Transcripciones
1. INTRODUCCIÓN: Hola. Mi nombre es Bia Barrett y soy artistas de acuarela
especializados en retratos. ¿ Alguna vez has mirado un retrato de acuarela
y pensaste, wow, realmente ojalá
supiera pintar así. Ojalá tuviera una técnica. Cuando intentas
aprender por tu cuenta, fue solo una experiencia
frustrante. Bueno, he ido por eso
y por eso en 2019, empecé a invertir
en talleres y clases con algunos de los
mejores artistas del mundo. Ahora después de un par de
años de práctica, por fin
puedo decir que este
es mi medio favorito. Antes, utilicé mucho
grafito en mi trabajo. Pero eso tomó mucho
tiempo y no tuvo la versatilidad y la diversión que
encuentro con la acuarela. acuarela también es un proceso
mucho más rápido, la pintura me está tomando alrededor de
una hora en terminar. Durante esta clase,
estaré compartiendo todo
mi proceso desde el
boceto hasta la pintura final, obteniendo valiosos consejos que
aprendí no sólo de los maestros así como
de mi propia práctica. Al final de estas clases, podrás pintar una porción colorida
basada en la referencia fotográfica. Ojalá también te enamores
de la acuarela.
2. Proyecto de clase: [ MÚSICA] Hablemos
del proyecto de clase. El proyecto de clase
será un autorretrato, y ¿por qué un autorretrato? Bueno, tradicionalmente son
utilizados por los artistas como forma de estudio,
pero en este curso, también
voy a pasar por cómo
escoger una buena foto de referencia, y es probable que tengas más fotos de referencia de
ti mismo que nadie más. Además, este curso se basa en referencias
fotográficas
y observación. Sí necesitas observar la imagen o el sujeto
durante mucho tiempo, y probablemente te gustaría escoger
a alguien a quien
no te importa mirarla
durante largos periodos de tiempo. Por supuesto, si no te sientes cómodo con pintar
y publicar un autorretrato, puedes escoger una imagen de
referencia diferente, solo presta atención a las mejores prácticas que estaré compartiendo a lo largo de este curso. Por último, no olvides
compartir tu proyecto con nosotros para que yo y tu curioso
podamos darte retroalimentación. Este es un
paso valioso del proceso, y no puedo esperar a
ver todos tus proyectos.
3. SUMINISTROS: [ MÚSICA] Repasemos algunos
de los suministros que necesitarás
para esta clase. Primero, aquí hay un papel
de acuarela. Para esta técnica,
el papel de acuarela debe ser 100 por ciento de algodón. Papel que no está etiquetado
100 por ciento de algodón, generalmente está hecho de
celulosa o una mezcla de ambos y eso
simplemente no va a funcionar con esta técnica
porque la celulosa se
desintegra lentamente a medida que se agrega
más agua y más capas. Otro
suministro importante que necesitarás para esta clase son tus pinceles. Aquí tengo tres pinceles
de acuarela. Uno es 100% de piel natural, uno es piel sintética, y uno es una mezcla de ambos. Bueno, el pelaje natural sí
sostiene mucha agua. También es mucho más suave y realmente no
se puede mantener un punto
fino por mucho tiempo. En cuanto a
lo sintético, es más resistente,
pero sostiene menos agua. Es por eso que opto
por una mezcla de pieles tanto sintéticas como naturales, así que tengo lo mejor
de ambos mundos. Tiene mucha agua y
también es bastante resistente, por lo que puedo conseguir ese
punto muy fino con pincel de punta redonda. Este es el pincel óptimo
porque no es demasiado pequeño, así que puedo pintar grandes áreas, pero como tiene un punto redondo, puedo usar ese pequeño
punto para hacer muchos detalles
finos como
verás en las demos. Ahora, pasando a las pinturas, ya sea que estés usando
pequeñas tabletas como estas, o si estás usando tubos, más importante es
invertir en acuarela de
grado profesional. No necesitas
comprar muchas de ellas, en este cuadro estaré usando solo tres
colores para mostrarte que solo necesitas los colores primarios para pintar
un hermoso retrato. Esto también te ayudará a conseguir más armonía
en tu retrato, sobre todo si estás
empezando, porque no necesitas
pensar en cómo van los
colores juntos. Todos vendrán de
una mezcla de amarillo, azul y rojo, y esto le dará armonía a la pintura general. Por supuesto,
también necesitarás agua. Me gusta guardar dos tazas, una para agua sucia y
otra para agua clara. De esa manera, te aseguras de que tus
colores estén siempre limpios. También tengo una paleta
para mezclar los colores, y si no estás usando
toda la pintura, puedes dejarla secar y solo
reactivarla cuando
necesitabas volver a usarla. También es importante tener un trozo de
papel de desecho donde puedas probar la pintura que
estás mezclando y asegúrate de que los
tonos sean correctos. Ten un trapo viejo o toallas de
papel o incluso un poco de esponja para absorber la humedad extra y
pintar de tus pinceles. Para la porción de dibujo se
asegura de tener un buen lápiz y borrador de
igualdad. Por último, tenemos los extras opcionales
pero muy útiles. Una botella de spray de agua para
activar las pinturas, y algo de cinta para
peinar tus pinturas y asegurarte de que no se
muevan mientras estás pintando. Esto también es opcional, pero si se puede trabajar en una
superficie ligeramente inclinada, esto conducirá el
agua hacia abajo y ayudará a secar
el papel más rápido. [ MÚSICA]
4. Cómo elegir buenas referencias fotográficas: [ MÚSICA] El primer paso para hacer un
retrato de acuarela a partir de una foto de referencia es en realidad elegir una buena foto de referencia. Para elegir una buena foto de
referencia, hay dos cosas
que debes considerar. El primero es la iluminación. Quieres escoger una imagen
que tenga mucho contraste, que tenga mucha
luz y sombra. Fuente de luz clara porque
esos arrojan sombras para
ayudarte a ganar la
dimensionalidad trig en tu pintura. Contrastes crea intereses y tu pintura se
beneficiará de eso. Evita imágenes
que sean de belleza o comerciales porque esas tienden a tener una iluminación muy uniforme, y es muy difícil
para ti tener realmente diferencia de tono y todas
las características de la cara. La segunda cosa a
considerar es la distorsión. Cuando estás tomando una foto dependiendo de la
lente que estés usando, especialmente si estás usando
una selfie, lente frontal, y cosas por el estilo o tienes una distorsión de tu cara donde las cosas que están más
cerca de la lente se verá más grande que el
resto de tu cara. Esto realmente puede hacer que
tu pintura parezca extraña o tu dibujo
se vea un poco apagado, y realmente puede obstaculizar tus habilidades de dibujo de
retratos. No recomiendo que los principiantes
usen fotos que tengan distorsión simplemente porque
sigues entrenando tu ojo, sigues tratando de
entender la proporción y la distorsión de estas lentes realmente dificulta ese proceso. Otra cosa tonta
que también crea distorsiones son esos filtros, ya sean
TikTok o Instagram, realmente
cambian nuestras caras, hacen nuestras narices más pequeñas, hacen nuestros ojos más grandes. Puede parecer un
poco tonto, pero de nuevo
distorsionan nuestra visión de las proporciones y realmente pueden hacer que tu retrato
se vea un poco apagado. [ MÚSICA]
5. Dibujar el retrato: Empecemos
dibujando el retrato. Para ello, necesitarás un lápiz mecánico
o un lápiz normal, lo que sea más
cómodo para ti, un
borrador de alta calidad, y una regla. Entonces lo primero que hago es
mirar mi imagen de referencia, y asegurarme de centrar
la imagen en mi papel. Entonces, agarro un gobernante y mapeo las principales proporciones
de la cara. No siempre hago
esto, pero ayuda, sobre todo cuando
estás empezando a dibujar para conseguir las
proporciones correctas. Entonces aquí, solo estoy asegurándome obtener las proporciones
verticales correctas. La longitud de la frente, la nariz, los labios,
donde está mi barbilla. Conseguir
bien estas proporciones, es lo que asegurará, no sólo un mayor
nivel de realismo, sino que también captará la semejanza, que es súper importante
en un retrato. En realidad, medir
tu imagen de referencia y usar una regla
no siempre es necesario, pero te ayudará mucho, sobre todo si estás
empezando a dibujar retratos, y necesitas una guía que te
ayude a entrenar tus ojo. Cuanto más practiques, más se
refinará tu ojo, y podrás realmente
decir, solo mirar la referencia y mirar tu dibujo, qué proporciones pueden
ser un un poco apagado. Pero cuando
acabas de empezar, y sobre todo cuando
estás poniendo los huesos desnudos del dibujo, realmente ayuda
tener estas mediciones. Ahora que he establecido
las proporciones verticales, paso a las medidas
horizontales. Entonces, ¿cuál es la longitud de mi barbilla, mi mandíbula, y así sucesivamente. Nuevamente, este método para mí funciona más rápido que si estuviera usando el método Loomis para
dibujar cabezas o realmente cualquier otra referencia de
proporciones que esté ya hecha, porque estoy tratando
de dibujar de referencia y
no imaginación. Realmente estoy tratando de enfocar y conseguir la semejanza del
tema con el que estoy trabajando. Entonces en este caso, es un
autorretrato como hablábamos antes. Es realmente importante que elijas una referencia que en realidad
no te importa mirar por
largos periodos de tiempo, porque esa es la
única forma en que
realmente puedes mapear esas proporciones
y capturar semejanza. Me parece muy
interesante este proceso porque
con el tiempo te
darás cuenta de que nadie tiene una cara súper proporcional o
una cara súper simétrica. Todos tienen sus propias peculiaridades
particulares y características
particulares
que forman su semejanza. Por lo que no necesitas preocuparte si
te diste cuenta de que tu nariz está un poco torcida
a la derecha o un ojo es
más alto que el otro. Es normal,
todo el mundo tiene eso. Cuanto más miras
a tu referencia, y lo tienes como guía
para tu dibujo, más te darás cuenta de
que esto es natural. Por eso también es importante escoger una
referencia que realmente te
guste porque lo estarás mirando durante
mucho tiempo. Ahora que tengo las principales
proporciones dispuestas, busco muy ligeramente las formas grandes. Entonces, ¿cuál es la
forma general de la cabeza? Donde más o menos
la nariz, la boca y el
ojo deben estar. De nuevo, tengo una mano muy ligera. Me estoy centrando en el panorama general, y trato de no detallar nada
por el mayor tiempo posible. Porque quiero asegurarme de
que todo esté en su lugar
correcto antes de que realmente me comprometa con los detalles. Esto realmente hace que el proceso de
dibujo sea más fácil porque si no te comprometes
demasiado con los detalles, no
te apegarás
a ese dibujo, y en caso de que necesites
borrar y empezar nuevo una sola parte
o tal vez todo, no
te sentirás tan mal por
el tiempo en que inviertes. El consejo principal
que tengo en esta etapa, es enfocarme en las grandes formas,
las grandes formas geométricas, y tratar de usar también
formas geométricas para la boca, los ojos, y la nariz, y no a excesivamente detallarlos. Una cosa que también puede ser
muy útil en esta etapa, es ver las sombras como formas
geométricas reales también. Si escogiste una imagen de
alto contraste, que esperemos después la clase sobre imágenes
de
referencia, tendrás muchas sombras proyectadas, y mucha definición entre la luz y partes
oscuras de la imagen. Entonces usa esas formas. Las sombras realmente pueden ayudarte a definir todas las
características de la cara, y cuando las
mapees, te será más fácil ver si las proporciones
son correctas. Si los ojos están en
el lugar correcto, si la nariz está en el lugar
correcto y así sucesivamente. En el video, también se puede ver que estoy revisando constantemente los ángulos usando el
lápiz o usando la regla, y eso realmente ayuda a
acercar esas sombras, y conseguir cada ángulo
de la cara lo más cerca como sea posible a lo que estoy viendo
en el cuadro de referencia. Sé que sentar las bases y
hacer el dibujo, podría no ser tan emocionante
como pintar en sí. Pero sinceramente, esta es la
parte más importante del proceso. No importa qué trucos
o habilidades de
acuarela tengas, si no tienes una buena
construcción debajo, no
podrás tener
un buen resultado final. La calidad de tu dibujo
es el principal factor que influirá en lo bueno será
tu pintura
cuando lo termines. Así que por favor, no apresure esta cara. Tómate tu tiempo. Mira
cuidadosamente la referencia. Mira cuidadosamente tu dibujo. Asegúrate de que esos ángulos y
proporciones sean correctos, y poco a poco comienza a
construir tu dibujo. De esta manera tu pintura
ya comenzará con
una gran planeación. Cuanto más puedas planear tu
pintura con anticipación,
más disfrutarás de la experiencia de pintura
real, porque no
tratarás de averiguar pequeños detalles de lo que
necesitas para salir bien o mal. Simplemente puedes enfocarte en
el proceso, el agua, y cómo las diferentes capas de pintura se van
a unir. Me di cuenta de que algunas personas
podrían sentirse frustradas con el hecho de que no tengo una forma paso a paso
de dibujar un ojo, una nariz y una boca. Pero eso es porque realmente
creo que cuando estás
haciendo referencia a una foto, lo mejor que puedes
hacer es mirar realmente
tu referencia, conseguir esos ángulos, las
proporciones correctas, y poco a poco construye tu dibujo
a partir de formas geométricas. Eso es porque de
esta manera
podrás dibujar cualquier imagen de
referencia, y no un
modelo cortador de galletas de nariz o
boca o ojo. Un último consejo que
debes seguir antes de entrar en
la etapa de detalle, es tomar una pausa,
ir a dar un paseo,
almorzar, hablar con alguien, y luego volver
a tu dibujo, y de repente verás cosas que antes no te quedaban tan
claras. Vamos a repasar algunos pequeños
detalles y errores que cogí. Primero, mi boca no es
una línea recta. Está ligeramente inclinada hacia arriba, torcida hacia arriba a
uno de los lados. Mientras miraba la
imagen y mi dibujo, también
me di cuenta de que una de las
fosas nasales se ve más grande que la otra por la sombra que se proyecta a uno de los lados. Por lo que también corrigió
eso en mi dibujo. También revisé dos veces cada
ángulo en el dibujo para
asegurarme de que se vea armonioso y esté en línea con
mi imagen de referencia. En este punto, me di cuenta de que estaba realmente infeliz con la
forma en que salieron los ojos, y decidí simplemente
borrarlos y volver a empezar. Es por eso que es tan importante
mantener su dibujo muy suelto, no hacer muchos detalles porque de esta manera tendremos
mucha más flexibilidad. Incluso psicológicamente, será más fácil borrar y volver a
empezar. No me di cuenta en ese momento. Pero la razón por la que no estaba
contento con este posicionamiento, es que mis ojos no son
realmente simétricos. Uno de ellos es ligeramente
más alto que el otro. Cuando dibujaba
con esa idea de que nuestros ojos están en la
misma pequeña línea, eso realmente hizo sufrir mi
dibujo porque realidad no
estaba mirando la imagen de
referencia, y al notar que un ojo es ligeramente
más alto que el otro. Agradablemente, cogí eso cuando estaba haciendo
el segundo dibujo. Estamos haciendo dos
dibujos para esta clase porque uno será usado para
la pintura monocromática, y uno será usado para la pintura colorida
final. Es realmente importante
que no te apeges excesivamente
a estos dibujos. Después de hacer el primero, puedes iniciar el
nuevo de inmediato, o puedes esperar un par de
días e iniciar el nuevo. Pero te darás cuenta de que
el segundo será mucho más fácil porque ya
conoces la imagen de referencia. Ya lo estudiaste durante al
menos media hora, y ahora tendrás mucha más
facilidad construyendo o dibujando. Sólo cuando estoy realmente satisfecho
con la imagen general, pongo detalles en, y así es como resultó el
primer dibujo final.
6. Conceptos básicos de la acuarela: [ MÚSICA] Antes de empezar a pintar, es importante
hablar de cómo funciona la acuarela. En acuarela cuando estás tratando de lograr tonos más claros, necesitas poner más agua en la mezcla
y menos pigmento. acuarela es un medio
transparente, lo que también significa que si
tienes un color más oscuro, no
eres capaz de
repasarla con un
color más claro y cubrirlo, cual es posible cuando estás trabajando con
aceite, o gouache. Eso no funciona con la
acuarela y
por eso solemos trabajar
de la luz a la oscuridad. Cuando quieras lograr colores
más claros con acuarela necesitas
agregar mucha agua y solo un poco de pigmento y tendrás una
consistencia que llamamos té. Cuando agregas más pigmento
y un poco menos de agua, tienes una consistencia que
llamamos leche, y puedes ver que
es más vibrante. Es un tono más oscuro. [ MÚSICA] Si te vas aún más oscuro, con mucho pigmento y
solo un poco de agua, tienes la consistencia
que solemos llamar miel y esto es
muy fácil de controlar. Puedes hacer pequeños detalles
y líneas finas con él y así es como pintas las partes
más oscuras de la imagen. Esta diferencia de tono dentro la misma pintura es lo que
vamos a utilizar en nuestra pintura
monocromática. Trabajando de la luz a la oscuridad, de más agua a menos agua. [ MÚSICA] Ahora, para mostrar algunas de las técnicas que vamos a
utilizar para la pintura de retratos, vamos a pintar una esfera simple que está recibiendo
luz de la izquierda. En primer lugar, comenzamos con una capa de pintura muy ligera
que está en consistencia de té, por lo que eso es mucha agua y solo un
poco de pigmento. La pintura solo fluirá
donde hayas mojado el papel. Desde que empezamos en un trozo de papel
seco, se tiene el control total a donde fluye
el pigmento y el agua. [ MÚSICA] Para suavizar las transiciones
entre luz y sombra, puedes agarrar un cepillo limpio con solo agua y mojar esa
zona del papel. [ MÚSICA] Entonces consigue más pigmento en una mezcla que sea una consistencia de leche
para que más pigmento y menos agua y pinte la parte de la esfera
que está en sombra. Ya que toda la
esfera todavía está mojada, tendrás una transición muy
suave. [ MÚSICA] Mientras el papel siga mojado, se
puede mover la pintura alrededor y crear la
transición que desee. Pero esto sólo funciona mientras
el papel todavía está mojado. [ MÚSICA] Otra técnica que sólo es posible mientras el
papel todavía está mojado, es agarrar un
cepillo limpio y seco y absorber un poco
del pigmento que se encuentra en un área fin de levantar esa zona
y hacerlo más ligero. [ MÚSICA] Para
pintar la sombra fundida, que es la
parte más oscura de esta figura, tengo
una mezcla de mucho pigmento y solo
un poco de agua. Ya que el papel
está completamente seco cuando he puesto
esta capa de pintura, hay una distinción de
corte muy clara entre luz y sombra. Estas son solo las técnicas
básicas que
usarás a lo largo de esta clase. Siempre puedes volver a formas
más simplificadas y practicar estas diferencias
en transiciones suaves y sombras más duras y
también tratar de experimentar y mezclar diferentes
pinturas para que puedas aprender las diferencias entre
cada consistencia.
7. Pintura monocromática: Hagamos nuestra pintura
monocromática. Esta es una gran manera de
practicar solo enfocándose en los valores y no
tener que preocuparse por los matices. Hice decenas de estos antes
de bajar a color. Agarra el dibujo que hicimos
en la lección anterior y pétalo hacia abajo a
una superficie inclinada. La inclinación
ayudará a que el agua fluya en una sola dirección y
facilitará el
proceso de pintura. Cuanto más pronunciada sea la inclinación, más rápido se secará el papel. Aquí tengo un trozo de tela
para secar mis pinceles, dos tazas de agua, una para agua clara, una para agua sucia. Las pinturas de acuarela que utilizo, aunque para este retrato, estaré usando un solo
color, siena quemada. Elige siempre un
pigmento oscuro como el
marrón oscuro o el azul oscuro cuando
estés trabajando en monocromo. También limpié
mi paleta para que en realidad
me
puedan ver mezclando colores. Normalmente no hago esto solo porque la acuarela siempre
se puede reactivar y
usar de nuevo y además, tengo un trozo de papel de
desecho donde
pruebo todas las
pinturas que estoy usando. Para éste, como dije antes, estoy usando siena quemada
y como se puede ver, puede lograr colores muy claros cuando se mezcla con
mucha agua y colores
muy oscuros cuando
casi no hay agua y
en su mayoría es pigmento. Antes de empezar a pintar, siempre
me gusta
empapar mis pinceles durante unos segundos en agua para
que vuelvan a ser
maleable. También nota que uso
un pincel diferente, uno más barato,
totalmente sintético, solo para mezclar la pintura
y activarla con agua porque este movimiento realmente puede dañar los costosos pinceles de
acuarela. Realmente te recomiendo comprar
un pincel barato solo para mezclar las pinturas y así
no tienes que
preocuparte por dañarlo. Ya que nos estamos enfocando en los valores, edité mi imagen para
estar en blanco y negro. Puedes hacerlo en
diversas apps simplemente bajando la saturación
de tu imagen de referencia. Entonces para nuestra primera capa, es en su mayoría agua y solo
un poco de pigmento. En acuarela, muchas veces llamamos a esta capa T
porque se supone que tiene la misma consistencia
de T para que puedas ver que es muy líquida y es de color
muy ligero. Dado que no tenemos reflejos realmente brillantes
en la pintura, podemos cubrir con confianza todo nuestro retrato con
esta capa inicial. Recuerda, la acuarela
siempre se ilumina a medida que seca así que no tengas
miedo de cubrirla. Si hay
áreas que quieras
aligerar mientras la
pintura aún está mojada, puedes hacerlo tomando
un pincel relativamente seco, un pincel limpio, y
limpiando el área porque
el pincel se empapará la pintura y esa zona se
volverá más blanca. Otra forma de
aclarar un área es tomando un
poco de agua pura y poniéndola ahí porque
reabrirá las fibras
del papel y moverá
la tinta fuera de ese punto. Tenga en cuenta que
ambas técnicas
solo funcionarán mientras la
pintura aún no se haya secado. Después de
que la pintura se haya secado es realmente difícil, si no imposible
para ti rehacer
tu pintura de acuarela
y hacer marcas más ligeras. Se puede decir si el papel se
ha secado o si todavía está mojado por la cantidad de luz
que todavía refleja. Aquí en el video, se
puede ver claramente que sobre todo en la
parte superior de la pintura, todavía
hay un área donde
hay mucha reflexión por lo que eso indica que todavía hay agua en el papel,
todavía está mojado. Desafortunadamente, en
este caso específico, ya que el papel
realmente no se secó allí incluso después de que el resto de la
pintura ya se había secado, me indica que
este papel estaba dañado. Esto a veces
sucede en el almacenamiento o a veces sucede
en la producción pero estas áreas realmente no absorben la pintura y puede ser realmente
difícil trabajar con ellos. En este caso particular, no
me importó porque está
en una zona que va a estar oscura y no tiene ningún detalle por lo que
no se mostrará tanto. Pero te voy a mostrar
un primer plano para que puedas decir cómo se ve
cuando tu papel está dañado. Después de esa primera capa
completamente seca, mezclé algo más de
pintura con agua, esta vez para conseguir un tono más oscuro y estoy definiendo las sombras. No obstante, más tarde descubrí o me di cuenta de que esto seguía siendo
demasiado ligero para las sombras. Justo después de hacer esta capa, mezclé un poco más de pintura
para volver a hacer las sombras. La gran lección aquí es que no tengas miedo de oscurecer tu pintura. Es el contraste lo que
hará interesante tu retrato. Mezclemos algo de pintura. Para la capa más ligera
como dijimos anteriormente, solo
necesitas un poco de
pigmento y mucha agua. Esto tiene la consistencia de T y se utiliza en las
partes más ligeras de la pintura. Para nuestra segunda capa, necesitamos una consistencia más profunda que nos dé
un color más oscuro. Para ello, necesitamos menos
agua y más pigmento. Lo que estamos buscando es algo con la
consistencia de la leche. Sí, esto suele
llamarse capa de leche. Después de agregar más pigmento, tengo la consistencia
que buscaba. Pero siempre compruebo
con mi trozo de papel de desecho porque recuerda, acuarela también se
ilumina a medida que se seca. Siempre es agradable probar tu color y asegurarte de
que tienes lo que quieres. Esta es la consistencia
que
buscas en la segunda capa, la leche. Una cosa a tener en cuenta, incluso durante este paso
del proceso es siempre
mirar tu referencia. Ten un
ojo muy cuidadoso y tómate tu tiempo para absorber la información
que te da. Porque aunque señalamos las sombras en la porción de
dibujo, sigue siendo importante entrenar tu ojo para ver los
diferentes valores. Ya que estamos en el
tema de las sombras, en esta referencia hay lugares donde quieres
una transición más suave entre la luz y la oscuridad y en otros quieres una línea más dura, una más dura
aspecto definido a tu sombra. Para conseguir esa transición
más suave, lo que hago es tener un pincel limpio y con
este pincel limpio, recojo un poco
de agua y solo mojo las áreas adyacentes a
donde irá la sombra. La pintura podrá
fluir a las áreas húmedas, pero es de una manera más
controlada. Tendrás una transición más suave, pero no te arriesgas a perder ese
efecto claro y oscuro que tienes pasando. Ahora que la capa anterior se
ha secado por completo, pasamos hacia los detalles
más pequeños de la pintura y
las zonas más oscuras. Para los pequeños detalles, las zonas más oscuras que son como esta separación de los labios, las fosas nasales, los
detalles de los ojos. Utilizamos mucho pigmento y
solo una pequeña gota de agua, lo
suficiente para que sea factible y utilizable
con nuestro pincel. La consistencia de esta
capa es similar a la miel. Esta es la capa de miel. Como pueden ver, sigo usando el mismo pincel exacto que
estaba usando en todas las capas
anteriores. Es por eso que me encanta un pincel de
punta redonda. Es tan versátil. Puedes pintar grandes áreas
y como puedes ver aquí, puede llegar a un punto fino, y con ese pequeño punto puedo hacer detalles realmente pequeños como
las fosas nasales o incluso
las líneas finas de los ojos. Después de pintar
las oscuras más oscuras, me di cuenta de que mis sombras
aún no eran lo suficientemente oscuras. Volví y lo corrigí al oscurecer las
sombras una vez más. Recuerda, este es
un estudio de valores. No necesita ser perfecto. Tal vez tengas que
volver a trabajar como yo. La idea principal es
entender cuán oscuros o cuán claros deben ser los valores para transmitir la profundidad que
desea en su imagen. Esto puede ser complicado conseguir en el primer intento por dos razones. Uno, la acuarela siempre
se secará más ligera que lo que
pones en el papel cuando está mojada, por lo que hay que dar cuenta de eso. Pero te lleva un
tiempo acostumbrartey
realmente poder y
realmente poder medir cuán oscuro
necesitas ir para que seque el tono correcto
cuando hayas terminado. Otro tema es que
el valor siempre es relativo. Cuando el papel es
blanco y primero estás poniendo estas capas, se ve oscuro en relación con
el blanco del papel. Pero cuando vas a
las capas más oscuras,
las capas más oscuras realmente pueden
indicar que tus medios, la sombra media
simplemente no son lo suficientemente oscuros. Si bien la acuarela sí tiene esta regla general de que
debes pasar de la luz a oscuridad solo porque
no hay botón de deshacer y la acuarela
es un medio transparente. Realmente no se puede
repasar con un color más claro
y aligerarlo más tarde. Todavía
te animo a experimentar e incluso hacer algo
parecido a lo que hice aquí, que era ir a la
oscuridad más oscura y luego mirarla nuevo y ver si realmente
necesitas oscurecer esos medios
tonos, esas sombras. Recuerda, esta es
solo una manera de que encuentres cómo vas
a hacer tu pintura final. No necesita ser perfecto. Ahora en el cabello. Para desprender la ilusión
de hebras de cabello, usualmente
tengo una mano muy ligera y hago todos estos
movimientos de ida y vuelta. Eso ayudará a crear líneas muy
finas para estrechar y dará la ilusión de
mechones de cabello que fluyen
en la misma dirección. Ahora por la parte más destacada, tengo un pincel limpio con poco de agua y estoy
humedeciendo el papel antemano por lo que tenemos una transición muy suave
de la luz a la oscuridad. Ya que el otro lado del
cabello está mayormente en sombra, no
tengo que preocuparme
tanto por los detalles y
solo puedo cubrir toda la
zona en un tono más oscuro. Después de oscurecer esa sombra proyectada, lo único que queda
por hacer es el vestido. Primero, mojo el papel con una capa más ligera y acuosa, y luego obtengo pintura
muy concentrada y solo pongo unas gotas
y dejo fluir la pintura. Pensé que este sería un
buen efecto y desprenderá la misma idea y sensación que el patrón de vestido hace en
la imagen de referencia. Aquí está el resultado final. Ahora que terminas con
la pintura monocromática, pasemos al color.
8. Mezcla de colores: [ MÚSICA] Antes de entrar en la pintura
colorida, quiero hablar de cómo mezclo los colores y cómo logro
una variedad de tonos de piel. Ten en cuenta aquí solo estoy
usando los colores primarios, tan amarillo, rojo y azul. Para la mayoría de los tonos de piel caucásicos y asiáticos del
este, tan tonos de piel más claros , generalmente
voy y
mezclo algo de naranja , así que
un poco de amarillo, un poco de rojo y
solo juego con eso. Cuando lo estás diluyendo
mucha agua obtienes tonos de piel
realmente bonitos de
diferentes tonos de naranja. A veces añado solo un
poco de azul para que pueda ver diferentes variaciones de tonos de piel frescos
versus más calientes. Algunas personas, tienen
este subtono verde a su piel y realmente
puedes capturar eso agregando un
poco de azul a tu mezcla. Cuando buscas tonos
más oscuros de piel así que si estás pintando
gente no blanca, indígenas, negros, pardos, básicamente lo que
quieres hacer es agregar más azul y agregar un
poco más rojo. Eso te conseguirá algunas variaciones
diferentes de marrón. Nuevamente, hay que
observar realmente su referencia y ver si ese marrón es más
rojizo o más azulado. También están las
variaciones de luz. Siempre ten en cuenta que
la piel no es uniforme. Esto no es una caricatura. Las personas reales tienen imperfecciones y también tienen variaciones de tono de piel solo en función de
la cantidad de sangre que tienen esas áreas
de la cara. Si miras la imagen, puedes ver que mis mejillas son un poco más rojizas
que el resto de mi rostro. Eso es porque generalmente
tenemos más venas por ahí. Se obtiene más sangre, se pone más roja. Gran parte de la variación de color que verás también
depende de la luz. Aquí también estoy mezclando pinturas
más oscuras aunque
me estoy pintando. Soy asiático oriental y blanco. Porque todas estas sombras
serán de tonalidad marrón, a veces en un tono más rojizo. Realmente quería capturar eso. Para tonos de piel más oscuros, realmente
me gusta
empezar con un morado, así que mezclé mucho azul y
rojo y luego sigo agregando solo un poco de
amarillo para que pueda obtener un tono más neutro, más marrón. Pero en tonos de piel más oscuros, morado es una gran manera de empezar igual que en tonos de piel más claros, naranja puede ser un gran
lugar para empezar. Aquí ya que esto es
una demostración, estoy mezclando una cantidad muy pequeña
porque solo quiero que veas el rango que puedes obtener de estos tres tubos de pintura. Pero una vez
que sepa qué colores
necesito en realidad para mi retrato, quiero hacer grandes cantidades para que no me
preocupe por quedarse fuera mientras estoy pintando
porque puede ser muy difícil
para que logres el mismo tono una vez que te hayas quedado sin una mezcla específica y
necesitas hacer más. Siempre haz más de una mezcla de pintura entonces crees que necesitas
terminar tu retrato. No te preocupes por
ser derrochador porque acuarela se secará en la paleta y siempre
se puede reactivar con agua. Realmente no va mal. Realmente puedes mezclar tanto
como te sientas cómodo que tengas
suficiente para tu retrato. Si tienes sobras, está
bien puedes volver a
usarlas. Puedes mezclarlas con
diferentes pinturas y obtener diferentes
tonos y tonalidades. Realmente no va a ser derrochador y
vas a estar realmente agradecido por ello una vez que
estés pintando un retrato y tienes
suficiente para completarlo, no tienes
que preocuparte
ni estresarte, bueno, ¿y si me quedo sin mi tono
de piel principal? ¿ Y si me quedo sin
este color de sombra? Realmente tienes una experiencia menos
estresante si solo mezclas grandes
cantidades de pintura. Esto es básicamente lo que
me estoy preparando para hacer en esta etapa porque quiero
tener listas todas mis pinturas, o al menos los tonos principales
que necesito tienen que estar listos antes de comenzar el proceso de pintura
real. Por eso dije
al inicio de este video tu pintura realmente
comienza con la paleta. Al igual que estás dibujando, tu dibujo inicial sirve como un mapa y marcas de
donde necesitas pintar. ¿ Dónde está la sombra? ¿Dónde
está la luz? Es una guía. Esa planificación también
sucede en tu paleta. Tienes que tener
los principales matices y colores
principales que vas
a usar ya mezclados. Entonces cuando te metes en
el ritmo de la pintura, no
necesitas parar
y mezclar más pintura. Realmente quiero que
experimentes con estos tres colores
y veas qué tonalidades
obtienes y asegúrate de tener todas tus pinturas listas
para nuestro siguiente paso, que es la pintura colorida.
9. Pintura final: [ MÚSICA] Ahora vamos a entrar en
la pintura final. En este video, no
incluí la foto de referencia, sólo para que puedan ver claramente lo que estoy
haciendo en la paleta. El proceso de pintura real
comienza con la paleta. Cuando estás
mezclando tus cosas, cuando estás obteniendo los tonos
correctos, los tonos correctos, cuanto más preparado ingreses tu pintura con todas
estas pinturas listas, más fácil será el proceso. Al igual que en el cuadro
anterior, comenzamos con una capa de té. Tiene mucha agua y
sólo un poco de pigmento. Aquí ya encontró
una mejora sobre el estudio que hicimos. Un lado de la cara es
más ligero que el otro porque la fuente de luz viene
de izquierda a derecha. Para conseguir esta
transición suave y efecto, pinté uno de los lados con mi mezcla de pintura y luego lo
diluí un poco más con agua para que haya una transición muy suave y un tono más claro en el lado izquierdo. Incluso después de diluir
parte de la pintura, todavía
había zonas
que quería ser aún más livianas, como
lo más destacado. Para eso utilicé una
técnica que mencioné en la
pintura monocromática, que es, tener un pincel limpio
relativamente seco para absorber parte del pavimento
y aligerar esa zona. Ahora, quería hablar un poco sobre el ritmo
de la pintura. Se puede notar que hay cierta velocidad que
estoy usando para trabajar aquí, que en este caso
es bastante rápido. ¿ Por qué estoy trabajando rápido? Bueno, la acuarela es un medio
que se seca muy rápido. Para obtener transiciones suaves, necesario trabajar mientras
la pintura aún esté mojada. Eso variará
según el clima en el
que estés pintando. Aquí estaba pintando en
el verano en Brasil, hace bastante calor y el
papel se seca muy rápido. Si estás en un clima más frío o incluso si es invierno aquí, tengo un poco
más de tiempo para trabajar, y el ritmo de la
pintura cambia. Pero hay que estar al
tanto de ello para trabajar con la acuarela
y no en contra de ella. Ahora que estamos
trabajando con color, debes estar al tanto de
las ligeras variaciones de tonalidad que
puedes ver en tu referencia. Dentro de la misma capa
de una mezcla de té, es posible que tengas un área más rojiza como
las mejillas aquí, o un área que es un
poco más gris. Realmente prestar atención a estas ligeras variaciones
ayudará a llevar realismo
a tu imagen. Porque en lugar de que
la piel sea toda uniforme, que no es lo que
sucede en la vida real, realmente se pueden capturar todas las ligeras variaciones
que son causadas por cómo se distribuye nuestra sangre
en nuestra piel y rostros, o ligera decoloración que
vienen con la edad y así sucesivamente. [ MÚSICA] Ahora que estamos
pintando el cuello, tengo que pensar
en lo mismo que hice cuando empecé a
pintar el rostro. La fuente de luz viene de la izquierda y uno de los lados
es más ligero que el otro. Después de tener un lavado general
muy diluido pasando por todo el cuerpo, estoy agarrando más pigmento y tener un lado ser más
oscuro que el otro. El tránsito se vuelve muy suave porque toda esta
pintura sigue mojada. [ MÚSICA] Después de que esa primera capa
esté completamente seca, solo
estoy repasando
con un lavado muy ligero, por lo que mucha agua, solo un poco de pigmento, y haciendo algunas correcciones de
color. Básicamente estoy mezclando
diferentes tonalidades. Nuevamente, sólo mucha agua
y un poco de pintura, y yo sólo estoy coloreando
estas áreas, por lo que hay esa variación estábamos
hablando con la piel. [ MÚSICA] Ahora pasamos a
la capa de leche. Hay más pigmento y
menos agua en esta mezcla. Una cosa que aprendí
con el estudio monocromático de este retrato fue
que simplemente
no estaba oscureciendo esa
sombra lo suficientemente. Aquí, realmente tuve cuidado al mezclar la pintura
para que quede muy oscura para que no
necesite estar repasando esta sombra una y otra vez como lo
hice en la pintura
monocromática. [ MÚSICA] igual que en una pintura
monocromática, cuando quiero suavizar la transición entre
luz y sombra, agarro un pincel limpio
cargado de un poco de agua, y solo mojo el áreas
adyacentes a donde está la pintura. [ MÚSICA] En este punto, sí
quiero advertirte que cada cuadro tiene “escenario feo”. Para mí, esto fue justo aquí. Este es un punto en
la pintura cuando
comienzas a cuestionar tus elecciones, todo se ve un poco apagado y comienzas a preguntarte
si vale la pena
pasar con él. Déjame decirte,
no te rindas cuando
llegues a esta etapa,
confía en el proceso. Esto sólo es
temporal y sólo se ve mal porque no lo
has terminado. Así que sigue adelante e incluso si realmente no
te gusta
el resultado final, todavía
has aprendido
mucho del proceso. [ MÚSICA] En el clip que viene a continuación, hay algo que lamento
hacerle a esta pintura. Básicamente, cuando
tienes una sombra proyectada, es posible que tengas alguna
luz reflejada rebotando hacia esa sombra y que
un área se vuelva más ligera. Trato de captar eso con un pincel mojado quitando parte del pigmento
dentro de esa sombra. Eso puede funcionar muy bien. Pero siento que me
exageré por aquí, me excedí de la pintura. Cuando haces exceso de trabajo la pintura, cuando pasas y
trabajas demasiado el papel, obtienes estos trucos
y marcas que simplemente no encuentro
estéticamente agradables, así que por favor no
trabajes demasiado la pintura . [ MÚSICA] Ahora que las
capas anteriores se han secado, estamos avanzando hacia
la capa de miel. Se trata de una mezcla de pintura
con mucho pigmento y solo un toque de
agua. Está muy oscuro. Funciona para pequeños detalles y partes más oscuras
de la pintura, como los ojos, las fosas nasales y así sucesivamente. Para mezclar ahora
marrones oscuros y negros, puedes usar marrones y azules, y eso te dará un pigmento muy oscuro cercano al negro. Si no lo haces, sin embargo, propia pintura marrón, solo
recuerda que mezclar amarillo, rojo y azul sí llega a marrón, por lo que solo tienes que añadir
más azul a la mezcla. [ MÚSICA] Aunque como
regla general se nos dice que trabajemos de la luz a la
oscuridad en acuarela, puedes en este punto
hacer otros lavados con más agua y menos pigmento solo para conseguir el
tonalidades correctas que quieras. A veces para cambiar
el tono de las cosas. Eso no es un tema. El motivo por el que existe
esta regla general es solo porque una vez que te
oscures con la acuarela, realmente no
puedes
aclarar esa zona. Mostré aquí un par de
trucos donde se puede hacer eso, pero estas técnicas
tienen sus límites. Vas de la luz a la
oscuridad solo para estar seguro, solo para asegurarte de que se conserven las áreas
más ligeras. Pero después de pintar
la capa más oscura, no
hay nada
que te impida volver atrás y corregir o
arreglar o hacer
pequeños ajustes a tu pintura con lavados
más ligeros. [ MÚSICA] Ahora que en su mayoría
terminamos con la piel, es hora de pintar
el fondo. Aquí estoy usando un lavado muy ligero y el fondo es
más claro que el cabello, así que por eso lo estoy
pintando primero. También cubrí la parte
del cabello que será el punto culminante porque cuando miré la imagen de
referencia, me di cuenta que era un
matiz similar al fondo, que vi como esta muy
ligera verde grisáceo. También empecé a pintar el cabello mientras el papel
seguía ligeramente mojado porque quería
una transición suave entre el cabello
y el fondo. [ MÚSICA] Dado que el cabello es más oscuro que el resto de la imagen de
referencia, ya empecé a
pintarlo con una mezcla de leche. Esto también cubrirá cualquiera de la capa T
del fondo. [ MÚSICA] Solo
quería mencionar un detalle que marque un
mundo de diferencia, el blanco de los ojos
nunca es realmente blanco. Usualmente uso una mezcla de té de un gris
claro para pintar
las sombras. Pintar estas sombras le
dará
profundidad a tus ojos y bien realismo. [ MÚSICA] Pasando al
lado derecho del cabello, estoy usando esta mezcla
casi negra porque toda esta
área está en sombra. Por esa misma razón, no
me preocupa
detallar esta parte, hacer cada
mechón de cabello. No necesito volver a dar
tanta información aquí, porque esta área está a la sombra. Lo que
más importa al final, es la impresión que se obtiene
de la pintura general, y no creo que
tener mucho detalle en áreas de sombra
realmente oscuras se
agregue a esa impresión. [ MÚSICA] Ahora que terminamos
con su cabello, todo lo que queda es
pintar el vestido. Aquí tengo un enfoque diferente al
de la pintura monocromática. Estoy partiendo de los
colores más claros porque sí quiero que se conserven ese naranja brillante y el verde
claro. Estoy vagamente pintando
flores aquí porque así era el
patrón de mi vestido. Pero no estoy siendo demasiado preciso con él porque
quiero que la gente se centre en la cara y no los detalles ni en el
patrón del vestido. Estas son también opciones en las
que
hay que pensar cuando estás haciendo una
pintura de un retrato. Puedes elegir qué áreas
necesitas detallar más, que les llamarán más
atención, y qué áreas
podrían mantenerse más simples. [ MÚSICA] Aquí está nuestra pintura final. Espero que hayas disfrutado esta demo.
10. Reflexiones finales: [ MÚSICA] Bueno, hemos llegado
al final de nuestro curso. Realmente espero que hayas disfrutado todo
este proceso y aprendido mucho sobre la pintura de retratos
de acuarela. Espero ver sus proyectos y
darle retroalimentación. También me encantaría tener tus
comentarios sobre esta clase. Puedes contactar
conmigo ya sea aquí en Skillshare o en mi
Instagram en biabarrett, y me alegrará
saber de ti. Hasta la próxima vez.
Beatriz Barrett, Marketing Specialist and Illustrator
