Retratos en acuarela: técnicas para crear luz, profundidad y emoción

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y en esta clase, estaremos pintando un hermoso e impresionante retrato en acuarela. retrato puede parecer desafiante, pero me aseguraré en esta clase de desglosarlo en sencillos pasos que sean agradables para que puedas crear una pintura suave, luminosa y realista luminosa y realista sin Exploraremos técnicas como la mezcla húmeda sobre húmeda, glaseado suave y la elevación para crear delicados tonos de piel, sombras naturales y rasgos expresivos. La clase está diseñada para ayudarte a relajarte, abrazar el flujo de la acuarela y enfocarte en capturar la emoción en lugar de la perfección He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes de ciudad y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea de por dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la Sociedad Internacional de Acuarela, la Alianza de Maestros de Acuarela, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas, y explicando cómo uso todos mis suministros y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón de seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Entonces, ya sea que seas nuevo en el retrato o estés buscando perfeccionar tus habilidades, vamos a sumergirnos y crear juntos un impresionante y sin esfuerzo 2. Tu proyecto: Muchas gracias como siempre por unirse a esta clase. Estoy muy emocionado de compartir con ustedes este cautivador proceso de creación de un retrato. El retrato puede resultar intimidante, pero no tiene por qué serlo En esta clase, te mostraré cómo simplificar el proceso y usar la belleza natural de la acuarela para crear un retrato lleno de vida y suavidad. Nos centraremos en construir tonos de piel luminosos poco a poco con capas suaves y transiciones suaves. Luego pasaremos a crear ojos expresivos y rasgos faciales sin sobretrabajar los detalles Utilizaremos brochas sueltas y bordes suaves para aportar un aspecto sin esfuerzo y una sensación artística a tu pintura Aprenderemos a controlar el agua y pigmento para lograr el equilibrio entre realismo y flojedad. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante bajo la pestaña Proyecto y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar la pintura, repasemos todos los materiales y suministros que necesitarás para pintar. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitaremos el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me llenan de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul otramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, viridiana, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular, estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente uso las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton, o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para pinceles sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se cuinkle fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole reelaborar errores Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arqueros porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo de papel comido a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitiremos crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitas para pintar. Te animo a experimentar y explorar con cualquier color que quieras usar para esta clase y cualquier material que ayude a que esta pintura sea realmente tuya. Ahora, comencemos. 4. Cómo hacer un boceto: Para este video de boceto, en realidad he acelerado bastante el metraje porque el bosquejo de un retrato es la parte más difícil y lleva mucho tiempo Yo agregaría muchos minutos a la clase que no necesariamente te interesan directamente. Se trata de pintar un retrato, no necesariamente el dibujo. Entonces hay mucho dar y recibir, empujar y tirar, ir y venir, hacer ediciones. Pero empiezo con un círculo, luego lo divido en tercios. Entonces agrego una pequeña forma de triángulo para la nariz, y se puede ver que ya estoy usando la goma tratando de hacer correcciones. Repasaré algunas de mis ideas clave generales y procesos de pensamiento en los que pienso cuando estoy dibujando. El primero es el enfoque en la proporción y la colocación. En el retrato, en particular, las proporciones lo son Cuando llegamos a pintar paisajes o escenas de ciudad, podemos ser un poco más generales y ambiguos con lo que estamos pintando Pero para hacerlo bien para un retrato, tenemos que bloquear formas principales antes de comprometernos con las líneas, la inclinación de la cabeza, la línea central de la cara y la línea de ojos. Y estas líneas de construcción me ayudan a mantener las características alineadas y proporcionales. Y en segundo lugar, no es exagerar las características porque es tentador dibujar cada pestaña Pero en acuarela, a menudo es mejor dejarlo al pincel para ese tipo de cosas. Ahora, se puede ver que estoy usando la goma básicamente frotarlo todo nuevo porque necesito seguir yendo y viniendo hasta que sea correcto, y eso llevará algún tiempo. 5. Inicio de la luz: Entonces esta pintura puede parecer bastante intimidante, pero haré todo lo posible para desglosarla en sencillos pasos para hacerla más manejable Y estamos comenzando con lavados muy ligeros en formas simples, básicamente coloreando para empezar Y entonces para cuando esté todo lleno, la parte más complicada, como los detalles de los ojos y la nariz, no van a parecer tan difíciles porque ya estábamos sentando las bases antes de eso Así que acabo de mezclar un tono de piel usando ocre amarillo, un carmesí zarine y un poco de siena Esos son los tres pigmentos que mezclan tonos de piel encantadores. Y es un lavado bastante diluido, como puedes ver. Estoy usando un pincel bastante grande con una punta fina, un pincel de caligrafía china Y puedes experimentar en tu paleta tratando de igualar ese color, la proporción de los tres pigmentos diferentes ahí, porque dependiendo de qué marca estés usando, algunos de ellos son un poco más potentes que otros, así te podría decir cómo lo hago. Pero si realmente quieres aprender y construir esa intuición para permitirte pintar de manera expresiva, entonces lo mejor es probar error y experimentar Pero es un bonito tipo de tono naranja, verdad, pero no es un naranja vivo brillante. Es un poco más de un tono tenaz abajo naranja. Y hay diferentes maneras de mezclar ese color. Así que siempre es divertido experimentar. Entonces es solo un lavado plano. No hay variación en el tono por el momento. Básicamente estoy empezando de abajo hacia abajo, en realidad, y pintando el hombro, la parte superior del brazo y el lado izquierdo del cuello. A lo mejor a medida que vamos subiendo, estamos haciendo un poco más ligero y acabo de hacer mi cepillo tenga bastante hambre para que saque ese pigmento y agua. Justo en ese borde donde está el hombro y también estoy usando un pañuelo para ayudar también, así que hay un bonito borde liso. Puede ser fácil sentirse abrumado cuando tienes mucho pigmento y agua en tu papel Y muy a menudo, se siente estresante porque estás tratando de evitar texturas no deseadas como el tipo de efecto colifloreciente que Y una de las formas de superar esto es aprendiendo la cantidad de pigmento y agua que necesitas en tu pincel. A lo mejor necesitas mucho inicialmente para esparcir toda esa agua en un gran espacio. Pero hay momentos en los que estamos pintando mojado sobre mojado, por ejemplo, donde el pincel no tiene que estar completamente cargado. De hecho, si vacías demasiada agua, se derramará y afectará las transiciones que hayas hecho. Entonces quieres una especie de absorción media del pincel, y es bastante difícil de explicar con palabras. Es más una sensación intuitiva a través de la experiencia y la práctica. Y luego hay momentos en los que si no tienes suficiente agua en tu cepillo, realidad reabsorberá el agua y el pigmento que hay en tu papel Y a veces eso se quiere y a veces eso no se quiere. Y eso es lo que hicimos ahí en el hombro ahí. Creamos ese suave resaltado porque hicimos una pincelada que en realidad estaba sacando agua del papel en lugar de volver a ponerlo Y es ese dar y tomar lo que crea estas transiciones suaves. Uh, 6. Tonos de piel cálidos y fríos: Entonces mientras he estado hablando, poco he ido llenando estas pequeñas áreas básicamente con un tono claro. Hay ligeras diferencias de tono, pero todo es un tono claro. No son tonos oscuros ni medios, y he estado usando esos tres pigmentos para hacer ese ocre amarillo, siena quemada y carmesí alizarina Pero ahora mismo en la frente, he empezado a incorporar algunos colores fríos, algunos azules, azul cobalto, tal vez o tal vez quieras usar ultra marine. O incluso el morado porque el morado es una buena manera de vincular los tonos cálidos de los tonos fríos porque está a medio camino entre ellos Puedes usarlo como tono cálido si agregas un poco más de rojo o puedes convertirlo en un morado fresco agregando un poco más de azul porque rojo y azul, siendo el azul fresco y siendo el rojo el color más cálido está a medio camino entre Entonces en esta frente a la derecha, ahí es donde hemos empezado a agregar un poco de gradación ahí, y puedes tomarte tu tiempo para hacerlo bien Pero no hay que sobretrabajarlo. Parece que necesitas agregar muchos detalles cuando no hay otros detalles alrededor para ponerlo en contexto, pero no necesitamos que estas cosas sean perfectas. Solo estamos implicando una pequeña transición suave del borde ahí Son los ojos, la nariz, y la boca los que ojalá tengan un poco más de detalle e interés después. Entonces estoy trabajando en este lavado, y hay algunas pequeñas áreas que estoy permitiendo que pase el blanco del periódico. En el pómulo, en la clavícula, no estamos pintando en De hecho, estamos dejando intacta esas áreas. Y aquí es donde planear con anticipación realmente vale la pena porque la acuarela requiere mucha previsión, especialmente en el trabajo de retrato A lo mejor en la zona de las mejillas, estoy agregando más rojo, más carmesí de lizarn o No pienso en pigmentos estrictos, estoy pensando en la temperatura del color. Entonces cuando digo rojo cálido, puedes usar cualquier rojo que realmente no necesite ser Lizarum carmesí cadmio o cualquier otro pigmento rojo Es un color muy cálido. También podría ser rosa. Solo estoy dejando caer eso debajo de ese resalte mojado sobre mojado para que se vaya a mezclar sin problemas. Y si encuentras que el papel se está secando demasiado rápido antes de lograr lo que quieres lograr, lo mejor es dejar que se seque por completo. Y luego usa una pistola pulverizadora para mantenerlo uniforme y volver a mojarla uniformemente porque hay una tentación cuando sientes y sabes y ves que el papel se está secando para solo agregar más agua del cepillo. Pero eso en realidad crea una humedad desigual inconsistente del papel Y es esa inconsistencia de la humedad del papel lo que crea esos bordes duros no deseados Porque los pigmentos están interactuando, es como, si te imaginas la orilla del mar en la costa cuando las olas están irrumpiendo en la arena, está empujando todo ese Se puede pensar en la arena como el pigmento. Empuja ese pigmento hasta el borde y crea un borde duro porque hay una diferencia entre la humedad del mar y la sequedad de la playa Entonces está tratando de mantenerlo todo parejo . A, 7. Segunda capa: Ahora hemos terminado la primera parte de la pintura, y para repasar brevemente lo que hemos hecho hasta ahora, hemos mantenido un tono bastante parejo, pero en algunas áreas clave, hemos dibujado parte del pigmento para crear reflejos suaves, y hemos agregado un poco más de pigmento para crear gradientes suaves, como el pómulo y Pero estos son detalles bastante esquivos en esta etapa. Ahora estamos empezando a construir con una segunda capa, un poco más de profundidad y detalle. No hace falta que sea bonita en esta etapa. De hecho, algunas de esas texturas clásicas de acuarela, esos accidentes orgánicos felices son perfectos para esta primera etapa de lavado. Entonces ahora estamos pasando a la siguiente etapa, y eso es pintar formas de tamaño mediano. Entonces, la primera etapa es básicamente bloquear las principales formas grandes y hay formas abstractas. Entonces la forma del hombro y la cabeza, la cara. Como forma principal. Ahora estamos siendo un poco más intrincados con la forma que estamos pintando, el sombreado alrededor del ojo y la frente y conectándolo Estoy usando dos colores para esto en esta etapa. Eso es alizarina carmesí. Prefiero usar zarin carmesí en las primeras etapas de una pintura porque es muy translúcida y puedes construir las capas con mucho más control que un color más opaico Y para complementar este Alyzarin rojo carmesí, le estoy agregando verde Hay dos colores complementarios y básicamente uno frente al otro en la rueda de colores. Juntos, en realidad hacen gris y se puede ver eso en el puente de la nariz o donde las cejas se conectan en el retrato, es gris, no verde. Y a la hora de agregar colores con retrato en particular, estoy pensando en estos colores complementarios Si quiero pintar naranja, entonces voy a mezclarlo de azul ahí. Si hay un tono de piel más amarillo, tal vez donde está un resaltado, entonces voy a usar el morado para equilibrarlo. Y aquí donde estoy pintando rojo, voy a usar verde. Y en estos pequeños detalles de la nariz, estoy permitiendo, nuevo, el blanco del papel sólo para mostrar los aspectos más destacados. Admiro toda tu valentía para intentar este cuadro porque allá cuando estaba empezando a aprender acuarela, siento miedo y ansiedad tratando de intentar algo así Pero hay que pensarlo como un viaje, y no hay nada perdido si no va bien. Este es un gran ejercicio, y así es como debería verse como un ejercicio más que como un proyecto terminado porque resalta lo mejor se muestra en la acuarela, el equilibrio entre precisión y flujo. Tenemos un buen equilibrio de detalles, pero también tenemos mucha expresión que son dos preciosos elementos de acuarela que contrastan entre sí y utilizan diferentes partes de la mente, diferentes técnicas. Explorar ambos aspectos realmente mejora la forma en que usamos la acuarela. Esta pintura es un gran ejemplo de ese equilibrio delicateta entre los detalles precisos controlados que estamos empezando a hacer ahora, y luego la libertad suelta de lavados fluidos que acabamos de hacer y que luego haremos con Y tal vez el fondo también agregue un fondo expresivo. Entonces podemos averiguar, y tú puedes, por supuesto, usar esta lección como guía para que puedas explorar tus propias ideas con esto. Pero tenemos que ser selectivos sobre lo que vamos a detallar, dónde vamos a mantener esas importantes líneas nítidas, y luego dónde vamos a dejar que otras partes respiren un poco más y permitir que la acuarela fluya no exactamente donde pretendemos. Bien. 8. La nariz: Espero que veas todo el camino antes de intentar pintarlo porque a menudo hay cosas que vienen a la mente más adelante en el proceso que deberían reconocerse al principio. Uno de estos ejemplos es comenzar con la luz y poco a poco construir sobre el tono. El primer lavado que hicimos en la cara y los hombros y el cuello, en realidad es muy ligero y se ve casi incómodamente ligero Pero no queremos sobrecompensar con eso al principio haciéndola más oscura de lo que debería ser porque vamos a volver a ello más tarde y más tarde y más tarde Si no miras todo a través primero, tal vez no te des cuenta de por qué lo hemos pintado tan claro para empezar y podrías pintarlo más oscuro de lo que necesita ser en esa etapa. Tómate un momento para notar las ligeras variaciones color y tono alrededor del ojo, es más un tono rojo, pero en nariz, es un poco más de siena quemada, un poco más marrón Incluso en la mejilla, se puede ver cómo pasa de un poco marrón a uno rojo pero no son contrastes dramáticos Básicamente tenemos un tono base, y luego agregamos influencias de otros colores a eso para variarlo un poco. Y ahora estoy empezando a agregar un tono un poco más grueso, otra vez, mojado sobre demasiado húmedo, lo estoy acostando con bastante suavidad poco a poco para que no se salga de control demasiado. Esto es puro Ben Sienna, estoy sumando ahí. Pero como ya agregamos un poco del tono neutro de piel que mezclé, se equilibra un poco. No tengo tanta confianza con los términos anatómicos de la cara. Yo no lo pienso de esa manera. Cuando miro un retrato o una referencia, puede ser en cualquier ángulo diferente. Y sea cual sea la característica anatómica que haya, su forma será diferente. Entonces sobre todo cuando las condiciones de iluminación están cambiando o el ángulo o perspectiva. Entonces, en lugar de pensar en cómo se ve una nariz o el labio o esta parte que estoy pintando ahora entre la nariz y el labio, no sé cómo se llama esa zona. Solo estoy tratando de mirar la forma, memorizar esa forma y combinarla en el papel Es una forma abstracta. No estoy tratando de pensar cómo se supone que se vea anatómicamente Mientras está húmedo, me estoy dejando caer pigmento oscuro donde están las fosas nasales Tiene un borde duro en la parte superior y un borde suave debajo. Estamos mezclando bordes duros y bordes suaves. Mira ahora cómo estoy mezclando verde en mi paladar. Pero cuando lo coloco encima de este tono de carne roja, este tono de carne rosada anaranjada, en realidad se ve gris, gris puro Estoy tratando de crear un borde suave en la parte inferior, un borde duro en la parte superior, y un borde suave en la parte inferior, así que uso ese tejido en lugar un cepillo para crear ese borde suave solo toque con el tejido 9. El mentón: Los bordes son muy importantes, y esta siguiente etapa es un buen ejemplo de ello. Estoy pre mojando con agua pura el borde de donde está la barbilla o el cuello, la línea de la mandíbula, básicamente. Y luego estoy agregando algunos trazos de pincel, dejando que se caiga de mi pincel sobre ahí. Y debido a que pre mojamos ese borde, va a ser un borde suave Borde perdido, no un borde encontrado. Antes de entrar en un poco más de detalle sobre la importancia de los bordes, permítanme agregar que si no menciono qué color estoy usando, siempre va a ser una mezcla de ocre amarillo, Elsarnchoms Y en realidad, sea cual sea la combinación de esos colores va a funcionar bien, no tiene que ser exactamente la forma en que lo pinto. No hace falta que coincida. Simplemente son naturalmente buenos colores para trabajar. Y luego para el sombreado, puedes complementar esos colores. Puedes usar azul, verde o morado. Entonces déjame adentrarme en la importancia de la variación de bordes o bordes en general, porque es fundamental tanto para el realismo como para el poder emocional de un retrato. Uno de los aspectos más importantes pero a menudo pasados por alto de la pintura de retratos o de la pintura en general, en realidad, es la variedad de borde Y como dije, es el contraste entre bordes duros, bordes blandos, y lo que a menudo llamamos bordes perdidos y encontrados. Y no es sólo una cosa técnica. Es un lenguaje expresivo propio, de verdad. Y lo que le da vida, sutileza y alma a tu pintura. Los bordes duros crean claridad y enfoque, y tendemos a usarlos alrededor de los ojos, los labios, donde las sombras se convierten bruscamente en luz, áreas a las que queremos atraer la atención de los espectadores. Entonces, obviamente, la nariz, los ojos, la boca, ese es el centro de interés. Y estos bordes ayudan a anclar las características y dan estructura a la cara. Y luego tenemos bordes suaves que tienen un tipo de naturaleza diferente a ellos, donde las cosas se funden suavemente entre sí. Ver en la frente donde en el medio, es ligero y luego poco a poco se vuelve un poco más oscuro. Y luego, claro, eso se contrasta con un borde duro de la izquierda Incluso la línea de la mandíbula tiene este centro blando y luego un borde duro en cualquiera de los extremos donde estoy pintando ahora. Por lo que estas áreas aportan suavidad, calma y atmósfera. Evocan una cualidad más suave, más emocional. 10. El ojo derecho: Esta es una buena marca de verificación. Sequemos todo el papel antes de continuar en esta ceja y ojo en el lado derecho, vamos a entrar con un pigmento más oscuro ahora. Para crear cierto contraste real. Así que acabamos de repasar la importancia de la variedad edge, y te voy a dar algunos consejos prácticos mientras estoy pintando este ojo. En primer lugar, necesitas saber dónde usar cada tipo de borde. Entonces puedes preguntarte, ¿dónde está el foco de este retrato y dónde quiero que el espectador mire primero? En cuanto al retrato, es un poco más fácil hacer ejercicio que una escena callejera o una escena de naturaleza o incluso un animal porque suelen ser los ojos, la nariz y la boca los que serán el centro de atención, y ahí es donde queremos que haya más enfoque, líneas más duras, bordes más definidos ahí. Y entonces podemos permitir que otras partes se caigan un poco más suavemente Por eso ahora estamos usando un poco más de un pincel más pequeño, una punta más refinada. Además, utilizamos muchas técnicas mojadas sobre mojadas para crear esas transiciones suaves antes, especialmente alrededor de las mejillas, el cuello y más tarde con la línea del cabello Ablandamos nuestros bordes pintando sobre papel ligeramente húmedo, en lugar de papel muy húmedo o papel seco Hay un pequeño punto dulce entre el papel demasiado húmedo y el papel completamente seco Y luego usamos un cepillo limpio y húmedo para escabullirnos y extraer ese pigmento. Y eso contrasta con lo que estamos haciendo ahora, que es que secamos el papel completamente, y estamos pintando mojado sobre seco Y así es como tenemos ese filo donde está la ceja y el sombreado de las pestañas Estamos usando trazos deliberados con un pigmento más seco, un cepillo más bien cargado, no un cepillo tan húmedo, sino cargado 11. Comenzar los labios: Ahora comencemos a pintar el labio, y como dije antes, lo hemos secado completamente para que vamos a trabajar en seco para mojar. Y dentro de esta segunda capa, vamos a hacer un poco de pintura húmeda sobre húmeda para crear gradientes suaves dentro de este labio de bordes duros Nuevamente, manteniendo esa variedad de suavidad y borde y combinándolos de diferentes maneras. Y queremos variar la presión. Es difícil ver visualmente a través de metraje como este. Incluso en demostraciones en vivo, es difícil ver cuánta presión estoy aplicando. Pero la presión y cantidad de agua que hay en el pincel afectan el borde que creamos, y el toque más ligero y húmedos los pinceles hacen transiciones más suaves, y más de un trazo más firme con menos agua hace un borde más nítido Es un concepto bastante intuitivo cuando lo pensamos, aunque no sea consciente, solo queremos mezclarnos selectivamente, y solo queremos mantener los bordes duros selectivamente. Porque si mezclas cada borde, todo el retrato se vuelve un poco blando Y de igual manera, si dejas cada borde afilado, se vuelve demasiado rígido. Entonces es el contraste entre estos tipos de borde lo que crea interés y realismo. Y luego queremos dar un paso atrás con bastante frecuencia porque estamos muy cerca del periódico cuando estamos trabajando, y es fácil perder el panorama general. Así que dar un paso atrás y entrecerrar los ojos para ver dónde se destacan demasiado los bordes o dónde podríamos necesitar perder una ventaja o ablandar una se vuelve un poco más obvio cuando damos un Ahora estamos empezando a pintar los detalles de este ojo izquierdo, su ojo derecho. Y yo diría que este es el centro de interés definido. La nariz y la boca y el otro ojo son también centros de interés, centros secundarios de interés. Pero este ojo aquí es el principal centro de interés porque tiene los detalles más refinados, el mayor contraste de todos los diferentes elementos. Tiene un contraste de bordes, una variedad como la que acabamos de hablar, y este ojo es un ejemplo perfecto de eso. Pero también incorpora todos los demás elementos y principios porque los bordes por sí mismos, realmente no existen aisladamente. Con muchas cosas en el arte, todo está incorporado y se superpone Entonces no se trata sólo de dónde termina una forma y comienza otra. Se trata de la forma, la luz, el color. No existen aisladamente. Siempre están trabajando en relación con los otros elementos como el tono, color, la forma y el espacio. Cuando entendemos estas relaciones, es cuando podemos hacer que nuestro arte sea un poco más único y cautivador Pero es abrumador para empezar. Entonces repasemos cómo se ven afectados los bordes con los demás elementos del arte. 12. El ojo izquierdo: El blanco de los ojos en realidad no es blanco. Como pueden ver, ahí le he añadido un poco de gris. Y esta vez voy a pintarle los ojos de azul, un encantador azul serlean con un poco de cobalto en tal vez De hecho voy a hacerlo bastante saturado. Y con eso, quiero decir, muy vibrante. Pero voy a bajar el tono más tarde. Esto es solo una capa inferior. Y la razón por la que elijo el azul es porque el azul y el naranja funcionan muy bien juntos. Y este tono de piel es bastante anaranjado. Y esto también funcionará muy bien en contraste con su cabello después porque es pelirroja, así que vamos a aprovechar esos tonos cobre castaño o rubio fresa, que contrastarán maravillosamente con los ojos azules y también el vestido o top azul que va a llevar Esa es otra razón por la que este ojo es definitivamente el centro de interés por ese contraste en colores vivos, así como el contraste en los bordes. Lo que conecta bordes y color es en realidad el tercer elemento, y ese es el tono. El tono es uno de los mayores factores en cómo percibimos una ventaja. Si hay un fuerte contraste de valor entre dos áreas, una sombra oscura junto a un resaltado brillante, el borde se leerá como nítido, incluso si la pintura está mezclada. Por otro lado, si los valores tonales son cercanos, incluso una pincelada nítida puede sentirse suave o sutil Cuando controlamos bordes, también estamos controlando el contraste y eso significa que estamos controlando el enfoque. Cuando hablamos de formas, no estamos necesariamente hablando de las formas tradicionales de un círculo, un triángulo, un rectángulo, etcétera, sino de formas abstractas, cómo vemos un sujeto de tres D frente a nosotros o incluso una referencia en línea o impresa, y cómo observamos esas formas, la naturaleza de esas formas para transmitirlas en nuestro lienzo Los bordes definen formas. Pero la forma en que tratamos el borde también influye en lo sólida o delicada que se siente esa forma. Una forma de borde duro se siente más recortada o gráfica, mientras que una forma de borde suave se siente más tridimensional y natural. Y sobre todo en el retrato, no solo estamos dibujando formas, estamos esculpiendo Y eso es lo que crea la ilusión. Suavizar un borde puede ayudar a que una forma se convierta en espacio. Pregúntate si el borde está describiendo una forma plana o una forma que se convierte en luz, y puedes permitir que eso te guíe si el borde debe ser duro o blando. Y eso es si estás pintando una forma grande o una forma pequeña. Cuando estamos pintando este ojo aquí, estamos tratando con formas muy pequeñas. Pero aún así, la naturaleza de ellos es blanda o dura, perdida o encontrada. Por eso puede tomar 5 minutos pintar todo el hombro o la cara, pero luego tomar media hora para pintar una pequeña sección como el ojo. 13. El labio inferior: Se puede ver que a pesar usar ese azul vibrante para el iris en el ojo, realidad lo he repasado con un pigmento oscuro. El azul sigue ahí dentro. Esa fue siempre la intención, pero tuve que pintar eso primero para permitir esa mezcla suave húmeda sobre húmeda. Solo estoy usando un pincel para sacar algo del pigmento debajo del iris para crear esa forma tridimensional o esa ilusión de luz y el resaltado. Ahora voy a empezar a pintar el labio inferior. Si piensas en la naturaleza de la luz y la sombra, el labio inferior será más claro porque está reflejando la luz desde arriba, pero el labio superior será más oscuro porque no está reflejando directamente esa luz, está más en sombra. Fácilmente podrías pintar este labio inferior primero, pero no había razón por que decidí pintar primero el de arriba. Simplemente pasó a ser así. Nuevamente, va a ser más oscuro en la parte inferior que en la parte superior, incluso con el labio inferior, pensando en esa curvatura, esa curvatura y la forma el volumen se ve afectado por la luz. Donde los labios donde los dos labios se encuentran en el medio, obviamente va a ser una zona oscura ahí porque la luz es aún más difícil de alcanzar dentro Y estoy dejando ese pequeño blanco del papel debajo de ese pequeño pliegue del labio ahí, donde hay un resaltado directo A lo mejor sus labios están relucientes. Ella lleva pintalabios o algo así. El papel está muy ligeramente húmedo porque quiero que esa línea negra que acabamos de pintar entre los labios tenga un borde suave para ellos. Si está demasiado húmedo, simplemente se derramará y hará que ambos labios sean oscuros y negros y grises. Si está demasiado seco, solo habrá una línea dura asegurándose de que el labio esté absolutamente seco antes de agregar este sombreado debajo del labio Disfruto mucho pintando labios porque hay un uso tan dinámico de los elementos del arte. Tienes una bonita variación de tonos. Tienes la oscuridad del labio superior. Y luego cómo contrasta con la ligereza del labio inferior, y luego debajo, tienes la ligereza de ese labio inferior, y luego eso contrasta con la sombra debajo de eso, esa pequeña curvatura que entra y vuelve a salir a la punta del mentón que vuelve a atrapar la luz Hay muchos arreglos tonales ahí que son visualmente emocionantes para mí. A. 14. Comenzar la oreja: Ahora estamos empezando a trabajar en la oreja. Y es extraño, el oído porque no es un centro de interés, por lo que no necesita ser tan refinado y preciso. Pero hay tanta terminación con la forma y la variedad de transiciones y bordes y formas que es un área bastante difícil pintar de manera convincente sin robarle la atención Si parece que se le ha puesto demasiado esfuerzo, entonces competirá con la atención del ojo. Entonces estoy tratando de encontrar un equilibrio de no agregar demasiados detalles, sino hacerlo visualmente correcto. Y uno de los principales consejos que puedo darte para pintar áreas como esta es que no deberías estar pensando en pintar realmente una oreja. No intentes pintarte una oreja, sino pinta lo que ves. Suena como algo extraño decirlo, pero el oído es una de esas áreas donde si tratamos de pintar lo que pensamos que parece una oreja, casi siempre sale mal. Es una parte tan matizada de la anatomía que el oído de cada uno es ligeramente diferente Es prácticamente imposible memorizarlo exactamente. Por lo que ayuda a olvidar por completo la idea de una oreja y abordarla como un estudio abstracto de luz y forma. Quiero entrecerrar los ojos y mirarlo puramente en términos de tono y forma, luz contra oscuridad, cálido contra frío, y confiar en que si haces bien esas relaciones, la estructura se revelará automáticamente Y eso va a cualquier área de detalle, ya sea que estés pintando el ojo, la nariz, los labios, incluso más allá del retrato Intenta no pensar en lo que en realidad te estás pintando tú mismo. Basta pensar en ello como un estudio abstracto de la luz y la forma. Entonces, una vez que tengas esa mentalidad inicial lista en tu mente, puedes comenzar agrupando las luces y los oscuros en solo dos o tres zonas de valor No necesitamos que nos distraiga de inmediato con cada pequeña cresta o sombra Se puede ver que lo estoy dividiendo en sólo tres zonas de valor. Se puede preguntar, ¿dónde está la parte más ligera en general? ¿Dónde está la sombra más profunda? Y una vez que esas grandes áreas están bloqueadas, se vuelve mucho más fácil acumular la complejidad o los cambios tonales entre ellas. He hablado mucho de bordes porque de todos los elementos, es el aspecto más importante de la pintura del retrato Y en el oído, específicamente, casi nada se dibuja con una línea. Todo está conformado con planos superpuestos y transiciones suaves. Entonces aquí es donde el control de bordes se convierte en tu mejor herramienta. Y un borde un poco más duro puede definir la curva del lóbulo o de nuevo, no estoy seguro en los términos anatómicos porque trato de no pensar en ellos de manera anatómica Yo sólo pienso en estudios de luz y sombra y color. O un borde perdido puede fundirse en otras partes de la sombra. Así que no trates de definirlo todo. Elige solo unos bordes para afilar y deja que el resto se disuelva El oído específicamente puede llegar a ser rápidamente sobrecargado de trabajo porque nos atrapan persiguiendo cada línea Pero la verdad es que no necesitas pintar cada pliegue para que la oreja se sienta real Unos pocos valores de buen ritmo y un indicio de las crestas o curvas principales es suficiente Podemos dejar que la acuarela haga el resto. Nuevamente, no es el área central de interés, y ese indicio de abstracción en realidad mantiene la pintura fresca y viva. Entonces hay que tener fe en el panorama más amplio y en el resultado final. No queremos llamar la atención sobre ello en absoluto, realmente, solo el detalle suficiente para que sea aceptable para el espectador. 15. El cuello: Y los mismos principios al detalle se aplican realmente a todos los aspectos, incluyendo este trabajo de sombra que estamos haciendo en el hombro. Estoy buscando las diferencias tonales. No estoy pensando si parece un hombro. Sólo estoy viendo la relación entre los diferentes elementos, donde los bordes se vuelven suaves o duros, donde la temperatura del color podría cambiar o los tonos. Al pintar esta zona del hombro, estoy aprovechando el espacio negativo. Estoy siendo bastante intencional con ello. Se puede ver cuánto papel limpio queda intacto. Y este espacio negativo crea un contraste visual, ayudando al sujeto a sentirse un poco más luminoso y ligero, un poco más dinámico. No tenemos que llenar todo el lienzo o la página, así que dejar que la pintura respire un poco más es parte de la magia de la acuarela. Me aseguro de dejar intacta las zonas donde voy a estar pintando el vestido azul Entonces solo estoy tratando de terminar todas las áreas exteriores del hombro, el brazo, las sombras. Apenas probando que esta zona estaba, de hecho, seca porque necesita haber un borde duro donde el brazo y el sombreado crean esa ilusión de forma Y mientras eso se está secando, podemos empezar a trabajar en la sombra debajo del cuello. Nuevamente, estoy usando los mismos colores similares Azaren carmesí, amarillo quemado y ocre amarillo Pero la parte que he dejado blanca debajo del cuello va a ser sombra, y la mayor parte de esta pintura es cálida en este momento. Entonces necesitamos crear algún tipo de contraste para esta calidez. Entonces solo estoy pensando en qué color deberíamos usar para ese sombreado. Podemos comenzar con un lavado de calor, esta siena quemada, sarín Y luego mientras está mojado, solo podemos agregar algunos púrpuras o azules. Observe cómo estoy manteniendo algunos bordes duros aquí. A la hora de pintar un área como esta, pienso en dónde exactamente voy a ir con el pincel y cómo van a ser estos bordes. ¿Tengo que preocuparme por un borde suave? Ahora puedo empezar a incorporar este azul cobalto en la parte inferior. Y mientras está mojado y mojado, va a ser agradable y suave. Y justo debajo del cuello aquí debajo de la línea de la mandíbula, la barbilla, ahí es donde va a estar más oscuro. Simplemente restregando, no necesariamente pensando en pinceladas, sino simplemente restregando y permitiendo que agua y el pigmento se caigan de mi pincel en esta etapa Tiene que haber un poco más de contraste donde ese hombro contrasta con la sombra, así que solo voy a aplicar un poco más de pigmento en la parte inferior ahí para potenciar ese 16. Funciones de apoyo: Estas áreas que estoy pintando en este momento pueden ser pensadas como papeles secundarios en una pintura porque no son el área principal de enfoque. No son la segunda área, las áreas secundarias de enfoque. Son solo una especie de áreas sutiles y tranquilas donde realmente podemos tener un poco más de libertad. No necesitan ser tan precisos. Pero sólo porque no sean el foco de la pintura no quiere decir que no tenga importancia Estas áreas de apoyo le dan estructura y contexto al rostro. Al igual que en una película, tienes los personajes principales que llaman la mayor parte de la atención, pero una buena película todavía tiene grandes actores secundarios ahí dentro que se suman a toda la sensación y la vibra, la estética. Así que no queremos hacerlas con demasiada dureza, y no queremos añadir demasiado contraste o van a contraste o van Pero si están demasiado débiles, la cabeza se sentirá como si estuviera flotando. Entonces estoy tratando de mantener las cosas sutiles y suaves, e irónicamente, tratar de mantener las cosas sutiles y suaves a veces requiere un poco más de intención, así como atención Este es otro gran lugar para prestar atención a tus bordes. Estoy dejando que algunas áreas se disuelvan en el fondo, especialmente cerca del hombro para crear ese bonito efecto perdido y encontrado. En la vida real, no todas las aristas están claramente definidas. Entonces, al imitar esa transición suave, agregamos realismo y estado de ánimo a la pieza Y te darás cuenta de que en realidad estoy usando una mezcla bastante diluida aquí solo para mezclar estas sombras porque tengo sombra cálida arriba y sombra fría debajo. Estoy permitiendo que el agua haga la mayor parte de la mezcla en realidad para esto. Este tipo de transiciones suaves son donde realmente brilla el color del agua Se trata más de paciencia y moderación. No estoy tratando de definir demasiado nada, solo dejar que las sombras se asienten poco a poco. Aquí debajo de la oreja, tenemos que crear un contraste, un borde duro, pintando negativamente en la parte inferior de la oreja, realmente. También puedes usar estos momentos como una pausa para reflexión porque es una parte más silenciosa del retrato De hecho me encanta esta etapa. Finalmente puedes tomar un respiro después de hacer todos esos detalles en la cara, y puedes dar un paso atrás mentalmente y verificar el equilibrio de toda la pieza, pensando en el contraste, la temperatura, el flujo. Por lo que estas entre áreas nos da apenas un momento para reflexionar antes de ajustarnos y pasar a las partes finales de la pintura y el cabello. También estoy pensando en la armonía del color, manteniendo los tonos consistentes con el resto del retrato porque estamos mezclando estos colores separados de cuando originalmente hicimos ese primer lavado ahora. Entonces todavía queremos mantener ese color armonioso. Sienna Quemada es básicamente el color dominante en esto, y luego solo usamos un is y carmesí y tal vez un toque de ocre amarillo para darle un Podría colarme un poco de ese tono genial usado en las sombras de la cara solo para unificar la paleta y evitar algo demasiado discordante en lugar introducir un color completamente nuevo. 17. La ropa: Ahora solo voy a agregar un poco de sombra detrás del brazo solo para diferenciar dónde termina el brazo y comienza la espalda porque es solo una línea de lápiz en este momento. Simplemente usando un poco de tono ligero y difuminándolo suavemente Empezando caliente y luego enfriando. Ahora es el momento de ponernos muy atrevidos y vamos a pintar en su top usando bonitos y vibrantes colores fríos. Nuevamente, así contrasta con la calidez de su piel y su cabello color cobre que vamos a pintar más tarde, comenzando con un poco de capa inferior turquesa porque el verde va bien con los rojos y el azul va bien con las naranjas Entonces, comenzando con un buen poco de verde turquesa, simplemente llenando literalmente este espacio, reservamos estos blancos, el blanco del papel, para que tenga una luminiscencia encantadora Y estamos permitiendo que el agua simplemente fluya y esparza todo el pigmento. Es sólo una forma pareja. No hay para empezar, mientras estamos llenando este espacio con pigmento, no estamos tan preocupados por el tono. Solo estamos cubriendo toda el área y teniendo un buen lavado uniforme. Y luego una vez que eso se rellena, podemos empezar a construir sobre el resto del color. Entonces comenzando bastante oscuro en la parte superior. Usando la punta del pincel, solo lo estamos bajando y conectándolo Esto es azul cobalto. Y sólo sutilmente tratando de crear un poco de volumen e implicando sombra y luz Tratando de minimizar cualquier borde duro. 18. El fondo: Y ahora es el momento de la parte más expresiva de la pintura, y eso es pintar el fondo. Esta es una elección personal. Si no quieres agregar un fondo, no tienes que hacerlo. Se puede dejar como solo una silueta o una figura sobre un fondo blanco. Pero solo quiero experimentar y explorar más técnicas que te puedan ser útiles. Y nuevamente, estamos usando colores fríos para contrastar los colores cálidos no usando un pincel enorme, sino aprovechando al máximo todos los trazos de pincel que puedes lograr con un pincel. Entonces usándolo de lado, usando la punta, usando pinceladas lentas, pinceladas rápidas, girándolo alrededor, y mezclando un poco de marrón ahí dentro, y ese marrón con el azul lo neutraliza y hace que se vea un poco y ese marrón con el azul lo neutraliza y hace que se vea un poco gris y desvaneciéndolo como si esta forma simplemente usando la punta, usando pinceladas lentas, pinceladas rápidas, girándolo alrededor, y mezclando un poco de marrón ahí dentro, y ese marrón con el azul lo neutraliza y hace que se vea un poco gris y desvaneciéndolo como si esta forma simplemente arbitraria de aquí. No hay nada en particular. Sólo para conducir al fondo blanco. Añádele un poco de ambiente. Así que bonita técnica mojada sobre mojada va. Haremos un poco más del otro lado, pero creo que lo haremos después de pintar el cabello. Ahora que le hemos dado un poco de tiempo para que se seque, podemos volver a entrar con algún pigmento más oscuro. Estas pinceladas serán un poco más duras porque, claro, los papeles se secan, por lo que los pigmentos no se van a mover tanto. Lo que implica algunos pliegues en la tela. A, 19. Cabello controlado: Ahora es el momento de pintar el cabello, y estoy muy emocionada por esta etapa porque con este retrato, vamos a darle un vibrante color naranja cobre, una especie de look rubio fresa. Empiezo con pequeñas hebras en el lado derecho, siguiendo las marcas de lápiz que dejamos antes. Porque estos remolinos son bastante difíciles idear espontáneamente Con estas hebras aleatorias, tienen que ser planeadas. Trabajé como quería que fueran con las líneas de lápiz y están bastante orquestadas Pero en el lado izquierdo, ahí es cuando seremos más expresivos y libres y espontáneos cuando todos los pigmentos se desangren entre sí Entonces empiezo con una línea delgada y solo vuelvo con una variedad de espesores. Y usamos rojo cadmio y siena quemada para lograr este resplandor naranja De nuevo, estoy tratando ser consciente de la dirección y flujo del cabello Mis pinceladas están siguiendo esa curva natural, lo que ayuda a reforzar la estructura de la cabeza y agrega una sensación de movimiento porque todo lo demás está bastante estructurado Entonces el cabello es muy orgánico. Estoy usando un tono un poco más oscuro que el lavado base que usamos para la cara. Pero no quiero estar demasiado oscuro, demasiado pronto. Al igual que en otras partes de la pintura, estoy pensando en la variedad edge. Algunas de estas hebras quieren mantenerse afiladas y definidas, principalmente en este lado derecho, con estas hebras individuales, especialmente donde captan la luz o cruzan las otras formas. Luego, por otro lado, comenzaremos a suavizarlos con un cepillo húmedo y dejarlos desvanecer un poco para que las cosas se sientan naturales. También estoy dejando algunas brechas entre mis trazos. Esas pequeñas áreas de papel intacto o color más claro ayudan a sugerir brillo y rebotar en el cabello o ese tipo de sensación en capas Agrega textura sin tener que dibujar cada hebra también. Entonces se trata de sugestión, no de perfección. 20. Cabello expresivo: Así que el cabello que hemos pintado hasta ahora ha sido bastante controlado y deliberado. Ahora queremos estar pintando el lado izquierdo con más expresión porque está fluyendo un poco más. Y claro, cuando miras una cabellera, hay miles de mechones, y es abrumador y es imposible capturar todo ese detalle. Desde luego no querrás probar y pintar cada hebra que veas. Entonces puede ser comprensible si es intimidante. Pero vamos a usar la acuarela para ser expresivos y para implicar el detalle. Entonces, para empezar, primero estoy mirando a las grandes masas. Porque estamos pintando el flujo y la forma del cabello como un todo, donde caen las sombras. Estoy dejando unos pequeños huecos blancos que podrían verse como reflejos. Pero más que eso, solo estoy pensando en cómo se curva el cabello. Piense en ello como esculpir con tono, no dibujar con líneas Y se puede ver que casi estamos experimentando con los tonos también Tengo algunas zonas más oscuras, algunas zonas más claras. Algunos bits son un poco más anaranjados, algunos bits son un poco más amarillos, rojos. También estoy tratando de variar los bordes para mostrar textura y profundidad usando pinceladas rápidas conectando todo por el momento Estoy tratando de evitar que se aíslen zonas. Aunque haya una pequeña conexión, quiero mantener todo unificado. Y el papel trata sobre una humedad uniforme, y se puede ver que algunas líneas simplemente se están desvaneciendo lentamente, no Entonces tienen ese borde suave porque todavía estoy tratando de variar los bordes, incluso cuando se trata del cabello. Estoy usando una mezcla de bordes suaves y duros, más suaves donde el cabello se funde en sombras o el fondo y más nítido donde quiero mostrar estructura o movimiento Al igual que en la cara, se suma al realismo y mantiene viva la sensación de pintura. Siempre queremos usar un pincel suave al suavizar los bordes, un pincel húmedo, más bien, para suavizar los bordes mientras la pintura aún está húmeda Y queremos dejar que algunas de las áreas desaparezcan al fondo. Por supuesto, vamos a estar pintando un fondo junto a esto para hacer estallar realmente estas naranjas más adelante Estoy evitando cualquier minuto detalles específicos en este momento. Volveremos al final y agregaremos algunos toques de detalle para dar a entender que está pasando más. Pero para empezar me estoy concentrando más en las masas empezar me estoy concentrando más en las A. 21. Salpicaduras: Ahora esa es la primera capa del cabello hecho. Sólo voy a añadir unas cuantas salpicaduras artificiales al fondo, usando la naranja y algunas de las azules porque no quiero que haya demasiadas Lo justo para darle un poco más de interés al fondo. Esto es, de nuevo, una cosa opcional. No tienes que añadir estos pisos si no quieres. Simplemente siento que agrega algún tipo de energía y atmósfera, agrega un poco de profundidad. Ir y venir, variando el tono, variando el tamaño. Sólo hay alrededor de 20 de ellos. Y tal vez voy a agregar algunos orgánicos solo usando el tejido para aclararlos un poco porque son un poco demasiado fuertes Entonces otra vez, usando el tejido para corregirlo un poco. A lo mejor unos pocos abajo en la parte inferior. Esos expresivos trazos de fondo están realmente secos ahora, así que no tengo que preocuparme por las salpicaduras que van ahí y que afecten ese lavado. Y ahora la parte superior está seca, puedo extender esa sombra desde la axila, hacia abajo del brazo Y también, sólo voy a agregar esta pequeña sombra de línea para agregar a la profundidad. Solo un pequeño detalle que se suma a esa ilusión de volumen en tres D usando la punta misma del pincel y arrastrándolo a lo largo y luego construyendo hasta que sea un grosor con el que estoy contento. 22. Tonos de cabello: Ahora que le hemos dado un poco de tiempo para que su cabello se seque, podemos volver con un tono más oscuro, y estoy usando esa misma siena quemada Mezclando un poco de azul ahí para que sea más oscuro. No estoy usando el negro. Estoy usando el azul porque el azul y la siena quemada en realidad ya hacen un marrón Con el pelo, es muy fácil ponerse al día tratando de agregar detalles en todas partes. Pero en realidad, sugerir detalles es mucho más efectivo. Entonces podría usar trazos de confianza para insinuar que hebras captan la luz, pero trato de no exagerar Menos es más aquí. Y en lugar de enfocarme en un área en particular, sigo rebotando de un área a otra Estos momentos moderados de detalle tienen más impacto cuando el resto está suelto Y ahora que tenemos algún tipo de flujo hacia el cabello, puedo empezar a pensar en el movimiento y dirección. ¿Está cayendo suavemente en ciertas áreas o se está barriendo o dónde debería estar enrollándose? Esto mantiene el cabello con una sensación natural y conectada a la forma de la cabeza. Estoy de nuevo, aprovechando al máximo todas las pinceladas posibles que puedes lograr con un pincel. Estoy usando el lado de este pincel redondo, pero también la punta para crear estos trazos direccionales, tratando de crear una variación de ancho. Empecé con un lavado más ligero, y ahora, por supuesto, estoy acostado en tonos un poco más oscuros para construir profundidad. Esta técnica de acristalamiento ayuda a dar volumen al cabello y mantiene la transparencia subyacente porque la transparencia, por supuesto, es una de las cosas que hace que la acuarela sea tan hermosa. Traté de asegurarme de que la primera capa estuviera prácticamente seca antes de acristalarla sobre ella. Pero no fui muy estricto en eso porque a veces conseguir estas mezclas fangosas o los back runs ayuda a lograr texturas interesantes Voy a entrar con morado aquí e incluso una especie de azul oscuro que encima del naranja lo hace parecer negro Estoy tratando de pensar en dónde cae la luz. Entonces claro, tenemos que pensar en la forma y la forma de la cabeza y donde la luz atrapa debajo de la oreja y alrededor de la parte posterior de la cabeza, claro, es menos probable que la luz llegue hasta allí. Entonces por eso es un poco más oscuro. Observe la variedad de colores dentro de mis tonos más oscuros. Tenemos oscuros cálidos. Tenemos oscuros geniales y oscuros neutros. Realmente estoy permitiendo que el agua y el pigmento fluyan. Estoy dejando flores o bordes suaves para crear textura por su cuenta. Estoy dejando que la acuarela haga la mayor parte del trabajo. 23. Tonos más oscuros: Los efectos más interesantes provienen de dejar ir, y el cabello no necesita estar demasiado limpio o controlado para sentirse real Lo último que quiero es que se vea demasiado ideado. Y ahora mismo estoy agregando los oscuros más oscuros, y esto realmente lo hace pop. Y si me miras atrás mezclando este color, no es negro. No usé negro para hacer esto. Sólo estoy usando azul ultramarino, y eso contra el naranja hace un negro Son colores complementarios, por lo que equilibran cada palanca hacia fuera. No hay necesidad de usar negro. Estos oscuros realmente sacan a relucir toda la gama tonal. Por supuesto, tenemos la oscuridad pasando en los ojos y la sombra en los labios. Pero tener estos atrevidos oscuros ahora realmente hace que la luz destaque y unifica el resto del retrato Tonalmente, lo lleva todo a su composición completa. También estoy pensando en la armonía del color, tratando de escabullirse en algunos de los mismos tonos que usé para las sombras en la cara, un toque del azul frío o el rojo apagado, solo para atar todo junto y evitar el cabello se sienta como si estuviera desconectado Y el fondo que agregaremos en un minuto también ayudará a unirlo, también. Enmarca el retrato, de verdad. Entonces el cabello es un gran lugar para expresar un poco sobre los temas energía o incluso tu personalidad, la forma en que lo interpretas. ¿Quieres ir por algo que sea suave y gentil o expresivo salvaje? hecho de que esté pintando el cabello de un naranja vibrante no significa que no puedas ser experimentador y explorando tus propias ideas A lo mejor quieres darle la vuelta al revés. A lo mejor tiene un cabello azul encantador, cabello azul brillante y su top es naranja. Se aplican los mismos principios. Dice algo sobre el estado de ánimo. Y es agradable aflojarse y dejar que la intuición conduzca un poco Así que estoy bastante satisfecho con el pelo en este momento, y se puede ver que es bastante aleatorio, pero de alguna manera funciona porque tenemos los tonos en el lugar correcto y no hicimos demasiado los detalles Se trata más de sugerencia e insinuación del detalle más que de pintar realmente Combinando una variedad de bordes, una variedad de colores, una variedad de tonos. Entonces ahora estoy haciendo iniciando el fondo, conectándolo al cabello, comenzando con el omóplato en la parte inferior, unos giros más y mechones del Es fácil pasar por encima de estas hebras, pero usando mojado sobre húmedo, vamos a sacar este lavado. Es una naranja apagada, de verdad. No es tan vibrante como el cabello, y no es tan tenue como el tono de la piel Entonces básicamente estoy mezclando un gris y tratando de igualar el tipo de colores expresivos del otro lado, tal vez un poco de azul para neutralizarlo Y estos grises oscuros otra vez, harán que las naranjas se vean aún más También ablandaré algunos de estos hilos. 24. Para terminar: Ahora voy a mezclar un precioso azul cerlan. Por supuesto, este azul cerlan estará silenciado, al igual que el azul del otro lado en el fondo Estoy tratando de no pensar demasiado lógicamente cómo y qué formas estoy pintando Estoy tratando de sentir mi camino hacia lo que parece correcto. Sé que tiene que haber algo de azul para que coincida con ese azul del otro lado. Pero hay mucho rojo pasando, así que tal vez agregue algo de verde en él. Entonces ve hasta el borde, no pintando sobre esa naranja, sino hasta el borde de esa naranja. Entonces obtuviste la transparencia de ese naranja contrastando con ese gris opaco, pocas pinceladas de azul. Nuevamente, el azul y el naranja funcionan tan bien juntos, dejando un pequeño hueco blanco entre la naranja, conservando el blanco del papel. Tal vez podamos agregar un tono un poco más oscuro para realmente hacer que el naranja pop. Añadiendo el ultramarino, silenciando un poco con el naranja, el marrón, algunas pinceladas espontáneas aleatorias Solo quiero que esta zona se sienta expresiva y atmosférica, como una extensión de la energía del retrato mismo. No estoy tratando de pintar nada específico, solo respondiendo a las formas, los colores, y el estado de ánimo que ya hemos construido en la cara y el cabello. Estoy usando mucha más agua aquí para permitir que el pigmento corra libremente por la superficie y agregando esos pequeños mechones de cabello debajo la barbilla para agregar esa ilusión de profundidad. Tengo este mechón que va por la oreja aquí del que necesito estar al tanto. Simplemente agregando los toques finales a los tonos de la oreja antes de resaltar esa hebra. Tengo que decidir donde quiera ir más claro o más oscuro. Puedo ver que la oreja es mucho más ligera que el resto del cabello. Así que no tendría mucho sentido hacer que este hilo fuera más ligero. Así que en realidad voy a oscurecerme con la luz. Voy a añadir una pincelada oscura donde este pelo va por la oreja Muy sutil. No quiero que sea demasiado alto contraste y que me robe la atención. Ahora podemos secarlo todo completamente para el último paso, que es agregar reflejos. Tenemos gh blanco, agregando pequeños trazos sutiles de resaltado, no necesariamente agregando nada nuevo, solo construyendo sobre lo que ya está ahí. Porque podríamos haber sido muy cuidadosos con el pincel y mantenido o conservado más o los blancos del papel. Pero cuando estamos en las etapas más expresivas, cuando estamos tratando de liberarnos y aflojarnos, crear esa energía, no queremos limitarnos de esa expresión pensando en preservar estos diminutos trazos blancos Por lo que volver al final con el lavado blanco es una estrategia perfectamente razonable. No es hacer trampa de ninguna manera volver con el lavado blanco para sacar esos blancos. Corregiendo algunos de esos pequeños reflejos brillantes en la punta de la nariz y en la cara, tal vez alrededor del ojo. Y ahora me voy a desconectar. Le daré unos días y veré si hay algo que deba mejorarse con un ojo fresco. 25. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo y felicitaciones por completar este elenco sobre retrato. Espero que te haya resultado divertido. Y si le diste este cuadro y te vas tú mismo, espero que te haya resultado más fácil de lo esperado porque es algo muy abrumador de intentar, y estoy muy contenta de que te hayas empujado a hacerlo porque estoy seguro que los resultados valen la pena. El retrato que pintamos hoy se trata de suavidad, flujo y dejar que la pintura haga el trabajo en lugar de estresarse por cada detalle Exploramos técnicas como capas para tonos de piel naturales, levantamiento para resaltar y usar pinceladas expresivas para crear profundidad y carácter Recuerda, los retratos no tienen que ser perfectos. Lo que importa es la energía y el movimiento que traes a la pieza. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora, y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento Utop para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos No puedo esperar a ver todos tus retratos, y espero con ansias futuras clases juntas hasta entonces feliz pintura.