Técnicas avanzadas de creación de storyboard

1. Creación de storyboard avanzada: Hola ahí, soy Siobhan. Doy clases de animación y storyboarding, y esta clase es técnicas avanzadas de storyboarding. Este es un seguimiento a mi primera clase, aprender a storyboard, que cubre los conceptos básicos de cosas como ángulos de cámara y tomas, trabajar con plantillas de storyboard, y cómo miniaturas de un guión. Si eres completamente nuevo en el storyboarding y quieres empezar con una visión general, entonces echa un vistazo a eso primero. Esta clase te va a llevar un paso más allá. Te va a ayudar a construir tu portafolio para que puedas mostrar a futuros clientes o incluso estudios o productores, y te va a enseñar las técnicas y enfoques que se utilizan con mayor frecuencia en profesionales storyboarding. Esto es lo que aprenderás en esta clase. Vas a aprender a dibujar poses dinámicas y a entender el dibujo de gestos con el fin de usarlo para posar personajes. Este es un aspecto crucial para un animador o artista de storyboard. También te voy a explicar qué son las hojas modelo. Te voy a mostrar cómo puedes trabajar con ellos. Aprenderás todo sobre los diseños y fondos y llegarás a dibujar tu propio diseño usando perspectiva. También te voy a enseñar a identificar el punto de la historia de cualquier escena o secuencia dada y mostrarte cómo puedes componer tu toma con el fin de subrayar esa historia puntos. Entonces en la última sección, te voy a enseñar todo sobre el proceso de narración lineal. Aprenderás sobre las técnicas de dirección y edición más utilizadas para el cine. Además aprenderás a estructurar tus tomas para una secuencia narrativa. Eso incluirá dibujar patrones estándar de guión gráfico, como progresar hacia adentro para una secuencia de apertura, así como buscar una secuencia de apertura alternativa. Aprenderás cuándo cortar, cuándo no cortar una escena. Aprenderás qué son los cortes de partido y qué son las enganches, y cómo usarlos en un guión gráfico y por qué son tan importantes. También te enseñaré todo sobre las tomas que se utilizan para el desarrollo de personajes en cualquier historia. Esta clase está repleta de montones de mini asignaciones que puedes abordar para practicar estas técnicas. Además hay un proyecto de gran clase, que definitivamente será tu pieza mayor de cartera. Estoy aquí para darte una retroalimentación personalizada detallada sobre tu trabajo. Esta es tu oportunidad de mostrarme tu trabajo. Hágame cualquier pregunta que tenga y de manera crucial para obtener el apoyo y estímulo que necesita para desarrollar sus habilidades como artista de la historia. Veo esta clase como un componente esencial para la primera clase de storyboarding y una oportunidad para que des tus próximos pasos en tu viaje hacia convertirte en un artista de cuentos profesional para cine o animación. 2. Mis 3 mejores consejos para dibujar: Estamos a punto de sumergirnos en las principales secciones de aprendizaje de este curso y solo quería empezar las cosas dándote algunos consejos prácticos de dibujo con los que trabajar. Estos consejos en realidad son realmente simples pero no subestiman eso solo porque parecen un poco obvios o simples. Si los usas todos los días en tu cuaderno de bocetos, verás una gran, gran diferencia. consejo número uno es algo de lo que hablé bastante en el primer curso de storyboarding, y eso es dibujar muy suelto y muy áspero al principio. Cuando empieces a dibujar, realmente siempre empieza con luz, no dibujes líneas pesadas de inmediato. Siempre puedes limpiar y refinar tu trabajo de línea más tarde. Cuando digo suelto, realmente no me refiero a dibujar desordenado, pesar de que podría parecer un poco desordenado. Dibujar suelto significa que desarrollas tu control de lápiz o control de lápiz, y también significa que desarrollas tu confianza en tu dibujo. esto a menudo también se le llama dibujo de gestos, y lo voy a cubrir en detalle en nuestra clase más adelante. punta número 2 es dibujar a partir del material de referencia. Esto podría venir como una sorpresa porque sé que mucha gente piensa que la mentalidad creativa es solo tú sentada con tu cuaderno de bocetos y viniendo con ideas fabulosas. Además, mucha gente piensa que hacer referencia a algo es como copiar. Pero ese no es el caso en absoluto, y quiero que eso sea muy claro para que desarrolles sus habilidades como artista. Además, dibujar desde referencia es una manera realmente buena para que aprendas a dibujar estructura. El modo más importante de sacar de la referencia es sacar de la vida. Pero a veces en realidad no se puede salir y dibujar un salón occidental de la vida, así que en ese caso, hay que buscar imágenes en línea y recolectar imágenes de referencia de esa manera. Google image search, Pinterest, Artscape todos estos sitios web son fantásticas herramientas online para artistas. Te animo a que realmente pases mucho tiempo haciendo tu investigación visual. Entonces punta número 3, que es la más simple pero a veces la más difícil de aplicar realmente, es la consistencia. Prueba y dibuja en tu cuaderno de bocetos todos los días. Si puedes tallar cinco o 10 minutos de tiempo de dibujo en aproximadamente una medida de semanas o meses, realmente verás una enorme diferencia en tu dibujo. Esos son mis tres consejos. Espero que te sean útiles y útiles y te veré en el siguiente video. 3. Qué es el dibujo de gestos: El dibujo por gestos es una técnica que se utiliza con mayor frecuencia en el dibujo de figuras o en una clase de dibujo de figuras en vivo como una forma de capturar toda la figura muy, muy rápidamente con marcas dinámicas expresivas. A menudo se ve como una forma de dibujar o capturar la energía o la esencia de la figura. Pero para animadores y artistas de la historia, dibujo de gestos es realmente una herramienta esencial o una técnica esencial para poder dibujar el número 1, poses de personajes que son claras y expresivas y número 2, para poder dibujar escenas o ideas visuales realmente rápidamente con claridad y sin quedar empantanado en los detalles. Se puede pensar en el dibujo de gestos como simplemente perder bocetos garabateados o dibujos muy ásperos, pero si trabajas con gesto el tiempo suficiente, llegarás a verlo como una forma de dibujar que es realmente poderosa y que puede comunicar tus ideas y tus sentimientos realmente muy, muy bien. El tema a recordar de los dibujos de gestos es que no vas por precisión en términos de proporción o anatomía y eso está realmente bien porque ese no es el punto del dibujo de gestos. El punto es bajar tus ideas y luego refinarlas más tarde y hacer que tu dibujo sea anatómicamente correcto. Las técnicas para el dibujo de gestos son las siguientes. En primer lugar, una muy buena manera de intentar dibujar gestos es simplemente dibujar con garabatos. Digamos que estás dibujando una figura, luego solo usa marcas circulares pequeñas y redondas y trabaja tu camino alrededor de toda la figura dibujando así. Encontrarás que puedes empezar realmente a acumular la masa y el peso de la figura haciendo esto. Podrás pasar mucho más tiempo con estos pequeños garabatos en una zona, hacerlo perder y más ligero en otras áreas. Esto te dará un sentido realmente bueno de cómo capturar el peso o la masa de una figura. Ahora la siguiente técnica para practicar el dibujo de gestos es no sacar tu lápiz o tu bolígrafo de la página mientras dibujas. Mantén tu lápiz o lápiz o tu lápiz en contacto con lo que estás dibujando a lo largo de todo el dibujo. De verdad me encanta esta forma de dibujar porque muy a menudo tienes una idea de una escena pero luego cuando vas a dibujarla, repente la composición o la perspectiva se pone en la forma en que se pone realmente difícil y la cosa que te imaginaste o visualizado se vuelve realmente difícil de bajar en papel. En cambio, bloquea las formas usando gestos y dibujos de garabatos y luego, puedes volver y refinarlo correctamente con más perspectiva y arreglar las líneas. De verdad quiero animarte a practicar el dibujo de gestos, pausar bien estos videos y agarrar tu cuaderno de bocetos, mirar la habitación que te rodea y escoger algo para dibujar usando esta técnica. O si es posible, toma tu cuaderno de bocetos y sal y trata de dibujar figuras de la vida. Llega a una cafetería o a un parque o algo así, y solo observa a la gente a tu alrededor sentada o incluso en movimiento y no importa cómo se vean tus dibujos, se trata de observar y simplemente hacer estos bocetos rápidos en tu cuaderno de bocetos. Entonces cuando estés listo, vuelve y te veré en el siguiente video. 4. Dibujar poses dinámicas: Una de las cosas clave para ponerte bien en tus storyboards es cómo posas a tus personajes dentro de una escena. Posar fuerte contará la historia del personaje de una manera mucho más dinámica, y si hubiera algo en lo que sugeriría que te enfoques, entonces es tratar de asegurarte de que sabes dibujar poses claras. Posar básicamente significa mostrar al personaje actuando. Cómo un personaje hace algo es casi más importante que lo que hace, porque la acción revela carácter. Algo tan sencillo como entrar a una habitación puede decirnos mucho sobre una persona. Esa es realmente buena actuación y eso es lo que esencialmente estás tratando de hacer en tus storyboards cuando se trata de tus personajes. Una forma de asegurarte de que estás haciendo bien la actuación es pensar en cómo actuarías tú mismo la escena. Aunque sea algo tan sencillo como abrir una caja y conseguir un susto, ¿cómo lo harías tú mismo? Una vez que hayas pasado por ese movimiento y hayas entendido la acción que está involucrada, entonces tendrás una comprensión mucho mejor de cómo dibujarlo. Otra forma casi mejor aunque es exagerar lo que crees que es la acción más grande. No bromeo, tu idea de cuál es la acción más grande probablemente no va a ser tan grande, así que si exageras tus poses, terminas obteniendo una pose mucho más dinámica. ¿ Recuerdas que te mostré este pequeño dibujo en el último curso? Bueno, cuando exageraste, acabas de tener en realidad una mejor imagen. No es tan salvajemente extravagante, y en el contexto de otras secuencias, probablemente leerá muy bien. Otro consejo para ayudarte con una buena posación es asegurarte siempre de que la silueta del personaje sea clara. Esto es casi como la Regla Dorada del storyboarding, especialmente para la animación. Si siluetas tu pose, y solo eliminas todo el detalle y ves el contorno, deberías poder seguir viendo claramente cuál es la acción que está haciendo el personaje. Si un personaje está recogiendo algo así como una taza de té y está sosteniendo eso en sus manos, querrías mostrarlo de esta manera, para que en realidad podamos verlo con claridad y quede muy claro para el público. Una buena manera de exagerar una pose es dibujar curvas S y C como tu línea de acción estándar básica. Te ayudará a ser más fluido en tu estilo de dibujo en general. Pero te ayudará mucho empujar al personaje hacia posturas más dinámicas. Las curvas S y C son líneas de caracteres muy estándar para la animación, junto con la línea de acción. Estas son líneas que se mueven hacia arriba y a través de todo el cuerpo del personaje y es casi como si pudieras resumir en una palabra la emoción del personaje, entonces ese es el equivalente aquí de esta línea. Esta línea es en una palabra que resume la acción que está haciendo el personaje. Para una tarea, lo que quiero que hagas en este momento es agarrar tu lápiz o tu bolígrafo y dibujar rápidamente una curva S o C en tu cuaderno de bocetos. Antes de empezar a pensar demasiado en algo, dibuja una forma ovalada para la cabeza, dibuja líneas para los brazos, y las piernas. Entonces sigue adelante. Usa estas curvas para acumular tus personajes y meterlos en tantas poses dinámicas como puedas. Trata de llenar toda una página o incluso algunas páginas de estos dibujos. En la siguiente lección, voy a explicar cómo puedes desarrollar más personajes, cómo puedes dibujar personajes estilizados, y también voy a hablar de las hojas modelo que obtendrás para tus storyboards. Cuando hayas pasado algún tiempo haciendo tus bocetos encuéntrame en la siguiente lección. Te veré ahí. 5. Dibujar personajes: En la animación, ya sea un programa de televisión o un largometraje, como artista de storyboard, generalmente siempre se te dará el diseño final para los personajes que necesitas dibujar e incluir en tu guión gráfico. En términos de industria, esto se llama hoja de modelo, y más o menos la hoja de modelo es sobre como diagrama detallado del carácter que se puede obtener. Te muestra cómo se ve el personaje en diferentes vistas o la mayoría en rotación. Desde este lado, el frente, la vista 3/4, y la parte trasera. Entonces tu trabajo es dibujar a este personaje en tantas poses diferentes a lo largo del guión gráfico como lo pide el guión. En este caso, lo clave a tener en cuenta cuando estás redibujando caracteres a lo largo es asegurarte de que mantengas los volúmenes consistentes. Lo que eso significa es que tu personaje no se está volviendo progresivamente más delgado a medida que cada panel continúa, o progresivamente más ancho tampoco. A medida que cambies la pose, solo asegúrate de que estás en modelo y que el volumen se mantenga consistente. Entonces eso es bastante fácil o al menos es sencillo. Cuando tienes una hoja de modelo para trabajar, sabes que siempre puedes hacer referencia a las especificaciones exactas de los caracteres a medida que avanzas. Pero y si se te pide guión de artista de storyboard y no tienes una hoja modelo y se te pide que inventes el diseño del personaje tú mismo. Pues bien, sí depende del estilo del proyecto. Lo primero, primero fuera de la puerta, necesitas saber con qué tipo de guión estás lidiando. Nuestros guiones de muestra temática occidental que te he dado, el aspecto de los personajes en ese guión es más o menos realista. No hay una gran cantidad de lo que llamamos estilización, excepto quizá el carácter del barman. En el último curso de storyboarding, te di algunas indicaciones sobre cómo irías a construir un personaje masculino básico o un personaje femenino básico. Ahí hay ciertas manos cortas a las que siempre puedes volver, y espero que te hayas pillado con eso desde el último curso. Deberías estar bastante bien sabiendo cómo irías para llegar a un personaje de aspecto realista. ¿ Y si necesitas dibujar un personaje estilizado para el guión gráfico? Bueno entonces, mi consejo es que tú, y esto es algo que te enseñan en la escuela de animación, es pensar en términos de geometría. Empieza con formas geométricas básicas, un cuadrado o un círculo o un triángulo, y construye un personaje a partir de ahí. Cuando estás trabajando con diseños estilizados como este, la regla número uno es incluir contraste. Si tomas un elemento muy básico como una línea, realmente no puedes decir si esto es largo o corto hasta que veas algo con lo que compararlo. Si introduzco una segunda línea como una curva, entonces inmediatamente esta línea aquí tiene carácter específico. Ahora, los diseños más fuertes siempre tendrán este contraste. Siempre encontrarás una línea recta contrapesada por una línea curva. En el caso de este personaje pirata en el que estoy trabajando, se podría decir que se basa en un círculo en cuanto a la geometría. Su diseño realmente es solo una forma redonda básica, y desde aquí he añadido los otros elementos de los brazos y las piernas. Ahora nota también que los brazos usan esta idea de contraste, esto es de lo que estaba hablando, con una línea recta contrapesada por una curva, y también he mantenido la idea del contraste en el diseño general. Si esta redondez es el motivo principal, entonces los brazos y la pequeña puntiaguda [inaudible] y la cabeza estirada agregan un poco de variación que equilibra esa idea del círculo principal. Lo último que añadiría también es que diseños estilizados como este tienen que relacionarse de alguna manera con la esencia o personalidad subyacente del personaje. Es realmente importante que sepas quién es tu personaje, cuál es la historia de fondo del personaje. Por ejemplo, no tiene sentido hacer de un pirata un pícaro redondo, jolly, amoroso como este si en realidad se supone que es el malvado villano. Piensa en quién es tu personaje y cuál es la historia de fondo, y eso te ayudará a definir cómo se ven. 6. Dibujar diseños y fondos: A la par de personajes, como artista de storyboard, los otros elementos que obtendrás cuando empieces a abordar un proyecto es un layout o incluso un par de diseños dependiendo de si la acción se lleva a cabo en una o más ubicaciones. En esta lección, te voy a guiar por qué es exactamente un diseño y cómo puedes adaptarlo a tus tablas. El procedimiento que estoy a punto de explicar suele ser muy específico de la animación, pero también se puede aplicar a live-action. Digamos que para los propósitos de esta lección, voy a estar hablando de animación específicamente, y tendrá más sentido. Cualquier secuencia dada generalmente se lleva a cabo en un solo lugar. Entonces, cuando cambias la ubicación, te metes en una nueva secuencia. Dentro de cada secuencia, hay cualquier número de tomas. Se puede tener tomas estableciendo mostrando toda la escena. Se puede tener un tiro largo mostrando los personajes y luego primeros planos sobre los tiros de hombro, disparos de punto de vista, todo eso. Usarás el diseño que te dan para elaborar, digamos, el tiro establecedor. Ahora eso es fácil porque entonces si estás dibujando un tiro estableciendo, solo redibujas tu diseño como está en tus paneles de tablero. Pero luego cuando la acción se acerque o, digamos, el ángulo de la cámara cambia por completo mostrando una vista diferente, necesitarás poder interpretar el diseño consecuencia y dibujarlo desde diferentes ángulos si eso es lo que se pide. Ahora bien, los primeros planos y los primeros planos extremos están bien. En términos generales, ni siquiera necesitas dibujar realmente fondo aquí en mayoría de los casos porque solo te preocupan las características de la cara. Pero para cualquier disparo largo o mediano, necesitarás saber exactamente dónde estás en todo momento y dónde están tus personajes en relación entre sí y en relación con el entorno. Aquí es donde dibujar un plano de piso muy rápido resulta muy útil. Ahora un plano de piso es un diagrama, si quieres, de la escena en su conjunto y tal como se ve desde arriba, por lo que lo estás mirando como un tiro hacia abajo completo. Ahora bien, este dibujo es solo para ti, tal vez para ti y el director, pero no es para el guión gráfico y no es para nadie más en la producción. Es solo para que puedas tener claro dónde está todo. Coloca a tus personajes donde necesitan estar, y luego puedes marcar cualquier movimiento que vayan a estar tomando si sí caminan por la escena y luego colocan tus cámaras en posición para reflejar tus elecciones de toma. Entonces solo puedes numerar cada uno secuencialmente. Ahora cuando salgas a bordo de la escena o secuencia, no saldrás mal y sabrás exactamente qué dibujar en segundo plano en cualquier toma dada. Realmente te ayudará una cantidad enorme para mantenerte consistente, para mantener la dirección correcta de tu pantalla, y por supuesto, para ayudarte a no romper la regla de 180 grados. Eso es todo muy, muy útil. Mi última palabra de consejo es que realmente no te vuelvas demasiado anulado o se enfoca en dibujar todos los detalles exactos del fondo o del diseño. Tan solo para indicar los principales hitos, dibujar el fondo es suficiente para que al menos el director y los animadores sepan dónde se está llevando a cabo la escena. 7. Puesta en escena de la acción: esta siguiente sección se van a cubrir algunas técnicas más avanzadas para la cinematografía y para la narración visual. Te voy a mostrar cómo puedes usar creativamente el lenguaje visual para mejorar tu trabajo y cómo conseguir que tus tomas fluyan sin problemas. lo primero que vamos a hablar es de la puesta en escena. Puesta en escena en animación o en película significa cómo organizar los elementos de tu escena para la visión más clara posible de la acción que tiene que tener lugar. Por lo general, la acción significa o se refiere a cualquiera de la animación que están haciendo los personajes. Eso significa priorizar la posición del personaje a lo largo de la escena. En tus storyboards, no quieres que los personajes estén cubiertos por un elemento de fondo, o para que tus personajes no tengan suficiente espacio para moverse o para hacer lo que sea que tengan que hacer. Básicamente significa controlar la atención del público. De alguna manera estás dirigiendo el ojo del público a mirar a los personajes y a mirar la acción. Como artista de storyboard, tu trabajo es averiguar qué es lo más importante que hay que ver en cualquier toma. También significa pensar en el futuro y averiguar qué hay que mostrar a continuación a medida que se despliega la historia. ¿ Cómo planeas que esa próxima pieza de acción fluya sin problemas? Aquí tienes un ejemplo realmente sencillo. Si tienes a dos personas sentadas en una mesa como esta y están hablando entre sí, probablemente pensarías en simplemente poner el tiro así. Pero si sabes, por ejemplo, que en el siguiente panel, vas a tener un tercer personaje entrando, entonces ingeniosa puesta en escena significa que presentas el primer panel así para que el tercer personaje tenga espacio. La vemos entrar y entrar. Todo es muy bonito y suave y no hay necesidad de cortes ni de nuevas configuraciones. Otra cosa que siempre requiere una buena puesta en escena es cuando tienes más de dos personajes. Digamos que tienes un grupo de personajes en una escena como esta. Aquí, tenemos un personaje principal es hablar con un grupo de amigos. Una forma inteligente de escenificar esto sería tratar a este grupo como un solo personaje. que cuando sí empieces a recortar de ida y vuelta de esta toma a esta, esté realmente claro dónde está todo el mundo. El público puede seguir el flujo de los disparos sin problemas y no se confundirán. Entonces, por último, una guía a prueba de fallas para la puesta en escena es simplemente dar mucho espacio a tus personajes. Los directores dirán a menudo que la mayoría de los artistas de storyboard en realidad no cortan lo suficientemente ancho en los personajes y no dan suficiente espacio a los personajes. Esto es algo que realmente destacará en términos de mala puesta en escena. Una regla de oro realmente buena es escenificar tu escena para la acción más amplia posible. Incluso en un primer plano, dale al personaje un poco de espacio de cabeza y un poco de espacio de pantalla en la dirección que está mirando. Una vez que te pongas realmente bueno y reflexivo sobre la puesta en escena, podrás combinar tiros sin necesidad de cortarlos realmente. Eso es algo por lo que tu director te va a encantar, porque solo significa que las cosas pueden ser un poco más eficientes en la tubería, y el artista de fondo no tiene que hacer un nuevo fondo para cada corte. 8. Composición: En el curso anterior, hablé de la regla de los tercios. Si recuerdas, te mostré cómo usarlo para dividir el marco, y también hablé de por qué creo que en realidad funciona a un nivel mucho más profundo que simplemente ser porque es agradable a la vista tener las cosas arregladas de esta manera. Ojalá te hayas puesto al día en ese curso y si no lo has hecho, recomiendo ir y verlo porque ahí hay algunos buenos puntos a tener en cuenta. Por ahora en esta lección, voy a mirar otras técnicas compositivas que puedes usar. Hay ciertas cosas que puedes hacer en tus storyboards que pueden llevar a la vista del público a exactamente donde quieres que estén buscando, y eso es básicamente lo que estás haciendo en puesta en escena y composición. Estás ordenando su atención a esta parte del marco o esa parte del marco. Algo realmente fácil de usar en tus composiciones son las líneas diagonales. Estos son geniales para llevar siempre el ojo a un cierto punto en el marco, y la idea es que uses lo que parece perspectiva natural dentro de la escena como líneas direccionales fuertes. Estas líneas apuntan literalmente a dónde deberías estar buscando. Otra forma de hacerlo es con encuadre. Encuadrar una toma es cuando se tienen elementos de la escena dispuestos para que el personaje que es el foco de la toma en realidad se enmarque dentro de estos elementos. Muchas veces se puede hacer esto con elementos de primer plano como este. O incluso puedes usar personajes para enmarcarnos unos a otros. Cualquier cosa que bloquee parte de su panel y deje solo espacio suficiente para que el personaje ocupe es enmarcar. Ahora si de verdad te gusta esta técnica compositiva, entonces te voy a recomendar que veas una película llamada In the Mood for Love, de Wong Kar-wai. Creo que probablemente los primeros 10 minutos de esta película estén completamente conformados por marcos dentro de fotogramas, y luego a lo largo de la película, la composición y el uso del espacio de pantalla es increíble. Esa película creo que es más o menos una clase magistral en composición. Entonces definitivamente ve a ver eso. De nuevo siempre relata tus opciones compositivas con la historia. Evite usar estas técnicas sólo por el bien de ello. Por ejemplo, en esta película, el director aísla específicamente a sus personajes mediante un encuadre preciso y utilizando marcos dentro de marcos porque ese motivo visual subraya la historia. El cuento trata de dos personajes que literalmente están atrapados en sus mundos interiores, incluso el uno del otro, y este increíble uso de la composición agrega capas de significado a todas y cada una de las escenas en las que se encuentran. Entonces cuando estés experimentando o jugando con ideas compositivas, intenta relacionarlas siempre con una razón como usar líneas diagonales, si quieres mostrar momento dramático. Usa el encuadre si quieres mostrar a un personaje en aislamiento psicológico o para dar esa sensación de estar encerrado. En la próxima conferencia, voy a hablar cómo se puede crear una sensación de profundidad dentro de su panel. 9. Cómo crear profundidad en tu panel: En esta lección, quiero mostrarte dos técnicas sencillas que te ayudarán a crear una sensación de profundidad en tus dibujos. Entonces al final de la lección, te daré una tarea corta para que puedas tener una oportunidad de practicar esto tú mismo. El primer consejo es usar líneas de perspectiva. Ahora esto realmente te ayudará si estás en una situación en la que realmente no tienes mucho pasando en tu marco en absoluto y quieres transmitir distancia. Todo lo que tienes que hacer es agregar en una cuadrícula simple. Ahora bien, no tiene que ser la perspectiva técnica de un punto o de dos puntos de la que expliqué en el último curso. Es simplemente una indicación de dónde está el punto de fuga, dónde está la línea del horizonte. Eso es todo. Pero al instante crea una gran sensación de profundidad en tu marco, y puede agregar una enorme cantidad a tu dibujo. Lo que también es bueno es que entienda de inmediato cuál es el ángulo de la cámara. Eso es muy importante porque los ángulos de cámara a menudo determinarán la alimentación del disparo. Si es un ángulo alto, así, entonces vamos a estar mirando hacia abajo a un personaje, y eso le dará al público la impresión de que tal vez este personaje está en una posición débil o vulnerable. Por el contrario, si agregamos en una cuadrícula como esta, nos dice que el personaje está por encima de nosotros. Se transmite un sentido de que esta persona se encuentra en una posición de poder o dominio. Sé que estoy montando esto como un poco por encima de la parte superior, pero en realidad son sutiles indicios visuales que estamos leyendo todo el tiempo, incluso inconscientemente. Es bueno estar al tanto de ellos. El segundo consejo es solapar elementos dentro de tu marco. A veces, realmente no quieres transmitir grandes distancias, pero tampoco quieres que tu dibujo sea destellado. Se quiere tener algo de profundidad. Simplemente superponer cosas como esta puede darte una agradable sensación de profundidad dentro del marco. Aquí es donde un arte 2D puede volverse bastante mágico porque si lo piensas, estás usando sólo un plano plano y unas pocas líneas para crear esta sensación o impresión realmente realista de espacio profundo. Para que tu asignación practique técnicas compositivas, quiero que lo dibujes como una simple escena de granja. Te he dado una lista de cosas que puedes incluir en este dibujo, un granero, un árbol, tal vez una barda, una rueda de vagones. Posiblemente podrías poner en algunas colinas lejanas. Pero no tienes que ser demasiado detallado ni complicado. Sólo un boceto áspero es todo lo que busco. Yo quiero ver cómo se pueden organizar estos elementos dentro del marco para dar una sensación de profundidad, y dirigir el ojo del público o la atención del público. Piensa en dejar espacio en algún lugar de tu marco para que se lleve a cabo cualquier personaje o acción. Piensa en cómo dirigirías al público a mirar ese espacio. A lo mejor vas a tener el granero fuera a un lado. Entonces no necesitas mostrar toda la estructura en el medio. Pero te lo dejaré completamente a ti. Entonces, de nuevo, sigue adelante y publica tus dibujos en la sección de preguntas y respuestas. Veamos a qué se les ocurre, y obtenemos algunos comentarios. De lo contrario, sólo mándeme si quieres que le eche un vistazo. Golpea “Pausa”, apártate, y haz algunos bocetos, y luego vuelve a mí en la siguiente conferencia. Te veré entonces. 10. Identificar los puntos de la historia: Cada panel que dibujas necesita contar o al menos apoyar el punto de la historia de ese momento o escena en particular y cada escena cuenta progresivamente el punto de la historia general de toda la película. Voy a echar un vistazo al proceso de cómo renderizar efectivamente un punto de historia en paneles de tablero simples y claros. En esta lección, voy a usar un ejemplo para hacerlo. Diga por ejemplo, tienes un guión que dice algo como Colorado Bob está en la cabaña. Está frenéticamente buscando el oro y afuera los marshalls se acercan rápidamente. Bueno, a menudo cuando estás trabajando desde un guión, fácilmente podrías perderte un poco o distraerte de todas las cosas que podrías dibujar. Lo que quieres hacer es cuando estás empezando, solo pregúntate en cada situación, ¿por qué un personaje está haciendo cierta acción? Eso te va a ayudar de inmediato a tener claro cuál es el punto de la historia. En esta instancia, busca frenéticamente oro. ¿ Por qué lo está buscando? Porque los marshalls están saliendo a buscarlo y tiene que irse. No está buscando el oro para contarlo o admirarlo. Está frenéticamente buscando conseguirlo para poder salir. Abordando esto, realmente no pasaría tiempo dibujando detalles innecesarios de la cabina o de los alrededores. Se quiere enfocar de inmediato en el frenético estado de Bob. Entonces probablemente elegiría muchos ángulos de cámara de primer plano para mostrar tal vez sus manos retumbando buscando cosas, tal vez un cierre de sus ojos, o incluso podrías tenerlo mirando por la ventana en un momento. Ahora verás que esta secuencia fluye y agudiza la tensión dramática porque está subrayando visualmente el punto de la historia. Pero aquí hay otro ejemplo que quiero que miren. Digamos, por ejemplo, que tienes un personaje que está caminando por un bosque. Podrías elegir dibujarlo frente a los árboles o caminar hacia cámara y eso te dará un bonito, precioso fondo boscoso. Pero digamos por ejemplo, el punto de la historia general del guión es que este personaje tiene este intenso conflicto interno que lo hace sentir de alguna manera atrapado, entonces esta configuración aquí es brillante porque estos árboles, como puedes ver al instante, crean siluetas que refuerzan su estado emocional y subrayan el punto general de la historia. Cuando te preguntes por qué, entonces podrás determinar la mejor manera de dibujar cualquier gráfico y cómo utilizar eficazmente el lenguaje visual para explicarlo. Evitarás pasar mucho tiempo dibujando cámaras innecesarias en los trabajos. Recuerda, tienes que ser lo más económico posible como un artista de storyboard para conseguir el punto a través. Espero que esto tenga sentido. Avísame si tienes alguna pregunta en absoluto. En la siguiente clase, voy a hablar de beats y tiempos en tu pizarra. 11. Beats y sincronización: En esta clase, voy a hablar de beats de una historia y explicar con más detalle cómo entender y reconocer beats. Identificar los beats es una de las primeras cosas que haces justo al principio cuando comienzas a leer tu guión. Los beats de alguna manera determinan tu shotlist por lo que es muy bueno tener una comprensión muy clara de esta parte. Una de las mejores maneras en que puedo describirlo es comparando literalmente un guión con una canción. Piensa en una canción que tenga una historia específica dentro de ella, una que se despliega a medida que avanza la canción. El tema está cronometrado musicalmente y cada línea de la canción o verso que tiene un punto de historia específico tiene su propio tiempo. Si fueras a storyboard una canción y emparejar esos paneles de tablero hasta la banda sonora, entonces tu tiempo estaría todo hecho por ti porque está emparejado con la música. Como artista de storyboard, tienes que encontrar ese ritmo en tu guión cuando estás leyendo a través de él. ¿ Haces todo esto en la fase de lectura de tu proceso? Entonces cuando vengas a miniaturas los dibujos, cada idea que has tenido en la cabeza, pon eso en tus miniaturas. El motivo por el que hay que tener una sensación de tiempo es porque es crucial dibujar en el número correcto de fotogramas por disparo o por escena, y también, porque más adelante, cuando se trata de hacer un animático, entonces vas a saber exactamente cuánto tiempo debe ser cada disparo, porque tendrás tiempo para eso por ti mismo. Esto significa que no estarás peleando por fotogramas extra o no estarás tratando de cortar en una escena porque se ha ido demasiado tiempo y está demasiado involucrado. Supongo que se podría decir que encontrar los beats es algo que es un poco intuitivo, pero la mejor manera de hacerlo es simplemente ver la película en tu mente mientras estás leyendo. Entonces sé específico sobre lo que estás viendo en términos de ángulos de cámara y tomas. En la siguiente lección, voy a conseguir que empieces a sacar pulgar la segunda mitad de ese guión occidental que tenemos. Ahora mismo, creo que sería una buena idea ir a agarrar ese guión y leer las dos páginas y simplemente reproducir esa película en tu cabeza. Consigue una sensación por el ritmo. Después de que lo hayas leído un par de veces, entonces puedes anotar en el propio guión tu shotlist, igual que te mostré en el curso anterior. Simplemente marcado en los márgenes o donde quieras lo que crees que necesitas para cada beat. ¿ Necesitas un tiro ancho para esto o un close-up o una sartén? Algo así. Diviértete, y cuando estés listo, te veré en la siguiente lección, donde pasaré por el proyecto de clase con un poco más de detalle. 12. Secuencias de apertura estándar: En esta sección del curso, quiero hablar de algunos patrones estándar de storyboarding y quiero mostrarte cómo puedes tratar secuencias específicas de forma casi como una forma más aproximada formulada. Puedes utilizar estas piezas de conjunto para prácticamente cualquier tipo de guión. Con estas fórmulas de secuenciación, puedes estar seguro de que estás transmitiendo el punto de la historia y estás usando un buen lenguaje visual para tu público. En esta lección, quiero ver cómo tratar una secuencia de apertura y te mostraré qué tomas y ángulos de cámara funcionan mejor para servir a este tipo de secuencias. Quiero empezar explicando que este patrón para una secuencia de apertura se basa en la idea de que una historia avanza hacia adelante hacia una resolución. Por supuesto, puedes pensar instantáneamente en películas que se cuentan al revés. Sé que una película como 500 Days of Summer es un ejemplo perfecto. Pero en general, se empieza con la premisa de la película y se avanza hacia la resolución de eso. El efecto general es que te has ido en un viaje con los personajes principales. A esto se le llama narración lineal, y nos lleva a la idea en storyboarding de progresar básicamente hacia adentro. Esta es una excelente manera de acercarse a una secuencia de apertura porque al progresar hacia adentro, estás mostrando cosas desde muy lejos y luego te acercas cada vez más hasta establecer el personaje. Es decir, comienza con el tiro más ancho de la ubicación, te mueves progresivamente hacia adentro a través de una serie de tiros largos, medianos, y finalmente, el cierre del personaje. Aquí tienes un ejemplo de guión que tengo. Simplemente te mostraré cómo funciona con esta secuencia de apertura muy sencilla. Tenemos un guión que dice que la película se abre en una cuadra de departamentos de la ciudad. Jack se está despertando y el despertador se está apagando. De inmediato quiero poder contar esta información al público. Ese número 1, nuestra historia se desarrolla en un entorno urbano, es una gran ciudad. Número 2 que el personaje se está despertando en su departamento. Aquí te presentamos las tomas estándar que podrías usar para esta secuencia. Empezarías con tu tiro ancho, que establece la ubicación, da al público una visión muy clara de dónde se va a llevar a cabo la historia. De inmediato tienen contexto. Entonces el siguiente disparo es uno más cerca e identifica claramente el edificio de departamentos hacia el que nos estamos moviendo. Ahora el espectador empieza a acercarse más a la acción. Pero luego con el 3er disparo, que he elegido para ser un primer plano del propio edificio con el fin de identificar el departamento donde está Jack, ahora sabemos que aquí es donde se va a llevar a cabo la acción. Entonces puedo cortar dentro del departamento, mostrarle a Jack dormido y ahora estamos en medio de la historia. Después corté a un extremo primer plano de la alarma que se apaga, así que sabemos que es hora de la mañana y Jack va a estar despertando. Tenemos la mano de Jack entrando y noqueándola fuera de marco para silenciarla. El siguiente disparo después de esto se remonta del primer plano para restablecer la escena. De nuevo, es un tiro medio que muestra a Jack sentado y como despertando groggily. Este patrón de ancho, medio, close-up, y back to medium tiene el efecto de acercar al espectador a la acción, acercándolos progresivamente. Una vez que hayas establecido la escena de un tiro ancho y cortado a primeros planos, siempre puedes retroceder a tus tomas medias para restablecer el escenario y la acción. Esto funciona en tantas secuencias de apertura. Es la forma más fácil solo de establecer el escenario y de empezar a rodar el balón y funciona. Las secuencias de apertura son cruciales para establecer el tono y crear exactamente la tensión o el drama correcto para la historia que estás a punto de contar. Se puede pensar de inmediato en la icónica secuencia de apertura de Star Wars, mostrándonos que está en el espacio. Enseguida, eso es todo lo que necesitamos saber. Pero en la siguiente lección, quiero mostrarte cómo puedes usar exactamente las mismas tomas que te he mostrado aquí para contar esta misma historia exacta de una manera completamente diferente y que tenga un efecto completamente diferente. A continuación, veamos una secuencia de apertura alternativa. 13. Secuencias de apertura alternativas: En la última lección, expliqué cómo ilustrar una secuencia de apertura estándar. Ahora quiero mostrarte algunas opciones para hacer las cosas un poco diferente. Imaginemos por un momento que el guión que tenemos en realidad no es tan sencillo ni aburrido como pensaste primero. Digamos, por ejemplo, que este es uno de esos guiones donde el personaje se despierta sólo para encontrar que toda la ciudad en la que vive está completamente desierta y es el único que queda. Digamos que es la secuencia de apertura de algún thriller dramático o una película de terror. En ese caso, la fórmula estándar de tomas que te mostré anteriormente realmente no va a funcionar tan bien aquí. Esa combinación, creo, no es lo suficientemente dramática. Se siente muy humdrum, ordinario, y un poco peatonal. Quiero mostrarte cómo puedes usar exactamente los mismos tiros pero mezclarlos en un orden totalmente nuevo. Mira cómo eso cambia completamente la tensión y el drama de la secuencia. Empecemos nuestra secuencia con ese primer plano del reloj, así que trae eso como tu primer disparo. Enseguida, el público es llevado al mismo medio de la acción sin darles ninguna información sobre dónde se está llevando a cabo esto o qué está pasando en absoluto. Es sólo un cercano y extremo close-up de un despertador que se apaga. Después corta a tu tiro ancho extremo de la ciudad. A modo de nota, debajo, se podría mostrar que el despertador sigue sonando sobre la banda sonora. Después cortó de nuevo a este tiro medio, Jack sentado, luciendo un poco aturdido y confundido. Cortar al primer plano del reloj despertador y mostrar la mano de Jack golpeando el despertador para silenciarlo. Empezar con ese extremo close-up es realmente desorientador para el espectador. Es un poco claustrofóbico sobre todo con la banda sonora de la alarma zumbando. No sabemos dónde estamos ni qué está pasando pero sí nos da un par de pistas visuales. Nos está diciendo que es temprano en la mañana y como con la mayoría de los despertadores, debe ser una señal de que se está llevando a cabo una rutina diaria y que las cosas son normales y habituales. Pero cuando cortamos a ese plano ancho de la ciudad y está completamente silencioso y todo lo que escuchamos es este molesto despertador que se apaga, eso podría empezar a señalar que tal vez algo es un poco extraño o un poco apagado. Normalmente no cortarías de un primer plano extremo a un tiro ancho extremo porque es demasiado desorientador para el espectador. No es un uso muy suave del lenguaje visual. Pero aquí en este caso, si juntamos estos dos tiros, realmente ayudará a mantener al público al borde y mantenerlos preguntándose qué está pasando. El tiro medio entonces con Jack luciendo un poco groggy y aturdido, esto nos intriga más en cuanto a lo que está pasando con esta persona. ¿ Qué le está pasando? Ahora esperamos a ver qué pasará o se desarrollará a continuación. Esa es una secuencia de apertura bastante intrigante usando señales visuales para establecer la escena. Si quieres echar un vistazo a una película que tenga una de estas secuencias de apertura muy interesantes, te recomiendo que mires a Blade Runner, una de mis películas favoritas de todos los tiempos. Ese es el Blade Runner original, no el reinicio. Esa secuencia de apertura es icónica, inicia con un extremo primer plano de un ojo, luego corta a un tiro ancho extremo de la ciudad. Ve a ver eso y ve qué puedes entender y aprende de la secuencia de apertura de Ridley Scott. Las fórmulas visuales o patrones de los que estoy hablando están ahí para que los uses pero de ninguna manera son las reglas por las que tienes que pasar. Es solo opciones para ti. Si quieres pensar en la narración lineal, piensa en partir de lo ancho y avanzar progresivamente hacia primeros planos. Pero de nuevo, tal vez quieras mezclar eso por completo y usarlo para efecto dramático para contar una historia mucho más interesante. Depende totalmente de ti. Aprende las reglas y luego aprende a romperlas. En la siguiente lección, voy a hablar de algunos patrones más de storyboarding como cuándo cortar y también cuándo no cortar. Te veré en la siguiente lección. 14. Cuándo cortar: Piensa en el storyboarding como esencialmente editar una película antes de que se haga. Si piensas en eso, entonces definitivamente necesitas conocer algunas reglas básicas de edición como cuándo hacer tus cortes. Un corte es cuando cambia el ángulo de la cámara. El término en realidad viene de los días de película antes de la película digital cuando un editor realmente cortaba físicamente la tira de película y luego la grababa de nuevo junto con otra pieza de metraje. Eso sólo está atascado con nosotros en la era digital. Existen algunas razones por las que debes saber cuándo debes cortar. Esto mejorará tu tiempo para tus storyboards. Simplemente hará que tus tablas y tus tiros fluyan juntos. El primero es cortar la emoción. Por ejemplo, si alguien dice algo dramático, entonces podrías cortar para ver la reacción de la otra persona. Eso es cortar la emoción. O si hay un momento emocional fuerte en la escena, entonces querrías cortar ahí en lugar quedarse en el tiro y arriesgarte a dejar que la emoción se disipe. Por ejemplo, este tiro aquí. Digamos que alguien acaba de leer una carta y en ella han recibido algunas noticias realmente impactantes o algo así. Bueno, querrías cortarlas y luego pasar a la siguiente escena. Cuando han registrado ese choque y el público lo ve en la cara del personaje. No querrías quedarte con ese disparo y tal vez mostrar a esa persona bajando la carta. No sé, salir y hacer una taza de té, eso simplemente no dejaría que todo el impacto emocional de esa escena se alejara. Otro buen momento en el guión para hacer tus cortes es cuando quieres mostrar información. Por ejemplo, cortar para mostrar tomas de reacción o tomas de punto de vista, o para mostrar lo que está mirando un personaje. Mostrando información a la escena o al punto de la historia. Pero el lugar más obvio para cortar una escena es lo que se llama cortar en la acción. Ahora cortando su acción básicamente es una edición estándar a través de películas de acción en vivo así como de animación. Si tienes la oportunidad de que alguien se levante de una silla y se vaya a abrir la puerta, por ejemplo, eso es una acción. El acto del personaje al levantarse. Haría el corte ahí. Al levantarse de la silla, luego cortó al tiro de la puerta. En lugar de mostrar al personaje levantándose junto a la silla y caminando y después llegar a la puerta. Cortar en la acción es un uso muy inteligente del tiempo porque en realidad puedes deshacerte de esos largos momentos dibujados donde un personaje está haciendo algo con el fin de llegar a otro lugar. A veces sobre todo si eres storyboarding para animación televisiva, puede ser el caso de que en realidad demasiados recortes terminen causando bastantes problemas más adelante. Es frecuente que si tienes montones y montones de recortes, el director te pedirá que intentes consolidar los tiros para ser más eficientes en cuanto a la carga de trabajo para otros departamentos como los fondos o animación. El mejor modo de saber cuándo no cortar es literario, no corte si no tiene que hacerlo. Si puedes escenificar tus tomas para que haya espacio para la acción y la acción secundaria, entonces necesitarías cortar a nuevas configuraciones o nuevos ángulos de cámara. En este ejemplo, cortar de aquí a aquí se conoce como un corte de salto porque la posición de este personaje literalmente salta de un disparo a otro. Ella está aquí en esta toma y luego cortas a un nuevo ángulo de cámara y ella no está en la misma posición. Para resolver eso, solo podrías usar un simple movimiento de cámara y desplazarte de esta posición poco más a la izquierda. Entonces eso te permitirá mostrar al personaje secundario de fondo sin tener que cortar el tiro en absoluto. Recuerda cuando hablé de puesta en escena, mencioné esto. Si hay algo que puedes mostrar ahora que ayudará a que la historia se desarrolle en la siguiente toma, luego escenifica una acción así porque te ayuda a no tener que hacer nuevas configuraciones o cortes. Una buena regla de oro es solo pensar lógica y claramente en la cantidad de negocio que tienes que atravesar en una escena, la cantidad de acción que tienes que superar si quieres. ¿ Cómo puedes renderizar mejor el punto de la historia? Piensa en si un disparo podría funcionar tan bien como tres o cuatro ángulos diferentes. 15. Combinar cortes y enganches: Un corte de coincidencia o un enganche es cuando se corta de una toma de un personaje, por ejemplo, a otra toma o ángulo donde ese personaje todavía está en la escena o en el marco. Tienes que asegurarte de que el nuevo tiro coincida con el anterior en cuanto a dónde se coloca el personaje y en cuanto a su pose. Un personaje está saliendo de su casa y caminando por el camino hasta el auto donde espera su amigo. En cuanto al tiempo para la escena, no se quiere tener que ver todos y cada uno de los pasos de la puerta al auto como expliqué en la lección anterior. Si solo les muestras alejándose de la puerta y luego le cortan en el auto, eso sería un corte de salto. A veces los cortes de salto están bien si quieres inyectar un poco de energía dinámica en tu escena. Pero si el estado de ánimo realmente no lo llama, entonces podría parecer jarrante. En cambio, mostrarías a tu personaje saliendo de la puerta y luego utilizarías un corte de cerillas, que en este caso es un primer plano de sus pasos. Ahora, es un corte de partido porque los pasos coinciden la misma dirección y la misma acción que el disparo anterior. Entonces el siguiente disparo podría mostrarle en el auto. Ese es un uso muy efectivo de la edición. Sólo hay tres tiros diferentes, dos cortes, y hemos establecido que el tiempo ha pasado de él dejando la puerta a él llegando al auto. Eso es una edición bastante sin fisuras cuando lo ves jugar y es un muy buen uso de un corte de partido. Otra forma de hacerlo es que podrías tenerlos saliendo de la puerta, luego usar un corte de su amigo mirando fuera de pantalla y observándolo, luego mostrarlo parado en el auto. Nuevamente, esto tiene el mismo efecto exacto. Comprime el tiempo para que no tengamos que verlo dar cada paso de la puerta al auto. Es un muy buen uso de un corte para acelerar la acción. ¿ Qué es un gancho para arriba entonces? Bueno, aquí hay un ejemplo muy sencillo de un gancho arriba. Si tienes un personaje mirando fuera de pantalla antes de un corte, entonces ves una toma más ancha, pero les muestra mirando hacia abajo hacia el suelo, bueno, podría haber muchas razones lógicas en el guión por las que este personaje tiene para mirar hacia abajo, pero tu storyboard estaría equivocado porque la pose no se engancha. Entonces, o bien necesitas iniciar el primer panel con ellos mirando hacia abajo, o iniciar tu segundo panel con ellos mirando fuera de pantalla y luego mostrarlos mirando hacia abajo. Espero que eso tenga sentido. Pero una vez que empieces a ver enganches en storyboards, empezarás a hacerlo de forma muy intuitiva. Piensa también en tus elementos de fondo por cierto. Los elementos de fondo pueden tener una tendencia a moverse y cambiar posición por sí mismos si no tienes cuidado con tus enganches o tus cortes de partido. Cuando vayas a cortar tus escenas, tendrás que vigilar eso también y asegurarte de que un personaje esté de pie junto a un poste de lámpara en un solo disparo, después asegúrate de que ese poste de lámpara se coloca relación con el personaje en el siguiente disparo si es desde un ángulo diferente. Pasemos a la siguiente lección. Quiero hablar de algunos patrones de storyboarding estándar para el desarrollo de personajes, específicamente cuando usamos primeros planos. Te veré entonces. 16. Tomas para el desarrollo del personaje: Por lo general, las secuencias de diálogo se abordan utilizando una combinación de primeros planos y tomas medias. El tiro medio es un gran tiro de go-to para el diálogo. Se trata de una toma extremadamente versátil porque todavía tienes mucho espacio en un tiro medio para que los personajes se muevan, sobre todo si están haciendo algo con sus manos. Pero aún vemos la expresión y la emoción en sus rostros. Un tiro medio es una herramienta muy útil en tu narración. Además, el tiro medio es igualmente importante para los aspectos relacionales de la puesta en escena. Si necesitas restablecer una escena y volver a la base local y una secuencia de cortes digamos, has pasado de un primer plano a un corte a un extremo close-up, entonces tus tomas medias o medias son una buena solución para traer al público de vuelta a base en cuanto a dónde estamos todos, dónde están los personajes en la escena, y en relación entre sí. Ahora, solo quiero hablar un poco sobre el primer plano y creo que vale la pena pasar tiempo para discutir primeros planos en profundidad porque esta toma es una toma tan importante para tu vocabulario visual. El principal que creo que vale la pena señalar sobre el primer plano es cómo funciona la identificación del público a través de esta toma. Esto es algo de lo que sí hablé brevemente en el primer curso de storyboarding, pero no puedo recalcar lo importante que es esto para la narración visual. Yo sólo quiero hablar un poco más en esta lección. Déjame explicarlo así. Si piensas en un público viendo una obra de teatro, la acción se está desplegando frente a ellos. Pero están más o menos atrapados en esta zona, realidad no se acercan más a la acción ni a los personajes. Simplemente imagínense si en realidad pudieran levantarse al escenario, sentarse justo al lado de ese principal para que el héroe de la obra, piense en lo poderoso que sería eso en cuanto ver y entender la emoción del actor. Eso es casi lo cerca que nos acercamos en el cine cuando estamos viendo una película. Para la identificación del público el primer plano es crucial. Pero no tiene sentido cortar a un primer plano simplemente al azar o al azar, sólo porque es una buena toma o porque es un lenguaje visual fuerte, o porque simplemente no quieres tener que dibujar en los detalles de fondo. Siempre piense con cuidado cuando podría usar un primer plano y asegúrese de considerar lo siguiente. Cortar a un primer plano donde la emoción o reacción del personaje es más importante para mostrar en la escena cuando es el punto de la historia. Número 2, establecer intimidad y conexión tanto con el público como entre personajes yendo por el frente tres cuartas partes así. Incluso podrías cuadrar al personaje por completo, pero asegúrate de que sus ojos estén mirando pantalla de izquierda a derecha de pantalla. Si tienes dos personajes hablando, este primer plano realmente los conecta. Simplemente déles algo de espacio alrededor de la cabeza y simplemente no corten demasiado cerca. A menos que sea un momento muy dramático o intenso en el guión que pide un primer plano extremo no lo hagan tan apretado. Asegúrate de tener un bonito espacio negativo alrededor del personaje, piensa en tu regla de tercios y tal vez colocando al personaje en uno u otro lado de la pantalla. A continuación, voy a discutir con ustedes el último de nuestros proyectos de clase. Es el proyecto número 3, donde voy a conseguir que limpies y finalices tus storyboards. Te veré en la próxima conferencia. 17. Conclusión: Wow, bien hecho por llegar al final del curso. Me alegra que llegaras tan lejos. Creo que eso es impresionante. De verdad no debes subestimar la cantidad de trabajo que completaste y lo que lograste, incluso por solo pasar por todo el curso. Muchas gracias por estar aquí y por ver esto todo el camino hasta el final. Yo solo quería dejarte en este video con algunos de los puntos que creo que son mis mejores para llevar para este curso. Creo que estos son los consejos más esenciales en los que debes enfocarte en avanzar. El primero es el dibujo de vida o el dibujo de figura. Si en absoluto te interesa ser un artista de cuentos, o un dibujo o una animación en general, no puedo recalcar lo importante que es practicar el dibujo de figuras. Si puedes llegar a una clase de dibujo de figuras de vida, eso sería lo mejor que puedes hacer. Pero si no puedes, siempre puedes simplemente dibujar a partir de la referencia fotográfica en línea, y hay toneladas de recursos por ahí para ayudarte. Si eres aficionado, mándame un mensaje, tengo algunos punteros que te puedo dar para donde encontrar buenos tutoriales sobre dibujo de figuras. Número 2, si la animación es realmente tu foco principal, entonces el diseño de personajes es algo en lo que debes pensar y debes practicar todo lo que puedas. los estudios les encanta ver diseños de personajes en tu portafolio y sobre todo para que los artistas de storyboard puedan dibujar una diversa gama de personajes, no solo un estilo de personaje es algo que van a estar buscando. Enfócate en tus diseños de personajes y practica eso tanto como sea posible. Número 3, es tratar de obtener claridad en sus storyboards tanto como sea posible. lo que me refiero con eso es mirar atrás a través tus paneles de storyboard mientras estás trabajando en ellos y pregúntate, si alguien que no conoció la historia viene y mira tus elecciones de tiro o flujo de tomas. ¿ Podrían seguir la historia? A veces podría significar que hay que agregar algunos fotogramas más para describir una acción que el personaje está haciendo. Si ese es el caso, entonces hazlo porque realmente quieres poder dejar que tu storyboard hable por sí mismo. Mi cuarto consejo es ver tantas películas o programas como puedas y realmente estudiar cómo se usan las tomas en esas películas. Una práctica realmente buena que casi todo narrador que conozco hace, es pausar la película, y hacer una miniatura en tu cuaderno de bocetos una determinada escena o una secuencia que tú creas que es interesante o convincente. Empezarás a entender cómo piensan los directores, cómo funciona la edición y eso realmente mejorará tus habilidades de abordaje de historias. Entonces mi quinto consejo es unirte a tantos grupos en línea como puedas. Hay muchos grupos en Facebook para artistas de storyboard, y realmente puedes obtener toneladas de inspiración y conocimiento e ideas uniéndote a esos grupos y viendo cómo funcionan otros artistas de la historia. Bueno, eso es todo para mí. Es sólo hora de que firme pero antes de irme, verdad quiero decir muchas gracias por estar aquí. Gracias por todas sus aportaciones en esta clase. No puedo decirte lo mucho que eso significa para mí. Ha sido increíble ver que el trabajo de las personas mejore con el tiempo y espero verte en otro curso.