Rosas elegantes en acuarela: técnicas para capturar la belleza y las flores

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Alston, y bienvenidos a esta clase donde nos sumergiremos en el delicado pero expresivo mundo de pintar rosas en Vamos a explorar los gradientes lúdicos y los tonos vibrantes que hacen de una rosa un desafío pero también una delicia para pintar Usando una variedad de técnicas de acuarela capturaremos la elegancia natural y las suaves curvas de los pétalos de rosa, logrando una representación realista que florece He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes de ciudad y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la Sociedad Internacional de Acuarela, la Alianza de Maestros de Acuarela, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas, y explicando cómo uso todos mis suministros y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la diversión A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tiene alguna duda, puede publicarla en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que reúne tus pinceles y pinturas y vamos a darle vida a estas hermosas flores juntas. 2. Tu proyecto: Muchas gracias como siempre por acompañarme en la clase de hoy. Estoy tan emocionada de llevarte a través de esta pintura con la delicada flor y las hojas expresivas, nos centraremos en lograr profundidad y realismo con cada pincelada Diseccionaremos cómo mezclar tonos de pétalos personalizados, manipular el agua para crear mezclas suaves y emplear técnicas de detalle para acentuar la Aprenderás a observar y replicar todos los diferentes matices del pétalo de rosa, creando una obra de arte floral dinámica y dimensional que aparece directamente de la página En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos estudiantiles la pestaña de proyectos y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar con la pintura, repasemos todos los materiales y suministros que usaré. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que lleno de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, viridian, negro serlean Y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos No uso ninguna marca en particular, estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente uso las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo sintético redondo como este cepillo EscodaURL o este cepillo Vangh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato gruñe fácilmente y es muy implacable, no permitiéndote reelaborar errores Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar el cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo de papel comido a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitiremos crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitas para pintar. Como siempre, te animo a experimentar y explorar con diferentes formas que puedan adaptarse a tu propio estilo único. Ahora, sigamos adelante y comencemos el boceto. 4. Cómo hacer un boceto: Entonces, comenzando el boceto, voy a estar usando este lápiz grueso de plomo solo para poder aplicar algunos trazos sueltos y hacer que el blanco del papel sea menos intimidante Estoy usando un movimiento circular, agregando un poco de espiral, y podemos usar estas líneas de la espiral para ayudarnos a guiar los pétalos más adelante. Entonces estamos descomponiendo todo, incluso las cosas complejas en formas simples tanto como sea posible, agregando el pequeño tallo ahí, y puedes ver cuán ligero estoy aplicando el plomo en esta etapa, solo para que podamos frotar. Si presiono demasiado fuerte, será muy difícil de frotar y sangrará el papel Solo estoy agregando algunas elipses aquí o círculos donde podríamos querer colocar algunas hojas más tarde, tal vez una aquí cerca del tallo principal Puedes ser realmente aventurero con donde quieras colocarlos y los diferentes tamaños Quieres tenerlos, a lo mejor quieres algunos pequeños. Y en esta etapa, solo estamos pensando en cómo podríamos querer equilibrar también la pintura. Tal vez quieras dos pequeños a la izquierda y uno más grande a la derecha, por ejemplo, realmente puedes experimentar con el equilibrio. Y eso fue bastante rápido tendiendo eso. Ahora voy a cambiarme a un lápiz de plomo más fino y empezar a pensar en cómo podría verse una rosa Por supuesto, tengo muchas referencias diferentes que he recopilado, y puedes buscar fácilmente rosas en Google o tal vez quieras comprar una la tienda y floristas y observar en la vida real cómo es una rosa Pero estoy siguiendo esas líneas espirales que aplicamos antes Pero claro, los pétalos son muy dentados y desiguales. Entonces me estoy permitiendo un poco de libertad. No estoy siguiendo completamente las líneas. Sólo los estoy usando como guía. Y, por supuesto, si piensas en cómo se abre una flor de su capullo, puedes ver en el centro todos los pétalos son más apretados y más pequeños y más concentrados juntos Y, claro, a medida que se abren, los bordes tienen mucho más espacio y empiezan a desprenderse. Entonces eso es algo que estoy tratando de transmitir aquí. Lo bueno de estos pétalos y dibujar rosa en general o cualquier otra flor realmente es que es muy orgánica, y hay mucho espacio para imprecisiones, lo que significa que puedes salirte con la tuya con muchos Pero ni siquiera los llamaría errores porque trabajan al final del día. que no tengas que ser tan preciso con tu dibujo y seguirá emitiendo la ilusión de ser una flor. Por supuesto, cuando se trata de pintar más adelante en la siguiente etapa, eso va a ser un poco más complicado porque cuantos más detalles agregues ahora con tu lápiz, más detalles tendrás que pintar después. Pero estoy tratando de bloquear todo en formas. Aunque algunos de ellos son ahora bastante complejos, todavía puedo ver dónde están las líneas y dónde están los bordes de una forma y dónde se mezcla con otra. Por supuesto, también tendremos gradientes. Tendremos rojos que fluyen en amarillo y morado mezclándose en naranja. Realmente puedes elegir el color rosa que quieras. Ahora bien, no estoy tan seguro de los términos técnicos de estas partes que acabo de dibujar ahora, los pedacitos verdes en la parte inferior o el cogollo que se despega. Ahora, ya he terminado con la cabeza de rosa ahora y ahora me estoy moviendo hacia abajo hacia el tallo principal. Agrega un poco de espina ahí. Y ahora podemos empezar a movernos hacia los tallos laterales. No sé cuál será la palabra los sub tallos, tallos secundarios. Creando unos bordes dentados para las hojas. Incluso las hojas no tienen que ser tan precisas y lisas. Estoy usando esos círculos que hicimos antes como guía, excepto como pueden ver, por ejemplo, para este, voy a agregar un pequeño consejo al final de la misma así. Lo que por supuesto se desprende de la ilusión de que una hoja tenga ese extremo dentado e inclinado , lo estoy trayendo todo También notarás cómo eso es básicamente todo una línea. Obviamente tuve que quitarme el lápiz del papel de vez en cuando, pero sí me propongo tratar de mantener el contacto con el papel tanto como sea posible porque por la razón que sea, no lo sé. Estoy seguro de que debe haber una razón científica detrás de esto, pero simplemente siempre mejora mis pinturas en mis dibujos, al menos, si trato mantener el lápiz en el papel tanto como sea posible. Por supuesto, con esta hoja de aquí, va por debajo, así que tengo que quitársela ya que va por debajo del tallo. Supongo que tal vez lo que es es si sigues sacando tu lápiz del papel y moviéndote a un área diferente, pierde su armonía y se vuelve un poco desarticulada porque no fluye naturalmente Podrías empezar a dibujar en una sección y luego en una sección diferente, y no coinciden. No se miden en las mismas proporciones. Entonces, ya prácticamente está hecho. Sólo voy a tomar mi masilla de goma y quitar algunas de las marcas de subrayado ligero Entonces, pasemos a la pintura. 5. Pétalos de capa inferior: Así que saltando directamente a la pintura, no usando un pincel muy grande, no usando un pincel pequeño y detallado, solo un pincel de tamaño mediano, estoy humedeciendo previamente algunas de las áreas que quiero poner debajo de la capa Y voy a empezar con esta vibrante ópera rosa. Y siempre agrego agua para empezar en esta etapa de capa inferior, sobre todo cuando tiene muchos bordes detallados que quiero conservar y proteger Porque al agregar primero el agua, como se puede ver, se extiende exactamente donde pongo el agua. Y si entrara directamente con la tinta, podría quedar fuera de control, o podría cometer un error y pintar. Pero si ya lo he mojado previamente, sé exactamente a dónde va a ir Entonces eso es solo un sutil toque de rosa ópera. Ahora voy a entrar con un sarín carmesí. Y ahora podría experimentar con un poco de amarillo cabmum. Entonces básicamente, para la cabeza de flor, esta rosa, vamos a experimentar con todos los diferentes pigmentos cálidos. Vamos a limitar los colores fríos en esta. Vamos a guardar los colores fríos para las hojas, así que habrá un buen equilibrio. Pero en la verdadera cabeza de rosa, vamos a tener naranjas, como si acabara de mezclar camium amarillo con camium rojo entonces para hacer esta Y de diferentes maneras, vamos a mezclar estas pinturas para crear una buena variedad de colores cálidos, y esta será una buena oportunidad para que explores cómo interactúan todos estos colores cálidos. No hace falta que sigas esto exactamente como yo lo estoy haciendo. No hace falta agregar amarillo ahí. Si no quieres, puedes hacer eso rosa. Se trata de explorar tu propia visión personal. Te animo a que lo hagas. Pero claro, si no te sientes seguro, eso está perfectamente bien, sobre todo si eres principiante. Puedes intentar seguir esto paso a paso. Agregar amarillo y luego mezclar un poco de rojo suele ser una apuesta segura. Eso es lo que he estado haciendo hasta ahora. Y estamos usando un tono claro a medio. Y ahora estoy dotando un poco de sarín carmesí en estas zonas Y luego estoy evaluando lo fuerte que quiero que sea. Si es demasiado fuerte, entonces uso esta pequeña esponja tengo que sacar agua del cepillo, y luego con un cepillo vacío, puedo succionar algo de ese pigmento usando mi pincel así. Y puedo reutilizarla en otro lugar. Lo bueno de apegarse a los colores cálidos es que ninguno de ellos se pondrá fangoso Ya sea que estés mezclando naranja con amarillo, amarillo con rosa, rosa con naranja. Mientras estén calientes, no van a ir fangosos. Para que puedas mover tu pincel por todo el papel en esta sección, y no necesitas que te preocupen por la fandad o los tonos grises De hecho, debido a esta liberación con solo apegarse a los colores cálidos, significa que solo podemos enfocarnos en los tonos. Y en realidad, los tonos son mucho más importantes en general en la pintura que en el color, porque el 90% de las veces, si haces bien tus tonos, entonces los colores se cuidarán por sí mismos. Y como ejercicio, será muy perspicaz ver cómo diferentes tonos de diferentes colores cálidos interactúan entre sí Quizás, por ejemplo, lo más oscuro que puedas obtener con el amarillo es solo en realidad un tono medio de la oscuridad que puedes lograr con el rojo Hay algunas limitaciones con la cantidad de tono que puedes obtener. Entonces, después de un tiempo, aunque hayas pintado toda tu flor en amarillo, vas a tener que incorporar algún otro tono cálido, tal vez marrón para mantenerla amarilla. De igual manera, la alizarina carmesí es de un rojo muy oscuro, así que tal vez tengas que cambiarte a rojo camium para obtener toda la vitalidad del lado rojo de las cosas 6. Amarillos ricos: Se puede ver hasta ahora qué áreas obviamente he pintado, y esa va a ser la capa inferior Voy a repasar estas zonas con pigmento más grueso más tarde. Nuevamente, puedes mirar la imagen final para ver cómo he elegido mantener algunos de estos colores y cómo he elegido pintar sobre otros colores. Y es bastante aleatorio donde elijo poner amarillo y donde elijo poner rosa o rojo, etcétera No hay un patrón real. No es como si estuviera dejando los rosados al centro o dejando los amarillos al Todo es bastante aleatorio y espaciado. Para que no tengas que seguir esto estrictamente otra vez. Puedes elegir poner rosa donde estoy pintando amarillo o naranja donde estoy pintando rojo. Toma nota de esta parte que estoy pintando ahora mismo porque es el primer borde duro que he pintado, y va a ser el primero de muchos. Este rosa al lado del amarillo, no importa de qué color sea, pero esta sección aquí tiene que ser un borde duro porque no hay transición suave entre un pétalo y otro. Este amarillo está directamente encima de ese pétalo rosado, por lo que tiene que ser un borde duro. Podrías tomarte un minuto para ver lo que he pintado hasta ahora y ver qué líneas he elegido pintar hasta el borde y qué líneas he elegido pintar sobre el borde porque eso indica a dónde planeo llevar la pintura, dónde voy a volver más tarde y pintar sobre o dónde quiero conservar esos bordes duros. Se puede ver que la consistencia de mi pintura es lo suficientemente líquida como para que se extienda libremente en la paleta No le tiene pegajosidad. Y ese es el tipo de consistencia que me gusta para esta etapa inicial. Se absorbe rápida y fácilmente en mi cepillo sin ningún esfuerzo, y se cae del pincel sobre el papel sin ningún esfuerzo, también. Más tarde, cuando usemos pigmento más grueso, entonces habrá una diferencia notable en su vitalidad, como en este momento, es mucho más grueso que esa primera etapa que acabamos de usar Siempre tiene sentido. La mayoría de las veces, por supuesto, tienes que aprender las reglas antes de poder romperlas. Como regla general, comenzar con la luz y luego pintar más y más oscuro a medida que avanzas por la pintura es generalmente un buen plan. Y los tipos de colores que estoy usando ahora, rojo cadmio y el amarillo cadmio son colores opaicos Y eso se puede ver porque son los más ligeros de mi paleta en el lado derecho Todavía no quiero usar colores transparentes, como Alizarin carmesí o siena quemada, porque realmente voy a usar esos para los oscuros más oscuros Pero puedes ver aquí en este tip, estoy a punto de usar un poco de Alzarinson un rojo transparente para crear esa transición de claro a oscuro, tomando un poco de azarin carmesí en mi pincel y simplemente dejándolo caer en Para que se difumine mientras aún está húmedo. Um, 7. Tonos oscuros: Observe cómo estamos usando un pigmento más oscuro va sobre esa capa inferior más clara que pintamos antes Incluso estoy usando un poco de negro puro solo para conseguir en el papel toda la gama tonal, así que tengo referencia a lo oscuros que pueden llegar a ser los oscuros Estamos usando un poco de agua extra para mezclarla ahí fuera. Y hay algo irónico pintar esta segunda capa encima de la primera capa, pero en realidad esta hoja está destinada a estar debajo de esa capa sobre la que estamos pintando Y eso es todo sobre la acuarela. Hay que pensar en el orden en el que lo vas a pintar porque con aceite, aunque no soy un experto en óleo, imagino que aún podrías pintar ese pétalo superior sobre la oscuridad. Pero claro, con la acuarela, como regla general, pintas primero las luces y luego las oscuras por encima, sin importar dónde se posicionen en la realidad en la vida real Estos pinceles que utilizo en cada una de mis clases, realmente, estos pinceles Vangh También son similares a los pinceles Scoda. Lo importante es que tengan una buena y fina propina. Para que pueda ir directo a las grietas y bordes, los pequeños detalles. Pero también retienen suficiente agua porque puedo poner más presión y las pinceladas se hacen más grandes. Rara vez tengo que conseguir realmente un pequeño pincel detallado. Ocasionalmente, cuando se trata de detalles finos, al final, podría hacerlo solo porque solo voy a estar usando ese pequeño punto. Y no necesito empaparme todo un pincel grande lleno de pintura blanca o negro fino detallado. No necesito desperdiciar todo ese pigmento absorbiendo un cepillo entero. Si sólo estoy pintando unos cuantos dabs. Fue entonces cuando me movía a un cepillo pequeño. Pero es perfectamente posible pintar en los más pequeños detalles con pequeños con este pincel actual que estoy usando ahora. De hecho, encuentro que este pincel es aún más fácil de pintar pequeños detalles porque cuando este pincel sostiene el pigmento, cuando chupa todo ese líquido, reúne todas las hebras del pincel, bonitas y compactas y crea ese pequeño punto. Mientras que un cepillo pequeño , no tiene ese líquido. No tiene todo ese pigmento succionándolo juntos para formar un punto. Es casi como un cepillo seco, o los hilos simplemente apuntando a cualquier parte. Entonces lo que voy a buscar es en el fondo de la flor, se puede ver que tenemos una capa oscura de pétalos. Entonces la siguiente capa arriba de pétalos son claros, y ahora estoy pintando una capa oscura entre eso. Y yo sólo voy y vengo entre pétalos claros y pétalos oscuros. Eso solo hace que sea más fácil hacer ejercicio en mi mente y más fácil para el espectador y el público entender lo que está pasando. A, uh 8. Características de la pintura: A cada pintura, por supuesto, tiene sus propias características únicas. ¿Qué lo hace especial o único? A lo mejor algunos cuadros están orientados al color. A lo mejor algunos cuadros están orientados tonalmente y tienen un enfoque en el uso del tono, tal vez algunos son más textura, como pincel seco o textura suave, textura sutil A lo mejor algunos son muy detallados, lo mejor algunos son muy sueltos y expresivos. Y todos tenemos diferentes fortalezas y debilidades en relación a estos diferentes elementos. Tal vez algunos de nosotros tenemos un mejor ojo para el color o el tono, y tal vez algunos de nosotros somos mejores en trabajo expresivo suelto y algunos realmente pueden refinar en los detalles. Y eso es, por supuesto, lo que hace que nuestras pinturas sean únicas y cuenta nuestra propia voz y visión personal única. Y no creo que sea blanco y negro, así que no creo que algunos artistas solo quieran pintar puramente con textura o ser expresivos. Y no creo que otros artistas solo quieran apegarse a los altos detalles. Se van a aburrir de pintar de una manera todo el tiempo y quieren probar la otra manera de vez en cuando. Y eso ciertamente me es cierto, por eso todas mis clases parecen estar saltando alrededor de diferentes temas y diferentes estilos porque si paso demasiado tiempo pintando en un estilo, entonces pierdo el interés en él, y veo a otro artista pintando en un estilo diferente, y eso me inspira Entonces trato de experimentar con el otro extremo de técnicas que no he probado. Y es a través de esto yendo y viniendo alrededor de diferentes estilos, diferentes técnicas que eventualmente obtienes una muy buena comprensión del medio porque has probado todas las diferentes técnicas bajo el sol y te sientes un poco más seguro en tu estilo. Ni siquiera necesitas pensarlo conscientemente porque tienes conciencia de lo que hiciste en un estilo y lo que hiciste con otro estilo. Y es como que a través de la ósmosis en tu mente, se convierte más una expresión que en una parte pensante de tu pintura Por ejemplo, con esta pintura, diría la cualidad única de esta pintura, lo que está impulsando mensajes. Se trata más de los detalles, la sutileza de los bordes de las capas, conectando los puntos como casi un rompecabezas de tres D porque están sucediendo diferentes cosas Estoy pintando diferentes secciones. Y podría haber un pétalo podría estar detrás del otro, uno podría estar encima del otro. Y eso es lo que hace que este sea interesante, diría yo. Se trata menos de la flojedad o expresión general. Y yo diría en general, prefiero el estilo más expresivo y suelto. Pero como acababa de decir, después de pintar tanto en ese estilo expresivo suelto, a veces quiero trabajar un poco en mi refinamiento Así que hacer una pintura como esta me ayuda a volver a lo que significa ser un poco más detallado y retocar mis puntos débiles en esa zona. E irónicamente, me estoy dando cuenta de que cuando se trata de trabajos detallados, en realidad se necesita menos concentración Puedo poner algo en el fondo. Pero cuando se trata de perder el trabajo expresivo, hay que estar concentrándose todo el tiempo Hay que ser feliz con espontaneidad y las cosas no van como están planeadas, y es una forma mucho más estresante de pintar 9. Color local: Entonces solo estoy tomando mi masilla de goma ahora y licenciando algunas de las líneas porque todavía puedo ver dónde están cuando las froto, pero solo me preocupa un poco que cuando son tan pesadas y oscuras, se vean fácilmente a través de la pintura Y realmente no quiero ir por ese estilo con esto. Y la razón por la que uso una goma masilla en lugar de una goma normal es porque no hay residuos. No quedan trozos en el papel después que interfieran con la pintura o se atasquen. Básicamente hay dos tipos diferentes de tono en una pintura que necesitamos vigilar. El primero es el color local, y voy a explicar lo que eso significa en un momento. El segundo es cómo la luz interactúa y afecta al sujeto Entonces volviendo al color local, y eso se refiere al color natural de un objeto que no se ve afectado por la iluminación o la sombra Es como la esencia de lo que es ese color. Por ejemplo, esta hoja o estos pétalos son de color amarillo, rojo, naranja. Ese es su color local porque no es la luz lo que lo hace ese color, y las hojas más adelante serán verdes porque ese es su color local. Al pintar, es importante comenzar con una base del color local porque establece la verdadera identidad de color de ese objeto, y ayuda a proporcionar una base casi realista para construir sobre si desea estirarse, alejarse y agregar un color un poco más expresivo que podría ser antinatural, pero que tenga una intención un poco más artística Entonces ese es el color local. Y, por supuesto, diferentes tipos de colores tienen diferentes tonos. Algunos azules son más oscuros, algunos otros colores como el amarillo o más claro. Y volviendo al ejemplo de la hoja, cuando las hojas brotan por primera vez del suelo, suelen ser más claras por lo que su color local es un verde más claro Y luego una vez que maduran y se oscurecen, tienen un verde más oscuro, claro. Entonces su color local es más oscuro. Entonces eso afecta el tono. Y luego hay segundas formas en que el tono se ve afectado, y esa es la forma en que la luz interactúa con el sujeto Y esto, por supuesto, es lo principal en lo que pensamos con tono, luz, y oscuridad es la forma en que se forman las sombras sobre el tema. Y la luz sí afecta dramáticamente cómo percibimos su color y la forma. Entonces estoy hablando de esto porque aquí hay mucho trabajo de este formulario. Se necesita mucha percepción, y ayuda a mejorar nuestra técnica y nuestro ojo a la hora de elaborar cuál podría ser el color local o cómo le afecta la luz , porque me resulta difícil explicar lo que estoy haciendo de cada pincelada Se puede ver lo que estoy mezclando en mi paleta ahí, y se puede ver lo húmeda o gruesa que es dependiendo de lo rápido que se mueva en el papel. Pero cuando te cuento un concepto como color local o la forma en que la luz interactúa con un objeto, entonces puedes intentar entender lo que estoy haciendo o meterte en mi mente Y entonces eso es en realidad más útil para que lo lleves y sigas. Entonces puedes ver que los oscuros más oscuros son porque ahí es donde llega la menor cantidad de luz en los pequeños bolsillos centrales donde hay superposición No hay muchos oscuros oscuros en la parte superior de la flor. 10. Luz y sombra: Esta interacción con la luz puede crear toda una gama de tonos y matices. Por supuesto, puede traer reflejos brillantes donde la luz incide directamente sobre el sujeto. Se puede ver que en la parte superior de estos pétalos y al lado derecho de ellos, ahí tenemos las zonas más claras. Y luego tenemos las sombras profundas donde la luz está, por supuesto, obstruida. Y estas variaciones pueden agregar profundidad, volumen, y eso es lo que crea una sensación de realismo en la pintura. Por lo tanto, comprender y renderizar efectivamente estos efectos de luz puede transformar una imagen plana en una obra dinámica tridimensional. También puedes hacer esta pintura en pasos. Esto es lo que aprendí al hacer mucho trabajo detallado en lugar de trabajo expresivo, espontáneo impulsivo , puedes hacer una pausa en cualquier momento y volver a él porque mucho de él es acodar, y estoy cortando los pedacitos donde estoy usando el secador de pelo Pero siempre que quiera tomarme un descanso, solo puedo tomarme un descanso y volver a. Entonces es un buen proyecto si no necesariamente tienes 2 horas sobra o tal vez te lleve aún más tiempo. Puedes hacer principios aquí, principios allá, y puedes tener esto en segundo plano o puedes ver mi clase de teoría del color en segundo plano para ayudarte a guiarte, aunque sea un tema diferente, los principios, los elementos e ideas ayudan Es el color que nos llama la atención de inmediato. Es lo más obvio cuando vemos una pintura, la vitalidad de la misma, la mayor parte del tiempo Pero en realidad, el tono es un aspecto mucho más fundamental que tiene mucho más que decir que el color, en realidad lo general, es el color el que llama tu atención, pero el tono, lo que te mantiene pegando y mirando dentro la pintura y dejándote más cautivado por ella, es lo que ayuda a crear profundidad, estado de ánimo y atmósfera Entonces hablemos un poco más sobre el tono. Por supuesto, las reglas se pueden romper, pero para principios simples, podemos descomponer las cosas en un tipo común de entendimiento de que tonos más oscuros a menudo transmiten misterio o sombrío Y al otro lado de eso, los tonos más claros pueden sentirse aireados o edificantes Y la elección del rango tonal debe alinearse con el mensaje emocional que se quiere transmitir La mayoría de las pinturas son, por supuesto, de tono medio. No son demasiado oscuros o no son demasiado claros, o incluso si son muy oscuros, tienen algunos estalla de luz para tener ese contraste. Y estos mensajes tonales que queremos transmitir tienen un papel importante en establecer el tono emocional de una pintura Y podemos usar el tono para ayudar a armonizar o darle equilibrio a una pintura Y este equilibrio no se trata necesariamente de tener las cosas iguales, sino de usar estos elementos para crear un todo cohesivo Por ejemplo, una pintura predominantemente oscura podría tener algunos puntos de luz, como acabo de decir y proporcionar interés o equilibrio. Y ese pequeño toque de luz en realidad llama más la atención que el resto de la pintura que es toda negra o viceversa. 11. Pinturas discretas: Repasemos qué son las pinturas de bajo perfil y luego las pinturas de alta clave. Las pinturas de bajo perfil utilizan principalmente tonos oscuros para crear su impacto. Estas obras se caracterizan por un dominio de sombras y una gama limitada de medios tonos y reflejos Y el uso de tonos oscuros contribuye a un estado de ánimo que puede ser misterioso o dramático porque la luz tenue y la prevalencia de las sombras crean una sensación de noche o ambientes poco iluminados, Un buen ejemplo son las pinturas de Rembrandt. Sus pinturas son los ejemplos perfectos del arte de bajo perfil y su uso del Kioskuro que es un fuerte contraste entre la luz Enfoca la atención en áreas específicas del lienzo, y resalta las expresiones emocionales de las figuras centrales sobre un fondo muy oscuro. Esta técnica potencia la intensidad dramática y emocional de lo que está tratando de transmitir. Por lo que sugiero encarecidamente buscar en Google sus imágenes, aunque no necesariamente tiene que ver con esta pintura de una rosa o incluso acuarela porque estaba pintando un óleo, se relaciona indirectamente con él absolutamente porque Estos son principios de composición, independientemente del medio con el que estés pintando o cuál sea el tema Esta pintura aquí es bastante hi ki, y voy a hablar de eso ahora, de hecho, pinturas de Hike en contraste con el ki bajo, por supuesto, constan de tonos predominantemente claros, y este tipo de pinturas minimizan el uso de tonos oscuros y se caracterizan por su ligereza y vibrante gama de tonos pálidos Las obras de Haiki a menudo transmiten una sensación de ligereza, inocencia Por lo general, son brillantes y se perciben como más enérgicos y edificantes que otras contrapartes de bajo perfil Un ejemplo, puedes buscar pinturas clave altas, lunas, pinturas impresionistas Pueden describirse como claves altas porque sus obras, como representar nenúfares o muchos de sus paisajes, utilizan una paleta que es suave y llena de colores claros, y transmite una luminosidad de luz diurna o la naturaleza vibrante pero delicada del piso Los valores de luz dominan las pinturas, y crean un ambiente sereno acogedor que atrae a los espectadores de una manera tranquila, un mundo tranquilo La mayoría de la gente ve la acuarela como una especie de estilo clave alta de obras de arte o pintura cuando ves ilustraciones de acuarela en envases de alimentos o en las revistas o publicidad donde sea, generalmente es una especie de estilo incompleto , de clave alta, ligero y de bajo contraste Y no estoy seguro de cómo llegó a ser eso para caer en ese tipo de dirección o percepción. Pero para mí también, cuando empecé a pintar, pinté al óleo y no me interesaba la acuarela. No pensé en su potencial o posibilidades porque lo pensé en este tipo de boceto preliminar ligero tipo de de técnica en lugar de un estilo de obra de arte final terminada. Entonces cuando empecé aprendiendo arte, fue solo con pinturas al óleo y un poco de acrílico. Y todo lo que hacía con acuarela era solo un boceto preliminar 12. El potencial de la acuarela: Pero un día me encontré con algunas obras Álvaro Castinet y Joseph Spokvich a quienes puedes mirar hacia arriba, y usan el tono de una manera que se ve exactamente como podría ser pintura al óleo No se retienen en el uso de los darks. A veces todo su lienzo y papel está pintado de negro puro con algunos reflejos, y realmente cambió mi idea de lo que podía hacer la acuarela. Y desde entonces ha sido mi medio favorito absoluto. Porque estos artistas realmente demuestran la increíble versatilidad y profundidad que puede ofrecer la acuarela, y transformaron mi percepción de sus capacidades. Alvaro Cainet captura la vitalidad de las escenas urbanas con un estilo expresivo dinámico que realmente da vida a cada composición. Realmente no se enfoca tanto en los detalles, pero hay un sentimiento definido en lo que está tratando de expresar, y solo se podría hacer eso con la acuarela. La forma en que los pigmentos interactúan en el papel, es tan único con la acuarela que no puedes imitar eso con la pintura al óleo El uso de ricos colores saturados y trazos llamativos simplemente transmiten tanta energía. Y específicamente con escenas urbanas, transmite el ritmo de la vida de la ciudad. Y muestra que la acuarela puede ser tan poderosa y tal vez incluso más impactante que la pintura al óleo Todo se reduce a la forma en que manejas la luz y la sombra. Los colores tienden a cuidarse por sí mismos si consigues bien la luz y la sombra. Todo lo que necesitas pensar es en la temperatura del color, y luego se armonizarán Además, cuando empecé a pintar, me interesaron profundamente e impresionaron pinturas ultra realistas con la precisión casi fotográfica con su detalle. Y me impresionó la habilidad que se necesitó para pintar de una manera tan realista. Sin embargo, a medida que avanzaba en mi viaje artístico y comencé a explorar cómo pintarme, me volví más apreciadora de las pinturas expresivas, en lugar de ultra realistas Ese tipo de pinturas que aparecen sin esfuerzo y sencillas, tal vez incluso sueltas Pero en realidad, una vez que intentas probarlos tú mismo, te das cuenta de que necesitas una comprensión profunda del medio para lograrlo. Y descubrirás que para poder pintar de manera holgada, efectiva, irónicamente tienes que aprender a pintar detalles para empezar Realmente necesitas para entender el medio lo suficientemente bien como para romper las reglas, hay que saber controlarlo completamente. Entonces es por eso que una pintura como esta realmente me ayuda personalmente porque realmente te está obligando a descubrir cómo interactuar con los pigmentos para controlarlo. Y luego una vez que sepamos cómo podemos controlarlo, entonces podemos comenzar a experimentar con pinturas sueltas Y ahí es cuando podemos empezar a insertar emoción, sentimiento y atmósfera en nuestras pinturas. Podemos usar trazos que parecen colocados espontáneamente pero que en realidad son el resultado de decisiones deliberadas, incluso hábiles 13. Degradado de color: Así que obviamente estamos pintando de una manera más refinada y controlada porque nos estamos enfocando mucho en los gradientes de color en esta área de la cabeza de rosa de pétalos Cuando vengamos a pintar las hojas, van a ser mucho más expresivas. Pero cuando se trata de gradientes de color en acuarela, es casi como una ciencia, también Porque es un poco más planificado y un poco más pensado para permitir la creación de transiciones vívidas y reales, podemos mejorar dramáticamente todo el impacto visual de la pieza Y entonces por supuesto, podrías incorporar estas transiciones controladas con estilos sueltos más expresivos a medida que aprendes a equilibrar estas cosas más adelante en tu viaje, porque no necesariamente tenemos que usar estas técnicas solo para pintar una rosa. Solo estamos usando una rosa hoy para ayudar a practicar estas cosas porque es un tema perfecto para eso. En este contexto de pintar una rosa, estamos averiguando cuán cruciales solo estos gradientes están replicando interacción sutil pero compleja de colores a lo largo de estas batallas es un desafío divertido y divertido Pero algunas cosas clave que pueden ayudarte en el camino es pensar en la proporción de agua a pigmento. Entonces como dije al principio, cuando estamos haciendo las capas inferiores, obteniendo esos gradientes agradables y finos, queremos más agua y menos pigmento porque esto crea lavados más claros, más transparentes que se pueden usar para partes más ligeras del Y como son más ligeros, podemos simplemente trabajar poco a poco en ellos poco a poco. Esto es más útil en las zonas donde la luz incide sobre los pétalos. Entonces eso es lo que ahora es un poco más claro ahora que he pintado algo de la oscuridad, así se puede ver que esos tonos claros que pintamos antes de las primeras cosas que pintamos son en realidad parte de los pétalos donde la luz golpea los pétalos, y les da este tipo de apariencia luminosa. Y luego a medida que avanzamos por la pintura, más adelante, podemos ver cómo ahora mismo estoy agregando más pigmento en comparación con el agua. La proporción de agua va bajando a medida que estamos construyendo esos tonos. Y podemos crear esas transiciones agregando más pigmento y luego succionándolo así, creando un bonito borde suave. Proporciona una especie de intensidad media que es útil para tonos medios en sus gradientes. Es crucial donde el pétalo se curva alejándose de la luz, pero aún así atrapa parte de ella. Es solo que ese pequeño punto dulce de la curvatura y todas estas pequeñas transiciones suaves implican y dan la forma. Y entonces por supuesto, el otro extremo del espectro es menos agua, más pigmento, y aquí es donde queremos los colores reales más ricos y vívidos Y los necesitamos para las sombras oscuras y profundas y justo entre las grietas como he tocado antes. La mayor parte de lo que está pasando es mojado sobre húmedo, en realidad, aunque lo estemos haciendo en capas, la transición es una técnica húmeda sobre húmeda. Por lo general, pensamos en mojado sobre húmedo como grandes lavados o lotes que suceden dentro de una sola capa, por así decirlo, pero aún se puede hacer mojado y mojado en pequeñas secciones pequeñas Todas estas pequeñas secciones de la hoja son pequeñas partes pequeñas que estamos haciendo individualmente, pero todavía está húmeda sobre húmeda. 14. mojado sobre mojado: Es una buena oportunidad para hablar de mojado sobre mojado ahora en realidad, porque como dije, es particularmente efectivo para crear gradientes de color De hecho, es realmente la única manera técnicamente podrías desvanecer un área a blanco y luego desvanecer otra capa a agua pura encima de ella, y crearía una transición, pero podrías interactuar con la capa anterior debajo. Entonces, cuando puedas, lo mejor es hacerlo de una sola vez. Pero incluso cuando digo eso, me doy cuenta de que puedes romper esa regla. Como, ahora mismo, estoy pintando encima de esa capa anterior. Y porque todos son colores cálidos, no hay enturbiamiento. No tenemos que preocuparnos por eso. Cuando mezclo este rojo encima de la capa amarilla anterior, todo lo que hace es hacer naranja, y estoy perfectamente contento con eso. Si fuera un color diferente como el rojo sobre el verde, entonces eso causaría grisura. O si fuera azul sobre naranja, entonces se volvería gris, y sería más difícil de controlar, pero como nos mantenemos dentro del lado cálido de la rueda de colores, tenemos mucha libertad. La idea básica de mojado y húmedo está en el título. Introducimos una capa de agua limpia o agua pigmentada. Y luego introducimos un pigmento encima de eso para interactuar con esa superficie húmeda. Muchas veces humedezco previamente el papel donde quiero que ese gradiente esté tratando de tener esa área humedecida uniformemente Mojarlo uniformemente, más bien. Y si está encharcando en un lado, entonces no va a ser parejo, claro Es una de estas pequeñas cosas que a veces se pasa por alto Es fácil pasar por alto porque eso todavía me pasa a mí. A veces no estoy al tanto de que se vayan construyendo charcos de agua. A lo mejor hay una arga en el papel, y eso afectará lo suave que es la transición Y cuando empieces a introducir colores, tal vez los colores más claros para empezar, solo por seguridad, agrégalo en el punto donde imagines que será la parte más ligera del degradado Esto podría ser un naranja pálido o un rosa claro o amarillo. Y luego queremos si quieres, puedes introducir colores adicionales gradualmente, agregar el siguiente tono a la zona húmeda, y gradualmente puedes permitir que los colores sangran y se mezclarán entre sí de forma natural Y esta transición del naranja al rojo o del rosa al amarillo se puede lograr arrastrando lentamente el pigmento más oscuro hacia el área más clara Y como que sutilmente zig-zag mi pincel ya que esa transición está ocurriendo Por supuesto, ahora nos hemos alejado del pétalo. Ya terminamos esa sección, pero aún puedes crear esa transición ahí. Mira cómo aplico ese pigmento, y luego lo esparzco. medida que los colores comiencen a mezclarse, puedes usar tu pincel para ayudar a guiar los pigmentos hacia donde necesitan los pigmentos hacia donde necesitan ir porque a veces, claro, la acuarela no va a donde queremos que vaya y tenemos que quitar el pigmento o dirigirlo, rebañarlo como ovejas a una sección diferente Y entonces tal vez queramos suavizar algunos de los bordes. Unos bordes duros que se han creado, o tal vez quieren tirar de pigmentos en áreas que necesitan más saturación. Pero ahora estamos pasando a las hojas, podemos comenzar a explorar el lado suelto más expresivo de la pintura. 15. Pintura suelta: Entonces, como regla general, es bueno comenzar como principiante para aprender a pintar de una manera refinada de control antes de pintar de manera suelta. Y cuando se trata de pintar de manera suelta, definitivamente es más intuitivo. Has pasado tanto tiempo practicando y refinando tus habilidades y dominándolas que es automático Y luego al permitir que sea automático, puedes soltarlo y casi invitar esa emoción a través de tu pincel al papel. Y eso no es algo que realmente se pueda enseñar. Tienes que trabajar a través de eso tú mismo a través de la práctica de la pintura. Claro, puedes seguir en estas clases para averiguar cómo dominar el medio. Y a través de esa repetición de práctica, entonces encontrarás tu propia voz entrando. Pero no es algo que te esté enseñando. Vas a estar resolviendo eso tú mismo. Y eso lo he visto con los estudiantes. Están siguiendo mis clases y trabajando en cómo pintar, y luego están aportando su propia esencia, su propia singularidad a las pinturas, lo cual es tan fantástico de ver en la galería de estudiantes, cómo cada uno tiene su propia voz única viniendo a través, y eso no es algo que yo te haya enseñado a ti o a ellos Lo están resolviendo ustedes mismos, lo cual es increíble. Ese es el fenómeno del arte y lo que lo hace tan especial. Y hay tantas etapas diferentes del viaje para convertirse en artista y aprender a pintar. En primer lugar, como principiante, no sabes nada del medio, así que solo estás tratando de entender cómo trabajar con la pintura y manipularla. Y luego después de eso, tienes tantas inspiraciones diferentes y no sabes en qué dirección bajar, y estás inspirado en algo, pero no sabes a dónde llevarlo Así que puede parecer un poco de montaña rusa este viaje. Y no se trata sólo de practicar, se trata de lidiar con los inevitables altibajos y los errores y contratiempos Todo es parte del viaje, y todo es una parte natural de él. La acuarela es famosa por ser imindulgente e impredecible. Lo cual puede ser muy frustrante, pero todo es parte de esa aceptación Y es lo mismo para todos. No es una habilidad natural otorgada a las personas. Todos tuvieron que trabajar a través esta naturaleza incómoda de la acuarela. Podrías terminar con colores fusionándose de formas que no pretendías o las piezas dentro de la pintura simplemente no se ven tan equilibradas Entonces definitivamente es una prueba de paciencia, pero quédate con ella porque esta parte de ella la hace aún más satisfactoria cuando funciona, y puedes sacar la cinta al final de la pintura y sorprenderte con lo que has creado Cada error sí te enseña algo nuevo sobre cómo se comporta la acuarela y cómo puedes manipularlos para obtener los efectos que deseas Y con el tiempo, encontrarás que puedes empezar a soltar un poco más, y puedes confiar en tus habilidades y tu sentido de cómo funciona la pintura para hacer arte que se sienta fiel a lo que quieres expresar. Esta frustración se desvanece a medida que crece tu confianza, y hace que todas esas pruebas valgan la pena. Pero incluso ahora, puedes para mí, las cosas simplemente pasan de vez en cuando, y hay días la acuarela no quiere seguir el juego, y no sé qué está pasando, y solo tengo que desconectarme. Y luego a veces la acuarela me sorprende y me recuerdan por qué me gusta tanto. Entonces, en todos los niveles, hay giros inesperados, y eso es lo que te mantiene alerta y lo convierte en un medio emocionante. 16. Comenzar con las hojas: La satisfacción de llegar a ese punto en el que realmente estás hablando a través de tus colores y trazos es definitivamente inmejorable, aunque no sea para siempre. Hace que todo el ensayo y error valga la pena y te da ganas de volver por más. Así que abraza el desorden, aprende de él y sigue adelante. Y pronto encontrarás el surco de la acuarela. Y cuando lo haces, es increíblemente gratificante. En algún lugar de mi computadora, una carpeta dentro de una carpeta oculta a la vista son mis primeras pinturas, y me avergonzaría de compartirlas públicamente porque son absolutamente impactantes Y de vez en cuando, les echo un pequeño vistazo y no puedo creer básicamente lo lejos he llegado desde esos primeros intentos Es o al menos no puedo creer que quería seguir viendo lo mal estaban esas pinturas porque hay una mezcla de trazos torpes, colores inciertos, y solo una completa falta de comprensión sobre la acuarela o cómo crear una Son un lío absoluto. Y a pesar de todo eso, demuestra que todo pintor tiene que empezar por alguna parte. Y esas pinturas tempranas fueron mis primeros pasos en ese viaje que tomé. Y tenía absolutamente recuerdo no tener mucha fe en lo absoluto que alguna vez podría mejorar, pero por alguna razón, perseguí y quería continuar solo porque estaba tan inspirada por otros artistas y queriendo lograr lo que hacían en sus pinturas. Entonces, a pesar de esa falta de aletas, esos intentos iniciales fueron cruciales. Estaban llenos de experiencias de aprendizaje. Cada pincelada me enseñó algo nuevo, aunque no pudiera entender lo que era inicialmente, poco a poco, el conocimiento estaba cincelado y descubrí cómo interactuaba el pigmento con el papel, cómo se mezclan los Por supuesto, también tuve ayuda de tutoriales en línea. Y en realidad nunca fui a la escuela de arte, por así decirlo, fui a clases de arte en mi ciudad natal una vez semana durante tal vez cinco semanas solo para tener la sensación de ello Y luego en cierto punto, puedes enseñarte a ti mismo. Puedes resolver las cosas tú mismo. Eso es lo que hice. Así que por mucho que esos primeros trabajos míos me hagan estremecer, también me recuerdan el progreso que he hecho personalmente Por eso los sigo guardando ahí, pesar de que están escondidos. Me mantienen humilde y me motivan a seguir mejorando Recuerden una cosa que me ayudó a sentirme un poco más segura cuando estaba aprendiendo y enfrenté muchos fracasos. Recogí muchas imágenes de mis artistas favoritos, pero de sus pinturas fallidas, pinturas en las que vi errores o no pensé que fueran exitosas desde mi punto de vista. Y puede sonar algo extraño de hacer, pero al ver que mis artistas favoritos siguen haciendo malas pinturas de vez en cuando, me dio un nivel de comodidad que realmente no importa. Sólo tienes que dar lo mejor de ti. A veces funciona, a veces no. 17. variedad de verduras: Así que ya he hecho algunas hojas, y se puede ver que estoy tratando de crear mucha gama en colores. Y el verde es el color madre, por así decirlo, el color principal que es el núcleo. Y solo me estoy desviando de eso de diferentes maneras. A veces está un poco más cerca del negro. A veces se acerca un poco más al azul o al amarillo. Pero lo que los mantiene unidos es ese enlace amarillo ese vínculo verde, más bien. Y también estoy experimentando con tonos. Estoy comenzando con pigmento espeso y luego agregando agua pura en. Entonces estoy esperando unos segundos y luego agregando un pigmento diferente a una consistencia diferente de agua. Y estoy pintando las hojas primero y luego conectando el tallo o tallo a ellas después porque no quiero tener que pintar el tallo y luego averiguar dónde he pintado las hojas realmente no se unen. Por supuesto, tengo un boceto a lápiz debajo para que me ayude a guiarme. Pero es agradable pintar las hojas al mismo tiempo porque entonces sé que mientras están todas mojadas, puedo interactuar con ellas y crear un poco de armonía y unidad mezclando y emparejando el color. He esperado intencionalmente unos 5 minutos después de pintar el primer lavado para que se acerque mucho al secado, alrededor del 80% de secado, y luego entrar con un lavado muy acuoso para crear algunas flores agradables Quiero fomentar las floraciones en estas hojas. A diferencia de los pétalos que estamos pintando antes donde quiero que se controle. Quiero que haya bordes y texturas más orgánicos en estas hojas. También fíjate como estoy citando una transición en ese tallo principal Comienza de color rojo y luego entra en un color marrón anaranjado y luego en este verde en la parte inferior Tener un pañuelo a mano siempre para absorber cualquier salpicadura o exceso Bastantes veces he tenido algunas salpicaduras en mi lienzo y necesito usar rápidamente el pañuelo para limpiarlo Y los segundos realmente hacen la diferencia porque algunos de estos pigmentos permanecen en el papel. Entonces, si no eres rápido, aunque lo borres, te quedará una marca después. Entiendo como principiante o incluso intermedio, incluso a veces me olvido de ello. A veces el caos de la acuarela puede ser abrumador y puedes olvidar cosas bastante fundamentales. Y también hay una anticipación y una impaciencia que viene con la acuarela porque, claro, hay que esperar a que se seque la acuarela Y a veces, si no esperas a que se seque la acuarela, se puede sobrecargar con agua de forma natural Y eso, por supuesto, afecta el resultado visual. 18. Áreas oscuras: Entonces, si quieres que cierta área sea más oscura, a veces la respuesta no es seguir agregando más y más pigmento de inmediato Si ya hay demasiada agua ahí, hay que esperar a que se seque. Puedes usar un secador de pelo si tienes cuidado. Pero aunque haya demasiada agua, usar un secador de pelo puede hacer que el agua simplemente se extienda fuera de las líneas, lo cual es bastante arriesgado. A veces puedes usar un pañuelo, como lo he hecho algunas veces, solo para succionar algo de esa agua, y luego puedes volver con un pigmento más grueso con más control. Pero si hay demasiada agua en el papel y le agregas pigmento espeso, terminarás no poniendo más pigmento en tu papel, sino que en realidad sacando más agua sobre tu pincel. Esta impaciencia que viene junto con acuarela no es culpa porque todos tienen que pasar por ella. Es sólo un tipo de reacción natural a ello. Y es parte de la curva de aprendizaje para los artistas que exploran este medio. La acuarela tiene propiedades únicas, y su comportamiento es bastante contrario a la intuición a veces, y exige un nivel de paciencia que puede ser bastante desalentador, al menos inicialmente Pero se reduce a reformularlo, creo, al menos para mí. Me gusta pensar por qué me siento impaciente ello y darme cuenta de que está destinado a ser divertido, así que solo puedo tomarme mi tiempo, relajarme, permitir ¿por qué me preocupa La acuarela en sí no me está dando la presión. Somos yo y mi propia mente haciéndolo. Entonces es bastante útil en ese tipo de mentalidad de permitirte tomar conciencia de las presiones y el tipo de pensamientos intrusivos que obtenemos mientras pintamos Puede ser muy terapéutico de esa manera. Mucha de la impaciencia se debe al tiempo de secado, y al final del día, por apresurar algo, si no está lo suficientemente seco o si está demasiado húmedo, entonces va a arruinar la pintura Entonces quedar atrapado en esa impaciencia realmente afecta ese aspecto Y eso es exclusivo de la acuarela. Muchos otros medios como el óleo y el acrílico, especialmente el aceite, donde puede tardar tres meses en secarse completamente Sin embargo, no lo necesitas seco para seguir trabajando. La dependencia no está en la humedad del medio. Con el aceite, permite una manipulación o estratificación más inmediata, mientras que la acuarela requiere períodos de espera ya que las capas necesitan estar completamente secas para evitar el sangrado o la mezcla no deseados Lo que a menudo termino haciendo es usar estos momentos de secado para hacer una pausa y usarlo como una oportunidad para reflexionar o planear lo que voy a hacer a continuación. Siendo la acuarela menos indulgente que otros medios como el óleo o el acrílico, donde puedes pintar fácilmente sobre tus errores en acuarela, una vez que el pigmento está en el papel, corregir errores sin dejar rastro puede ser muy desafiante Y esta limitación a menudo requiere un enfoque más reflexivo. Entonces puede ser fuente de impaciencia, de verdad. Especialmente si estás más acostumbrado a trabajar de manera más espontánea o una manera más correctiva Tienes que empezar a usar técnicas o desarrollar técnicas como levantar pigmento usando un pañuelo o restregarlo con un cepillo limpio, pero aún así requiere un poco de paciencia. 19. Armonía de colores: Ahora que tenemos la mayoría de las hojas pintadas en, se puede ver como hay una agradable armonía de los colores complementarios, los verdes y azules de las hojas se ven muy bien contra el rojo de la rosa y los rosas y los amarillos Los ricos verdes de las hojas sí sirven como una especie de telón de fondo vívido para los vibrantes rojos y naranjas de la rosa, y en realidad se amplifican entre sí, tenerlos juntos así El verde empuja al rojo o a la rosa para que parezca aún más brillante o saturado, y realmente lo hace reventar contra el fondo de una manera que pintura monocromática o de un solo color puede no lograr Y con la acuarela, es particularmente efectiva porque la translucidez del medio se puede utilizar para poner capas a estos colores, y de alguna manera profundiza su interacción que veas los pigmentos de una manera mucho más visceral Me gusta este bit ahora donde agrego pigmento muy diluido o agua y luego lo agito y lo toco hasta el pigmento más fuerte arriba Entonces simplemente se derrama. Se puede ver como ese verde vivo apenas se está derramando en el lavado más diluido abajo. Y guardé el blanco del papel en el medio para pequeños reflejos finos. Por supuesto, podrías esperar para hacer eso al final, pero me gusta crear esa pequeña barrera para pueda simplemente untar pedacitos de pigmento sin que se extienda. Los colores complementarios también juegan un papel crucial en la creación de profundidad y enfoque en una pintura. Y al utilizarlos estratégicamente, podemos guiar a la vista del espectador hacia los puntos focales de la obra En este caso, en la pintura de rosas, los pétalos rojos son el foco central, y el verde complementario no sólo realza el rojo, sino que agrega profundidad a la composición. Y la forma en que coloco el tallo naturalmente atrae el ojo y lo lleva suavemente hacia la flor de rosa desde la esquina inferior. Y también he tratado de controlar la intensidad del color, tratando de equilibrarlo para evitar abrumar al espectador. Ya ves como estoy usando el color complementario rojo, y luego cuando agrego este verde, lo va a neutralizar un poco Se va a silenciar mucho más. Pero tener ese toque de rojo en este verde ayuda con esa idea complementaria, ese elemento del que estamos hablando. 20. Acabado: Tiendo a ir a las tangentes porque surgen cosas en mi mente que pueden ser útiles y puede que no sean directamente relevantes para lo que está sucediendo en la pantalla al mismo tiempo Pero sigo pensando que vale la pena compartirlo y en última instancia útil en tu viaje como artista y específicamente acuarela, porque muchas de las cosas que te llevarán al siguiente nivel son menos sobre pinturas específicas. Entonces no necesariamente sobre cómo pintar una determinada flor, sino técnicas generales que son adaptables a cualquier tema. A veces olvido mencionar qué colores exactos son divertidos, pero hay una imagen más grande que trato de explicar o expresar, y eso es que por ejemplo, dije, si cuidas los tonos, entonces los colores se cuidarán por sí mismos O si estamos pintando rojo para los pétalos, entonces el verde es un bonito color complementario a eso. Y si también tenemos naranja en los pétalos, entonces el azul es lo complementario a eso. Entonces agregar un poco de azul a las hojas también va a ayudar visualmente a que sea más cautivador Podrías ir a una tienda de arte y ver 30 tonos o tonos diferentes de azul y 30 tonos diferentes de verde. Y podría decirte cuál exacto estoy usando, pero realmente no importa al final del día porque no estoy pensando en el color en sí. Estoy pensando en la relación nave entre ese color y el resto de la pintura. Entonces solo tengo colores aburridos, por así decirlo, solo azul ultramarino clásico, por ejemplo, o azul cobalto o azul Cerlean No tengo ninguno de los nombres funky ni pigmentos únicos que venden algunas de las marcas Básicamente, elijo mis pigmentos en función de lo bien que puedan mezclar otros pigmentos, y los tengo todos listados en mis cartas de colores. Y yo, por supuesto, los mencioné en mi video de materiales y suministros, qué colores utilizo precisamente. Pero si tomas mis cartas de colores y las usas con cualquier clase, no solo la mía, la clase de cualquiera, puedes ver como mezclar cualquier color que quieras. Incluso puedes sacar estas cartas de colores afuera, mirar a tu alrededor en el día a día en la vida real, y ver cualquier color que veas frente a ti, ya sea una hoja o un auto, y volver a referirte a estas tablas de colores para ver cómo las he mezclado, porque he tomado cada color y los he mezclado con todos los demás colores. Y se podría decir, Bien, me gusta esta hoja que veo frente a mí. Tengo que tomar dos partes ocre amarillo y una parte azul Cerlean, y eso hará que ese color para ti Entonces ahora la pintura está prácticamente hecha. Solo estoy haciendo unos pequeños trazos blancos con mi pintura gouache, y ya está hecho 21. Reflexiones finales: Entonces los cuadros hechos, y felicitaciones por completar esta clase sobre pintar una rosa en acuarela. Espero que la experiencia te haya sido enriquecedora y que hayas agregado nuevas habilidades a tu kit de herramientas artísticas hemos abordado técnicas intrincadas y técnicas Hoy hemos abordado técnicas intrincadas y técnicas expresivas, desde la elaboración de delicadas transiciones y gradientes de pétalos hasta la mejora de la profundidad Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skill Share Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguir Utop para que pueda seguirme en compartir habilidades Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Espero que esta clase de hoy te haya inspirado a explorar más con acuarelas florales hasta la próxima vez Adiós por ahora y feliz pintura.