Resolución de problemas en tu cuaderno de bocetos

1. Introducción: Asumir nuevos conceptos en tu trabajo podría ser un reto. Pero en mi primera clase aquí en Skillshare, quiero llevarte detrás de escena y mostrarte cómo trabajo a través de nuevos conceptos en mi cuaderno de bocetos. Me llamo Jill Gustavis y soy artista independiente así como directora de arte a tiempo completo. Yo uso mi cuaderno de bocetos para trabajar a través ideas complejas poco claras o simplemente nuevas. Utilizo un diseño de miniatura y notas muy simple pero flexible para explorar y grabar nuevos conceptos. Yo uso esto para trabajar a través un problema actual que tengo y aplicarlo de inmediato o a través de tomar notas voy a guardar eso para uso futuro ya sea como referencia o como inspiración. Vamos a estar cubriendo conceptos que más a menudo uso esto para incluir composición, color y capas, pero te voy a mostrar cómo puedes aplicar para configurar básicamente cualquier principio de diseño. Resolver problemas como este por tu cuenta produce resultados realmente originales y aumenta tu independencia como artista. Te voy a estar mostrando acuarela, pero puedes usar lo que sea con lo que trabajes actualmente. También es alcanzable desde todos los niveles de habilidad, pero las viñetas pueden sacar el máximo provecho de ella porque es una gran manera de descomponer material nuevo y hacerlo más manejable y un poco menos abrumador. Es bueno con tus materiales existentes, por lo que no hay necesidad de conseguir nuevos materiales para esta clase. Encaja en cualquier momento que ya tengas para tu práctica artística. Ya sea que tengas media hora cada dos semanas o tres horas todos los días, podrías encontrar un diseño que funcione para tu horario actual. Al final de todas las lecciones, vamos a estar haciendo un proyecto de clase. Vas a crear una página de cuaderno de bocetos propia con miniaturas y notas y abordar una idea desde tu propio trabajo, algo que te interesa y algo que realmente resuena contigo. Cuando hayas terminado con tu página, te animo a compartirla en la galería del proyecto junto con cualquier pensamiento que tengas sobre el proceso en sí. No puedo esperar a ver el trabajo de todos y realmente espero que este proceso te ayude a trabajar tus problemas en tu práctica artística. Estoy emocionado de empezar, y te veré en la próxima sesión. 2. Preparativos: [ MÚSICA] En esta sesión vamos a hablar la configuración básica de una de estas páginas de cuaderno de bocetos que hago. Sólo voy a reiterar lo que dije en la introducción, no se necesita ningún material nuevo para esta clase. Si no tienes un cuaderno de bocetos, no necesitas un cuaderno de bocetos específico. Sólo voy a usar ese término tiene un término general para su superficie. Podrías usar un lienzo que se divide en secciones. Podrías usar hojas sueltas de papel. Frecuentemente guardo una carpeta de hojas sueltas de papel para simplemente azotar y trabajar sin sentir que me estoy comprometiendo con un cuerpo de trabajo. Yo sí uso un cuaderno de bocetos para la mayoría de mis miniaturas aunque. Utilizo un cuaderno de bocetos wirebound que también tiene papel de notas entre [RUIDO] las hojas de papel de acuarela. Esto es lo que estaré usando. Puedes usar cualquier material mayor, pero te sugeriría que uses los mismos materiales graduados que utilizas para tu trabajo terminado. Si haces todo tu trabajo con materiales de grado estudiantil, te animaría a que hagas tu práctica con eso. Si utilizas materiales de grado de artistas para tu trabajo terminado, te animo a que hagas las páginas del cuaderno de bocetos en esos mismos materiales. Porque no vas a obtener los mismos resultados en uno y otro y no se traduce así como una herramienta de aprendizaje cuando eso suceda. Yo sí te animo a que solo uses los mismos materiales. Sí necesitas un lápiz o un bolígrafo. Me gusta dibujar mis miniaturas con lápiz solo porque me da la oportunidad de borrarlo debería querer experimentar con más bordes sueltos y bordes de pérdida, líneas sueltas, o si necesito borrar algo así como una nota que estoy haciendo en la página. Me gusta hacer muchas de mis notas a lápiz cuando están en el papel de acuarela. Si están en una hoja de papel separada, me gusta usar la pluma solo porque no llego a menudo [RUIDO] a usar eso en mi arte. Además de tu lápiz o bolígrafo y libro de bocetos, esto no es necesario, pero me gusta usar plantillas para que la configuración de las miniaturas sea un poco más rapida. Por plantillas, son muy rudimentarias. Tengo, para los más grandes, cualquier cosa desde justo como la parte posterior de un cuaderno de bocetos que se ha cortado en dos. Esta es una plantilla de cinco por siete. Mi favorito son usar posavasos. Tengo una variedad de tamaños de posavasos. Si quieres ir muy pequeño y encajar mucho, puedes hacer algunas tarjetas de visita. Estas son mis tarjetas de visita. O caducado usado hasta regalos tarjetas de certificado. Todas esas son grandes opciones. [ RUIDO] A la hora de configurar la página, así que vas a tomar tu plantilla de elección y simplemente proporcionarte suficientes paneles para explorar tu idea en cuestión. Se puede ver en estos de aquí, ni siquiera terminé de llenar la cosa, acabo de rastrear la parte superior de cada plantilla. Pero también puedes ver que he dejado mucho espacio para las notas. He aprendido que a través de prueba y error, que me gusta escribir una buena cantidad de notas y luego dibujar mis flechas directamente a lo que estoy hablando. Había habido páginas en el pasado donde no lo hice y literalmente estoy escribiendo en las secciones más pequeñas, notas apenas legibles. [ RUIDO] Esa es la configuración muy básica de una página de cuaderno de bocetos que solía trabajar a través de una de estas ideas. Vamos a repasar ejemplos específicos más adelante. Pero esa es la forma básica de configurar uno. En la siguiente sección, vamos a hablar de los tipos de ideas que suelo explorar y cómo configurar una página para casi cualquier idea de diseño. 3. Conceptos: [ MÚSICA] En esta lección, vamos a hablar sobre el tipo de ideas que puedes explorar, trabajando a través de ellas en tu cuaderno de bocetos. Como dije en la intro, las que más a menudo para las que más a menudo uso este proceso es la composición, que creo que mucha gente estará muy familiarizada con la forma en que usas las miniaturas para la composición. Paletas de colores y capas, que es un poco específico para la acuarela pero definitivamente es traducible a otros medios. También hay un concepto que realmente no es un concepto de diseño, pero es el foco de mi trabajo. enfoque puede dibujarse con cualquiera de esos principios de diseño. Básicamente, todos trabajan para enfocar tu atención a lo que quieres ver en tu pieza. Podría ser valor, detalle, contraste, color, o composición, que ya hemos mencionado. Este diseño se puede hacer con cualquier diseño principal. Creo que hay una clase o dos de Skillshare que cubren los fundamentos de esos elementos del diseño y uno de ellos es los principios estéticos del diseño. A menudo uso esto para la composición, sobre todo cuando estoy trabajando a través un nuevo tema o una nueva foto de referencia y es realmente bastante fresco para mí y puede haber muchas cosas que me gustan una escena y esto realmente me ayuda a afinar en lo que realmente me gusta. Podría ser una muy buena idea y luego la pongo en papel y no es una gran idea. Al trabajar a través de un par de miniaturas, obtengo la mejor línea de visión en cuanto a dónde quiero ir con una pieza más grande. Cuando se trata de una paleta de colores, esto realmente brilla, es un gran calentamiento también. Ya sea solo muestras de color, asegurándote de que conozcas todos tus colores porque he perdido la noción de los colores en el pasado y es un día triste cuando me doy cuenta de que me encantó la combinación, yo no sé lo que era. Pero también es una muy buena manera de usar una exploración de paleta de colores. Si haces una escena te gustaría pintar y haces una miniatura rápida de la misma en diferentes paletas de colores y es realmente bastante interesante ver cómo cambia el estado de ánimo cuando solo cambias tus colores. Es una muy buena manera de conseguir un mejor manejo de cómo quieres ir con tu pieza antes de invertir en un pedazo de papel más grande. Ambos son realmente buenas maneras de frone en el enfoque y ahí es donde siento que uso esto más. Entonces tomaré una escena muy compleja. Di como un montón de árboles. En la vida real, tu ojo tiene un momento más fácil en enfocarte porque realidad solo se centra en una cosa a la vez. Yo uso esto para descomponer la escena de diferentes maneras para ver cómo las diferentes técnicas de capas traen al frente el elemento que más me interesa, por así decirlo, de tu ojo. A lo largo de las miniaturas, sí exploro ¿cómo hago esto a través del color? ¿ Cambio la composición? Si presto mejor atención a los valores que estoy recibiendo con mis colores, ¿parece más prominente? Si sólo pongo detalle en esa zona, ¿parece más prominente? Repaso todas estas opciones en una serie de miniaturas y solo hago un seguimiento de cualquier cosa que estoy haciendo de manera diferente entre miniaturas y lo que me gusta, no me gusta, cualquier nueva técnica que podría haber descubierto de repente, ya sea con ese fin o para un propósito diferente y no relacionado. Siempre es bueno tomar notas porque nunca se sabe cuándo vas a necesitar esa información. Otras formas de usarlo es explorar tus medios y esa podría ser una nueva técnica. estratificación técnicamente califica también como un experimento mediático pero puedes estar jugando más con la opacidad de las nuevas pinturas, señalando tu tiempo de reacción y hasta dónde sangran las cosas, digamos si estás usando acuarela éxito en el orden en el que se aplican diferentes detalles o capas. Si estás usando un medio diferente, digamos como el acrílico o el aceite, es posible que conozcas técnicas de acristalamiento o técnicas de textura si estás usando una mezcla más rígida de pintura. Entonces eso se mezcla en un poco con pinceladas. Hacer marcas es una gran manera de hacer esto como un calentamiento o usarlo en conjunto con un estudio de color. Puedes mezclar y combinar, pero a veces lo mejor es explorar solo una cosa a la vez porque hace que sea más manejable hacer un seguimiento de lo que hiciste y no te gustó de cada intento. Pero hacer marcas es una buena manera tomar pinceles que tal vez normalmente no alcances y simplemente jugar realmente y ver lo que pueden hacer. Tomando nota en qué dirección, contenido de agua, si estás usando acuarela o cualquier varianza que entró en esa pincelada que la hacen diferente de tal vez cualquier otra que hayas hecho antes. Utilizándolo para explorar todos los diferentes elementos de tus salvadores mediáticos en un nuevo pedazo de papel y podrías hacer hojas sueltas de papel para explorar. Tal vez si quieres cambiar lo que normalmente usas , diferentes tipos de lienzo, diferentes tipos de recubrimientos que puedes usar en eso como el prime ahí. Yo uso miniaturas para trabajar a través del diseño de una colección. Hace poco usé esto el año pasado, estaba haciendo una basada en jardines y sabía que tenía muchas fotos de referencia y trabajé a través una pequeña miniatura de todas las que pensé podría ser un gran candidato. Entonces vas a través de las miniaturas y escoges las que mejor van juntas. Podrás ver a través este breve experimento que puede ser uno que pensaste que te encantaría tener en una colección no encaja o que realmente te gusta y te gustaría revisar el toda colección para morph centro en esta pieza que te encanta. El tiempo que inviertes en páginas como esta realmente vuelve diez veces porque las piezas que vas a hacer después esto son mucho más enfocadas y definitivamente más poderosas y muestran lo que estabas pensando y tener una línea clara de pensamiento. Los beneficios de la resolución de problemas por tu cuenta son inmensos porque realmente te permite trabajar a través tus propias preferencias y aumenta la independencia como artista. Los beneficios, se puede ver de esto a lo largo del tiempo, es una sensación de libertad porque estás trabajando a través de problemas por tu cuenta. Confianza en que estás entendiendo nuevas habilidades porque estás trabajando a través de ellas a través de prueba y error. La autenticidad que comienza a aparecer en tu trabajo es porque estás basando tu siguiente paso fuera de las cosas que has aprendido de tu propio trabajo y sabes que el resultado es todo tú. Se ven los resultados exponencialmente cuanto más lo haces también. Puedes usar esto para cualquier pregunta. Si estás haciendo un proyecto o una pieza y estás como, me pregunto cómo acercarte a dot, dot, dot, espacio en blanco, cualquier cosa realmente se puede hacer con esto. Es solo cuestión de tratar de hacer las preguntas correctas mientras te acercas a ella. Te mostraré algunos ejemplos específicos más adelante de cómo lo he hecho por algo que no es un principio de diseño claro y cortado. Pero vamos a pasar a la siguiente lección, que va a ser más en las notas de las que sigo hablando. 4. Notas acerca de las notas: [ MÚSICA] Ahora sigo hablando de notas que van en tu cuaderno de bocetos y en realidad no es nada demasiado extenuante. No quiero que nadie se ponga realmente pensando que tienen tarea ni nada por el estilo. Básicamente, al igual que haces miniaturas, la principal es solo anotar lo que haces de manera diferente de la miniatura a la miniatura. Eso podría ser solo despreciar los colores que están usando y anotando qué pintura eran. Podría ser escribir las herramientas que estás utilizando si están cambiando o incluso anotando la línea de base si la herramienta no está cambiando. Tiendo a usar una mezcla de dos tipos diferentes de notas, y se trata de cómo te acercas a ellas. Las notas activas son las notas que estoy tomando mientras hago las miniaturas. Eso incluye esas muestras, incluye herramientas, incluye técnicas de capas y cronometraje. Para mí como acuarela si yo, digo que esperé hasta que el papel ya no estuviera brillante y luego sumado en algo para obtener cierto efecto. Eso es algo que quiero asegurarme saber como lo estoy haciendo para que no lo olvide. O si eso cambia, eso es algo que es muy importante entre esas miniaturas. Otras cosas que escribo como notas activas podrían ser lo que estoy tratando de lograr. Si disfruté algo, si algo era muy divertido, si algo destruía el papel. Si me estaba rascando por detalle y el papel estaba demasiado mojado, quiero asegurarme de notar que como, no hagas esto, volverán a hacer esto. Después, hago lo que llamo notas reflectantes. Esos son más parecidos, ¿cómo se juntó todo esto? ¿ Tenía una miniatura favorita? ¿ Aprendí algo especialmente interesante en alguna de las miniaturas que tal vez no podría no ser aplicable ahora? Pero definitivamente es algo que quiero perseguir en el futuro. He conseguido muchas ideas apenas de tratar de resolver algo y llegara algo y llegar algo completamente diferente y o bien lo guardé para un día futuro o simplemente decidí rodar con eso. También me gusta revisar todas estas notas de vez en cuando porque a veces olvido lo que había ahí o no era aplicable entonces, pero definitivamente es algo que quiero ver ahora. El punto principal de escribir tus notas versus simplemente sentarte y reflexionar sobre tu pieza, que sigue siendo útil, es tener que poner palabras a tus reacciones las solidifica en lo más sólido sentido en tu cerebro. Los hace un poco más fluidos para recordar. Es como donde te dicen que garabatees mientras estás teléfono y recuerdas la conversación con más claridad. Definitivamente hace que tu cerebro se concentre y entre poner tus reacciones en palabras que simplemente las define claramente más. También aumenta la posibilidad que recuerdes lo que estás escribiendo. Definitivamente he sentido que las cosas eran fáciles de recordar cuando voy a aplicarlas durante una pintura. 5. Demostración: calentamiento: En este primer ejemplo en profundidad, quiero mostrarles cómo uso esto como calentamiento. Hay muchas formas diferentes usar esto en cualquiera de estos ejemplos. Pero esto es solo uno que he usado. En esta lección, vamos a pasar por un calentamiento que no es sólo poner colores, sino que ciertamente podrías hacer si estás usando esto. Pero vamos a basar todo esto en nuestra foto de referencia, que se puede ver. Voy a hacer tres ejemplos diferentes de cómo puedo usar este calentamiento para facilitar hacer esta imagen. Como viste, tengo mi configuración de cuaderno de bocetos. Sé que es retrato porque ya tengo una idea de cómo quiero orientar mis cuadritas. Tengo mis herramientas. Esto es lápiz, esta es una pluma estilográfica, y una regla. Tengo algunas plantillas que vamos a usar. Vamos a empezar dibujando nuestras plazas. Voy a usar este posavasos y usar nuestro lápiz porque siempre lo puedes borrar más tarde si realmente te gusta la forma en que se ve o quieres experimentar y ver cómo luce tu estudio sin una línea fronteriza. Vamos a dibujar tres plazas ahora, y estoy dibujando esto fuera del centro para que tenga espacio para notas. Esto es sólo algo que he venido a preferir es quizás no tener una hoja completa de plazas, que estoy seguro que probablemente mostré un ejemplo de donde se rompen las notas. Así es como voy a configurar estos. Ni siquiera necesitan ser exactamente la orientación que vas a estar dibujando. Sólo se puede dibujar un poco en esto. No tienes que llenar toda la plaza. Esta es sólo la designación de dónde dibujarlo. Entonces donde rompes el espacio en blanco y no te sientes tan intimidado. Vamos a hacer eso. Al mirar la foto de referencia, hay un par de elementos que me gusta practicar que no me siento tan cómodo haciendo. No sé exactamente cómo quiero pintarlo. Voy a agarrar un pincel. Sólo una ronda estándar. Esta es una talla 8. Sólo lo estoy mojando. Realmente no importa qué colores estoy usando para este calentamiento en particular. Sólo voy a bucear, y voy a practicar esas hojas porque hay muchas hojas pequeñas, y realmente no quiero quedarme atascado tratando con los detalles en cada una de ellas. Eso es algo en lo que quiero practicar y facilitar. No estoy tratando hacer fotos terminadas. Estoy viendo cómo tal vez podrían verse algunas técnicas, obtener algunas ideas. Boceto fresco. Incluso antes de pasar al siguiente boceto, en realidad puedo parar, preguntarme, ¿qué me encantó de eso? ¿ Qué odié? ¿ Qué aprendí? Voy a dibujar justo en él. Agregar agua limpia al borde dio ilusión de luz golpeando hojas o hojas más distantes. Podría ir de cualquier manera. Le da al espectador un poco de esa libertad para juzgarlo, y llegar a una idea por sí mismos. Lo siguiente con lo que quiero experimentar es mirar a través del pantano, hay estas líneas repetidas de verde realmente brillante, el verde más oscuro, y luego una siena quemada. Sólo voy a practicar. Quiero hacer esto mojado y ver, y divertirme un poco. Lo que hice aquí es que esto estaba mojado en mojado y también voy a decir que el borde seco da gran detalle de hierba. Ese es nuestro segundo estudio. Ya lo has visto, hemos empezado a pensar en la composición, pero sin todo el estrés de habernos sumergido en la composición. Ahora, la tercera que quiero hacer es si sí queremos incluir esa paleta de madera, quiero jugar con texturas. No estoy prestando atención a las proporciones y no estoy prestando atención a nada así. Esa es sólo la base. Podría ni siquiera terminar incluyendo esto. Es sólo más de jugar con él tratando de ver si me gusta algo que no esté basado en la composición. Esto es más me gustan los detalles, me gustan los colores, simplemente calentando a la imagen. A veces pienso mejor haciendo. Algunas de estas lecciones en las que he pensado específicamente, para asegurarme de que te muestro las cosas cómo configurarlas de la manera menos confusa, pero algunas de ellas voy a hacer a medida que avanzamos. Hacer esto es a veces en realidad un ejercicio de memoria realmente bueno también porque hay que pasar para recordar lo que golpeó. Todos estos son de eso, que es esta base. Ahora puedes pasar y precisar esto era de oro verde, esta era la siena quemada. Por estos, puedo decir. Solo había un verde brillante, solo había un marrón rojizo, marrón amarillento. Si estás probando diferentes colores, tal vez quieras sacar y ser como, bueno, aquí arriba en esta esquina uso este azul, o en este rincón uso esto. Hemos completado al menos una capa aquí en nuestro calentamiento. Si todavía te sientes un poco intimado, puedes volver a entrar y agregar. Incluso puedes usar esto más adelante si, digamos, vas a entrar en las hojas, si eliges incluirlas y estás como, ¿cómo voy a añadir la siguiente capa? Empieza a retocar aquí de nuevo. Pero recuerda, si incluyes nuevo color, asegúrate de anotarlo. Esto es índigo. Ese es aparentemente verde. No necesito notar eso aunque porque eso ya está ahí. Eso es un buen calentamiento. Simplemente llenamos la página. Eso no tardó mucho y ya empezamos a pensar en esta imagen que quizá queramos pintar. Puede que decidas que no fue realmente tan interesante después de todo, realmente no me gusta pintar. Realmente no me llamó la atención. El modo en que se movió la pintura no me llamó la atención. Puedes decidir que no quieres usar un pincel como este, podrías probar diferentes pinceles. Pero aparte de eso, realidad es sólo para que todo fluya. Vamos a seguir adelante. 6. Demostración: composición: Bienvenido a la siguiente lección. Vamos a pasar de nuestro calentamiento donde miramos a través de esta imagen, y jugamos por ahí con algunos de los elementos para aflojar todo y meternos en el entorno de esta imagen, más o menos. Vamos a pasar a la composición, cómo rompería esta imagen, tal vez hacerlo de un par de maneras diferentes, y ver si es una imagen que quiero usar. Ya dibujé aquí un par de cuadrados de diferentes tamaños en la página de mi cuaderno. He hecho esto aquí desde esta montaña rusa, y luego tengo dos paisajes más pequeños. Estoy mirando esta imagen y veo algunos elementos y áreas diferentes que me gustaría enfocar. Para éste aquí, obviamente, estoy mirando una vertical y creo que el elemento vertical más fuerte esta imagen es la paleta con el árbol detrás de ella. Es grungy, es todos los días, y si esa es tu mermelada, tal vez quieras enfocarte en algo así. No estamos haciendo estas fotos finales, sólo estamos bloqueando en formas. Voy a tirar algo de pintura sobre esto. Incluso puedes hacer una tinta impermeable, por lo que un boceto y lavado, esa manera tienes un poco más de tus detalles, es posible que el lápiz no se muestre a través, pero si quieres borrarlo, entonces definitivamente ve por el lápiz. También estoy mirando estas líneas, así que ahí está el árbol que va a bajar así, pero luego también está esta línea de hierba que sube a esta manera. Puede que quiera abrazar eso, o incluso exagerarlo. Hay un par de pastos de aspecto maleza y bajan en racimos, y luego hay un área de pasto más pequeña aquí. También vas a conseguir esta sombra muy fuerte al costado de esta caja. La luz viene de esta dirección y por eso solo quieres asegurarte, a veces enfocarte en la luz te da la composición más creíble. Ya pasamos por esto en el calentamiento, es esas hojas. Quieres que parezca que hay muchas hojas pequeñas sin dibujar muchas hojas pequeñas. Ese es el boceto que voy a hacer. Voy a caer de color en un minuto, pero voy a pasar a la siguiente porción de lápiz. Lo siguiente que creo que es realmente fuerte en esta imagen es que de vuelta, pantano, creo que es como un puente. No estoy seguro de que fuimos allí mientras estábamos arriba. Pero como sí quiero enfocarme en los tercios, y el punto de interés es la tierra, en realidad voy a hacer mi horizonte aquí arriba, solo estoy haciendo líneas muy blandas. Entonces no quiero que baje demasiado lejos así que quiero que el puente esté aquí arriba. Pero es algo sugerido porque no está enfocado, y luego tienes un par de edificios, ahí está ese edificio justo al borde. Entonces quiero ver lo que está pasando exactamente del borde. Porque a veces si haces clic en el elemento equivocado, se ve un poco mareado. Sólo voy a dibujar unos garabatos. Hay algunas cosas por aquí detrás del árbol. No estoy seguro de incluir el árbol en esta composición si me estuviera enfocando en esta porción de la imagen. En realidad voy a dibujar como si la fila se apaga, y este es el pantano. No estoy seguro si pondría demasiado detalle en este pantano si me estaba enfocando en esto, pero acabaremos de poner algunos garabatos. garabatos son buenos. No hay mucho más que quiera sacar en este momento ahí. Entonces la otra cosa en la que podrías enfocarte es la misma composición de esto pero enfocándote en la hierba frente al pantano. Incluso puedes incluir ese mismo horizonte, puedes incluir ese mismo puente sugerido, el pantano. Puedes generalizar un poco más esos edificios, y luego haces manchas cuando venimos a pintarlas. Pero entonces queremos enfocarnos en este pantano. Sólo estoy dibujando. Me estoy poniendo un poco borrosa hacia el frente porque también ahora quiero enfocarme en esa línea de pasto y voy a enfatizar la dirección ascendente porque eso le va a dar una línea más dinámica. Eso es lo esencial de las tres composiciones que yo sacaría de esto. Voy a tomar mi pincel y tirar un poco de color sobre él. También puedes usar gouache y gouache se secará mucho más rápido. Quizás preferir esta composición es para el cambio en texturas que estás obteniendo entre el sucio blacktop, la paleta. Te estás poniendo un poco de antinatural en lo natural. Entonces éste se trata de esto, aparecen afloramientos de edificios. Estoy tratando de prestar un poco más de atención a mis formas. Quizás no hacerlos exactos porque no es aceptar siempre de qué se trata el foco de la opinión pero asegurándome de que les dé un poco de énfasis. Cuando llegas al punto que no se trata de eso la foto, puedes maquillarla, mi columna como esta escuché paleta. Ya que eso es algo que me gusta de ello , lo voy a anotar. Esa es una gran referencia que tal vez ni siquiera lo use en esta foto, pero puedo usarlo moviéndose hacia adelante para lanzar un poco de sombra ahí, seguir picoteando las cosas, y tal vez configurar un nuevo foto. Nos vamos a centrar en el pantano. A veces no se ve una combinación de colores. Estás como, oh, realmente me enamoré del hecho de que este amarillo es ahora un tercio de la página, equilibra con ella en la parte inferior, lo hace realmente castigado y toda esta área de pasto sotea el pintura, pero luego te dibujas aquí, y luego en tu segunda capa, empiezas a conseguir ideas como tal vez yo quisiera poner un poco más de detalle en estos edificios y luego tu ojo irá aquí y entonces tu ojo irá por aquí y tal vez, vas a poner con algún detalle en el pantano en ese punto y eso te traerá el ojo derecho hacia abajo y tus ojos quedan en la foto y esto es lo que estás analizando cuando haces estos estudios. Cuando hice este, realmente no salté sobre nada de eso. Es posible que necesite una segunda capa para hacer eso. Pero voy a hacer algunas notas y volveremos a revisarlas. Lo que he hecho fue tomar algunas notas sobre la composición final y volví y anoté algunos pensamientos también. En la primera, había añadido una segunda capa y los mismos colores que usamos en la primera vez que agregas tus sombras a menos de un aire. Vamos a porcentar cada capa en tu pintura para profundizar tus valores. Me enfoqué en el contraste de luz y sombra por lo que este contraste es realmente agradable y se obtiene una bonita mezcla de bordes orgánicos y bordes duros hechos por el hombre. El contraste aquí entre el verde savia aplicé casi como plena fuerza sobre este bonito lavado pálido del oro verde en el azul cerúleo porque son realmente grandes contrastes lo que da una buena indicación de luz golpeando el borde de este objeto. Entonces la transición de las cosas de pino, pero da una buena transición suave a poco volverse más en sombra. Lo mismo con estos bordes duros se llega a ver qué golpea la luz, qué no es y le da más forma y más forma, la hace más creíble. El espacio en blanco aquí, no coloreamos en toda el agua y realmente le da esebrillo de el agua y realmente le da ese búsqueda al agua y te hace parecer como si estuvieras mirando al otro lado. Realmente hay una mayor sensación de espacio de lo que crees que es y hasta ahora, realmente disfruto el espacio de esta miniatura. Entonces las notas y muestras que puse aquí me dan idea de cómo lo acosé, así que bajé y luego se desvaneció esto. Después agregamos en esto con los dos greens diferentes y luego la siena cruda y luego dibujamos con agua que elaboramos después y se puede ver una de esas marcas ahí mismo por lo que no puedo resaltar algunas. Son irónicos de eso en lo que hablaba. A veces sí vuelvo y mis notas no tienen sentido. Entonces la próxima vez que los lea, volverán a tener sentido. Por eso cuantas más notas puedas hacer y cuanto más claras puedas ser, más rápido vas a aprender lo que has recogido en tus bocetos. A veces solo darle palabras automáticamente te hace recordar. Entonces esto aquí son las puntas de la hierba y lo puse en espeso. No se desangraría demasiado. Otras clases cubren eso más profundo pero hasta dónde se extiende tu pintura depende de cuánta agua hay en ella y al ponerse una pintura gruesa, no va a ir tan lejos. Si me pongo una concentración acuosa suelta, simplemente lo habrían tomado sobre el boceto y tendrías flores por todas partes, como la forma en que obtienes allí una floración azul. A pesar de que me gusta este, creo que éste puede ser mi favorito y voy a simplemente protagonizar eso. Creo que avanzando a medida que nos acercamos más adelante paso a esto, vamos a usar este como nuestro ejemplo. Pero es posible que prefieras esta composición con las capas. Pero éste creo que va a ser el más fácil para mostrar nuestros ejemplos posteriores. 7. Demostración: luz, color y estado de ánimo: El color es definitivamente un principio teórico con el que a mucha gente le encanta jugar. Creo que mucha gente está familiarizada con solo hacer muestras y jugar alrededor y escribir cosas. En este ejemplo, te voy a mostrar un poco más estructurada forma de hacer exploración de color usando las miniaturas y las notas, y usarla para avanzar mis pensamientos sobre esta foto de referencia. En este video, voy a hablar de luz, color y estado de ánimo. Como pueden ver he configurado mi página un poco diferente. Esto es en tres, así que voy a explorar tres paletas de colores diferentes. Tengo una sección para cada uno de mis bocetos, y una sección para cada una de mis primarias. He empezado a poner en probablemente un conjunto primario común con el que mucha gente empieza, y se basa en el cian, amarillos, magentas, así que tengo Quinacridona Rose, esta es la Azul Ftalo Sombra Verde. En realidad voy a usar un amarillo limón, sí tengo Hansa Yellow Medium pero voy a usar amarillo limón para esto porque se pone mucho más brillante. En realidad voy a escribir eso de inmediato solo porque tenía algunas reflexiones sobre lo que quería hacer. Este es el de Daniel Smith, y este es Fthalo Blue Green Shade, y este es el amarillo limón. Quiero acercarme a ese paisaje que hicimos y solo ver cómo cuando cambié los colores estaba limpiando un espacio, prepararme eso para no mezclarlo con unos greens. Veremos cómo estos colores afectan ese tono general. Una vez más, se quiere conseguir todo exacto, esto sigue siendo sólo un boceto, solo estamos explorando el color en este boceto frente a los otros para la composición o para la técnica. En realidad me gusta cómo esta agua en realidad está conduciendo regreso y en realidad podría intentar replicar eso aquí, así que solo estoy tomando un cepillo mojado. Esto puede ser más bien una técnica basada, pero hay que recordar cada color, cada pigmento reacciona de manera diferente a ser perturbado. Algunos levantan más fácil, algunos no florecen, algunos pueden florecer pero con más agua que menos. Tenemos nuestro primer estudio. Entonces la siguiente, la siguiente serie que quiero hacer es un color llamado Organic Vermilion. Estoy alineando estos. En nuestra próxima primaria, empecé aquí con su Vermilion Orgánico, y luego voy a agregar índigo. Esto es nuevo gamboge. Creo que mi gato está sentado, saltó sobre el escritorio. Veamos si podemos mantenerlo alejado. Como se puede ver, estos son mucho menos brillantes por lo que vamos a sumergirnos en nuestro índigo, y eso es un color mucho más oscuro. Es sólo que naturalmente va a parecer más tormentoso. En realidad vamos a poner un poco de CFP por solo mi gato y más color. Vamos a poner el Vermilion Orgánico en porque esto y esto va a producir un morado muy turbio. Para este último, nos vamos a ir muy, muy oscuro y yo voy a hacer Perileno Granate. Entonces para mi azul, vamos a hacer azul Apatita Genuina, que en realidad no es todo ese oscuro fracaso de un azul, se puede ver que no es tan oscuro como el índigo pero definitivamente es más neutral. Entonces por nuestro amarillo, voy a hacer una forma de ocre amarillo. Realmente vas a notar que esto va a parecer muy tormentoso aún más que el índigo. Ver puedo ver mi patrón en hacer el partido no es lo mismo cada vez porque solo estamos mirando color, no estamos mirando la composición. Puedes marcar aquellos con esos y eso es más nuevo gamboge, puedes marcar todas tus muestras. Así es como obtienes las botas de color. Cuando se trata de la luz, empezarás a querer prestar atención al valor. Este de aquí tiene más valor en escala. Puedo ponerme mucho más oscuro y podría conseguir estas formas una vez que agregué mi segunda capa, mucho más definición, así que lo haremos en cuanto esto se seque. Esto se ha secado un poco. También he añadido algunos valores más oscuros a mis muestras aquí. Se puede ver que es de plena fuerza, la quinacridona rosa, azul ftalo, amarillo limón, y algunos realmente no obtienen toda esa oscuridad, muchos de los amarillos son muy ligeros valorados. Algún valor más oscuro también podrías probar son como el oro verde en amarillo [inaudible]. Creo que normalmente el oro quin, [inaudible] mezclado ahora, pueden ponerse un poco más oscuros si vas por valores más profundos, y los azules tienden a ser los más oscuros. Mi set neutral aquí es el valor más ligero de azul que tengo en esta página. Donde esto es tan oscuro como va, así que si construyes encima de eso, va tal vez aquí mismo sea tan oscuro como va. El índigo se acerca al negro y el azul ftalo también puede oscurecer bastante, pero se necesita muchas capas y luego tiende a verse un poco turbio. El hecho de que el índigo pueda oscurecer bastante en solo lavado inicial es una buena señal si buscas mayor valor. Vamos a empezar a agregar una segunda capa a estos y voy a estar hablando de lo que estoy buscando. Si estoy buscando qué colores son los mejores para representar la luz que puede producir. En éste, no estoy anticipando que va a ser todo mucho más oscuro y puede darle una sensación de un día turbio nublado, tal vez alguna niebla en el aire. Debe comenzar con esa. Recuerda por nuestra composición, en realidad queremos enfocarnos en esto. No estamos tratando de poner en todo el detalle, pero sí quiero que el más contraste y la mayor implicación sea en esta área. Ese creo que es bueno, así que vamos a pasar a este siguiente. Creo que eso da una buena sensación de conseguir ese valor para entender que es la parte trasera. El lado sombrío de estos booleanos que estamos llamando nuestra atención. Tiene el mayor contraste, y luego también es importante tener tu ojo guiado por el pantano. Para este top one, veamos, en realidad puede ponerse bastante oscuro con phthalo y el Quin Rose. A veces, a pesar estos colores lo hacen tan oscuro como este, por lo que eso no es un buen ejemplo. Digamos que cepillaste demasiado en un área y se mezclan, pierdes algo del contraste. También puedes esperar y podrías intentar levantar para recuperar algo del contraste para ver realmente si los colores eran el problema o si tu marca de pincel pudo haber sido el problema. Al igual que éste, creo que se mezclaron un poco más. Porque a veces estos son un poco más brillantes en valor de color y llegan a ponerse un poco fangosos, por lo que probablemente fue mi culpa. Puedes notar que si quisieras o podrías tomar tu lápiz y hacer otra sección, como retraición, porque me gusta cómo salieron estos edificios, pero no me gusta cómo salió el pantano. Podría ser sólo el color, realmente no me encanta la mezcla aquí, también puede necesitar más. Estas son más de mis paletas de colores a las que normalmente voy, no suelo ir con esto. Podría ser mi propia experiencia con ello. Pero vamos a dejar a ese solo entonces. Voy a decir que me gusta más esa. Podemos seguir adelante con eso o siempre pude usar la paleta original, que era todos colores individuales, por lo que nuestro cielo era azul cerúleo, luego hicimos la cascada verde y luego hacemos nuestro edificios, por lo que fue una mezcla de lavanda y recuerdo en un minuto. Después tuvimos nuestra savia verde y oro verde y luego una mezcla de siena quemada y una siena cruda. Lo que quería hacer rápidamente es dejar caer eso adentro. Está bien si estos son más ligeros, solo estoy tratando de traer vuelta el recuerdo de ese paladar. No está bien, esto se ve mucho más costero que esto, esto se ve más ligero y aireado. Sobre todo porque ese azul cerúleo es mucho más ligero que ese índigo. Yo sí sé que usé algunos [inaudible], creo que aquí arriba para conseguir eso o también pudo haber sido muerto tirado y quemado sienna podría haber sido eso. Pero ahí es donde estoy al final de este estudio. No. 8. Demostración: detalles específicos: [ MÚSICA] En este ejemplo, te voy a mostrar cómo trabajé a través un detalle específico o dos que surgieron al abordar esta foto de referencia. Definitivamente es algo que está ahí por la foto específica, pero puedes usar esta técnica y cualquier cosa que encuentres desafiante en una pieza. Esta sección aquí a la izquierda, el detalle específico que experimenté que estaba teniendo problemas con fue mantener limpia esa zona pantanosa. [ Risas] Lo suficientemente gracioso no fangoso, aunque eso es lo que son los pantanos. Voy a probar un par de detalles diferentes para tratar de evitar que trabaje demasiado. Voy a probar un lavado húmedo y húmedo y ver si eso me ayuda a crear la estructura con algunos de esos colores de mezcla sin realmente tener que mezclar los colores. Ese es un pensamiento que tengo. Creo que voy a usar los colores originales. [ MÚSICA] Volviendo a este estudio sobre los detalles específicos, verás que he añadido muchas notas y también he probado un par de segundas capas. Porque no todos los resultados finales son iguales por lo que esto fue un mojado y húmedo, que el primer lavado va a ser con menos definición. Agregué una segunda capa por lo que es comparable a este estudio de trazo húmedo y seco. Se puede ver entre los dos de estos, inicialmente, no era realmente un gran fan de lo mojado y húmedo porque perdió el brillo blanco en el agua del pantano, pero una vez que añadí esa segunda capa, los colores en realidad tienden a parecer un poco más cohesivo teniendo ese lavado subyacente. puede ser un contendiente si alguna vez quiero pintar esto. Entonces para esta versión de las marismas aquí, inicialmente la preferí porque los trazos son mucho más definición, los colores eran mucho más claros cuanto a dónde estaba uno y dónde estaban los otros. Pero sí añadí un poco de segundo lavado, pero parece extra incompleto, que no es una mala mirada. Pero si quisiera una pintura más refinada que estuviera evocando la calma de la tarde, quizá no quiera ese efecto, esta picadura en mis trazos. Puede que prefiera este mojado y mojado porque se ve mucho más suave entrando en la imagen. Cuando se trataba de hacer el estudio para las casas, inicialmente, esta de aquí, realmente no tenía un color de sombra. Como probablemente viste en el video real, termino volviendo y agregando esta capa extra de sombras, que aprendí de ésta. Me gustó el indanthrone, Azul como sombra. Sobre esta, usé cadenas grises, y simplemente no tenía suficiente saturación de color para realmente me destacara como una sombra profunda. Entonces también aprendí de la diferencia entre estos dos porque siempre tienen realmente los mismos colores, excepto que éste tiene el verde del Jade en lugar del indanthrone. La diferencia entre ésta y ésta es todo esto se agregó en la misma capa. Todo estaba mojado y seco, pero todos estos colores son húmedos y húmedos. Se puede ver que estos bordes son un poco más orgánicos. Optaron por fluir donde querían, lo que hace que el borde completo se vea un poco más natural frente a que estos bordes son un poco más duros porque era una capa en la parte superior. Podría haber agregado una capa de agua y luego sumar esos colores en pero sí quería ver cómo se vería si tuviera estos bordes duros para los edificios. Puede llegar a eso. Prefiero una mezcla de los dos porque sí creo que éste realmente se beneficiaría de tener tal vez uno o dos bordes de sombra donde están las líneas del techo y eso sería sobre ello. No querría los bordes en el borde completo. Esto me gusta. Da y denota cómo está la distancia en la imagen. Yo sí creo que de todos ellos, este me gusta más y me gustan algunos de estos bordes. Diremos que nos vendría el borde duro o dos. Creo que éste es un techo como ese o ese y éste tiene un techo ahí. En realidad, ya que mis pinturas están aquí, solo tomaremos un rápido y veremos si esa conjetura es correcta. Eso es eso y el techo es en realidad más oscuro que el edificio. Vamos a hacer eso. Entonces por aquí, nuestras líneas más oscuras están aquí. Después va recto por el borde del edificio. Entonces un poco de forma en esa. No quiero que este sea demasiado oscuro, pero hay algo de techo que mostrar. Tiene ese ángulo extraño. Me encanta. Cada vez que lo practicas, te pones un poco mejor en ello. Agregarás a tu repertorio de tus preferencias, que es casi tan importante como el repertorio de habilidades porque ya sabrás lo que prefieres en materia de equilibrio y lo que prefieres en términos de bordes y tal. Sólo estoy jugando aquí con definir solo algunos de estos techos. Es algo así. Lo dejaremos con eso. 9. Demostración: notas reflexivas: [ MÚSICA] Pensé que una gran página para mostrarte un ejemplo de mi proceso de notas reflexivas sería para esta página de detalles específica porque esta a veces es mi ir a tipo-away para usar páginas de estudio es yo Estoy tratando de elaborar una parte específica de una imagen que quiero pintar. Tengo las notas para el lado izquierdo y el lado derecho, pero por lo general dibujo una línea por el medio solo para poder escribir en párrafos más pequeños, o hacer notas de viñetas sin pasar por toda la página. Muchas veces las notas pueden no ser demasiado más que una reescritura algo de metro de lo que escribí en la página de estudio real. Tiendo a reescribir las cosas y luego a veces me vienen con nuevas ideas mientras estoy escribiendo. Los agrego después, o puede que ya tenga una idea de un pensamiento que me he planteado mientras reflexionaba sobre ello y que también estará en la mezcla. Pero verás que en el lado izquierdo, anoté cómo lo hice. Uno estaba mojado y mojado, uno mojado sobre seco. Entonces mis pensamientos sobre, originalmente pensé que la mojada y mojada se veía limpiamente lavada, pero esa segunda capa realmente la apretó en la capa base subyacente hizo que se viera mucho más cohesiva versus el húmedo sobre seco era al revés. Comenzó luciendo muy distinto y cohesivo y luego con esa segunda capa, ya que las cosas no siempre coinciden perfectamente, hubo muchos bordes dentados, mucha picadura, y colores desarticulados, y acabo prefiriendo ese mojado y mojado. Si estuviera haciendo una capa solo entonces probablemente realmente iría con ese húmedo sobre seco porque eso se veía lo mejor en la única capa. También escribí que ambos podrían usar una tercera capa solo por unos pequeños detalles en esa área de enfoque para dibujar tu ojo. Entonces del otro lado, estaba anotando si era húmedo sobre mojado. Si hubiera más tiempo entre dibujar las formas, cuáles prefería. Entonces nota que también había escrito que los genes para ello realmente no eran tan profundos de un color. No estaba tan saturado como la idea dos dentro del indantreno. Entonces se puede ver en la nota para la tercera que el indantreno lo que realmente me gustó de él como sombras más animadas que le dan una mayor sensación de profundidad. Eso es definitivamente algo que hace que tu trabajo sea un poco más creíble, realmente te llama la atención, y trae al espectador. Mi subrayado, voy a tratar de recordar eso. Puede que no quiera llegar a un stark conveniente. Puede que quiera mezclar algo con más azul, o mezclar el color que tengo en mi pintura para conseguir esa mayor saturación que realmente empujará hacia atrás el área y la sombra. También anoté eso, esa segunda capa de formas de techo que añadí al tercer estudio, que era mi estudio preferido. No estoy seguro de que prefiera agregar en esas formas extra. Tener el video para volver a encenderse y ver cómo se veía antes de agregar esos me motivó a anotar la nota de que tal vez debería estar tomando más fotos de proceso para que yo regrese y ver si tal vez estoy agregando demasiado detalle. ¿ Me gustan las cosas antes? Porque esa es realmente la única forma aprender que es yendo demasiado lejos y luego la próxima vez que lo vuelvas un poco. No haces esa pincelada extra y ves si te gusta el resultado. Entonces la nota final que hice fue apenas anotar un par de mezclas de colores que me gustó cómo salieron. El color del follaje, que era una mezcla de verdes premezcla en el indantreno. Entonces los colores que mezclé para los edificios blancos y neutros que alguna vez en sombra. Yo había usado lavanda, que es un gran color para el blanco sombreado. Entonces el indantreno y la siena quemada, lo que hizo un gran neutro. Ese es un buen ejemplo de cómo voy a pasar por mis notas reflexivas. En este ejemplo particular, no hubo descubrimientos pioneros, excepción de eso tal vez debería estar tomando más fotos de proceso y reflexionando, volteando a través de esas después de haber terminado de ser como, “No, debería haberlo salvado en esta etapa”, y cosas así. Pero habiéndolos reescribiéndola por segunda vez, aunque ya los hubiera escrito en mi página, definitivamente consolida alguno de estos pensamientos en mi cerebro un poco más. Voy a recordar la próxima vez que mezcle mis azules por sombras, aunque tú pienses, ya lo sé, pero a veces no lo haces la próxima vez que pintes estos porque tu el cerebro ya tiene un camino que le gusta seguir. Así es como se ve una de mis páginas de estudio reflexivas. 10. Proyecto de clase: Ahora es el momento de tu mandato. Todo para tu proyecto de clase, te animo a hacer tu propia página de cuaderno de bocetos y crear una serie de miniaturas y tomar algunas notas. Yo seguro que tienes curiosidad y resuena con desde tu propio trabajo. Definitivamente es lo más interesante cuando haces algo que te importa. Quiero que lleves una hoja suelta o una página de libro de bocetos para Canvas, cualquiera que sea el sustrato que quieras usar y crear una serie de miniaturas y trabajar a través de tu experiencia con ellas. En notas, anotar muestras, técnicas, capas, cualquier cosa que viene a mente que estás haciendo de manera diferente y aprendiendo de miniatura a miniatura. Podrías hacer cualquiera de los diferentes ejemplos que te mostré para conceptos o llegar a los tuyos propios. También proporcionaré un montón de ejemplos abajo en la descripción del proyecto. Echa un vistazo a esos si te sientes un poco atascado. También te dan la bienvenida a utilizarlo como calentamiento. Juega con eso, nunca sabes que de repente puedes encontrar inspiración mientras haces eso. Definitivamente recuerda tomar las notas activas. Toma notas mientras haces tus miniaturas, así como anota algunas notas reflectantes después. Puedes hacerlas en un trozo de papel separado, podrías hacerlas si tienes espacio extra en la página en la que estabas pintando. O incluso puedes en esta instancia, incluirlos en la descripción de tu proyecto. descripción de tu proyecto también te hace saber si disfrutaste del proceso. Cualquier cosa que sí cambiara o querría cambiar la próxima vez. Si realmente ves en esto, crees que podrías usar esto para ayudarte a trabajar a través de algunas cosas. Me encantaría escuchar los comentarios de todos sobre el proceso y si les gustó o si les fue útil. No puedo esperar a ver los proyectos de todos en la galería. Definitivamente estaré ahí revisándolos y ofreciendo comentarios o contestando preguntas. Te veré ahí. 11. Reflexiones finales: Eso concluye mi primera clase aquí en Skillshare y no puedo agradecerte lo suficiente por pasar por esto conmigo. De verdad, realmente espero que les ayude a muchos a trabajar a través de problemas por su cuenta, usando su cuaderno de bocetos para realmente energizar sus procesos. Definitivamente sé que ha hecho una gran diferencia para mí este año ya que he pasado más tiempo en ella y no puedo esperar a ver cuánto te ayuda en tus proyectos en la galería. No olvides compartir tu proyecto y si disfrutaste de la clase o quieres dejarme algún comentario al respecto, definitivamente revisó la clase. Si quieres ver cuándo voy a estar liberando alguna clase nueva, pulsa el botón 'Seguir' debajo de mi nombre de profesor, descripción, Skillshare te lo hará saber en cuanto publique una nueva clase. No puedo esperar a verlos en el futuro, y no puedo esperar a echar un vistazo a sus proyectos en la galería. Hasta entonces, te veré más tarde. Gracias.