Transcripciones
1. Introducción: El rango es un concepto muy
importante para
entender a lo largo de
todas las formas de música, porque así es como llegas
del punto A al punto B. Es realmente en última instancia
el flujo de
tu pista, tu exposición,
tu acción ascendente, tu clímax, tu conclusión. Mi nombre es Dom McLennon. Soy músico, artista visual,
productor, o podrías haber visto mi trabajo desde el
Boy BrockHampton, también
han estado
detrás de escena, ayudando a todos los músicos
y productores a aprender más sobre las formas en que pueden expresarse
como artistas creativos. De lo que vamos a estar
hablando en esta clase es cómo se obtiene de la introducción de su canción al
outro de su canción. Realmente un componente central
de tu verso en tu gancho, rompiendo y ser armonía, melodía, y cómo todo eso juega un papel muy importante
en tus producciones. Después de esto, comprenderás mejor cómo funciona
la música
y encontrarás formas de, a través de la composición
y el arreglo, tomar cosas que necesariamente no suelen
funcionar y
juntarlas para que se sienta
algo completo. Si no has tenido ninguna experiencia
musical en absoluto, este sería un
curso increíble para que
puedas entender
cómo funcionan estas cosas. Quiero que puedas
crear un loop y luego poder organizar ese loop sobre una
lista de reproducción para que puedas decir, oye, hice este beat.
Vamos a ponerlo en marcha.
2. Descomposición de un compás: Para comenzar nuestra clase, vamos
a empezar por
romper un latido. Vamos a hablar de
todos los componentes que
entran en lo que normalmente
escucharías como un ritmo y lo que
vas
a hacer para recrear estas cosas dentro de tu propia estación de trabajo de
audio digital. Lo primero
que escucharás en tu ritmo tradicionalmente será tu
patrón de batería o tu patrón base. Tu pista de patada te
servirá esencialmente como tu ritmo de respaldo para lo que sea
que vayas a poner encima de ella. Si le pones una patada al
de cada ritmo para un bar, vas a la forma
tradicional de patrón de piso que escucharás
mucho de tu tradicional. Registros de la casa, tal vez algunos discos
pop, cosas
de esa naturaleza. Eso suena amable así. [RUIDO] Hablemos de cómo funciona
la sincopación dentro de un latido para darte un poco más de variación en tu ritmo. Tradicionalmente, es posible que
escuches un patrón de coctelera o un patrón de hi-hat que
sonará así en un latido. [RUIDO] Este
patrón de agitador no tiene sincopación en este momento, lo que significa que no hay
variación en el ritmo. Para añadir un poco de movimiento
a ese patrón rítmico, voy a empezar a mover un poco
algunas notas. [RUIDO] Estamos cambiando
eso un poco. Ya hemos creado
un poco de sincopación en nuestro patrón
rítmico. FL Studio y muchos
otros programas tienen
un pomo de natación maestro
que puedes alterar para poder obtener un poco más de variación en tu ritmo. Esta perilla master swing existe en la
parte superior de tu rack de canales
dentro de FL Studio, en el lado derecho, junto a la longitud de tu patrón, tu editor de gráficos y
tu secuenciador de pasos. Si sigues adelante
y comienzas a mover un poco
esta perilla oscilante, escuchas aún más sincopación entrar en tu ritmo.
Veamos lo que pasa. [RUIDO] Esto no es
columpio. [RUIDO] Voy a empezar a agregarle poco más swing a
medida que está jugando. También voy a añadir un cuatro en el piso patadas patrones
que ustedes pueden escuchar un poco más cómo
esa variación de apenas a lo largo del
resto del ritmo. Lo que hemos podido
hacer aquí es entrar en nuestro patrón rítmico
y agregarle cosas como swing y
sincopación para
poder aportar un poco
más de variación a nuestro ritmo. Otro componente importante
de lo que implica romper un latido
es la selección de sonido, no solo son las
muestras que eliges dentro de tu
estación de trabajo de audio digital para trabajar, sino cómo
las estás manipulando para poder
influir en los patrones de
ritmos que estás haciendo. Digamos por ejemplo, entramos
y hacemos un nuevo patrón, vamos a hacer un patrón de
trampa tradicional con este. Sonará algo así. Esto suena como un patrón de trampa
tradicional, pero tiene algunas de las
muestras y sonidos de nuestro otro
trabajo anterior dentro de él. Por eso, vamos a tener que cambiar
un poco los sonidos para que
se conceptualice un poco más de
cómo debería sonar este ritmo. Voy a entrar y voy a pasar por mis tomas únicas, y voy a encontrar un sonido
que se sienta un poco más en sintonía con el
patrón que estamos haciendo. Voy a
cambiarlos un poco. Vamos a volver a escucharlo y ver cómo se siente. [RUIDO] Encontré algunos sonidos que se sintieron un poco más en casa y cómodos con este patrón rítmico con el
que estaba trabajando. Después los
reemplacé, los he lanzado, los he
metido un poco con ellos. Esta es una de las
cosas
realmente geniales de romper un latido
cuando empiezas a escuchar otra música que estás disfrutando
y de la que eres fan, y empiezas a tener una
mejor comprensión de cómo funcionan estos diferentes
componentes de la música. Estarás como, guau, estoy realmente impresionado con la forma en
que arreglan patrones de batería para
poder asegurarse de que
la historia
se está
contando en este ritmo,
o oh guau, la forma en que esta
percusión está siguiendo voz de
esta vocalista es un momento
tan especial que
está sucediendo en una canción en este momento. Pero cuanto más
puedas articular y entender cómo funcionan los ritmos
y desglosarlos, podrás tener
una mejor comprensión y apreciación de la música conjunto mientras
aprendes a usar una estación de trabajo de audio
digital. Ahora pasemos
a la teoría de grupos.
3. Definición de la teoría del groove: Ahora que nos hemos
zambullado un poquito en romper un latido, lo mejor para
el
fútbol a continuación sería esta cosa que me gusta
llamar teoría del groove. La forma en que
funciona la teoría del groove es en última instancia la forma en que tus micro
ajustes dentro de tus patrones rítmicos
hacen que nuestros cuerpos se muevan hacia la música de la manera en
que lo hacen y hacen que nuestras cabezas no sean de
la manera que lo hacen. Mucho de eso gira en torno a pequeñas variaciones
entre un sombrero alto, o ese momento tardío
antes de que una caja golpee, o ese momento temprano en el que entra
un bombo. Cuando se trata de
agregar más complejidad a la producción
en la
que estás trabajando, creo que esa teoría del groove y la idea de tener un
poco más de swing y rebote realmente te darán aún más control de cómo se siente y suena
tu música. Ahora que tenemos una visión general
de línea de
base de cómo funciona un concepto como la teoría del
surco, vamos a verlo en acción
dentro de FL Studio. Voy a agregar un
nuevo patrón rítmico dentro del estudio FL agregando
otra pista hi-hat en. Escucharás cómo suena
un poco recto y cómo no hay
mucha sincopación en el patrón
rítmico. Vamos a agregar un poco de groove a esto simplemente tomando un patrón muy normal y desplazándolo fuera de
la cuadrícula normal. Vamos a entrar en el
Patrón 1 y
vamos a abrir nuestro rollo de piano. Vas a ir a
tus opciones de snap, que estarán en la
parte superior de tu barra de herramientas, este imán verde. Si haces clic en el icono del imán, verás todas estas
diferentes opciones de snap. Originalmente
se pondrá al paso. Este es tu defecto.
Cambia esto a ninguno. Vas a usar
la opción “Seleccionar” y elegir todo dentro
de tu pista hi-hat. Ahora vamos a dar
click a tu herramienta “Dibujar”. Podemos acercarnos un
poco para tener un poco más de control sobre esto y un
poco más de precisión. Vamos, va a cambiar esto
un poco fuera de la red. La cuantificación es una parte muy
importante de la teoría del surco. Esa es la computadora
siendo capaz de corregir las imperfecciones
que normalmente
existirían dentro de una grabación
humana, pero lo que estamos haciendo
es volver a agregar ese toque humano descuantificar y
mover las cosas alrededor la cuadrícula
para poder darnos una sensación diferente
en la pista. Esto agrega un
poco de surco sutil. Vamos a subir un poco la
apuesta y mover algunos otros sonidos y
otros instrumentos alrededor, y descuantificarlo
un poco a
propósito para agregar un poco
más de groove a nuestro patrón. Por ejemplo, este
acorde que ha estado tocando originalmente que
sonaba así. Se puede manipular
tomando algunos de estos sonidos y simplemente
moviéndolos un poco fuera de la grilla para que casi te pongas
como un efecto flam. Esto versus esto. Solo agrega un poco de
variación a lo que estás haciendo. Ahora bien, cuando muevo eso un
poco en esta grilla, esto empieza a
sonar así en contexto del resto de nuestro ritmo. Puedes mover las cosas un
poco por delante del ritmo. Puedes mover las cosas un
poco detrás del ritmo. Es solo cuestión de usar un poco de
tacto y sensación para ver lo que te suena bien
y lo que te parece correcto. Esta es una de las cosas
geniales del groove, es bastante subjetivo. ¿Entiendes a lo
que me refiero? Puedes ir tan a la
izquierda a la cuadrícula
como quieras o tan derecho a la cuadrícula
como quieras. Todo lo que importa es que te sientas bien acerca de cómo suena. Agregué un poco
más de sincopación a esta
muestra percusiva que
tenemos y agrega mucho más
rebote en el primer patrón. Eso tiene un poco más de
swing y rebota en ese pequeño
sonido de popping o tom, o sonido de percusión si
quieres, entonces este patrón. De eso realmente se trata
la Teoría del Groove. Es solo encontrar esos
pequeños acentos y esos toques y esos
pequeños momentos en los que puedes mover las cosas un poco detrás del ritmo o
un poco por delante del ritmo para darte
una sensación realmente genial. Vamos a tomar esta forma
tradicional de patrón de
piso de la que
estábamos
hablando antes en nuestra última clase. le vamos a agregar esto también le vamos a agregar
un poco de sincopación
, un poco de groove
al meterse con
el sonido del shaker. Cuando agregas ese aplauso, teniendo un poco de sincopación y retraso
en ese shaker, solo
aporta un
poco más de groove a este patrón más
tradicional. Entonces, cuando comienzas a agregarle más y más
capas intrincadas, tienes más
sincopación dentro de esas
intrincadas capas, ahí es cuando realmente puedes
explorar cómo
se sienten las cosas y cómo suenan. Ahora que hemos hablado
un poco sobre cómo funciona la teoría del groove y cómo sincopación y cómo
puede funcionar la cuantificación dentro de
programar tus tambores, programar tus
patrones rítmicos y tus melodías, me encantaría ver algunos de
los groove que se te ocurren si quieres
compartirlos en la galería de
proyectos a continuación. A continuación, de lo que vamos a estar hablando como armonía y melodía dentro de tu estación de trabajo de audio
digital.
4. Búsqueda de armonía y melodía: En esta lección, estaremos
hablando de armonía y melodía. Melody será la secuencia
de sonidos que se une para crear un
flujo dentro de la música. La armonía sería una
mezcla de sonidos, por lo que las armonías consisten en acordes
y progresiones de acordes La forma en que esto
funciona dentro de tu estación de trabajo de audio digital es que estarás programando acordes y estarás programando
melodías para poder
secuenciar cómo se unen todas estas
cosas Abramos nuestro estudio y vayamos a lo que hemos
estado construyendo hasta ahora. Si miras algunos
de nuestros patrones, incluyen armonía y melodía juntas dentro de una pista. Lo que vamos
a hacer es separar estas armonías de estas
melodías para que podamos tener un
control más individual sobre cada componente de los
elementos musicales de nuestra canción Por ejemplo, echemos
un vistazo al patrón 2 y solo a nuestro instrumento musical que está tocando una armonía
y una melodía juntos. Voy a
duplicar nuestro sonido. Voy a poner la melodía en una pista separada
de la armonía. Dentro de nuestro piano roll, voy a seleccionar las notas
que consisten en nuestra melodía. Voy a cortar eso
de este rollo de piano y ponerlo en un nuevo rollo de piano para que esté en su propio lugar
específico. Voy a renombrar cada uno de estos cheques como
armonía y melodía. Voy a hacer lo mismo
y patrón cuatro también. Vamos a
seleccionar nuestra melodía. Vamos a cortarlo
de la pista de armonía,
abrir nuestra pista de melodía y pegarla dentro de ahí. Lo que esto hace es que nos da un control
individualizado sobre
los componentes de nuestra música Digamos, estamos viendo
esta melodía y decimos, quiero agregar más a esto. Ahora, tenemos más libertad para, porque es independiente
de la armonía. Tienes un poco más de
espacio para jugar con él. Voy a escoger una nota, una nota raíz de aquí. Sólo vemos. Y voy a mostrarte un pequeño truco de
armonía y melodía que he recogido sobre mi experiencia que
uso cuando se trata hacer melodía básica y básica de melodía
así como comprensión de armonía. Nosotros hemos tomado esta C,
lo que voy a hacer es voy a añadir una nota
que está todo un paso arriba. Entonces, vamos a escuchar. Un
paso más entero, medio paso, y todo un paso, y lo que esto crea
se llama tetrachorda Este tetrachordo en la teoría musical
básica son los componentes que conforman
un acorde mayor y otro menor Entonces, si sacas la segunda y la cuarta nota de un tetrachorda,
obtienes un acorde mayor Ahora bien, si tomas
tu segunda nota en ese acorde mayor y bajas un medio paso,
obtienes un acorde menor Con esos dos trucos simples, puedes entrar y
encontrar armonía y melodía en una escala básica
mayor y menor lo largo de cualquier nota, si conoces el nodo raíz, solo
agregas un paso completo, un paso completo, un medio
paso y un paso completo. Voy a usar los
mismos principios para agregar un poco de variación
a la armonía y melodía al ritmo que hemos
estado haciendo hasta ahora y te animo a que
hagas lo mismo con el ritmo que has
estado haciendo también. Otro truco que utilizo para
melodía a veces es que
escribiré tetrachordos al
comienzo de mi patrón Eso me dirá qué notas que puedo usar que están
en clave que puedo
usar para una producción melodía
realmente, realmente básica. Ahora, que hemos separado
nuestra armonía y melodía, podemos crear nuevos instrumentos
para nuestra armonía y para nuestra melodía para que no
estén en el
mismo campo sónico. Otra cosa divertida con la que puedes jugar que gira un poco en torno a la
melodía,
específicamente al tono, es que puedes alterar el tono dentro de todas tus muestras
específicas, así
como el tono
dentro de tu VSC Hay un par de
formas diferentes en las que podemos hacer esto, pero en lo que me centraré específicamente es en la perilla de tono de
canal, que altera el tono de todo
el canal en el que
estás operando Vamos a entrar en nuestras melodías y armonías de
contacto Vamos a cambiar
el rango de nuestro tono que suba un par de semitonos
más y luego
voy a sacar esto a los dos de la misma manera solo para
ver cómo suena cuando estos instrumentos
están tocando
cuatro pasos por encima de donde están actualmente en este momento Ahora, que hemos agregado
un poco de variación con la
armonía y la melodía, voy a
animarlos a que sigan
adelante y
lo prueben ustedes mismos. ver si puedes llegar a
algunas pequeñas variaciones y adiciones basadas en
nuestra comprensión de cómo funciona la
armonía y la melodía, vamos a
hablar de arreglo a continuación.
5. Arreglo musical: Ahora que hemos
roto latidos, hablamos un poco
de teoría de grupos, y armonía, y melodía, ahora la pregunta podría ser, tengo este beat o este pequeño
bucle de cuatro barras que hemos hecho, pero ¿cómo lo convierto
en una canción o cómo lo convierto en una
sección de una canción? Estaremos cubriendo eso
con arreglo. medida que vamos
atravesando los diferentes patrones que hemos
ido construyendo, lo que me gustaría hacer es comenzar
a separar algunos de los componentes individuales
de estos patrones para que podamos tener esos que sirvan como diferentes secciones
de nuestro arreglo en nuestra composición como un todo. Voy a tomar algunos de
nuestros
componentes de armonía y melodía y aislarlos, crear sus propios
patrones separados para ellos. colocaré dentro de
la lista de reproducción para que
se conviertan en nuestra introducción para
el resto de nuestro ritmo. Lo que estoy haciendo ahora
es clonar cada
patrón individual dentro de FL Studio que hemos hecho hasta ahora y luego en esos patrones
clonados, estoy quitando todos
los componentes de batería para que nuestra armonía y melodía exista aislada en
sus propios patrones separados. Una vez que hayamos terminado eso,
voy a poner esto en nuestra lista de reproducción y
luego las secciones de las que he aislado estas
melodías y armonías específicamente se convertirán en
la introducción de nuestro ritmo. Ahora estoy abriendo nuestra lista de reproducción, entrando en nuestro arreglo, y tomando todo lo que
originalmente existía en nuestro modo de canción actual y lo estoy cambiando sobre cuatro barras más, que me va a
dar la oportunidad seguir adelante y traer esos
nuevos patrones en los que solo
estaba hablando
que solo tienen nuestros acordes, nuestra armonía, o nuestra melodía. Al mirar este interino, creo que puede ser
un poco más largo. Voy a duplicar la intro y asegurarme de que eso nos
dé suficiente tiempo para agregar un
poco más de variación antes de meternos en la batería, lo que yo consideraría
el verso de nuestra canción. Permítanme duplicar la
introducción una vez más. Empezaré a agregar un par
de componentes diferentes dentro de ahí y luego
también
duplicaré nuestro
verso para que ambos tengan la misma cantidad de tiempo y estructura
en ellos ahora mismo. Construimos una
introducción de ocho barras y compramos verso de
16 barras en nuestra composición
a través de arreglo. Una de las cosas geniales
que puedes hacer es, decir que quieres hacer un poco solo de
teclado o querías
agregar solo de
teclado o querías
agregar un poco de sintetizador de plomo extra
en algo así, ahora con esta introducción, has podido crear
el espacio para tocar encima de él y agregar más contexto a tu historia musical
que estás contando. Voy a ir a hacer un
par de cambios
y adiciones más dentro
de la introducción para
darle alguna variación
y algunas
adiciones al verso que
hemos construido hasta ahora. Estoy pasando por
algunas cosas que son menos rítmicas y menos
melódicas y más texturales. Voy a empezar a agregar
algunas de esas texturas en nuestra introducción y tal vez agregar un poco de cosas
en el fondo de nuestro verso también, solo dale un poco
de profundidad y ambiente. [RUIDO] Cuando te estás metiendo en
este elemento de arreglo, lo que puedes comenzar
a explorar también es tu mezclador. Con esta nueva textura
que hemos agregado, vamos a asignarle una pista
mezcladora gratuita pulsando
Comando L o haciendo clic en el botón de pista
debajo de su canal. Tienes todas estas opciones
para que diferentes plugins agreguen más texturas y profundidad, cosas como reverberaciones, ecualizadores, compresores,
limitadores, distorsión. Este mundo masivo se
abre a ti cuanto más comienzas a
sumergirte en el diseño de sonido. No voy a estar
hablando demasiado de diseño de sonido en esta clase porque
consideraría que es una técnica de
producción musical más avanzada, pero te estaré mostrando
lo que el diseño de sonido puede hacer en disposición
para poder darte un paisaje sonoro más
expansivo. Sólo voy a
estar un par de momentos
ambientales más en
la producción. Ahora que hemos
explorado un poco de cómo
puede ser el arreglo, lo que me gustaría que
hicieran es tomar lo que han estado componiendo hasta ahora dentro de FL Studio en sus patrones
individuales, su bucle de cuatro barras, y convertirlo en algo que tenga una introducción y un verso, y luego si se
siente realmente ambicioso, continúe e intente explorar
ese gancho también. Ahora que hemos hablado un poco de
arreglo, desglosando lo que entraña,
hablando de
las introducciones, los versos, los
ganchos, lo que vamos a hacer a continuación es hablar de
muestreo dentro de la composición para darte aún más variación en tu experiencia de producción
musical.
6. Muestreo: Continuando con nuestra exploración en la composición
y el arreglo, siento
que algo realmente genial para que nos sumerjamos siguiente sería
el muestreo dentro de Composición. Una de las preguntas que
podrías hacerte incluso es, ¿qué es el muestreo en su conjunto? El muestreo sería
recontextualizar uno de los trabajos que se han grabado y luego
utilizarlos dentro de su composición para
crear más variación, para crear más autenticidad,
más originalidad. Tengo un par de
loops de percusión
preconstruidos diferentes de mí y un par de amigos que
voy a estar
lanzando a la composición
que tenemos hasta ahora. Solo para
darles una idea de cómo estas diferentes variaciones pueden funcionar dentro de tus ritmos, y cómo puedes
usar esto para crear variación entre tu
introducción, tu gancho,
tus versos para hacer que las cosas
suenen realmente grandes y caras o hacer que las cosas suenen
un poco más tenues. En otra de nuestras clases, nos sumergiremos mucho
más en el mundo
del muestreo y exploraremos
cómo funciona el muestreo, específicamente cosas
como manipular y estirar el tiempo, cortar, todo ese tipo de cosas
diferentes. Se pone muy divertido. Pero lo que vamos a hacer ahora mismo es que solo vamos a tomar un par de muestras
diferentes que he agarrado para simplemente
agregar alguna variación a la composición que
hemos estado construyendo hasta ahora. Ahora mismo, estoy probando algunas muestras dentro
de nuestro arreglo, viendo lo que siento por ellas. Al ver si son
los que
realmente quiero usar o no. A veces hay que tener
un poco de prueba y error cuando se trata de este
lado de la producción. Puede ser divertido y a veces es un poco tedioso,
pero está bien, el tedio es parte del proceso a
la
hora de usar una estación de trabajo de
audio digital. Como estoy audicionando todos
estos diferentes loops, viendo cómo se sienten y suenan las cosas para mí dentro de
esta composición. Cuando encuentro uno que me gusta, ahí es cuando lo sé, bien, genial. Estoy probando esto. Vamos a
tirarlo dentro de aquí y luego darnos más espacio para jugar con la producción que hemos
estado construyendo hasta ahora. Voy a seguir construyendo
sobre esto un poco más. Esto es parte de mi
componente favorito de muestreo dentro de una composición es solo el
lado de experimentación de la misma y siendo así, me pregunto qué pasará
si estiramos esto y hacemos que esto duplique el
tiempo o tripliquemos el tiempo, o vamos a conseguir esto
perfectamente al ritmo, pero luego cortamos la mitad que solo vamos
a usar parte de ella. Simplemente vamos
dentro de esta muestra que hemos elegido en este momento, haciendo un poco de
diseño de sonido dentro de ella para obtener un poco más de manipulación
en el campo estéreo. Agregué un poco
de fade-in y luego retrasé en esta muestra específica con la
que estamos trabajando ahora mismo para que solo traiga un
poco más de variación, un poco más de rebote
a nuestra producción. Tener algunas cosas haciendo ping lado a otro en
el campo estéreo, casi haciendo un poco
de llamada y respuesta con el resto de la
instrumentación. Lo que estoy haciendo ahora está
dentro del verso, he agregado otro
bucle de percusión al que voy a traer un poco de
retraso en la variación también porque
la muestra
viene en cada otra tercera
barra de la composición, solo
trae un poco
de variación a la mezcla. Te da algo que te
pone de
puntillas un poco o tal vez es como
algo que quieres escuchar con más frecuencia, simplemente trayendo estos diferentes
tipos de momentos a la música
con los que el oyente puede pasar su tiempo y disfrutar. También, puedes disfrutar haciendo así
como el creador. Agrega un delay, un phaser, y el coro a algunos de
los otros sonidos que estaban dentro de nuestra introducción,
solo para como dije, dar un poco
más de variación, algo más de variedad estéreo en
ese campo estéreo con el que estamos trabajando. Creo que estamos en un lugar genial
con esto ahora mismo. Estoy bastante contenta con ello. Me encantaría que llevaras
algunos de los bucles que
hemos agregado de aquí a los recursos de clase y los arrojes a tus
propias producciones,
mira Mira, puedes perder el tiempo
con el muestreo y la composición juntos dentro de tu DAW y qué magia
puedes hacer que suceda.
7. Reflexiones finales: Hoy hemos aprendido mucho sobre lo que pasa en la composición y
organización dentro de
una estación de trabajo de audio digital. Realmente me encantaría
escuchar algunas de las composiciones
y arreglos que ustedes están construyendo, agregar algunas contribuciones dentro
de la galería del proyecto. Si tienes algo
que crees que podría ser una introducción realmente genial para una canción o un
verso genial para una canción, muy emocionada de ver lo
que ustedes tienen para nosotros. Te veré en la
siguiente, hasta la próxima.
Dom McLennon, Producer, Recording Artist
