Producción musical ambiental de Chillstep: comienza a terminar

1. Resumen de los cursos de enfriamiento ambiente: Hola a todos, soy John Merrick de huesos de Jesús. Bienvenido a nuestra carrera ambiental. Enfrena ese tutorial que puedes seguir junto con cualquier estación de trabajo de audio digital. Entonces como se mencionó, se puede seguir en cualquier DAW, Cubase Logic, Ableton, f, l, etcétera. Pero eso sí requiere que tengas al menos una comprensión básica de esa DAW. lo que este curso será lo mejor para principiantes avanzados o superiores. Ahora específicamente solo he usado instrumentos que son completamente gratuitos. lo que este curso es accesible para cualquiera que use un DAW diferente. Y cuando se trata de efectos de complementos, he probado solo los complementos básicos de stock de t que están disponibles en todos los DAW. Así que estamos usando procesos más avanzados como EQ dinámico. He usado plugins gratuitos, que también están disponibles para todos. Así que iniciaremos el curso adivinando un diseño de sonido básico y síntesis usando el increíble sintetizador nuevo y totalmente gratuito vital, creando un pad profundo y rico que usaremos para el elemento principal. Agregarás muchas más texturas a la pista a medida que avancemos. Usando vital, un instrumento de piano gratuito y samples, que por supuesto están todos incluidos en la descarga del tutorial. Ahora, una parte de la música ambiental que es esencial para acertar es por supuesto la melodía. Así que profundizaremos y veremos teoría musical y el enfoque sobre cómo crear una progresión épica de acordes de 32 barras y la usaremos como base para agregar más elementos melódicos a nuestra pista. No se necesita una comprensión avanzada de la teoría musical para hacer esto. Literalmente construiremos esto paso a paso, y luego puedes usar esos pasos en tus propias pistas para hacer tus propias progresiones ambientales cada vez. Ahora, una gran estructura de la canción es imperativa en cualquier pista. Por lo que analizaremos esta pista tanto en el nivel micro energético como en el nivel macro energético. Ahora lo que esto significa es que aprenderás a crear ese sutil flujo y reflujo de tensión y liberarte a lo largo de tu pista desde la melodía hasta el arreglo general que mantendrá los oyentes comprometidos y quería volver por más. A menudo se piensa que la mezcla es la etapa más técnica del proceso, lo que solo es parcialmente cierto. Y aunque cubriremos todos los aspectos técnicos de la mezcla, como EQ, saturación de compresión, así cambiando EQ dinámico y así sucesivamente. También veremos cómo puedes lograr mezclas sin esfuerzo cada vez que estés en tus pistas. Si quieres aprender a hacer música ambiental, este es el curso para ti. Ahora. Esto realmente es solo una pequeña sección transversal de todo lo cubierto en este tutorial. Pero lo mejor de estos pensamientos para terminar los cursos es que obtienes una idea real de cómo hacer tus propias pistas y dónde y cuándo debes usar las habilidades que estás aprendiendo. Así que eso es todo para mí. Voy a dejar sonar la pista que puedes hacer si consigues el curso. Esta es la versión final que renderizamos en menos de 27. La última lección del curso. Sin retoques, sin post-procesamiento. Muchas gracias por ver. Espero verte en el curso. 2. Introducción de la lección 01: Bienvenido a esto. Cualquier puerta empieza a terminar. Ambient stroke, chill step cada tutorial, lo primero que quiero hacer es en realidad tocar la pista que vamos a encontrar juntos llamada cascada. Voy a tocar todo para que puedas tener una idea real de lo que trata esta pista. Pero claro, si no quieres escucharlo todo, está bien. Te dejaré una marca de tiempo en la pantalla para que puedas saltarte adelante si quieres. Entonces esto va a ser muy divertido de hacer y Jati informativo. Ahora bien, esta primera lección es solo una introducción al curso, y cubriremos algunas de las cosas básicas sobre cómo funcionará el tutorial si estás usando una puerta diferente para mí. Entonces, si quieres ponerte agrietada y quieres pasar a la siguiente lección donde realmente comenzamos a hacer la pista, está bien. Como se mencionó, esto se puede seguir en cualquier puerta, pero eso requiere que tengas suficiente conocimiento de tu puerta como para que puedas, por ejemplo encontrar un efecto similar o saber cómo usar la automatización? He intentado utilizar efectos y técnicas estándar que estarán disponibles en todas las puertas. O he tratado de usar plugins gratuitos que cualquiera puede descargar y usar, pero por favor no te preocupes, si no puedes igualar exactamente lo que hago, es mucho, mucho más importante que entiendas el técnica y por qué y cuándo usar una técnica específica en lugar de poder igualar precisamente cada pequeña cosa que hago. Si has comprado el curso, también tendrás todos estos tallos, muestras de audio, archivos midi y parches de instrumentos. Entonces, si te quedas atascado, simplemente puedes cargarlos en tu puerta. Pero solo debes saber que sí hacemos todo en esta pista desde cero a lo largo del tutorial. Entonces dos cosas más rápidas antes de pasar a la lección dos. Por supuesto, estás aprendiendo a hacer solo un golpe ambiental, un paso de frío que puedas atraer, pero trata de ver esto como una rampa de entrada en estos géneros. Así que vamos a cubrir muchas de las habilidades principales que necesitas para que te gusten la teoría musical, diseño de sonido, el arreglo, la mezcla, creación de espacio y mucho más. Entonces, para cuando termines, tendrás una comprensión decente de cómo hacer tus propias pistas de paso refrigeradas a temperatura ambiente. Bien, entonces lo último, trabajo a una frecuencia de muestreo de 96 kHz y 24 bits y todas las muestras y tallos de audio se graban en la misma configuración. Te recomiendo que uses 96 K24 bit, pero puedes trabajar a una frecuencia de muestreo más baja si quieres. Es sólo una recomendación. Bien, eso es todo para la intro. Gracias por ver chicos y chicas. Te veré en la siguiente. 3. Lección 02 almohadilla de diseño de sonido: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a hacer sonar el pad en una Cynthia gratuita llamada Vital. Puedes ser vital con solo buscar en Google VST vital. Y será el primer enlace que veas. Y si te desplazas hacia abajo, eventualmente llegarás a las diferentes versiones que puedas obtener. Ahora puedes obtener la versión completa que es completamente gratuita. Así que solo selecciona la versión que quieras y podrás descargar la versión para tu sistema operativo particular. Una vez que esté descargado, solo instálelo y no voy a entrar en donde instalarlo ya que puede ser diferente para cada puerta, pero esa es información que es fácil de encontrar con un Google rápido. Entonces en tu puerta, comenzaría con un proyecto en blanco o tu plantilla en blanco preferida de elección. Y enseguida, vamos a cargar vital. Di de mi parte que es fácil. Solo lo cargaré una carga de pista de instrumentos en vital. Y lo primero que voy a hacer es simplemente hacer esto un poco más pequeño para que quede bien en la pantalla. Para que puedas cambiar el tamaño de la misma haciendo clic en la pequeña v en la parte superior ahí. Sólo voy a ir al 70% porque el 100% es solo un poquito demasiado grande. Eso está absolutamente bien. Ahora en mi puerta, lo primero que voy a hacer es simplemente bajar esto. Esto es como la forma de hacer trampa rápida de ganar poniendo en escena tus proyectos para que cuando empieces agregar montones de otros elementos a tu pista, no se ponga demasiado ruidoso. Digamos que lo baje a algún lugar alrededor -11 como absolutamente bien. Entonces lo siguiente que quiero hacer es traer un medieval de la fuerza laboral. Entonces, si trajiste el tutorial, puedes cargarlo desde los archivos de trabajo, carpeta, archivos Gates y midi, y luego cargarlo en el middy pad completo, solo arrástralo al instrumento vital. Debería cargarse ahí dentro. Solo asegúrate de que tu Midea esté comenzando desde el compás cinco. Entonces si lo haces en la barra cinco como yo, entonces todo se alineará en tu proyecto. Entonces sabrás cuando hable de estar en el bar 11 o 12 o lo que sea, sabrás que estamos en el mismo lugar. Así que sólo voy a hacer un bucle de la primera barra de 4 de esta progresión. Ahora solo di que no, si entro en ello, te mostraré más o menos cómo es esta progresión de acordes. Por lo que en realidad es bastante complejo. Es como una progresión de acordes de 32 barras, aunque claro, la parte principal de misma se repite. Pero eso está bien. Entonces solo para que lo sepas, en las próximas lecciones, realidad repasaremos el paso a paso, cómo hacer esta progresión. Y cubriremos todos los conocimientos necesarios para poder hacer tus propias progresiones épicas de acordes. No solo esta progresión, sino realmente cualquier progresión que quieras poder hacer. Pero por ahora, solo quería traer este midiin. Así que en realidad tienes suficiente para que podamos empezar a esculpir nuestro pad en vital, porque obviamente de momento suena muy desempaquetar. Vamos a entrar en vital y comencemos. Si eres nuevo en esto, puede parecer un poco desalentador, pero no te preocupes. Vamos a estar haciendo diseño de sonido de nivel de entrada en este tutorial. Y primero, permítanme brevemente, y me refiero a explicar brevemente los conceptos básicos de cómo funciona el sintetizador. También solo di no, todos estos parches están disponibles en el archivo de trabajo. Entonces, si realmente te quedas atascado, solo puedes cargarlos. Y hay instrucciones sobre cómo hacerlo en la misma carpeta que los presets. Entonces lo más fundamental a entender en cualquier sintetizador es realmente la trayectoria de la señal del sonido. Entonces, de dónde empieza y hacia dónde va antes de que salga del sintetizador a tu puerta. En cualquier sentido, realmente, todo comienza con la sección del oscilador. Aquí es donde se produce el sonido y donde se crea la fila inicial de Tom del sonido, Tambora, es decir, la textura del sonido. Puede cambiar el tiempo roto usando varias formas de onda diferentes que puede recorrer en ciclo. Se pueden agregar más osciladores. Dos, hay tres osciladores principales en vital además también tienes un oscilador de muestra. Y después de haber creado el tipo inicial de textura de la señal de sonido entonces pasa a través de lo que nos referimos como las partes sustractivas del sintetizador. Entonces aquí podemos dar forma a la dinámica de la misma cambiando el sobre. Digamos, este es el sobre de aquí. Esto controla la dinámica de la amplitud. Di que si le agrego, digamos, un ataque, oirás que obtenemos una ventaja lenta en el sonido, por ejemplo y luego también podemos enviarlo a través de un filtro. Entonces si activo el filtro y sólo voy a apagar el oscilador 2.3 por ahora. Así que eso es como esculpir el sonido. Y también hay infinitas formas de modificar y modular el sonido que has hecho. Y veremos los conceptos básicos de eso a lo largo del tutorial. Entonces tienes la página de efectos donde puedes agregar cualquier cosa lista compresor de coro, delay, distorsión, todo tipo de cosas al sonido, extra para esculpir aún más el sonido, a cómo quieres que sea. Pero eso es suficiente de una visión general breve aunque fuera, realmente es suficiente en este momento solo para entender dónde comienza el sonido y cómo progresa a través del sintetizador no es muy bueno. Hablando de lo que hace cada una de las funciones cuando realmente no se tiene un marco para cómo funciona eso. Entonces, para ayudar con eso, comencemos a hacer el sonido solo para que sepas, si hiciste ajustes de datos y quieres volver al preajuste inicial, que es lo vital que se carga cuando se carga por primera vez arriba. En tres líneas aquí y vaya a preset inicializado. Y esto solo restablece todo en Basilea. Entonces nuevamente, comencemos con la sección del oscilador. Ahora en realidad ya está en la forma de onda correcta. Esto es como una onda de sierra. Ese es un buen punto de partida. Pero lo que quiero mostrarles es este control sobre aquí al unísono. Así que por ahora sólo voy a bajar esto. Entonces este es el desintonamiento al unísono. Traeremos esto de nuevo en un segundo, pero es mejor comenzar con esa desventaja. Lo que voy a hacer es empezar a sumar más voces para ello. Así que solo tienes que hacer clic y arrastrar hacia arriba sobre esto para agregar más voces. Se puede escuchar algo así como cambiando el sonido de la misma. Pero, ¿qué significa eso en realidad? Entonces agregar más voces básicamente significa que estás agregando más osciladores tocando la misma canción. Entonces, en vez de un solo oscilador, ¿ cuál sería si lo tuviera en una sola voz? Tengo como 16 voces todas tocando la misma ola de canciones. Ahora eso no suena tan impresionante cuando lo toco. Hasta que empieces a meterte realmente con el dial desintonizado, di que solo voy a tocarlo y me meteré con esto y escuchas a lo que me refiero. Se puede escuchar de inmediato. Realmente lo espesa hasta convertirlo en este bonito, casi como un cable transceptor, pero en realidad solo lo aplana, lo hace mucho más interesante. Bien, así que está bien. Ahora vamos a agregarle otro oscilador. Entonces vamos a activar oscilaciones también. Ahora bien esta, en realidad no está haciendo mucho si solo la toco, es simplemente agregar una voz más realmente a la del oscilador inicial. Entonces, lo que voy a hacer en realidad es lanzar esto abajo. Así que sólo voy a hacer click donde dice tono y arrastrar esto hacia abajo. Es un -12 va a estar abajo uno Octavio sólo va a jugar eso. Bien, bien. Simplemente realmente lo espesa. Tener un oscilador tocando uno, OK, ahorra abajo, Eso es genial. Entonces, lo siguiente, pasemos a esculpir realmente un poco el sonido. En primer lugar también, no voy a decir cambio. El segundo oscilador dice que también pasa por el filtro uno en lugar de Filter2. Aquí puedes ver que las osciladas ya están siendo enrutadas a través del filtro uno también. Entonces con la textura del sonido, algo así como yo una vez que, o al menos aproximadamente en el lugar correcto, voy a venir y comienza a esculpir el sonido usando el sobre. Entonces emular uno es para la dinámica de amplitud. Entonces eso significa básicamente volumen sabio, lo moldeará como lo mostré antes. Entonces, si agregamos más de un ataque, un poco más educado, pero no necesitamos ser tan extremos. Vamos a hacer otra cosa. Yo sólo quiero un poco de ataque sobre eso. Entonces solo tiene esa ligera alimentación asquerosa entrando en la primera mitad, un segundo del sonido. Eso está bien por ahora. Vamos a subir el lanzamiento de la misma también porque queremos que tenga un poco de cola. Así que todo tipo de todos los códigos se mezclan entre sí. Para que oigas cuando lo detengo, puedes escuchar que es granizo. Ese es el lanzamiento del sonido. Bien, genial, Eso está empezando a sonar un poco más agradable. No hay problema, pero ahora queremos agregar un filtro, así que voy a activar el filtro uno. Déjame solo jugar que puede cambiar el corte del filtro mediante el uso de este deslizador. Se oye que le tiene ese tipo de sensación resonante. Eso es porque la resonancia en este momento está como a mitad de camino hacia arriba. Así es como se cambia la resonancia del filtro. Entonces, obviamente, puedes apagar esa resonancia de inmediato. Lápiz labial a tenerlo aproximadamente a mitad de camino hacia arriba. Bastante agradable. Hace que sea un poco más interesante el sonido. Pero en lugar de solo filtrarlo, lo que quiero hacer es en realidad modular este filtro para que absorba el sonido. Entonces para hacer eso, necesitamos agregar un ataque, al igual que con el ataque a la amplitud. Obviamente, si subimos eso, como que le da ese lento, gentil que conduce al sonido. Entonces queremos hacer esto, pero con los filtros, es realmente fácil de hacer. Vamos a usar Envelope dos para esto. Vamos a hacer clic sobre también. Y también donde veas estos como poco gris hacia fuera cuatro flechas con un.en el medio, realidad vamos a hacer clic en eso y arrastrarlo sobre. Entonces cuando lleguemos ahí ese pequeño círculo, sabemos que esto va a afectar el corte del filtro. Entonces si se me cae eso y ahora no va a pasar mucho si lo juego. Porque en realidad no hemos hecho ninguna afectación a la caja fuerte del sobre. Ahora, levanta el ataque. En realidad se puede empezar a ver el filtro mismo siendo modulado por esta envolvente aquí. Para que podamos rechazarlo. Entonces estamos empezando a llegar ahí. No está del todo bien. Realmente no suena como quiero que en este momento. Así que solo vamos a obtener estos ajustes un poco más precisos. Solo estoy cambiando la bodega para que cada vez juegue el pad obtengamos un ciclo completo. Entonces no está tan mal, pero tenemos que hacer algunos cambios a esto todavía. Entonces vamos a agarrar este pequeño punto de control en el medio y simplemente moverlo hacia arriba. Entonces obtenemos más de una especie de subida rápida en el corte y luego se vuelve más suave hacia el final y se puede ver que se desarrolla. Oh, digamos que tenemos que mover el ataque hacia arriba también. Levanta eso. Entonces está más en línea con el sobre uno, que está haciendo la amplitud. No te preocupes demasiado si esto no está súper hundiéndose en este momento, cuanto más lo hagamos, más empezarás a entender el proceso. Esta es apenas la primera vez que lo hacemos. Así que no te preocupes demasiado, si no todo tipo de tener mucho sentido todavía. Así que solo tenemos que hacer otra modificación. Entonces cuando lo juego, es un poco demasiado extremo. Entonces lo que queremos hacer es bajar la efectividad de los filtros, como cambiar la mezcla de radio de lo mucho que esta envolvente afecta al filtro. Y lo hacemos haciendo realmente dando clic en estos pequeños puntitos aquí y hacemos clic y arrastramos hacia arriba y hacia abajo. En realidad se puede ver cuánto vamos a estar afectando al filtro por digamos, si tenemos ese círculo completamente lleno, es como máxima efectividad o mezcla completa. Y si bajamos eso a la derecha, entonces no lo voy a afectar tanto. Entonces es mucho más gentil. Digamos que queremos un poco más alto que eso, pero no demasiado algo por aquí. Y claro, como está jugando, podemos, y todos diremos, automatizar esto, el corte del filtro. Y para los ajustes estándar básicamente estamos ahí. No dije que iba a ser un parche muy sencillo. Y es muy fácil conseguir algo que suene agradable y deliciosa. Ahora, obviamente, cuando empecemos a adentrarnos en cómo se hizo la estructura de código, entonces realmente va a empezar a tomar forma ya que agregamos todas las notas bajas en y todo. Pero por ahora eso está absolutamente bien. Otros, una cosa más que quiero hacer y eso es solo este dial de pista de velocidad aquí abajo. Entonces esto es realmente bastante importante. Déjame cerrar vital por un segundo y voy a entrar en el midi. Ahora como puedes ver aquí, tenemos estas notas de diferentes colores. Entonces no estoy seguro de tu puerta, pero en Cubase, básicamente, cuanto más brillante es el color rojo, cuanto mayor es la velocidad y cuanto más oscuro es el color, más púrpura, menor es la velocidad. Y tener una variación en la velocidad a lo largo de la actuación es realmente importante para adivinar un campo emocional, tu melodía. Solo di que no, la velocidad es como lo duro o lo suave que se golpea un instrumento real como un teclado. Di si golpeo una tecla muy fuerte en un teclado que es como de alta velocidad. Si lo presiono muy suavemente, tiene muy baja velocidad. Pero como vital, la configuración de stock es básicamente ignorar la información de velocidad por lo que se establece en cero en este momento. Entonces, lo que tenemos que hacer es convertir esto al 100% para que vital realmente tenga en cuenta la información de velocidad que se le envía desde la pista midi. Entonces cuando estoy en el medio, se puede escuchar que estas notas que son como poco más silenciosas o tienen una menor velocidad cuando la presiono. Y luego los superiores. Para que oigas que hay una diferencia de volumen entre ellos. Usamos esto para agregar emoción a lo largo de la pista. Pero vamos a llegar a eso con mucho más detalle cuando empecemos a mirar la melodía en sí misma. Bien, así que lo último en vital es que solo quiero agregar algunos efectos a este parche solo para rematarlo realmente. Entonces lo primero que quiero agregar es un compresor. Entonces solo venimos activando eso. El compresor viene con algunos ajustes diferentes. Tienes multibanda, banda simple, banda alta y límite inferior. De hecho queremos mantenerlo en multibanda. Multibanda es uno de los mejores ajustes. Yo sólo voy a tocar eso. Ya se puede escuchar eso. De hecho, está muy bien cambiando. La almohadilla le está sacando esa especie de grano de alta frecuencia. No quiero entrar en todos los ajustes multibanda, algo así al principio del tutorial. Digamos que sólo voy a pasar y sólo una especie de retocar. Establece ¿verdad? Para este instrumento. Digamos que eso es lo que pasó por alto. Y puedes agregar, solo agrega un poco casi como un poco de excitación a la gama alta. Entonces está bien que tenga que entrar en más detalles de ello ahí. Ahora quiero agregar un poco de distorsión. Entonces para esto, lo mantendremos en su configuración de stock de clip suave, que es algo más parecido, o al menos si lo usas de una manera no demasiado fuerte, es más como saturación que distorsión. Pero hay un poco como una línea fina entre cualquiera, digamos, está bien, vamos a escuchar un poco. Otra vez. Realmente es solo agregar un poco de brillo, más arena si quieres la gama alta del sonido. Y luego EQ vamos a agregar. Así que hay algunas configuraciones diferentes que puedes usar aquí. Si hace clic en el logotipo, por ejemplo, puede recorrer entre un corte bajo o un estante bajo. Podemos tener una milicia de un poco creció un poco de impulso, creo. Y también con la gama alta, puedes tenerla como cortes de caminata o una repisa alta. Eso sería solo que es un estante alto. Y otra vez, sólo vamos a impulsar la gama alta de la misma. Simplemente ajuste los bits del controlador en la distorsión solo para disminuir ese bit. Bien, así que eso es bastante decente estoy contento con eso. Ahora podemos cerrar vital. Entonces eso es todo para esta lección. En la siguiente lección, vamos a empezar a mirar el plomo y una especie de cómo lo programamos en toda esa progresión de acordes. Pero en la siguiente lección, estaremos viendo la parte más básica de la teoría musical. Entonces, si quieres, si ya estás bien versado en teoría musical, entiendes o puedes saltarte menos de tres e ir directamente a la lección cuatro, donde realmente comenzamos a construir el melodía misma. Y menos de tres, la siguiente lección solo vamos a mirar los conceptos básicos de la teoría musical para aquellos de ustedes que no saben mucho al respecto. Bien, muchas gracias por ver a chicos y chicas verte en la siguiente. 4. Conceptos básicos de la lección 03 de la teoría musical: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, así que ahora tenemos nuestro sonido pad. Veamos cómo se nos ocurrió una melodía desde cero. Ahora bien, puede ayudar a algunos de ustedes saber que en realidad no toco ningún instrumento y soy autodidacta cuando se trata de teoría musical. Y es importante que entiendas que aunque tengas muy poco conocimiento de teoría musical, aún puedes crear progresiones y melodías de acordes aparentemente complejas y hermosas. La forma de hacerlo es crear complejidad a partir de la simplicidad. Este es un concepto que se puede aplicar a muchas cosas en la producción musical. Pero obviamente, aquí hablaremos en términos de la progresión de acordes. Y todo lo que significa es que empezamos simplemente con acordes de tríada, que son los acordes básicos de tres notas. Y luego comenzamos a experimentar con diferentes voces y probamos diferentes tipos de núcleos, etcétera. Al hacer esto con solo unos bits básicos de comprensión, puedes llegar a algunas progresiones de acordes bastante impresionantes. Ahora, no quiero predicar al pelo del coro. Entonces, cualquiera de ustedes que ya entienda los conceptos básicos de las escalas y sepa hacer tríadas puede pasar a la siguiente lección donde realmente comenzamos a construir la melodía desde cero. Para las personas que son nuevas en la teoría musical. Una actualización rápida. Voy a cubrir los fundamentos absolutos para que entiendas lo que está pasando en la siguiente lección y además, puedes hacerlo en tus propias pistas. Entonces, la mejor manera de abordar esto es dividirlo en escalones. Entonces, el primer paso es escoger la báscula que quieres usar para esta pista. Usamos la escala Do menor en tus pistas. Obviamente, puedes usar cualquier escala que te haya gustado. Las mismas reglas se aplican para hacer tríadas y progresiones de acordes. Es solo que la escala te da el marco musical básico que necesitas para comenzar. Entonces, el paso dos es averiguar qué notas en esa escala. Ahora, tu puerta podría tener herramientas integradas en esto como Cubase. Pero lo fácil de hacer son solo las notas de Google en la escala de Do menor, golpear Enter, y luego ir a las imágenes. Lo que quieres buscar son estas imágenes de música básica theory.com. Son los más fáciles de entender, pero quizá prefieras a los demás, depende cuál sea tu formación musical. Enseguida. Puedo ver que en la escala de Do menor tenemos C, D, Mi bemol, F, G, A-bemol, si bemol, y luego obviamente de vuelta a C, y eso solo se repite. Ahora lo que te recomiendo que hagas es luego transferir estas notas a tu puerta para que puedas referenciarlas fácilmente. Digamos, sólo voy a sacar mi pad por el camino y sólo voy a dibujar en un segmento midi en blanco, entrar en él. Y lo que quiero decir para hacerles referencia es que simplemente dibujaremos literalmente las notas, solo haremos esto un poco más acercado. Entonces tenemos C, que obviamente es el tónico de nuestra escala. D, E plano, F, G, un plano, B plano. Y luego se repite volviendo a C y empieza todo de nuevo. Pero eso es suficiente. Acabamos de recibir todas las notas ahí como referencia. Entonces estas son las notas que podemos usar para hacer nuestra progresión de acordes y, o melodía. Solo di que no, uno rápido porque obviamente dije que tenemos E-flat, tenemos un piso y B flat. Ahora bien, es un poco confuso en la mayoría de las puertas porque lo que en realidad es E-flat en algunas escalas también se conoce como D-sharp en otras. Y la mayoría de las puertas, tal vez tu puerta sea ligeramente diferente, pero en Cubase siempre está etiquetada como D-sharp, aunque en realidad es E-flat. Un poco confuso, pero realmente no es tan importante en el gran esquema de las cosas. No necesitas entenderlo realmente para poder usar los trucos que te voy a mostrar para poder hacer llamadas y esas cosas. Bien, fuera del camino, veamos en realidad hacer tríada. Entonces hacer tríadas es como lo más fácil del mundo. Créeme, ¿alguien puede hacer esto? Entonces comienzas con la nota raíz. Entonces en este caso, sólo voy a dibujar un acorde en C porque esa es nuestra escala. Entonces empezaremos con eso, pero avanzaremos hacia diferentes acordes. Vamos a darme un poco más de espacio aquí. Entonces, una vez que tienes tu nodo raíz n, que es c, En este caso, luego te saltas una nota en la escala, que es D, y luego dibujas nota, en la siguiente nota de la escala, que es E-flat, luego haces el lo mismo. Te saltas otra nota en la escala, y luego dibujas en la siguiente nota de la escala. Y eso es literalmente todo. Y aplica en cualquier nota de la escala. Di por ejemplo, si quiero un acorde E-bemol, di que lo dibujaré en la nota raíz. Así que ve y E-bemol. Entonces echo de menos una nota en la escala y luego dibujo dentro y fuera. Entonces hago lo mismo. Me estoy perdiendo y escala y dibujo en otra noche. Como dije, esto funciona en cualquier nota en escala. Es tan sencillo como eso. Y entonces empiezas a ver lo importante que es escoger la báscula. No importa en qué escala estés. Aún así, se aplican las mismas reglas. Y una vez que sepas que literalmente puedes hacer cualquier código que quieras. Así que vamos por ejemplo solo el uno más. Y es decir quiero un acorde si bemol. Entonces puedo dibujar mi nota raíz ahora, y no tengo las notas dibujadas ahí, pero obviamente simplemente continúa arriba. Entonces estos literalmente solo repiten. Entonces sería como C, D, E-flat, etc. así que solo puedo usar las notas que ya tengo. Entonces tengo mi B-bemol. Echo de menos una nota en la escala. Entonces la siguiente nota será d. Y luego echo de menos una nota en la escala, y la siguiente nota será F. Bien, así es justo así. Y ahí vamos. Tenemos poca, poca progresión de acordes. Eso es sólo un ejemplo. Por supuesto, en realidad no vamos a usar esta. Vamos a usar una diferente en la siguiente lección, pero llegaremos a eso. Ahora lo último de lo que quiero hablar aquí es la numeración de los cordones porque simplemente lo hace un poco más fácil. Y es muy, muy sencillo. Entonces es literalmente como si tuvieras números al lado de cada uno de estos y solo contaras para arriba. Entonces el tónico de la escala c en este caso es siempre el acorde único. Y entonces los dos acordes, un acorde de tres, cuatro acordes, cinco acordes, seis acordes, siete acordes es literalmente así de simple. Entonces si digo, quiero un acorde de dos, entonces sabes que vas 12 y luego esa será la nota raíz de los dos acordes. Y entonces obviamente solo sigues los mismos pasos. Entonces saltamos una nota en la escala, luego agregamos una nota, y luego saltamos y agregamos una nota que es plana. Este es un acorde de dos porque este acorde de aquí es un acorde de tres porque es 123. Y entonces la nota raíz de la misma empieza en tres, esta de aquí arriba. Entonces obviamente contamos hasta 1234567. Entonces ese es el acorde siete. Si digo que quieres un acorde de seis, bastante fácil, cuenta hasta 123456. Y ese va a ser el nodo raíz del siguiente intento que hagas. Lo último que voy a mencionar es que a la hora elegir los acordes que solían componer tu progresión, estoy el 95% del tiempo. Comenzarás con el acorde uno como el primer acorde. Así como esto. Es bastante raro que realmente empieces con un acorde diferente. Se puede hacer, pero para ser honesto, cuando seas principiante, solo empieza con el acorde único. Te va a hacer la vida mucho más fácil. Entonces el último acorde en la progresión es el 95% del tiempo. Nuevamente, siempre un acorde de cuatro o cinco. ¿Bien? Entonces ese será un acorde comenzando con, en esta escala particular de todos modos, sería un acorde comenzando con F o G. Así que por ejemplo, simplemente haré eso rápidamente. Digamos que tengo mi f noche, me salto y agrego una nota, Saltando a un ocho, que es C. La razón de esto es que la transición del acorde de cuatro o cinco al final de la progresión, volver al acorde único da un sentido de resolución. Entonces comenzamos con el acorde uno, luego terminamos en el acorde de cuatro. No tipo de transición siempre tiene sentido de resolución si usas el acorde de cuatro o cinco. Entonces básicamente, es bastante sencillo hacer una progresión de acordes de barra completa porque siempre va a comenzar con el acorde único. Y siempre vas a tener un acorde de cuatro o cinco al final. Entonces solo tienes que escoger los dos acordes que van entre ellos que suenan muy bien. Cómo quieres que suenen. Bien, así que voy a borrar eso porque no vamos a estar usándolo. En la siguiente lección, seguiremos adelante con hacer la progresión de acordes y mostrarte cómo se me ocurrió desde cero. Entonces ese es el conocimiento fundamental que realmente necesitas entender para poder empezar. Una vez que entiendas esto, entonces puedes agregar a ese conocimiento y comenzar experimentar con cosas como siete llamados sus acordes, tomar prestados acordes, a lo que vamos a llegar en la siguiente lección. Bien, muchas gracias por ver chicos y chicas. Te veré en la siguiente. 5. Lección 04 Teoría musical que comienza con la progresión de los acordes: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces el enfoque de esta lección y la siguiente lección es mostrar cómo complejidad en las progresiones de acordes viene de la simplicidad. Antes de meternos en ello, solo quiero entrar en esta progresión de acordes. Entonces, obviamente, esta es la progresión de acordes completa que tendrás en la fuerza laboral si compraste el curso, realidad vamos a entrar en cómo construir esto literalmente desde cero. Sólo quiero mostrarte básicamente cómo se ve al final. Así que vamos a tener una buena idea de a dónde vamos con esto. Entonces, como pueden ver, aquí están pasando muchas cosas. Se ve bastante complicado. Y obviamente se basa en tu opinión si crees que suena bien o no. Pero me gusta. Sólo voy a jugarlo rápido o al menos algo de él. Digamos a partir de aquí, es como si tuvieras la idea, evoluciona por todas partes. Esto es como una progresión de acordes de 32 barras y evoluciona a lo largo. Pero vamos a hablar de cómo llegamos a ese punto apenas de comenzar con simples tríadas. ¿Bien? Entonces puedes repetir eso tú mismo, eso con cualquier melodía que te guste desde cero. Bien, así que saquemos esto del camino. Y sólo voy a comenzar con una simple progresión de acordes de cuatro barras. Y así es más o menos como empiezo todas mis progresiones de acordes, no todas y cada una. Algunas startups pedían de manera diferente. Podría comenzar con como notas simples y luego agregar códigos que pero de cualquier manera, generalmente así es como empiezo. Así que entremos y veamos a nuestro editor midi. Y claro, ofrece cordón está en C, Así C menor. Ya he mostrado en la última lección cómo vamos a hacer tríadas realmente. Y solo para los que están cerca en realidad solo se quedarían en las notas fantasma, no van a tocar nada. Es solo que la gente puede ver qué notas están en la escala G menor. Y como lo demostré en la última lección también. Así que conseguimos nuestro primer núcleo. Sabemos que la progresión de acordes va a comenzar con un acorde de uno y luego nuestra progresión de acordes de cuatro barras en esta instancia, solo voy a elegir el acorde con el que va a terminar, porque es un acorde de cuatro o cinco. Y en este caso, voy a usar un acorde de cinco. Así que eso es 12345, dice G, B bemol, y luego D. Y luego los dos acordes intermedios. Y luego comenzaremos con un acorde de seis, que es un acorde más plano que un acorde de tres, digamos a, B, E bemol. Pero vamos a ir con él. Entonces esto es una especie de comenzar la progresión de acordes de barra completa. Salvo que tendremos ese último acorde una octava inferior. Entonces solo estoy resaltando. En Cubase, solo tienes que mantener presionadas las teclas Mayús y las flechas hacia abajo para dejarlo caer. Ok, guarda básico, agradable pequeña progresión de acordes, bien. Pero si solo dijera mira, aquí está mi progresión de acordes, te perdonarían por pensar que es demasiado simplista. Pero como empezarás a ver, vamos a agregar usando pasos simples, capas de complejidad a esto. Solo tenga en cuenta, por cierto, hay absolutamente nada de malo en usar tríadas de símbolos si eso se adapta tu canción y a lo que quieres lograr, queremos conseguir algo para esta pista que sea tal vez podría describirse como un poco más complejo emocionalmente. Así que tenemos que construir sobre una especie de tríadas simples. Pero para algunas canciones, ciertamente canciones pop y cosas así, realmente puede funcionar con solo usar tribus simples puede ser suficiente. Bien, así que el siguiente paso es duplicar esto. Entonces voy a convertir esto en una progresión de acordes de ocho barras. Así que sin duda comenzaremos la segunda repetición, si quieres, o la segunda mitad de esta progresión de acordes de ocho barras con el acorde en Do menor. Ambos probablemente tengan un par de notas diferentes en el medio. Y vamos a mezclar esto un poco. Y tendremos un acorde de cuatro para nuestro último curso. Digamos que sólo voy a arrastrar eso hacia abajo. Entonces claro que sé qué códigos quiero en el medio. Quiero que este segundo acorde en la segunda mitad sea un acorde de cinco, así puedo simplemente Nick. Nos preguntamos que pongamos ahí, y luego quiero un acorde de tres, que solo puedo robar ahí también. Así que claro, cuando lo hice por primera vez, no fue así solo que sucedió de repente y solo fui, oh sí, quiero un acorde de un cuarto, tres cuartos de cinco cuartos donde sea que obviamente acabo tocó con él, sí escogí el acorde único. elegí los cinco núcleos para comenzar como última nota en la primera mitad de la progresión. Y luego me metí usando diferentes códigos y encontré estos dos, lo que funciona muy bien. Y luego hice lo mismo para el siguiente también. Entonces una vez que obviamente tengo el acorde único, el acorde de cuatro, luego toqué con estos dos y probé acordes diferentes. Y acabo de encontrar estas obras bastante bien. Bien, entonces esto es lo que conseguimos hasta ahora y es súper básico. Entonces como es tan simplista, echemos un vistazo a cómo podemos hacer esto emocionalmente más profundo. Digamos que la primera y más sencilla forma es usar diferentes voces para los códigos. Digamos, aligerar diferentes voces simplemente significa que estás cambiando la octava en la que están las notas. En realidad estás usando la misma nota. Entonces por ejemplo, si tomo, digamos, el E-bemol del primer acorde y luego lo muevo hacia abajo una octava. poco consigue una diferente, llena una actualización. ejemplo, obtienes un sonido mucho más épico si quieres una forma de describirlo de todos modos, no solo tienes que mover las notas a una posición diferente. De hecho, puedes duplicar la noche, decir que el tipo de cosas más comunes que podrías hacer es agregar una nota base, digamos que copiemos la C hacia abajo y realmente se espesa y la da un sonido mucho más profundo. Digamos que está bien para el primer acorde. El segundo acorde duplicará la nota superior, pero tendremos esta una octava hacia abajo. Guardar esto efectivamente se convierte en la nota base del acorde que hará lo contrario para el tercer acorde. Entonces, gritos, perdón, estoy en un día que es simplemente duplicar el E-flat ahí. Ya. Está empezando a sonar un poco más agradable, un poco más emocional, tal vez, que todos se unan a medida que avanzamos. Pero vamos a tocar ahora con este último acorde. Y quiero hacer algo un poco diferente en este caso. Hasta ahora, estos tres acordes acaban de tener una especie de simples cambios de voz o adiciones. Di por este acorde, Vamos a trabajar en eso. Entonces lo que voy a hacer en realidad es usar lo que se llama un séptimo acorde. Ahora, solo ten en cuenta que aquellos que son nuevos en la teoría musical, un séptimo acorde con un th después y un acorde A7 sin el THR, en realidad cosas diferentes. El acorde siete se relaciona con la posición de las tríadas. Entonces nuevamente, volvemos a nuestros números es como 1234567. Entonces siete acordes sería solo un acorde comenzando con si bemol y luego haciendo una tríada simple. Pero un séptimo acorde es cualquier tríada a la que le añades una cuarta nota, que es un séptimo intervalo por encima de la nota raíz. Ahora, eso suena muy complicado, pero en realidad es muy simple. Digamos, quiero hacer un séptimo acorde a este código. Todo lo que hago es seguir literalmente, digamos, donde hicimos el código en primer lugar, necesitamos las notas raíz. Después nos saltamos una nota en la escala, agregamos una nota, obtenemos otra nota en la escala y agregamos otro nodo. Y ahora vamos a hacer lo mismo. Vamos a saltarnos una nota en la escala y añadir otro nodo. Y eso es ahora un séptimo acorde. Se puede escuchar el impacto emocional que tiene es mucho mayor que solo tener el estándar llamado. No son que sea malo ni nada, sino que solo cambia la sensación de ello. Una última cosa que quiero hacer esto es que vas a ver esa D, y voy a moverla una octava hacia abajo solo para abrir un poco el código. Say empieza a sonar muy agradable y sin duda muy diferente de solo las tríadas originales. Así que continuemos con la segunda mitad de esta progresión de acordes de ocho barras. Entonces otra vez, voy a duplicar el mar desde el primer acorde. Y éste, en realidad voy a cambiar la voz de esto. Voy a subir eso una octava. Voy a duplicar el B-bemol, y voy a duplicar la D abajo una octava. Juguemos eso rápidamente para que oigas lo que tenemos hasta ahora. Lo siento, En realidad, antes de ir más lejos, solo quiero explicar. Esto no sucede a través del simple conocimiento de la teoría musical. Lo que estoy haciendo aquí es, bueno, cuando hice esto la primera vez es literalmente simplemente experimentar con las diferentes voces, solo probando diferentes notas en diferentes posiciones. Tratando de séptimo acorde, tal vez tratando de código SAS, que hablaremos en un poco. Prueba el acorde prestado, del que también hablaremos en un rato. Pero nosotros, literalmente, se trata solo de experimentación. No es que llegues al punto en que al menos para mí de todos modos, desde luego no llegaste al punto en el que estoy como, tengo una coordenada. Yo soy como, Oh, el código perfecto después de eso será este. Y entonces el código perfecto después de eso será este. Bla, bla, bla. En realidad no sucede. Esto sucede a través de la experimentación y solo probando las cosas. Y así es como realmente llegas a conseguir algo que es original y emocional todo al mismo tiempo, ¿verdad? Entonces con eso dicho, vamos a jugar rápidamente a lo que tenemos hasta ahora. Esta es bastante simple en un duplicado de ambas notas arriba. Una cosa sobre esta progresión de acordes que encontré cuando estaba escuchando, y lo tengo hasta ahora y aún no había trabajado en el último código. Y solo necesitaba cambiar la sensación de este último acorde. Así que déjame jugarlo rápidamente para que puedas entender y entender dónde estamos. Y luego te voy a mostrar lo que hice para superar este último acorde no sonando del todo bien. No es terrible. Sería un tipo de trabajo tal vez, pero sólo para mí, no dice del todo que termina en un poco deprimente listo? Y es un acorde menor. Y sólo por cierto, así que dices si un acorde es un acorde mayor o menor es muy sencillo de hacer en tu masa. Solo haz zoom un poco. Entonces, cuando miras el código, si tienes un hueco de dos notas entre las notas inferiores y medias. Y si tienes un hueco de 123 antes de las notas medias y altas, entonces tienes un acorde menor. Si es al revés y tienes una brecha de tres entre la parte inferior y la media, y una brecha de dos entre la mitad y la parte superior, entonces es un acorde mayor. Es tan sencillo como eso. Ahora, todos los acordes en una progresión serán mayores o menores. hecho de que estés usando una escala menor no significa que todas serán tríadas menores. Algunos de ellos serán mayores. Es solo la forma en que funciona. Así que voy a poner eso de nuevo a donde estaba por un segundo. También hay otro tipo de acorde llamado acorde disminuido, que tiene un hueco de dos entre ambos la parte inferior y media, y la media y la parte superior, digamos por ejemplo se vería así. Siempre hay un acorde disminuido en, bueno, casi todas las escalas, escalas mayores y menores. En la escala menor, el acorde disminuido es siempre los dos acordes anuales notados o podrías haber notado a un padre. En realidad no estamos usando un acorde de dos en esta progresión de acordes en particular. El acorde disminuido es un poco más difícil de conseguir para encajar con tu pista. No significa que no se pueda usar, sí se acostumbra, pero en esta pista no lo estamos usando. Así que no voy a entrar en más detalles al respecto. Pero la razón por la que estoy explicando todo esto es porque lo que vamos a hacer es que vamos a cambiar este último acorde de lo que naturalmente se supone que es un acorde menor. Voy a hacer lo que se llama pedir prestado un acorde? Y eso es simplemente cambiar el acorde de un acorde menor a uno mayor. Ahora sólo voy a jugar eso para que puedas tener una idea de ello. Parece que Parece tiene final a la progresión de acordes. Y la razón por la que se le llama acorde prestado es porque como se puede notar, la, una nota que en realidad no está en esta escala, usamos una nota que está fuera de la escala, que estaría en la C mayor, mientras que estamos usando la escala C menor. Ahora bien, en realidad no importa. Realmente no necesitaba entender la mecánica o la teoría musical detrás de ella, solo que puedes usar lo que se llama un acorde prestado. Así que simplemente cambias el código viejo aquí o allá. De todas formas. Vamos a seguir adelante. Tenemos un par de cosas más que hacer a este último acorde. Entonces voy a duplicar esto. Y en realidad voy a tomar esa a, que es una especie de parte prestada del acorde. Y vamos a subir mucho eso , Guardar también. Hay una última cosa que quiero hacerle a esto, que necesito explicarle lo que está usando un acorde de sus. Pero antes que nada, déjame jugar esto para que te hagas una idea de dónde estamos antes de agregar el código fuente. Entonces, por el momento, siento que simplemente no se resuelve del todo correctamente. Yo sólo quiero agregar una última cosa a esto ahora. Muy rápido antes de ir más lejos, en realidad sólo voy a deshacer los cambios de posición aquí. Solo así volvemos a nuestro tipo de tríada original, pesar de que tiene la coordenada prestada, todavía tiene el AC. Este es un acorde mayor más que un acorde menor. Y para la primera mitad, lo que voy a hacer, sólo voy a acortar esa. Y luego voy a sumar en un Si bemol, que se conocerá como un acorde sus cuatro. Entonces básicamente estamos cambiando la nota media. Entonces no tenemos una media nota aquí, que normalmente es un tercio natural, y básicamente estamos moviendo eso hacia arriba. Si lo moviéramos hacia abajo, eso sería una salsa a acorde. Acorde Sus4. Si los muevo por encima de lo que tipo de discutimos, eso sería un acorde de siete. Se vuelve un poco confuso, pero en realidad no importa. Eso está bien. Este es un código SubTwo y eso es lo que vamos a hacer. Así que ahora tengo estos ahí dentro. Voy a moverlos a su posición correcta, que es una octava arriba. Y voy a duplicar esa f otra vez. Entonces solo quiero mostrarte cómo se construye esto para que ojalá puedas entender lo que está pasando ahí. Ahora, déjame tocar esto. Aunque un par de cosas que quiero hacer, es que quiero cambiar la velocidad de un par de estas noches porque tienen un poco de énfasis demasiado, bajaría la velocidad de estas por lo que son un un poco más suave. Y luego en realidad hacen que estos funcionen casi completos. Bien, entonces tal vez puedas decir que aquí está un poco de patrón emergiendo. Vamos a darnos un poco más de espacio para que podamos ver la progresión completa del acorde de ocho barras tal como está. Entonces, lo que hemos hecho es que tenemos cambios de voz simples para los tres primeros acordes en cada mitad de esta progresión de acordes de ocho barras. Y luego las cuartas cuerdas, o la cuarta y la octava cuerda, hemos hecho algo un poco diferente. Entonces el primero, usamos un séptimo acorde, y en el segundo usamos mientras que dos cosas en realidad un acorde de dos y un acorde prestado. Y posiblemente solo mi opinión, pero yo diría que usando un séptimo acorde y un cordón de subsidio, pedir prestado cordón, son algo más impactantes. Cambios en la progresión del acorde. Algo así como enfatiza las partes que se repiten. Antes de volver al acorde único, como que enfatizamos esta nota. Después volvemos al acorde único enfatizando esto. Y luego estamos repitiendo la progresión de acordes. Eso no quiere decir por supuesto, que no debas usar un séptimo acorde a la mitad de la progresión ni usar un acorde prestado para el primer acorde de tu progresión. Eso está absolutamente bien. Puedes hacer lo que quieras. Pero mi punto aquí es, y vamos a estar hablando de esto más adelante en el tutorial, es que este tipo de estructuración en la forma en que ocurre la progresión de acordes. Así que los tres primeros acordes, solo sonoridad simple, luego un cambio mayor que otras tres llamadas, solo sonoridad simple y un cambio más grande cambia el tipo de sensación energética de la melodía. Y todo esto se suma a la tensión y liberación de la pista. Y si puedes dominar, pero empujar y tirar de la tensión y soltar en tus canciones en todos los niveles, no solo el nivel melódico, sino también la escala macro, la estructura de la canción. Entonces podrás hacer música convincente que la gente solo quiera seguir escuchándote. Y nuevamente, vamos a entrar en esto con mucho más detalle más adelante en el tutorial y realmente analizaremos esto completamente. Bien, eso es todo por la lección. Estamos a mitad de camino con la melodía y espero que puedas empezar a ver el proceso de crear complejidad a partir de la simplicidad, comenzando con la progresión básica de la tríada y acumulándose poco a poco. Gracias por ver chicos y chicas. Te veré en la siguiente. 6. BTP ambiente relajado lección 05 Teoría de la música 32 barras de progreso de los acordes: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a echar un vistazo a cómo hacemos que la progresión de acordes de ocho barras en una progresión de acordes de 32 barras. Para esto, vamos a saltar al middy de pad completo que tenemos ahí. Así que sólo voy a borrar ese bit que conseguimos al principio ahí que usamos como ejemplo. Y yo sólo voy a entrar en el midi. Entonces echemos un pequeño vistazo. Bien, así que solo por ahora, voy a conocer estas notas altas para poder traerlas una a la vez. Lo importante que hay que darse cuenta aquí es que aquí tenemos la misma progresión de acordes de ocho barras, y solo está en bucle una y otra vez para ser precisos. Así que es, literalmente, misma progresión de acordes de ocho barras en todo el camino. Los únicos cambios que podrías notar es esta nota aquí arriba donde hemos usado en lugar de una ley de sus acordes, tienes aquí con el a sharp. Tenemos una C, que es sólo repetir la nota más baja del acorde. Y luego aparte de eso, la única diferencia es que tenemos todas estas notas extra. Entonces, permítanme acercarme al tipo de repetición principal o primera de esto. Solo para que sepas, a medida que me alejo, llegamos a una especie de repeticiones de la progresión completa de acordes de 32 barras. Entonces esta es la primera. Y luego hay otra repetición de la misma aquí. Esta es la segunda mitad de las pistas, así que solo lo repetimos. Pero vamos a entrar en eso con más detalle más adelante. Así que realmente quiero trabajar solo en esta primera mitad, que es el tipo de progresión principal de acordes de 32 barras que se me ocurrió originalmente. Entonces, lo primero que le hemos hecho a esto es en realidad agregar notas base. Entonces tengo notas graves aquí. Lo siento, déjame acercarme un poco para que diga con mayor precisión, solo tocaré esto rápidamente a medida que entren las notas base. Tener la base, y viene a mitad de camino. Esta progresión de acordes tiene unos impactos muy agradables y le agrega un poco de variación. Sobre todo cuando tienes todos los sonidos y el piano entrando y todo eso, que llegará más tarde. Entonces ese es el primer gran cambio, si quieres, a la progresión de acordes. Ahora lo segundo son obviamente todas estas notas extra que tenemos pasando aquí arriba, que son como tocar una línea superior casi hasta la progresión de acordes. Y aunque parece bastante complicado, realmente seguimos adelante y construimos esta nota a la vez. Entonces una cosa a considerar antes de llevarte a través ese proceso es en este tutorial, todo parece que va a pasar bastante rápido, lo cual no es realmente el caso para cuando llegue a este punto cuando estaba haciendo esta pista por primera vez, escuchaba bastante esta progresión de acordes. Así que ya estaba muy familiarizado con ello. Ahora mientras estoy explicando esto, porque estar familiarizado con la melodía en la que estás trabajando hace que sea mucho más fácil elegir las notas adecuadas a la hora de hacer lo que estoy a punto de mostrarte. Entonces todo lo que hacemos es empezar a agregar notas. Digamos que el primer anuncio nativo fue esta noche, literalmente en la segunda progresión de acordes. Entonces a partir de ahí lo acabo de escuchar y sentir a dónde quiero que vaya o imagínese a dónde quiero que vaya. Y puedo imaginarlo yendo las, las, las notas altas. Y eso va a ser ese ver de nuevo abajo. Literalmente los procesos que sólo una nota a la vez. Y a medida que paso y agrego una nota, simplemente escucho o en uso mi imaginación para donde creo que debería estar la siguiente nota. Y la mayor parte del tiempo es bastante obvio. La melodía siempre te dirá a dónde quiere ir. Cuando lo escuchas de nuevo. Digamos que puedes escucharlo simplemente creciendo en energía a medida que suben las notas. Y este es uno de los conceptos que tenía en mente mientras lo hacía esto era que quería mantener el tipo de energía subiendo. No quería demasiado arriba y abajo. Obviamente eso es un poco de arriba y abajo. Necesitas un poco de eso en la pista solo para mantener las cosas interesantes. Pero en general, la energía real básicamente está subiendo, un aumento en el cumplimiento de estos y creciendo en energía o aumentando en energía a medida que avanza a lo largo de la progresión. Y literalmente eso es nota por nota, simplemente pasa hasta que tenemos la progresión completa. Ahora lo último a considerar, que he tocado brevemente, es la velocidad de las notas. Digamos como puedes ver, la velocidad de los Caballeros varía bastante. Simplemente tire hacia arriba de la información de velocidad. Se puede ver que hay bastante variación ahí entre las diferentes notas. Y el motivo para cambiarlos es doble. Uno, quiero que esto suene más humano, como si realmente estuviera siendo interpretado por una persona real. Y también también. Algunas de las notas a medida que suben en tono en realidad se hacen un poco más fuertes. Entonces algunos de los cambios de velocidad también que ella solo para equilibrar esas notas para que no solo saltaran repentinamente hacia ti. Y realmente eso es todo. Así que hagamos un breve resumen de lo que ha pasado aquí. Entonces, literalmente, comenzamos con solo una simple progresión de acordes de 4 barras usando tríadas simples. Luego agregamos, de manera que la progresión de acordes la convirtió en una progresión de ocho compás, pero simple en la tríada. Entonces empezamos a cambiar las voces de algunas de las notas. Agregamos acordes séptimos, acordes prestados, un código SAS para obtener cuál es la base de la melodía principal. Y luego literalmente lo repetimos cuatro veces. Y luego hemos revisado y agregado todas estas notas altas encima de ella. No usando realmente ninguna teoría musical en particular, realmente la única regla que sigo aquí es solo usar notas en la escala, al menos aparte del último acorde en la progresión de acordes de ocho barras porque ahí tenemos un acorde prestado. Entonces puedes usar un a en ese caso. Pero aparte de eso, todas las noches están en la escala. Y realmente no he mirado si son sus acordes o séptimos acordes o noveno acordes o lo que sea. Es simplemente ir literalmente por aire y ver a dónde creo que debería ir, experimentar un poco, probar cosas y si no funciona, prueba una nota diferente, etcétera, hasta que lleguemos algo con lo que estamos muy contentos. Bien, así que eso es todo para esta lección. En la siguiente lección, vamos a ver agregar una capa superior de cuerda adagio. Muchas gracias por ver a chicos y chicas verte en la siguiente. 7. Lección de ambiente ambiente de BTP 06 capa de cuerda de Adajio: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, así que para complementar nuestro pad, quiero agregar un bonito sonido de cuerda orgánica tocando básicamente las notas altas que acabamos de agregar. Lo que quiero hacer es que este sonido de cuerda llegue después de los primeros 8 compás, donde iniciamos esta línea superior nuestra con estas notas extra. Y la razón por la que entra, 8 bar es básicamente mantener la pista evolucionando y mantener las cosas interesantes. Obviamente, la primera barra de 8 prácticamente va a ser puramente el sonido pad. Así que el oyente, por ejemplo, se estaría acostumbrando a una agradable progresión de acordes suave y suave que viene. Y luego vamos a agregar una línea superior a esa muestra de cadena de adagio de facilidad. Y verás cómo se funde, pero no agrega este sabor orgánico realmente agradable. Como si en realidad se estuviera tocando en, digamos, por ejemplo, como una orquesta con alguien en cuerdas que acaba de entrar suavemente después de los primeros 8 compás. Digamos, cuando hice esto originalmente, o simplemente copiado literalmente de después de las primeras 8 barras de las notas altas. Así que al igual que literalmente copió todo el lote. Y acaba de copiar esa Midea en una nueva pista midi para la cuerda Adagio. Pero claro que lo he modificado ligeramente y cambio las velocidades para que se adapten solo a las muestras de cuerda. Así que en realidad se cargará en. El archivo midi se acaba de obtener exactamente las mismas notas. Esa velocidad apenas se cambia ligeramente. Entonces cargaremos en ese archivo. Pero antes que nada, claro, tenemos que cargar la muestra que vamos a usar. Ahora no tienes que usar una muestra de cuerdas, pero me parece que agregar estos sonidos orgánicos realmente suman a la emoción de una pista y ayudan a mantenerla fundamentada en la realidad. La muestra que vamos a usar está en la fuerza laboral que la descargues y son las cuerdas Adagio en C. En Cubase, tenemos un sampler, así que solo puedo cargar esto directamente en la pista del sampler. Ahora bien, prácticamente todas las puertas estos días tienen muestreadores incorporados, así que no debería haber ningún problema para ti. Si tu perro no tiene uno, entonces hay instrumentos de muestra gratuitos que puedes descargar y usar. Uno de los mejores gratis que puedes conseguir es este, el t x1 six wx software Sant per se. Si acabas de buscar en Google, lo encontrarás. Puedes descargarla desde este sitio aquí, completamente gratis tanto para PC como para Mac. Entonces, si no tienes un sampler, entonces solo puedes descargar e instalar ese. Es posible que tengas que ver un video sobre cómo usarlo si no estás familiarizado con él. Pero ojalá que la mayoría de las tiendas sí tengan su propio sampler, entonces deberías estar bien, ¿verdad? Así que tenemos eso adentro, y vamos a traer el archivo midi guardado como puertas a middy. O simplemente puedes hacer esto desde Explorer también. Para la mayoría de las puertas, puedes simplemente arrastrarla desde el explorador de archivos. De hecho, lo pone justo en la posición correcta, que es de 8 bar en él. Así que vamos a darle la vuelta a esto. En primer lugar, toda la idea de esto es que simplemente entra muy gentilmente para comenzar con lo más alto del camino. Así que vamos a jugar a eso. Una de las cosas que es súper, súper importante es que estamos jugando esto un poco rápido en este momento. Esto se establece en 120 bpm. El seguimiento es fácil para esto acaba de cambiar el BPM ahora antes de comenzar a agregar muestras de OJ y todo. Entonces 84 es el tempo correcto, mucho, mucho más lento y ambiental. Solo lo tocaré desde la mitad de la progresión de acordes. Para que puedas escuchar la cuerda entrando. Simplemente le agrega un buen tipo de capa superior. Sólo para que sepan, como mencioné antes, las velocidades se han modificado específicamente para ello. Y se puede ver el gradual del flujo que les tienen a lo largo del transcurso de si se juega. Entonces solo un patrón de velocidad ligeramente diferente al de la almohadilla. Pero este parecía funcionar muy bien para las cuerdas, solo lo enfatiza en el lugar correcto. Y toda esta manipulación energética que tenemos con velocidades y con notas y todo va en absoluto hacia crear esa sensación de empujar y tirar, tensión y liberación, que realmente mantiene al oyente absorbido en tu pista. Pero una cosa tenemos con esto, ya que es una muestra. Ahora bien, obviamente si tienes un instrumento que toca cuerdas, entonces puedes usar eso. No hay problema. Y esa es realmente la mejor solución para ello. Pero encontrarás que cuando usas una muestra, cuanto más alto sea el tono se pone, obviamente, cuanto más rápido se reproduce la muestra. Entonces cuando llegues a estas notas más altas, por ejemplo como aquí, el ataque natural que tiene la cuerda, si solo toco la primera nota. Ahí se ve que tiene una especie de ataque natural. Se necesita tiempo para que llegue a su volumen completo. Cuando tocamos las notas más altas, va casi un volumen completo de inmediato. Es casi como si estuviera empezando muy rápido. No queremos esto porque suena más antinatural cuanto más arriba en tono va. Entonces lo que vamos a hacer en realidad es agregar un sobre usando el sampler. Digamos por eso, sólo voy a ir a la modelo. Esto es en Cubase obsceno más sumidero tiene una bastante sencilla cuando se quiere utilizar el moldeador de sobres. Y todo lo que vamos a hacer es agregar una etiqueta a esto. Un poco más que eso. Simplemente alejando el zoom. Básicamente el ataque quiere igualar el ataque natural de la muestra. Es como quizás solo un poquito más corto que eso. Y luego a medida que llegamos a las notas más altas, todavía tienes esa suave ventaja en el sonido. Bien, así que solo usando el bloque de sal, el ataque sobre él hace que suene un poco más natural. Entonces eso está bien. No necesitamos preocuparnos por ninguna de las otras configuraciones. Lo último que estamos listos para terminar esto es solo la reverberación. Entonces le das un poco de profundidad. Eso suena un poco raro siendo solo una muestra seca por su cuenta. Pero eso está bien. Vamos a conseguir algo de reverberación más adelante. Ahora solo para que lo sepas, en el sampler sí tienes esta cosa llamada audio warp, que la mayoría de los instrumentos hacen que Sophie encienda eso. Lo que hará es básicamente mantener la longitud y posición exactas de la muestra, pero cambiará artificialmente el tono. Ahora eso está bien para algunas muestras, pero cuando se trata de grandes cambios de octava como los que tenemos aquí. Entonces literalmente abarcando desde el segundo OK, guarda todo el camino hasta el quinto, OK, guarda eso. Esa es una variación bastante grande. Entonces, lo que encontrarás es cuando tienes el warp de audio encendido y vas tan alto es que todo empieza a sonar muy poco natural aquí dentro. Eso simplemente va todo raro y divertido. Entonces en las notas bajas esto estaría bien. Pero a medida que vamos subiendo, simplemente suena horrible. Entonces no usamos audio walk por esa razón. Pero si digamos que estás usando algo y no abarcó tantas octavas y probablemente esté bien. Mira, quiero decir, aunque tal vez no suene tan natural como una cuerda real que se toca en ese tono todavía suena mucho, mucho mejor. Bien, así que esa es la cuerda adentro, no hay problema. Lo siguiente que vamos a agregar es un piano, que llegará a la mitad del mismo tiempo que hacen las notas bajas. Y simplemente poco a poco acumulamos la energía de esta pista a medida que avanzamos, o al menos la primera progresión de acordes de 32 barras. Bien, así que eso es todo para esta lección. Muchas gracias por ver a chicos y chicas verte en la siguiente. 8. BTP ambiente relajado lección de piano 07: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. En esta lección, quiero agregar un piano. Ahora qué tipo de sucedió o cómo ocurrió fue cuando estaba escuchando esto una y otra y otra y otra vez mientras lo hacía, seguí escuchando esto. Y cuando digo escuchar como en la imaginación, una melodía sobre la parte superior que es realmente similar para atraer a la llamada lagartija de Mauro Picasa. Es como una vieja pista, su transcripción de los noventa, el metal E4, va un poco ahí. Hizo un lo hizo. Si alguien se acuerda de eso. Y ese es aproximadamente el mismo patrón que escuché sobre la parte superior de esto. ¿Lo hizo? Pero obviamente en clave. Bien, así que básicamente eso es lo que logré hacer. Así que en realidad voy a traer eso en tan solo un segundo. Pero antes que nada, quiero cargar los instrumentos de piano. Así que hay algunos instrumentos de piano gratuitos realmente bastante decentes por ahí. Y puedes tener una búsqueda de diferentes si quieres. Pero el que voy a usar se llama piano de sala V3. Entonces solo Google room piano V3, y sería el primer enlace ahí. Así que obviamente puedes optar por donar si quieres, pero puedes descargarla de forma totalmente gratuita. Obviamente, si tienes tu propio instrumento de piano, como si tienes instrumentos nativos, hacen uno muy bueno llamado gran jurado, que es 10 generalmente, normalmente usan, pero en este caso yo quería el tutorial lo más accesible posible. Así que en realidad voy a usar el sentido libre, así que solo voy a agregar eso a mis proyectos. Así sala piano V3 y pista. Ahí está. Sólo voy a cerrarlo por un segundo y voy a traer el middy save, solo voy a traerlo de la mano de obra, el piano Midea y dejar eso. Se lo ha traído. Y lo trae como dos trozos separados de midi, lo que se consigue financieramente para alinearlos adecuadamente. Así que queremos que comiencen a mitad de camino, pero solo asegúrate de que ambos sean seleccionados. Y luego encontrar el punto medio, que es su barra 21 en este caso. Y yo sólo voy a decir eso el piano que inicia, sólo van a bajarlo un poco. Di que en realidad es bastante tranquilo, así que solo lo estoy volviendo a subir de nuevo. Y solo voy a tocar eso desde el principio para que puedas tener una mejor idea de lo que está pasando ahí. Por el momento. Obviamente, suena bastante porque no tiene ningún efecto en él también necesita un poco de ecualización también. Pero se entiende la idea de que es el patrón. Entonces es más o menos el mismo ritmo que la pista lagarto de la que estaba hablando, pero obviamente hecha para encajar con la melodía de esta pista. Entonces es literalmente el mismo patrón cada vez que acaba de ser modificado por cada 4 barras. Así que cada barra completa y notas son diferentes, pero prácticamente los patrones son los mismos hasta llegar al final aquí. Donde hacer algo un poco diferente. Y nuevamente, esto solo se produce solo a través de la experimentación, obviamente usando las mismas notas que usamos en nuestra melodía, pero literalmente solo experimentación. Y como dije, una vez que obtuve ese primer ritmo, eso es lo mismo. Aquí, aquí están el mismo patrón y aquí, y luego los otros bits, solo, especialmente esta parte final aquí, es realmente experimentar un poco y solo imaginar cómo podría ir e intentar diferentes cosas fuera. Y de nuevo, como digo, no solo sucedió de repente. Esto fue mucha experimentación para llegar a este punto. Ahora tal vez si realmente toco un instrumento, me lo pondré muy fácil. Pero desafortunadamente, no digo que tenga que tomarme el tiempo para aprender realmente a tocar el teclado por si acaso no tienes este último alineado también, solo asegúrate de que los segundos bits de Midea también se alinea con el punto medio a través la segunda repetición del autor A2 barra progresión de ahí para allá y quiere comenzar a mitad de camino y debe superponerse. Pero al final ahí es igual que el final para la pista, pero llegaremos a eso un poco más adelante. Ahora, una última cosa que quiero hacer antes realmente terminemos esta lección, y eso es solo ajustar el ecualizador, este bit de piano. Sólo voy a sacar a colación la configuración de mi canal. Esto está en Cubase, pero obviamente agregar un EQ o lo que sea. No obstante, lo haces en tu puerta. Y yo sólo quiero hacer un par de cosas. Entonces una es que el piano suena un poco como medio pesado. St. Solo usando una especie de amplia vista paramétrica, especie de tallar un poco de esas frecuencias de rango medio. No te enojes demasiado. Lo suficiente como para domarlos un poco ahí, un poquito, no sonando a cuadros, pero se está poniendo así. Y yo solo quiero alegrar esto un poco también. Entonces solo voy a agregar una repisa alta. Simplemente se ha ido un poco demasiado extremo con una repisa alta ahí. Entonces solo domando al nacer, absolutamente bien. Y para ser justos, es demasiado pronto para realmente tomar decisiones finales sobre la cola y esas cosas, solo meterla en el estadio de béisbol. Por lo que está listo para que lo mezclemos más adelante. Bien, así que eso es todo para esta lección es hora de que tengamos algo de reverberación en estos elementos para realmente comenzar a pegar todo esto y realmente hacer que suene bien porque en el momento todo suena realmente fuera de lugar. Entonces eso es lo que vamos a hacer en la siguiente lección. Muchas gracias por ver chicos y chicas Nos vemos entonces. 9. Lección de ambiente relajado con BTP 08 Añade espacio: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a empezar a agregar reverberación a esta pista y crear una sensación de espacio para todos los elementos. Entonces, antes de ponernos en marcha, una cosa a considerar es qué instrumentos usas que tienes una nueva mezcla para obtener el sonido de reverberación en Craig's. Ahora, te aconsejo que no intentes hacer eso en una almohadilla debido a la naturaleza de la almohadilla es muy lenta y tiene una gran liberación y cola ya, ese tipo de cosas. Entonces no es realmente el mejor instrumento para medir lo que está haciendo la reverberación en tu camioneta. Es mucho mejor usar algo como piano. Permítanme simplemente borrar eso. Y el piano, básicamente, tiene un ataque agudo y una especie de termina rápidamente. Así que realmente podrás escuchar la reverberación que está ahí ahora en realidad ya tiene algún tipo de reverberación en esto. Así que vamos a entrar a los instrumentos y suena como que tiene reverberación ahí, pero tal vez no lo ha hecho. A lo mejor es sólo el sustain. Digamos que ese es solo el radio. Bien, así que está bien. Creo que podemos dejar al sustentador solo chequear rápidamente. Bien, entonces eso suena bastante natural y muy seco. Apenas con el lanzamiento fijado a eso. Así que está bien, ya es suficiente. Ahora, agreguemos una reverberación a nuestros proyectos. Así que casi todas las puertas deberían tener un complemento de reverberación medio decente incorporado. O bien podrías tener uno de terceros que te gustaría usar. Voy a usar uno llamado verbo Neo, que en realidad es por isótopo. Pero realmente es solo porque es agradable y me gusta y es fácil de usar, pero cualquier plugin de reverberación será aceptable, No te preocupes. Entonces sólo voy a hacer clic derecho. Voy a agregar un efecto para rastrear así es como lo hacemos en Cubase porque voy a configurar esto como efectos de envío. Me imagino que ya sabes lo que es un efecto de envío. Sólo voy a añadir un verbo nuevo. Quiero asegurarme de que esto es estéreo. Sólo voy a llamarlo reverberación principal, solo para que sepa lo que es. Y honestamente esto, sé que se ve elegante y cosas así, pero realmente no es muy diferente de cualquier otro complemento de reverberación. En su mayoría solo estoy usando una respuesta de placa que puede seleccionar en casi cualquier otro plug-in tendrá un preajuste de placa y luego estamos cambiando el tiempo de reverberación. En este caso, intentaremos alrededor de 4.2. Voy a hacer toda esta reverberación. Entonces es como una mezcla de platos y quien reverb y tu colina. Eso suena como en solo un segundo ahora voy a cargar un complemento de reverberación diferente, uno que se ve más estándar y voy a pasar por la configuración en eso también solo para que pueda hacer coincidir el mismos ajustes. Pero por ahora solo voy a sonar esto una K en nuestra configuración de canal de efectos de piano allí. Digamos a eso también. Y voy a enviar mi piano a través del grupo principal de reverberación, activar este fin. Y dejemos de jugar con esto. Santa. Bastante agradable. O puedo en algún lugar por ahí. Es difícil medir con eso todos los demás elementos ahí dentro, pero eso suena bastante decente. Ahora lo que voy a hacer, como dije, es que en realidad voy a ir al canal de efectos donde está el remitente, voy a silenciar o evitar eso por un segundo. Y voy a agregar una reverberación estándar, digamos, lo siento, esto es solo fuera de la pantalla pero realmente no importa. Es solo la reverberación estándar de Cubase, que viene, creo en todas las versiones de Cubase. Pero honestamente, si tienes un plug-in de reverberación en tu puerta, va a ser muy, muy similar a esto. Y literalmente lo único que debes hacer si se trata de un envío de efectos, necesitas darle la vuelta a la mezcla, lo cual me olvidé totalmente de hacer en el otro plugin. Así que voy a hacer eso ahora muy rápido. Mezcle hasta el 100%. Es como lo más importante que hay que hacer como efectos de envío. Y claro que lo olvidé en esa. No se preocupe. Pero eso está bien. Dilo mezclado. Ahora solo vamos a cambiar un poco la difusión por diversión, la difusión siempre agrega un poco de brillo a la reverberación. Y literalmente sólo vamos a subir el tiempo de reverberación. Y aparte de eso, no vamos a necesitar hacer mucho. No creo que el piano. Y eso ya suena absolutamente bien. Sólo, literalmente, la configuración de stock como esa no es ningún problema en absoluto. Sólo voy a pasar por alto eso. Entonces puedes escuchar la diferencia en realidad entre eso y el verbo Neo. Digamos, realmente no hay mucha diferencia entre ellos. eso me refiero, a pesar de que ese nuevo verbo, se ve todo brillante y bonito y funky. La mayoría de las reverberaciones suenan bastante decentes en estos días, así que no te preocupes si no te has acercado al verbo, realmente solo la reverberación de puerta estándar más fácil y estarás absolutamente bien. Bien, así que ya es suficiente. Esa es la configuración de reverberación en el piano, al menos ahora solo vamos a agregarla a las cuerdas a continuación. Lo siento mucho, sigo soldando en cosas solistas. No te preocupes por eso. Sólo voy a enviar esto a través la cadena y ver la reverberación principal. Ahora voy a decir también, ya hace una diferencia masiva. Así que simplemente lo dejaremos así muy bonito, grandes cantidades de reverberación ahí. Digamos que vayamos al pad, digamos eso y envíelo a través de la reverberación principal también. Sí. Y solo quiero escuchar esto por su cuenta así que voy a desarmar solo la muestra de cuerdas poco confiable sin solo darle esa sensación realmente agradable del espacio. Bien, así que está bien. Ahora vamos a escuchar todo el asunto. ejemplo, cuando entra el piano, di las cuerdas y tenía un poco demasiado fuerte en este momento. Así que sólo voy a rechazarlos a los dos. Sólo estoy seleccionándolos a los dos. Y en Cubase, puedes mantener presionado Alt u Opción y Mayús y luego rechazarlos y serás girado en ambos hacia abajo. No estoy seguro de cuál será ese control en otra puerta, pero si no tienes uno, está bien. Simplemente selecciónalos individualmente y bájalos. Pero ellos simplemente se agotan un poco. Creo que mi elección de no tener tanta reverberación encendida había un poco apagada. Creo que necesitaba más reverberación. De lo contrario, simplemente suena un poco fuera de lugar porque todo lo demás ha dicho empapado en reverberación, pero está sonando bien. Decir Happy Days, solo agregaremos esa reverberación como necesitemos. Todos estos nuevos elementos que añadimos. Lo siguiente será nuestro baterista. Así que probablemente agregaremos la misma reverberación. Quizá queramos agregar una reverberación solo para la batería, pero ya veremos cuando lleguemos a eso. Bien, muchas gracias por ver a chicos y chicas verte en la siguiente. 10. BTP ambiente relajado lección 09 chill paso tambor late: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a empezar a agregar algunos tambores a esta pista. Ahora lo primero que quiero hacer es en realidad sólo tocar lo que tenemos hasta ahora, al menos para la primera mitad de esta repetición. Y luego voy a discutir por qué vamos a poner los tambores donde los vamos a poner. Ahora obviamente, vamos a hablar más sobre el flujo de energía de la pista más adelante cuando tengamos más de los elementos de la trach en su lugar, no voy a entrar demasiado en ello aquí. Pero sigue siendo importante que toquemos eso ya que estamos hablando de colocar los elementos. Bien, así que voy a dejar que la pista realmente reproduzca al menos hasta la primera parte. Obviamente siéntete libre, salta adelante si quieres, pero es bueno tener una idea de cómo está evolucionando la pista a medida que avanza. Bien, aquí vamos. Entonces lo que tenemos es que empezamos suavemente en la pista, obviamente con apenas el tipo de tríadas básicas, casi de ocho bolas le. Tenemos el Adagio para Cuerdas entrando, simplemente construyendo energía poco a poco. Entonces hay un cambio mayor cuando llegamos a 16 bar n como estándar para la estructura normal de la canción. Así que siempre tienes un cambio cada 8 bar y definitivamente cada 16 bar y tienes un cambio más grande. base de serpientes que entran y el piano, lo que realmente se suma a la atmósfera. Y luego poco a poco se acumula en energía con la notación algo así como subiendo. Y habrá un par de sonidos ahí dentro así como vamos. Y es algo así como crescendos o va a crescendo. Después de todo, esta energía se acumula en este punto aquí, ¿dónde vamos a tener un pequeño descanso? Y luego entramos en la segunda repetición de esta progresión de acordes. Entonces la única diferencia realmente entre la primera repetición, segunda repetición es que no tenemos las notas graves en esta segunda repetición en el pad. Y lo que tendremos en lugar de estas notas bajas en el pad, es que en realidad tendremos una línea base dedicada, que estará tocando estas notas para esta segunda repetición. Y lo que quiero que suceda en la segunda repetición. Entonces esta primera parte simplemente va a ser muy sencilla, solo un par de tambores como efectos especiales. Y entonces realmente vamos a tener tambores entrando en la segunda mitad, lo que va a sumar a la energía y a la línea de base también. Entonces, en realidad vamos a sumar los tambores que queremos en el segundo tiempo es donde queremos agregarlos en problemas. Así bar jueves nueve. En realidad, antes de que agreguemos la batería, solo quiero mencionar que realmente nos estamos metiendo en el tipo de arena de elección personal aquí. Y con eso quiero decir, a algunas personas les gustará la batería que uso, que son un paso un poco más chill o tienen escalofríos que vibra a ellos. Aunque no diría que esta pista es realmente un paso de frío adecuado. Simplemente toma elementos de ese género. Pero claro, podrías usar tambores muy diferentes. Quizás quieras que esta pista se mantenga completamente ambiental y solo tenga batería muy mínima o incluso ninguna batería. Y así puedes ir en tantas direcciones diferentes. Depende totalmente de ti. Pero obviamente, lo que he elegido para esto es una especie de ambiente relajado y estable para la segunda mitad. Entonces eso es lo que vamos a hacer. Pero obviamente, se puede ir en muchas direcciones diferentes. Entonces, cuando se trata la sincronización del ritmo, esto es bastante importante. Realmente no quería un ritmo que estuviera bloqueado a las líneas de la cuadrícula. Quería algo que tuviera una sensación más natural al momento de la misma. A menos que seas un drama, puede ser bastante difícil programar en un ritmo que suene natural como ese. Entonces, lo que hice para este tutorial fue usar una técnica llamada beat tracing, que es análoga a usar papel de calco para copiar un dibujo que está debajo de él. Entonces básicamente encuentras un bucle de batería que tiene el momento adecuado. Insertar sus sonidos utilizados en el bucle o irrelevantes, estamos literalmente sólo después de la información de tiempo. Y cuando encuentres uno el cronometraje se adapte a tu pista y a lo que buscas, entonces simplemente copias la sincronización de los golpes de batería en el bucle con tus propias muestras de batería. Veamos cómo se ve eso en la práctica. Yo sólo voy a ir a mis archivos de trabajo y encontrar germinar Pip vaya a decir, sólo voy a arrastrar esto a mis proyectos. Eso ahí arriba. Ahora bien este baterista, si solo digo eso, me gusta ese patrón, ese es el patrón que quiero en mi pista. Obviamente es demasiado rápido. Lo van a encajar al tempo de mi pista. Ahora en Cubase, eso es muy fácil. Simplemente hago clic en modo musical y luego se estira para encajar con mi pista. Si te quedas atascado en tu puerta, una búsqueda rápida en Google te dirá cómo ajustar un bucle al tempo de tu puerta en particular. Es una cosa bastante estándar, así que solo ve a comprobarlo si es necesario, y lo jugaré rápidamente. Vamos a deshacerlo en solitario también. Y vamos a bajarlo un poco. se puede ver el tipo de Ahí se puede ver el tipo de tempo del mismo. Es un poco perezoso. Si me acerco bien, empezarás a ver que muchos de estos éxitos no están en líneas de tempo tradicionales y en offbeats, tienen un poco de swing para ellos, como podemos ver. Entonces esa es la ubicación de los beats que en realidad vamos a copiar, ¿verdad? Entonces, antes que nada, pongámonos en nuestra patada. Digamos que solo voy a cargar esto en una pista de sampler para que pueda activar la patada como midi. Así que solo voy a dibujar en un segmento midi en blanco sobre eso, la misma longitud que el bucle de batería. Y todo lo que vamos a hacer es pasar y copiar todas las posiciones de patada. Supongamos que es uno ahí al inicio y hechos, solo carguemos esto en la zona inferior. Hace las cosas un poco más fáciles. Y claro, vamos a bajar un poco esto también. Entonces todo lo que voy a hacer es encontrar literalmente los lugares de stock de la patada. Entonces obviamente hay uno justo al principio ahí. Aquí hay otro. Así que voy a acercar, apagar mi snap para que pueda conseguir esto realmente agradable y preciso. Y ahí es donde quiere ir mi siguiente patada. De nuevo, quítate. Entonces sólo voy a igualar las posiciones. Dice encontrar la siguiente patada que está aquí. Dibuja eso en. Y luego otro ahí mismo, que está más o menos en la línea de compás. Encuentra el siguiente. Y eso es todo por la patada. Digamos que el siguiente son los lazos. A pesar de las trampas, todas están completamente prácticamente todas exactamente en el ritmo. Así que no necesito preocuparme por ningún momento funky para ellos. Todos están simplemente colocados como un, la trampa normal sería, digamos que está bien. Ahora obviamente cuando estás copiando la posición en tu puerta probablemente va a verse un poco diferente a eso, aunque tienes lo mismo, él tiene el audio, tú tienes el middy. Si quieres saber dónde necesitas agregar una patada o cualquier dramaturgo que estés copiando la posición, obviamente solo pon tu cabeza de reproducción para que esté en el lugar correcto, por ejemplo, ahí mismo. Y luego entra en tu midi y luego podrás ver dónde te has alineado y ahí es donde obviamente quieres agregar tu batería. Bien, así que vamos a burlarnos y hacer la trampa. La trampa, como dije, es agradable y fácil, así que encontremos eso. Entonces esa es la trampa. Vamos a usar este clic derecho en Cubase de todos modos y agregar esto a una pista de sampler nuevamente y volver a encender mi snap. Ahora la caja en la música dance siempre va en el segundo y cuarto ritmo de la barra. Sin embargo, en esta pista en particular donde a pesar de correr a un ritmo bajo AT para BPM, realidad vamos a tener la caja a mitad de camino a través de la barra. Entonces cualquier trampa por barra. Así se puede escuchar el tipo de pereza a los beats o la patada de Z tiene esos viejos tiempos lo que ayuda a dar ese tipo de sensación, que es exactamente lo que quiero para esto. No quería algo que sonara demasiado apretado y regimentado y quería algo que sonara un poco diferente en 3D. Y entonces tenemos un sonido de sombrero, creo, como sonido de sombrero ahí al final de ese bucle. Así que sólo vamos a poner eso en este de ahí también. Así que vamos a tener una escucha rápida del original. Digamos que agreguemos en nuestra muestra. Entonces en la fuerza laboral estamos buscando sombrero cerrado 18. De nuevo, sólo voy a agregar esto como una pista de sampler. Dibujando un espacio en blanco pero Amity, y luego voy a entrar y hacer fila. Entonces necesito apagar mi chasquido, encontrar el comienzo mismo de ese sonido de sombrero entrando en mi cabeza. Midi en blanco. Y agreguemos una nota aquí. Snap encendido. Entonces apagemos eso. Alinearlo con mi cabeza de reproducción y ya estamos bien para irnos. Bien, entonces el último para el sombrero justo al final aquí. Acerque un poco para que podamos asegurarnos de que somos agradables y precisos. Ahí vamos. Hemos copiado su posición. Así que vamos a escuchar un poco después de que hayamos rechazado r sombrero. Ahí vamos. Eso es básicamente rastreo de latidos. Entonces obviamente eres libre de escoger la batería que quieras. Entonces, como digo, si quisieras una pista ambiental más mínima con una especie de batería ambiental más tradicional, y por supuesto, podrías simplemente reemplazarlas con sonido más suave o cualquier batería de tu elección. Así que vamos a copiar eso de nuevo. Sólo voy a volver a encender mi snap. Y yo sólo voy a duplicar eso a través. Y además no necesitaba mi loop original. Digamos que sólo voy a quitar eso también. Entonces, una cosa a destacar es que los tiempos que he usado para este baterista, obviamente, las patadas son algo así un poco perezosas sonando o lo que sea o balanceadas. Ese tiempo también se refleja en cosas como el piano. El piano obviamente quiere caer en los mismos tiempos que la patada. Si cae al mismo tiempo que un pastel, entonces quiere tener esa especie de ritmo balanceado a él. De lo contrario, va a sonar un poco raro, como si el pianista no estuviera tocando a tiempo con la pista misma. Entonces este piano refleja todos esos cambios. Entonces, obviamente, cuando hice este beat por primera vez, luego ajusté los tiempos de los pianos a mi medida. Y nuevamente, acabamos de pasar por el mismo proceso básicamente. Así que nos alineamos donde el, averiguar dónde estaba el ritmo del piano, por ejemplo así. Y luego alinearlo con una patada, entra al piano y solo mueve esa nota. También reflejaba la posición de la patada, lugar de estar en la línea del compás, que es su tipo de cosas. Entonces el piano también está tocando con ese mismo campo oscilante. Y pasé por todo el piano y lo hice, solo haciendo cola con las patadas en el baterista. Sólo di nombre. Lo que eso hace es simplemente pegar todo junto. Hace que parezca que todo se está jugando en el momento correcto. Bien, así que justo cuando paso y agrego un poco de reverberación a estos tambores, obviamente todo suena muy seco en este momento. Diré definitivamente quiero que estos tambores tengan bastante impacto. Así que solo volviéndolos un poco ahí. Ahora solo pasemos por la patada. Digamos, quiero agregar un poco de reverberación a esto, pero definitivamente no quiero agregar demasiado porque la patada no quiere ahogarse en reverberación, eso hará que suene un poco desordenada. Di algo así. Absolutamente bien. No creas que vamos a querer más o ellos obviamente tenemos que comprobar esto en la mezcla también. Pero agreguemos algo de reverberación al olfatearnos también. Entonces solo agregando mi oración aquí, obviamente cubrimos esto en la lección de reverberación. Y una vez que tengamos la configuración de nuestro canal de efectos, si solo estuviera arrastrando eso al fondo de la pista. Una vez que tenemos esta configuración, entonces por supuesto, simplemente enviamos literalmente la señal a través del elemento al que desea agregar reverberación, al canal de efectos de reverberación real. Y así es como agregamos conjunto de reverberación. Yo sólo voy literalmente y haciéndole eso a la batería también. Di trampa, vamos a escuchar un poco. Di algo que suene bastante bien. Parece que cabe en ellos. O arreglemos este sombrero porque suena un poco fuera de lugar en este momento. Entonces veamos si la reverberación es suficiente para resolver eso. Di el sonido aka solo necesita bajarlo un poco. Creo que esa firma bien. No hay problema. Obviamente, todavía estamos bastante temprano en la mezcla total. Entonces vamos a estar ajustando esto a medida que avanzamos. Y ciertamente cuando lleguemos a las clases de mezcla, láser solo estará pasando y reequilibrando cualquier cosa que lo necesite. Ahora, una última cosa que en realidad quería hacer, que casi me olvido, es que tengo esta otra trampa aquí también del banco de escalones chill, que es este tipo de versión más glitched de nieve también . Entonces tienes el escenario dos, que es uno que estamos usando y luego tenemos esto. Así que quiero usar eso como una especie de cada como cuarta trampa. Así que vamos a entrar, sólo voy a seleccionar cada otra instancia de la caja. Entonces en este caso, solo estoy sosteniendo controles para hacer eso. Debe ser lo mismo o cambiar en la puerta de su elección. Ese es un control bastante común, y sólo voy a acortar eso. Por lo que básicamente quita la cuarta trampa del beat. Y entonces vamos a tener ese tipo de trampa defectuosa. Entonces obviamente ahí es donde lo queremos en la posición del otro. Y solo voy a arrastrar eso a mis proyectos y luego simplemente copiar la posición para que caiga en el lugar correcto. Vamos a copiar esas Eva. Vamos a tener una escucha rápida. Reverb para decir puede oírlo ahí. Es solo un poco demasiado ruidoso, obviamente. Tan solo equilibra eso así queremos que sea lo mismo que el del volumen relativo que las otras trampas. A lo mejor un poco más de reverberación. Eso suena bastante decente. A mí me gusta. Días Felices. Solo agrega un poco de variedad a lo que de otra manera es un baterista muy repetitivo. Pero en realidad una cosa, esa trampa suena. Veamos cómo suena esto al estar pitcheado. Digamos vamos a entrar en ello. Sólo voy a seleccionar todos. Esta es una de las razones por las que tendemos a usar pistas de sampler para nuestra batería en lugar de simplemente arrastrarlas como audio. Porque cuando queremos cambiar el tono o algo así, es realmente agradable y fácil y también podemos simplemente recorrer mientras juega. Digamos, eso suena ya mucho mejor en cuanto a tono, simplemente se gelifica con atraer mejor. Sólo voy a probarlo un poco más alto también. Creo que más dos semitonos arriba. Tener la trampa en D suena lo mejor ahí. Juguemos un poco. Bien, así que eso es todo para esta lección. En la siguiente lección, vamos a agregar algunos bits más a este ritmo de batería para que sea un poco más emocionante. Muchas gracias por ver a chicos y chicas ver en la siguiente. 11. Lección de ambiente ambiente de BTP 10 que añade SFX al ritmo de la batería: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a agregar algún tipo de sonidos SFS al ritmo de batería. Sólo un pequeño golpe de ética suena solo para hacer que el ritmo sea un poco más interesante. Entonces el primero que quiero agregar es en la fuerza laboral. Así que vamos a buscar eso. Y eso es fx hit 21. Sólo voy a agregar eso a una pista de sampler. Ahora una cosa a tener en cuenta es que obviamente no solo escogí de repente las muestras correctas, uso experimentado bastante con diferentes efectos sonidos en diferentes partes de los beats, se obtiene algo que he pensado que funcionó. Entonces, obviamente, solo tenlo en cuenta. No solo sucedió. Dicho esto, entremos y hagamos esto. Yo querría el golpe. Es una especie de cosa. Entonces en el tercer latido es donde quiero que esto golpee. Ahora ten en cuenta que este es un sonido un poco extraño. Me tomó un poco de tiempo conseguir el terreno de juego absolutamente correcto. Tal y como está por el momento todavía no está bien. Sólo voy a jugarlo por ti. Suena bastante fuera en este momento, pero voy a ir a mi sampler y simplemente decir que no, si tu nuestro cargando esto en una pista de sampler ya sea en tu puerta o en una muestra de terceros que mostré. Todos ellos tendrán controles de tono que te permitirán cambiar el tono del curso, que es un semitono a la vez. O un control de tono fino, que básicamente está entre un semitono que lo cambia por CENSE. Digamos en este caso, queremos cambiar esto por más $0.50. poco casi suena un poco viejo todavía, pero eso es un poco demasiado ruidoso. Y solo queremos hacer un poco de trabajo en esto. Así que solo voy a entrar y filtrar el extremo inferior absoluto aquí. Jay, solo cortando eso y también quiere agregarlo un poco de reverberación a esto también. Entonces agreguemos ascender. Los campos son un poco más de eso. Así que acabamos de conseguir ese bonito, riñido de gama alta. Quita ese low-end. Ni siquiera estoy seguro de cómo llamarlo, pero es un poco de disonancia. Volvamos a donde estabas en la mezcla. Suena absolutamente bien. Eso es perfecto. Eso es exactamente lo que quiero decir. Pequeños efectos suena así realmente puede hacer que los pies sean un poco más interesantes. Entonces eso está bien. Esa es la primera. Vamos a querer copiar eso a través, creo, prácticamente todo el camino. Entonces el siguiente hit que voy a agregar es, creo que probemos este . Un poco raro. Esto en realidad es de nuestros clubes un paquete de muestra, pero simplemente parecía encajar. Y me gusta un poco la vibra que le dio un, le dio a esta pista una sensación un poco diferente. Esto quiere entrar justo después de que la trampa golpeara eso, digamos ahí mismo al final. Entonces, solo agreguemos esto como una pista de sampler. Que cajón en un espacio en blanco pedacitos de middy. Aunque solo necesitamos agregar una nota al final aquí. Así que vamos a entrar. Y vamos a bajar eso también. Di algo así. Obviamente necesitamos agregar un poco de punta de reverberación, pero estamos llegando ahí. Vamos a entrar en la configuración del canal y enviar esto al grupo de reverberación. Así que ahora me pongo rápido, quiero hacer esto, pero literalmente es como cosas estándar, súper estándar. Simplemente diciendo un Send de enviar algo al grupo de efectos. Entonces no hay indicaciones. Bien, así que eso suena bastante bien, aunque el hit va un poco demasiado allá. Quiero que se detenga muerto al final del bar. Un poco chicos hicieron, hicieron, hicieron, y no quiero eso al final. Así que vamos a entrar y acortar esto un poco. Así que sólo voy a apagar mi snap. Ahí vamos. Eso es perfecto. Y termina exactamente donde yo lo quiero. C, Bien, así que vamos a copiar a través de nuestro hit. Ahora no quiero que se repita cada 4 barras porque lo que vamos a tener al final. 8 bar es un relleno diferente a este sonido. Entonces solo quiero que este CB se coloque en la tercera barra de cada repetición de ocho barras. Entonces eso es 8 bar, otra vez, apenas 123. Ahí es donde lo queremos. Vamos a copiarlos a través para que también estén en la posición correcta. Vamos a alargar estos tambores. Lo siento, lo dejé como un poco corto antes, así que solo voy a copiarlos también. Entonces tenemos nuestros tambores cargados lo largo de la segunda mitad. Vamos a estar agregando pequeños rellenos y cosas así a la segunda mitad. Entonces tal vez queramos manipular la batería a medida que avanzamos. Pero por ahora, eso está absolutamente bien. Así que voy a tener un poco de escucha a través para ver si quiero hacer algún cambio en esto. Entonces justo en este segundo hit de sombrero, vamos a mezclarlo un poco. Entonces voy a entrar en eso, este y agreguemos trillizos de flexibilización. Así que solo estoy cambiando mi grilla a trillizos decimosexto. Apenas diez se vuelven a poner también. Probemos algo así solo para mezclarlo un poco. Y probemos también ese lanzamiento un poco más abajo. Sí, es un poco desocupar. Lo dejaremos ahí por ahora. Quizá queramos cambiar eso más tarde, pero a medida que escuchamos la pista una y otra vez todas estas pequeñas cosas que hemos hecho. Podríamos escucharlo en el contexto de toda la pista, podríamos decidir que no funciona. Esto funciona en la versión original de la pista, pero las cosas siempre son diferentes la segunda vez que lo haces. Entonces ya veremos si eso realmente quiere quedarse en el momento. En la segunda mitad de la canción, tenemos la batería tocando todo el camino a través de esto, solo la misma batería. Ahora, lo que quiero hacer es agregar un poco de diferencia y también un poco de energía extra a la segunda mitad de esta repetición. Entonces desde donde empieza el piano, digamos que quiero añadir un poco más de batería en básicamente. Entonces vamos a usar un bucle para hacer esto. Vamos a encontrar bucle. Entonces este es un BTP CS top loop 12. Entonces lo que vamos a hacer es usar un poco de esto o chuletas de esto para realmente tener una buena sensación en la pista. Así que vamos a arrastrar esto a nuestros proyectos, que va a tenerlo como audio. Solo asegúrate de que se ajuste al tempo de tu track. Debería encajar automáticamente ya que se hizo 84 BPM, que es el tempo de esta pista. Pero solo asegúrate de que definitivamente lo sea antes de que empecemos a cortarlo. Y lo que quiero hacer es solo usar esto. Entonces, antes que nada, vamos a bajarlo. Y antes de ir más lejos, debería agregarle un poco de reverberación también, para que no suene súper fuera de lugar. Apenas un poco por el momento, podemos retocar eso en un segundo. Un poco demasiado ruidoso. Aún así. Dilo otra vez, lo que quiero hacer es cortar esto un poco. Así que sólo voy a agarrar mis divisiones todas. Porque definitivamente me gustó este primer bit. Eso suena muy bien y genial. Pero este segundo pedacito aquí, eso es solo un poco demasiado listo. Así que vamos a deshacernos de eso. Eso también es un poco demasiado. Así que vamos a deshacernos de eso. Solo queremos que entre y salga el extraño tipo de flick de este bucle . Otra vez. Aquí. Sólo vamos a cortar algo de esto. Lo siento, me perdí un poco más grande, así que es un poco más fácil de ver. Y vamos a tener más o menos una repetición del primer bit aquí, así que ya tenemos eso. Entonces sí, voy a rozar eso todo el camino de regreso, creo. Entonces. Solo escuchemos un poco desde un poco más atrás, solo asegúrate de que esto definitivamente esté funcionando. A mí me gusta cómo suena eso. Así que vamos a copiar eso de nuevo. Entonces tenemos eso repitiéndose a través la segunda mitad de la sección donde están nuestros tambores. Sin embargo, una cosa que acabo de notar, es que, que FX hit 21 no está del todo en el momento adecuado. Y si me acerco a la derecha, podemos ver que R hat está jugando con un poco de swing ahí. Así que solo voy a apagar mi snap y solo voy a alinear eso exactamente con los inicios de r hat note solo puedes ver esa pequeña línea. Hazlo un poco más grande y nuestros efectos impactan. Obviamente estás empezando bastante antes de eso, así que solo estamos recibiendo un poco de rarosidad en el ritmo. Así que vamos a entrar en eso. Y mover piezas, perdón, es suficiente o chasquear y luego moverlo para que quede alineado exactamente con r hat. Di que está bien. Vamos a comprobarlo. Creo que probablemente va a ser lo mismo con todos los demás también. Entonces, lo que vamos a hacer ahora hemos corregido este primero, simplemente borraremos los demás y lo duplicaremos otra vez. No hay problema. Suena un poco falta de brillo en este momento. Y eso es porque no tenemos el plano de base, que vamos a llegar en la siguiente lección. Así que vamos a escuchar un poco desde aquí, a mitad de camino. Una cosa que se hace evidente cuando escuchamos esto, porque tenemos ese tipo de efectos de sonido de lancha 21. Eso en realidad suena un poco extraño cuando se toca al mismo tiempo que el piano. Entonces creo que lo que vamos a hacer cuando entre el piano, vamos a quitar. Así que a pesar de que acabamos de copiarlo, en realidad vamos a eliminar la segunda mitad de esos. Son fx hit 21 sonidos. Esa, sólo porque está tan conflictiva un poco con el piano. Entonces creo que es mejor, simplemente lo dejamos cuando llegue a esta sección. Digamos, simplemente mantiene el foco en el piano, que acaba de entrar. No hay problema. Creo que eso es mejor. Eso es más o menos para esta lección. Entonces, muchas gracias por ver chicos y chicas en la siguiente lección, vamos a estar haciendo la línea de base. Nos vemos en la siguiente. 12. Lección de ambiente relajado con BTP 11 Bassline: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a hacer la línea base para esta sección de la pista. Así que de nuevo, la línea de base no va a entrar hasta que entren los tambores. Entonces hagámoslo ahora. Ahora lo que vamos a hacer es ir a los archivos de trabajo e ir a la mini carpeta. Y vamos a encontrar el midi de línea base. Entonces, antes que nada, en realidad vamos a crear unos instrumentos vitales. Entonces solo voy a agregar una pista vital de instrumentos. Ahora. Eso está bien por ahora vamos a trabajar en el sonido en solo un segundo, pero ahora tenemos nuestro instrumento vital ahí dentro. Arrastremos el middy de línea de base sobre eso. También. Muy rápido voy a nombrar algunos de estos solo para que esté un poco mejor organizado. Y también sólo voy a colorear un poco las pistas también. Estoy seguro que en tu puerta podrás colorear pistas es algo muy útil para poder hacer. Entonces cualquiera de estos tipos de sonidos de plomo similares tendrá es ese tipo de color rojo meñique. Entonces los tambores pueden permanecer amarillos. Y entonces cualquier efecto suena será de color verde. De hecho, vamos a hacerlos de ese color verde claro porque estos son como sonidos de batería fx. Y luego tenemos nuestro bucle, que puede ser amarillo. Y sólo voy a organizar estos un poco mejor para que todos en relativamente el lugar correcto. Así que tenemos clientes potenciales y todo en la cima. La línea base puede ser un poco de color de película. Sólo di que no, la Midea para la línea de base. Realmente sencillo para llegar a eso. Ahora bien, mi pensamiento en esta pista es que la línea de base obviamente quiere seguir la melodía, pero también quiere ser como un dron constante en el fondo de la pista. Y va a agregar algo de calidez agradable. Entonces generalmente en este caso, lo que hacemos es tomar cualquier progresión de acordes que tengamos a salvo, entrar en esto. Lo que normalmente haríamos es literalmente tomar las notas de raíz de todos los acordes. O podríamos venir aquí y tomar las notas bajas que ya tienes. Entonces esto se parece más a lo que obtuvimos en la línea de base real. Entonces estas notas aquí y solo tocando un instrumento diferente, así que literalmente simplemente básicamente las copia a cabo. Ahora la única diferencia entre esas noches y la línea de base, solo voy a entrar en eso rápidamente son estos punzantes G aquí, que normalmente están en la progresión del pad, las notas bajas, o simplemente D, juega C, E bemol, E bemol, D, mientras que en este caso hemos caído que no era E-flat a G sharp o a flat. Bien. Entonces eso está bien. Sólo para que lo sepas, esa es la única diferencia, pero aparte de eso, están jugando exactamente las mismas noches. Entonces con eso dicho, entremos y de hecho empecemos a trabajar en este sonido de bajo. Ahora bien, vale la pena señalar que vamos a estar tan encadenando esta línea de base a los kits. Entonces eso tiene dos efectos. Uno es mezclar sabiamente. Crea, mantiene el espacio para la patada o la base de la patada no interferirá con la base de la línea base. Y además le agrega un poco de ritmo extra. Entonces vamos a tener una cadena lateral bastante afilada. De tal manera que la inmersión de la línea de base cada vez que pateen golpes agregará cierto tipo de ritmo a la pista también. Pero vamos a llegar a eso en la siguiente lección. Vamos a centrarnos en hacer realmente el sonido correcto. Así que tengo mi configuración de regiones de bucle. Vamos a bajar un poco eso. Vamos a solo la línea de base por ahora. Obviamente estamos encendida como una onda de sierra. Así que sólo voy a recorrer y creo que vamos a querer que algunos incluyan formas básicas. Debería estar bajo fábrica y ahí vamos. Es la primera, las formas básicas. Entonces todo el mundo debería tener esto incluso en la versión gratuita de VSO. Y entonces sólo vamos a cambiar esto un poco. La segunda forma de onda. Entonces este deslizador hacia abajo del lado aquí le permite desplazarse por la tabla de olas. Ahora bien, esta es una especie de tabla de ondas extrañas, esta forma básica una por cambios a un preset diferente. Verás que es un poco más consistente a medida que lo recorres. Y estas son todas las diferentes formas de onda que puedes usar en este sonido en particular. Así que volvamos a las formas básicas. Es solo que las formas básicas tienen como algunas formas de onda diferentes. Incluso puedes ir al visual 3D, lo que me ayuda a ver cuáles. Vas a mirar. Onda triangular y una onda de sierra, una onda cuadrada. Y al principio es sólo una onda sinusoidal. Así que estamos en algún lugar entre una onda sinusoidal y una onda cuadrada ish. En fin, eso está bien. No te preocupes. Vamos a mirar un poco más en eso en el siguiente sonido que hagamos, que es una superposición de base, se ve una especie de sonido de superposición de base más modulado. Ahora, obviamente eso es demasiado alto en tono, así que dejemos caer eso. Dos -24. Notarás que hay un pequeño clic cada vez que se activan las notas. Para deshacernos de eso, llegamos a emular uno, recuerda que esta es la envolvente que modula la dinámica del sonido. Entonces sólo vamos a agregar un poco más apegados a esto. Y puedes enseguida ese clic se ha ido. Si giro el ataque, anote el click. Di solo un poco de ataque lo suficiente para deshacerte de ese pequeño clic. Eso está bien. Bien, tan feliz con éste. Y vamos a ir a agregar algunos efectos. Sólo quiero que esto sea un poco más arenoso. Entonces agreguemos algo de distorsión. Solo eso otra vez. Tan suaves clips finos. Creo que ahí solo hay un poco de distorsión. Simplemente realmente moliéndolo un poco, dado un poco de arena, entonces es solo ecualizar porque no creo que queramos todo ese tipo de frecuencia de gama alta. Juguémoslo primero con el resto de la pista. Entonces, qué haremos, en lugar de usar una repisa alta, si solo haces clic, alternará entre una repisa alta y un corte alto. Así que vamos a tenerlo en corte alto y simplemente sacaremos algunos de la gama superior ahí. Digamos en algún lugar por ahí. Absolutamente bien. Bien, genial. Añadiremos reverberación, no en vital en sí mismo, sino que la agregaremos usando nuestra goma de sentidos, solo entra en la configuración del canal en el caso de Cubase. Entonces agregas el envío. No quiero demasiado aquí, pero solo lo suficiente para darle una sensación de espacio que definitivamente es querer hacer esto fangoso. Entonces sin que sea así, con solo un poco de profundidad a la línea de base ahí, está bien. Vamos a ver cómo es nivelado. Bien, así que eso suena bastante bien. Tan feliz con eso. Es uno súper simple. Simplemente elegimos un oscilador, lo conseguimos al tono correcto, par de pequeños efectos para darle un poco más de arena. Y algún tipo de ecualizador correctivo para rodar fuera de la gama alta. Y realmente eso es todo. Muerto simple, pero también muy agradable y cálido. Bien, digamos que en la siguiente lección vamos a estar viendo la cadena lateral en esto y simplemente encajarla realmente a la pista. Muchas gracias por ver a chicos y chicas ver en la siguiente. 13. Lección de relajación ambiente de BTP 12 Sidechaining: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a encadenar de lado la línea base a la patada. Digamos que la cadena lateral es una de las herramientas de mezcla más importantes que tienes, especialmente cuando se trata mezclar el low-end de tus pistas. También puedes usarlo como efecto para agregar un tipo extra de ritmo a tu pista. Y vamos a hacer las dos cosas aquí. Entonces lo que vamos a hacer en esta pista es enraizar algunas cosas a través de la cadena lateral. Entonces, lo que vamos a querer hacer es establecer un canal grupal, también conocido como autobús. En otras puertas, lo que haremos es agregar un compresor o un compresor de cadena lateral a ese grupo que cualquier cosa que queramos que nos afecte. La cadena lateral sólo se dirigirá a ese grupo. Entonces solo voy a agregar una pista en un canal grupal. Cadena lateral más fría uno, solo porque podríamos tener una cadena lateral para, sería genial obviamente. Y eso se usaría si digamos por ejemplo en cadena lateral, una por la que enviamos la línea base, podríamos querer encadenar lateral un poco más extremo que en el otro grupo. Di, digamos, digamos que también enviamos el camino para ello. Podría ser un poco demasiado si lo tenemos sumergido al mismo nivel que una línea de base. Entonces tal vez quieras enviar eso a través una cadena lateral separada, pero eso está bien. Lo que sea lo decidirá en un momento. Ahora tenemos un grupo, así que nuestro grupo canaliza por la parte inferior. Sólo voy a entrar en la configuración del canal. Entonces estas son las ranuras de inserción y voy a agregar un compresor, digamos bajo compresor dinámico. Ahora, prácticamente cualquier puerta en estos días vamos a tener alguna forma de cadena lateral ya que es algo tan importante. Y eso se integrará en el compresor de stock que sea de tu puerta. En este caso Cubase es compresor de stock. Ahora, hay una versión de Cubase, elementos Cubase que es como la versión más barata y el tipo de versiones gratuitas donde el compresor no tiene entradas integradas dentro de la cadena. Entonces, si tienes esa versión o si estás en una puerta que por alguna razón no tiene compresión de cadena lateral. Luego hay otro plugin que puedes usar. Simplemente te lo mostraré muy rápido. No es realmente compresión de cadena lateral, pero tiene exactamente el mismo efecto. Lo siento, eso no se puede ver. Déjame sacar esto a colación para que veas lo que está pasando. Entonces se llama el filtro Tao. Así es como se ve. Lo que hacemos con esto es literalmente simplemente sumergir el volumen dependiendo de cómo tengamos esta configuración. No voy a entrar aquí, o en realidad hay un video en YouTube. Hicimos un video sobre cómo usar esto. Si recién naciste en Google para producir cadena lateral, verás el cuarto video, este de aquí, cómo encadenar de lado en Cubase elementos a, e o LE. Ahora bien, no importa si estás usando otra puerta. Aún puedes ver ese video. Te muestra cómo conseguir que el filtro de toalla lo descargue, cómo instalarlo, aunque fue una instalación enorme, podría ser muy ligeramente diferente, pero estoy seguro que ya sabes cómo hacerlo. Entonces también te muestra cómo usarlo. Y para ritmos irregulares, como lo que tenemos en nuestro track este momento es lo que yo te referiría como un ritmo irregular, como en la música house, podría llamarse beats irregulares. Entonces es solo que no, no, no, no. Muy simple de configurar una cadena lateral o efectos de cadena lateral como los campos TTL son para eso, es un poco más difícil cuando tienes un ritmo ligeramente irregular, como patadas que caen sobre el poco convencionales y todo ese tipo de cosas, especialmente cuando están cronometradas, como Azar. De todas formas, ese video te explicará básicamente cómo usar el filtro tau si es necesario. Pero de lo contrario la compresión de la cadena lateral va a ser mucho más fácil. Ahora para esto, solo necesito activar la cadena lateral. Y en Cubase, solo puedes seleccionar la pista que quieras usar como entrada de cadena lateral. A veces en tu puerta, tienes que enviar una señal como la que hemos estado haciendo con la reverberación, pero la vas a enviar a la cadena lateral del compresor. Entonces esa es posiblemente una forma en que podrían tener que hacerlo. Pero nuevamente, una búsqueda rápida en Google te dirá cómo hacer esto. Lo más básico para hacer y adorar. Entonces voy a seleccionar de mi entrada de cadena lateral el patada BTP. Eso está bien. Eso está todo configurado vez en cuando solo tengo que obtener la configuración correcta. Entonces, en términos generales, por lo que encadenar es realmente sencillo. Siempre lanzo en la misma o casi la misma configuración. Entonces ningún ataque, ninguna relación de retención, aproximadamente alrededor de tres a cuatro. Entonces, ¿ el lanzamiento y el umbral de las únicas cosas con las que necesitamos jugar para que los ajustes sean correctos? Ahora mismo solo voy a silenciar los pads para que puedas enfocarte en la línea base. Pero una cosa antes de ir más lejos y realmente comenzar a escuchar es necesidad de encaminar realmente la línea de base a través nuestros conjuntos de grupos de cadenas laterales que realmente van a ser afectados por este compresor. Digamos que solo voy a entrar y cambiarlo de Stereo Out, que es el master out, y va a pasar por los grupos. Así que encadena uno. Ahora cuando juego, debería debería estar fuera de aquí con toda claridad que eso se está sumergiendo. Bastante sustancialmente. Ahora no quiero que tarde tanto en volver a alcanzar el volumen completo, digamos que si lo escuchaste, tiene una liberación bastante suave. Entonces como conseguimos 500 milisegundos y se puede ver el medidor de reducción de ganancia. puede ver como se sumerge por la patada y luego vuelve a subir lentamente. Así que solo toca eso. Y luego a medida que aceleremos el lanzamiento, así que lo voy a cambiar ya que está jugando. Y se puede ver muy rápidamente cómo el medidor de reducción de ganancia muestra que el volumen se está reduciendo muy rápidamente y luego siempre volviendo a la normalidad. Así que déjame tocar eso. Eso está bien. Quiero una liberación súper rápida. Y como mencioné antes, que agrega este ligero ritmo a la línea de base. Entonces a medida que entra el kit, la línea de base, se vuelve realmente rechazada. Y luego después de que terminaron las patadas, luego vuelve a subir y le agrega un ritmo. Entonces lo único que te queda después del lanzamiento es el umbral. Y esto solo marca en una especie de cuánto del efecto de cadena lateral o cuánto va a tener la cosa que vas a tener. Entonces, si lo tenemos justo abajo, va a ser extremo. Lo cual no queremos. Digamos que en algún lugar así es perfecto, agradable, y una especie de Pompeya, la línea de base es un poco demasiado ruidosa. Ellos compararon con la patada. Vamos a traer de vuelta en nuestra libreta también. Lo que vamos a hacer es entrar en la configuración del pad y voy a enrutar esta tres es la cadena lateral. Solo quiero probar esto para empezar, no estoy diciendo que así sea al 100% como va a ser. Pero eso sí me gusta. Me gustó el hecho de que la almohadilla esté siendo sumergida. Nuevamente, como que se suma al ritmo del baterista. Y también ayuda a que la patada realmente cortara a través de la batidora. Eso me gusta tal como está, no lo creo bien, me encadenaría al lado de las cuerdas de DJ que se pueden dejar desdimensionadas, cambiadas. Y definitivamente no al piano que quiere quedarse desdimensionado, cambiado también. Eso puede sonar un poco extraño. Entonces cambié. Bien, eso está bien. Eso suena bastante decente. Deuda decir. Bien, así que eso es todo para esta lección. Solo recuerda cuando estás haciendo tus propios tracks sitio encadenamiento, súper, súper importante, sobre todo cuando tienes una patada y una línea base. Y la línea de base está tocando como notas constantes como esta ya está tocando notas que están cayendo al mismo tiempo que la patada. Debe citar cadena. Patearán y bajarán juntos. Bien, muchas gracias por ver chicos chicas verte en la siguiente. 14. Lección de relajación ambiente de BTP 13 un vistazo más profundo a la vital: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a tener un poco de pausa desde el propio tutorial. Y vamos a simplemente mirar vital y entrar en un poco más de profundidad en todas las funciones son algunas de las funciones por lo menos. Hasta ahora, obviamente hemos hecho solo dos sonidos con esto, el pad y la base. Ahora bien, ambos obviamente son sonidos bastante básicos realmente. Y haciendo esos sólo acabamos de rayar la superficie de lo que vital es capaz de hacer. Entonces, si ya estás familiarizado con lo vital que funciona o simplemente no te importa, está bien. No hay problema. Puedes pasar a la siguiente lección. te perderás nada que sea importante para el tutorial. En la siguiente lección, vamos a hacer como un sonido de superposición base para la línea base. Pero para aquellos de ustedes que quieran un poco más de información sobre la interfaz de vital, entonces quédese. Bien, así que de nuevo, vamos a comenzar con la sección del oscilador. Y como se mencionó, hay tres osciladores principales y una muestra de rebanadora también, a la que llegaremos en un poco. Puedes recorrer los diferentes tipos de onda aquí arriba. Ahora bien, si solo tienes la versión gratuita de vital, entonces solo tendrás el banco de fábrica, lo cual está absolutamente bien. Aquí tiene un montón de mesas de olas bonitas. Entonces una cosa que no mencioné fue que también tienes esto, que es el marco de la mesa de olas. Entonces la tabla de ondas es un poco como una carga de diferentes formas de onda, todas en un archivo y cada parte de la tabla de ondas se llama marco. Probablemente no sea el mejor sonido. Di aquí vamos. Tenemos una onda de sierra que simplemente cambiará de forma dependiendo dónde tenga la posición de la tabla de olas. Y claro que solo hay absolutamente toneladas de mesas de olas diferentes. También puedes descargar tablas de olas y hacer las tuyas propias. Si quieres hacer la tuya, puedes usar el botón de editar tabla de ondas realmente puedas entrar y manipular la forma de onda misma y cambiarla, inventarla. Entonces sí voy a querer mantenerme a lo básico aquí. Así que no voy a profundizar demasiado sobre el editor de tablas de ondas. Cubriremos esto en un tutorial gratuito de lecciones. Así que cuídate de eso. Pero por ahora eso está absolutamente bien. Y sólo voy a resetear eso lo que se llamaba Zoar solo por los ejemplos que vamos a usar. Como se mencionó, también tienes esta vista 3D, así que esa es la tabla de olas. Entonces, el marco uno es este marco justo al principio. Y luego a medida que recorres, puedes ver cómo cambia. Por lo que te da una representación 3D de todas las diferentes formas de onda dentro de esta tabla de ondas. Entonces otros controles aquí, tenemos tono. Entonces, obviamente, tenemos el tono del curso, que ya hemos mirado. Por cierto, si quieres restablecer cualquier control en vital de nuevo a su configuración predeterminada, simplemente haz doble clic en él en algún sentido son muchos otros sentidos ya sea mantenga presionado Control o Alt y haga clic en ellos, luego se restablece y vital es un doble clic, mismo con la fina melodía de aquí, que ya hemos tocado. Podemos elegir enrutar esto ya sea para filtrar uno, filtrar, para filtrar 1.2. Ahora solo para que lo sepas, y veremos esto en un segundo. Pero cuando llegas al filtro 1.2, en realidad envía una señal separada al filtro 1.2, digamos No es así, están en serie, por lo que la ruta de la señal no viaja primero a través del filtro uno y luego a través del filtro dos, en realidad viene a filtrar, a filtrar uno independientemente. Entonces podría tener, digamos, un paso alto, por ejemplo en el filtro a un filtro de paso bajo, uno. Modulación y cosas que puedes llegar a algunas cosas bastante funky no siempre son útiles aunque. Y si vas a simplemente sonidos simples y probablemente solo apegarse al filtro va a ser el más fácil y sin duda el uso más común. La fase cambia la posición de inicio de la forma de onda. Entonces, si volvemos a la vista 2D, eso es más útil. Entonces por ejemplo 180, que es el estándar, comenzará en los puntos de cruce cero si cambio la fase de esto, aunque no lo muestra aquí, básicamente está cambiando la posición de inicio a en cualquier lugar dentro de esta región aquí, dependiendo de lo que la tengamos puesta. El uso principal para esto es realmente cuando tienes dos osciladores diferentes. Y se puede cambiar la fase entre ellos para generar diferentes texturas entre los sonidos. Así que aquí abajo, tenemos diferentes modos de deformación. Así que podemos cambiar esto a una especie de escala de rendimiento, por ejemplo, solo lo jugaré. Básicamente, solo son diferentes formas de destruir la forma de onda. Todo tipo de efectos diferentes. Puedes hacer todas las texturas diferentes, debería decir, a partir del uso de estas muchas diferentes para elegir. Entonces tenemos una especie de configuración más tradicional como la sincronización aquí, que puedes controlar. Más tipo de funciones de destrozo de olas. Así que muchos fondos estarían contentos con eso, especialmente si también quieres comenzar a modular estas funciones. Entonces hablemos del control de teclas de tono aquí. Entonces voy a transponer snap, lo siento. Entonces lo que puedo hacer es si selecciono qué notas, si notas estos puntos representan las distribuciones del teclado o C, C sharp, D, D sharp, E, etcétera. Así que en realidad puedes establecer vital solo para bloquear ciertos tonos, lo cual es un poco útil si estás haciendo sonidos como arpegiador y esas cosas. Aunque la forma en que haces ups en vital no es realmente una manera perfecta de hacer apps, pero ojalá agreguen un módulo en la futura actualización como un modo fácil de arpegiador. Pero por ahora, sigamos hablando de transpose snap. Así que solo podemos seleccionar las notas a las que queremos que esto se ajuste. Ahora tienes snap global y snap no global. Entonces te darás cuenta si lo siento, tengo que seguir haciendo clic fuera de eso para conseguir realmente el lugar del tractor. Lo siento, se ve un poco extraño. Pero si enciendes el snap global, lo que va a hacer es cualquier nota que entre en vital, se va a chasquear o el tono de la misma se va a a cualquiera de estas notas o a las notas que elijas. Entonces, como puedes escuchar, cuando lo toco, obviamente en realidad está tocando muchos acordes diferentes ahí. Pero no se puede decir porque está chasqueando todas las notas a estas tres notas. Eso está bien. Volvamos a la normalidad. Como dije, esto es principalmente útil cuando tienes un LFO jugando con el terreno de juego, que veremos en un momento. A continuación, por supuesto, está la sección sobre. Ahora ya hemos mirado esto brevemente, pero sólo voy a repasarlo de nuevo. Para aquellos de ustedes que quieran un recordatorio, deambular uno siempre tiene que ver con la dinámica de amplitud. Se puede pensar en amplitud y volumen como casi lo mismo. Es, realmente se llama amplitud hasta que realmente sale de tus altavoces, entonces se le conoce como volumen. Digamos internamente, estamos cambiando la amplitud de la señal con la envolvente uno. Obviamente tenemos el ataque, tenemos la decadencia, que no tendrá ningún efecto a menos que tengas el sustain abajo del 100%. Entonces puedes hacer las cosas valientes o lo que sea. Entonces por supuesto, el lanzamiento, que es cuánto tiempo durará la nota después de que la nota midi haya terminado. Entonces, como puedes ver, tenemos tres sobres visibles aquí, pero en realidad tienes más que eso. En realidad hay seis sobres en total, y no ves los otros tres hasta que usas el sobre tres para algo. Entonces, si solo voy a emular tres, digamos que vamos a usar esto para modular la posición de la tabla de olas. Así que solo voy a arrastrar y soltarlo en la posición de la tabla de olas. Y puedes ver cuando he hecho ese sobre para ahora ha aparecido, solo aparecen cada vez que has usado más sobres. Si uso sobre para entonces verás sobre cinco, etcétera. Lo mismo con los LFOs. Lfos en total. Nuevamente, el dial aquí controla básicamente la mezcla del control o cuánto va a afectar realmente el sobre a la dinámica. Digamos que si lo tengo básicamente establece un cero o lo más cerca que pueda conseguirlo, entonces no va a tener ningún efecto en absoluto. Y si lo tengo justo arriba, entonces tendrá la máxima profundidad al efecto. Ahora lo bueno de estos LFO es que aquí tenemos este control, que obviamente cambia la linealidad del ataque o decaimiento o lo que sea en el que lo estés usando. Esto es particularmente genial cuando intentas hacer sonidos graves realmente sucios y esas cosas. Usted querría modular probablemente lo que estoy haciendo aquí. Entonces la posición de la tabla de ondas y tal vez el tipo de cosas como morphing espectral. Entonces puedes usar el sobre para modular uno de estos. Y si lo tienes en este tipo de ataque rápido como este, realmente funciona bien para los sonidos graves papi o los leads chillidos, ese tipo de cosas. O por supuesto, puedes elegir tener lo contrario y hacer todo tipo de sonido modulado loco. Bien, así que pasemos a los LFO's y es increíblemente similar, realmente obviamente podemos simplemente arrastrar esto hacia arriba para modular un parámetro en particular. Digamos, bueno nos modula, enciende esto para hundirnos. Y te diré qué, en realidad vamos a cambiar lo que estamos escuchando. Así que solo voy a hacer todos estos acordes de longitud completa realmente puedas escuchar la modulación LFO. Un poco demasiado intenso. Así que de nuevo, acabamos de cambiar la mezcla. Y vamos a cambiarlo un poco así como suena un poco raro. Con el LFO. Aquí tenemos los tiempos, digamos que podemos cambiar. Esto es sólo para la parrilla, pero te voy a mostrar cuando tengamos la parrilla arriba. Obviamente normalmente trabajamos en 4816, etc. pero obviamente puedes resolver los horarios que quieras. Y claro si quieres, así puedes establecer esto como tres y tener este tipo de carreras y trillizos. Hay diferentes cosas que puedes hacer aquí. Entonces, obviamente, por el momento tenemos esto puesto como una onda triangular. Ahora puedes agarrar estos puntos y cambiarlos. Entonces podrías cambiar esto en más de una onda senoidal. O puede cambiar el patrón que desea dibujar haciendo clic aquí y puede elegir el paso por ejemplo y luego necesita hacer clic en el pequeño pincel y luego en realidad puede simplemente dibujarlo en pasos. O puedes elegir otra cosa como abajo, que es solo una rampa para arriba. Y obviamente puedes mezclar estas cosas. Entonces puedes elegir algunos de ellos para que sean pasos, algunos de ellos para ser medios pasos. Pueden crear todo tipo de modulaciones diferentes. También está aquí este pequeño botón, esta pequeña función que básicamente cambia todos estos a editables. Oh, lo siento, necesita apagar mis herramientas de dibujo. De hecho, tuvimos que cambiar alguno de estos puntos. Ahora con esto activado, entonces puedo moverlos libremente y cambiar la forma exacta. Yo también puedo sumar puntos. Entonces simplemente se vuelve mucho más editable con este botón seleccionado con solo decir, si haces clic aquí, hay absolutamente un montón de formas LFO prefabricadas. Digamos, todo tipo de cosas para ser usadas allí para conseguir alguna modulación funky que va por la parte inferior de los osciladores. Tenemos esto como el gatillo para que puedas tenerlo para que sea hunde al ritmo. Puede tenerlo activado por el envelope, sustain, envelope, loop point y loop hold. Entonces tenemos los tiempos en los que quieres configurarlo. Simplemente cámbielos hacia arriba o hacia abajo, simplemente haga clic y arrastre para cambiarlos. La suavidad básicamente va a redondear cualquiera de estos tipos de bordes afilados si lo deseas. St. obtiene sonidos realmente geniales, especialmente si estás usando una especie de Voc que hizo una especie de sonido vocal, entonces, por supuesto, tenemos un retraso que simplemente retrasa el oscilador para que no surta efecto. Y estéreo, que básicamente divide el LFO entre izquierda y derecha. Algo así como agrega un retraso. Entonces tienes el mismo LFO, pero se está activando en los canales izquierdo y derecho solo en diferentes tiempos dependiendo de cómo tengas este dial configurado. Así que eso puede ser muy útil para crear algunos buenos pads panned modulados y esas cosas. Bien, así que sigamos adelante. tengo algunos LFO aleatorios aquí, que no voy a entrar en demasiados detalles aquí. Es bastante obvio lo que son. Osciladores aleatorios dicen, en lugar de tener un patrón muy prescrito, como el que tenemos aquí, va a ser bastante aleatorio. Entonces tenemos estos moduladores aquí. Entonces, si elijo notas, lo que eso hace es que modulará algo dependiendo de lo alto en tono o tono bajo que sea. Sólo activemos el filtro. Y uso nota. Entonces, en realidad modulas esto. Verás que como tenemos diferentes acordes tocan, el filtro se mueve. Ahora hay alguna reunión por una cantidad muy pequeña. Ahora vamos a subir esto. Como puedes ver, básicamente se está modulando dependiendo de dónde estén las notas. Entonces, si toco algunas notas realmente bajas, el corte del filtro se mostraría mucho más bajo. Y si toco notas altas, el corte del filtro irá más alto. Por cierto, si quieres eliminar cualquier automatización que hayas agregado, simplemente puedes hacer clic derecho e ir a eliminar o modular. Entonces en la automatización, la velocidad es básicamente lo mismo, pero para la velocidad. Así que esto puede ser útil cuando intentas hacer una especie de instrumentos de sonido natural. Entonces por ejemplo, si pongo la velocidad en el corte del filtro, nuevamente, lo que eso significa es que cuanto más suave golpees la nota, más bajo será el corte. En un piano, por ejemplo, si pulsas una tecla muy fuerte, tengo una velocidad muy alta, entonces el filtro suena muy brillante. Y en esta instancia, el filtro sería muy alto si tienes una velocidad alta y si lo golpeas muy suavemente. Obviamente el piano en la vida real sonaría mucho más suave y tenue, y eso es lo que esto imitaría. Entonces, al presionar teclas muy bajas, el corte del filtro se bajaría todo en función la velocidad de las notas que entran en el instrumento. Digamos a partir del momento de este tutorial, en realidad no tengo idea de lo que hace lift , pero voy a averiguarlo. Lo prometo antes de hacer el tutorial completo sobre estas notas octavianas. Entonces eso es básicamente lo mismo que note, pero activará una configuración diferente cuando uses un crossover en una octava diferente. Entonces puedes estar en decir, Octavia tres y nada va a cambiar. Pero si vas a Octave para, entonces esto modulará lo que sea a lo que tengas apegado. La presión y el deslizamiento, creo, tienen que ver con el tipo de teclados más avanzados como el Roland. Es el que tiene las teclas de goma sobre las que puedes ir de lado a lado y también cambiar la presión a medida que se toca. Entonces no es que la velocidad inicial sea en realidad la presión. Después de que ha sido golpeado tipo de cosas. Puedes oscilar hacia arriba y hacia abajo con los dedos. Entonces eso tiene que ver con eso y también lo es el tobogán, creo. Entonces estéreo básicamente habilita cualquier cosa que quieras modular y luego se dividirá entre la izquierda y la derecha, digamos, por ejemplo si dejo esto en el corte del filtro, y pongamos esto a cero para el momento. Así se puede ver ahora cuando lo toco perfectamente normalmente, pero si le agrego algo a esto, que básicamente se separa cualquier oscilación que esté ocurriendo dentro del campo estéreo. Así que tengo un corte de filtro que es básicamente más alto en frecuencia y uno que es más bajo en frecuencia. Y todo lo que estamos haciendo con esta dieta era simplemente cambiar el tipo de diferencia entre ellos. Bien, así que está bien. Y luego cosa aleatoria, esto debería ser bastante obvio. Pero cada vez que se golpea una nota, simplemente envía básicamente una especie de posición aleatoria o un bit aleatorio de posición aleatoria o un bit aleatorio de información para lo que sea a lo que se le haya adjuntado, a una especie de juego. Bien, así que eso es genial. Debajo de aquí, tenemos los ajustes estándar para la mayoría de los sintetizadores, así que tenemos el número de voces. Entonces, por el momento tenemos hasta ocho voces, lo que significa que puedes tener hasta ocho teclas presionadas en cualquier momento en el teclado. Se puede mover esto hacia arriba. Obviamente va a usar más potencia de procesamiento si haces eso. La curva es simplemente la cantidad de curvatura para la rueda de cabeceo. Entonces, obviamente, si le vuelvo eso a lleno, van a ser dos semitonos arriba o dos semitonos abajo. Pero claro, puedo cambiar eso. ¿Cómo podemos ir? Vaya, eso es bastante alto. 48, digamos que es bastante loco. Lo siento, vamos a subir un poco el corte del filtro. Hablaremos del filtro en solo un segundo. Eso es bastante agradable en realidad, sería bueno para algunos efectos. Tener una curva con rango de 48 semitonos, eso es bastante ordenado. La pista de velocidad que ya mencionamos, pero eso solo básicamente significa que si tienes velocidad de información de velocidad variable en tus partes musicales, entonces teniendo este turno, toma nota de ello. Entonces, si tienes algo jugado suavemente y tienes otras cosas que se están jugando duro, entonces necesitas tener la pista de velocidad levantada. De lo contrario, esa información de velocidad será ignorada. Spread es simplemente significa la difusión estéreo. Entonces si tienes esto rechazado, lo que sea que salga de este instrumento va a ser en mono. O si lo tienes completamente arriba, entonces estará en el estéreo adecuado. Y obviamente puedes equilibrar eso. Di si no querías que fuera mono, pero tampoco quieres que sea estéreo completo, entonces puedes usar esto para frenar que el deslizamiento es simplemente deslizarse de una nota a otra. Obviamente suena un poco raro cuando se está jugando con códigos como este. Pero normalmente para los tenis a una sola voz entonces solo escuchará unas notas que se tocan a la vez. Y claro también, si superpones las notas midi, entonces por supuesto también se deslizará de una nota a otra. También puedes cambiar estos deslizamientos del planeo, que es bastante ordenado. La mayoría de las puertas no te permiten hacer es que puedes cambiarlo así que es mucho más rápido. Más lento. Si quieres doblarte entre notas que se solapan por aunque sí necesitas tener activado el modo legato. No hemos conseguido ninguno en este momento, pero igual de bien si vas a hacer ese tipo de cosas, no hay indicaciones. Bien, así que brevemente echemos un vistazo más a los filtros. Así que no hay mucho que ver aquí, pero puedes cambiar los filtros aquí entre paso alto y paso bajo con solo mover este deslizador aquí. O por supuesto, una mezcla de los dos. Para que pueda tener más de un filtro de paso de banda obtuvo la resonancia, lo que cambiará la pendiente de los bits, pero también agregará resonancia a un filtro que es un toque agradable. Lo hace agradable y fácil. Volvamos a lo que sea que tuviéramos una resonancia estándar de deslizamiento de giro. Todos deberíamos saber lo que eso hace a estas alturas. También lo usé un poco cuando estábamos haciendo la almohadilla. De nuevo, aquí tenemos pista clave. Para que puedas hacer que el filtro reaccione a donde presionas una tecla en el teclado. Entonces, obviamente, si estás presionando las teclas más arriba que el filtro estará completamente abierto. Si presionas las teclas más abajo, el filtro estará más cerrado. Para esas notas. Mezclar bastante autoexplicativo. Esa es la cantidad de efectos que deseas, cantidad del filtro que quieres que afecte a la señal. Y luego por supuesto, conducir. Aquí podemos elegir qué osciladores van a pasar al filtro. Entonces obviamente tenemos dos filtros. Entonces podemos hacer que el oscilador 1.2 entre en ambos filtros si queremos, digamos que es solo otra forma de enrutar los osciladores a través de los diferentes filtros. Eso es todo. Lo es. Probablemente más fácil solo seleccionar qué campos E1 en el oscilador. Pero sea lo que sea, solo es una forma diferente de hacerlo, solo di que no también. Cuando se trata del enrutamiento de los osciladores, obviamente se puede elegir que pase por los filtros. B puede elegirlo para pasar por alto los filtros y ordenar e ir directamente a la página de Efectos, que veremos en solo un segundo. O puedes hacer que pase por alto incluso la página de efectos e ir directamente al maestro fuera del sintetizador. Decir antes de seguir adelante y mirar una página diferente, Vamos a ver un par de cosas más. Entonces el sampler solo voy a hablar muy brevemente. Así que apaguemos mi otro oscilador. En el momento en que tenemos ruido blanco. Por lo que también puedes bloquear a estos dos el pitch también. Y obviamente tienes los controles de tono normales igual que los tenemos con el oscilador. Puedes enrutarlo para filtrar uno a lo que sea, igual que todos los demás, mismo control de nivel, control de pan. Ahora bien estos controles de aquí dicen que si golpeo esto, esto quiere decir que va a estar atado al teclado. Dependiendo de las notas. Jugará mayor o menor en tono. Si lo tengo en esto, eso es sólo un bucle. Así que simplemente seguirá dando vueltas como puedes ver por el cabezal de reproducción. Entonces, si lo quiero, puedo tenerlo de principio a fin. No estoy seguro cuál es el nombre técnico para estos controladores, pero básicamente si lo golpeo, jugará de una manera y luego jugará en reversa. Muy difícil de alguna manera aquí con ruido blanco. Entonces solo voy a arrastrar en una muestra de la biblioteca de muestras solo como ejemplo, Eso es todo esto. Entonces es simplemente cerrar, sólo va a arrastrar en una muestra. Esto es, así de fácil es arrastrar algo desde tu puerta. Simplemente, literalmente, arrástralo y suéltalo. Y entonces si lo toco lo siento, es un poco tranquilo. Vamos a subir un poco eso. Se puede ver que solo lo paga hacia adelante y hacia atrás. Entonces eso es lo que hace esa función. Y luego tenemos al azar. Entonces esto solo lo jugará desde una posición de inicio aleatoria. Eso puede ser bueno para algunas cosas, no para esto como un sonido valiente, lo que significa que hay algunas áreas de esto que no tienen ninguna amplitud en absoluto. Pero si usamos algo así, sea cual sea el sonido de Bart o puedes ver que simplemente comienza desde una posición aleatoria. Bien, entonces eso es que el último par de cosas es que tiene controles macro. Así que puedes elegir controlar algunas cosas diferentes bajo un solo control. Di si quisieras controlar, di LFO 123.4, como los diferentes parámetros del mismo. O querías tener un control manual para decir, la posición de la mesa de olas y el unísono y el fregadero. Básicamente puedes dejar esto en cualquiera de esos controles y puedes hacer tantos como quieras. Entonces hay un control que los cambiará a todos al mismo tiempo. Es simplemente útil en lugar de tener que algo así como 83 o cuatro increíbles o cualquier control diferente al mismo tiempo, solo enruta la macro a esos controles y luego puede modular o automatizar ese controlador. Bien, así que vamos a echar un vistazo a la página de efectos. No quiero pasar mucho tiempo en esto porque todos son efectos bastante estándar de las convulsiones. Actívalos cambiando los pequeños puntos. El bastante autoexplicativo. De nuevo, no voy a entrar en todos los detalles de cómo funciona Chorus y qué tipo de cosas. Vamos a entrar en esto con más profundidad en otro tutorial, pero realmente no es necesario hacerlo aquí. Y ya hemos tocado algunos de estos efectos de todos modos, así que no quiero dedicarme demasiado tiempo a eso. Entonces, vamos a echar un vistazo a la matriz. Entonces solo desactiva eso por ahora, vamos a ir a la matriz. Entonces la matriz básicamente nos muestra cualquier enrutamiento que tengamos configurado en nuestro sentido, digamos, por ejemplo cuando asignamos los controles de camiseta macro que luego aparecerán aquí son obviamente usados sobre tres y LFA-1 para hacer alguna modulación también. Tan pronto como lo configures, esos aparecerán entonces en la matriz de modulación y podrás cambiar la cantidad. Entonces esto es solo, si nos fijamos en el control aquí es lo mismo literalmente agarrar eso y cambiarlo. Sólo otra forma de hacerlo. También puede seleccionar un destino diferente o una fuente de modulación diferente. Para ello, también se puede seleccionar bipolar, que básicamente solo cambia la dirección de la modulación. Y luego el estéreo que básicamente hace lo que estábamos hablando aquí, donde agregamos estéreo. Entonces solo agrega estereotipo, esa modulación. Por lo que solo compensará la modulación de izquierda a derecha. Y luego el Morph que solo controla el, básicamente la velocidad o la velocidad de la que tiene lugar el efecto. Entonces tenemos la pestaña Avanzado, que para ser completamente honesto, no voy a entrar aquí. Una razón es que eso probablemente sea un poco demasiado lejos para que se supone que sea una visión general muy básica. Y además, en realidad todavía no he tenido oportunidad de sumergirme completamente en esta página. Entonces esto va a venir. Tendremos de nuevo un tutorial sobre esto, que estará en YouTube de forma totalmente gratuita, mucho más a fondo. Así que definitivamente cuida eso cuando aterrice. Y ese es el panorama más básico de la suerte vital como ocho. En la siguiente lección, vamos a hacer un sonido de superposición base con un poco de modulación LFO. Entonces vamos a hacer eso. Muchas gracias por ver a chicos y chicas ver en la siguiente. 15. Lección de ambiente ambiente de BTP 14 de bajos modulados: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección, lo que quiero hacer es darte una línea de base alternativa. Si eso es algo que te gustaría ahora en esta pista, hecho pienso que la base actual que tenemos que tocar realmente se adapta a la pista porque es agradable y mínima. Realmente no le quita nada a las otras partes de la pista. Simplemente le agrega ese tipo de sub base agradable y cálida. Pero como he mencionado antes, puedes obtener muchas, muchas direcciones diferentes en muchos puntos diferentes durante el proceso de producción. Entonces, por ejemplo, si quisieras una línea de base con un poco más de movimiento ahí o un poco más arenoso. Eso es lo que vamos a echar un vistazo ahora. Y tal vez en las secciones posteriores están a mitad de camino a través de la pista y esta sección E podría querer realmente deshacerte de la plataforma y simplemente entrar en una especie de pista más orientada al tambor, línea base, pesada, lo cual está absolutamente bien. O sea, incluso podrías meterte en batería y bajo. Estoy en un tempo es más o menos perfecto para ello. Entonces hay tantas maneras diferentes que puedes ir, pero todo lo que quiero hacer aquí es darte una especie de otra opción para la línea de base. Entonces tiene que ser bastante simple. No vamos a volvernos demasiado locos. Sólo voy a duplicar mi línea base actual porque quiero conservar una copia original de esa. Y luego usaremos este duplicado y empezaremos a perder el tiempo. Yo solo voy a silenciar el pad también. Así que acabo de conseguir el beat y la línea base jugando. Bien, entonces usamos el mismo tipo de parche que ya tenemos. Entonces comenzaremos con nuestras formas básicas porque tiene una buena parte de subgraves. Di Días Felices. Ahora bien, una forma muy sencilla de agregar un poco de ritmo a esto es modular realmente el nivel, el volumen, o técnicamente la amplitud mediante el uso de un LFO. Entonces eso es lo que hacemos con estos LFA-1. Y sólo voy a arrastrar eso al nivel. Ahora cuando lo juego, en realidad no está haciendo mucho en este momento. Entonces, dos razones para ello. Primero, necesito ver como subir la efectividad de este oscilador hasta el final. Y luego también necesito bajar el nivel. Entonces, cuando se reproduce, se puede escuchar que el oscilador realmente tiene algún tipo de efectos sobre la amplitud. Entonces solo lo voy a tocar y vamos a ver un par de los LFO de fábrica. Entonces presets. De hecho, podrías hacer que eso funcione si es ese tipo de línea de base entrecortada un poco podría funcionar bastante bien. No creo que realmente vaya a ver esta pista particularmente, pero solo decir se puede usar. Entonces ese tipo de cosas. Surco nervioso, ese es un buen punto de partida, diría yo. Y solo queremos cambiar esto arriba. Para que podamos cambiar esto. Solo tenemos que asegurarnos de que este sea seleccionado. Entonces tenemos más puntos de control y luego podemos comenzar a agregar pies haciendo doble clic en más puntos. Sólo voy a hacer que sea un poco menos tambaleante. Eso quizás cambiemos la velocidad de esto también. Así que vamos a ahorrar 1 bar. Por supuesto, se puede ir en cualquier dirección. Quieres elegir cualquier tipo de ritmo. Totalmente depende de ti. Vamos a seguir con esto por ahora. Eso está bien. Simplemente le da un poco de ritmo y esa es una manera agradable y fácil de meter algún tipo de ritmo en tu pista si eso es lo que quieres. Agreguemos otro oscilador es este. Así que vamos a activar oscilado a. Ahora por el momento, obviamente, no hemos configurado el ruteo. Por lo que también queremos que el nivel del oscilador 2 se vea afectado por LFA-1. Entonces hacemos clic y arrastramos eso a nivel en el oscilador para establecer también el tono en 24. Entonces es oscilador coincidente lo que solo voy a recorrer en ciclo, vamos a tratar de encontrar algunos es un poco diferente. Recuerda que también tenemos que bajar el nivel. Y la efectividad sube. Para oscilado para decir esto puertas ver la página de efectos porque hemos duplicado el preset. Tenemos un corte alto ahí que en realidad no querías. Así que vamos a convertir eso en un estante alto y simplemente normalizarlo. Entonces Kosovo bytes, esta es una tabla de ondas que no está incluida en los presets de fábrica. Entonces suena bien, debo admitirlo, así que podría volver a ello, pero vamos a ir a los presets de fábrica por ahora. Intenta encontrar algo que tal vez se adapte a la pista. Formas básicas. Sólo una onda cuadrada y quiero modular esto un poco más. Así que vamos a elegir otra cosa. Sigamos con eso solo por ahora. Eso suena a pastel. Entonces, lo que quiero hacer con el segundo oscilador es en realidad modular la posición de la tabla de ondas, pero a una velocidad diferente a lo que está sucediendo con el tipo de cosas de nivel. Entonces va a cambiar a un ritmo diferente a lo largo del tiempo. Entonces, qué haremos por eso ya que agarraremos el LFO a, y lo dejaremos caer en la posición de la tabla de olas. Juguemos a eso. Entonces suena absolutamente horrible. Digamos que cambiemos eso a otra cosa. Eso en realidad no suena tan mal. El objetivo es solo darte una forma diferente de modular una línea de base para que puedas hacer algo un poco diferente. Ahora bien, todas estas tablas de onda preestablecidas de fábrica, están bien, pero no son exactamente increíbles. Entonces obtienes algunos mucho mejores cuando en realidad pagas por vitales. Pero no olvides que en realidad puedes cargar cualquier tabla de olas en supervivencia. Literalmente puedes simplemente arrastrarlos y soltarlos. Entonces, si descargas un paquete de tabla de ondas, literalmente puedes simplemente dejarlos caer en supervivencia. Entonces si quieres ver, por supuesto puedes guardar la tabla de olas también para que puedas volver a usarla. No tenías que seguir arrastrándolo cada vez que quisieras usarlo, digamos en proyectos diferentes. Pero obviamente, solo quiero usar las cosas de fábrica porque eso viene con la voz o instrumento gratis. Una tabla que conseguimos está en algún lugar en la línea de lo que estaba pensando. Entonces es solo un poco diferente, es un poco más arenoso. Probablemente quiera. Así que en realidad tienes algo de esa repisa alta de nuevo en. Decir algo así que podríamos usar, y por supuesto también podríamos usar un pase LFO diferente y en lugar de solo un triángulo recto arriba y abajo. Entonces te haces la idea, puedes ir en muchas direcciones diferentes aquí. Bien, así que solo jugué un poco, solo cambié los ajustes de modulación del LFO. Entonces usarías un patrón diferente, que también está en la serie de correos bancarios de fábrica. Y también he cambiado el momento de la misma. Entonces es de 2 barras de longitud. Entonces es un poco más lento, un poco más metódico. Y probablemente podamos cambiar también la efectividad de esto también. Entonces entiendes la idea, podemos hacer todo tipo de cosas así. También podríamos añadir un poco de unísono a esto. Entonces obtienes un sonido diferente, como, ahí vamos. El punto aquí es, de nuevo, solo mostrarte que puedes hacer algo diferente si quieres. Por lo que no se tuvo que usar una línea base de plano 3D. Y esta es una manera fácil de usar LFOs para conseguir un poco de ritmo en tu línea de base. O podría ser lead sound o pad o lo que sea y agregar un, Es más movimiento a tu pista. Pero en realidad no voy a usar eso en la pista principal. Como mencioné, definitivamente prefiero esta pista en particular con solo la línea base estándar. No le quita nada al resto de la pista. Solo agrega que calienta los submenús. Entonces es un poco perfecto tal como es. Pero si quieres usar un entrecortado más modulado al inicio, solo tienes que ir a por ello. Bien, muchas gracias por ver ver a chicos y chicas ver en la siguiente. 16. Lección de ambiente relajado con BTP 15 Adagio String FX: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección y en la siguiente, vamos a agregar solo un poco más contenido a las pistas. Sólo un par de cosas que quiero hacer. Primero, uno de ellos va a intercambiar este pedacito de middy con este, solo porque tengo ese relleno de triplete del sombrero y el lugar equivocado para ello donde realmente quiere, quiere estar en realidad básicamente liderando en SBAR 45. Pero también agregaremos una patada más o menos en un triplete patrones. Entonces estamos en trillizos 16 en este momento, así que está bien. Justo ahí para acentuar, el Hatfield. Solo agrega un buen tipo de rebote ahí dentro. Así que eso es lindo. Y agreguemos en el siguiente bit. Así que de nuevo, nos estamos metiendo en la estructura de la canción en solo un par de lecciones de tiempo con mucho más detalle. Pero obviamente queremos mantener las cosas interesantes y atractivas a lo largo de cada sección realmente. Ahora arranca muy suavemente en la primera mitad de la pista. Y luego obviamente entramos en la batería y el bajo. Y solo en esta segunda parte de aquí, quiero que esto sea un poco más interesante que solo tener las cuerdas Adagio entrando. Antes, en realidad agrego en la parte que vamos a hacer. Sólo quiero hablar muy brevemente sobre cómo surgió este tipo de cosas. Entonces obviamente como estamos escuchando rastrear una y otra y otra vez, quiero decir, no hacemos eso en el tutorial up busca, se vuelve bastante aburrido. Pero cuando estás trabajando en ello tú mismo, lo estás escuchando una y otra vez. Y empiezas a ver aquí lugares donde tal vez quieras un relleno o lo que sea. Y uno de esos momentos estuvo aquí. Podría imaginarme algo que viene como un relleno solo para especie de sonido único es lo que estaba pensando en ese momento. Di algo aquí. Algo así. Volvamos a la sincronización no tripleta. Así que sí, lo que hizo fue que básicamente se pone un poco de midi y acaba de empezar a experimentar con diferentes sonidos. Vamos a los archivos de trabajo y queremos los efectos de cadena Adagio en C. Ese pequeño y agradable. Sólo voy a agregar esto a un sampler. Y vamos a dibujar en un poco de midi en blanco, entrar en él. Y esto es haber escuchado. Lo queremos su, literalmente estar comenzando aquí donde tuvimos los sets de playhead. Sólo vamos a escuchar qué nota queremos ver. Entonces en realidad, lo siento, solo baje eso un poco primero porque es un poco ruidoso. Y entonces sólo vamos a dibujar en nota. Así que vamos a tener una escucha. Ahora, demasiado tranquilo ya que el inquilino retrocede un poco. Entonces ese era el tipo de idea que originalmente tenía, que quería tener ese sonido como relleno. Pero entonces mientras estaba escuchando, podría como imaginarme esto realmente tocando otras notas más adelante hacia abajo. Entonces un par de cosas que tenemos que hacer primero es una es, es simplemente tocar una parte muy corta de la muestra. Y esta en realidad es una muestra muy larga. Si vamos a la pista de sampler y la tocamos, quiero que salga un poco más de eso. Entonces, obviamente, en realidad podemos simplemente hacer las notas más largas. Pero también podemos hacerlo en el sampler si quieres decir si vamos al modo amp y simplemente giramos el lanzamiento escribir un poco más que eso. Así que vamos a hacer eso más largo. Digamos que solo alargarías esto hasta que esté aquí mismo como otro golpeó su arma. Entonces encontremos eso. Lo siento, B pisos. Digamos, déjame tocar esto desde un poco más atrás. Disculpe mi horrible llave exterior tarareando ahí. Sí, eso es lo que venía, una G. Así que podemos tener esto jugando de nuevo en la nota, pero sí quiero que esto sea un poco diferente en cuanto a tiempo, así que simplemente no siempre está realmente regido. Así que solo voy a tener esto disparando un poco más tarde de lo que piensas que debería ser o vencer más tarde de lo que era en el último, también lo recuerdo. El primer hit es un beat temprano, ese está en el ritmo y este va a llegar un poco tarde. Entonces es solo agrega un poco de variación. No tienes que hacer esto. Podrías elegir cualquier momento que te guste leer. Me gusta como suena esto. A mi para agregar ese sitio. Sí, qué último golpe de aquí. Eso es, creo que va a volver a bajar para ver en realidad decir vamos a dibujar en eso. Sí, eso suena bien. Así que vamos a tener una escucha de todo de nuevo ahora. Es un poco ruidoso. Es como si sonaran bastante decentes Oregon. Y yo sólo voy a añadir un poco de reverberación a eso también. Entonces solo quiero este sonido agradable y profundo y esto definitivamente lo ayudará como lo geline con el resto de la pista. Encantadora. Sí, eso sonó perfecto o puedo absolutamente bien. Volviendo a la pista de sampler, estamos cambiando bastante el tono aquí. Entonces la longitud de la muestra estaría cambiando si estuviéramos usando, digamos, notas extendidas así. Pero porque no lo estamos, y solo estamos usando el lanzamiento del sampler para definir la longitud de las notas básicamente estábamos evitando el problema de como estas notas descienden, como obviamente en el sampler, son naturalmente echados hacia abajo significa que también se hacen más largos también, la película su lanzamiento hacia abajo. Así que estamos evitando ese problema de que el siguiente se alargue. De nuevo, podrías usar audio warp, podrías encenderlo. Y luego simplemente mantendrá automáticamente las notas exactamente de la misma longitud, pero solo usar la versión en lugar de usar notas largas para esto es una mejor manera de hacerlo. Bien, así que uno agradable, fácil ahí. Eso es todo para esta lección. En la siguiente lección agregaremos una especie de capa de cuerdas vocales. Muchas gracias por ver a chicos y chicas verte en la siguiente. 17. Lección de ambiente ambiente de BTP 16 capas de cuerda vocal: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección, esta va a ser muy rápida. Vamos a simplemente agregar una especie de capa de cuerdas vocales, enfriándola una capa de cuerdas vocales, aunque no sea realmente una cuerda, solo porque va a ser una nota constante en lugar de estar lista vocal real? Entonces es sólo una especie de sonido cantado por adquirir o lo que sea. Y sólo vamos a tenerlo como una nota constante volviendo a un poco de estructura de la canción. Y eso es que realmente queremos mantener las cosas interesantes y evolucionando a medida que avanzamos. Concentrémonos en la primera mitad de la pista por ahora. En la segunda mitad de la primera mitad, tenemos el piano, pero realmente no hemos conseguido ningún cambio a mitad de camino. Así que realmente necesitamos algo en la barra 8. Entonces eso es 8 bar de ahí para allá. Tenemos que tener algo agregado aquí. Y para hacer eso, sólo vamos a agregar una cuerda vocal y decir, déjame meterla y luego puedes escuchar cómo es eso y lo discutiremos un poco más. Encontremos dónde estamos. Entonces aquí vamos. Vocal femenino en C. Bien, así que vamos a agregar eso a una pista de sampler. Y vamos a dibujar la n. Entonces iremos directo al final de la primera mitad. Así que, sin embargo, es correcto. Entonces donde están las almohadillas y solo bájala un poco para empezar. Y dibujemos en nuestra nota midi. Entonces queremos que sea en C porque los trópicos pueden ver. Juguémoslo desde un poco más atrás. Vamos a probar una octava arriba. Así que solo levantando eso y no guardar normalmente la mayoría de las puertas, Es Shift y presiona las flechas arriba o abajo para moverlo hacia arriba. Una octava puede ser diferente a la tuya, pero creo que eso es bastante común. Vamos a probarlo así. mí me gustan los tonos altos un poco ruidosos obviamente, y necesitamos agregar algo de reverberación a esto. Creo que vamos a dar bastante reverberación. Y vamos a bajarlo un poco. Para obtener el volumen correcto de esto. Queremos jugarlo desde un poco más atrás para que podamos medir con mayor precisión el nivel cuando entra. Entonces, lo que quiere hacer aquí es darle un poco de ventaja. Así que podríamos usar el sobre del amplificador para hacer eso. Puedo hacerlo de manera muy sencilla en el muestreador de QA solo agarrando esto, que es como otro sobre. Digamos que no, puede que no tengas eso. Entonces simplemente, en este caso iremos y usaremos el sobre del amplificador. Sólo para que ustedes que no tengan esa misma característica puedan hacer lo mismo. Entonces básicamente es hacer lo mismo de todos modos. Necesitas que sea un poco más largo. Eso ya es perfecto. Solo quiero una ventaja gentil en. No como un comienzo repentino para la voz femenina es tal vez un poco más repentino de lo que eso es un poco demasiado lento. Yo diría que eso es justo. El nivel no está mal. Tal vez queramos ajustar ese dinero solo una fracción para wow, realmente no queríamos que se lo quitara a ninguno de los otros elementos. Solo queremos que les haga un cumplido sentarse debajo, pero también quiere que se note al mismo tiempo. Bien, entonces eso suena o derechos. Ahora, vamos a copiar eso de nuevo. Entonces también es el final de la segunda mitad de la pista. Así que sólo voy a copiar eso. Bien, lo siento, solo arrastra eso al camino equivocado. Pongámonos a perder la pista vocal femenina. Entonces como puedes ver, está tocando un tono constante. Esa es una técnica que se usa bastante en muchos géneros diferentes. No sólo ambient, sino que se usa, creo que bastante en ambient. De pronto escucho mucho en las pistas que escuché. Y es solo una forma de agregar algo un poco diferente a tu mezcla, un poco de variación. Y agrega un poco cuando tienes una voz femenina de tono más alto , Ooh, así, tiende a agregarle un aumento de energía también. Bien, así que eso es todo. falta nada más para hacer eso. Obviamente, podemos darle a eso un balance final cuando lleguemos a la etapa de mezcla, pero es más o menos en el estadio de béisbol. Yo diría. Eso es todo para esta lección. Muchas gracias por ver a chicos y chicas ver en la siguiente. 18. BTP ambiente chill lección 17 estructura de la canción: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces como se mencionó anteriormente en el tutorial, vamos a diseccionar los niveles micro y macro energéticos de esta pista para que podamos entender mejor cómo reproducir eso en otras pistas que podríamos hacer. Para usar una metáfora, una buena canción debería ser como una buena política. Empieza un poco suavemente, gente habla, bebe, se afloja. Poco a poco la música se hace más fuerte, gente se emborracha más, la gente empieza a bailar. Tal vez tengas un descanso para comer, más bebida, y luego vuelves a bailar y estás pasando un rato en tu vida, y luego termina. Y una buena política siempre termina con el pensamiento, quiero más. Y no termina demasiado pronto porque solo fue como una fiesta que duró 5 min de duración. Terminó demasiado pronto porque te diviertes muy bien y simplemente no querías que terminara. Quieres que tu pista termine con gente que quiere más, como que simplemente no pudieron tener suficiente de ella. Ahora obviamente, eso va a ser en algún nivel, muy subjetivo entre persona. algunas personas les encantan algunas pistas y otras personas odian esas pistas, así que no puedes complacer a todos. Pero dejando eso a un lado, realmente, todo se reduce a la tensión y suelta en el nivel micro y en el nivel macro. Entonces, en las lecciones anteriores, hablé de cómo resuelves una progresión de acordes que termina con el acorde de cuatro o cinco y luego vuelve al acorde uno. Y eso le da la progresión de acordes, un sentido de resolución o finalización. Eso ya es una aplicación de tensión y liberación en el micro-nivel, funciona un poco así. Cuanto más tiempo estés lejos de un acorde, mayor se vuelve esa tensión, y cuanto más dura esa tensión, mayor se siente esa liberación cuando se resuelve de nuevo al acorde único. No obstante, si te mantienes demasiado tiempo alejado del único acorde, entonces esa tensión se derrumba. Y esa tensión, más que ser liberada, se convierte en otras emociones. Y eso normalmente es como una emoción como ansiedad o el malestar o la incomodidad del avión, que es un truco utilizado en las películas de terror, por ejemplo, para promover una sensación de malestar y ansiedad. Todo se hace a través de la música son mucho se hace a través de la música con acordes como realmente disonantes que nunca se resolvieron. Así que siempre hay una sensación de tensión, pero nunca se libera. En la música es súper importante que tengas que equilibrar la tensión con el lanzamiento siempre. Ahora para mí, esta es solo mi opinión personal. ¿Listo? Pero la progresión de acordes más larga que debería usarse es realmente como una progresión de acordes de ocho barras. Entonces uno que es así de largo. Ahora bien, en este esto es ligeramente diferente. Esto es más como una progresión de acordes de cuatro barras porque se resuelve de nuevo al acorde uno después de 4 bar. Así que podríamos, por ejemplo, tener un acorde diferente aquí en lugar del acorde único. Y sigue estando bien porque todavía va a resolverse desde cuatro acordes de nuevo hasta el acorde uno después de 8 compases. Eso va a funcionar, pero yo personalmente no iría más tiempo que eso, como una progresión de acordes de 16 barras donde en realidad no se resuelve de nuevo al acorde único, en mi opinión, va a ser demasiado. Es simplemente demasiada tensión y no lo suficiente liberada, por lo que el saldo está apagado. Pero obviamente esto es algo que sólo experimentar. Estás tan lleno de brillar una luz encendida. Entonces así es como generamos tensión y liberamos en la micro escala con la melodía. Y por cierto, este sigue siendo el caso si no usas acordes, pero tienes como digamos, pero tienes como digamos, una línea base que se repite cada dos o 4 barras por ejemplo así que hay diferentes formas de crear esa tensión y lanzamiento y pistas. No tiene que ser una progresión de acordes o una progresión de acordes es una gran manera de hacerlo. También, cosas como estilos de baile más duros. La tensión y la liberación están mucho más enfocadas en la escala macro, la escala mayor. Así que aumenta la tensión con el tiempo y las secciones de averías y acumulación, y luego energía completa en las secciones de caída o núcleo. Todavía hay tensión y liberación menor escala en esas pistas, pero una especie equilibrada de cambios a ser mucho más sobre la escala macro en lugar de la microescala. Simplemente se produce de una manera ligeramente diferente a pistas más melódicas. Me voy a ir un poco de tangente aquí. Pero si realmente quieres saber más que definitivamente ve echa un vistazo a la clase magistral de estructura de canciones, bien, así que para resumir la tensión y soltar en el microscopio, a veces cada 4 bar y especialmente cada 8 bar y 16 bar, tenemos un ciclo de tensión y luego liberamos de esa tensión. ¿Y qué logra eso? Significa que siempre hay este tono constante de empujar y tirar en tus pistas que mantiene al oyente ocupado, se dé cuenta o no, a nivel consciente y en algún nivel es una cosa bastante hipnótica. Y por eso es muy importante trabajar en esa progresión de acordes y usar cosas como acordes séptimos o acordes prestados y acordes sus y cosas así para enfatizar el empuje y el tirón de la progresión de acordes. Entonces en la escala mayor, la macroscale, se aplica lo mismo, pero obviamente en una escala mayor. Entonces si dejamos decir solo concéntrate en la primera mitad de esta pista. Así que justo hasta donde termina nuestra progresión de acordes de 32 barras, podemos ver que al final de cada progresión de acordes de ocho barras, medida que se resuelve, se agrega un nuevo corazón. Entonces obviamente primero son las cuerdas Adagio en C, luego es el piano que el rezumado vocal femenino. Digamos, cada vez que se está resolviendo retroceder un poco, comienza muy suavemente, pero la progresión de acordes de ocho barras construye un poco en energía, y luego se libera de nuevo en una repetición de la progresión del acorde, pero también como una adición. Entonces puedes ver esto ya cada sección de ocho barras aquí es como una acumulación en la siguiente sección. Entonces la energía apenas se va construyendo gradualmente con el tiempo. Y así tenemos un crescendo. Yo soy más o menos de esa energía y luego va a ir a casi nada. Y ahora esto se hará un poco más evidente a medida que agreguemos más efectos especiales y cosas así a la pista. Eso es básicamente lo que está pasando aquí. Toda la energía se está acumulando y luego se va a casi nada. Y entonces obviamente empezamos de nuevo, pero con una energía diferente. Ahora, sólo voy a dibujar en cómo se ve esto. Entonces es una buena manera de visualizar el flujo de energía de atraer. Entonces empezamos obviamente de muy baja energía. Aquí abajo. Se acumula un poco en esa primera progresión de ocho barras. Entonces como una especie de suave agregó un poco de energía con el Adagio para Cuerdas. Y otra vez, ese tipo de cosas se acumula muy poco a poco porque es la misma progresión. Y nuevamente, agregamos el piano, digo, toda esta sección construye muy ligeramente en energía. Y de nuevo hit, vuelve a construir en energía. Y entonces tenemos una gota completa de energía casi a nada. Y luego volvemos a entrar, pero volvemos a entrar con la batería y el bajo, por lo que la energía es algo mayor. Y luego otra vez, sucede el mismo tipo de cosas. Así que poco a poco construimos y energía. Y así completamos la pista y luego veremos es un completo drop back to nothing. Esa es la estructura energética básica de la pista. Y esta es una buena manera de visualizar las cosas. Así que déjame deshacerme de eso y voy a dibujar en qué tipo de arreglos más típicamente pop, tipo de energía sería algo así como se acumula en el verso, luego entra en el coro y un poco agradable de energía. Hay un poco más así. cae hacia abajo. Vuelves al verso que construye una energía, luego vas a golpear al coro. Entonces es ese tipo de cosas. Es como este flujo y reflujo que puedes ver aquí que continúa hasta que termina la pista. Soares, un dibujo terrible. Pero entiendes la idea. Sube, baja , sube, baja. Es todo este empujar y tirar lo que mantiene al oyente comprometido con tu pista. Obviamente esta pista ambiental es un poco diferente, pero aún tiene ese efecto. Simplemente se acumula en energía todo el camino hasta la primera mitad. Luego cae y luego entra en más energía y luego vuelve a acumularse. Entonces hay un reflujo y flujo es apenas ligeramente diferente. Y cuando haces zoom out, siempre puedes ver como la primera mitad de la pista es en realidad casi como una sección de acumulación para la segunda mitad de la pista donde la batería y el bajo línea que viene. Ahora otra cosa que voy a mencionar brevemente, eso es súper, súper importante cuando estamos hablando de tensión y liberación. Esa es la cantidad de tensión que creas en tu pista con lo que sea, ya sea con la melodía a micro escala, o sea con el arreglo real. Digamos que la acumulación en una sección de caída, por ejemplo, la tensión y la liberación siempre deben equilibrarse. Entonces, si tienes mucha tensión, tienes que equilibrar eso con mucha energía cuando se libera. Entonces, una especie de fracaso de esto sería decir como una pista de baile, tenemos mucha energía como una acumulación muy larga y súper energética. Y luego, cuando cae en la patada principal y la línea base o lo que sea, si eso es realmente decepcionante, como que apenas hay energía en eso, entonces va a ser como súper decepcionante de escuchar. Aquí son cosas bastante extrañas, pero créeme sí sucede que la gente comete ese error. Entonces, si tienes acumulación de mega energía, entonces necesitas que la gota energética omega sea más o menos tan simple como eso. Lo mismo otra vez con la melodía. Entonces con eso, como digo, no puedes mantenerte alejado del único acorde por mucho tiempo porque la tensión simplemente se vuelve demasiado grande. Entonces hay que equilibrar eso al no hacerlo demasiado largo. Es una especie de principio similar, solo en un nivel diferente. Bien, así que eso es todo para esta lección. En las próximas lecciones, ahora vamos a estar agregando algunos de los efectos a esta pista y lo estaremos automatizando todo para ayudar a mejorar lo que hemos estado hablando, este tipo de reflujo y flujo de energía a lo largo de la vía. Bien, así que eso es todo. Muchas gracias por ver a chicos y chicas verte en la siguiente. 19. Lección de ambiente relajado con BTP 18 SFX con brida con rismo: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a empezar a agregar algunos sonidos de efectos. Y este interruptor en particular va a mirar uno que va a ser como un elevador con bridas, impacta, suena algo loco, pero al final es bastante simple. Entonces lo que tengo en los archivos de trabajo es este llamado gentil símbolo marzo. Entonces obviamente solo un elevador de muy alta frecuencia, no realmente un impacto, sino solo un motor, supongo que lo llamarías lo que quiere hacer a esto es solo para que sea un poco más interesante, es agregar un efecto de brida, pero llegaremos a eso en tan solo un segundo. Una cosa que quiero mencionar muy rápidamente solo para que no te confundas, es que he movido la cuerda Adagio y el rezumado vocal femenino. Eran amarillos y estaban al fondo de los proyectos. Así que los he movido hacia arriba en caso de que te estés preguntando de dónde salieron estas cosas. Y lo que voy a hacer es seleccionar más o menos donde quiero esto. Voy a tener esto llegando a la mitad de la segunda mitad. Así que vamos a arrastrar eso a nuestros proyectos. Sólo una pista de audio está bien. Y fue creado a este tempo, así que no deberías tener ningún problema para encajarlo siempre y cuando uses el mismo tempo, 84 bpm. Solo bajemos eso y hagamos una escucha rápida. Suena bien, pero es sólo un poco a la vista tal vez. Entonces, vamos a agregar un efecto de brida a esto. Así que solo voy a ir a mis insertos y prácticamente cualquier puerta debería tener efectos de brida. Se sorprenderá mucho si el suyo no vino con uno. Seguro que hay un montón de gratis que puedes descargar, pero aquí vamos. Así bridas o unos efectos basados en el tiempo, razón por la cual tenemos retroalimentación de retardo. Esto simplemente acentuará la cantidad de efecto de brida que obtenemos. Así que sólo voy a solo este plato. Ahora en realidad estoy totalmente contento con la cantidad de brida ahí o la profundidad de los efectos y todo. Así que en realidad voy a usar solo la configuración de stock. Lo único que quiero cambiar es el momento. Entonces no quiero que sea tan notablemente subiendo y bajando, arriba para que puedas escuchar que realmente solo entra una vez cada púas está en 11. Entonces quieres cambiar esto. Así que voy a desactivar la sincronización y solo voy a bajar esto a 0.1, así que es muy lento. Ahora bien, el único problema con esto es que al no hundirse al ritmo, realidad jugará en diferentes momentos. Entonces, si digo tocarlo desde la barra 47, se activará el flujo flanger. Y si lo juego a los 48, habrá disparado. Cada vez que llegue a este símbolo, va a estar en posición. Entonces, si puedes imaginar el efecto de brida obviamente oscila como podemos ver aquí. Está en una onda sinusoidal, así que sube y baja, arriba y abajo. Lo que quiero es que llegue a su cima ya el símbolo alcanza su crescendo sobre él para llegar allí a su pico, quiero que vaya Zhe tipo de cosas. Y luego el efecto de brida tipo de colas hacia abajo de la onda sinusoidal. Baja a medida que ha pasado este punto medio. Bien, así que básicamente lo que estoy diciendo es que cada vez que tocas la pista, los efectos de brida serán diferentes cada vez en este efecto. Entonces lo que vamos a hacer es copiarlo así, como digamos ocho veces por ejemplo y luego renderizaremos esto con el efecto de brida encendido. Y luego elegiremos aquel en el que tenga los atributos adecuados para ello. Bien, así que hagamos esto y probablemente te hagas una mejor idea de lo que estoy parloteando, que es cambiar rápidamente. Mi espacio de trabajo ha ocupado la pantalla completa. Bien, así que vamos. Yo sólo voy a exportar esto. Obviamente no sé cómo vas a poder hacer en tu pista, pero va a ser export o render o bounce o cualesquiera términos diferentes para lo mismo. Pero sólo voy a exportar una mezcla de audio abajo. Ahora para esto, sólo lo nombraré símbolo de Flandes. Quiero que entre en la camioneta cuando terminemos. Digamos que crea una pista de audio que sea perfecta. Y obviamente asegúrate de que la frecuencia de muestreo y la profundidad de bits y todo sea preciso y luego solo exportar. Bien, entonces ahí estamos. Tenemos nuestro símbolo renderizado o exportado. Puedo restar, solo volteándolo un poquito ahí. Está en el punto de control medio. Así que sólo voy a silenciar el que usamos para conseguir los símbolos ahí. Y vamos a tener una escucha estos símbolos renderizados con los efectos de bridas en. Eso estuvo bastante cerca, pero los efectos picos ligeramente después del crescendo del símbolo. Entonces probemos el siguiente. Es casi perfecto. Puedes escuchar los efectos bajando o la brida bajando si quieres, es casi como efectos Doppler. Entonces, cuando tienes un auto te pasa de izquierda a derecha o lo que sea, ya que va hacia, suena casi como un tono más alto. Y entonces a medida que va más allá de ti, el sonido va más bajo de tono. Efectos prácticamente muy similares. Entonces este es en este momento el mejor. Sólo vamos a acortar eso, así que ya tenemos eso y solo revisaremos a los demás. Eso también es bastante perfecto. Picos demasiado tarde, así que solo tomaremos el primero. Eso está bien. Esto definitivamente está lo suficientemente cerca. No quiero estar muy loca por esto. Entonces vamos a tomar esa. Lo vamos a dejar caer a la mitad de ahí, creo. Vamos a comprobarlo. Es un tipo de eso también. Bien, así que el inicio de sesión bastante decente. Yo solo agrego algo un poco diferente a la pista. Bien, así que eso es todo para esta lección. Sólo uno rápido ahí. Y en la siguiente lección veremos poner más sonidos de efectos ahí, o sonidos SFS, y realmente algo así como enjuagar la tensión y soltar fuera de esta pista. Muchas gracias por ver a chicos y chicas ver en la siguiente. 20. Lección de ambiente ambiente de BTP 19 SFX arreglo: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, así que en esta lección vamos a continuar simplemente agregando algunos sonidos SFS realmente suma a la tensión y liberación de esta pista. Un par de cosas rápidas. Primero, sólo voy a quitar el símbolo que usamos para generar el símbolo bridado. Así que sólo va a deshacerse de eso. Solo voy a mover mi símbolo de flores, alfabeto que puede quedarse ese color está bien como verde para efectos, solo establece mi región de bucle sobre la pista. No menos necesario, pero eso está bien. Bien, así que lo primero que quiero añadir es una especie de hit sucio o castro, que golpea justo al final de la primera mitad de las pistas ahí donde tipo de crescendos básicamente lo que quiero. Así que sólo voy a poner mi cabeza de juego y baño 37. Vayamos a nuestros archivos de trabajo. Tenemos un golpe sucio o cernícalo. Ahí vas. Es solo arrastrar eso a los proyectos. Sólo voy a apagarlo. Alguien se volvió hacia abajo, eso es genial. Así que vamos a tener un poco de escucha. Por lo que necesitamos automatizar esto para sacarle parte del volumen cuando entra la batería y todo. Vamos a llegar a eso en la siguiente lección cuando hagamos automatización. Pero solo para que lo sepas, así es como esta primera sección de las tendencias obviamente necesita tener un impacto un poco más que veremos en solo un segundo. Efectos que comen muy rápido. Vamos a hacer eso. Entonces una vez que tengas la patada, así que solo voy a copiar sobre la patada Midea y simplemente borrar todo aparte de la primera patada ahí. Solo di que esto tiene un poco más de impacto. Entonces probablemente tenga otro efecto ahí dentro. En un segundo, lo que vas a agregar. Pero por ahora eso está bien. Así que pasemos al inicio de las pistas. Realmente no quiero nada hasta que entre el piano. Solo escuchemos un poco y tengamos una idea de esto. Tengan en cuenta también cuando lleguemos a la automatización en la siguiente lección, esto vendrá mucho más suavemente y más filtrado. Entonces sería mucho más suave edificio y energía. Entonces sí, ahí mismo, quiero tener un poco de impactos de elevador y este es el que más o menos vine a descansar al final. Esto también es de nuestro paquete de muestra de dos pasos. Muy bonito. Así que vamos a arrastrar eso a nuestros proyectos. Asegúrate de que lo instalemos en el lugar correcto ahí y lo bajamos un poco. Quizás un poquito demasiado alto. Definitivamente queremos que esto tenga un gran impacto agradable. Lo siento, solo trato de equilibrar esto porque honestamente tenemos un par de cosas entrando aquí. Tenemos las notas bajas del Paddy, tú tienes el piano, y tienes este impacto. Entonces todavía necesitamos tener el piano y las notas bajas es como las cosas más destacadas que aparecen aquí. Y quizás sea solo una fracción demasiado fuerte en este momento, solo porque los impactos ahí se alejan un poco del piano. Nuevamente, solo lo acabamos de poner, así que necesitamos escuchar un poco a lo largo de toda la pista. Entonces, cuando lleguemos a la lección de mezcla, probablemente estaremos modificando este tipo de cosas solo para que sean absolutamente acertadas. Pero por ahora, eso está bien. Podemos dejarlo en ese estadio de béisbol. Sin utilería. Pienso lo que vamos a hacer así como lo que en realidad acaba de copiar. Averiguemos dónde lo queremos. Entonces, al final aquí, donde tenemos ese sucio sonido orquestal, vamos a tener esto conduciendo a eso también. Ahora creo que podríamos querer tener un poco más largo de efecto elevador ahí dentro. Entonces, lo que en realidad voy a hacer es revertir esto. Entonces en Cubase, eso es fácil. Simplemente puedo hacer clic derecho o Alt y hacer clic derecho. Y luego ir al revés. Y quiero hacer una nueva versión. Obviamente puedes tener que hacer eso en tu propia puerta, pero generalmente ese tipo de operación es bastante sencilla. Y ciertamente si no sabes cómo hacerlo, será una búsqueda rápida en Google de distancia. Y entonces vamos a usar esto como pista en los sucios sonidos orquestales. Entonces, vamos a escuchar un poco, ver cómo suena eso. Suena como K, pero sí quiero un poco del, llamémoslo épico del impacto de este bit ahí también. Así que sólo voy a cortarlas y usarlas juntas. Entonces, si solo chocolate, chocolate ahí, me deshago de eso y lo copio al otro lado. Y vamos a ver si podemos hacer que esto funcione. Ahora bien, normalmente cuando lo hacemos es que probablemente queramos bajar un poco este primero. Escuchemos solos. Suena así con el resto de la pista. Lo siento mucho, supongo que en realidad esa es la forma equivocada. Nosotros sí queremos que eso tenga más impacto que esto porque hay una patada, hay sucio o golpe de Castro también. Queremos que esto sea un poco más bajo y solo brinde ese tipo de ruido cálido de gama baja a esto. Así que sólo estamos equilibrando el volumen entre los dos hits. No tan mal. Ahora la razón por la que estoy usando los controles de volumen de eventos en lugar de cambiar realmente el volumen de toda la pista aquí es porque obviamente tenemos otros éxitos aquí. Digamos que estamos contentos con el nivel en el que están. Así que solo quiero cambiar el nivel de volumen de eventos individuales en lugar cambiar todo el nivel de pista porque eso obviamente afectará a todos los impactos de subida que hay en este canal. Alguien así, por el momento es bastante perfecto. Ahora vamos a tener un poco de relleno, vamos a ver rellenos en una lección aparte, pero vamos a tener un poco de Phil subiendo ahí conduciendo a la batería, solo diciendo que no sólo va a empezar de la nada. Pero otra vez, llegaremos a eso en un rato. Ahora vamos un poco más allá en la pista y agreguemos algunos bits extra. Entonces psy, a mitad de la última sección, definitivamente queremos tener un poco de impacto aquí, que en realidad, lo siento, tengo el símbolo de brida en el lugar equivocado. Pido disculpas por eso. Eso se supone que debe estar ahí conduciendo a la segunda mitad. Y eso es sólo un poco en el lado ruidoso. Vamos a bajar eso, así que no es tan agobiante. Hagamos esto también un poco más impactante. Entonces, lo que voy a hacer es copiar el primer pequeño corte de nuestros impactos de subida, que es como la parte de gama alta de la misma. Símbolo blanco invertido. Para que también quieras agregar un poco de reverberación. Entonces, solo agreguemos eso. Esto definitivamente lo ayudará a sonar un poco más épico. Y voy a decir más épico sobre las gotas aquí. Así que vamos a jugar eso en realidad. Absolutamente tonelada de reverberación en él. Ahora quiero que eso sea más fuerte, claro. Bien. Sigamos con la parte en la que estamos trabajando aquí. Así que tenemos nuestro tipo de primera mitad del impacto del elevador aquí. Y agreguemos un flechazo también para más enfatizar los impactos de esta segunda sección. Al aplastado 15. De nuevo, es un poco loco de reverberación en sus diez arriba un poco. Bien, así que eso suena bastante decente a la radio y quiere un último bit que creo que solo repetiremos el aumento de impactos justo al final de la pista. Así que rematando aquí. Y también mientras estamos en ello, vamos a tener el sucio hit orquestal llegando también a mitad de camino. Vamos a tener que trabajar un poco en esto, así que no va a sonar enseguida. Podría sonar un poco demasiado. Y te diré qué, en lugar de tenerlo empezando por aquí. Tengamos este latido tarde. A lo mejor eso es incluso un poco tarde. Así es como eso comenzar medio latido demasiado tarde. Y nuevamente, vamos a necesitar automatizar esto. Tenemos muchas ganas de escuchar el inicio mismo de este hit y luego bajar de volumen. Así que no está sobrecargando al resto de la pista. Pero volveremos a llegar a eso en la siguiente lección. Y luego tendremos un último hit orquestal justo al final. Así que sólo voy a acortar eso. No es demasiado largo y copia eso terminado. Y nuevamente, probablemente también estaremos automatizando esto. Simplemente voy a arrastrar en el sobre de la derecha solo para darle a esto un desvanecido de volumen. Ahora claro, realmente depende de ti qué tipo de sonido quieres usar. No tienes que usar unos éxitos orquestales sucios de la misma manera que no tienes que usar ese tipo de sonido vocal que tenemos aquí, totalmente depende de ti. Puedes usar diferentes sonidos si quieres. Dime, eso me gusta mucho. Efecto. Casi te sacude un poco. Es algo un poco más interesante. Está un poco en el campo izquierdo. Entonces para mi realmente funciona. Pero obviamente para ti, puedes elegir cualquier sonido que quieras. Bien, así que creo que estamos más o menos ahí con los sonidos de efectos especiales. Ahora vamos a tener una escucha de todo el tema. Solo voy a dejarlo pasar y podemos tener una idea real de dónde comenzó antes de comenzar a agregar automatización en la siguiente lección. Entonces ya no voy a hacer en esta lección. Si quieres saltarte, puedes, pero de lo contrario quédate y vamos a tener una buena idea de dónde está esta pista en su estado actual. Bien, muchas gracias por ver chicos chicas verte en la siguiente. 21. BTP ambientación chill lección 20 automatización: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a ver la automatización. Entonces el objetivo principal aquí, pot de un par de cosas correctivas como lo que tenemos que hacer con el sucio hit orquestal, donde tenemos que bajar el volumen para que quede espacio para todo lo demás en la mezcla. Pero aparte de eso, realmente lo estamos usando para enfatizar el flujo y reflujo de esta pista. Ahora eso no es complicado de ninguna manera. Y solo necesitamos agregar automatización, creo que solo al pad para el lado emocional de las cosas, porque simplemente todo tipo de juega como el mismo tipo de nivel de filtro. Por lo que necesitamos hacer este comentario un poco más suavemente con el tiempo y poco a poco ir acumulando. Mientras que las cuerdas Adagio, todas están controladas, la velocidad de estas notas es realmente lo que les ayuda a fluir y refluir. Y se puede ver ese patrón ahí como hemos comentado para estos no necesitan automatización, pero el pad sí. Bien, así que vamos a averiguar exactamente qué vamos a hacer. Así que solo voy a traer un vital y vamos a jugar con el filtro en realidad. Así que lo he puesto al inicio de la pista, está bien. Así que vamos a jugar. Se. Comienza con una especie de filtro aquí abajo o algo así. Y luego irá subiendo gradualmente con el tiempo. Así que solo queremos descubrir realmente la posición de partida perfecta para el filtro de corte. Vamos a probarlo enseguida solo para verlo como un poquito demasiado bajo. No quiero que empiece que los de Alemania tengan un poco más de energía que eso. Entonces ahora lo que tenemos que hacer es automatizarlo. Entonces lo que voy a hacer en Cubase es que voy a poner el cabezal de reproducción al inicio de los proyectos. Voy a golpear derechos toda suma. Esto solo significa que ahora cuando golpee play y juego con cualquiera de los controles en vital, va a grabar la automatización en los proyectos. Obviamente, si estás usando una puerta diferente, eso va a ser diferente ya que FL Studio tiene una forma ligeramente diferente de usar la automatización, refrescos, Ableton, también lo hace la lógica. Y claro, si seguiste en alguno de nuestros cursos para principiantes que cubren esas puertas, entonces ya sabes cómo hacerlo. Sólo voy a golpear play y solo voy a modificar el corte del filtro. Para ser justos. Probablemente ya sea suficiente. Yo solo quería conseguir un carril de automatización ahí. Como puedes ver eso ya apareció. Simplemente di que no, si estás usando Cubase y eso no tiene barba, solo tienes que hacer clic en el pequeño botón aquí, mostrar u ocultar la automatización. De nuevo, vas a depender tu puerta particular y saber lo que estás haciendo. Por eso discutimos la necesidad saber usar automatización al inicio del curso. Ahora tengo eso ahí dentro. Sólo voy a dibujar esto literalmente. Así sucesivamente parece que poco a poco aumentar con el tiempo. Entonces, lo que voy a hacer aquí, tenemos nuestro punto de partida. Suena sobre ahora mismo va a elegir el estado final para la automatización también. Así podríamos probarlo enseguida. Así es, camino, camino, demasiado. Entonces tal vez en algún lugar por ahí. Juguémoslo con todo lo demás ahí dentro también. Eso suena ahora mismo. Llegaremos a la segunda mitad en un momento, pero vamos a ajustar la automatización en la primera mitad. Así que todavía quiero que esto fluya y baje. Y también quiero que cuando lleguemos a la parte de piano aquí para bajar un poco de energía. Así que vamos a tener un poco de cambio en la energía. Cubase otra vez, puedo agregar como fase gradual en lugar de simplemente ser puramente lineal, no el fin del mundo si no puede. Y por supuesto solo puedes agregar múltiples puntos para hacer lo que parece una especie de curvatura a la automatización. Habrá que escuchar esto en su totalidad para medir realmente dónde deberían estar este tipo de niveles. En algún lugar por ahí por ahora está bien, está bien. Pero probablemente querremos retocar eso un poco cuando escuchemos a través en un minuto. Pero por ahora solo vamos a ordenar el resto de esto. Entonces la segunda mitad, quiero que esto vuelva a caer en energía, no del todo a donde estaba al principio, sino a algún lugar por ahí. Y entonces vamos a tener esta acumulación de energía. Sin embargo, de nuevo, probablemente alrededor del mismo nivel, pero tal vez solo un poco más alto. Entonces es solo un poco más intenso para cuando llega al final. Vamos a escuchar un poco. Probablemente empieza un poco demasiado bajo ahí. Necesito un poco más de energía cuando entra. Todos digamos, vamos a sacar estos sucios éxitos orquestales, sacarlo de la fuente porque realmente está interfiriendo con la pista, con la línea base y todo cuando entra. Así que vamos a resolver éste. Ahora. Yo sólo voy a ampliar el carril de automatización aquí. Y el primero que siempre aparece, si aún no has usado ningún carril de automatización es siempre el volumen, que es lo que quiero usar aquí mismo. Así que vamos a hacer eso un poco más grande. Queremos que caiga repentinamente cuando entren la patada y la línea de base. Entonces aquí mismo, sólo va a dibujar en un punto. También voy a dibujar en un punto posterior. Entonces justo después de que terminaran los éxitos orquestales porque no queremos afectar el volumen de los siguientes éxitos orquestales en este momento. Así que vamos a ordenar esto. Y agreguemos un punto ahí. Y yo solo voy a hacerlo, obviamente puedes hacer esto con puntos, pero yo solo voy a hacer esto usando los puntos de control centrales. Entonces le das un fade out no lineal al volumen. Así que vamos a comprobar que esto funciona. No están mal. Yo sólo quiero que eso sea un poco más empinado. Y podemos, si queremos, tener un Taylor un poco más largo, sólo voy a tocar ese solo. Básicamente lo corta de inmediato. Eso está absolutamente bien. Queremos dejar espacio para esa patada y base. Sólo voy a tratar de ajustar esto un poco. Entonces no es tan repentino, pero sí queremos que sea bastante repentino. Eso es perfecto. Bien. Genial. Eso no está nada mal. Volveremos, como mencioné, tener un poco de relleno que nos lleve a eso, pero vamos a llegar a eso en la siguiente lección. Ahora vamos a trabajar en el siguiente hit orquestal, porque aquí mismo está muy desordenado después de su inicio inicial. Eso sonó fuerte. Perdón que aplastar 15 sea demasiado ruidoso. Así que en realidad solo queremos la primera parte de esto. Y a medida que nos acercamos, realmente se puede ver dónde vamos a querer cortar el volumen. Entonces solo voy a agregar un punto de automatización, hacer cosas muy similares. Entonces vayamos directo al final en un punto. Y luego vamos a hacer más o menos lo mismo ahí mismo. Así que solo queremos escuchar ese hit inicial. Entonces por el momento definitivamente no está equilibrado. Esta sección en particular, estos son un poco demasiado ruidosos. Esto no es lo suficientemente prominente, realmente quiere destacarse como característica. Entonces es un poco de trabajo por hacer aquí, pero de nuevo, vamos a llegar a eso en la lección de mezcla más de lo que estamos ahora. Entonces eso está bien. Sigamos adelante. Este ya está atendido con el desvanecido de volumen al final. Eso debería ser suficiente. Y ahí es básicamente donde terminaremos la pista. De hecho, te diré lo que digamos. Aquí tenemos el canal principal de Stereo Out. Entonces quiero que realmente termine de grabar $0.76, deje caer un punto ahí, y simplemente dejaremos caer un punto en 2 bar antes de eso. Yo sólo voy a derribar eso. Entonces aquí es donde terminará la pista, bien, justo hasta pedir prestado 76. Incluso podría tenerlo un poco antes quizás, pero lo que sea, está bien. Vamos a ir con eso por ahora. Eso es casi todo para la automatización. Habrá un poquito más cuando hagamos los rellenos de tambor, pero un par de cosas más quiero agregar en el pelo en realidad, porque solo siento que esta sección podría hacer con un poquito más en el camino de S FX. Y así vamos a hacer eso rápidamente. Así que por aquí, que es justo antes de que haya una cadena JUCE de tinte, especie de muestra entra como un poco más de energía aquí. Como un tipo de efectos un poco más sabios. Entonces veamos qué tenemos en nuestros archivos de trabajo. Y deberíamos tener Fx hit 26. Vamos a usar eso, pero vamos a revertirlo. Así que vamos a arrastrar eso a nuestros proyectos. Bien, entonces voy a hacer clic derecho y voy a revertir esto. Sólo consígalo alineado con 47. Apaga mi chasquido si eso ayuda. Así que suena un poco bien, pero definitivamente necesitamos mucha reverberación en Next. Suena realmente fuera de lugar en este momento. Entonces agreguemos ascender reverberación. Deja en el monto total por ahora. Tipo. Sin embargo, eso no suena tan mal. Quizás un poco demasiado alto. Entonces agreguemos, quiero aplastar ahí dentro, pero realmente no quiero repetir. Crush 15 se va a acostumbrar en un poco. Entonces quiero tener un poco de variación. Así que, en realidad, usemos solo un platillo de paseo y una especie de golpe agradable y gentil. Así que vamos a jugar ese traje. Parece que suena bastante bien. Sí. Bien. Como dije, tienes que equilibrar algunas de estas cosas. Creo que ese hit de ética 26 es solo una fracción del lado de la Nube todavía, pero definitivamente estamos llegando ahí. Un último sonido también, que vamos a tener entrando. A ver, alrededor de la barra 49. Entonces harías que esta sección también sea un poco más interesante. Y ese es el BTP CS, riser melódico corto. Así que vamos a arrastrar eso a nuestros proyectos. Tengámoslo conduciendo a la barra 51 porque eso es algo más como el punto medio. Justo ahí. No veríamos un pico justo antes de que llegue a pedir prestado 51, algo así. Vamos a jugar un poco con él , bajarlo. Y bien podríamos agregar una reverberación porque sabemos que vamos a decir, vamos a poner eso un poco más rápido. Días felices. Lo siento, sé que voy rápido aquí, pero literalmente son cosas muy básicas, solo agregando mandas. Esto no es complicado. Quizás sea un poco temprano y un poco por fuera. Vamos a escuchar. Entonces me gusta que ese sonido sea casi un poco discordante, pero para mi realmente funciona. Entonces obviamente puedes optar tenerlo dentro o fuera, pero particularmente me gusta. Y solo agrega algo más en esa sección que no está en el resto de la pista. Yo, manteniendo las cosas interesantes. Bien, así que eso es todo para esa lección. En la siguiente lección, estaremos viendo un par de rellenos de tambor solo para mantener la energía movimiento y también para introducir la segunda mitad del Charles. Muchas gracias por ver a chicos y chicas ver en la siguiente. 22. Lección de ambiente ambiente de BTP 21 rellena: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a ver solo un par de Phil's para ayudar a que la pista siga y también para introducir este tipo de segunda sección aquí. Así que vamos a hacer eso primero es un relleno muy pequeño que vamos a agregar para liderar en esto. Así que encontremos eso. Entonces B2B CS llena O2. Eso es todo lo que es. Así que vamos a dejar eso en nuestros proyectos y alinearlo. Por lo que debería ser exactamente de dos latidos largo a 84 BPM. Entonces eso está bien. Solo asegúrate de que no termine con un clic o un pop donde está la forma de onda, ¿no? El cruce de punto cero, pero eso está absolutamente bien. No se preocupe. Solo alejemos el zoom y escuchemos un poco. Eso, bájala un poco primero también. Entonces eso es lo que va a llevar a la segunda sección. Obviamente, queremos agregar un poco de reverberación a esto como de costumbre. No estoy seguro de cuánto. Sólo vamos a jugar un poco. Creo que eso va a ser un poco demasiado. No quiero que sea tan pesado. Aunque podríamos hacer algo funky con la automatización de envíos en un segundo, ya veremos. Y se puede escuchar que tiene un poco de información de paneo en él. Se pueden ver algunos de los éxitos aquí, obviamente más fuertes en un canal que en el otro. Y luego, como que cambia, pero no mucho. Entonces definitivamente está permitido en el canal de la izquierda comenzar con, y luego se hace más fuerte en el canal de la derecha. Entonces lo que vamos a hacer es simplemente acentuar eso un poco. Agreguemos un carril de automatización que voy a seleccionar. En lugar de volumen en Cubase, es la salida estándar de izquierda y derecha. Tienes que usar el que sea correcto para tu puerta. Y luego vamos a simplemente agregar un punto ahí y un punto ahí para que podamos hacer libremente la automatización entre eso. Y luego sólo vamos a copiar el posicionamiento de lo que está sucediendo en este audio. Entonces aquí al inicio va más hacia la izquierda. Entonces vamos a acentuar eso. Y entonces vamos a ir más hacia la derecha, hacia el final de la misma para algo así como tenerla demasiado pronunciada. Quizás hasta eso sea un poquito demasiado. No quiero estar loca. Panning aquí lo suficiente para resaltar el hecho de que se está haciendo paneo. Eso funciona bastante bien. Entonces eso está absolutamente bien. Podríamos, si quisiéramos agregar un poco más de un desvanecido a eso, algo así como que comienza un poco más de la nada. A diferencia de esto. En realidad lo prefiero con el fade. Así que solo comienza un poco más a cero y balancea suavemente hacia la película. Eso es literalmente solo tendría que equilibrar el volumen con el resto de la pista y todo. Pero de nuevo, solo lo estamos consiguiendo en el estadio de béisbol en este momento será un abordaje de todo esto en las lecciones de mezcla que se avecinan. Pero en algún lugar por ahí está bien por ahora. Ahora veamos el segundo relleno. Esto. Quiero ir no cada 8 bares en la segunda mitad, pero casi con certeza desde el principio. Entonces vas a contar 8 bar. El primer Phil quiere entrar aquí y veo otros campos. CSF llenar 01 dice arrastrar eso adentro. Y solo deberíamos estar en un lugar que justo en la posición correcta. Entonces se hace al mismo 84 BPMN. Juguemos eso. No exactamente se balanceó, sino una especie de sensación perezosa para esa película que me gusta bastante solo un poco demasiado fuerte. Y claro, agreguemos un poco de reverberación. Entonces, el siguiente lugar en el que podríamos querer poner uno es aquí, que es a mitad la segunda mitad donde entra el piano. Pero creo que ya está pasando suficiente ahí. No creo que realmente queramos agregar otro elemento al mezclador lo intentaremos de todos modos, pero no estoy seguro si va a funcionar. Funciona. Ellos de nuevo, sí necesitamos reequilibrar todo lo que está pasando eso porque es sólo un poco desordenado. Entonces eso es solo copiarlos también. Por lo que están en la misma posición para las últimas partes de la segunda mitad. Y creo que queremos un poco más de reverberación en ellos que realmente quiero que esto sea prominente. Entonces sí, eso sonó bastante bien. Así que nada mucho sobre eso. Sin embargo, sólo voy a destacar todos esos, e ir porque tienes este pequeño sonido al principio. Así que sólo voy a acortarlos, agregar un fade en cualquiera de los extremos. No es lo más importante del mundo, sino simplemente mantener todo súper ordenado y ordenado. Creo que estamos más o menos ahí. Así que ahora es definitivamente el momento de escuchar esto de principio a fin, para asegurarnos realmente de que tenemos todo prácticamente en el lugar correcto. Sf XY es automatización y's. Y luego podemos pasar a la mezcla, que veremos en la siguiente lección. Pero antes que nada, vamos a tener una escucha a través podría hacer cambios a medida que avanzamos. Veremos volumen sabio y cosas así. Cualquier cosa que hagamos hablaremos de ello al final. Entonces, ¿ nos has dado lugar para ti? Sólo uno rápido. Voy a detenerlo. Solo di que no, también estaremos haciendo panning. Esa será la lección. Después de la siguiente. Sólo di que no, no vamos a mantener todo muerto en el medio. Estaremos una especie de ampliar esta mezcla a medida que avanzamos. Sonaba bastante bien. Eso hay que cambiar, eso entra rápido y tal vez incluso un poco demasiado ruidoso también. Entonces eso se debe al instrumento sampler para la vocal femenina. Y déjame ir al modo app. Alejar un poco y sólo voy a alargar el ataque ha intentado 1 s. voy a escuchar el botón. De hecho creo que es realmente necesita ser muy gentil y solo entrar y alargar eso. Acabo de notar algo donde cae el sombrero al mismo tiempo que ese tipo de cosas. Afecta los sonidos aquí mismo. En realidad no quiero que se caiga el sombrero al mismo tiempo. Entonces, para deshacerte de eso, solo seleccionando todos los sombreros porque son todos de 2 bar de largo. Y yo sólo voy a acortar básicamente el middy. Entonces sólo vamos a escuchar los sombreros en el segundo bar. Entonces lo que voy a hacer es que por ahora no los voy a eliminar, solo los voy a silenciar. Pero voy a encontrarme con estos que caen un poco así al mismo tiempo que otro sonido. Entonces en este caso es que jajaja tipo de apuestas vocales y ordenan eso un poco. Es como si, eso es, está bien. Voy a hacer eso por el resto. Entonces, literalmente, todos los demás, solo voy a silenciar. Y voy a decir, ¿qué vamos a hacer también, es que vamos a automatizar el volumen del canal de efectos de reverberación. Entonces, cuando entra justo aquí, lo que quiero es que realmente escuchemos la reverberación que hay en este arrastre de relleno cuando entra el bajo y la patada. Entonces quiero que no se detenga muerto probablemente sea la palabra equivocada o la reverberación para que se detenga muerto y simplemente haga espacio de inmediato para la patada y el bajo en lugar de tener la cola de la reverberación aquí. Entonces lo que vamos a hacer, bajar a nuestro grupo principal de reverberación o autobús o lo que sea que sea que estés usando. Y vamos del bar 39, así que sólo voy a darle un poco de chapuzón. Pongamos aquí un punto para que no afecte a nada más y solo voy a hacer que entre así. Y luego a la derecha retrocede. Vamos a ver cómo suena eso. Un poquito demasiado. Quiero añadir sólo unos pedacitos diminutos de esa reverberación. Algo así, solo le da la patada y el bajo un poco más de impacto. Quizás eso tiene que ser un poco más así. Eso suena genial y también vamos a hacer lo mismo con este hit vocal aquí. Digamos, quiero que esto también se atenúe o que la reverberación se atenúe aquí. Entonces vamos a hacer lo mismo en, en un par de puntos. Y vamos a ver cómo suena esto. Alguien lo, así que tienes ese tipo de casi como si se detuviera muerto tipo de efecto. Solo agreguemos otro punto aquí para alargar ese tipo de silencio de reverberación. Un poco demasiado largo, pero nosotros prácticamente en el estadio de béisbol, esto es más o menos lo que quiere. Casi se siente como si las pistas fueran absorbidas y es casi en cierto modo como tener una cadena lateral ahí, como si sumergiera la reverberación y luego poco a poco vuelve a subir. Entonces ese es el efecto, ese. Así que hagamos eso por cada vez que entre esa muestra vocal, diciendo basada en claves, puedo copiar a través de la automatización que tengo. Si mantengo presionado Alt u Opción en una Mac y luego Control o Comando en una Mac. De hecho puedo copiar eso a través obviamente si no puedes hacer eso, está bien. No te preocupes por ello. Simplemente puedes dibujarla según sea necesario. Ahora he perdido mi lugar completamente más pesado. Ahí es donde queremos nuestra automatización. Está bien. Y mira eso una última vez. Solo pon mi cabeza de juego ahora así sé a dónde voy realmente a Los Times, te ruego perdón. Entonces lo haremos por cada vez que ese tipo de sonido, jajaja, entre. Asegúrate de que obtengamos esto en el lugar correcto. Sí, eso es correcto. Genial. Y entonces el último es el bar 67. Los cambios de madurez tienen un poco más obvios tan geniales como el hit jajaja. Y nuevamente, simplemente copiaremos la automatización. Asegúrate de que esté muerto, y luego Happy days. Entonces eso está bien. Solo agrega un poco de variación a los anuncios beat, ese tipo de efectos de succión. La carga sutil es sí, pero aún así se nota y creo que tiene un efecto positivo en la pista general. Ahora esto suena, debo admitir que ella no suena tan bien. Es un poco débil. Suena para ser honesto. Necesita ser un poco más épico que eso para encajar realmente con este ritmo. Así que sólo voy a encontrar otro sonido de sombrero. Voy a hacer esto fuera de la pantalla y para que no tengas que molestarte verme pasar como 50 muestras de sombreros diferentes. Ojalá no sean tantos, pero volveré contigo en un segundo cuando esté todo hecho. Bien, así que he pasado por unos sombreros diferentes y encontré uno que creo que trajes restan un poco mejor. No es como masivamente diferente, pero definitivamente sí funciona un poco mejor. Es decir, en la obra cae Cool. Btp H t1, sombrero abierto 11, ese. Así que solo reemplace el sombrero en el muestreador. En Cubase, eso es fácil. Literalmente solo lo arrastras y lo sueltas encima de la muestra existente y la reemplaza. Obsoleto. Tu muestreador puede variar dependiendo de tu puerta, pero simplemente reemplázalo con este sombrero. También entró en el midi, todo ello. Y lo cambié. Entonces fue en un, en lugar de estar en C3, está en A2. Y este pequeño relleno de triplete también está comenzando en A2, bajando. Solo el tono de la misma funciona un poco mejor. Así que vamos a jugar a eso. Nuevamente, no es nada como innovar lo diferente, Pero simplemente se adapta para rastrear un poco mejor. Sigamos escuchando a través y grasas, voy a empezar de nuevo desde aquí porque tuvo un poco de una especie de pausa en el medio. Digamos, vamos a escuchar de nuevo la segunda mitad. Es como solo ver un obviamente probé un tono diferente del sombrero pero lo deshice, dicen que están haciendo cambios. Una cosa que estoy notando en esta segunda mitad es que el piano se está perdiendo un poco más detrás de todo lo demás. Ahora vamos a estar abordando esto un poco más usando EQ dinámico en el, una de las próximas lecciones de mezcla, pero también puedo retocar eso un poco. Ahora voy a entrar en esta última sección de la misma. Y si selecciono todo el midi, sólo voy a cambiar la velocidad del mismo. Hazlo un poco más fuerte. ¿Serán los impactos de las teclas un poco fuertes para que se vuelva más prominente en la mezcla? Suena mejor. Así que acabo de escuchar este baterista de aquí. Suena como **** pensó que tal vez este poquito estaba interfiriendo un poco con el resto de la pista, pero suena un poco bien. Bien, eso es como sonar bien hasta ahora. Obviamente, definitivamente necesita una buena mezcla, que veremos pronto, pero nos estamos poniendo bastante asquerosos. Todo el mundo. Cosas encantadoras. Muchas gracias por ver. Ver en la siguiente, Adiós. 23. Lección de ambiente relajado con BTP 22: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, así que solo una nota rápida para esta lección ya que nos estamos metiendo en el lado de la mezcla de las cosas ahora, en esta lección, no estamos haciendo nada a la pista. Vamos a discutir el enfoque. Necesitas tener mezclas sin esfuerzo. Entonces, si ya tienes plena confianza en esto, puedes, si quieres pasar a la siguiente lección donde comenzamos a panear los elementos de la pista. Bien, entonces lo que quiero hacer primero es disipar un poco de un mito de mezcla que en realidad creo que es bastante dañino para las personas que están en sus primeros años de producción musical. Ahora normalmente cuando mencionaste mezclarle a alguien, podrían pensar en una especie de mezcla de volumen, compresión, saturación de ecualización, o ese tipo de cosas. Y todas las cuales son habilidades necesarias y valiosas. Pero en realidad, la mayor diferencia para conseguir buenas mezclas, como literalmente el 80 por ciento, es la capacidad de elegir los elementos adecuados en primer lugar. Esto tiene mucho más impacto que cualquier habilidad técnica aunque de nuevo, por supuesto, tener la habilidad técnica o conocimiento técnico te ayudará a sacar esa duración del diez al 20 por ciento en la etapa de mezcla . Pero ninguna de esas habilidades técnicas te ayudará si eliges los elementos equivocados de tu pista en primer lugar, o al menos, si comienzas con elementos que no funcionan juntos, va a ser lo contrario de una mezcla sin esfuerzo. La primera etapa para asegurarse de tener mezclas sin esfuerzo es elegir elementos que un sonido genial y B funcione juntos? La primera parte es realmente bastante obvia. Por ejemplo, si tienes cantante y la actuación es mala, entonces la camioneta en sí nunca va a sonar tan bien. Solo eres tan fuerte como el eslabón más débil y es posible que puedas hacer que suene un poco mejor que su estado original con técnicas de procesamiento y mezcla, pero nunca va a ser genial. Lo mismo ocurre con cada elemento de tu pista, desde la batería hasta los leads. Así que el primer paso, incluso si lleva un poco de tiempo, debería ser relativamente fácil dependiendo tu nivel de habilidad conocimiento y qué muestras son instrumentos que tienes disponibles para todos los niveles de habilidad del músico que estás grabando. La segunda parte requiere un poco más de cuidado y eso es asegurar que los elementos funcionen juntos. Hay algunas cosas a considerar a la hora de elegir los elementos adecuados. El primero es el ritmo. Ahora bien, esto debería ser razonablemente obvio, y creo que es mayormente intuitivo para la mayoría de la gente. Pero digamos, por ejemplo, tienes una base entrecortada sobre una correa entrecortada y tal vez incluso un patrón arpegiado en tu pista también. Si todos están tocando un ritmo diferente, entonces probablemente sonará como un desastre. Entonces, una forma de hacerlo funcionar sería tener tu línea de base cortada. Eso está bien. Y luego tener una pista que tenga notas más sostenidas en lugar de ser todo picado, entonces incluso tu arte podría funcionar también en esa mezcla. Necesitas equilibrar los ritmos de los elementos utilizados en tus pistas. Ahora bien, esto es, de nuevo, quizás más intuitivamente entendido por algunas personas, pero definitivamente vale la pena señalar porque algunas personas sí cometen ese error. Simplemente tienen demasiados ritmos conflictivos pasando y eso hará que la mezcla sea muy difícil. Entonces vamos a la frecuencia. Así que no tenías que preocuparte la línea base interfiriera o enmascarara los sombreros altos porque están en rangos de frecuencia completamente diferentes. Pero es posible que tenga que preocuparse por un sonido de plomo que interfiera con el sonido del sombrero, especialmente si ese cable está enfocado en una especie de frecuencia muy alta y posiblemente ha agregado ruido, ruido blanco también. Entonces tienes el sombrero, que tiene un ruido muy similar como el blanco otra vez tipo de textura o Tom rotor. Si tienen texturas similares y el mismo rango de frecuencias, entonces van a tender a mezclarse entre sí y el sombrero se perderá en la mezcla. Y para evitar esto, podemos usar un sombrero con una Tambora diferente, que obviamente nos lleva a Tambora. Ahora, a menudo me refiero a Tambora como la textura del sonido. Para que puedas tener una textura densa, una textura hueca, ese tipo de cosas. Utilizamos nombres descriptivos para la forma en que describas el sonido. Y esto es lo que debes considerar cuando tienes dos elementos que tienen un ritmo diferente pero ocupan el mismo rango de frecuencia. Entonces continuando nuestro ejemplo del ruido blanco, plomo pesado y el sombrero pesado de ruido blanco. En este caso, podrías simplemente cambiar el sombrero por algo que tenga un tiempo muy diferente. Algo que es menos ruidoso blanco, como una textura más densa, por ejemplo y luego se destacará contra el plomo, aunque esté en el mismo rango de frecuencia. Ahora bien, si ninguna de estas cosas funciona, entonces probablemente solo vas a tener que elegir un nuevo elemento o un sonido diferente, probar un ritmo diferente, etcétera, hasta que encuentres algo que funcione muy bien para tu pista. Ve esto como una especie de audición de diferentes actores para diferentes papeles en tu obra. Entonces, si consideras todas estas cosas a la hora de elegir los elementos de tu pista y obtienes sonidos que suenan muy bien, pero que además funcionan muy bien juntos. Entonces encontrarás que el proceso de mezcla es órdenes de magnitud más fácil que si no tienes elementos que trabajen juntos de forma natural. Y este es posiblemente el error fundamental que suelen cometer la mayoría de los principiantes. Y es que solo encuentran estos sonidos que pueden sonar increíbles por sí mismos. Pero entonces cuando se juntan, en realidad no funcionan. Y luego pasan años tratando de comprimirlos o ecualizarlos y todo el resto de estas cosas para tratar de que encajen juntos. En realidad estamos, ellos simplemente no funcionan realmente. Entonces elegir los elementos adecuados que funcionen entre sí es como literalmente el 80 por ciento del problema. Y luego tu habilidad técnica, conocimiento de compresión EQ es el último diez al 20%. Y solo como un aparte, por eso obtienes algunos productores que parecen simplemente entrar en la música y lo hacen como medio año o año. Y se les ocurren estas como canciones de éxito número uno. Obviamente, necesitas ser realmente bueno escribiendo canciones, pero cuando se trata de mezclar, son muy buenas para son muy buenas elegir elementos que funcionen juntos, quizás no tan enfocados en cómo usar compresión o ecualización o ese tipo de cosas, ¿eso es importante? Realmente lo es. Bien, así que eso es suficiente para mí parloteando sobre eso. Lo último que quiero mencionar es que una vez que tienes los elementos correctos, entonces por supuesto, necesitas entonces equilibrar estos elementos juntos. Y ahí es un poco donde también entra una especie de ecualización básica y compresión y cosas así. Pero también significa darle a cada elemento el espacio que necesita en la mezcla para que todos despejen y no enmascaren de ninguna otra manera los demás elementos. Entonces la analogía que uso es si tienes actores en el escenario, tienes al actor principal, digamos que esa es la voz en tu mezcla. Tienes todos los actores secundarios, la batería o los protagonistas de base o cualquiera que sea su trabajo para apoyar y trabajar con el actor principal. Pero si esos otros actores, altro gritando por encima del actor principal, entonces solo va a ser un lío confuso. Lo mismo con la música. Elige uno de los elementos en cualquier sección dada de tu pista y haz que sea el actor principal. Entonces se supone que todo lo demás en tu pista está ahí para potenciar ese elemento y no gritar por encima de él. Bien, así que esa es la visión general del proceso de mezcla, realmente importante entender eso, y eso es todo para esta lección. En la siguiente lección, vamos a mirar panoramizar todos los elementos de esta pista. Muchas gracias por ver a chicos y chicas verte en la siguiente. 24. Lección de ambiente ambiente de BTP 23 Panning: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a ser mirados panoramizando algunos de los elementos de nuestra pista. Pero antes de meternos en ello, hablemos muy brevemente sobre la planeación y cómo se aborda generalmente en la música moderna. Entonces primero, es importante distinguir entre algo siendo mono o estar pandeado en el centro de la mezcla. Entonces, si algo es mono entonces literalmente no tiene información estéreo en absoluto. Pero cuando hablamos de algo que es panned center, todavía podría tener información estéreo. Es que el equilibrio entre los canales izquierdo y derecho es igual. Entonces es considerado y senza, pero no sería Mano. Ok, entonces es solo una diferencia importante entender que algunas personas cuando dices algo es pan dead center, quiero decir, piensan que es automáticamente mono, ese no es el caso. Bien, así que cuando se trata de mezclar, en términos generales, los elementos principales de la pista panned dead sensor, así que los bombos, voces principales, e.g Sin embargo, podrías tener una pista muy amplia en tu pista, o podrías haber doblado, seguido voces, paneado a izquierda y derecha con la voz principal por la mitad. Ahora, ambos tendrán un buen tipo de efectos estéreo grandes. Pero nuevamente, la pintura general es que están muertos centrales en el campo estéreo. Ahora, obviamente, siéntete libre de experimentar, pero encontrarás que mayoría de las pistas se acercan a una pintura de esta manera. Y por una buena razón, suelen ser las pistas con relleno sencillo. Entonces, la mayoría de los elementos son los elementos principales abatidos por el centro con uno o dos de los elementos principales siendo más anchos en el campo estéreo, pero aún en el punto muerto, como voces de doble verificación o guitarra o lo que sea. Y luego decir uno o dos elementos o tal vez tres o cuatro lo que sea. Quizás algunos de los sonidos SFS que luego se panean de izquierda a derecha en el campo estéreo, que tipo de darle ese sentido de estereotipos a tu pista. Así que solo para dar un ejemplo de eso, vamos a repasar y hacer eso a esta pista puedas entender de lo que estoy parloteando en esta pista. Claramente, tenemos el pad principal es uno de los elementos principales de la pista. Entonces eso va a ser abatido. Centro muerto. No vamos a cambiar eso, pero también tiene algo de ancho estéreo. No es sólo un sonido mono. La línea de base prácticamente siempre va a ser el centro muerto. Circunstancias muy, muy raras o simplemente pistas muy experimentales donde alguien podría optar por panear la línea de base a un lado u otro. No lo recomiendo particularmente. Y luego los tambores, por supuesto, están prácticamente todos abatidos, también en el centro muerto. Y luego, claro, los demás elementos, así que el piano, el piano es un elemento principal, pero podemos tocar un poco con eso. Las cuerdas Adagio en C, eso no se considera realmente un elemento principal. Entonces, lo primero que realmente hará es panear las cuerdas digeridas y el piano en direcciones opuestas. Entonces en Cubase, bastante fácil. Quiero decir, debería estar en la configuración del canal, pero podemos simplemente cambiar la sartén aquí. Entonces probemos cómo es solo experimentar un poco para cuando esto llegue. Realmente estoy tratando de conseguir que las cuerdas suenen como si estuvieran viniendo del lado izquierdo, pero no como completamente. También quieren tener un poco de señal saliendo del altavoz derecho. Y luego cuando este piano entre, quiero que esto llegue del lado derecho. Vamos a sacar esto un poco también. No demasiado loco otra vez, no quiero que esto esté completamente en el altavoz adecuado. Solo estoy haciendo esto para separarlos un poco. Eso es bastante agradable. Posiblemente podrías ir un poco más extremo si realmente quieres traje. No obstante, siendo el piano uno de lo que yo consideraría los elementos principales, no quiero tirarlo demasiado lejos a la derecha. Y de hecho, incluso podríamos ser un poco extremos con ganar asiento completo a la derecha, pero me gusta como suena, así que lo mantendremos así por ahora. Simplemente hace que la mezcla sea un poco más interesante en general. Entonces eso está todo bien. Ahora bien, en esta segunda mitad tenemos ese tipo de éxito musical que entra, ese sonido que se cae cuando entra el piano. Así que lo que vamos a hacer es hacer un paneo de este sonido a la derecha, igual que el piano. Eso fue como 40 a la derecha. Vamos a escuchar un poco. Entonces, cuando entre la cuerda DYJ, eso va a estar a la izquierda. Esto suena a la derecha. Y luego obviamente cuando entra el piano y este sonido se cae, eso también está a la derecha. Así que mantiene el equilibrio estéreo. Él bastante decente así, está bien. Ahora pienso solo una cosa más que quiero hacer, y esa son nuestros efectos de cadena. Quiero que estos golpes sean pandeados alternativamente a izquierda y derecha. Así que vamos a sacar a colación un carril de automatización. Voy a cambiar esto de volumen a panning up. Verás, no tienes que hacer eso en tu puerta de elección. Y creo que el primer hit, quiero ser centro muerto, metiendo algunos puntos aquí y luego tendremos nuestro segundo hit. No es que importe, pero iremos a la izquierda. Entonces nuestros terceros hits pueden ser abatidos hacia la derecha. Y luego otra vez, los últimos golpes volverán por la izquierda. Bien, entonces es solo un poco de variación. Nada demasiado loco, sino sólo para hacer la pista un poco más interesante. Bien, está bien. Apenas paneo ese tercero golpea un poco más extremo al lado derecho. Entonces es un poco más notorio. Incluso tienen ese hit comenzando por la izquierda y luego regresando a Central. Pero lo que sea, eso es solo gustos personales realmente, no va a ser innovador ni vender más copias de esta pista. Bien, así que bastante básico paneo general en esta pista. Obviamente, como digo, algunos de estos elementos ya cuentan con información estéreo como el pad principal original. Eso ya es bonito y amplio de todos modos, le hemos dado un poco a algunos de los otros elementos y simplemente lo hemos hecho un poco más interesante. Obviamente, también tenemos algunos sonidos aquí, como nuestro pequeño relleno que también está un poco panoramizado. Entonces algunos sonidos de efectos acaban de recibir un poco de información de relleno sobre él. Y creo que eso es sobre todas las necesidades de esta pista. Bien, así que muchas gracias por ver chicos y chicas. En la siguiente lección, vamos a entrar en la mezcla propiamente dicha. Viendo el siguiente. 25. BTP ambiente relajado lección 24 Mixdown: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a mezclar toda esta pista. Así que se trata principalmente los ajustes finales aquí que hemos estado yendo como aproximadamente el volumen equilibrando todo a medida que hemos pasado por. Así que son solo unos últimos ajustes, un poco de ecualización aquí, mejor compresión ahí, algún ecualizador dinámico que vamos a usar también en el piano tiene un poco más de trabajo que hacer en el piano que cualquier otra cosa solo para conseguir esto realmente sentado correctamente en la mezcla. Pero antes que nada, sólo acaba de comenzar en la segunda mitad. Y yo sólo voy a empezar con la patada y el bajo. Ahora es importante aquí conseguir el saldo correcto desde el primer tiempo entrando en el segundo tiempo. Así que sólo voy a jugarlo desde 4 bar antes del final del primer tiempo, entrando en la patada y la trampa. Y solo quiero asegurarme de que tengo el balance de volumen justo de la patada y la trampa. Entonces siento que la patada solo necesita un poco más de impactos y eso se logrará simplemente volviéndola simple como eso. Así que vamos a subir un poco eso. Fracción demasiado, alrededor de -4.6. También sólo voy a quitarme un poco la gama alta solo para evitarlo. Y también voy a relajar un poco la reverberación en eso también. Creo que es solo un poco demasiado haciendo que las patadas salgan un poco boomy, lo que definitivamente no va a ayudar al extremo inferior de nuestra pista. Por su cuenta. Eso es mucho mejor, creo. Vamos a comprobarlo con el resto de la mezcla. Teclas tipo D realmente están domando ese tipo de sonido siempre clicky que está en la parte superior de la patada. No mucho, sólo un poquito, pero es sólo un poco molesto. Eso suena así que solo quería domarlo un poco. Eso está bien. Y luego la trampa, creo que sonaba un poco bien con eso, pero solo un poco más fuerte. Entonces, lo que voy a hacer es seleccionar ambos canales en la trampa, O2 y el escenario para fallar porque obviamente son O2 y el escenario para fallar porque parte del mismo instrumento, así que queremos convertirlos al mismo tiempo. Entonces en Cubase, lo que puedo hacer es sostener Alt u Opción más Shift. Y luego cuando efectúe, entonces el volumen de uno, automáticamente girará el otro en relación con él. Si no tienes algo así en tu puerta, está bien. Simplemente subirlos individualmente por la misma cantidad. Sin indicaciones. Di algo como Eso suena bien. Sólo voy a volver de nuevo un par de barras al final de la primera mitad. Incluso la patada en realidad podría ser solo una fraccionaria más fuerte que Troy, casi menos cuatro -3.95. Eso está bien. Solo quiere tener un buen puñetazo cuando viene en comparación con el final de la segunda mitad. Y eso suena un poco mejor. Todavía un poco desequilibrado pasando ahí, como el final de la segunda mitad se pone bastante ruidoso. Es un poco crescendo hasta la sección final. Y luego cuando entra el chico, casi suena un poco en el lado débil. Ahora vamos a abordar eso de una manera diferente. Entonces, lo que realmente voy a hacer, lo haré ahora en lugar de en la lección de mezcla. Entonces lo que haremos es ir a nuestra pista maestra Stereo Out, y vamos a agregar un poco de automatización. Entonces justo a partir de aquí, donde el segundo tiempo empieza a patear en base y todo entra. Vamos a poner un punto ahí. Pondremos un punto al principio y sólo vamos a bajar un poco eso. Y también vamos a tenerlo simplemente muy lentamente disminuyendo de volumen a medida que avanza la pista, a medida que llega a ese crescendo, obviamente se está poniendo mucho, mucho más fuerte. Estamos domando eso un poco bajando suavemente el volumen. Más así. Juguémoslo y veamos la diferencia que marca. Entonces básicamente toda la idea es darle a esta sección aquí donde patea mucho más impacto al subir repentinamente el volumen. Ahora, obviamente, no quieres que esto sea demasiado notorio. No quiere ser como un salto enorme, como si realmente asusta a la gente. Solo quieres que esto ayude a equilibrar el tipo de tensión que se construye en esta sección y luego la liberación que sientes cuando entra en esta sección. Eso suena mucho mejor. A lo mejor un poquito demasiado, pero no mucho. Creo que estamos bastante cerca ahí. ella le gusta un poco donde estaba, digamos que lo guardaremos en algún lugar por ahí. A lo mejor no tanto pero bastante cerca. Y siempre podemos ajustar esto medida que avanzamos por la lección de mezcla. Pero ese es el tipo de cosas que quiero hacer. Así que estamos empezando a rastrear apenas un poco más bajo que su volumen completo. Poco a poco, bajando muy lentamente y luego un gran salto arriba para darle a esa segunda mitad un buen poco de impactos. Minor tweak ahí solo para levantar esa copia de seguridad, solo un poquito demasiado, pero eso está absolutamente bien. Creo que estamos bien. Bien, entonces lo siguiente que quiero verificar. Voy a tener que escuchar esto un poco. Solo quiero saber si este rezumo vocal femenino en la segunda mitad es como un poquito demasiado porque ahora nos pusimos bastante pasando, sobre todo para una pista ambiental, se está volviendo un poco más allá mínimo listo, así que tenemos la base, tenemos la batería, tenemos el piano, tenemos el pad, algunos efectos. Y claro que tenemos este rezumo vocal femenino entrando. Entonces solo quiero comprobar que eso no es abrumar a la mezcla cuando entra. Seamos justos. Ni siquiera te puede importar realmente si alguien solo lo va a eliminar. Porque si realmente no puede escuchar algo ahí adentro es simplemente no hacer lo que se supone que debe hacer. Simplemente va a agregar más de una especie de alimentación agrupada a esa parte de la pista. Y todo se está construyendo realmente aquí así que no lo necesitamos ahí dentro, está bien. Simplemente puede quedarse en la primera mitad de la pista. Ahí es agradable. Bien, así que lo siguiente es en la segunda mitad de la segunda mitad donde entra este bucle de batería. Y tenemos nuestro sucio hit de orquesta, que sí mencioné que vamos a necesitar resolver. Entonces, hagamos primero el sucio hit orquestal. Una cosa que definitivamente noté es que suena un poco tenue, así que no tiene demasiada gama alta, o al menos el saldo está a favor del low-end en lugar del high-end. Déjame jugar esto otra vez. Simplemente suena un poco fangoso, casi ese sonido. Entonces cambiemos el saldo. Ir a nuestro EQ. Literalmente sólo voy a agregar una repisa alta. Creo que tiene que ser razonablemente extremo con esto. Entonces vamos subiendo más seis dB, simplemente cambiando realmente el saldo a favor de la gama alta. Vamos a tener una escucha rápida. Bueno, obviamente lo he estado impulsando con EQ sets muy ruidosos en su Senado abajo. Ahora por el momento, si lo rechazo, ahí tenemos automatización. Entonces lo que voy a hacer es cambiarlo con los carriles de automatización. Es bastante fácil de hacer en Cubase, algunas puertas no son tan fáciles de hacer como un cambio rápido como este a la automatización. Entonces es bastante fácil de hacer. Como digo en Cubase, simplemente podemos hacer eso. Y voy a hablar un par de otras formas en las que podemos hacerlo. vamos a conseguir este equilibrio bien. Suena bien en este momento, ¿verdad? Entonces solo di que no si no puedes hacer eso con la automatización, así que eres un F L y es un poco más complicado hacerlo. Si tienes una ganancia en el canal, lo que creo que haces en FL Studio. Entonces deberías poder simplemente ajustar el pre-juego para eso. Otra forma de hacerlo es literalmente solo una carga de un complemento de EQ de stock desde tu puerta en Cubase RB studio EQ. Y tiene un fader de volumen en el lateral. Por lo que puedes usar eso para ajustar el volumen por separado del fader de volumen principal. En este caso, pero eso está bien. Es sólo otra forma de hacerlo. Bien, entonces creo que es lo único bastante decente. Pasemos a esta parte de aquí, donde entra lo dramático y tienes las sucias caderas orquestales. Mencioné. Esta área simplemente suena un poco abrumadora, están pasando demasiadas cosas, así que eso es solo escuchar. Entonces quiere sonar full-on, pero es solo un poco demasiado. Así que en realidad voy a hacer también el volumen para este crash, o no quería hacer clic en eso. Sólo voy a bajar los carriles de automatización y voy a hacer automatización de volumen. Vamos a averiguarlo, digamos, sucio hit orquestal entra en lo poco convencional. Entonces solo voy a dejar caer un punto ahí, digamos un latido después. Yo solo voy a hacer algo como esto, solo para que baje en el momento en que entra el hit base. Simplemente chupa el choque y le da a esa base un poco más de espacio. Además, realmente no se puede escuchar el nuevo drum loop cuando está sonando ese sucio hit orquestal. Entonces, si nos enfocamos en escuchar esto, solo diré por un segundo. El loop y el sucio hit orquestal. Ni siquiera se oye el bucle en absoluto. Entonces sólo voy a borrarlo de ahí. Y eso también ayudará a ordenar esto un poco. Y creo que los golpes pueden incluso ser un poco más fuertes. A ver. Sólo voy a verificar el nivel en el primero. Entonces, en realidad, todo el lote podría ser solo un toque más fuerte. Dilo otra vez, sólo voy a entrar aquí. Levanta eso un poco con solo obviamente bajarlo un poco demasiado. Bien, ahora veamos cómo suena este. Sonido y mucho más limpio que al menos podamos realmente correctamente aquí los sucios éxitos orquestales. Y no es que realmente le esté quitando nada a cualquier otra cosa. Creo que esta un poco rebalanceada esa pequeña sección lo suficiente. Ahora acabamos de conseguir este bucle aquí, que tiene bastantes bajos en este momento. Así que solo voy a filtrar de z. Estoy usando un filtro que está construido en configuraciones de canales de bases CQ. Pero es lo mismo que cambiar la banda baja en una banda uno en un ecualizador a un corte bajo o paso alto. Lo mismo. Ahora sólo vamos a llenar un poco de la base, probablemente algo así. Pero vamos a tener un poco de escucha pasado por alto. Entonces realmente solo sacando el sub, tal vez incluso una fracción más. Porque ahí son sub-cuencas. Va a entrar en conflicto con nuestra línea de base y hacer que todo el low-end suene embarrado, que es lo que estaba haciendo. Ojalá ahora esté bien. Entonces eso es lindo. Todavía tiene un poco de tipo de golpe medio bajo, lo cual es encantador. Y solo ajusté la reverberación solo un poquito solo para domarla ligeramente. Ahora mientras estamos aquí, vamos a resolver este hit jajaja que tenemos pasando, como los éxitos orquestales simplemente sonando un poco del lado Dem. Así que vamos a eliminar un poco del extremo inferior es el mismo tipo de ajuste de pendiente de 48 dB. Y solo quiero sacar cualquier cosa realmente como por debajo 50 hz o cualquier sub que esté ahí dentro. Y creo que vamos a querer agregar una repisa alta a eso, impulsar la gama alta de la misma. Sólo tienes otra escucha. Di sí, vamos a alegrar esto un poco. Fracción demasiado. Y obviamente, ahora he elevado el EQ. Obviamente ha cambiado el volumen equilibrado. Eso es un poco más fuerte de lo que era. Lo equilibró otra vez. Fracción culata externa debe ser sobre derechos. Puede dejarlo así, está bien. Bien, entonces creo que esta lección ha durado lo suficiente. Lo que nos queda por hacer es solo el piano, porque el piano no suena como si estuviera realmente gelatinoso con el resto de la pista completamente en este momento. Entonces vamos a usar un par de trucos para que eso funcione. Un poco de compresión, un poco de ecualización dinámica, que te mostraré cómo lidiar con un plugin completamente gratuito, lo cual es bastante impresionante, y lo haremos todo en la siguiente lección. Bien, muchas gracias por ver ver a chicos y chicas ver en la siguiente. 26. BTP ambiente relajado lección de 25 mezcla de piano: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. Bien, entonces en esta lección vamos a abordar el piano. El piano necesita un poco de trabajo por el momento es simplemente perderse un poco en la mezcla. También tiene un tono demasiado bajo, por lo que en realidad está interfiriendo un poco con cualquier otro sonido de rango medio. Entonces en realidad lo primero que quiero hacer es cambiar el tono. Entonces déjame jugarlo como es en este momento, solo un par de barras antes de que entre. Entonces suena un poco bien, pero es un poco más bajo en tono, así que voy a seleccionar ambos, bien, así que solo voy a seleccionar todos y voy a levantarlo y voy a levantarlo captación manteniendo presionada la tecla Shift y presionando la flecha hacia arriba. Nuevamente, esto podría ser un poco diferente en tu puerta, y por supuesto él solo puede arrastrarlos hacia arriba con el mouse, sin indicaciones. Y vamos a tener que escuchar un poco eso. Creo que se ajusta mucho mejor a la pista. A pesar de que sí me gustan algunos de los de gama media de cuando estaba en un Octavio inferior. Entonces tenemos un par de opciones aquí. Puedes mantenerlo muy agradable y limpio. Sólo tener una sola nota siendo tocada a la vez, lo que sí me gusta, sobre todo en una segunda mitad aquí. Es lindo, pero podríamos, si quieres, solo un pequeño truco, puedes hacer algo de gay en ambas secciones del piano de una sola vez, otra vez, presionar Control a, y luego solo voy a copiar esto abajo una octava. Y obviamente esto va a jugar exactamente lo mismo, solo tanto una octava más alta como una octava más baja. En la mezcla. Suena así. Creo que suena un poco obvio que tienes a los dos Octavius en capas. Entonces lo que haría con el piano que acabamos de copiar, solo voy a expandir mi zona inferior con una información de velocidad. Aleje un poco para que podamos ver lo que está pasando. Y con todo ese seleccionado que acabamos de copiar, entonces rechazaría esto un poco, y voy a tener que hacer la segunda mitad por separado. Eso está absolutamente bien. No hay problema. Pero vamos a tener un poco de escucha a este solo. Entonces Inquilino justo abajo para comenzar con. Entonces eso es realmente solo las notas altas que tocan. Segundo aquí. Obviamente. Las notas más bajas entran a medida que subo la velocidad solo ayuda a darle un tono más profundo y de rango medio, lo cual es realmente agradable. Entonces eso está bien. Ahora vamos a la segunda mitad aquí. Entonces solo me estoy cambiando a esto, que es el piano en la segunda mitad. Y sólo vamos a hacer lo mismo. Excepto que creo que voy a rechazarlos aún más. Las notas más bajas que acabamos de copiar. La razón de esto es que esta mitad obviamente está mucho más ocupada. Hay tambores y todo lo que pasa. Así que en realidad no queremos que el piano suene demasiado grueso. Funciona mejor en la primera mitad donde hay muy mínima. En esta mitad, solo queremos escuchar las notas altas o tal vez un poquito de las notas bajas. Entonces eso suena una K que ha salido del piano. Y lo he hecho muy rápido, porque no lo entendí del todo bien, pero quiero que aparezca eso jajaja, muy, muy poco. Así que vamos a golpear eso solo un poquito. No tiene del todo el impacto que quiero cuando golpea. Bien, bueno, déjalo reposar así un rato y si lo escuchamos y de repente salta demasiado, podríamos volver atrás y cambiarlo, pero por ahora eso está absolutamente bien. Bien, así que volvamos al piano. Vamos a escuchar esta sección final aquí porque estas fueron realmente algunas de las notas que se están perdiendo bastante con todo lo demás sonando. Aún así perdiéndose un poco, pesar de que la hemos levantado una octava, simplemente no es lo suficientemente ruidoso. Obviamente, simplemente podemos subir el volumen, lo que bien podría ayudar un poco. Pero en lo que me estoy concentrando aquí es escuchar los golpes más suaves del piano versus los golpes de mayor velocidad o los golpes más fuertes, los éxitos del software claramente se están perdiendo. Pero los golpes más fuertes están atravesando. Bien, entonces vamos a equilibrar esto usando un poco y estoy en un poco de compresión. Entonces entramos en la configuración del canal para el piano de la sala. Sólo voy a agregar el compresor estándar basado en clave. Nuevamente, esto será exactamente, o prácticamente exactamente lo mismo en cualquier puerta. Entonces lo que vamos a hacer aquí es comprimir el piano general, pero muy, muy suavemente. Entonces cuando se permite, entra el golpe, va a estar bajándolo un poco más que cuando entra una punta blanda y no va a estar bajando mucho más. Entonces básicamente nivelando un poco el piano. Ahora no queremos ir demasiado con esto porque sí queremos esa información de velocidad. Queremos que tenga ese tipo de sensación dinámica de que algunas teclas se presionen muy suavemente, algunas presionadas más fuerte, ese tipo de cosas. Pero sólo estamos cambiando un poco el equilibrio. Así que vamos a obtener una configuración ahora. No quiero ninguna retención, ningún ataque y ninguna liberación. Esto puede ser solo una compresión instantánea, pero definitivamente queremos una relación de compresión baja. Entonces, en algún lugar poco menos de dos, lo que significa que todo será rechazado básicamente en un 50 por ciento cuando sobrepase el umbral. Y todo lo que tenemos que hacer ahora es simplemente equilibrado. El nivel umbral dirá, solo voy a desactivar la ganancia de maquillaje automático y solo subiremos esto un poco. Entonces, lo que estamos buscando aquí realmente está en el medidor de reducción de ganancia. Así que mira cuando tenemos unos golpes fuertes, deberíamos estar viendo más reducción de ganancia. Cuando tenemos un golpe muy ligero. No deberíamos estar viendo mucho en absoluto. Si estamos viendo demasiado cuando obtenemos un golpe suave por mucha reducción de ganancia aún puede ser necesario ajustar el umbral para compensar. Así que vamos a pasar por eso. Así que carga y escucha un poco. Decir que entonces no fue tan buena cama de pruebas para nosotros. Entonces, incluso en ese golpe medio más suave ahí, solo está reduciendo demasiado la ganancia. Así que sólo voy a subir el umbral. Así que podemos ver ahí en ese segundo hit este de aquí, estamos consiguiendo menos reducción de ganancia. Y luego en golpes más pesados deberíamos estar consiguiendo más. Así que en algún lugar alrededor, hay absolutamente bien. Debería ser bueno. Es un cambio muy sutil, pero básicamente estamos haciendo que los golpes más silenciosos sean un poco más fuertes. Genial. Bien, eso suena absolutamente perfecto. Entonces dejémoslo así. Todavía tenemos golpes más suaves que suenan más suaves. Eso no lo hemos cambiado completamente. Entonces todo bien. Ahora, una cosa que quiero hacer, así como ecualizar el piano, lo siento, ya tenemos EQ para, pero quiero simplemente quitar cualquiera de los bajos finales. Digamos eso otra vez. Ahora apenas te das cuenta porque el piano está enfocado principalmente en las frecuencias medias y altas. Solo hay un poco de gama baja de la grabación de piano o lo que sea. Así que vamos a sacar eso, pero solo para asegurarnos absolutamente de que nada va a entrar en conflicto con nuestro sub. Mantén ese bajo nivel agradable y limpio. Bien, entonces una última cosa que quiero hacerle a este piano es el ecualizador dinámico. Entonces, lo que podemos hacer con el ecualizador dinámico es que básicamente podemos encadenar una banda de ecualización lateral y que sumerja las frecuencias en una parte o un elemento o un montón de elementos cuando una cosa se activa. Entonces lo que vamos a hacer aquí es que vamos a usar el piano como entrada de cadena lateral para un ecualizador que va a sumergir las altas frecuencias de todo lo demás en la pista. Entonces esto va a ayudar a crear un poco más de espacio para el piano. Cuando entra, tendrá más impacto en comparación con el resto de la mezcla. Ahora el objetivo aquí es hacerlo así ni siquiera se nota que todo lo demás se está sumergiendo no es como usar cadena lateral donde en la patada y base donde quieras ese tipo de asqueroso evidente cambio de volumen en la dinámica o cambio de amplitud o lo que sea. Esto es mucho más sutil, pero también solo va a ayudar a que ese piano realmente atraviese y sea un elemento principal, ¿verdad? Entonces hagamos eso ahora para que esto suceda, necesitamos agregar el ecualizador dinámico a un grupo o un autobús que tenga todo lo demás enrutado a través de él aparte del piano. Entonces en Cubase, voy a hacer eso ahora. Para eso, quiero ver si el enrutamiento es básicamente algo aparte del piano de la sala, esta pista, quiero que me enruten a través de un autobús. Entonces voy a seleccionar todo lo que va a estéreo fuera que no sea el piano. Vamos a repasar y seleccionar todo. Entonces, obviamente , si ya está encaminado a un grupo, pero eso está bien. Puede permanecer arraigada a través de ese grupo. También enrutaremos ese grupo de cadena lateral a través este nuevo autobús o grupo que vamos a hacer. Así que vamos a pasar. Queremos que nuestra reverberación se dirija a ella y queremos que nuestro grupo de cadena lateral sea enrutado. Ahora en Cubase es bastante fácil con todo eso seleccionado, solo puedo hacer clic derecho. Ir Agregar Grupo dos canales seleccionados, lo siento, no puedes ver que solo está fuera de la pantalla. Simplemente dice Agregar canal de grupo a canales seleccionados. Así que sólo voy a hacer clic en eso. Por supuesto que quiero que sea estéreo. Y yo solo lo llamaré premaster y agregaré track. Ahora todo en toda la pista aparte del piano, se encamina a través de este grupo. Entonces, vamos a darte un ejemplo rápido para que sepas de lo que estoy hablando? Ahora, tenemos todo aparte del piano encaminado a este grupo. Queremos agregar un ecualizador dinámico. Ahora, bastantes puertas en estos días, Cubase tiene un ecualizador dinámico si tienes la versión Pro, pero algunas no. Entonces, hay un complemento gratuito que puedes usar, que en realidad es realmente increíble. Entonces, si solo vas a Google, escribe Nova, EQ VS t debería ser el primer enlace. Este es un plugin gratuito, así que sólo tienes que descargar el instalador relevante para tu sistema. Es todo VS S3 de 64 bits para Mac y para Windows. Así que descarga e instala eso. Sólo voy a cargarlo en mi grupo de premaster. Entonces está bajo EQ TDR Nova. El encadenamiento lateral funcionará de manera ligeramente diferente dependiendo de qué puerta tu m. nuevamente, realmente deberías haber estado haciendo cadena lateral en Cubase. Es tan simple como solo activar la cadena lateral. Y luego puedo seleccionar el canal que quiero usar ya la entrada de la cadena lateral en su puerta podría ser ligeramente diferente para hacerlo de la otra manera, solo para que pueda ver lo que normalmente estaría haciendo y adorar. Y eso es con la cadena lateral activada y asegúrate de que esté activada. Es bastante importante. Y luego vamos al canal que queremos usar como entrada de cadena lateral, en este caso, el piano, los ajustes del canal. Y luego enviaremos una señal al grupo premaster, TDR Nova. Entonces esta es la entrada de la cadena lateral, activa y luego se está enviando la señal a través. Ahora es muy importante entender que lo que estamos enviando por aquí es post-fader, que significa que cualquier cambio de volumen que hayamos hecho o cualquier ecualizador, cualquier efecto y cosas así. Todo eso se envía a través de las entradas de cadena lateral de ANOVA EQ. Ahora, ¿por qué estoy explicando eso? Porque si decidimos poner algo así como delay en el piano, simplemente agreguemos rápidamente un delay estéreo. Configúrelo rápidamente. 14 en un lado, uno para docid en el otro. Es solo bajar la mezcla. Juguemos eso con el retraso en esto en el post-fader. Eso significa que también esa señal retardada se va a enviar a través de la entrada de la cadena lateral, lo que no queremos particularmente. Quiero decir, es posible que quieras eso, pero en realidad no queremos que la cadena lateral también se active por los retrasos. Sólo queremos que el golpe inicial lo esté activando. Entonces en ese caso, solo cambiamos esto a un presente, lo que significa que la señal se envía a la cadena lateral antes de que pase por el fader, antes de que pase por el EQ, antes de que pase por cualquier efecto. Nada de lo que cambie aquí va a afectar a la señal que va a entrar en la cadena lateral, un poco de una cosa larga. Pero en realidad es, en algunas circunstancias, es muy, muy importante saber eso. Así que solo por ahora, en realidad voy a mantener el retardo estéreo omitido. Quizá queramos agregarlo, pero no estoy 100% seguro es más solo como ejemplo, pero suena bien. Entonces veremos cómo suena eso en un segundo. Vamos a seguir adelante con el ecualizador de nuestro grupo premaster. Entonces nuestra TD nova, en realidad, me disculpo. Una cosa que sí tenemos que hacer antes ir más lejos es realmente averiguar exactamente qué frecuencias queremos estar sumergiendo del resto de la pista en lugar del piano. Así que vamos a echar un vistazo de nuevo a la configuración del canal de piano. Y sólo voy a usar un ecualizador. Activemos la banda tres. Entonces este será solo un ecualizador paramétrico normal. Voy a cambiar la pendiente de ella se sienta un poco más, tal vez no tan empinada, algo así. Y solo quiero hacer un barrido de filtro y realmente encontrar donde están las frecuencias más destacadas para el piano. Así que vamos a tocar el piano por su cuenta. Así que alrededor de cinco K Mark, diría yo. Es realmente donde de repente viene muy bonito y brillante. Pero ya no necesitas el ecualizador aquí. Sólo necesitamos saber que estamos hablando de cinco K, tal vez justo antes de las cinco K. Así que sólo voy a desactivar eso. Ahora puedo ir a mi Nova EQ. Y solo usemos la banda tres para esto. Eso está bien. Queremos cerca de cinco K, Así que está bien. Sólo queremos colocarlo en la posición correcta. En realidad no queremos impulsar nada por el momento, está bien. Entonces justo antes de la marca de cinco K. Y ahora lo que tenemos que hacer es encender Threshold dice básicamente activar el compresor para esta banda en particular. En realidad no quiero ningún ataque. Quiero que esto sea lo más bajo posible. El lanzamiento, así como solo quiere sumergirse cuando está tocando el piano. Tan pronto como el piano haya terminado de tocar, quiere volver al volumen completo. Lo último que tenemos que hacer para esto funcione es simplemente voltear el interruptor de cadena lateral interna a la cadena lateral externa. Ahora cuando el piano golpee, deberíamos ver esta caída hacia abajo. Así se puede ver claramente que cada vez que golpea el piano, estamos consiguiendo una caída en las frecuencias alrededor la marca de cinco K en el grupo premaster, exactamente lo que queremos. Entonces todo lo que está haciendo es simplemente darle más de espacio a las frecuencias más destacadas un poco más de espacio a las frecuencias más destacadas del piano. Cada vez que el piano golpea, digamos, vamos a tocarlo desde el principio, y voy a pasar por alto esto un poco. Ahora bien este es un efecto sutil, pero realmente solo debes notar que el piano simplemente se vuelve un poco más claro y tiene más espacio cuando este se activa. Bien, entonces voy a empezar con ello pasado por alto. Para mí. De veras puedo escuchar eso. Creo que definitivamente le da mucho más espacio al piano. Ahora, voy a hacer esto como realmente extremo solo para que puedas muy, muy claramente aquí lo que está pasando con las pistas premaster. Sólo voy a recordar mi ambientación y **** para decirte qué. Vamos a copiar eso por si acaso se me olvida. Y luego vamos a hacer esto súper extremo. Quiero decir, obviamente suena horrible porque acabas de completar, estás quitando todas esas frecuencias cuando golpea el piano. Obviamente no queremos eso. Entonces volvamos a donde nos pidieron, 0.1. Y nuevamente, se supone que este es un efecto sutil, no se supone que sea perceptible. Y la belleza de ello es, es que obviamente cuando estás sumergiendo las frecuencias del premaster, esas mismas frecuencias siguen estando entonces presentes en el piano. Entonces es mucho más difícil notarlo realmente. Realmente te das cuenta es que de repente el piano tiene un poco más espacio, pero en realidad no suena como si estuvieras quitando nada de otra cosa. Entonces eso suena bastante decente. Ahora vamos a escuchar desde el inicio mismo de la pista para asegurarnos de que todo está sonando bien. Sólo vamos a hacer esto un poco más pequeño y ocultar cualquier automatización que tengamos. Sólo vamos a escuchar. Entonces lo que pensamos, yo creo que el piano, dice manera, forma, mucho mejor, y es mucho más claro a lo largo de la mayoría de los éxitos ahí. Así que la combinación de la compresión y el ecualizador dinámico es realmente funciona. Aún justo al final. Se pierde un poco. En realidad no es tan malo, pero voy a simplemente muy, muy suavemente codazar el volumen aquí solo para asegurarme de que realmente sí escuchamos eso. Y estoy realmente significa subsidio. Sigamos escuchando. Estudiando un poco más de reverberación a esos sombreros. Simplemente suena un poco fuera de lugar. Suena mucho mejor y está empapado en reverberación. Está bien. Símbolos a la derecha, solo una fracción en el lado izquierdo. Efectos 26, que golpea solo blanco cortando esto, solo han escuchado ese tiempo de espera un poco. Se aceleró. Todavía no consiguiendo realmente la longitud completa de estos éxitos. Así que sólo voy a intentar subir un poco los hits individuales. Lo siento, el evento individual, debo decir. Fracción tanto ahí. Vamos a conseguir esto correcto. Eso está bien. Entonces creo que estamos prácticamente hechos para todo el VI, cambios menores en el nivel de mezcla. Sólo nos queda una lección y es dominar esta pista. Entonces podría cambiar ligeramente el saldo de BQ en el canal maestro, pero veremos que necesitamos escuchar y escuchar con algunas orejas frescas y un lado de flecha. Y luego lo pondremos a través un limitador y haremos el render final. Bien, muchas gracias por ver a chicos y chicas verte en la siguiente. 27. Lección de relajación ambiente de BTP 26: Hola a todos, Bienvenidos de nuevo y bienvenidos a la lección final de este curso. Entonces esta va a ser bastante sencilla. Solo estamos pasando por un par de retoques finales en la etapa de masterización. Esta no es de ninguna manera una lección completa sobre Mastering, justo lo que tenemos que hacer para esta pista. Bien, así que vamos a meternos en ello. Ellos escuchan de nuevo a todo el asunto. Creo que la mezcla podría hacer, solo reequilibrar ligeramente, así que solo un ligero impulso a la gama alta. Así que solo voy a entrar en la configuración del canal en las salidas estéreo. Este es el canal final en Cubase. Vamos a jugarlo en realidad lo jugará. Este punto aquí mientras tenemos todo pasando en la pista. Así que solo voy a establecer mi región alrededor de la sección más concurrida. Muy, muy sutil aquí solo cambiaría ligeramente el saldo a favor de la gama alta y disminuiría la gama baja. Pero es muy, muy sutil. Serías perdonado por ni siquiera notarlo si eres nuevo en este tipo de cosas. Pero esos cambios sutiles son simplemente sentir que lo necesita. Entonces eso está absolutamente bien. Ahora quiero jugar en realidad antes de que vayamos al extremo con el ecualizador alto, cuando intento agregar algo de excitación a esta pista. En Cubase, obtuvimos un plugin llamado quadrotors, que básicamente es como una distorsión multibanda. Y realmente el mejor tipo de plug-in para agregar excitación para atraer, especialmente cuando se tiene una amplia gama de frecuencias, es un multi-marca de efectos. En este caso, hace saturación de cinta, distorsión de saturación, distorsión y decímetro. Y tenemos cuatro canales que cada uno trata con diferentes rangos de frecuencia. Entonces, obviamente, este es un plugin solo de Cubase. Hay otro plugin que se llama HY MB. El doctor dice, si buscas en Google HY MB drive, deberías encontrarte. Este plugin es éste y es completamente gratuito. Pero desafortunadamente es solo para PC, no es para Mac, lo cual es un poco molesto. Sé que realmente estamos haciendo es simplemente agregar un poquito de procesamiento a la gama alta o la gama media o lo que sea, solo para darle a la pista un poco más de brillo en la alta frecuencia. Así que vamos a jugarlo y vamos a tener un poco de juego por ahí. Entonces estamos hablando de nuevo, aquí cambios muy sutiles. Simplemente añadiendo un poquito de brillo, ese plugin no está tan mal. El basado en la Clave es mejor. Simplemente voy a pegar eso rápidamente porque solo quiero ver cuál es la diferencia entre los dos. Entonces simplemente pasar por alto el otro va a cambiar el ancho de banda. Así que en realidad sólo estamos tratando con dos bandas aquí. Es sólo que los dividimos. Entonces estamos tratando con bandas 3.4, principalmente tratando con todo el rango de frecuencias. Está como listo aquí. Simplemente saca a relucir esta encantadora crujiente en la gama alta. Siempre suena como que le da más definición a la gama alta. Por supuesto, en realidad no le está dando más definición. Es solo un poco aumentarlo un poco y agregar algunos armónicos adicionales ahí, pero es un efecto muy agradable. Um, discúlpate. Desearía que hubiera algo que todos pudieran usar Mac PC. Lo más cercano que he encontrado es NB drive a esto. Ahora, aunque me lo quite, ella también necesita equilibrar la salida de la misma porque en realidad es un poco más fuerte que la señal original. Eso es más equilibrado. Sí, solo le agrega crujiente a la parte trasera. Como digo, no es como innovar lo diferente, es solo un poquito, Es un poco como el extra de dos a tres por ciento que quieren agregar a la mezcla al final. Entonces, si no lo tenías, no el fin del mundo. Bien, entonces después de que eso esté hecho, entonces tenemos realmente un proceso final. No quería agregar demasiada compresión y esas cosas a esto. El único, el último plugin que va a ser un maximizador. Entonces es básicamente un limitador. Se llama maximizador en Cubase. Y hay un sinfín de plug-ins, sobre todo en tu propia puerta. Definitivamente tendrás al menos uno que sea como un limitador de pared de ladrillo o un maximizador o un compresor con una relación muy alta. Ahora en Cubase, si activo el modo moderno, lo único que hace es habilitar estos dos controles, que es el lanzamiento y el porcentaje recuperado. Así que solo voy a tener un lanzamiento más bajo porque quiero hablar bastante rápido, simplemente cortando literalmente la parte superior de cualquier señal fuerte en el dial optimizado como se llama en Cubase, es por eso que lo llaman optimizar su básicamente la ganancia de entrada. Di que más alto lo tienes, cuanto mayor sea la ganancia de entrada que más fuerte será la señal general. Así que vamos a jugar a esto. Entonces lo que estamos buscando aquí es el medidor de reducción de ganancia siempre es más importante en limitador. Y queremos ver cuánto se está reduciendo la ganancia cada vez que se dispara. Por el momento, no se está sacando mucha ganancia. Así que podemos darnos el lujo de empujar esto un poco más. Entonces, básicamente, lo que quieres hacer es encontrar un equilibrio entre hacerte mucho más fuerte y no sacar toda la dinámica agradable de la mezcla. Así que seguiremos empujando esto hasta que realmente no podamos escuchar mucha diferencia en cuanto al volumen. Y luego simplemente lo retrocederemos un poco como generalmente el enfoque que uso. Decir escucharlo así, de hecho siento que podríamos subir la patada muy, muy ligeramente. Vamos a ver lo que tenemos. Vamos a aparecer un poco eso. Entonces es como -3.06. Ahí es donde mejor la patada solo necesitaba un poquito de volumen extra. Ahora es mucho más contundente cortando la mezcla. Diga en algún lugar alrededor de su bastante bueno. Podríamos darnos el lujo de empujar esto más si queremos, pero no estoy seguro de que realmente quiera que digan, se supone que son unos micrófonos ambientales muy dinámicos. Si realmente terminamos golpeando esto a través del maximizador, solo vamos a reducir el rango dinámico, lo que va a afectar la sensación general de ese cambio de dinámica a lo largo de la mezcla. Entonces todo lo que realmente queremos hacer es maximizar el volumen sin afectar los niveles ni la dinámica. Creo que eso es realmente un derecho. Sólo voy a retroceder la salida solo por 0.1 y solo recuerdo 34.3. Y vamos a darle un empujón final C donde suena como. Entonces, ¿qué está pasando ahí? Si lo empujo más fuerte que 34.3, es que las cosas ruidosas como las patadas básicamente no se están poniendo más fuertes porque ya están activando este limitador. Entonces ese es básicamente su volumen límite sabio. Y entonces todo lo demás que esté un poco tranquilo alrededor del pastel se está haciendo más fuerte en comparación con la patada, que de nuevo, eso está afectando la dinámica general de la pista. Así que no queremos llegar tan lejos como una nota aparte también. En términos generales, de nuevo, esta es una regla general, no significa que esté grabada en piedra. Puedes experimentar con esto. Una pista va a actuar de manera diferente otra pista a la hora de limitar. Pero realmente no quieres ver mucho más que sobre menos abejas 3D en reducción de ganancia, algunas pistas encontrarás que en realidad puedes empujarlo. Se puede bajar seleccionar menos cinco, menos seis dB's. Pero en términos generales, nunca es, nunca más que eso. Menos seis dB es, es bastante extremo listo cuando en realidad estás limitando la pista final. Bien, entonces creo que estamos bastante buenos. Definitivamente estoy contento con los niveles y todo. Así que vamos a establecer nuestra región de bucle sobre las áreas correctas donde quiero. Esto rastrea el final que es el bar 76, donde tenemos nuestro volumen fade out. Y vamos al principio. Sólo voy a establecer la región de bucle. Y luego vamos, estamos listos para exportar nuestra pista final. Así que sólo voy a guardarlo y voy a ir a Exportar. Esta va a ser la pista final real que has escuchado en el video promocional. Y está en la fuerza laboral, así que no hay procesamiento extra, ni detrás de escena, ajustes y cosas así. Esta es la versión que escuchaste. El primer motor dice, vamos a nombrarlo. Así que sólo voy a llamarlo maestro final en cascada. Voy a renderizar como un MP3, pero un MP3 de alta calidad, C32 KBS y golpeo Exportar. Muy bien, así que muchas gracias por ser parte de este tutorial. Realmente espero que hayas aprendido todo un montón de cosas sostenidas para hacer tus propias progresiones de acordes increíbles, cómo estructurar las cosas para que suene emocionante todo sobre la tensión y la liberación, el proceso de mezcla, todo. Realmente me alegro de que estés aquí para este viaje conmigo. Así que muchas gracias chicos y chicas, cuídense y atraparé en la siguiente. Adiós.