Fundamentos de retratos en acuarela: color, valores y personaje

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y hoy, vamos a pintar un retrato que se sienta vivo. Esta clase trata sobre capturar personajes sin perderse en los detalles. Leeremos la cabeza como planos claros, diseñaremos un mapa de valores simple y dejaremos que los cambios cálidos y fríos le den vida a la piel. El acristalamiento construirá una profundidad suave. Mojado en húmedo suavizará las transiciones, y algunos acentos nítidos llevarán la atención a las características El sombrero y la bufanda se convierten en formas de apoyo que enmarcan el rostro mientras el fondo se mantiene tranquilo y aireado. He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde la vida silvestre y los retratos hasta paisajes de la ciudad y Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea de por dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la Sociedad Internacional de Acuarela, la Alianza de Maestros de Acuarela, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de una manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas, y explicando cómo uso todos mis suministros y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión que se encuentra a continuación. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón de seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Así que comencemos y utilicemos estas técnicas para crear un retrato lleno de expresión. 2. Tu proyecto: Muchas gracias por unirse a esta clase. Nuestro objetivo es crear un retrato que se sienta vivo y no forzado Piensa en grandes formas y valores simples, dejando que el color pase de cálido a fresco a través de los planos de la cara. Mantener bordes variados, algunos perdidos en el fondo, algunos decisivos alrededor de los ojos, nariz y boca. Permita que las flores y la granulación sugieran textura en el sombrero y la bufanda, mientras que los rasgos permanecen tranquilos y claros Elija una paleta modesta y confíe en acristalamiento para la profundidad en lugar de los detalles. En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos del estudiante bajo la pestaña Proyecto y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de comenzar con este retrato, repasemos todos los materiales y suministros que necesitarás para pintar. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me llenan de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul Opramarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, viridian, negro, y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos. No uso ninguna marca en particular. Estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente uso Daniel Smith, Windsor y Newton para pinturas Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato qwinkles fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel arcos porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener un pañuelo a mano mientras pinta para eliminar el exceso de pintura. Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un gotero de agua para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitirá crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitas seguir junto con este proyecto. Salgamos adelante y comencemos el dibujo. 4. Preparación de la composición: Entonces, vamos a romper este dibujo paso a paso. Empiezo todos los retratos con un círculo básico, y eso simplemente ancla la colocación del mismo en el papel donde generalmente quiero que esté, y más o menos señalo dónde va a estar el sombrero Estas son líneas muy ásperas en este momento, usando un lápiz de plomo suave, y luego marco dónde está la barbilla y la línea de la mandíbula. Y utilizo pequeñas formas ovaladas para las orejas. Entonces lo estoy desglosando paso a paso. Entonces señalo dónde están las vidas de la ceja, que es aproximadamente un tercio del camino hacia abajo por la frente, y luego la parte inferior de la nariz es otro tercio, y luego aproximadamente otro tercio hasta donde está el mentón. Pero estas proporciones pueden variar dependiendo de la persona que estés pintando, pero son útiles para conocerlos como pautas para que no solo estemos elaborando formas aleatorias. Estamos desglosando todo como pequeños puntos de anclaje que podemos mirar a nuestro tema, mirar a la persona que estamos tratando de dibujar y pintar y ver cómo se ven afectados, cómo son diferentes. A lo mejor no es del todo un fd todo el camino hacia abajo. Entonces sigo usando un lápiz suave, y voy a usar el lápiz suave hasta que crea que todo está en proporción, y eso puede llevar mucho tiempo. Puedo ir y venir. Entonces te sugiero uses mi plantilla de calco que te proporciono para ayudarte a asegurarte de que el dibujo sea perfecto para dibujar porque si quieres seguirlo, pinto en diferentes secciones todo el tiempo, y si el dibujo es coincidente, te será mucho más fácil pintar. Entonces cuando pienso que las proporciones son correctas, froto las suaves líneas de lápiz y vuelvo a entrar con algunas líneas más duras. 5. Pinta el fondo: Entonces con cualquier pintura que esté haciendo, siempre me gusta comenzar con unas marcas de pincel expresivas solo para aflojar, meterme en el flujo de la pintura sin preocuparme por los detalles o que me aten Quiero relajarme y sentir esa naturaleza expresiva para empezar Entonces estoy empezando con un poco de ocre amarillo. Pero fíjense cómo hasta uso agua pura para empezar, solo para humedecer algunas de las áreas para que podamos hacer que crezca una buena gama de bordes Podemos tener mojado sobre húmedo, lo cual es agradable bordes suaves que se mezclarán con la blancura del papel, y algunos de los bordes serán duros Y a la hora de diseñar un fondo para un retrato, quieres mantenerlo muy sutil. No es necesario agregar multitud de colores o toda una gama de tonos. Tiendo a mantener todos mis fondos bastante ambiguos para retratos, color muy claro, no oscuro Entonces realmente, este fondo sólo va a ser ocre amarillo a la izquierda, tal vez neutralizándolo, haciéndolo aún más silenciado con un poquito de tinte negro o neutro es lo que uso Después en el lado derecho, usaremos azul. Observe que sí, de hecho, uso tinte neutro de Daniel Smith, pero otras marcas también hacen tinte neutro en lugar negro porque encontrarás negro. A pesar de que está destinado a ser neutral, tiende a ser incluso demasiado cálido o demasiado frío, dependiendo de la marca. Entonces eso realmente afecta la sensación de una pintura si el gris pasa a ser demasiado cálido cuando lo quieres fresco o fresco cuando lo quieres cálido. Así que el tinte neutro es en realidad bang en el medio. Y debido a que es neutral, puedes incorporarlo con cualquier otro color sin que afecte la temperatura del mismo. Lo que en realidad es particularmente importante con este retrato porque se trata de un joven o un niño que lleva sombrero. Y debido a que lleva un sombrero beani así, es un día tipo de invierno Entonces el fondo, el azul tiene este tipo de escalofríos, temperatura de frescor a él Pero para contrastar eso, necesitamos algo de calor en la piel en la carne. Entonces, tener la idea de qué temperatura queremos que sean los colores es un paso bastante importante. Pero llegaremos a eso más tarde. Por el momento, solo nos estamos divirtiendo, siendo expresivos con una paleta limitada para el fondo. 6. Luz de inicio: Así que ahora nos hemos divertido aflojando con el fondo. Es hora de empezar a pintar en la cara misma. Y vamos a empezar muy ligeros y paso a paso, trabajando el tono hacia arriba, construyendo. Acabo de mezclar siena quemada con un toque de sarín carmesí Es muy sutil esa alizarina carmesí. Incluso podrías hacerlo con pura siena quemada. Realmente tiene que ver con la preferencia personal. Cuando pinto esto, no estoy pensando conscientemente en ello. Es más de solo intuición, un sentimiento. No hay bien o mal. Siempre y cuando no estés usando un verde brillante, estarás en lo correcto. Bersiena es un tono carne preciosa. Así es la alizarina carmesí y el ocre amarillo. Para que puedas usar toda una gama de esos. Pero puedes ver lo ligeramente que lo estoy usando con tanta agua, en realidad apenas es visible. Es solo una forma de hacer rodar lentamente la pelota para que no nos sintamos intimidados porque claro, cuando ves el resultado final, puede parecer un retrato desafiante pintar Pero nunca queremos sentirnos abrumados. Queremos sentir que nos estamos divirtiendo todo el proceso. Así que lo estamos construyendo poco a poco. Para que en ningún momento, se sienta como si estuviéramos perdidos o confundidos. Incluso cuando se trata de las secciones más detalladas más adelante, me intento a mí mismo, no sólo con fines didácticos, de desglosarlo paso a paso para que aunque esté saltando por diferentes secciones, porque no necesariamente sigo un orden preciso en cada retrato. No necesariamente hago ojos, nariz, boca. A veces espero a que los ojos duren o a veces los hago bastante cerca del principio. De cualquier manera, trato de desglosarlo para que sepa qué sección estoy pintando antes de seguir adelante para que no me pierda y me abrume con muchas cosas diferentes Entonces, por el momento, estamos estableciendo una capa base toda húmeda sobre húmeda No queremos bordes duros en este momento. Entonces básicamente, toda la cara está mojada con agua pura, y solo estoy bajando en diferentes temperaturas de tono de piel. Se ve que ahí tengo ocre amarillo, siena quemada, algo de rojo en el lado derecho de la cara Por el momento, estoy dejando la nariz sola. Y si tienes un ojo muy cuidadoso, puedes ver a la izquierda debajo la mejilla entre la mejilla y la oreja, ahí agregué un azul muy sutil Y a pesar de que el tono es ligero, la temperatura ha cambiado a un color frío ahí porque a veces no hay que detallar volumen y formar con tono. Se puede cambiar el color de la misma. Entonces crea esta ilusión de forma, aunque sea del mismo tono. Y si piensas en los planos, la forma de una cara debajo de la mejilla ahí, donde entra ligeramente donde está la línea de la mandíbula, va a haber un poco de sombra Entonces las sombras tienden a ser frescas. Entonces por eso he añadido ese poco de lavado azul. Esta etapa puede ser bastante liberadora también porque la estamos manteniendo húmeda, así podemos rociar más agua si empieza a secarse o podemos usarla como pañuelo o cepillo para quitar el agua si se moja demasiado Para que podamos ir y venir hasta que sintamos que está bien. 7. Acumulación de tonos: Entonces ahora que las bolas rodando, podemos ponernos un poco más audaces e ir un poco más oscuros con nuestros tonos Ojalá estemos empezando a relajarnos y ponernos un poco más cómodos ahora que hemos empezado a pintar, y estamos menos en nuestra mente y más en el flujo de la pintura, idealmente, por supuesto. Si sigues sintiendo un poco de estrés, eso es muy natural porque el agua, especialmente para las personas que todavía la aprenden mucho puede ser un medio estresante, pero es sentirse cómodo jugando con ella, nos ayuda a lidiar con ese estrés, y luego nos acostumbramos, y eso se vuelve parte de la emoción, especialmente cuando sale bien. Entonces sigue siendo una consistencia ligera, pero comparado con ese primer lavado, es mucho más oscuro. Es más que ahora se está acercando a un tono medio que a un tono claro. Y se puede ver como el papel está empezando a secarse, estos trazos están sosteniendo su forma un poco más. Y estoy usando mi pincel de vez en cuando para cincelar y dar forma a los bordes aquí Entonces, si estoy haciendo algunas carreras como lo estoy ahora, limpio mi cepillo, y lo hago un cepillo hambriento para que reabsorba el agua de esa área sobre mi cepillo, como ahora mismo, está un poco demasiado oscuro Y si planeas pintar a lo largo, puedes ver lo variados que son muchos de estos colores. Hay un poco de azul, hay un poco de amarillo, poco de rojo, un poco de marrón. No te aconsejo que intentes seguir exactamente cada pincelada con cada color porque es bastante imposible Cada vez que recojo de mi paleta, es un color ligeramente diferente, sobre todo a medida que empiezan a mezclarse. Y mientras estés en el estadio de béisbol, debería estar bien. Se puede ver que son colores cálidos. Así que mientras sean amarillos, ocres amarillos, carmesí azirin, rojo camium, siena quemada, básicamente los cinco colores inferiores de mi paleta Y claro, acertando los tonos, los tonos suelen ser mucho más importantes que acertar los colores. Porque si este cuadro se observara en monótona, en blanco y negro, la pintura seguiría siendo capaz de leer. Son los tonos los que le dan forma y tienen sentido. Y luego una vez que entiendes eso, puedes ver lo juguetón que podrías ser con los colores, y no tienes que estar demasiado preocupado por lo que exactamente estoy usando. Pero si te pierdes y estás descubriendo que quieres lograr un color que estoy usando que no sabes usar, entonces busca mis cartas de colores que te he proporcionado en la sección de recursos, y cada color que mezclo es una combinación de los colores que tengo en mis paletas, y la receta de eso está en mis cartas de colores Entonces la nariz y los labios, he guardado un lagarto bastante puro y carmesí Un color rosado porque los capilares y el flujo sanguíneo suelen ser más fuertes, especialmente en el clima frío en esas zonas Entonces estoy agregando calidez, específicamente a esas áreas. 8. Cómo empezar con los tonos medios: Ahora hemos completado la capa inferior, y queremos asegurarnos de que esté completamente seca antes de pasar a la siguiente etapa porque estamos pintando sombras, y son estas sombras las que darán forma al rostro y realmente le darán vida Entonces ahora estoy usando colores más atrevidos, rojo cadmio con amarillo cadmio, y la mezcla de siena quemada que ya tenía Y cuando pienso en estas sombras, estas secciones que estoy pintando ahora, estoy tratando de desconectarme de mi mente que en realidad es una cara, irónicamente suficiente No estoy pensando Así es como se ve una frente, así es como se ve una nariz o un ojo. Estoy mirando puramente el tipo de forma. Y después de dibujar tantas caras, simplemente te das una idea de cómo es esa forma abstracta, la forma de la misma, la relación entre la luz y la sombra en el rostro, no la anatomía real de la misma. Una vez que haya llenado un área con un color cálido, vea cómo en realidad caigo algunos tonos fríos en ese húmedo sobre húmedo para mantenerlo interesante para que no sea plano. Trato de igualar la misma consistencia. Entonces cuando estoy arremolinando mi pincel en mi paleta, puedo ver que es igual fuerza No va a ser demasiado débil, lo que en realidad alejará a los otros pigmentos y creará texturas nítidas, y no es demasiado fuerte ya que afectará el tono y lo hará destacar. Entonces estoy cubriendo toda esta área, pero estoy preservando el ojo y estoy siguiendo mis líneas de lápiz porque cuando dibujo mi boceto, estoy pensando en términos de estas formas de sombra, no volumen ni curvas. Sólo estoy dibujando las líneas duras. Podemos pensar en la capa inferior como un lavado completo. Y por el momento, esta forma de sombra es de un solo lavado, también. Es una forma bastante abstracta, pero es de un solo lavado. Todo está conectado. 9. Sombras de nariz: Ahora podemos extender este lavado, conectándolo a las sombras de la nariz. Entonces es una forma muy abstracta. Se puede ver como cuando estoy pensando en esta forma que estoy pintando ahora, no parece una nariz que normalmente se ve en nuestras mentes. Pero porque estoy observando los planos típicos del rostro, conozco la naturaleza de cómo funcionan la luz y la sombra. Tiene sentido en nuestras mentes. Alimenta esa ilusión de un rostro sobre papel. Observe también cómo para las sombras de nariz, en realidad lo he hecho de un color mucho más monótona. Entonces no todo va a ser un tono rojo, y estoy tratando de conectarlo para que no haya una línea dura y dura. Es sólo una línea suave. Simplemente usando un cepillo hambriento de nuevo para aclarar ligeramente esa sombra de nariz Observe que no estoy agregando ningún detalle específico, ni detalles finos y nítidos en este momento. Para empezar, todo son formas amplias, porque eso debería ser principalmente en lo que estamos pensando. Incluso dentro de esta forma, podemos agregar tonos cayendo un poco más de pigmento donde debería ser un poco más oscura, pero no es más detalle. Es sólo más forma. Entonces donde estará la ceja más tarde, he hecho un poco más vibrante y roja. Tenemos una bonita sombra aguda debajo del párpado y hacia el labio Pero en el borde de la mejilla cerca de la oreja, es una transición muy suave en este momento Por supuesto, cuando miramos una cara, nuestros ojos saltan directamente a los rasgos, los ojos, a la nariz, la boca, porque así es como reconocemos a las personas en el día a día. Pero cuando pintamos de esa manera, si vamos directamente a las partes, menudo perdemos el sentido de una cabeza sólida, y los rasgos se ven un poco pegados o la piel se ve irregular y la semejanza comienza a alejarse Así que estamos tratando de entrenarnos para ver la cabeza como un conjunto de aviones primero, y luego características más tarde. Características secundarias. Estamos viendo la cabeza como simples bloques. En lugar de decir ojos, nariz, boca, podemos pensar el plano frontal del rostro, el plano lateral de la cara, y cómo los planos que se inclinan hacia la luz serán más claros y los planos que se alejen de la luz serán más oscuros. Podemos imaginar la cabeza como una caja ligeramente redondeada básicamente con ciertas secciones que la luz golpea un lado más directamente y el otro lado se aleja antes de siquiera pensar en las pestañas o el color de los labios. Tenemos que decidir qué plano está más a la luz, cuál está más en la sombra, y dónde corre el borde de giro entre ellos. 10. La barbilla: Entonces, si tomamos este retrato con el ejemplo y puedes ir a la sección de recursos para ver la pintura terminada, mientras estoy hablando de esto, podemos dividir la cara en diferentes planos. El plano de la frente que se inclina ligeramente hacia atrás y capta una luz más suave Entonces tenemos el plano frontal de la cara. Esta es la tira central desde la frente hasta la nariz y a través de la mitad de los labios. Entonces tenemos el plano lateral de la mejilla que gira hacia la oreja y cae en sombra Luego el plano inferior de la barbilla y la mandíbula, que es más fresco y oscuro, pintaremos ese poco más tarde cuando pintemos las sombras, y luego tenemos los planos más pequeños, que luego pueden ser la nariz, el plano superior, los planos laterales, y el pequeño plano debajo de la punta. Entonces, incluso cuando se trata de pintarse una nariz o las orejas, en lugar de pensarlo realmente como una nariz misma, piense en ello como un conjunto de planos. ¿Y qué quiero decir realmente con avión? Un plano es simplemente una superficie plana de la cabeza o cualquier objeto que esté orientado hacia una dirección particular. No es nada demasiado complicado. Si la frente se inclina hacia arriba, ese es un plano. Si la mejilla se da la vuelta, esa es otra. Entonces, si piensas en un cubo, la cabeza humana obviamente es mucho más redondeada que un cubo, pero pensar en cubos nos ayuda a descomponer las cosas. Entonces el frente de un cubo nos mira hacia nosotros. El lado se aleja y la parte superior se inclina hacia arriba. Y la cabeza hace lo mismo, pero con transiciones más suaves. Y luego la luz golpea los planos manera diferente dependiendo de la dirección a la que se enfrenten. Y es por eso que los aviones importan porque nos dicen las áreas cuáles deben ser más claras y qué áreas deben ser más oscuras. Y lo más importante, estos aviones detienen que la cara se vea plana. Cuando lo descomponemos o separamos secciones en planos, podemos ser un poco más juguetones. Podemos jugar con diferentes colores o diferentes valores o la redondez dentro de ellos. Entonces los aviones no son una idea nueva. Son solo la forma en que la luz cae naturalmente a través de una cara o un objeto. Y solo estamos dando nombre a algo que tus ojos ya reconocen. Y si dividimos planos en tres esenciales que funcionan para cualquier retrato, nos facilita diseñar nuestros propios retratos en el futuro. Entonces tenemos el plano frontal, que es la frente, la cresta de la nariz, los labios y la barbilla. Tenemos el plano lateral, que es el lado de la frente, el lado de la nariz, la mejilla, y el lado de la mandíbula, y luego el plano inferior, que está debajo de la nariz, debajo los labios y debajo del mentón Y saber eso es suficiente para crear una pintura convincente. 11. Terminación de los tonos medios: Sé que puede parecer una carga extra tener que pensar en aviones y aprender este nuevo concepto. Pero en realidad, simplifican todo el proceso. Entonces, cuando intentas seguir así, podrías pensar que esto es bastante abrumador. No sé dónde colocar los tonos, cómo está averiguando qué hacer cuando en realidad nosotros, porque estoy pensando en las cosas en términos de planos, hay menos formas en las que pensar, y hay decisiones de valor más claras sobre el tono. Y hay menos tentación perseguir los detalles porque no es en eso en lo que me estoy enfocando. Y entonces es más fácil ver grandes cambios en la cabeza también. Y eso es lo que crea la semejanza, sobre todo si practicas dibujos de antemano. En lugar de pensar en 20 pequeñas características, podríamos pensar en tres grandes servicios y cómo y dónde varían. Además, a Waka le encanta pensar en aviones porque los aviones guían dónde colocamos ese primer lavado grande, donde cambian las temperaturas cálidas y frías y donde nuestros bordes deben permanecer duros o suaves También cuando es posible que queramos volver a las áreas de glaseado para agregar un poco más de tono o despegar áreas en el futuro Antes de volver a hablar de tonos y aviones, solo quiero señalar algunas sutiles diferencias de color en este lavado porque sigue siendo técnicamente el mismo lavado. Todo está conectado, a pesar de que se ablanda en algunas zonas o se aclara en algunas Se puede ver que el color principal es el naranja, siena quemada, ese tipo de marrón vibrante Pero hay variaciones sutiles en eso a lo largo de este lavado. En la parte superior, es un poco más roja. Hace más calor. Entonces para complementar esa calidez en la parte superior, he añadido unas gotas de azul frío. Se puede ver justo encima de la ceja en la parte superior derecha. Pero a medida que bajamos a las sombras alrededor de los labios y la barbilla, ha pasado de un naranja rojizo a más de un naranja amarillo Y el color complementario del amarillo es el morado. Así pueden ver, en lugar de agregar realmente un color azul como lo hicimos en la parte superior, lo he cambiado a morado porque ese morado es un color complementario del amarillo. Entonces solo cosas sutiles que pueden ayudar a que una pintura sea un poco más interesante. Y estas cosas que puedes plantear en otros temas, ya sea que estés pintando un bodegón o un paisaje. Entonces mientras está mojado, solo estoy aumentando el contraste en este borde aquí, este tono de la barbilla porque ahí hay una sombra bastante aguda. 12. Los ojos: Entonces, antes de pasar a la siguiente etapa, sólo voy a añadir un poco de color apagado. Puede ser gris. Realmente no importa un poco de marrón, solo para quitarle la blancura a los ojos porque no quiero que sean de color blanco puro, repente apagándolos un No exagerar. Apenas se nota, de verdad, pero sí hace una ligera diferencia. Ahora hemos completado la fase dos. Así que ya hemos hecho la capa inferior. Entonces ya hemos hecho los tonos medios, y ahora apenas estamos empezando a aplicar los tonos oscuros. Así que hasta ahora hemos utilizado aviones para anclar el retrato. Así que todavía se ve un poco gracioso porque no tenemos la gama tonal completa Aún no hemos pintado los tonos oscuros, así que no parece completo, claro. Seguimos siendo sólo un tercio del camino a través de la pintura. Pero está anclado, sin embargo, sabemos que las formas generales tienen sentido en esta etapa Así que agregar los detalles en la parte superior y estos tonos oscuros, que son un poco más intrincados y llevan un poco más de tiempo van a ser más fáciles de resolver ahora que todo está trazado Estas líneas que estoy aplicando ahora, estoy tratando de lograr un filo suave las mismas. No quiero que sean líneas duras. Pero es extraño, en realidad, si volvemos a pensar en aviones, aunque sean líneas, como las estamos pintando, técnicamente, siguen siendo aviones. Son una superficie plana, pero son básicamente párpados, solo son secciones afiladas de sombra, pintamos como líneas Pero incluso cuando lleguemos a pequeños detalles como este, técnicamente, podemos pensar en ellos en términos de aviones. Estoy usando un poco de agua pura solo para ablandar algunas de estas líneas, conectarlas un poco Después usando ese pigmento más diluido que he recogido del papel para pintar las pestañas, muy sutil. Realmente no se pueden ver desde esa distancia, y eso está bien. Tampoco estoy buscando de cerca para pintarlas. Entonces ahora para pintar los ojos, estoy usando lo que parece un negro oscuro. Pero en realidad, se puede ver como lo estoy diluyendo con agua pura y extendiéndola, en realidad es un morado, un morado muy gris que puedes mezclar usando ultra marino y un sarín Sin embargo, no necesita ser morado. Es muy sutil. Puede ser solo un gris o del color que quieras para pintarte los ojos. Por supuesto, nadie en la vida real tiene ojos morados. Y luego usé un pañuelo solo para aplicarlos y así no estén completamente mojados Después pintando el contorno para que sangra ligeramente. Y el iris, de nuevo, por lo que el borde se desangra ligeramente, así que no es una línea dura Le tiene una suavidad. Por supuesto, el borde del ojo es duro contra el blanco, pero los bits negros tienen una suavidad para ellos. Los ojos suelen ser el punto vocal, el bit que más atención recibe . Así que aquí hay mucho contraste pasando de claro a oscuro. Tengo cuidado con el negro para agregarlo poco a poco. No quiero exagerar. A pesar de que también puedo quitarme con el pincel. No quiero entrar con consistencia pastosa, espesa. 13. Fosas nasales: Puedes empezar a bajar a la nariz, y de nuevo, estoy usando la sienna quemada para pintar las fosas nasales y la pequeña sombra donde el labio o la mejilla se encuentran con la Sienna Burnt es en realidad un color muy versátil porque si miras mi paleta, cuando está concentrada, qué tan oscura puede llegar a ser realmente De hecho, se puede obtener el 90% de la gama tonal completa solo con la sienna quemada, mientras que obviamente con amarillo cadmio Ocre amarillo. Se puede ver en mi paleta que es lo más oscuro que se pone Es por eso que a menudo cuando se trata de mezclar oscuros, no es necesario usar el negro directamente. Solo puedes usar el negro para silenciar las cosas y afectar el color real de algo No necesariamente lo necesitas para el tono. Por supuesto, puedes usarlo como atajo, pero esos tres colores de fondo, siena quemada, Elazar y azul carmesí y ultramarino son tan oscuros, puedes usarlos 14. La boca: Ahora es el momento de pintar los labios, y voy a empezar bastante audaz y luego bajar el tono después. Estoy usando un camium rojo solo para llenar el área, comenzando bastante audaz y luego usando agua para esparcir ese pigmento por el resto del área Ahí está lo más destacado, si piensas en la forma en que la luz cae sobre los planos, los labios, el labio superior en realidad está mirando lejos de la luz. Entonces eso va a ser más oscuro y a la sombra. Pero el labio inferior se curva alrededor hacia la luz. Entonces estamos manteniendo ese labio inferior más claro. Y entonces cuando los labios se encuentran en el medio, ahí es donde ninguna luz se encuentra en absoluto. Así que vamos a añadir una pequeña línea que va cruzando más tarde cuando le hayamos dado tiempo de secarse un poco para crear esa ilusión de sombra de los labios que se encuentran. Ahora bien, esta luz es una luz lateral. Viene de la izquierda y crea una sombra a la derecha. Entonces eso también afecta el labio porque el lado derecho va a estar más a la sombra que al izquierdo. Pero debido a que el labio se curva alrededor, no es un ángulo duro. Va a ser un poco gradual, así se puede ver en ese labio inferior medida que va hacia el lado derecho, se ablanda un poco El labio es un poco demasiado vibrante para mi gusto, así que solo voy a entrar con un poco de marrón apagado para quitarle esa vitalidad Es una siena quemada que tiene un poco de ultramarino adentro Entonces no es la vibrante siena quemada que estamos acostumbrados. Es más silenciado. También podrías usar el negro , solo un pequeño toque de eso. Se puede ver incluso ahí en la parte inferior, ese borde está bien definido y oscuro, y poco a poco se desvanece en los rojos cálidos de arriba cuando se trata de pintar tonos de piel, no se trata de encontrar realmente un solo color carne porque hay tanta variedad Hay un cambio constante entre notas cálidas y frías. Y lo que realmente estamos pintando es en realidad la luz que pasa y rebota en la piel, no una capa plana de pintura Por lo que la temperatura es una de nuestras herramientas más fuertes para que la cabeza se sienta viva. Incluso si mantenemos los valores bastante suaves, podemos usar la lógica básica de temperatura también podemos usar la lógica básica de temperatura para resolverlo. Entonces, en muchas situaciones, la luz es más cálida y las sombras son más frías. Pero hay otras situaciones en las que puede voltear, tal vez una luz artificial fría con sombras más cálidas, especialmente en interiores donde los objetos cálidos se están reflejando en el lado de la sombra. Entonces, lo que nos importa no es memorizar una regla, sino preguntar, ¿mi lado de la luz es claramente una temperatura diferente a mi lado de sombra? Además, especialmente en el rostro, piel es ligeramente translúcida, por lo que la luz cálida puede hundirse y rebotar alrededor dándonos esas suaves notas de durazno. Pero las áreas con más flujo sanguíneo tienden a sentirse más cálidas, como las mejillas, la nariz, las orejas y los labios. Entonces las áreas que son bonia o más profundas en la sombra se sienten más frescas o más neutras 15. El cuello: Ahora es el momento de pintar el cuello. Y al pintar este cuello a la sombra, en realidad estamos definiendo el mentón y la línea de la mandíbula. Entonces, en lugar de pensar realmente en pintar el cuello, estamos pintando negativamente la forma de la cabeza en la parte inferior. Así que en realidad solo podemos hacer esto de una sola vez. Así que asegúrate de ser audaz con tus pinturas y mézclalas lo suficientemente oscuras. No quieres que se sequen demasiado ligeros. Pero aún puedes tomarlo con calma. Toma un tiempo para que la pintura se seque, así que tómate tu tiempo. No lo pintes en exceso. Asegúrate de que puedes ver tu línea de lápiz que sepas dónde no pintar sobre la cara. Y puedes comenzar con la luz y luego seguir rozando en más color Se puede ver incluso en una zona de sombra como esta, estoy empezando marrón a la izquierda y luego incorporando ahí un púrpura azulado en el medio Y este azul y el marrón en realidad se mezclan para hacer un color más oscuro. Casi parece gris, pero en realidad es azul mezclado con ese marrón. Esto, por supuesto, le da al retrato una sensación de profundidad como si la cabeza se adelanta y el cuello se hunde en escena No quiero que sea un lavado plano. Estoy agregando pequeñas gotas de tono para que sea interesante, enfatizando algunas de las áreas de sombra. Generalmente con acuarela, pintamos de claro a oscuro, pero estoy rompiendo las reglas y en realidad pintando esta sección más clara encima de la acción más oscura solo para que no sea una línea completamente dura. Entonces aunque no lo parezca, esto sigue siendo piel del cuello. 16. La capa inferior del abrigo: Ahora es el momento de volver a ser expresivo. Entonces estamos empezando a pintar la capa. Y aquí también es donde puedes experimentar con tu propia personalidad y donde quieres llevar esta pintura. Estoy mezclando un verde amarillento, pero, claro, puedes elegir color que quieras para el pelaje Buscando referencias, estaba pensando en un clásico impermeable verde obstante, no quiero que sea no quiero que un verde sea demasiado discordante Quiero que se mantenga con el esquema de color que ya hemos establecido, y el verde es solo un color completamente nuevo que no está realmente relacionado con nada en este momento. No obstante, el amarillo, ya tenemos algunos amarillos de fondo, ese Ocre Amarillo, y hay, de hecho, muchas influencias amarillas en los tonos de la cara también Tan solo pintando esta capota que continúa al fondo en un color un poco más apagada, dejando un pequeño hueco donde su sombrero rojo estará alrededor de su oreja De hecho, podemos llevar esto y conectarlo. Es un poco demasiado verde, así que añadiendo el Ocre Amarillo. Ahora estoy pintando un lavado más grande, así pueden ver que me he cambiado a un pincel más grande. Y puedo empezar a meterme con ello, divirtiéndome un poco Incluso con algo como esto, no es de un color plano. Estoy incorporando algunos colores aleatorios como ese verde en la parte superior, haciéndolo un poco silenciado, comenzando por el otro lado Añadiendo ese verde otra vez y luego mezclando ese ocre amarillo silenciado Puede resultar un poco confuso debido a las diferentes capas del abrigo, la bufanda, incorporando un poco de pincel seco ahí dentro, tal vez moviendo un poco de agua pura para aumentar la sensación de textura, aflojándose nuevamente Después de toda esa tensión de detalles en la cara, podemos intentar sentirnos un poco más liberados Esto es solo una capa inferior en esta etapa. Así que no hay mucha preocupación por los detalles solo llenando el área general. Suele darse el caso de que la capa inferior es donde todas las texturas emocionantes están todas las texturas emocionantes y esa sensación etérea Eso es muy emocionante para mucha gente. Y luego son las sombras en la parte superior, la segunda capa la que la enoja y le da sentido y razón al caos. Empezaba a verse un poco demasiado amarillo y aburrido, así que estoy agregando un poco más verde y esto también afecta el tono. Entonces ahora podemos pasar al pañuelo, que por el momento, me estoy dejando caer un poco de gris solo para quitarle la blancura de algunas zonas y luego agregarle en azul serlean Y luego un poco de marrón encima de eso para contrastar con ese azul. Pero me estoy moviendo por todo el blues, no solo Cerlean. Tengo azul cobot, ultramarino, y luego construirlo poco a poco Nuevamente, puede parecer bastante abstracto en esta etapa. No es tan importante ser refinado. Volveremos más tarde para darle sentido a todo. 17. La capa inferior del sombrero: Ahora es el momento de pintar el sombrero, y aquí es donde existe el resplandor de la pintura, realmente. Este es un bonito naranja cálido y rojo. Entonces nos inclinaremos hacia el amarillo a la izquierda. Y luego para mantenerlo emocionante, lo haremos más rojo en el lado derecho. Estoy prehumedeciendo la zona para que cuando empecemos a agregar todo este pigmento, se mezcla agradable y suavemente y no sienta la presión de llenarlo lo más rápido posible Puedo tomarme mi tiempo y divertirme experimentando con los colores. Así que comenzando con un agradable y vibrante Amarillo Cadmio con un toque de Ocre Amarillo, y luego haciendo la transición con este Alizarin Crimson a la derecha, manteniéndolo agradable y estable, un tono medio agradable y estable para empezar, solo Estoy usando un pincel con una buena punta para que pueda pintar todo el camino hasta el borde y lograr una bonita línea limpia luego cayendo más en realidad, estoy empezando a usar rojo cadmio ahora en lugar de un lazar y carmesí, que en realidad tiene mucha más vibración y potencia. Logrará más de ese resplandor. Ahora podemos empezar a extenderlo hacia el lado derecho, y voy a tenerlo un poco más silenciado en este lado derecho Como puedes ver a la izquierda, tenemos ese resplandor amarillo. Por aquí, voy a mantenerlo un poco más de un color marrón neutro. Y son estos pequeños toques los que pueden hacer que una pintura sea un poco más interesante en lugar de simplemente tenerla de color rojo plano. Podemos experimentar con los colores vecinos y también la vitalidad de esos colores. 18. Colores brillantes: Así podemos secarlo completamente ahora y empezar a trabajar en la siguiente capa de tono. Y la razón por la que no pinté todo esto de una sola vez es porque quiero lograr un poco más de control con mi textura. Voy a tratar de transmitir esa sensación de punto de la tela. Así que se podría rellenar mucho, pero solo hacerlo en dos tomas me da un poco más de control, y lo hace un poco más dinámico. Este segundo lavado sigue siendo rojo, pero es un poco más de rojo silenciado Como puedes ver, no es tan vibrante. Alizarin Crimson y un poco de ultramarino. Entonces, de hecho, es un poco genial. Es un rojo fresco, ribeteado en morado, en realidad. Pero también estoy agregando un poco de siena quemada ahí también Y a medida que estoy llenando esta área, estoy tratando de pensar en dónde puedo dejar esos pequeños huecos de la capa inferior, la transparencia del papel debajo A pesar de que el 90% de este sombrero se pintará, tengo que tomarme un poco mi tiempo con él solo para considerar en qué áreas quiero dejar. Porque a la hora de conservar el papel, no se puede volver atrás. Por supuesto, podemos usar pintura blanca opaca más tarde, pero trato de no confiar en eso. Solo quiero usar eso para pequeños reflejos al final. Así que al igual que hicimos con la capa inferior, comenzamos con los tonos apagados a la derecha y los amarillos anaranjados vibrantes a la amarillos anaranjados vibrantes Y vamos a conectar los dos. Tratando de obtener los tonos bastante correctos. Y entonces puedo empezar a experimentar con la textura. Aplicando algunas pautas. Entonces estas pequeñas marcas que ayudan a guiar el ojo donde irá la posible dirección del hilo o la tela, no pintando en la línea del cabello, asegurándose de que haya una definición limpia entre el sombrero y el cabello por el momento Y luego usar este tejido y unos listones de agua para crear algunas texturas interesantes porque de eso se trata la acuarela No queremos tenerlo todo bonito y refinado. Y continuando aquí, dejando un pequeño hueco para que no esté completamente conectado en todas partes. Estas dos capas, esa capa más oscura en la parte superior y esta capa frontal. 19. Terminar el gorro: Y luego mientras todavía está húmedo, podemos agregar estos trazos direccionales, Alizarin Crimson, pero esta vez más concentrados Al ver cómo simplemente se derrite en ese mojado sobre mojado. Y a medida que empieza a secarse, está empezando a mantener su forma un poco más. Y podemos darle un poco más de forma a este sombrero. He cambiado a un pincel más pequeño porque ya hemos llenado esa gran área, así que no necesito llenar cargas más pigmento. Estoy confiando en la punta de mi pincel un poco más, arremolinando mi pincel alrededor para que el pigmento se caiga sobre el papel Y lo bueno de mojado y mojado, es más ambiguo. Crea esa ilusión de detalle sin tener que pintarlo. H. Decidí que los tonos no eran lo suficientemente fuertes ahí, así que he vuelto a hacerlo. Fregando el pigmento que ya está en el papel, incluso usando agua pura para agitarlo y hacerlo un poco más ligero en algunas áreas Por lo tanto, puedes usar agua para que las áreas sean más livianas y alejará el pigmento para revelar el papel debajo. De una manera texturizada muy divertida. Si quisiéramos un lavado limpio, no querríamos hacer estas cosas. Y ahí es donde la acuarela puede ser impredecible de una manera divertida y no rígida. Estoy encontrando que este sombrero en realidad es más fácil de pintar que el cabello porque a pintar que el cabello porque veces el cabello puede ser golpeado o faltado. Puede ser algo complicado acertar porque, claro, no queremos pintar cada mechón de cabello, por lo que puede ser difícil simplificarlo en una masa creíble Pero este sombrero es una especie de forma abstracta que podemos simplificar de una manera que sea fácilmente legible para el espectador. Y estamos en el punto óptimo aquí donde el papel está 80% seco. Entonces, cuando aplicamos estos trazos de pincel ahora, simplemente se funden en el papel, creando esa técnica suave húmeda sobre húmeda. No quieres pintar este sombrero hasta que sientas que está terminado porque entonces estará sobrecargado Entonces, en algún momento, solo tienes que seguir adelante y posiblemente volver a ello más tarde, y puede ser difícil encontrar ese lugar. Por lo general, cuando sientes que tus tonos son correctos y tienes una buena variedad de textura, mojada sobre mojada, perdida y encontrada, bordes suaves, bordes duros, luego sigue adelante y luego posiblemente vuelve a ella más tarde con ojos frescos. Y entonces probablemente encontrarás que en realidad no tienes que hacer mucho, y ya tiene esa sensación etérea 20. Sombras del abrigo: Bien. Podemos volver al abrigo y al pañuelo para agregar algunas sombras, y realmente son estas sombras las que dan sentido la forma y la hacen creíble como abrigo E incluso estas sombras no necesitan ser detalles rígidos. Simplemente transmite la sensación de estructura. Estoy usando este verde muy silenciado. En realidad estamos usando un tipo de color similar para estas sombras como lo hicimos para el underlay, solo una concentración diferente La consistencia es más espesa. Sigue siendo este tipo de tajada verde apagada Ocre Amarillo. Siendo un poco más potente con ello. E incluso cuando se trata estas formas de sombra muy aleatorias, no es que podamos seguir reglas como podemos hacer con la cara. Podemos pintar muchas caras diferentes y obtener una comprensión de cómo funciona la estructura facial. Pero cuando se trata de un abrigo con crujidos aleatorios, realmente no podemos aplicarle reglas universales Entonces todo se reduce a la observación. Y nuevamente, en cierto modo, pensarlo en planos, como mirar la dirección de la luz y sombra y las formas específicas tan abstractas como estas formas estarán tratando de igualar esas formas simplificándolas en tu papel Y al simplificar, quiero decir, hay infinitas cantidades de tonos y diferentes etapas de niveles de claro a oscuro Así que sólo los estoy cambiando a tres. Tengo tonos claros, tonos medios y tonos oscuros. Y entonces tal vez dentro de esos, estoy permitiendo un poco de margen de movimiento Pero cuando estoy viendo un tema o mis referencias, primer lugar, dividiéndolas en tres. ¿Qué es la luz, qué es medio y qué es oscuro? Y entonces puedo trabajar en esas secciones una por una. Entonces, por supuesto, la sección de luz, esa es la más fácil porque solo estamos colocando la capa inferior expresiva, una especie de capa inferior expresiva plana pero emocionante Con estos tonos medios, es cuando tenemos que empezar a usar nuestro cerebro un poco más para averiguar cómo simplificarlo. ¿Cuál es la diferencia entre un tono claro y oscuro? Ese tipo de rango medio puede ser un área gris literal. Entonces eso también es parte de nuestra propia intuición y lo que nos hace únicos como artistas Observe, también, que a la derecha, esa sombra proyectada que negrita proyecta sombra bajo el cuello o ese pliegue, es un azul profundo más que el tipo de sombras de tono medio que he hecho en el lado izquierdo. Y eso es realmente porque es un poco más audaz y está definiendo la forma general más que el tipo de sombras superficiales de la izquierda 21. Sombras de bufanda: El pañuelo en particular es bastante raro de dibujar porque no hay planos claros. Todo son arrugas y arrugas dobladas. Entonces va a ser otra situación en la que realmente tenemos que simplificar lo más posible. Tanto como pintaríamos cabello bloqueando los tonos, solo voy a pintar todo en formas abstractas, y luego puedo suavizarlo y arreglarlo después Y mientras pasamos por este proceso, repasemos algunas preguntas importantes que me hago, y puedes preguntarte cuando intentes pintar un retrato y realmente averiguar qué quieres contar y cómo hacerlo exitoso. La primera es, ¿ entiendo claramente de dónde viene la luz? Hemos tocado brevemente esto, pero lo que realmente significa esta pregunta es ¿dónde está la fuente de luz? ¿Hace calor o frío? ¿Es alta o baja? ¿Viene de un lado o inundando toda la cabeza? Y antes de que incluso un solo lavado toque el papel, queremos saber en qué dirección está golpeando la luz los planos de la cabeza. Y es por eso que a veces hacer un boceto para elaborar una composición antemano realmente ayuda si estás trabajando en tus propias piezas originales. La dirección de la luz controla todo, las formas de valor, los cambios de temperatura, la suavidad del borde, todo el estado de ánimo. Entonces, si no sabemos si la dirección viene, pintaremos sombras que no pertenecen ningún lado o nuestro retrato se sentirá bastante plano o confuso. Por lo tanto, una clara dirección de la luz es una de las mayores diferencias entre un retrato creíble y uno confuso Entonces, una vez que hayas respondido a esa pregunta, puedes pasar a la siguiente. Y esto continúa a lo largo de todo el proceso. Es ¿He separado la luz y el lado de la sombra con suficiente claridad? Con esto, estamos comprobando si la cabeza tiene una estructura de valores simple legible, no detalles o características, sino una división clara. La familia de la luz, que es todo frente a la familia de la luz y la sombra, todo alejándose de la luz. Por lo que es similar a la última pregunta. Pero lo descompone en términos más simples. Porque si esa separación es clara, el retrato ya funciona antes de que se agreguen las características. Es la columna vertebral de la forma. Sin esta división, la cabeza simplemente se derrumba en planitud y los detalles pintados se ven extraños en una estructura de valor débil Nunca van a parecer convincentes. Y la acuarela nos recompensa específicamente por organizar los valores temprano. Una vez establecidas las familias de luces y sombras, cada pequeño esmalte y lavado se vuelve más fácil Y la siguiente pregunta de la que ya hemos hablado bastante. Así que no necesitamos volver a entrar demasiado en ello. Es, ¿estoy pensando en aviones grandes o me he metido en modo partes? ¿Estamos tratando la cabeza como una colección de planos simples y grandes, o hemos caído en pintar partes aisladas como ojos, nariz, labios que realmente no están conectados? 22. Rango de valores: Otra pregunta que me hago, yo mi rango de valor lo suficientemente fuerte como para llevar el retrato? Realmente hemos comprometido un rango de valor completo o estamos flotando en el medio en alguna parte? Por eso a veces tenemos que pensar con el final en mente porque con la acuarela, solemos dejar los oscuros hasta el final Por lo que tenemos que estar al tanto del proceso completo. Y sabemos que podríamos estar a mitad de la pintura y aún no hemos tocado los oscuros más oscuros Entonces tenemos que saber dónde los vamos a poner antes de que realmente empecemos. Y luego al otro lado de eso, tenemos que pensar en las luces conservadas. Porque cuando se trata de pintar lavados y formas, tenemos que ser conscientes de qué partes vamos a dejar fuera antes de poner realmente el pincel al papel porque puede ser difícil quitarles esas partes. Entonces un buen retrato suele necesitar luces conservadas, un puñado de verdaderas oscuras sólidas en exactamente los lugares correctos como los ojos, e incluso ahora, esta pequeña sección sobre la sombra del cuello, las zonas nostrales, las comisuras de la boca, y el pequeño pozo, aún no las hemos pintado, sino las sombras oscuras de las orejas, también Y entonces, claro, necesitamos un tono medio sólido, coherente, que conforma la mayoría de la pintura. Valores más que detalles, hacen el trabajo pesado en un retrato, lo que no parece así cuando miras por primera vez un retrato, pero la señal de un buen retrato es en realidad que en realidad no lo notas porque estás atraído por él. Si los valores están equivocados, eso es lo que hace que una pintura se vea mal, pero es difícil asociarlo con valores, pero eso es lo que lo define. Si tuviéramos que contenernos y nunca dejáramos caer en los acentos oscuros , a los ojos les faltará profundidad , la boca se sentirá débil, y la cabeza no tendrá peso real. Así que un rango de valor fuerte nos ayuda a crear un volumen creíble La acuarela tiene tendencia a secarse más ligera, por lo que debemos pintar lo suficientemente audazmente como para compensar con eso Incluso en un retrato expresivo más flojo, se vuelve más convincente cuando la estructura de valores es clara Así es como trabajan los pintores expresivos cómo transmitir una escena de la manera más rápida. Si no tienes tiempo para pintar, primero debes enfocarte en los valores, y esto acelerará tu trabajo. Esta es una zona lúdica que estoy haciendo ahora porque es un negro sólido, pero hay una punta de ella que conecta con esa sombra marrón más grande arriba. Y estas líneas casi negras, estas líneas staccato, afiladas, contrastes Se trata de valor, como pueden ver, y crea esa profundidad, ese interés. Y no es gran parte de la pintura, estas pequeñas líneas diagonales, pero tienen una gran influencia en todo el asunto. No necesitamos muchos oscuros, pero cuando los usamos en lugares especiales, realmente hace que el retrato destaque 23. Colores cálidos y fríos: La siguiente pregunta que me hago es, ¿mis colores cálidos y fríos están ayudando a la forma o combatiéndola? Porque necesitamos comprobar si nuestro uso de colores cálidos y fríos sigue la lógica de la luz o se ha convertido en decoración aleatoria. Por supuesto, podemos doblar las reglas, pero sólo podemos hacerlo si sabemos cómo funcionan las reglas. Y cada retrato tiene una historia de temperatura. Por lo tanto, los aviones más cálidos se vuelven hacia una luz cálida y los planos más fríos se alejan de la luz cálida. Y luego tenemos transiciones neutrales que mantienen todo armonioso. Cuando los cambios de temperatura siguen los planos, la forma aparece sin esfuerzo La piel está llena de suaves transiciones de color, incluso cuando los valores son similares, y los cambios cálidos y fríos ayudan al espectador a sentir la redondez del rostro También crean estado de ánimo, por lo que calidez en la mejilla iluminada o violetas más frías en la sombra, neutros suaves, donde gira la cara Una buena manera de hacer esto, cómo analizar cualquier referencia de retrato es entrecerrando ligeramente los ojos para ver los valores Al relajar tus ojos, notas un poco mejor las transiciones de temperatura. Puedes empezar a notar que forma no siempre necesita un fuerte contraste de valor. A veces un sutil cambio de temperatura puede ser suficiente. Si miras la sombra sobre el labio de la derecha y entrecerras los ojos, básicamente es el mismo tono excepto debajo de la nariz, es naranja y en la esquina del labio, es una forma azul fría más apagada Ahora podemos empezar a pintar en los oídos. Nuevamente, manteniéndola en una forma muy sencilla. No estoy tratando de mezclar ningún color complicado, solo me quedo con esa Alizarin Crimson y la Pero a veces los colores podrían llegar a ser muy únicos porque si miras mi paleta, todos son bastante armoniosos porque se están mezclando entre sí. Y en lugar de mezclar un color nuevo cada vez, estoy usando los colores que ya están en mi paleta para que coincidan. Y al hacerlo, entonces se vuelven involuntariamente bastante únicos H. 24. Puntos focales: Otra cosa a tener en cuenta mientras en el proceso de pintar un retrato es ¿dónde está el verdadero punto vocal y mis bordes y contrastes lo apoyan Y ¿qué es lo que realmente queremos que mire primero el espectador? Y ¿hemos diseñado el retrato para que el ojo vaya ahí naturalmente? Por supuesto, como mencioné antes, con retratos, casi siempre son los ojos, pero a veces la boca o el patrón general de sombra de luz pueden conducir. Básicamente se trata de verificar si nuestros bordes, valores y textura están empujando la atención hacia el lugar correcto. La acuarela nos da transiciones difusas suaves en todas partes a menos que demos forma deliberadamente a un punto focal. Y si cada borde es agudo y cada sombra es fuerte, nada realmente destaca, y la pintura se siente bastante plana al final. Entonces un punto focal controlado crea ritmo. Una zona se lee con claridad mientras que el resto se mantiene en calma. Y cuando decidimos dónde debería mirar el espectador, en realidad se vuelve más fácil decidir dónde no poner detalle. Entonces, si los ojos van a ser nuestro punto focal, estoy diciendo que los bordes más afilados y los acentos más oscuros son para esa zona Y estoy suavizando ciertas áreas en la mejilla porque no quiero que desvíe la atención de esa zona de la cara Y fíjate como el fondo se mantiene muy ligero y suelto para que las características se sientan más presentes. No distrae. Es un sentimiento sutil. Y si una forma fuera del área focal se está volviendo demasiado ruidosa, solo la ablandaré un poco con un poco de agua limpia y ayudo a que se derrita nuevamente en la composición Y puedes experimentar con esto. A lo mejor puedas practicar haciendo un retrato donde cambias deliberadamente el punto vocal. Entonces tal vez puedas hacer este retrato una vez con los ojos como punto focal, y luego tal vez la boca o incluso la silueta general enfaticen esa forma de silueta. Ahora que tenemos la mayor parte de la pintura completa, en realidad podemos reconocer nuevo el fondo porque cuando lo pintamos por primera vez como el paso inicial de esta pintura, no había contexto, y podría haber sido fácil sobretrabajar, pero se puede ver lo sutil y aleatorio que es ahora, pero es intencionalmente silencioso Al menos no es la búsqueda de atención. Está actuando como un marco que realza el retrato en lugar de atraer la atención de la cara. Pero soporta el retrato a través del valor, temperatura de color y la simplicidad. 25. Cómo pintar el cabello: Cuando se trata de esta sección de pelo, lo estoy pensando de nuevo en dos valores diferentes. Tengo los negros sólidos, luego tengo los midtns marrones y luego tengo esa Estoy tratando de incorporar esos tres niveles y luego mezclarlos un poco naturalmente para que no se sienta por lo que hay un flujo dentro de ellos. Entonces, aunque cuando se mezclan, hay una especie de cruce entre los tres tonos diferentes. En el ojo de mi mente, al mapearlo todo, estoy pensando en luz, tono medio y oscuro. Y no hay demasiada variación de color. Básicamente estoy usando un tinte negro puro o neutro para los oscuros. Y los marrones son igual que marrones. No hay nada especial. No hay otra influencia real ahí en este momento. A veces es muy fácil trabajar demasiado el cabello, pero solo tienes que preguntarte, estoy agregando detalle porque ayuda a la composición o porque simplemente estoy nerviosa e insegura ¿Estas marcas están aclarando genuinamente la forma, el carácter o la expresión, o las estoy agregando porque no estoy seguro de qué hacer a continuación? En realidad, es más probable que los retratos tengan un exceso de trabajo debido al miedo que al entusiasmo y la acuarela recompensa la moderación Pequeñas marcas innecesarias se acumulan con bastante rapidez, y pueden opacar la frescura del retrato. Y luego es fácil intentar arreglar un retrato agregando más detalle y más mechones de cabello, pero esto suele llevar a más desorden en lugar de claridad Entonces, incluso cuando se trata de pintar el cabello, la expresión proviene de las principales formas, planos y relaciones de valor, no del número de hebras o de la cantidad de rizos. Y si te encuentras atascado, puedes decirte a ti mismo, en lugar de decorar el retrato con detalle, quiero fortalecer las formas más grandes. Y cada vez que siento la necesidad de agregar marcas diminutas por todas partes, generalmente significa que estoy nervioso. Entonces, en cambio, doy un paso atrás y miro la estructura de valores. Hemos hablado mucho de las técnicas y conceptos, pero en realidad no hemos hablado del sentimiento y de cómo queremos que se transmita la emoción o la calidad que esperas que exprese el retrato. No se trata de precisión o semejanza, sino de sentimiento, y los ejemplos pueden ser como calma, fuerza, calidez, curiosidad, confianza, este tipo de cosas Y luego vas a preguntarte si tus elecciones en valor, borde, color están entregando ese estado de ánimo porque pintura de retratos y cualquier otra pintura realmente no solo es técnica, es emocional. Entonces, si solo nos enfocamos en proporciones y características, podemos perder accidentalmente esa calidad humana. Entonces el sentimiento dirige las decisiones de diseño. Entonces, un estado de ánimo suave equivale a bordes suaves y valores suaves o un estado de ánimo audaz, contrastes más fuertes y acentos nítidos. Un estado de ánimo distante o frío es una paleta más fresca o un ambiente íntimo cálido es una paleta más cálida. Y sin intención emocional, un retrato puede llegar a ser técnicamente competente pero emocionalmente vacío, tratando de tener en cuenta que los retratos son interpretaciones más que tareas 26. Cuándo terminar una pintura: A veces puede ser difícil trabajar cuando la pintura ha terminado, cuándo debes parar. Entonces una de las cosas que puedes preguntarte es, si tuviera que parar ahora mismo, ¿el retrato ya se sentiría vivo? Estamos comprobando si el retrato ya ha cruzado ese umbral, aunque no esté pulido. Y si no lo es, hay algunas cosas que podemos comprobar porque un retrato se siente vivo cuando la estructura de valores es clara y los planos se leen con claridad, la expresión está presente. Los cambios cálidos y fríos se sienten naturales, y el área focal tiene suficiente fuerza, y no requiere un detalle perfecto o representación meticulosa para alcanzar ese estado Y gran parte de esa magia en realidad sucede antes en las primeras etapas cuando estamos haciendo las capas inferiores y las partes más abstractas Entonces estoy usando un poco de cal solo para agregar un poco de brillo, no necesariamente detalle, solo pequeños toques de este blanco para darle un poco de claridad o al menos la sensación de Realmente no quiero que estas partes sean obvias. Sólo tienes que añadirles un poco de nitidez. Un poco de marcas de pincel seco en esta área del sombrero. Sólo esas tres líneas sutiles y algunos puntos ayudan a construir ese sentimiento, esa emoción, esa ilusión, más bien. Ayuda a anclar el caos sin exagerar. Estoy usando pincel seco en el sombrero para tratar de lograr esa textura de la tela, y ahí la tenemos. 27. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo. Y enhorabuena por completar esta clase de acuarela sobre cómo pintar un retrato. Hoy, exploramos cómo la expresión crece a partir del valor y los bordes en lugar de los detalles, cómo una paleta limitada de calienta y enfría construye una piel convincente y cómo el acristalamiento, el levantamiento y acentos selectivos crean claridad sin El sombrero y el pañuelo mostraron cómo las formas de soporte pueden enmarcar el punto vocal mientras el fondo permanece tranquilo. Estas ideas viajan a cualquier rostro en cualquier ángulo y a figuras más ampliamente donde la estructura, ritmo y la luz hacen la narración Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora, y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento Utop para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Espero que se sienta más claro sobre qué priorizar y esté dispuesto a dejar que los detalles sean selectivos Espero verlos a todos en futuras clases hasta entonces, pintura feliz y adiós por ahora.