Teoría del color para diseñadores de personajes: consejos y trucos | Ira Marcks | Skillshare
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Teoría del color para diseñadores de personajes: consejos y trucos

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:42

    • 2.

      Resumen de la clase

      2:08

    • 3.

      Lección: historia de color pt. 1

      2:46

    • 4.

      Lección: historia de color pt. 2

      4:55

    • 5.

      Lección: historia de color pt. 3

      4:27

    • 6.

      Lección: comunicarse con color

      4:12

    • 7.

      Lección: color y dibujos animados

      5:13

    • 8.

      Lección: matices de una historia

      2:40

    • 9.

      Lección: guion de color para la película Up de Pixar

      4:23

    • 10.

      Lección: estilo y personaje

      7:41

    • 11.

      Proyecto: configuraciones, herramientas, atajos

      4:42

    • 12.

      Proyecto: inspiración y directrices

      4:25

    • 13.

      Proyecto: boceto en tres etapas

      6:46

    • 14.

      Proyecto: entintado

      3:08

    • 15.

      Proyecto: bloqueo de color

      7:20

    • 16.

      Proyecto: refinar los tonos

      1:20

    • 17.

      Proyecto: saturación y valor

      5:42

    • 18.

      ¡Extra! Color de línea y luz de borde

      5:27

    • 19.

      Para concluir

      2:09

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

2572

Estudiantes

71

Proyectos

Acerca de esta clase

Inspira tus diseños de personajes con la teoría del color.  Este curso comienza con una mirada a cómo los artistas (de todo tipo) utilizan el color. Luego, continua con un breve estudio sobre lo que hace que el color de los dibujos animados sea tan especial. Una vez que los engranajes de nuestra mente estén en marcha, saltaremos a Photoshop CC con un proyecto de clase que te brindará las herramientas y técnicas necesarias para darle más vivacidad a tus dibujos.

Estos son los temas que cubriré:

  • Una breve historia del color y el arte
  • Una mirada a cómo se comunica el color
  • Los fundamentos del uso del color en los dibujos animados
  • Planificación del color al dibujar y entintar
  • Colorear bloques en Photoshop CC
  • Refinar los tonos, la saturación y el valor de una imagen
  • Técnicas de iluminación de color (color de línea y luz de borde)

Para esta clase, todo lo que necesitarás es una comprensión básica de Adobe Photoshop CC (la mayoría de las versiones anteriores también funcionarán).

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Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

Ira Marcks is an award-winning, New York Times recommended author of graphic novels. His list of clients and collaborators includes Little, Brown Publishing, the Hugo Award-winning magazine Weird Tales, the European Research Council, GitHub and a White House Fellowship Scientist. iramarcks.com

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Transcripciones

1. Introducción: El color correcto en el lugar correcto realmente puede hacer que un dibujo cobrara vida. Pero cuando estás trabajando desde tu propia imaginación salvaje, sabes dónde puede pasar cualquier cosa. Se pone realmente difícil encontrar ese color correcto y ese lugar correcto. Ya sea que quieras expresar una emoción o describir algo para lo que no tienes palabras, vas a necesitar un plan si quieres navegar por el mundo del color. Hey soy Myrie Marks, soy dibujante e ilustrador y el color siempre ha sido una gran parte de cómo cuento una historia. Paso mucho tiempo pensando y leyendo sobre por qué y cómo funciona el color y mucho más tiempo sentado en Photoshop, mezclando y emparejando muestras. Cada proyecto basado en color es una búsqueda esa combinación especial de matiz, saturación y valor. Esta clase es mi propia mezcla especial de teoría y práctica. decir, voy a compartir algunas historias e imágenes para tus engranajes mentales se muevan y sigan eso con un proyecto basado en personajes que te hará mezclar y emparejar colores en Photoshop mejor que nunca. Al final de todo, estarás trabajando de manera más inteligente y rápida y lo más importante, tus dibujos se sentirán más vivos. Es hora de dejar de sentirte perdido en tus muestras. Déjame ayudarte a encontrar tu camino a través de ese loco mundo mezclado de color, pintura, paletas y Photoshop. 2. Descripción de la clase: Estás sentado ahí frente a tu pantalla con tus herramientas de dibujo cerca. Ahora antes de que lleguemos a ello, déjame decirte qué esperar de esta clase. En realidad son dos mitades distintas. Durante el primer tiempo, he planeado una lección para que pienses de formas nuevas y emocionantes sobre el color. Empezaremos con un vistazo a cómo los artistas a través de la historia han influido en el núcleo de cómo nos relacionamos con el color. Entonces, saltaremos al mundo contemporáneo de nuestro InDesign para mirar algunas de mis inspiraciones favoritas no pictóricas. Eso nos llevará a la forma principal de arte de la clase, los dibujos animados. Compartiré las formas únicas en que el caricatura utiliza el lenguaje del color, y luego veremos cómo los caricaturistas modernos estilizan el color para un proyecto específico. Después llegamos a la segunda mitad del curso, el proyecto de clase. El encargo por el que te estaré guiando es la creación de diseño y coloración de un personaje conocido como guardián elemental, más sobre eso después. Estaremos trabajando en Photoshop CS, un programa con el que solo necesitas estar un poco familiarizado para hacer este proyecto. Te mostraré cómo configurar tu archivo y luego veremos las herramientas necesarias que necesitarás para dibujar y colorear, así como algunos atajos súper ahorradores de tiempo que mantendrán tu proceso creativo fluyendo sin problemas. Entonces te guiaré por la etapa conceptual del diseño de tu personaje, que incluye encontrar inspiración y asombroso proceso de bocetos en tres etapas y una mirada rápida a entintar una caricatura. Después viene colorear. Durante el proceso de coloración, revisaremos técnicas inspiradas en la industria para el bloqueo de color, refinando el uso de su diseño, y lo más importante, utilizando la saturación y el valor. Entonces, tengo un capítulo extra sobre dos técnicas de coloración cool, color de línea, y luz de llanta. Trabajé muy duro para darte el equilibrio adecuado de mente expandiendo la teoría del arte, consejos técnicos y pasos prácticos para ayudarte a convertirte en un mejor colorista, ilustrador y narrador. Sin más dilación, vámonos. 3. Lección: historia del color parte 1: El color siempre ha tenido un don para asomar la curiosidad humana. Cuando nos encontramos con un color, realidad esperamos encontrar un misterio en él, y a su vez, un significado. No podemos evitarlo. Está en nuestra naturaleza explorar los colores. A través de nuestras experiencias, desarrollamos relaciones con ellas. El color nos enseña a vivir en el mundo visual. ¿ Eso suena loco? Yo no lo creo. El mundo está lleno de colores. Para tratar con todos ellos, nuestros cerebros necesitan reconocer sus distinciones. A través de esta necesidad, agudizamos nuestra percepción de los colores elementos principales, es el uso, sus valores y saturación, y comenzamos a asociar las características del color con nuestras experiencias. Nuestros cerebros ordenan estas nociones de experiencia de color. Algunos se caracterizan como utilitarios, como cuando reconocemos el color de un signo de stop. Algunas nociones se caracterizan como observación natural, como reconocer el color del cielo antes de una tormenta eléctrica, y algunas nociones son emocionales, como ver un color que nos recuerda a una chaqueta que teníamos de niño. A medida que reunimos experiencias, nuestras relaciones únicas con el color se profundizan. La psicología del color como conversación es vieja como el arte mismo. Hay innumerables teorías por explorar. Pero para mí, siempre me he conectado con las nociones de Johannes Itten, expresionista suizo y quizá el teórico del color más famoso del siglo XX. Itten vio una vasta diferencia entre el color como utilidad y el color como puerta de entrada a un significado oculto. Se podría adivinar que su teoría va un poco más profundo que memorizar la rueda de color. Itten creía en los artistas, estética del color se informa a través de alguna combinación de tres tipos de intención. Impresión, significado, observación visual, expresión, representación emocional y descripción del artista, potencial del color para la amplificación simbólica. Esta teoría realmente fortaleció mi relación con el color y me dio una apreciación mucho más profunda por el papel de los colores en la historia del arte. Creo que hay mucho que aprender de ver el mundo del color de esta manera. Ahora, voy a compartir esa vista con ustedes. 4. Lección: historia del color parte 2: Los pintores en la antigua China estaban cultivando una relación con el color mucho antes de la mayoría de las civilizaciones. A medida que su paladar de color se expandió también lo hizo el significado detrás de su uso. Encontraron inspiración en el mundo que les rodea, particularmente en el suelo amarillo de la meseta más baja, el origen de la civilización china. De las impresiones del mundo natural surgió una expresión de simbolismo cultural. Los antiguos pintores chinos usaban el color para representar las energías de la naturaleza. En el centro de esta teoría estaba el amarillo, un color reservado exclusivamente para su emperador. El arte mosaico del Imperio Bizantino tenía intención de preservar las historias de sus santos sagrados. Esta responsabilidad colocó una gran demanda en estos artistas romanos y sus colores. Imagina la sofisticación de su proceso creativo, mira la forma en que crean sutiles variaciones de color, luz y sombra. El mantenimiento de esta obra a través de los siglos aseguró su influencia sobre las futuras generaciones de artistas, especialmente los empleados por la iglesia. Este estilo de mezcla de imaginación, observación impresionista, y significado simbólico a través del color está en la raíz de tanto arte occidental. Para el siglo XV, los Pintores renacentistas italianos habían dominado la tonalidad y la modulación del color. Estaban pintando imágenes masivas y épicas a niveles dementes de realismo. Si bien el simbolismo seguía en la raíz de sus composiciones, las imágenes fueron despojadas de elementos decorativos vistos en obras de arte religiosas anteriores. Para mí, las pinturas del Renacimiento tienen el peso y el drama de una escena de una película, pero este no fue el ápice de la pintura realista. Eso no llegó hasta que artistas como Tiziano a mediados del siglo XVI comenzaron a enfocar realmente su uso del color. Tiziano usaba el color para dar carácter y virtud a los principales temas de sus composiciones. Mira las dos figuras planteadas en esta multitud de cuerpos retorcidos, localizar y enfocar el color era una forma brillante de llevar el simbolismo a un estilo realista de pintura. La teoría del color del Renacimiento se incrustó tan profundamente en la conciencia colectiva del mundo del arte. Durante cientos de años, esta estética es lo que la gente imaginaba cuando pensaban en el arte y el color. Pero para el siglo XIX, la cultura del arte estaba lista para una perspectiva completamente nueva. En 1810, Johann Wolfgang von Goethe publicó el libro Teoría de los Colores. Goethe era autor de literatura emocional, pero también tenía igual interés por el arte visual y su relación con la ciencia. Este nuevo libro tenía la intención de cambiar la percepción del color del mundo. La teoría de Goethe buscaba validar la función científica de la imaginación humana en respuesta al fenómeno de la luz y el color. El calor del sol poniente y la frescura de la sombra ascendente de la Tierra hacia él eran evidencia no sólo de la fracturación de la luz blanca, sino de la intuición poética de la humanidad. La teoría de Goethe está envuelta en su versión de la rueda de color. A primera vista no parece ser diferente al marco racional de las teorías del color anteriores. Pero aquí Goethe ha asignado cualidades alegóricas a cada campo de color. El rojo es belleza, el naranja es nobleza, el amarillo es bueno, verde es utilidad, el azul es común y el violeta es lo innecesario o espiritual. No hace falta decir que el mundo científico no encontró valor académico en su investigación sobre la óptica, pero sus estudios del color siguen siendo influyentes hasta el día de hoy. No son sólo los artistas los que se conectaron con la teoría del color de Goethe. todo tipo de personas les gustaba. Creo que los tecnólogos, John Gage lo puso mejor cuando dijo: “Goethe argumentó que no hay color en el mundo físico. Sólo hay patrones de luz y oscuridad, y estos patrones son una sensación producida por nuestras mismas almas”. 5. Lección: historia del color parte 3: El vínculo entre la intuición poética y la ciencia del color es un aspecto importante de todo movimiento del arte moderno. Para la década de 1880, unos 70 años después de que se diera a conocer el libro [inaudible], el mundo del arte había llegado al neo-impresionismo. Los artistas de este movimiento, como Henri Edmond Cross, tuvieron un profundo aprecio por el poder emotivo del color, así como una profunda comprensión de la ciencia óptica. En cierto modo, las pinturas de la vida urbana de Cross son experimentos en respuesta humana al color. Su trabajo demostró que las nociones de color eran tan fuertes en la imaginación humana que el significado podía ser comunicado a través de arreglos simplificados de puntos de colores. Poco después de Cross, Monet y los demás impresionistas estaban riffando las teorías neo-impresionistas. Monet se consideraba más si un estudiante de luz que un estudiante de color. Sus pinturas buscaron estudiar la forma en que la luz solar altera los tonos locales de los objetos naturales. Al igual que los neo-impresionistas, Monet creía que la mezcla pigmentos rompe el poder del color de pares y que los ojos instan a un cierre visual conducirá a un espectador a escenas significativas en un sentido más profundo del papel de la luz en el mundo. artista francés Paul Cézanne, amplió el ideal renacentista de la modulación del color mezclándolo con la influencia de los impresionistas. El resultado fueron pinturas de escenas representacionales que brillaron con exagerados efectos de color. Cezanne estratificó ritmos sutiles de colores fríos y cálidos para acrecentar la realidad en sus imágenes. El cambio de siglo trajo a todo el Movimiento Expresionista. Es originadores, como el pintor noruego Edvard Munch, vieron el color como una forma de representar la psicología interna. Los expresionistas se alejaban del mundo exterior y comenzaron a buscar la naturaleza interna de los humanos para exponer las emociones a menudo no representadas de la existencia natural. Aquí tienes una cita de Munch que resume bastante bien al Movimiento Expresionista. “ La naturaleza no sólo es todo lo que es visible a los ojos. También incluye los cuadros interiores del alma”. Hilma af Klint fue uno de los primeros pintores salir de una larga tradición de color representacional. Dijo: “La luz fue el primer fenómeno del mundo y comparte la verdadera naturaleza del mundo vivo a través de su color”. Klint pasó toda una vida diseñando su lenguaje de color, distinguiendo la energía masculina con un amarillo dorado y una energía femenina con un azul cáscara de huevo. Su profunda comprensión de la teoría del color le permitió explorar las relaciones de las energías humanas con la armonía de la naturaleza. Al igual que af Klint, Piet Mondrian vio el potencial del color para conectar a la humanidad con un plano superior de conciencia. Mondrian dijo una vez: “Deseo acercarme a la verdad lo más cerca posible y por lo tanto, abstraigo todo hasta llegar a la cualidad fundamental de los objetos”. Mondrian fue descrito como teórico tanto como pintor. Su obra expuso el marco básico del arte visual, despojándolo a colores primarios, dispuestos intencionalmente sobre un lienzo. Al quitar la estética familiar del arte, pudo conectarse con una parte más profunda de la relación de los humanos con la forma y el color. El cuento del color es realmente la historia de la intención creativa. En cualquier imagen en color, vas a encontrar impresiones, expresiones en simbolismo que reflejan la relación de un artista con la naturaleza de su mundo. Es sólo cuestión de mirar más profundo. La teoría es divertida y todo pero es hora de ponerse práctica. Echemos un vistazo a las formas en que los artistas modernos usan el color para hacer el trabajo. 6. Lección: comunicarse con color: Para comunicarme realmente con el color, es importante para mí entender cómo los artistas que trabajan fuera de mi campo de ilustración hacen el trabajo. Estas son las lecciones que he aprendido de un diseñador gráfico, fotógrafo y diseñador de producción cinematográfica. Paul Bacon usó el color para comunicar el estado de ánimo. El diseñador gráfico Paul Bacon fue un gran fan del jazz y construyó su carrera en torno a su amor por la música. Creó icónico álbum de arte para Blue Note Records y otras impresiones centradas en el jazz. De niño, veía su trabajo constantemente apareciendo en antigua colección de discos de mi papá y me topaba con ella navegando por las tiendas de discos. Durante toda una generación, paleta de colores de Paul Bacon de tonos pálidos y colores fríos se convirtió en la representación visual de los sonidos invisibles de músicos como John Lee Hooker, Abby Lincoln y Thelonious Monk. Paul Bacon me mostró a una edad muy joven para mirar más allá de los colores felices de mis libros de Eric carle y ver colores que representaban más oscuros en estados de ánimo complejos. Vivian Maier utilizó el color para comunicar historia. Durante casi 60 años, Vivian Maier caminó tranquilamente por las calles de Chicago con su cámara haciendo fotos a color. Usó el color para crear vívidas pequeñas poms. sintió particularmente atraída por el amarillo y la forma en que evocaba una historia, tres extraños con el mismo sentido de la moda. A ambulantes callejeros que se encuentra escenificado por un telón de fondo de cortinas de mostaza, un ramo desechado se desplomó como un borracho contra una farola, un escarabajo de un solo ojo a principios del invierno, un campo de pedales de primavera que llamaban la atención de un misterioso artista. No paso mucho tiempo mirando fotografía, pero cuando veo algo que me gusta, siento una conexión instantánea. Vivian Maier cuenta el tipo de historias con las que me conecto y su uso del color siempre tendrá un lugar especial en mi corazón. George Conture utiliza el color para comunicar tema. papel de contorno en la industria cinematográfica no es tan celebrado como el de un actor o director. Su trabajo es diseñar un mundo para que un personaje pueda existir. No sólo eso, sino para asegurarse cuando un personaje no está hablando, el mundo a su alrededor está comunicando la historia y el tema de la película. Ahora mismo estás mirando el metraje final de la película de 2007, “No Country for Old Men”. Esta película ganó el premio de contorno y academia. Aquí la historia que lo llevó al escenario. Cuando fue puesto a cargo del diseño de producción para la adaptación cinematográfica del autor Cormac McCarthy's Modern Western. Conture tuvo que encontrar la manera de expresar visualmente el tono oscuro del estilo de escritura de McCarthy. “ No Country for Old Man” se ambienta en 1980 Texas, a lo largo de la frontera con Estados Unidos México. Conture tuvo que diseñar una paleta de colores que transmitiera la dureza, el calor y la sed del desierto abierto, además de enmarcar el escenario como un lugar al borde de la civilización. Su solución fue brillante y como todas las ideas brillantes, la resolución fue notablemente simple. Conture hizo una pequeña pintura al estilo del pintor expresionista Mark Rothko, unos tonos de marrón, una sombra de descanso, una sombra de concreto y una salpicadura de sangre. Este cuadro estableció el tema y marcó un tono para que los actores y directores siguieran. Ahora intenta ver esta película y no sentir la influencia de esta pintura en cada cuadro. George Conture, Vivian Maier y Paul Bacon son sólo algunos de los artistas que me hacen sentir que es posible hacer algo nuevo y emocionante con el color. Tómese un tiempo para mirar sus inspiraciones y tratar de ver qué impresiones han dejado en su propio proceso creativo. 7. Lección: color y dibujos animados: Cuando estoy trabajando en un proyecto, siempre estoy tratando de equilibrar esas tres intenciones de color. Recuerda desde antes: observación visual, representación emocional y amplificación simbólica. Estos son los elementos que hacen que el color sea poderoso, pero en mi mundo de las caricaturas, me parece que la forma de arte tiene su propio conjunto de fortalezas únicas, que lo convierten en mi forma favorita de contar una historia. Aquí te dejamos lo que llamo las cuatro fortalezas del color de los dibujos animados. Los dibujos animados usan el color para ampliar el atractivo. Pasé la segunda mitad de la década de 1980 viendo muchas caricaturas, caricaturas de los 80 fueron, en su mayor parte, comercializando juguetes. Cada personaje tenía un esquema de color simple y vívido, lo que hacía fácil para los niños identificarlos, y por supuesto, señalarlo en la juguetería. Se trata de una estrategia efectiva que realmente cambió la forma en que la industria utilizaba el color, para ampliar el atractivo de sus personajes. Puedes ver esta estrategia de color en el trabajo en la franquicia de Tortuga Ninja Teenage Mutant. En realidad, las Tortugas Ninja comenzaron como un cómic indie subterráneo oscuro y afligido, de Kevin Eastman y Peter Laird. Pero cuando la propiedad se convirtió en franquicia de niño, los personajes se les dio un cambio de imagen. Observe que los tonos de piel se convirtieron en un tono más amigable de verde, y lo más importante, el establecimiento de sus icónicos pañuelos de color. Las opciones de color no eran diferentes a cómo un equipo de marketing emplea la psicología del color, para conectarse con los consumidores. Leonardo, el líder del equipo, obtiene un tono de azul, una personalidad de color calmante, pie por la lealtad y el respeto. Miguel Ángel, el divertido amante del equipo, chico de fiesta, es naranja, un color cálido y agradable con un tono aventurero. Donatello, el inventor del equipo, es morado, la personalidad de color de la imaginación. Rafael, el cabezal del equipo, es por supuesto rojo, es por supuesto rojo, un color asociado al poder y la pasión, un color que puede ser a la vez audaz y enojado. Los dibujos animados usan el color para evocar escenarios fantásticos. dibujante europeo, Moebius, utilizó el color para evocar mundos fantásticos y personajes misteriosos. Siempre es una buena idea revisar a un artista establecido, encontrar patrones en su enfoque, y entender qué hace que funcione su uso del color. Moebius, para mí, toca las características distintas de los tonos cálidos y fríos, uno contra el otro. Toma aspectos familiares de nuestra realidad, y los yuxtapone de formas que los hacen sentir de otro mundo. El color en sus fondos, suele ser tonalidades de morado, azul y verde. Sus personajes encarnan naranja, amarillos y tonos de rojo. Los dibujos animados usan el color para representar la individualidad. caricaturismo como forma de arte, ha recorrido un largo camino desde la década de 1980. El cómic serie Lumberjanes, tiene atractivo amistoso para niños, pero hace grandes esfuerzos para fundir a sus personajes, en personalidades reales y distintas. El cuento de Jo, April, Molly, Mal, y Ripley, está lleno de elementos fantásticos en tropos de dibujos animados, pero en su esencia, el libro es una historia de llegada de la mayoría de edad sobre cinco mujeres jóvenes. Son personas con familias e historias, personas con las que realmente puedes relacionarte. Los dibujos animados usan el color para crear contraste narrativo. Batman y Joker, son probablemente el emparejamiento hero-villano más reconocible en la cultura moderna. No es casualidad ahí la conexión es tan poderosa, considera su paleta de colores. disfraz de Batman está diseñado para intimidar a los criminales. Crea una silueta fuerte mediante el uso de negro y tonos de gris o a veces azul. Por lo general, su disfraz tiene un acento amarillo en medio de su pecho, en la tradición de los clásicos héroes de color primario, como Superman. Batman es un símbolo de la justicia oscura. El disfraz del Joker es más o menos lo contrario, es mucho más ocupado y teatral. Al usar una combinación de los tres colores secundarios, verde, morado y naranja, el Joker es un visual opuesto al típico héroe de color primario, y una fuerza disruptiva al cruzar la cruda silueta de Batman. Narrativamente, Batman y Joker son dos caras de una misma moneda, y están en conflicto continuo le da a cada personaje una presencia más audaz en la página. Cuando se trata de contar historias, color es una poderosa herramienta narrativa. Podemos identificar la personalidad de una historia, solo por su paleta de colores. Ahora, vamos a profundizar un poco más en cómo el color evoca nuestra imaginación. 8. Lección: matices de una historia: El color es un aspecto dinámico de la narración visual. Crece y cambia con los personajes de la historia, y su compromiso con su entorno. Estamos viendo un corto animado sobre un cuaderno de bocetos itinerante que se pasa de personaje a personaje. Elegí este cortometraje como ejemplo por algunas razones. Una de las razones es este estilo pintor que está trabajando el artista y realmente resalta la paleta de colores de la película. El segundo motivo es que la película no utiliza el diálogo ni la narración. Sin esta herramienta de narración común, el espectador tiene que unir la historia solo a partir de las imágenes. Observa la forma en que el color cambia constantemente el estado de ánimo de las escenas mientras el libro viaja por el mundo. Se puede evocar el poder narrativo del color utilizándolo para servir a estas tres tareas distintas. Usa el color para apoyar la historia. Usa el color para describir la personalidad de un personaje. Usa el color para hacer que un personaje destaque del fondo. Mirar ejemplos de caricaturas de forma larga narración de cuentos realmente me ayuda a entender cuánto juega un papel el color en las artes narrativas. Encuentro una gran manera de estudiar la coloración de dibujos animados es a través del guión en color de una película animada. Un guión en color es una forma para que un artista de producción cree un mapa preliminar del color, la iluminación y los ritmos emocionales de un guión cinematográfico animado. Se hace un guión en color mucho antes de que la película entre en cualquier producción final y se parece un poco a una tira cómica larga y sin palabras. Un guión en color puede transmitir ritmos de historia externos como la distinción entre dos escenas. También transmite latidos de historia interna como el arco emocional de un personaje. Detrás de cada gran caricatura hay un gran guión en color. Es una de esas etapas cruciales del proceso creativo. El artista de la lección se enfoca en el impacto y las consecuencias de sus elecciones de color. En el siguiente video, voy a revisar el guión en color de Lu Ramano para la aplicación de cine animado de Pixar. Aviso justo, estaré repasando cada punto de trama de las películas. Entonces si aún no lo has visto, quizá quieras saltar al siguiente capítulo. 9. Lección: guion de color para la película Up de Pixar: Mientras te hablo a través del esquema de trama de arriba, intenta mantener los ojos en los colores que utiliza Lu Romano para comunicar la historia. joven Carl Fredricksen está en una sala de cine viendo algunas viejas y diminutas imágenes de noticieros sobre su héroe, famoso explorador Charles Muntz. En un viaje a Sudamérica, Muntz descubrió un pájaro raro y con la ayuda de su manada fiduciaria de perros parlantes, el explorador planea regresar a la inexplorada región de Paradise Falls para traer de vuelta pruebas del animal. De camino a casa, joven Carl conoce a Ellie, una joven plucky con gusto por la aventura. Se convierten en amigos rápidos y Carl promete volar su camino a Paradise Falls algún día. Vemos a Carl y Ellie crecer y casarse. Vemos cómo se desarrolla su historia de vida mientras arreglan su picnic casero en una colina y tratan de no tener un bebé propio. La vida sigue interponiéndose en el camino de su viaje a Paradise Falls. Eventualmente, Ellie muere y un adulto mayor Carl se queda solo en su casa. Corte hasta el día de hoy y volvemos a conocer a Carl. Esta vez es un viejo gruñón solitario. Su casa se sienta solo en medio de una zona de construcción, Carl se niega a perder su última conexión con Ellie. Un explorador salvaje llamado Russell aparece ofreciéndose para ayudar a Carl. Carl cierra la puerta en la cara de Russell. Cuando la corte exige que Carl renuncie a su casa y se mude a una casa de retiro, Carl escapa de su destino adjuntando miles de globos de helio a su casa y despegando solo para Paradise Falls, o eso piensa. Resulta que Russell estaba parado en el porche. El par poco probable flotan a través una sucia tormenta eléctrica y aterriza en un acantilado, frente a Paradise Falls. A medida que Carl arrastra la casa hacia las cataratas dos personajes más se unen a su improbable tripulación. Kevin, un enorme pájaro exótico, y Doug un perro parlante. Resulta que Doug forma parte de una manada de perros que están cazando a Kevin. Carl y la pandilla son atrapados por los perros de caza, que por supuesto, pertenecen al héroe perdido de Carl, Charles Muntz. Muntz se ha vuelto un poco loco después de años lejos de la civilización y está más desesperado que nunca por poner sus manos en Kevin, ese raro pájaro. Muntz captura a Kevin y Carl y Russell corren por ello. Llegan a Paradise Falls, pero Russell está bastante loco porque Carl dejó que Muntz capturara a Kevin. Russell decide regresar y salvar al pájaro. Carl está solo otra vez. Encuentra el libro de aventuras infantiles de Ellie y una nota su interior que lo anima a salir en una nueva aventura ahora que se ha ido. Tomando su consejo, Carl se mete en su casa y va tras Russell. Carl y Muntz lo pelean en el genial dirigible steampunk de Muntz. Carl es capaz de rescatar a Russell, Kevin, y Doug. Pero lamentablemente la casa de Carl se suelta en la lucha y se va a la deriva. Muntz cae en picada a sus muertes. Cuando Carl y Russell regresan a casa, vemos una última toma de la casa de Carl y Ellie llegando a Paradise Falls. Es fácil dar por sentado una buena narración. Probablemente notaste que la resonancia emocional realmente se hornean en la paleta de colores y el guión de color es el primer paso para hacer esa conexión. 10. Lección: estilo y personaje: Aquí tienes una cita de nuestro viejo amigo Goethe, que resume este siguiente tema. Para el resto de la clase, realmente nos vamos a centrar en el estilo del color. El estilo de color es un conjunto de pautas que distinguen el aspecto y la sensación de una narrativa visual. Estos son algunos paneles de uno de mis cómics llamado, The Exploit. Se trata de una historia ambientada en un futuro no tan lejano sobre un joven hacker llamado Lang que está tratando de escapar de las garras de su problemático pasado. Pasé mucho tiempo pensando en el estilo de color para esta historia. Se trata de un mundo dividido entre la complicada complejidad de realidad y la indiferencia basada en datos del paisaje digital. Estoy usando el color no sólo para establecer el tono para un tiempo y un lugar, sino también para establecer el tono para el viaje emocional del personaje Lang. El estilo de color siempre debe jugar a los temas del proyecto. A medida que nos preparamos para entrar en nuestro proyecto de clase, nos centraremos cada vez más en cómo el color hace que un personaje se sienta como un individuo. Echemos un vistazo a algunos espectáculos de dibujos animados que han influido en mi trabajo a través de su enfoque único del color, el estilo y el carácter. Empezaremos con los personajes principales de la fantástica caricatura de Rebecca Sugar, Steven Universe. Granate, Amatista y Perla son guardianes de la Tierra. La personalidad de cada personaje en forma física se proyecta a partir de una colorida piedra preciosa incrustada en algún lugar de su cuerpo. Pearl es una grácil lanza guerrera que empuja. Sus colores pálidos tienen un aspecto noble, pero también hacen alusión a las luchas que tiene con su autoestima. amatista es la divertida, amorosa guardiana del balanceo de látigo. Su atuendo insinúa su pasado como luchadora áspera y de tirada, y Garnet la líder del equipo está vestida con bloques de alto contraste de rojo y negro, acentuada con las estrellas amarillas en sus poderosos guanteletes. El esquema de color de cada una de estas gemas tiene una estética atractiva a nivel de superficie, pero su propósito va mucho más profundo. El color es un aspecto fundamental de la narrativa visual de Steven Universe así como sus viajes de personajes a lo largo de muchas temporadas y episodios. A lo largo del espectáculo, aprendemos que las gemas se pueden fusionar entre sí para crear nuevos personajes. Vuelve a mirar al líder de gemas Granate. Su look es perfecto para un guerrero extra terrestre. Ella proyecta un verdadero sentido de individualidad. Posteriormente en la serie, aprende Granate es la fusión de otros dos personajes: el valiente e intensamente enfocado soldado, Ruby y el aristócrata de nivel encabezado, Sapphire. La fusión de estas dos personalidades demuestra por qué Granate está tan bien posicionado para liderar al equipo de héroes. A través de esta historia de fondo, aprendemos que esquema de color de Garnet refleja el equilibrio de sus rasgos de personalidad. La historia cada vez más profunda de las gemas, su historia y sus relaciones es una gran parte del atractivo y el fandom masivo de Steven Universe. El espectáculo encaja bien con la larga tradición de los tropos de dibujos animados heroicos amigables para niños pero realmente destaca por su estilo de color bien planificado que le permite transmitir una historia de llegada de la edad que es rica en la construcción del mundo, complejidad emocional y mucho atractivo para un público joven. A continuación, vamos a ver los diseños de personajes de Lisa Hanawalt. Es diseñadora de producción en el show de Netflix BoJack Horseman. En primer lugar, Lisa Hanawalt es una increíble ilustradora. Ella tiene un verdadero don para machacar coloridos patrones de animales y moda de una manera realmente única. Esta atención a los detalles del estilo de color y estilo patrón es realmente fundamental para sus espectáculos de construcción del mundo. Bojack Horseman es una historia de una estrella de sitcoms lavada de los 90 vive en Hollywood con sus amigos humanos y antropomórficos. El relato salta de ida y vuelta a través del tiempo y el uso del color y el estilo de Lisa Hanawalt es realmente esencial para cómo fluye y funciona esta narrativa. A diferencia de muchas caricaturas, los personajes de la edad de BoJack y su look reflejan la cultura y el estilo estadounidenses de la época. Cuando nos encontramos con un personaje como la atribulada estrella del pop Sarah Lynn, su look es distinto a la época en la que la estamos viendo. 2016 Sarah Lynn luce diferente a principios 2000 Sarah Lynn y totalmente diferente a mediados de los 90 Sarah Lynn. No es sólo el elenco principal el que tiene sentido de la moda. Todos los personajes, incluidos todos los personajes de fondo de este espectáculo, son claramente icónicos. Puedes encender este espectáculo en cualquier escena y ver todos los personajes viviendo sus propias vidas extrañas. Voy a leer algunas citas de la señora Hanawalt mientras pasamos por las hojas de modelos de personajes del espectáculo. Desde una entrevista con Beach Media, Hanawalt dice: “Realmente quiero que todo se vea muy específico. Yo solo quiero que las cosas se vean únicas y quiero pensar en personas particulares que conozco. Cuando estoy dibujando un personaje, quiero basarlo en un vestido que vi, que no me puedo sacar de la cabeza ni muchas veces cuando le estoy preguntando a Raphael, el creador del espectáculo, ¿qué tenía en mente para este personaje en particular? Será como Julia Roberts como canguro. Ese es un buen punto saltando para mí”. Esta siguiente cotización es de una entrevista en peoplemagazine.com. Hanawalt describe elegir el atuendo de un personaje. “ En primer lugar, leí el guión. Después anoto notas sobre los personajes principales. Siempre empiezo por las que parecen más divertidas de dibujar. Después saco imágenes de blogs de moda, fotos de pasarela y mi montón de revistas de moda japonesas. Me encanta emparejar diferentes looks y colores a las personalidades de los personajes”. Entonces ella le preguntó: “¿Por qué crees que la moda es un elemento importante de tu trabajo?” Hanawalt dice: “La moda es para todos. No se trata solo de ropa y modelos sobrecogidos en la pasarela. Todos elegimos lo que llevamos todos los días y me interesan esas opciones. Incluso si llevas la misma sudadera con capucha aburrida todos los días, esa es una decisión que cuenta una historia sobre ti”. Eso me encanta porque hay un dibujante e ilustrador, constantemente busco formas de hacer que mis dibujos se sientan reales sin sacrificar esa vitalidad surrealista de un mundo de dibujos animados. Para mí, BoJack demuestra cómo la moda, particularmente los patrones, pueden hacer que un mundo se sienta real. uso que hace Hanawalt del patrón, color y el estilo es algo que hace que BoJack sea realmente único. En algún lugar por ahí hay un pequeño chico cabeza grande que dice:” Oye, he sido un icono de la moda de dibujos animados desde los años 50”. y a eso me gustaría decir: “Ve a volar una cometa, Charlie Brown”. 11. Proyecto: configuraciones, herramientas, atajos: Es hora de pasar a la sección de proyecto de clase del curso. Vas a querer empezar abriendo Adobe Photoshop. Al momento de esta grabación, estoy trabajando en la versión de Creative Cloud 2019. Es a finales de diciembre de 2018. Si has hecho una actualización recientemente, esta es la misma versión con la que estás trabajando. En este capítulo. Prepararemos nuestro archivo de Photoshop, revisaremos algunas herramientas, y son atajos. Empecemos abriendo un nuevo documento. Voy a trabajar en un formato específico, eso está configurado para mi clase de Skillshare. Estoy usando 1920 por 1080 HD 300 píxeles por pulgada. 1920 por 1080 es resolución con relación de aspecto 16-9. Es equivalente a formatos de TV HD. Puedes usar el mismo formato que yo o podrías revisar tu ratio. Pero recomiendo, mantener los píxeles por pulgada al menos 300 para la calidad de impresión. Antes de meternos en herramientas, permítanme describir cómo, estoy sentado en mi espacio de trabajo. Tengo mi configuración de tableta de dibujo justo enfrente de mí. Es un segundo monitor conectado a mi iMac. Soy diestro, guardo mi teclado justo a la izquierda a un cómodo alcance de mi mano izquierda porque hay atajos de teclado, estoy constantemente usando mientras estoy dibujando con mi derecha. El primer paso de nuestro proceso, será hacer un boceto rápido para ser entintado y luego coloreado. Voy a cambiar a una herramienta de lápiz. Me siento más cómodo con un lápiz azul no fotográfico. Podrías bosquejar con el habitual grafito gris o negro. Pero me gusta el azul porque hay un bonito contraste entre el azul y el negro de mi trabajo final de línea. Estoy usando los pinceles de arte de Kyle T Webster. Realmente podrías usar cualquier pincel por defecto. De hecho, creo que muchos de Kyle están ahora integrados en la Nube Creativa. Al descargar Photoshop, probablemente estés recibiendo el conjunto de pinceles de tinta, dibujo, pintura de Kyle Webster. Si quieres navegar por los pinceles Kyle Webster, puedes ir al menú, Obtener más pinceles y descargar otros sets mientras hago bocetos, y de nuevo, hay algunos atajos básicos de teclado que tengo a mano, para agilizar mi proceso. Una es la tecla B, que es el atajo de pincel en el teclado. El EK es el atajo para la herramienta Eraser. Se puede alternar de ida y vuelta fácilmente entre la B y E. Sugiero no obsesionarse con el borrado excesivo. Borrando interruptores de engranajes y mi proceso creativo mientras estoy dibujando. Sugiero evitar el borrador, tanto como sea posible. También me resulta muy útil poder ajustar el tamaño del pincel a medida que trabajo. La tecla de soporte izquierdo, en tu teclado encogerá el tamaño de tu pincel y la tecla de soporte derecha escalará el tamaño de tu pincel. Otro atajo que nos va a ayudar, sobre todo cuando entramos en color, es mantener presionada la tecla Alt u Opción en nuestro teclado. Esto cambia tu puntero al sampler de color. Si necesitas hacer un cambio rápido, al color de tu pincel, selecciona tu herramienta de pincel y mira hacia arriba en la barra de herramientas activa, verás un deslizador etiquetado suavizado. Esta característica te ayuda a suavizar cualquier jitters en tu línea a medida que dibujas. En el deslizador, puede ingresar un valor del 1-100. El valor más alto, significa más suavizado, aplicado a tu gesto. Los ajustes de la herramienta de suavizado, este momento, están configurados por defecto. Si abres ese pequeño menú de engranajes, verás que tienes ketchup de trazos, y ajustas para zoom. ketchup de trazo significa que la línea continuará completando su camino, incluso después de que dejes de dibujar, probablemente quieras mantenerlo encendido. Ajusta para zoom, bajará tu suavizado a medida que acercas tu ilustración. Esto preservará el gesto general de tu line art. Definitivamente recomiendo mantener esto encendido. Los otros ajustes bajo el engranaje son un tema para otra clase, pero hay mucho potencial en ellos, y si quieres explorar eso más, te recomiendo buscar en Google, pinceladas suavizar en Photoshop CC para aprender más. suavizado puede distraer un poco mientras haces bocetos, probablemente quieras que se establezca bastante bajo. Puede ajustar el suavizado sobre la marcha con el atajo de teclado, mantener presionada la tecla Opción o Alt y presionar una tecla numérica. mantienes la opción y presionas la tecla una, tu suavizado se ajustará a la opción 10 por ciento, y la tecla dos dirá que estás suavizando a 20 por ciento y así sucesivamente. Esas son las herramientas básicas y atajos que nos ayudarán a bosquejar a tinta nuestra ilustración. Ahora hablemos de encontrar inspiración para ese primer boceto. 12. Proyecto: inspiración y directrices: Aquí te damos un vistazo rápido a mi proyecto de clase totalmente coloreado. La ilustración se inspiró en las referencias del Universo Steven y Bojack Horsemen. Miramos en el estilo en carácter Capítulo de esta clase. Antes de entrar en color específicamente, necesitamos bosquejar un diseño de tinta que nos va a desafiar a utilizar la teoría del color en la práctica profesional que hablé en las partes anteriores de este curso. El tema de mi proyecto de clase es guardián elemental. Estarás dibujando, entintando, y coloreando un personaje humanoide cuya personalidad y estilo se enfatizan con elementos naturales. En primer lugar, necesitamos algunas imágenes de referencia para inspirar nuestro diseño de personajes. Para conectar mi proyecto a la cita que inspiró a toda esta clase para empezar, estoy sugiriendo que todos trabajemos de referencia de Georgia O'Keeffe. ¿Por qué O'Keefe? Bueno, para empezar, es una artista con un extenso cuerpo de trabajo que está bien documentado. Tienes mucho para elegir. El otro motivo es que su trabajo cubre una gama realmente amplia de color natural, formas y energía emocional. Las probabilidades son que vas a encontrar algo que te inspire. Creo que es perfecta para la clase y los temas que abordo en ella. Pero si tienes un artista favorito que trabaja con la naturaleza y el color de formas similares, por todos los medios, úsalos como tu referencia. De hecho, puntos de bonificación si utilizas a unos artistas increíbles de los que nunca había oído hablar antes. Después de navegar un rato por el trabajo de O'Keeffe en Pinterest, me conformé con este cuadro llamado flor azul. Me gustan las formas, las formas, y el equilibrio de la luz y la oscuridad en esta imagen. Tiene una vibrancia, pero también tiene una oscuridad en su centro, literalmente. De verdad quiero que este proyecto de clase sea accesible a todos los niveles de habilidades de dibujo. Antes de compartir mi proceso de bosquejar ese diseño final del personaje, permítanme revisar algunas pautas que ayudarán incluso a unos artistas principiantes a crear algo fresco. Primera regla del proyecto de clase es mantener las proporciones humanas. Comience con un círculo para la cabeza, luego agregue un rectángulo para el torso que sea aproximadamente la misma altura que la cabeza, pero ligeramente más ancha. Ahora agrega un rectángulo del tamaño de tres torsos apilados uno encima del otro. Esto representa las dimensiones de las piernas. Ahora agrega rectángulos demasiado largos en cada lado para representar las dimensiones del brazo. Separe los extremos del rectángulo en bloques donde estarán las manos. Ahora separa las piernas, los pies, y el área pélvica. Ahora básicamente has bloqueado las proporciones de una persona y está listo para construir un diseño dentro de. En esta forma básica, puedes empezar a agregar elementos de diseño sencillos inspirados en tu pintura de referencia. Experimenta romper la forma con unas pocas líneas, pero no complices demasiado el diseño, sobre todo si eres nuevo en Photoshop, quieres darte tiempo para dominar las herramientas en un proyecto sencillo antes de entrar en algo más ambicioso. Usando tus atajos para el B para pincel y E para Erase, abre camino a través del boceto, sacando la personalidad del personaje añadiendo florecimientos y un punto de énfasis. Necesitaremos estas características distintas del diseño para pensar cuando vayamos a agregar color. Una vez que tienes un boceto, estás bastante contento con, considera bloquear partes del diseño para hacerte una idea del potencial de contraste y la etapa final de la coloración. En este punto, tenemos un boceto decente que realmente podría funcionar. Si eres nuevo en el dibujo, siéntete libre de mantener tu diseño sencillo y orientado hacia adelante. Pero si quieres un poco de reto, dibuja tu personaje en un giro de tres cuartos, es la forma más popular de ilustrar a un personaje de dibujos animados. Este ángulo crea más oportunidad para que utilicemos fuentes de luz en una etapa posterior de nuestro diseño de color. Tenemos algunas pautas simples y fuertes para nuestro proyecto de guardián elemental. No necesitas empujarte para crear un boceto e ilustración increíbles, mantenlo simple. En el próximo Capítulo, vamos a pasar a un proceso que yo llamo bosquejo en tres etapas. Estaré trabajando en mi propio nivel de habilidad. Sólo pido que encuentres un lugar en el que estés cómodo para dibujar y empezar desde ahí. 13. Proyecto: boceto en tres etapas: boceto en tres etapas es la idea de que tres iteraciones de un diseño de personaje darán como resultado el equilibrio más fuerte de atractivo ilustrativo y claridad de diseño. En una de mis otras clases llamada Ilustración Por Diseño, hablo de cómo los principios de las artes gráficas pueden elevar la claridad del diseño en una ilustración. bosquejo en tres etapas es un enfoque similar al arte. En realidad, se trata de estar en la mentalidad correcta en etapas cruciales de tu proceso creativo. En la primera iteración de tu boceto se debe revelar el tipo físico del personaje. El artista debe estar enfocándose en la proporción y la forma general de sus opciones de diseño. ¿ Las formas de tus personajes son suaves y pesadas? ¿ Son ligeras y afiladas? Para mí, quiero que mi guardián elemental sea una figura de alto rango, alguien con autoridad. Si bien tengo en mente las proporciones humanas, estoy dibujando formas que se sienten altas y estables. Este personaje no es una guerrera, no tiene ninguna aparente fuerza física ni vestimenta atlética. Está diseñada para ser una figura de respeto. pie y hablar son sus papeles en su cultura. Sus disfraces deben sentirse agraciados y equilibrados. Al igual que las formas florales O'Keeffe que lo inspiran. Cuando he establecido con éxito las proporciones posan en forma general de este personaje, bajo la opacidad de la primera capa de boceto usando el deslizador de opacidad en la pestaña de capas. En este caso, voy a cambiar el color de mi lápiz de boceto a rojo, para ayudar a que aparezca mejor en el video. Manténgalo azul si lo deseas pero a veces es útil tener un poco de contraste a medida que capas arriba que estás dibujando. La iteración 2 trata de refinar los rasgos físicos de los personajes y sacar a la luz los elementos de diseño. Normalmente empiezo con el rostro y el gorro porque son los más estrechamente ligados a la personalidad del personaje. Se puede ver la corona en este personaje está inspirada en las formas centrales de la pintura O'Keeffe. El rostro de mi personaje va a ser largo y estrecho y puedo enfatizar esta idea dándole una nariz más larga y cejas levantadas y orejas altas. Yo quiero que el costo humano sea estratificado. Estoy separando su falda de su top y colocando una piedra real en su centro. Esto se asemeja a la pequeña forma amarilla en la pintura, probablemente el estigma, que el polen atrayendo parte de la flor. ¿ Este punto de énfasis representa su feminidad? Supongo que eso es un tema para otra clase, así que vamos a seguir adelante. Su mitad inferior, lo que significa cualquier cosa que esté por debajo de la cintura, incluyendo las manos en este caso, se va a esparcir para realzar la sensación de estabilidad. Es como si estuviera creciendo fuera del suelo. Te darás cuenta aquí que tengo una línea vertical que recorre el centro de la figura, esto me ayuda a establecer ese giro de tres cuartos de la pose del personaje. Ahora empiezo a dar más forma y florecer al vestido de personajes. Intentemos representar los pétalos del cuadro en la parte trasera del vestido. Esto le da al personaje un poco más de una presencia fantástica. Ahora voy a apagar ese primer boceto azul y tomar un momento para evaluar el segundo boceto. Sin la distracción de esa primera iteración, puedo afinar algunos de los detalles de mi personaje. Voy a volver a la cara y darle algo más de personalidad. Yo quiero empujar el lado autoral de su personalidad y darle una estructura facial ligeramente angular más profunda. Yo quiero que el personaje se sienta un poco más allá de lo humano. Estoy haciendo lo que me refiero como empujar las formas del boceto, esto significa estirarlas y distinguirlas. También voy a tratar de convertir los pétalos detrás de la cabeza en algo de color real, algo que enmarca su rostro y se siente totalmente impráctico. A continuación, estoy trayendo un poco más de forma a los pétalos de batas. La iteración 2 está terminada. Sólo cuando siento que realmente he perdido mi camino en mi diseño, vuelvo a esa primera iteración. En este caso, creo que mi diseño es fiel a mi intención original. Voy a pasar a la tercera iteración sin mirar atrás. Nuevamente, bajo la opacidad de la capa y voy a volver a ese lápiz azul con un tamaño de pincel ligeramente mayor, para que pueda obtener más variación de peso en mi trabajo de línea. Esto comienza mi boceto final. Ahora en esta ocasión, mi objetivo es agilizar este diseño para una máxima legibilidad. La tercera iteración no se trata de agregar más detalles, todo caso, se trata de quitarlos. Se trata de simplificación y énfasis de la personalidad y presencia física del personaje. Personalidad para mi personaje proviene de las formas del rostro. Las características acentuadas implican un sentido de otro conocimiento mundano. El cabello detrás de tu corona da un pequeño indicio a un verdadero yo y tal vez casi implica su edad. Llamemos a eso su humanidad, por falta de un mejor término ajeno. En la tercera iteración, una vez que me alejo de la cara, trato de bosquejar en formas amplias, confiadas y pensando en la silueta general crean mis formas y menos en cualquier detalle específico de una forma singular. Te das cuenta que estoy agregando unas líneas sueltas en la bata, torso, y color para traer algo de redondez y profundidad al boceto. Ahora, dependiendo del estilo de entintado, esas líneas pueden o no acostumbrarse. Ahora mismo, son solo notas a considerar en mi siguiente fase de entintado. Ahí vamos. Ese es mi boceto terminado. Por lo que el bosquejo de tres etapas, es más una filosofía que una práctica. Puede ser más un esbozador de dos etapas o un esbozador de cuatro etapas o un esbozador de treinta etapas. Realmente no importa cuántos bocetos realices, siempre y cuando, dentro de ese proceso, estés creando tiempo para aclarar completamente los elementos de diseño de tu personaje y utilizarlos para hacer cumplir la personalidad de los dibujos. 14. Proyecto: entintado: A medida que me preparo para tinta mi boceto, voy a ajustar algunos de mis ajustes de pincel en Photoshop para acomodar mi propio estilo de entintado. Estos ajustes por supuesto van a ser un poco variados para cada uno de ustedes. Para este proyecto, estoy trabajando con un pincel de la carpeta general pinceles etiquetada redonda dura, y estoy usando un tamaño de punta de 10. Ahora, si miras en tu barra de configuración junto al deslizador de suavizado, verás un icono para la presión del pincel. Parece un poco de ojo de toros, encendió eso si quieres usar tu tableta pinceles sensibilidad a la presión. Dado que mi punta de pincel está ajustada a un tamaño bastante pequeño, no vas a ver mucha variación en mi peso de línea, van a ser cambios sutiles. Si el entintado es un nuevo concepto para ti y aún tienes que desarrollar un gesto de entintado seguro, quieres hacer lo mismo, mantener tu tamaño de pincel pequeño. Si tienes un tamaño grande de pincel y mucha variación en la presión de tu mano, vas a conseguir un peso de línea realmente inconsistente. Para este proyecto queremos líneas limpias, lisas, y uniformes. Confía en mí, va a hacer mucho más fácil colorear. Como alguien que lleva mucho tiempo entintando, tengo un gesto de línea bastante seguro, así que no necesito mucho suavizado. A menudo mi suavizado se establece en alrededor del 10 por ciento, pero con este diseño específico también sé que tengo algunas curvas masivas en él, y no quiero que estén todas nerviosas, así que voy a configurar mi suavizado más alto que de costumbre y voy a ir con cerca del 20 por ciento. Recuerde, puede ajustar el suavizado sobre la marcha manteniendo presionada la opción tecla Alt y presionando un número en el teclado numérico. Mis objetivos con entintado son crear líneas simples, limpias y ser ahorradores con textura. Se puede ver que el pelo y aspecto del personaje que describí como la humanidad del personaje, es realmente el único lugar, estoy agregando detalles extra a mi entintado. Es solo mi pequeña manera de traer un poco de misterio y algo de profundidad extra al diseño de este personaje. estilo de dibujos animados de nuevo es uno de los estilos de entintado más escasos que hay por ahí. Debido a que es probable que estés diseñando un personaje que tendrá que ser bosquejado y entintado una y otra vez. Ya sea un personaje para una tira cómica de múltiples paneles o un gran proyecto de animación, el reto de diseñar un personaje de dibujos animados es ser excéntrico y emocionante en concepto, pero reservado en ejecución. Considera el papel de cada línea que pintas, está mejorando tu diseño? De no ser así, a lo mejor ahorrarse el esfuerzo y decidir que no necesita estar ahí. Una vez que he entintado todas mis líneas importantes, estoy listo para subir al evento principal, el modelado 3D. No, solo bromeo, obviamente es color. Sólo quería asegurarme de que todavía estás prestando atención. 15. Proyecto: bloqueo de color: El bloqueo de color es donde vas a establecer la paleta de colores base de tu diseño. Antes de empezar a bloquear sin embargo, hablemos de usar la rueda de color. Después de decidir quién es mi personaje, la rueda de color se convierte en mi siguiente etapa de desarrollo creativo. En color.adobe.com, puedes encontrar esta útil herramienta dandy para diseñar armonías de color. Puedes utilizar este menú desplegable aquí para seleccionar un estilo de armonía. Colores análogos son los que se encuentran en una cuña estrecha de la rueda de color. Una armonía de color monocromática utiliza un solo tono a través de una gama de valores de luz y oscuridad. Los colores de cortesía son opuestos polares que crean un contraste atractivo y también tienes algunas otras opciones. Soy un gran fan de las triadas de color. ¿ Por qué? Bueno, déjame mostrarte. Aquí te dejamos un dibujo rápido de un elfo en Explorer. Ahora vamos a subir la rueda de color. Un esquema de color triádico se compone de tres puntos uniformemente espaciados en una rueda de color. Esta fórmula es un gran atajo para crear esquemas de color vibrantes y armoniosos; que es perfecto para mi estilo caricaturista. Se puede ver que mis selecciones de color doblan las reglas de un triángulo uniformemente equilibrado, pero aún trato de mantenerme fiel a los tonos de color una vez que empiezo a pintar. Solo estoy usando variaciones de valores claros y oscuros para romper las áreas de alto contraste. Ahora la regla general con el color de dibujos animados es que una paleta de colores restringida tiene más potencial para la claridad narrativa y la conexión emocional. Ahora que ya sabes adónde voy con mi teoría del color, volvamos a saltar a nuestro personaje guardián elemental y construir una paleta de colores usando la tríada y la pintura de O'Keeffe. Mira esto. ¿Es sólo una coincidencia que sus principales armonías de color sean triádicas? No lo creo, pero dejemos a un lado estas opciones de color por un momento y configuremos nuestro espacio de trabajo para un bloqueo de color rápido y eficiente. En primer lugar, establecí una carpeta con mi capa de tinta y capas de boceto. Es muy inteligente organizarse en este punto; nuestro sistema de capas está a punto de complicarse mucho más con la adición de color. Ahora que estoy organizado, selecciono mi capa de tinta y agarro la herramienta de varita mágica, que también es el atajo W en el teclado. Doy click en el fondo blanco de mi página. A continuación, voy al menú de selección y selecciono “Inverso” o uso el atajo Ctrl Shift I. Ahora tengo a mi personaje atrapado en un lazo grande. Pero tengo un pequeño problema: Si hago zoom en el line art, puedes ver mi selección incluye algunos píxeles grises alrededor de los bordes. No quiero que mi bloqueo de color sangregue fuera de mi diseño de personaje, por lo que necesito modificar esta selección. Vuelvo al menú Seleccionar en la parte superior y desplácese a mitad de camino hasta 'Modificar'. Selecciono 'Contrato', y obtengo un nuevo pop-up. En este menú, puedo reducir mi selección actual en un rango de píxeles. Por el grosor de mi line art, voy a intentar contraer por tres píxeles; esto pone mi selección justo en medio del line art. Bueno, en su mayor parte. Pero parece que aquí en la estrecha línea del dedo meñique del personaje, mi selección cae dentro del line art. Si una selección no está funcionando para ti, también puedes volver a 'Selección' y 'Modificar' y elegir 'Expandir'. Voy a ampliar un píxel y creo que eso es lo más cercano a perfecto de una selección como voy a conseguir. Ahora que tengo mi selección, hago una nueva carpeta para mis capas de color. En esta nueva capa, voy a crear una silueta blanca detrás de mi personaje; de esa manera, más tarde cuando estoy mezclando capas juntas, nunca tengo que preocuparme por que mis colores interactúen con elementos de fondo. Siempre va a haber un buffer blanco entre el personaje y el fondo. Seleccionaré “Blanco” de mi rueda de color y tocaré la “ tecla G ” del teclado para seleccionar la herramienta de cubo de pintura. También quiero buscar aquí en mi menú 'Opciones' y asegurarme de que 'Todas las capas' esté desactivada para que mi line art no afecte a mi relleno. A continuación, lleno mi selección. Voy a apagar el papel para que veas lo que he hecho. Ahora, voy a soltar mi selección yendo a seleccionar 'Deseleccionar', o manteniendo pulsada la tecla Comando D en el teclado. Estaré usando Expandir y Contratar con bastante frecuencia a medida que paso por mi etapa de bloqueo de color así que voy a asignar a ambas funciones algunos atajos de teclado. Todo el camino hacia abajo en la parte inferior del menú Editar, encontrarás el menú Atajos. comando L va a ser mi atajo Expandir. Parece anular un atajo de menú Niveles, pero eso no es algo que necesito a mano, así que no me importa; y estoy configurando la selección Contrato a Comando K en el teclado. Ahora voy a traer de nuevo mi tríada de color y empezar a bloquear. Creo una nueva capa encima de la capa de silueta blanca, toco W en el teclado para seleccionar la herramienta de varita mágica, y hago clic dentro del vestido. Ahora sostengo Command K para abrir mi menú Ampliar selección y ampliar mi selección en un píxel. Después toco G para mi herramienta de pintura y llenar la selección. Como hablé en un capítulo anterior sobre la coloración de dibujos animados, el color debería contar la historia de un personaje; así que con mi gama de opciones aquí, voy a usar el azul en mi tríada como color del vestido. El azul le tiene una dignidad real. Utilizo Comando D para anular la selección de mi selección. Ahora, paso a la piel. Toco W en el teclado para seleccionar la herramienta de varita mágica, y hago clic dentro de una región de la piel. Después mantengo pulsado “Shift” para añadir a la selección y hacer clic dentro de las otras regiones de piel. Una vez que he seleccionado todas las áreas de piel, mantengo “Command K” para abrir mi menú Ampliar selección y ampliar mi selección en un píxel. Después toco “G” para mi herramienta de cubo de pintura y llenar la selección. Ahora la foto del cuadro que tengo no es tan vibrante como quiero para mi diseño caricatural, así que notarás que no estoy usando los tonos de la tríada de muestra, pero me estoy quedando fiel a la forma de la tríada. Llenaré el resto del disfraz con el verde, y haré que su piedra elemental coincida con su piel. También voy a llenar el cabello de blanco por ahora lo cual realmente no puedes ver pero, sólo créeme, está ahí. Ahora he completado mi bloqueo básico de color. Se puede ver cómo seguir las pautas básicas de la tríada de color realmente puede llevarte a un esquema de color decente con mucha vitalidad y contraste sin mucho esfuerzo. También notarás que hice todo mi bloqueo de color en una sola capa; esto hace que sea mucho más fácil hacer ajustes, que es exactamente de lo que vamos a hablar en el siguiente capítulo. 16. Proyecto: refinar los tonos: He establecido una armonía decente de colores base, pero llamemos a esto mi esquema de color de borrador desbaste. Todavía quiero algo de libertad para hacer cambios y para ello, necesito poder ajustar mi armonía de color de una vez. Voy a subir al menú Imagen, y seleccionar, Ajustes, y seleccionar , Tono/Saturación. Aquí es donde comienza la fiesta. Con el deslizador de tonalidad, puedo mantener el equilibrio de mi tríada de color mientras navego por diferentes esquemas de color. Es un momento caótico seguro. Pero después de toda esta planeación y teoría, un poco de caos es algo bueno para tu arte. Cómo hago esto ya que acabo de pasar por algunas opciones hasta que algo me llama la atención. Realmente me atrae este rojo profundo para el vestido de personajes. Tiene ese campo regio que me gustó en el azul, pero el rojo es un color más potente que se adapta a mi descripción del personaje, es un aristócrata de alto rango. En este punto, quiero que entiendas que usar el color es todo sobre el contexto. No se trata de una sola elección de color. Se trata de cómo trabajan todos juntos. Con esta disposición de colores, siento que realmente soy capaz de afinar en la individualidad de los personajes. 17. Proyecto: saturación y valor: El ojo humano es muy sensible a los colores. Cuando un artista va a usar el color en una composición, el contraste entre colores puede hacer o romper una relación con una imagen. Ahora mismo, diría que esta imagen tiene un esquema de color de alta tensión. Sí, es armonioso como hablamos antes pero es un poco duro para los ojos. Es todo picos y nada de valles. Ahora sabemos que hay más aspectos a colorear que el matiz. De hecho, realmente creo que la respuesta humana al color es mucho más sobre el contraste de la imagen que los colores utilizados. Los niveles de contraste provienen de dos características distintivas del color: la saturación y el valor. Hablemos primero de saturación. Para mí, la saturación es como la fuerza vital interior de tu color. Los altos niveles de saturación consiguen que tu corazón se acelere. Mucha saturación definitivamente llama la atención de un espectador pero realmente puede agotar rápidamente el ojo. En las caricaturas, hay dos lados a la saturación, se puede usar para crear un atractivo feliz amigable con los niños y exagerar una realidad. Los niveles más bajos de saturación pueden sacar un estado de ánimo sombrío y pueden hacer que una historia o un personaje se sienta un poco más maduro o fundamentado. Notarás justo debajo del deslizador de saturación está el deslizador de luz que técnicamente es el deslizador de valor. Estoy jugando con esto pero hablaremos más de valor en un minuto. Al igual que con la tonalidad, muevo estos hasta que estoy feliz. Mi configuración final son sólo cambios realmente sutiles. Sólo he reducido la saturación en 13 por ciento y la ligereza en siete. Puede que no parezca un gran problema, pero basta con darle a mi imagen un borde ligeramente más moodioso. Entonces ahora que he alterado la energía de los colores, llevemos algo de realidad y profundidad visual al personaje jugando con valor. En su mayor parte, el valor es el impacto ambiental de tu color. Eso significa las sombras en tu diseño. Me gusta colorear mis sombras y reflejos usando la configuración de capas con máscaras de recorte. Puede aplicar una máscara de recorte a una capa haciendo clic derecho y seleccionando “Crear máscara de recorte” en el centro del menú de opciones de capa. Cuando se aplica una máscara de recorte a una capa, le has dicho que sus límites visuales están definidos por una capa base que es la que está debajo de ella. Sé que eso es confuso pero se puede ver que mientras estoy pintando sombras en esta nueva capa con una máscara de recorte aplicada, ningún color se filtra desde los límites de la capa de color negro. Esto realmente me puede ahorrar algo de tiempo porque ahora no tengo que preocuparme de que la pintura salga fuera de los bordes de la silueta de mi personaje. Puedes apilar múltiples capas con máscaras de recorte, una encima de otra y siempre harán referencia a esa capa base. Incluso podrías usar la capa de silueta blanca que creamos como tu capa base para evitar cualquier derrame de cualquiera de tus capas de color. Permítanme señalar algunas otras configuraciones de mi capa de sombras. “ Estilo de trabajo en sombras” es una elección artística realmente personal, y así es justo como lo hago. Pongo la mezcla de una capa en “Color Burn” y bajo la opacidad al 30 por ciento. Intento hacer todas mis sombras para un proyecto con el mismo color morado profundo. Por una razón, me gusta la forma en que este morado profundo responde a la mayoría de los demás colores en la rueda de color y aún más importante, me ayuda a mantener mis sombras consistentes en el transcurso de un proyecto como un cómic. Mis aspectos destacados se hacen básicamente de la misma manera. Pero en lugar de establecer una capa a “Color Burn” la puse en 'Color Dodge. Al crear reflejos y sombras, trato de tener en cuenta la fuente de luz de una escena. Si no sabes de dónde viene tu fuente de luz, la posición predeterminada va a ser la esquina superior derecha, inclinada hacia abajo en la cara del personaje. Imagina una luz escénica apuntando a un actor. Mi acercamiento al valor tiene dos lados. Yo uso el valor prácticamente. Quiero mostrar la profundidad de los objetos y quiero ocultar y resaltar aspectos importantes de un diseño de personajes pero también uso el valor narrativamente. En este caso, las sombras cambian la forma en que respondemos al rostro de este personaje. Mira, he añadido una sombra oscura debajo de la ceja para darle un poco más de intensidad a este guardián y casi una sensación amenazante. Cuando se trata de ajustes de gestos a mano y pincel, mi estilo de sombreado es básicamente el mismo que mi estilo de entintado. Utilizo el mismo pincel y varios niveles de alisado para crear formas suaves y burbujeantes de sombra y luz. Si este look de dibujos animados brillante no te atrae realmente, intenta cambiar a un pincel más texturizado, como una acuarela o un pincel pastel. Textura va a sacar un sentido del color más impresionista en tu trabajo, pero también va a agregar mucho más carácter. Entonces experimenta y ve qué funciona para ti. En este punto, hemos terminado de colorear nuestro diseño de personajes. Pero quédate por ahí tengo un capítulo extra más sobre efectos de color extra, como cambiar una escena de día a noche y colorear tu trabajo de línea. 18. ¡Bonus! Color de línea y luz de borde: Estoy llamando a esto un capítulo de bonificación, porque la coloración de línea y la luz de llanta no son necesarios saber para completar el proyecto. Son solo algunas técnicas estilísticas extra divertidas. Empezará con color de línea. Es una forma bastante cool y elegante de romper el contraste de una ilustración. Empiezas clonando tu capa de tinta, arrástrala hacia abajo al nuevo botón de capa y obtendrás una copia nueva. Después haga clic en el botón “Lock Alpha Channel” justo aquí. Esto preservará cada nivel de transparencia de píxeles en una capa dada. Voy a probar unos colores diferentes para mi line art para ver qué mejor se adapte a este proyecto. Sostenido la opción “Alt” para cambiar al cuentagotas, empezaré por probar el color de sombra profunda aquí en la bata. Eso se ve bastante bien, es realmente similar al negro que ya estaba usando. Sigamos adelante y probemos un color diferente. ¿ Qué tal este rojo más claro en la parte superior de la bata? Recuerda, todo es preferencia personal para mí, esto no funciona. Me encanta el contraste del arte de línea negra y si me alejo demasiado de ese sentimiento, parece diluir u oscurecer los detalles de la ilustración. Probemos con un color totalmente diferente, ¿qué tal este oscuro azul-morado bajo el brazo? Eso está empezando a cambiar el estado de ánimo de la pieza en general. personal, sólo tengo una sola regla cuando se trata de color en line art. Necesita igualar el valor más oscuro de las artes. Se puede ver con este azul oscuro, cuando se pone contra los rojos profundos, parece más claro y esa es una extraña tensión. No quieres que tus contornos se sientan más claros que tus sombras más oscuras. personal, si voy a colorear el line art en esta obra, voy a usar este rojo profundo. Podrás tener todo tipo de diversión con color en line art. Voy a agarrar mi herramienta de pincel y me gusta usar un cepillo redondo más suave al colorear línea. Digamos que quiero hacer algunos reflejos en los extremos de la bata. Voy a aligerar un poco mi lectura y pintar sobre eso. Gracias al canal Alpha, no sale de la línea. Podemos aportar un poco más de detalle a la ilustración acercando y cambiando el color de ojos del personaje. Aviso, no soy tensión para mi tríada de color. Estoy usando el rojo profundo en el ojo, si decido quiero agregar múltiples colores a mi line art, sólo lo voy a hacer en lugares que empujan las formas y la personalidad del personaje. Digamos que esta corona es un verdadero punto de énfasis con lindas líneas limpias. Podría entrar ahí y usar el azul más oscuro y cambiar el color de la línea para que coincida. Voy a pasar y agarrar un gris oscuro para darle un poco más de carácter al cabello. Creo que eso se ve bastante guay. Ahora vamos a darle una oportunidad a todo este asunto de la iluminación de llantas. Imagina a nuestro guardián elemental su vagabundo en una misteriosa cueva espacial y se ha encontrado con un chico de rock radiactivo, es sólo hipotético. El alumbrado en una escena como esta tiene dos cosas que tenemos que lidiar. En primer lugar, es la oscuridad. Voy a apagar mis viejas capas de resaltado y sombra porque ya no aplican aquí. A continuación, hago una nueva capa y creo una máscara de recorte. Pondré nombre a esta noche de capas. Después lo lleno con un azul profundo y lo muevo a la parte superior de mi lista de máscaras de recorte. Recuerda que aún está por debajo de las capas de arte de línea, por lo que los parches de colores en esos permanecen visibles, me ocuparé de esos pronto, pero primero, voy a borrar el azul donde están los ojos. En los mundos de dibujos animados, los ojos siempre brillan en la oscuridad. A continuación, reduje la capa nocturna al 75 por ciento de Opacidad. Esta es una forma de hacerlo, a otros artistas les gusta cambiar la capa de mezcla para multiplicarse en lugar de bajar la Opacidad, realmente depende de ti. Voy a cambiar el forro de pelos de nuevo a rojo profundo, quiero que las texturas del cabello estallen en esta escena oscura. La luz de llanta es un término con estilo de color, así como un término de fotografía para iluminación dramática que está sujeta a los bordes más delgados de un sujeto, pero no es solo una línea, iluminación de borde necesita representar la forma de los sujetos. primer paso es crear una nueva capa y crear una máscara de recorte. Ahora pongo mi color de primer plano al color del resplandor de los chicos de la Cave, ahora agarré mi herramienta Lasso, respiro profundamente y lo balanceo alrededor de una región del personaje donde los chicos de la Cave se estarían reflejando fuera de. Ahora utilizo el atajo de teclado Alt, Option, Delete para llenar esta selección con el color de primer plano Comando D para anular la selección. Ahora acabo de trabajar a mi manera alrededor del diseño. También me gusta pensar de qué está hecha la superficie cuando planeo la iluminación de mi llanta. Por ejemplo, la piedra en pecho de mis guardianes va a reflejar la luz de manera diferente a la tela de la bata. No quiero exagerar, se llama iluminación de llanta por supuesto. ¿ No es genial la iluminación de llantas? ¿ No te alegra que te quedaste con él y veas este capítulo de bonificación? Es triste decir que estamos llegando al final de la clase, es hora de terminarlo. 19. Para cerrar: Gracias por ver Mundo de Color. Espero que ahora tengas una mejor comprensión de la teoría del color, formas en que puedes aplicarla a tu propio arte ilustrativo y narrativo, y por supuesto, algunos grandes consejos y técnicas para mejorar tu flujo de trabajo en Photoshop. Cuando creas un guardián elemental propio, inspirado en esta clase, por supuesto, por favor compártelo en la sección del proyecto de clase. Compartir tu trabajo y contribuir a la clase ayuda a otros alumnos a descubrirlo, ayuda a la tendencia de clase, lo que me inspira a hacer más clases, y realmente ayuda a construir la comunidad alrededor de mi canal de Skillshare. Antes de que te vayas, tengo un par de cosas que me gustaría compartir contigo. Si disfrutaste de World of Color, podrías disfrutar de algunas de mis otras clases. Tengo uno sobre arte conceptual, Dibujar mundos imaginarios, una clase de ilustración creativa, enfocándose en el diseño de monstruos marinos y creando criaturas ricas. Ilustración por Diseño es una clase bastante única. Miro el movimiento art Nouveau y cómo los artistas visuales estaban abrazando las habilidades de diseño gráfico. Hice esta clase como una forma de ayudar a los ilustradores a pensar más en sus habilidades de composición y diseño. Tengo algunas clases básicas de dibujos animados. Una que se centra en rostros y expresiones, otra que trata de cuerpos y poses, y una clase que llamo Tinta e Ilustración, una visión general de algunos de mis libros infantiles favoritos, ilustradores y cómo influyen en mi estilo. Asegúrate de seguir mi canal de Skillshare. Estoy haciendo esta cosa llamada Padres de clase, donde envío básicamente un boletín de noticias, donde hablo de algún trabajo propio y artistas e ilustradores, y proyectos creativos que me están inspirando. último, pero no menos importante, tengo un sitio web donde puedes leer un montón de mis libros de forma gratuita. Tengo un thriller de ciencia ficción llamado The Exploit, una historia de aventura de monstruos marinos piratas llamada Aquarium Drift, un cuento sobrenatural espeluznante llamado Witch Nuts, y todo tipo de cosas que espero que puedan disfrutar. Gracias por quedarte y te veré la próxima vez.