Transcripciones
1. Introduccion: Hola a todos. Mi
nombre es Mike Ryan. Como
animador generalista de Harmony,
llevo más de 15
años animando con especializaciones de
animación
en carácter,
Rig, Efectos, compositor Me gradué del Programa de Animación
Experimental de la UCF bajo la dirección del profesor
Modus Scott Hall Tengo a Workrif Harmony como profesor de animación en línea aquí en Skillshare como
animador independiente en Como cineasta independiente, mi película un Nighttream de pleno invierno ahora se reproduce en festivales de cine, y como contratada
con el animador de
Mighty Animation el segundo
mejor hospital de la galaxia,
ahora juega en ahora En esta clase de animación, te
voy a dar una mirada detrás
de escena en cómo entinté y pinté un pájaro
volando de principio a fin. Te enseñaré
las estrategias, los procesos y los consejos que implica colorización de nuestros personajes
animados a través del entintado y Primero,
te mostraré cómo limpiar tus dibujos
entintándolos como superposición Entonces crearemos
diferentes tipos de trabajo de llama
en base a la cantidad de presión que ejercemos
sobre nuestro pincel para significar la profundidad y
perspectiva del personaje A continuación, pintaremos los personajes con
los colores de nuestra elección, incluyendo cómo elegir cualquier hueco. A continuación, pintaremos
al personaje con los colores
de nuestra elección, incluyendo cómo
cerrar cualquier brecha que pueda impedirnos
pintar esos personajes. Después de eso, agregaremos tonos y reflejos
a nuestro personaje. Y finalmente,
agregaremos un sutil
efecto de desenfoque a nuestro trabajo. Desde el espectáculo promedio,
fue apenas iniciando en la forma de arte hasta el artista que ya tiene
experiencia en el medio. Esta clase es ideal para
principiantes, aficionados y profesionales en el
campo porque puedes usar todas estas habilidades para profundizar tu comprensión de
los principios de la animación Puedes aplicar estas habilidades
a múltiples situaciones fuera de esta clase con animaciones hechas para
tus ruedas de demostración , redes
sociales, sitios web y
cortometrajes propios. Bien. Los animo a
todos a que compartan su trabajo por aquí porque todos
estamos en el mismo barco. Al final de esta clase, no sólo vas a tener una mejor comprensión de
cómo se hace la animación, sino que podrás entintar
y pintar tu propia animación. Muchas gracias por pasar
por aquí, y espero que disfruten de la
clase. Nos vemos pronto.
2. Entintado de tu personaje: Una vez hecho eso, luego hice el
gráfico de troll de movimiento del cubo que luego me llevó
a mi prueba
de lápiz del pájaro volando a través Y eso fue lo
último que te dejé. Entonces esto lo he hecho desde entonces. Esta fue la primera
prueba a lápiz que hice a partir de mi escena. Solo en la secuencia hubo 160
dibujos en total. Tenía la exposición
fijada para los dibujos, alternando 2-1 porque cuando los
hice en dos
era demasiado lento. Y cuando expuse a
los unos, eso fue una lástima. Así hacerlo de dos por
uno por dos por uno, alternando entre
esos dos números. Me dio el
equilibrio adecuado que necesitaba, que no es demasiado rápido. No es demasiado lento, que
el ritmo tiene que ir. Entonces esta toma corre a
24 fotogramas por segundo, lo que me daría en total
10 segundos de animación, que se monta a 240 fotogramas. Aquí está mi animación de doblaje limpio
ahora habiendo sido entintada. Cuando se trata de entintado, aplico diferentes cantidades de presión sobre ciertas
partes del cuerpo Cuanta más presión
aplique al dibujo, más oscura o gruesa será
la línea. Cuanto menos presión
aplique al dibujo, más ligera o más delgada será
la línea, hago esto porque crea una sensación de
muerte al dibujo, un sentido de perspectiva. Por lo que ciertas partes
del cuerpo aparecerán más oscuras que otras partes
del cuerpo aparecerán más claras. Eso sugeriría que algo está frente a otra cosa. Y eso lo aprendemos del dibujo. Cuando estás dibujando todavía
vidas u objetos o personas, aplicas cierta cantidad
de presión sobre el lápiz. Entonces de esa manera,
sugeriría algo el primer plano y algo el fondo Y solo le da al dibujo una patada extra que
lo hace destacar más. Y así lo hice por
todos los dibujos, y podría ser tedioso
y laborsme para, pero vale la pena porque si hiciste el dibujo
con la misma cantidad de
presión en todas partes, entonces el trabajo de línea
sería exactamente el mismo, y simplemente no
envía tanto como lo haría si lo
aplicaras Obtienes diferentes tipos de trabajo de línea de eso,
que a mí me gusta más. Me gusta aplicar
diferentes cantidades de presión porque
me da diferentes tipos de trabajo de línea, lo que luego hace que
el dibujo
envíe al menos para mí, al menos. Voy a mentir, lleva mucho tiempo entintar
todos estos dibujos. Se necesita mucho tiempo esfuerzo y paciencia
para atravesarlo. Pero al final, una vez que
veas todo
limpiado, merece la pena.
3. Pintar tu personaje: Aquí está la
versión pintada de la animación. Al igual que un rey,
pinté los 160 dibujos
de la secuencia. Y la forma en que
funciona en tune boom es que tengo el entintado
hecho como una superposición Una superposición es una capa que
se coloca sobre tu dibujo. Entonces piénsalo como en
photoshop, tienes una capa, creas una nueva capa encima
de ella y puedes dibujar sobre ella sin afectar la capa
original. Es así. Entonces después de terminar el entintado, luego
fui a la capa de
arte de color de mi pintura, que está debajo de la
superposición y la capa de líneas Entonces copiaría los 160 dibujos
y los pegaría en
la capa de arte de color. De esa manera, el entintado puede seguir siendo una capa separada la pintura
puede ser su propia capa Para que de esa manera los
pueda tener con fines de archivo. Entonces si me
equivoco, doctor o, todavía
tengo los dibujos
originales lado
opuesto al que
puedo ir todavía. Y a partir de ahí, entonces empiezo a
pintar los 160 dibujos. Y al igual que antes, sí toma mucho tiempo
esfuerzo y paciencia, pero una vez que lo superes, te encantará el
resultado al final. Entonces, a veces cuando estás
entintando y pintando, podrías tener diferentes
formas de hacerlo. Como, para mí, voy y
vengo, si bien trabajaría en cierta parte del
cuerpo. Digamos el pico Ahora hago el pico, ya sabes, para dibujos gemelos antes pasar a otra
sección del cuerpo, o podría hacer todo el
cuerpo al mismo tiempo Ahora voy a hacer eso
por dibujos gemelos antes de hacer otra cosa. Depende de cómo te sientas
porque a veces puedes
sentir que quiero hacer todo el
cuerpo al mismo tiempo. Sólo quiero hacer cierta parte para hacerte sentir que
vas más rápido. O podrías
sentir que, ya sabes, no
siento que estoy
logrando no siento que estoy haciendo lo suficiente enfocándome en
una pieza del personaje Puedo hacer todo
al mismo tiempo. Entonces tal vez quieras
hacer eso también. Yo personalmente lo hago en
ambos sentidos
basándome en cómo me siento en
este momento, y creo que eso funciona. Bien. En ocasiones cuando pintas la pintura puede
rellenar la forma, eso podría sugerir que el trabajo de
línea no está completo, que puede haber
un agujero o un hueco. Cuando eso sucede, solo voy a la herramienta de hueco cerrado y
eso resuelve ese problema. Entonces podrás
pintar toda la forma.
4. Creación de los tonos: La pieza final de nuestra clase es nosotros trabajando en los reflejos
y tonos de nuestra animación. Lo que eso significa es que cada vez luz golpea a un
personaje u objeto, crea sombras
y reflejos, sombras como en lo oscuro aparecerá
el objeto o
personaje. Y las luces que
brillan sobre el tema. La primera parte que debemos hacer es el tono
porque el tono es en realidad la parte más fácil de
la situación, si se quiere. Con el tono, vamos
a entrar en la red de nodos, que está en esa ventana de nodo fuera del lado en tu programa de
tune boom. Vamos a
obtenerlo de la biblioteca, el elemento tone y soltarlo conectado con la capa de dibujo que
vamos a crear. En nuestra nueva capa de dibujo, crea un rectángulo y rellena el rectángulo con
cualquier color que se te ocurra. En realidad no
importa. Podría ser rojo, azul, morado, cualquier cosa.
No importa. Una vez que hagas eso, asegúrate de
que cubra todo el personaje. Ahora, para poder verlo,
vamos a tener que ver nuestro trabajo a través de la ventana de visualización de
cámara,
la ventana de vista de cámara nos
permite ver la animación en pre resolución
y resolución completa. Así que asegúrate en esa ventana que el rectángulo cubra
todo el personaje para estar seguro, asegúrate de que cubra
toda la vista de la cámara porque tu personaje va a cambiar perspectiva
en forma
de pequeño a grande. Entonces, tener el rectángulo cubriendo toda la
vista de la cámara tiene sentido entonces, una vez que lo hayas hecho, dirígete a la ventana sin
red allí, puedes cambiar los
ajustes de tu tono de la intensidad
a la opacidad De esa manera podrás tener control sobre la sombra de
tu personaje u objeto. Asegúrate en tu línea de tiempo que tu dibujo cubra 240 fotogramas. De esa manera, tu personaje
siempre estará en esa sombra
porque si no lo
haces, vas a tener marcos
donde no se muestre la sombra, y entonces eso va a ser malo. Así que no hagas eso. Bien. Bien.
5. Animación de los reflejos: Con el tono fuera del camino, ahora
podemos enfocarnos
en lo más destacado. Ahora, la luz alta implica animar porque
con cada fotograma, tenemos que sacar
qué partes del cuerpo, la luz estaría
golpeando al personaje Con esta parte, puedes
jugar con ella porque hay muchos ejemplos en línea de la luz golpeando personajes u objetos de diferentes maneras. Así que juega con él, mira qué funciona mejor para ti, y luego ve con eso. Esta sección requerirá que estemos jugando con
la luz porque
necesitamos averiguar por nosotros mismos dónde
funcionaría mejor la luz en el personaje, cómo debería verse
y cómo va a quedar cuando está en movimiento porque eso también puede marcar
la diferencia. Hay
que tomarlo en cuenta. Me ayuda a encontrar ejemplos
en línea porque hay muchos ejemplos de sujetos que golpean la luz
de diferentes maneras. Así que eso siempre es
un buen recordatorio. Entonces será un proceso de prueba
y error para que te concentres en un área que debería ser la luz solo para averiguarlo no creo que vaya a funcionar, y luego borra
eso. Eso está bien. Es bueno pasar por ese
proceso porque de esa manera, podemos saber dónde funcionan las piezas
y dónde no funcionan las piezas. Una vez que haya terminado de
animar los reflejos, diríjase a la ventana de la red del
nodo y juegue alrededor de los ajustes, allí podrá jugar
con su opacidad, la intensidad y la
nitidez de Si tu escena necesita tener
un efecto de iluminación nítido, entonces asegúrate de que el
desenfoque esté apagado. Si su escena necesita un
efecto de desenfoque para la iluminación, luego juegue alrededor de
la configuración de desenfoque. Elige la configuración que mejor te
funcione, dependiendo de lo que estés
buscando en tu escena. Bien.
6. Creación del desenfoque: Con los reflejos y
tonos fuera del camino, ahora
tenemos una
última cosa que hacer. Queremos darle a nuestra animación un simple efecto de desenfoque ligero. Ahora bien, esta es una
preferencia personal, pero para mí,
me gusta agregar un ligero
desenfoque a la animación porque eso es lo que tenía la animación de la
vieja escuela. Como todo se
hacía analógico en ese entonces, había un desenfoque en ello, por
lo que nunca fue demasiado nítido. Y como resultado, hubo un calor en
la guerra que viste. Hoy en día, con todo
hecho digital, tiendes a tener todo
hecho súper nítido. El problema con eso es
que con la nitidez, hay un cltness que
sin querer viene
de eso que
se siente menos orgánico,
menos natural y consecuentemente, falta de calidez
a Esto es para un ejemplo perfecto. Esto es como la comparación entre discos de vinilo y CDs. Cuando tocas un
disco de vinilo en el reproductor, puedes sentir y escuchar la calidez de la música
del sonido que el reproductor está produciendo en el vinilo como resultado de que la aguja
cae sobre el vinilo. No se obtiene ese mismo
tipo de forma cuando se reproduce el mismo tipo de música en el reproductor de CD porque en el CD, la música ha sido digitalizada Entonces hay una diferencia
entre los dos. Y por eso me gusta añadir una ligera palabra a mi
animación porque para mí, le dio más de una cualidad
natural. Por último como, echemos un
vistazo a todo el trabajo que hemos logrado
en estas pocas clases. Estoy llegando a terminar, tenemos las seis piezas que muestran la
progresión para la animación.
7. Conclusión: Hola, bienvenido de nuevo. Ahora que ya
has terminado la clase, hagamos un breve
resumen de lo que
aprendimos antes de sumergirnos en el proyecto de clase Primero, te mostré
cómo limpiar tus dibujos
entintándolos como una superposición Luego creamos
diferentes tipos de trabajo
volador
basados en la cantidad de presión que ejercemos
bajo nuestro pincel para significar la muerte y
perspectiva del personaje Después de eso, pagamos al personaje con los
colores de nuestra elección, incluyendo cómo
cerrar cualquier brecha que pueda prohibir completar
la pintura Después de eso, agregamos tonos y reflejos
a nuestro personaje. Y finalmente, agregamos un sutil efecto de
desenfoque a nuestro trabajo. Nuestro proyecto para esta clase se dividirá en
varias tareas. No hay prisa en
completar estas tareas. Tomarán
tiempo y paciencia, así que ninguna presión en absoluto. Trabaja en este proyecto a
tu propio ritmo y ocio. Una vez que termine su animación, publique toda su animación la galería de proyectos de clase. Para tu primera tarea, publica tu animación entintada de tu escena en la galería de proyectos de
clase Para la tarea dos, publique su animación pintada de su escena en la galería de proyectos de
clase. Para la tarea tres, publica tu animación tonificada de tu escena en la galería de proyectos de
clase Asignación cuatro, publique su animación
resaltada de su escena en la galería de proyectos de
clase. Asignación cinco, publica
tu animación borrosa de tu escena en la galería de proyectos de
clase Te prometo que será la
última vez que me escuchas decir en la galería de
proyectos de clase. Estamos obligados a, Bueno,
Eso es todo por ahora. Muchas gracias por pasar
por aquí. Realmente lo agradezco. Espero haber podido
hacer esta clase divertida, abierta e informativa
para todos ustedes. Gracias de nuevo, y.
Nos vemos más tarde. Bien.
Mike Ryan, Traditional Animator
