Transcripciones
1. Introduccion: Hola, Bienvenidos a la clase de pintura de
squash. Aquí exploraremos las técnicas y
consideraciones
clave al trabajar
con este versátil medio. Esta clase está aquí para guiarte a través de la maravillosa palabra
de pintar con cochera. En papel tonificado, tiene todo cubierto, desde
elegir tus materiales, la importancia de los valores tonales, mezclar
colores para una paleta
natural, conseguir la consistencia de
tu garaje a la derecha,
esbozar tu
obra maestra y finalmente,
pintarla por etapas,
espero que esbozar tu
obra maestra y finalmente,
pintarla por etapas, espero
2. MATERIALES: Primero, vamos a revisar los materiales necesarios
para pintar. En mi experiencia personal, he desarrollado
una preferencia por papel de tono
suave al
trabajar con guache Este cuaderno de bocetos tiene una textura suave que es
particularmente atractiva para mí ya que la pintura Guache se extiende más fácilmente sobre
la textura suave El papel tonificado proporciona un lienzo perfecto para que los colores se
expresen completamente Es fascinante cómo los colores una vez aplicados al papel, parecen tomar
vida propia. Se conectan, se mezclan
e interactúan de
una manera que da vida a la escena
representada, dándole vitalidad y profundidad Cuando trabajo en papel blanco, prefiero usar papel acuarela
prensado en caliente, que también tiene una textura suave. Al pintar sobre papel de
acuarela, es importante tener en cuenta que
generalmente se necesita más agua
para distribuir la pintura. Esto es especialmente
bueno para saber si el papel de acuarela
tiene una textura fuerte, como el papel prensado en frío. Esta es mi
paleta hermética para gas. Cuenta con una
cubierta adicional que evita que el
aire entre y
seque la pintura. He tenido muy buenas
experiencias con esta paleta. Los colores no se
secan en absoluto. Los rocío ligeramente con
agua aproximadamente una vez a la semana. Si no estoy usando la
paleta por un periodo más largo, te
proporcionaré la disposición de los
colores como archivo en la sección del proyecto para que siempre
puedas rastrear
qué color estoy usando. A continuación, hablemos de pinceles. Tengo un juego de cepillos de gas
sintéticos. Me gusta el cepillo plano
ya que puede cubrir grandes áreas y puedes usar
su sitio para más detalles. También utilizo pinceles redondos, que hacen diferentes
tipos de trazos. Prueba diferentes pinceles
para ver lo que te gusta. A menudo se trata de
lo que prefieres. Sugiero tener
al menos un pincel más grande y algunos pequeños para
detalles o fotos pequeñas. Si tuviera que elegir dos, elegiría estos dos. Un cepillo plano y un
pequeño cepillo redondo. Si eres principiante, sugiero comprar
un juego asequible con seis a ocho colores. Mis marcas preferidas, una presa Smink Hoo y
Windsor y Newton Sus colores son
altamente pigmentados y
agradezco la
consistencia de la pintura Al pintar con guash, a menudo
usarás más
pintura blanca que otros colores. Recomiendo conseguir
un tubo extra o uno más grande de inmediato. Tengo una selección de pinturas que actualmente
uso en mi paleta. Incluye colores primarios y
algunos colores de conveniencia
como el verde oliva. Como mencioné anteriormente, compartiré la lista con
ustedes en los recursos. Otros materiales que
necesitarás son un lápiz, un clip de tazas de agua y una paleta para
mezclar tus colores. Prefiero
paletas de cerámica ya que
no se manchan y son fáciles de
limpiar con agua También te recomiendo tener a mano una botella de spray
para humedecer tus pinturas
3. Valores tonales: En esta lección,
profundizaremos en el tema
de los valores tonales Estos juegan un
papel crucial en la pintura, ya que nos
ayudan a representar sombras claras
y profundidad en nuestra obra de arte Contribuyen a crear una ilusión tridimensional sobre una superficie bidimensional. Los valores tonales también son necesarios para
distinguir formas. Cubriremos los conceptos básicos
del uso de valores tonales y aprenderemos consejos y trucos para identificar y
aplicar valores tonales Pero, ¿qué son los valores de tono? El valor de tono se refiere al brillo de
un color. Describe lo claro
u oscuro que es un color. Seleccionar el valor
tonal apropiado es crucial, incluso más que la
elección del color Usando valores tonales,
puedes lograr condiciones de iluminación
claras y separar las formas
en tu pintura Aquí está la escala de valores. Se divide en diez
valores del blanco al negro. Cada color corresponde
a un valor en la escala. Tenemos tonos claros, tonos medios y tonos oscuros. En la naturaleza o en imágenes de
referencia, a menudo
encuentras un amplio espectro
de estos valores tonales, que pueden resultar bastante abrumadores Siempre trato de
simplificar la referencia en las formas de tres
a cuatro valores tonales Para ello, utilizo el
concepto de planos prime, tal y como lo describe John F Carlson en su libro sobre pintura de
paisajes De acuerdo con este concepto, hay cuatro
planos primos en un paisaje. El primero es el plano plano, por ejemplo, el suelo. El segundo es el
plano vertical de los árboles. El tercero es el plano inclinado de
montañas y cerros El último es que el cielo es
nuestra principal fuente de luz. cada uno de estos planos
se le asigna un valor tonal que
están interconectados El cielo, siendo la
fuente de luz, tiene el valor más ligero Los planos inclinados,
como las montañas, tienen un valor de nivel medio En contraste,
los planos verticales como los tres, tienen el valor más oscuro El terreno plano
tiene un valor total que es más ligero que
el plano inclinado, pero más oscuro que el cielo Dividamos
conceptualmente una imagen en formas
con diferentes valores tonales Las diferencias son más
notorias cuando
entrecerras los ojos o conviertes la referencia a blanco y
negro Para ilustración, he difuminado la imagen para simular
entrecerrar los Se pueden ver claramente
los diferentes planos. El cielo es la
zona más brillante de la imagen. Las áreas horizontales, ya que el prado es el segundo
más ligero en valor Los elementos verticales en el paisaje son
las zonas más oscuras Aquí hay otro ejemplo. Cuando entrecerres los ojos, probablemente
verás que el cielo es la
parte más ligera de la imagen Los prados como plano
horizontal son los segundos más ligeros los elementos
verticales Los árboles son las
partes más oscuras de esta referencia. En la pintura Guache, el valor tonal
más ligero de cualquier color se puede obtener
mezclando el color con el blanco A medida que agrega más ancho, el valor del turno se vuelve más ligero. Sugiero practicar esta
técnica en nays de pulgar pequeño. Inicialmente, el medio
que uses no importa. Podrías usar marcadores de calabaza
o incluso un simple lápiz. Resumimos un poco esto. En la pintura a gas, es crucial seleccionar el valor tonal apropiado o el valor tonal apropiado o
el brillo de un
color La imagen se
divide
conceptualmente en formas con
diferentes valores tonales, el cielo a menudo el área más ligera, siendo
las áreas
horizontales como prados
el Y los elementos verticales, como que
los árboles son los más oscuros, entrecerrar los ojos o convertir la
referencia en blanco
y negro puede ayudar a identificar Puedes obtener el tono
más claro de cualquier color
mezclándolo con el blanco
4. Mezclar los colores: Crear armonía de color dentro de los estudios de
Guage requiere un
enfoque particular y consciente. El primer paso es
usar una paleta limitada, lo que obliga a experimentar con
diferentes mezclas de colores. Ampliando así
su comprensión de la teoría y aplicación del color. Agregar demasiados colores podría hacer que tu imagen
se vea un poco caótica, especialmente si los colores realmente
no se
relacionan entre sí Al mezclar
colores primarios, rojo, amarillo y azul, se puede lograr una amplia
gama de uso. El segundo paso es, en lugar de usar los colores
directamente de los tubos, tratar de mezclarlos
en diversas proporciones. Es un experimento divertido. Podrías intentar escoger
una paleta limitada de tres a cinco
colores y algo de blanco. Y juega con
diferentes combinaciones de colores en una hoja de papel, o incluso crea tu
propio libro Swatch Te sorprendería la
variedad de tonos que puedes crear con solo mezclar los
colores en diferentes proporciones. Es una gran manera de ver cómo interactúan
los colores entre sí. Tengo mi propio libro de
Swatch aquí. Es un lugar donde puedo experimentar
libremente con combinaciones de
colores y
tenerlas todas en un solo lugar. Además, me permite
probar rápidamente diferentes combinaciones
sin
tener que buscar un
motivo o referencia. Primero, agregar el mismo color a cada una de tus mezclas
puede fomentar aún más la armonía. Creando una costura de color cohesiva y
unificada dentro la obra de arte para
probarlo al mismo color En mi caso, es quemar sienna
a cada uno de tus colores base. Debido a que cada color contiene
una porción de siena quemada, automáticamente
crea armonía de color El tercer punto que quiero
mencionar es mezclar colores. Usa los que ya están en tu paleta de
mezclas para lograr la armonía. Notarás que no limpio mi paleta mientras pinto al agregar colores consistentemente a
los colores existentes
en mi paleta de mezcla. Se mezclan naturalmente, dando como resultado una imagen
general harmonea. Si te estás esforzando por obtener colores
naturales en
tus estudios de medición, es recomendable evitar usar colores directamente
del tubo Los colores directamente del tubo suelen ser vibrantes
y antinaturales, haciendo que las pinturas parezcan
artificiales y atrevidas Por supuesto, este puede ser un estilo al
que podrías aspirar, pero me siento más cómodo
con colores más apagados En cambio, considérelos con mezcla de
colores complementarios, o hones de tierra Este enfoque puede dar como resultado tonos
más matizados y
realistas que
imitan con mayor precisión los que se encuentran en
la naturaleza El primer método que me
gustaría demostrar consiste en mezclar el color
con su color complementario. Los colores complementarios
son aquellos que se asientan directamente uno frente al
otro en la rueda de colores. Por ejemplo, el
color complementario al verde es el rojo, y para el amarillo, es el violeta. Supongamos que has
preparado el color verde, como idiano en tu paleta Para crear una mezcla más natural, simplemente agrega su color
complementario, el rojo. Esto podría ser
rojo escarlata, alizarina, carmesí,
quemadura, siena o cualquier otro rojo La segunda forma de silenciar el
color es mezclarlos con colores terrosos
como el umber quemado, el
quemado, el sienna, el
ocre amarillo Puedes obtener fácilmente
un azul natural
mezclando tu azul con un color terroso, como el umber quemado o la siena quemada El verde es un color increíblemente
versátil. Simboliza la paz, la esperanza, la
renovación y la libertad. Dado su
papel fundamental en la naturaleza, merece una
atención especial en esta lección. Árboles, arbustos y pasto son excelentes temas para
practicar la mezcla de colores Busca referencias, o
sal a observar la naturaleza de cerca. Verás abetos verdosos azules, cogollos verdes
amarillos en primavera, coníferas de color verde
oscuro y las sombras verdes profundas
sobre
el pasto de verano Entonces trata de recrear los
tonos verdes naturales que has observado Para debilitar los tonos verdes. Aplico el principio
que he implementado en la sección
cómo mezclar colores naturales. Si las mezclas de colores
son demasiado brillantes, puedes silenciarlas con
algún tono rojo o tierra. Esto funciona tanto con mezclas
verdes pre hechas desde el tubo como
con tus propias mezclas verdes. puede obtener un verde tenue
con un tono amarillo cálido, como titanio dorado ocre y azul
ultramarino en la siena quemada para Por otro lado,
se puede lograr un verde
primaveral vibrante mezclando un amarillo frío, como el amarillo limón. Con un azul como el azul
ultramarino, la mezcla probablemente
saldrá brillante, por lo que puedes
tonificarla con rojo Para mezclar colores verde oscuro, existen varias posibilidades. O primero mezclas un verde y luego lo oscurece con índigo, negro
marfil o umber quemado También puedes mezclar
negro marfil con amarillo y obtener directamente un tono verde oscuro
tranquilo. Yo uso dos tipos de pintura blanca. Por un lado, utilizo
blanco permanente o blanco titanum, que es altamente opaco Entonces la mezcla puede
verse rápidamente calcárea y pastel como la uso solo para las luces más ligeras al
final de la pintura o cuando quiero
aclarar El segundo blanco que uso es blanco. Es un blanco transparente y no hace que
los colores parezcan calcáreos, pero también tiene menos cobertura Es un excelente blanco para
mezclar para oscurecer los colores. Considera usar tonalidades con un valor tonal
naturalmente oscuro, como índigo ámbar quemado
y marfil, negro marfil negro Un negro cálido es ideal para mezclar verdes
oscuros u oscurecer tonos verdes
pre mezclados Como mencioné en la sección
anterior, índigo, un azul oscuro es útil
cuando se pretende oscurecer los tonos azules o
enfriar un color oscuro Utiliza ámbar quemado para mezclar tonos grises o marrones
más oscuros. O para
calentar generalmente el color. Para aclarar un color, puede agregar ya sea un color que sea más claro en
valor tonal o blanco Primero, intenta aclarar el color con un
color más claro de tu paleta, como el amarillo limón para los verdes
relámpagos Si esto no logra el efecto deseado,
puede agregar blanco. Sin embargo, el uso del blanco
debería ser el último recurso. Siempre intente usar primero un color
más claro. Agregar blanco puede
hacer que los colores parezcan pastel como si
agregas blanco, es posible que necesites volver a calentar la mezcla
agregando un tono cálido. Preguntas, constantemente me
pregunto ¿por qué mezclar los Colo Mics
necesitan ser más fríos o cálidos? Por lo tanto, los micrónicos Colo
necesitan ser más claros o más oscuros. Resumimos los puntos clave
para crear armonía de color. En los estudios de calibres utilizan una paleta limitada y experimentan con
diferentes mezclas de colores Mezclar colores primarios y
agregar el mismo color a cada mezcla puede crear
armonía de color para colores naturales. Evite usar colores
directamente del tubo. En cambio, mézclalos con colores
complementarios
o tonos tierra. Los verdes naturales
se pueden obtener
agregando sienna roja o quemada a un azul amarillo Mezcla colores
oscuros con colores de valor tonal oscuro
y aclara con
colores más claros, Usando el blanco como último recurso, siempre revisa los colores
que estás
mezclando haciéndote
preguntas sobre el color, temperatura y el valor tonal
5. Consistencia del gouache: Quach es un
medio único que cierra la brecha entre la acuarela
y la pintura acrílica Cuenta con color, pigmentos, tiza y una carpeta
llamada jum Arabic Qua es soluble en agua,
muy parecido a la acuarela. Esta propiedad elimina
la
preocupación por el secado de la pintura en
el pellet de mezcla o manchar la ropa, haciendo particularmente
fácil de usar. También puedes reactivar y re, usar pinturas de guache secas
agregando agua Gage a menudo se compara con
la acuarela, pero se diferencia de
él en su opacidad Al secarse, el calibre
crea un acabado mate
similar a la tiza en comparación con el acrílico El acrílico se seca mucho más
brillante que el guache. Mantener la consistencia
correcta del guache es muy importante Si estás acostumbrado a las acuarelas, te importa tender a mezclar demasiada
agua en la pintura de calibre En consecuencia, pierde lo que hace especial, es
decir, su opacidad Por lo tanto, es importante
tener en cuenta que Gua no debe
ser de naturaleza fluida, sino que debe mantener
una consistencia cremosa. Déjame mostrarte a lo que me refiero. Tengo una pintura aquí con una consistencia
bastante espesa. Necesito agregar más agua, pero sólo una pequeña cantidad. Salgo de pintura sobre la paleta y apenas sumerjo
el pincel en el agua. Humedeciendo solo la punta, La pintura se extiende mucho más fácil Ahora el color es mucho más uniforme y no
interrumpido como el primero. Déjame mostrarte otro ejemplo. Este color tiene una consistencia bastante
cremosa enseguida del tubo. No necesito agua
para que se pueda untar. Invierte algo de tiempo y esfuerzo en entender
tu paleta. Pruebe cada color directamente
del tubo para determinar la cantidad exacta de agua cada uno requiere para lograr
una consistencia cremosa. Ten en cuenta que
no todos los colores son creados iguales en cuanto
a transparencia. Algunos colores son más
transparentes que otros. Además, prueba tus pinturas
en diferentes papeles. Tengo aquí mi libro de
bocetos de tonos y lo
compararé con papel acuarela
prensado en frío. Para ello, aplico pintura con la misma cantidad de
agua en ambas superficies. La mezcla se extiende fácilmente
sobre papel liso, pero las pinceladas se rompen
en el papel prensado en frío. Cuando trabajas con papel de color agua
prensado en frío, es esencial agregar un poco
más de agua a la pintura. Esto hace que la pintura sea
más manejable y más fácil de trabajar
en este tipo de superficies Aplicar pintura en capas uniformes
y uniformes. Evite aplicar las
capas iniciales demasiado gruesas y absténgase de hacer que las capas
finales sean demasiado acuosas. A la pintura acuosa no tendrá cobertura y disolverá
las capas subyacentes La consistencia es la clave. Se puede decir cuando el dolor comienza a secarse por su apariencia. Empezará a tomar en un tapete, verá como se seca, para evitar eso, humedecerlos
con agua de vez en cuando.
6. 6 Proyecto final: dibujo: Empecemos por el dibujo. Mi lápiz es un
lápiz mecánico con una mina H B. Voy a superponer la imagen de
referencia aquí a la derecha para que
puedas dibujar conmigo. Empiezo dibujando el
marco para la imagen, lo que me da una orientación de qué tan grande será la imagen, así
como para la
división de maquetación de la página. La relación de aspecto de ancho a alto también se
determina de esta manera. Ya que el recorte en
la referencia es bueno, simplemente
lo adopto. Empiezo con la línea del horizonte. Las marcas de los
medios lados me ayudan a evitar posicionar
la línea del horizonte directamente en el medio. Intencionalmente no hago recta
la línea del horizonte, esto la hace más dinámica. Después esbozo el camino por
la perspectiva dist, aparece más ancho en la parte delantera y se estrecha
hacia atrás,
similar a los mechones de pasto en el costado El dibujo será un simple de
atrapar libre de
eclosión o detalles Enfócate en la tarea, trabaja a un ritmo constante e intenta capturar los
aspectos únicos de los sujetos. Esbozo las
formas principales de la casa, centrándome en el techo y
las paredes sin detallar. Entonces dibujo el árbol
en primer plano'
, el papel de las líneas eléctricas
hacia atrás Después esbozo los árboles
al fondo, asegurándome de variar sus alturas. Hay alguna pradera frente a
la casa a la izquierda, aquí y allá
refuerzo algunas líneas. La casa de la izquierda
se dibuja en vista frontal. Incorporo los polos de poder que se hacen más pequeños
hacia atrás. Con eso concluye el dibujo. Lo subiré como una imagen en la referencia
para su referencia.
7. Proyecto de clase: análisis de la referencia: Hemos completado este
boceto ahora me gustaría
revisar los colores y valores
tonales de la imagen de
referencia contigo Antes de comenzar a pintar, siempre
analizo el
cuadro en términos de las formas más grandes
y sus valores tonales Agrupo las superficies
en grandes formas, comparo sus valores tonales y divido la imagen en
diferentes áreas de valor tonal Intento entonces encontrar primero el tono medio
apropiado
para cada área, sin considerar las
luces altas y los acentos oscuros. Echemos un vistazo.
El cielo es claramente una de las partes más grandes y
ligeras de la imagen Queremos intentar captar que el color es
un azul muy claro, con mucho blanco
relativo al cielo. La
superficie horizontal, el prado y el camino son los
segundos atrasos más ligeros El color es
verde de valor medio con ligero cambio
en la temperatura de color. Los árboles verticales en el fondo son la parte
más oscura de la imagen El color es un verde muy
oscuro, fresco. Esta será nuestra hoja de ruta
para la pintura. Nuestro principal objetivo será
rellenar las formas con color, asegurando que las
relaciones de valor sean correctas. Identificaremos un
color promedio para las formas más grandes. Además, queremos
simplificar la escena. Si bien la referencia puede mostrar árboles
individuales como
este en el fondo, intentaremos crear
una forma unificada.
8. Proyecto de clase: formas grandes - Parte 1: A mí me gusta comenzar con el cielo. De esta manera establezco el valor de tono
más ligero
al principio y puedo usarlo como referencia
a la hora de pintar las
otras formas de la imagen Primero, moja la brocha y
sécala sobre el papel. Asegúrate de que no esté demasiado
mojado mientras pintas. Secarlo en el papel
siempre que sea necesario para
colores muy claros como el cielo. Se recomienda comenzar con pintura
blanca y
poco a poco añadir color. Tratar de aclarar
un color agregando blanco más tarde puede ser
más desafiante Mezcle una gran cantidad de blanco con un poquito de azul ultramarino, agregue un pequeño toque de
umber quemado para Podría tardar algunos minutos encontrar el
valor y el color adecuados. Sea paciente y siéntase libre de
pausar el video según sea necesario. También escatimar en la pintura. Es mejor
tener un poco más en la paleta que remezclar
constantemente el tono Agrega un poco de agua. notas que el color
se está secando demasiado, pero recuerda, qua no
debe ser fluido. Debe tener una consistencia
cremosa. Comienza a rellenar la forma del cielo
con pinceladas audaces. Tan pronto como
notes que el dolor no
se desliza fácilmente
sobre el papel, agrega un poco de agua, pero no demasiada, para que el dolor no
pierda su opacidad El cielo es ligeramente
más azul en la parte superior, mientras que se vuelve más ligero
hacia el horizonte Para evitar un cielo uniforme, utilizo
trazos de pincel cortos para aplicar color. Esta técnica agrega variación al área por lo demás uniforme. Al agregar colores,
aseguro que las diferencias
en el valor total son sub.
Normalmente mantengo la
parte superior ligeramente más oscura y
más azul a medida que me muevo
hacia la parte inferior Lo aligero
introduciendo el blanco cerca del horizonte. Agrega más
blanco y una pequeña cantidad de helio turquesa para
darle un ligero tinte azulado. No estoy apuntando a crear
un degradado de color perfecto. En cambio, las pinceladas cortas hacen que el cielo parezca
ligeramente irregular, haciéndolo más interesante. Siempre y cuando el dolor
no esté completamente seco, ablandaré los bordes, enjuago el
cepillo para el siguiente paso y escribo en el papel El cepillo no debe estar demasiado mojado. Para crear el color verde base, combino titanio oro
ocre con azul ultramarino También podrías usar cualquier otro amarillo o azul en tu paleta. La clave es usar sienna
inglesa roja o quemada para que parezca más natural También puedes usar
rojo si no
tienes rojo inglés o quemar
Siena en tu paleta. Yo siempre varios tonos de verde directamente uno al
lado del otro. Una más clara sobre una ligeramente
apagada y otra más fría. Para los prados lejanos, el tono es más fresco y ligero. Cuanto más nos acercamos al frente, el tono se vuelve
más claro y cálido. Aplico el color directamente sobre el papel y
lo comparo con el cielo. Recuerdo que el color
se oscurecerá a medida que se seque. El color puede ser
incluso un poco más claro. Es demasiado oscuro
comparado con el cielo. Por lo tanto mezclo más blanco
y amarillo y lo corrijo. blanco hace que los tonos
pastorean como y mezclen
más fríos en un poco de amarillo. Si el tono se vuelve demasiado frío, incluso puede ser una buena Lia. Agrego un poco de agua. Siempre que noto que el color se
seca en la paleta, estoy preparando más pintura para continuar con el
lado derecho del campo. El color es un verde frío claro hecho de oro titanio
y azul ultramarino Para aclarar rápidamente el color, estoy agregando
blanco titanio y luego dándole un tono ligeramente cálido
agregando de nuevo amarillo en el lado derecho
de la pintura, insinuando los surcos de campo Debido a la perspectiva, los surcos se hacen más anchos
hacia el frente Sigo mezclando los colores
restantes la paleta en la mezcla para variar la temperatura del color. Usa los greens más cálidos y
saturados justo en la parte delantera para
mejorar el efecto de una
pintura en perspectiva real pintura sin apretar Como las correcciones son
fáciles con el calibre. Cuando necesito más control, uso el costado de mi
cepillo plano en primer plano Mi mezcla es más cálida con más amarillo y se vuelve más
fría con más azul a medida que se mueve hacia la pintura de fondo e incluso capas, la gruesa, delgada. Recuerda, la pintura tiene que
ser cremosa y manejable. En la imagen de referencia se nota
una ligera sombra. La referencia fue
capturada en un día nublado, por lo que la sombra no es
muy distinta. No obstante, todavía
quiero representarlo. Después pinto el
prado a la izquierda del camino usando
el mismo principio. Un tono más amplio y cálido
hacia el primer plano. Más estrecho y fresco
hacia el fondo. No dependo únicamente
de la referencia. Si los valores se ven bien
en relación entre sí, la pintura se verá correcta. El prado detrás del arbusto aparece amarillento debido
a las flores florecientes Sin embargo, dado que no se notan
flores individuales, y esto no es esencial
para la declaración de la imagen, la zona está pintada de un verde
cálido, amarillento Para ello, mezclo un poco
más de oro de titanio en las mezclas
verdes existentes. Agrego un poco de siena quemada para
hacer la mezcla un poco más roja. Constantemente trato de traer algunos cambios de temperatura de color para que el área se vea
más interesante. Al repetir el mismo color en diferentes partes de la imagen, realicé la impresión
armoniosa general. Al cambiar de color,
enjuago bien el pincel
y lo seco sobre el papel.
9. Proyecto de clase: formas grandes - Parte 2: Para el color base del camino, mezclo titanio amarillo ocre Con la mezcla azul existente del cielo y mucho blanco. El valor de tono del camino es comparable al cielo un
poco más oscuro. Una vez más, utilizo blanco
titanio. Ya que pretendo aclarar rápidamente la mezcla de colores que se ve bastante bien hacia el fondo, mezclo en un poco más azul y blanco Para enfriar la temperatura de
color, indico la textura en primer plano
con el mismo color
para la forma de los árboles, se mezcla un tono verde muy oscuro Debe ser más oscuro que el cielo y la superficie horizontal del
prado. Para ello, utilizo marfil, negro y titanio oro ocre. Estos colores juntos crean un verde muy hermoso, profundo. Varíe la temperatura agregando azul
ultramarino, oro titanio, y queme siena diferentes temperaturas de
color en la paleta y
varíe la carga del pincel cada vez que necesite
tomar color fresco Empiezo pintando
los árboles como una masa, no como
árboles individuales, sino como un grupo. Los detalles no son necesarios aquí, aunque la luz y la
sombra se puedan ver entre las tres coronas
en la referencia. Cada vez que escojo un color, varío ligeramente la mezcla sin hacer cambios significativos en el valor tonal Al hacer esto, me refiero a la imagen original para notar el sutil cambio en la temperatura
de color. Usa los colores de la paleta de
mezcla una y
otra vez y
cámbialos ligeramente si necesitas seguir agregando pequeñas cantidades de agua para
que la pintura sea manejable Si es necesario, utilizo todos los lados de mi pincel para variar
la aplicación del color. Yo creo una conexión
al lado derecho aplicando
el mismo color ahí. Usa todos los lados de tu pincel para hacer que los
trazos del pincel sean variados. Los árboles directamente junto a
los edificios son más cálidos y saturados que las masas
arbóreas del fondo. También lo describo en la imagen sin
cambiar el valor tonal Verás, estoy constantemente tratando traer variación
a los colores mientras mezclo.
Siempre me pregunto, ¿la mezcla de colores necesita
ser más fresca o más cálida? ¿La mezcla de colores necesita
ser más clara o más oscura?
10. Proyecto de clase: formas grandes - Parte 3: Ahora es el momento de pintar el
árbol en primer plano. Comparado con
los árboles de fondo. Se pintará en un color ligeramente más detallado
y saturado. Pero primero obtiene su tono base para hacer que el
verde esté más saturado. Mezcle amarillo limón y azul
ultramarino y
empiezo a insinuar el arbusto en primer plano con
el lado
estrecho de la brocha,
intento permitir que algo de cielo brille a La luz viene de la parte superior izquierda hacia la parte inferior derecha, la mezcla de colores se vuelve más oscura para indicar la sombra en la parte superior. Me aseguro de dejar
huecos para el cielo. Y hacia el fondo, la aplicación del
color se vuelve más densa Las hojas individuales se indican
en el borde del árbol. Sigo con el pequeño
arbusto de la misma manera, la parte superior con una a la
parte inferior un poco más oscura, agrego un poco de amarillo limón para
aumentar la saturación para indicar vidas individuales. Ahora cambio el pincel. Sugiero algunas ramas para los lugares más oscuros Mezcle negro marfil, titanio oro ocre,
y quemo Siena Mientras mezcla,
siempre me pregunto, ¿la mezcla de colores necesita
ser más fría o más cálida? ¿La mezcla de colores necesita
ser más clara o más oscura?
11. Proyecto de clase: variación y oscuros - Parte 1: Pasando a la segunda
fase de la pintura. Quiero descomponer esas formas más grandes en otras
más pequeñas, más complejas. Además, quiero
poner acentos oscuros. Esta fase es donde me aseguro de que los valores o colores
sean los correctos. Empiezo fijando
acentos oscuros en las sombras. Esto le da a la pintura
más contraste. Tenga cuidado de no incorporar
demasiadas manchas oscuras. El arbusto debe conservar su ligereza para
representar mechones de pasto Varío la
sujeción y presión del cepillo, resultando en diferentes trazos de
pincel. Estoy tratando de evitar
repetir elementos. También mantengo un ojo hacia fuera para las variaciones en la temperatura
del color. Para ello, sigo
usando los colores de
la paleta y los modifico
ligeramente. Esto aporta armonía
a la imagen. Incluso al cambiar la temperatura de
color, mantener el valor similar Para
mantener la forma consistente, noto que la hierba es
un poco más oscura en la parte posterior. Cuando entrecerré los ojos, puedo
ver una tira horizontal. Esto lo repito en mi pintura. Compara siempre tus
pinturas con la referencia y realiza
cambios cuando sea necesario. A continuación, me muevo a los tejados. Categorizaría a ambos como rojos. El techo trasero es definitivamente
más silenciado y más ligero. El frontal es más
saturado y menos pálido. Limpio a fondo
el cepillo y seco sobre el papel para el techo trasero. Mezcle Alizarin carmesí y la
caliento con oro de titanio. Yo también lo hacemos con un poco de verde
y lo aclaramos con blanco. El blanco lo hace
aún más silenciado. Creo que este va a
ser el tono correcto. Varío la aplicación, a veces blanca,
a veces más roja. Incluso incorporo algún verde
rojizo por interés. Siempre trato de incorporar colores
ya mezclados en algún
otro lugar de la imagen. La repetición ayuda
con la armonía. Como aquí en primer plano, el papel no
necesariamente tiene que estar completamente cubierto debido
a su tinte medio Se integra de forma natural
en la imagen. Con un poco más de umber quemado, pinto la tierra en los
surcos del campo Asegúrate de que los
detalles en primer plano sean fuertes pero menos
hacia el fondo Utilizo varios colores, asegurando que el
valor del tono siga siendo consistente. Para evitar un alto contraste
en primer plano, agrego más detalles En lugar de pintar cada brizna de hierba
individual, creo la ilusión de la hierba a través de
pinceladas irregulares. Como me caso con la temperatura
de color. El pasto a la izquierda
del camino tiene una
sombra propia, que represento con una mezcla de color verde oscuro
y un pincel plano Encadené de nuevo el cepillo
e insinué mechones de pasto. Sea paciente durante el proceso de
pintura. Pregúntate, ¿dónde necesita
algo más
la pintura? Tómate tu tiempo y coloca
tu cepillo thtfully
12. Proyecto de clase: variación y oscuros - Parte 2: El camino me parece un poco plano. Quiero variar un poco la
temperatura del color. Para eso, mezclo el umber quemado, azul
ultramarino y el
blanco para obtener un Lo pruebo, ahora
está un poco oscuro. Agrego blanco a la
paleta y mezclo en el
color previamente mezclado que se ve mejor. Trato de representar
la textura
de grava del camino sin
ser demasiado preciso. Nuevamente, estoy agregando
más detalles en primer plano y menos
en el fondo La base es una mezcla única de umber
quemado titanio
oro ocre y blanco También se adapta al color de la fachada. El cielo el día en se
tomó
la foto de referencia estaba ligeramente nublado, pero la sombra del
arbusto sigue siendo ligeramente perceptible debido a las condiciones de
aligeramiento El contraste con
las zonas más brillantes del camino no es
muy pronunciado. Por lo tanto, tomo el color
base del camino y lo oscurezco ligeramente y enfrío
con azul ultramarino Yo uso la misma mezcla para
el lado sombra del granero. El arbusto proyecta su sombra
sobre el prado adyacente, por lo que oscurezco el
color en esta zona Ahora estoy pintando
el segundo techo. Este techo es un poco más saturado y más cálido que
el de atrás. Entonces mezclo Alizarina, carmesí, oro
titanio, Okra Un poco más de rojo escarlata. Incluso puede ser un poco más cálido. Insinúa a los graneros revestimiento
de madera con
umber quemado y azul ultramarino La mezcla debe ser bastante oscura. Usé la misma mezcla para pintar el voladizo del techo
en el lado a dos aguas El revestimiento de madera en
el lado a dos aguas es un poco más ligero al final Agrego algo de mi
color base a la mezcla. Ahora las ventanas. La fachada de la
casa en la parte posterior está pintada con un tono gris
cálido claro.
13. Proyecto de clase: detalles y acentos: Ahora entramos en esa fase
final detallada. Volví a enfatizar el Dt
y las áreas
más ligeras y aumentar la composición al
frente de la imagen Para ello, mezclo un color marrón muy
oscuro. Sugerirá las sombras en el suelo. En
primer plano, trabajo con una mezcla
transparente para resaltar la textura del revestimiento
de madera con mucho blanco
y un poco de base Pongo reflejos en el camino. También puse reflejos en
la zona de la Tierra. Para aumentar un poco el contraste,
vuelvo a dibujar la masa Ya que el boceto a lápiz se
pierde bajo la pintura Guage. Luego los pinto usando una mezcla de color oscuro
de ámbar quemado, brebaje
ultramarino
y negro marfil Para simplificar el dibujo de líneas
rectas, giro el cuaderno de bocetos hacia los lados Cargo el pincel con abundante pintura para evitar que se
agote el trazo medio. Las líneas finas se logran mejor
en un solo trazo. En el fondo,
también sugiero ofensa. Sigamos con los mástiles. Los postes utilitarios son
ligeramente más ligeros en el lado izquierdo porque la
luz viene de la izquierda. Sugiero esto para que
se vean más tridimensionales. Aquí y allá agrego algunas luces altas
y las líneas eléctricas. He añadido los
pajaritos en las líneas. No están ahí
en la referencia, pero la sugerencia de algo vivo hace que
el cuadro
sea amigo o. este es el ritmo en el que decides
cuanto más quieres
aportar a la imagen. Disfruto totalmente de esta cara. Se completa el cuadro. Eso es. Quiero
resumir los puntos clave Una vez más, recuerda que
el arte de pintar se trata de mantener un equilibrio entre tus valores y colores. Tómate tu tiempo.
No hay necesidad de apresurarse. Las correcciones son fáciles de
hacer con pintura sin apretar. Es importante no
depender demasiado de tu referencia Comience con colores de valor medio en los colores más oscuros y
claros al final, mantenga
el mismo valor
al cambiar la temperatura de color dentro de una Espere a que la pintura se
seque antes de agregar detalles. Disfruta del proceso y
deja fluir la creatividad. Feliz pintura, y
gracias por mirar, adiós.
JowishkaArt, Architect and Artist
