce qu'elle anime en quelque sorte l'ensemble du morceau. Donc je vais le mettre juste là. Il fait peut-être un peu plus chaud que ce à quoi nous sommes habitués. Maintenant, vous pensez peut-être : « Hé, mec, c'est tellement calme. Tu l'as si bas. C'est bon. Nous voulons le laisser à un niveau assez bas. Parce que la marge de manœuvre. Nous en reparlerons dans une minute. Maintenant, je suis un peu tenté de mettre une chaîne latérale sur cette base, mais je ne vais pas le faire pour le moment. Mais nous n'aurions pas dû trop affecter notre pic principal. Voyons où nous en sommes. Oui, on va toujours bien. OK, nous en sommes à 9,7. Mais plutôt bien. Nous devrions donc toujours nous situer autour de moins dix. Maintenant que nous avons terminé ces deux parties, assurez-vous que vous vous sentez bien et bien. Une chose que vous pouvez faire ici est, si vous avez l'impression que le son est trop faible, augmentez le volume, vos écouteurs, vos haut-parleurs, peu importe. Ne montrez rien en direct. Allumez vos haut-parleurs. Rendez-le simplement plus fort pour qu'il ressente ce que vous voulez qu'il ressente Mais ne le faites avec aucun d'entre eux et certainement pas avec votre maître. OK ? Alors, faites en sorte que ces deux sonnent bien, puis nous passerons Dans la vidéo suivante, nous allons empiler tout le reste. 195. Mélanger toutes les pistes: OK, la prochaine chose que nous allons faire , c'est de tout démonter, et de tout intégrer. Encore une fois, nous allons simplement utiliser notre oreille, mais nous avons un objectif pour notre master fader Ce fader, souvenez-vous, nous l'avons fait atterrir aux alentours de moins dix Chaque fois que nous ajouterons l'un d'entre eux au mix, nous en ajouterons d'autres à notre master fader D'accord ? Notre objectif à la fin est de faire en sorte que notre master fader autour de moins six, d'accord ? Il n'est pas nécessaire que ce soit évident, mais c'est ce que nous visons, d'accord ? Maintenant, comme d'habitude , je ne vais pas penser à mon master fader pour le moment Je vais faire une passe en mélangeant tout à l'oreille, puis en voyant où nous en sommes , puis en faire une autre. D'accord ? Alors fais-les par ordre d'importance par rapport à ton parcours, d'accord ? Donc, quelle que soit la prochaine chose la plus importante , fais-la ensuite. Dans notre cas, nous avons joué de la batterie et de la basse. Si vous avez des voix, ce serait certainement la prochaine chose la plus importante si elles ne le sont pas plus Dans mon cas, nous avons ce truc sur l'harmonie et les cloches, et c'est un peu tout. Faisons donc d'abord les choses sur l'harmonie. D'accord ? J'ai donc ce groupe, et je vais laisser ce groupe à zéro, puis je vais juste mixer avec les trois morceaux différents. Je pense que ce sera mieux pour ça. OK. Alors allons-y. Je dois me rendre à l'endroit où ils se produisent. OK, bouclons cet endroit. Et ils sont là. Je dois monter le groupe. Ouais. ce que je pense. Ouais. J'avais un étrange trou dans la base, et c'est à cause de cette fausse automatisation que j'ai mise dedans juste pour le montrer. Donc je vais m'en débarrasser. OK. C'est plutôt bien. Ajoutons le suivant. Ajoutez-les lentement. Optez pour le moins. Chaque fois que vous les augmentez, augmentez-les jusqu'à ce que vous sentiez que vous en avez juste assez, d'accord ? N'ayez pas l'impression d' insister trop fort. Choisissez juste ce qu'il vous faut, surtout lors de votre premier passage. Il est très courant d'en faire plusieurs passes. OK, allons à l'endroit où se trouve ce bloc-notes, c' est-à-dire ici. Un peu comme ça. Très bien, installons ces cloches ici. Donc, pour le groupe, je vais le ramener à zéro. Allumez-le dès maintenant pour nos sonnettes individuelles. Passons-y d'abord. OK. Les personnes touchées se produisent-elles ? Maintenant, allez ici. Plutôt bon. Je voudrais vérifier une petite chose à ce sujet. Ouais. OK. OK, j'en suis plutôt content. Voyons voir. Nous sommes montés à 5,8, moins 5,8. N'oubliez pas que notre objectif est de moins six, c'est vraiment une bonne chose. Réinitialisons-le, puis passons à un point assez important. Il n'a obtenu que moins huit. Voilà. L 7,9. J'en ai six. OK, donc nous sommes en pleine forme. Nous avons obtenu moins six. Cela signifie que nous en avons un peu plus. Nous pourrions y aller. Nous pourrions aller un peu plus loin avec quelque chose si nous le voulions, nous avons la chambre. La marge de manœuvre est le montant qu'il nous reste ici. C'est moins six jusqu'à zéro, non ? Nous avons donc une marge de manœuvre négative de six dB, de la marge de manœuvre. Et au fur et à mesure que nous nous lançons dans le mastering, nous voulons vraiment avoir moins de six points de marge de manœuvre pour que le mastering fasse son travail Nous sommes donc en pleine forme. Nous n'avons pas besoin d' insister. Vous vous retrouvez avec moins dix ici, c'est très bien. Cela ne fera que donner au mastering plus d'espace de travail. Si vous vous retrouvez avec beaucoup moins, si vous vous retrouvez avec moins de 20, alors j'envisagerais de mélanger un peu plus fort, appuyant simplement sur tout cela un peu plus Mais pour nous, je pense que nous sommes en pleine forme comme ça. Si nous voulions faire une autre passe, nous pourrions tout à fait revenir en arrière et peut-être laisser la basse et la batterie là où elles étaient et simplement travailler sur des éléments individuels, peut-être les retirer, puis les remettre en place et voir si vous arrivez à un autre endroit. OK, la dernière chose à faire sur ce sujet est de parler de la façon de rendre ces choses visibles. C'est donc ce que nous allons faire ensuite. 196. Paramètres de rendu: OK, la dernière chose à faire avec notre mix est de le faire rebondir , car souvenez-vous que lorsque nous arrivons au mastering, ce que nous allons faire dans la section suivante, nous le faisons généralement, pas toujours, mais généralement nous masterisons à partir d'une piste audio stéréo Passons donc à nos paramètres d'exportation. Nous allons donc passer à Fichier, Exporter de l'audio. OK, je ne pense pas que nous ayons encore examiné tous les détails de cette affaire. Voici donc ce que nous avons. Nous avons toutes ces différentes sections. Donc, d'abord, la sélection. Sur quoi rebondissons-nous ? Presque toujours, tu veux dire « principal ». Cela signifie que vous êtes un maître fader, que vous êtes en train de rebondir. Nous pourrions rebondir sur n'importe quelle piste individuelle ou sur toutes nos pistes individuellement sous forme de pistes ou de tiges individuelles Vous pouvez également créer uniquement des pistes sélectionnées. Maintenant, par où voulez-vous commencer et terminer ? Assurez-vous qu'ils sont corrects. J'ai un petit écart au début. Donc, si ce n'est pas le cas ou si vous n'êtes pas sûr qu'ils le sont ou non, voici une astuce rapide que vous pouvez faire. Faites un zoom arrière, passez au début, qui se trouve juste ici. Non, ce n'est pas le début. Ouais. C'est le début. Placez votre orthèse à boucles sur l' ensemble de la piste. Du début à la fin, peut-être même en laisser un peu plus à la fin. OK ? Il y a du début à la fin. Cliquez ensuite sur cette orthèse à boucle. Vous avez maintenant sélectionné tout ce que vous voulez. Maintenant, lorsque vous allez dans Exporter de l'audio et de la vidéo, ce sera exact, d'accord ? Alors passons à autre chose. Les options de rendu incluent le retour et les effets principaux. Nous n'avons aucun retour ici, donc c'est annulé. Mais vous pouvez l' activer si vous utilisez des effets de retour. Rendu sous forme de boucle. Nous ne voulons pas faire ça pour une chanson complète sur laquelle nous sommes en train de rebondir. Ce n'est pas ce que nous voulons. Convertissez en Mono. Ce n'est pas ce que nous voulions. Normalisez, vous ne le voulez probablement pas. La normalisation va augmenter le volume de tout autant que possible. Si cela doit être maîtrisé, laissez la normalisation désactivée. Si vous n'avez pas l'intention de le maîtriser mais que vous voulez qu' il sonne comme s'il avait été maîtrisé de manière rapide et sale, vous pouvez activer la normalisation Parfois, c'est bien de tout faire plus fort très rapidement Mais si vous voulez le maîtriser, ne le faites pas. Fichier d'analyse, nous n'en avons pas besoin. Fréquence d'échantillonnage. Maintenant, c'est en fait assez important. Vous devez vous assurer que cette fréquence d'échantillonnage correspond à la fréquence d'échantillonnage sur laquelle vous travaillez réellement. Donc, si je reviens à ma fenêtre de direct principale, je vois que je travaille à 48 kilohertz, donc je veux que ce soit 48 000 Maintenant, il est possible que je travaille ici avec des échantillons qui ne sont pas à 48 kilohertz, qui ne sont pas à 48 000 échantillons par seconde, J'ai peut-être 441 échantillons là-dedans. Si je le fais, c'est bon. Live va devoir convertir ces 44 en 48. Et cela peut introduire du bruit, à peine audible, dans la plupart des cas, mais il existe un moyen de minimiser cela en vous accrochant à cette pensée pendant une seconde. Ensuite, nous y reviendrons. Ici, vous avez trois formats différents lesquels vous pouvez imprimer votre piste. PCM est votre fichier audio de qualité complète, le gros fichier audio que vous voulez OK ? Donc, vous voulez vraiment que ce soit activé. Type de fichier Si c'est pour le mastering, vous voulez que ce soit une vague, peut-être un fichier AIF N'utilisez pas de fichiers Flack pour le mastering. Si vous souhaitez l'utiliser dans un but quelconque, il existe des raisons d'utiliser les fichiers FLACK Mais presque toujours pour ce qui est du mastering, le wave est ce que nous voulons. Profondeur de bits. Laissons cela à 16 ans, ou vous pouvez augmenter ce montant si vous le souhaitez. Options de régime. P R un. OK. Ce que le tergiversation va faire c' est simplement ajouter une très, très faible quantité de bruit Vous ne pourrez pas l'entendre, mais il l'ajoute pour aider à masquer erreurs de conversion des échantillons. Revenons donc à ce dont nous venons de parler. Si vous avez des échantillons 441 et d' autres de 48, et que Live devra effectuer cette conversion lorsqu'il les exportera , le Dier peut vous aider à entendre, d'accord ? Donc, si vous êtes dans ce cas, laissez-le activé. Si vous n'êtes pas dans ce cas, et que tout est en 48 K, et que vous en êtes sûr à 100 %, laissez-le quand même allumé car ça ne va pas faire mal. Et si vous n'êtes pas sûr, laissez-le allumé. Vous pouvez le remplacer par no Dier ou l'un de ces autres algorithmes pour votre répertoire. Je ne sais pas à quoi tout cela sert. Je sais juste que Pow R one est ce que quelqu'un m' a dit vouloir utiliser, et c'est ce que j' utilise. Alors, voilà. Ce sont donc les paramètres de votre fichier audio principal. Maintenant, vous pouvez également expulser un MP trois en même temps, désactivez-le. Nous allons maintenant obtenir deux fichiers. Nous allons récupérer notre fichier Big Wave et un petit fichier MP Three. Vous ne voulez pas un fichier MP Three à masteriser. C'est pas bon. Les fichiers MP Three sont parfaits pour envoyer par e-mail à vos amis. Hum, mais pour passer au mastering ou pour faire un travail vraiment sérieux, nous voulons le fichier PCM. Vidéo. Maintenant, s'il y avait une vidéo dans notre projet, ce qui n'est pas le cas, nous pourrions exporter un fichier vidéo. Nous ne le faisons pas. Je ne peux pas cliquer dessus parce qu'il n' y a pas de vidéo ici. Mais si nous y avons importé une vidéo, Live peut la lire. Donc, si nous faisions, par exemple, un projet de musique de film et que nous avions une vidéo en cours, puis que nous faisions de la musique, nous pourrions exporter une vidéo, qui serait cette vidéo plus notre audio. Si vous souhaitez importer un fichier vidéo, vous pouvez simplement le faire glisser de la même manière que vous le faites glisser dans un fichier audio. Mais il n'y a rien ici, donc nous n'avons pas besoin de le faire. Très bien, alors nous appuyons sur Exporter. Donnons-lui maintenant un nom. Ne le nommez pas final, d'accord ? Parce qu'alors vous allez apporter un changement, puis vous allez le nommer final final. Ensuite, vous allez nommer cette dernière finale. Ensuite, vous allez nommer la finale suivante pour une vraie finale, et ça continue encore et encore. Ne fais pas ça. Faites-le plutôt. Mélangez les dattes. Deux, 924, c'est ce que nous sommes aujourd'hui. Il suffit d'y mettre la date. Ou si vous le voulez vraiment, vous pouvez toujours faire V un, puis vous avez V deux, V trois, et vous savez que le nombre le plus élevé est toujours le plus précis. Quoi qu'il en soit, c'est très bien. OK ? Ensuite, nous allons nous assurer que nous sommes au bon endroit, et nous allons le sauvegarder. Et il va s'agir d'un rendu, puis votre fichier est prêt à être masterisé ou à terminer avec celui-ci si vous ne voulez pas le faire Passons donc à la dernière section de ce cours et parlons du mastering Oui. 197. Qu'est-ce que le mastering ?: OK, beaucoup de choses à dire dans cette vidéo. Nous allons donc passer au mastering maintenant. Maintenant, avant de passer au mastering, quelques choses que nous devons savoir sur le mastering Je vous ai déjà parlé de l' idée fausse selon laquelle le mastering se trouve dans votre mix C'est faux Mais à la fin, je parlerai d'un type de situation où c'est le cas. Mais la plupart du temps, nous mixons, puis nous rebondissons, puis nous masterisons une version finale à deux canaux, cette vague de mixage que nous avons Nous le savons donc déjà. Commençons par parler très rapidement de terminologie. Vous n'avez pas besoin de passer beaucoup de temps là-dessus. Mais je tiens à ce que vous sachiez qu'il existe un mouvement croissant de professionnels qui commencent à utiliser de moins en moins le terme « maîtrise » C'est un peu en disgrâce. Nous parlons plutôt de maximisation. C'est mon mot préféré, mais les gens utilisent également la finition. Vous pourriez donc assister à une maximisation, à une finition, à une maîtrise. La raison en est qu'il existe un langage très répandu autour de l' audio professionnel, et probablement partout dans notre société qui est considéré par certains langage oppressif et une relation maître-esclave, terme que nous utilisons tout le temps dans le domaine audio, ce qui est vraiment étrange Mais nous essayons de nous débarrasser de ce genre de termes. Donc, le master est en quelque sorte en train de disparaître , mais sachez simplement que lorsque vous rencontrez le mastering, cela peut être appelé mastering C'est ce qu'on appelle la finition. Cela pourrait être appelé maximisation. Je vais essayer d'utiliser le terme « maximisation », mais il s'agit d'un terme relativement nouveau, donc je pourrais me tromper en l'appelant « mastering OK, c'est le point numéro un. Euh, deuxième chose, l'objectif de maîtriser haut et fort. C'est ce que nous voulons. La propreté est peut-être relative, n'est-ce pas , parce que vous avez peut-être juste de la musique vraiment brute, et ça va aussi. Mais nous voulons que ce soit fort et disons-le clairement haut et fort. Maintenant, parlons de ce truc bruyant pendant une minute. Si vous êtes comme moi, vous vous demandez comment cette chanson peut-elle être forte ? Le volume est fonction, par exemple, du cadran de ma chaîne stéréo ou de mon lecteur audio, n'est-ce pas ? C'est comme ça que le morceau est fort. Je vais juste le monter ou le baisser. C'est vrai J' y pensais toujours, comme si je me souvenais de ces vieilles publicités pour la bière où l'on disait : « C'est bière la plus froide », et tu me disais : « Pourquoi ? Le froid dépend de mon réfrigérateur, pas de votre bière. C'est vraiment étrange. Mais ce n'est pas vraiment le cas. La raison en est que lorsque vous entendez une chanson à la radio, disons que vous conduisez sur la route, que vous écoutez la radio et que vous entendez une chanson. Ensuite, tu entends une autre chanson, d'accord ? Si la chanson suivante est juste plus calme. Par exemple, tu n'as rien fait à ta chaîne stéréo, je suis juste plus silencieuse que sur la chanson précédente Donc, vous prenez le bouton et vous le montez vers le haut, non ? Parce que la musique que vous entendez en ce moment est faible que la précédente. Puis la chanson suivante arrive, et elle est forte. Donc ça t'emballe. Maintenant, vous changez de station de radio. Alors, tout à coup, la station de radio ne veut plus écouter votre musique parce qu'elle ne correspond pas à tout le reste. C'est de cette intensité sonore dont nous parlons ici. Notre objectif ici est donc d'empêcher vraiment les gens d'appuyer sur le cadran pour le baisser ou le monter, n'est-ce pas ? Nous voulons qu'il se mélange à tout le reste. Et la tendance actuelle, et c'est vrai depuis probablement 20 ans, est d'essayer de faire entendre le plus fort possible. Il suffit de pousser le tout contre le plafond du bruit que nous pouvons émettre avant qu'il ne se déforme et d' essayer de le faire rester là Pour qu'elle sonne aussi fort, voire mieux, que les autres musiques qui l'entourent C'est donc en cela que réside le problème du volume. Si vous voulez lire un historique intéressant à ce sujet, vous pouvez rechercher Google the Loudness Wars C'est comme ça que ça s'appelle. Plus d'informations à ce sujet une fois que nous serons dans les mauvaises herbes. Encore deux choses rapides. La première est que nous allons parler ici numérique ou du mastering destiné aux services de streaming Hum, il existe un type de mastering distinct qui est le mastering sur vinyle Le mastering sur vinyle est un art complètement différent, et je n'y connais pas grand-chose Je n'ai donc jamais rien masterisé pour vinyle. Et je n'aimerais pas que quelqu'un vienne me voir pour me dire : Est-ce que tu peux le masteriser pour le vinyle ? Je dirais non, parce que c'est un animal tellement différent. Nous n' allons pas vraiment nous en occuper. Je suppose que la plupart d'entre vous ne maîtrisent pas sur vinyle, mais si c'est le cas, vous devez vraiment faire appel à un professionnel expérimenté en matière de mastering Et ce n'est pas moi. Et puis la dernière chose que je veux juste dire ici, c'est que, comme je l'ai dit, pour le cours de mixage ou le segment de mixage de ce cours, ce sera un aperçu. Cela ne sera pas détaillé. J'ai un tout autre cours, comme de nombreuses heures consacrées aux subtilités pour obtenir un master parfait Nous allons donc simplement faire quelques vidéos ici pour expliquer comment vous pouvez maîtriser choses dans Live 12, les outils nous disposons et comment je pourrais les faire fonctionner. Nous ne serons vraiment pas en mesure d'entrer dans le niveau de détail dont vous auriez vraiment besoin. Considérez donc ceci comme une introduction à How to Master. Nous aborderons les sujets les plus sérieux de cette autre classe complète si vous voulez faire une recherche à ce sujet D'accord. Cool. Ensuite, mettons-nous en place. 198. Configuration de mastering: OK, voici donc notre version mixte de ce titre. Je vais mettre ça de côté pendant une seconde. Passez à Live 12 et à Command N. Je vais créer une toute nouvelle session, d'accord ? Vous pouvez le faire en mode session ou en mode arrangement, mais je vais passer à l'affichage arrangement. D'accord ? Maintenant, avant de poursuivre mon parcours, je vais faire deux choses. La première est que je vais ouvrir ma table de mixage. Je vais le rendre beau et grand. Je n'ai vraiment besoin que d'une seule piste ici, donc, débarrassons-nous de tout sauf d'une piste audio. Et ensuite, faisons en sorte que notre mixeur soit beau et grand. D'accord ? Nous n'aurons pas besoin de ces envois. Nous avons vraiment juste besoin de notre plat principal et peut-être de celui-ci. Ce mixeur de pistes. Quoi qu'il en soit, nous allons nous assurer que les deux sont remis à zéro. D'accord ? Cool. OK, donc c'est la première chose. Assurez-vous que vos niveaux sont mis à zéro. Deuxième chose, nous allons éteindre notre réseau. Je vais donc contrôler le clic quelque part sur la chronologie. Et nous avons un réseau adaptatif , un réseau fixe, et nous allons simplement partir. D'accord ? Nous voyons maintenant ces lignes en pointillés. Cela me permettra vraiment d'aller n'importe où. Pas sur le réseau, là où je dois être, d'accord ? Maintenant, je vais suivre notre trace. accord ? Je vais l' aligner jusqu'au début. Et je vais m' assurer que ça s' estompe un peu au début et à la fin. Maintenant, vous voyez, il semble qu'il y ait déjà de la musique dès le départ. Écoutons-le. Oui, il y a cette basse qui commence tout de suite. Donc, ce que nous allons faire, c'est zoomer. Ce petit fondu dont nous avons besoin peut prendre quelques millisecondes Je ne veux juste pas entendre un clic ici. Donc, ce petit fondu que Live a automatiquement fait est très bien. Ensuite, je veux m'assurer que la fin est correcte. Oh, en fait, avant de faire ça, je dois faire autre chose. Double-cliquez sur ce fichier et assurez-vous que la distorsion est désactivée. D'accord ? Juste en bas. Nous allons désactiver la déformation. Nous allons nous assurer de ne pas le déformer. Maintenant, je vais ouvrir le début et m'assurer que tout est fait pour y parvenir. D'accord ? Allons jusqu'au bout. OK, donc quand je désactive le gauchissement, ça l'étire en quelque sorte. C'est très bien Je vais le supprimer , puis rouvrir complètement pour m'assurer que nous avons le morceau complet Maintenant, je vais juste regarder ce qu'il y a à la fin. Il semble donc que le son s'arrête là, puis il y a environ 2 secondes de silence. Écoutons-le. Hmm. OK, donc ça s'arrête. Est-ce que c'est ce que je veux qu' il se passe musicalement ? Ouais OK, j' aime bien ça. Donc, ce que je vais faire, c'est m' assurer qu'il y ait un petit fondu de toute façon. Nous en sommes donc au silence. Resserrons un peu les choses. ne me reste donc peut-être qu'une seconde de silence à la fin, 57 à 58. Il reste environ une seconde. Et je vais m' assurer qu'il y ait un petit fondu à la fin, d'accord ? Même si nous sommes dans le silence et que nous passons au silence, nous allons juste empêcher tout type de clic ou quoi que ce soit d'étrange de ce genre , n'est-ce pas ? Et c'est une bonne chose. C'est notre configuration de base, d'accord ? Ensuite, commençons à faire un peu de maximisation. 199. Égaliseur pour le mastering: OK, rendons ce truc plus fort et peut-être plus beau. Nous allons donc faire plus que simplement le rendre plus fort. Une autre chose que nous allons faire est de nous assurer que rien ne devienne fou en termes de fréquence. n'y a pas de fréquences indésirables qui se déclenchent ou quoi que ce soit d'autre. Nous sommes satisfaits de la base. Nous sommes satisfaits du haut de gamme, des médiums, de tout cela Nous allons donc utiliser trois outils pour cela. Le premier sera un EQ huit. OK, alors passons à un eQight et ajoutons-le dessus. La seconde sera une dynamique multibande, qui, si vous vous en souvenez, consiste en trois compresseurs en Ensuite, nous allons lancer un compresseur de colle au bout, d'accord ? Voici donc les trois principaux outils que nous allons utiliser. Maintenant, je dois aussi dire qu'il y a deux autres choses que vous pourriez faire ici. Il n'est pas rare de sortir du live pour le mastering. Même si vous êtes un évangéliste en direct, beaucoup de gens aiment utiliser un ou plusieurs plug-ins Donc, ce que je vais essayer de faire ici, c'est de tout faire en direct. Mais quand je maîtrise vraiment des choses, ne le dites à personne, j'utilise de l'ozone le plus souvent Il existe donc un module appelé ozone conçu pour le mastering, et il est très bon Mais si vous ne voulez pas acheter cette prise, vous pouvez le faire avec ce que vous offre la vie. C'est donc ce que nous allons faire ici. D'accord ? Donc, d'abord, avec notre QE, je vais juste m' assurer que nous n'entendons que ce que nous savons entendre Je vais désactiver ces deux effets. D'accord ? Maintenant, allons-y. Je vais juste mettre en évidence quelque chose et le mettre en boucle. La première chose que je vais faire avec mon égaliseur. Faisons en sorte qu'il soit beau et grand. C'est bon. Revenons à cette extrémité inférieure. Juste pour être très sûr. Aux alentours de 20 hertz, 21, c'est bien. Assurez-vous de ne pas perdre de grosses fréquences basses. Ensuite, nous allons juste empêcher que quoi que ce soit ne s'accumule là-haut, tout ce qui gronde. OK, la prochaine étape est , pour moi, la partie la plus difficile. C' est vrai, parce que ce sont de véritables choix esthétiques que nous devons faire ici. Donc ce que nous allons faire, c'est ce que l'on appelle le faire sonner. Je vais donc prendre une seule bande de notre égaliseur, ici. Et je vais juste écouter. D'abord, je vais créer ce groupe, puis je vais juste faire une sorte de gommage Et d'abord, je vais écouter toutes les fréquences qui ressortent vraiment en faisant cela. Et s'il y a un problème, alors je vais inverser ce que je fais, et je vais procéder comme ça, et je vais me débarrasser de certaines de ces fréquences Mais je suis aussi à l'écoute de toutes sortes de points forts qui ont besoin d'un petit coup de pouce, non ? Donc je dis juste : « Oh, j'aime bien ça ». Je n'aime pas ça. Et j'applique simplement l' égalisation de manière subtile, juste pour faire ressortir les choses qui sonnent bien Il n'y a donc pas beaucoup de maths là-dedans. C'est vraiment un peu ce qui sonne bien. Alors faisons-le pendant une minute. OK, je n'entends pas vraiment de fréquences problématiques. On dirait qu'il y a des trucs qui sautent en bas de la cloche. Je n'ai pas vraiment envie de le supprimer. Pour ce qui est du boost, je me situe dans le milieu de gamme 500 et dix K. Jusqu'à dix K, peut-être huit K. Donc, vous savez, ici et là. OK, tu vas donner un petit coup de pouce à une huée ici. J'aime bien la façon dont ça sonne. D'accord. Donc, nous sommes d'accord avec l'étape « ring it out ». Je pourrais faire ça toute la journée. Je pourrais littéralement rester assise ici toute la journée. C'est vraiment ça que tu dois arrêter. OK, c'est donc notre travail principal avec l'EQ. Nous pourrions ajouter d'autres groupes si nous le voulions et voir si nous pouvons trouver quelque chose d'autre qui sonne, qui doit sortir ou que nous voulons améliorer Mais ici, tout est question de subtilité, d'accord ? Donc, si vous vous retrouvez à faire quelque chose comme ça, vous devriez peut-être envisager de revenir à votre mix, accord, car nous le changerions vraiment beaucoup. Donc, vous savez, quelque chose qui resserre le Q. S'il y a quelque chose qui sonne, vous pourriez faire quelque chose comme ça et le trouver là bas D'accord. Je n' entends pas vraiment cela dans ce mix, donc je pense que nous sommes bons avec ça. Passons donc à notre dynamique multibande. 200. Traitement dynamique: OK, ensuite, il est temps de passer à notre dynamique multibande Maintenant, c'est là que nous allons essayer de faire plus de bruit avec ce truc OK ? Je vais donc l'activer. Je vais laisser mon compresseur de colle éteint, et je vais laisser mon égaliseur allumé Donc, tout d'abord, si vous vous souvenez de cet effet, nous avons essentiellement trois compresseurs différents séparés par un égaliseur Nous avons donc des hauts et des bas et une compression que nous pouvons effectuer sur chacun d'eux, n'est-ce pas Fixons donc notre seuil haut et bas. Débarrassons-nous donc de notre égaliseur pendant une seconde. Et nous pouvons jouer en solo avec chaque groupe. Alors écoutons les aigus. Donc, ce que nous écoutons ici , c'est quelque chose que nous pouvons utiliser comme point central, et la caisse claire est très bonne pour cela Donc, ce que je veux surtout entendre dans les aigus, ce sont toutes ces choses chatoyantes, ces distorsions, ce genre de choses distorsions Pas trop de musique et pas trop de piège Nous pouvons donc monter un peu plus haut. Le piège m'est tombé dessus. Nous y voilà. C'est bon, c'est bon. C'est un peu lui Mais maintenant, revenons au plus bas. Ce que nous voulons vraiment entendre ici, c'est le grondement. Encore une fois, pas trop de piège, mais dans l'autre sens OK, c'est plutôt bien. Alors allons-y. OK, ensuite, ajoutons un peu de compression. Alors allons-y. OK ? Revenons donc en arrière et prenons les aigus en solo. Il suffit de regarder les aigus. Notre principal seuil sera donc ici. Nous allons donc descendre jusqu'à ce que nous travaillions ici. OK ? Maintenant, ce qui se passe ici, c'est que chacune de ces lignes verticales représente dix DB qu'elle peut augmenter. Donc, si nous cliquons au milieu de cette barre, puis que nous la faisons glisser vers le bas, et que nous faisons quelque chose comme ça. Maintenant, chacune de ces lignes dans cette barre correspond également à dix DB. Donc, dix DB sont maintenant beaucoup plus petits en dessous de ce seuil. C'est une façon vraiment étrange de voir la compression. C'est différent de toute autre méthode utilisée dans n'importe quel autre compresseur. Et pour être tout à fait honnête, c'est vraiment déroutant pour moi. Cela ne correspond pas très bien à la chimie de mon cerveau. Mais c'est ce qui se passe. Très bien, ensuite, allons à la base. Et nous ferons essentiellement la même chose. Nous allons juste descendre jusqu'à ce que nous nous intéressions à ce son. Ensuite, nous allons juste le lancer un peu basses, j'utilise toujours un peu moins de compression que partout ailleurs. Je suis donc un peu plus léger dans les basses. OK, alors allongeons peut-être un peu les choses. Ensuite, nous ferons la même chose au milieu où Il est là-haut Je pense que c'est là que se situe une grande partie de notre action. Il n'y a pas beaucoup de mouvement en ce moment. Mais vous pouvez voir que la petite coche jaune nous indique le niveau de compression que nous avons atteint là-haut. OK, maintenant, je vais quitter le mode solo, puis nous devons trouver un équilibre entre ces trois choses. Nous avons donc un volume de sortie ici, d'accord ? Nous allons donc l'activer un peu pour que notre mix revienne bien. Notre base est plutôt bonne sur place. OK, nous allons donc équilibrer délicatement ces éléments et nous assurer qu'ils se mélangent exactement comme nous le souhaitons accord ? Ensuite, nous allons passer à une dernière couche de compression avec notre compresseur de colle. 201. Compression et limitation finales: Très bien, il est temps d'allumer ce compresseur de colle. Maintenant, ce compresseur de colle fait deux choses pour nous. Il crée une autre couche de compression , que nous allons utiliser un peu. Mais c'est aussi un limiteur. Rappelez-vous donc ce que fait un limiteur : «   C'est le plafond ». Aucun volume ne va monter plus haut que ça, d'accord ? Et son plafond intégré par défaut est de moins 0,5, ce qui est plutôt chaud, mais euh, ça va. Nous y reviendrons une fois que nous y serons arrivés. Voici donc ce que nous allons faire ici. Tout d'abord, nous voulons que notre attaque et libération pour Mass Ring soient assez rapides. Allons-y donc ici et là. J'aime que la sortie soit aussi rapide que possible. Ratio, nous allons laisser de côté. Maintenant, seuil, nous allons le baisser juste pour obtenir un tout petit peu de compression ici. Allons-y. Pas beaucoup. Nous voulons ce dernier compresseur, juste pour récupérer tout ce qui sort. Un étrange saut. OK. Cool. Maintenant, pour ce qui est du limiteur nous allons activer ce clip souple, et nous voulons envoyer un signal dedans et atteindre à peine le plafond, d'accord ? Et c'est ce que nous allons faire avec le maquillage. D'accord ? Maintenant, attention, ça va devenir bruyant. Lorsque vous faites cela, tout va commencer à devenir très fort Vous pouvez donc baisser le volume ou faire ce que vous devez faire. Et pendant que vous écoutez ceci, si vous avez des écouteurs en ce moment, cela va devenir fort. Donc, attention en l'air. Maintenez votre main sur le bouton de volume pendant la minute suivante. Allons-y. Je vais donc me maquiller jusqu'à ce qu' il atteigne ce clip, et que nous voyions cette lumière juste un tout petit peu. Ça y est. C'est bon. D'accord, mais nous n'avons pas encore terminé. Nous avons donc besoin que notre maître final soit juste autour de moins quatre DB. C'est en quelque sorte le point idéal. C'est ce dont ont besoin de nombreux services de streaming, même si leurs exigences en matière volume sont parfois une cible mouvante. Mais pour le moment, je pense que c'est moins quatre. Donc, ce que nous allons faire, c'est ou ce que nous avons déjà fait c'est qu'à cause du plafond de notre limiteur, rien ne va sortir et dépasser moins 0,5. C'est très bien C'est génial. Mais ce que nous devons faire maintenant, c'est installer notre RMS là-haut. Rappelez-vous donc que le RMS est une valeur moyenne, n'est-ce pas ? Donc, si nous regardons notre signal, ce qui apparaît en haut , ce sont nos pics La ligne la plus épaisse qui se déplace vers le haut et vers le bas correspond à notre valeur RMS Nous devons obtenir cette valeur RMS assez proche nos pics, puis la situer juste autour de moins quatre , d'accord ? Nos pics vont atteindre moins 0,5, d'accord ? Nous devons donc augmenter notre RMS. Et la façon dont nous allons le faire c'est avec ce gain de maquillage. On peut pousser ce crétin autant que l'on veut. Nous pouvons le pousser jusqu'au sommet. Nous n'allons pas couper parce que ce limiteur de clips souple ne nous le permettra pas. Il ne laissera rien dépasser moins 0,5. Il nous reste donc encore un peu à faire. Voyons donc où nous en sommes en ce moment. OK. Nous sommes donc dans les parages. En fait, nous sommes assez proches. OK, nous examinons donc la valeur verte. Hein ? Et nous sommes assis autour de moins sept , peut-être de moins huit, d'accord ? Nous allons donc insister davantage pour les faire passer à moins cinq. Plutôt génial. Alors maintenant, nous sommes bruyants. Nous sommes gentils et bruyants. Bien, cela nous place exactement là où nous voulons être. Ensuite, je voudrais parler de quelques autres points liés au mastering, mais il s'agit essentiellement d'un master C'est un très bon maître. Hum, parlons du mastering en ligne, des supports d'effets audio. 202. Étapes finales: OK, d'abord, parlons de ce que nous faisons une fois que nous avons terminé. Nous allons le faire rebondir à nouveau Nous allons donc accéder à nos paramètres d'exportation, activer MP 3, si vous le souhaitez Le reste de ces paramètres devrait être correctement activé. Assurez-vous que le début et la longueur sont corrects. Wave Power One, tout le reste devrait être pareil. Nous devrions donc être bons. OK, alors j'ai dit tout à l'heure qu'il y avait différentes choses que nous pouvions faire, et j'ai dit que, dans certains cas, je pourrais utiliser de l'ozone. la plupart des cas réels, je pourrais utiliser de l'ozone pour cela parce qu'il est tellement bon pour cela. Mais il y a une autre chose que nous pourrions également faire, à savoir examiner nos racks d'effets audio Si nous examinons certains de ces préréglages dans les racks d'effets audio , il en existe un bon nombre pour le mastering Hum, Full Chain Master, Media Analog Master, Overdriven Tape, Parallel Punch, Punchy Dance, vous savez, un tas d'autres choses encore Jetons un coup d'œil à l'un d'entre eux. Faisons-le. Tournons-nous. Voyons voir. Média analogique. Que diriez-vous de ça ? Mettons-y un media analogique master, d'accord ? Maintenant, je vais arrêter mon mastering et écouter le leur OK. C'est plutôt bien. Voici le mien. Le mien est beaucoup plus fort. Mais peut-être que celui-ci n'est pas encore tout à fait enregistré. Je veux dire, on pourrait insister beaucoup plus fort. Je les portais tous les deux, n'est-ce pas ? OK, alors voici le mien. OK, maintenant éteignons le mien. Et voici le leur. Appuie dessus. Oui, certainement plus basique, beaucoup plus basique. Mais nous pourrions ajuster cela. Je veux dire, nous pourrions entrer dans les paramètres et ajuster ce qu'il fait. Nous pourrions tout à fait le faire. N'oubliez donc pas ces supports d'effets audio. Ils sont vraiment pratiques. Bien, il y a encore une chose dont je voudrais vous parler, qui s'appelle le mastering en ligne Passons à une autre vidéo sur ce sujet, puis nous aurons terminé. 203. Maîtriser en ligne: Bon, maintenant, il y a une nouvelle tendance que je ne sais pas si je pourrais appeler ça une tendance. C'est quelque chose que je vois certaines personnes faire. J'ai un ami producteur qui ne jure que par cela. Et c'est pour faire du mastering en ligne . Voici ce que cela signifie. Prenons le master que nous avons créé. Débarrassons-nous de ça. Donc, juste notre maître. Je vais le rallumer. Je veux sauver ça. Je vais donc le mettre dans un groupe, Command G. Ensuite, cliquons sur le petit disque et appelons-le. Il semble que je l'ai déjà fait, mais appelons-le Js Mastering two. OK. Maintenant, voici ce que je vais faire. Je vais revenir à la session, à la session de mixage. Et je vais le maîtriser dès cette session. Je vais aller sur ma piste principale. Je vais y ajouter J Mastering two, ou le mastering que tu L'idée ici est que vous mastérisez directement sur votre morceau principal et que vous ne passez pas à la stéréo pour le masteriser votre morceau principal et que vous ne passez pas à la stéréo pour ensuite. Tu sautes une étape Beaucoup de gens trouvent cela très utile, surtout si vous devez travailler rapidement. Tu sais, ça va sonner plutôt bien. L'avantage est que dans le processus de mastering, si vous trouvez quelque chose qui ne vous plaît pas dans le mix, vous pouvez simplement le corriger Vous n'avez pas besoin de revenir en arrière, de le réparer pendant la session, de le faire rebondir, puis de recommencer à zéro, n'est-ce pas ? Cela peut donc être utile pour cela. Cela peut être un peu plus difficile à mixer parce qu'il y a plus de choses à suivre ou, malheureusement, plus difficile à masteriser parce qu'il y en a plus à suivre. Je n'en ai pas fait grand-chose. me dérange un peu à l' ancienne, mais c'est une tendance que certaines personnes suivent. Je trouve ça plutôt cool. J'espère que ça va prendre de l'ampleur. Je vais probablement commencer à le faire dans certains projets à venir. Donc, du mastering en ligne. Maintenant, tu sais. 204. Quoi ensuite ?: D'accord. Nous sommes arrivés à la fin. J'ai encore quelques choses pour toi. Alors d'abord, qu'est-ce qui va suivre ? Il y a une septième partie de cette série géante de cours. Dans la septième partie, nous allons donc nous concentrer exclusivement sur Max for Live. C'est l'une de mes activités préférées. C'est l'une de mes choses préférées de tous les temps. J'adore jouer avec Max for Live, et la seule chose que j' aime plus que ça c'est enseigner Max for Live. J'adore ça. Je suis donc très heureuse de me lancer là-dedans. Nous avons donc presque complètement oublié le vrai cran de Max for Live, car il s'agit animal à part entière Si vous ne le connaissez pas, Max for Live est essentiellement un langage de programmation intégré à Ableton et qui vous permet de concevoir et de créer vos propres effets, synthés, instruments, effets multimédias, effets audio, etc. Tu peux faire des choses vraiment dingues. J'utilise Max depuis plus longtemps qu' Ableton. Donc je le sais. C'est un peu mon pain et mon beurre. Laisse-moi te montrer à quoi ça ressemble. Voici juste une sorte d'appareil Max. Vous pouvez cliquer sur ce petit bouton pour l'ouvrir, et c' est là le véritable pouvoir de Max for Live. Je peux ouvrir cet appareil, et je peux dire : cet appareil est vraiment cool, mais tu sais, ce qui serait plus cool c'est si je pouvais le reprogrammer pour qu'il fasse ce que je veux Et maintenant je peux. Voici à quoi ressemble le code. Et il y a d'autres fenêtres, des choses comme ça. Je pourrais donc dire : OK, j'aime vraiment ça, mais au lieu de plus un, je veux que ce soit plus 20 ou plus Pi ou plus l'humidité actuelle à Tokyo. Je peux faire ces choses. Euh, c'est vraiment amusant. Cela semble intimidant et effrayant, mais croyez-moi, vous pouvez apprendre Je l'ai fait, donc je suis sûr que tu peux. Nous pouvons fabriquer des instruments. Vous savez, on peut dire que j' aime ça, mais je le veux ici, ou je veux que cette valeur soit différente. C'est tellement amusant. Bref, septième partie, Max for Live. Il est probablement sorti maintenant. Veuillez y jeter un œil. Ça va être super amusant. Et nous allons créer un tas de choses, et je vais vous donner un tas de code. OK. Passons à une dernière chose. 205. Présentation bonus: Salut, tout le monde. Je veux en savoir plus sur ce que je fais. Vous pouvez vous inscrire à ma liste d'e-mails ici. Si vous le faites, je vous informerai lorsque de nouveaux cours seront publiés et lorsque j'ajouterai ou modifierai des cours auxquels vous êtes déjà inscrit. Consultez également ce site. J'y publie beaucoup de choses, et je les consulte tous les jours. Alors, s'il vous plaît, venez passer du temps avec moi dans l'un de ces deux endroits ou dans les deux, et nous vous y verrons.