Producción musical: bajo (sintetizador y muestreo)

1. Introduccion: Vamos a hablar de base. Bienvenido a mi curso de producción musical, específicamente en base, tanto bajo sintetizador como base sampleada Tener una base asentada correctamente en tu mezcla puede ser bastante difícil. Y sobre todo considerando con qué sistema de sonido estás trabajando y en qué tipo de habitación estás trabajando, estas frecuencias base pueden ser bastante molestas a Así que vamos a estar hablando de cómo puedes abordar producción base desde algunos ángulos diferentes para asegurarte que tu base esté asentada correctamente en la mezcla y que estés usando el tipo de base adecuado para el estilo que estás produciendo. Ahora bien, bastante de lo que vamos a hablar dentro de este curso sólo va a ser cómo crear el tipo correcto de línea base en el campo de la producción musical. ¿Qué tipo de intervalos deberíamos estar trabajando cómo debería sonar mi bajo en base la complejidad de otros instrumentos, así sucesivamente y así sucesivamente. También discutiremos la configuración de ADSR para la base de sintetizador. Vamos a estar hablando de groove y cómo asegurarnos de que estás aplicando el groove correcto, y también vamos a estar hablando de comprimir bajos, que es algo que creo que mucha gente se equivoca, así que realmente vamos a marcar en lo profundo dentro de esa clase. Octavas disco, acordes slash, portamento y pitch bends, vamos a estar cubriéndolo todo para que puedas mejorar como productor y perfeccionar Dentro de este curso va a haber un proyecto de clase. Va a hacer que uses un par de técnicas disponibles dentro de una de tus propias producciones. Todos esos detalles serán cubiertos dentro la clase específicamente en el proyecto de clase. Así que asegúrate de revisar esa clase para obtener todos esos detalles antes de enviarla. Mi esperanza es darte una amplia gama de técnicas que puedas aplicar a tu propia producción base que ya sea que quieras usarlas en línea recta , te ayuden a mejorar como productor y finalmente disipar la niebla alrededor cualquier confusión que puedas sentir hacia la producción base Este curso realmente está destinado a emparejar bien con algunos de los cursos de producción de batería que he dado porque creo que tener una base sólida de tu sección rítmica, específicamente batería y bajo va a poner el resto de tu producción en la dirección correcta. Entonces, si disfrutas de la dirección de este curso, también te recomendaría que revises algunos de mis cursos sobre producción de batería para que los puedas emparejar y mejorar tu sección de ritmo dentro de tus producciones. Espero que estés listo para discutir muchas técnicas de base porque estamos a punto de saltar. Te atraparé en primera clase. 2. Proyecto de clase: Este proyecto es realmente para estudiantes que ya están trabajando en producciones activas. Lo que quiero que hagan es tomar la línea base de una de sus producciones y agregar al menos dos de las técnicas proporcionadas dentro de este curso. Ahora, asegúrate de que realmente estás eligiendo las técnicas que más te gusten, que posiblemente podrían ser solo estar inspiradas en una de las clases, o tal vez hayas intentado aplicarlas todas, y un par de ellas realmente resonaron contigo No obstante, encuentras tus favoritos, quiero que tomes esos favoritos y los apliques a esa línea base. Me vas a mostrar el antes y el después. Así que exporta la línea base original, exporta la línea base alterada usando un par de estas técnicas. Si quieres hacerlo solo y solo mostrarme la línea de base o la línea de base dentro la producción completa, ambos están totalmente bien, pero podría recomendarte que suministres el que está dentro de la producción completa para que tenga una idea más grande de con qué estilo estás trabajando y cómo funciona esa línea de base dentro de esa zona. Vas a enviar esto como un envío de audio como un enlace público, algo a lo que puedo acceder fácilmente. Podrías hacer esto a través de SoundCloud o Google Drive, pero asegúrate de que me estás suministrando un enlace para que pueda ver el material Dentro de la descripción del curso, también vas a explicar por qué elegiste estas técnicas particulares. Mi esperanza es que al esbozar lo que disfrutaste de esas técnicas, puedas comenzar a arrojar algo de luz sobre tu enfoque estilístico como productor Al final del día, las técnicas de producción que más me gustan, las utilizo una y otra y otra vez. Ahora bien, estas son técnicas que han utilizado otros músicos que me han influido de una manera que quiero recrear ese sonido en particular dentro de mis propias producciones Se toma un enfoque de bajo de un artista, un enfoque de batería de otro, así sucesivamente y así sucesivamente. Eventualmente, fusionas tu propio estilo. Entonces, en lugar de tomar de un artista, vas a tomar de este curso tus técnicas favoritas y aplicarlas a tu línea de base. Ahora, realmente tómate tu tiempo con este proyecto. No se trata de apresurarse a través de él. Y si tiene alguna pregunta en el camino, no dude en comunicarse y preguntar. Espero que te diviertas con este proyecto de clase, y te pillaré en la siguiente clase. 3. Ajustar al ritmo del género: El balón. A. Bien, comencemos hablando sobre cómo elegir el tipo correcto sonido de bajo basado en el estilo que estás produciendo ¿Deberías trabajar con bajos muestreados? ¿Deberías trabajar con una base de sintetizador? Esto es de lo que estamos hablando en esta clase. Vamos a sumergirnos. Entonces, antes que nada, generalmente, si estás trabajando en géneros electrónicos, vas a estar trabajando con bajo sintetizador, a veces bajo sampleado, veces bajo sampleado, y si estás trabajando en géneros más acústicos, vas a estar trabajando con base de muestra, pero a veces con base de sintetizador En otras palabras, ambos tipos de bajos van a permear en los mundos del otro. Piensa en algunas bandas de rock moderno como la banda Muse. Muy a menudo usan síntesis dentro de un entorno rocoso. Entonces, mientras tocan más de un género acústico, todavía vas a encontrar mucho sintetizador, en este caso, bajo de sintetizador dentro de ese tipo de estilo Del mismo modo, si estás viendo ciertos tipos de hip hop que son principalmente electrónicos, todavía a menudo escucharás kits acústicos y muestras de bajos acústicos incluso dentro de la versión más electrónica de ese género. Entonces, directamente por la puerta, tal vez quieras preguntarte, ¿por quién estoy influenciado? Si es alguien como Danger Mouse, por ejemplo, mientras está haciendo producción de música electrónica, pero de una manera que suene acústica. O si estás influenciado por alguien como Mouse muerto, por ejemplo, tal vez quieras realmente inclinarte en entender la síntesis y el lado electrónico de las cosas. Así que en pocas palabras, pregúntate, ¿ qué estilo quiero estar produciendo? A quién miro más dentro de ese género como una gran influencia, y cómo han abordado su uso de Synth o base muestreada Ahora, antes de seguir hablando más de ello, quiero mostrarte cómo suenan estos en el nivel más básico. Entonces tengo aquí dos bases de muestra diferentes y dos bajos sintetizadores diferentes En pocas palabras, solo los traje, y luego ShiftCliq Control G me permite agruparlos para que veas que tengo ambas bases muestreadas en este grupo y ambas bases de Synth en este grupo y ambas bases de Synth Ableton, si compras su pack de guitarra y bajo. Entonces, si voy aquí abajo a los PACs, así que si solo escribo bajo por aquí en la búsqueda, verás si me desplazo un poco hacia abajo, pasamos a esta categoría o pack de guitarra y bajo, y va a tener mayormente sonidos de guitarra, pero sí tiene algunos sonidos de bajo Y la base de los trastes no suena terrible. Es un buen punto de partida si no tienes algo como contacto o un sampler de alto nivel Dicho esto, la base de los trastes termina sonando algo así Es pasable. Así que ten en cuenta que con algo como un bajo sampleado o cualquier instrumento sampleado, realmente, lo que alguien está haciendo es conseguir que un instrumentista toque cada nota de su instrumento en casi todos los volúmenes, y también están grabando pequeños matices, como si tocara a la ligera, por ejemplo, no sé si puedes escuchar Suba un poco si no puedes ahí está este sonido amortiguado de simplemente tocar la cuerda También, cuando solté una cuerda. Hay un pequeño sonido. Es difícil de escuchar, pero también se puede ver que aquí abajo hay parámetros para este bajo. ¿Te gusta el tono? Mm hmm. Yo recomendaría probablemente solo mantener eso en cero. Velocidad de nota muerta. Si pongo esto, escucha lo que pasa cuando toco a la ligera. Es intenso. Entonces ese es el sonido que estaba haciendo antes de este sonido muy ligero. Puedes controlar qué tan fuerte es ese pequeño pedazo en la cuerda Nota fuera del volumen. Esto es lo que quería mostrarle. Si me pongo esto. Escucha lo que pasa cuando lo dejo ir. ¿Escuchaste eso? Oh. Entonces estas son todas las cosas que están grabando para hacer que una muestra suene auténtica. Quieren que las notas básicas se toquen a diferentes volúmenes. Quieren el sonido apagado de dejar ir esa nota. Y también quieren algunos sonidos poco apagados para partes más funkies, notas fantasma, ese tipo Ahora, podrías estar pensando, ¿por qué no solo graban cada nota a, como, un volumen medio, y luego puedes bajarla o subirla, y luego tienes versiones silenciosas y ruidosas de esa nota Bueno, piénsalo en esto. Si toco un bajo muy ligeramente, tiene un tono redondeado muy suave. Pero si realmente golpeo esa cuerda, se distorsiona un poco, y algo así realmente va a tocar con el sonido de lo que se está muestreando Así que hay un poco de trabajo que se destina a construir estas bibliotecas de muestras. Y hay un sampler en particular que todos aquí afuera están usando, y es el contacto Y hay una versión gratuita de contacto. Siéntase libre de buscar en el jugador de contacto. Ahora mismo, estoy en Contacto siete. El contacto ocho está fuera. A veces es difícil mantenerse al día con estas cosas . Simplemente sigue saliendo. Pero este es el Contacto siete, muy parecido al contacto ocho. Y esta es la Scarbi bass amped. Uno de mis bajos favoritos porque tiene algún divertido tipo de ajustes crujientes y gordos que te van a dar un divertido sonido rock o solo un tono un poco más vanguardista a tu Entonces mientras nuestro bajo Ableton sonaba así. Un poco Seinfeld Dean. Es una especie de sonido de la vieja escuela. El contacto va a sonar más como Es el legato lo que me atrapa. Esos pequeños detalles de las diapositivas y escuchar los sonidos del traste, tanto detalle entra en estas bolsas de muestra para darte este sonido realmente profesional Entonces, en definitiva, eso es lo va a ser un bajo sampleado Lo vas a tocar en tu teclado, pero estás tocando los sonidos de un jugador real. Y si no capturan todos los pequeños matices como sonidos muertos o el sonido de soltar de una cuerda, no va a sonar convincente Entonces quieres ir con una biblioteca de muestras bastante buena. A menos que vayas por algo que intencionalmente va a sonar un poco retro entonces eso depende de ti. Pero eso es, en definitiva, lo que es una base de muestra. Y una sintasa básicamente va a crear estos sonidos bajos similares en que está en el territorio bajo de un bajo, pero va a utilizar sonidos sintetizados para hacerlo Es decir, va a utilizar estos osciladores eléctricos para tomar algo así como una onda sinusoidal o una onda cuadrada, repetirla muy, muy rápidamente para que cree un zumbido Y cuando escuchamos ese zumbido, eso es esencialmente nosotros escuchando la síntesis. Entonces incluso algo sencillo como este sonido, se puede escuchar que suena mucho más retro, mucho más electrónico. Eso es en el reino de un bajo sintetizador muy simple. Entonces si abro algo así como suero, escucharás bajo los, por ejemplo, presets base, solo hasta los primeros presets voy a sonar mucho más moderno Toneladas de sub información, un sonido procesado realmente bueno en el sentido de que hay bastantes efectos diferentes que crean la complejidad de lo que estamos escuchando dentro de este sonido sintetizado. Entonces obtienes la base de sonido más real, que es muestreada, obtienes la base de sonido más electrónica, que Lo que quieres preguntarte es qué estilo estás creando y qué tipo de base podría funcionar mejor. Ahora, pista a pista, es posible que incluso quieras saltar un poco, e incluso puedes considerar intentar capas de sonidos. Que toda la sub información se haga usando una base de sintetizador, pero la información superior es usando una base de muestra Entonces tienes este tipo de base de muestra de sonido hiper realista con todas las bajas frecuencias que esperaríamos obtener de un Así que asegúrate de estar ajustando el género en función lo que elijas y asegúrate que estás encajando el groove. Quieres escuchar algunas cosas diferentes dentro de las partes de bajo. ¿Son simples o están ocupados? ¿Están dando vueltas en una nota al estilo ACDC, o se mueven bastante como un bajo caminando de un patrón base de jazz? Las notas bajas se deslizan entre sí usando algo como portamento o planeo, de lo que hablaremos más adelante, o son muy staccato, cortas y separadas, creando un poco más de una parte de bajo que suena caótica, lo que hablaremos más adelante, o son muy staccato, cortas y separadas, creando un poco más de una parte de bajo que suena caótica, casi arpegiada. Además, ¿la parte del bajo es recta? Uno y dos y tres, y cuatro extremos o columpios, uno y dos, y tres y cuatro Todas estas son cosas súper importantes para empezar a notar, pero todo comienza con la escucha activa, tomando la influencia que tienes, escuchando muy profundamente y asegurándote de que estás tomando notas de ¿qué es lo que estoy tratando de recrear para lograr ese sonido Ahora bien, a veces eso podría estar escuchando una base de sintetizador muy compleja, y no sabes cómo recrear el En primer lugar, yo diría, explorar experimento. Incluso si te acercas y lo haces tuyo, eso es posiblemente incluso mejor porque te estás acercando a tu influencia, pero haciendo lo tuyo con ese sonido También hay tutoriales en línea para crear sonidos base muy específicos de artistas muy específicos, e incluso hay sintetizadores de IA más nuevos como Syn Plant two en los que puedes alimentar un sonido Va a analizar el sonido en términos de cómo se diseñó el sonido, y va a escupir muchas variaciones de ese sonido Presualizas diferentes hasta que encuentres uno que esté cerca, y luego puedes comenzar con eso, y luego incluso puedes cambiar la síntesis a partir de ese punto. Lo que digo es que quieres asegurarte de estar escuchando profundamente y tratar de tener un plan de juego para poder recrear ya sea el diseño de sonido para ese sonido base en particular o simplemente en general el groove que está asociado con ese bajo en particular Entonces quería mostrarte los conceptos básicos de lo que una base sampleada, qué es una base de sintetizador, y conseguir que realmente empieces a escuchar atentamente tus influencias para que puedas crear partes de bajo que sean similares Ya sea que estés usando una base de sintetizador o una base muestreada, quieres tener una buena comprensión de qué es lo que prefieres, y luego a partir de ahí, afinar lentamente tu sonido Entonces eso es todo para esta clase. En la siguiente clase, vamos a hablar de por qué usamos tanto octavas y quintas en partes base. Te veré ahí. 4. Octavas y quintas: Hacer. A continuación, hablemos de por qué usamos tanto quintas y octavas dentro de las partes de bajo desde la seguridad de cómo suenan hasta la facilidad de jugabilidad, hasta las matemáticas que simplemente las hacen tener sentido. Vamos a descomponer un poco las cosas. Ahora, primero, es importante mencionar que cuando suena un sonido, hay una vibración que atraviesa el aire que oscila hacia arriba y hacia abajo a diferentes frecuencias En otras palabras, ¿es una lentitud arriba y abajo? Es una oscilación rápida, un fast up y esto es lo que conocemos como frecuencia, y se representa en hertz En otras palabras, ciclos por segundo. En 1 segundo, ¿hay uno arriba y abajo, una oscilación, o hay 1,000? Una oscilación sería una t, 1,000 oscilaciones en un segundo serían un kilohert Entonces así es como hablamos del espectro de frecuencias, ya sea que estemos considerando cómo afinar un piano o trabajando con un ecualizador y entendiendo visualmente dónde están ciertos hitos de frecuencia, es importante entender de qué se trata la frecuencia. Ahora bien, como sabrás o no, el bajo no es notoriamente conocido por tocar acordes Si empiezas a tocar acordes en cualquier instrumento, medida que te mueves hacia abajo y hacia abajo y hacia abajo, hay más conflicto entre las notas Piensa en las notas como haces de luz. A medida que vas bajando, los haces de luz se vuelven más gruesos. Ahora bien, no queremos superponer los haces de luz, pero tampoco queremos grandes brechas entre ellos necesariamente cuando estamos tocando acordes Entonces, si piensas en un acorde que es muy, muy alto en el piano, es muy delgado y quebradizo Es como tres láseres con mucha separación entre ellos. Simplemente no se siente del todo conectado en cuanto a la luz. Abajo bajo en el piano, tocas un acorde. Suena grumbamente. Todos estos rayos láser gordos se superponen entre sí. Pero tocas hacia la mitad del piano, y obtienes estos rayos de luz que son de grosor medio y que terminan simplemente tocando el borde uno del otro, esa es una especie de punto dulce de la armonía. Pero de nuevo, cuando bajamos bastante bajo, todo es una especie de superposición entre sí. Los sonidos se están intimidando unos a otros y simplemente está pasando demasiadas cosas en un espacio. Entonces, en general, en realidad no tocamos acordes en la base. Pero cuando pensamos en cómo funcionan las matemáticas de las frecuencias, si estoy jugando, por ejemplo, esta nota aquí, que es una A, y luego toco una A una octava más alta, lo que tengo es el doble de frecuencia Digamos que esta A es una 440, 440 ciclos por segundo. Si bajo una octava a una A por debajo de ella, ahora tengo A 220 Es la mitad de la frecuencia de 440. Y si subo una octava, funciona igual. Ahora tengo A, que es la nota, 880, 880 hercios. Entonces, parte de la razón por la que las octavas son perdonadoras en base es que podrías jugar dos As juntos Están lo suficientemente separados como para que los sonidos no se superpongan y entren en conflicto, y las matemáticas simplemente funcionan muy bien Pero fuera de las matemáticas de las cosas, honestamente, no sueles tocar un octa armónicamente, como al mismo tiempo en el Es sólo una caja fuerte, no hay opción. Si el acorde es un acorde en Do mayor, tocar una C es seguro. Así que jugar cualquier otra C va a ser generalmente seguro. Ahora, digo seguro en cuanto a la nota sonará decente, pero también hay que considerar el papel del bajo. ¿Debería estar tocando una C y luego una C tres octavas más alta en el bajo? Bueno, no, ahora estoy invadiendo el territorio de cantantes y Pero en general, si te quedas en ese rango bajo del bajo, está bien tocar octavas Lo genial es que una vez que te das la idea de aquí está mi nota A y aquí hay una A una octava más alta, ahora solo puedes tocar con ritmos usando esas dos Son solo dos notas, pero en cuanto introduzcas esa segunda nota, ahora puedes empezar a introducir mucho más en cuanto a groove y diferentes patrones. Entonces yo diría, si una progresión de acordes va D menor, G menor A, intenta tocar mucho Ds, Gs y As por sí mismos, y luego prueba Ds como octavas, Gs como octavas y As como octavas Eso podría sonar algo así. Así que estoy aquí abajo en esta D, tal vez solo una ahí está la G hasta la A. Justo como una especie de roca gruesa como parte donde solo tenemos, hacemos, hacemos, hacemos, hacemos, hacemos, hacemos, solo en una nota Pero si me pongo a tocar octavas, ahora tengo sonidos como. Ahora estoy empezando a crear mucho más groove, incluso con sólo introducir esa segunda nota. Entonces las matemáticas funcionan muy bien. Son simples en cuanto a patrones de juego. Pero hay otra nota que es realmente importante. Y otra vez, se nota que cuando tocamos una nota, sólo hay mucho que podemos hacer con el ritmo. Quiero decir, una base real sobre un instrumento real con todos los matices que puedan introducir, te diremos que hay mucho que puedo hacer con una nota Pero cuando estamos trabajando en claves y cuando estamos creando estas partes, generalmente, es bueno tener más de una nota disponible por acorde. Entonces en un acorde en D menor, no quiero que me obliguen solo a tocar una D. Pero esta octava, sí, es importante Hay otra nota, sin embargo, que podemos introducir. Y nuevamente, esto abre los patrones estilísticos que podemos jugar considerablemente Y esa es la quinta sea cual sea la clave en la que estés, cualquiera que sea la escala en la que estés jugando. La quinta nota, así que si estamos en D menor DEF GA, uno, dos, tres, cuatro, cinco, esa A es una nota muy importante porque no sólo va a ser parte de ese acorde D menor, sino que también una especie de puente esta octava D a D es una distancia muy amplia. ¿Y si tuviéramos alguna nota que pueda ayudarnos a tender un puente entre esos Ds? Bueno, en este caso, la quinta A es una elección súper sólida. Ahora bien, en términos de frecuencia, te darás cuenta cuando juegue dos Ds juntos. Casi sólo suena como una nota. Simplemente suena como una versión más gruesa de D. Aquí está la baja D. Aquí está la D alta Aquí están las dos. Simplemente suena como una versión gruesa de la misma. Si ahora juego D y luego la Quinta A y luego las toco juntas, verás que todavía suena bastante decente. Aquí está D. Aquí está A. Aquí están juntos. Hay un poco de tipo disonante de bamboleo, pero en su mayor parte, suena Suena bastante bien. Si lo traigo a colación una octava, suena aún mejor Entonces va a sonar un poco más grueso que una octava porque las notas están más juntas Y en cuanto a las matemáticas, básicamente, lo que estás obteniendo es una proporción de dos a tres. Si bien este fondo D oscila dos veces, esta A en la misma duración de tiempo oscilará tres Matemáticamente, suena un poco problemático, pero realmente no lo es Dos y tres en realidad funcionan bastante bien matemáticamente. Ambos son divisibles por seis. Trabajamos mucho con dos en música y tres mucho solo en términos de firmas de tiempo Pero lo interesante es que si ralentizas la vibración de los dos y tres lo suficiente realmente escuchas un ritmo. Y este experimento lo hizo a la inversa Jacob Collier, donde estaba tocando algún tipo de ritmo Digamos, me lo estoy dando una palmada en el pecho. Es un ritmo de dos contra tres. Y si lo aceleras lo suficiente, eventualmente, escuchas este intervalo de una quinta. Entonces este ritmo no puedo ir lo suficientemente rápido porque soy humano, pero si lo haces realmente, muy, muy rápido, entonces empiezas a escuchar esa quinta forma. Entonces incluso desde el ritmo básico, los beats que crean esas notas, es muy fundamental. Entonces nuestra quinta D a A, en este caso, y nuestra octava D a D, intervalos súper importantes para estar trabajando en el bajo He jugado con suficiente base para saber que incluso la base principiante a menudo comenzará con estas cosas porque es seguro. ¿Qué acordes tocas en la guitarra? Un menor, mi menor? Bien, jugaré A y E. Ahora soy un poco más aventurero Intentemos octavas, más A's y más E's. Y ahora esa quinta me puede ayudar a tender puentes entre esas zonas. Y también es una nota segura que vas a encontrar dentro del acorde. Ahora, cuando digo lo encontrarás dentro del acorde, estoy hablando de acordes básicos Si el acorde se llama menor siete plano cinco o algo así. Ahora han cambiado ese quinto, así que hay que tener cuidado. No quiero profundizar demasiado en la teoría en este punto porque todo puede comenzar a cruzarse muy rápido Pero la idea está en la mayoría de los acordes mayores, acordes menores, acordes séptimos dominantes, acordes séptimos mayores y séptimos menores, raíz quinta octava, raíz quinta octava Ahora que tenemos disponible este quinto, veamos cómo eso podría cambiar un poco la parte del bajo. Podría sonar algo así. Ahora bien, hay todas estas notas bailando por todas partes, pero estamos un poco atrapados en estos patrones de raíz quinta octava, raíz quinta octava, raíz quinta octava, y tallarines alrededor en esas posiciones, generalmente tocando primero la raíz baja, y luego experimentando rítmicamente alrededor en esas posiciones, generalmente tocando primero la raíz baja, generalmente tocando primero la raíz baja, y luego experimentando pero estamos un poco atrapados en estos patrones de raíz quinta octava, raíz quinta octava, raíz quinta octava, y tallarines alrededor en esas posiciones, generalmente tocando primero la raíz baja, y luego experimentando rítmicamente con estas notas superiores. La otra cosa a mencionar es que un acorde mayor o un acorde menor tiene una raíz, una tercera y una quinta. Estamos jugando la raíz y el quinto, pero en realidad no estamos jugando al tercero. Parte de la razón, como mencioné, es que está demasiado cerca de la raíz y quinto que si terminas tocando notas juntos, simplemente suena fangoso, pero también partes de bajo generalmente bailan un poco alrededor de la tonalidad Es decir, la guitarra y el piano y el cantante van a ayudar a delinear la mayoridad o la menorsidad de la canción, posiblemente, más que el posiblemente, más Entonces la quinta octava raíz en realidad no es tocar la parte del acorde que lo hace sonar mayor o la parte del acorde que lo hace sonar menor Estamos bailando alrededor de territorio neutral y simplemente creando una base sólida. Si mayor o menor tipo de colores el sonido, queremos pensar en eso como una casa. El bajo es como la base de tu casa. ¿Qué tan elegante quieres que sea la fundación de tu casa? No lo necesitas para que sea elegante. Realmente, solo necesitas que sea fundamental y realmente solidario, y ese es generalmente el papel de un bajista Ahora, a medida que los bajistas progresan en sus carreras, pueden tener más de un papel que es directo. Alguien como Victor Wooten no siempre está poniendo las partes de bajo más simples Él puede tocar melodías, puede tocar acordes. Pero ese no es generalmente el papel del bajo, y hay que estar muy matizado en la forma en que aborda algo así Y para que quede claro, hablé de que la matemática de una octava el doble de frecuencia y una quinta que es como una relación de dos a tres, un tritón que es una nota inferior a la Por lo que hasta seis semitonos de tu primera nota tiene una relación de 1.414 Matemáticamente, eso es una pesadilla. Y se puede escuchar este sonido. Suena como una pesadilla. Entonces es muy importante la matemática entre las notas y la rapidez con la que vibran y cómo esas vibraciones interactúan entre sí Y aunque la base no siempre es tocar acordes, todavía mantiene en mente esta relación entre notas Ahora bien, lo que no estoy diciendo es que una base nunca podrá tocar el tercero de un acorde. Creo que como punto de partida, queremos tener raíces y luego octavas y luego quintas como una base sólida, y entonces podemos empezar a jugar un poco más con la introducción En nuestra próxima clase, vamos a estar hablando delinear tercios dentro de nuestras partes base Así que saltemos por encima agregemos algunas notas más con las que podamos tocar para ayudar al resto de la banda delinear el mayor o el menor de la canción. En otras palabras, la tonalidad. Te atraparé en esa próxima clase. 5. Delineado de tercios: Hacer. Entonces tienes tus raíces, octavas y quintas abajo. ¿Qué podemos agregar a nuestras piezas base? A continuación, voy a recomendar que empieces a buscar en trazar tercios dentro de tu movimiento en tus partes base Menos para sumergirse, habla sobre qué son los tercios y cómo puedes ponerlos dentro de tus líneas Entonces cuando tenemos un acorde como, por ejemplo, C, E y G. Esto sería una raíz, tercera y quinta de un acorde en Do mayor. La raíz es como un árbol. Es donde las cosas están a tierra. Es donde las cosas se sienten como base de operaciones. La quinta es la quinta nota de la escala de la que proviene, y la tercera es la tercera nota de la escala de la que proviene. Ahora, no siempre vamos a estar tocando el primer acorde desde una escala. Como en una escala de Do mayor, no siempre voy a estar tocando un acorde en Do mayor. Entonces cuando digo que es el tercero y quinto de una escala, más aún lo que quiero decir es cualquier nota que estés tocando dentro de esa escala, digamos que estamos en Do mayor y yo estoy tocando la cuarta nota, vas a ir dos notas de ahí y otras dos notas de ahí. Entonces encuentras un punto, subes a la tercera nota desde ese punto o hasta la quinta nota desde ese punto dentro de cualquier clave en la que estés tocando. En resumen, arriba un salto, arriba un salto. Eso crea un acorde. La nota de fondo es raíz, arriba un salto es el tercero, arriba otro salto es el quinto. Entonces ese tercero va a delinear la tonalidad. Si sólo toco una raíz en una quinta, suena bien. Suena poderoso. Tenemos ese tipo de sonido chuggy metal power chord Pero cuando agrego el tercero, oirás bajo, antes que nada, suena muy mal. Así que hay que tener cuidado cuando estás sumando tercios. No hagas esto armónicamente cuando estés tocando bajo en el instrumento En otras palabras, no la toquen junto con estas otras notas. Pero por ahora, lo traeré a colación en octava. Entonces aquí está el quinto. Y cuando agrego el tercero, ya puedes escuchar que suena mayor. O el quinto cuando agrego un tres plano o el tercero de una versión menor de la escala, ahora tengo un sonido menor. Ahora, como bajista, tienes mucho control. Si los pianistas tocan un acorde de Do mayor y tú tocas una C, realmente estás creando una base sólida debajo de él. Si juegas el quinto, estás dejando un poco de suerte de apertura. No está del todo sin resolver, pero no está completamente resuelto si juego el tercero Es una especie de crear un poco de brillo extra a ese sonido mayor, o tal vez si es menor. Se está inclinando un poco más en esa tonalidad menor. Entonces esto se llamaría acordes de slash. Estoy tocando un acorde en Do mayor, y luego la base está tocando una E, entonces es C E es como anotamos el acorde Pero en general, yo diría por ahora, como, 90% de las veces, vas a querer estar enfocado en la raíz de lo que sea el acorde. Si el acorde es D menor, concéntrate en tocar la D. Ahora, como dije, podrías quedarte en la tercera F y algo así cambiar el sonido del resto de la banda. Pero en esta clase, lo que quería llegar un poco más es solo la idea de pasar por ese tercio. Entonces hablamos de la raíz, D y la quinta. A, ¿y si me moví hacia arriba por la F? Bien, incluso podría volver a esa F en el camino regreso a la D. Ahora tengo este tipo de sonido. Algo así como una línea de bajo sca o incluso una especie de bajo andante dentro de una parte de Pero ahora puedes escuchar la diferencia es que puedo acceder a algo de la tonalidad dentro de mi parte de bajo En otras palabras, suena menor. Lo que estoy tocando no solo suena fundamental con raíces y puños, sino que ese tercero realmente ayuda a delinear ese sonido menor o mayor Ahora bien, si eres bajista de blues, quizá ya lo sepas Esto es muy importante para tener este tipo de esa primera parte del sonido es root, tercera, quinta, enseguida, y luego usualmente arriba, un seis y tal vez hasta un siete plano, un seis y tal vez hasta un siete plano, este clásico tipo Pero incluso solo las tres primeras notas. Algo así como que te da ese tipo de sonido de los 50 hacen op, y también puede prestarse hacia el blues. Entonces algunos estilos sí usan más de sus tercios dentro de la línea de base. Pero nuevamente, se reduce a la escucha activa. Escucha las partes de bajo que quieras recrear, intenta descifrarlas en el piano o incluso simplemente haz un poco de investigación lateral basada en ese género y mira, están usando raíces y quintas Lo más probable es que, ¿cuánto están usando tercios, aunque? Eso va a ser importante a tener en cuenta. Nuevamente, como recordatorio amistoso, no juegues tercios abajo bajo. Al igual que la idea de D a F abajo, simplemente suena desordenada Podrías tomar la F arriba una octava, así que tienes D hasta F. Y ese es un sonido bastante común para separar las notas, casi como una voz abierta en el piano, pero realmente solo una especie de separación de las notas del acorde, así que todavía tienes la raíz en la parte inferior, pero la quinta o la tercera podrían tocarse una Entonces ahí está, no nuestra clase más larga, sino simplemente agregar esta idea de la tercera como su propia entidad separada para recordarte que se usa con bastante frecuencia estilísticamente dentro de ciertos géneros, y lo que va a hacer es delinear más de la tonalidad, la mayor o menor del acorde que se está tocando Además, si quieres experimentar un poco armónico, intenta tocar el tercero o el quinto debajo del acorde que se está tocando. Tu guitarrista está tocando Do mayor, y en lugar de tocar C, sostienes la E, la tercera, o sostienes la G, la quinta Cambiará el sonido. No recomendaría hacer esto si estás tocando covers, pero si estás, por ejemplo, componiendo algo con tu banda y buscas tocar armónicamente con las cosas, entonces esa podría ser una elección súper sólida Ahora bien, dicho eso, si estás cubriendo música y la base original fue usar estos acordes de slash, entonces, por supuesto, siéntete libre de usarlos Entonces eso es todo para esta clase Outlining tercios, en la siguiente clase, vamos a hablar de dia y notas de paso cromáticas Ahora realmente estamos abriendo muchas más opciones de notas, y estoy deseando decirles de qué se trata en esa próxima clase. Te veré ahí. 6. Paso de notas diatónicas y cromáticas: Gota. Hablemos de la razón más importante para que conozcas escalas como bajista, como productor de líneas base, notas pasajeras diatónicas, y eventualmente hablaremos de notas pasajeras eventualmente hablaremos Estos son súper importantes. Vamos a sumergirnos. Entonces, antes que nada, ¿qué es una nota pasajera? Volvamos a nuestro ejemplo de un acorde en re menor. D, la raíz, F, la tercera y A, la quinta. Pero, ¿qué pasa con la E y la G que nos saltamos, verdad Teníamos D saltando la E a la F, y luego F saltando la G a A. Así que nos estamos saltando ¿Y si tuviera que pasar por ellos? D, E en mi camino a F, G camino a A. Estas son notas pasajeras. Estamos pasando por tonos no acordes para llegar al siguiente tono de acorde. Entonces podemos hacer esto ascendiendo. Podemos hacer esto descendiendo, y en algunos casos, incluso podría haber como una nota de doble paso. Entonces D, por ejemplo, si subo a F, he pasado por una nota. Ahora voy a subir a la quinta pasando por una nota. Pero la siguiente D está pasando por dos notas porque un acorde, mientras está hecho de todos los saltos, una vez que añades la octava, hay un cuarto en la parte superior de ese D salta hasta F, salta hasta A, sube una cuarta a la siguiente D. Así que ese cuarto podría requerir dos notas de paso estas se les llama notas pasajeras diatónicas porque diatónicas básicamente significa que es fiel Estamos pasando por una E camino a F. No voy a pasar por un piso E. Porque no forma parte de mi escala D menor. No obstante, hay algunas ocasiones en las que quizás quieras tocar algunas notas que no están dentro de la escala. Y estas serían notas pasajeras cromáticas. Entonces digamos que tengo un acorde D menor va a un acorde G menor dentro de la canción que estamos tocando. Quizá quiera tocar solo notas de mi acorde en re menor dos, tres, cuatro, pero lo que también podría hacer es después del tercer compás, consideremos algo. Uno, dos, tres, ahí están mis tres notas para mi acorde en re menor. Mi siguiente acorde es G. Y si fuera a partir de esta A, bajar a A bemol, me tira a esa G tan amablemente. Un bemol no está en mi escala D menor, pero tengo A como mi nota de tres latidos. Y en el compás cuatro, estoy haciendo un tono de paso cromático en mi camino hacia ese siguiente semitono, que me lleva a la raíz del Todo es decir, una nota pasajera cromática va a pasar de una nota va a pasar de hacia arriba un tono o hacia abajo un tono a través del semitono Se está moviendo vía semitonos o a una nota que no está dentro de nuestra clave Así que juntos, eso suena así. Muy importante en el jazz caminando basslines, ¿verdad? Tengo acorde de tono suena bien. Y luego voy a mi acorde G. Pero si toco este tipo de tono de paso cromático, ahora realmente empieza a sonar un poco retorcido y un poco jazzy Entonces, lo que recomendaría es que a medida que estás haciendo la transición de un acorde a otro, si notas que te queda un latido y necesitas rellenar la distancia de un tono o un tono completo, solo usa el semitono intermedio para una especie de puente entre esos dos Pero esto también puede funcionar si solo estoy vampando en un acorde. Digamos que no hay acorde G menor y solo estoy tocando D menor por un tiempo. A lo mejor podría tocar algo como root, que es estable, tercero, que es estable, cuarto, que es estable, agudo cuatro es un tono de paso cromático. A los cinco. Ahora fíjate que no estoy tocando una nota y luego usando un tono de paso cromático para saltar en alguna parte. Tiene que conectarse. La distancia que intentas llenar es un tono. Ahora, ustedes empiezan a rellenar muchos tonos de paso cromáticos, pero en algún momento pierde su objetividad de en qué clave estoy, qué se siente como base de operaciones, y cuáles son las notas dentro de mi escala Pero tirar el impar puede ser muy efectivo. Aquí tienes un pequeño experimento con el que puedes jugar. Toma una escala en Do mayor y solo pruébalo en las llaves. Todas las notas blancas, C a C. Ahora, tocarla de nuevo una vez más, pero llene la primera nota a la segunda nota y luego trabaje el resto de la escala. Ahora toma la segunda nota a la tercera nota. Entonces D se llena a E con un tono de paso cromático, y luego sube el resto de la escala Ahora, cuatro a cinco, cinco a seis y seis a siete. Entonces, si no te has dado cuenta de lo que estoy hablando, cuando digo cuatro a cinco, quiero decir, la cuarta nota de la escala tiene una nota pasajera cromática hasta la quinta Entonces probarías esto con todos los tonos dentro de la escala. C a D es un tono, intenta llenarlo. D a E es un tono, intenta llenarlo. Lo mismo con F a G, G a A y A a B. Una vez que escuches todas estas opciones, puede haber algunas que te gusten el sonido de más. Pero lo que empezarás a notar es la razón por la que después de que hagamos este relleno, solo voy subiendo el resto de la escala habitual es porque quieres asegurarte de que la relación de tonos de paso cromáticos a notas diatónicas, notas dentro de la clave no esté No quieres toneladas de estos tonos cromáticos de paso. Deberían ser como un poco de especia que añades a tus líneas de bajo Así que considera que los tonos de paso diatónicos son un poco más seguros y los tonos de paso cromáticos para ser un poco más aventureros Entonces, en términos de líneas de bajo seguras a coloridas líneas de bajo aventureras, tenemos jugando raíces solo raíces con octavas, raíces, octavas y quintas, raíces, octavas, quintas y terceras, luego agregando tonos de paso diatónicos, luego agregando luego tonos de paso cromáticos. Una vez que llegas a los tonos de paso cromáticos, te has graduado de tener líneas de bajo centradas alrededor una nota a la vez a tener todas las notas disponibles. Entonces, ahora que realmente hemos abierto las opciones de notas que tienes para tus líneas de base, juguemos un poco estilísticamente con notas largas y notas cortas Jugando legato, jugando staccato. Esto hace una gran diferencia en cuanto al groove de tus líneas de bajo. Entonces, hablemos de los largos y los pantalones cortos. Te veré en esa próxima clase. 7. Cortos y largos: Hablemos de los shorts y los largos dentro de tus líneas ¿Cómo suena si toco más notas cortas? Y ¿cómo suena, si toco notas más largas? Ya sea que estés tocando una parte de sintetizador o una parte de bajo de muestra, vas a obtener resultados muy similares Entonces, hablemos de ello y entremos. Una de las mejores formas de demostrarlo es simplemente llegar a una línea de base. Voy a tocar algo relativamente sencillo, y vamos a empezar con notas más largas. Ahora, quiero mencionar directamente de la puerta, el resumen de esta clase va a ser las notas largas son mejores para baladas y las notas cortas son mejores para las partes más funkier Pero las mejores líneas de base a menudo van a fusionar las dos juntas Entonces hay largos y pantalones cortos dentro de esa línea de base. Lo que no estoy diciendo es que las líneas con notas largas tienen que tocarse solo en baladas y que las líneas base con notas cortas solo tienen que tocarse en pistas más funkier Pero simplemente tiende a funcionar de esa manera. Pero al final del día, la mayoría estilizan una fusión de líneas de base relajadas y líneas de bajo groovy Y así, nuevamente, esa combinación de los largos y cortos y masterización que es muy importante . Entonces probemos una línea de base. Voy a llegar a algo sencillo. Estamos a 125 latidos por minuto. No sé a qué voy a tocar, pero vamos a llegar a algo. Aquí vamos. Vamos a probarlo. Yo, uno, dos, tres, cuatro. Entonces ahí está nuestra línea de base. Vamos a darle una escucha, y sólo voy a cuantificarlo un poco Mm. Bien, así que de inmediato, se puede escuchar que esto no es una Más aún de lo que estaba hablando son notas muy largas como esta. Este tipo de idea. Pero incluso podemos crear bastante groove con solo asegurarnos de que la densidad de nuestras notas dentro de cuatro tiempos sea bastante densa. Entonces notarás uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete, ocho, nueve, diez, uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete, ocho, diez notas en ocho ritmos. Quiero decir, este es un poco un punto dulce donde no es demasiado nody pero no es demasiado aburrido Entonces nuestra línea de base es una especie de repetidor para comenzar. Escucha lo que sucede cuando selecciono estos y hago las notas mucho más cortas. Voy a hacer esto con cada nota. Algunos de ellos eran más largos que otros, así que tengo que asegurarme de que voy a regresar y acortar algunos de estos otros. Ahora suena así. Bien, no exactamente super funky. Lo que tal vez podría considerar hacer es, como, duplicar cada nota Ponerse un poco más funkista. Podrías probar triples En algún momento, es exagerado, pero la idea es que puedes escuchar que esta línea de base solo está gritando para tener algunas notas largas dentro de ella Empecemos con una nota larga, así que tal vez un par de notas largas. Tipo de medio-largo para estos. Es decir, esta línea de bajo sí quiere unas notas más largas que más cortas, pero se puede ver que agregar un par de estas notas cortas hacen D D dum estas pequeñas clases de acentos staccato quiere unas notas más largas que más cortas, pero se puede ver que agregar un par de estas notas cortas hacen D D dum estas , siendo staccato las notas cortas, siendo staccato las notas cortas ayuda a agregar un poco más de groove o lo que podríamos llamar notas fantasma, estas notas ayuda a agregar un poco más de groove o lo que podríamos llamar notas fantasma, estas notas que son casi inexistentes. Y nuevamente, ten en cuenta que el bajo de muestra, si lo toco bastante a la ligera, me sale este tipo de cuerdas amortiguadas Entonces podrías tomar estas notas cortas. Baja la velocidad. Si estamos mirando aquí abajo, estoy tomando esta velocidad, y la estoy subiendo o bajando para que puedan ver. Yo solo le agrega un poco de groove a esa línea de base. Ahora bien, esto era una especie de línea de base repetitiva para comenzar Como ejemplo, si solo estoy tocando notas largas, podría ser algo así como algo así como algo aburrido, pero el resto de la banda tiene mucho espacio para tocar encima de esa simple línea de bajo. Al mismo tiempo, podría hacer algo como y jugar y ponerme realmente noty pero al mismo tiempo, ser mucho más corto con esas notas Eso nos acerca un poco más a una especie de línea de base maravillosa o funky Entonces, en serio, esto es de lo que estaba hablando en esa primera clase donde estás escuchando algunas líneas de base y preguntando, ¿Cómo se siente el groove ¿Y cómo puedo recrear ese sonido y ese groove en mi parte de bajo sampleado o sintetizador No es raro que se me ocurra una parte de bajo y luego tocar con la longitud de las notas. Sólo para ver si puedo conectar ciertas partes de la línea de bajo un poco más con notas más largas o crear algún surco de separación acortando algunas de Ahora, ten en cuenta que los términos para notas suaves y conectadas serían legato, y las notas cortas y desapegadas serían staccato Hay una característica divertida en Ableton que quiero mostrarte. Si toco una línea de bajo en Ableton con notas mayormente cortas, algo así como algo así, simplemente realmente un poco simple Lo que puedo hacer es seleccionar todo. Voy a hacer esto con un Control A para Seleccionar Todo, y lo notarás en el lado izquierdo aquí, y esto está bajo la categoría Pitch y Time. Sólo voy a redimensionar las cosas para que lo veas un poco mejor Pero verás que esta es la categoría pitch y T aquí. Y lo que estoy haciendo es que estoy mirando aquí abajo el botón de legato Cuando golpee esto, siempre y cuando estos sean todos seleccionados, mira lo que pasa. Boom, ahora todo está conectado. Entonces, si lo volvemos a jugar, así que si no eres bueno jugando conectado, pero eres bastante bueno hurgando, puedes probar esta función legato después, y te va a suavizar todo Encima de eso, un control rápido me dejarás cuantificar para que todo quede un poco más en el tiempo Suena como dulces sueños en este punto, pero creo que mi cuantificación debería establecerse en notas 16 y no en notas octavas Si solo hacemos bucle eso por un segundo. Ahora vamos a tomar un par de notas y acortarlas. Mmm. Se pone un poco más estridente, ¿verdad? Entonces de esto es de lo que estoy hablando jugar con acortar algunas notas Podrías comenzar con todo lo bonito y legato y simplemente sacar algunas de estas notas un poco más cortas Algunas de estas notas bajas que ya eran bastante cortas, como alrededor de esta longitud, resulta que sé que estas van a funcionar muy bien como notas fantasma porque estas notas bajas tienden a querer aguantar, y si no aguantan mucho tiempo, también podrías hacerlas bastante cortas, y muy también podrías hacerlas bastante cortas, a menudo eso te va a dar una especie de pequeña nota fantasma o una especie de acento dentro de su línea de base. No hay nada malo en aguantar esto. Sólo digo que estos podrían ser un buen lugar para comenzar en cuanto a qué acortar Además, cuando una nota se repite, intenta tomar la primera y acortarla, intenta tomar la segunda y acortarla Por lo general, una larga, una corta puede ser una buena fórmula para jugar con esas notas repetidas. El gran punto aquí es que cada estilo va a tratar estas notas largas y notas cortas de manera diferente. ¿Estás jugando en tres, cuatro, seis, ocho, 44? ¿Tu canción es rápida? ¿Tu canción es lenta? Todo esto va a marcar una gran diferencia. Pero al final, yo diría, escucha lo que toca tu banda. Si están jugando algo frenético y por todas partes, entonces podría ser una buena idea que coloques más una línea de bajo simple fundamental Pero si están tocando algo bastante simple, podría dejar un poco más de espacio para que explores algunas notas extra. No quieres ir demasiado lejos en los extremos. Si están tocando una balada, no quieres estar tocando metal fusion overtop Si están jugando a la fusión de metal, no quieres simplemente sostener una sola nota todo el tiempo. Generalmente, vas a tener que encontrar ese punto dulce para lo que funciona, pero solo ten en cuenta, es difícil cuando todos en una banda están tratando de tocar algo complejo. Puede ser aburrido cuando todos en una banda están tratando de tocar algo sencillo. Por lo que es muy importante idear una parte de bajo que complemente lo los otros músicos u otros instrumentos que están haciendo los otros músicos u otros instrumentos. En nuestra próxima clase, vamos a estar hablando la función de diferentes formas de onda. En otras palabras, la función de diferentes tipos de osciadores dentro de un Syth Vamos a salir un poco nerd con algunos conceptos básicos de síntesis. Te veré en esa próxima clase. 8. Función y formas de onda: El bien, vamos a hablar de la función de diferentes formas de onda dentro de una base de Synth Cuando digo formas de onda, estoy hablando de ondas sinusoidales, ondas cuadradas, y ondas en diente de sierra principalmente dentro del ámbito de la síntesis sustractiva, que es lo que les voy a mostrar Y al mismo tiempo, queremos considerar que estas formas de onda están oscilando una y otra y otra vez Por lo que estos también pueden denominarse osciladores. Todo es lo mismo. Entremos y hablemos de estos diferentes tipos de formas de onda Entonces lo que vas a hacer es ir a tu sección de instrumentos en Ableton, y vamos a estar buscando algo llamado analógico como nuestro Syth Vas a tomar eso y arrastrarlo algún canal midi abierto o incluso solo en este caso, d a cualquier área inferior donde diga soltar archivos y dispositivos aquí. Entonces tenemos esta instancia de analógico, y queremos estar viendo esta línea superior aquí y esta línea de fondo aquí como siendo básicamente lo mismo. Puedes ver que tenemos amplificador uno amp dos, filtro uno, filtro dos, oscilador uno, oscilador Por ahora, vamos a apagar Oscilador dos porque la idea aquí es que puedas tener dos tipos de sonidos y fusionarlos de diferentes maneras Por ahora, solo quiero mostrarte los fundamentos de estas formas de onda para que entiendas cómo podrían funcionar dentro de tus líneas Entonces vamos a apagar el Oscilador dos. Entonces el único botón amarillo del oscilador que tenemos es este de aquí, Oscilador uno Ahora, directamente en la puerta, esta forma es de lo que estamos hablando de los diferentes tipos de formas de onda. Entonces tenemos onda sinusoidal sinusoidal siendo latina para sin. No hay armónicos en esta ola. Es muy puro. Tenemos una onda de diente de sierra Parece que literalmente si haces zoom en una sierra, un pequeño diente en esa sierra, y una onda cuadrada acertadamente llamada, como puedes ver, todo está cuadrado y funcionando de estas formas muy angulares También hay ruido aquí. Eso no nos preocupa demasiado, pero vale la pena señalar que el ruido está disponible dentro de este sintetizador, utilizado principalmente para estratificar Entonces este es el punto en que quieres asegurarte de que estás usando ya sea auriculares o un juego decente de altavoces. Vamos a estar escuchando una onda sinusoidal, y estos son sonidos muy puros, sobre todo cuando son muy bajos. Ellos altavoces de flujo muy bien. No hay distorsión en el sonido. Funcionan muy bien como una base debajo de las partes de graves. Entonces, si escuchamos, es bastante bajo, y puedo ir aún más bajo si escuchas aquí abajo. Eso está abajo en eso como una especie de rango de 30 hercios. Tal vez no puedas escuchar esto en absoluto, pero de nuevo, si tienes buenos auriculares o un gran juego de altavoces, podrás escucharlo. Voy a subir de esta D una nota a la vez. A ver cuándo puedes oírlo. Mi conjetura es que a estas alturas deberías ser capaz de escuchar, ¿verdad? Solo escucha lo suave que es este sonido. Ese es un sonido fundacional bastante grande. Entonces, una cosa que puedes hacer es llegar a una línea base sobre una base de muestra, por ejemplo, entonces uno, dos, tres, cuatro. Algo sencillo. Si ahora tomo esto y lo duplico hasta el sintetizador que tengo, si solo lo escucho solo, voy a tomar esa onda sinusoidal y traer todas esas notas, entonces Control A para seleccionar, cambiar hacia abajo Ahora están abajo una octava. Eso va a ser muy difícil de escuchar. Pero de nuevo, si tienes buenos auriculares o buenos altavoces, podrás escucharlos. Pero lo que vamos a hacer es tomar espectro dentro nuestros efectos de audio y llevarlo a nuestro bus principal o una especie de bus maestro, y solo vamos a ver qué pasa mientras toco solo la onda sinusoidal. Entonces estamos mucho en ese sub territorio, sobre todo en estas notas bajas. Estamos subiendo a, como, base baja alrededor de 80 hercios. Pero todo por debajo de eso, como 60 hercios, estamos abajo en ese subterritorio donde sientes la base más de lo que la escuchas. Entonces, si echamos un vistazo ahora a la base muestreada que tenemos, echemos un vistazo a este territorio Las notas más bajas están alrededor de esos 70 80 hercios, pero en su mayoría está arriba alrededor de uno o 200 hercios. Entonces, si tengo el control, ahora puedo jugar ambos al mismo tiempo. Echemos un vistazo. Esa onda sinusoidal nos está dando toneladas de sub cimentación debajo de esta parte de base muestreada Ahora, te recomendaría si, por ejemplo, pasaras a los efectos de audio, y vas a simplemente tirar hacia abajo en Ocho. Entonces, en tu base muestreada, vas a tomar todo, desde unos 100 hercios hacia abajo y filtrarlo. Y luego en la base de Synth, voy a hacer lo contrario Solo quiero escuchar cosas por debajo de estos 100 hercios, que ya es el caso, pero solo estamos siendo muy cautelosos de esta manera Aquí está la base de Synth por sí misma. Aquí está la muestreada. Adelgazados un poco, pero juntos, tenemos una base realmente sólida para esa base mediante el uso de la onda sinusoidal Entonces, todo es decir, la onda sinusoidal es muy suave y funciona muy bien como una base sub debajo de una parte de graves, se usa muy a menudo como una especie de capa para estas partes de graves. A continuación, vamos a revisar el diente de sierra, mi favorito personal Éste va a ser un poco más arenoso, y me gusta mucho distorsionar este sonido Te voy a mostrar en su forma básica, y luego intentaremos distorsionarlo un poco Así que de nuevo, muy rápido, si vuelvo a la onda sinusoidal y toco una nota baja, verás que no hay armónicos, como, tal vez un poquito, pero esta es gran medida la nota fundacional Si voy al diente de sierra, mira todos estos armónicos Estamos escuchando camino, camino, camino arriba en el espectro de frecuencias. Entonces la distorsión tiene más que agarrarse y distorsionar en términos de esas frecuencias superiores Ahora, con lo que estoy jugando ahora mismo, si toco una tecla rápidamente, Mmm Como que se desvanece. Quiero que sea solo cuando golpee la tecla, está encendida. Cuando lo solté, se apaga. Entonces lo que tengo ahora mismo es que si toco una llave rápido, verás que tiene cola. Es una especie de lanzamientos a lo largo del tiempo. Si voy en este sintetizador en particular a esta sección de aquí, donde se representa el nivel, voy a tirar de este sustain up, jalar el lanzamiento adentro, así que tenemos una bonita forma cuadrada También haré lo mismo para la sección de filtros. Esto no es una gran inmersión profunda en la síntesis sustractiva, pero si solo sigues ese paso, échale un vistazo Mm hmm. Ahora está muy encendido y apagado. Dije, Suena genial con algo de distorsión. Primero probemos algo como Raw, que emula el pedal de distorsión Rat En realidad es el único pedal de guitarra que tengo. Es fantástico. Esto fue influenciado por escuchar mucho en attat y su bajista usa esto bastante Me encanta su sonido bajista. Recomendaría buscar en esto. Pero dicho eso, la UAD tiene su propia versión llamada Rah Se puede ver que el nombre es muy similar. Es un guiño a este pedal de distorsión muy sencillo. Si ahora toco un poco de parte de bajo, En realidad puedes sacar bastante de estas frecuencias más altas a medida que subes esta distorsión. Así que no querrías exagerar en el filtro. Permite abrir bastante el suyo o tratarlo más como una parte de graves sometiendo esas altas frecuencias con el filtro . Suena bastante bien. Pero podemos ir aún más extremos con algo como basura. Y uso esto bastante. Este es en realidad uno de esos pétalos de distorsión donde voy a tener que bajar un poco el volumen porque algunos de estos presets son bastante ruidosos Entonces para mostrarte, si tomo algo así como vamos a ir a la categoría agresiva como box in. Eso me gusta mucho. Pasemos a una onda sinusoidal y escuchemos cómo es diferente a través de la distorsión. Es genial. Tiene un poco de arena, pero no mucho Sigue siendo muy redondeado y una especie de sonido muy intacto Entonces la distorsión no tiene esas altas frecuencias con las que jugar, y ahí es donde vamos a escuchar la mayor parte de nuestra distorsión. Entonces, trabajando con esta melodía de sierra ahora tenemos toneladas de esos armónicos superiores con los que tocar Ahora bien, algo que mencionar es que una vez que he distorsionado la melodía de sierra si iba a, por ejemplo, ir aquí a mi canal principal principal y solo escuchar frecuencias bajas, nuevamente, auriculares de altavoces grandes, asegúrate de que estás escuchando en un dispositivo donde puedas escuchar esto, échale un vistazo Si tomo esa distorsión y realmente la pongo en marcha, en realidad voy a empezar a plegarse en estas bajas frecuencias. Es decir, las frecuencias base se ven bastante afectadas. ¿Escuchaste esa diferencia ahí? Y parte de esta cuadratura de estas sub-frecuencias realmente bajas va a hacer que su línea base no se traduzca tan bien en grandes clubes o sistemas de autos grandes, por ejemplo Entonces yo recomendaría hacer ese mismo truco que hicimos antes. Tener una onda sinusoidal como un extremo bajo agradable, suave y seguro a su parte base y luego barrer el extremo inferior en esta parte más distorsionada, similar a lo que hicimos en la base muestreada para que pueda ser la parte más textural de la Y los sonidos bajos, por ejemplo, esa onda sinusoidal va a ser la base más sólida. Así que muy rápido, lo que parece es duplicaré esta parte base de Ableton Voy a tener esto como la versión de onda sinusoidal, recortando todas las frecuencias altas. Y entonces éste va a ser lo contrario. Se va a cortar las frecuencias bajas. Es el diente de sierra. Y cuando lo juego juntos, ahora tengo mi onda sinusoidal baja baja. Y mi onda de diente de sierra arriba, algo que vale la pena mencionar, y me olvidé de hacer esto es en la onda sinusoidal, tomar la octava abajo una, generalmente Esto lo va a poner más abajo en el sub territorio. Entonces ahora cuando juego, se pueden ver estas frecuencias muy bajas, como 20, 30, 40 het. Cuando no tenía esto encendido, si volvemos a mirar hacia atrás, todo es como 80 señor, como un 68 hertz y arriba en esa baja D. Así que de nuevo, nuestra onda sinusoidal, el propósito de la misma es ayudarnos a empañar ese extremo bajo del sub. Así que bajándolo una octava, te va a dar ese tipo de rango muy amplio de frecuencias graves Tenemos nuestro sub apoyado abajo, y luego arriba arriba, tenemos este sonido distorsionado Y lo que es genial es que si le pones un ecualizador antes de la distorsión, cualquiera de estos baches va a afectar el tipo de tono o textura de la distorsión. Entonces cuando digo baches, estoy hablando estos baches paramétricos de ecualización, mira esto. Justo por ahí, nos sale un poco de gruñido, lo que suena bastante bien Y entonces puedes especie de nivelar las cosas a partir de ahí. Entonces la onda sinusoidal, la sub, y la parte superior distorsionada de la base se nivelan entre sí En fin, antes de sumergirme demasiado ese agujero de gusano, de nuevo, la ola de dientes de sierra te va a dar una especie de sonido muy arenoso, sobre todo una vez Tiene un poco de sonido gamy de video por sí mismo. Pero yendo al siguiente tipo de osciador o forma de onda, que es la onda cuadrada, mira esta. Estamos en, como, una especie de territorio Supermio con punta de batalla. Estamos como, allá por los días de NES SNES. Esta es la base de sintetizador de videojuegos que suena realmente de la vieja escuela sintetizador de videojuegos Si la traigo abajo en octava, oyes. Simplemente muy videojuego, muy arenoso. Y lo que estás escuchando es este tipo de encendido apagado, encendido apagado. Y eso es crear estos pequeños parpadeos o casi una especie de fuzziness a ese Esta es la idea de que la onda cuadrada está encendida y apagada. Y si te quitas y oscilas lo suficientemente rápido, obtienes este sonido arenoso Si lo derribo aún más, esa es una octava muy baja Se puede escuchar cada una de esas casillas encendiéndose y apagándose. Pero a medida que subo más alto, simplemente suena como un tono sólido. Entonces eso es algo que es realmente genial de la onda cuadrada, y también se puede escuchar un poco dentro de ondas de sierra. Pero a medida que te mueves más abajo, escucharás más separación de esos encendidos y apagados. Entonces por ahora, lo que yo diría es usarlo solo si estás haciendo algo como chip tune o música vieja de videojuegos. Pero si estás tratando de usarlo en un entorno más moderno, prueba esa misma onda sinusoidal abajo, para que tengas una buena base sólida. Observe que hice esto con base de muestra, diente de sierra y ondas cuadradas Me gusta mucho asegurarme de que mi onda sinusoidal esté abajo en ese subterritorio Así que mi subwoofer está golpeando algo muy suave y tengo mucho tipo de fundamento sucediendo debajo de mi mezcla. Eso te dará todo ese extremo extra bajo, pero los videojuegos no tenían todo ese extremo extra bajo en el pasado. Entonces, si realmente estás tratando de crear un retrosund solo quédate con la onda cuadrada Ahora bien, de nuevo, si vuelvo a entrar, por ejemplo, en el ataque, decaimiento, liberación sostenida, y juego con una forma que se parece a la que empezamos con, esto también funciona muy bien para ese viejo sonido gamy de video, algo así como hundirse en las Así que juega con un montón de configuraciones, pero ahora tienes una buena idea de la función de una onda sinusoidal, una onda en diente de sierra y una onda cuadrada Por supuesto, hemos hablado de usar la onda sinusoidal para acobarse abajo. También es bastante divertido a veces poner un poco de ruido encima. Entonces mientras tengo esta onda cuadrada, puedo agregar un poco de ese ruido blanco. Es cierto que es más que un poquito. Entonces querrás bajar el volumen aquí por este botón del oscilador Vamos a bajarlo tal vez 6 decibelios ish, tal vez un poco más Y ahora llenamos un poco más de las frecuencias más altas. Entonces tienes tu oscilador básico. Es bueno emparejar una onda sinusoidal abajo para un poco de cimentación, pero también es una buena idea tomar otro oscilador como una onda de diente de sierra y traerlo una octava, solo usando este pequeño botón de octava de aquí, tomarías esto y lo sacarías Entonces puedes volver a hacer esto si quieres, traerlo a colación una segunda octava, pero puedes ver cómo tenemos nuestro tipo de parte base fundacional Entonces, ¿queremos agregar sub información generalmente con una onda sinusoidal, o queremos agregar algo de ruido o un oscilador superior arriba Otra cosa que voy a mencionar es que este particular análogo de Syth, que viene de forma nativa en Ableton, no tiene ondas triangulares Las ondas triangulares funcionan de manera similar a las ondas sinusoidales. Son un poco más gruesos en cuanto a su estructura armónica. Entonces lo que yo diría es que si tienes acceso a ondas triangulares, siéntete libre de dejar esas en el subterritorio, también, también. Pero generalmente, por ahora, información sub base, me quedaría con seno y triángulo. Para información básica, tienes prácticamente todos los osciladores o formas de onda como opciones Y luego para la información superior, nuevamente, están todos disponibles. Generalmente no usaría una onda sinusoidal porque es muy penetrante y también puedes usar algo de ruido uptop Hablamos bastante ahí. En resumen, onda sinusoidal suave, suena bien, baja. Crujiente de diente de sierra, suena bien, distorsionado. Onda cuadrada, bastante retro suena muy bien para la melodía de chip y la vieja música de videojuegos. Y si tienes acceso a una onda triangular, pruébalo también baja. Será un poco más gruesa que una onda sinusoidal, y podría funcionar muy bien para la base de tus partes de graves. Entonces eso es todo para esta clase hablando de la función de las diferentes formas de onda dentro de la base Synth En esta clase, tocamos ADSR, que son estas cosas de aquí con las que estaba jugando En nuestra próxima clase, vamos a profundizar en esos ajustes de ADSR, atacar, decair, sostener y liberar Pongámonos a hablar de ellos. Te veré en eso a continuación. 9. Ajustes de ADSR: El Bien, hablemos de ADSR, ataque, decaimiento, sostener y liberar En la síntesis sustractiva y otros tipos de síntesis, es muy importante asegurarse de tener una comprensión de estas funciones básicas de envolvente Siendo sobre como, imagina que tienes un zumbido particular, y quieres envolverlo una manera que necesite ser jugado. Entonces tal vez se desvanece lentamente y luego cae en cascada lentamente. Tal vez el sonido comienza instantáneamente, mantiene el volumen completo y luego se corta instantáneamente. Esto es lo que estás envolviendo tus pequeños zumbos eléctricos u osciladores dentro Es tu sobre, es ADSR. Vamos a hablar de ello. Así que estamos de vuelta aquí con analógico otra vez, y aquí está el sonido que tenemos. Entonces la sección principal que vamos a estar viendo ahora mismo es esta sección de amplitud, y vamos a estar jugando con la envolvente del nivel. En otras palabras, el ataque, decaimiento, liberación sostenida sólo va a estar afectando el volumen. Entonces este pequeño tipo de diagrama de aquí, este es nuestro ADSR Ahora se puede ver escrito ataque, decaimiento, sostener, sostener tiempo, y luego liberar. este momento solo estamos preocupados principalmente por el ataque, la decadencia, el sostenimiento y la liberación. Entonces, si bien estos cuatro números aquí son importantes, podemos hacer las cosas muy visualmente por aquí. Comience haciendo esto dentro de esta sección de nivel, y luego también puede cambiar las cosas dentro de la sección de frecuencia justo al lado de ella. Entonces, lo que primero haré es conseguir la sección de frecuencia esté muy cuadrada por ahora, así que estamos escuchando solo el efecto del nivel o la amplitud y su envolvente En primer lugar, ataque. Si toco una nota, ahora mismo, se puede ver que el ataque es muy abrupto Entonces empiezo a activar el sonido a cero milisegundos, y dentro de los cinco milisegundos, estamos escuchando el Entonces va a decairse más de 227 milisegundos hasta un volumen en particular que se mantendrá hasta que suelte la llave, y entonces ese es el tiempo de lanzamiento ¿Cuánto tiempo tarda el sonido en bajar a cero después de soltar la llave? Entonces ahora mismo nuestro ataque es instantáneo, pero podría ralentizarlo sacando el ataque. Podría ir aún más. Y ahora nos estamos hinchando en el sonido. Mm. Así que eso puede ser genial para un tipo más suave de partes de bajo. Pero generalmente con base, nos gusta tener un poco de ataque. Entonces vamos a mantener ese ataque ahí. Lo que notarás es que hay este tipo de puñetazo en el sonido, y luego el volumen baja un poco. Esto es un poco más difícil de notar, pero mira si puedes notar el tipo de impacto del sonido Es como, boom, arco. Es muy sutil. Pero lo que notarán es que si tiro de esta manera hacia abajo, ahora realmente podemos escuchar la diferencia de ese impacto y luego el volumen de lo que está aguantando. Entonces esta es tu decadencia y sustento trabajando juntos. ¿Cuánto dura ese golpe inicial? Si es largo, tienes un largo tiempo de decaimiento. Si es corto, tienes un tiempo de decaimiento corto. Y qué fuerte es el sonido cuando aguanta. Eso estará determinado por el volumen sostenido. Entonces, si tiro de esta manera hacia la derecha y lo mantengo bajo, esa decadencia está tardando una eternidad en callarme. Y luego en algún momento, va a aguantar en este menor volumen. Si lo tiro muy cerca del tiempo de ataque, ahora, tengo un blip muy rápido de un sonido mi decaimiento en algún lugar intermedio probablemente sea mejor, y entonces puedes tomar tu sustain para determinar cuál es el volumen de la porción retenida de este sobre Pero de nuevo, cuando me suelte, escucha. Aquí estoy yo soltando. Escucha cuánto dura ese lanzamiento. Está tomando bastante tiempo volver a cero o ningún volumen. Así que muy a menudo, como, esto es un completo de 3 segundos. Muy a menudo, tendré mi lanzamiento lo más corto posible. Quiero asegurarme de que cuando lo suelte, el sonido se detenga con él. Está bien tener un poco de liberación. Se siente bastante natural, pero yo diría, general, no vas a querer ir con un lanzamiento enorme. A menos que el punto sea, por alguna razón, como, digamos, tengo que tocar una nota de bajo y luego repasar y tocar algunas otras teclas de algún tipo, puedo tener esa nota sosteniéndose y algo así decayendo lentamente con el tiempo, basado en el hecho de que acabo de mover una tecla otra vez, ese soy yo solo tocando Ahora puedo jugar otro papel. Entonces, para algo como live looping, podría ser una buena idea tener un lanzamiento realmente largo, en este caso, 15 segundos, bastante largo Pero en general, un lanzamiento bastante corto estamos en ese tipo de proximidades de cinco milisegundos a, como, 300 400 milisegundos es probablemente un buen lugar para comenzar Ahora bien, si vamos a otro sintetizador, por ejemplo, algo moderno como el suero, vamos a notar que hay una sección sobre, sobre uno, dos y tres Ahora, en este preset particular, de este sonido base. Mientras miro a mi alrededor, lo que notarás es que este filtro de corte se está moviendo bastante Y si miras mientras me desplace, verás Sobre dos y macro uno. Eso es lo que está afectando a esta perilla. Sobre dos, esta forma está afectando cómo funciona este filtro. Y también puedo hacer esto con volumen. Entonces digamos que el filtro está apagado. Ahí está nuestro sonido. Vamos a arrastrar el sobre dos a nuestra perilla de nivel. nivel está abajo hasta el final, pero esta gama de esta perilla azul aquí es cuánto va a afectar el sobre a esta perilla en particular. Entonces lo verás muy diferente a medida que lo tire hacia arriba y hacia abajo. Entonces esto es lo que antes se tiró al corte. Sólo voy a deshacerme de él. Vamos a quitar el modulador dos. Y mientras juego con esto, verás que es lo mismo. A medida que tire hacia la derecha, podemos afectar cómo se están hinchando las cosas en términos de este filtro y cómo se está utilizando. Muy bien, ataque tan grande, ataque lento. Aquí está nuestra decadencia y nuestro sustento. Entonces, si quiero tenerlo aguantando, tengo ese sustain up, pero si lo quiero más como un desplumado, tendría el sustain abajo Así se puede ver, incluso con este sonido base, el ataque lento sigue funcionando bastante bien. ¿Ataque rápido? Bastante contundente. ataque lento podría funcionar muy bien como, como, una especie de base de batería y bajo. Entonces el punto aquí está en que la mayoría de los sintetizadores, vas a poder usar un sobre, atacar, decaimiento, sostener, liberar para afectar a múltiples cosas Yo diría comenzar entendiendo cómo afecta volumen y luego entendiendo que puede hacer lo mismo por un filtro. ¿El volumen se está haciendo más fuerte gradualmente o de repente se está volviendo más fuerte? Ese es tu ataque. ¿El sonido poco a poco se amortigua así ¿O sucede muy rápido? Eso sería un ataque lento o rápido a tu filtro. Pero nuevamente, puedes aplicar estos ajustes a otras cosas, también, también, como la desintonización, el paneo y mucho Por último, repasemos algunos ajustes preestablecidos de suero diferentes y juguemos con los sobres para ver cuánto puedes tomar un preset básico y hacerlo tuyo bastante rápido jugando con estos ajustes de sobres Entonces aquí está nuestro siguiente sonido. Y de inmediato, se puede ver que está pasando bastante Hay movimiento aquí, hay movimiento aquí, hay movimiento aquí y aquí. Pero nuevamente, a medida que me desplace sobre el corte de nuestro filtro, veremos sobre dos es una de las cosas que afectan a este filtro. Así que vamos a Envelope dos y juguemos un poco con este sobre. Así que mantenemos la misma textura tonal, pero realmente estamos cambiando la forma de cómo se desarrolla ese sonido Nuestro siguiente sonido es bastante básico. Es una base básica de onda cuadrada. Realmente no hay mucha modulación. De nuevo, verás que hay un sutil roll off para este tiempo de lanzamiento. Si es absolutamente repentino, suena un poco más artificial, demasiado largo, y estás consiguiendo bastante superposición entre notas potencialmente. Así que vamos a acabar con esa decadencia. Y de nuevo, obtenemos más de una especie de sonido arrancado. Pasemos al siguiente. Entonces ahora estamos empezando con un sonido desplumado. Y. Intentemos que se sostenga y sostenga. Un tipo de sonido muy diferente, ¿verdad? En términos de función, si tienes esto en una canción, hay mucho espacio para otros instrumentos. Hay bastante espacio entre estos sonidos. No obstante, si empiezas a tirar de esto hacia arriba. Ahora, es mucho más todo abarcando y ocupando más espacio dentro de tu mezcla Para nuestro último, intentemos jugar con el sobre en un par de configuraciones más. Aquí está nuestro sonido inicial. Otra vez, bastante contenta. Voy a quitarle el retraso por ahora en esta sección de efectos. Y vamos a jugar un poco con el sobre. De nuevo, sustentador, rápido y contundente. Vayamos a algún punto intermedio. Tomemos este sobre y lo movemos para desintonizar. Entonces estamos empezando muy desintonizados, y luego jalando hacia un sonido más puro Eso es dar un poco más de arena desde el principio. Ahora bien, si jugamos con algunos tipos diferentes de formas de onda y muevo la posición de la tabla de ondas, verás que esta perilla cambia el sonido con el tiempo. Se ve realmente genial. En este punto de vista. Todo lo que tienes que hacer es hacer clic en esta imagen, y verás que ahora mismo no se mueve, pero si saco el sobre dos sobre la posición de la tabla de ondas, y podemos hacer que se desplace a través de diferentes formas de onda o diferentes partes de esa alteración de forma de onda Así que por aquí hay bastante diferencia de textura en esa pequeña sección de la forma de onda Así que de nuevo, realmente puedes comenzar a experimentar y explorar en cuanto a dónde aplicas tus sobres. Y en algo así como suero, puedes tener una forma de sobre particular, una segunda forma de sobre, y una tercera y aplicar esas diferentes formas a diferentes perillas Así es como cuando estás pasando por paquetes preestablecidos, estás escuchando todos estos sonidos realmente detallados. Básicamente se trata de un montón de estas formas, que en este momento son sobres, pero también hay secuenciación por pasos y LFP, que no hemos hablado fuera del contexto de esta clase, sino estas formas que están alterando estas diferentes perillas que afectan a diferentes parámetros Si giro esta perilla y hace que el sonido sea más crujiente, ¿cuáles son algunas formas que puedo aplicar a esa perilla para jugar con la forma en que ese crujido se juega rítmicamente o tal vez con Entonces, a lo que realmente me refiero aquí es cuando encuentres algunos presets de base que te gusten, siéntete libre de jugar con el ataque, decaimiento, sostener, liberar Puedes hacerlo más o menos contundente. Puedes hacerlo más o menos agresivo, y realmente te da muchas oportunidades de explorar lanzando estos sobres sobre perillas casi aleatorias y solo viendo qué resultados obtienes para que eventualmente cuando tengas un sonido que te guste, lo hayas hecho tú mismo, acabas de empezar con un preset para ayudarte Entonces, por ahora, esos son los fundamentos de ataque, decaimiento, sostener, liberar, tu configuración de ADSR Ataque, ¿qué tan rápido se introduce el sonido? Decay, ¿baja un poco después de ese golpe inicial? Sostener. ¿Se sostiene después de que ha bajado? Y si es así, ¿a qué volumen? Suelta cuando suelte la llave, ¿cuánto tiempo tarda en apagarse el sonido? Juega con esos ajustes de volumen y filtros para comenzar y luego a partir de ahí, intenta explorarlos, aplicarlos a otras perillas, ya sea desintonizar, posición de mesa de ondas o cualquier otra perilla que altere el sonido Entonces eso es todo para esta clase. En nuestra próxima clase, vamos a hablar de aplicar groove a tu base a través de la piscina de surco. Te veré ahí. 10. Cómo agregar groove: Arriba. Bien, hablemos de agregar surcos a tu línea de base Usando la piscina Groove de Ableton, entremos. Entonces para este video, en realidad voy a estar bloqueando donde está el groove pool con mi video. Entonces lo que voy a hacer es ampliar un poco esta sección. Sí, abarrota esta sección superior, pero está bien. Permite ver el surco de la piscina. Puedes ver aquí dice nombre de groove, y va a haber algunas cualidades el groove que selecciones. Desde el principio, realmente no necesitarás hacer mucho ajuste con eso a menos que realmente vayas por un groove muy específico. Pero hay tantos en Ableton que vas a poder encontrar algo que estoy bastante seguro de que te gusta directamente por la puerta. Entonces, ¿qué es un groove? Un surco es básicamente aplicar swing, pero también puede hacer algunas otras cosas. Entonces si tengo un patrón de sombrero alto que va uno y dos, y tres y cuatro final, puedo usar un algoritmo de groove, así va uno y dos, y tres y cuatro final. Pero puede ser más complejo que eso. A lo mejor es uno y dos, y tres y cuatro y uno, donde es un poco tartamudeado un poco, un poquito de ese tipo de sonido de tambor borracho de Jdilla , depende del groove que Pero desde el principio, voy a recomendar que vayas con las ranuras MPC dentro de la categoría swing Te va a dar algún swing básico para empezar. Y lo que he hecho es que he creado un drum beat aquí, y le vamos a aplicar algún swing. Ahora, notarás que por aquí, está esta pequeña sección de surco, y ahora mismo está puesta a ninguna porque no hay surcos disponibles. Arriba del lado izquierdo aquí. Ahora bien, este es Ableton 12, pero sé ya en Ableton diez, por ejemplo, lo que harías es hacer clic derecho en el área de la piscina de surco y seleccionar Agregar Groove o algo así, y luego va a poblar un montón de surcos que y luego va a poblar puedes Pero ahora está esta categoría de surcos por encima de esta manera. Entonces vamos a seleccionar surcos, y tienes que preguntarte, estoy jugando en un octavo sin grilla o en un 16 sin grilla? Es teta, Tata. Lo que enA dos e anda, tres y un cuatro anda, o es tet Tet teta, uno y dos y tres, y cuatro final He creado un beat aquí que tiene el segundo ejemplo, las octavas notas para los sombreros altos. Entonces vamos a voy a ver con qué puedo salirme con la suya aquí con un poco más de espacio de pantalla. Dentro de este swing MPC 3,000 octavos, verás diferentes números Esto es básicamente pensar como un porcentaje de lo mucho que se balancea. Entonces 71 se balanceó bastante, 57, un poco más sutil Entonces, si tomo, por ejemplo, 57, puedo arrastrarlo hacia abajo en el área de la piscina de surco aquí y verán que sí se pueblan en esta área de aquí Para que puedas previsualizarlos haciendo clic en ellos. Y cuando encuentres uno que te guste, puedes arrastrarlo hacia abajo en el surco de la especie de área de la piscina, que está abajo alrededor de esta área, o podemos arrastrarlo directamente hacia abajo en surcos aquí abajo. Así podría arrastrarlo hasta aquí abajo. Ahora, digamos que tomo 64, por ejemplo, un segundo algoritmo de swing, y lo traigo aquí abajo. Lo que notarás es que ambos están poblados aquí arriba y ambos están poblados aquí dentro de esta lista. Escuchemos 57 y los 64 un poco más afectados en la batería, y luego hablaremos de cómo transferir esto a la base. Ahora, antes de que te enseñe el columpio, aquí es recto. Una especie de ritmo de rock bastante clásico con algunos divertidos sonidos cromos Tenemos 57 como nuestro algoritmo de swing más ligero. Ya podemos escuchar el swing, y aquí hay 64. Entonces esto es bastante significativo una vez que llegas al 64, pero mantengámoslo seleccionado por ahora solo para que todo sea un poco exagerado y fácil de escuchar Ahora, digamos que se me ocurre una línea de base y voy a seguir adelante y quitarme cualquier swing de la batería inicialmente. Digamos que todo se juega directo por ahora. Mmm Entonces voy a seguir adelante y grabar una línea de base que sea recta. Sonaría algo así. Doblar Algo bastante simple. Entonces tal vez solo hacemos la mitad de la longitud de los tambores. Es lo mismo que se repite. En fin, si tuviera que volver a escucharlo, voy a cuantificarlo primero, así que controla A para seleccionar A en esta área midi, Control U para cuantizar Entonces vamos a revisar primero este surco sin columpio en los tambores ni en la base. Depender. Ahora, sigamos adelante y subamos a los tambores, aplicamos el columpio 64, y vamos a bajar a la base y aplicar lo mismo. Y escuchémoslo ahora. Did Todo está balanceándose porque lo he aplicado a la batería y al bajo. Entonces he visto a algunos alumnos que aplican swing a la batería, pero luego no lo consideran en otros instrumentos. Es muy importante, y quiero asegurarme de que si estás aplicando swing a algunos instrumentos, la banda estaría balanceándose entre sí, así que todos los instrumentos deberían tener algunas instancias del swing si están tocando en esa cuadrícula de octavos. Ahora, otro ejemplo que es genial aquí es que podríamos seguir adelante y traer algún tipo de bucle de batería. Así que vamos a entrar en, como, la casa disco. Vamos a ver lo que encontramos aquí. A mi me suena bien. Hay un poco de swing horneado en esto, así que vamos a arrastrar esto aquí abajo y vamos a hacer clic derecho, vamos a ir a extraer surcos. Esto es realmente poderoso dentro de Ableton. Vamos a seguir adelante y seleccionar extraer Surcos. Y lo que está haciendo es que está leyendo esta información de drum loop para ver cuál es el swing que se está aplicando en esta etapa de las cosas, Como ¿qué tipo de swing tiene el loop? Y lo que notarás es que por encima del lado izquierdo aquí, tenemos ese columpio que ya está disponible. Entonces voy a silenciar la batería. Cuando seleccione la base, debería ser claro, voy a silenciar estos tambores superiores, los tambores midi, pero vamos a mantener el bucle midi tocando y tocando la parte del bajo. Pero ahora la parte del bajo, voy a aplicar el swing de este loop para que los tambores tengan un algoritmo de swing similar al loop, y deberían trabarse bastante bien. Escuchemos la base sin ningún algoritmo de swing con estos tambores girados en bucle, y luego aplicaremos el algoritmo para escucharlos juntos. Entonces aquí vamos. Ve a hacer. Suena bien. Apliquemos ese swing y veamos cómo suena. Bien, y yo, suena más encerrado. Podría ser como un efecto placebo. Veamos si podemos encontrar un drum loop que tenga algún swing muy evidente, un poquito más swing e intentar hacer el mismo proceso una vez más. Entonces tomemos este de aquí. Entonces volvamos a hacer eso, donde jalamos en nuestro bucle de batería. Vamos a hacer click derecho y extraer Groove. Notarás en este lado derecho aquí, no hay atajo para extraer surcos. Womp womp, pero no lo vas a usar una tonelada entera. Solo necesitas extraer una ranura y luego aplicarla a otros instrumentos. Dejemos que haga lo suyo. Bien, entonces vamos a volver al bajo, y vamos a aplicar de nuevo una versión recta del algoritmo de swing. En otras palabras, no hay swing. Vamos a escucharlo con el ritmo. Vamos a escucharlo con el columpio. Suena algo así. Entonces creo que lo que estoy notando aquí es que en realidad no estamos escuchando demasiado. A mi me suena más encerrado, pero solo podría ser placebo. Creo que es porque los tambores son secuestrados, pollito, cha, pollito, son notas 16. Entonces lo que podemos hacer es tomar la parte del bajo. Vamos a dividirlo por dos, y vamos a multiplicarlo. Entonces ahora está en una cuadrícula de 16 notas. Ahora lo estamos escuchando, ¿verdad? Entonces si voy a ninguno, Teca tack ta ta, ta, ta ta ta. Si lo balanceo con ese nuevo algoritmo Así que ahora está un poco más encerrado con los tambores. Se siente un poco torpe en esta parte de aquí, pero se puede escuchar el columpio en esta mitad delantera aquí Es bastante fácil de escuchar. Y entonces algo pasa aquí. Nuevamente, estos algoritmos no son swing perfecto. Están tomando pequeños matices del ritmo fuera de solo swing básico, si hay algunas pequeñas inconsistencias, va a retomar eso. Pero suena bastante bien. Suena encerrado con los tambores. Una vez más. Suena así. Es caro. Así que solo ten en cuenta, ya sea que estés tomando un groove de Ableton y aplicándolo a todos tus instrumentos con un montón de información MIDI, o si quieres tomar el groove de una forma de onda como un drum loop, eres capaz de hacerlo Lo último que voy a mencionar es que también puedes tomar ese surco y aplicarlo a otro bucle de batería. Digamos que tenemos algo que no tiene swing, bueno, ahora podemos agregar swing a ese bucle. lo que te voy a advertir Con lo que te voy a advertir es que si hay un loop que tiene swing, extraes el groove, y hay otro loop que tiene swing diferente y aplicas el swing del primer loop al segundo, vas a obtener algunos resultados wonky Esto es realmente por pasar de un ritmo recto a oscilar o oscilar a No trabajes en este tipo de entorno de swing a swing. Se va a poner realmente loco, créeme. Entonces tomemos algo como este bucle de batería aquí, que es bastante recto. Suena así. Y le vamos a aplicar algún swing. Tomemos uno de los algoritmos de swing de uno de los últimos bucles. Vamos a probar este de aquí. Ahora bien, esto está en una cuadrícula de octava nota. Entonces en realidad, este algoritmo de swing no va a funcionar porque el bucle del que sacamos el algoritmo de swing fue chick, Jack, chek haka mejilla cha, uno Eenda dos EN, tres, EN, cuatro eenda, 16 notas Se trata de notas más octavas, por lo que podríamos aplicar solo uno de los columpios básicos del MPC Pero aplica la misma filosofía. Se oye que hemos agregado algo de swing a este bucle de audio. Entonces, ya sea que estés balanceando loops que son información de audio o midi, todo es posible en Ableton, y luego tomas eso y lo aplicas a cualquiera que sea tu parte de bajo Empiezas tocando una parte de bajo simple que está en la parrilla, y luego aplicas el swing. De igual manera, si has tocado una parte de bajo o alguien más ha tocado una parte de bajo y hay un swing particular dentro de él, y luego creas tu ritmo de batería, ¿por qué no crear el ritmo de batería en línea recta solo en un ritmo recto y luego extraer el groove del bajo y luego ponerlo eso a la batería Ahora, digamos que toco algo así, y voy, Así que eso es muy oscilado uno anda, dos anda Puedo extraer el groove de la información MIDI, o puedo aplanarlo a audio y luego hacer lo mismo donde estoy extrayendo el groove del loop de audio Todo esto es decir, Ableton tiene surcos, pero también puedes sacar surcos de loops preexistentes o MIDI Luego puedes aplicarlo a otros loops o MIDI. Pero nuevamente, solo ten cuidado de no aplicar un algoritmo de swing a otra muestra que ya está oscilada Eso es todo para esta clase en la alberca de groove. Sé que mucho de lo que te estaba mostrando fue en el contexto de la batería, pero los tambores van a abastecer ese surco, y va a repasar y ser reaplicado a la base También se puede realizar ingeniería inversa, como mencioné, comenzar con una parte de bajo groovy, extraer la ranura y aplicarla a un ritmo de tambor recto para que los tambores tengan la misma ranura que la base Dicho esto, entendiendo cómo aplicar la ranura a los tambores y a la base, esos dos juntos necesitan bloquearse. Entonces es súper importante que habláramos de ambos. Entonces eso es todo para esta clase de agregar algo de groove a tu base. En nuestra siguiente clase, vamos a sobre la compresión. ¿Cómo se comprime una base? ¿En qué se diferencia la compresión paralela en el bajo de algo así como la compresión paralela en la batería? Vamos a sumergirnos en la base comprimiendo en esa siguiente clase. Te veré ahí. 11. Compresión del bajo: Gota gota. Bien, hablemos de compresión base. En esta clase, no voy a usar Synth o base muestreada Voy a grabar una base cruda. De eso no es realmente de lo que trata este curso. Específicamente, estamos trabajando con muestra y base de sintetizador Pero lo que te diré es que mayoría de las bases de Synth realmente no tienen demasiados problemas con la compresión, así como muchas bases muestreadas Ya están una especie de pre efectuadas. Entonces quería darte algo realmente crudo que luego pudiéramos comprimir, solo para mostrarte cómo puedes hacer esto si tienes problemas con la compresión de tu base. Ahora, como una visión general rápida, la compresión es esta idea de que cuando ocurren cambios de volumen, veces no queremos tanto de un cambio de volumen y queremos asfixiar esa diferencia de Queremos comprimir el rango dinámico. Queremos que los blandos se sientan un poco más fuertes, los ruidos se sientan un poco más Realmente, lo que estamos haciendo es tomar los ruidos y hacerlos más suaves y luego sacar a colación toda esa señal para que, de nuevo, los sonidos más suaves y luego sacar a colación toda esa señal para que, de nuevo, se sientan más suaves y los suaves se sientan más fuertes Comprimir la base tiene sus propias dificultades porque a un compresor, estas bajas frecuencias tienen más energía, y desencadenan la compresión para que algo de extremo superior de la base, y algunas de las cosas que están sucediendo es mayor contenido anotado se sobrecomprime. Así que queremos asegurarnos de que tenemos una forma de entrar en nuestro compresor con una señal bastante equilibrada para que las bajas frecuencias no estén activando demasiada compresión, o bien usamos algo llamado compresión paralela Hablemos de ambos y entremos. Ahora bien, lo que he notado desde mi interfaz es que cuando grabo en la base, este micrófono no funciona, y esta es una configuración relativamente compleja. Entonces lo que voy a hacer es que voy a grabar una parte base. No voy a estar hablando durante ese tiempo para que Ableton pueda grabar en la base Y luego nos pondremos a hablar de cómo comprimir esa base. Bien, entonces esta es una parte de graves bastante buena para que podamos trabajar porque no es perfecta en términos de volumen, consistencia en todo momento. Y traté de explorar algunos rangos diferentes en el bajo pasando por las cuatro cuerdas. Aquí está mi parte de bajo bastante fortuita. Suena así. Mm. Entonces las notas más altas accidentalmente no toqué tan fuerte. No soy bajista avezado. Puedo tocar partes de bajo pasables por el bien de la composición, pero no estoy practicando dos, 4 horas al día, ese tipo de idea Entonces es genial que no tenga la parte perfecta, porque ¿y si esto es lo que obtuvimos de los músicos al final del día, de nuestro sampler, de nuestro sintetizador A lo mejor hay algunas diferencias sutiles en el volumen a medida que te mueves más alto, sea lo que sea, incluso puedes ver visualmente que esto quiere ser comprimido. Hay más energía pasando aquí, menos energía pasando aquí, y no fue intencional. Entonces, ¿cómo suavizamos las cosas? En primer lugar, podríamos simplemente dar una especie de bofetada algún tipo de compresor en la parte de graves Entonces digamos que solo uso el compresor de Ableton. Hay ciertos como el 11 76 y LA dos A, donde están como que van a compresores para bajo y para voces y este tipo de cosas. Solo estamos usando los enchufes de stock de Ableton tanto como sea posible Entonces vamos a dar una escucha. Estamos echando un vistazo a la línea de bajo. Vamos a darle un bucle. Mm. Para que veas si bajo el umbral hasta aquí, va a comprimir esas primeras notas, y no va a tocar el resto. Y esto es algo importante para sacar a colación en esa muy a menudo compresión de cereales, no el tipo de cereal que comes, sino SERIAL es bastante importante. Tener un compresor tipo de domar algunos de los picos pícaros y luego un segundo compresor para suavizar las cosas. Entonces, lo que podría parecer es estos ajustes ya me parecen geniales, al igual que un ajuste de ataque bastante rápido en un lanzamiento de milisegundo con el que puedes jugar un poco Sólo voy a mantenerlo a los 30, cual es relativamente rápido. Y prefiero esta vista por aquí. Así que sólo vamos a tirar esto hacia abajo. Mm hm. Y podemos ver que la reducción de ganancia está haciendo mucho más en esas primeras notas. Ahora, lo que voy a hacer con este segundo compresor es que voy a crear una nueva pista de audio. Voy a configurar la entrada para remuestreo. Y lo que eso va a permitir es que si solo esta parte de bajo y armo esta parte base aquí, vamos a poder grabar en una nueva pista y ver las diferencias compresión con las que estamos tocando. Primero, si tuviera que configurar este segundo compresor a unos diez milisegundos de ataque y liberación automática, van a ver que las cosas se ponen un poco más picantes. Échale un vistazo a esto a medida que avanzamos. Vamos a grabar bajando. Quiero decir, probablemente me gustaría grabar esto en Mono, pero el punto sigue en pie. ¿Ves todos estos pequeños picos que están pasando en comparación? Vamos a sacar esto un poco. Ese es nuestro tiempo de ataque de diez milisegundos, dando un poco más de puñetazo Pero luego mira todo el control. Al igual que, si miras esta cola versus esta cola, es como, tal vez 15% diferente. Mira esta cola versus esta cola. Es como, 80% diferente. Entonces a partir de ahí, puedes elegir suavizar las cosas. Si no quieres que sea tan contundente con estos grandes transitorios, puedes bajar el tiempo de ataque y echar un vistazo a cómo esto lo cambia H. Las cosas se ven bastante lisas. Vamos ataque cero y ataque cero y veamos cómo suena eso. Entonces incluso entonces vamos a ver un poco de este ataque a estas notas. Queremos algún ataque. Y parte de eso, creo, tiene que ver con la rodilla, el hecho de que el compresor va sumando lentamente esta reducción de ganancia con el paso del tiempo. No voy a adentrarme tanto en, como, lo que es una rodilla y todos los diferentes elementos de un compresor. Ahora mismo, solo estamos hablando de lo básico, mayormente ratio, ataque y liberación. Observe cómo la relación se fijó en cuatro a uno. Eso es muy común para el bajo y para las voces. Tiendo a no tocarlo demasiado, pero a veces puedes tomarlo hasta diez a uno si quieres un poco más de control sobre esos picos pícaros, como creo que este primero podría funcionar bien como una proporción de diez a uno Pero por la suave mantequilla que vamos por en el segundo compresor, lo mantendría en cuatro a uno Así que vamos a mantener esto en un milisegundo, y luego este de aquí, vamos a establecer en diez milisegundos Vamos a volver por ese tipo de sonido más punchier . Suena algo así. Bien. Y ahora, a partir de aquí, las cosas son fáciles de controlar porque puedes ver que todo parece, si me deshago de estos pequeños picos, verías que todo se ve realmente suavizado Incluso podrías ir un paso más allá, y podrías traer algo así como un clipper Y en este caso, voy a usar, no lo sé, probablemente quiera usar clip estándar o algo un poco menos intensivo de CPU, y derribar nuestro clip, así que nos estamos quitando algunos de esos pequeños picos. Se puede ver que el rojo es la reducción. Y no estamos recortando la, la parte basi del sonido, solo el ataque inicial No quieres recortar frecuencias base, pero cuando son estos pequeños tipos de transitorios los que están sucediendo, puedes recortarlos y echar un vistazo a cuánto control tenemos ahora en esta señal final Adiós, pinchos. Solo tenemos un poco de transitoria extra fuera del inicio, que para base es bastante común. Si estamos escuchando, Esas notas más altas realmente no suenan casi tan silenciosas en comparación con esas primeras notas bajas como lo hacían antes. Entonces eso sería como compresión serial. Domar algunos picos pícaros. Entonces también puedes elegir crear la cantidad de ponche que quieras en el segundo. Estás dando forma al tono. Y entonces si hay demasiado ponche, pero suena bien, pero la ola es, como, simplemente demasiado puntiagudo, solo recorta algo de eso y entonces estás bien Ahora bien, la forma en que normalmente comprimiría graves es a través de la compresión paralela. Y esto es diferente a la compresión paralela en tambores. Compresión paralela en tambores, tienes tu gran forma de onda original puntiaguda, y luego la aplastas en una pista paralela Entonces lo duplicas o lo envías a un autobús o como quieras trabajar. Lo duplicas hasta cierto punto, y realmente aplastas todos los transitorios. Entonces es solo una mancha Y luego tomas esa mancha y subes lentamente el nivel Entonces ahora lo que está pasando es que tienes la versión puntiagudo con mucho ataque, la versión blob que está súper comprimida, y encuentras algún tipo de término medio entre los Destaca la cola, la parte larga y alargada de ese tambor de trampa, por ejemplo Puede hacer que los sombreros altos suenen agradables y comprimidos. Simplemente pega los tambores. Entonces tienes versión puntiagudo, versión no puntiagudo, mezcla las dos Con base, nuestra principal preocupación es que estas bajas frecuencias van a desencadenar más compresión que las frecuencias altas. Entonces la cantidad de compresión está cambiando realmente en función del rango que están jugando en la base. Entonces, ¿por qué no aislo las frecuencias más base de la base y luego afecto las frecuencias más altas por separado? Así es como vamos a estar haciendo nuestra compresión paralela. Entonces, comenzando de nuevo, vamos a repasar a nuestros audioffects Vamos a tirar de un compresor. Y voy a hacer un Control G, que crea un pequeño grupo para estos. Voy a abrir esta lista, que está abajo en esta área aquí, y eso me permite hacer clic derecho y crear una segunda cadena. Entonces esta es nuestra base comprimida regular, y luego por aquí, tenemos otra versión de nuestra base comprimida regular. Ahora, aquí es donde pasa la Salsa Secreta. Lo que vamos a hacer es que vamos a traer un EQ, EQ ocho, en este caso, y vamos a tirar a este top. Digamos base baja, y llamemos a ésta. Base alta. Entonces nuestra parte de base baja, incluso antes de entrar en el compresor, quiero asegurarme de que lo único se comprime son las frecuencias bajas. Entonces voy a establecer esto en, digamos, alrededor de 170. Podrías subir hasta alrededor de 300 o tal vez tan bajo como 100. 170 tiende a ser un poco de un punto dulce. Si tomo la base alta por aquí y la silencio y luego mantengo la base baja encendida, esto es lo que estamos escuchando. Y voy a apagar la compresión así que estás escuchando solo las frecuencias bajas, sin compresión. Así es como suena. Bien, entonces esa es la señal de que nos estamos topando con el compresor. Nuevamente, con estas bajas frecuencias, quieres tener un ataque relativamente rápido, y muy a menudo, voy a configurar la liberación automática o simplemente sentirlo un poco y echar un vistazo a cómo se está recuperando este umbral. Entonces, cuando estás echando un vistazo a tipo de pequeños visuales aquí, puedes escuchar y ver y ver qué funciona para ti Pero me gusta configurarlo en auto para esta compresión de baja frecuencia, así que configuraremos el lanzamiento en auto. El ataque es a la una. Relación a cuatro, de nuevo, funciona bastante bien. No es demasiado pesado, pero no va a apenas hacerle cosquillas a la compresión Va a haber alguna compresión notable. Así que de nuevo, voy a voltear las vistas. Esa es mi preferencia aquí. Entonces, como siempre, como antes, estamos viendo más compresión en estos tonos más bajos, pero eso es algo así como lo que queremos ahora mismo como esta versión aislada para que estos tres estén más comprimidos. Están un poco más silenciosos. Estos ni siquiera están comprimidos en absoluto, y luego compresión muy suave en estos dos que ya comenzarán a tomar la dinámica y acercarla un poco más. Como hicimos antes, solo podríamos echar un vistazo con las bajas frecuencias solo lo que está sucediendo detrás de escena. Así se puede ver que todavía tenemos una señal un poco más débil en estas notas altas, pero seguimos siendo solo parte del camino a través del proceso. Pero de nuevo, mirando esto, comparado con esto, ya estamos mucho más cerca. Esta tampoco fue una toma de bajo particularmente buena. No soy un bajista fantástico. Entonces por eso también es importante grabar a un buen jugador. Pero, de nuevo, estamos tratando de salvar la mezcla. Podría automatizar esta información de gama baja para que sea un poco más fuerte o incluso podría comprimirla por segunda vez Hay algunas opciones diferentes disponibles que realmente dependen de tu flujo de trabajo. Pero se puede ver que estamos empezando a acercarnos. Así que estamos de nuevo en esta área aquí donde tenemos nuestro extremo bajo siendo comprimido, nuevo, es posible que desee poner un segundo compresor para tipo de nivelar las cosas un poco más. Pero por ahora, voy a comprimir las frecuencias altas por separado. Escuchemos esos. Tenemos que volver a traer un ecualizador, y esta vez configurarlo para que todo encima del 170 sea lo que estamos escuchando. Entonces ahora vamos a escuchar solo la información de gama alta. Mm hm tiene un poco de arena agradable. Se puede ver que la mayoría de las notas están bastante arriba de nivel alrededor de este punto. Algunas notas son un poco más silenciosas. Bajemos nuestro umbral para que estemos afectando algunas de esas notas más altas. Quiero un poco más de ese puñetazo para morder. Quizás quieras alrededor de cinco, diez, 15 milisegundos, incluso más de 20 o 30 dependiendo de la cantidad de mordida que quieras Voy a ir por un poco de mordisco. Vamos a pasar cinco milisegundos. Y nuevamente, solo vamos a establecer el lanzamiento en Auto, pero puedes hacer algunos cálculos para averiguar tu tiempo de lanzamiento. Puedes hacer algo de sensación para averiguar tu tiempo de liberación. En definitiva, es una de las cosas más difíciles de explicar cómo hacer exactamente Entonces, si estás atascado, si estás confundido, o por el bien de la facilidad en este video, solo configúrelo en Auto. Entonces, suena así. Voy a bajar la proporción a tres. No quiero ser demasiado pesado con esta compresión, pero bajaré un poco más el umbral. Vamos a subir un poco ese ataque. Intentemos 15. Mm. Eso tiene un poco más de mordisco. Está sonando bastante bien. Pero la otra cosa es, también, por lo general, voy a usar la saturación en el extremo superior para realmente dejar que esos armónicos superiores canten algo así. Piense en la saturación como, como, distorsión de la luz y compresión de la luz fusionadas entre sí. En este caso, vamos a saturar para gelear ligeramente las cosas juntas y luego meterlas en nuestro compresor Tenemos el ajuste de cinta caliente, tire de ella un poco hacia arriba. Bien, entonces tenemos una señal relativamente equilibrada si traemos de nuevo el low-end. Entonces el problema aquí es que las notas bajas, estas de aquí, todavía suenan un poco demasiado bajas. Lo que probablemente haría para remediar esto, si estuviera realmente atascado, simplemente automatizaría algunos cambios de volumen aquí, pero preferiría no hacerlo. Así que vamos a jugar con un segundo compresor, posiblemente en ambas partes bajas y altas diferentes, pero voy a empezar con solo las partes altas, y veamos cómo suena eso. Entonces pasando a solo la base alta, nuevamente, solo estamos seleccionando el altavoz para la base alta solo vamos a poner en otro compresor. Por ahora, solo voy a mantener la configuración igual, aunque podría bajar el ataque a unas cinco solo para que haya un poco más de control. Y en realidad, llevemos la proporción hasta cuatro. Este necesita ser un poco más controlado. Estamos tratando de asegurarnos de que tenemos cosas más cercanas al mismo tipo de tamaño o volumen. Vamos a tener un poco más de esos picos transitorios. Ahora, solo quiero pegar las cosas un poco más. Entonces otra vez, vamos a darle una escucha. Nuestro umbral es bastante bajo. Aquí estamos agarrando un poquito de todo, cual es bueno. El volumen ha sido tranquilo. Promételo, vamos a sacar eso de nuevo hacia arriba. Y vamos a echar un vistazo a cómo se ve nuestra nueva señal. Hay mucho control. Y en esta nota de aquí, hice una especie de pop en la cuerda un poco más. Así que estamos manteniendo algunas dinámicas bajo control. Pero si miras las colas de cada una de estas notas, ahora están muy cerca. A partir de aquí, podrías agregar un poco de ecualización dinámica para suavizar un poco más las cosas . Pero se puede ver que estamos en mucho mejor territorio. Trae tu ganancia, así estás viendo, como, una señal agradable y saludable. Así es como recomendaría comprimir base si necesita compresión. Mucha base muestreada, muchas bases de sintetizador no necesitan compresión porque ya hay compresión aplicada Así que echa un vistazo si estás en suero, por ejemplo, asegúrate de estar echando un vistazo a la sección de efectos. Si voy a algún preajuste aleatorio en este momento, entonces sacaremos el suero abierto. Digamos que voy hacia adelante. No sé el sonido de la mano. Si voy a efectos, miren eso. Hay un compresor. Si voy al siguiente, no hay efectos en absoluto. Interesante. Siguiente. Mira, hay un compresor, ¿verdad? Entonces puedes ver que ya hay compresión en muchos de estos presets Y estas bases muestreadas, a veces cuando alguien está en el estudio tocando un bajo para ser muestreado, está corriendo por toda una plataforma de pedales de guitarra o amplificadores o lo que sea que ya esté aplicando compresión Así que usa tus oídos y asegúrate de que te estás preguntando, subjetivamente, ¿algunas notas están asomando demasiado Si lo son, la compresión es un gran lugar para comenzar, pero equilibra eso con tu ecualizador. La otra cosa que quería mencionar es que un ecualizador está destinado a hacer precisamente eso ecualizar el equilibrio tonal o el Así que toma una escucha a la pista base. Si se siente fangoso, si parece que hay muchos golpes sucediendo en el extremo inferior, lidia esos pequeños problemas con EQ o EQ dinámico antes de entrar en tu compresor la misma manera ponemos la saturación antes de la compresión para suavizar un poco más las cosas . Desea asegurarse de que su compresor esté funcionando con una señal saludable para que pueda funcionar mejor para usted para darle una señal aún más saludable en el otro lado. Entonces hay muchos casos de uso diferentes de base de estallar y bofetadas versus base distorsionada de metal grueso, pero quería mostrarles la principal diferencia aquí es que cuando se quiere comprimir la base y mantener el extremo bajo agradable y suave y mantecoso y el extremo superior con un poco más de control tonal, pruebe esta técnica de compresión paralela, pruebe esta técnica de compresión paralela estallar y bofetadas versus base distorsionada de metal grueso, pero quería mostrarles la principal diferencia aquí es que cuando se quiere comprimir la base y mantener el extremo bajo agradable y suave y mantecoso y el extremo superior con un poco más de control tonal, pruebe esta técnica de compresión paralela, especialmente en base distorsionada. Piensa en esto. Cuando empiezas a distorsionar la base cada vez más y más, en realidad pierdes un poco del contenido de gama baja Entonces lo que harán muchos ingenieros es que grabarán la base de dos maneras, directa en base limpia lisa, regular no afectada y una segunda con el amplificador Y entonces ejecutarías tu compresión relativamente similar. Barre el extremo inferior de la versión distorsionada y barre cualquier extremo alto de la versión limpia Ahora, tienes casi como esa onda sinusoidal de la que estábamos hablando antes a través de la síntesis, un bonito tono suave y redondeado para el extremo bajo, y puedes distorsionar ese extremo superior tanto como quieras sin afectar esa señal de gama baja Entonces para mí, alrededor del 170 es ese punto de cruce de punto dulce para el extremo bajo suave y extremo superior aislado que ahora puedes equilibrar como quieras tonal Si su señal base que entra ya está relativamente equilibrada en términos de ecualización, posible que pueda salirse con la suya usando compresión básica o tal vez compresión en serie, uno o dos compresores espalda con espalda en la señal general, pero recomendaría encarecidamente trabajar con esta técnica de compresión paralela porque para mí, la uso cada vez. Al igual que, no hay razón para que vaya y haga el otro camino porque tengo más control y entiendo cómo utilizar ese control a través de esta técnica. Entonces eso es todo en la compresión base. En la siguiente clase, vamos a hablar de ifs base. Te veré ahí. 12. Ostinatos de bajo: A, Kentucky. A continuación, hablemos de bajos ifs. ¿Qué es un bajo si y cómo puedes crear unos sabrosos riffs de bass Hablemos de ello. Vamos a saltar. Entonces un bajo si es muy similar a un ostinato. Y la palabra si es un poco floja. Pero si pensamos en el rock and roll y las partes de guitarra que a menudo se crean, esas serían ejemplos de ifs Puede haber cuatro latidos a 16 latidos de largo. A menudo se repiten bastante textualmente, por lo que es posible que no cambien en absoluto, o pueden cambiar un poco, especialmente en términos de la primera nota o la nota en los riffs de bajo Entonces como ejemplo de eso, si tengo un bajo si eso es podría terminar haciendo algo como Solo pequeñas variaciones a medida que muevo notas por ahí. Pero ni siquiera necesito hacerlo. De hecho, aunque los acordes se muevan, no necesariamente necesito cambiar mi base si He creado una pequeña parte del teclado que suena así. Y toquemos una línea de base que no cambie los acordes. G menor nueve, mi bemol mayor siete y Do menor siete. Esos son los tres acordes, pero no me preocupa que G E flat C sea mis raíces Sólo voy a jugar una base si a lo largo. Entonces algo como esto. Uno, dos, tres, cuatro. Entonces es solo una parte realmente simple. No se mueve con los cordones, creando este tipo de cimentación estática. Entonces, ya sea que estés moviendo esas notas de fondo o no, tienes eso como opción. Y una vez que tienes un rif base, por ejemplo, sé que GE flat C son mis raíces principales para mis acordes Entonces podría tomar esta nota de fondo de mi base si, moverla a una E flat, y luego aquí, mover esto a una C. Es sutilmente diferente, pero ahora suena solista así Bien. E incluso podrías querer cambiar un poco la última nota. Al igual que, tienes algunas opciones. No tiene que ser una repetición exacta. Juega con lo que suena bien. Aquí está con la última nota cambiada a una C, ya que mi último acorde es una Do menor. Con el resto de los instrumentos, suena así. Entonces esa es la idea básica. Una base si no tiene que ser compleja. Pueden ser relativamente cortos a unos cuatro latidos. Pueden ser más largos a unos 16 latidos. Pero hay una escala que creo que vas a querer aprovechar que realmente te va a aprovechar que realmente te va a ayudar con tu base ifs, y esa es la escala de blues menor o la escala pentatónica menor Si tomamos una escala menor, eche un vistazo a mi pequeño mini teclado justo debajo, ABCDEF Hay una escala básica menor para nosotros. Si nos deshacemos de la segunda nota, entonces A va a saltar directo a C. Vamos a subir a D, vamos a subir a E. Vamos a saltarnos la sexta nota F, así que hasta G, hasta A. Esto es A pentatónico menor Cinco notas individuales antes de llegar a nuestra octava. Y si ponemos esta D aguda entre la cuarta y la quinta nota, entonces me sale mi escala de blues menor. Pero por el bien de las fisuras del bajo, diría yo, solo concéntrate en el pentatónico menor Esta nueva nota que hemos agregado a la escala de blues quiere tener una función específica de jalar a notas vecinas, y se usa, diría más a menudo melódicamente, pero siéntete libre de tocar con ella Te voy a recomendar que juegues con el pentatónico menor Si traes una de esas dos notas eliminadas, la segunda y la sexta vuelven a entrar, yo diría que traigan la segunda. segundo o el noveno es un sonido muy divertido para tocar. Es un poco más jazzy, un poco más conmovedor, un poco más colorido, y es una gran adición para traer de vuelta una vez que te hayas sentido realmente cómodo con tu pentatónico menor Entonces, si tomo esta progresión de acordes y la subo dos notas, entonces es en La menor, vamos a crear un nuevo bajo si usamos esa escala pentatónica A menor Vamos a escuchar. Suena así. Uno, dos, tres, cuatro. Yo sólo estaba usando notas de ese pentatónico menor. Y te darás cuenta con bastante frecuencia, tengo, como una A subiendo a una A, y voy a usar esa séptima nota, conocida como el siete plano con bastante frecuencia para jalar hasta esa nota. Si eres de Tam y Paula, podrías elegir ese noveno del que hablamos. Este tipo de idea. Así que no siempre tienes que ir directo a esa raíz cuando estás subiendo la octava Pero nuevamente, lo que tenemos ahora, vamos a cuantificar, suena así Mm hm. Y por último, ¿por qué no agregamos un poco de groove a la línea de bajo ahora que ha sido cuantificada, así como esta parte del así como esta Entonces, si iba a ir a groove una vez más, vamos a traer un swing de MPC así que estamos en octavos. Vamos a estar buscando un swing MPC octavo, que está arriba más alto 64 obras como lo hacía antes. Vamos a aplicarlo a esto. Podemos aplicarlo a las claves. Realmente no pasa mucho con las llaves, así que no vamos a escucharlo, no creo, de todos modos. Y vamos a parar sobre esto, también, también. Hacer, ti, hacer, hacer, da. Amigo D Creo que este solapamiento aquí necesita consolidarse. Ahora suena así. Entonces esa nota extra fue un poco de molestia, pero nos deshicimos de eso y básicamente tenemos una versión duplicada en todas partes Nuevamente, esto va de que era G a E bemol, así que ahora es de A a F, usando alguna imagen relativa. Y entonces estaríamos bajando a D para este tercer tipo de acorde. Lo último que voy a mencionar es que este swing es demasiado. Probablemente nos gustaría ir con algo más ligero. Entonces, lo que realmente puedes hacer es tomar algo como 57. Tira sobre 64, y reemplazará cualquiera de esos 60 cuatros por 57 Entonces de esa manera, no hay que hacer esto en cada instrumento. Simplemente reemplácela directamente en la piscina de ranura superponiendo esa parte en particular. Entonces si visualmente, no estás viendo lo que está pasando, estoy hablando de aquí, solo tomando uno de estos y arrastrándolo directo a este viejo surco para reemplazarlo Entonces ahora con el nuevo groove, suena así. Bien, así que ya sea que quieras tocar el groove o si quieres jugarlo recto y mantenerlo recto o si quieres jugarlo recto y luego aplicar un groove, todas estas son opciones muy viables. Así que juega con esa escala pentatónica menor. Siéntete libre de dejar el riff base sin cambios, incluso cuando los acordes están cambiando Pruébalo, a ver si suena bien. Si es necesario cambiarlo, no tienes que transponer toda la base si y tocarla más arriba en el bajo o en las teclas Simplemente puedes intentar cambiar el tipo de notas bajistas. Uno, dos, tres, cuatro, uno. Cada vez que golpeas ese beat uno, siéntete libre de mover la primera nota, así que es la raíz de cualquier acorde se esté tocando en ese momento. Entonces eso es todo para esta clase en Rifs Base. Realmente, se trata de explorar, experimentar y divertirse un poco No tienes que usar la báscula que te recomendé, pero yo diría, intenta empezar con ella. Es una escala bastante indulgente, y eso es todo para esta clase A continuación, un concepto más sencillo. Vamos a hablar de octavas disco en la base. Te veré ahí. 13. Octavas disco: Bien, hablemos de octavas disco en el bajo Este es un concepto simple, una clase simple. Te voy a dar una cosita extra extra por crear algunas partes funky bass. Vamos a saltar. Bien, así que vamos a retomar donde lo dejamos con este baterista y estos tres acordes de teclado, y vamos a añadir un poco de parte de bajo de octava disco octavas disco en su forma más simple son solo octavas que se mueven de un lado a otro Este tipo de G hasta G, abajo a G hasta G. Pero si se duplica cada uno, suena un poco más disco pequeño. Compruébalo. No es sólo para discoteca. He escuchado al bajista de RedHot Chili Peppers Flea hacer este tipo de bassline en su Pero es un punto de partida realmente genial. Si estás intentando ir por algo disco o disco influenciado, vamos a comprobarlo con la otra parte que teníamos de antes. Ahora, debo mencionar que voy a quitarme el columpio de la batería, pero termina sonando algo así Así pueden ver, como los acordes se movían, yo solo mantenía las mismas octavas, pero estaba cambiando las notas a medida que cambiaban los acordes A F D. Se puede cuantificar esto. aplicar groove como lo hemos hecho en el pasado. Creo que cuantificar y mantener el ritmo recto funciona bastante bien en disco La discoteca no es generalmente un género muy oscilado, pesar de que es muy maravilloso Pero cuantificado, suena así. Eso es. Esas son tus octavas disco Pero la cantidad de veces que estos te sacarán de un atasco si estás atascado en las líneas de bajo, es una especie de parte de bajo realmente universal que siempre te va a dar un poco de groove, un poco de movimiento. Va a delinear la armonía, y es un plan de respaldo seguro y sólido. Ahora, dije que también iba a dar un pequeño consejo extra sobre cómo crear algunas líneas de bajo funky, y sí se relaciona con las octavas disco En particular, ese primer pequeño dodo, esas dos primeras notas dentro de la línea, pero luego dejando mucho espacio En la música funk, hay una técnica llamada Hock. Y lo que es un hocket es que toco un par de notas, y luego el saxo toca un par de notas, y luego la guitarra toca un par de notas, y todo junto termina sintiéndose como una melodía general, ostinato, riff, como quieras llamarlo Algo así como dub step. Misma idea. Woohoo d dj hacer lo hizo. Woo. Y entonces eso se repite. Pero eventualmente, puedes encontrarte diciendo, Bien, eso es bastante pegadizo ahora que sé cómo encajan todas las piezas. Entonces tocando un par de notas de inmediato, luego dejando algo de espacio y jugando particularmente en esa, nuevamente, escala pentatónica menor, terminas obteniendo algo que suena así Mm hmm. Entonces, de nuevo, mira cuánto espacio hay de ahí del inicio. No sabía a qué iba a tocar. No es una línea de bajo perfecta, sino doo doo. Hacer hacer. Hacer, hacer, hacer. Mm hmm. Entonces para dar un ejemplo, como, estás dejando espacio para otros instrumentos. Entonces digamos que es algo así como, uno, dos, tres, cuatro. Mm hmm. Para que puedan ver, tengo esta pequeña parte del teclado. A lo mejor esos son disparos de bocina o algo así. Pero se puede ver que empieza a juntar todo. Tenemos este Dodot toneladas de espacio. Y entonces puedes como que quedes con estas notas cortas si quieres, pero por lo general, lo que oirás es una parte de bajo más alargada Dodoo Bastante do dy d do. Pero tal vez algunos pequeños tiros cortos adicionales hacia el final. Esa es otra cosita divertida que puedes probar justo al final son estos pequeños dobles. Sólo voy a duplicar lo que tenía aquí. Cree que estaría aquí. Y aquí conseguimos algo así como. Mm. Mm hm. Pero puedes ver, es realmente funky, y viene de esta especie de porción inicial de esas octavas disco con mucho espacio, incorporando un poco de riff bajo o notas más largas, y luego algunas más de esas pequeñas Entonces, si eres bajista, asegúrate de sentirte realmente cómodo con estas octavas disco, y también puedes lanzarlas a tus partes funky En las teclas cuando estoy jugando sampled o synth face, literalmente solo voy, Do do do do do do do do do do do do do do do. Así que solo toca tu mesa. Acostúmbrate a esa sensación y estás listo para tocar octavas disco Son muy simples, muy indulgente. Entonces eso es todo para esta clase en disco Octavas en la base y una pequeña parte de bajo funky extra divertida que puedes probar Al final del día, esa técnica se trata de menos es más. Deja algo de espacio, pero toma influencia de algunos otros tipos diferentes de técnicas base. Entonces eso es todo para esta clase. Y al siguiente, vamos a hablar de acordes slash. he tocado en una de las clases anteriores, pero vamos a dar un poco más de un caso de uso real para estos acordes slash Hablemos de esos, y te atraparé en la siguiente clase. 14. Acordes de rasgado: Bien, hablemos de acordes de slash. lo que estoy hablando es cuando tu guitarrista o pianista está tocando un acorde, no siempre tienes que tocar la raíz Entonces, si tu guitarrista está tocando sol menor, claro, G es una caja fuerte, no hay elección Pero las notas de un acorde G menor, G, B bemol, y D, la bemol B y D son otras opciones sólidas, y te recomiendo que las pruebes. Se llaman acordes slash porque la forma que están anotados sería G menor B bemol o G menor B bemol o G menor D. Cualquiera que sea la nota que hayas puesto en esa parte base, eso es lo que viene después Entonces sol menor es tu acorde, D es la nota base fundacional Esto se deshace de parte de la estabilidad pero agrega un poco de intriga para compensar Pongámonos a hablar de ello. Vamos a saltar. Entonces seguimos con la misma parte de bajo y los mismos acordes de teclado que antes Empecemos tocando las raíces de cada acorde como una simple parte base. Aquí vamos. Podría sonar algo así en tres, cuatro. Lanzar un poco de ese tipo de dobles al final de esa base disco influyó en la sección. Bonito. Entonces tenemos una parte básica de bajo para empezar aquí. Estoy delineando bastante bien los acordes donde hay una A sólida para comenzar, una F sólida aquí, y un par de Ds Pero y si en el acorde F, que son las notas F, A y C, si toco As? ¿Y si fui a esta A de aquí, y esta A de aquí? Ahora es como si estuviera tocando A y simplemente sosteniendo esa A en el segundo acorde. Escuchemos cómo eso cambia la parte general. M de hecho, el acorde D menor también tiene A's. Entonces esta es una oportunidad para una especie de dron A como nuestra nota principal mientras los acordes bailan alrededor Aquí está con todo el tipo principal de notas delineadas siendo A's. Vamos a echarle un vistazo. Y esto funciona. Es sentir que hay suficiente tensión como para que quiera evolucionar un poco más adelante, pero es un buen punto de partida. F mayor como acorde también tiene Cs, y esas Cs podrían funcionar muy bien para llevarnos a esas Ds justo después. A lo mejor voy a levantar estos. Entonces puedes ver que esto también es bastante funcional. Entonces esto sería A menor, F, C, y D menor, C porque ponemos C en la parte base. Pero lsten a lo que pasa si no empiezo en la raíz para el primer acorde Se recomienda que lo hagas porque le da cierta estabilidad a la línea base en este tipo de cambio armónico que sí mete un poco con la estabilidad. En otras palabras, la mitad de atrás, las cosas que alteramos aquí, que se mete un poco con el tipo de puesta a tierra o estabilidad de la línea de base Entonces, al menos hagamos que esta primera parte se sienta enraizada. Un menor tiene una C en él. Pongamos C en la base. No suena genial. A lo mejor la E podría sonar un poco mejor, pero aún así va a sonar bastante intranquilo. Compruébalo. Entonces, en general, quieres asegurarte de tener esa raíz justo en ese downbeat, justo en beat uno, pero en la mitad posterior de las progresiones, intenta explorar y experimentar tocando otras notas que están dentro del acorde que no son la El acorde de C mayor es CE G, así que la mayoría del bajista tocará una C, pero si quieren experimentar, podrían tocar E o G. Ahora para que conste, no estás atado a las tres notas de un acorde o en algunos casos, a las cuatro notas del Un buen ejemplo sería, como cuando estamos tocando un acorde de cuatro en Do mayor, por ejemplo. Así que el cuarto acorde de C mayor es F mayor. CDE F, obtenemos un acorde de F mayor. Es bastante común que la base toque una G, y esto se llama acorde LA five. Entonces la G está tocando sobre este acorde de F mayor. Incluso podrías pensarlo de otra manera donde G es la nota principal, y la armonía se está volviendo un poco creativa sobre la G. Pero sea cual sea la forma en que quieras darle la vuelta, el punto sigue en pie. F mayor no tiene G en absoluto, pero con una G en la base y ese acorde de F mayor, las cosas pueden sonar bien. Como ejemplo, he recreado la parte de Wurlitzer. No leas esto. Dice Syth. Es realmente un teclado eléctrico. Misma idea. Si lo escuchamos, los acordes suenan así. Diríamos que esta es una progresión de uno, 64 acordes, comenzando en C, que es la única, abajo a La menor, que es la seis, abajo a F, que es la cuatro. Pero en los cuatro, en realidad vamos a jugar G en la base, que son los cinco. Vamos a echarle un vistazo. Suena así. Mis notas principales son CA, y luego G en lugar de F, dos, tres, cuatro. Entonces ahí hay algo de tensión hacia el final, esto. Pero aun así suena bien. Estamos en un momento de tensión que va a resolver de nuevo al uno. Mientras tomes estos momentos de tensión y vayas a donde el público pueda esperar un poco de alivio de esa tensión, vas a poder salirte con la suya bastante. Entonces el punto aquí era mostrarte que no tienes que tocar una de las tres notas de tu acorde. La raíz te dará estabilidad. El tercero delineará la tonalidad, hará que suene un poco más mayor o menor, podría decirse que los cinco van a flotar un poco más, y puedes tocar con otras notas, pero yo solo diría tocar con notas de la clave Si solo estás escogiendo notas aleatorias, vas a obtener algunos resultados realmente aleatorios, pero puedes jugar con otras notas de esa clave o escala, como quieras llamarla. Entonces nuevamente, esta fue una especie de clase de seguimiento a partir un concepto del que hablamos antes en el curso, pero quería darte algunos ejemplos de cómo suenan estas notas cuando se colocan con algunos acordes para que realmente puedas ver cómo funcionan estos acordes de slash Para nuestra próxima clase, vamos a hablar de pitch bending y portamento a veces referido como planeo, así que te veré en esa siguiente 15. Bends de tono, portamento, MPE: Bien, hablemos sobre cómo puedes hacer pitch bend entre las notas dentro de tu línea de base Puedes inclinarte a rangos extremos o mantener las cosas más sutiles, y hay muchas maneras diferentes en las que podemos abordar esto. Entonces vamos a hablar de pitch bending, portamento glide y MPE. Vamos a saltar. Entonces primero, quería hablar de dos formas en las que puedes inclinarte entre lanzamientos como parte de tu estilo de juego en las teclas. Y eso sería usar la rueda pitch bend en el lado izquierdo de tu teclado o usar portamento slash Comencemos con la rueda pitch bend. Tiende a ser lo que la mayoría de la gente está más familiarizada. Entonces, lo primero que quiero mencionar es que doblar el tono sobre una base muestreada no suena tan bien como doblarse sobre un sintetizador Y parte de la razón es con los sintetizadores, podemos doblarnos lentos, podemos doblarnos rápido, podemos tener curvas grandes o pequeñas, y todo está dentro de lo que estamos acostumbrados a escuchar en ese tipo de bajos Pero en un bajo real, una flexión de la cuerda ocurre bastante rápido, y no es una gama muy amplia. No es doblar una octava, por ejemplo. Entonces si tengo una línea de bajo y estoy queriendo tomar una nota como A y doblarla, si voy muy lento, no estoy diciendo que el bajo no pueda doblarse lento, pero realmente no le presta muy bien a la línea de bajo. Si toco algo así como donde me estoy inclinando ligeramente y lentamente, no suena genial, pero si voy eso Ese rápido arriba y abajo puede sonar bastante bien. Ahora, también sé que estoy doblando dos semitonos, que es el valor predeterminado para muchos sintetizadores y muestreadores con respecto a ese rango de muestreadores con respecto a ese Entonces me pregunto, ¿qué nota dentro de mi escala tiene una nota, un tono por encima de ella o un tono por debajo de ella? Y esas serán las notas a las que lanzo agacharse hacia arriba o hacia abajo. También puedes ampliar esta gama. La mayoría de los muestreadores es un poco más difícil de encontrar, pero en algo así como suero, podrás ver en esa esquina inferior izquierda, hay un rango ascendente y un rango descendente para esa rueda pitch bend Si lo menciono, digamos, siete semitonos, que es un quinto o cinco semitonos abajo, que es un cuarto, ahora tendría algo que D hasta un quinto. Cuatro abajo un cuarto. Bien, así que no estoy diciendo que estos no sean necesariamente los intervalos que querrías cuando estés haciendo estas curvas de tono, pero tienes mucho control Y lo que es realmente genial es que no solías poder hacer esto. Entonces, si quiero en algún momento una línea de base, doblar un tono, pero luego doblar un cuarto, por ejemplo, puedo cambiar eso a través de la automatización. Lo que eso podría parecer como un ejemplo muy básico es algo así. Y voy a solo nuestro carril aquí. Digamos que es uno, dos, tres, cuatro. Bien, entonces se está doblando dos veces, y es la misma cantidad las dos veces. Pero podría tomar los parámetros bend bend up y hacerlo así es arriba, por ejemplo, una octava la segunda vez, 12 semitotes Para que puedas cambiar esto a lo largo de todo. Y esto es genial si estás tratando de conectar notas entre sí o realmente asegurarte de que estás doblando cantidades exactas, pero cambiando cuál es esa cantidad exacta. MPE, creo, hace esto mejor, pero aún no estamos del todo ahí. Para que veas que puedes automatizar el rango de la rueda pitch bend. Además, si haces doble clic en la información MIDI y vas al sobre, esquina inferior izquierda aquí, vas a ir al control MIDI. Y entonces si aún no se selecciona pitch bend , subirías hacia arriba. Está arriba en la parte superior. También puedes introducir con lápiz la información de tu pitch bend. Así que podría tener algo como esta nota directamente por la puerta, dobla hasta la cima de esta gama La segunda vez, se dobla todo el camino hacia abajo. Ahora tenemos Así, no es genial para las líneas de base en particular, pero si quieres escribir cosas con lápiz y no te sientes cómodo tocando las teclas, obviamente puedes escribir algunas notas en esta vista de aquí, y luego puedes doblarte entre esas notas como mejor te parezca Ahora, en términos de jugar curvas, lo que puedes hacer en suero Y también me gusta en silencio. A mí me gusta aún más, pero hablaremos de eso en un momento. En suero, está esta sección inferior derecha por aquí, y tiene Porta que es portamento Y hay algunas cosas distintas que puedes tocar por ahora, lo que yo diría es lo más importante son el mono, el legato, y el Siempre y el portamento Siempre es que te estás asegurando de que siempre estás deslizando entre notas Se puede ver cuántos milisegundos se tarda en deslizarse, digamos alrededor de 100 Mono es que solo puedes tocar una nota a la vez. Entonces, si no tengo esto encendido, puedo jugar hasta poli ocho. Tan polifónico hasta ocho notas a la vez. Este tipo de sonido, se puede escuchar el deslizamiento si voy mucho más extremo Puede tener algunos sonidos bastante geniales en las aplicaciones, pero en su mayor parte para las líneas base, querrás ser monofónico No quieres que estas notas se superpongan y creen acordes. Simplemente suena como un lío flexible ahora mismo porque este tiempo de portamento es tan largo Pero si lo derribo un poco. Mmm. Entonces este botón siempre, si lo tengo encendido, cuando golpee una nota, siempre se doblará entre las distintas notas. Si no la tengo encendida, si pongo separación entre las notas, puedo tocar la nota distinta sin doblez. Así que eso fue boop boop, pop, pop pop pop p. y estoy sosteniendo esto mientras toco la siguiente nota Entonces para tocar estilos, para presentaciones en vivo, estas cosas son geniales. Y me encanta el portamento. Es muy divertido jugar. Correcto, para que puedas obtener algunas notas dobladas y otras que sean tonos claros más definidos. Entonces, si bien esos son los parámetros principales con los que vas a querer jugar, también podríamos traer algo como el pecado, que es otro sintetizador que realmente me Es un poco más complicado, creo, en cuanto a parches de programación, pero tiene un sonido analógico muy divertido. Ahora, en esa misma esquina inferior derecha, estamos viendo algo muy parecido. Portamento, ¿cuánto tiempo quiere durar el portamento entre notas ¿Va a ser corto? Va a ser, casi ni siquiera lo notas cuando es realmente corto. Pero cuando es un poco más largo, es bastante sustancial. Entonces, en algún lugar a la mitad, diez es divertido. Mono legato es bastante divertido. Si tienes algún portanto realmente corto o incluso ningún portamento, te permite tocar una nota Y luego cuando golpee otra nota, se volteará a esa nota, como mono. Y luego cuando la suelte, siempre esté sosteniendo la primera nota, la primera nota se volverá a activar. Digamos que juego C, y luego agrego una G. Cuando suelte la G, la C va a jugar porque todavía la sostengo. Puedes obtener algún tipo de emulaciones de guitarra muy divertidas , ese tipo de idea Así que mono legato puede ser bastante divertido. Ahora mismo, afuera en los dos modos, N te va a dar la posibilidad de separar nichos Y jugarlos exactamente, igual que en suero si superpongo los partidos. Ahora tenemos esa diapositiva. Para exagerar un poco más, aquí está separado Mm. Aquí se acabó. Si lo pongo en S, siempre va a haber algún buen rip aunque separe esas notas. Así que tenemos la capacidad de jugar lanzamientos individuales, CGA o doblarse entre ellos en función del estilo de juego que elegimos en las teclas Por último, lo que voy a decir es que a partir de Ableton 11, algo llamado MPE se hizo capaz, que es una versión más reciente de MIDI que nos permite hacer cosas como sacudir una tecla para vibrato, sacar un dedo hacia arriba a través de una nota para determinar el volumen o las determinar el volumen o Algo así como el teclado roly me viene a la mente, donde es como un teclado hecho de espuma que tiene todas estas nuevas capacidades MIDI En Ableton, el sintetizador de tabla de ondas tiene capacidad MPE También lo hace el suero y un montón de otros sintetizadores VST, pero quería mostrarte algo que era nativo Entonces tengo un sonido aquí, que suena así. Yo lo he creado. Es súper simple. El sub está encendido. Lo puse a una onda de pulso PW Tengo el filtro ligeramente hacia abajo, y he cambiado ligeramente la configuración de ADSR, pero es una parte base muy simple Ahora bien, si entro en esta información MIDI para esta parte de bajo simple que grabé, verán que solo tenemos tres tonos aguantando. Ahí está nuestra parte de bajo realmente simple. Arriba, tenemos notas, sobres y MPE. Cuando lo configuré en PE, ahora cuando haga clic en una nota, notarán que hay esta pequeña línea que dice cero semitonos Digamos que comenzando aproximadamente a la mitad de esta nota, creo un nodo, y al final de esa nota, quiero que sea hasta esta C aquí Holding Alt me permite ajustar entre lanzamientos individuales. Entonces esto es hasta una octava. La segunda nota, a lo mejor quiero deslizarme hacia abajo a esa tercera nota, F. Así que con el tiempo, podemos ver exactamente qué tan abajo se desliza. También puedes sostener Alt para doblar los pasos de manera diferente así que no es como un ángulo de 45 grados, y eso te permite hacer algo del pitch bend y otra vez con el inicio y luego hacerlo más gradual o comenzar más gradual y luego acelerar ese pitch bend hacia el final. Esta parte base ahora sonaría así. Esta no es una parte de bajo que usaría en una canción, pero en última instancia, depende de ti ser creativo con esta información. Entonces, ya sea que quieras agacharte hacia arriba o hacia abajo, que sea gradual o de repente, otra cosa que puedes hacer es que notarás que cuando pase el cursor sobre justo aquí en el lugar correcto, se vuelve como azul aguamarina Ahora cuando tire esto hacia abajo, puedo decir, quiero que comiencen de un pitch que es 12 semitonos abajo y se metan en esta Entonces hay muchas posibilidades en cuanto a cómo puedes pitch bend entre notas, pero lo importante a tener en cuenta es que todo esto es muy personalizable, y puedes ver usando el teclado Mi donde te estás doblando, a diferencia de en la rueda de pitch bend, entendiendo, Bien, estoy arriba tres semitonos o hasta siete semitonos o lo que sea que sea. Entonces, si estás buscando doblar pasos como parte de tu estilo de juego, recomendaría la rueda pitch bend y consideraría automatizarla si con el tiempo necesitas hacer diferentes ajustes de pitch bend o mi portamento o planeo favorito más personal Lo que eso te va a permitir hacer es tocar tu parte como lo harías normalmente, pero simplemente superponer algunas notas cuando quieras esas curvas de tono Ahora bien, si eres un productor al que le gusta escribir las cosas un poco más, MPE va a ser tu mejor amigo porque puedes ver por dónde estás comenzando tus curvas, dónde van a, y cómo cambian con el tiempo Lo bueno de esto también es que puedes tomar un acorde y doblar las tres notas en otras tres notas en un acorde diferente. Algo así como el tema THX, pero eso comienza desde un solo tono y se dobla en un acorde completo Entonces esto es, por supuesto, en base, pero también puedes hacerlo con armonía, también, ahora, también debería mencionar brevemente si eres de los que le gusta escribir cosas, si te metes en sobres y luego en la esquina inferior izquierda, asegúrate de que estás configurado con Control MIDI y pitch bend. MIDI Control es fácil de encontrar. Pitch Bend es fácil de encontrar. Es una lista grande, pero el pitch bend está justo en la parte superior, así que seleccionarías eso. Y luego puede automatizar la información de pitch bend como mejor le parezca. Esta ya no es la información MPE. Puedes ver que eso es todo reset. Así que volvamos a los sobres, Entonces, si te gusta escribir cosas, la automatización de la rueda Pitch Bend dentro de los sobres es un lugar donde podrías hacer eso. Pero nuevamente, te recomendaría explorar MPE. Entonces eso es todo para esta clase sobre cómo inclinar y doblar tus partes base. Hay muchas formas diferentes de hacerlo, ya sea que quieras hacerte una cirugía y realmente sumergirte en las cosas con tu mouse y asegurarte de que todo sea exacto en términos de tiempo y cómo funciona el pitch bend, puedes hacer las cosas de esa manera. Pero si también solo quieres poder tocar de manera expresiva y doblar algunas notas a medida que avanzas, eso también está disponible. Entonces eso es todo para esta clase. Estamos a punto de terminar las cosas, pero solo quiero agradecerte. Espero que la hayas pasado muy bien en esta clase en este curso. Te voy a ver en el video de resumen. Te veré ahí. 16. Conclusión: Gracias por tomar este curso de producción musical sobre sampled y base Synth Mi esperanza es que tanto si eres un productor principiante como un productor de nivel intermedio, hubiera algunas técnicas que pude compartir contigo que quizás no sabías ya, o tal vez te ayudé a ver estas técnicas través de una nueva lente para ayudarte a mejorar tu comprensión. Ahora bien, ya sea que quieras aplicar base de sintetizador, base de muestra o híbrido de los dos, creo que este es un punto de partida de base realmente sólido, teniendo la base de sintetizador más digital disponible para ti, pero también entendiendo cómo trabajar con base muestreada y luego eventualmente grabando en tu propia base Muchas de las técnicas basadas en muestras se van a aplicar directamente sobre la grabación en su propia base. Entonces nuevamente, la mayoría de estas técnicas están pensadas para ser bastante extendidas y universales, y espero que puedas tomarlas y aplicarlas a cualquier estilo o género que esperes producir. Desde tocar la parte correcta hasta conseguir el ritmo correcto, hasta comprimir las cosas correctamente o sintetizar el sonido base que estás escuchando en tu cabeza, hay una gran variedad de técnicas que te he dado, y realmente espero que seas capaz de tomarlas y fusionarlas para crear tu propio estilo Creo que al final del día, ahí es donde tenemos ventaja sobre algo como la IA. Está explorando nuevas formas de producir música que no se había hecho antes. ¿Y cómo llegamos ahí? Comenzamos con los fundamentos, aumentamos, permutamos y nos volvemos creativos para hacerlos nuestros Ahora, no olvides aplicar estas técnicas a menudo dentro de tus propias producciones, ya que esta repetición de hacerlo una y otra vez te ayudará a que sea memoria muscular. Te ayudará a mejorar tu flujo de trabajo, y en última instancia, no tendrás que pensarlo dos veces sobre cómo vas a trabajar con estas partes de graves. Si estás tomando clases particulares de producción musical, te recomiendo encarecidamente que lleves el material dentro de este curso a tus clases para que tu profesor pueda ayudarte a mejorar el material que te proporcioné en función tu estilo de aprendizaje o tal vez entiendas el material a través de un nuevo ángulo basado en lo que tu profesor se especializa en. Así que de nuevo, gracias por tomar este curso, y si lo disfrutaste, por favor siéntete libre de explorar algunos de los otros cursos que he puesto en producción musical ya que realmente están destinados a emparejar para que puedas tomar áreas específicas de interés, fusionarlas, para arrojar mejor luz sobre esas áreas y entender mejor esas técnicas. Siempre siéntase libre de comunicarse si tiene alguna pregunta o alguna sugerencia para futuros cursos. Y, por supuesto, cualquier buena calificación en mis cursos realmente me ayuda a extender mi alcance de mi material para que pueda llegar a nuevos estudiantes y ojalá beneficie para que se conviertan en mejores músicos y productores. Así que siéntete libre de tamizar los cursos que he creado, ver si algún otro resuena contigo y luego mejorar lentamente esos bloques de construcción que te ayudarán a destacar como músico Entonces, por última vez, felicidades por superar este curso. Gracias de nuevo por tomarlo. Espero verte en el próximo curso, y te veré ahí.