Transcripciones
1. Tráiler y resumen de curso y resumen: Por lo que tienes ganas de producir pistas EDM de sonido profesional. A lo mejor estás luchando con un tema en particular que simplemente sigue sucediendo. A lo mejor sientes que a tu pista le falta algo, pero simplemente no puedes ponerle el dedo en ella. O tal vez ya eres un experto solo buscando aprender nuevos consejos y técnicas. Ya sea que seas un principiante, intermedio, o un productor experto. Este curso te brindará invaluables técnicas de producción y secretos para llevar tus pistas de EDM al siguiente nivel. Hola ahí, me llamo Ben y llevo más de diez años produciendo música. En ese tiempo, he podido lanzar innumerables pistas con sellos discográficos, música
compuesta para juegos y TV, incluso diseño y sonido mixto para cine. Entonces, ¿qué me hace el mejor instructor para ti? Bueno, en este curso, estaremos aprendiendo producción musical de un productor musical real. Ya ves, entiendo las luchas típicas que pueden limitar a los productores de alcanzar siempre su pleno potencial. Y quiero rectificar eso enseñando todo lo que he aprendido a lo largo de los años como productor musical. Si completas este curso, podrás estructurar tu pista de manera efectiva, construye patrones de tambor de capas que encontraron comida rápida. Ambos sabrás cómo modificar sintetizadores para hacerlos sonar como te gustó o incluso crear tus propios sonidos desde cero. Tendrás una comprensión de cómo funciona un vocoder, cómo usar la saturación de compresión de EQ, e incluso encontrar y corregir problemas de fase dentro de tu pista. Te guiaré a través de todo el proceso desde proponer cada elemento individual, consejos para arreglo y estructura de pista, mezcla y masterización. También hay algunos proyectos en el camino. Entonces puedo bien, ustedes entienden los conceptos e incluso hay una oportunidad de interactuar con y recibir comentarios de compañeros estudiantes que también han tomado curso. Mao para los trámites. El estudiante ideal para este curso contará con una estación de trabajo de audio digital. Entonces FL Studio, Ableton Logic, o cualquier otro software que puedas usar para crear música. Tendrás que saber usar el software para que puedas replicar los consejos y técnicas que discutí una demuestra. También debes tener una comprensión muy básica de la teoría de la música. Y cuando digo básico, quiero decir entender la diferencia entre menor y mayor, y saber cuál es la quinta nota de la escala. Si crees que tienes estos requisitos bajo tu cinturón, entonces este curso definitivamente es para ti. En fin, no quiero perder tu tiempo con vegetales de lujo son ambas palabras. Yo quiero que aprendas y hagas crecer tus habilidades de productores al más alto nivel posible. Entonces, ¿a qué esperas? Agrega este curso a tu checkout de pares y pon tus manos en esta completa e integral teoría de la música electrónica y costos de producción. Hola allá y bienvenidos a este curso de teoría y producción de música electrónica. Mi nombre es Ben, y mi objetivo es enseñarte todo lo que sé y todo lo que necesitas saber sobre crear una pista de EDM profesional. Hice todo lo posible para intentar estructurar este curso y un formato lógico, fácil de seguir. Pero si empieza a ser confuso, por favor avísame y haré algunas actualizaciones en cuanto pueda. Te aconsejaría conseguir unos auriculares o altavoces durante la duración de este curso, hay ejemplos y demostraciones a lo largo de las que necesitas para poder escuchar. Un altavoz de teléfono o portátil no será tan preciso como un par de auriculares y es posible que acabe faltando algo importante. Así que asegúrate de conseguir unos buenos auriculares y tenerlos enchufados a medida que avanzas por el curso, asegúrate de unirte al grupo B en música y sonido de Facebook. Es solo una pequeña comunidad donde todos podemos unirnos, charlar, compartir ideas y proyectos, y hacernos preguntas. También estaré publicando actualizaciones para futuros cursos en este grupo. Entonces si disfrutaste de este curso, asegúrate de unirte a ese grupo de Facebook
a, para recibir actualizaciones sobre mis futuros cursos. Y por último, no olvides calificar el curso y dejar una reseña. Me encantaría conocer tu experiencia y tus comentarios son importantes para poder mejorar este curso y otros cursos. También ayuda a otros estudiantes que están buscando cursos. Por lo que si crees que cierto curso tiene beneficios, tu opinión puede ayudar a otro estudiante a elegir el curso adecuado para ellos. Echemos un vistazo ahora a la visión general del curso y a lo que puedes esperar encontrar a medida que avanzas por el curso. Por lo que al final del curso, sabrás exactamente cómo componer estructura y producir una pista de EDM completa. También conocerás la teoría detrás de cómo funcionan estas pistas y exactamente cómo construir cada elemento de tu pista. En realidad te doy primero los elementos individuales de tu pista. Entonces eso es solo todo lo que necesitas saber antes de que empecemos a arreglar una pista completa. Cosas como cómo automatizar, cómo construir tambores, y cómo picar voces se cubrirán todas antes de que realmente empecemos a arreglar algo. Esencialmente, a medida que avanzas por el curso, estarás practicando diversas técnicas de composición musical electrónica. Y luego cuando llegues a la etapa de arreglo, utilizarás estas técnicas y métodos que has aprendido para crear una pista completa desde cero. Siguiendo esto, vamos a echar un vistazo a las técnicas de mezcla esenciales y cómo puedes usar diferentes plugins para realmente dar forma y mezclar tu pista juntos. También veremos algunos masterización para que tu pista pueda ser ruidosa y hacer frente a otras pistas con las que la comparas. También hay algunos proyectos en el camino para que pueda ver
qué tan bien tu comprensión del material y también para que practiques tus nuevas habilidades. O simplemente puedes presumir de tu talento a mí y otros alumnos publicando estos proyectos en el grupo de Facebook. Así que vamos a saltar al curso ahora y empezar a
aprender a crear una pista de EDM profesional. No puedo esperar a ver qué se te ocurre.
2. Características de EDM: Examinemos algunas de las características del EDM. Es importante estar al tanto de cómo se
reconoce un género particular de música para que puedas estar seguro de tus archivos de pista bajo el encabezado correcto. El primer rasgo de EDM es que tiene un tempo alto y constante. El tempo es sólo una palabra elegante para lo rápido que es una pieza de música en realidad. Entonces si echamos un vistazo a nuestro medidor de tempo aquí arriba, podemos ver que está configurado en 126 latidos por minuto. Beats por minuto, o BPM, es sólo otra palabra para tempo, pero es una Lectura más científica. 126 bpm significa que hay 126 beats musicales por minuto de música. Cualquier cosa por encima de los 115 BPM puede considerarse alta. Cuanto más alto sea el BPM, más frenético y enérgico sonará tu track. Así que ten esto en cuenta cuando elijas el BPM para tu pista. Debido a que el EDM tiene un tempo constante, hacemos lo que se llama un set y nos olvidamos con el medidor BPM. A medida que avanza el EDM, el tempo debe permanecer igual. Algunos otros géneros como el clásico cambiarán el tempo a lo largo de la pieza. Pero en EDM, generalmente no hacemos esto a menos que sea para un propósito muy, muy específico. Así que establece tu tempo y olvídalo para el resto de tu track. Otra característica a tener en cuenta es que existen dos subdivisiones distintas de EDM. Hay cuatro en el piso y hay break beat. Esto simplemente se refiere al estilo de patrón de tambor que contienen cada una de estas subdivisiones. En extraño el piso, el tambor de patada es estable y uniforme en todo y cae sobre los cuatro beats de la barra. Es el patrón de batería más común utilizado en la música electrónica. Y es genial para los clubes nocturnos ya que permite que el público salte arriba y abajo al ritmo. Vamos a tener una escucha a un extranjero, el patrón de piso. la otra subdivisión entonces se le conoce como break beat. En esta subdivisión, el bombo de patada no es estable y uniforme y puede caer antes o después de los cuatro latidos de una barra. En este ejemplo, algunas de las muestras de patadas están cayendo antes del ritmo de la barra. Y eso le da al ritmo un campo ligeramente más funkier. Hagamos una escucha ahora al ejemplo de break beat. De verdad depende de ti qué subdivisión quieres crear. Algunas pistas, incluso combinan las dos juntas. Pero es importante tener en cuenta que sí existen antes de empezar a arreglar tu pista. Edm siempre se establece en 44 tiempo. En exterior, usaremos el ajuste como predeterminado, pero es importante que no lo cambies a algo así como 34 veces. Si estás haciendo EDM, 44 tiempo simplemente significa que puedes contar cuatro beats distintos en cada comprador. El motivo por el que mantenemos EDM en 44 tiempo es porque está diseñado para que los oyentes puedan bailar fácilmente a la música. 44 tiempo tiene el menos complejo de ritmos de todas las demás firmas de tiempo, lo que significa que se necesita menos concentración para bailar al ritmo. También significa que los DJs pueden reproducir o rastrear fácilmente en sus sets. Ya que el 44 tiempo es fácil de mezclar en otras 44 pistas de tiempo. Edm es muy repetitivo en la naturaleza y encontrarás que repites las cosas a menudo. Hay algunos consejos que te daré más adelante en el curso que te
ayudarán a atraer a sonar menos repetitivo y fluir mucho mejor. Pero por ahora, no necesitas preocuparte por esto. En la próxima conferencia, veremos cómo se estructura EDM para que puedas construir tu pista sobre una base sólida.
3. Desglosar la estructura de EDM (parte 11): En esta conferencia, vamos a descomponer la estructura de EDM para que podamos construir nuestra pista con una base sólida. estructura de poros es uno de los signos más obvios que atraen se produjo mal y no todo es tan difícil de entender. Por lo que vamos a quedar atrapados en el contenido y estructura atrae adecuadamente desde el principio. A la primera sección de una pista EDM se le llama la introducción o la intro. Ahora la intro en realidad no sirve otro propósito que ser importante para que los DJs puedan mezclar tu pista en otras pistas. No obstante, debido a que el EDM está diseñado con su propósito en mente, debemos incluir una intro y nuestras pistas. Una introducción es típicamente de ocho a 24 barras de largo, pero puede ser más larga si desea construir la atención de su pista más lentamente. El intro también debe insinuar algunos elementos principales de tu pista. Entonces, por ejemplo, si eres un colapso tiene un patrón de acorde de piano fresco, entonces probablemente deberías insinuar ese patrón de piano en tu introducción. A lo mejor al desvanecerlo lentamente a medida que avanza la introducción. En realidad es bastante importante incluir estas pistas en tu introducción porque
permite que el público reconozca de inmediato tu tema tan pronto como un DJ se coloca. El intro también debe construir ligeramente en el desglose. Lo que esto significa es que a medida que juegue su introducción, debe
haber cada vez más elementos introducidos. Una intro suele empezar bastante vacía y luego termina con un indicio completo de lo que va a pasar en la avería o caída de tu pista. Entonces vamos a tener una escucha a este ejemplo de una intro. Escucha cómo el patrón de corte se vuelve mucho más fuerte en la segunda mitad de la introducción y cómo el productor trae nuevos tambores a medida que avanza la introducción. En ese ejemplo de introducción, también
se podía escuchar cómo había algunas corrientes ascendentes y elevadores hacia el final que estamos construyendo tensión a medida que se aproxima la avería. A continuación, echaremos un vistazo a la sección de desglose. Aquí es donde se alivia la tensión de la introducción y la energía está en su más baja. Literalmente estamos descomponiendo la pista en sus elementos más pequeños antes de construirla de nuevo. El desglose también es donde se puede encontrar el hulk principal de una pista. Y a menudo tiene muy poco o nada de tambores. Esto es para que suene mucho más suave y libre que las otras secciones de la pista. Un desglose puede tener en cualquier lugar de ocho a 32 barras de largo. Escuchemos el desglose de nuestro ejemplo Track. Observe cómo introduce el patrón de acorde principal que se insinuó en la introducción. Y también cómo está muy vacío con un ritmo suave y libre. Echemos un vistazo ahora a la sección de acumulación en EDM y cómo se usa en términos de arreglo. Por lo que la acumulación es uno de los tramos más importantes de una pista EDM. Exábrelo y puedes matar la gota. Pero bajo hacedores y la gota puede sonar fuera de lugar. Estaré hablando de algo llamado el gráfico de intensidad en la sección de arreglos. Y podemos usar esto para asegurarnos de que no exageremos ni deshacemos la acumulación. Pero por ahora, solo toma nota de lo que debería estar haciendo la acumulación. Construir está diseñado para decirle al oyente que se acerca
algo grande, que es la gota. Se utiliza para construir tensión para que cuando finalmente llegue el lanzamiento de la gota, se sienta mucho más intenso. Una acumulación típica es en cualquier lugar de ocho a 16 barras de largo, con 16 barras que son bastante largas para una acumulación. Veamos lo que nuestro ejemplo rastreaba aquellos para la acumulación. Entonces cuando esta acumulación, se reintrodujeron algunos tambores y el patrón de acordes era en realidad mitades varias veces a medida que la acumulación se desarrollaba. Esta técnica es muy común y crea más suspenso para el oyente. Esperan escuchar el patrón completo. Pero en cambio, al acortar es una y otra vez, te estás burlando efectivamente del oyente. Entonces cuando finalmente les das ese patrón de flujo, realmente puede hacer mucho más de un impacto. Vamos a escuchar otra vez. Después de la acumulación, tenemos la caída. Esta sección alivia toda tensión que se ha construido
hasta ahora y es el clímax de cualquier pista EDM. De verdad quieres que la gota haga que la gente se mueva de pie. Por lo que a menudo es más fuerte y más lleno que cualquier otra sección. Una buena caída es típicamente de 24 barras de largo, con los ocho compradores finales introduciendo algo nuevo que no ha estado en la caída hasta ahora. Escuchemos un breve extracto de nuestras pistas de ejemplo caen. En esta gota, se reintroduce el kick drum y los instrumentos cambian a un sonido más agresivo. La idea melódica sigue siendo la misma sin embargo, y así la gota suena como una versión más intensa del desglose. Después de la caída, se establece un segundo desglose. El segundo desglose es simplemente un desarrollo del primero. En ocasiones puede ser una versión más larga o tal vez una versión con nuevos instrumentos o la adición de tambores. No obstante, no puedes simplemente copiar y pegar tu primer desglose. El segundo desglose debe llevar más energía que la primera, lo contrario, tu pista no fluirá correctamente. Este es en realidad otro uso para ese concepto gráfico de intensidad que mencioné anteriormente. El segundo desglose también puede introducir algo completamente nuevo, como una nueva melodía en un nuevo instrumento. No obstante, para que esto funcione, debes volver a la idea original antes del final de la pista. Escuchemos a ver cuál es nuestro ejemplo atractores en el segundo desglose. Por lo que en esta pista podemos escuchar claramente que el segundo desglose es muy similar al primero. No obstante, es mucho más largo y hay la adición de tambores hacia el mismo final. Esto permite que la tensión se construya aún más que la primera avería. En la segunda acumulación, debemos volver a significar que se avecina un gran clímax. Por lo general, la segunda acumulación será casi idéntica a la primera acumulación. Puede haber una adición de tambores o un nuevo instrumento, pero generalmente suena muy similar. El público ya sabe lo que viene, por lo que es innecesario tratar de reimaginar una nueva acumulación. La segunda acumulación también puede ser más larga que la primera. Esto puede ayudar a crear suspenso extra. Vamos a escuchar nuestra pista ejemplar y narices cómo han añadido un símbolo de paseo en el primer tiempo. También han añadido un tambor de caja extra en el segundo tiempo. No te preocupes si no sabes cuáles son estos, estará mirando tambores y detallado muy pronto. Entonces escuchemos ahora. ¿ Qué viene después de la segunda acumulación? Es por supuesto la segunda caída. Muchas pistas tienden a copiar y pegar la primera gota para esta sección, y eso está bien, pero realmente no le da nada interesante al oyente. Para tu segunda gota, debes agregar algo nuevo, tal vez un nuevo instrumento, tambores
extra, o incluso cambiar ligeramente el patrón. Esto asegurará que tu oyente disfrute de tu pista
todo el camino y no se aburra durante la segunda caída. En nuestra pista de ejemplo, la segunda gota introduce un instrumento completamente nuevo y cambia ligeramente el patrón. Después trae la primera caída de nuevo en. Pero por la nueva idea que acaba de jugar, no
se siente tan repetitiva. Tomemos una escucha. El tramo final en una pista ADM se llama el outro. Esto sirve el mismo propósito que la introducción, excepto que es para que los DJs se mezclen en otras pistas. El objetivo del outro es disminuir de manera constante la energía de la pista para que cuando termina la pista, el público sienta una plena sensación de cierre. Si detienes abruptamente la pista, el oyente podría confundirse ya que esperaban más por venir. Un buen outro suele quitar elementos de la pista poco a poco hasta que sólo quedan unos cuantos instrumentos y tambores. El outro puede ser en cualquier lugar de ocho a 24 barras de largo. Hagamos una escucha a nuestro ejemplo. Outro.
4. Desglosar la estructura de EDM (parte 2): Voy a usar esta conferencia para hablar de algunas otras estructuras que puedes utilizar y también otras dos partes importantes sobre estructuración en pista EDM. Por lo que la estructura de la que acabamos de hablar en la última conferencia se llama la estructura estándar. Es la estructura más común y más sólida que hay por ahí. No obstante, se puede cambiar la estructura alrededor para obtener algunos resultados interesantes. A estructura de desglose retardado, el primer desglose en realidad viene después de la caída. En este caso, la pista pasaría de la intro directamente a la acumulación, y luego a la caída con la avería viniendo después. Y otra estructura que puedes usar es la estructura sin desglose. Con esto, en realidad no hay avería en la pista. Entonces a medida que avanza tu pista, iría algo así como gota de acumulación de introducción. Y luego un desarrollo de la intro seguiría la caída. También puedes agregar algunos elementos extra para embellecer la segunda introducción antes de la segunda acumulación y la segunda gota. No hay estructura engastada en piedra. Podrás jugar con la estructura de tu pista, pero debes tener en cuenta que tiene que tener un buen flujo. Hablemos de fraseo binario. Suena como un gran concepto complicado, pero realmente no lo es. En pocas palabras, el fraseo binario para EDM significa que algo cambia cada ocho barras. Esto puede ser un cambio menor, como la adición de un nuevo sonido de batería. O puede ser un cambio importante, como la introducción de una nueva sección. En música, una frase es una idea musical de más de cuatro barras de largo, y binario significa dos. Entonces la idea es, si tienes una sección que tiene 24 barras de largo, digamos que es el segundo desglose, por ejemplo. Entonces eso significa que tu segundo desglose es en frase de 24 barras. Con el fraseo binario, esa frase de 24 barras
se divide en tres frases de ocho barras más pequeñas. Y cada una de estas frases más pequeñas son ligeramente diferentes entre sí. No te preocupes si todo esto suena confuso. Pero la parte principal que debes quitar de esto es que cada ocho barras, debes hacer algún tipo de cambio para que la pista avance así como un lugar. La respuesta de la columna es algo que se usa con frecuencia en EDM, pero que pasan por alto tantos productores. O es posible que muchos productores ni siquiera sepan que lo están haciendo con respuesta de columna, un elemento de la pista llamará y otro responderá. Entonces imagina que tienes alguna melodía previa. Bueno, si pones un piano para tocar las primeras cuatro barras, y un sintetizador para tocar las segundas cuatro barras, entonces esto sería una respuesta calmante. También se puede utilizar con voces, donde se repite una palabra o frase con diferentes efectos. Escuchemos un ejemplo de respuesta de columna
instrumental y luego un ejemplo de respuesta de columna vocal. lo final de lo que quiero hablar en esta conferencia es de la energía. Todo EDM se basa en este concepto de energía, construyéndolo y liberándolo a medida que avanza el Trek. La forma principal de crear esta energía es realmente burlarse del oyente antes de darles el paquete completo. Creo que ya lo he dicho antes de todos modos, pero quiero reiterarlo aquí porque si te rastrean no
tiene energía de lo que realmente no funcionará como una pista EDM. Estaremos viendo de nuevo la energía cuando vengamos a arreglar nuestra pista. Pero por ahora, hay que saber que este concepto es por qué tantos productores de EDM terminan perdiendo la marca con su música. Así que asegúrate de burlarte del oyente en tu pista.
5. Configuración de tu proyecto: En esta conferencia, se enfocará en configurar un proyecto para que puedas trabajar en una pista con 0s. Entonces ahora que sabemos cómo se estructura EDM, en realidad
podemos usar esto a nuestra ventaja cuando estamos configurando nuestro proyecto. Con todo lo que podemos sumar en lo que se llama marcador. Entonces con FL Studio, si golpeas Command y t estás controlando t, si estás en un Windows, caerá en este pequeño marcador aquí. Entonces podemos hacer clic derecho y renombrarnos. Entonces llamaré a ésta una intro. Y luego podemos moverlo a donde necesitábamos estar. Por lo que estos pequeños marcadores son geniales porque podemos planear la estructura de una pista antes incluso de empezar a arreglar algo. Esto nos mantendrá enfocados y también nos permitirá trabajar dentro una especie de marco garantizado cuando estemos creando la pista. Otra forma de crear marcadores con FL Studio es subir aquí al lado izquierdo de la ventana de la lista de reproducción. Haz clic en este pequeño desplegable, pasa el cursor sobre los marcadores de tiempo y selecciona Añadir uno, dale un nombre. Entonces voy a nombrar a este desglose. Y de nuevo, puedes moverlo a donde necesites que esté. Entonces digamos que quiero 16 barras de una introducción. Simplemente moveré este marcador de desglose al 16, un poco 16 por América. Y ahora puedo ver de inmediato que tengo 16 barras de una intro aquí. Entonces esto es útil cuando realmente estoy arreglando y estoy,
estoy poniendo tambores y acordes y cosas que puedo ver, ¿verdad? Necesito estar en la sección de desglose para cuando llegue a este bar. Además, otra parte importante de planear tu estructura es que es importante llegar al grano para que los oyentes no aburran de ICI en realidad juró por esta regla y casi todos
sus tracks llegarían a la sección de drop antes de que el marca de un minuto. Así que trata de no sacar la pista más de lo que necesitas. Necesitas llegar rápido a la idea principal para
que los oyentes no se harten cuando están escuchando. No quieres dos minutos de introducción porque los oyentes se aburrirían. Entonces el siguiente paso y configurar tu proyecto es configurar tu bpm. Ahora, esto probablemente cambiará a medida que hagas la pista, pero es bueno establecer una especie de tempo áspero para donde crees que quieres que esté tu pista. Entonces como dije, un tempo muy alto tendrá una pista de alta energía, y el tempo bajo será una comprobación de baja energía o más mellow. Si no estás seguro de escoger un tempo de 128 BPM es en realidad un todoterreno perfecto. Cuando un 128 en realidad se considera un número mágico en la ciencia musical porque es un número donde el tiempo, la estructura y el tempo, todos se cruzan. Entonces para, para el tiempo, ocho barras y 60 segundos se cruzarán todos cuando se establezca este BPM. Entonces si pones tu tempo en 128, la barra de 30 segundos aquí, esto en realidad marcará exactamente un minuto en el reloj. Entonces si no sabes en qué quieres establecer tu BPM,
sí, ponlo en 128. En realidad voy a dejar el mío a 128 porque no estoy seguro con qué tempo quiero trabajar todavía. Entonces lo siguiente que vamos a hacer es que vamos a configurar alguna sintaxis. Este es un proceso sencillo que realmente puede ayudar a tu flujo de trabajo a medida que avanzas por la pista. Entonces centric hace lo que dice en la lata. Si tienes múltiples pistas a las que quieres aplicar el mismo efecto, en realidad
podemos simplemente enviar todas esas pistas a $0.01 pista. Esto nos salva de tener que abrir en su lugar montones de efectos y luego trató de copiar y pegar los ajustes en cada pista individual. Por lo que el proceso de configuración de centroides y tu punto probablemente será diferente. Y en realidad creo que Ableton tiene 2N pistas ya disponibles por defecto. Pero con FL Studio, en realidad
podemos usar cualquiera de estos micros son pistas como centradas en Estados Unidos. Todo lo que tienes que hacer es seleccionar la pista que quieres enviar. Y luego baja aquí a esta pequeña flecha y haz clic en la flecha debajo de la pista que quieras enviar esa pista también. Entonces digamos que quiero mandar track for a track 11. Voy a hacer clic en la flecha pequeña debajo de Track 11. Y ahora se dibuja una especie de cable entre estas dos pistas. Y sé que esta pista ha sido enviada a esta pista. Pero si quisiéramos lucir aseados y ordenados y algo así como organizados para que podamos trabajar rápidamente. Lo más fácil de hacer es hacer clic derecho en tu pista de aroma. Entonces la pista a la que has enviado tus diferentes elementos, haz clic con el botón derecho en eso, baja aquí a este pequeño d2 y luego pulsa ya sea a la izquierda o a la derecha dependiendo de cuál prefieras. Ahora prefiero que mi sintaxis esté en aumento. Entonces voy a atracar esta pista a la derecha. Y como pueden ver, viene por aquí a la derecha. Y esta es una pequeña sección de mandas donde podemos una especie de moverlo fuera del camino si nosotros, si es necesario, o podemos traerlo de vuelta haciendo clic en este poco, ni siquiera
sé cuál es esa forma. Haga clic en eso y se arrastrará hacia fuera este pequeño envía acción. Entonces si echamos un vistazo a fue una pista para, sí, podemos ver qué pista para eso. El cable está saliendo y se envía a esta pista aquí. Entonces ahora hemos hecho una banda sonora ordenada por aquí en el lado derecho que podemos usar y podemos enviar cualquier pista. Entonces vía seis, podemos mandar vía nueve. Siempre hacer es solo dar click a esta pequeña flecha aquí y nunca se moverá. Aunque me desplace por la pista del mezclador, siempre
va a día aquí en el lado derecho. Entonces por eso es útil atracarlo a un costado. Que si tienes un 100 pistas diferentes que estás usando, todavía
puedes enviarlas todas con bastante facilidad y bastante rapidez. Por lo que realmente ayuda a tu flujo de trabajo. Por lo que en la próxima conferencia hablaremos de usar pistas de referencia y cómo optimizar la configuración de tu papá para un rendimiento óptimo.
6. Optimiza tu DAW: Entonces, ¿qué son las pistas de referencia? Bueno, pistas de referencia, pistas que descargas y usas como referencia cuando estás creando tu pista. Idealmente, debes elegir una pista de referencia que esté en el mismo género que la pista en la que estás trabajando. Ahora no estamos copiando la pista de referencia, sólo la
estamos usando como guía para que podamos estar seguros de que nuestra pista está progresando bien. Entonces si escuchas tu pista de referencia y notas que a mitad de
camino de la intro y se introduce tu instrumento, realidad
puedes tomar esta idea e introducir un nuevo instrumento en tu pista también. Por lo que tengo un ejemplo de una pista de referencia aquí para tech house. Creo que ese es el Jonah que quería hacer. Por lo que descargué un track en el mismo género. Entonces escuchemos unos segundos y nombremos o cualquier cosa que podamos notar sobre la introducción y cualquier cosa que pudiéramos usar para nuestro propio track también. Para que oigo que hay un bloque de ceniza tipo de dentro con los tambores. Los tambores de patada tienen que ser mucho más pesados ahí. Y hay algunos acordes que se desvanecen en ella
para que la línea de base se acaba de introducir. Y también puedo escuchar el sonido de una multitud. Y hay algún foco que se está filtrando también. Por lo que podemos usar todas estas ideas para nuestra pista. Podemos, puedo decir, si quiero que mi pista tenga un bombo de patada pesado a mitad de la intro, y quiero que mi línea de base entre aquí también, y quiero introducir voces a medida que avanza mi intro, podemos usar todos esos ideas. Entonces esa es la importancia de tener una pista de referencia. Podemos usarlo como guía. Ahora optimizemos nuestra configuración de DAW para crear EDM. Por lo que en FL Studio, subimos aquí a esta pequeña sección de opciones, haga clic en esto y bajamos a la configuración de audio. Y verás que aparece esta pequeña ventana si estás en un DAW diferente. Esta ventana se puede encontrar en Preferencias y audio, o hardware de audio o algo así. Y el diseño será un poco diferente, pero los ajustes siguen siendo los mismos. Por lo que lo primero que notarás es este desplegable de dispositivo donde podemos cambiar el dispositivo que queremos procesar el audio. Entonces si tú, si quieres que tu sonido te comprometa los auriculares, si quieres que el sonido salga de tus altavoces, si estás usando una interfaz de audio y quieres que salga el sonido de eso, puedes seleccionar esto aquí. El mío está configurado en dispositivo de salida múltiple, que es solo un ajuste que he configurado para que mi software de grabación grabe el sonido de mi voz mientras estoy reproduciendo el sonido de mi DAW. Es solo por hacer este curso porque normalmente tendría este set en mi interfaz de audio porque eso es lo que me gusta usar cuando estoy creando música. El siguiente ajuste que tenemos entonces es el ajuste de la frecuencia de muestreo. Por lo que la tasa de muestreo debe ser un mínimo de 44.110100, que es lo que menos estatua aquí. Para la música electrónica, la tasa de muestreo no es tan importante como lo es para la música acústica. Si estás grabando instrumentos como tal vez tu voz o una guitarra o algo así, probablemente
deberías ponerte como un poco más alto, tal vez 48 mil o incluso 8,888.2 mil es realmente alto. Y luego hasta un 192 mil eso es ridículamente alto. Y al igual que, a menos que tengas algún tipo de súper computadora, no
necesitas establecer la tasa de muestreo es de 44.1 mil es absolutamente perfecto para todos los géneros de la música. En realidad son los estándares de la industria. Entonces discográfica discográfica, si les envías una pista masterizada, una pista dominada terminada, en realidad te
pedirán una, para que tu pista sea dominada a 44.1. Por lo que también podrías dejarlo en 44.1, pero puedes ponerlo un poco más alto si tienes la potencia de procesamiento para hacerlo. A continuación bajamos y vemos esta longitud del buffer o en tu DAW, esto podría llamarse tamaño del buffer. Entonces para esto, debes poner esto tan alto como sea posible. Por crear EDM. En realidad estamos, estamos trabajando con plugins e instrumentos virtuales por lo que necesitan más poder de procesamiento. Por lo que estatus tan alto como va a dedicar más poder de procesamiento a esos instrumentos. Si estás grabando instrumentos, en realidad
puedes, puedes bajar esto. Pero estamos hablando de música electrónica aquí. Entonces no me imagino que estarías grabando más de dos instrumentos a la vez. Entonces solo pon esto tan alto como va y déjalo ahí. Además, los números que obtengas aquí dependerán del dispositivo que hayas seleccionado aquí y también de la cantidad de CPU que tengas en tu computadora. Pero sin importar el número que esto se muestre aquí, establece este pequeño listón tan alto como vaya, y debería hacer que tu experiencia de arreglo sea un poco mejor. Ahora esta siguiente sección solo aplica para FL Studio, pero sí tenemos este pequeño botón de sobrecargas seguras. Asegúrate de que esta luz esté encendida. Esto simplemente detiene la interfaz de congelarse si se encuentra con algún problema. Simplemente hace que el arreglo que un poco más fácil para ti. Así que asegúrate de que esto esté encendido. También asegúrate de que este piojos con discapacidad bofetada esté encendido. Lo que está marcado deshabilitar hace es que apaga los plugins que no estás usando. Entonces, ya sabes, si hay poder de procesamiento
innecesario yendo a un plugin que no estás usando. Esto, lo apagaremos automáticamente para
que pueda liberar la CPU para otras cosas que estás haciendo. También puedes subir aquí a herramientas, macros, y switch smack deshabilitado para todos conmutados inteligentes, deshabilitarlo para todos los Plugins. Esto solo le dirá al software que una especie de refrescar ese ajuste en caso de que tu perro se encuentre con alguna pierna. A continuación, tenemos esta pequeña configuración de calidad de remuestreo aquí abajo. Ahora puedes configurar esto en la calidad de muestreo que prefieras. El 512 es alto y hará que tu laptop disminuya la velocidad. Y aquí hay dos ambientación. Esto es realmente de baja calidad, así que lo hará, acelerará tu laptop, pero no sonará tan bien. Por lo que cuanto mayor establezca esta calidad de remuestreo, más lento procesará el sonido su computadora. Y cuanto más bajo hayas dicho, más rápido procesará el sonido tu computadora, pero el sonido no sonará tan bueno cuando esté configurado en esta configuración baja. A mí me gusta mantener mi entremedio en el medio porque es una especie de medio feliz entre el más bajo y el más alto. Y realmente no me importa si estoy perdiendo en alguna calidad de audio mientras estoy mezclando. Un ajuste final que podemos hacer es que podemos entrar en esta ficha general aquí y bajar a las animaciones caídas. Entonces si configuras esto para que no me distraiga, Esto apagará todas las animaciones que está haciendo el software para que tu CPU no esté tratando de procesar ningún tipo de objetos visuales innecesarios, así como el audio. Ahora, en realidad me gustan las animaciones y mi computadora es lo suficientemente rápida como para ejecutarlas. Por lo que me gusta guiarnos en ambos. Puedes apagarlo si te encuentras con algún problema o solo querías liberar algo de energía extra de CPU. Entonces eso es todo lo que necesitamos saber para optimizar nuestro DAW. Pasemos a la siguiente sección donde aprenderemos a construir tambores para EDM.
7. Uso de swing: Entonces lo primero que vamos a estar viendo en esta sección de tambor de edificio es usar swing. ¿ Qué es swing y cómo podemos usarlo para nuestras pistas? En realidad vamos a estar usando esto desgraciadamente, no sólo en la batería, sino en casi todos los elementos de nuestro track. Swing es un giro bastante difícil de definir, pero creo que es mucho más fácil de entender una vez que lo escuchas. Entonces si echamos un vistazo a estos dos beats de batería, uno de ellos no tiene swing, y el otro sí tiene swing. Entonces el primero que jugaré es el beat que no tiene balanceo. Y luego jugaré el beat que sí tiene swing. Entonces, vamos a tener una escucha ahora. Ahora no hay demasiada diferencia entre estos dos beats, pero uno de ellos tiene un grupo mejor que el otro. Y esto es por swing. Swing como un arma secreta que todos los productores de EDM deben conocer. Entonces echemos un vistazo a esta pieza por aquí. El ritmo que no tiene swing. Y ya veremos cómo debemos seguir aplicando swing. Entonces lo primero que notamos es que el patada está en el primer, segundo, tercero, cuarto beats del bar. El aplauso está en la segunda y la cuarta b al comprador. Pero el hass y esta precaución y esta muestra de precaución, no
están al ritmo de la barra ahí en realidad en medio de cada golpe del comprador. Por lo que estas pequeñas secciones entre los beats de la barra, estas se llaman pasos. Entonces para aplicar swing, tenemos que tomar cualquier cosa que esté en el segundo o el cuarto escalón, tenemos que retrasarlo en un cuarto de paso. Ahora sé que suena como que hay muchas matemáticas involucradas, pero no las hay. Entonces si subimos aquí a este pequeño menú desplegable snap to grid, si hacemos clic en esto y vemos, vemos un cuarto de paso aquí. Por lo que sabemos que queremos retrasar el muestreado en un cuarto de paso. Por lo que voy a seleccionar cuarto paso. Y lo que eso hace es que divide los escalones en cuatro escalones más pequeños. Entonces si hago zoom aquí, puedo ver que tengo mucho más pequeños pasos con los que jugar. Entonces lo que vamos a hacer es retrasar la muestra que estaba en el cuarto paso. Vamos a retrasarlo en un cuarto de paso, arrastrándolo hacia la derecha. Una vez. Vamos a hacer lo mismo para esta muestra de aquí, que también está en el cuarto paso. Por lo tanto, da vuelta al paso cuarto, arrástralo hacia la derecha una vez, y eso lo retrasa por un cuarto de estampilla. Entonces si escuchamos esta pequeña sección que acabamos de hacer, esta pequeña sección editada, escuchará que se ha aplicado el swing. Pero si toco el resto del, ese mismo bucle de batería al que no le hicimos ninguna edición. Veremos que no se aplica el swing. Ahora había otra forma rápida de crear swing en FL Studio. Y eso si subes aquí a esta pequeña sección de patrones. Y si construyes tu patrón de batería aquí, en lugar de la lista de reproducción, podemos crear swing mucho más fácil. Entonces lo que voy a hacer es construir un patrón de batería rápido
agregando el bombo de patada en cada,
cada uno de los tiempos. Entonces eso es un extranjero. El piso b's. Voy a sumar el aplauso en el segundo, cuarto beat. Voy a poner el sombrero abierto en el medio. Entonces en el paso medio, voy a poner eso ahí. Y luego voy a poner la precaución En el cuarto paso. A lo mejor el tercer paso, el mismo que el sombrero. A lo mejor el segundo paso, y el cuarto paso otra vez. Por lo que el software sabe qué paso aplicar el swing también. Por lo que este pequeño parámetro aquí arriba, esto se llama swing principal. Y si ponemos esto arriba, esto realmente aplicará swing para nosotros. Entonces voy a tocar el Bs y como el avión beats, voy a aumentar esto lentamente y vamos
a escuchar cómo está el software para aplicar swing. Y puedes notar que sin swing aplicado, en realidad
suena muy, muy robótico. Por lo que definitivamente debes intentar usar swing en tus pistas. Pero para otros no, tendrás que usar este método snap to grid cambiando el snap a grid a la subdivisión que quieras y luego moviendo la muestra real misma, retrasándola. Ahora, creo que ya lo he explicado. Está bien. Pero si estás confundido, por favor házmelo saber y te ayudaré lo mejor que pueda. En la siguiente conferencia, nos fijamos en los principales elementos que conforman los tambores EDM.
8. Elementos principales de la batería de EDM: Por lo que durante los próximos minutos, vamos a ver todos los elementos principales que conforman un patrón de tambor EDM. Ahora el primer elemento que conforma un patrón de tambor EDM es el bombo de patada. Esta es la base de todas las remolachas. Y un buen tambor de patada realmente puede hacer que tus patrones en el flujo. Después del bombo, tenemos el aplauso o la trampa. Un club es mucho más común en EDM, pero puedes usar una trampa en lugar de la pinza. Por lo que esto estrechan los aplausos deben producir un sonido agudo y
a menudo tocará en el segundo cuarto b al comprador. Tengamos una escucha. A continuación tenemos un prominente sombrero offbeat. Un sombrero offbeat siempre irá en el tercer paso del beat, o exactamente entre dos beats. Este sombrero es igual de importante como el pateador, la pinza, y definitivamente debes incluirlo en tus beats. También tenemos este sombrero, que se llama el sombrero del medidor, y se llama sombrero del metro porque toca el metro de la pista. O más simplemente, juega en los cuatro beats del bar. Podrías llamarlo un sombrero de cuatro en el piso si quieres. Vamos a escuchar cómo suena esto en los patrones de aire. Después del sombrero medidor, tenemos este pequeño azúcar de fondo. El agitador de fondo a menudo se pasa por alto, pero realmente puede llenar algún espacio vacío y un patrón de tambor. He aplicado swing a mis sombreros de fondo ya que algunas de las muestras están en el segundo y el tercer escalón del beat. Por lo que si estás usando la primaveral, necesitarás aplicar swing a estos sombreros. Hagamos una escucha a cómo suenan en el patrón. Siguiendo esto, tenemos el sombrero de relleno. Por lo que estos son solo sombreros extra altos que agregas para efecto rítmico. Se usan de la misma manera que la precaución, pero usaríamos un sombrero hi en lugar de un sonido de precaución. Ahora los sombreros fedora, no son necesarios, pero sí hacen que un patrón de tambor suene un poco más profesional. Entonces, veamos cómo suenan en el patrón conocido. Por lo que también tenemos estos pequeños elementos de percusión rítmica. La precaución rítmica es algo que puedes agregar si quieres, pero puedes dejarlo fuera si no te gusta o lo necesitas. Precaución que usa swing realmente puede agregar al surco de tu pista. Si sientes que necesitas agregar más groove de lo que agregar en algún swing Percussion puede ayudar. Mi precaución es usar swing y creo que
realmente sí se suma al groove en la pista. Tengamos una escucha. Por último, tenemos esta percusión lanzada. Por lo que la precaución de pitch es un poco diferente porque tiene un tono o nota audible. Si podemos dañar la misma nota que la precaución, entonces está lanzada. Por lo que bungalows, tabletas o cencerros, todos req res como percusión lanzada. Estoy usando un sonido de cencerro. Entonces veamos cómo suena eso en el contexto del patrón de tambor. Por lo que estos son los principales elementos que conforman un patrón de tambor. Hay cosas adicionales que podemos hacer para realmente que un patrón de tambor suene bien. A libro, hablaremos de esos cuando vengamos a construir el patrón de tambor. Por ahora, solo pasaremos a la siguiente conferencia y aprenderemos sobre la estratificación y cómo elegir tus muestras de tambor.
9. Encontrar muestras de batería Sutiable: De acuerdo, entonces en esta conferencia, vamos a hablar de capas de tambor y cómo puedes encontrar estas capas para usar en tus propios patrones de tambor. Entonces si echamos un vistazo aquí, tengo dos patrones de configuración. Ahora este patrón es el mismo patrón de tambor que utilicé en la última conferencia. Pero este patrón de tambor por aquí, esto es ligeramente diferente debido a la agregada algunas capas extra. Ok, entonces si acercamos y echamos un vistazo a este patrón de tambor, en el patrón de tambor original, solo
usé este aplauso, pero en este patrón de tambor, tengo un aplauso extra, y también tengo una trampa aquí abajo, y todos están en capas juntas para hacer un sonido mucho más grande. Así que vamos a alejarnos ahora y tener una escucha al patrón de batería original. Y luego tendremos un escuchar el patrón de tambor de capa, ver las diferencias entre ambos. Ahora no es una diferencia mayor, pero se puede escuchar que este patrón es un poco más lleno y en realidad
suena un poco más profesional porque éste suena muy vacío y es, es un notable, es un audible, cosa notable cuando un productor no capa. Por lo que definitivamente debes tratar de capas tus sonidos en tu pista. Entonces ahora vamos a seguir adelante y buscar algunas capas. Entonces voy a entrar en este pequeño pack de muestra aquí para que
puedas descargar samples backs de internet gratis o de pago, por dinero, o lo que prefieras. Pero luego cuando las cargas en tu software lo suficientemente bien o estudio de todos modos, vienen por aquí y creo que es lo mismo habilitado
ahí dentro en algún lugar del lado izquierdo, ellos, aparecen. Pero yo, voy a entrar en este audio modo práctica de muestra. Esto en realidad viene con FL Studio. Entonces si sí descargas la versión gratuita de FL Studio, obtendrás este pack de muestra y podrás pasar por todos estos sonidos aquí y usarlos para construir tus propios tambores. Entonces lo primero que voy a decir sobre el estratificación es nunca capas tu patada, ¿de acuerdo? Patadas que obtienes en paquetes de muestras. Ya están en capas porque las personas que sacan los paquetes de muestra, no
quieren, quieren venderte el mejor tipo de cosas que suenan que puedan. Por lo que ya capas cosas para ti. Entonces con la patada porque es un instrumento básico, no
quieres capas eso a menos que sepas exactamente lo que estás haciendo. Pero te recomendaría que escojas una patada que te guste. Entonces de este paquete de esas cargas aquí dentro, en el tipo predeterminado de cosa FL Studio, pero hay cargas aquí dentro. Y te recomiendo no capas tus patadas. Ok. Así que solo escoge un ejemplo que te guste y arrástrelo aquí y empieza a construir tu patrón. No obstante, podemos capas u otras cosas como las aplausas. Entonces echemos un vistazo a los aplausos Ahora. Entonces cuando estás, cuando estás buscando capas de aplauso, debes buscar un aplauso corto y un aplauso largo. Entonces un aplauso corto es relativamente agudo y una especie de rapido, u otra palabra para eso es transitoria. De acuerdo, así son los transitorios, este es este pequeño estallido corto de energía que ocurre al inicio de cualquier sonido. Entonces podrías, podrías escuchar a productores diciendo que el sonido es muy transitorio. Bueno, estamos buscando aplausos transitorios o cortos. Entonces si pasamos por algunas de estas abrazaderas y vemos si
podemos encontrar algún aplauso corto y luego veremos si podemos encontrar algún aplauso largo. Y vamos a tener una escucha. ¿ Entonces todos estos suenan un poco cortos? Sí, algunos de ellos que uno es un poco largo y en realidad hay una cola puesta y se puede ver ahí. Bajemos aquí a estas casa. Generación aplaude. Sí. Estos son, estos son grandes aplausos largos y ruidosos. Está bien. Esa es genial para que puedas capas este largo aplauso con uno de estos aplausos más cortos aparecen. Y cuando los dos se
junten, en realidad harán una aplauso que suena mucho más lleno. Y es una especie de secreto que muchos productores de EDM no quieren que sepas es que tienes que capas tus tambores, tus instrumentos, deberías capas todo. También puedes poner u otras cosas con los aplausos. Puedes capas en algunas trampas solo por un poco de desperdicio, o también puedes capas de percusión. Ahora la grasa de camello hace mucho esto. Ellos, en realidad usan la percusión como capa en lugar de una trampa. Por lo que tendrán su aplauso Schrock en su largo aplauso y son capas con una de estas precauciones de sonido fresco. Y eso podría darle a tu patrón de tambor algo muy único e interesante. Entonces si quieres probar eso cuando estás construyendo un patrón de tambor, adelante. Y ahora pasaremos a los hi-hats se echará un vistazo al sombrero alto. Entonces de manera similar a los aplausos con los sombreros altos buscaban un sombrero corto y a lo largo de sombrero, o en otras palabras, un sombrero cerrado o una casa abierta. Ahora, el cerrado y abierto que apenas viene de un kit de batería donde cuando tienes el sombrero alto en el lado izquierdo del baterista, puede o bien cerrarlo o abrirlo cuando te acerques, suena muy corto y rapido. Y si lo abres, es un poco más largo y algo así tiene un poco más de historia. Entonces lo que buscamos es un sombrero cerrado y un open house, o en otras palabras, una taquigrafía y un sombrero a lo largo. Entonces en realidad porque puedo ver aquí que hay o sombreros, que estoy asumiendo significa abierto en. Entonces todos estos son bastante largos. Por lo que usarás estos como tu sombrero largo. Y entonces este sombrero c puede ser tu sombrero cerrado o tu sombrero corto. Están abiertos y en realidad se hace como una O, pero miramos el mar, cerrado, cerrado. Este de aquí está cerrado. Entonces tu capa, el sombrero corto con el sombrero de pulmón, y obtendrás un sonido de hi-hat realmente bonito. También cuando hablamos de sombreros, tu otra mitad de lado, del sombrero medidor y del sombrero de relleno. Se desea usar atajos para ellos. Porque si usas sombreros largos, empezará a superponerse a las otras muestras y sonará un poco desordenado. Entonces asegúrate de que estás usando sombreros cortos para el sombrero medidor, que es el extranjero que tenía el piso, creo que lo llamamos. Y estás usando una taquigrafía para el tipo de sombreros de relleno extra ¿usaste en el lugar de precaución? Asegúrate de que esos sombreros estén usando muestras
cortas y cortas como esta. De acuerdo, entonces para tu agitador de fondo y que tengas en el fondo del patrón de tambor para llenar espacio. Deberías, debes usar una coctelera, ¿de acuerdo? Puedes, definitivamente puedes usar un sombrero hi. Pero el único problema es usar un sombrero hi si es para una especie de clicky. Al igual que esos están un poco bien. Pero esa, si eso es, si estás usando esa de fondo,
son dos clicky y en realidad terminará distrayendo al oyente. Entonces yo, acabo de aconsejar que vengas aquí a los shakers, la carpeta Shakers y echa un vistazo a una muestra de shaker. Una especie de corto cuando buscas corto porque de nuevo, no
quieres que sean demasiado largos para solapar las otras muestras. Ahí. Esa es una encantadora. Esa es una bonita. Por lo que podemos usar todos estos agitadores de fondo como nuestro agitador de fondo. O puedes hacer el tuyo propio, ya sabes, puedes grabar el tuyo propio en tu micrófono si consigues algo de arroz y lo pones como un cartón de leche vacío o algo así, puedes hacer el tuyo propio. Puedes ser creativo. Y definitivamente creo que si haces tus propias muestras, si haces tus propios sonidos, estás trayendo algo único a la mesa y algo diferente que muchos sellos discográficos podrían haber escuchado antes. Entonces si puedes hacer tu propia coctelera, si te sientes creativo, como si pudieras poner algo diferente, tal vez algunas uñas o algo en una lata de pintura o algo así, puedes hacer una coctelera bastante cool que suena diferente a otros agitadores que están por ahí. A continuación miramos la percusión. Por lo que tenemos dos tipos de precauciones. Tenemos la percusión rítmica y la percusión lanzada. En esto. En ocasiones los obtienes por separado, como con algunos de los packs de venganza, dirá instrumentos de percusión y percusión. Y los instrumentos de percusión serán los que estén lanzados. Pero aquí parece que todos están en el mismo tipo de carpeta. Pero eso está bien. Simplemente podemos pasar por algunos de ellos y tener una escucha a qué tipo de subsección hay. Y eso definitivamente está lanzada. Yo puedo, puedo Homero. Ahí, voy a lanzar sonidos. Ella también, éstas parecen estar lanzadas ahí. Eso será un, un sin afinar puede ganar en muestra lanzada que puedes usar. Tan solo asegúrate de que las muestras de percusión que estás usando sean bastante cortas porque las estás usando para efecto rítmico. Por lo general. Por lo que
quieres, quieres agregar al groove con ellos. Entonces si son demasiado largos, para llevar de la ranura y terminará sonando demasiado suave. Entonces, cuanto más corta sea
la muestra, más surco que realmente tienes y realidad ten en cuenta ese punto para las otras muestras también. Cuanto más corto que, cuanto más cortos sean, más surco tendrá tu patrón. Entonces ahora que sabemos cómo capas y buscar capas, estamos listos para construir un patrón de tambor. También te estaré dando algunos consejos extra que no he mencionado
hasta ahora que realmente te ayudarán a construir un patrón de batería de sonido profesional. Así que asegúrate de ver la próxima conferencia completa a través de todo el camino para que no te pierdas ningún tips.
10. Construir un patrón de batería: Entonces ahora que conocemos todos los elementos que entran en la construcción de un patrón de tambor, sabemos qué es la estratificación, sabemos cómo capas, y también sabemos cómo encontrar tus capas. Por fin estamos listos para construir nuestro propio patrón de tambor. Ahora sí dije que te iba a dar algunos consejos en esta conferencia sobre hacer un patrón de tambor de zonificación realmente profesional. Lo que voy a hacer es que te voy a dar estos consejos primero. Y luego avanzaremos y usaremos los paquetes de muestras de aquí para crear nuestro propio patrón de tambor. Entonces el primer consejo que quería darte fue este de aquí. Y este consejo es donde se agrega en un bucle de batería adicional que se puede encontrar en paquetes de
muestra como una capa encima de su propio patrón de tambor. Entonces solo voy a tocar el bucle por su cuenta y ya veremos a qué suena eso. Entonces este bucle no es nada de fantasía. Es sólo algo hatsune, algunos aplausos. Y ahora lo que voy a hacer es tocar las capas que he añadido sin el bucle ellas y ver a qué suena eso. Por lo que en realidad tenemos un agregado en esa gran parte de sólo añadido en un patada, un sombrero de metro y un sombrero fuera de ritmo. Tengo aplauso inverso aquí y echaremos un vistazo a cómo hacerlo en una conferencia por venir. También tengo este largo aplauso, Algunos lanzaron percusión. Ahí hay elemento de percusión y nombrado no. También echaremos un vistazo a lo que es un punto de nota en algunas conferencias por venir. Pero por el momento, simplemente no como eso. He añadido en algunas capas extra en la parte superior de este bucle, estos sombreros y aplausos. Entonces vamos a tener una escucha a todo
el patrón de tambor con el loop in y veremos a qué suena. Ahora es importante agregar en este tipo extra de muestras usted mismo, estas capas extra. Porque si escuchamos el drum loop por su cuenta con este kick drum, también
va a sonar muy, muy vacío. Entonces vamos a tener una escucha a lo que suena con el kick drum hands-on. Y eso suena bien. Pero es importante agregar tus capas extra porque cuando agregas las capas extra, suena mucho más completo y profesional. Entonces volvamos a escuchar con todas las capas añadidas. Entonces el otro consejo que quería darte era este propina de aquí. Ahora este consejo es muy similar. Es de nuevo, es otro bucle que se agrega como capa,
pero en cambio esta vez se llama bucle de verbo de masa. De lo que es amass verbo, es una especie de extremo de cola de un efecto de reverberación. Y ha sido looped. Pero suena un poco como viento o aire. Entonces lo que eso hace es que solo llena el espacio vacío que dejan los patrones de tambor. Entonces si escuchamos el patrón del tambor, Amazon. Entonces, en realidad hay mucho espacio vacío entre las muestras del anuncio en este bucle verbo masivo, llenará ese espacio y es realmente sutil, pero es algo bastante inteligente que hacer si sientes que tu patrón de tambor es un poco vacío o necesita algo extra. Entonces escuchemos todo el patrón con el bucle de verbo de masa agregado en. Y ahora si saco ese bucle de verbo de masas, y ahora mucho backend. De acuerdo, entonces ahora estamos listos para construir nuestro propio patrón de tambor. Entonces lo que voy a hacer es que voy a borrar y estos para que no se metan en el camino. Editar, eliminar. Y luego me voy a desplazar por aquí para que esas coloridas pistas, no nos distraigan. Entonces vamos a empezar con la patada. Y voy a usar el modo audio sample pack aquí para que si sí descargas la versión gratuita de FL Studio, puedas trabajar a mi lado y a ti. Y también tendrás las mismas muestras y yo estoy usando para que puedas seguir exactamente lo que estoy haciendo. Entonces empecemos a buscar una patada y vamos a dar clic al primero aquí. Y lo que podemos hacer con FL Studio es que podemos, podemos audicionar las patadas usando nuestra tecla de flecha. Por lo que podemos desplazarnos hacia abajo muy rápido y tener una escucha a todos ellos. Entonces me voy a desplazar muy rápido y
escuchar todas las patadas y encontrar una patada que me gusta el sonido de sus 13. Me gusta bastante el sonido de esto. Entonces lo que voy a hacer es que lo voy a arrastrar a la lista de reproducción justo aquí. Simplemente acercaré eso para que podamos ver qué estamos haciendo. Vuelve a las pistas, y luego vamos a pegar este kick drum en los cuatro beats a la espalda. Entonces sólo voy a copiar eso otra vez para que tengamos una especie de patrón a,
un patrón de dos barras. Ahora no voy a capas Mis patadas porque estas patadas a mí, ya
suenan en capas. Están bastante llenos y gordos y realmente no hay necesidad de agregar un resplandor adicional porque no quiero estropear la gama baja de mis pistas, así que voy a dejar la patada tal como está. Y vamos a subir aquí y echar un vistazo a las aplausas. Entonces como sabemos, aplaude, Buscamos un aplauso corto y un aplauso largo. Entonces echemos un vistazo y audicionaremos los aplausos de alguien y
encontraremos un buen atajo para usar en nuestro patrón. Este suena bien, así que voy a arrastrar este dentro. Por lo que voy a colocarlo en el segundo beat del bar y también en el cuarto beat del bar. Y luego va a copiar eso en la segunda mitad de los patrones. A ver cómo suena eso ahora. Entonces lo que voy a hacer es primero los voy a agregar a la pista del mezclador presionando este pequeño botón de pista aquí. Y usando esto, puedo bajar estos. Ahora no sé por qué la patada y el aplauso se han ido tan lejos, pero por el momento no importa. Simplemente los estamos bajando para que no nos lastime los oídos. Entonces, volvamos a tener una escucha. Entonces ahora vamos a buscar un aplauso pulmonar. Por lo que yo recuerdo, esta generación de casas aplaude. Estos fueron bastante largos. Sí. Me gusta mucho el sonido de éste, así que voy a arrastrar éste y colocarlo en los mismos beats que el corto aplauso. Y también voy a bajar eso en la pista del mezclador también, solo para que no nos lastime los oídos. Tengamos una escucha. Ahora si saco ese laboratorio de tiburones y si lo vuelvo a agregar, es una diferencia sutil, pero sí hace la diferencia. Entonces vamos por aquí ahora y luego vamos a echar un vistazo a sumar en una trampa son precauciones. Para que podamos envolver una trampa con nuestros aplausos Para que suene un poco más gordo o morfo. Pero creo que voy a intentar agregar algunos sonidos de percusión como camuflaje, CO2 y su música. Entonces voy a pasar por el, algunas de estas muestras y sólo tener una escucha y encontrar una que creo que podría funcionar. Este suena genial. Voy a enlistar esto con mi aplauso. Entonces lo voy a arrastrar y colocarlo en los mismos beats que todos los demás aplausos. Y haremos una escucha a cómo suena ese patrón Ahora en un minuto, solo, bajaré esto y haremos una escucha a cómo suena este patrón. Ahora esa capa de precaución en realidad agrega una textura realmente fresca a los patrones. Entonces lo voy a dejar adentro. Lo siguiente que podemos ver son nuestros sombreros. Entonces otra vez, con los sombreros, como los aplausos, Buscamos un sombrero corto y a lo largo de sombrero. Entonces, según recuerdo, estos sombreros de ataque eran bastante cortos. Entonces en realidad este 15 y tal vez no. Tan solo ten una escucha a algunos de ellos. 25. Yo quisiera mandar un 25. Entonces voy a arrastrar eso y lo voy a colocar en el medio. Entonces en el tercer paso, acercaré aquí, el tercer paso del ritmo. Entonces coloquemos esto en todos los escalones de turd a lo largo de todo el patrón. Copia todos estos. Y lo que haré es bajarlos en el mezclador y luego tendremos una escucha a lo que suenan en el patrón. Tengamos un oyente. Entonces ahora vamos a buscar un sombrero de pulmón o el sombrero abierto. Entonces nos desplazaremos hasta aquí e intentaremos encontrar uno. En realidad me gusta el sonido de esto. Este es bastante guay. Entonces, arrastrémoslo a nuestro patrón. Ponlo en los mismos escalones o beats que d sombrero corto. Y luego otra vez, trayendo al mezclador solo para bajarlo un poco. Y tendremos una escucha a lo que suena eso. El patrón sonó bastante bien hasta ahora, pero aún tenemos algunos elementos más para sumar. Entonces el siguiente elemento que vamos a añadir es el sombrero de relleno. Por lo que este sombrero de relleno tiene que ser una taquigrafía otra vez. Entonces vamos a buscar uno de estos cerrados uno de estos sombreros c. Y veremos cuál suena bien que podríamos sumar. A mí me gusta el sonido de éste, así que voy a sumar esto. Voy a colocarlo en tal vez el cuarto paso y quizá el segundo. Entonces vamos a copiar eso a través de todo el patrón. Aquí. Creo que uno más aquí. Entonces ahora, porque estos están en el cuarto y el segundo escalón, tenemos que aplicar swing. Pero no tenemos que hacerlo, pero yo quiero, así que voy a encender este ajuste de cuarto paso y moverlos en un cuarto de paso. Y ahora tendremos una escucha a cómo suena el patrón tan pronto como haya
bajado esto en la pista del mezclador. Entonces vamos a tener una escucha ahora. Entonces eso suena bastante bien hasta ahora. El siguiente elemento al que vamos a echar un vistazo es el agitador de fondo. Entonces vamos a subir aquí, cerrar los sombreros altos Fuller y bajar aquí a la carpeta Shakers y tener una escucha a algunos de estos agitadores que podríamos sumar. Ahora, creo que recuerdo que estos agitadores sonaban bastante bien. Sí, me gusta el sonido de agitar de ataque o diez. Entonces voy a arrastrar esto. Lo que voy a hacer es ponerlo en cada paso del ritmo. Entonces si hacemos zoom aquí, Ese es el primer paso. Colóquelo en el segundo escalón, colóquelo en el tercer escalón, y también lo colocará en el cuarto escalón. Ahora los he puesto en la parte inferior porque es más fácil para mí aplicar swing porque de nuevo, estos están en el segundo y el cuarto escalón. Y debido a que ya hemos establecido la primaveral en nuestro patrón, tenemos que aplicar Swing Time a todo lo demás que sumamos. Entonces lo que voy a hacer es que los voy a compensar por un cuarto de paso. Entonces ahora eso se aplica swing a ese pequeño mini patrón, ese pequeño mini patrón ahí. Entonces lo que podemos hacer es que podemos copiar eso a través de todo el patrón. Y luego podemos ver cómo suena eso en el contexto del baterista. Entonces vamos a bajar esto en la pista del mezclador y luego tendremos una escucha rápida,
uh, el ataque sacudido o suena como en el patrón. Entonces me gusta el sonido de eso. Y lo siguiente que vamos a ver es la percusión. Entonces si subimos aquí y echamos un vistazo a alguna precaución que podríamos sumar. No sé qué tipo de progresión voy a añadir, así que sólo voy a audicionar algunos de estos y ya veremos cómo suenan. A mí me gustan estos. Me gusta el sonido de esta precaución para. Entonces vamos a sumar en precaución para y lo vamos a sumar en tal vez el cuarto paso. Y lo vamos a sumar en y el tercer paso de la siguiente barra, del siguiente beat. Entonces este es en realidad un patrón muy común, es agregarlo en el cuarto paso y luego en el tercer paso. Y reservar porque tenemos, hemos agregado en el cuarto paso, tenemos que aplicar swing a esto, a esta muestra. Y luego podemos copiar este pequeño mini patrón a través de todo nuestro patrón de tambor. Entonces hagámoslo realmente rápido. Y de nuevo, solo para bajarlo para que no sea forma de cargar. Y tomará un escuchar el patrón de tambor completo que acabamos de construir y veremos a qué suena. Entonces así es como vas a construir tu patrón de tambor. Vas a venir y vas a buscar algunas patadas. Y entonces los aplausos y trampas son precaución para encastrarse. Entonces tu corto tu sombrero de pulmón, algún sombrero de relleno, una coctelera de fondo. Y luego finalmente, puedes sumar un poco de precaución si quieres también. Entonces en la próxima conferencia vamos a ver algo de panning y luego vamos a echar un vistazo a alguna automatización después. Y cómo podemos automatizar el panning y el volumen para hacer que este patrón de tambor suene aún mejor.
11. Uso de panar: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a la panning y qué es la planificación y cómo se puede utilizar en sus pistas. Por lo que panning es un concepto relativamente sencillo de entender. Simplemente toma un instrumento o una
muestra de tambor o especie de cualquier elemento que tengas en tu pista. Y se coloca ya sea a la izquierda o a la derecha. Entonces si tienes un piano en tu pista y tienes pandas 20% a la derecha. Entonces cuando un oyente está escuchando tu atracción, ese piano sonará como si viniera de la derecha de ese oyente. Panning es en realidad muy importante para el sonido general de tu pista porque puede hacer que suene un poco más amplio y a su vez, un poco más profesional. Entonces estaremos aplicando panning a muchas cosas a lo largo de este curso. No sólo tambores, sino que he abierto un patrón de tambor que
teníamos en los elementos principales de la conferencia de tambores EDM. Y sólo vamos a echar un vistazo a cómo podemos aplicar panning a este patrón de tambor y hacer que el patrón suene un poco más profesional. Por lo que el primer elemento que tenemos en este patrón es el bombo de patada. De acuerdo, entonces vamos a escuchar el bombo de patada. Y lo primero que quería decir sobre el panning es que nunca escuchas tu bombo de patada. ¿ De acuerdo? El bombo junto con el bajo, es como la base para tu atracción. Por lo que no quieres panear el kick drum ni tu base, porque lo que pasa es que el track sonará un poco desequilibrado. Y tú realmente, realmente quieres un núcleo fuerte para tu atracción. Se quiere una base fuerte. Entonces no lo hacemos, nunca volamos el tambor de patada. Entonces sólo vamos a dejar el bombo como está, porque está saliendo del centro. Pasemos ahora a este siguiente elemento, que me parece un sombrero fuera de lo común. Entonces lo que voy a hacer es hacer doble clic en él y luego voy a subir aquí a la pista del mezclador. Y cuando hago doble clic en
él, sólo una especie de resaltar dónde está ese elemento en la pista del mezclador. Entonces puedo ver ahora que este hash en particular, Está saliendo del canal número cuatro. Entonces podemos bajar aquí ahora a esta rueda pequeña y esta es la rueda de panning. Entonces si yo, entonces si traigo esto todo el camino a la izquierda, el sonido saldrá del lado izquierdo. Y si traigo esto todo el camino hacia la derecha, entonces el sonido saldrá del lado derecho. Y a esto se le llama dura izquierda y dura derecha. Entonces, cuando haces panecillos algo que queda al 100%, se llama dura izquierda. Y cuando escuchas algo, un 100% derecho, se llama Herodes ¿verdad? Ahora generalmente en EDM no hacemos panear las cosas duro a la izquierda y a la derecha dura, a menos que estés tras unos resultados muy específicos. Pero lo que voy a decir es que si planeas hacer algo de panning, solo tal vez mantenerlo en alrededor del 90% de arroz como máximo. Sólo porque si tú, si terminas por panear todos estos diferentes elementos, completamente dura izquierda y dura derecha. Te estropeas el sonido general de tu pista. Por lo que la insulina restablece estos de nuevo y vamos a echar un vistazo a planear este sombrero fuera de lo común. Entonces lo que voy a hacer es que lentamente voy a panear esto a la izquierda hasta que me guste donde suena. Por lo que me gusta el sonido de este offbeat ha panned. Y esto está al 50%. En realidad puedes mirar aquí arriba. En este pequeño panel y FL Studio, y te dirá en qué valor has establecido el parámetro. Entonces en realidad me está diciendo que he puesto esto en el 50%. Entonces pasemos ahora al próximo sombrero y tendremos una escucha a cómo suena esto. Ok, entonces voy a abrir la pista del mezclador. Y en realidad antes que nada, voy a hacer doble clic en esto solo
para que pueda resaltarlo para que pueda ver dónde está y está todo el camino por aquí en el número diez. Entonces lo que vamos a hacer es que lo vamos a solista y a escuchar solo esta muestra en particular. Y como está jugando, voy a panel a la derecha. Entonces lo voy a dejar al 50% también. Entonces el mismo tipo de valor que el otro sombrero que está jugando al mismo tiempo. Porque cuando volvemos a sumar los dos juntos, el sonido general debería sentirse más equilibrado porque ambos están planeados con el mismo valor. Entonces, si tomamos una escucha ahora, estas dos muestras juntas deberían sonar equilibradas, pero también muy bien separadas por todo el campo estéreo. Entonces, vamos a tener una escucha. Entonces, cuando haces panear las cosas, en realidad puedes
escoger los elementos individuales un poco mejor. Entonces cuando estos estaban algo pegados juntos en el centro, sonaba así. Pero si los separamos ahora planeando uno a la izquierda y el otro a la derecha. Suena así. Y es solo una experiencia más placentera para el oyente. Así que vamos muy rápido a través de todas las muestras de aquí y las haremos panear. Entonces este es el aplauso pulmonar. Entonces voy a entrar aquí y creo que voy a panear esto puede ser 20% a la derecha. Tengamos una escucha. Y luego voy a venir aquí y voy a abrir esta pinza. Y debido a que son dos aplaude la obra al mismo tiempo, voy a plantar ésta en alrededor del mismo 20% a la izquierda. Vamos a tener una escucha a lo que estos a diferencia juntos. Entonces voy a bajar aquí a este sombrero de relleno. Y voy a hacer doble clic en él. Y va a destacar que está en la pista seis. Y con el sombrero de filtro, creo que voy a ser un poco más extremo. Voy a panear esto tal vez todo el camino más del 85% a la derecha. Entonces, escuchemos cómo suena esto cuando sale, su mayoría del canal correcto. ¿ De acuerdo? Y el siguiente elemento que tenemos aquí es el sombrero medidor. Entonces creo que con el hash medidor, sólo
voy al planeta un poco a la izquierda. Sólo por el bien de tener una bonita especie de imagen estéreo. Y también en un verdadero beso de tambor, los sombreros son una especie de posición al lado izquierdo del baterista. Entonces solo voy a imitar eso usando este sombrero medidor. Entonces vamos a tener una escucha que tiene el medidor cuando está saliendo ligeramente de la izquierda. Ahora vamos a tener una escucha a este agitador de fondo. Y lo voy a abrir aquí arriba en la pista del mezclador. Entonces está en el canal dos. Por lo general, con la rueda de panning para agitadores de fondo, en realidad automatizamos. Entonces no lo voy a tocar ahora, pero vamos a echar un vistazo a automatizar esta rueda de panning en la conferencia de automatización que está por venir. Entonces solo voy a dejar esta rueda de panning para el agitador de fondo solo. No lo voy a tocar ahora porque vamos a estar lidiando con esto en la próxima conferencia. Entonces voy a pasar a esto, que es un sonido de percusión. Entonces vamos a entrar aquí y está en la pista siete como podemos ver. Entonces voy a panear la precaución a la derecha porque en un tambor real los niños a Tom pueblos están como a la derecha. Entonces vamos a cocer esto, tal vez 60%, ¿verdad? Veamos cómo suena esto. Y luego pasaremos a los siguientes elementos que vamos a,
vamos a panear y esto es ocho sin seguimiento. Entonces vamos a tener una escucha de lo que es esto. Entonces esta es nuestra percusión lanzada. Ahora podemos panear esto ya sea a la izquierda o a la derecha, pero lo voy a panear a la izquierda sólo por el bien de balanceado porque he perfilado el otro elemento de precaución a la derecha. Entonces vamos a cagar esto tal vez 55%, ¿verdad? Y tener una escucha a lo que suena eso. ¿De acuerdo? Ahora escuchemos lo que es esto y creo que esta es la trampa. Sí. De acuerdo, entonces por el bien del equilibrio, en realidad
voy a dejar la trampa saliendo del centro porque la trampa está jugando al mismo tiempo que estos aplausos. Y ya hemos perfilado los aplausos. Hemos perfilado uno de ellos a la izquierda y el otro a la derecha, lo cual es equilibrado. Entonces no quiero alterar la balanza paneando este tipo de hacia la izquierda,
hacia la derecha porque entonces tendremos dos elementos saliendo por la izquierda y uno viniendo por la derecha. Y si lo giro hacia la derecha, tendríamos dos elementos saliendo de la derecha y uno saliendo de la izquierda. Entonces lo voy a dejar en el centro para que tengamos uno viniendo al centro, uno saliendo por la izquierda, y otro saliendo a la derecha. Entonces veamos qué son satelitales junto con la trampa y el centro. Y mientras está tocando ahí, sólo voy a panear la trampa ya sea a la izquierda de la derecha y sólo tener una escucha y ver lo que suena a ti mismo. Y puede que te guste el sonido de esto, y eso está absolutamente bien. Si quieres panear tu trampa ya sea a la izquierda o a la derecha, puedes, depende de ti, pero prefiero el sonido de la trampa que viene al centro solo por el bien del equilibrio. Entonces lo voy a dejar y pasaremos a este elemento final aquí, que creo que es otro sonido de Percusión. Y aún. Entonces esta es en realidad una capa con sonido de desproporción aquí arriba. Entonces ahora tenemos dos opciones. Podemos panear este sonido de Percusión está saliendo de 12. Sí. Entonces ahora tenemos dos opciones. Podemos panear este
sonido de Percusión a la derecha para que ambos estén saliendo del canal correcto. O podemos hacer lo que hemos estado haciendo hasta ahora y pegarlo a la izquierda para que quede equilibrado. Ahora bien, cualquiera de estas opciones es absolutamente aceptable y depende de ti, lo que quieres hacer. Pero voy a panear el mío
al arroz porque creo que crea un poco más de un sonido interesante. Y también, como dije antes, como
que quería imitar el sonido de
un kit de batería real como si el oyente estuviera sentado en la posición de los bateristas. Entonces voy a mantener esta precaución y la otra precaución saliendo del canal correcto. Entonces vamos a tener una escucha a todo el patrón ahora con todos los elementos planeados. Entonces espero que puedan escuchar que el patrón suena un poco más profesional ahora. Y también ese bios que separan los diferentes elementos que conforman el patrón, estamos creando más de un sonido interesante para el oyente. Entonces como ya dije, vamos a pasar a
la siguiente conferencia ahora donde echaremos un vistazo a la automatización y también echaremos un vistazo a automatizar el agitador de fondo en un patrón de tambor.
12. Parámetros de automatización: Entonces vamos a usar esta conferencia para hablar de automatización. La automatización es una parte importante a la hora de organizar cualquier pista porque puede evitar que la pista suene demasiado robótica. Ahora si quieres que algo cambie en el transcurso de la pista, en realidad
podemos decirle al software que haga eso por nosotros. Y eso es lo que es la automatización. Cada oscuro y hacer la automatización. Pero el método para hacerlo es un poco diferente. Puedes averiguar con bastante rapidez cómo automatizar un punto más nuevo si solo lo buscas en internet. Pero en FL Studio, es relativamente simple. Simplemente hacemos clic derecho en el parámetro que queremos automatizar. Entonces si entro en el mezclador aquí y hago clic derecho en el parámetro de panning. Puedo ver aquí se abre esta cajita y puedo hacer click crear clip de automatización. También puedo crear un clip de automatización en esto. Y puedo crear un clip de animación en esto. Para que puedas crear clips de animación en cualquier cosa que quieras. Entonces vamos a automatizar el panning para el agitador de ataques de nuestros tambores para que suene un poco más interesante. Entonces voy a hacer clic con el botón derecho del ratón en el panning y voy a decir crear clip de automatización. Eso va a crear este pequeño clip aquí arriba. Y luego voy a arrastrar esto hasta el fondo y podemos echar un vistazo a cómo lo usamos. Por lo que un clip de automatización tiene dos puntos de anclaje al crearlo. Al principio tiene uno a la izquierda y otro a la derecha. Y lo que podemos hacer es mover estos puntos de anclaje donde queramos. Entonces puedo mover esto hacia abajo a la izquierda, y puedo mover esto hacia arriba a la derecha. Y lo que eso significa es que ahora la planeación va de izquierda a derecha. Entonces escuchemos el patrón y escucharemos que el agitador va de izquierda a derecha gradualmente como el lugar del patrón. Entonces este es un efecto cool, pero te voy a demostrar que es una técnica muy común que hacen
los productores con sus agitadores de fondo. Y realmente puede permitir que tu imagen estéreo suene profesional. Entonces vamos a ver qué hice ahí es que estaba, acabo de provocar el clip de automatización en el primer BCE porque solo nos quiero para esta sección del patrón. Y lo que voy a hacer es que voy a panear los agitadores de izquierda a derecha. Por lo que cada uno, cada segundo agitador sería paneado a la derecha. Entonces estoy, estoy haciendo clic derecho. También puedes agregar en tu propio anclaje, puntos de
anclaje a clips de automatización. Y FL Studio, solo tienes que hacer clic con el botón derecho, pero puedes probar en tu propio tipo de formas. Entonces estoy una especie de dibujado en estas formas de paso arriba y abajo. Para que cuando jueguen los Shakers,
jueguen de izquierda a derecha. Echemos un vistazo a esto y que los escuchen tocando de izquierda a derecha. Entonces lo que podemos hacer entonces es con el clip de automatización, el pequeño mini uno, podemos pegarlo a través de todo el patrón. Y luego podemos escuchar cómo suena todo el patrón con los Shakers siendo panteados de izquierda a derecha. Ahora porque también podemos automatizar cualquier otra cosa que creo que voy a automatizar el volumen. Entonces con tus agitadores de fondo, definitivamente
deberías automatizar el volumen porque al hacer esto, puede agregar mucho más groove y te mostraré cómo agregar en ese grupo usando el volumen. Por lo que acabo de hacer clic derecho en él y voy a crear nuestro clip de animación. Voy a subir aquí y cerrar eso. Y luego voy a arrastrar el clip de automatización hacia abajo y voy a hacer lo mismo. Voy a hacer clic en esta herramienta de afeitar y voy a cortar en el primer golpe, eliminar el segundo, la parte no deseada del clip de automatización. Y voy a dibujar, y voy a dibujar en la forma que quiero y este clip de animación, ok. Entonces lo que hacemos es hacer que el primer checker sea muy tranquilo. De acuerdo, entonces estoy haciendo clic derecho otra vez para secarlo, para agregar estos puntos de anclaje extra. Después hacemos el segundo agitador un poco más fuerte. Y luego hacemos el tercero, el tercer agitador, muy alto. Y luego el último agitador, lo
hacemos con la misma sonoridad que el segundo checker. Y luego si dibujamos este clip de automatización a través de todo el patrón, eso hará que el agitador suene así. Por lo que suena un poco más realista y menos como si una computadora lo estuviera jugando. Ahora si agregamos también en la automatización de panning, sonará así. Y ahora si agregamos en todo el patrón, veremos qué diferencia hacen los clips de automatización con el sonido general del patrón. Ahora si elimino la automatización, suena así. Y tal vez te guste el sonido de eso, pero tiendo a preferir el sonido del panning cuando se agrega a los agitadores. Entonces voy a dejar la planeación en mi patrón y alguna vez volveremos a escuchar. Ahora otra cosa que puedes hacer es que yo creo que la panning aquí, esta automatización de panning es un poco demasiado extrema. Entonces voy a dar la vuelta, voy a arrastrar un poco estos puntos de anclaje para que
no sean tan extremos como lo eran en primer lugar. Entonces voy a arrastrar este hacia abajo, arrastrar esto hacia arriba para que no sea tan extremo. Y luego arrastra este también hacia abajo. Por lo que esto podría sonar un poco, un poco más realista. Tengamos una escucha. Sí, se ha deshecho de ese tipo de sonido clicky que estaba pasando porque teníamos estos panned. Eso se llama dura izquierda y dura derecha. Entonces si hago panear esto totalmente a la izquierda, eso se llama dura izquierda. Y si lo hago por completo Correcto, eso se llama Herodes, ¿verdad? Pero en general, no hacemos esto. Nosotros tipo de, podríamos planeta tal vez 85-90 por ciento a la derecha o 90% a la izquierda, pero por lo general no hacemos panecillos a la izquierda dura o a la derecha a menos que estemos buscando un tipo específico de resultado. Pero para tus agitadores, no los encuentres completamente a la izquierda y a la derecha, solo déjalos algo así como menos extremos. Ahora en FL Studio podemos panoramizar cualquier cosa, podemos planear nuestros instrumentos que tenemos aparecen en la sección de patrones, o podemos panoramizar nuestros efectos o lo que quieras. Podemos, en realidad lo haré, abriré un efecto aquí y abriré este efecto de retardo, y subiremos aquí y echaremos un vistazo. Entonces si hago clic derecho en alguno de estos parámetros, el volumen, el desplazamiento, el tiempo, cualquiera de estos parámetros. Va a crear un clip de automatización para mí. Y también puedo crear un clip de animación sobre cualquier tipo de efecto de terceros que no venga con el software. Entonces si abro este efecto phasor de Dios, este es un plugin de terceros que puedes comprar, pero también podemos automatizar cualquier parámetro en un plugin de terceros. Ahora el método de automatizar los parámetros en un plugin de terceros es un poco diferente, pero solo te voy a mostrar cómo hacerlo muy rápido. Entonces si tomamos este tipo de LFO, no
puedo hacer clic derecho en él. Si hago clic con el botón derecho en él, trae esto porque los plug-ins de terceros tienen su propio tipo de sistema de uso. Entonces cuando haces clic con el botón derecho en algo en un plugin de terceros, No va a abrir esa pequeña ventana que dice crear clip de automatización. Pero lo que podemos hacer es hacer clic y mover ligeramente el parámetro que se
desea automatizar y luego subir aquí a herramientas, abajo a último retoque y luego crear clip de automatización. Y lo que eso hace es que va a crear el clip de automatización en la ventana de la lista de reproducción para cerca me estaba moviendo allí, que es la tasa LFO. Entonces como se puede ver aquí, Dios phasor, tasa LFO. Y ahora puedo automatizar eso para ir de una especie de abajo abajo. Y en realidad dejaré esto abierto para que veas
qué le está haciendo el clip de automatización a la perilla. Entonces en la parte inferior está a la izquierda y en la parte superior está a la derecha. Entonces veremos como el,
el patrón juega que este NADH se mueve de izquierda a derecha. Tengamos una escucha. Entonces así es como usas la automatización en tus pistas. Pero en realidad no es tan difícil de entender. Es sólo algo que usamos cuando queremos que el software cambie algo para nosotros ya que se está reproduciendo la pista. En la siguiente conferencia, vamos a ver cómo afinar nuestras muestras de tambor para que podamos una especie de pegarlas un poco más.
13. Afinar tus muestras de batería: Entonces en esta conferencia, vamos a ver cómo afinamos nuestras muestras de tambor. Por lo que afinar tus muestras de batería es muy importante para el sonido general de tu pista porque puede hacer que el arreglo y el sonido mixto sean mucho más limpios. También puede ayudar a pegar los diferentes elementos que utilizas para construir tu patrón de tambor. Puede ayudar a pegarlos juntos y hacerlos sentir como si hubiera más parte de la misma familia. Entonces de nuevo, como todo lo que hemos estado hablando, cada DAW tiene una forma diferente de hacer esto, pero cada oscuro y hacer esto. De acuerdo, entonces si vamos al canal maestro, voy a abrir un plug-in en FL Studio llamado Edison, que está aquí arriba. Entonces edison, cuando abres, se ve así. Y, y es un plugin realmente poderoso. Pero uno de sus principales usos es que te puede decir cuál es el tono de cualquier muestra, o tambor o vocal o cualquier cosa que pongas en ella te puede decir el tono. Entonces abramos este bombo de patada aquí y vemos que sale la ventana de muestra. Entonces voy a hacer clic en esta forma de onda y Dragón hacia Edison aquí. Y si hago clic derecho y Edison en la forma de onda y hago clic en regiones. Y luego vengo aquí abajo y digo detectar regiones de tono. Podemos ver que Edison lo ha escaneado y dice que está en D-sharp. De acuerdo, así que siempre toma la primera región de lanzamiento que te da, así que D-sharp tres. Entonces voy a afinar el resto de mis tambores a D-sharp tres. Ahora si cambia la clave de mi pista, si cambio la clave de mi pista a e, digamos que hago algunos acordes y E menor. Bueno entonces tendré que cambiar las muestras de tambor para que coincidan con eso. Tendré que lanzar los tambores los sintonizan para que también estén sintonizados con E. Pero por ahora sólo voy a afinar el resto de los elementos al bombo porque en realidad no tengo todavía una pista aquí. Entonces el tambor de patada no es D-sharp tres. Entonces vamos a afinar el resto de las muestras a D-sharp tres. Entonces solo voy a ir y especie de cierre a la esquina aquí, así que lo hace un poco más ordenado. Y voy a pasar por cada una de estas muestras. Entonces voy a hacer doble clic en la muestra del clip y otra vez en el canal maestro, abrir Edison, arrastrarlo. Y vamos a ver cuáles son los lanzamientos. Entonces en realidad ya está sintonizado con D-sharp, así que eso es perfecto. No necesitamos tocarlo. Abramos la siguiente muestra. Entonces hay siguiente muestra es el largo aplauso. Carguemos. Vamos a hacer clic en el canal maestro y abrir de nuevo Edison. Y arrastraremos en el pulmón aplauso y veremos qué tono tiene esto. Entonces de nuevo, desplácese hacia abajo a regiones, detecte regiones de tono. Y podemos ver, si hacemos zoom aquí dice un,
un cuatro, entonces es un a. ¿De acuerdo? Entonces ahora tenemos dos opciones que podemos sintonizar, podemos afinar esta muestra a la raíz, que es d agudo. O podemos sintonizarlo ya sea al tercero o al quinto del acorde. ¿ De acuerdo? Y este fue uno de los requisitos que necesitabas para el inicio del curso porque no voy a explicar la teoría de la música. Pero si sabes cuál es el tercero y el quinto para D-sharp, sabrás que lo más cercano a una es el quinto del afilado, que en realidad es un agudo. Entonces si hacemos clic en este pequeño, esta perilla de tono de aquí, podemos mover esto ya sea hacia abajo o hacia arriba, OK, lo levantaremos y bajaremos o lo lanzaremos hacia abajo. Entonces voy a lanzar abajo a lo voy a lanzar arriba, lo
siento, de a a aplicaciones de Asia,
voy a lanzarlo arriba por $0.100 en $0.100 en la esquina aquí otra vez, sólo te
voy a mostrar una foto de vuelta hacia abajo. Si miras la córnea aquí, te dirá cuánto la estás lanzando arrastrando hacia arriba y
dice $0.100 entre un $0.100 significa un semitono. Ok. Para que las drogas que lo levante de a a a afilado. Entonces solo lo reiniciaré y escuchamos el aplauso. Y luego si lo configuramos. Entonces ahora si escuchamos ambos aplausos Y la patada juntos, deberían sonar un poco más relacionados entre sí. Ahora, sólo voy en pitches para que podamos ver cómo suena antes. Es una diferencia muy sutil, pero sí hace que suene mucho más limpio. De acuerdo, así que nos volvamos a dejar. Y lo que harás es ir por todos tus tambores y los lanzarás a la nota raíz, que es D-sharp, disuadida, que sería g, o la quinta, que será un shock. O dependiendo de la clave de tu track, sintonices tus tambores apropiadamente, también
estará afinando otros elementos a medida que pasemos por el curso, como voces y bucles externos. Y ya sabes, algunos de los efectos y cosas que veremos más adelante. Pero por ahora, con tus patrones de batería, ten una oportunidad para afinar las muestras de tambor entre sí y ver si hace una diferencia en el sonido general.
14. Manipulación de tus muestras de batería: En esta conferencia, vamos a ver cómo manipular sus muestras de tambor. Entonces podemos hacer algunas cosas bastante geniales como revertir una muestra. Y te mostré esto antes en una de las últimas conferencias donde realmente invertí una muestra de aplausos. Y lo volveremos a hacer aquí y te enseñaré cómo hacerlo. Pero primero, saquemos este bombo de patada por aquí y
acabaremos de recorrer esta pequeña sección para que podamos escucharla como un lugar. De acuerdo, ahora voy a abrir la ventana de muestra y vamos a echar un vistazo a todas las cosas que podamos hacer. Entonces, en primer lugar, ya sabemos desde la última conferencia que podemos manipular el terreno de juego. Para que pueda lanzar esto todo el camino allá arriba. Puedo lanzarlo todo el camino hacia abajo. Y eso lo reiniciamos. También tenemos este ajuste que es una perilla de multiplicación o de estiramiento de tiempo. Entonces si arrastramos esto hacia abajo, entonces si arrastramos esto hacia abajo y en realidad acorta la forma de onda, y si la arrastramos todo el camino hacia la derecha, alarga la forma de onda. Ahora esto puede ser un efecto cool cuando se hace equipo con la perilla de lanzamiento, si lanzamos esto tal vez a $0.600. Puedes encerrar este sonido con otro kick drum y puede hacer una especie realmente genial de sonido techno. Vamos a agarrar realmente rápidamente un tambor de patada aquí, como éste. Y escucharemos cómo suenan juntos. Mira esto, copia de seguridad. Y ya ves si lo teníamos, si bajamos un poco esto, podría sonar un poco mejor. Sonará así. Entonces ese es un efecto bastante cool que puedes hacer con el sampler aquí. Y va a
volver a restablecer estos pequeños parámetros y eliminar ese bombo que tenía. Simplemente restablece esta copia de seguridad a donde quiera que estuviera. Entonces otra cosa que puedes hacer en la ventana de muestra es que puedes estirar el tiempo. Y con este parámetro, estira mucho más el tiempo que el multiplicado o lo hace, si estiramos el de este escritor, como se puede ver, la muestra se hace ridículamente larga. Pero de nuevo, usando este perilla, puedes hacer algunos efectos cool y estratificarlo con otro bombo para hacer una especie de textura de patada interesante. Nosotros pusimos eso. Entonces si bajamos aquí a estos efectos precalculados, podemos ver aquí hay un pequeño botón para revertir, y esto es lo que hice cuando estaba revirtiendo el aplauso. Acabo de hacer clic en esto y se invierte la muestra para nosotros. Y cuando apagamos la luz, pone normal la muestra de patada. Entonces echemos un vistazo a revertir una muestra de aplausos. nuestro patrón de tambor. Ok, entonces solo vamos a bucle patrón de tambor y vamos a subir aquí y buscamos un aplauso. Puedes usar un atajo o un aplauso largo o cualquier tipo de basura que te guste. Pero voy a usar sólo uno de estos cortos aplausos Aquí. Voy a arrastrar esto. Y lo que hacemos es revertir el aplauso en cualquier momento que veamos un aplauso jugando aquí. Por lo que hay ataque Lab 16. Ponemos el aplauso inverso inmediatamente delante de él. Entonces vamos a revertir este sonido. Y como pueden ver, es de inmediato, lo arrastraré hacia arriba. Es de inmediato frente a la del aplauso original. Entonces veamos esto y veamos cómo suena con un aplauso inverso. Simplemente haré que el bucle viva más tiempo. ¿ De acuerdo? Ahora lo que podemos hacer es con ese Clap, podemos arrastrarlo a todo el otro colapso así. Y el último aplauso. Y si lo tocamos, y ahora si tocamos todo el bucle y escuchamos el aplauso invertido junto a los aplausos originales, sonará así. Y si estás usando un aplauso inverso, lo que harías es que entrarías en el mezclador y harías el aplauso inverso un poco más silencioso que los otros aplausos. Entonces el otro aplauso parecía estar aquí abajo en alguna parte. Entonces voy a bajar esto ahora y vamos a tener una escucha. Entonces otra forma en que puedes manipular tus sonidos es si vienes aquí y echas un vistazo a estos en parámetros de una hora. Ahora, uso mucho el parámetro out, especialmente para los gustos de este agitador. Entonces este agitador, es un sonido bastante rápido, pero se puede ver la cola del sonido continúa mucho más allá de todos los demás agitadores. Entonces lo que podemos hacer es mover este parámetro hacia arriba, y en realidad se desvanece mucho más rápido el sonido de la muestra. Entonces como puedes ver aquí, el sonido ha ido de aquí a aquí. Y si miramos aquí también, si buscamos en una playlist que lo que está haciendo, En realidad es deshacerse de ese cuento que no quiero. Por lo que ahora vamos a entrar en la muestra. Este es un parámetro útil para si arrastras una muestra y es un poco demasiado largo, pero realmente te gusta el sonido de esto. En realidad podemos, en realidad podemos tomar ese sonido y reduce mediante el uso del parámetro out. Así. Toma este largo aplauso. Reducirlo mediante el uso del out. Reducirlo aún más. Entonces ahora suena así. Y lo que puedes hacer es que puedes tener dos versiones. Por lo que podrías tener este tipo de aplauso corto como capa. Y luego cuando llegues a tu sección de drop, puedes tener un segundo aplauso que no tenga activado el parámetro out. Y suena así entonces. Entonces echemos un vistazo a hacer eso. Entonces lo que voy a hacer es que voy a hacer que esta muestra única para que cualquier cambio que haga en la muestra no afecte a los demás. Entonces como puedes ver ahora, esto se ha ido al número dos. Por lo que esta muestra ahora es completamente diferente a las muestras de aquí. Y lo voy a hacer es, voy a borrar esta y
voy a copiar esta muestra número dos. Y voy a hacer efecto a estos. Entonces voy a subir el parámetro de salida de la manera completa hacia arriba. Y se puede ver que no está afectando a estos, sólo
está afectando al número dos. Entonces vamos a escuchar ahora para ver cómo
suena el patrón con el aplauso corto primero y luego el pulmón después. Entonces esta es una técnica realmente interesante que puedes hacer en tus pistas para crear progresión. Por lo que las pistas tipo de crece a medida que se juega. Te voy a mostrar una cosa más que puedes hacer con tu bombo de patada y manipularlo. Entonces si volvemos a esta ventana de muestra, podemos venir, si hacemos clic en esto, esto solo se llama efectos target. Pero podemos bajar aquí a pogo. ¿ De acuerdo? Ahora, lo que hace pogo es que cambia de forma la forma de tu sobre de descomposición. Ni siquiera sabes lo que eso significa. Todo lo que necesitas saber es que cuando lo arrastras hacia la izquierda, como
que empuja la forma de onda hacia arriba contra sí misma, es un poco que la aplasta contra esta pared. Y si lo pones de otra manera, hace
lo mismo pero con un tipo diferente de curva. Está bien, pero ambos lados suenan diferentes. Entonces vamos a tener una escucha a lo que suena en el lado derecho. Esto es lo que sonaría si no lo aplicáramos. Y así es como suena, completamente a la izquierda. Entonces lo que puedes hacer con el pogo es si tienes una patada a la que quieres agregar más transitoria o quieres hacerlo más clicky. Podemos arrastrar un poco el pogo hacia la izquierda y hará que el sonido sea más clicky. También puedes arrastrarlo hacia la derecha para que el sonido sea un poco más suave. Entonces esa es solo otra herramienta útil que puedes usar para manipular tus muestras de tambor. En la siguiente sección, vamos a ver cómo construir patrones de acordes y cómo
puedes elegir instrumentos que suenan bien para tus discos.
15. Construir patrones de acordes: Por lo que esta conferencia es todo sobre la construcción de patrones de tarjetas para EDM. Ahora, es posible que nunca uses patrones de acordes en tus pistas, o puede que siempre uses patrones de acordes en tus pistas, pero es importante entender cómo construir un patrón de acordes. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a subir aquí y vamos a empezar con un simple instrumento polifónico. Entonces voy a elegir las llaves FL. Polifónico significa que el instrumento puede tocar más de una nota al mismo tiempo. Entonces un piano. Sabemos lo que el piano que podemos tocar, acordes que podemos tocar más de un nodo al mismo tiempo. Si tienes un instrumento que no puede tocar más de una nota al mismo tiempo, entonces esto sería considerado un instrumento monofónico. Por lo que instrumentos como la gripe o la grabadora ahí, monofónicos ya que solo pueden tocar una nota al mismo tiempo. Yo me voy a quedar con este piano sin embargo, porque sé que es un instrumento polifónico, y voy a hacer clic derecho en el pequeño instrumento de aquí. Y voy a tomar un rollo de piano para llevarnos a donde podamos empezar a introducir notas para nuestra cancha. Entonces lo primero que notamos es que esto se ve un poco diferente a la ventana de la lista de reproducción, pero funciona en el mismo principal. De acuerdo, entonces tenemos bar uno, bar dos, bar tres, bar cuatro por aquí, y también tenemos nuestros beats. Por lo que este es el primer beat, el segundo beat, el tercer beat, el cuarto beat. Y luego en medio de estas cuentas tenemos nuestros pasos. Uno, paso, dos, paso tres, paso cuatro paso. Por lo que opera exactamente de la misma manera que la lista de reproducción. Entonces voy a empezar por poner un nought aquí en C. Voy a jugar con algunas de las notas que podría agregar. Podría agregar uno aquí en el tercer paso, y luego podría agregar uno. Y el segundo paso, tal vez el cuarto paso, y luego el tercer paso otra vez aquí. Entonces veamos cómo suena eso hasta ahora. Y creo que es un poco más rápido. Voy a bajar el BPM a 128, nuestro medio feliz. Y voy a volver a tener una escucha. Entonces cuando estás creando patrones de cordón, una cosa que querías asegurarte es que tus notas no se estén tocando entre sí. Porque cuando los nodos se están tocando entre
sí, puede sonar un poco aficionado Si no vuelve a hacerlo a este patrón. Y ahora voy a acortar el nonce que se están tocando. Entonces voy a acortar esto no para que no esté tocando este. Y voy a acortar esta nota. No está tocando este. Y también voy a acortar este porque cuando bucle,
cuando el cabezal de reproducción vuelve a dar vueltas, esta nota en realidad está tocando esto no así que lo voy a acortar aquí, y eso somos nosotros en el patrón. Ahora. Cuando usas notas más cortas, en
realidad crea surco de Marvel. Y groove es muy importante para EDM porque eso es lo que pone a la gente en sus honorarios y bailando. No quieres que tu patrón de acordes suene demasiado suave. Querías sentir como si fuera una especie de apuñalar al oyente con estos cortos, estos se llaman notas staccato. Ese es sólo el término musical para corto y un poco rápido. Vamos a volver a escuchar estas notas de staccato en el patrón. Entonces lo que voy a hacer ahora es que voy a duplicar esto. Y voy a arrastrar los nodos duplicados hasta el quinto del acorde de C, que es G. Así que escuchemos ahora cómo suena cuando estamos tocando el nodo raíz y la quinta nota al mismo tiempo. Y de nuevo, lo voy a duplicar y voy a arrastrar los nodos duplicados hasta el tercio de C, Y lo voy a hacer menor. Entonces C menor, tenemos D-sharp. Entonces escuchemos ahora este patrón de acordes menor. Con las notas cortas, las cortas notas staccato agregando al surco. Tengamos una escucha. Ahora, quería agregar swing a este patrón. Entonces una cosa que podría hacer es que pudiera salir del patrón y me vendría bien el balanceo aquí arriba para poder subir esto. Si nosotros, si encendemos el metrónomo, que tocará el medidor, podemos escuchar sobre el patrón sonará como cuando haya tambores tocando. Entonces vamos a encender el metrónomo y tener una escucha al medidor de la pista mientras se está reproduciendo el patrón. Ahora voy a volver a este rollo de piano haciendo clic en esto. Algo interesante que hacer en tus patrones de acordes es duplicar las notas superiores. Nuevamente, ponerlos arriba tal vez a la octava. Entonces ese es otro nodo de C. Así que tenemos C5 aquí abajo y luego tenemos C7 aquí arriba. Y lo que podemos hacer es si cambiamos algunos de estos nodos. Entonces yo soy, llevo esto hasta un D, y llevo este C hasta un D-Sharp, entonces podría bajar este C a otro nodo de la escala, un afilado. Y podría llevar esto no a G, que es el quinto. Y dejaré este en C. Veamos cómo suena este patrón. Ahora. Voy a apagar el metrónomo y en realidad voy a presionar comando y presionar la flecha abajo, que desplazará las notas hacia abajo una octava para que no estén tan altas. Entonces ahora, si queremos acortar todos estos nudos al mismo tiempo, lo que podemos hacer es poder resaltarlos todos y podemos intentar arrastrar. Pero lo que notarás es que el arrastre no está funcionando si no los hace más cortos. Y eso se debe a que estas notas aquí son lo más cortas que posiblemente puedan ir. Pero si subimos aquí a nuestro snap to grid, bajamos de nuevo y decimos, queremos que los pasos sean más inteligentes. Así que volvamos a elegir cuarto de paso. Y ahora puedes ver que divide los escalones en cuatro escalones más pequeños. Y ahora podemos acortar todos los nodos al mismo tiempo. Cuanto más cortos sean los nodos, más surco tiene su patrón. Escuchemos estas naughts más cortas en el patrón. Volvamos a encender el metrónomo. Ahora lo que podemos hacer es copiar todo este patrón y podemos
duplicarlo de nuevo y pegarlo por aquí. Y si quieres, puedes cambiar la raíz nada, que es C. Así que este es un acorde de C. Podemos cambiar el nodo raíz a otro nodo de la escala. Entonces voy a arrastrar esto hacia abajo a G sharp, que es el sexto en una escala menor. Y voy a ver cómo suena eso ahora. Entonces puedo oír que algo está chocando y es este G. Así que este G está chocando con este G-sharp. Entonces en realidad voy a lanzar esto para arriba que también es un G-sharp. Entonces ahora tenemos G agudo y un D agudo, que es el quinto de G-sharp. Y tenemos C, que es el tercero. Por lo que estos nodos son todos parte del mismo acorde. Por lo que debería sonar bien. Y puedes tener tu patrón mucho más vacío. Podríamos sacar este nudo aquí, estas notas, y las sacaremos del mismo lugar en la segunda mitad del patrón. Y podríamos quitar, perdón, también podemos quitar estos nudos. Eliminarlos en la misma parte de la segunda mitad. Y cuanto más vacío esté tu patrón de acordes, más brillarán los demás elementos de tu pista. Y vamos a echar un vistazo a eso cuando lleguemos a la etapa de arreglo del curso, cuando estamos viendo elementos de conducción y los elementos de tu pista, eso debería ser una especie de tomar el centro del escenario. Pero por ahora, solo debes saber que puedes tener tus acordes tan escasas o tan llenas como quieras. Entonces sólo voy a borrar estos ahora otra vez y empezar de cero porque hay algo de lo que quiero hablar, que es la sincopación, ¿de acuerdo? Ahora si ya has estudiado teoría de la música antes, podrías saber qué es la sincopación. Pero si no lo sabes, sincopación es donde tu nariz o tus golpes de tambor caen fuera de los latidos principales de la barra. Entonces sabemos que tenemos este vencido uno,
venció dos, venció tres, y venció cuatro. Por lo que estas notas por el momento no son sincopadas. Y cuando no usas la sincopación, tus tarjetas pueden empezar a sonar muy aburridas. Como si fuera a pegar en un, otro nodo aquí, mitad de camino a través de este nudo aquí como
tampoco sincopado porque es exactamente a mitad de camino entre ambos beats. Entonces tampoco va a sonar sincopado. Y puedo Pegar otra nota por aquí a mitad de estos dos. Y lo hará, sonará igual de aburrido como el primero en patrón sincopado. Tengamos una escucha. No obstante, si fuera a mover estos nudos, Faust y mover esto a la derecha, que será en el cuarto escalón. Y si fuera a tal vez para mover éste a la izquierda, que estaría en el segundo escalón. Esto creará sincopación. Ahora de nuevo, no deberíamos tener esos nodos tocando. Entonces voy a usar un medio paso aquí sólo para que estos sean más cortos. Y si volvemos a escuchar. Entonces este patrón ahora tiene un poco de sincopación. Pero si de verdad quieres hacer buenos patrones de cordón, debes tratar de evitar tener notas sobre los cuatro beats al comprador. Entonces mira aquí tengo una nota en el primer beat y tengo una nota en la segunda cuenta. Y tengo una nota en el tercer beat y tengo una nota en el cuarto beat. Lo que debes hacer es intentar evitar esto. Entonces vamos a mover esta nota al tercer,
tercer paso, y eso es disco movido sabe, tal vez al segundo paso. Ahora este patrón estará realmente sincopado y sonará mucho más Groovy. Y de nuevo, podemos duplicar esto y podemos arrastrarlo hasta el quinto, y podemos arrastrarlo hasta el tercero en el menor. Y el patrón era, me gusta esto. Entonces no puedo mostrarte paso a paso exactamente cómo construir un patrón de acordes porque todos tienen ideas
diferentes en su cabeza y todos tienen diferentes tipos
de ideas sobre lo que suena bien. Omar no suena bien. Pero lo que puedo hacer es que te puedo dar este tipo de consejos y pautas que puedes usar cuando estás creando tus patrones de núcleo para que los cordones y tu pista no suenen aburridos un robótico. Vamos a tener una escucha de nuevo este patrón con la sincopación que acabamos de agregar. Por lo que en la próxima conferencia, vamos a ver cómo elegir diferentes instrumentos para sus patrones de tarjetas.
16. Elige los instrumentos para los acordes: Entonces en esta conferencia vamos a hablar de elegir instrumentos para los tribunales. Ahora esta es absolutamente la parte más importante de hacer música electrónica. No necesitas saber diseñar tu propio sentido de fantasía porque si estás diseñando sonidos que no encajan bien, entonces es solo una pérdida de tiempo. Entonces creo que es importante ver cómo elegir presets, en
primer lugar, que encajen juntos antes de que realmente vayamos y hagamos nuestros propios sonidos. Entonces lo que tengo aquí es un pequeño patrón de cordón que creé en el piano. Y es bastante simple. Es solo que esto comenzó con la grosería sincopada y que duplicé el quinto. Y luego lo duplique de nuevo hasta el tercero en la menor. Y entonces simplemente cambié esta nada. Lo bajé a D, y bajé este nodo a D. Así que es realmente sencillo. Entonces simplemente pegué ese patrón, pegué ese mini patrón a través. Y luego cambio el nodo raíz a D-sharp, lo
cambié a G-sharp y luego volví a bajar a G-sharp. Pero la parte superior del acorde se mantiene igual. Es lo mismo todo el camino a través. Entonces escuchemos este patrón de acordes en el piano atascado FL Studio. Tengamos una escucha. Ahora lo primero que voy a decir de elegir tus sonidos es definitivamente no elijas el sonido del piano de stock. Todos los que hacen música, conocen el sonido de los pianos de stock off de Hertz. Entonces si se pretende mandar tus pistas a discográficas que rechacen el enseguida porque conocen el sonido del piano de stock. Para que puedas descargar. Literalmente hay millones de plug-ins de piano
gratuitos por ahí en internet que puedes descargar noticias. Por lo que te sugiero que descargues uno gratis y uses eso en su lugar. Lo que voy a hacer es que voy a entrar aquí y lo voy a reemplazar por un piano, plug-in de
piano que tengo, que se llama piano V2. Entonces veamos cómo suena este patrón con el nuevo sonido de piano. Ahora una gran cantidad de EDM utiliza como base un sonido de piano. Entonces si quieres quedarte con un piano, puedes, o puedes cambiarlo y convertirlo en sintetizador. Lo que voy a hacer es que voy a mantener este sonido de piano por ahora, y entonces podría volver y cambiarlo más tarde. Entonces al igual que nuestras muestras de tambor, debemos de capas son acordes. Entonces voy a subir aquí para agregar, y voy a añadir un sintetizador para capas con el piano. Entonces voy a capas uno de estos presets de ds. Ds darn es sólo el sintetizador de terceros que tengo. Pero puedes descargar muchos sintetizadores de terceros fuera de internet, combinarlos también. Entonces lo que voy a hacer es que voy a entrar aquí a la sección presintonizada y voy a bajar a liderar porque aquí es donde suena el pluck ahí. Y estos son los tipos de sonidos que buscamos son acordes. Entonces estamos buscando pelos y vamos a echar un vistazo a qué
son los bloques y un poco más de detalle cuando estamos pasando por hacer nuestros propios sonidos. Pero por ahora, si estás eligiendo tus presets, asegúrate de buscar estos sonidos de rebaño y dependiendo del sintetizador que estés usando, la palabra pluck podría ser PRK o tal vez PLC, o una abreviatura de la palabra, pero tú están buscando unos sonidos de pluck. Entonces voy a empezar aquí con este desplumado otoñal. Y voy a ver cómo suena esto en capas con mi piano. Entonces voy a entrar al rollo de piano y voy a copiar,
editar, copiar el patrón. Y luego voy a entrar en mi regla de piano sintetizadores. Y voy a editar, pegar esta taza, este patrón. Entonces veamos ahora cómo suena el sintetizador con el piano como capa. Ahora bien, me gusta bastante el sonido de ese sintetizador con el piano. Sólo voy a silenciar el piano para ver cómo suena el sintetizador. Amazon. Entonces lo primero que noto es que el sintetizador es un poco ruidoso, así que lo voy a abrir y voy a golpear esta rueda Settings que
pueda asignarla a una pista de mezclador. Y puedo bajarlo entonces sólo para poder escuchar un poco mejor el piano. La razón por la que estoy bajando el sintetizador es porque obviamente el sintetizador es capa. Y queremos que las capas se mezclen y suenen como si fueran un gran instrumento. No queremos poder escoger los diferentes sonidos. Queremos que todos los sonidos se combinen para crear un sonido grande. Entonces escuchemos otra vez y veamos si estamos recibiendo un gran sonido. Ahora podemos abrir ese sintetizador y podemos cambiar el sonido y ver si podemos encontrar algunos sonidos que no encajen. Will instantáneamente, puedo escuchar que este sonido no encaja porque es una especie de Fuerte y en realidad está tomando el control del piano. Entonces voy a hacerlo, voy a seguir adelante y no voy a escoger esto. No me gusta el sonido de esto. Vamos a bajarlo de nuevo, para que no esté dominando el piano. Eso suena bastante bonito. Me gusta mucho el sonido de estos crujientes presets, así que voy a dejar eso ahí dentro. Entonces cuando estás estratiendo tus patrones de acordes, una buena manera de capas sería pensar en el instrumento final que quieres crear. Entonces si bajamos esto por completo, sabemos que el piano es el instrumento principal. Entonces no queremos, no
queremos distraer del piano, pero sí queremos sumar al piano. Entonces vamos a traer aquí este pequeño instrumento. Ahora puedo escuchar que este instrumento tiene bastantes frecuencias altas. Suena, suena como si estuviera silbando. Entonces sabemos ahora que tenemos un instrumento principal y una especie de instrumento de tono alto. Con estas capas, en realidad nos falta un instrumento que pueda darle al patrón un poco de desperdicio. Entonces si volvemos a escuchar, el patrón suena bien, pero le falta el desperdicio que necesita. Entonces voy a duplicar este plugin ds arrancado bajando aquí y haciendo clic en clon. Y luego también voy a volver al rollo de piano y copiar el patrón de piano en nuestro nuevo sintetizador para que podamos escucharlo. Así que pulsa Editar y luego pega. Y luego voy a lanzar esto hacia abajo una octava. De acuerdo, así que presioné el comando y la flecha abajo para que ya haya bajado lo suficiente. Y podemos ver aquí, estas son las notas como las fantasmas de los otros patrones. Por lo que podemos ver los otros patrones están en realidad en esta octava. Y patrón árabe ahora está en la octava de abajo. Entonces escuchemos cómo suena esto con el mismo preset que el otro sintetizador. Entonces lo que no quieres hacer es que no quieras tener los mismos sonidos en capas con los mismos sonidos. Por lo que este preset es el mismo preset que utilicé en este sintetizador. Entonces lo que queremos hacer es que vamos a cambiar esto. Entonces cambiémoslo. Veamos cómo suena el siguiente preset. Y en realidad lo que voy a hacer es que sólo lo voy a asignar a un enlaces diferentes atraen porque está asignado al mismo aquí, también
está en uno. Entonces, vamos a bajar este. No me gusta el sonido de eso, pero sí me gusta el sonido de eso, este sintetizador suena muy, muy bien con los otros dos centros, con el sintetizador y el piano en capas. Y escuchemos cómo suena esto con el patrón completo. Entonces este sintetizador extra que acabamos de agregar, eso es agregar desperdicio al patrón. Entonces si vuelvo a subir el sintetizador original que teníamos, suena agradable y aireado. Pero si quisiéramos agregar un poco más de formas, podemos agregar otra capa que esté inclinada una octava hacia abajo, y suena así. Entonces creo que estas capas abajo bastante bien. Creo que se combinan juntos para sonar como un gran instrumento. Y esto es lo que quieres hacer con tus capas también. Puedes tener Veinticinco capas diferentes siempre cuando todas se combinen para sonar como un instrumento más grande, entonces sabes que estás estratiendo correctamente. También tienes que escuchar críticamente y solo asegurarte de que los presets que estás eligiendo encajen bien. En la próxima conferencia, vamos a aprender a modificar estos presets y manipularlos para que puedan sonar exactamente como queremos.
17. Introducción a la síntesis: Entonces en esta sección, vamos a estar buscando la síntesis de sonido. La síntesis es un tema enorme, por lo que aquí sólo vamos a cubrir lo básico. Pero si te interesa la síntesis y el diseño sonoro, asegúrate de unirte a ese grupo de Facebook del que hablaba antes. Ya que estaré lanzando un curso sobre síntesis y diseño de sonido en el futuro. Y usaré a ese grupo entonces para anunciar cuando esté fuera. Entonces digamos que aquí tienes un patrón, pero algunos de los sintetizadores no suenan exactamente como tú quieres. Entonces digamos este sintetizador de fondo aquí, el sintetizador final se agregue en la última conferencia. Digamos que simplemente no te gusta el sonido de esto y quieres cambiarlo ligeramente. Entonces podemos entrar en este incisivo y en
realidad podemos modificar cosas diferentes como los osciladores aquí. Podemos retocar los sobres, podemos retocar los filtros, y podemos encender y apagar los efectos. Y podemos hacer todo este tipo de cosas para que el sonido sea diferente. Por ejemplo, si fuera a cambiar el sonido del oscilador aquí de diente de sierra. Entonces así es como suena con diente de sierra. Y si cambio esta síntesis, esto, perdón, este oscilador para tal vez publicar número cuatro, sonará así. Los componentes que encuentres en este sintetizador serán los mismos en cualquier sintetizador. El ya tendrá osciladores y sobres de amplificador y filtros y auto. Entonces no te preocupes si tienes miedo de que tu sintetizador se vea diferente porque todos operan de la misma manera. Entonces pasemos ahora al tipo de primera conferencia en esta sección de síntesis, donde aprendimos sobre los componentes del sintetizador y cuáles son sus funciones.
18. Componentes de sintetizador: Entonces en estas diapositivas, vamos a cubrir los mismos fundamentos de la síntesis de sonido para que puedas tomar decisiones informadas al ajustar o crear o sonidos. Existen diversos componentes diferentes que se combinaron para hacer un sintetizador. Y todos tienen su propio propósito específico. Entonces vamos a averiguar cuáles son estos y cómo podemos usarlos para nuestras pistas EDM. Entonces el primer tema del que voy a hablar es sintetizadores polifónicos versus monofónicos. Ahora, ya lo hemos mencionado brevemente cuando estábamos construyendo un patrón de acordes. Pero lo voy a volver a repasar aquí, sólo para que puedas estar seguro de lo que significa. Entonces un sintetizador monofónico, o un sintetizador mono, es un sintetizador que solo puede producir una nota en un momento dado. Entonces si quieres usar un sintetizador monofónico para acordes, en realidad no va a funcionar. No obstante, la mayoría de los sintetizadores modernos o polifónicos, lo que significa que pueden tocar más de una nota a la vez. Esto los hace geniales para sonidos de acordes y pads. Estos sintetizadores modernos también pueden funcionar como sintetizador monofónico si deseas usarlo de esa manera. Solo había un beneficio real de usar un sintetizador monofónico o configurar tu sintetizador para que funcionara como monofónico. Y es que son más expresivos que un polifónico enviado. El motivo de esto es porque los sintetizadores polifónicos sacrifican una pequeña pieza del diseño sonoro para
poder tocar más de una nota a la vez. Entonces si no necesitas tocar más de una nota a la vez, por ejemplo, líneas de base o melodías de plomo, entonces probablemente deberías simplemente configurar tu plugin de sintetizador en monofónico si te da esa opción. Entonces echemos un vistazo a Voces ahora. Una voz en física es sólo un medio resonante. Entonces si tomamos una guitarra, por ejemplo, bueno, cada cuerda de la guitarra es una voz porque son cada médiums que resuenan por separado. En teoría, una guitarra tendría seis voces. Bueno, en un sintetizador, las voces son solo los pequeños caminos de señal que tu sintetizador usa para crear el sonido. Estas voces están directamente relacionadas con el concepto polifónico del que hablamos en la diapositiva anterior. Entonces si tienes cuatro voces activas, entonces solo puedes tocar cuatro notas al mismo tiempo. Pero si tienes 16 voces activas, puedes tocar 16 notas al mismo tiempo, pero un nivel más avanzado, las voces pueden proporcionar textura adicional al sonido que intentas crear. Si configura su sintetizador en modo unísono, entonces el plug-in comienza a procesar todas estas voces por separado. Entonces puedes Desafinar cada una de estas voces de manera diferente para hacer un sonido mucho más gordo. Ahora, muy pocos sintetizadores realmente permiten ajustar manualmente cada voz. Pero por lo general se nos da un botón al unísono y un nub D2 con
el que podemos jugar, cuantas más voces pongamos para desafinar el ticker obtendrá la arena. Entonces si echamos un vistazo al ejemplo aquí en pantalla en la parte inferior izquierda, es solo una captura de pantalla de un plugin llamado Spire. Pero la imagen en la esquina inferior izquierda es de las voces donde podemos establecer cuántos nodos queremos poder tocar al mismo tiempo. Entonces en este caso, sólo podemos tocar cuatro notas al mismo tiempo. Y si echamos un vistazo a un pequeño ejemplo a la derecha, podemos ver que esta es la sección al unísono donde se nos da una perilla desafinada y una perilla de densidad. O podemos decir lo denso que queremos que sea el sonido. Y debajo de éstas, entonces tenemos la sección Voces donde podemos decir cuántas voces queríamos desafinar moviéndose a osciladores. Estos son los sonidos reales con los que está trabajando el sintetizador. Existen cuatro tipos principales de osciladores, y estos son seno,
cuadrado, diente de sierra y triángulo. No voy a entrar en por qué están moldeados de la manera en que están. Pero todo lo que necesitas saber es cómo suenan cada uno de ellos. Entonces, vamos a tener una escucha a cada uno ahora. Diré que antes de que lo hagamos, quizá
quieras bajar tu volumen o quitarte los auriculares porque estos sonidos pueden ser bastante perforantes cuando están en su forma más pura. Ok, entonces vamos a tener una escucha ahora. El primer ejemplo aquí es la onda sinusoidal. El segundo ejemplo que tenemos aquí es la onda cuadrada. tercer ejemplo es una onda triángulo. Y el último ejemplo que tenemos aquí es una ola de dientes de sierra. Entonces estos son los que usan los sintetizadores para crear el sonido que escuchas. Después se enruta a través de otros componentes como el ADSR y se filtra para cambiar fundamentalmente el sonido en algo nuevo. Algunos sintetizadores te darán mucho más osciladores que estos cuatro de aquí. Pero eso se debe a que o han sido moldeados por una forma de shaper o por modulación de frecuencia o tono. Entonces si te dan otra forma de oscilador para usar, realidad
se basa en una de estas cuatro formas. Si juegas con las diferentes opciones de oscilador en tu sintetizador, podrás escuchar los diferentes sonidos que producen. A continuación, examinaremos el componente ADSR. Entonces con esto, en realidad hay dos tipos. Hay un filtro ADS o y luego un amplificador ADSR. El filtro ADSR controla el filtro y hace que el sonido sea más o menos brillante. El amplificador ADSR controla el volumen y hace que el sonido sea más o menos fuerte. Para este curso, sólo nos preocupa el AMP ADSR. Pero es bueno estar consciente de que el otro tipo existe. Adsr significa ataque, descomposición, sostén, y liberación. Y se puede ver qué es la gráfica aquí del lado derecho, cómo funciona. Entonces ataque es cuánto tiempo tarda el sonido en alcanzar su nivel más alto. Por lo que puedes configurar esto bastante largo para hacer un tipo de sonido de pad fresco y
barrido. El decaimiento es el tiempo que tarda el sonido en alcanzar el nivel de sustain. Entonces sostener algo significa sostenerlo. Si tuvieras el dedo en la nota del sintetizador, este sería el nivel de sustain. Hacer que el nivel de sustain sea un poco más silencioso que el nivel de descomposición crea un sonido más natural. Y finalmente, el lanzamiento entonces es el tiempo que tarda el sonido en
llegar a menos infinito o 0 después de que la nota haya sido liberada. Entonces si le quita el dedo de esa nota, cuánto tiempo dura la banda sonora para desvanecerse, para silenciar. Todo en el ADSR es una medida de tiempo excepto el sustain, que es una medida de volumen. Y los sonidos típicos que se encuentran en un sintetizador dependen de la configuración de ADSR. Un sonido de pluck es corto y tiene poco o ningún nivel de sostenimiento. Entonces si mantienes el dedo en la nariz, el sonido aún se desvanecerá al silencio. El sonido de bajo es similar a un sonido de bloque, pero el nivel de sustain es un poco más alto, modo que al sostener la nota, el sonido del bajo también se sostiene. Esto es importante porque una gran cantidad de EDM solo usa una línea de base de nada de pedal. Y vamos a echar un vistazo a lo que es eso cuando lleguemos a construir patrones de bajos. Entonces se diseña una arena de plomo para tocar melodías de plomo. Por lo que el nivel de sustain a menudo es realmente alto para que la melodía completa pueda ser lastimada. Y luego también tienes un sonido pad, y estos son solo sonidos largos de barrido diseñados para la música ambiental. Por lo que a menudo encontrarás que el tiempo de ataque es muy largo y el tiempo de lanzamiento es muy largo, el nivel de sustain también será alto. Pero cuando echamos un vistazo a ajustar nuestros sintetizadores, aprendimos que podemos ajustarlos para que se ajusten mejor a nuestras pistas. Ahora echemos un vistazo al filtro. Esta parte del sintetizador es la más responsable de dar forma a los sonidos que salimos de ella. O para decirlo brevemente, el filtro solo bloquea parte del sonido y deja pasar el resto del sonido. Existen diferentes formas de filtro que puedes usar, como paso bajo o un paso de banda. Y voy a incluir un artículo que puedes leer que explicará cada uno de estos. La forma más común que se utiliza es el filtro de paso bajo. Y hace exactamente lo que dice en la lata. Deja pasar las frecuencias bajas y bloquea las frecuencias altas. O en otras palabras, deja la parte básica de tu sonido a través de un negro. Cuantos más sonidos hissy. El punto en el que el filtro bloquea el sonido se llama la frecuencia de corte. Por ejemplo, podrías bloquear muchas de las histonas son, solo
podrías bloquear una pequeña cantidad del sonido del silbido. Usarías el parámetro de corte a la justicia. También puedes automatizar el parámetro de corte para un sonido muy interesante. Escuchemos este ejemplo de un patrón de acordes donde se corta el filtro. La frecuencia se ha automatizado para permitir lentamente el paso de sonidos más altos. Esto también se llama abrir el filtro. Escuchemos ahora. Abrir el filtro es una técnica común utilizada en EDM porque crea tensión. El sonido está burlando al oyente ya que
poco a poco se les está dando más y más del sonido completo. Cuando finalmente sí consiguen el sonido completo junto con otros elementos como batería y voz, realmente puede hacer
que la experiencia sea mucho más intensa con el filtro. También hay un parámetro de resonancia del que quería hablar antes de seguir adelante. Porque esto es particularmente bueno para los sonidos techno y ácidos. Cuando subes esto, realmente acentúa la frecuencia de corte. Por lo que a medida que abres el filtro en el sonido es mucho más acentuado un en tu cara. Escuchemos un ejemplo de abrir el filtro con la resonancia rechazada. Y luego aparece un ejemplo de abrir el filtro con la resonancia. Pasando a la LFO. Esto significa modulación de baja frecuencia y en un poco como la automatización, excepto que se mantiene dentro del sintetizador. El equivalente de usar un LFO sería si movieras
un deslizador de volumen hacia arriba y hacia abajo una cierta cantidad de veces cada segundo. El número de veces que se mueve es controlado por la frecuencia. Entonces si establecemos la frecuencia en tres hercios, realidad moverá el deslizador hacia arriba y hacia abajo tres veces por segundo. El LFO es cómo podemos crear efectos vibrato o trémolo con el sintetizador. Por lo que estos sólo hacen que el sonido tipo de oscilación entre diferentes volúmenes son tonos. Por lo que el sonido que se tambalea entre volúmenes se llama vibrato, y un sonido que se tambalea entre tonos se llama tremolo. Un LFO se puede utilizar para casi todo en dubstep. utiliza un LFO para controlar el filtro de corte, y esto crea el sonido basado en web que es tan famoso. También podemos cambiar la forma del LFO a una de las cuatro formas de oscilador que ya miramos. Pero es bastante fácil de entender. Si puedes imaginar el deslizador moviéndose en la misma forma que una onda sinusoidal, entonces se moverá bastante suavemente porque la forma de una onda sinusoidal es lisa. Pero si te imaginas una onda cuadrada controlando el deslizador, entonces en realidad saltará de arriba a abajo, exactamente igual que la onda cuadrada tiene forma. Por lo que la forma solo controla qué tan rápido se mueve el deslizador de arriba a abajo. A continuación tenemos portmanteau. Este es un parámetro sencillo pero realmente divertido para jugar con las fuerzas mentales de Puerto. El sonido para deslizarse hacia arriba o hacia abajo a las notas. Es muy comúnmente utilizado en el género Casa electoral rusa, que se hizo famosa por la pista astronómica de Tony Ag. Entonces tomemos una escucha a ese astronautas vía melodía sin porta mental y luego un ejemplo con parlamento que aplicó. Cuanto más alto pongas el portmanteau más agresivamente, son diapositivas. También puedes controlar cuánto tiempo tarda en
deslizarse hacia arriba y hacia abajo si tu sintetizador lo permite. Pero si pones demasiado alto el ornamental, podrías terminar enmascarando algunas de las notas. Así que asegúrate de que todos los nodos sean claramente audibles cuando estés usando portmanteau. El siguiente componente tendrá un vistazo a es el mezclador. Este mezclador, funciona igual que cualquier otro mezclador. Se utiliza para hacer sonidos en otros sonidos. Por lo que con un sintetizador, puedes tener más de un solo oscilador tocando al mismo tiempo. Puedes configurar todos estos osciladores de manera diferente y luego mezclarlos entre sí como capas. Es como estratificar nuestros instrumentos, excepto que estamos estratificando los sonidos individuales que conforman un instrumento. Por lo que la mayoría de los presets de sintetizador que encuentres estarán usando más de un oscilador porque hace que el sonido sea mucho más lleno e interesante para el oído si estás haciendo tus propios sonidos, intentaron usar más de un oscilador y mezclarlos juntos. A continuación tenemos la sección de efectos donde podemos aplicar algunos efectos estándar como reverberación o distorsión. Esto se puede usar de forma creativa o para un resultado interesante. También se puede utilizar prácticamente para hacer un efecto particular, como la baja ficción. Pero estos efectos se pueden aplicar cuando se está mezclando mediante el uso de plug-ins también. Entonces te toca a ti si quieres usarlos ahora o cuando estás mezclando. Por último, tenemos la parte más confusa de toda esta conferencia. Si hasta ahora estuviste confundido, definitivamente
estarás confundido por esta parte. Hay millones de sintetizadores diferentes y todos se ven completamente diferentes. Entonces, cuando abres un sintetizador, se necesita un poco de averiguar cómo usarlo. Siempre puedes buscar algunos tutoriales o artículos que te dirán cómo usarlos. Pero, ¿dónde está la diversión en eso? Quédate atrapado y averigúlate cómo funcionan. Al descubrirlo tú mismo, en realidad
te estarás enseñando diseño de sonido en el proceso. Por lo que ahora estamos listos para retocar algunos presets y diseñar nuestros propios sonidos. Volvamos a la oscuridad para la próxima conferencia y echemos un vistazo a eso ahora.
19. Parámetros de sintetizador de retos,: Entonces en esta conferencia vamos a echar un vistazo a ajustar los sintetizadores para que podamos cambiar los presets para que se ajusten al sonido que queremos. Entonces lo que tengo aquí es que tengo este patrón de acordes que inventé muy rápidamente, solo para que podamos escuchar lo que estamos haciendo. Y también tengo este plug-in llamado spire, que en realidad es el plugin que estábamos usando en las imágenes de ejemplo en la conferencia anterior cuando estábamos pasando por las diapositivas. Entonces lo que he hecho es que he cargado este preajuste de pluck. Entonces p ok, que es una abreviatura de pluck, y se llama uno blanco. Ahora escogí éste porque en realidad no me gusta el sonido de él en absoluto. Y es realmente piercing y es solo, simplemente no suena tan bien. Pero lo que podemos hacer es que podemos ajustar los parámetros por
todo este sintetizador y fundamentalmente hacerlo sonar mejor. Entonces, solo tomemos una escucha al sonido como lo es ahora con el patrón que hice antes Jugando. ¿ De acuerdo? Ahora si miramos aquí arriba, podemos ver que el tiempo de lanzamiento es realmente, realmente largo porque ha tardado mucho tiempo en que el sonido llegue al silencio. Entonces lo primero que voy a hacer es que voy a bajar aquí al estreno y al ADSR. Y voy a bajar esto. Y mientras lo estoy negando, voy a tener una escucha al patrón sólo para escuchar lo que estoy haciendo. Ok, entonces escuchemos el patrón y luego bajemos este tiempo de lanzamiento ya que se está reproduciendo. De acuerdo, así que prefiero mucho el sonido de este tiempo de lanzamiento en lugar del tiempo de lanzamiento cuando estaba realmente alto. Entonces lo voy a dejar en algún lugar aquí abajo. A continuación, lo que voy a hacer es que en realidad voy a apagar los efectos por aquí. Entonces esta es nuestra sección de Efectos y solo voy a musar para retrasar. Voy a silenciar la reverberación. Y también voy a usar esta saturación o una especie de efecto de distorsión. Entonces veamos cómo suena ahora sin los efectos silenciados. Otra cosa que podemos hacer es que podemos venir aquí a la sección mezcladora de este sintetizador y
podemos cambiar la mezcla de los dos osciladores que están funcionando al mismo tiempo. Por lo que el oscilador tres es solo un oscilador de ruido. Y el ruido es el tipo de sonido estático que obtienes en esos televisores viejos cuando te está mostrando el tipo de pantalla en blanco y negro. Eso se llama estático o ruido. Entonces, solo veamos cómo suena el ruido. Y este ruido se estratifica con este oscilador a, que es justo este oscilador de aquí. Y se llama piano a2. Y lo que notarás de la forma de este oscilador es que no es una de las formas que estábamos mirando, sino que se compone de esas cuatro formas que estamos viendo. Entonces en algún lugar aquí hay triángulos y cuadrados, y hay olas de sierra y todos se están combinando para crear este chip. ¿ De acuerdo? Entonces lo que podemos hacer es volver a encender este oscilador tres, y en realidad podemos entrar aquí y cambiar el sonido del oscilador. Entonces si hago clic en piano a2 y cambié esto a Quizás una onda sinewave. Y veremos cómo suena cuando es una onda sinusoidal. Y puedo cambiarlo a cualquiera de estas formas con las que viene este plugin en particular. Entonces tenemos uno de bronce. Veamos cómo suena esto. A ver somos violín a quien suena. Y sólo por el bien de la demostración, vamos a ver como suena envió tres. De acuerdo, y mientras estaba tocando, estoy, no
estoy seguro de que me gustara el sonido del ruido blanco tocando al mismo tiempo. Entonces voy a silenciar ese oscilador porque no me gusta. Y sólo voy a dejar el sonido principal, que es el oscilador dos. Voy a dejar eso encendido. Entonces escuchemos cómo suena ahora. También puedo bajar aquí y puedo ajustar el tiempo de ataque para que tarde más para que el sonido llegue al tiempo de descomposición. Entonces eso es solo el ataque y ver qué diferencia hace eso. Entonces una especie de suena como que el volumen está barriendo hasta el nivel de descomposición. Ajustemos ahora la decadencia y veamos qué pasa. Por lo que notarás que en realidad no
pasó nada ahí cuando estaba ajustando el nivel de descomposición. Y esto se debe a que la decadencia es en realidad una medida del tiempo, no del volumen, sino el sostén, si recordamos, es una medida del volumen. Entonces si giro este slider de volumen de sustain hacia abajo, entonces deberíamos escuchar una diferencia. Entonces sólo voy a indicar m Prefiero el sonido de estos dos deslizadores hacia arriba, así que los voy a dejar arriba. También podemos venir aquí a la sección de filtros y podemos ajustar la frecuencia de corte. Entonces vamos a tener una escucha del patrón a medida que cambiamos la frecuencia de corte del filtro. Entonces creo que prefiero el sonido así con la frecuencia de corte hacia abajo, sólo porque suena un poco más suave y menos intenso. También podemos subir la resonancia del filtro. Entonces escuchemos el sonido y ajustemos la resonancia. Entonces prefiero el sonido de la resonancia hacia abajo también, así que lo voy a dejar abajo. Sólo echemos un vistazo a la sección al unísono ahora donde estábamos hablando de voces. Entonces lo que voy a hacer es, bueno, en primer lugar, subamos aquí y podemos ver que con este ajuste en particular, podemos jugar ocho nodos al mismo tiempo. Ahora podemos cambiar esto hasta 16 nodos al mismo tiempo. O podemos tenerlo abajo en un nodo al mismo tiempo. Y si lo dejo abajo en un nodo al mismo tiempo, notarás que los cables no se tocarán correctamente porque el sintetizador sólo es capaz de tocar una nota a la vez. Hagamos una escucha a lo que suena eso. Entonces voy a volver a cambiar esto a cuatro. Y por el bien de hacer acordes, solo
voy a poner esto tan alto como vaya, si
acaso añadimos notas extra. No quiero el sintetizador. No quiero que el sintetizador dé prioridad a ciertos nodos sobre otros nodos. Por lo que sólo voy a poner esto tan alto como va en caso de que añadamos en notas extra más adelante. Por lo que volviendo ahora a la sección al unísono, voy a cambiar la cantidad de voces. Por lo que por el momento sólo se pone en uno. Voy a subir esto a cinco. Y recuerda, cuantas más voces obtendrán ese sonido de ticker D. Entonces vamos a tener una escucha a lo que suena con cinco voces. Y si lo vuelvo a poner a uno, y vamos a probarlo todo el camino arriba a nueve voces. Entonces con nueve voces, creo que suena un poco a tic. Entonces lo voy a volver a bajar a cinco voces, creo que es donde teníamos. Y mientras se vuelve a tocar, sólo
voy a ajustar el desafinamiento y la densidad sólo para ver qué hacen estas perillas. De acuerdo, así que vamos a escuchar. Y finalmente tenemos la sección LFO. Entonces bajemos aquí a donde dice LFO uno. Y pasaremos a esto. Entonces lo que podemos hacer es que podemos mapear el LFO a algo. Entonces si hago clic en esto y lo mapeo al filtro, y lo mapeo al filtro se corta uno. Entonces lo que sucederá es a medida que juegue el sintetizador, este LFO afectará el de corte en el filtro. También podemos establecer el tiempo para que sea libre, o una especie de más rápido o más corto dependiendo de lo que selecciones aquí, pero lo voy a dejar en libertad. También podemos cambiar la forma como estábamos hablando antes. Ahora, spire te da todas estas formas diferentes para elegir. Pero si notamos tenemos triángulo sinusoidal y cuadrado. Entonces cambiemos a cuadrado sólo por el bien de la consistencia porque estábamos mirando las ondas cuadradas en la última conferencia. ¿ De acuerdo? Entonces si vengo por aquí y subo la cantidad de LFO y yo si yo solo pongo esto completamente, sólo
oigamos cómo suena eso. Y si subo la tarifa, en realidad
ajustarás el corte mucho más rápido. Entonces puedes escuchar que todos estos cambios son muy repentinos y eso es porque estamos usando una onda cuadrada. Entonces volvamos aquí ahora y escogeremos una onda sinewave, que es mucho más suave. El forma es mucho más suave como puedes ver, el sonido que obtenemos ahora no debería ser tan tierno como la onda cuadrada. Vamos a escuchar. Y si no queremos que sea tan extremo, podemos venir aquí y bajar la cantidad. Y también si quieres sincronizar el tipo LFO de la tarifa por defecto con tu BPM, que mina está establecida en 140. Por el momento, si presionamos el botón de sincronización, se hundirá. Como puedes ver, se está hundiendo a un cuarto de nota o a unas muletas en especie de términos del Reino Unido. Y podemos ver que ahora se está hundiendo al BPM de la pista. Entonces escuchemos el sonido ahora con este sucinto LFO. Por lo que están los parámetros que puedes ajustar en tu sintetizador para especie de hacer que el sonido se ajuste un poco mejor a tu pista. En la próxima conferencia, veremos empezar desde cero y hacer nuestro propio sonido de sintetizador.
20. Hacer sondos de Synthesiser: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a hacer nuestros propios presets de sintetizador. Ahora este no es curso de diseño de sonido, por lo que va a ser muy breve. mejor me quedaría con retocar los presets por ahora, pero sí quiero mostrarles que pueden hacerse los suyos si así lo desean. Entonces lo primero que voy a decir es que cada sintetizador tiene una interfaz y configuración diferentes. Por lo que podría tener que experimentar un poco para averiguar cómo se configuran sus centros particulares. Porque no puedo pasar por cada sintetizador y cómo usarlos. Pero si aplicamos los conocimientos que hemos aprendido hasta ahora, podríamos descifrar la mayoría de los sintetizadores con solo experimentar. Entonces lo que voy a hacer es que sólo voy a hacer clic en este botón inicializado aquí sólo para que podamos asegurarnos de que todos los parámetros estén ajustados de nuevo al valor predeterminado. Y lo que voy a hacer es que voy a bajar aquí
al oscilador y voy a empezar a tratar de hacer algunos sonidos. Entonces lo primero que notarás es que la onda está configurada en onda sinoidal, pero la imagen que nos da este sintetizador no parece una onda sinusoidal. Y eso es por el tipo de sintetizador que es Spire. De acuerdo, entonces Spire es un sintetizador de mesa de ondas. No vamos a entrar en detalles sobre qué es esto. Simplemente lo principal a saber es que si tienes aguja para obtener la forma real de la onda sinusoidal, tienes que girar este WT mezclado y eso significa micros de mesa de ondas. Entonces sólo vamos a subir eso completamente y luego
vamos a empezar a jugar con los diferentes sonidos. Entonces veamos cómo suena la onda sinusoidal con el patrón que tuvimos en la última conferencia. De acuerdo, así que no me gusta el sonido de eso de inmediato,
así que sólo voy a cambiar esto por otra cosa tal vez intentemos enviarlo. De acuerdo, entonces creo que ahora tenemos una buena base para empezar a dar forma a nuestro sonido. Entonces voy a bajar ahora a la sección de sobres, y voy a empezar a ajustar el ADSR sólo para que suene como yo quiero. Entonces creo que quiero que este sea un sonido un poco plucky, así que voy a subir la decadencia. Y luego voy a bajar lo sostenido para que sea más un sonido de pluck. Y entonces estoy podría dejar al atacante Es. Y el lanzamiento será una especie de corto porque es una respuesta de plucks que está aquí y ver si hemos hecho un flujo Arna. Ok, entonces se está llegando, pero creo que hay demasiada liberación, así que voy a sacar el lanzamiento. De acuerdo, vamos a ver cómo suena si volvemos a sostener totalmente hacia abajo. De acuerdo, así que acabo de bajar el nivel de descomposición también sólo porque
quería una especie de alcanzar el nivel de sustain mucho más rápido de lo que era cuando estaba aquí arriba. Se estaba llevando demasiado tiempo. Pero queríamos ser muy rápidos y plucky. Entonces voy a bajar la decadencia otra vez. ¿ De acuerdo? Ahora eso es de dos cuadras E. Así que voy a, ahí vamos. Lo siguiente que voy a hacer es que voy a subir
al modo unísono y voy a hacer el sonido un poco más gordo. Entonces voy a encender tres voces. Y voy a ver cómo suena esto. Mit sintonizarlo un poco más y tal vez hacerlo un poco más denso. De acuerdo, así que me gusta el sonido de esto hasta ahora. A continuación voy a venir aquí a la sección de filtros. Y para encender el filtro inspire, primero
tenemos que ajustarlo al tipo de filtro que queremos usar. Ahora el tipo de filtro más común es este perfecto o así lo
voy a dejar aquí en este prefactor y lo voy a poner en paso bajo cuatro. Por lo que tenemos paso bajo banda, paso alto. Y luego nos Vr pico o un filtro de muesca. Pero lo voy a dejar en el paso bajo cuatro. Voy a ajustar la frecuencia de corte y voy a escuchar cómo suena como un lugar. Y ahora veamos cómo suena si ajustamos la resonancia. Entonces me gusta el sonido de la resonancia por aquí. Es una especie de agregar un poco de gama alta a los diseños. Entonces voy a dejar la resonancia ahí arriba, y también voy a dejar la frecuencia de corte por aquí porque me gusta el sonido de la misma. Lo siguiente que voy a hacer es agregar otro oscilador que lo apagó. Estaba destinado a simplemente subirlo. Esto lo enciende. Entonces me gustó el sonido de este oscilador, pero creo que el sonido necesita un poco más para especie de funcionar como suena un sintetizador moderno adecuado. Entonces voy a subir este segundo oscilador. A lo mejor tú sólo hasta la cima también. Y vamos a dar clic aquí haciendo clic en oscilador dos. Y de nuevo, vamos a subir esta mezcla de mesa de olas. Y ahí vamos a añadir un tipo diferente
de sonido encima de nuestros otros osciladores fuera. Entonces probemos este piano uno y veamos cómo suena eso juntos. Entonces lo voy a bajar para ver cómo suena sin ella. Y lo voy a subir para ver cómo suena con él. Ahora para este oscilador, creo que quiero cambiar la octava y muchos sintetizadores te dejarán hacer esto. Tendrán una especie de botón de turno de octava. Entonces voy a subir esto una octava. Por lo que puedes ver aquí se ha ido a más uno. Y esto hará que este oscilador suene más alto que el otro oscilador. Entonces, vamos a tener una escucha a lo que suena ahora. A lo mejor si lo vuelvo a bajar y bajar. Entonces voy a ponerlo de nuevo porque me gusta el, me gusta el sonido del extremo superior de eso. El segundo oscilador está sumando. También voy a desafinarlo agregando de nuevo tres voces. A ver cómo suena eso. Y con aguja, también tenemos una opción para panear el oscilador. Por lo que puedo panear esto totalmente a la derecha, o lo puedo panear totalmente a la izquierda. Y esto es útil si quería panear, digamos, oscilador dos a la izquierda y luego tal vez oscilador uno o lo siento, oscilador a la derecha y luego oscilador uno a la izquierda. Veamos cómo suena esto. Creo que sólo voy a poner estos de vuelta al centro. Y lo que voy a hacer es en cambio, voy a usar esta amplia opción que nos da espiral. Y esto sólo hace que el sonido sea un poco más amplio. Entonces voy a aplicar esto al oscilador dos en el que estamos ahora. Y sólo voy a escuchar como está pasando, sólo para ver lo que estoy haciendo. Entonces me gusta el sonido del aroma cuando aquí se establece el ajuste de anchura. Y también podría subir este oscilador sólo una especie de poco más fuerte. Me gusta el sonido de esto. Y lo que en realidad voy a hacer es que en realidad voy a sumar un tercer oscilador sólo por un poco de peso. Entonces otra vez, súbelo, no presione el oscilador T tres, eso sólo lo apaga, pero lo voy a subir aquí. Y voy a dar click en el oscilador tres, y lo voy a inclinar hacia abajo una octava. Inmediatamente. Nuevamente, sube la mezcla de mesa de olas y vamos a aplicar uno de estos stands. Entonces sólo voy a probar latón T2 y ver cómo suena esto. Se le dio la vuelta un poco. De acuerdo, voy a lanzarlo de nuevo. No creo que creo que en realidad esté lanzada demasiado bajo por el momento. Ok, entonces este sonido en particular no parece marcar mucha diferencia y voy a probar un 1 de mayo diferente ser oregon uno. Intentemos con esto suena así puedo escuchar lo que este sonido en particular, pero está sumando un poco de peso. Entonces tal vez voy a bajar esto a justo por aquí así que es un poco más fuerte que el resto. Y de nuevo, le voy a aplicar un poco de blancura sólo para ver a qué suena eso. Entonces vamos a tener un escuchar el parámetro de amplitud como los patrones jugando. De acuerdo, así que no está haciendo mucha diferencia. Entonces lo que voy a hacer es volver al oscilador uno y tal vez ensanchar este para ver cómo suena eso. Entonces, volvamos a tener una escucha. Pero como lo he estado ajustando, he notado que en realidad es un poco a arrancar. Es a plucky por lo que quiero que sea el sonido. Entonces voy a volver a bajar al ADSR y voy a subir un poco el nivel de sustain. Y vamos a haber escuchado cómo suena esto. De acuerdo, así que me gusta el sonido del nivel de sustain cuando está en algún lugar por aquí. A continuación, acabaríamos de echar un vistazo rápido a la sección de efectos. Entonces el primero es una especie de, Es un plug-in de saturación y lo estaremos viendo cuando estemos haciendo mezcla. Pero sólo voy a poner esto en este momento, sólo para tubo. Y voy a subir la unidad unos pedacitos. Voy a escuchar mientras estoy bien,
estoy afectando en realidad, lo siento. Antes de realizar cualquier ajuste a los plugins, debes subir el seco,
húmedo, seco donde parámetro y seco significa AF y medios húmedos encendidos. Entonces de esta manera sería un 100% en, y esto es un 100% de descuento. Entonces voy a subir esto en algún lugar del medio. Y lo volveremos a hacer, tomaremos una escucha y luego ajustaremos el ajuste de la unidad. Y voy a bajar la siesta seca y húmeda. Entonces me gusta el poco de pene Ras que este efecto de saturación está agregando. Voy a venir aquí al coro, y voy a subir esto a algún lugar alrededor de esta misma zona, tal vez un poco más. Y sólo voy a ver cómo suena esto. Entonces no me gusta en absoluto el sonido del coro, así que no lo voy a usar. Entonces eso es venir aquí al retraso. Y de nuevo, subimos el Seco Wet y solo tendremos una escucha a lo que suena. Entonces con este efecto, en realidad podemos hacer que el retraso la derecha sean diferentes al retraso de la izquierda. Entonces voy a bajar un poco el retraso de la izquierda. Y luego voy a girar el retraso a la derecha de un poco. Entonces veamos cómo suena esto. Entonces creo que el retraso es un poco demasiado alto, así que sólo lo voy a bajar sólo para que sea un poco sutil. A x, sólo echamos un vistazo a la reverberación. Y de nuevo, lo subiremos y solo veremos cómo suena. Entonces por el momento, en realidad voy a dejar la reverberación y el retraso fuera porque puedo aplicar estos Efectos Usando cuando lleguemos a mezclar. Entonces solo los voy a dejar fuera por ahora. Pero yo sí, bajé y echo un vistazo rápido a este tipo de sección de EQ. Y podría simplemente impulsar un poco la gama alta. Simplemente eran un tipo de sonidos mejor. Creo que tenemos que encenderlo usando este botón de EQ. Simplemente voy a impulsar la gama alta y tal vez sacar algunos de los medios. Sólo para que suene un poco más placentero al año. Ahora esto es todo lo que podemos hacer. Y cuando estamos mezclando de todos modos y es seguirá aplicando el EQ encima de esto. Pero solo por el momento, quiero escuchar cómo suena con este tipo de ajustes de ecualización. Entonces, vamos a tener una escucha. Y acabo de notar al volver a escuchar, que creo que la resonancia es un poco demasiado alta. Entonces en realidad sólo voy a apagar la resonancia por completo y voy a asegurarme de que esté apagado en todos estos osciladores y ver que la resonancia estaba haciendo que ese tipo de tuiteo suene como un pájaro. Entonces solo voy a bajar eso porque creo que fue
demasiado perforante al nivel que era. Entonces, oigámoslo ahora. Y este es el proceso de tener sentido. Ya sabes, vienes por aquí, cambiarás algo y luego te das cuenta algo aquí abajo necesita ser cambiado de nuevo. Y luego cuando estás cambiando esto, te das cuenta de que eso afecta algo aquí arriba que tienes que cambiar. Por lo que todo el proceso de hacer tus propios sonidos y diseño de
sonido es una especie de ida y vuelta entre los diferentes parámetros. Y solo estás ajustando cosas diferentes hasta que obtienes el resultado deseado. Ahora sé que tipo de que pasé por eso rápidamente y no
voy a ir en profundidad con algunos de los parámetros que están en el plug-in. Pero en realidad no necesitas saber qué están haciendo
los diferentes parámetros para crear un sonido. Entonces creo que lo mejor que puedes hacer por ti sería simplemente entrar en tu plug-in y tipo de averiguar cómo funciona. Ya sabes, ajusta algunos de los parámetros. Cbo tipo de sonido que hace y ve qué tipo de sonido puedes salir de él. Este método de experimentación es en realidad mucho mejor para el diseño de sonido. Entonces, ya sabes, una especie de mirarme hacerlo y explicar qué hacen cada uno de estos diferentes parámetros. Pero como dije, voy a tener un curso de diseño de sonido saliendo en el futuro. Así que asegúrate de unirte a ese grupo de Facebook y solo para que no te pierdas ningún tipo de anuncio sobre nosotros, pero eso es todo lo que necesitamos saber por el momento. Entonces pasemos a la siguiente sección donde echaremos un vistazo a la base del edificio.
21. Elementos principales de la línea de basares de EDM: Entonces examinemos los principales elementos de una línea de base de EDM. Bueno, en primer lugar, la base se utiliza para establecer una especie de base armónica para su pista. Entonces si tienes una progresión de acordes que tal vez va C, G, F ,
y C, bueno entonces tu línea base más que probable seguirá esto yendo C, G, F, C. Ahora muchas pistas de EDM, realidad no
usan progresiones de acordes. Es sólo una especie de acorde todo el camino a través. Y en este caso, tu línea de base también estará centrada alrededor ese acorde o aquel que sabe cuál se llama nodo raíz. Ahora hay diferentes tipos de patrones que puedes tener con bases EDM. Ahí hay líneas base rodantes, líneas de base saltando, notas de
pétalos , especie de línea base techno. Ahí hay líneas de base suspiradas. Ahí están todos estos diferentes tipos de líneas base que puedes ordenar de crear. Pero algunas de las características serán las mismas en todos ellos. Entonces, solo examinemos algunas de las características más prominentes de una línea de base de EDM. Y luego cuando lleguemos a la siguiente conferencia donde nos fijamos en construir un patrón base, entraremos en más detalle con cuáles son estos diferentes tipos de patrones. Por lo que una de las principales características de una línea de base de EDM es que utiliza un patrón corto. Ahora bien, este patrón aquí que tengo es en realidad dos barras largo porque esta mitad del patrón es diferente a la segunda mitad. Entonces es en realidad, combina juntos para crear patrón de
2 barras y generalmente una respuesta usando una progresión de acorde. Y entonces tu patrón basal podría ser, podría tener 32 barras de largo. Pero si solo estás usando un acorde en tu pista,
tu línea de base nunca debería ir por encima de dos barras, ¿de acuerdo? Cualquier cosa más que dos compradores, empezará a complicarse demasiado y no será fácil para el oyente bailar si alguna vez se toca en un club nocturno o algo por el estilo. Así que asegúrate de que estás usando patrones cortos, especie de precisos y solo lo estás repitiendo todo el camino. Otra característica es que las líneas de base de EDM, se centran alrededor del nodo raíz. Entonces en este caso, solo tocaré este ejemplo para ustedes y luego
examinaremos lo que está pasando con la base. Entonces escuchemos. De acuerdo, así que esto se consideraría una línea de base rodante, pero lo volveremos a ver en la próxima conferencia. Pero pinchemos en el pionero y sólo vamos a echar un vistazo a lo que está pasando con las notas. Entonces el nodo raíz de esta pista es e. Y podemos ver que la línea base es una especie de centrado alrededor de E, pero también está incorporando las otras notas del acorde ii en. Entonces va de E a G a B, a G
a E, y luego de vuelta a G, y luego de vuelta a B. Así que estos son todos los nodos del acorde de E-Minor. Ahora con una línea de base de EDM, rara vez la encontrarás usando otras notas que están fuera del acorde. Entonces, por ejemplo, si esto fuera tal vez una D y tal vez esto fuera una C, raramente lo
encontrarías porque el patrón es tan corto y la pista sólo se está centrando alrededor, éste lo sabe. Rara vez lo encontrarás incorporando otras notas que están fuera de la cancha a menos que esté usando ornamentación y hablaremos de eso en tan solo un minuto. Pero escuchemos cómo suena este patrón ahora que he movido algunas de las notas. Entonces como puedes ver, como que arroja todo el sonido. Entonces solo voy a mover esto de nuevo a B y voy a mover esto de nuevo a E. Así que si estás construyendo una mezcla basal, te estás centrando alrededor de una nota o te estás centrando alrededor de una cancha. Y hablemos rápidamente de la ornamentación. Ok, entonces los nodos extra aquí y aquí, estos serán considerados una especie de ornamentación no así si los saco, los patrones suena así. Y lo que están haciendo las naughts de ornamentación es que están dejando que la línea base fluya, número uno naturalmente entre la E y la B, este gran salto. Pero también están llenando el espacio que queda entre este tercer paso del segundo BC y este cuarto paso aquí. Este cuarto paso aquí de la primera página. Ahora, ¿qué es realmente la ornamentación? Bueno, si piensas en un adorno, ya sabes, si tienes un adorno en tu casa, y por qué colocarías un adorno, digamos en la chimenea encima de tu fuego. Bueno, lo colocarías ahí con fines estéticos. Ya sabes, es porque es agradable mirar. Bueno, es lo mismo en la música. ornamentación es donde colocamos algunas notas en ella, algunos sonidos o algo así, y las colocamos con fines estéticos. Entonces escuchemos de nuevo este patrón con las notas ornamentadas en, y veremos a qué suena eso. Otra característica de estas notas ornamentadas es que a menudo
son más cortas que los otros nodos. Ahora si alargo estos nodos ornamentados no sonarán como si estuvieran ahí. Para la ornamentación. En realidad, Dell suena como si fueran parte del patrón principal y se desprenderá todo el sonido del patrón. Tengamos una escucha. Y tal vez te guste el sonido de eso y eso está bien porque todo esto es objetivo. Pero para mí, me gusta bastante cuando estas notas son bastante cortas, creo que se suma al surco y se siente más como ornamentación para mí. Entonces los voy a dejar cortos. De acuerdo, entonces ahora que hemos aclarado qué es la ornamentación y hemos aclarado las características de una línea de base de EDM. Estamos listos para seguir adelante ahora y construir nuestra propia línea de base. Por lo que vamos a echar un vistazo a los diferentes tipos de líneas de base que hay. Y crearemos unos patrones que quizá puedas usar en tus pistas.
22. Construir patrones de bajo: De acuerdo, entonces empecemos a construir un patrón base. Entonces el primer patrón que vamos a ver es una línea base rodante y aquí es donde denota una especie de rollo hacia arriba y hacia abajo hacia el otro. Entonces si yo, si pongo una nota aquí de E y luego B en el segundo beat, y entonces tal vez e otra vez en el tercer beat, y entonces tal vez volver a estar en el cuarto beat. Lo que sucede es con una línea de base rodante, así que solo acortó estos y la nota irá en el medio que permite que la línea base se especie de rollar hacia arriba y hacia abajo. De acuerdo, tal vez pongamos uno aquí. Ponga uno en paso disuadido y luego nuevamente en el cuarto paso. Y esto se consideraría una línea de base rodante. Y vamos a tener una escucha. De acuerdo, entonces no
suena muy bien porque recuerda esa cosa de la que hablamos antes, que es la sincopación. Y así la primera parte de este patrón está todo jugando, en beats sincopados. Entonces, solo movamos este G a sincopado más. Por lo que lo trasladaremos al cuarto paso. Y entonces hemos movido esto, caramba, tal vez quitamos éste al segundo paso o algo simplemente para sincopar más. Y otra vez, no tenemos no tocar. Entonces acortemos este nodo para que ninguno de los nodos se esté tocando. Entonces, vamos a tener una escucha. Podrías alargar este nodo porque hay mucho tipo de espacio vacío después de él. Entonces, quizá alarguemos este y veamos cómo suena eso. Por lo que esto se considera una línea de base rodante porque las notas se están enrollando hacia arriba y hacia abajo entre sí. Entonces, eliminemos esto ahora. Y vamos a echar un vistazo a una sola línea de base de nota. Y esta es una línea de base que se usa generalmente con casa. Entonces si nos quedamos con nuestra E como el Norte que estamos usando, una sola línea de base de nota solo incorporará las naughts de E. Así que tal vez, de nuevo, pensando en la sincopación, podríamos alargar esto o no hay espacio vacío y luego mantenerlos cortos. A lo mejor pondremos una nota aquí. Entonces tal vez otra vez, alargue esto. A lo mejor conseguir esto en un poco más corto sólo por el bien de mantener las cosas sonando un poco carrete. Y luego agregaremos otra nota aquí. Y entonces otra vez, tal vez en el cuarto paso y el tercer paso de la siguiente B. Así que sólo vamos a alargar DES así. Entonces veamos cómo suena este patrón ahora. Y esta es la línea base de nota única. Ok, entonces vamos a tener una escucha. De acuerdo, entonces vamos a borrar estos de nuevo y vamos a echar un vistazo a un tipo diferente de línea base, que es una línea de base de salto. Y aquí es donde denota salto abierto el uno al otro. Entonces si pego otra vez R, E, y digamos que salta todo el camino hasta esto. Octave, E aparecen en octava arriba. Entonces haremos esto realmente corto porque es una
especie de ornamentación o es una especie de salto. Y luego jugaré como una segunda mitad del patrón. Y esta pieza, tal vez así. Y entonces otra vez, usaremos esta e. Y tal vez saltemos por todo el segundo alrededor del tercer paso de esta remolacha. Podríamos hacer esta nota un poco más larga que ésta. Y luego otra vez, pegaremos en esta E Y tal vez esta Shirky de aquí. ¿ De acuerdo? Entonces ahora podemos ver que la línea base realmente está saltando hacia arriba y hacia abajo. Entonces veamos cómo suena esto. Y en realidad podrías convertir esto en una línea de base rodante si solo acortas estas notas y tal vez agregas algunas extra que permitieran que la línea base se enrolle y luego retrocediera de nuevo. Entonces si pegamos en una G en el relieve esto con una E. Así que ahora este tipo de patrón aquí, esto está rodando. De acuerdo, así que eliminemos estos. Y de nuevo vamos a empezar de cero, eliminar. Y acabo de apagar ese bucle. Y luego echaremos un vistazo a unas líneas de base techno comunes. Y una de las cosas más comunes que hacer con la línea base técnica es simplemente
colocar una nota de bajo y una especie de nodo raíz de la pista. Y luego tener, que esa nota de bajo toque para todo el BCE del primer beat. Y luego otra vez para la segunda pieza, otra vez para los beats de la tercera base y otra vez para el cuarto beat. Y esto se usa comúnmente en realidad al estilo de habitación grande, que fue una especie de hecho famoso por Martin directs y sus animales de pista. Pero vamos a tener una escucha a este tipo de línea de base tecnol de habitación grande. Entonces con esto, en realidad lo tendrías en capas con un bombo de patada. Entonces si salgo aquí y simplemente lo capas muy rápidamente con el bucle de batería de patada, esta sección sólo para ver cómo suena. Y esto sería para sonar cuando esté en capas con el bombo de patada. Entra en esto. Y otra cosa que puedes hacer con la tecnología es convertir esto en línea base de estilo MSI. Entonces con la música
psi, en realidad dejas el primer paso vacío, y luego pegas la línea base en cada otro paso del comprador, bien, así. Entonces veamos cómo suena eso con el bombo de patada. Y puedes hacer estas notas. Puedes hacer estas notas más largas, solo para que no suenan tan cabreado como ahí. Entonces solo voy a encender el ajuste del cuarto y hacerlos un poco más largos. A ver cómo suena eso. Y finalmente entonces si elimino esto y reinicio desde cero por última vez, tenemos una línea base de pedal nada. Entonces una línea base de nota de pedal es donde si tienes acordes, así que digamos, creo que el ejemplo que di antes era CGF y ver, así que solo tendrías tu línea de base tocando debajo de los acordes. Por lo que esta sería una nota de pedal porque se está celebrando por la duración de la barra D. Entonces pegarías uno sobre g. pegas el roído en F, Y luego pegarías el nodo otra vez hacia abajo en C. Y así sonaría una línea de base nada de pedal. Entonces vamos a escuchar esto. Entonces eso es un pedal, sin línea de base. De acuerdo, así que voy a borrar eso otra vez. Y te voy a dar un último consejo antes de ir haciendo tus propios patrones de base. Y eso es permitir un latido de la barra para respirar. De acuerdo, así que digamos que tengo una línea base rodante que va E, G, B, y entonces tal vez así, ¿de acuerdo? Y pego eso al otro lado cuando hay jugadas porque cada tipo de latido del bar está lleno, no
hay espacio para respirar. Entonces, solo escuchemos este patrón. Va a sonar muy, muy repetitivo y como
no tenemos espacio para respirar. Entonces, simplemente no lo es. Lo que quieres hacer es si tienes una línea de base como esta, si tienes una especie de patrón que está jugando a través de los cuatro beats del bar. Y luego es solo un bucle así todo el tiempo que quieres dejar espacio para respirar. Entonces, eliminemos estos nudos. Por lo que aliviando el último latido de la barra para respirar. Y luego vamos a extender este nodo hacia fuera. Entonces es como si hubiera un poco de espacio aquí ahora para que la línea de base recupere el aliento antes de
que vuelva a saltar y comience a rodar arriba y abajo de nuevo. Entonces este es un cambio sutil, pero realmente puede marcar una diferencia a tu música. Si estás usando una línea base rodante y puede romper la repetitividad de la pista. Entonces, sólo escuchemos esto ahora. Por lo que solo ten en cuenta estos puntos cuando estés haciendo tu línea de base. intentó dejar algo de espacio para respirar y ten en cuenta que hay notas de ornamentación y hay diferentes estilos de líneas base que puedes aplicar. Y en la próxima conferencia vamos a echar un vistazo a elegir algunos presets para tus líneas de base.
23. Elige los instrumentos de bajo: Entonces cuando estás eligiendo tu base, ya que como dije antes, en la parte más importante de la música electrónica es elegir tus sonidos. Entonces no es diferente con la base, ¿de acuerdo? Tienes que asegurarte de que tu sonido de graves se ajuste al resto de tus pistas. Entonces si tienes instrumentos como los que tengo aquí, tengo dos capas de acordes, y también tengo una melodía. Y hay que asegurarse de que la línea base se ajuste al sonido del acorde. Entonces por el momento, creo que la línea base suena bien, vamos a escuchar. Y lo que está haciendo la línea de base en este tipo de patrones es que solo está tocando el mismo patrón que los acordes, pero solo está en la base y son las mismas notas las que están tocando. A show te. Su d, b, c, y g Si entramos en la línea de base, es D, B, C, y G. Y la razón por la que recogí esto arriba en lugar de abajo es porque con algunas bases, cuando se copia el patrón fuera y se tiene este tipo de notas bajas. A veces los nodos en realidad pueden ser demasiado bajos. Entonces vamos a tener una escucha a lo que suena aquí con estas notas. Algo así realmente, muy bajo, ¿de acuerdo? Y eso solo depende del sonido de sintetizador que elijas. Entonces para este sonido de envío en particular, estos nodos necesitan ser más altos para que el, ya
sabes, el sonido del bajo no se pierda. De acuerdo, vamos al sintetizador aquí y vamos a tener una escucha de algunos de los diferentes presets base que hay, y vamos a tratar de encontrar algunos que funcionen y que no funcionen. ¿ De acuerdo? Entonces ya lo sabemos, solo
voy a dar un clic fuera de esto. Ya sabemos que este sonido encaja. De acuerdo, voy a tener que elegir eso para que desaparezca. Pero ya sabemos que este preset, esta base se ajusta progresivo. ¿ De acuerdo? Entonces busquemos, pasemos por los presets y busquemos uno que no quepa. Lo que haremos en realidad es tocar el patrón al mismo tiempo mientras escuchamos. Pero obviamente, este preset base definitivamente no encaja. De acuerdo, está distrayendo completamente del resto del patrón. Escuchémoslo por su cuenta. Y a pesar de que este preset en particular suena fresco por sí mismo, suena realmente imaginativo. Y si estuviera tocando por su cuenta y por la pista, tal vez funcionaría. Pero como es tocar con otros instrumentos, tenemos que pensar en todo lo que está involucrado. Entonces no puedo escoger esta cuenca en particular porque es demasiado distrayente y suena desagradable con todos los demás instrumentos agregados. Digamos que te encuentras con un preset base. Y no tiene mucha gama baja. Ahora esta base en particular sí tiene mucha gama baja. Pero lo que voy a hacer es que voy a entrar en el mezclador muy rápido aquí. Y yo sólo voy a cargar un EQ y voy a cortar algo del extremo bajo hacia fuera. ¿ De acuerdo? No te preocupes por lo que estoy haciendo aquí. Estaríamos mirando a EQ en detalle cuando entramos en la sección de mezcla. De acuerdo, así que no te preocupes lo que estoy haciendo. Sólo tienes que saber que estoy cortando el extremo bajo solo para
poder escuchar cómo suena si encontráramos una base que no tuviera gama baja, pero realmente nos gustó el sonido del extremo alto de la base. De acuerdo, entonces escuchemos cómo suena ahora. A lo mejor no tan extremo. A lo mejor simplemente bajarlo un poco. Está bien. De acuerdo, entonces ahora tenemos una línea de base que nos gustó el sonido de, pero desafortunadamente no suena muy básico. Bueno, lo que podemos hacer es volver a estratificarlo. Y sé que siempre estoy hablando de capas, pero tú realmente, realmente necesitas capas en la música electrónica. Entonces subimos aquí al sumar, y voy a sumar en FL Studio, Uno de los sentidos más básicos que hay, que es el tres oscilador. Y tu dial vendrá con un sintetizador
muy, muy básico también. Y creo que capaz de analógica, creo que se llama, y básicamente es el sentido más básico. Aquí te da un oscilador. Entonces estas son las formas que puedo elegir. Y luego no hay mucho más que podamos retocar para dar forma al sonido. Pero eso está bien para esta capa en particular, no
necesitamos poder retocar ninguno de los otros parámetros. Entonces lo que voy a hacer es
bajar el segundo oscilador y voy a
bajar el tercer oscilador sólo para que
no estén interfiriendo con el primero de aquí arriba. Y voy a dejarlo ajustado a sinewave. Entonces lo que estamos creando en este momento, se llama subespacio. Y este tipo de base tiene mucho extremo bajo y mucho peso a ella. De acuerdo, entonces podemos capas esto. Por lo que con base en nuestra base original que no tiene mucho de gama baja. Y podemos mezclarlos juntos para hacer el ancho de la base. No de gama baja se han basado con gama baja porque estamos usando el extremo bajo de este sintetizador. Entonces cuando estás creando una tan base, siempre escoge una onda sinoidal porque una onda sinusoidal es la onda más limpia que hay por ahí. Y cuando estás estratificando en un sub bass, como
que, quieres el sonido de gama baja más limpio que puedas obtener. De acuerdo, así que lo voy a dejar en sinewave y voy a cerrar de esto. Ok, entonces los sintetizadores vienen aquí abajo. Entonces lo que voy a hacer es que voy a copiar este patrón presionando comando y ver. Y voy a bajar al rollo de piano de este sintetizador y voy a presionar comando y v. Así que vamos a ver cómo suena esto Ahora. Como capa con la línea de base que encontramos que no tiene mucho peso a ella. ¿De acuerdo? Por lo que podemos escuchar que esta sub base es demasiado alta lanzada, Así que voy a bajarla. Y voy a bajarlo otra vez. Y lo que podemos hacer es entonces lo podemos agregar a la pista del mezclador
presionando la rueda de Ajustes y luego rastrear. Y sólo lo bajaremos para que suene capa de Mónica. Entonces eso es solo un poco de técnica que puedes hacer. Si te encuentras con una base de la que realmente te gusta el sonido de. Pero no tiene muchas formas son de gama baja también es que puedes entrar aquí y puedes capas una onda sinusoidal limpia como un sub bass debajo, y agregará ese peso que faltaba la base original. Pero si has encontrado un sonido de bajo que te guste y hay suficiente extremo bajo en él. Bueno entonces no necesitamos capas en este extra tan base. Si estás estratiendo tu base. Te aconsejaría que no capas demasiado. Pégate con este sonido de un solo hombre y este sub basado. Y si no necesitas el sub bass, entonces no lo agregues. ¿ De acuerdo? Ya sabes, si solo tienes una capa base, eso está absolutamente bien porque la base es parte del extremo bajo, es parte de la base de la pista. Y como he dicho tantas veces antes, no
quieres estropear la base de tu pista. Entonces si tienes un preset que te gusta y tiene suficiente tipo de peso para ello. Simplemente déjalo y úsalo tal como está. O si tienes bajo preset que te gusta. Pero no hay suficiente peso para ello, entonces podemos bajar y podemos sumar una subbase extra. Entonces para este sonido de graves en particular que encontré aquí, hay suficiente gama baja. Entonces no necesito este subespacio adicional, así que voy a apagar eso. Y la base que tengo ahora, solo con esta capa es completamente suficiente para EDM, ¿de acuerdo? Ahora si tienes una pista, digamos que eso no tiene, eso no tiene ninguna tarjeta y es sólo una especie de línea de base impulsada. Lo cual debería sonar así. Bueno entonces la base Sam que elijas, no tiene
que caber los otros instrumentos de tu pista. Pero sí, lo que sí tiene que hacer es que tenga que encajar los otros elementos de tu track como los tambores y las voces. También el preajuste que utilizas hará diferentes tipos de patrones de línea base suenan diferencia. Entonces por el momento, este preset particular que tenemos hijos, ya
sabes, suena bien con este patrón. Pero si eliminé esto y lo cambio a un patrón de línea base rodante. Entonces tal vez añado algunas notas más cortas como esta. ¿ De acuerdo? A lo mejor así. Y entonces si escuchamos este patrón con la línea de base, podría no sonar tan bien. Entonces ese es otro punto a tener en cuenta es que el patrón que estás usando podría sonar mejor en diferentes presets base de lo que lo hará en otros presets base. Entonces otra vez, igual que elegir tus sonidos de acordes. Tienes que escuchar críticamente y tienes que
escuchar la línea base en el contexto de tu track. Entonces digamos que entré aquí y tenía la línea de base, una patada y algunos tambores ya hechos. Bueno entonces tienes que yo tendría
que escuchar esa línea base y ver ¿funciona con los sonidos de tambor que he escogido? Entonces por el momento creo que no, creo que este patrón base no funciona. Entonces voy a escuchar mientras lo estoy cambiando para poder localizar el preajuste correcto que me gusta. Entonces escuchemos. Ahora me encanta el sonido de esta línea de base con los tambores que soy, que estoy usando aquí. Ok. Por lo que es importante especie de audición los sonidos que estás usando en el contexto de la pista que has construido en torno a ella. A continuación, vamos a echar un vistazo rápido a hacer nuestras propias cuencas.
24. Hacer sondos de bajo: Entonces echemos un vistazo ahora a hacer un aroma base. Y hacer un sótano no es diferente a hacer cualquier otro Cent, vas a estar ajustando el mismo tipo de parámetros, los osciladores, los sobres. Vas a venir aquí al filtro. Vas a hacer lo mismo que harías con los otros instrumentos, pero estás teniendo en cuenta el hecho de que estás tratando de hacer una base. Ahora, esencialmente, especialmente para la música house, una base es solo un pluck enviado con un sub basado en capas debajo. Ahora bien, creo que ya sabemos hacer un bloque enviado. Entonces, solo hagamos uno y luego lo conviertas en una base por capas en una subbase. Así que acabo de tener este tipo de balanceo, estoy basada en melodía, pero es un poco mezclado con una sola melodía basada en nota. Pero es bastante simple. Vamos a escuchar cómo suena esto con el preset predeterminado con spire, el plug-in que hemos estado usando hasta ahora. De acuerdo, entonces es sólo una melodía sencilla, sencilla basada. Y ahora vamos a ir a echar un vistazo a hacer una base enviada. Entonces otra vez con aguja, lo primero que voy a hacer es conseguir la forma de la onda sinusoidal. Voy a subir este w t Siguiente. Y ahora podemos ver que tenemos aquí nuestra onda sinusoidal. Lo que voy a hacer es que sólo voy a cambiar esto a, vamos a probar algunos de los diferentes sonidos aquí. Probemos base para ver cómo suena eso. Voy a probar tal vez violín tres. Ok, entonces me gusta el sonido, árbol de violín. Entonces voy a venir aquí al modo unísono, y voy a cambiarlo de tal vez una voz a tres voces y ver cómo suena eso. Tengamos una escucha. Entonces podría aumentar un poco el Detune y sólo ver cómo suena eso. De acuerdo, entonces a continuación voy a venir aquí a la sección de filtros y lo voy a cambiar para perfeccionar el tipo de configuración de filtro que hemos estado viendo hasta ahora. Y luego deja el corte hacia abajo porque quiero que sea plucky. Si subo esto, no sonará muy plucky. Y eso está bien cuando quieres abrir el filtro, pero quiero que el sonido del bajo en este momento sea plucky. Entonces voy a dejar esto abajo, abajo a la izquierda. Voy a ver cómo suena ahora si subo la decadencia, no
creo que vaya a hacer mucha diferencia, pero sólo voy a ver tal vez si bajo el sustain. Por lo que prefiero el sonido con la decadencia puede ser aquí abajo. Veamos cómo es si subimos el ataque. Ahora, prefiero ese sonido plucky, así que voy a dejar el ataque abajo. Entonces lo siguiente que voy a hacer es que voy a entrar
al segundo oscilador y voy a
subir eso y vamos a usar esto como capa. Ok, entonces otra vez, sube el WT mezcla los micros de la tabla de ondas, y tendremos una escucha de algunos de los presets aquí dentro, y no uso una onda sinewave todavía. Voy a usar eso tal vez con un oscilador de turd como subcapa base. Pero por el momento quería encontrar otro tipo de capa
principal para encarecer con nuestro primer oscilador. Entonces probemos tal vez uno de bronce. Veamos cómo suena esto. Yo sólo voy a subirlo un poco para poder escucharlo mejor. Probemos otra configuración. Venimos aquí, tal vez Dianne, una de estas por N1. De acuerdo, así que puedo escuchar esto es agregar en un tipo particularmente agradable de sonido estiloso house. Entonces lo voy a dejar con este
ajuste de buyin y voy a volver a entrar aquí a nuestra sección al unísono, y voy a ponerlo a tres voces también. A ver cómo suena eso. Eso es desafinarlo un poco más. Y ahora usemos este ajuste ancho para hacer que esta segunda capa sea más blanca que la primera. Ok, así que voy a darle la vuelta todo el camino a como
a las tres de aquí. Tengamos una escucha. Y así estoy pensando que quería sonar un poco más grueso, así que en realidad voy a añadir otra voz al unísono. De acuerdo, entonces vamos a sumar tal vez cinco lises. Entonces sumemos otras dos voces a nuestras tres ya. Y veamos cómo suena esto. Y sí, eso ya suena mucho más grueso. De acuerdo, y ahora lo que vamos a hacer es que vamos a entrar aquí al tercer oscilador, y vamos a capas esto como un subbajo. Por lo que en realidad voy a dejar esto abajo por el momento y sólo a darle la vuelta a una onda sinusoidal. Y luego como las melodías tocando, poco a poco
aumentaré esto hasta llegar a una especie de subnivel base deseado. De acuerdo, así que vamos a escuchar. Y así vamos a tener una escucha y aumentar este oscilador tres. Entonces me gusta donde está sentado el sub bass en este momento en relación con los otros osciladores. Sólo voy a abrir un poco el filtro para ver cómo suena eso. Muy. Y lo último que podría hacer aquí es que podría volver al oscilador uno y ver cómo suena eso si le pongo una octava arriba. De acuerdo, así que vamos a ver cómo suena sin que el oscilador se levante. Y ahora si lancé ese oscilador, hagámoslo un poco más ancho. De acuerdo, entonces me gusta el sonido de esta base, así que hecho. Entonces lo que podríamos hacer ahora es que podríamos venir a la sección de efectos aquí y agregar algunos efectos como algo de saturación y esas cosas. Pero creo que van a dejar eso para la sección de mezcla. Pero lo que voy a hacer es simplemente darle forma al sonido un poco usando este ajuste de EQ aquí. Ahora si eres un sintetizador no tiene un ajuste de EQ integrado, solo
puedes abrir la pista del mezclador y puedes especie de cargar un
ajuste de EQ en esta ranura y dar forma a tu sonido antes de empezar a mezclar. Pero por ahora, porque spire tiene incorporado el ecualizador, solo
voy a usar este ecualizador aquí para especie de dar forma al sonido. Entonces lo voy a encender presionando el botón EQ. Y voy a tomar una escucha a lo que suena si impulso algo de la gama alta. De acuerdo, así que escuchemos el patrón y luego aumentaré esto ya que se está jugando. Echemos un vistazo a ajustar la sección de rango medio. Entonces creo que este sonido de bajo es mucho más agresivo ahora con el tipo de conformación que hemos hecho con el ecualizador. Pero estoy pensando que podría cambiar el sonido de este oscilador porque creo que es un poco demasiado suave para el sonido que vamos por. Entonces voy a bajar aquí y voy a cambiar, en realidad lo siento, voy a silenciar primero estos osciladores y luego voy a
bajar aquí y voy a cambiar el sonido de este oscilador, que es oscilador uno. Entonces escuchemos el patrón y
cambiaremos la forma del oscilador a medida que se está jugando. Y quizá probemos uno de estos latones. El bronce a OK. Ahora prefiero el sonido de bronce uno, así que lo voy a dejar en latón uno. Entonces volvamos a los otros osciladores y veamos cómo suena esto Now
como una especie completa de sonido bajo en capas. Entonces eso es todo lo que tienes que hacer cuando estás creando tu base. Entra y pon un oscilador. Se puede modificar el
unísono, meterse con algunos de los planeamientos y los Ajustes blancos. Y luego ajusta tu filtro para que esté más abierto o cerrado dependiendo del sonido que vayas a buscar. Y además no te olvides de capas en algunos otros osciladores para obtener un sonido más gordo. Entonces si solo toco oscilador uno, Suena un poco diez. Pero si agrego en el segundo oscilador, entonces como otra capa, suena así. Y luego si agrego en el tercer oscilador, que es sólo el sub bass. Y es sólo crear este tipo de desperdicio que falta
el sintetizador. Suena así. Por lo que puedes aplicar este mismo proceso a cualquier sintetizador con el que estés trabajando. Solo tienes que jugar con los diferentes parámetros, ver qué tipo de diferencia hace, y luego ir a crear tu aroma base. En el siguiente apartado, echaremos un vistazo a la construcción de patrones de leed.
25. Elementos principales de las principales de EDM: Entonces, ¿cuáles son algunos de los principales elementos de un liderato de EDM? Bueno, en primer lugar, tenemos que ver lo que es una ventaja. Una ventaja es una especie de melodía principal que agregas encima de los otros elementos de tu track. Ahora porque lo estás agregando encima de esos elementos, una melodía de plomo suele ser más alta en tono que el resto de tus instrumentos. Entonces dependiendo del género que estés haciendo, tu ventaja o será muy simplista con un patrón corto o será muy complejo con un patrón largo. Pero creo que eso también depende de tu propio estilo personal y de tu propio gusto personal. Entonces si pretendes usar solo especie de acorde a lo largo de toda tu track, diré, mantén tus melodías cortas y algo simplistas. Entonces no más de tal vez tres o cuatro, tal vez cinco notas a un máximo. No lo quieres demasiado complejo porque el resto de tu track es algo escaso ya que solo tiene un acorde todo el camino. Por lo que tener una melodía realmente compleja simplemente no tendría sentido en el contexto de tu track. No obstante, si tienes una pista como la que tengo aquí donde hay montones de cordones pasando y son una especie de gran progresión lo hará entonces tu melodía de plomo podría ser un poco más compleja, y definitivamente tendrá un patrón más largo como tú se puede ver aquí. Ahora en realidad acabo de notar que deletreaba melodía peldaño. Pero eso está bien, eso no afectará lo que estamos aprendiendo aquí. Entonces si sí tienes una larga progresión de acordes, entonces tu melodía incorporará notas de esa progresión de acordes. Entonces si solo echamos un vistazo rápido a los acordes que estoy usando en esta pista. Ya veremos que estoy usando. Si nos desplazamos hasta aquí hasta los nodos raíz, veremos que es una especie de F, D agudo, un agudo. F afilado, un afilado. De acuerdo, entonces es sólo una especie de repetición de este patrón de cuatro acordes aquí, que es F, D agudo, japonés agudo. Y si entramos aquí a la melodía, y echamos un vistazo a lo que está haciendo la melodía. En primer lugar, notarás que en realidad es mucho más alto y el pitch son acordes. Estamos aquí abajo en alguna parte y tengo que desplazarme hacia arriba para llegar a la melodía porque la melodía debería estar sentada encima del resto de los elementos de tu pista. Pero si notamos aquí, la primera nota es C, Y en nuestro patrón de corte, el primer acorde es F, Así que c es el quinto de F, por lo que está incorporando notas del acorde. También tiene un poco de f aquí dentro también. El siguiente cancha creo que fue D-Sharp. Y si estuviéramos usando un afilado, que es el quinto de D-sharp, porque tendríamos D-sharp G, y Asia. El siguiente tipo de nota larga que estamos usando es un IG, que es, por
lo que yo recuerdo, también era una especie de acorde D-sharp. Entonces estamos usando ahora el tercero de D-sharp. Por lo que tu melodía siempre incorporará las notas del acorde. ¿ De acuerdo? Ahora sí tengo este tipo de nodos de ornamentación, que son los más pequeños. Y estas son, estas podrían no estar usando las notas del acorde, pero eso está bien porque son más cortas y solo están ahí con fines estéticos como aprendimos cuando estábamos construyendo nuestra base. Por lo que realmente no necesitamos preocuparnos por las notas de ornamentación. Basta con mirar el principal tipo de notas largas que estaban usando. Y solo necesitas asegurarte de que estas largas notas estén cayendo dentro de las notas del acorde que está tocando tu progresión de acordes. Ahora algunas necesidades pueden ser muy, muy simplistas. Es decir, si estás haciendo una especie de música techno, podrías tener una pista que solo tiene un nodo, y es solo tal vez unos pocos diferentes, un patrón diferente con la nota F. Y eso es todo. Sólo tiene dos barras de largo, y tiene un par de repeticiones de la nota F, Y esa es tu ventaja. Pero lo que lo convierte en una ventaja es el hecho de que está sentado por encima de la Tierra más alto en tono que el resto de sus instrumentos. Entonces, solo tengamos una escucha rápida a este patrón de plomo con las tarjetas de fondo. Y después de eso, saltaremos directamente a construir un patrón de plomo. Ok, vamos a escuchar ahora. De acuerdo, así que vamos a saltar ahora a la sección de patrones de plomo de construcción donde
aprendemos sobre los diferentes tipos de leads que podemos usar en nuestra pista.
26. Construir un patrón principal: Entonces en esta conferencia vamos a echar un vistazo a la construcción de patrones de plomo. Ahora, acabo de crear dos patrones muy rápidos aquí, uno con una patada y un simple offbeat basado en OneNote. Por lo que solo está tocando en el tercer paso de cada beat y suena así. Y luego por aquí tengo un segundo patrón donde
acabo de tomar el offbeat basado y he añadido algunos acordes. Entonces en lugar de solo tocar un eco AFC y donde quiera que
mires la construcción de patrones de plomo para pistas con un solo acorde. Y vamos a echar un vistazo a la construcción de patrones de plomo para pistas con más de un guardia. Entonces así suena el patrón con más de un acorde. De acuerdo, entonces es una progresión de acordes bastante simple. Probablemente sea una de las progresiones de acordes más comunes que jamás haya usado, pero eso está bien. Sólo estamos echando un vistazo a construir pistas y hacerlas encajar en las canchas. Por lo que hay unos cuantos tipos diferentes de leads que podemos crear. De acuerdo, entonces voy a entrar en mi patrón de plomo aquí, y voy a abrir el rollo de piano. Y el primer tipo del que vamos a hablar es el tipo de ventaja técnica muy escasa. Y aquí es donde podría usar un máximo de dos o tres minutos en OneNote. Entonces atractores en la clave de a. Así que solo voy a colocar en una nota aquí en el primero, el primer beat del bar. Y luego voy a colocar en un nodo otra vez en el cuarto beat. Y eso es todo. Esa es nuestra ventaja. Apenas dos notas sobre el nodo raíz de la pista. Y voy a pegar esto a través. Y este es un tipo de plomo que podemos usar. Entonces eso no hace lo que suena esto. Ahora por el bien de la sincopación, podríamos compensar un poco esto y tal vez ponerlo en el tercer paso del último ritmo y ver cómo suena eso. Por lo que este tipo de plomo es muy común en el techno porque propio
techno como género está bastante vacío. Podrías tener una patada, una base,
una ventaja, y tal vez algunos sonidos de batería extra. Y eso es todo lo que entrará en una pista técnica. Por lo que tiene sentido mantener tus leads simples. Si la pista en la que estás trabajando es simple. Ahora puedes desarrollar esta idea y convertirla en una casa más, especie de plomo base. Y porque las casas, un género muy sincopado tendrá que sumar algún tipo extra de notas aquí en el cuarto paso y tal vez el segundo paso. Entonces lo que voy a hacer es que voy a subir aquí a la quinta de nuestro RootNode a. Así que este es E. Will add en una breve nota aquí. A lo mejor saltaremos de nuevo a un. y luego tendré otro aquí en el tercer escalón. Y entonces tal vez, tal vez pongamos un c aquí en el cuarto paso. Y sólo copiaremos ese patrón a través. Y tal vez este sea nuestro tipo de casa sonando plomo. Ahora lo que voy a hacer es que sólo voy a aplicar Swing muy rápido. Entonces veamos cómo suena esto en el patrón. Ahora creo que pasa un poco demasiado. Entonces sólo voy a volver a escuchar y sacar algunas notas que creo que no deberían estar ahí. Entonces tal vez saquemos este toffee. Y tal vez simplemente cambiamos el patrón de este n bits para que le dé un, un poco de espacio para respirar. Lo mismo que nuestro patrón base. Queremos permitir que los patrones del espacio respiren. No queremos copiar lo que no queremos tener exactamente lo mismo pasando todo el camino. Entonces veamos cómo suena esto ahora. Y ahora veamos cómo suena eso en el patrón. Entonces el tipo de plomo que vas a crear realmente depende de tu estilo. Y también el tipo de pista en la que estás trabajando. Sólo voy a mostrarte muy rápidamente otro tipo de estilo de plomo. Y este es el plomo del estator. Y el plomo del estator se usa mucho en el género Melbourne bounce. Entonces aquí es donde, digamos que pegas en algunas notas que están en la nota raíz del acorde. Y sólo los colocaré aquí al azar. Al igual que esto. Y lo que hace el plomo del estator es que tartamudea entre estas notas. Entonces lo que haces es agregar en una nota extra justo antes de otro nodo y te breves lo más corto que puede ir así. Y entonces tal vez se agrega en otro. Simplemente apagaré este cuarto de paso para que podamos ver los ritmos reales adecuados de la barra. Entonces tal vez vuelvas a agregar uno por aquí. Y podría agregar uno delante de esta nota aquí. Y quizá otra vez aquí. Y así suena la protagonista. Ahora si es tartamudeo entre estos nodos. Y es porque este tipo de notas extra son realmente, muy cortas. Por eso suena como si fuera tartamudeo. Si estos fueran más largos de lo que no sonaría como si estuviera tartamudeando tanto. Sonaría un poco para suavizar. Oigamos esto. Por lo que quieres asegurarte de que estos nodos sean una especie de cortos para que suene como si el patrón estuviera tartamudeando. Entonces, solo escuchemos cómo suena esto en el patrón principal por aquí. Simplemente cerraré esta sección de historia. Entonces veamos cómo suena esto ahora en el patrón principal. Otra cosa de la que debes asegurarte es si
tu patrón de plomo está jugando junto a algunos otros patrones. Por lo que tendrás que escuchar el sonido del plomo en el contexto de todos los demás patrones de tu track. Y tienes que asegurarte de que este sonido de plomo que has liderado melodía que has hecho, tienes que asegurarte de que se ajuste al sonido de los otros patrones. Porque es realmente fácil hacer que el plomo suene realmente complejo con montones de diferentes notas y cosas. Pero si eso no pesca, el sonido general de tu track y todos los demás elementos que estás usando, entonces el liderato en tu track no funcionará. Por lo que necesitas escuchar todos los elementos de tu pista y asegurarte de que tu plomo esté encajando bien con el resto de los elementos. Por último, sólo quiero venir aquí y hablar una especie de plomo que se basa en los tribunales. Entonces como dije antes, los acordes que estamos usando aquí, R, a,
F, C, y G. Vale, así que vamos a tener eso en cuenta cuando estemos construyendo nuestro patrón de plomo. Entonces eso es a, F, C, y G. Así que eso viene ahora al piano roll. Y sé ahora que los cordones son a para la primera barra, f Para la segunda barra, c para la tercera barra, y G para la cuarta barra. Entonces lo que voy a hacer es recordar que solo voy a colocar en una nota corta aquí en a,
F, C, y G. Ahora cuando estás creando un patrón de plomo para cordones, tienes que asegurarte de que estás usando algunos largos notas que también son notas que la cancha así que digamos que llevamos este C aquí y colocamos una nariz larga aquí. Y colocamos otra nariz larga, tal vez de vuelta sobre un aquí abajo. Déjame mirar a f. Pondré una de las notas del islam todo el camino hacia arriba en c otra vez. Y tal vez
coloquemos, vamos al mismo lugar otra vez, juguemos un a aquí. El siguiente es C. Así que
veamos, volveremos a colocar un c solo por el bien de la consistencia. Y tal vez vamos a cambiar el segundo a una G para que se ajuste al acorde de C, que es C, E, G. Y veamos el g, m. podríamos escoger tal vez un, B, y entonces tal vez saltemos aquí a un D. Y lo que puede hacer es entonces podemos usar las notas más cortas para llenar el espacio en el medio. Ahora podría decidir que quiero caminar de la a a la C. Así que voy a sumar en una breve, especie de nota corta aquí esa especie de que nos camina de un hasta c así. Y entonces podría añadir en otra nota corta, tal vez en la d, sólo para ver a qué suena eso. Entonces lo dejé entrar. Un más corto sabe. Ese tipo de nos trae a la F. Así que voy a sumar eso en la paliza aquí abajo. Entonces puede ser otra vez, he añadido una nota corta en la a, y voy a añadir una nota corta aquí en la B otra vez, para que nos camine hacia abajo. Y luego dejaré solo este tipo de segunda mitad de la segunda barra sólo por el bien de un poco de espacio para respirar. Y luego vamos a echar un vistazo a sumar tal vez una G aquí para que como que salte hacia abajo sobre ellos, volver a subir. Y entonces tal vez vamos, tal vez vamos a dar un gran salto, tal vez salte a una E, Y vamos a saltar a una G. Y entonces aquí podríamos sumar un poco otro G, y podemos sumar esto aquí y hacerlo corto en lugar de no tocar la otra nota. Y entonces de nuevo, podríamos caminar de la G a la B agregando un, un, a, un muy corto a. Y entonces quizá podríamos agregar un nodo más aquí. Añadamos una G solo para traernos entre la B y el gran salto hacia abajo a la d Bien, entonces escuchemos cómo suena este patrón Ahora por sí solos. Y ahora escuchemos cómo suena eso en el patrón aquí. ¿ De acuerdo? Simplemente eliminaré estos porque hay remanentes del otro patrón que estábamos mirando hacia arriba. Y escuchemos cómo suena ahora en este patrón aquí, de acuerdo. Y aún tengo Swing Left. Y así podría apagar esto porque no creo que me guste el sonido del swing en este patrón en particular. A ver cómo suena sin decirlo. Entonces esa es una forma de construir patrones de plomo alrededor de acordes es una especie de
asegurarse de que estás usando notas largas que también son notas del acorde. Y luego especie de llenar el espacio alrededor esas notas con algún otro tipo de notas de ornamentación. Y un último consejo que quiero darte es una ventaja donde usas una app, vale, entonces este tipo de plomo es mucho mejor para acordes, pero es donde basas tu ventaja en un arpegio. Entonces un arpegio fue realmente sencillo de entender. Si echamos un vistazo a la clave de, si echamos un vistazo al nodo de un aquí, y el arpegio simplemente caminaría por las notas del acorde así, y luego retrocedería hacia abajo. Y eso es todo. Simplemente se repite una y otra vez en contra. Entonces esto sería un arpegio para la Corte de un bien. Y puedes cambiar estas notas alrededor. Tal vez podrías llevar esto a una a, y esto seguiría siendo un arpegio porque es como una cancha rota. ¿ De acuerdo? Entonces como si tuvieras el acorde de a, podrías tener en a, otro a y una e ahí dentro. Pero como lo has roto entre estas mini notas, se llama arpegio o acorde roto. Entonces escuchemos cómo suena éste. Pero lo que podemos hacer es una especie de alargar este cordón roto y podemos hacer una ventaja de ello. Entonces lo que voy a hacer es que traigo son un hasta este nodo. Y luego seguiré el mismo patrón. Saltemos a la imagen a, saltemos a la e, y luego volvamos a la a, y luego volvamos a bajar a la a otra vez, tal vez. Está bien. Ahora esa es una especie de patrón de arpegio. Entonces veamos cómo suena eso. Y luego para la segunda barra cambiará ligeramente el patrón hacia arriba. Ok, entonces sé que ya cambia porque tenemos un cambio de acordes. Pasamos a la F. Lo que podemos hacer es cambiar el tipo de ritmo de este patrón para que suene un poco diferente. Y luego repetiremos ese guión de punto, entero, patrón entero por aquí. Por lo que voy a cambiar ligeramente el ritmo. Entonces vamos a añadir un C y lo haremos un poco más corto. Entonces en Londres un c que puede porque esa es la F hasta el mar y tal vez hasta la a. copiemos eso a través. Y este puede ser nuestro patrón completo. Entonces copiaré esto luego a través todo
el patrón y solo cambiaremos las notas para que si ocurrió. Entonces sabemos aquí que estamos mirando un acorde de C. Entonces sólo voy a mover estos dos a g Willie que con 0s porque eso se ajusta a la cortesía. Limite, esto a una G. Y luego el acorde final y el patrón es un G. Así que solo moveremos estos mares de dos a d para que se ajusten al acorde. Y trasladamos esta F a G Así que cabe. Emily se movió como un, tal vez hasta un b Así que ahora este plomo está construido a partir de dos aplicaciones diferentes. Tenemos este árabe aquí, este arpegio, y este segundo arpegio aquí. Entonces veamos cómo suena el patrón por sí solo. Y el plomo de arpegio puede sonar
realmente, realmente bueno en ciertos géneros, sobre todo este tipo de género que suena un poco como am base o algo así. Pero escuchemos
el patrón de plomo de arpegio en el patrón completo aquí, hagamos una escucha. Y también podríamos aplicar swing a este patrón de app para hacerlo un poco más, para darle un poco más de groove. Escuchemos esto. Por lo que es difícil decirte exactamente cómo construir un patrón de plomo porque de nuevo, la música es objetiva. Entonces lo que crees que suena bien a otras personas les puede gustar, y lo que no te gusta a otras personas podría amar. Por lo que realmente depende de ti lo que te guste, pero solo ten en cuenta estos puntos cuando estés creando tus patrones de plomo. Entonces si solo tienes un acorde, mantén los leads como cortos y sencillos. Y si tienes más de un acorde, puedes usar esta técnica o puedes usar este tipo de nodo pulmonar basado en las notas de la técnica de acordes. Si tienes la habilidad de especie de cantar una melodía a lo largo, prueba eso también. Y tal vez puedas inventarte tu propia melodía mientras estás cantando a lo largo de la pista. Pero definitivamente mira a probar estas diferentes opciones y ve cuál funciona mejor para ti. A continuación, pasamos a elegir instrumentos de plomo, donde echaremos un vistazo a elegir algunos presets para nuestros sonidos de plomo.
27. Elige los principales de los principales: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a la elección de nuestros instrumentos principales. Ahora, lo único que diré antes de empezar es que debes
asegurarte de que tus leads destaquen del resto de los elementos de tu pista. Ok, así que intenta escoger un sonido que tipo de diferente al resto. Si no hace este ejemplo de una especie de pista estilo Vici que tengo aquí. Y notaremos que el liderato, el instrumento que he elegido, es completamente diferente y destaca del resto de los elementos de la pista. Entonces cuando sí agregamos en esa melodía de plomo, realmente brilla y algo así toma el centro del escenario. Entonces eso es escuchar el tipo completo de sección gota aquí. Y luego echaremos un vistazo a cambiar el sonido principal y ajustar algunos parámetros en el aroma. Entonces, veámonos ahora. Por lo que el patrón de plomo es relativamente simple. En realidad está compuesto por dos patrones más pequeños. Tenemos este patrón aquí al principio, y está basado en el patrón de OneNote del que estábamos hablando antes, excepto que acabo de cambiar algunas de las notas. Entonces fue que empezó con g
todo el camino por aquí y luego me limité a mover algunas de las notas arriba y abajo. Pero en realidad acabo de mover estos nodos hacia arriba. Y entonces también moví estas notas aquí arriba. Y entonces la segunda mitad del patrón es exactamente el mismo ritmo. Pero acabo de cambiar las notas para que se ajusten a los acordes. Y también estuvimos viendo esto en la última conferencia donde especie de duplicar el patrón y cambiar las notas para que se ajusten a las canchas. Entonces vamos a tener un escuchar el patrón por sí solo realmente rápidamente. Ahora la razón por la que en realidad he elegido un sonido de plomo como este es porque sí imita
una, una especie de plomo estilo Vici que solía usar. Y debido a que los sonidos de la pista varían, VGS, he elegido elite que se ajustaría a su estilo, pero vamos a entrar aquí ahora al plugin y vamos a echar un vistazo cambiar estos sonidos de leads y ajustarlos si es necesario. Entonces, solo trabajemos hacia atrás aquí. Pulsemos este botón a la izquierda y veremos cómo suena este preset, esta prisa. Veamos cómo suena esto. Ahora este tipo de sonido se conoce como sonido ácido. Y la música techno usa mucho este sonido. Y lo que hacen es que tipo de sí cerraron el filtro y lo
abrirían lentamente a medida que avanza la pista. Y tal vez esto sonaría bien en el patrón. Vamos a tener una escucha al patrón, ya sabes, teniendo en cuenta. Siempre tenemos que escuchar en contextos. Siempre tenemos que escuchar el liderato ya que está jugando con todos los demás elementos. Entonces voy a haber escuchado cómo suena esto en el patrón de gota. Entonces suena bien, pero no creo que realmente esté brillando. No creo que realmente esté sentado encima de los otros elementos así como el otro conduce bien,
así que voy a cambiarlo y encontraremos otro. Entonces veamos cómo suena este router por sí solo primero, con solo ajustar algunos de los parámetros aquí. Entonces acabo de abrir un poco el filtro. Por lo que es una especie de tipo agrega en un poco más de gama alta. Entonces oigámoslo en contexto. No me gusta nada este sonido. Creo que es un poco demasiado duro en la oreja, así que voy a cambiarlo de nuevo y tener una escucha de cómo suena este repetidor. Y ese es el mismo tipo de sonido son los últimos presets. Entonces sólo voy a saltarme. Veamos a qué suena las razones. De acuerdo, así que me gusta mucho el sonido de esto sólo por escuchar por sí mismo. Voy a solo filtrar aquí y ver qué puedo hacer. ¿ De acuerdo? Entonces porque me gusta algo de esto, voy a escuchar en contexto y ver si me gusta el sonido
del patrón o si me gusta el sonido del instrumento con el patrón de gota. Entonces vamos a ver. De acuerdo, así que suena bien, pero creo que en realidad podría estar levantado un poco solo porque suena un poco bajo. Entonces vamos a recogerlo y a ver cómo suena. Ahora, solo presiono comando y ahí arriba solo para subirlo por la octava. Escuchemos cómo suena ahora. Entonces ahora he encontrado un sonido de plomo que me gusta mucho. Entonces lo que voy a hacer es que voy a clonar el plug-in para que podamos empezar a capas. Ok. Entonces me gusta el sonido de esta ventaja. Entonces ahora voy a capas encima de ella. Entonces estas son nuestras principales pistas sobre las que vamos a usar. Y ahora lo que voy a hacer es que voy a entrar aquí y voy
a mandar y copiar este patrón. Y lo voy a pegar en el patrón de capas. Y voy a empezar a cambiar algunos de los presets para ver cómo suenan juntos. Entonces probemos este preset radiante como capa. Y en realidad lo primero que voy a hacer es bajarlo en la pista del mezclador solo para que no nos lastime los oídos. Volvamos a tener una escucha. Entonces no creo que este preset en particular esté agregando nada al sonido general, así que vamos a cambiarlo sin embargo a este preset pyro. Ahora me gusta el sonido de esto. Creo que esto está agregando una textura bastante cool y suena como si
fuera una especie de gritos. Y creo que eso es realmente genial. Creo que eso podría funcionar en la pista. Entonces escuchemos ahora el patrón de gota con este tipo de gritos, sonaba como si no lo hiciera. Y ya sabes, fuera a segunda escucha, creo que voy a cerrar un
poco el filtro porque creo que es una especie de gritar un poco demasiado. Entonces vamos a ver si este preset, Vamos a cerrar el filtro. Hagamos un escucharlo por su cuenta. De acuerdo, entonces con este preset en particular, en realidad no
han configurado el filtro. Entonces en realidad sólo voy a saltarme porque no soy un fan completo del sonido cuando está en contexto con la caída. Entonces escuchemos este preset pusher con, junto con el otro preset. Ahora creo que eso en realidad es agregar algo bonito. Vamos a volver a escuchar, voy a meterme con el filtro. Y ahora escuchemos eso en contexto con el patrón de caída. Entonces en realidad creo que este preset suena mucho mejor que el último preset que estábamos usando. Y como todo lo demás, elegir los sonidos de tu instrumento va a ser subjetivo. Es algo así como lo que te gusta y lo que crees que se ajusta mejor a tu pista. Pero sí tienes que asegurarte de que tu plomo se destaque del resto de los elementos porque está destinado a sentarse arriba y está destinado a captar la atención del oyente. Así que asegúrate de elegir un sonido de plomo que destaque del resto de los elementos y luego estrágalo con otros presets que tipo de suma a ese sonido original. Entonces ahora sigamos y vamos a echar un vistazo rápido a hacer algunos instrumentos de carne.
28. Hacer instrumentos principales: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a hacer nuestros propios sonidos de Lead. Ahora, nos vamos a quedar con el mismo plugin que hemos estado mirando hasta ahora, sólo por el bien de la consistencia y para evitar que ustedes se confundan. Pero el proceso de nuevo es el mismo en cualquier sintetizador que estés usando. Entonces empecemos aquí con el oscilador uno subiendo los micrómetros de la mesa de ondas. Y luego nos dirigiremos aquí abajo y
revisaremos algunos de los diferentes tipos de sonidos que nos vendría bien. Probemos violín a, probemos este inter uno. Ok, entonces me gusta mandar esto a uno. Entonces voy a añadir unas voces al unísono para que sea un poco más grueso. Entonces vamos a agregar cuatro voces, y vamos a desafinarlo un poco más que el tipo de ajuste desafinado predeterminado. Ahora voy a subir el lanzamiento sólo para ver cómo suena eso. Y entonces tal vez subamos la decadencia y veamos cómo suena si le subimos el ataque. De acuerdo, entonces ahora quiero quedarme con este tipo de sonido plucky. Y lo que voy a hacer con este instrumento principal es que
voy a usar el panning en lugar de los ajustes amplios. Entonces voy a panear el primer oscilador, tal vez una especie de hasta las siete en punto, tal vez a las ocho en punto con este tipo de rueda. Y luego voy a sumar en el segundo oscilador. Lo que voy a hacer enseguida con este segundo oscilador es que en realidad sólo voy a castigar al lado opuesto, que serían las cuatro, tal vez las cinco en punto. Justo lo opuesto exacto al oscilador uno. Para que estemos creando una buena difusión por todo el espectro estéreo. Entonces escuchemos cómo suena esto ahora. Entonces de nuevo, subimos nuestros micrómetros de mesa de olas y cambiaremos algunos de los sonidos. Entonces veamos cómo suena el piano A1. Intentemos lanzarlo un poco. Entonces creo que con este segundo oscilador pitch down, creo que suena un poco más lleno. Entonces me voy a quedar con eso y voy a probar algunos de estos diferentes tipos de sonidos. Probemos vocal seis. De acuerdo, así que me gusta esto y el seis vocal. Entonces voy a empezar a jugar con el ajuste al unísono. A lo mejor desafinarlo un poco más. Ahora porque esto es una ventaja. Voy a encender este perfecto oh, Filter. Y en realidad voy a abrir el filtro completamente que estemos recibiendo, porque cuando está cerrado, es más un sonido plucky, que se puede enfriar para la progresión de tu track. Pero quiero que el filtro esté abierto porque esta es la sección de gota y aquí es donde la ventaja debe estar en su máximo y su más ruidosa y especie de tomar el centro del escenario sobre el resto de los instrumentos. Entonces dejemos abierto este filtro. Y luego por el bien del equilibrio, voy a sumar un tercer oscilador, y voy a dejar este oscilador en el centro. Pero podría simplemente añadirle un poco de blancura sólo por el bien de ese tipo moderno de sonido ancho. Y de nuevo, sube nuestra mezcla de mesa de olas. Y escuchemos cómo suena la onda sinusoidal. Vamos a lanzarlo hacia abajo. Entonces lo empujé de nuevo hacia arriba y voy a tener una escucha a tal vez algunos de estos ajustes aquí. A lo mejor esta guitarra. A lo mejor bajarlo otra vez, a ver cómo suena eso. Y trataremos de lanzarlo una vez más para crear una especie de spread. De acuerdo, así que ahora eso es demasiado bajo, así que solo voy a dejar un respaldo en esta minús1 octava. Por lo que sólo lo volví a lanzar. Pero no me gusta el sonido de esta guitarra tipo de formas de onda. Voy a cambiarlo a tal vez latón para que hagamos los sonidos como OK. Entonces puedes ver aquí ahora arriba en mi medidor de CPU que está empezando a causar latencia. Y miramos esto cuando estábamos configurando nuestro proyecto. Una forma de especie de refrescar el software y decirle que quería cerrar el plugin innecesario. Entonces voy a subir aquí a herramientas, abajo a Macros y hacer clic Cambiar smart disable si Rob inicia sesión y si ves el medidor de CPU aquí arriba, debería saltar de 6766 hacia abajo porque solo estoy usando este enchufe en este momento. Entonces, vamos a presionar este botón. Y como se puede ver, se saltó de 67 derecha a 42. Y eso ha liberado mucho más espacio de CPU para que
podamos hacer nuestro centro y en realidad podemos escuchar con claridad. Por lo que no debería haber más saltos o rezago. Vamos a escuchar. De acuerdo, así que me gusta el sonido de este latón para ondear formas cuando se va a añadir algunas voces extra. Y voy a desafinarlo un poco. Y escuchemos cómo suena esto. Cerremos un poco
el filtro y veamos cómo suena esto con un filtro cerrado. A lo mejor abrir a un poco más. Entonces ahora creo que sólo voy a dejarnos completamente abiertos y obtenemos la completa, especie de, la pared completa de sonido que viene de este sintetizador. Podría simplemente bajar un poco el lanzamiento porque creo que es un poco demasiado largo. Y creo que las notas se están encontrando entre sí. Entonces ahí vamos. Eso suena un poco mejor. Intentemos agregar algo de esta saturación. Subiremos el Anobit Dry Wet y subiremos la unidad. Entonces obtienes el tipo de sonido distorsionado de Marv Martha. Ahora podemos usar este locus. Ajuste para deshacerse de parte de la baja distorsión que es, y eso está causando un, un, un sonido indeseado en el sonido general del instrumento. Entonces, solo subamos un poco esto y veamos cómo suena eso. Está rechazado el Seco, Húmedo y los objetos. Entonces es sólo un efecto sutil. Entonces ahora lo es, ahora está proporcionando un sutil tipo de distorsión. Y si lo silenciamos ahora sonará así. Y déjame añadirlo de nuevo. Agrega en este sutil sonido de distorsión. Tengamos una escucha. Y finalmente, como lo hemos estado haciendo con todo nuestro sentido que estamos haciendo hasta ahora, vamos a encender esta sección de EQ y simplemente impulsar un poco la gama alta. Y en realidad voy a cocinar los mínimos, creo un poco. Y esta es una forma muy común que se utiliza en la mezcla. Y es por algo llamado la Curva Fletcher y Munson. Pero vamos a echar un vistazo a eso cuando lleguemos a la etapa de mezcla. Pero es sólo una especie de razón científica por la que pareceríamos preferir este tipo de forma en el EQ. Pero escuchemos cómo suena esto ahora. Y ahora veamos cómo suena eso en el patrón de gota del potro. Ahora, te darás cuenta de que es mucho más tranquilo. Entonces solo voy a comunicar el mezclador y subir esta pista que,
eso, que esta ventaja está encendida. Y volvamos a tener una escucha. Mucho que puedes hacer entonces es que puedes entrar y puedes clonar esto y puedes ponerlo en capas con presets como lo hicimos aquí. O puedes hacer tu propio tipo de presets para unirte con él. Pero de nuevo, como todos los demás instrumentos que tenemos que capas son las derivaciones. Entonces si tienes una especie importante de sonido principal, que puede ser esto, entonces podrías clonar esto y hacer otro tipo de capa, tal vez con un poco de click. O como dijimos antes, transitorios y para especie de agregar en el SI click que parece faltar este sonido. Ahora esta capa en particular aquí en realidad está proporcionando esa tristeza que nos falta con esta. Entonces lo que puedo hacer es que puedo entrar a la pista del mezclador y simplemente bajar eso. Entonces los dos, los dos sonidos encajan un poco mejor. Vamos a escuchar cómo
suena la capa que hicimos con la capa que estamos usando como preajuste. Y si sacamos la capa que hicimos, y ahora si sacamos la capa eso es un preset. Por lo que se puede ver que las dos capas se están complementando entre sí. Bueno, esta capa es un preset y es especie de clicky y esta capa es una capa que hemos hecho, pero no es Kikee. Por lo que los dos se están combinando para hacer un agradable clicky y aireado conduce hacia fuera. Escuchemos esto y el patrón caído completo y veamos cómo suena eso. Entonces eso es todo lo que necesitas saber realmente sobre hacer tus sonidos de plomo. No es muy diferente a hacer cualquier otro instrumento. La única diferencia es que estás pensando en el tipo del resultado terminado. Y estás asegurándote de que suene más como una ventaja que como un pluck o una base. Solo tienes que pensar en el producto terminado cada vez que estés creando tus propios sonidos. Así que sigamos ahora y echaremos un vistazo a la construcción de almohadillas y cuerdas para EDM.
29. Almohadillas vs. cuerdas: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a algunas almohadillas, y luego vamos a echar un vistazo rápido a algunas cuerdas. Ahora en patrón EDM, las cuerdas no son tan comunes. Y si se
usan, generalmente se usan en transiciones son como relleno en el fondo. Estaríamos echando un vistazo al relleno y las transiciones en las próximas secciones por venir. Pero por ahora solo te voy a mostrar una instancia donde podrías usar un pad o podrías usar una cadena. Y esto es como acompañamiento para una vocal. Por lo que puedes usar tu pad como una especie de patrón de acordes, excepto que el acorde D nada
al acorde se están manteniendo durante mucho tiempo y eso es lo que hace un PAD. Es este tipo de sonido de barrido de pulmones. Y pero sostiene la nota y la sostendrá todo el tiempo que quieras, exactamente como lo haría una cuerda en una orquesta. Y por eso las cuerdas y las almohadillas están una especie de entrelazadas. Pero podemos usar nuestras almohadillas para tocar la progresión de acordes de la pista. Y entonces podemos capas eso debajo de nuestras voces y para crear una especie de sonido típico tipo house comercial. Entonces si acabo de ver esta almohadilla aquí, suena así. Y ves cuando traes la vocal, entonces obtienes este tipo de sonidos típicos de la música house comercial. Entonces vamos a tener un escucharlo con la vocal en capas en mí. Ahora la diferencia entre una almohadilla y una cuerda es que obviamente una cuerda es un instrumento acústico y suena así. Entonces, solo resolvamos este patrón de cuerdas aquí. Ahora las cuerdas son un poco más expresivas. El sonido de la almohadilla está muy en tu cara y como que te golpea en cuanto empieza. Al igual que tan pronto como ese patrón comenzó te golpea en la cara. tanto que si tomas una escucha a las cuerdas, el ataque a una cuerda es mucho más lento y es una especie de fluye entre cada nota. Y esto se llama el Gatto en música, pero no necesitamos, no necesitamos preocuparnos por eso. Todo lo que debes saber es que las cuerdas son un poco más expresivas. Entonces si quieres agregar algo de expresión o tristeza a tu pista, puedes agregar algunas cuerdas. Y escuchemos ahora con las voces en capas arriba. Ahora porque eso es todo lo que hay para patentar cuerdas. Es simplemente un acompañamiento que podrías usar o lo
usarías como relleno o una transición. Solo voy a entrar en este patrón aquí y darte un vistazo rápido a dos tipos de opciones que podrías usar. Ahora la primera opción es obviamente tener todas estas notas en el primer golpe de cada bolsa así, vale, y entonces el patrón sonaría así. Si enciendo el metrónomo, sonaría así. Entonces si agregas eso entonces a tu track con la voz, realidad le dará un tipo de vibra diferente. Entonces la técnica que estoy a punto de mostrarles. Entonces, solo escuchemos este patrón en la pista cuando todos los nodos están en el primer ritmo de la barra. Ok, vamos a escuchar para apagar el metrónomo. Ven a mostrarme qué. Esta siguiente técnica que estoy a punto de mostrarte es algo que Daft Punk usa todo el tiempo. Y yo soy, me estoy doblando el cronometraje de acordes Daft Punk porque lo usan con tanta frecuencia y en realidad, crea un poco de surco en tu pista. Entonces lo que hacemos es tomar todos los acordes que no están en el muy, muy primer beat y los compensamos. Nosotros los traemos adelante ya sea por uno o dos o tres o cuatro pasos o lo que sea, sólo los traes adelante. Entonces los voy a llevar adelante al tercer escalón del frente estéril. Y luego los voy a acortar para que no se
estén tocando o no se superpongan. Y a esto se le llama. Pero no se llama, pero lo he apodado el cronometraje Daft Punk porque lo hacen tan a menudo y crea un poco de groove en las pistas de un alargado estos aquí. Vamos a encender el metrónomo y vamos a tener una escucha a lo que suena ahora cuando los acordes realmente están cayendo ante el ritmo de la barra. Y si equipo esta técnica en particular con algunos elementos de tambor como tenemos aquí, tengo una muestra de aplausos por aquí. Y puede tomar un patrón de sondeo muy amateur que caiga en el primer paso de cada comprador y
convertirlo en un patrón de sondeo más profesional que le tenga un poco más pensado y un poco más de groove. Entonces vamos a tener una escucha ahora con este patrón, cuando sea compensado llevando las notas del acorde hacia adelante al estéril frente. De acuerdo, entonces vamos a tener una escucha ahora. Muéstrame. Podríamos apagar este aplauso aquí sólo para detener la latencia. Y de nuevo, voy a subir a Macros y cambiar smack disabler para nuestros plug-ins. Ahora la razón por la que esta pista se está saltando tan mal es porque en realidad es un arreglo completo que he hecho. Y tengo, tengo efectos en todos estos diferentes instrumentos aquí. Tengo Mastering pasando también. Entonces el software está tratando de ejecutar todas estas cosas al mismo tiempo, pero solo quería mostrarles esta pista en particular muy rápidamente porque está usando este tipo de cronometraje de acordes Daft Punk. Entonces vamos a tener una escucha de nuevo y esperar la latencia menos que volver. Por lo que obviamente, las almohadillas y las cuerdas dan muy especie de sonidos diferentes. Pero depende de ti qué sonido quieres usar en tu pista. Las cuerdas son un poco más expresivas y tristes. Y las almohadillas son un poco más en tu cara y especie de sonido electrónico. Y tienen ese campo de casa comercial. Entonces pasemos ahora a la conferencia de Elección de instrumentos de almohadilla. Y te mostraré como el dolor de cabeza más grande a la
hora de elegir tus preajustes de pad.
30. Elige los sondos de Pad: De acuerdo, entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a elegir nuestros instrumentos de pad. Ahora lo único que diré de los instrumentos de almohadilla es que suelen ser sosos y no distraen porque usamos este tipo de instrumentos en el fondo o una especie de elemento de relleno. No queremos distraer de los principales elementos de la pista. Entonces si encuentras un preset con mucha clase de intrincados LFO y modulación y otras cosas como esa que podrían distraer del oyente. En realidad vamos a retocar los parámetros para apagarlos. Queríamos mantener el sonido lo más sencillo y soso posible. Entonces tengo el inicio de un arreglo aquí, y empieza con estos acordes aquí. Y luego salta a esta sección vocal. Y luego entra en esta sección donde hay un patrón de acordes arpegiado. Pero creo que este arpegio deja mucho que desear. Creo que queda mucho espacio detrás de cada uno de los nodos. Entonces creo que voy a llenar ese espacio con el sonido de la almohadilla. Solo escuchemos el track, tal vez hasta aquí, e intentemos notar cómo el track se siente un poco más vacío cuando llega a esta primera sección. De acuerdo, vamos a escuchar ahora. De acuerdo, así que vamos a añadir nuestros instrumentos de almohadilla. Entonces lo primero que voy a hacer es que voy a entrar en el patrón de acordes. Y esto son solo los acordes principales y están tocando en cada beat
del bar y están siendo sostenidos por ese beat completo. Y sólo voy a copiarlo presionando comando y ver. Y luego voy a subir aquí y voy a crear un nuevo patrón llamado pad. De acuerdo, vamos a entrar en ese patrón y usaremos esto haciendo tres plug-in que ya he cargado en la parte inferior aquí. Entonces entraremos en el rollo de piano y pegaremos este patrón de acordes en. Y lo vamos a lanzar también porque estoy pensando que quiero que este sonido de pad sea un poco más alto en área, luego la app que está sonando al mismo tiempo. Entonces salgamos de esto y volvamos al plug-in. Y abriremos la sección de banco de sonido y cargaremos tal vez este volumen esencial de colección tres y cargaremos la subcarpeta pads. Entonces sólo voy a mover esto fuera del camino y vamos a tomar una escucha a cómo suena este primer preajuste de Arun y pad. Tengo que cambiar esto a patrón. Perdón. Vamos a escuchar otra vez. Y no estoy seguro de que puedas notar este pájaro, el tiempo de lanzamiento de este sonido en particular sigue yendo. ¿De acuerdo? Y dije que había mencionado el tipo de dolor de cabeza principal que obtenemos con los preajustes de pad. Y ahí es cuando las cargas. Los tiempos de ataque son ridículamente altos y los tiempos de liberación son ridículamente altos. Y la razón de esto es porque las almohadillas están diseñadas para la música ambiental. Es decir, ese estilo de música, tienen estas progresiones de acordes muy largas. Por eso las almohadillas pueden funcionar muy bien en esos estilos de música. Pero para nosotros, este tipo de tiempos de ataque y liberación no funcionan. Entonces lo que vamos a hacer es bajar
la cúpula de ataque para que el sonido empiece mucho antes. Y vamos a bajar este tiempo de lanzamiento para que las notas se superpongan entre sí. También voy a entrar y apagar algunos de los efectos, como el retraso en la reverberación sólo para que podamos escuchar un poco más claro
el sonido principal. Quiero decir, volver a escuchar. Añadamos esto a la pista del mezclador. Voy a bajarlo un poco, sólo para que no vaya a dominar el sonido de la manzana. Yo lo agrego de nuevo en. Y ahora veremos cómo suena con el medio plano por encima de él. Entonces me gusta el sonido de este pad, pero vamos a volver al plug-in y cambiarlo sólo por el bien de este tutorial. Y lo cambiaremos puede ser por este preset de creencias. Entonces veamos cómo suena este preset de creencias por sí solo. Ahora no me gusta realmente el sonido de esto, así que pasemos a la siguiente que es ventisca. Pasemos de nuevo a Bobby. Entonces me gusta mucho el sonido de Bobby. Creo que hay preajuste Bobby es bastante sutil y distrayente. Pero de nuevo, el tiempo de ataque y el tiempo de liberación es muy, muy largo. Entonces solo voy a bajar estos para que el sonido empiece con un poco antes y el tiempo de lanzamiento para que el sonido no se superponga. Las otras notas van a entrar y apagar la reverberación. Y entonces podría, podría ajustar esta frecuencia de corte ya que está sonando sólo para ver qué tipo de sonidos podemos salir de esta frecuencia de corte. Vamos, está bien, así que vamos a tener una escucha. Por lo que prefiero mucho el sonido en este preset con la rueda de corte un poco abierta. Entonces volvamos
al arreglo y tendríamos una escucha al árabe mientras está jugando con el pad. Vamos a bajarlo solo para que esté en segundo plano y no distraer de la app principal. Y ahora al escucharlo en el arreglo, realidad
creo que la rueda de corte es de dos. Está demasiado abierto, suena demasiado brillante y dos Airy, así que en realidad voy a bajarlo y hacerlo un poco más sutil. Vamos a escuchar otra vez. Simplemente estamos cerrando este plug-in y luego tomamos una escucha. A lo mejor subirlo un poco. Pero realmente me gusta el sonido de esto hasta ahora. Y escuchemos ahora el resultado final con nuestra almohadilla ajustada con la app. Entonces eso es todo lo que necesitas tener en cuenta cuando estás eligiendo tus sonidos de pad. Solo ten en cuenta que eres tipo de que lo estás usando como instrumento de fondo. Y no quieres que esté distrayendo de los demás elementos principales de tu pista. A continuación, vamos a echar un vistazo rápido a hacer algunos instrumentos de Pat.
31. Hacer sondos de Pad: Entonces en esta conferencia vamos a echar un vistazo a hacer un instrumento de almohadilla. Ok, entonces lo que tengo aquí es que tengo esta especie realmente, realmente larga de progresión de acordes cinematográficos. Y es literalmente sólo por el bien de escuchar el pad. Entonces vamos a entrar aquí y salir al plugin y vamos a echar un vistazo. Simplemente inicializaremos esto y echaremos un vistazo a crear nuestras propias almohadillas hacia fuera. Entonces escuchemos algo del patrón AHORA con este ajuste inicializado. De acuerdo, entonces tal vez subiremos esta mezcla de mesa de olas para obtener la forma final del oscilador. Y entonces podríamos probar algunas de estas diferentes formas de oscilador. Probemos con violín tres. Veamos cómo suena esto. De acuerdo, me gusta el árbol del violín sonoro. Veamos cómo suena con uno de bronce. Vamos a jugar de nuevo. Y probémoslo ahora con tal vez haya para lejos. Veamos cómo suena esto. De acuerdo, así que me gustó mucho el sonido de bronce uno cuando estábamos tocando por ahí. Entonces voy a volver a seleccionar esto. Y como siempre voy a venir y voy a retocar las voces unísonas. Ahora bien, esto es un sonido de pad, así que quería ser bastante tick. Entonces voy a escoger tal vez estas seis voces aquí. Y acabaremos de subir el detune un poco solo para que sea un poco más grueso. Entonces veamos cómo suena esto ahora. Y ahora veamos ¿podemos ajustar el ataque? Ok, volvamos el ataque de, y tal vez volvamos a la decadencia también. Y vamos a ver qué pasa cuando hacemos esto. ¿ De acuerdo? Ahora creo que ese ataque es un poco demasiado largo, así que vamos a bajarlo un poco y ya veremos cómo suena ahora. Y no estoy seguro si te has dado cuenta de esto cuando estás escuchando, pero en realidad hay un sonido clicky que está sucediendo como un pequeño pop o un click que está sucediendo, justo cuando el norte comienza en el patrón de acordes. Y la razón de esto es porque cuando estábamos hablando de sintetizadores, recuerda que estábamos diciendo sobre cuántas voces son sintetizador puede tocar al mismo tiempo. Ahora este patrón de acordes en particular tiene montones yendo en él como 12345, tal vez seis. Seis o siete notas diferentes que se tocan al mismo tiempo. Y si venimos aquí y miramos cuántas voces hemos puesto para permitir que se toquen al mismo tiempo, veremos que en realidad se establece en cuatro. ¿ De acuerdo? Por lo que necesitamos subir esto. Y la razón por la que el sonido clicky está sucediendo es porque el sintetizador está
tratando de determinar qué nodos deben tener juego. Si están pasando siete, que tres notas es que no va a tocar en las que los extranjeros jugarían, y eso provoca un sonido clicky. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a convertir las voces todo el camino hasta 16 solo para salvar cualquier tema. Y volveremos a escuchar el patrón y veremos si hay algún sonido clicky esta vez. Entonces, como puedes ver, ese sencillo ajuste, sólo de subir las voces a 16 ha quitado ese sonido clicky que estaba ocurriendo antes. Lo siguiente que voy a hacer es que voy a encender el filtro a la perfecta oh, puesta. Y voy a bajar la frecuencia
de corte y sólo escuchar cómo suena. Voy a barrer a través de ella ya que está tocando, sólo para escuchar, para encontrar un punto, perdón por encontrar un punto en la rueda que me gusta donde está el sonido. De acuerdo, así que vamos a escuchar el patrón y voy a empezar a ajustar esto. Y encontraremos un punto que nos guste. Subiremos el lanzamiento para que suene un poco más expresivo para que los nodos no se detengan tan repentinamente como lo son. Y volveré a empezar a ajustar esta frecuencia de corte. Entonces me gusta como la frecuencia de corte establecida aquí. A mí me gusta lo meloso que suena y no es un poco demasiado en tu cara. Entonces lo que voy a hacer con este sonido de pad no va a sumar un segundo oscilador, ¿de acuerdo? Y voy a panear el primer oscilador, tal vez verano sobre la región de las ocho en punto a la izquierda. Y voy a panear el segundo oscilador en algún lugar a las ocho en punto, o lo siento, las cuatro en punto tipo de región de la derecha. Está bien. Entonces ahora vamos a tener dos sonidos diferentes saliendo de cualquier lado. Vamos a tener oscilador uno saliendo de la izquierda y oscilador dos saliendo de la derecha. Ok. Hagamos una escucha a cómo suena esto ahora con sólo el tipo de sonido del oscilador predeterminado. Subiremos esa mezcla de tabletas de ondas para obtener el sonido completo del oscilador. Y quizá probemos violín tres. De acuerdo, entonces me gustaría mandar un árbol de violín. Entonces voy a entrar a la sección al unísono y voy a subir las voces, tal vez a cinco. En realidad lo he girado hasta seis, que es lo mismo que el oscilador uno. Y acaba de subir el Detune un poco otra vez. De acuerdo, entonces me gusta este sonido, pero creo que por el bien del equilibrio, solo
voy a bajar un poco el oscilador. Creo que es demasiado ruidoso. Vamos a escuchar otra vez. Sí, creo que eso suena un poco mejor. Y traigamos aquí un tercer oscilador solo para que el sonido sea un poco más interesante. Entonces vamos a entrar en el oscilador tres por aquí. Y vamos a volver a subir los micrófonos de mesa de olas sólo para conseguir la forma. Y lo que voy a hacer es cambiarlo a tal vez piano a3. Y vamos a escuchar el patrón ahora con este tercer oscilador añadido, tal vez lo suba ligeramente. Y ahora creo que para este oscilador, creo que el piano A3 suena muy, muy similar a algunos de los otros ajustes que hemos utilizado. Entonces voy a tratar de encontrar una forma de oscilador que suene diferente a las otras formas que hemos estado usando. Entonces probemos este buyin uno. Simplemente silenciaré esos otros dos osciladores solo para escuchar exactamente a qué suena el oscilador tres. Prueba sitar. Y vamos a recogerla la octava. De acuerdo, y volvamos a sumar de nuevo en los otros osciladores. De acuerdo, entonces me gusta el sonido de esto. Voy a desafinarlo no tanto como los dos primeros, tal vez sólo por la mitad, que son tres porque restamos a los otros por seis. Entonces eso es enseñar esto, este oscilador por tres. Nuevamente arriba el desafinado apenas ligeramente. Y lo que voy a hacer es que voy a ensanchar este sonido en particular. Entonces no voy a ensanchar demasiado. A lo mejor solo déjalo en la posición de las 12 en punto. Y veamos cómo suena esto. Ahora, voy a venir a algún lugar en el medio
del patrón sólo para tener un sentido completo de lo que está pasando. De acuerdo, entonces es un poco ruidoso, así que voy a bajarlo. Ajustemos la frecuencia de corte porque creo que hay demasiada alta frecuencia que está sucediendo. Entonces escuchemos. Creo que podría ensanchar este tercer oscilador aún más de lo que tenía. De acuerdo, así que me gusta el sonido de esto hasta ahora. Voy a venir aquí a la sección de EQ, encenderlo y en realidad voy a hacer lo contrario de lo que hemos estado haciendo hasta ahora. Voy a sacar algunas de estas notas altas, ¿de acuerdo? Y luego voy a impulsar algunos de los medios, un
poco así. Y este tipo de ajustes creo, harán que el sonido sea un poco menos duro. Tengamos otra lección. Y de nuevo con las almohadillas, podemos añadir algunos efectos extra como la distorsión. Veamos cómo suena con distorsión en él. Generalmente, no creo que la distorsión sea un buen sonido para tener un iPad, pero puedes probarlo si quieres. Tenemos fásores. phasors pueden sonar realmente bien en pads on y echar un vistazo a los phasors otra vez, déjame venir a la etapa de mezcla, pero vamos a tener una escucha aquí rápidamente a sólo este phaser ya que todo lo que hice fue subir la perilla húmeda seca y vamos a ver qué es suena como. La frecuencia apagó la carrera. Entonces en realidad acabo de ajustar estas perillas al azar, pero creo que el sonido que me está devolviendo, en realidad es bastante bonito. Creo que le tiene bastante una especie de sensación de los ochenta. Entonces en realidad voy a dejarlo tal como está. A mí me gusta especie de sonidos fuera de melodías. Sí, ya ves que suena un poco AUTO-TUNE. Suena como si fuera directo de Stranger Things, pero agreguemos algo de reverberación realmente rápidamente solo para escuchar
cómo sonaría si estuviera en una habitación con algunos otros instrumentos. A lo mejor subir el pre-retardo. A lo mejor no tanto. No hice algunas decasiones para que la cola siga por más tiempo. También puedes agregar curso, lo siento, también
puedes agregar un efecto de chorus al sonido también para que sea un poco más grueso. Y miramos, por supuesto otra vez la maderera haciendo mezcla, pero solo voy a dejar esto fuera por ahora. Entonces creo que este sonido de pad es bastante bonito. Se trata sólo de tres osciladores y es relativamente simple. Pero creo que el sonido general que hemos logrado es sutil. Pero vamos a añadir una especie de textura agradable y hacer cualquier pista. Vamos a tener una escucha de nuevo rápidamente antes de terminar esta conferencia. Y podría usar ese fasor fuera de sintonía sólo para ver cómo suena sin. Y eso es que solo d podría ofrecer. Se puede ver. Y podemos volver a abrirla. Por lo que en la próxima conferencia, mantendremos el mismo patrón. Y veremos cambiar el instrumento a cuerdas.
32. Elige los instrumentos de cuerdas: Entonces echemos un vistazo ahora al mismo patrón que la última conferencia, pero cambiará el instrumento por algunas cuerdas. Ok, así que he cargado este Mellotron cinco plug-in que tengo de Corea. Y lo tengo ya establecido a esta sección de cuerdas aquí. Y hay unos buenos presets de cuerdas aquí. Y todos son una especie de muestras vivas de instrumentos de cuerda reales. Entonces empecemos por el de arriba aquí, el primero. Y escucharemos cómo suena esto con el patrón que estábamos usando en la última conferencia. Antes de hacerlo sin embargo, sólo quiero decir que las cuerdas son cuerdas. Ok? Entonces si quieres usar sonidos de cadena en tu pista, puedes usar cualquier tipo de preset de cadena que tengas porque el sonido de las cuerdas como realmente sampleado de instrumentos de cuerda reales, lo único que tienes que tener en cuenta es que el sonido de ellas funciona con tus pistas. Por lo que hay diferentes tipos de cuerdas. Ya sabes, algunos de ellos suenan todos o algunos de ellos suenan más tristes que otros. Y todo lo que tienes que hacer es pensar críticamente, escucharlos en tu track, y simplemente pensar qué tipo de
preceso de cuerdas suena mejor en el contexto de tu arreglo. Entonces vamos a recorrer estos presets de cuerdas, por qué se está reproduciendo el patrón. Y luego sólo mencionaré algunos otros puntos importantes al final de la conferencia. De acuerdo, entonces vamos a recorrer estos ahora. Entonces veamos cómo suena el siguiente preset, que se llama cadenas. Y con Mellotron, podemos, el
momento estamos fijados en este a, esto, estos violines M K23, pero podemos darle la vuelta a esto, podemos cambiarlo de a a b, y podemos cambiarlo de B a C. O podemos tener todos ellos adelante en el mismo tiempo. Si lo ponemos aquí arriba a todos. Voy a dejarlo encendido por el momento sin embargo. Creo que me gusta el sonido de esto. Veamos cómo suena el siguiente preset. Que es este bloque eléctrico acústico. Veamos cómo suena el siguiente preset. Cuerdas de edad. Por lo que este sonido de cuerda en particular es bastante pesado, por lo que esto podría no funcionar en el fondo de tu track porque está muy lleno. Y ante el sonido muy pesado, sigamos adelante y veamos qué otro tipo de presets tener. Veamos cómo suena el siguiente preset. Cuerdas de cámara. Entonces como puedes ver aquí, hay montones de sonidos de cuerdas diferentes. Y quiero decir, sólo he hecho una pequeña abolladura. Yo sólo he pasado, creo cinco o seis aquí, pero hay cargas por recorrer aquí en este plugin en particular. Y eso me lleva a los últimos puntos de los que quiero
hablar en este tipo de conferencias cortas. Y esos son los diferentes tipos de sonidos de cuerda que puedes encontrar y que puedes usar. Entonces lo que es este plugin, este Mellotron cinco, este es un sampler, vale, así que todos estos diferentes elementos aquí. Entonces esto, si bajo esto para ver este sonido es un violonchelo. ¿ Está bien? Pero esto ha sido muestreado a partir de un verdadero violonchelo. Por lo que hay notas reales que se han grabado en un violonchelo y que han sido mapeadas a estas pequeñas llaves blancas. Entonces cuando presiono esta tecla, en realidad está jugando. Ahora lo puedes ver ahí donde se ilumina en el violonchelo. Por lo que tienen diversas instancias diferentes de notas de violonchelo que grabaron. Y coinciden con estas notas de aquí arriba. Por lo que cuando toco esta nota, coincide con esta nota que grabaron. Y si toqué esta nota, coincide con esta nota que grabaron. Y estos son muestreadores, vale, porque son muestras de un instrumento, también
tienen aquí muestras de un violín. Entonces eso no es que hayan grabado. Y eso no es lo que han grabado. Por lo que hay montones de muestreadores ahí fuera que puedes encontrar. Hay montones de libres. En realidad hay un F31 que viene con FL Studio, y se llama onda directa. Está aquí abajo en la sección de muestreadores de la pestaña de instrumentos de adición. Esta es una herramienta bastante útil para tratar de emular sonidos de la vida real como guitarras, cuerdas, cuernos, ya sabes, cualquiera de esos sonidos de orquesta. Para que puedas usar el gratuito que viene con FL Studio, o puedes descargar uno gratis en internet. También hay muestreadores pagados que son extremadamente buenos como el contacto. Apenas por Native Instruments. Puedes echarle un vistazo a eso también si quieres. Pero tengo este Mellotron versión cinco, ¿de acuerdo? Entonces si quieres usar un sampler como este, todo lo que tienes que hacer es descargar un sampler o usar el F31 y FL Studio, y luego descargar algunas muestras para conectarlas. Para que puedas buscar en internet muestras de cuerdas o paquetes de muestras y cosas por el estilo. Y puedes descargarlas y luego conectarlas a tu sampler. Otra forma de emular algunos sonidos de la vida real como cuerdas, es conseguir algo llamado fuente de sonido. Y esto es sólo un tipo de cosa en formato de archivo que utiliza la síntesis basada en muestras. Ahora no necesitas saber lo que eso significa, pero todo lo que necesitas saber es que si buscas una especie de fuentes de sonido de cadena, podrás descargarlas y utilizarlas en tus pistas. También hay cosas como plugins de cuerdas e incluso hay cadenas sintetizadas. Por lo que estos son sonidos de cuerda que se hacen con un sintetizador. No suenan reales en absoluto, pero sí tienen sus propios usos, así que los echaremos un vistazo en la próxima conferencia. Pero eso es todo lo que necesitas saber por el momento sobre encontrar tus sonidos de cuerda. Pasemos ahora a la siguiente conferencia donde echaremos un vistazo a las cuerdas sintetizadas.
33. Cuerdas Synthesised: Entonces en esta conferencia vamos a echar un vistazo muy, muy rápido a algunas cuerdas sintetizadas. Ahora en realidad he cargado un plug-in nativo a FL Studio, que se llama Citrus. Lo puedes encontrar aquí arriba. Bajo mentes clásicas pecadas por aquí. Estás como podría estar aquí dependiendo de cuántos plugins tengas. Pero este plugin viene con todas las versiones de FL Studio. Entonces si quieres usar algunas de estas cuerdas sintetizadas sonidos de lo que puedas. De acuerdo, entonces lo que vamos a hacer es que vamos a entrar
al plugin y voy a hacer clic derecho en esta opción de presets. Y va a abrir esta ventana masiva con todos estos presets. Y voy a bajar a mandar cuerda. Y voy a darle click. Y solo vamos a recorrer algunos de estos sonidos sintetizados de cuerdas. Si estás usando una cadena de envío, nuevo, solo te aconsejo que lo uses deliberadamente. No intentes usarlo en lugar de una cuerda real porque no va a sonar igual. ¿ No suenan tan bien como las cuerdas de la vida real? Entonces si estás buscando un sonido de cuerda real, tal vez descarga un sampler o una de esas fuentes de sonido de las que estuve hablando en la última conferencia. Pero vamos a escuchar estos ahora. Voy a tocar el patrón y es el mismo patrón que hemos tenido para las dos últimas conferencias, pero sólo estamos jugando a través de él y tendremos una escucha de algunos de estos presets. Probemos con el siguiente. Y el siguiente. De acuerdo, entonces hay un montón de cadenas de envío y esto, En realidad
hay cargas, mira, hay leyes en este plug-in. Voy a probar esta fase te ata cómo suena esto muy rápido. Entonces no suenan exactamente reales, pero sí dan su propio tipo de vibra y tipo de efecto. Entonces si las usas en tus pistas, asegúrate de usarlas de manera muy, muy deliberada. Entonces eso es todo lo que hay a ello. Solo tienes que encontrar un buen tipo de sonido de cuerdas sintetizadas. No te voy a mostrar cómo hacer una cadena sintetizada porque el proceso es exactamente igual que hacer una almohadilla. Simplemente podría abrir el filtro un poco más para agregar algunas más de esas frecuencias altas. Pero te aconsejaría si tú, si quieres usar una cadena sintetizada, hay un montón de plugins gratuitos que puedes descargar con sonidos de cuerdas sintetizadas. Por lo que esta es la conferencia final en esta sección. Vamos a pasar ahora a mirar bucles y qué bucles externos son unos bucles internos y cómo podemos especie de agregar variación y cosas a ellos. Entonces pasemos ahora a la siguiente sección.
34. Bucles internos vs externos: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a los bucles internos versus los bucles externos. ¿ De acuerdo? Entonces un bucle es sólo un patrón musical que se pretende que se repita a lo largo del tiempo. Ahora hasta ahora hemos estado haciendo patrones para tambores, acordes, leads, etcétera. Pero un patrón es sólo una palabra elegante para un bucle. Y la principal diferencia entre los bucles internos y los bucles externos es que los bucles
internos son los bucles que se crean dentro de la oscuridad, ya sea grabándolos o usando los datos para realmente hacerlos. Entonces un ejemplo de un bucle interno sería este sonido de synth que he hecho aquí. Porque lo hice yo mismo. Entonces lo hice adentro, internamente en el software. Está bien. Y entonces un bucle externo sería este un look que he obtenido de fuera del DAW o en otras palabras, no
se hizo internamente aquí por mí. Está bien. De acuerdo, así que eso es sólo un sonido de relleno que he buceado en el transcurso de la pista. Otra gran diferencia es que en realidad se pueden cambiar los bucles internos muy, muy fácilmente. Entonces si volvía a ese sentido que estábamos mirando hace dos segundos, sólo
voy a acercar aquí en los nudos. Y puedo muy, muy fácilmente, puedo cambiar esta nota F afilada. Y puedo cambiar esto hasta tal vez un C-sharp si quiero. Y es muy fácil para mí hacer eso. ¿ De acuerdo? Pero el problema es que si miramos el bucle externo, no puedo hacer eso. Puedo pinchar en un caballero, no puedo cambiar, digamos este tipo de zona pico aquí. No puedo cambiar eso. ¿ De acuerdo? Ahora podemos hacer algunas cosas con nuestras habilidades de edición y esas cosas. Pero si escuchamos el sonido real de este tambor en particular, Phil, no puedo cambiar el sonido de esos tambores de lazo que se reutilizan. No puedo entrar ahí y digamos que no me gusta el sonido de la caja que utiliza este bucle. No puedo cambiar eso. Y eso se debe a que es un bucle externo. Pero lo bueno es que hay bucles externos para absolutamente todo. Entonces si encuentras uno que te guste un poco, pero hay algo pequeño en él que no te gusta. No te va a tomar mucho tiempo encontrar uno diferente del que te gustaría todo. Ahora la cosa es con bucles externos también. Puede ser muy tentador solo usarlos solos. Ok, entonces, ya sabes, hay, hay bucles para todo. Para que puedas descargar kick loops, puedes descargar loops de synth, puedes descargar bucles base. Puedes descargar loops de batería, puedes todos los elementos de esta pista en realidad puedes simplemente descargar un bucle externo para y arrastrarlo y crear tu pista fuera de bucles externos. Y eso puede ser muy tentador. Pero entonces En realidad no hay nada original en la pista. Porque, porque en realidad no has hecho nada tú mismo, todo lo que has hecho es simplemente pegado en algunos bucles que alguien más hizo, entonces esa pista no es muy original. Entonces la forma en que se supone que debemos usar bucles externos es como capa o además de los otros bucles internos que hemos creado en nuestra pista, los bucles externos más comunes que probablemente usarás. Nuestros bucles de batería son bucles de precaución como este. Tan solo para llenar algo de espacio extra en la batería. Si yo, sólo, si yo solo, lo siento si acabo de solista la sección de tambor aquí, así. Y tal vez estos. Y solo tocaré el bucle de batería sin esa capa adicional en. Y ahora si agrego en ese bucle externo, lo siento, hay un Filter1 es soy solo enciendo eso de nuevo para que podamos escucharlo correctamente. Entonces ahora si vuelvo a agregar en ese bucle externo otra vez, y si lo saco de nuevo. Entonces lo que estoy haciendo es que estoy usando este bucle externo además de mi propio bucle interno, que son los tambores. Y sólo otra razón por la que añadiríamos nuestros propios bucles encima de los bucles externos es porque si solo usamos este bucle en particular a lo largo, toda
la pista se pondría muy repetitiva. ¿ De acuerdo? Por lo que agregamos en nuestros propios bits extra para que podamos crear variación. Y entonces tal vez podrías agregar en este bit cuando tipo de la intro termine tal vez. Y luego puedes agregar unos bits extra a medida que se reproduce la pista. Por lo que mantiene la pista progresando, a diferencia de si solo usas este bucle y lo pegas todo el camino, no
hay nada realmente cambiando todo el tiempo que esto se está reproduciendo. Y eso puede ponerse muy, muy aburrido para el oyente. Así que asegúrese de que está agregando en sus propios bucles internos y sus propios elementos encima de los bucles externos. Así que vamos a tener una escucha rápida a esto, tal vez hasta aquí, este tipo de sección de una pista técnica donde he incluido algunos bucles externos. Y éste de aquí, que es el verbo de masa y efecto que estábamos mirando antes. Pero en realidad los he usado para llenar espacio y agregar a mi propio arreglo donde usé algunos bucles internos como este synth, la base, y donde hice mis propios sonidos de batería. Entonces vamos a escuchar ahora y después pasaremos a la siguiente conferencia,
que es el uso de bucles externos. Entonces espero que puedan escuchar la diferencia de que los bucles externos están haciendo esta pista. Pasemos ahora a la siguiente conferencia donde estamos viendo el uso de bucles externos.
35. Uso de bucles externos: Entonces en esta conferencia vamos a estar usando bucles externos. Entonces cuando usamos bucles externos, lo
estamos usando como una adición o una capa a nuestras propias ideas. Por lo que ya tengo el principal tipo de fundación de una pista aquí. Pero lo vamos a pasar y vamos a sumar algunos bucles externos adicionales. De acuerdo, así que sólo voy a tocar la pista puede estar a la altura de la caída por aquí. Y luego después entraremos a los packs de muestra por aquí, voy a ver de agregar algunos bucles externos al track que alguna vez escuchan el track ahora. De acuerdo, así que ya he añadido en algunos bucles externos. Tengo esto que es un relleno de tambor. Y en realidad he buceado ese relleno de tambor por aquí. Esto solo está creando intensidad extra a medida que avanza la acumulación. Y si lo sacaba, sonaría así. Ok. Entonces cuando estás usando esto, este bucle externo como capa, realmente puede agregar a la intensidad de tu pista. Lo mismo aquí arriba tengo otro de esos bucles de verbo de masas que estábamos mirando antes. Y esto es sólo para llenar el espacio vacío en el fondo de la gota. Entonces vamos a entrar ahora a los packs de muestra y tendremos una escucha de algunos de los bucles externos que tienen aquí. Y luego agregaremos algunos de ellos a nuestro arreglo. De acuerdo, así que voy a entrar en esto puede ser hiper deep dub tech sample pack y abrir la sección Wave. Y aquí vemos que tenemos todos estos diferentes tipos de bucles que podemos usar. Entonces estoy abriendo los bucles de batería y
vamos por unos gorros y top loops o algunos sombreros adicionales que tal vez podríamos añadir aquí. Entonces escuchemos algunas de estas. De acuerdo, entonces me gusta el sonido de esta tontería, o tontería o lo que sea. A mí me gusta decir que este bucle. Entonces lo voy a arrastrar y luego reemplazarlo aquí porque creo que esta parte del arreglo está un poco vacía. Y como puedes ver con este bucle, realidad
se extiende más allá de esta pequeña frase de 4 barras. ¿ De acuerdo? Y la razón de esto es porque cuando arrastras en un bucle externo para no siempre vas a estar vinculado a tu BPMN. Entonces como puedes ver aquí, este bucle que acabamos de elegir se establece en 120 fiv BPM, pero nuestra pista está fijada en 138. Entonces lo que necesito hacer ahora es hacer clic en esta pequeña mini forma de onda en la esquina superior izquierda del clip. Y entonces necesito venir aquí para encajar al tempo, ¿de acuerdo? Y va a abrir esta ventanita. Y por lo general la estimación es bastante precisa, pero a veces podría estar desactivada y es posible
que tengas que escribirla pulsando, escribiendo BPM. Pero si no lo sabes y la estimación parece estar muy alejada, realidad
puedes decirle que escanee a través de estos diferentes que hagas una estimación y como que adivina ¿qué crees que podría ser? ¿ Habría sido tal vez de 50 a 100 o sería de 100 a 200 BPM? Y el software luego escanearemos el clip y terminaremos tu templo. Pero en este caso, el 125 que está estimando es en realidad bang on. Entonces voy a hacer clic en eso. Y ahora puedes ver que el bucle encaja en nuestra frase de 4 barras. Por lo que tal vez tengas que hacer esto con tus bucles externos o tal vez en un software diferente, creo que capaz de sincronizarlo automáticamente y cosas así. Pero, pero FL Studio solo hace clic en esa pequeña mini forma de onda y luego golpea Fit a temple. Entonces escuchemos cómo suena este bucle en el arreglo ahora desde el principio. De acuerdo, así que me gusta el tipo de textura que estos sombreros externos adicionales o agregando. Entonces vamos a pegarlos aquí en la sección de gota sólo para llenar algún espacio vacío por aquí. Y tal vez vamos a entrar y veremos agregar un bucle de percusión tal vez. Entonces, vamos a tener una escucha a algunos de estos. De acuerdo, entonces me gusta el sonido de
esta, esta joya del parque a.Así que voy a arrastrar eso y voy a ver cómo
suena aquí en la sección de gota junto con todo lo demás. Y de nuevo, notarás que el bucle como se extendió más allá de la frase de 4 barras. Entonces me olvidé de hacer en ese momento, pero tenemos que encajar el tempo, un 125. El estimado es bang on. Y ahora se extiende hasta nuestro BPM. Volvamos a tener una escucha, y esta vez en el tiempo. Entonces, solo bajemos eso en la pista del mezclador porque es un poco ruidoso y volverlo a reproducirlo. Por lo que puedes ver la importancia de agregar en estos pequeños bucles externos adicionales
encima de tu propio tipo de bucles internos que has construido. Entremos y solo tomemos una escucha rápida que tal vez algunos de los bucles musicales que podríamos agregar. De acuerdo, así que vamos a arrastrar en este bucle en particular. Me gusta el sonido de esto. Ponlo ahí. Otra vez. Tenemos que encajar el tempo. Y un 125, parece reconocerlo, así que solo haremos clic en eso. Ahora si escuchamos este bucle musical que acabamos de agregar. Y luego hacemos equipo con uno del tipo de bucles musicales que ya tenemos. ¿ De acuerdo? Seguramente te has dado cuenta de que eso suena horrible y eso es porque ambos están en diferentes claves. Este clip tiene una llave set y en realidad es diferente al bucle interno que hemos compuesto aquí. Entonces no sólo tenemos que estirar el tiempo los bucles musicales, también
tenemos que ponerlos a la clave de nuestro track. Y este proceso no es diferente a afinar nuestras muestras de tambor. Entonces si recuerdas de esa sección, solo
hacemos doble clic en ella. Agrega la muestra o la cosa que quieras lanzar añadida a la pista del mezclador. Abre el plugin Edison, que está por aquí. Y entonces lo que hacemos es entrar en la ventana de muestra. Déjame arrastrar ese sonido a Edison. Haga clic con el botón derecho en resaltar regiones, y luego baje aquí para detectar regiones de tono. Y lo que esto hace es que nos muestra el tono de este clip en particular. Y puedo ver F-sharp E, Así que parece estar centrado alrededor de es decir. Y si miramos el tono de, si miramos la clave de nuestra pista, podemos ver que la atracción está centrada alrededor de G. Sí, así que está centrada alrededor de G. Así que necesitamos parchear esto hasta G. Así que usando el tono escucharemos. Y recuerda, cada vez que ves un $0.100 aquí arriba, eso es un semitono. Entonces vamos a recoger esto de E. Un $0.100 sería f,
otro, un $0.100 sería F afilado, y luego otro un $0.100 sería G. Así que ahora este clip es lanzado a G. Así que si escuchamos, si escuchamos de nuevo, nuestro propio patrón de bucle interno y el patrón de bucle externo, debería sonar mejor y debería sonar en clave. Entonces veamos cómo
suena toda esta sección drop ahora con los bucles externos adicionales. Entonces hay bucle de música, hay bucle de percusión,
y hay loop de sombrero en conjunto con nuestros propios bucles internos. Entonces el bombo que hemos agregado, los instrumentos, hemos agregado la base, el otro instrumento aquí arriba. De acuerdo, vamos a ver cómo suena esto ahora. Para que puedas descargar montones de loops externos fuera de internet y los encontrarás en estos packs de muestra. De acuerdo, para que puedas descargar datos de muestra y
vienen con todo este tipo de bucles externos que puedes usar. Pero yo sólo de verdad, realmente rápidamente quiero mencionar un sitio web al que se puede ir, que se llama superhombres. ¿ De acuerdo? Y cuando tú, cuando inicias sesión en Superman, literalmente
puedes buscar cualquier tipo de bucle en absoluto, como cualquier tipo de género. Y él especie de palabra clave. Puedes escribir cuerdas, puedes escribir en kick drum, y vomitará montones de bucles que puedes usar. Entonces tengo bucles aquí en diferentes tipos de géneros que he buscado, cuchillo, bucles de guitarra. Y todos estos bucles son gratuitos de descarga y de uso gratuito. De acuerdo, vamos a entrar en algunas de estas. ¿ De acuerdo? Entonces lo que puedes hacer es iniciar sesión en looper men y puedes descargar tus propios bucles externos gratuitos para usarlos en tus pistas. En la próxima conferencia, veremos agregar variación a nuestros bucles internos. Por lo que estamos empezando a entrar en la sección de arreglos ahora donde estamos empezando a construir la pista y enfocarnos en cómo avanza la pista. Entonces, entrémonos ahora en esa conferencia.
36. Agrega Variación a los bucles internos: Por lo que esta conferencia se trata de agregar variación a los bucles internos. Por lo que hemos estado haciendo montones de bucles internos o hechos. Ahora es el momento de agregarles alguna variación. Debido a que el EDM es un género tan repetitivo, variación no ocurre tanto como otros estilos de música. Y cuando sucede, la variación nunca se desvía demasiado del bucle original. Entonces sólo alteramos el ritmo o las notas. Ligeramente. Se puede agregar variación cuando sientas que el patrón ha estado pasando por demasiado tiempo y necesitas algo nuevo para romper la monotonía. Algunos grandes lugares para agregar área de variación en como transiciones o la segunda mitad de la caída, tal vez el segundo desglose o la segunda caída. En cualquier lugar que sientas que necesitas añadir un soplo de aire fresco. O tal vez solo quieras tomar un descanso del bucle principal durante unos segundos antes de saltar directamente de vuelta. Entonces, si miras los patrones de batería, realidad no
agregamos variación al bucle en sí. Solo eliminamos elementos o agregamos elementos en. Por lo que por mirar aquí este patrón de tambor, solo
destacaré los diferentes elementos que tenemos. Y así como puedes ver, empieza con el bombo de patada y este aplauso. Y luego agrego en este sombrero abierto. Y luego a medida que sigue, agregué otro sombrero cerrado. Añado en este sombrero de relleno, y agrego en otro sombrero abierto otra vez como capa. Por lo que en realidad estamos agregando elementos a medida que avanza el bucle. Entonces si solo toco esto para ti muy rápido, oirás que empieza con la patada, el aplauso y este mini sombrero. Y luego a medida que sigue, agregando más elementos, OK, así que solo lo arrancaré aquí solo que no sea suficiente para pulmón. De acuerdo, vamos a escuchar ahora. Otro nivel fundamental, este bucle es exactamente el mismo. Es decir, todavía tiene el mismo tipo de espina dorsal. De acuerdo, así que esa es la jugada, pero en realidad solo estamos agregando elementos extra y esto está creando variación. Por lo tanto, recuerda desde el inicio del curso cuando estábamos mirando el fraseo binario, este es el momento de utilizar ese conocimiento. Entonces cuando estamos construyendo nuestros bucles de batería, agregamos un nuevo elemento cada ocho barras. O si estás intentando disminuir la tensión, como digamos el outro, en realidad
quitaríamos un elemento cada ocho barras. Entonces lo que estamos tratando de hacer es que estamos tratando de hacer que el oyente Go, ya
sabes, oh, algo cambió ahí. Necesitan notar que algo ha cambiado en la pista y esto detiene que la pista se vuelva demasiado repetitiva. Entonces echemos un vistazo ahora a los elementos instrumentales. Entonces tengo este patrón de acordes y este tipo de línea base. Y la línea base solo está tocando exactamente el mismo patrón rítmico que los acordes. Por lo que literalmente es sólo copiar y pegar el tipo de notas de fondo del patrón de acordes. Entonces escuchemos cómo suena esto. De acuerdo, y como puedes ver a través de toda la gota, es el mismo patrón. Es este árbol patrón y recorre todo el camino. Y este pintor, en lugar de piano, este pintor, y esto también atraviesa toda la gota. Y esta base número dos
, recorre todo el camino. Entonces esto es muy, muy repetitivo. Entonces lo que podría hacer es en este tipo de ocho barras finales de la gota, podría agregar alguna variación a los patrones. Entonces si venimos aquí al patrón tres, y lo haremos solo para que podamos tener una escucha a lo que suena. De acuerdo, entonces una forma de agregar variación sería agregar algunas notas extra arriba. Entonces lo que voy a hacer es que voy a copiar los patrones para que el ritmo de los patrones o que no están cambiando la idea general. Y voy a llevar esto a e. y ahora lo que voy a hacer es que voy a entrar y oops, voy a cambiar algo del norte. Entonces voy a hacer una pequeña mini melodía en la parte superior. Entonces podría dejar a estos dos siendo un salto hasta G porque es el acorde de E-Minor. Y entonces tal vez saltar de nuevo a G para este nodo. Y luego este siguiente tipo de patrón rítmico y la segunda barra. Ahora, esta es en realidad nuestra clave porque podemos ver que en realidad estamos usando un acorde de B. Así que tenemos que ser un, D, y F. afilados. De acuerdo, entonces voy a lanzar esto. Y lanzé esto puede ser hasta la B. Y oops, podría cambiar esta nota a una D para imitar esta de aquí abajo. Y podría cambiar esta nota a una F afilada para imitar esta F afilada aquí abajo. Entonces podría hacer lo mismo con patrones de discordia. Entonces voy a mover esto tal vez hacia abajo a una G para imitar este nodo aquí abajo. Y entonces podría levantar el tono de este nodo para ser, para imitar esto no aquí abajo. Entonces bajo este tono. Entonces estoy copiando el mismo tipo de idea que hice aquí. Y tal vez había éste abajo a un D. De acuerdo. Y la razón por la que estoy bajando este en lugar de contratar, porque la siguiente barra, la siguiente clase de frase está en realidad a un pH más bajo. Entonces si contratamos esto arriba, si ponemos esto a una B, no tendría sentido que la melodía se especie de contorno de la melodía saltara directamente hacia abajo. Y hasta ahora lo que hemos estado haciendo es que hemos sido un poco suaves. Hemos estado dando un paso adelante, bajando. Por lo que es importante mantener el contorno de tu melodía igual. Entonces voy a bajar esto. Y luego con esta sección otra vez, sólo
voy a cambiar algunas de las notas. Entonces tenemos una C afilada, pero en realidad estamos en la cancha de C. Así que voy a mover esto hacia abajo a una C. Y luego voy a mover esta nota a una E. Y entonces tal vez vamos a mover esta hacia el norte a una D. De acuerdo, vamos a sólo a ver cómo suena esto. Por lo que esta es una especie de variación del patrón original. No va a sonar diferente rítmicamente, pero va a sonar diferente armónicamente. De acuerdo, vamos a escuchar. Y si copiamos todo este patrón y lo traemos a este piano árbol o PAN R3. Y eliminamos esto. Y en realidad voy a lanzar eso abajo de la octava porque creo que el patrón original estaba por debajo de la octava y suene así. Y luego si escuchamos esto en la segunda mitad de la caída, suena así. De acuerdo, entonces otra forma de agregar variación sería, solo
eliminemos este tipo de melodía que hemos creado. Edita, borra, y luego borra aquí el CNO extra Stan. Entonces otra forma de agregar variación
sería especie de eliminar algunas de las notas del patrón. Entonces vamos a quitar, tal vez no lo hay, y tal vez esto no. Está bien. Y eso es a través de lo mismo aquí que se quitan las primeras notas en el segundo beat. Y quizá las mismas notas otra vez, esto en el tercer beat, es el tercer paso. De acuerdo, vamos a hacer rápidamente lo mismo por aquí. Ciertamente estos, oops, eliminen estos y tal vez los eliminen. Entonces. A lo mejor podrías borrar este medio aquí. Y entonces podríamos borrar este largo aquí. ¿ De acuerdo? Entonces ahora el patrón ha cambiado rítmicamente, pero aún así sonará fundamentalmente como los mismos patrones originales. Entonces, vamos a tener una escucha a lo que suena. Y lo que esto hace es que te abre a usar otros patrones luego encima de él. Por lo que podría agregar en una ventaja, lo
siento, sólo voy a pegar el y en este instrumento sólo para que tengamos consistencia. Pero yo soy, entonces puedes agregar en un, otro elemento aquí porque has creado espacio, pero liderando algunos de los nodos, has creado algún espacio extra para agregar en otro elemento. Y volvemos a mirar esto, déjame llegar a elementos de
conducción cuando estamos hablando de arreglo, ¿de acuerdo? Porque los elementos de conducción son
muy, muy importantes para tener una buena estructura en tu pista. Pero por el momento, solo observa cómo la variación que hemos agregado, solo
hemos sacado algunas notas, por lo que el patrón suena un poco diferente, pero la idea fundamental sigue ahí. Ok, escuchemos. Y finalmente, justo mientras estamos en el tema de agregar variación, el lugar más importante para agregar variación es en tu transición. Entonces esta pequeña sección aquí, esta es una transición de diverso. ¿ De acuerdo? Estamos transitando del verso a la gota. ¿ De acuerdo? Y como pueden ver, como se acercaba esa transición, en primer lugar, este barrido ridículamente fuerte era una especie de señal de que algo venía. Pero el punto principal aquí es la transición real en sí. Entonces lo que pasó en la transición fue que estos elementos de tambor fueron realmente eliminados. Hay un bucle de relleno agregado en. Ok. Entonces lo que hace la variación en esta sección de transición es como que nos
saca de la idea principal sólo por una fracción de segundo. Y luego nos sumerge de nuevo en. Cuando entra la gota. Estaremos viendo de nuevo las transiciones correctamente en poco tiempo. Pero es bueno tener en cuenta que agregar variación a tus bucles internos en las secciones de transición es importante para el flujo general de tu pista. Y en la siguiente sección vamos a echar un vistazo a los efectos para EDM y vamos a aprender por qué se estaba usando este shoplifter
realmente ruidoso en la pista.
37. Elementos principales de los efectos EDM: Por lo que los efectos son un aspecto muy importante de la música electrónica. Y lo que hacen es que significan cuando algo en la pista está a punto de cambiar. También pueden significar cuando algo en la pista ha cambiado. Por lo que un ejemplo sería mostrar que viene una nueva sección. Como aquí. Estamos pasando de la intro a la sección de desglose y estamos usando este efecto para demostrar que está llegando. Estoy usando este efecto para demostrar que el cambio ha ocurrido. De acuerdo, entonces vamos a escuchar este upsweep por sí solos. Y ahora vamos a escuchar este efecto de tambor de reverberación por sí mismo. De acuerdo, entonces escuchemos estos en contexto ahora. Por lo que este upsweep nos va a traer de la sección de intro. Y este efecto de reverberación de pastel nos va a llevar a la sección de desglose. ¿ De acuerdo? Por lo que hay tantos tipos diferentes de efectos a través de nuestros efectos pulmonares. Hay efectos cortos. Ahí arriba barridos hacia abajo, barre elevadores hacia abajo elevadores, impactos. Ahí hay símbolos inversos, hay símbolos afectos. Hay tantos efectos diferentes que podemos usar en nuestras pistas. Entonces vamos a saltar a la próxima conferencia donde veremos los efectos en contexto y veremos cómo usarlos en tus pistas de EDM.
38. Elige las muestras de efecto: Entonces en esta conferencia vamos a echar un vistazo a elegir efectos. Ahora lo que he hecho es que he tomado el mismo tipo de arreglo que tuvimos en la última conferencia, y acabo de quitar los efectos que había agregado. Por lo que estamos empezando con una plantilla en blanco para añadir en nuestros propios efectos. Entonces si venimos aquí a mis packs de muestra y
solo me desplazaré hacia abajo hasta donde guardo mis efectos, como elegir aquí efectos. Y lo primero que notarás es el mero número de diferentes subcategorías de efectos que realmente hay. Ahora esto puede parecer abrumador, pero en realidad voy a simplificarlo un poco para ustedes aquí. Ok? Entonces, en realidad solo hay tres tipos de efectos, ¿de acuerdo? Y estos son efectos que te dicen que algo viene. Efectos que te dicen que algo ha pasado. Y luego efectos varios que no encajan en ninguna de esas dos categorías. Por lo que estas derivas arcade aquí, estas serían misceláneas. Está bien. Estos son sólo afectos que no nos dicen algo ha entrado y no nos dicen que algo ha cambiado tampoco. De acuerdo, otro tipo de efecto misceláneo sería, echemos un vistazo aquí. Vamos a quizá tus efectos rayados. Y también quizá aparezcan algunos efectos de alarma. Ya está arriba, escucha algunas de estas. Eso es muy ruidoso. Ese es en realidad un efecto común que se utiliza en la sección de desglose. Pero de todos modos, echemos un vistazo ahora a los efectos que nos dicen que algo se acerca. Entonces estas son las piernas si estás levantando levantadores. Está bien. Y luego hay unos hechos que nos dicen que algo ha cambiado. Entonces estos son como tus levantadores de plumón. Entonces vamos a tener una escucha rápida a través del arreglo puede estar a la altura de la gota aquí. Y tomemos nota del diferente tipo de efectos que deberíamos estar usando. Y a lo largo de los diferentes tramos y la pista. Ok, entonces esta es la sección de introducción. Podríamos usar un efecto aquí para decirnos que se acerca el desglose. Entonces para decirnos que algo está a punto de cambiar, entonces aquí usaríamos un efecto para decirnos que ese cambio ha sucedido. Aquí de nuevo, podría usar un efecto que nos diga que viene
otra sección, que es la acumulación. Y luego un efecto que nos diga que ese cambio ha llegado. Y finalmente otra vez aquí, podría usar un efecto para decirnos que viene otro cambio, que sería la caída. Por lo que es relativamente simple. Se trata de sólo tres tipos de categorías principales. Pero todo este tipo de subcategorías se dividen entre estas tres categorías principales. ¿ De acuerdo? Entonces vamos a pasar y empezar a sumar algunos efectos. Entonces creo que voy a sumar en un barrido y
esto sería para significar que se avecina un cambio. Entonces voy a usar el barrido para este primer lugar donde notamos que necesitábamos un efecto para significar que algo venía. Entonces vamos a probar algunos de estos barridos. De acuerdo, así que me gustó el sonido de barrido arriba 28, así que voy a arrastrar eso a nuestro arreglo. Voy a dejarlo ahí dentro, y luego lo vamos a mover de nuevo aquí sólo para que se ajuste a la, ajuste a la disposición general de la pista porque la sección de desglose viene aquí. Entonces queremos que ese efecto se detenga antes de la, ya sabes, la sección a la que en realidad está apuntando, queremos que el efecto se detenga antes de que llegue esa sección. Está bien. Entonces solo lo voy a bajar en la pista del mezclador. En realidad ya está en una pista de mezclador, así que está bien, la razón y la razón por la que este efecto ya está en una pista de mezclador es porque es el efecto que utilicé en primer lugar. Por lo que obviamente sí me gusta el sonido de este barrido de 28. Yo sólo lo voy a dejar ahí por ahora porque el punto es que lo mismo, ok, entonces este efecto se está barriendo y nos está diciendo que algo está llegando, que un cambio está a punto de suceder. Por lo que a continuación tenemos que mirar insertar un efecto para decirnos que ese cambio ha ocurrido. Por lo que podemos utilizar diversos tipos diferentes de efectos. Podemos usar barridos hacia abajo, podemos usar impactos, efectos de
símbolo, y usémoslo, uh, su sonido inexplorado. De acuerdo, estos son bastante populares para secciones de desglose de todos modos. Entonces, escuchemos a estos odio y explotemos sentido. De acuerdo, entonces usemos este hit sin explotar 24. Arrastraremos eso a nuestro arreglo y lo dejaremos ahí. Por lo que lo dejarán caer en el primer golpe de la o de la sección de desglose. Perdón. Y solo voy a entrar y bajar eso
en la pista del mezclador para que no sea extremadamente ruidoso. Está bien. Entonces vamos a tener una escucha a cómo suena esto hasta ahora, solo con el barrido arriba y luego este Hazen explota y está bien, así que a continuación vamos a agregar un, otro efecto aquí que significará que algo está llegando. Y esa es la sección de construcción que está aquí. Entonces podemos entrar y podemos usar un tipo diferente de barrido ascendente o un tipo diferente de efecto esta vez tal vez podríamos usar un uplift. Y la diferencia entre un uplift o en un upsweep Es que un upsweep es todo tipo de ruido. Es todo tipo de aire y una elevación o en realidad tiene un tono. Por lo que tiene una especie de sabe que se puede dañar. Pero eso no es realmente importante porque están todos bajo el mismo rubro y todos están haciendo lo mismo. Entonces voy a usar realmente primero vamos a tener una escucha de algunos de los sonidos. Entonces escuchemos esta elevación o veintiocho. Veintinueve, treinta. Simplemente encuentra uno que seamos como. Ok, usemos este 36 y me gusta el sonido de esto, así que voy a arrastrarlo y dejarlo en la lista de reproducción. Y luego vamos a hacer que se ajuste a nuestro arreglo. Ahora si hacemos zoom hacia arriba, veremos que en realidad es la forma de onda real termina antes de la barra, antes de la primera barra de la acumulación. Entonces de nuevo, como con cualquier tipo de bucle externo o cualquier tipo de muestra que estemos usando, debemos ajustarlo a nuestro tempo. Entonces en este caso solo voy a usar la versión estimada porque como dije antes, suele ser bastante precisa. Entonces, solo vamos a darle a eso. Y ahí vamos. Se le remonta a este ritmo y podemos arrastrar esto hacia adelante entonces. Y ahora debería estar alineándose exactamente con el primer golpe de nuestra sección de acumulación. Está abierto en la pista del mezclador y simplemente lo bajaremos para que no domine todo lo demás. Y luego veremos sumar en un elevador hacia abajo. Sí, así que un tipo diferente. Por lo que la última vez usamos un hits y exploramos sonido, usemos un down levantado esta vez. Entonces me gusta el sonido de este abajo a la izquierda o el número 39. Entonces voy a arrastrar esto a la lista de reproducción. Y voy a dejarlo ahí. Y porque el tipo de cola final de esta muestra realmente no importa porque el, ya
sabes, el extremo de cola del clip es completamente silencioso. No necesitamos ajustarlo al tempo porque no importa dónde termine que
importa es para este tipo de muestra donde el tipo de efecto, lo siento, es donde empieza. Y cada vez que arrastramos en un clip, siempre partirá el mismo inicio de él a la cuadrícula. Es solo el final del efecto del que tienes que preocuparte, pero en este caso, está absolutamente bien. Entonces, vamos a alejarnos de nuevo. Y solo bajaré esto en la pista del mezclador. Entonces baja esto. Y ahora alguna vez escucharemos estos dos efectos. Por lo que quería significar que viene la acumulación y ésta para significar que ha llegado la acumulación. Y solo subiré aquí rápidamente y encenderé smart inhabilitarlo para nuestros plug-ins justo antes de presionar play en caso de que nos topemos con algunos problemas de lag. De acuerdo, así que escuchemos ahora. De acuerdo, entonces finalmente vamos a ver sumar en el tipo de efecto final para mostrar que se acerca la caída. Y luego un efecto más para demostrar que ha llegado la caída. De acuerdo, para que podamos volver a nuestra sección de Efectos. Y esta vez les voy a mostrar una especie de truco que podemos hacer con nuestros efectos. Y es que podemos revertir el sonido de ellos. Entonces si nos gustó el sonido de, digamos que nos gustó el sonido de uno de estos efectos de barrido. ¿ De acuerdo? Entonces lo que podemos hacer es, digamos que es el número diez, ¿verdad? Digo que nos gustó el sonido de esto. Entonces cuando arrastramos esto y nos gustaría que el sonido de este barrido hacia abajo, pero no queremos que barre hacia abajo en esta sección, realidad queríamos barrer para decirnos que se acerca la caída. Entonces lo que podemos hacer es como nuestras muestras de tambor. Podemos entrar aquí y abrir la ventana de muestra. Y podemos presionar este botón de reversa. Y eso sólo da la vuelta a la muestra. Y ahora se ha convertido de un barrido hacia abajo a un barrido hacia arriba. Entonces de nuevo, estamos preocupados por el final de esto aquí. Entonces tenemos que asegurarnos de que el final de la misma se alinee. Y como puedes ver, en realidad está quedando un poco atrás del virus. En realidad sólo voy a arrastrarlo muy rápido y solo tipo de alinear manualmente. Pero también puedes hacer clic aquí y ajustar tempo si quieres. Entonces, vamos a alejarnos de nuevo. Y ahora lo que podemos hacer es agregar esto a la pista del mezclador y bajarlo solo para que no vaya a dominar nada más. Y por último, vamos a sumar en un tipo diferente de efecto para las gotitas fuera en un efecto platillo. Y probaremos uno de estos puede ser de 24. De acuerdo, así que eso es sólo lanzar en Cymbal Effect 27 sólo por el bien de ello. ¿ De acuerdo? Ahora, obviamente, porque sólo nos preocupa el inicio de este efecto, no
necesitamos hacer ningún ajuste al tempo. Y finalmente, solo haré doble clic en ella y añadiré a la pista de mezcla como hicimos con los efectos de resto, bajarla. Y entonces tendríamos una escucha ahora a la, Habríamos escuchado esta sección de flujo. Entonces partiendo de una especie de mitad de camino a través de la descomposición, en la acumulación y luego en la caída. De acuerdo, vamos a escuchar ahora. Ahora la cosa es que con algunos de estos efectos, en realidad no encajan muy bien. Y yo sólo lo estaba pasando muy rápido. Pero tendrás que asegurarte de que el sonido de tus afectos se ajuste al sonido de tus pistas. Entonces los gustos de este efecto aquí, hay mucho estruendo de gama baja y no creo que se ajuste al sonido general de la pista. Así que ten cuidado de que cuando elijas tus efectos, ya sabes, asegúrate,
estás escogiendo efectos que se ajusten al sonido general de tu track, igual que lo harías con tus instrumentos son tus tambores. Tienes que asegurarte de que todo en tus pistas suene como si fuera parte de la misma familia. Si quieres un tipo más grande de sonidos de efecto. Entonces digamos en la acumulación aquí, quieres esto, esto, este tipo de efecto barrido. Quieres que sea mucho más grande que el sonido sencillo que esto está dando. Se puede, por supuesto, capas en otros efectos, se podría tener cinco o seis efectos diferentes en capas aquí. Y todos están contribuyendo a un
sonido de efecto más grande que está diciéndole al oyente algo grande está llegando. Y también hay que pensarlo así también. Ya sabes, la gota es una sección grande. Por lo que probablemente vas a usar algunos efectos de sonido más grandes. Pero entonces los gustos del desglose, una intro aquí que podrías usar, no
vas a usar seis o siete efectos diferentes aquí porque el desglose tiene la energía más baja de toda tu pista. Por lo que podría usar sólo una especie de efecto corto aquí o tal vez un efecto muy, muy sutil. Entonces piénsalo de esa manera de pensar el flujo general de tu pista y asegurarte de que todo tipo de coincidencias y deja tus efectos y diciéndole al oyente que algo grande está llegando cuando algo pequeño como realmente viene. Así que asegúrate de que eres efectos tipo de que coincidan con el tipo de secciones a las que apuntan. A continuación, solo echaremos un vistazo rápido a cómo podemos hacer algunos de nuestros propios efectos.
39. Hacer sonos de efecto: Por lo que en esta conferencia veremos hacer nuestros propios sonidos afectivos. Por lo que el efecto más fácil de hacer es el upsweep. Y lo que hacemos es tomar unos sintetizadores muy, muy básicos. Entonces he tomado literario D3 veces oscilador o el árbol XOR c o como lo llames, es literalmente sólo tres osciladores, exactamente
el mismo oscilador. Y lo que podemos hacer con esto es que podemos configurar los osciladores para que produzcan ruido. De acuerdo, entonces voy a bajar completamente el segundo oscilador y voy a bajar completamente
el tercero solo para que no estén interfiriendo con el sonido. Por lo que sólo estamos usando este oscilador y está configurado para este ajuste de ruido. ¿ De acuerdo? Ahora puedes usar cualquier sintetizador para crear ruido, pero voy a estar usando el oscilador 3x solo porque es realmente, realmente simplista y ahorra CPU. Entonces vamos a cerrarlo. Y lo que haremos es dibujar en tal vez un patrón de ruido de ocho barras. Entonces eso son cuatro barras como podemos ver. Así que tráelo todo el camino a ocho bares por aquí. Y peguemos este patrón entonces en la ventana de la lista de reproducción. Entonces ahora el ruido suena así. Y si no es muy agradable escuchar, pero lo que podemos hacer es que podemos automatizar el volumen. Y así esta es la configuración de volumen aquí o lo siento, no, esa es la panning. Este es el volumen aquí a la derecha. Y, pero lo que hacemos es hacer clic con el botón derecho recordar y crear nuestro clip de automatización, ¿de acuerdo? Por lo que sólo podemos arrastrar los puntos de anclaje izquierdo hacia abajo para que quede en silencio al inicio. Y a medida que se desarrolla el patrón, poco
se vuelve más fuerte y más fuerte. También podemos ajustar la forma de la curva arrastrando este bit medio aquí. Entonces solo lo voy a arrastrar hacia abajo. Entonces no es como una especie de lineal y una especie de aumenta gradualmente con esta curva exponencial. Y sólo escuchemos cómo suena esto ahora. Y si quieres que este barrido suene mejor, lo que podemos hacer es que podemos aplicar un filtro. Vamos a entrar aquí ahora al plugin y lo asignaremos a una pista de mezclador como esta. Entonces ahora está en la pista uno y voy a abrir un filtro. Entonces voy a escoger el filtro afrutado amado estándar. Y se va a abrir. Y lo que tenemos aquí con el filtro es una especie de no diferente al filtro en un sintetizador estará mirando los filtros con un poco más de detalle. Déjame llegar a mezclar, pero por ahora, estoy seguro de que reconoces aquí el corte y los parámetros de resonancia. Entonces sólo voy a bajar la resonancia completamente y vamos a automatizar el sonido del corte. Así que vamos a hacer clic derecho y digamos crear clip de automatización. Cierre el plug-in de filtro. Y luego bajaremos aquí hasta los puntos de anclaje y arrastraremos el punto de anclaje derecho arriba para que el filtro se abra a medida que se está reproduciendo el patrón. Entonces escuchemos cómo suena esto ahora. Entonces esa es solo una forma realmente básica de hacer tu propio ruido blanco una especie de barrido ascendente. Entonces ahora voy a eliminar estos patrones y sólo vamos a echar un vistazo a tal vez hacer algunos efectos de símbolo. Entonces si venimos aquí abajo y nuestros packs de muestras, y voy a entrar en mi paquete de muestras de batería y voy a añadir sólo una especie simple de sonido de choque. Encontremos uno. Ok, usemos este. Porque éste no tiene ningún efecto en él ya. Y eso es solo bucle en esta sección para que no siga dando vueltas. Tendremos una escucha a otros céntricos. Ahora lo que podemos hacer con esto es que lo podemos agregar a la pista del mezclador. Y podemos aplicar algunos tipos diferentes de efectos. Entonces digamos que aplicamos un efecto de reverberación. Ahora solo voy a escoger un preset por ahora, pero vamos a estar pasando por todos estos parámetros y lo que
significan cuando lleguemos a reverberar qué mezcla. Pero por ahora, sólo escojamos un preset tal vez gran recibidor. Y abramos un efecto de retardo. Entonces usaré el banco de retardo afrutado. Y de nuevo, estaremos viendo qué hace el retraso y la sección de mezcla. Pero por ahora solo elijamos un divertido tipo de sonido de retardo. Vamos a hacer clic en este clásico ping-pong. Y si escuchamos ahora el sonido del platillo, con todos estos efectos aplicados, suena así. Ok, entonces vamos a borrar esto ahora y vamos a echar un vistazo a hacer un efecto de sonido elevador o un elevador o así voy a
subir aquí y voy a cambiar esto de nuevo a todo para poder ver todo lo que está como cargado en el, el patrón paleta. Y voy a reemplazar este oscilador 3x por aguja porque lo hemos estado usando hasta ahora. De acuerdo, así que vamos, vamos a reemplazar esto por Spire. Y con cada sintetizador que uses, vendrá con esta rueda de pitch bend. Y aquí es donde podemos especie de deslizarnos hacia arriba y hacia abajo entre diferentes lanzamientos. ¿ De acuerdo? Entonces lo que voy a hacer es que voy a poner la rueda de tono para doblarse por 12 semitonos porque 12 semitonos es una octava. ¿ De acuerdo? Ahora sé que podrías haber escuchado que la edad es un acto de un AES, notas blancas, o ocho tonos completos es una octava, pero 12 semitonos conforman una octava. Entonces solo voy a dar clic a este 12 para que cuando me doble habitual arriba, se doble por una octava llena. De acuerdo, así que vamos a cerrar esto ahora. Realmente no importa qué preset estemos usando. Y pegamos en el, pegamos en el mismo patrón, que es este solo tipo de nota larga. ¿ Está bien? Y si movimos este tono, doblamos la rueda y luego subimos aquí a las herramientas, último removido. Y luego haga clic en Crear clip de automatización. Se, crea un clip de animación en la ventana de la lista de reproducción. Y podemos arrastrar el punto de anclaje derecho hacia arriba para que la rueda de flexión de tono se mueva hacia arriba como el lugar del patrón. Hagamos una escucha al patrón y veremos la rueda de flexión de tono mientras juega. Y si quieres que eso se doble aún más, puedes configurar la rueda de flexión de tono para que se doble más alto. O bien puedes configurar la rueda de flexión de tono para que se doble hacia abajo por 12. Y luego podemos arrastrar estos puntos de anclaje izquierdo hacia abajo para que, así que eso es subiendo un activo completo para cuando llegue al centro, y luego va subiendo otro activo completo para cuando llegue a este punto de anclaje derecho por aquí. Entonces noto cuando estamos escuchando ahí que estaba un poco tranquilo y eso es porque todavía me queda este filtro. Entonces eso es sólo apaga eso y vamos a tener una escucha ahora a este patrón. Y abriré aguja para que veamos qué está pasando con el Pitch Bend. Ya lo haremos, Ok. Entonces veamos esto como el lugar del patrón. Por lo que puedes utilizar este pitch bend wheel y
tipo de técnica de automatización en cualquier sintetizador de tu pista. Entonces si lo quieres automatizar para que el principal tipo de melodía en tu pista se esté doblando
lentamente y lanzando a medida que se está reproduciendo la acumulación. Tú también puedes hacer eso. Entonces son sólo algunos efectos básicos que podemos crear nosotros mismos. Pero realmente no hay necesidad de crear nuestros propios efectos cuando hay fuente o muchos efectos que puedes descargar aquí. Y puedes usar estos en tus pistas. Entonces no hay, no hay necesidad real de crear la
tuya a excepción de esta técnica pitch bend, que puede sonar realmente bien cuando usas los elementos que como que ya has agregado a tu pista. Pero aparte de eso, no necesitamos crear los nuestros propios. Simplemente podemos usar algunos de los efectos que vienen en estos respaldos de muestra. Pasemos ahora a la siguiente sección y echaremos un vistazo a las voces.
40. Introducción a la vocal para la vocal de EDMs: Por lo que en esta sección vamos a aprender todo sobre el uso de la voz para EDM. Ahora, las pistas EDM suelen hacer uso de frases vocales, ganchos
vocales, bucles, chuletas, muestras, etcétera. Pero, ¿qué son todas estas cosas y cómo las usamos? Bueno, eso es lo que vamos a aprender en esta sección. Por lo que antes de pasar a la mayor parte de las conferencias, sólo
quería darles algunos ejemplos de cada uno de estos tipos vocales. Empecemos aquí al principio con frase vocal, vamos a traerla de vuelta. Y lo volveré a tocar. Va a traer de vuelta. El siguiente que tenemos es un gancho vocal. A ver cómo suena eso. Hablar conmigo mismo. No se puede obtener visión general. Simplemente te amas a ti mismo. Es un hecho que hagas hablando consigo misma. No se puede obtener visión general. Simplemente te amas a ti mismo. Es un hecho que hagas. Echemos un vistazo ahora a un bucle vocal. ¿ Verdad? Está bien. Está bien, está bien. Ahora echemos un vistazo rápido a las chuletas vocales. Y ahora echemos un vistazo rápido a una muestra vocal. fue probablemente lo tiene ahora me lo mostró ylos
pusieron en el suelo es empezara los
pusieron en el suelo es empezar patear heridas de puñalada en la espalda y sabes qué, sobre Siria. Vivos cuando llegamos aquí. De acuerdo, así es como suenan cada uno de estos tipos vocales. Pasemos ahora a la primera conferencia de esta sección donde echaremos un vistazo a las frases vocales con detalle.
41. Frases vocal: De acuerdo, entonces, ¿qué son las frases vocales? Bueno, las frases vocales y la música electrónica simplemente se referían a frases o frases
muy cortas que se suman al personaje. Entonces esos típicos, ya sabes, 123 saltan. Esos gritos que se pueden escuchar antes de que llegue la gota, sus frases vocales. Por lo que una frase vocal se puede usar en cualquier parte de la pista. Su trabajo particularmente bien antes de la caída y en averías ya que
le da al oyente algo familiar a lo que aferrarse, que es el lenguaje. Definitivamente no quieres usar en exceso las frases vocales. Entonces si los estás usando, simplemente elige uno o dos y luego construye un patrón a partir de ellos. Y la razón de esto es porque si usas demasiadas frases aleatorias, tu track y suenas desordenado y amateur, cada elemento de tu track necesita sonar como si fuera parte de la misma familia y tus frases vocales no son diferentes. Así que asegúrate de que no estás usando demasiados y que encajen bien. Puedes encontrar frases vocales en paquetes de muestra, o si te sientes creativo, puedes grabar las tuyas propias. Entonces les voy a dar un ejemplo aquí de algunas frases vocales y contexto. De acuerdo, entonces hay tres tipos diferentes de frases vocales siendo usadas. Ahí está este anuncio en vivo frase, vamos a escuchar. Ok. Y luego me asocié a eso con esta frase, que es la misma mujer. Entonces es la misma persona hablando. Por lo que tipo de pega todas estas frases separadas juntas. Hagamos una escucha a esta frase en el fondo de mi alma. Y luego cuando venimos aquí a una especie de sección de coro del desglose, tenemos esta frase vocal, que de nuevo es la misma mujer hablando y suena así. Pero cuando los combinamos todos juntos, suenan así. De acuerdo, solo lo tocaré desde aquí para que no estemos tan en los dos estos
solo escucharían a éste y luego tendremos una escucha a éste. Y muevo esa muestra en ella como iría, nos
deja ahora en el fondo, no
es tan profundo. Por lo que se puede ver que este patrón vocal en particular está construido a partir de tres frases vocales separadas. Entonces vamos a tener una escucha a la pista completa, tal vez hasta por aquí. Y luego entraremos al pack de muestra y echaremos un vistazo a tratar de emparejar algunas frases vocales juntas. Hagamos una escucha ahora. En el fondo de mi alma, el
fondo de mi sierra. De acuerdo, así que vengamos aquí a los paquetes de muestra y desplácese hacia abajo hasta donde guardo mi voz. Y yo sólo voy a este pack vocal cinco. Y vamos a sumar aquí a frases vocales. De acuerdo, así que vamos a tener una escucha a través de algunas de estas frases. Empecemos con 18 aquí. Ok. Probemos 17. Estrés 16151413, bandeja fuera. De acuerdo, así que puedes combinar todos estos juntos para construir una especie completa de patrón vocal. Entonces vamos a bajar aquí muy rápido y voy a solista esta pista, tal vez dos o tres de ellos, y sólo vamos a arrastrar en esta muestra,
esto, lo siento, esta frase vocal, Mileva, escúchala. Muy bien, ahora intentemos hacer equipo esta frase vocal con algunas otras frases vocales. Vamos a escuchar ocho LBJ, soltar, mantener, ¿No creo. Ok, entonces esta voz en particular aquí, esto suena muy, muy similar a esta frase que tenemos aquí. Entonces voy a arrastrar esta frase. Y como todos nuestros bucles externos, también
necesitamos encajar estas frases vocales a nuestro tempo,
Ok, así que estamos configurados en 128 aparecen. Entonces voy a hacer lo habitual y voy a dar clic en Ajustar al tempo. Y sólo voy a dar clic a la estimación porque no
sé qué plantearon estas frases vocales en particular. Entonces solo voy a dejar el software para adivinar por mí. Y yo voy a hacer lo mismo aquí con este. Y está estimando alrededor de 150. Entonces ahora escuchemos a ambos juntos. Clave, por qué creer, no. Por lo que podríamos usar estas dos frases vocales como patrón vocal. Entonces si duplico esto y arrastro el segundo aquí a este bar, y solo volveré a subir y solista la música a la parte musical. Y sólo escucharemos cómo suenan
ahora estas frases vocales con esta línea de base y kick drum. Ok. Vamos a escuchar por qué creyente no lo hacen. Mantén la y creyente, no. Y puedes añadir más frases vocales o incluso menos frases vocales dependiendo del sonido de tu pista. Pero ten en cuenta que no debes agregar demasiadas frases vocales. De lo contrario, el sonido general de tu track se volverá un poco confuso. Entonces mi consejo es que tal vez se quede con dos o tres y luego
usarlos para construir un pequeño patrón vocal que puedas repetir a través de la pista. Entonces solo voy a eliminar estas frases que
arrastramos y pasaremos ahora a la siguiente conferencia, que es mirar ganchos vocales.
42. Hooks vocal: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender sobre ganchos vocales. Entonces vamos a enganchar es sólo una palabra elegante para una idea musical que llama la atención del público. Y como música memorable y electrónica, un gancho es como un fragmento de un verso, un coro, y por más tiempo que una frase y un bucle, esencialmente se
puede pensar en ello como un mini hijo. Ahora un gancho funcionaría mejor en el desglose, pero también pueden funcionar bien y la gota, puedes encontrar estos ganchos en paquetes de muestra o puedes grabar los tuyos propios. Pero lo único que diré con esto es que si
estás tomando Hawks de un paquete de muestra, tienes que asegurarte de que el pack de muestra esté libre de regalías. Y lo que esto significa es que si te rastrean sube en plataformas
comerciales de streaming como Spotify o YouTube o algo así. Donde estás ganando dinero de nosotros. Si estás usando un gancho que no está libre de regalías, realidad le deberás a la persona que hizo ese gancho un porcentaje de tus ganancias. Por lo que es mucho, mucho más fácil simplemente revisar la descripción del paquete de muestra que estás descargando y solo asegúrate de que diga libre de regalías. Tampoco puedes tomar un abrazo de otra canción porque esto causaría problemas de derechos de autor. Si realmente quieres usar un abrazo de una canción, en realidad
tienes que contactar al artista. Entonces digamos que quería usar un abrazo vocal de uno de los temas de Katy Perry. Tendría que contactar a Katy Perry y pedirle permiso
para usar ese gancho en mi pista. Si consigues permiso, entonces está bien usar ese gancho en tu pista. Pero sin permiso, podrías encontrarte con todo tipo de temas de derechos de autor, swayed aconsejarte que no uses gancho de otra
persona en tu pista a menos que tengas permiso para hacerlo. Pero si grabas las tuyas, entonces no te toparás con ninguno de estos temas porque ese gancho es 100% original y 100% te pertenece. Entonces con eso dicho, sólo escuchemos este ejemplo de gancho vocal que tengo aquí, y lo escuchamos en el contexto de un arreglo. Entonces aquí tengo una especie de sección de desglose y luego se mueve a una gota. Y en realidad se puede ver aquí abajo que el gancho vocal continúa más allá de la caída. Entonces vamos a tener una escucha a cómo suena esto. Y luego entraremos aquí a los packs de muestra y
veremos cómo agregar ganchos vocales a nuestras pistas. Ok, entonces vamos a tener una escucha ahora. Entonces así podría sonar un hub vocal en una pista. Pasemos ahora a los packs de muestra y solo
encontraremos algunos ganchos vocales para usar una pista aérea. Entonces solo voy a desplazarme hacia abajo y voy a usar este que ya está resaltado, que es loop masters. Kate ganchos vocales salvajes. Acapella tiene volumen tres. De acuerdo, entonces voy a entrar aquí a la sección de onda Loop. Y como puedes ver, abre todas estas subcarpetas pequeñas. Y los packs de gancho vocal son geniales porque el 90% de las veces te dan el BPM, te dan la llave, y luego te dan el nombre de la suma. Entonces sé que mi pista es 127 BPM. Y también sé que la clave de mi pista está en c-sharp, ¿de acuerdo? Entonces voy a tratar de encontrar un gancho vocal que coincida con estas dos cosas lo más cerca posible. Ahora puedo ver aquí que tengo uno a dos, y un D. menor. Y D estaría bastante cerca de C agudo. Pero el único problema es que mi pista no es Menor, ¿de acuerdo? El mío es mayor. De acuerdo, así que tenemos el acorde de C-sharp, E, F, y G agudo. Y esa es la corte de C-sharp mayor. Entonces si yo fuera a arrastrar en este D menor y luego bajarlo a C agudo. En realidad estaría jugando en C-sharp menor, nazi agudo mayor. Entonces si no estás seguro de tus escalas y llaves y esas cosas, podrías simplemente cerrar esto y luego ir a buscar un paquete de muestras diferente que no sea C-sharp mayor. O otra opción sería tomar en cuenta que esto está en D menor y luego cambiar tu pista para que tu pista esté en D menor. Pero si eres como yo y ya tienes el arreglo iniciado, esto puede ser un poco laborioso. Entonces lo que voy a hacer en su lugar es que voy a usar mis conocimientos de escalas y llaves, ¿de acuerdo? Entonces sé que con C-sharp mayor, el relativo menor de eso sería un menor afilado. ¿ De acuerdo? Y lo que tenemos aquí es que tenemos algo de A-Minor, por lo que A-Minor está bastante cerca de un menor afilado. Entonces lo que voy a hacer es que me voy a llevar esto una canción menor. Y también se establece en 110 BPM, que está más cerca de uno a siete. Entonces 97 es. Entonces me voy a llevar este y voy a audicionar Algunos de los ganchos vocales en esta carpeta para arrastrar a mi pista. Ahora si no estás seguro del relativo mayor y de los mineros relativos y cosas así. Eso está bien si solo tomas la llave de tu pista. Entonces digamos que eres una pista está en D mayor. Si solo Google, cuál es el relativo menor de D mayor, entonces Google realmente responderá eso para ti de
verdad, muy rápido y descubrirás que es B menor. Pero ya sé que para mi pista, una menor afilada va a funcionar. Entonces voy a arrastrar en tal vez esta parte para liderar. Sí. Por lo que me gusta el sonido de esta manada para liderar. Entonces voy a arrastrar esto a mi pista. Y lo voy a colocar ahí. Y yo sólo voy a eliminar los ganchos vocales que
ya teníamos para que empecemos de fresco con una pizarra en blanco. Y luego voy a mover este gancho vocal que acabo de arrastrar hasta el inicio de mis arreglos, el inicio del colapso aquí, ¿de acuerdo? Ahora lo primero que voy a hacer con esto es que lo voy a
estirar para que se ajuste a mi tempo. Y podemos ver aquí que el software lo ha escaneado y ha estimado que es alrededor de 110 BPM. Y si venimos aquí, podemos ver que el software realmente está encendido. De acuerdo, así que voy a hacer clic en esto y se va a estirar para mí. Y entonces lo que voy a hacer es que lo voy a lanzar. ¿ De acuerdo? Entonces sé que este gancho vocal en particular está en una menor. Y sé que necesito transponerlo para que en realidad esté jugando en una menor afilada. ¿ De acuerdo? Entonces sólo voy a lanzarlo hacia arriba por $0.100. Y si recordamos desde antes que 0.100 dólares es un semitono, entonces sabremos que lanzándolo hacia arriba por 0.100 dólares, realidad lo
lanzaremos hacia arriba por un semitono, que lo llevará hasta una menor afilada. Ok, entonces ahora eso está pitcheado y estirado. Podemos cerrar el sampler y podemos tener una escucha a
lo que suena en nuestra pista. Vamos a escuchar ahora. Entonces esa es una especie de proceso que debes usar cuando estás agregando ganchos vocales a tu pista. Pero al final del día, realmente
se trata de lo que suena mejor. Entonces técnicamente, si eres gancho vocal está fuera de clave. Si realmente suena bien, entonces no importa porque aquí
todos los oyentes lo harán aquí es la versión final de tu track. Entonces si suena bien, es bueno.
43. Bucle vocal: Entonces en esta conferencia, nos vamos a centrar en los bucles vocales. Por lo que el bucle vocal puede ser cualquier tipo de vocal que pretendas hacer bucle a lo largo del tiempo. No necesariamente tienen que decir nada siempre y cuando sea base
vocal y tenga algún tipo de elemento rítmico para ello. Los bucles vocales trabajan pastar tanto en la gota como en la descomposición. No obstante, no debes usarlos a lo largo de toda la pista. Es mejor tal vez se desvaneció durante la ruptura. Deja que se haga cargo durante la caída y después ten una sección sin voz. Simplemente ayuda a romperlo. No quieres aburrir al oyente. Por lo que de nuevo, los bucles vocales se pueden encontrar en paquetes de muestra o
puedes hacer los tuyos haciendo bucles diferentes palabras y agregando efectos geniales. Escuchemos este ejemplo de un bucle vocal que estoy usando en mi track. Ok, entonces es realmente, muy corto bucle. Pero en realidad lo he repetido muchas veces a lo largo de la avería y la acumulación y llegando a la caída. De acuerdo, entonces escuchemos cómo suena en contexto. Y luego como las otras conferencias vendrán aquí a nuestros respaldos de muestra y
veremos cómo debemos agregar bucles vocales a nuestra pista. De acuerdo, vamos a escuchar ahora a un bucle vocal en contexto. Y realmente decir, realmente
ves el, de verdad, de verdad decir. Lo mismo para los cerebros son realmente buenas palabras. De acuerdo, así que así sonaría un bucle vocal si lo usas en tu pista. Vamos a entrar en la sección de atrás de muestra y nos desplazaremos hacia abajo a mi carpeta de voces. Mileva, escucha algunos de los bucles vocales que tengo. Entonces, como puedes ver, están como divididos en dos PPM diferentes. El primero con 140, y el segundo con uno a ocho. Ahora recuerda dijimos antes que del uno al ocho es un medio feliz. Bueno, por eso estos bucles vocales están configurados en 12z, porque es asumiendo que cuando estás tratando de encajar estos bucles vocales a tu tempo, usando un BPM que está bastante cerca de 128. Los bucles vocales que se establecen en 140 entonces están diseñados para pistas que son un poco más rápidas, como dubstep y drum and bass. Yo voy a entrar aquí al de 128 BPM sin embargo, porque mi pista está fijada en 128, solo
es cuestión de encontrar cuál BPM es el
más cercano al que has dicho en tu pista. Ok, así que vamos a entrar en esta carpeta 128 BPM y vamos a tener una escucha de algunos de los bucles aquí dentro. Entonces tomemos esta casa bucles 34 y tengamos una escucha a cómo suena esto. Probemos 36. Ahora intentemos tal vez 391 más. Sólo intentaremos 40. A ver cómo suena eso. La música que encontré. Ok, entonces tomemos House Loops 40, y lo arrastraremos a nuestro proyecto. Y estamos cargados aquí arriba. De acuerdo, ahora solo voy a eliminar los bucles vocales que ya estaba usando, solo para que estemos partiendo de una plantilla en blanco. Y lo primero que haré es asegurarme de que se ajuste a nuestra propiedad del templo. Ahora sé que ya dice 128 BPM, pero sólo voy a asegurarme de que encaje exactamente presionando el botón de estimación. Ahora, obviamente si tu estimación está en algún lugar muy alejada, si esto dice como 75, no hagas clickers. Pero debido a que parece bastante cerca de 120 días, voy a asumir que el software sabe mejor que yo, y voy a hacer clic en él. Entonces ahora que el tempo del loop se ajusta al tempo de nuestra pista, ahora
vamos a descifrar la clave de nuestra pista y transponer o lanzar este bucle vocal para que se ajuste a la clave de nuestra pista. Ok. Entonces voy a pinchar aquí a nuestro rollo de piano y voy a chequear locos, la pista está puesta y puedo ver aquí es una especie de residir alrededor de F. Ok. Entonces si vuelvo a salir a la lista de reproducción y hago doble clic en el bucle, se abre la ventana de muestra. Y lo que puedo hacer es añadirlo a una pista de mezclador. Y luego otra vez, haremos el mismo proceso. Agregamos un plugin llamado Edison. Y luego arrastramos en la forma de onda en la música y luego la colocamos en Edison. Por mi alma. Yo encontré. Está bien. Y luego hacemos clic con el botón derecho y luego bajamos a regiones, y luego bajamos hasta el fondo y hacemos clic en detectar regiones de tono. Y lo que esto hace es escanear el archivo y nos dice qué clave está configurando. Entonces puedo ver aquí está en algún lugar alrededor de D-sharp, tal vez D, C agudo. Entonces voy a asumir que la primera es correcta, y voy a usar eso como base para lanzar el bucle vocal. De acuerdo, así que vamos a cerrar Edison viniendo aquí al bucle vocal. Entonces sé que el bucle vocal no es D-Sharp y mi tema es una F, Así que voy a tener que lanzar esto un semitono a e y uno más semitono a f ¿De acuerdo? Entonces ahora veamos si esto, oops, Ahora veamos si la clave de este bucle vocal se ajusta a nuestra caminata. De acuerdo, entonces creo que eso suena bastante bien. Creo que este bucle vocal sí suena como si estuviera en clave con la pista. Entonces, una vez que tengas tu bucle vocal en clave y a tiempo, podemos pegarlo a lo largo de toda la sección en la que querías. Por lo que quería en algunos de mi desglose y luego en la acumulación. Y luego podemos tener una escucha a cómo suena la pista con ese bucle vocal en ella. Yo sólo voy a bajarlo porque es realmente ruidoso y fue rechazado se ajusta a la pista. Ahora acabo de notar ahí que hay un poco de sonido clicky al final. Y eso es porque hay un poco de silencio ocurriendo entre cada bucle vocal. ¿De acuerdo? Entonces si vengo aquí y solo miro la forma de onda, puedo ver que la forma de onda empieza en algún lugar aquí, pero nuestra barra empieza aquí. Por lo que está un poco fuera de tiempo. Entonces lo que voy a hacer es que voy a destacar este. Voy a subir aquí y voy a hacer click stretch. Y esto se enciende estiramiento. Y entonces cada vez que mueva esto, en realidad estira la forma de onda. Entonces lo voy a estirar para que el inicio de ese tipo de pico de
la forma de onda esté empezando en el mismo inicio de nuestro Barnett, en algún lugar por ahí. Entonces ahora puedo ver que el comprador coincide con este tipo de pico de la forma de onda. Y voy a venir, voy a alejar el
zoom y voy a ver cómo suena eso Ahora. Entonces, vamos a tener una escucha. Entonces creo que el bucle suena bien ahora. Entonces voy a apagar de nuevo el estiramiento para que cada vez que arrastre otra forma de onda, no la estire, simplemente dibuja este tipo de porción extra. De acuerdo, a continuación, vamos a echar un vistazo a las chuletas vocales.
44. Chotas vocales: Entonces en esta conferencia, estamos echando un vistazo a las chuletas vocales. Entonces una chuleta vocal es cuando tomas un gancho existente y luego lo cortas en trozos más pequeños. Estas piezas luego se barajan por ahí y tal vez otras piezas se borran. Y utilizas las piezas restantes para crear un ritmo interesante pero de ritmo rápido. Las chuletas vocales funcionan muy bien si no quieres usar un gancho o si no puedes encontrar un gancho libre de regalías. Entonces la razón de esto es porque puedes usar un gancho de cualquier canción y luego capítulos más allá del reconocimiento para usar en tus pistas. También puedes grabar tu propio gancho para picar, o simplemente puedes encontrar uno en una muestra de vuelta. Aquí tienes un capítulo vocal que hice antes. Y empezó la vida como este gancho vocal. Vamos a escuchar cómo sonaba antes de que se picara. Hazlo como uno. Eso es lo que tú no me haces. A veces estas son las cosas que me diste. Vi que me anuncio, estoy todo comprado el camino. Demórame. Está bien. Y ahora vamos a escuchar cómo suena después de haber hecho un poco de picar. Un DOM, ahora, manteniendo un DOM, ahora montando. Entonces solo tomé pedacitos y pedazos de todas partes a lo largo de ese gancho vocal. Y entonces como que los reordené e hice este ritmo. Hagamos una escucha a lo que suena en contexto. De acuerdo, entonces tengo este tipo de desglose de música house. Por lo que siempre que Lección Dos en el vocal chap suena como con estas tarjetas y las almohadillas y esas cosas. Está bien. Vamos y ahora significa un dom. Dom. Dom. Ok. Entonces estoy seguro de que te dan la idea general de ello. Entonces lo que haremos ahora es entrar en mis packs de muestra y echaremos un vistazo a picar nuestras propias voces. Entonces voy a cerrar esta
carpeta de bucles house que estábamos viendo en la última conferencia. Y voy a abrir un corzo vocal. Por lo que sólo subiré aquí a uno de mis packs vocales completos y elegiré tal vez éste. Ahí está el maestro de producción Alexandra sesiones vocales. De acuerdo, Vamos a entrar aquí y podemos ver de nuevo, tenemos todas estas sub carpetas con diferentes Sachs. Ahora para ganchos vocales, no
es tan importante encontrar una especie de BPM que esté estrechamente relacionada con tuyo porque en realidad estamos cortando todo por completo y luego reorganizando todas las piezas. Entonces realmente no importa cuál de estos elijas. Entonces voy a elegir, digamos que el 100 bpm uno, que está a unos 25 latidos por minuto de mi proyecto está configurado, pero está bien. No necesitamos que esté cerca de 125. Entonces voy a arrastrar en uno de estos ganchos de aquí. A lo mejor arrastraremos en este verso. Voy a plop en la lista de reproducción. Y lo que haré es borrar las chuletas que había hecho antes. Y voy a solo esto para que podamos seguir aplicando unos chanclos. Entonces hay dos formas de aplicar chuletas, ¿de acuerdo? Puedes subir aquí y puedes seleccionar una herramienta de afeitar y puedes
atravesarla tú mismo y especie de picar estas pequeñas piezas así. O simplemente voy a deshacer todos esos y simplemente volver a entrar en la vista de muestra. De acuerdo, entonces, para que puedas cortarlo tú mismo o puedes llegar a esta pequeña forma de onda como lo hacemos cuando estamos tratando de encajar algo a nuestro tempo. Haga clic en él, y luego baje aquí para picar. Y puedes dejar que el software haga el corte por ti. De acuerdo, entonces puedes escoger todo este tipo de ritmos aquí, pero solo voy a usar el corte automático afilado para que pueda hacer mi propio ritmo. Si eliges uno de estos, en realidad lo reorganiza para ti. Entonces tal vez sólo por el bien de demostrar, escojamos este bucle 112 y veremos que todas las piezas ahora tengo volteadas. Vamos a escuchar cómo suena. Bbb. De acuerdo, entonces eso suena un poco robótico, pero podemos elegir como intentar tal vez otro ajuste realmente rápido justo antes de hacerlo nosotros mismos. Vamos a escoger tal vez iniciador a. Probemos esto. Ok. Entonces, sólo volveré a deshacer eso. Ahora, prefiero mucho reorganizar todas las pequeñas piezas yo mismo porque solo tengo más control sobre ello y tengo más control sobre el ritmo y cómo suena el chap general. Pero siéntase libre de usar uno de estos tipos de configuraciones autogeneradas si lo desea. Pero voy a seleccionar aquí corte automático afilado. ¿ De acuerdo? Y la diferencia entre DO medio y agudo es que agudo era una especie de mirada a cada uno de estos picos y ablandar lo va a picar muy, muy precisamente. tanto que con los autos dobles lysing, las chuletas que obtienes son menos precisas. Entonces lo que pasará es con el corte automático afilado, tendrás un montón de chuletas pequeñas con las que meterte y retirar el corte de lotería. Tendrás un montón de rebanadas grandes con las que meterte. Prefiero que mi rebanada tenga que ser más pequeña. Entonces voy a seleccionar chapped. Y como se puede ver, es una especie de analizar la forma de onda y los capítulos dependiendo de dónde estén los diferentes picos y canales. De acuerdo, entonces empecemos a reorganizar algunas de estas piezas. Entonces podría arrastrar esta pieza y podría empezar un aquí abajo. Y yo sólo voy a solista las chuletas en las que estoy trabajando. Entonces quería escuchar lo que estoy haciendo con las chuletas, ¿de acuerdo? Y voy a tener que acercar aquí y asegurarme de que sea el, oops, voy a poner esto a ninguno, sólo para que tenga control sobre dónde, exactamente hacia dónde va. Y voy a hacerlo, lo voy a pegar aquí. Por lo que está exactamente en el primer golpe del bar. Está bien. Entonces voy a volver a venir a nuestra vocal picada. Y voy a alejarme un poco para poder ver lo que estoy haciendo. Y voy a escoger tal vez unos segmentos diferentes. Entonces tal vez este pequeño segmento aquí y arrastra eso. Y podríamos colocarlo, digamos el siguiente. El siguiente beat, lo colocamos en el arranque y luego usaremos otro segmento corto, tal vez este bit. Y vamos a arrastrar esto y empezamos en el siguiente paso. Usemos otro segmento para tal vez por aquí, escojamos este, arrastramos esto y empezamos en este paso. Y entonces tal vez probemos este y arrastraremos esto y lo pondremos en esto. De acuerdo, así que vamos a ver cómo suena eso hasta ahora. Y si nos gusta, lo mantendremos. Y si no nos gustan ciertos bits, podemos cortarlos y cambiarlos y eliminarlos y empezar a añadir diferentes bits en. Escuchemos cómo suena hasta ahora todavía. De acuerdo, entonces no suena demasiado terrible. Entonces voy a seguir adelante. Voy a sumar tal vez este bit aquí. Vengamos y saquemos algo del final. A lo mejor esta pieza, en realidad eso es demasiado grande. Podría dejarlo por otra puja, pero tomaré tal vez esta pieza más pequeña porque tengo montones de piezas grandes en mis chuletas por el momento, solo
quiero usar unas piezas más, más pequeñas. Usemos esta pieza y la pondremos aquí. Usemos esta pieza corta y la ponemos tal vez aquí. Y luego finalmente usaremos esa gran pieza que teníamos. ¿ De acuerdo? Y eso nos pone dejémoslo ahí. De acuerdo, vamos a ver cómo suena esto ahora. Está bien. Lo que voy a hacer es que sólo voy a cortarle la cola de esto para que cuando lupus, todos encajen un poco mejor, vale, así. Ok, entonces vamos a alejar y voy a dar vuelta a configuración
de mi cuadrícula y hacer doble clic en esto para deshacerme del bucle. Y luego cuando deshaga en solitario esto, y eliminaremos el gancho vocal original desde arriba. He venido por aquí y borro eso. Y luego solo voy a pegar este patrón a toda la sección de desglose, ¿de acuerdo? Al igual que esto. Ahora, ahora antes de proceder realmente con la escucha, sí
tenemos que lanzar esto para asegurarnos de que esté en clave. Por lo que voy a hacer doble clic en una de las muestras agregadas al mezclador, carrera y abrir Edison. Y luego lo arrastraremos así. Entonces bebé abrázame cerca. Y luego haremos doble clic en regiones, detectaremos regiones de tono. Y veamos qué tipo de llave estamos viendo. ¿De acuerdo? Entonces puedo ver aquí que estamos mirando a C,
B, C agudo, D agudo, F afilado. O en realidad en lugar de este método, porque usamos un gancho vocal en primer lugar, podemos simplemente mirar y ver aquí walkie, es, y así es en realidad en B mayor. Entonces voy a revisar la llave de mi pista, que es, creo G agudo menor. Para desplazarse aquí abajo. Sí, C-Sharp Menor. Está bien. Entonces de nuevo tenemos una mayor y una menor, una especie de choque. Entonces vamos a tener que mirar a las relativas mayores aquí. Por lo que mi pista está en la clave de G agudo menor. Y el mayor relativo del minero G-sharp en realidad resulta ser mayor. Entonces en realidad estamos bien. No necesitamos hacer ningún pitcheo en absoluto. Entonces, escuchemos ahora el desglose con nuestras chuletas vocales ahí dentro y veamos cómo suena. Podría bajarlos en la pista del mezclador para nosotros sólo para que simplemente no era sobrepotente. Tengamos una escucha. De acuerdo, así que ahora cuando estés haciendo tus chuletas vocales, podrías hacer que el patrón sea un poco más largo. Ahora son nuestro patrón era muy corto. Era sólo un comprador, y luego lo miramos todo el camino al otro lado. Pero podrías hacer un 4-bar, podrías hacer un ocho bar, incluso
podrías hacer un 16 bar largo vocal picado. Eso es todo diferente en todo el camino y eso crearía mucho interés para el oyente. Hice un patrón de cuatro barras aquí rápidamente, sólo con el propósito de esta conferencia. Pero cuando estás creando tus pistas, tal vez quieras extender este patrón a tal vez cuatro barras o APR o como dije, incluso más tiempo. De acuerdo, en la siguiente sección veremos el tipo final de vocales, que son muestras vocales.
45. Muestres voces: En esta conferencia, vamos a echar un vistazo a las muestras vocales. Entonces una muestra es cuando tomas una pieza de audio de una pieza de trabajo existente, y luego usas ese audio en tus propias pistas. Ahora porque realmente estamos tomando audio del trabajo de otras personas, tenemos que tener mucho cuidado con los derechos de autor. Por lo que necesitarás buscar permiso para usar el trabajo de otra persona en tu pista. No obstante, hay algo llamado dominio público. Y el dominio público es básicamente un lugar donde se pueden
averiguar qué obras de arte e historia. En realidad he pasado su fecha de copyright. Por lo que melodías como la tradicional melodía de Feliz Cumpleaños alguna vez fueron protegidos por derechos de autor. Pero ahora como esta melodía es tan antigua, el copyright para ella en realidad ha vencido. Entonces lo que puedes hacer es usar el dominio público para averiguar qué
obras de arte están libres de derechos de autor que puedes utilizar en tus pistas. Entonces, por ejemplo, las películas estadounidenses antes de 1964 están bien de usar. Y las películas extranjeras antes de 1923 están bien de usar. Espectáculos de televisión antes de 1970. Cualquier cosa de Sung antes de 1924 está bien. También puedes simplemente Google lo que estás buscando, seguido de la palabra dominio público y lo encontrarás. Entonces por ejemplo, canciones folclóricas, Dominio Público. Lanzará una lista de canciones folclóricas que ya no tienen derechos de autor aplicados. Muchas pistas de música house realmente prueban música soul
vieja y luego usan eso para formar un gancho. Entonces en esta pista de ejemplo aquí, realidad
estoy usando muestras vocales de un pack que he descargado, que se llama voz lo-fi. Y en este pack, hay cientos de diferentes tipos de muestras vocales condujo muy cortas las frases vocales. Pero de nuevo, podemos usar estas frases para construir una especie de vocal más larga para nuestra pista, ok. Pero todas estas frases de baja ficción han sido muestreadas. Entonces dentro de estos factores, frases de sistemas Sat Nav, de discursos que los presidentes han dado a lo largo de los años, de programas de televisión, de todos los documentales y todos los programas de radio y todo este tipo de cosas que podemos muestrear. Vamos a escuchar cómo suenan algunas de estas frases de baja ficción. Nutricional debe hogar, iglesia, MAN, no enfermo, Moody. ¿ Quién? Entonces estos están en alemán y yo no hablo alemán, así que sólo voy a seguir adelante porque no entiendo lo que están diciendo. Probemos estas frases. De uno a cinco. Contenido intelectual, radiante. A diferencia de esas profecías, parecen tontas. Pero no creo entrar a Internet diez historias calle
alta porque dice verdades
humanas olímpicas de en internet garantizadas y nueva frontera. Por lo que todos estos han sido muestreados a partir de una pieza de trabajo que ya existe. Entonces vamos a tener un escuchar el ejemplo Pista donde he usado algunas de estas muestras vocales de baja ficción. Y veremos cómo suena en el contexto de una pista de rebotes de Melbourne. Por lo que el sonido se rige por el número exacto. Pero es aquí donde el ser masivo hizo a partir de dos experiencias en las que se basa nuestro mundo visual. Y ahora hemos golpeado plenamente a este núcleo y a esta influencia asiática. Entonces no voy a mostrarles el proceso de
encontrar realmente estas muestras vocales porque es realmente, realmente simple. Si solo buscas algo en internet, como tal vez un viejo programa de televisión o un viejo programa de radio, discurso
favorito que podrías tener. Y luego si solo descargas esta pieza de audio y la arrastras a tus pistas, eso sería ensamblado vocal, usamos voces sampleadas igual que usaríamos frases vocales o ganchos vocales. Vas a aplicar el mismo tipo de efectos y los mismos principios. De acuerdo, así que pasemos ahora a la siguiente sección donde aprenderemos a manipular estas voces.
46. Introducción a la manipulación de las vocales: Entonces en esta sección, vamos a aprender algunas técnicas diferentes que podemos hacer para manipular el sonido de nuestras voces. A lo mejor quieres que suenen más alto o más bajo, o tal vez solo quieres que ese infame sonido
vocal sintetizado de Daft Punk estará echando un vistazo a cosas como el cambio de capataz, vocoders y duplicación vocal. Entonces, antes de saltar, les
voy a dar un ejemplo rápido de estas cosas que sepan a qué mirar adelante en este apartado. Por lo que aquí arriba, tengo esta voz original. Entonces así es como suena la vocal sin ninguna de estas técnicas de manipulación vocal aplicadas. Hagamos una escucha a cómo suena esto. Un día cuando mayores, mirando hacia atrás a los tres, hay nueve. Un día, cuando mayores, encontraremos una magia muere. Ahora escuchemos lo que Foreman Shifting hace a estas voces. Sí. Sí. Sí. Sí. Ahora escuchemos lo que hace un vocoder. Y por último, vamos a escuchar lo que hace la duplicación vocal a estas voces. Un día, cuando sea mayor, mirando hacia atrás, un día, nos encontraremos con eso. Entonces ahora que sabemos cómo suena cada una de estas técnicas, saltemos a la primera conferencia, que es el cambio formante.
47. Formant Shifting: Entonces para esta conferencia, vamos a echar un vistazo a la forma y al cambio. Ahora esta es una técnica extremadamente común que se utiliza en house, tech, house, techno, y muchos otros géneros EDM. Se usa principalmente en voces y se puede usar en una vocal
principal o incluso en una vocal de respaldo como capa. Por lo que antes de ver cómo hacer la granja y el cambio, es importante entender qué es en realidad. Entonces debemos preguntarnos, ¿qué es un formante? Bueno, por decirlo de forma simple, un formante es la forma que hace tu boca cuando intenta crear un sonido vocal. De acuerdo, Entonces en inglés los conocemos comúnmente como AEIOU, pero en realidad hay muchas, muchas más formas que estas cinco. ¿ De acuerdo? Tenemos formas como Ooo, nuestro aire, nuestro aceite. Todos estos están formando formas. Entonces lo que la forma y el desplazamiento nos permite hacer es que nos permite manipular estos formatos. Podemos usarlos para cambiar suavemente el sonido de la vocal. O podemos ser mucho más extremos y crea una especie de sonido de demonio o ardilla. El proceso de formación de cambios es realmente, realmente fácil y lo hacemos usando plugins. Entonces antes de entrar aquí a los packs de muestra y formar y cambiar nuestra propia voz. Solo hagamos una escucha a esta forma y se desplazó vocal en contexto, y veremos cómo suena en el arreglo. Entonces ahora busquemos una vocal y aplicaremos foro y cambio. Entonces voy a entrar aquí a mis paquetes de muestras. Y de nuevo, me voy a desplazar hacia abajo hasta que entre en mi carpeta vocal, enfoque cinco, y vamos a escoger cualquiera de estos puedes aplicar forma y cambiar a cualquier tipo de vocal. Entonces voy a entrar en estos bucles vocales y sólo voy a escoger uno de estos muy, muy rápido. Está bien. Desplazémonos un poco hacia abajo. Lugares. Fiesta. Ok, usemos este bucle vocal 77. De acuerdo, voy a arrastrar esto. Y lo voy a colocar en mi arreglo. Y sólo voy a borrar la vocal que
ya tenía ahí dentro donde ya aplicé alguna forma y cambio. Y lo que vamos a hacer es que sólo vamos a solista esto y vamos a aplicar alguna forma y cambio. Entonces esto es lo que suena Ahora antes de aplicar la granja y el cambio de prop, prop. Por lo que para aplicar esta técnica, hacemos doble clic en ella. Lo abrimos en la pista del mezclador y vamos a cargar un plugin de cambio de tono. Entonces lo voy a solista. Y podemos entrar aquí ahora puedes cargar cualquier tipo de plugin de pitching como néctar isótopo. En realidad hay plug-ins por ahí que se dedican a esta forma y al cambio. Y en realidad suenan mucho mejor que lo que podemos hacer aquí. Pero por el momento, voy a usar un plugin muy estándar que viene con FL Studio y se llama pitcher, ok. Entonces la imagen es en realidad un plug-in de sintonía automática, así que está diseñado para auto voces junior , prop, prop, pero ahora no tengo el auto sintonizado encendido, pero eso está bien porque no nos preocupa AUTO-TUNE. De lo que nos preocupa es esta pequeña sección capataz de aquí abajo. ¿ De acuerdo? Entonces lo que voy a hacer es que lo voy a encender presionando esta pequeña luz. Ahora se puede ver que la luz se ilumina y
significa que se está aplicando el foro y el cambio. Y la interfaz de este plugin lo hace muy simple. Dicen que si ponemos la flecha aquí a la derecha, tus voces sonarán más como una mujer o una ardilla. Y si ponemos las voces aquí a la izquierda, ahí suenan más como un hombre o como una especie de demonio guttural profundo. De acuerdo, entonces lo voy a dejar arriba en el Centro por el momento. Y voy a recorrer la muestra que tenemos. Entonces este bucle vocal, ok, y luego mira eso para que siga tocando. Y luego voy a aplicar la forma y el cambio como el lugar vocal para que podamos escuchar lo que está haciendo en tiempo real. De acuerdo, así que vamos a presionar play y voy a empezar a ajustar este pequeño perímetro. Ahora este plugin en particular podría no sonar muy bien, pero puedes descargar montones que hacen este foro y cambiando mucho mejor. Pero así es como simples pueden ser la forma y el cambio. Y déjame equiparlo con algún cambio de tono. Puede sonar aún mejor. Entonces si subo el género aquí,
bien, lo siento, giré el género hacia la derecha aquí, así que suena más como una hembra. Pero si también Pitch Shift S y me cambié completamente hacia arriba, me cambié todo el camino hacia arriba como una especie de tono alto como pueda ir. Y ahora se hace equipo con esta forma y el cambio. El bucle final sonará así. También podemos ver cómo suena. Si volvemos el género a un hombre. O podríamos intentar el pitch desplazar todo el bucle hacia abajo, y luego cambiar la forma y pasar al ajuste femenino. Y ahora veamos cómo suena cuando volvemos el ajuste al ajuste masculino. De acuerdo, así que voy a restablecer este pitch de vuelta a donde estaba. Y solo voy a cargar otro plug-in solo para mostrarte que puedes conseguir mejores por ahí porque el tipo de plugin de imagen predeterminado FL Studio, no
es genial, pero hace el trabajo que está tipo de diseñado para hacer. Lo que voy a hacer es mostrarte un plugin más caro, que es néctar isótopo. Y vamos a usar esto para aplicar foro y cambio en su lugar. De acuerdo, entonces voy a cerrar esta ventana preajustada. Voy a venir aquí a hacer una visión general y sólo voy a apagar el EQ y los compresores. Y voy a venir directamente aquí a lanzar, presioné la luz para encenderla. Y entonces vamos a venir aquí también. Formato. ¿De acuerdo? Por lo que utilizamos este parámetro de turno para desplazar al capataz hacia abajo o hacia arriba. De acuerdo, entonces lo que voy a hacer es como lo hicimos con el efecto pitcher, voy a tocar el loop y alguna vez escucharé a lo que suena a medida que ajuste este parámetro, vamos a tener una escucha ahora. Y si solo probamos la técnica de cambio de tono que estábamos mirando antes, si usamos este plugin más caro, probablemente
sonará un poco mejor. Entonces, solo vamos a impulsar para lanzar hasta una especie de sonido de tono alto. Está bien. Entonces eso es, así suena antes de la granja y el cambio. Y ahora si formamos un desplazado todo el camino hacia arriba, sonará así. Y si formamos un desplazado todo el camino hacia abajo, sonará así. Y ahora si volteamos la página todo el camino hacia abajo y luego volteamos la forma y desplazamos todo el camino hacia arriba. Suena como este prop, prop. Y ahora si volteamos la forma y bajamos todo el camino hacia abajo, suena así. Entonces realmente depende de ti qué tipo de efecto estás buscando. Pero el cambio de capataz es una técnica muy común utilizada en EDM. Por lo que es importante estar al tanto de ello. Sólo escuchemos de nuevo muy rápido cómo suena cuando
dejamos el tono normal y lo formamos y lo cambiamos todo el camino hacia abajo. Simplemente cerraré estos y tomaremos una escucha. Ahora. En la próxima conferencia, echaremos un vistazo a los vocoders y cómo puedes usarlos para tus tracks.
48. Vocoders: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a los vocoders. Por lo que se puede usar un vocoder en las voces para hacerlos sonar como un robot o para convertir las voces en canchas. Hacemos esto con un plugin de vocoder. La mayoría de los softwares en realidad vendrán con uno de forma gratuita, pero no se pueden descargar mejores de internet. Un vocoder funciona usando un modulador y un portador. Por lo que el modulador es el tipo de elemento que se quiere aplicar el efecto también. Y el portador es el elemento que el Vocoder basa el efecto sonido apagado. ¿ De acuerdo? O para decirlo simplemente, el modulador es tu vocal y el portador es tu instrumento. Y patrón de acordes. El instrumento que realmente elijas como tu portador afectará el sonido final del vocoder. Así que asegúrate de cambiar el instrumento unas cuantas veces y ver qué tipo de sonidos puedes sacar de tu vocoder. Solo hagamos una escucha rápida a un ejemplo de un vocoder que se está utilizando en una pista EDM. Y luego seguiremos adelante y aprenderemos a aplicar un vocoder a nuestras propias voces. Entonces escuchemos ahora. Entonces ahora que sabemos cómo suena un vocoder en una pista de EDM. Podemos seguir adelante y eliminar al transportista. Y podemos eliminar el modulador, y podemos empezar desde cero para hacer nuestro propio vocoder. Lo primero que necesitamos son algunas voces. Entonces vamos a venir a nuestros paquetes de muestras. Y sólo me desplazaré por aquí y escogeremos una de las carpetas vocales. A lo mejor estos ultra deep house focus ok, entrará en esto. Y veremos que fueron recibidos con toda una gama de diferentes tipos de enfoque que podemos elegir, y todos están en diferentes claves. Ahora la belleza de los vocoders es que no necesitamos preocuparnos en
qué clave está el vocalista porque el Vocoder realmente va a cambiar eso para nosotros, todo lo que tenemos que preocuparnos es el sonido real de la propia vocal. Entonces vamos a tener una escucha a cómo suena esta casa vocal siete. No. Se me ha roto el corazón. Está bien. No me gusta el sonido de eso. A ver cómo suena vocal seis. Robin law y volando alto, podemos llegar a la Manila. De acuerdo, así que sí me gusta el sonido de estas voces house seis. Entonces, arrastrémoslos al arreglo y los colocamos aquí. Y nuevamente con todo, tenemos que asegurarnos de que se ajuste a nuestro tempo. Por lo que el software ha recomendado un 120. A ver cómo suena eso. Entonces sólo voy a tomar una lección rápida. En volar alto. Podemos llegar a ellos. Vida moderna, vuelve atrás. Entonces, sin embargo, vamos. Eso me suena bastante bien. Entonces lo que haremos es agregarlo a la pista del mezclador haciendo clic en este botón de pista. Y sólo lo bajaré un poco para que no nos domine. ¿ De acuerdo? El siguiente paso es crear un patrón de portador. Y voy a hacer clic derecho y elegir Buscar Siguiente vacío. Y voy a teclear en carrier. Y vamos a abrir la ventana de patrones para ver cómo se ve esto. Lo siguiente que tenemos que hacer es agregar un instrumento para usarlo como portador. Entonces voy a venir aquí y voy a añadir un instrumento muy sencillo, que es el oscilador 3x. Vamos a hacer clic en eso. Y como pueden ver, viene aquí debajo otro oscilador 3x que estamos usando en la pista. Ahora necesitamos poner algunas notas en nuestro portador. De acuerdo, así que sólo voy a copiar el patrón de acordes de piano aquí. Entonces sólo voy a copiar sólo estos acordes superiores. Y luego los voy a pegar en nuestro portador. Aquí abajo. Haga clic con el botón derecho, diga rollo de piano, y luego pegue. De acuerdo, vamos a escuchar cómo suenan estos. Entonces es sólo una onda sinusoidal pura. No es nada demasiado extremo. Pero lo que voy a hacer es bajar este segundo oscilador y bajar
este tercer oscilador porque no los necesitamos para esta demostración en particular. Ahora también voy a cambiar la mía a una onda cuadrada. Y la razón de esto es porque una onda sinusoidal pura realmente no suena bien con el Vocoder, pero una onda cuadrada sí. Entonces es solo para fines de demostración. Veamos cómo suena esta onda cuadrada con el patrón. Y como puedes ver, es muy piercing porque este tipo de formas de onda en su forma más pura, pueden ser bastante perforantes. También voy a bajar esto porque creo que es un poco demasiado alto. Oigámoslo otra vez. De acuerdo, entonces ahora que estoy contento con patrón y estoy contento con el tipo de octava en la que está sentada. Y también estoy contento con el tipo de sonido que he elegido. Voy a añadir esto a la pista del mezclador. Y como pueden ver, ya viene aquí en la pista 29. Entonces solo lo voy a bajar para que no sea tan piercing. Y nuestro siguiente paso es encadenar de lado al portador al modulador. De acuerdo, y lo hacemos en FL Studio, como expliqué la sección de cadena lateral, solo
hacemos clic derecho en esto y hacemos clic en una de estas opciones de cadena lateral. Ahora, voy a hacer clic en cadena lateral a esta pista sólo porque sólo quiero que salga el sonido de esta pista. De acuerdo, no quiero que el sonido del portador esté tocando para nada. Yo sólo quiero que el sonido del portador esté pasando directo por el vocoder, que vamos a poner por aquí. ¿ De acuerdo? Entonces nuestro siguiente paso es cargar realmente ese vocoder. Entonces vamos a cargar un plugin de vocoder. Y vamos a usar códecs Voc. Y este plugin viene con FL Studio. Por lo que también puedes usar este plug-in en tus pistas. A continuación, tenemos que decirle al vocoder que queríamos tomar una entrada de portador de nuestro transportista por aquí. Entonces vamos a volver a este tipo de transportistas más ligero. Y vamos a poner el valor por encima de eso a uno. Y luego vamos a venir aquí a este deslizador modulador. Y en realidad vamos a poner esto en 0. Porque si esto se establece en uno. El sonido del portador estará llegando en el modulador. Y no queremos eso porque el modulador sólo está reservado para las voces. Entonces cuando abras el plug-in, dirá 10. Y lo que hacemos entonces es que venimos y lo cambiamos para que diga 01. El paso final para configurar el vocoder es volver a la lista de reproducción y luego pegar el patrón portador debajo de las voces que quieres aplicar también el efecto. Así que vamos a escuchar cómo suena esto hasta ahora con el vocoder establecido en su tipo de ajustes por defecto. Entonces eso suena bastante bien. Pero podemos venir ahora y en realidad podemos ajustar algunos de estos parámetros y hacer que suene aún mejor. Entonces lo primero que podemos ajustar es este parámetro de ancho de banda. Y lo que esto hace es que las bandas del vocoder sean más grandes o más pequeñas. Ahora, si miras aquí abajo, podrás ver a esas bandas. Y mientras está tocando y ahí arriba, y deberías poder ver que las bandas de
aquí abajo están cada vez más anchas y gruesas. ¿ De acuerdo? Entonces veamos y veamos qué sucede cuando aumento este parámetro. Entonces estoy seguro de que se puede escuchar que dependiendo de dónde establezcamos este parámetro, el sonido cambia drásticamente. Ahora solo es cuestión de encontrar este tipo de ajustes que prefieras y que crees que funcione para tu track. Yo solo voy a restablecer el mío por el momento y pasaremos al siguiente parámetro. El siguiente parámetro es que podemos ajustar es este,
y este es el multiplicador de ancho de banda modulador. ¿ De acuerdo? Y ese es un gran título confuso, pero si lo simplificamos, cuando pongas este parámetro aquí a la izquierda, estás asombrado será más resonante. Y si pones este parámetro aquí a la derecha, el sonido será más raspado o respirado. Está bien. Entonces de nuevo, voy a restablecerlo y luego pasaremos al siguiente parámetro. Por lo que este parámetro es en realidad como un cambiador de capataz para el vocoder. Entonces cuando cambias esto a la derecha, puedes ver ese pequeño símbolo aquí. Esto puede hacer que suene femenino. Y si nos desplazamos hacia la izquierda, según este símbolo, hará que suene como un macho. Basta con escuchar cómo suena esto muy rápido. De acuerdo, así que voy a restablecerlo de nuevo. Otro parámetro que podemos ajustar para cambiar el sonido es este. Y este es el cambio de unísono modulador. Y lo que esto hace es básicamente un detuneo al unísono. ¿ De acuerdo? Entonces déjame poner esto a la izquierda. No habrá desajuste y sonará muy delgado o como una sola voz. Y si ponemos esto a la derecha. Suena mucho ticker o como, ya
sabes, más de una voz. Ahora para que este ajuste funcione realmente, tenemos que poner un número en esta cajita y lo hacemos arrastrando hacia arriba. Entonces voy a poner un número aquí. Digamos sólo dos. Y ahora alguna vez habíamos escuchado cómo suena en el ajuste más bajo. Y luego tendremos una escucha a lo que suena en el escenario más alto. ¿ De acuerdo? Entonces escuchemos ahora, este es el ajuste bajo. Y ahora aumentemos eso y escucharemos cómo suena en el escenario más alto. Y si bajamos aquí y aumentamos la cantidad de voces que está usando el unísono, veremos que suena así. Disminuyamos el ajuste y veamos qué sucede. Lo siguiente que podemos ajustar es la cantidad real de bandas que está usando el vocoder. Para que se puedan ver las bandas aquí abajo. Antes hablaba de ellos. Entonces si pongo esto realmente, realmente bajo, podrás ver claramente cada banda a través de este tipo de espectrograma. De acuerdo, así que echemos un vistazo al vocoder cuando esté configurado en cinco bandas. Y ahora si aumentamos la cantidad de bandas justo hasta la cima, que creo que es un 100. Sí, veremos que en realidad habrá 100 bandas
a través de este espectrograma. Echemos un vistazo. Y como podemos esperar, entre más bandas que estaban usando, más claro se pone el sonido. Y eso es porque hay más tipo de instantáneas de la vocal que se está tomando. Es como usar una cámara de cinco megapíxeles frente a una cámara de 100 megapíxeles. Obviamente, la cámara de 100 megapíxeles va a poder captar mucho más detalle. ¿ De acuerdo? Entonces de nuevo, este parámetro, tipo de depende de qué sonido
prefieras y qué sonido crees que funcione para tu track. También podemos ajustar este orden Configurando aquí. Ahora bien, estos ajustes de orden, no
necesitamos saber qué hacen realmente porque es algo confuso. Se ordena la pendiente de la frecuencia de corte de todas estas bandas diferentes. Pero todo lo que necesitas saber es que hay ajustes forestales. Y puedes elegir cualquiera de ellos y lo que suene mejor,
es mejor, vale, así que vamos a tener una escucha a cada uno de ellos. Empecemos con el número uno. Hagamos una escucha a dos. Hagamos una escucha a tres. Ahora. Hagamos una escucha a cuatro. Por lo que puedes usar todos estos parámetros para dar forma al sonido final que estás obteniendo. Entonces solo voy a poner algo al azar aquí. Yo sólo voy a tal vez aumentar esto, disminuir esto nos volvió a un escenario femenino. Y entonces tal vez aumentemos esto hasta una especie de mitad de camino. Y vamos a tener las bandas tal vez abajo a alrededor de 50. De acuerdo, así que esto es completamente aleatorio. Pero verás que el sonido que sale del vocoder ahora es completamente diferente. Entonces así es como funciona un vocoder y cómo se puede especie de ajustar los parámetros para obtener el sonido que se desea. El último rápido que quería mencionar en esta conferencia es sólo sobre los instrumentos portadores que usted elija. De acuerdo, entonces voy a volver a nuestro portador aquí, que es este oscilador 3x. Y lo que voy a hacer es cambiar la forma de
la forma de onda mientras tocan las voces, ¿de acuerdo? Y te verás a ti mismo que hacer esto en realidad cambia drásticamente el sonido del orden de Voc. Ok, entonces es importante encontrar un buen instrumento portador para usar. Vamos a escuchar cómo suenan algunas de estas formas de onda mientras se están tocando las voces. De acuerdo, entonces diferentes instrumentos sonarán mejor como portador. Es solo cuestión de encontrar estos instrumentos y luego ajustar el plugin de vocoder para asegurarse de que todos los parámetros se ajusten al portador. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a la duplicación vocal.
49. Doubling vocal: Entonces, ¿qué pasa si has decidido que no
quieres usar ninguno de los efectos que hemos estado viendo hasta ahora. Y quieres mantener limpias tus voces. Bueno, hay algunos trucos importantes que podemos hacer para que tu voz suene limpio,
pero profesional, porque las voces realmente pueden dejarte atraer hacia abajo. Siempre es algo en lo que el oyente se enfocará. Y si hubieran sido una especie de aficionado procesado temprano, puede arrastrar el sonido general de tu rastreado hacia abajo. Entonces vamos a echar un vistazo a uno de estos trucos, que es duplicar. Por lo que la duplicación vocal es genial para cuando no quieres usar muchos efectos, pero aún así quieres ese sonido ancho moderno. Si lo usamos, las voces sonarán más limpias y más enfocadas. Cuando estás duplicando. No es sólo cuestión de duplicar la pista. También hay que ajustar ya sea el tiempo, el tono, o ambos. Y la razón de esto es por la forma en que escuchamos las cosas. Ok, entonces la pista de dobletes tiene que ser ligeramente diferente para que nuestros oídos lo perciban como más ligero. Cuando el sonido que está entrando en tu oído izquierdo es diferente al sonido que está entrando en tu oído derecho. Nosotros percibimos esto como blanco. Este es el principio principal en el que también se basa el panning. Cuando estás desplazando algunos elementos a la izquierda y otros elementos a la derecha. Haz que tu campo de pista sea más amplio ya que el sonido que va hacia tu oreja izquierda es diferente al sonido que va hacia tu derecha. También puedes usar un plug-in para hacer la duplicación por ti. Voy a echarle un vistazo a eso en tan solo un momento. Pero por ahora, escuchemos este ejemplo de una pista vocal duplicada en un arreglo EDM. Entonces ahora que sabemos cómo debe sonar, vengamos a los paquetes de muestras aquí y empezaremos desde el principio. Lo primero que vamos a necesitar es una pista vocal. Entonces sólo voy a entrar a este maestro de producción Alexandra sesiones vocales porque es la primera que vi. Y podemos ver aquí otra vez, nos dan todas estas subcarpetas de Sung. Ahora la pista particular en la que estoy trabajando es una pista trampa y está puesta en 150 fiv BPM. Entonces voy a usar un BPM que esté cerca de esto, y podría simplemente escoger esto, rebobinar a 150 VPN. Entonces abramos esta carpeta y alguna vez escucharemos algunas de estas voces. Ok, escuchemos este curso. Seco. Rebobinar. Falla. Probemos esto seco para cuidar a todos. Siente. Probemos tal vez este v2. Veamos cómo suena esto. El ritmo se está apoderando. Podemos, vale, así que me gusta el sonido de este V2, así que voy a arrastrar esto a nuestra lista de reproducción. Y lo voy a plop aquí. Simplemente voy a borrar las voces que ya usaba. Por lo que podemos empezar desde cero. Y voy a volver a bajar a las nuevas voces que acabamos de sumar. Y voy a asegurarme de que estén ajustados al tempo con el que estamos trabajando. De acuerdo, entonces voy a seleccionar Ajustar al tempo. Y la estimación en esta ocasión está un poco fuera. Está estimando alrededor de 160, pero en el paquete de muestras dice 150. Entonces sólo voy a confiar en la muestra de vuelta. Voy a teclear 150. Y como pueden ver, se estira y ahora tenemos una vocal que es pulmón antecesores. También necesito comprobar que estas voces o en la misma clave que nuestra pista. Entonces voy a subir aquí a nuestra pista y voy a averiguar en qué clave está. Entonces solo estoy haciendo clic en este patrón de almohadilla y sólo voy a mirar la llave. Y puedo ver que la clave de la pista es una e. Y si miramos aquí a suerte la vocal está adentro, lo
podemos ver también en E menor, así que no debería necesitar hacer ningún pitcheo. Escuchemos a ver cómo suena la vocal en el arreglo. Encontramos algún cierre. De acuerdo, así que eso suena bastante bien, pero las voces también suenan un poco diez. Entonces usemos la técnica de duplicación para que
se sientan un poco más modernos y profesionales. Lo primero que vamos a hacer es agregar estas voces a la pista del mezclador. Entonces voy a dar rienda suelta. Y ahora se han sumado las voces a la pista 41. Y lo que voy a hacer es que los voy a duplicar. Entonces voy a arrastrar una segunda versión aquí arriba. Y luego voy a hacer que esta segunda vocal sea única. Entonces si dejamos las voces así, no
van a sonar duplicadas. En realidad sólo van a sonar más fuerte. De acuerdo, vamos a escuchar. Se está cuidando por borrado. Ahora si lo vuelvo a agregar. Y la razón por la no
suena duplicado es porque
en realidad no hemos hecho ningún cambio a la segunda vocal. Sí. Tenemos que afectar ya sea el tiempo, el tono, o ambos. Está bien. Entonces para afectar el tiempo, podemos acercar directamente hacia arriba y puedo apagar mi ajuste de snap a grid. Y yo sólo voy a mover muy, muy ligeramente la segunda vocal. A lo mejor acerca de eso, para que
ahora la segunda vocal se quede como retrasada detrás de la primera vocal. Y si escuchamos cómo suena esto ahora, sonará un poco más amplio. Entonces si te gusta el sonido de esto tal como está, lo que puedes hacer es agregar la segunda vocal a la pista del mezclador. Por lo que solo voy a dar clic en pista y asignarlo a una nueva pista. Y entonces lo que podemos hacer es que podemos panear uno a la derecha y podemos panear el otro a la izquierda. Y esto le dará a las voces un sonido amplio y limpio. Tomemos una escucha. Por lo que ahora estas dos voces se han duplicado. Pero hay una cosa extra que podemos hacer para que suenan un poco más gruesos. Y eso es si entramos en la ventana de muestra y ajustamos el tono
muy, muy, muy, muy ligeramente, ok, porque no quieres que suene fuera de tono. Si ajusto demasiado el tono como un $0.100, va a sonar terrible. De acuerdo, pero lo que podemos hacer es ajustarlo por una cantidad muy pequeña, como $0.10, tal vez $0.15. Nunca ajustados, diría máximo 30. Está bien. Entonces golfistas en algún lugar debajo de 30 y solo diré tal vez $0.15. ¿ De acuerdo? Entonces ahora está muy, muy, muy ligeramente desafinado. Y esto hará que la tecnología de sonido vocal. Tomemos una escucha. Y obviamente solo para que se ajuste mejor a la mezcla de la misma, sólo los
bajaremos para que no estén abrumadores nebulosa propiamente escuchar cómo suenan en pleno contexto del arreglo. Vamos a escuchar a tal vez aquí abajo. De acuerdo, vamos a escuchar. Y si sólo vemos rápidamente cómo sonaría sin que se aplicara la duplicación vocal. Si las voces se hubieran dejado solas. Y si no hubieras hecho ninguna de la técnica de duplicación, lo que voy a hacer es que sólo voy a hacer que ésta sea única. Vamos a escuchar. Y ahora si encendemos el efecto de duplicación. Entonces como puedes ver, el efecto de duplicación hace una diferencia muy grande en el sonido general de la pista. Las voces aún suenan limpias, pero también suenan mucho más profesionales. Eliminemos la duplicación vocal que hicimos. Y vamos a echar un vistazo a este tercero aquí que no tiene vocales duplicando honores. También podemos aplicar la duplicación usando un plug-in. De acuerdo, así que vamos a tener una escucha a la vocal tal como es. El abalorio está cuidando más. Encontramos algunos más cerca. Y si entro en la pista del mezclador, y si cargo un plug-in de duplicación en esta vocal, así que voy a cargar néctar isótopo para apagar el EQ y el compresor. Simplemente sube a la Ventana de Pitch. O lo siento, no pitch, es armonía, lo siento, llegando a la ventana has_many. Y vamos a cambiar las voces de abajo a unísono y hasta al unísono. ¿ De acuerdo? Entonces lo que hace el módulo de armonía es que crea una armonía artificial. Yo, solo te mostraré muy rápido cómo
suena la armonía abajo y arriba en la vocal que está tomando la cuenta. Por otra parte, ¿Podemos ver que la armonía funcione realmente, tendrás que cambiar la clave por aquí, por lo que es en menor y también está en E. Así que el algoritmo ahora sabe a qué tipo de clave lanzar las armonías. Tengamos una escucha. El abalorio está cuidando más. Encontramos algunas almohadas o más, plagamos y decimos que. Pero lo que podemos hacer es que podemos usar este módulo para crear un efecto de duplicación. Entonces si pongo ambos al unísono y luego arrastro la ganancia y la sartén de uno. Y arrastro hasta arriba la ganancia y la sartén de dos. Sonará así. El sangramiento se está haciendo cargo. Podemos golpes son más trigo. Y digamos, si apago el módulo, seremos míos, nuestro corte natural de nuevo encendido. Ahora si no tienes néctar isótopo, Eso está absolutamente bien. Hay un plugin gratuito que viene con FL Studio y se llama shaper estéreo. Y lo que esto hace es una especie de aplica lo que se conoce como el efecto haas cada vez que mira qué es eso cuando mi mezcla. Pero por el momento, si le tuerces a este Tulane, en
realidad hará que se dupliquen las voces. De acuerdo, vamos a escuchar. El abalorio se está cuidando. Encontramos que algún tiempo será más. Entonces con néctar isótopo, está aplicando una especie de tiempo y PITCHSHIP. Pero con el shaper estéreo, sólo
está afectando el tiempo. Pero eso está bien porque ambos se basan en el principio de duplicación. Así que vamos a tener una escucha de nuevo, solo con forma estéreo o soloed Mileva Lesson Two en este tipo de plug-in duplicó sonidos vocales como arreglo indie. Entonces este es el proceso que utilizarías si aplicaras la duplicación vocal. En la próxima conferencia, echaremos un vistazo a una técnica diferente que
puedes hacer para conseguir ese sonido vocal amplio y moderno.
50. 12.5 capas vocales: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender sobre las capas vocales. Por lo que las capas vocales son particularmente útiles establecer un coro o un punto focal de una pista. También pueden ser útiles para la progresión de una pista porque cuando se agrega en una capa extra, se puede mantener la voz sonando interesante si están en un bucle continuo. Ahora la mayoría de las canciones en realidad harán esto diverso con Sam tin. Y luego para el coro o el HUC deleite en múltiples capas para que suene mucho más rápido y lleno. Por lo que para agregar capas vocales, podemos duplicar la línea vocal principal y luego sumar algunos efectos como Coro y distorsión. Podemos entonces panear estas voces duplicadas, ya sea a la izquierda o a la derecha para hacerlas sonar más amplias. Y ahora en este ejemplo en particular, yo mismo grabé todas estas voces. Y grabé el mismo tipo de línea vocal una y otra vez. Y como que los construí encima uno del otro para crear capas. También se está usando algo de armonía en estas capas también. Entonces vamos a tener una escucha a esta pista de ejemplo. Ok, entonces esta es una pista de house lenta y melosa y presta especial atención a cuando lleguemos a esta sección de coros. Y ahí están estas cinco capas de voz. De acuerdo, así que vamos a escuchar. Todavía no estoy listo la última ronda. Entonces. Simplemente puede ser. Está bien. Por lo que todas estas capas vocales se están combinando juntas para dar una especie de sonido de coro completo. Entonces si movemos la cabeza de juego a justo antes de que comiencen estas voces, y podemos resolver para que en la pista del mezclador escuchen lo que está pasando. Por lo que la primera vocal es la voz principal. Por lo que esta capa vocal suena limpia y no tiene muchos efectos aplicados a ella.
Tengamos una escucha. Si solemos la siguiente capa vocal, podemos escuchar que ésta tiene aplicado un efecto coro. Veamos cómo suena este efecto de coro. Ahora pasemos a la siguiente capa vocal. Y esta capa vocal es una capa de armonía, y se ha perfilado alrededor del 90% a la derecha. También hay un efecto de coro en esta vocal
también para que suene un poco más grueso, vamos a escuchar. Si tomamos una escucha a la siguiente vocal, podemos ver que se trata de otra capa has_many y se recorre
la dirección opuesta alrededor del 90% a la izquierda. Y esta capa vocal también tiene un efecto coro aplicado. Tengamos una escucha. Y la última capa vocal entonces es ésta. Y esta capa vocal se ha dejado en el centro. Y tiene un amplificador en él para que suene un poco distorsionado. Y un efecto phasor, y estaremos echando un vistazo a todos estos efectos en la sección del mezclador. Pero por ahora, escuchemos cómo suena esta capa vocal sin adorno. Y cuando sumamos todas estas capas vocales juntas, el resultado final es un sonido mucho más grueso y mucho más completo. Hagamos una escucha a todas estas capas tocando al mismo tiempo. Entonces así es como puedes usar capas vocales en tu pista. Se puede arrastrar y principal vocal de tal vez un paquete de muestra por aquí. Y puedes duplicarlo así y aplicarle diferentes efectos. O si estás grabando tus propias voces, puedes grabar la misma línea vocal una y otra
vez, tal vez con algunas armonías, luego aplicar diferentes efectos a cada una de las capas por separado. Entonces estoy realmente, muy rápido solo te voy a mostrar cómo aplicar algunas capas vocales a una vocal que se arrastrará desde uno de estos packs de muestra. Y solo usaré esta voz deep house porque está justo frente a mí. Y yo elegiré a cualquiera de ellos. Sólo va a ser una demostración rápida. Estamos arrastrando esta vocal y luego la movemos a tal vez aquí. Y vamos a tener una escucha a lo que esto suena por sí mismo. Ahora solo voy a apagar los efectos en el canal maestro porque realmente no podemos escuchar correctamente la vocal. A ver cómo suena ahora. Está bien. Simplemente apaga eso rápidamente. Está bien. Veamos cómo suena esta vocal Now por sí sola. En lugar de ley y volar alto, podemos llegar a la luz de la mañana. Vamos nena, deberías tomarte. Entonces para aplicar una capa vocal a este focal, lo que haríamos es duplicarla así. Y agregaríamos la pista duplicada al mezclador. Y le aplicaríamos algún tipo de efecto diferente. Ok, entonces si podemos estar tratando de bajar y agregamos justo muy,
muy rápido, voy a añadir un efecto de coro. Y yo solo escogeré uno de estos aquí, tal vez súper gordo, no lo sé. Y vamos a ver cómo suena cuando está en capas con esta vocal principal Here. Podemos llegar más a ellos. Entonces porque lo estamos usando como capa, podríamos bajar eso un poco más, solo para que el sonido del coro sea un poco más sutil. Tengamos una escucha. De acuerdo, así que en realidad cometí un error aquí. Olvidé hacer única la segunda vocal. Y esto es lo que pasa cuando no haces que la segunda vocal sea única. Terminas aplicando el mismo efecto a ambos. De acuerdo, así que sólo voy a hacer realmente rápidamente única la segunda vocal. Y luego voy a cambiar la pista del mezclador a
una pista de mezclador diferente para que no tenga efectos aplicados. Y ahora sonará así. En lugar de ley y volar alto, subimos el coro. Vamos. Vamos. Y veamos cómo suena la vocal sin el efecto coro. En lugar de ley y volar alto, podemos llegar a la mañana. Vuelve atrás. Y vamos a añadir un backend. Nunca pierdas. Vamos. Para que puedas usar capas vocales en tus pistas para obtener un sonido mucho más completo y moderno. En el siguiente apartado, vamos a echar un vistazo a puntos de Norte.
51. Puntos de nota: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a puntos de no. Vamos a echar un vistazo a qué puntos de nota son y cómo se deben utilizar en tu pista. Entonces, cuando estás creando EDM, es importante no caer en un estado de estancamiento. Y esto significa que a medida que avanza el tipo de secciones, no
queremos aburrir al oyente. Entonces lo que hacemos es introducir un punto de nota cada cuatro a ocho barras. Entonces un punto de nota es algo que saca al público de la pista por una fracción de segundo y rompe la repetición de los bucles. Entonces debido a esto, un punto de nodos debe ser corto. El punto de nota más común utilizado es el símbolo. De acuerdo, entonces se usará un símbolo de choque cada cuatro a ocho compradores para sacar al público de la pista. Pero también puedes usar aplausos. Los instrumentos son efectos de sonido cortos. Esencialmente, un punto de nodo puede ser cualquier cosa corta que no forme parte del bucle original. Si tu pista empieza a sentirse un poco repetitiva, punto de nodo puede ayudar a
sacar al público de las tendencias y luego refrescar la pista. Hagamos una escucha a estos puntos de nota aquí en este ejemplo de pista técnica. Wow,
todas estas distorsiones suceden. Entonces ahora que sabemos cómo suenan los puntos de nota en contexto, eliminemos estos aquí, y entraremos en nuestros packs de muestra por aquí, y añadiremos nuestros propios puntos de nota. Entonces en esa pista, los puntos de nota que estábamos usando, somos efectos de símbolo. Entonces voy a entrar aquí a mis efectos, mi carpeta Effects. Y voy a tratar de encontrar algunos efectos diferentes para usar. A modo de punto de nota, quizá
intentemos esta carpeta y tengamos una escucha de algunos de estos efectos. Entonces intentemos quizá arrastrar este punto de nota. Y lo colocaremos aquí al inicio del segundo bar. Vamos a hacer doble clic en él y agregarlo a la pista del mezclador para que podamos bajarlo. Y tendremos una escucha a cómo suena esto en el arreglo. Entonces eso suena bien, vamos a cerrar esta carpeta y encontrar algunos efectos diferentes para agregar. A modo de punto de nota. Bajemos tal vez hasta el fondo aquí y vamos a echar un vistazo a estos sonidos de efectos. De acuerdo, así que vamos a escuchar algunas de estas. De acuerdo, así que esto es bastante corto y en realidad podemos usar esto como punto de nota. Ahora puede que no suene muy bien, pero sólo quería demostrar que se puede usar cualquier tipo de sonido para sacar al público de la pista por un segundo. De acuerdo, así que arrastremos esto a la siguiente barra donde queríamos agregar un punto de nota, y veremos a qué suena esto. Vamos a probar tal vez uno más de estos sonidos de efecto. Vamos, vamos a desplazarnos un poco hacia abajo e intentaremos tal vez 66. Acabo de escuchar a través de ellos muy rápidamente. De acuerdo, así que probemos esto. Afecta a los sonidos envejecimiento. Y lo arrastraremos a la siguiente barrera donde queremos agregar el punto de nota. Y acabo de bajarla por la pista del mezclador antes de tocarla porque va a ser muy ruidoso y vamos a escuchar cómo suena en el arreglo. Entonces no creo que este punto de nota en particular o éste o éste, para ser honesto, no
creo que realmente encajen con el sonido de la pista, pero solo estoy demostrando cómo se pueden usar diferentes tipos de sonidos como punto de nota. Al igual que todo lo demás en la pista, debes asegurarte de que suenan como si pertenecieran, acuerdo, así que deberían sonar como si todos fueran parte de la misma familia. Y otra cosa muy rápida de mencionar es que necesitarás lanzar estos. De acuerdo, entonces el mismo proceso antes de abrir pista de mezclador, abrimos Edison, arrastramos esto y detectamos las regiones de pitch. Y entonces lo que hacemos es ajustar el tono usando el tono necesitaremos para asegurarnos de que el sonido se ajuste al tono de la pista. Y tampoco tienes que hacer esto. No tienes que usar diferentes sonidos de puntos de nota. Puedes usar el mismo una y otra vez en toda la pista, siempre y cuando rompa la repetición de los bucles. De acuerdo, así que vamos, vamos a venir aquí. Creo que esta es la sección drop. Entonces vamos a tener una escucha a la caída sin los puntos de los nodos. Ok, bueno, tal vez sólo escuchamos por aquí. Y luego los volveremos a sumar y veremos qué diferencia hace OK, discurso en este país. De acuerdo, y ahora si vuelvo a añadir estos puntos de nota y volveremos a tomar una lección. Esta porción, esta porción. Ves esto. Por lo que en el siguiente apartado, echaremos un vistazo a las transiciones.
52. Transiciones para EDM: Por lo que esta sección es todo sobre transiciones. Ahora bien, las transiciones en EDM son muy, muy importantes. Su función es sacarnos de una sección y luego transitarnos a la siguiente sección. Y es muy importante que no interrumpas el flujo general de la pista. Tus Transiciones necesitan sonar naturales y suaves. Por lo que vamos a tener rápidamente una escucha a esta pista de EDM, que es una especie de fusión entre country y house. Y como se está tocando la pista, destacaré las diferentes secciones donde hay transiciones ocurriendo, ok, para que puedas escuchar a cada una y entender su papel en la pista. De acuerdo, así que juguemos por la pista ahora. Y destacaré todas las transiciones que necesitas escuchar. No No nos
dio una buena idea, especialmente valores de datos que son más pequeños. Sí. Entonces ahora que conocemos el papel de las transiciones jugando EDM, pasemos a la primera conferencia en esta sección donde veremos la transición más fácil que puedes hacer.
53. La transición más fácil: Entonces echemos un vistazo a la transición más fácil que puedes hacer. Ahora por esta pista aquí que tengo, que es una pista técnica, quiero transitar de este tipo de secciones aquí donde todo esto está pasando. Y quiero hacer la transición a esta sección donde hay más cosas pasando. Por lo que ya he puesto en dos puntos de nota que quiero especie
de sacar al oyente fuera de la pista por un segundo antes de dejar caer el backend. Pero sigo sintiendo que necesita algo más para especie de transición nosotros a este apartado. Sólo tomemos una escucha a esta parte del arreglo tal como está. Y luego aplicaremos una transición realmente simple pero efectiva que puedes usar. Entonces escuchemos cómo suena ahora. Entonces no estoy seguro si te diste cuenta, pero alrededor de esta sección de la pista suena muy robótico ya que está transitando hacia la nueva sección. Entonces lo que tenemos que hacer es añadir una transición. Y la transición más fácil que puedes hacer es sacar algo,
vale, antes de que algo nuevo entre. Entonces si escuchamos cómo suena esto Ahora, acabo de sacar el bombo de patada y esta especie de capa de tambor de patada. De acuerdo, Escuchemos cómo suena ahora que acabo de sacar estos dos elementos aquí. Para el primero, por dos barreras justo antes de que empiece la nueva sección. Tengamos una escucha. Ahora puedes sacar más si quieres, o puedes sacar menos dependiendo del sonido de tu track, voy a ver cómo suena si saco más elementos. Y ahora vamos a ver como suena si sacara menos elementos. Entonces, sumémosle estas dos patadas de nuevo. Y tal vez sólo quitemos esta muestra de sombrero. De acuerdo, vamos a ver cómo suena ahora, cuando hemos quitado sólo un elemento pequeño. Por lo que esta es la transición más fácil que jamás se puede hacer. Es tan simple como sacar algo antes de que llegue algo nuevo. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a usar campos de tambor como transición.
54. Rellenos de batería como Transiciones: Usemos un dron. No nos transitan de esta sección a esta sección. Por lo que los rellenos de tambor de ancho, puedes hacerlos tú mismo o puedes usar una muestra de relleno de tambor. Entonces primero, voy a entrar en mis paquetes de muestra aquí, y voy a entrar en la carpeta de rellenos de tambor. Ahora, he organizado todos los rellenos de tambor en una carpeta que tal vez tengas que encontrar todos estos por separado en tus respaldos de muestra. Solo hagamos una escucha a cómo suena un relleno de tambor. Entonces si arrastro este particular tambor fill en el que su tambor llena 25, si arrastro esto a mi pista y lo coloco aquí, puede ver que esta es una transición bastante larga y está pasando por dos barras. Ahora, como todas las muestras que arrastramos, debemos asegurarnos de que se ajuste a nuestro tempo. Por lo que voy a dar clic en esta forma de onda pequeña y seleccionar Ajustar al tempo. Y el software ha estimado que este relleno de tambor está en 128. Ahora el pack de muestras no me dice lo contrario, así que voy a tener que ir con esta estimación. Vamos a hacer clic en él ahora. Y como pueden ver, este relleno de tambor ahora se ha chasqueado exactamente a dos barras de longitud. De acuerdo, escuchemos cómo suena en el contexto de nuestra pista techno. Cuando estás usando un relleno de tambor, también
puedes combinarlo con la transición más fácil que miramos en la última conferencia, que es sacar un elemento antes de que entre un nuevo elemento. Por lo que volvamos a quitar algunos de estos 6x. Entonces solo voy a quitar el tipo de segunda mitad de las patadas del filtro de tambor de la segunda mitad aquí. Voy a quitar esos y ya veremos cómo suena ahora. Ahora, si quieres, también puedes hacer tus propios rellenos de tambor. Entonces si bajamos a nuestro paquete de muestras de tambor, y aquí en tambores, y solo agreguemos muy, muy rápidamente una muestra de caja. Entonces tal vez éste, éste lo haga. Vamos a arrastrar eso y vamos a tratar rápidamente de construir nuestros propios rellenos de tambor. Entonces solo voy a copiar esto al otro lado y tal vez colocé uno aquí. A lo mejor aquí, así. Ahora, pasarás mucho más tiempo haciendo un relleno de tambor. Generalmente debes usar más de una muestra aquí, solo más que este tambor de una caja. Pero sólo les estoy mostrando con el propósito de la demostración que también podemos hacer nuestros propios rellenos de tambor. De acuerdo, entonces vamos a escuchar cómo suena este relleno de tambor que
hicimos en el contexto del arreglo. Cuando estoy haciendo música, prefiero usar las muestras de relleno de tambor que
ya te estaba mostrando porque ya están hechas para mí y creo que ya suenan bastante bien. Pero depende de ti si quieres usar
un relleno de tambor prehecho o un relleno de tambor que hagas tú mismo. A continuación, vamos a echar un vistazo a usar un grito vocal como transición.
55. Grites vocal: En esta conferencia, vamos a usar un grito vocal como transición. Entonces un grito vocal es cuando usas una frase vocal, un bucle vocal, o una muestra vocal como un descanso o relleno. Como un descanso, o llenar como un descanso o un relleno. En EDM, los gritos vocales se usan con mayor frecuencia justo antes de la caída. Echemos un vistazo a usar un grito vocal en este track technol en el que hemos estado trabajando. Entonces lo que podemos hacer es entrar en nuestro pack vocal y podemos usar tal vez una frase vocal. Simplemente escogeré una de este pack de frases vocales. Y vamos a la audición Algunos de ellos dieron en Dan's Sandy no pueden dejar que la base clave. Deja que la clave base. De acuerdo, quizá usemos esta frases vocales 36. Ok. Entonces lo que voy a hacer es que voy a arrastrar esto a la lista de reproducción justo aquí. No lo voy a colocar justo antes de que empiece la nueva sección. Y de nuevo, como cada muestra que arrastramos, debemos asegurarnos de que encaje atraiga el tempo. Entonces voy a seleccionar Fit tempo. Y voy a usar la estimación aquí porque el paquete de muestras no me dice otra cosa. Vamos a escuchar cómo suena este grito vocal Ahora como transición. También podemos combinarlo con la transición más fácil que miramos. Y podemos quitar algunos de los elementos aquí. Entonces voy a quitar la patada y tal vez el bajo. Y tendremos una escucha a cómo suena este grito de enfoque ahora con los elementos eliminados como transición. Entonces así es como puedes usar un grito vocal como transición. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a las transiciones instrumentales.
56. Transiciones Instrumental: Echemos un vistazo al uso de transiciones instrumentales. Entonces tengo este tipo de sección
instrumental en la pista técnica que hemos estado mirando, donde entra la melodía de plomo. También introduzco algunos nuevos elementos de tambor aquí abajo. Entonces, solo hagamos una escucha a esta pequeña sección. mejor, quizá un bar antes de que llegue la melodía principal. Y luego solo entra un bar después de esa melodía de plomo. De acuerdo, así que vamos a tener una escucha a lo que suena sin transición. Entonces como pueden ver, ya tengo este punto de nota aquí para
sacar al público de la pista por un minuto antes de dejar caer el backend. Pero también siento que necesitamos hacer algo para introducir esta nueva melodía de plomo. Entonces lo que podemos hacer es hacer una transición instrumental. Entonces si entramos en el patrón de la melodía y solo echamos un vistazo a las notas de melodía aquí. De acuerdo, así que ahí arriba en el tipo de seis doctor, y tocan un F. Vamos a tener una escucha rápida. Está bien. Ahora lo que voy a hacer es duplicar este patrón haciendo clic derecho en esto y luego seleccionando clon. Entonces ahora esto ha pasado de melodía a, a Melody tree. Y lo que voy a hacer es que voy a venir aquí y
en realidad voy a borrar todas las notas de melodía. Entonces edita, borra. Y luego vamos a crear lo que se llama una Anna Crucis o una optimista. Entonces cuando Anna Cruises es algo así como cuando
comienza una melodía antes de la sección que está tocando. Y así por ejemplo, si sólo tomamos un bar aquí y creamos una Anna Crucis a las nueve, o el primer nodo de la melodía es F. Así que voy a colocar una nota larga en C, ¿de acuerdo? Porque C es el quinto de f, y sonará bien cuando C tipo de pasos hasta F. Vale, así que volvamos a la lista de reproducción ahora y colocaremos este tipo de Anna Crucis justo antes de la melodía. Y alguna vez escucharemos cómo suena esto Ahora. Por lo que este patrón va a introducir la nueva melodía de plomo, y también va a ayudar a transitarnos de la sección sin melodía, a esta sección con una melodía. Ahora eso fue sólo un poco tranquilo porque tengo que arrastrar esta automatización guardada atrás porque el filtro de corte para el instrumento principal en realidad está cerrado hasta que haya clip de automatización realmente arranca. Entonces sólo voy a arrastrarlo hacia atrás para que el filtro de corte se abra antes. Por lo que en realidad podemos escuchar esto, esta pequeña nota optimista. ¿ De acuerdo? Volvamos a tener una escucha. De acuerdo, y puedes hacer esta nota, puedes hacer esta pequeña Anna Crucis. Puedes hacerlo más corto. Entonces intentemos tal vez medio bar, así que sólo dos beats. Hagamos una escucha a cómo suena esto. Y de nuevo, si lo combinamos con la primera transición que miramos, que es la transición más fácil. Y sacamos algunos elementos. Podríamos sacar estos acordes. Y a lo mejor vamos a sacar este tipo de, mejor vamos a sacar, ya sabes, sacamos todos los instrumentos. Ok, entonces saquemos todos estos aparezcan. Vamos a escuchar cómo suena la transición instrumental ahora sin algunos de los otros instrumentos de la pista. Ahora puedes hacer que esta Anna cruceros tan desarrollados como quieras. Ahora, puedo agregar más notas si quiero. Entonces digamos que tal vez caminamos
hasta la nada de f. Así que tal vez vayamos de E y sostenemos esto. Entonces vamos a tal vez, digamos que esta ahora es nuestra Anna Crucis. Hagamos una escucha a cómo suena esto con una especie más desarrollada nuestra necrosis. Entonces todo lo que necesitas es algún tipo de instrumentos que nos va a presentar a la siguiente sección de la pista. De acuerdo, en la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a usar el silencio como transición.
57. Silencio como transición: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a usar el silencio como transición. A veces dejar tus transiciones totalmente silenciosas puede funcionar realmente para tu pista. Y lo que haces es en este caso, dejas que el sonido de las secciones anteriores escurra antes
de que llegue la siguiente sección. Entonces si volvemos a echar un vistazo a esta pista técnica, tengo aquí una sección de acumulación, vale, que transiciones a una sección de gota. Pero sé que quiero usar algún tipo de transición que nos lleve de la acumulación a la caída. Entonces, sólo tengamos una escucha del arreglo tal y como está en este momento. De acuerdo, entonces vamos a añadir un poco de silencio como transición. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a acercar y vamos a echar un vistazo a la barra justo antes de que comience la sección de caída. Y sólo voy a eliminar esencialmente todo,
todo tipo de elementos que hay en este comprador. Por lo que acabo de causar este bucle vocoder y la mitad. Voy a eliminar todos estos elementos de lazo. Voy a eliminar todos estos elementos de tambor aquí arriba. Voy a borrar esto. Y voy a mover esto hacia atrás, y voy a mover esto hacia atrás. Y ahora no tenemos elementos de audio en esta barra completa antes de la caída. De acuerdo, entonces escuchemos cómo suena esto. Esta especie de transición de silencio. De acuerdo, entonces me gusta mucho el sonido de este silencio como transición. Pero sigo sintiendo que quiero hacer más de un impacto cuando realmente llega la droga. Entonces lo que podemos hacer, en realidad
podemos extender este silencio por r, Y lo extenderemos a dos barras. Entonces lo que voy a hacer es que voy a subir aquí a mi herramienta de afeitar y voy a causar todo al inicio de esta gota. De acuerdo, así que sólo voy a dibujar todo el camino aquí abajo. Y también voy a cortar este clip de automatización. Y entonces vamos a subir aquí. Vamos a alejar de la derecha la salida completa. Y solo voy a resaltar todo detrás de este primer comprador de la sección drop. Entonces ahora lo que hemos hecho es que hemos dividido la pista por la mitad. Y hemos resaltado todo a la derecha de la caída. Y simplemente voy a arrastrar todo a la derecha por un comprador. Y eso se agrega en otro comprador del silencio aquí. De acuerdo, así que volvamos a la acumulación y tendremos una escucha a lo que estos,
estos dos bares de silencio suenan como ahora. ¿ De acuerdo? Entonces así es como puedes usar el silencio en tus pistas para crear una especie de transición. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a usar el gran hit.
58. El gran golpe: Entonces echemos un vistazo a usar los grandes éxitos como transición. De acuerdo, entonces estamos de vuelta en esta sección de acumulación de nuestra pista técnica y no tenemos transición para traernos de la acumulación a la caída. Tomemos una escucha rápida para recordarnos cómo suena esto. Cuál es la transición de gran éxito,
es donde se utiliza un gran aplauso de reverberación o una traba o algún tipo de sonido de efecto. Y pones eso justo frente a la sección caída, el género. La casa de habitación grande en realidad hizo esto durante años con algo llamado la traba inversa. Y en realidad tengo una carpeta de trabas inversas aquí a lo largo de las llamadas caídas trabas. Y suenan así. Entonces lo que puedes hacer con este tipo de trabas inversas de caída es que puedes arrastrarlas a
tu arreglo y colocarlas justo antes de que te caigan en contra. De acuerdo, de nuevo, vamos a tener que ajustarlo al tempo porque se está extendiendo más allá de este ritmo. Así que encaja al tempo. Y ahora que se ajusta al tempo de nuestra pista, podemos tener una escucha a lo que suena en el arreglo. Ahora podría estirar este sonido sólo para hacerlo un poco más corto. Entonces en lugar de tenerlo en dos beats y lo vas a estirar para solo tenerlo en uno. Y apaga otra vez mi herramienta de estiramiento. Y nosotros nivelamos no es lo que suena. Si combinamos esto con la primera transición que aprendimos, que es quitar algunos de los elementos antes de que entre otro elemento. Podemos sacar algunos de los elementos que están tocando al mismo tiempo que esta traba, tal vez también este instrumento. Y tal vez esto, de acuerdo. Y dejaremos el final del resto y veremos cómo suena esto. Por este sonido de gran éxito. También puedes usar otro tipo de sonidos como un aplauso tal vez vamos a tener una escucha a un aplauso que nos vendría bien. Ahora para esto, quieres una especie de aplauso particularmente ruidoso y en tu cara. A lo mejor este, estos son un poco demasiado cortos y rápidos. Queremos una gran aplauso fuerte. Entonces usemos este. Y lo colocaremos ahí dentro así. Es decir, he escuchado a lo que suena. Ok, así que suena un poco deformado. Y la razón de esto es porque se ha estirado. Y si alguna vez te encuentras con este tipo de sonido en tus proyectos de FL Studio, solo abre esta ventana de muestra y ves este parámetro de tiempo que estábamos mirando antes. Si solo haces clic en esto y lo tiras hacia abajo, porque lo que pasa es que se ha estirado. Entonces si lo bajamos todo lo que podamos y lo traerá de vuelta a su tamaño normal. Volvamos a tener una escucha. También puedes duplicar esto y tal vez en lugar de tener un gran hit, podemos tener dos grandes hits uno tras otro. A ver cómo suena esto. O puedes hacer cualquier tipo de ritmo que te guste. A lo mejor podríamos compensar un poco esto para que suene un poco como sincopado. Escuchemos esto. usar la transición de gran éxito de cualquier forma que quieras. En la siguiente conferencia, veremos usar sonidos de efecto como transiciones.
59. Efectos como transiciones: Entonces echemos un vistazo a usar sonidos de efecto como transición. Tan interesante, los efectos de sonido que se utilizan como transiciones realmente pueden hacer que tu track Shine. Por ejemplo, si tienes un gancho vocal en tu tema y es cantar sobre tal vez, no
sé, llamar a una chica por teléfono. Está bien. Y tu efecto de sonido de transición, era el sonido de un teléfono sonando o era el sonido del teléfono siendo diodo o algo así. Eso realmente puede agregar algo de sabor interesante a tu arreglo. Por lo que de nuevo, estamos viendo este tipo de sección de buildup donde transita hacia la sección drop. Y de nuevo, estamos buscando agregar algún tipo de transición para traernos de sección a sección. Entonces voy a entrar en mis packs de muestras y voy a bajar a donde guardo mis sonidos de efecto aquí abajo y efectos. Y sólo tendremos una escucha de algunos de estos efectos que
podemos lanzar como transición. De acuerdo, así que vamos a entrar tal vez en esta carpeta que acaba de llamarse Fx. Y tendremos una escucha a algunos de estos. Ahora creo que este efecto en particular podría sonar fresco como una transición. Entonces, arrastrémoslo y lo colocaremos como tal vez un bar antes del incendio,
antes de que empiece la sección de caída. Y sólo tendré este bucle de vocoder. En realidad primero, sólo escucharemos cómo suena con todo lo agregado. De acuerdo, así que vamos a ver cómo suena este efecto aquí
como una transición para llevarnos a la gota. Vamos a ver cómo suena. Ahora creo que viene un poco temprano, así que podría moverlo aquí al último ritmo del bar antes de que empiece la sección de drop. Veamos cómo suena esto. Ahora, sigo pensando que el sonido, el tipo de punto principal del sonido está en realidad aquí. Pero nuestro bar empieza aquí. Entonces voy a apagar la grilla y voy a arrastrarla hacia adelante hasta que creo que el sonido principal es algo emparejado con r bar. Y creo que eso lo hará. Entonces, volvamos a tener una escucha. Cuando hemos emparejado el sonido principal de esta muestra con nuestro último b al comprador. Y si hacemos equipo este sonido en particular, si hacemos equipo con el equipo con la transición que estábamos mirando antes, donde quitamos elementos. Entonces tal vez tenemos este bucle y sacamos algunos tambores de caja. Nosotros sacamos estos. Y entonces tal vez sólo saquemos eso. Y lo dejamos en eso. De acuerdo, vamos a ver cómo suena esto. Ok. Y también podemos usar otros tipos de efectos de sonido como tal vez usamos esta carpeta de alarma. Hagamos una escucha de alguien. Ok. Usemos esto am efectos alarma edad como transición. Y es bastante largo. Entonces voy a hacer tal vez una transición de dos barras. Y sólo voy a encajar esto a nuestro tempo. Se utilizó la estimación. Y luego voy a estirar para que sea mucho más corto y lo voy a estirar para que sea mucho más corto y encaja en dos barras. Es que tendrías que mover esto. Tendríamos que moverlo de nuevo para que en realidad esté empezando en el bar. Apagamos eso. Hagamos una escucha a cómo suena esta clase de efecto de sonido de alarma como una transición. Y si hacemos equipo es, de nuevo con la primera conferencia estábamos mirando donde sacamos algunos elementos. Sacaremos algunos de estos elementos que están tocando
al mismo tiempo y tendremos una escucha de cómo suena esto. Entonces así es como puedes usar sonidos de efectos como transición en tus pistas. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a unir todas estas transiciones para hacer una transición de sonido mucho más profesional.
60. La transición de la combinación: Por lo que en esta conferencia vamos a echar un vistazo a usar una transición combinada. Por lo que el más profesional de las transiciones utilizará una combinación de todas estas clases de mini transiciones que hemos estado viendo hasta ahora. A lo mejor tienes un efecto estratificado con unos gritos vocales, en capas con un gran hit. O tal vez tengas una transición instrumental combinada con una transición silenciosa. Y también la transición más fácil que estábamos viendo antes. En este ejemplo en particular, volvemos a pasar de la acumulación a la gota, vale, y la transición que he usado ha combinado un relleno de batería, sonido de
gran éxito, una especie de grito vocal. Y también la transición más fácil que estábamos viendo antes, porque también he quitado algunos de los elementos. Hagamos una escucha a cómo suena esta transición más profesional. Entonces, cuando estés usando transiciones en tu pista, intenta una especie de combinar todas las transiciones que hemos estado viendo y crear una transición de sonido más completa y más interesante. En la siguiente sección, vamos a echar un vistazo a usar elementos de relleno y extras.
61. Uso de relleno y extra: Echemos un vistazo ahora a usar relleno y extras en EDM. Por lo que los elementos de relleno son cualquier elemento que se utilice para llenar espacio
vacío sin distraer de la idea de pista principal. Un ejemplo podría ser el sonido del viento en el fondo como su principal lugar de instrumento. Los elementos de relleno son importantes ya que evita que tu pista suene demasiado vacío. Extras entonces son una especie de elementos cortos o puntuales que agregas encima de la idea principal para acceder a diferentes partes de la pista. Podría ser tal vez como melodía de síntesis que toca por encima de la melodía principal, o tal vez unos efectos de sonido cortos que pueden tomar el control por unos segundos, como una sirena policial. Por lo que frente a nosotros, tengo este arreglo para una pista de casa rusa. Y he resaltado todo el relleno y elementos extra que estoy usando a lo largo de la pista. Entonces lo que vamos a hacer es tener una escucha, tal vez escuchar, vale, que es alrededor de un minuto y medio, solo para que podamos tener una sensación de este relleno de tono gota, este extra de synth que estamos usando, este efecto de sonido extra y este lazo externo siendo utilizado como relleno. Entonces vamos a tener una escucha ahora y después saltaremos directamente a la primera conferencia, que es usar bucles externos como relleno y extras. ¿ De acuerdo? Está bien. De acuerdo, saltemos a la primera conferencia.
62. Bucles externos como relleno y extra,: Por lo que en esta conferencia vamos a echar un vistazo a usar bucles externos como relleno y extras. Entonces lo que podemos hacer es arrastrar en un bucle externo para sumar a nuestra pista. Y entonces podemos hacerlo realmente,
realmente tranquilo para que tipo de juego detrás de los otros elementos y llene algún espacio vacío. Entonces solo voy a jugar este arreglo corto que se me ocurrió. Y realmente no sé qué tipo de género va a ser todavía. Pero sé que quiero agregar algún tipo de elemento de relleno a tal vez aquí en la pista. Ok, entonces vamos a tener una escucha a lo que suena hasta ahora. Y luego entraremos en los packs de muestra y arrastraremos en algunos bucles externos. ninguna Deningunamanera. De acuerdo, así que vamos a entrar en nuestros respaldos de muestra y encontraremos algunos bucles externos para usar en esta sección de la pista. Entonces el primer tipo de bucle externo que podría probar es un bucles de percusión. Entonces voy a entrar a donde guardo aquí algunos de mis bucles de percusión. Y sólo probaremos estos bucles de percusión miscelánea. Veamos cómo suenan algunas de estas. De acuerdo, entonces creo que me gustó el sonido de éste de aquí. Entonces lo que vamos a hacer es arrastrar esto a la lista de reproducción y lugares a la sección que queremos, el elemento de filtro. Y voy a acercar y asegurarme de que este clip se ajuste a nuestro tempo. Entonces vamos a tener una escucha a lo que suena Ahora. Simplemente lo pegaré para que se reproduzca en toda la sección. De acuerdo, así que no creo que suene demasiado mal, pero lo que vamos a hacer es que lo vamos a agregar a la pista del mezclador. Y luego lo vamos a bajar. ¿ De acuerdo? Porque se trata de un elementos de relleno. Esto solo se usa para llenar espacio. No queremos que sea distrayente y no queremos que el público se concentre necesariamente en ello, de acuerdo, así que queremos mantenerlo callado y tendremos una escucha a lo que
suena ahora que está llenando el espacio vacío. A lo mejor que sea un poco más fuerte. De acuerdo, así sonaría así si usáramos un bucle de percusión externo como elemento de relleno. También podemos usar diferentes tipos de bucles. Ok, así que tal vez bajemos y probaremos un bucle vocal de vocoder. De acuerdo, entonces voy a entrar a Vocoder. No, en realidad, así que voy a entrar a bucles vocales y voy a hacer clic en bucles de vocoder. Y probaremos cómo suena alguien. Y luego arrastraremos uno y lo usaremos como elemento de relleno. Ok, usemos este bucle vocoder, que es 27. Y arrastraremos esto. Y lo primero que haremos es asegurarnos de que se ajuste a nuestro tempo. Entonces ahora se ajusta a nuestro tempo, así que voy a pegar este bucle vocoder a través de toda la sección. Voy a añadirlo a la pista del mezclador. Y ahora tengo que asegurarme de que el bucle Vocoder esté en la clave correcta. Entonces voy a abrir a Edison, que está por aquí. Y voy a abrir la ventanilla de muestra. Y arrastraremos en el bucle vocoder, lograremos que Edison detecte las regiones de pitch. Y podemos ver que está en C. Y si entro en mi pista aquí, puedo ver que mi pista está en la clave de B. Así que voy a transponer este bucle hacia abajo en $0.100 para traerlo de C hacia abajo a B. Y ahora está en la clave de nuestra pista. Entonces lo que podemos hacer es bajarlo para que no esté distrayendo al oyente. Y tendríamos una escucha a cómo suena este bucle vocoder como relleno. A lo mejor subirlo un poco. Y si quisieras, podrías continuar este pequeño bucle Vocoder hacia
fuera en el tipo de sección de acumulación. Sólo por el bien de la consistencia. Escuchemos cómo suena esto. Ahora bien, si sacamos este elemento de relleno notaremos lo vacía que suena la sección sin nosotros. Ahora lo pensé de nuevo. Entonces así es como puedes usar algunos bucles externos para llenar el espacio vacío en diferentes secciones de tu arreglo. A continuación, vamos a echar un vistazo a los lanzadores caídos y soltar.
63. Texo y de bajón: Por lo que en esta conferencia, echaremos un vistazo a los lanzadores y el tono de gota. El yeso caído es este sonido enorme que tipo de bofetadas te da en la cara. Siempre que empiece la gota. Pueden sonar muy bien en tech house y pistas técnicas. Los lanzadores caídos fueron popularizados recientemente por Fisher con su holgura de pista. Por otro lado, el tono caído es como una sola nota de pétalo que coloca por encima de la idea principal de la pista. Casi siempre es muy alto en tono, y suele ser un sonido de cuerda, pero también puede ser un sonido de pad. Hagamos una escucha tanto a la gota bluster como al tono de gota en acción. Ahora,
bajaremos aún más. Entonces si entramos en el caído el año pasado por un segundo y echamos un vistazo a lo que está pasando. Podemos ver que hay una nota que está tocando el nodo raíz principal de la pista. Y otra nota que está tocando el tercer tipo de nota menor de la pista. Ahora, puedes agregar más notas si quieres. Entonces podría agregar una nota aquí arriba en F y tal vez una nota aquí arriba en un afilado otra vez. Y ya veremos cómo suena esto. Ahora si agregamos eso a nuestra gota, sonará así. Pero también puedes sacar algunas de estas notas y despojarlas de nuevo a su especie de elementos desnudos, que serían la nada raíz, de acuerdo, y podemos dejarlo solo con este nodo aquí. Entonces veamos cómo suena esto en la trampa. Cuando estás eligiendo el sonido del maestro de gotitas, tienes que asegurarte de que sea un sonido duro,
vale, así que eso significa que es ruidoso. Y en tu cara, el preset que he elegido aquí realzado es bastante ruidoso y en tu cara. Pero si elegimos un, pero si elegimos un sonido más sutil como tal vez sólo arrancar sonido. Y tenemos un escuchar esto. ¿De acuerdo? Este sonido es un poco más suave. Entonces si escuchamos cómo es el sonido suave en la gota, sonará así. Por lo que en realidad se siente como un poco de anticlímax. Por lo que debes asegurarte de que el sonido que estás eligiendo para
tu, tu, tu yeso gota sea fuerte y en tu cara. Y podemos elegir, vamos a tener una escucha de otro tipo de sonido de plomo y ver qué, a ver cómo suena eso. De acuerdo, entonces esto es bastante ruidoso en, en tu cara. Por lo que podríamos usar este sonido también, y también sonaría bien en la gota. Por otro lado, tenemos este tono de gota, ¿de acuerdo? Y el tono de gota es básicamente lo opuesto completo al yeso de gota. Con el tono de gota, quieres escoger un sonido suave como este. Y es por eso que los sonidos de cuerdas son geniales para el tono de
gota porque las cuerdas son suaves y expresivas. El tono caído también será muy alto en tono porque si fuera una especie de abajo en tono, distraería de los principales elementos de la pista. Y sonaría más confuso si tuviéramos una especie de tono bajo caído sobre el sonido. Por lo que tienes que asegurarte de que el tono de caída que estás usando esté en un tono alto. Mentes aquí arriba en un ocho afilado, que es un tono realmente alto. También puedes usar un sonido sintetizador para tu tono de gota. Entonces si entro aquí y escogí tal vez, tal vez este suave sonido de Júpiter y ya veremos cómo suena esto. Simplemente lo subiré y tendremos una escucha a cómo suena esto, la gota. Ahora tal vez eso es un poco demasiado alto. Tal vez te guste el sonido de eso y eso está bien, pero solo voy a lanzar la mía hacia abajo la música de una octava, pero suena así. Pero si tuviéramos que usar un sonido ese es un poco más en tu cara. Al igual que digamos que usamos este bluster de gota, la correa duró tu instrumento, y tratamos de usar esto como tono de gota. De acuerdo, entonces lo que voy a hacer es que voy a un lanzamiento hasta tal vez un seis. De acuerdo, así que es agudo y estirarlo para que tenga la misma longitud que el tono de gota. Pero si tenemos un escuchar esto y esta explosión o instrumento ahora como caído, sonará así. Está bien, y esto suena fuera de lugar. Es una especie de distracción de la línea de base principal aquí abajo. Entonces, solo deshacemos todo eso y volvemos a poner todo a la normalidad, justo donde tenemos el caído. Y tomaremos una última lección a la acumulación y a la gota con el yeso y lo atrapado. Está bien. Lo que hacemos en la próxima conferencia, veremos usar un patrón de sintetizador como relleno.
64. Sintete, como relleno de relleno y extra: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a Saint filler y enviamos extras. Por lo que un centavo extra sería una especie adicional de elemento
enviado que juega encima de la idea principal. Por lo que podría ser una especie de puñaladas RootNode o tal vez alternando notas o algo así. Lo cual es muy, muy sencillo. Pero un juega encima de la idea principal. Desde relleno que sería un elemento que especie de juega detrás de la idea principal. Por lo que este podría ser tal vez un patrón arpegiado en el fondo, o podría ser como el tono de gota, excepto que lo usamos en una sección diferente. Entonces vamos a tener una escucha a este ejemplo de un centavo extra que estoy usando en esta pista techno. Después aprenderemos a convertir estos centavos extra en un relleno de centavo. Entonces vamos a escuchar ahora. Deja como mira al club. Entonces si hacemos clic en el patrón extra del centavo, podemos ver que si hago zoom aquí arriba, podemos ver que en realidad es un compuesto de
un patrón mucho más pequeño que se ha pegado a través de cada latido de la barra. Entonces si solo solo, este patrón tendrá que escuchar. De acuerdo, ahora podríamos cambiar las notas si quisiéramos. Podríamos cambiar tal vez esta nota hasta una F afilada y tal vez ésta todo el camino hasta la B. inferior Y solo haremos lo mismo aquí en la segunda mitad del patrón. Y sonaría así. ¿De acuerdo? Y si escuchamos cómo suena esto en el patrón, sonaría así. O podríamos cambiar este patrón por completo y sólo vamos a eliminarlo. Y tal vez podríamos agregar en un b y tal vez solo hacer algunas notas alternas. Entonces tal vez de B hasta el alto B y volver a bajar de nuevo así. Y luego copiaremos esto a través de todo el patrón. Entonces como esto y lo que sea, escucha. De acuerdo, en realidad, suena como algo de Mario. Pero si alguna vez escuchamos cómo suena en la gota, sonaría así. Entonces puedes ver un poco la idea que vamos a buscar. De acuerdo, entonces es un patrón muy, muy corto. El árbol de sintaxis tiene unos patrones muy, muy cortos, por lo que generalmente será de solo un pulmón latido. Por lo tanto, haz tu patrón en este solo beat. Y luego sea cual sea tu patrón, tal vez lo sea, agreguemos este asunto. A lo mejor este es tu patrón, ok. Hazlo en un solo golpe y luego solo cópialo a través de todo el patrón. Entonces tal vez a través del patrón de una barra como este. Y luego vas a añadir ese patrón a tu sección de gota, ¿de acuerdo? Y este patrón sonaría así. Entonces la idea con este sonido extra de synth es que sea un poco corto y repetitivo en toda la sección. Ahora si volviéramos a convertir este extra de synth en un relleno de synth, todo lo que haríamos es que seleccionaríamos en la pista del mezclador y simplemente lo bajamos. Entonces es algo sutil. Entonces es menos, es menos obvio. Entonces es una especie de relleno en el espacio vacío. Lo apagó un poco. Por lo que este sonido ácido, este sigue siendo el principal, este sigue siendo el foco principal. ¿ De acuerdo? Y cuando estamos usando este relleno enviado, esto es simplemente llenando este tipo de espacio vacío que queda atrás por este patrón. Ok? Pero si lo subimos, se convertirá en un extra de síntesis. Porque ahora en realidad está sentado por encima de esta idea principal. Ahora, podríamos convertir esto en una especie de sonido arpegiado. Y podríamos usar esto como relleno de síntesis. Entonces vamos a crear un arpegio rápido para B menor, que podría ser así. Y solo copiaremos esto a través de todo el patrón. Pero como puedes ver de nuevo, este patrón
completo de una barra es solo repeticiones del patrón que está en este, BCE. Entonces, vamos a tener una escucha a lo que eso suena por sí mismo. Podríamos cambiar el instrumento sólo un poco más claro. Entonces tal vez, tal vez este y reemplázalo aquí. Y lo que haremos es bajarlo para que sea algo sutil en la mezcla. Y solo está llenando espacio vacío. Eso es quizá bajarlo un poco más. Y sólo voy a apagar este efecto de curva de tono que tenía en él porque en realidad está haciendo que suene fuera de tono. Entonces escuchemos cómo suena ahora. Y de nuevo, para convertir esto en un centavo extra, Acabaríamos de subir este slider para que esté sentado por encima del tipo principal de idea de plomo. Está bien. Por lo que realmente depende de lo que intentes hacer. ¿ Estás tratando de llenar el espacio vacío que queda atrás por tu idea principal? O estás tratando de agregar a tu idea principal al tener este tipo de adicional enviado ahí. ¿ De acuerdo? Y esa es básicamente la diferencia entre un relleno de synth, que llena espacio y un centavo extra, que es como un sonido adicional. Además, no hay ningún tipo de directriz sobre qué tipo de instrumento
debes elegir como tu relleno de aroma o tu centavo extra. Pero sí tienes que asegurarte, como hacemos con todos los demás elementos de que encaje en el sonido de tu track. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a usar efectos para relleno y extras.
65. Efectos como relleno y extra: En esta conferencia, vamos a hablar de usar efectos de sonido como relleno y extras. Entonces tengo un ejemplo de una pista aquí donde especie de viene de la intro este
desglose de ocho BR. Y luego hay una gota. De acuerdo, pero el patrón que está en el desglose deja mucho espacio vacío. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a sumar algunos efectos para llenar el espacio vacío. Hagamos una escucha a cómo suena la pista ahora, sin ninguno de estos efectos añadidos. De acuerdo, entonces podemos sumar diferentes tipos de efectos. Podemos agregar en una especie de sonido ambiental como una película para especie de ambientar la escena de la pista son reconocidos en otro tipo de efectos para especie de contar una historia como sirenas policiales. Soy una bomba Alarma de advertencia, tal vez un teléfono sonando o un reloj de tic-tac. Voy a agregar en algún ambiente de ubicación y ver qué hace eso al sonido general de la pista. Entonces voy a entrar donde guardo mi ambiente de ubicación, que está aquí bajo ambient. Y voy a desplazarme hacia abajo a las diferentes ubicaciones que podemos usar ahora podemos usar podríamos usar un desnudo tal vez, o podríamos usar una calle grande de la ciudad. Vamos a intentarlo, veamos cómo suena esta gran ciudad calles. Ok, intentemos tal vez sitio de construcción. Está bien. Me gusta el sonido de obra. Arrastremos esto y veamos cómo
suena cuando es un poco estratificado con la sección de desglose. Entonces sólo voy a moverlo a un punto que parece bastante ocupado, tal vez aquí. Y no quiero estirar ya que voy a apagar el estiramiento y sólo lo
voy a cortar para que sólo esté llenando la sección de desglose, que es D zeitgebers. Por lo que sólo extenderé este pasado allá. Y usaré la navaja para tal vez cortarla al final de este patrón de acorde. Ok, vamos a alejarnos. Ahora porque estamos usando este efecto como sonido de relleno, voy a entrar a la pista del mezclador y sólo voy a
bajarlo un poco para que no esté dominando las canchas. Ok. Entonces vamos a tener una escucha a cómo suena este efecto. En el apartado de desglose. Ahora veamos cómo suena si lo cambiamos a uno de estos bucles de muchedumbre de compradores, tal vez. Escojamos este bucle número tres. Y lo que haré es que he, he, obviamente he cortado la forma de onda. Es camino por aquí. Entonces solo me desplazaré de nuevo a él y lo colocaremos en el primer tipo de beat. Voy a apagar mi snap a rejilla para poder moverlo manualmente. Y otra vez con el otro extremo aquí, sólo
voy a hacer tal vez un bucle fuera de ella. Entonces, oops, Mansi, Curtis, Tal vez aquí en este bar. Y vamos a hacer un bucle fuera de ella. Por lo que lo recorreremos toda la sección de desglose así. ¿ De acuerdo? Y voy a tirar de esto hacia atrás para que sea un poco hasta con las canchas. Vamos a escuchar cómo suena este fondo cuando se está reproduciendo el patrón. Ok, podría simplemente bajarlo muy rápido. Entonces como puedes ver, usar sonidos de ambiente como este tipo de establece la escena para la pista. Entonces si tienes la intención de contar una especie de historia a lo largo de tu pista, puedes usar estos sonidos ambientales para especie de establecer la escena. De acuerdo, así que ahora echemos un vistazo a usar un tipo diferente de efecto, que es algo así como un efecto de sonido foley. Entonces tal vez usaríamos un reloj de tic-tac o una especie de alarmas de advertencia de bomba. Lo que voy a hacer es que voy a entrar a mi tipo de carpeta de efectos aquí. Y probemos uno de estos efectos de alarma. De acuerdo, entonces creo que podría haber una bomba Sonido de alarma de advertencia aquí. Entonces éste servirá, usemos esto y
reemplazamos este sonido de barra por este efecto de sonido de alarma. Ahora porque este efecto de alarma en realidad le tiene un ritmo. Es tipo de tiene cuatro barras. Necesitamos esto para sincronizar con el tempo de nuestras pistas. Entonces solo voy a hacer clic derecho y seleccionar Ajustar al tempo. Veamos qué tipo de diferencias hace. Oh, es solo solo eso. De acuerdo, y ahora escuchémoslo. En el contexto del desglose. Podríamos hacerlo un poco más silencioso solo porque está destinado a ser un elemento de relleno y está un poco destinado a ser sutil y de fondo. Vamos a escuchar otra vez. Probemos uno de estos otros efectos de alarma. A lo mejor. Y ahí vamos. Ahí está el sonido de advertencia de bomba. De acuerdo, así que agreguemos ese sonido de advertencia de bomba a nuestra pista. Entonces sólo voy a hacerlo. Revelar el resto de la forma de onda. Y donde quiera que escuché cómo suena esto cuando es una especie de llenar espacio junto a este patrón de acordes. Y usar este tipo de Sonido de Alarma es en realidad
muy, muy común en EDM. Vamos a ver muy rápido si podemos encontrar el sonido de un reloj tic-tac, creo que podría haber uno en esto afecta bucles, pero no estoy seguro. No puedo encontrar un rápido, sólo voy a seguir adelante. Bueno, quiero decir, podríamos usar estos bucles de efectos como relleno de todos modos. Entonces, arrastremos este sonido y veamos cómo suena
esto si estamos usando esto como relleno. Ahora también necesitamos asegurarnos de que se ajuste a nuestro tempo porque tiene un ritmo a él. Y aquí dice 127 BPMN. Entonces lo voy a escribir en uno a siete. Y entonces lo que haremos es que le cortaré la cola a esto y luego podremos darle un bucle a lo largo de toda la avería. Entonces veamos cómo suena esto. Simplemente lo subiré para que podamos escuchar un poco mejor. Y tal vez probemos uno más de estos bucles de efectos. Usemos este. Arrastra eso, y veamos cómo suena esto en el contexto del desglose. Por lo que como puedes ver, puedes usar varios tipos diferentes de efectos para especie de llenar el espacio vacío en cualquiera de tus secciones. Ahora, de nuevo, al igual que el filtro de sintetizador, si tuviéramos que usar este efecto como extra, lo que haríamos es que lo subiríamos para que esté como sentado encima
de las cartas principales como esta. Entonces realmente depende de cómo quieras usar un ¿
Quieres usarlo como una especie de relleno sutil? ¿ O quieres usarlo como una especie de extra de Louder? Por lo que a continuación vamos a echar un vistazo al oleaje de reverberación. Y esta es la última conferencia antes de iniciar la primera asignación son el primer tipo de proyecto. Entonces sigamos adelante y saltemos a eso ahora.
66. El hinchado de reverb: Entonces en esta conferencia vamos a echar un vistazo
al oleaje de reverberación y cómo podemos usarlo en nuestras pistas. Por lo que el hinchamiento de reverberación es una técnica extremadamente común que se utiliza en las acumulación o para la transición de una sección a otra. Y lo que pasa es que la pista suena como si poco a poco se va cada vez más lejos antes de saltar de repente y como que te da una bofetada en la cara con la siguiente sección. Antes de repentinamente saltar hacia atrás y especie de darle una bofetada en la cara con la siguiente sección. Entonces vamos a tener una escucha a este ejemplo de una acumulación y luego una pequeña porción de la gota. Ahora no tengo aplicado el oleaje de reverberación, pero aprendemos a hacerlo después. Hagamos una escucha ahora. De acuerdo, así que empecemos a aplicar también la reverberación. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a subir a la pista del mezclador. Y vamos a venir al canal maestro. Y lo que vamos a hacer es añadir una reverberación, un plugin de reverberación. Entonces, solo agreguemos la reverberación afrutada estándar también. Y tendremos una escucha a lo que suena esto Ahora en los canales maestros. Por lo que el canal maestro es el canal por el que pasan todas estas diferentes pistas. Entonces todo, cada elemento de tu pista está pasando por el canal maestro. Tengamos una escucha. Y si subimos el nivel húmedo, vale, entonces lo que podemos hacer es cargar un preset aquí, tal vez,
tal vez este gran preset de hall, y veremos a qué suena esto. Eso suena bien. Entonces ahora vamos a entrar en la ventana de la lista de reproducción y
vamos a resaltar el área donde queremos
crear el clip de automatización porque vamos a automatizar este nivel húmedo seco. Entonces voy a hacer clic derecho y voy a seleccionar Crear automatización. Y luego voy a arrastrar este punto de anclaje hacia abajo hacia la izquierda para que la reverberación esté apagada y se encienda lentamente a medida que avanza la caída. A continuación, voy a añadir otro punto de anclaje haciendo clic derecho. Y voy a poner esto hasta la cima. Y estoy dibujando este punto de anclaje en línea con donde comienza la transición. Y luego, y luego voy a volver a subir al clip de automatización y voy a arrastrar el punto de anclaje derecho todo el camino hacia abajo para que se apague para cuando esta caída se estadísticas. Está bien. Entonces lo que sucederá es que la pista se hinchará con este efecto de reverberación. Y luego en este tipo de transición silenciosa que tenemos, el efecto de reverberación se bajará y luego estará en la sección de caída. De acuerdo, así que salgamos de esto y tendremos una escucha a cómo suena esto. Ahora puedes ajustar la forma del clip de automatización para que sea un poco más agresivo. Eso es tal vez hacer que la pendiente sea un poco más pronunciada. Y veamos cómo suena esto. Y para que este sonido sea aún más profesional, lo que vamos a hacer es volver al canal maestro y vamos a deshacernos de todo el extremo bajo a medida que este efecto de reverberación se hincha. De acuerdo, Entonces abriremos un plug-in de ecualizador por encima de este plug-in de reverberación. Vamos a utilizar el ecualizador paramétrico afrutado estándar a. Y se abrirá así. Y lo que vamos a hacer es que vamos a hacer clic derecho esta primera banda y vamos a decir tipo. Y queremos un pase alto. Y lo que esto hace es que deja pasar todas las altas frecuencias. Pero como puedes ver, corta estas bajas frecuencias. Por lo que vamos a automatizar el nivel de frecuencia para que este plugin recorte cada vez más altas frecuencias a medida que se juega un oleaje de reverberación. De acuerdo, así que pongamos esto de vuelta a un lugar normal, tal vez sólo 60 hercios. Y lo que haremos es, haremos clic derecho en este parámetro de frecuencia. Y en realidad, lo siento, primero hay que destacar el área en la que
queremos la punta de automatización debido a especie de caída. Y haremos clic con el botón derecho en este parámetro de frecuencia y diremos crear clip de automatización. Ahora no te preocupes por ninguno de los parámetros en el ecualizador aún porque estaríamos viendo ecualizadores y mucho más detalle a la hora de mezclar. Por ahora, solo tienes que saber que tienes que automatizar el parámetro de frecuencia. ¿ De acuerdo? Entonces vamos a cerrar esto. Y lo que haremos es agarrar el punto de anclaje a la derecha. Y whoops, lo siento. Lo sacaremos para que las frecuencias bajas estén siendo captadas ya que el sonido de reverberación se hincha. Y entonces lo que haremos es que nos aseguremos de que todas las frecuencias bajas estén permitidas volver a encenderse para cuando empiece esta sección de caída. ¿ De acuerdo? Y tal vez sólo volvamos un poco a este punto de anclaje para que
no estemos cortando todas las frecuencias bajas. Nosotros sólo queremos cortar tal vez algunos de ellos. De acuerdo, escuchemos cómo suena esto ahora. Entonces creo que este efecto en realidad está empezando un poco demasiado pronto. Entonces voy a pasar esto a donde está en línea con el final de los acordes. Y también creo que es un poco demasiado. Entonces lo voy a bajar y tal vez ajustemos la pendiente para que no sea tan agresiva y escuchemos cómo suena ahora. Por lo que este proceso es como seguirías aplicando un oleaje de reverberación a tus pistas.
67. Introducción al arreglo: Por lo que estamos casi listos para empezar a arreglar la pista completa de EDM por nosotros mismos. Solo hay unos cuantos consejos y lineamientos más que quiero darles en esta sección. Y entonces podemos pasar a la etapa de mezcla de este curso de Producción de EDM. Simplemente vamos a pasar por estas diapositivas muy rápido antes de que empecemos esta sección de Consejos de arreglo. De acuerdo, bueno, ahora que conoces todos los elementos que componen una pista EDM, puedes usarlos para crear tu propio arreglo. Puedes usar algunos de los patrones que ya has creado, o puedes empezar desde cero y construir una pista completamente nueva. En realidad no voy a arreglar una pista para ti en este curso. Y la razón de esto es porque todos lo hacen de manera diferente. En realidad puede ser un proceso bastante desestructurado. Ya sabes, podrías construir tu patrón de tambor en bits y piezas, o incluso podrías terminar cambiando cada uno de los instrumentos a mitad de camino. Pero todo esto está bien si nos atenemos a la teoría que hemos aprendido hasta ahora será capaz de producir un arreglo profesional. Entonces como dije, cada uno tiene su propio proceso de arreglos y si lo hiciera frente a ustedes, mi proceso sería completamente diferente a su proceso. Por lo que en realidad no aprenderías nada más que cómo arreglo una pista. Entonces por este hecho, he proporcionado una lista de chequeo para que lo utilices al final de esta sección. Y en esa lista de comprobación, encontrarás todos los consejos y las pautas que te he dado
hasta ahora sobre la creación de un arreglo de sonido profesional. Ahí hay un proyecto al final de este curso donde
tendrás que proporcionar un track completo de EDM para que yo escuche. Así que asegúrate de descargar esta lista de comprobación y hacer que tu pista sea la mejor que pueda ser.
68. Elementos de conducción: Entonces el primer tipo de consejo de arreglo que vamos a ver es conducir elementos. Y esta es probablemente la regla de arreglo más importante. Entonces en todas las formas de producción musical, siempre debe
haber una cosa en foco para el oyente, ¿de acuerdo? Necesitan algo para escuchar. De lo contrario, sus cerebros intentarán enfocarse en demasiado a la
vez y toda la experiencia se vuelve placentera. Y podemos asegurarnos de que esto no suceda si usamos elementos de conducción. Imagina que tu pista es como un jefe, ¿de acuerdo? Y la gente en este autobús son los elementos que están en tu pista? Bueno, solo puede haber un chofer de autobús, vale, solo
hay una persona que en realidad maneja al jefe que realmente controla hacia dónde va el autobús. Y es exactamente lo mismo en la música. No se puede tener más de un conductor en cualquier momento. Ahora por supuesto, en este autobús, ese conductor puede bajar y otro conductor puede subir. Y ese conductor puede bajarse y el mismo conductor de antes puede volver a encenderse. Y lo mismo puede pasar en la música. Se puede tener un elemento de conducción que está jugando a través de la avería, y luego un nuevo elemento de conducción que juega a través de la caída. Y luego puedes reintroducir ese elemento de conducción anterior desde el primer desglose. Entonces, en la práctica, es como si tienes un tipo de instrumento ocupado en el que quieres que la gente se centre, entonces debes mantener todos los demás elementos simples. Al igual que la línea base debe ser simple y tus elementos principales deben ser simples. O si tienes una línea de base ocupada, entonces debes mantener los instrumentos simples. ¿De acuerdo? A lo mejor estás usando un gancho vocal. Bueno, en ese caso, deberías usar instrumentos simples y una línea de base simple. Entonces hay más que probables sonidos un poco confusos, pero creo que tendrá más sentido que juegue a través de estos ejemplos para ti. De acuerdo, entonces, entonces este primer ejemplo aquí es de una pista impulsada por percusión. Ok, entonces este patrón de ceniza, este es el elemento principal de la pista. Entonces este es el elemento principal en el que quiero que mis oyentes se centren en esta pista. Y debido a que este es el elemento principal, mi línea de base es increíblemente simple. De acuerdo, son sólo dos notas. Entonces vamos a tener una escucha a cómo suena esta pista impulsada por percusión. Ahora echemos un vistazo a esta pista impulsada por línea de base. Entonces en esta pista en particular, lo principal en lo que quiero que los oyentes se centren es esta línea de base, ¿de acuerdo? Entonces lo voy a solista para ti. ¿ De acuerdo? Pero lo que notarás es la precaución de antes
realmente lo he sacado porque si hubiera dejado eso dentro, entonces realmente habría a conducir elementos al mismo tiempo y sonaría muy confuso. Hagamos una escucha a cómo suena la pista impulsada por la línea base. Ahora si en realidad fuera a añadir estos cencerros, tomaremos una escucha a cómo sonaría ahora con estos dos elementos de conducción tratando de luchar entre sí por el espacio, ¿de acuerdo? Por lo que ambos están tratando de luchar por su atención. Y notarás que estás flotando entre tipo de prestar atención a ambos y toda la experiencia de tratar de hacer eso no es muy placentera para el oyente. Entonces escuchemos cómo suena ahora con estos dos elementos de conducción. Entonces estoy seguro de que puedes notar que el sonido general es muy confuso y que estás tratando de concentrarte en tu flotación entre uno y luego estás escuchando a otro y luego vas a volver a éste en el volver a éste y estás tratando de concentrarte en ambos al mismo tiempo. Entonces no hacemos esto. Escogemos un elemento principal en el que queremos que el oyente se centre y desarrollamos la pista alrededor de eso. De acuerdo, en este caso tenemos una pista impulsada por instrumentos. Entonces el instrumento es éste. Ok, es solo un sencillo patrón de piano. Y debido a que el instrumento está conduciendo la pista, mi línea de base es muy simple. Y de hecho, la línea base es copiar el ritmo exacto del piano. Entonces si tomamos una escucha a cómo suena esta pista impulsada por instrumento completo, y ver qué pasa si saco este tipo de línea base
simple y agrego en esta línea de base más complicada que tenía en mi pista impulsada por línea base. Y sólo tendremos una escucha a cómo
suena la línea base cuando se trata de luchar por el espacio con el piano. Entonces, de nuevo, probablemente notarás que es muy difícil simplemente concentrarse en un elemento. Y esto evitará que el oyente se involucre plenamente con su pista. Así que por favor asegúrate en tus pistas que estás pensando en estos elementos de conducción y sólo te dan el oyente ganado mantener para una especie de agarrar su mano y llevarlos por la pista.
69. El lineal de Intensidad: De acuerdo, vamos a hablar del gráfico de líneas de intensidad para la producción musical. ¿ Recuerdas esto desde todo el camino de vuelta en la conferencia sobre estructura EDM? Bueno, vamos a averiguar qué es ahora. También este concepto de línea de intensidad no sólo se aplica a EDM, en realidad
se aplica a todos los géneros de la música. Por lo que es una herramienta útil que todos los productores deben tener bajo su cinturón. Intensidad versus tiempo, ¿de acuerdo? Es así como se configura esta gráfica. ¿ Cómo sube y baja la energía de tu pista a medida que avanza a través del arreglo? Entonces esto se basa en un sentimiento como ¿cómo se siente tu track en realidad? Y lo que notarás es que la intro suele ser intensidad de construcción. El desglose luego baja la intensidad muy baja y comienza a construir una copia de seguridad de nuevo. Y luego la acumulación empuja la intensidad cada vez mayor hasta que las encías de gota, que es la sección más intensa de una pista EDM. Y también notarás que en el segundo desglose, la intensidad rara vez cae tan baja como el primer desglose. Y esto se debe a que los niveles de intensidad, no
deberían estar saltando por todo el lugar. Entonces si de repente pasas de la sección más intensa, que es la caída, a la sección de menor intensidad, que es la ruptura, entonces toda tu pista simplemente morirá en ese mismo momento. Tienes que pensar en los oyentes que están en la pista de baile. Están saltando arriba y abajo. Se lo están pasando muy bien durante la caída. Y luego cuando se trata de la segunda avería, no
quieren dejar de moverse y tienen que sentarse hasta la siguiente caída. Por lo que el segundo desglose suele tener mayor intensidad que el primer desglose. Y este es un concepto teórico, por lo que no hay fórmula para hacerlo bien cada vez. Solo tienes que escuchar críticamente y realmente tratar de sentir la energía de tu track. Debe elevarse y caer moderadamente, no drásticamente. En la parte inferior derecha de esta diapositiva, se
puede ver un gráfico de líneas de intensidad para las galaxias Martin rastrean animales. Y también he incluido un video donde acabo de tocar a través la pista y revelar cómo se ve esta línea de intensidad como se coloca. Por lo que puedes encontrar eso en la siguiente conferencia si estás confundido en cuanto a cómo dibujar un gráfico de líneas de intensidad para tu pista. Es sólo una herramienta muy sencilla que podemos utilizar para asegurarnos de que la energía de nuestra pista fluya bien y que el contorno de la línea no salte de, ya
sabes, de extremo a extremo. Por lo que espero que entiendas cómo funciona este concepto de línea de intensidad. Y realmente me gustaría que fueras a escuchar tal vez uno o dos temas y simplemente dibujara la línea de intensidad para cada uno. Ahora puedes hacer esto en tu propio tiempo. No necesito ver las gráficas terminadas, pero si dibujas una línea de intensidad para muchas pistas diferentes, empezarás a notar algo sobre ellas. Y lo que notarás es que todos se ven muy similares como en la forma de la gráfica y cómo la intensidad sube y baja en atraer será muy similar. Si vas y haces esto por ti mismo, aprenderás cómo debería ser idealmente una línea de intensidad de pistas. Y luego puedes usar esto para tus propias pistas para asegurarte de que tu línea de intensidad se vea igual. Y eso es todo lo que hay a ello. Es solo un gráfico simple donde trazar la intensidad o la energía de una pista versus el tiempo. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a algunas cosas que puedes usar para generar una nueva idea de track.
70. Formar la idea principal: Echemos un vistazo ahora a algunas cosas que podemos usar para generar una nueva idea de track. Es posible que ya tengas una idea en la cabeza que quieres desarrollar. O puedes usar algunos de los bucles y patrones que hemos hecho hasta ahora en este curso. Pero si te resulta difícil idear una idea de pista, estos consejos podrían ayudarte a arrancar la parte creativa de tu cerebro. Entonces el primer consejo aquí son los superhombres. Y este sitio web es increíble. Podrás encontrar millones de bucles libres y muestras gratuitas que puedes usar en tus pistas. Y todos estos bucles y muestras están completamente libres de derechos de autor y de regalías debido a una cláusula que en realidad está en la página de Términos de Uso de Looper mins. Por lo que realmente es un recurso brillante para usar en tus proyectos, ya sea para generar ideas o simplemente para algunos bucles externos adicionales. Ahora voy a decir muy rápido que hay una página acapella donde puedes descargar voces, pero estas no son libres de derechos de autor, ok, así que tendrás que contactar a
la persona que subió las voces si deseas usarlas en tus huellas. Aparte de eso, realmente es un recurso fantástico para nosotros los productores de música. A continuación tenemos esto, que en realidad es escuchar para atraer y usarlo para ideas. Entonces esto es básicamente lo mismo que usar una pista de referencia. Para que encuentres una pista que te guste, y copias la estructura y las ideas en la pista. Y de nuevo, no quiere decir que se copia exactamente la pista. Pero por ejemplo, si escuchas la pista y a mitad de la intro, entra
un elemento de piano, entonces puedes usar esto e introducir un elemento de piano a mitad de tu intro también. Pero el patrón que usas en tu pista debe ser diferente. Por lo que solo estás tomando la cáscara de la otra pista y luego llenándola con tu propia música original. Por último, tenemos este consejo, que es usar plug-ins, vale, así que hay muchos, muchos plug-ins por ahí que realmente te pueden ayudar a generar una nueva idea. Uno de ellos es generador rave, que se puede ver una imagen en la parte superior izquierda. Y otro ejemplo es este paquete arcade completo por salida. Ahora estos en particular son increíbles y al instante pueden darle a tus pistas un sonido profesional con solo tocar un botón. Por lo que definitivamente busca invertir en algunos de estos plug-ins arcade. Ahora esto fue sólo una conferencia realmente, realmente rápida. Si estás atascado por ideas. Y espero que puedas llevar algunos de estos consejos a
bordo y empezar a generar una nueva pista. En la siguiente conferencia, vamos a echar un vistazo
al último consejo de este tipo de sección de arreglos, que es por dónde empezar al organizar una pista completa de EDM.
71. Dónde empezar: Esta conferencia es otra de diapositivas muy rápida, y solo quiero ayudarte a averiguar por dónde empezar con tu pista si estás atascado. Algunos productores, empiezan con la introducción o luego otros día, empiezan por hacer los tambores. Pero si eres como yo y comienzas por formar la idea principal de la pista, entonces hay un lugar al que debes empezar. Y este es el desglose. Entonces no empieces con la intro, empieza con el desglose y te explicaré por qué. Por lo que la idea principal de tu pista va a ser el principal tipo de elemento de conducción. Y el principal elemento de conducción casi siempre se introduce plenamente en la avería. Por lo que es realmente, realmente fácil hacer un flujo de pista. Bueno, si comienzas con el desglose y luego construyes la pista a partir de ahí, en realidad
deberías hacer la intro Última, vale, porque la intro está diseñada para presagiar o especie de indicio en la idea principal de tu pista. Pero si en realidad aún no tienes pista importante, ¿cómo puedes insinuar lo que va a haber en ella? Y este aspecto insinuante es muy importante porque como dije antes, permite
que el público reconozca de inmediato tu tema en cuanto se toca. Entonces definitivamente, ya sabes, si no tomas nada más de esta conferencia, toma esto y eso es hacer la intro Last. Pero eso dice, ahora sabes todo lo que
necesitas para empezar a arreglar una pista de EDM profesional. En la siguiente sección, vamos a echar un vistazo a lo que debemos hacer cuando se termine
el arreglo y estamos listos para empezar a mezclar.
72. Preparación para Mixte: Por lo que esta sección sólo tiene una conferencia y todo se trata de prepararse para mixtos on. Entonces, cuando hayas llegado al final de tu arreglo, ya sabes, cuando hayas terminado y piensas que estás listo para empezar a mezclar, hay algunas cosas más que debemos hacer para que el proceso de mezcla sea mucho más fácil. Entonces lo primero que vamos a hacer es crear un nuevo save as, ok, y la razón por la que hacemos esto es porque cualquiera de los cambios que
hacemos en caso de que no nos guste la mezcla final con la que hemos salido. Siempre podemos volver al archivo original y volver a empezar fácilmente desde cero. Entonces voy a subir aquí al archivo y voy a golpear Save As sólo vamos a renombrar esto. Ahora esta pista en particular se llama Goos a por el momento, así que voy a renombrarlo como Goos para mezclar uno, ¿de acuerdo? Y voy a pegarle a Save. Y ahora este proyecto en particular está completamente separado del otro tipo de proyecto original. Lo siguiente que tenemos que hacer es asegurarnos de que todo en este arreglo esté viniendo en la pista del mezclador. Entonces lo que voy a hacer es que voy a tocar este instrumento. Y puedo ver que está viniendo por aquí en el Canal nueve. Voy a tocar el siguiente instrumento. Y puedo ver que eso está viniendo por aquí en este canal seis. Podemos revisar las voces a las que van por buen camino. Podemos comprobar esto, está desrastreado 21. Entonces lo que harás es revisar todo en tu arreglo y te aseguras de que todos están
viniendo en la pista del mezclador y que todos están asignados a diferentes canales
de mezclador. Entonces, como puedes ver, todo está pasando. Están en diferentes tipos de canales mezcladores indiferentes. ¿ De acuerdo? Entonces lo siguiente que vamos a hacer es asegurarnos todos los efectos innecesarios estén apagados en los plugins de instrumentos. Entonces sé si pinchamos en este sonido en particular aquí, ¿de acuerdo? Y si lo jugamos, hay un efecto de retardo en este plugin en particular. Si volvemos a escuchar, cuando me detengo es el sonido sigue yendo y eso es retraso. Y eso suena genial para el arreglo. Ese tipo de ayuda al flujo de trabajo porque tienes una idea de cómo podría sonar la versión final. Pero para mezclar, necesitamos apagar todos estos efectos innecesarios. De acuerdo, entonces si entro en el plug-in aquí y entro en los efectos ambos que ya está abierto. Podemos ver que el plug-in de retardo está encendido. ¿ De acuerdo? Entonces lo que voy a hacer es que voy a apagar eso. Y también voy a venir aquí al ecualizador. Y voy a apagar esto. Porque cuando estamos mezclando en EDM, queremos estar trabajando con este tipo de sonido purista, el sonido cuando está en su máximo crudo. ¿ De acuerdo? Ahora también está activo este plug-in de distorsión, está bien. Y si lo apago, suena así. Y lo volveré a encender. en realidad no creo que esto esté haciendo mucha diferencia al sonido. Entonces sólo voy a dejar eso apagado porque no
quiero que interfiera con nada de lo que estamos haciendo después. Por lo que he apagado todos los efectos en este preset en particular, y estamos listos para pasar al siguiente instrumento y apagar todos los efectos sobre eso también. Está bien. Entonces, por ejemplo, si solo tomamos este primero, este primer patrón, suena así. De acuerdo, lo que vamos a hacer es que vamos a entrar en el plugin y vamos a bajar a la sección de Efectos. Y como puedes ver por esta luz, los efectos están encendidos, ¿de acuerdo? Y hay efectos en uno,
en el canal uno y en el canal dos. Y no hay nada en el canal tres. Entonces, hay una reverberación y no deseada, hay un retraso, y whoops. Y lo que vamos a hacer es que sólo vamos a
bajar la mezcla de uno y vamos a
bajar la mezcla de dos que este tipo de efectos plug-in no están pasando en el sonido. De acuerdo, vamos a escuchar el sonido ahora. Está bien. Y si hubiera convertido estos refuerzos a una especie de donde estaban, sonaría así. Ok. Entonces quiero el tipo de, quiero el sonido más puro, el más crudo que pueda obtener. De acuerdo, entonces vas a pasar por todos tus instrumentos en tu arreglo y
solo vas a apagar todos los efectos innecesarios. Y lo que quiero decir con innecesario es a veces te encontrarás con un plug-in y quizá haya una distorsión activa o un fáser o algo así. Y para estos efectos particulares, se quiere mantener el sonido de ellos. Se quiere mantener el phasor y se quiere mantener la distorsión, se quiere mantener eso en su arreglo. ¿ De acuerdo? Entonces en ese caso, puedes dejar al hombre, pero cosas como retardo de reverberación, el ecualizador en un plug-in, la compresión en un plugin. Vamos a apagar todos esos porque estaremos haciendo nuestro propio retardo de reverberación, un EQ, y la compresión estará aplicando todos esos plug-ins nosotros mismos de todos modos, así que los apagamos en el instrumento. También vamos a asegurarnos de que no haya efectos en el canal maestro. Y tengo un efecto aquí, pero tengo un apagado. De acuerdo, así que solo si no tienes efecto cargado en el canal maestro, asegúrate de apagarlo pulsando estas luces o como sea que lo hagas en tu DAW. No queremos que ningún tipo de plug-in afecte el sonido que estamos escuchando cuando estamos tratando de mezclar. Por lo tanto, apaga cualquier plugins que hayas cargado en tu canal maestro. Y sé que cuando abres FL Studio por primera vez y revisas el canal maestro, realidad carga un limitador aquí en la ranura inferior por defecto. Entonces lo que debes hacer es si tienes ahí el limitador, estoy en el canal maestro. Apágalo, vale. Ahora si tienes canales de envío, vale, recuerda que estábamos echando un vistazo a los canales de arena y cómo hacerlos si tienes algunos efectos en tus canales de arena, como si estás usando reverberación o retraso o algo por aquí, simplemente apaga el plugin así. Entonces si tuviste un retraso en la ranura para, simplemente lo
apagaste así. Porque de nuevo, ese tipo de efectos van a interferir con el sonido general que estás escuchando. Y luego después, cuando terminemos de mezclar, todos estos elementos volverán y
solo volveremos a encender estos plug-ins de esta manera. Pero cuando estamos mezclando, definitivamente queremos que se apaguen los plugins de envío. Ahora esta parte es opcional, ¿de acuerdo? Y lo que puedes hacer es montar autobuses. Y un jefe es básicamente, si piensas en un jefe, lleva a mucha gente, mientras que la música de Boston lleva muchos instrumentos. Entonces lo que puedes hacer es cambiar el nombre de este canal, tal vez vamos a renombrar como jefe tambordeado, ¿de acuerdo? Y lo que harías es tomar tu trampa y la pasarías por el bus de tambor. Te llevas tu aplauso, lo
corres por el jefe del tambor, te llevas tu otra caja, cualesquiera que sean las capas. Pon todos tus tambores a través de este canal de bus, vale, y entonces lo que puedes hacer es mezclar todo este tipo de elementos por separado. Y luego puedes voltearlos todos arriba o abajo así con tan solo como un deslizador. Entonces en lugar de tener que subir la precaución por separado, luego subir la caja, luego subir el aplauso. Vienes aquí a este jefe de tambor y solo subes los tambores. Y entonces sólo puedes subir los instrumentos y subir las voces. A mí me gustaría dejar todos los míos separados porque soy un fenómeno del control y sólo tengo este pequeño grado extra de control. Pero si quieres armar el de Bose, también puedes hacerlo. Y una vez que tengas todas esas cosas hechas, estamos listos para empezar a mezclar, ¿de acuerdo? Estaremos aprendiendo todo sobre mezclar y todo sobre los diferentes plugins que puedes usar y especie de lo que hacen para dar forma al sonido de tu pista. Entonces si estás listo para empezar a mezclar saltará a la primera conferencia ahora.
73. Introducción a la mezcla: Por lo que estamos a punto de comenzar la etapa de mezcla de este curso. Mezclar es el proceso de equilibrar todo el audio individual de tu pista para que suene bien en cualquier sistema de reproducción. Cosas como tus auriculares,
auriculares , el altavoz del coche y el altavoz del teléfono. Mezclar es un tema enorme y podría formar su propio curso, probablemente aproximadamente de la misma longitud que éste. Entonces lo que he hecho es que te he dado todo
lo posible sin entrar en ningún detalle innecesario. No necesitas plug-ins de lujo para conseguir una buena mezcla. Todo sí viene con un montón de plugins geniales que puedes usar. Algunos de los cuales artistas famosos en realidad juran por. Incluso recostado a Luke le gusta usar los plugins de stock de FL Studio en sus mezclas. Entonces antes de saltar a la ecualización, solo
quiero mostrarles un ejemplo rápido de lo que suena
una pista mixta como vs y pista no mixta. Ok, entonces esto es una especie de solo para mostrarte la importancia de mezclar. Entonces así es como sonaría una pista si estuviera mezclada. Y luego tendremos una escucha a cómo suena ese tipo de segmentos
exactos si no hubiera sido mezclado. De acuerdo, vamos a escuchar. Y aquí está la versión sin mezclar. Y voy a realmente rápidamente tipo de AB los dos. Entonces como está jugando, saltaré entre ambas para que puedas escuchar lo diferente lado a lado. Entonces ahora que se puede ver la importancia de mezclar, pasemos a la sección de ecualización.
74. EQ para mezclar: En esta conferencia, aprenderemos sobre la ecualización para la mezcla. Esto también se conoce comúnmente como EQ. Entonces, ¿qué es EQ? Bueno, EQ es el proceso de dar forma a un sonido ya sea potenciando o cortando diferentes frecuencias. Se puede apuntar a una parte muy específica del sonido y luego ya sea eliminada o potenciadores. Por ejemplo, si eres un piano, suena genial, pero ¿crees que es un poco demasiado torpe o tal vez es demasiado pesado para la pista? Se puede utilizar EQ para eliminar las bajas frecuencias y dejar las altas frecuencias en su esencialmente la versión de audio de recortar una imagen. ¿ De acuerdo? Quieres recortar a tu novia, eres la siguiente publicación de Instagram o lo que sea. Al igual que queremos recortar las frecuencias base del sonido del piano. Ahora como este curso ha seguido, sigo mencionando la palabra frecuencia. Entonces, ¿qué es una frecuencia? Este es sólo un término científico que utilizamos para describir cuántas veces sucede algo por segundo. Y en este caso, es una medida de cuántas veces se repite una onda de sonido cada segundo. Ya ves para que cualquier cosa haga un sonido, tiene
que vibrar. Por lo que se puede pensar en la frecuencia como ser, cuántas veces por segundo tal vez los altavoces tienen que vibrar para producir un sonido en particular. Y debido a esto, la frecuencia en realidad está directamente relacionada con el pitch. Entonces si tienes un efecto ascendente en tu pista que está subiendo en tono como lugar, entonces este elevador también está subiendo en frecuencia. Tus altavoces tendrán que vibrar más rápido y más rápido para que suene como si el tono estuviera subiendo. Una especie de analogía fácil para esto sería pensar en una mosca, ¿de acuerdo? Una mosca pequeña tiene alas pequeñas, lo que debe mover esas alas
muchas, muchas veces por segundo para poder realmente volar. Y esto produce un sonido de tono alto. Pero una gran mosca que era alas grandes, puede mover sus alas menos veces por segundo, y esto producirá un tono más bajo. Ahora, la frecuencia se mide en hertz, y podemos usar estos duelos para apuntar a diferentes lanzamientos del sonido y ya sea eliminarlos o potenciarlos. Un humano sólo puede aquí entre 20 hercios y 20 mil hercios, o en otras palabras, 20 vibraciones por segundo, 20 mil vibraciones por segundo. Por lo que a menudo encontrarás que un plugin de EQ está limitado a dentro de este rango. No obstante, para otros animales, puede ser diferente. Ya sabes, los perros pueden oír hasta 30 mil hercios. Y las ballenas pueden en realidad aquí hasta 120 mil hercios, pero no estamos haciendo EDM para las ballenas. Entonces vamos a quedarnos con el rango de 20 a 20 mil. Entonces, ¿cuáles son algunos de los principales parámetros que puedes encontrar en tu plugin de EQ. Bueno, hay un parámetro de frecuencia, hay un parámetro de ganancia, y hay un parámetro Q, ¿ok? El parámetro de frecuencia le dice al ecualizador qué parte del sonido desea ajustar. Entonces si estableces la frecuencia alrededor de 100, esto sería una baja frecuencia. Y cualquier cambio que hagas solo afectará alrededor de esta parte del sonido. Pero si estableces la frecuencia alrededor de 15 mil, bueno, esto sería una frecuencia alta. Y cualquier cambio que hagas solo afectará alrededor de esta parte del sonido. El ajuste de la cola le dice al ecualizador lo preciso que desea ser. Entonces, ¿quieres afectar esta zona muy específica? ¿ O quieres ser menos preciso y simplemente impulsar esta área en general? Y Q estrecha afectará a un área específica, mientras que una cola más ancha afectará a un área más general. El parámetro de ganancia entonces le dice al EQ cuánto de un impulso o un tribunal aplicar. Entonces si estableces la ganancia Hola, hará
que la zona afectada sea mucho más fuerte que el resto. Y si pones la ganancia baja, hará
que la zona afectada sea mucho más silenciosa que el resto. Y cuando usamos estas tres herramientas juntas, realmente
podemos dar forma a un sonido y hacerlo encajar mejor en una pista. Hay algunos ajustes más que puedes hacer donde realmente
puedes cambiar la forma de la curva. ¿ De acuerdo? Por lo que hay cuatro tipos principales de curvas. Y estos son una curva de campana, un estante, un corte bajo y alto costo. Una curva de campana en realidad se verá como una campana y aquí es donde obtiene el nombre. También se puede llamar pico o muesca, la curva de estante entonces realmente nos veremos como una especie de colina plana. La baja corriente caerá completamente a la izquierda. Y esto también se puede llamar un pase alto. Y luego una corte alta caerá completamente a la derecha. Y esto también se puede llamar un paso bajo. Ahora si miras la imagen en esta diapositiva, puedes ver algunas de estas formas en acción. El forma de Locard está a la izquierda donde la línea se cae completamente. Si miramos ahora dónde está el número uno, ya sabes, donde la línea tipo de baja baja y luego retrocede de nuevo. Esta curva en particular se llama muesca
porque es una especie de cortar una muesca fuera del sonido. El curvo en el número tres, donde la línea tipo de sube y luego retrocede. Bueno, esto se llama pico o cinturón. Y finalmente la forma de curva en el número seis, donde la línea sube y luego se mantiene tipo de nivel. A esto se le llama estante. También se ve un poco como un estante en el que puedes poner cosas. Si quieres pensarlo de esa manera. Estaríamos volviendo sobre todos estos de nuevo en la próxima conferencia y en realidad usando un EQ. Entonces podría tener un poco más de sentido entonces. Pero por ahora, esta es toda la teoría que necesitamos conocer. Entonces, vamos a saltar a esa conferencia ahora.
75. Cómo usar EQ: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender a usar EQ cuando estamos mezclando. Entonces lo primero que quiero hacer es que deberías ecualizar todo de una sola vez, ¿de acuerdo? Ahora bien, esto no es un proceso necesario, pero es mucho más fácil recordar lo que le hiciste a otros instrumentos, ok, y lo que quiero decir con esto es, digamos que tenemos esto, este tipo de patrón aquí. ¿ De acuerdo? Y si aplico una especie de impulso de alta frecuencia a este elemento. Y luego cuando miro el otro tipo de instrumento que está estratificado con éste. De acuerdo, no quiero también aplicar el mismo tipo de impulso de alta frecuencia a este instrumento porque se supone que los dos de éstos se complementan bien,
así que si este instrumento tiene un impulso de alta frecuencia, entonces estoy más que probable va a quitar las mismas frecuencias de este instrumento. Entonces por esto, es mucho más fácil si hacemos todo el EQ de una sola vez. Entonces hacemos todo el EQ para este plug-in, y luego pasamos al siguiente. Y luego hacemos todo el EQ para éste, y luego hacemos todo el EQ para esto y todo el EQ para esto y somos el EQ para esto y así sucesivamente. De acuerdo, entonces volvamos a este tipo de patrón
principal en la pista nueve y alguna vez escucharemos a lo que suena de nuevo por sí solo. De acuerdo, entonces lo primero que voy a hacer es abrir un plugin de EQ. Y en realidad voy a usar el tipo de EQ predeterminado que viene con FL Studio para que puedas usar el mismo plug-in en tu pista. De acuerdo, entonces abriremos este plugin y se ve así. Ahora cada uno de estos números aquí, estos se llaman bandas de frecuencia. Y lo que esto simplemente significa es cuántas veces puedes afectar ciertas áreas, vale, entonces con este plugin, solo
tenemos siete. Por lo que sólo podemos hacer una especie de ajustes como este. Sólo podemos hacer esto siete veces. Algunos otros plug-ins te permiten dibujar en tus propias bandas y puedes agregar tantas como quieras. Algunos otros plugins tienen menos y algunos otros plugins tienen más. Simplemente depende del plug-in que estés usando. De acuerdo, así que voy a volver a poner esto en default, así que lo estamos viendo cuando volvió a estar plano. Entonces lo estamos viendo cuando es Flash. Y ahora sólo voy a explicar el proceso de aplicar realmente EQ. ¿ De acuerdo? Entonces para aplicar un EQ, agarras una de estas bandas, ¿de acuerdo? Y lo que vas a hacer es esta es tu ganancia, especie de tu parámetro de ganancia. Por lo que vas a impulsar la ganancia tan alta como sea. Y luego vas a hacer que la cola se estreche. Ok, entonces solo es una especie de efecto, por lo que solo está afectando a un área muy pequeña. Y luego como se está reproduciendo el sonido, vas a subir aquí al parámetro de frecuencia y lo
vas a mover ya sea hacia arriba o hacia abajo. ¿ De acuerdo? Entonces vas a ver que vas a empezar por abajo. Y vas a mover esto mientras se está reproduciendo el sonido. Y vas a encontrar cualquier frecuencia que no te guste, Vale, cualquier frecuencia que esté haciendo un sonido desagradable. De acuerdo, así que hagámoslo realmente rápido para este sonido. Ahora, se puede escuchar que esta frecuencia en particular, hay una, hay algún tipo de resonancia. Hay un poco de un, un hogar pasando si volvemos a escuchar. De acuerdo, y ahora lo que vamos a hacer es que vamos a reducir esto porque encontramos la frecuencia desagradable. Y ahora sólo lo vamos a sacar. No queremos esa frecuencia desagradable y el sonido final. Y vamos a hacer lo mismo con estas otras bandas de aquí. Entonces vamos a impulsar como todo el camino hacia arriba, hacer que la cola sea muy estrecha así. Y luego vamos a barrer y encontrar otra frecuencia desagradable. Ahora, he encontrado otra frecuencia desagradable que no me gusta. Entonces otra vez, voy a cortar esto. ¿ De acuerdo? Y vas a hacer esto con tal vez todas estas bandas o tal vez menos de estas bandas dependiendo de cuántas frecuencias desagradables tengas en tu sonido. Y no te empantanes demasiado con este Roni buscando el tipo
muy, muy específico de frecuencias desagradables. Entonces encuentra dónde están y luego córtalos del sonido. Una vez que hayas captado todas las frecuencias desagradables, entonces lo que hacemos es cargar un segundo plugin de EQ. Y utilizamos este segundo plugin para dar forma al sonido. De acuerdo, entonces el primero es hacer que todas las frecuencias desagradables se salgan. Y ahora usamos este para impulsar todas las bonitas partes del sonido. Entonces con estas bandas, en realidad, las
vas a impulsar, de acuerdo, misma manera que lo hicimos antes. Pero vas a dejar la cola permitida más amplia. De acuerdo, así que estábamos usando una Q estrecha con el último plugin. Bueno, con este, vamos a usar un Q OK mucho más amplio. Y voy a barrer por las frecuencias y voy
a encontrar una frecuencia que me guste. De acuerdo, me gusta un poco el sonido de esta frecuencia. Entonces voy a subir aquí al parámetro de ganancia y voy a bajarlo un poco. Entonces no es una especie de sobrecogedor. Pero ahora que hemos encontrado la frecuencia, voy a tocar el sonido y ajustar esto para encontrar el ajuste de ganancia donde suene mejor. De acuerdo, así que vamos a escuchar. Entonces creo que la configuración de ganancia suena bien aquí. También podemos usar este EQ para tipo de quitar partes del sonido que no nos gustan. De acuerdo, entonces si tomo este tercer parámetro e impulso este flujo ascendente. Y de nuevo, vamos a mantener la cola bastante amplia. Y voy a barrer y voy a encontrar una frecuencia que no me gusta. Ok, vamos a tener una escucha. Por lo que no me gusta esta parte particular del sonido. De acuerdo, entonces lo que voy a hacer es que voy a venir aquí. Y de nuevo, voy a bajarlo a plano. Y luego voy a escuchar y voy a cortar el sonido hasta encontrar un nivel agradable para el parámetro de ganancia o, hasta que encuentre un nivel agradable para el parámetro de ganancia. De acuerdo, vamos a escuchar. Entonces ahora si escuchamos este sonido sin el segundo EQ encendido, suena así. Y si lo volvemos a encender, y de nuevo lo apagamos. Entonces puedes ver que hay un segundo EQ en realidad está haciendo el sonido un poco más brillante y algo así en tu cara. Entonces lo que estamos haciendo es reutilizar el ecualizador superior para encontrar un tipo de lo específico y recortarlos. Y luego estamos usando el ecualizador inferior para encontrar al general. ¿ De acuerdo? Lo que harás es cuando tengas todo esto hecho, pasarás a otro instrumento. Entonces en este caso voy a usar la capa que juega al mismo tiempo. ¿ De acuerdo? Y haremos lo mismo, ok, así que cuando vengas aquí, tu primer ecualizador que cargues será para el general. Entonces otra vez, si tomamos esto y como
que, tendremos una cola estrecha y barremos por el sonido. Sólo voy a hacerlo de verdad, muy rápido aquí. Voy a hacer el cobit más grande. De acuerdo, no me gusta esta frecuencia. Hagámoslo con el número tres. El qx, oops, hacer la cola si es más estrecha. Lección de Mileva. De acuerdo, hay una frecuencia desagradable por aquí también. Entonces voy a cortar eso. Y volverás a hacer esto con todas las bandas. Y luego carga tu segundo EQ. Y de nuevo con este ecualizador, estamos tratando de dar forma al sonido, pero la única diferencia es que estamos tratando de darle forma para que encaje con este instrumento. De acuerdo, podríamos, así podríamos tener una escucha de este tema por sí solos. Y podríamos encontrar las agradables frecuencias. ¿ De acuerdo? Y podríamos, podríamos quizá, creo que suena bastante bien ahí, y podríamos terminar impulsando esto alrededor de 2 mil hercios. ¿ De acuerdo? Pero si revisamos el otro instrumento, podemos ver que esto también se impulsa cerca de 2 mil hercios. Se impulsa a 1.51000. ¿ De acuerdo? Y si tocamos a esos dos al mismo tiempo, van a sonar como si estuvieran peleando por el espacio. Entonces, lo que realmente deberíamos estar haciendo es que deberíamos escucharlos al mismo tiempo. ¿ De acuerdo? Entonces vamos a escuchar este instrumento mientras el que acabamos de e cubed está tocando para que podamos
asegurarnos de que este instrumento se ajuste muy bien con éste. Entonces vamos a escuchar y vamos a encontrar las frecuencias donde este instrumento, está chocando con el otro. Y luego vamos a encontrar las frecuencias donde este instrumento tipo de cumplidos a éste. ¿ De acuerdo? Entonces hagámoslo y escuchemos algunas de las frecuencias de choque. De acuerdo, entonces estas dos frecuencias ahora están luchando por el espacio. Entonces lo que voy a hacer es que en realidad voy a sacar esto de este instrumento, ¿de acuerdo? Y podría sonar terrible cuando se está tocando por su cuenta. Pero la cosa es a lo largo de esta pista, nunca juega por su cuenta. Se usa como capa. Por lo que tenemos que asegurarnos de que este instrumento esté complementando a éste. Ahora si tenemos una escucha a lo que suena, suena así. Y ahora encontremos una frecuencia que tal vez esté complementando al otro instrumental. De acuerdo, entonces vamos a tener una escucha ahora. Entonces tal vez por aquí, hay una especie de 450 hercios. Y por el bien de la demostración, sólo hagamos otra. A lo mejor intentemos encontrar una frecuencia más alta. Eso suena bien. De acuerdo, entonces ahora estos dos instrumentos, cuando toquen juntos, van a encajar como un rompecabezas. De acuerdo, así que vamos a tener una escucha a los dos tocando al mismo tiempo. Y luego apagaré este segundo ecualizador y podremos ver cómo suena. Esto es antes de EQ. Y si volvemos a encender, apagar, encender, apagar. Entonces estoy seguro de que se puede escuchar cuánta de una diferencia que realmente hace
EQ para ordenar la forma del sonido. Vamos a pasar ahora a la siguiente conferencia donde vamos a
establecer aún más nuestros conocimientos y aprendemos sobre las presencias sobre
76. La zona de presencia: En esta conferencia, vamos a aprender sobre la presencia en. Por lo que la zona de presencia se ubica entre alrededor de 1.5 mil hercios, todo el camino hasta cerca de 5 mil hercios. Está bien. Y a esto se le llama la presencia
encendida, porque es el área donde el oído humano es el más sensible al oído. Entonces si impulsas algo en esta zona, así que entre 1.5 mil o 5 mil, si impulsas algo aquí dentro, sonará mucho más claro y mucho más brillante. De acuerdo, así que sólo voy a restablecer esto. Y lo que haremos es tener una escucha a estas voces para restablecer esto. Alguna vez escucharíamos estas voces y potenciaremos la zona de presencia. Y veremos qué tipo de diferencia hace. Si no cuento eso, vuelve atrás. Entonces estoy seguro de que puedes notar que tu oído es bastante sensible a algunas de estas frecuencias. Ya sabes, mientras estábamos barriendo, algunas de las frecuencias sonaban bastante duras. Y esto se debe a que nuestros oídos son más sensibles a este tipo de rangos de frecuencias. Si yo fuera a impulsar una frecuencia aquí abajo, tal vez en 370, no sonará tan duro. Pero si subo aquí a la presencia en para que veas el beneficio de usar la presencia en, ¿de acuerdo? Y por lo general todo lo que impulses dentro de esta zona va a sonar bien. Y sólo te daré otro ejemplo aquí. Si tomamos este tipo de teclas distorsionadas y me meto en el patrón, sólo
voy a apagar el bucle y tenemos una escucha a cómo suenan. Por lo que deben estar apagados. Simplemente lo comprobaremos con el aire. Pista diez. Por lo que ahí en la pista diez. Entonces vamos a resolver este MOOC, como suenan. De acuerdo, ahora si cargo un plugin de EQ y luego
traté de aumentar la presencia en puede ser arcos aquí abajo. Y si apago eso, y luego vuelvo a encenderlo. De acuerdo, así se puede escuchar que suena instantáneamente mejor. Jefe. Está bien, y este es un arbusto enorme. Ese es el problema. ¿ De acuerdo? El problema es que todo suena bien cuando se impulsa aquí. Pero cuando estás mezclando, si potencias todo en este tipo de rango de frecuencias, entonces todo va a chocar entre sí. Y lo miramos brevemente en la conferencia anterior donde
impulsamos el tipo de mismas frecuencias en dos instrumentos diferentes. Si hacemos eso en nuestra mezcla, si impulsamos, ya sabes, todas estas diferentes pistas en la presencia en, todos
van a pelear. Entonces aquí está la regla número uno de usar la presencia en. En realidad solo debes impulsar los principales elementos de tu pista, ¿de acuerdo? Cosas como la vocal, tal vez un instrumento principal, y tal vez acordes, y eso es todo, ¿de acuerdo? Tienes que ser muy, muy cuidadoso cuando lo estás usando que todos
los elementos están en especie de chocar juntos y luchar por el espacio. Entonces si por ejemplo, entro en mi arreglo aquí y digamos que sólo lo levantaré. Digamos que impulso mi doble clic esta la voz. Entonces digamos que impulso mis voces en la zona presente. De acuerdo, bueno entonces eso significa con estos acordes aquí, no
voy a impulsar estos en la presencia encendida también. Está bien. Entonces vamos a averiguar dónde están estos, el mezclador y los encenderemos. De acuerdo, ahora si abro un EQ y puede tener una escucha a la zona presente de este instrumento en particular. Te darás cuenta de que otra vez, suena muy bien, pero si tocamos estas dos cosas al mismo tiempo, repente no suena tan bien. Entonces lo que hacemos es tomar esa presencia y la cortamos. De acuerdo, porque algo más que está jugando
al mismo tiempo está ocupando ese espacio. Entonces no queremos que este instrumento ocupe ese espacio, así que lo recortamos y luego encontramos tal vez una frecuencia diferente que funcione. A lo mejor no esa, tal vez algunas de estas frecuencias. Y se puede ver también haciendo eso, que las voces Se vuelven mucho más claras si escuchamos este instrumento sin el EQ encendido. Preste especial atención a las voces y lo claras que se ponen cuando volvemos a encender este EQ. Entonces estoy seguro de que te diste cuenta de que cuando volvemos al EQ de nuevo, las voces parecen ponerse más ruidosas y esto es porque creamos espacio para ellos. Por lo que usar la zona presente es una herramienta muy poderosa para tipo de llamar la atención sobre ciertos elementos de tu pista. Pero de verdad debes tener cuidado al usarlo demasiado, sobre todo cuando a una especie de elementos se están jugando al mismo tiempo. Simplemente escoge un elemento principal que suene mejor con la zona presente y luego quita la presencia en, de algunos de los otros elementos. En la próxima conferencia, aprenderemos a aplicar el EQ a los instrumentos.
77. EQ para instrumentos (parte 11): Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a EQ en busca de instrumentos. Por lo que tengo un par de instrumentos en este tipo de sección de acumulación. Si sólo tomamos una escucha, sólo silenciaré la voz. De acuerdo, volveré a encender estos canales. Entonces solo voy a empezar por arriba aquí con este patrón uno. De acuerdo, entonces este es este instrumento. ¿ De acuerdo? Y está en la pista nueve. Entonces si entramos
aquí al mezclador y podemos ver que ya está resaltado nueve sin seguimiento. Entonces voy a solo esto y voy a cargar el primer plugin de EQ. Y con éste, si te acuerdas, estamos buscando todas las frecuencias sonoras desagradables. Entonces lo que voy a hacer es que voy a dejar que se juegue el patrón. Y mientras se juega, voy a ajustar algunos de estos parámetros sólo para que podamos eliminar algunas de las frecuencias desagradables. Ok, entonces vamos a tener una escucha al patrón y voy a empezar a ajustar algunos de los parámetros de EQ. De acuerdo, entonces empezamos con dos aquí. Voy a impulsar la ganancia y voy a estrechar la decola. Y luego voy a barrer a través de una siempre escuchada todas las diferentes frecuencias. Ok, entonces hay una frecuencia desagradable aquí, creo que alrededor es que 211 hertz. Entonces lo que voy a hacer es bajar la ganancia así y cortar esa frecuencia. A continuación, vamos a volver a escuchar y lo probaremos con esta tercera banda. Entonces de nuevo, voy a impulsar la ganancia y una estrecha la q. bien, y empecemos desde esta posición porque
ya hemos barrido por estas frecuencias aquí. Entonces, vamos a tener una escucha. De acuerdo, así que claramente hay una resonancia, especie de frecuencia desagradable en algún lugar por aquí. Entonces voy a cortar esto. De acuerdo, y volveremos a hacer lo mismo con esta cuarta banda. Impulsar ganancia, estrechar la Q. Y otra vez, lo que sea, escuchar. De acuerdo, así que ya es como que lo dijo una zona desagradable, así que voy a sacar algo de eso. Y de nuevo, con la quinta banda, vamos a impulsar, estrechar la cola. Y he escuchado algunas de las frecuencias desagradables. Podría hacer que la decola sea un poco más blanca. Y por aquí cuando 1424, vamos a hacer lo mismo y vamos a cortar esta frecuencia. Ok? Entonces ahora el sonido suena así. Y si apagamos este ecualizador, notaste que el sonido se pone mucho más desordenado. Entonces lo voy a apagar y vivimos una lección. Y luego mientras está tocando, solo
volveré a encender esto y escucharás el tipo de diferencia en el sonido. Por lo que este EQ en realidad está marcando una diferencia masiva. Y no me di cuenta de cuántas clases de frecuencias desagradables estaban en realidad en ese sonido hasta que llegamos e hicimos este ecualizador. Entonces ahora que estamos contentos con estos ajustes de ecualización, estamos listos para entrar al segundo ecualizador. Y este ecualizador es para dar forma al sonido. De acuerdo, entonces vamos a encontrar las frecuencias agradables y vamos a impulsarlas. Y luego vamos a encontrar algo del tipo de frecuencias
no tan bonitas y sólo vamos a
cortarlas con un tipo de curva mucho más general. De acuerdo, así que empecemos de nuevo con esta segunda banda. Y lo voy a impulsar y voy a tener un
barrido y encontrar algunas frecuencias agradables. De acuerdo, así que estoy pensando que el tipo de porción principal del sonido, el tipo de presencia de este sonido está en algún lugar por aquí, que es de 771 hertz. Y así voy a dejar el, voy a dejar esta banda aquí. Y voy a bajarlo un poco porque creo que es un poco demasiado. Y creo que podríamos hacer el taco un poco más estrecho, solo para que esté un poco, un poco más enfocado. Y de nuevo, usaremos esta banda alquitranada aquí y vamos a barrer y encontrarás algunas frecuencias agradables, o tal vez incluso algunas frecuencias desagradables. Entonces escuchemos el sonido. Pero no me gusta esta área en particular. Creo que suena un poco fangoso y un poco desordenado, así que voy a bajar la ganancia aquí. Y no demasiado, no lo estoy, no estoy tratando de hacer un sonido realmente agresivo. Yo quería que fuera un poco transparente. Y de nuevo, solo estrechar ligeramente la Q, por lo que está un poco más enfocada. Entonces intentemos encontrar aquí algunas frecuencias para impulsar o una especie de costo. ¿ De acuerdo? Entonces sólo voy a tomar esta banda de seis y tal vez ahora la Q es pequeña apuesta. Y sólo tendremos una escucha. Por lo que esta zona aquí suena un poco dura. ¿De acuerdo? Entonces lo que voy a hacer es que voy a bajar la ganancia sólo un poquito. ¿ De acuerdo? No quiero sacar demasiado de estas frecuencias porque esto es en la Zona actual y es donde nuestros oídos son más sensibles. Pero al mismo tiempo, este sonido es un poco duro en esta zona. Entonces solo voy a sacar estas frecuencias y luego voy a ensanchar la cola. Simplemente tipo de poco más tipo de generalizado. Y podría simplemente volver a impulsar, incluso, más aún que eso. Yo sólo quería ser un poco sutil. Está bien. Tengamos una escucha. Oigamos cuál es el sonido, lo siento. Escuchemos cómo suena ahora el sintetizador sin este EQ Effect on. Y lo volveré a encender. Entonces creo que el sonido es un poco más de enfoque ahora, creo que hemos captado el área principal de este instrumento en particular. Lo último que queda por hacer es hacer algunos cortes bajos y altos. De acuerdo, entonces por eso dejé sola a esta banda 17. Ok, porque vamos a usar estos para hacer un costo alto y bajo. Entonces voy a hacer clic derecho y seleccionar tipo. Y voy a cambiar la forma de la curva a un paso alto, ¿de acuerdo? O en otras palabras, un bajo costo. Por lo que sólo estamos dejando pasar las altas frecuencias. Y lo que vamos a hacer es que vamos a arrastrar esto hasta, hasta que matemos a la base de este sonido. De acuerdo, no queremos ninguna de las frecuencias base en especie de,
bueno, cualquier cosa que no sea la patada y esa no sea la base. De acuerdo, entonces las frecuencias base por aquí, están reservadas para la patada en la base. Por lo que tus instrumentos, tienes que quitar estas bajas frecuencias. Ok, entonces vamos a volver a escuchar el sonido, y voy a mover esto hacia arriba y hacia abajo hasta que se hayan quitado las frecuencias base. ¿ De acuerdo? De acuerdo, entonces creo que en algún lugar por aquí, realmente no
puedo verlo, pero creo que es en algún lugar alrededor de 200 hercios. Creo que esta es una especie de área D donde las frecuencias base se han ido fuera de este sonido, pero seguimos conservando la parte principal del sonido. De acuerdo, a continuación, para las altas frecuencias aquí arriba, voy a cambiar esto a un ajuste de estantería, ¿de acuerdo? Y en realidad ya está puesta en un estante alto. Y la razón, OK, aguanta. Ahí hay dos tipos diferentes de estanterías. Hay un estante bajo y un estante alto. Y lo que es un estante alto es cuando la estantería tipo de sube y se va a la derecha aquí. Ok. Entonces, cuando bajes esto, el tipo de línea que estás cambiando siempre estará a la derecha. Ahora si cambio esto a un estante bajo, lo que va a pasar es en lugar de afectar esta línea de la derecha, en realidad
estará afectando todo a la, a la izquierda. Está bien. Entonces solo lo voy a cambiar a un estante bajo cuando veamos qué pasa. De acuerdo, así que ahora estoy afectando todo a la izquierda de esta banda. Y lo puedes ver ahí con la línea azul y la curva exacta del estante. Entonces voy a volver a poner esto de nuevo a un estante alto porque
sólo quiero afectar las frecuencias altas. Y yo sólo voy a sacar algunos de ellos porque no
creo que sean necesarios para este sonido en particular. ¿ Sabes que hay un montón de tipo de frecuencias hashed ahí arriba que
no necesitamos en sonido. Entonces voy a sacar eso. De repente, no demasiado. Y ahora tendremos una escucha de este sonido sin ninguno de los EQ's encendida. Y luego los volveremos a encender y tener una escucha de cómo
suena con los ajustes que hemos hecho. De acuerdo, entonces creo que este instrumento está sonando bien. Está sonando bastante limpio. Y creo que podemos pasar a otro instrumental.
78. EQ para instrumentos (parte 22): Entonces porque he aplicado un tipo de ecualización a este patrón uno, voy a empezar a dejar de poner en cola todo lo que está jugando al mismo tiempo. Entonces voy a basar todo el EQ que estoy haciendo con otros elementos. Voy a basarlo en el ecualizador que hicimos con este elemento. Ok? Entonces si tomamos este patrón de fluoróforo y encontramos dónde está esto en el mezclador. Podemos ver que está en el canal seis. Entonces si solo esto, suena así. Ok, entonces lo primero que tenemos que hacer es que tenemos que resolver esto y tenemos que cargar el primer ecualizador. Y esto es sólo para cortar cualquiera de las frecuencias desagradables. Entonces voy a hacer esto de verdad, realmente rápido sólo para que podamos llegar a la siguiente parte de la conferencia. De acuerdo, así que sólo voy a tocar el sonido y
muy, muy rápido pasar y encontrar algunas frecuencias desagradables. Creo que estas frecuencias están algo bien, pero sólo voy a sacarlas muy,
muy sutilmente porque creo que son un poco más altas, así que está bien, vamos a escuchar el sonido sin el EQ y luego voy a enciéndelo mientras se está reproduciendo el patrón. De acuerdo, entonces estoy notando que este EQ está haciendo un buen trabajo. Es como limpiar el sonido y hacerlo un poco más claro. Por lo que ahora podemos pasar al segundo EQ. Y lo que vamos a hacer con este EQ es que vamos
a escuchar el otro instrumento que ya aplicamos, el dq2, vale, que es este Icarus. Oops, es este plug-in de Icarus, está bien. Y la razón por la que vamos a escuchar a ambos tocando
al mismo tiempo es porque ya he dejado de cola el sonido. Entonces quiero asegurarme de que este sonido, Está bien con este sonido, está bien, porque si yo ecualizo esto por sí mismo y realmente no escucho al otro instrumento, entonces lo estoy haciendo a ciegas. En tanto que al menos si tengo este otro instrumento encendido, puedo aquí qué frecuencias están complementando al otro instrumento? Ok? Entonces lo primero que voy a hacer es que voy a aplicar un corte bajo solo para deshacerme de algunas de las,
algunas de las frecuencias de graves no deseadas. Entonces voy a dejar los instrumentos en solitario por ahora. Y podría simplemente hacer la cola un poco más empinada. Y si nos acercamos a las altas frecuencias y tenemos una escucha de lo que está pasando aquí arriba. Podría simplemente sacarlos muy,
muy repentinamente, muy suavemente. Sólo para deshacerse de esa clase de ese sonido hissy, que suena como un poco estático. Pero incluso mover esto un poco a la derecha sólo para que sea una especie de extremo muy, muy superior en el EQ aquí. ¿ De acuerdo? Ahora estamos listos para volver a la playlist y tener una escucha de estos dos instrumentos tocando al mismo tiempo. Y se EQ el, los dos instrumentos tipo de lado a lado. De acuerdo, vamos a escuchar. Entonces voy a empezar a impulsar las cosas. Voy a tratar de impulsar esto para mi bajarlo solo un poquito. Y nunca escuché algunas de estas frecuencias. Bueno, lo primero que estoy notando es que este tipo de frecuencia en realidad está chocando con este instrumento. Por lo que los dos de ellos, estos dos instrumentos están luchando por el espacio alrededor de esta frecuencia. Entonces voy a hacer que esta frecuencia salga para
que permita a este instrumento un poco de espacio extra para respirar. Y podría que simplemente estrechara la Q, así que está un poco más enfocada y sacar un poco más. Y ahora impulsará esta banda de tres y Mileva, escuchen el patrón como lugar. Entonces me gusta el sonido por aquí. Ahora no soy un gran fan de ello, pero sí creo que está agregando algo a los otros instrumentos, así que voy a impulsar eso siempre, siempre tan ligeramente. Ok. Entonces aquí está la configuración predeterminada. Yo soy, yo soy, sólo voy a impulsar esto muy, muy suavemente, así. Y voy a volver a escuchar estos dos instrumentos. Y yo sólo voy a ajustar tal vez algo en el extremo alto aquí. Podría agregar algo alto o podría cortar algunos. Todavía no lo sé. Entonces, vamos a tener una escucha a los instrumentos. De acuerdo, Así que podría agregar algunas de estas altas frecuencias aquí arriba porque creo que a este sonido le falta algunas de esas frecuencias altas que este sonido podría darle. ¿ De acuerdo? Entonces lo que haremos es volver a bajar este tipo de seis bandas. Y escuchamos a los dos instrumentos tocando juntos. Y entonces impulsaré esta banda de seis. De acuerdo, vamos a escuchar. No quiero sumar demasiado porque entonces creo que se pone un poco duro, pero sólo sumamos en un poquito. De acuerdo, así que juguemos el patrón y nos encanta escuchar cómo suena sin EQ. Y luego como está jugando, volveré a agregar estos EQs y veremos qué tipo de diferencia están haciendo. De acuerdo, entonces al segundo escuchar, creo que en realidad hemos captado un poco demasiado del sonido aquí afuera en este plugin. Entonces, y creo que viene de esto, esta banda de cuatro. Entonces sólo voy a impulsar eso. Otra vez. No es una estupidez, sino un poco más, sólo para que estemos metiendo un poco más de
ese tipo de rango de frecuencias en el sonido. Volvamos a tener una escucha. Sí,
creo que eso suena mucho mejor ahora. Entonces este es el proceso que usarás cuando tu ecualizador esté en tus pistas. Ok. Y a partir de aquí, seguiríamos y ecualizaríamos todos los demás instrumentos. Y escuchábamos todos los instrumentos que tenemos IQ ya lo harías, cuando estamos dequeuendo el nuevo. Está bien. Entonces lo que quiero decir con eso es en este caso particular, estábamos escuchando este mundano mientras este Ícaro estaba tocando para que pudiéramos aquí qué tipo de frecuencias se complementaban entre sí. Y si fuéramos entonces a ir y EQ este plug-in de Spire, nos ecualizaríamos el plug-in de aguja mientras que Icarus y la reproducción temprana. De acuerdo, y si fuéramos entonces a ir y a EQ este piano por aquí, ecualizaríamos el piano mientras spire, Icarus y el mundo que estabas tocando. Y lo haces todo el camino hasta llegar a tus instrumentos finales. Y en ese punto básicamente todos los instrumentos están encendidos. Así que solo asegúrate de que estás usando el tipo de técnica de dos EQ, vale, la primera en cortar los malos sonidos y hacer que el sonido general sea un poco más limpio. Y luego el segundo para potenciar las agradables frecuencias y tipo de
forma a cada uno de los instrumentos y hacerlos encajar como una sierra de vaivén. Además no olvides causar ninguna de las frecuencias bajas de tus instrumentos, ok, porque las frecuencias bajas son algo reservadas para el pateo en la base. Por lo que tus instrumentos no necesitan esas frecuencias bajas porque cuando se agregan de nuevo a la mezcla y traes la base y la base
llenará ese tipo de ese espacio vacío hasta el extremo bajo. Ok, entonces en la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a EQ para base.
79. EQ para bajo: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a EQ para base. Por lo que ya he cargado la base en nuestro mezclador aquí. Y suena así. Voy a pasar por el mismo proceso exacto que hicimos con los instrumentos. Entonces vamos a cargar el primer EQ. Y luego vamos a seleccionar a esta segunda banda. Tipo de pliegue potenciado. Acercar la cola. No demasiado estrecho, sino sólo una especie de conseguir un ish estrecho. Entonces vamos a escuchar el sonido a medida que toca y barrer. Entonces hagámoslo ahora. De acuerdo, así que sólo una especie de frecuencia resonante en algún lugar por aquí, que es 87. Realmente no puedo verlo, pero está bien. Simplemente bajaremos esto. Y ya he escuchado el sonido. De acuerdo, y tomaremos esta banda de turd y nuevamente haremos el mismo proceso, estrecharemos la cola. Y vamos a barrer a través de tipo de empezando desde aquí, porque acabamos de barrer estas frecuencias están listas. Entonces escuchemos. Está bien. Entonces esa es una frecuencia realmente, realmente resonante ahí. Entonces vamos a sacar mucho eso, algo más que la otra frecuencia. Ok. Escuchemos cómo se levanta el bajo ahora. De acuerdo, y vamos a hacer lo mismo. Otra vez. Vamos a impulsar esta cuarta banda, vamos a estrechar la cola. Y vamos a tener una escucha. Y de nuevo, es, en realidad está abierto en una especie de frecuencias terribles, desagradables. Entonces voy a sacar eso. Lo volveremos a hacer por la quinta hasta que básicamente nos quedamos frecuencias
malas o nos quedamos sin bandas. De acuerdo, vamos a escuchar. De acuerdo, entonces esta frecuencia en particular, no es muy, muy dura, pero sigue todavía no
es muy agradable escuchar. Entonces voy a sacarlo. Y, pero no tanto como algunas de las otras, una especie de las otras bandas que sacamos. Vamos a probarlo. Esta sexta banda. Ups, yo estoy después de rechazada la Q por la quinta y vamos a probar este sexto evento. Por lo que estos están en terrible. Podría haber uno en algún lugar de aquí. Ah, sí. Simplemente sacamos esto. No tanto como los otros. Simplemente una especie de ajuste sutil. Y ahora vamos a tener una escucha al bajo. En realidad primero vamos a tener una escucha al bajo sin el EQ, y luego lo sumaré como base jugando. Ahora con la base, lo que también tenemos que hacer es también tenemos que cortar algo de lo alto. Entonces como lo contrario de lo que estábamos haciendo con los instrumentos. Donde estábamos cortando las frecuencias base fuera de los instrumentos iban a estar cortando las altas frecuencias fuera de la base. Entonces cambiemos esto a un paso bajo para dejar salir de las bajas frecuencias y tipo de deslizarse. Y entonces simplemente tipo de realmente ajustaremos la cola para que sea un poco más empinada. Y luego vamos a barrer y encontraremos un punto donde este corte bajo Suena bien. De acuerdo, en algún lugar por aquí está bien. Es un poco deshacerse de ese silbido innecesario. Y seguimos reteniendo la mayor parte del sonido del bajo. ¿ De acuerdo? Y de nuevo, vamos a cargar nuestro segundo EQ. Y esta vez voy a tener una escucha a los otros instrumentos mientras toca el bajo. Por lo que para esta etapa tendrías eQTL tus instrumentos. Y ahora se puede escuchar a la base ya que los instrumentos están tocando. Entonces podría simplemente bajarlo un poco para que no sea abrumador. Entonces subamos aquí y empezaremos a mover estas bandas por ahí. Entonces voy a impulsar la segunda banda y voy a barrer un poco y encontrar un lugar donde el,
donde la base suene bien con instrumentos D tocando. Entonces creo que este tipo de área es una especie de complementar el sonido de los instrumentos. Bueno, entonces lo que voy a hacer es que voy a dejar esto potenciado, pero sí quiero potenciarlo demasiado, ¿de acuerdo? Porque las frecuencias base son muy, muy pesadas. Entonces cuando estamos haciendo cualquier tipo de ajuste, sólo lo vamos a hacer muy, muy sutil. Ok? Entonces es sólo un pequeño tipo de contorno y vamos a tener una escucha de cómo suena esto ahora. Y también me di cuenta cuando estaba durmiendo a través de esa suma de las frecuencias aquí arriba en realidad están chocando con los instrumentos. Entonces voy a tener una escucha y encontrar esos y luego sacarlos. ¿ De acuerdo? Sí. Entonces creo que está en algún lugar por aquí, así que en realidad voy a sacar estas frecuencias. Y eso debería aclarar un poco más de espacio para los instrumentos. Entonces ahora que hemos encola los instrumentos y también hemos e cubed d base. Es hora de seguir adelante y empezaremos a eliminar la cola de los tambores. Y empezaremos a eliminar la cola de los tambores.
80. EQ para la batería: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender sobre EQ para tambores. Cuando estamos dequeuando tambores, necesitamos estar al tanto de algo llamado la zona de lodo y algo llamado el chillón, así sucesivamente. Por lo que la zona de lodo es predominantemente en patadas. Ok, si acabo de vender mi kick drum solo aquí en la vista de lista de reproducción. Está bien. Entonces sólo encontramos la patada. Aquí está. Y vimos esto. De acuerdo, cuando nosotros ecualizamos esto, um, hay algo llamado la zona de lodo y solo te mostraré que suele estar alrededor de entre cien y doscientos. Entonces en algún lugar por aquí, habrá un sonido horrible, una especie de fangoso. Si solo estrecho la q. Vale, en algún lugar por aquí. Y simplemente se siente como que el sonido del bombo de patada es un poco fangoso, están desordenados. De acuerdo, entonces vamos a sacar eso. No demasiado en realidad como especie de verso
sutilmente porque no queremos deshacernos de las frecuencias de base. Ya sabes, si sacamos esto demasiado, perderemos todo ese tipo de base agradable. Pero al mismo tiempo esta frecuencia está haciendo fangoso el sonido de la misma. Entonces vamos a sacarlo sólo un poco. Y alguna vez escucharemos sobre el kick drum suena como ahora. Y con el bombo de patada, También vamos a tratar de encontrar dónde está el ataque o dónde está el tipo de sonido transitorio o el clicky. ¿De acuerdo? Entonces voy a impulsar esto y un poco estrechar el q y simplemente encontrar dónde está el ataque del sonido. Ok. Parece estar en algún lugar aquí, así que voy a bajar esto. Entonces es un poco más sutil. Pero lo que esto está haciendo es que está creando un poco más de un ponche o un sonido más de ataque para este kick drum, vamos a tener un escuchar el kick drum sin el plugin de EQ y luego lo volveremos a encender ya que el kick drum es liso. En realidad creo que esta banda de aquí es un poco demasiado ruidosa, así que sólo voy a bajarla un poco otra vez, sólo para que sea realmente, realmente sutil. Y volvemos a escuchar. Entonces escuchemos todo el patrón del tambor. Ok, entonces voy a ser dueño en solitario de la patada, y sólo vamos a escuchar cómo suenan los tambores cuando todos están tocando juntos. Y simplemente alejaré el zoom para que podamos ver todo. De acuerdo, vamos a escuchar ahora. De acuerdo, entonces hay unas cuantas capas pasando. Ahí está algunos de los sombreros están en capas y algunos de los aplausos o en capas. De acuerdo, entonces volveremos al mezclador y empezaremos a ecualizar este patrón de tambor. Entonces si empezamos de nuevo aquí con este abierto que tuve, y lo voy a solista. ¿ De acuerdo? Y vamos a cargar un plugin de EQ. Y con los tambores, no es tan necesario hacer el tipo de esto, ya sabes, la frecuencia hashed tipo de sacar a los malos porque la muestra toca por tan poco tiempo. Y, pero claro, por todos los medios se puede hacer esto, ¿de acuerdo? Y lo hará, hará que tu mezcla sea un poco más limpia. Pero no es un paso necesario dar con tus tambores. Entonces sólo voy a volver a bajar esto. Y en cambio voy a impulsar las frecuencias agradables y tipo de atrapado algunas de las frecuencias más duras. Ok, entonces vamos a tener una escucha a este sombrero y luego especie de barrido a través y encontraremos algunas frecuencias agradables. Ok, voy a estrechar la Cuba. Así que me gustó mucho la forma Ha tenido sonidos alrededor de este 7,500 max. Entonces voy a tratar de entender ligeramente ordena un poco más sutil. Y luego me voy a llevar tal vez a esta banda de dos y voy a barrer por frecuencias que no me gustan. Ok, entonces vamos a tener una escucha. De acuerdo, así que no me gustan estas frecuencias tipo de por aquí, esta marca de dos mil, tres mil marca. Está bien. Entonces saquemos algunos de estos. Y sólo voy a ensanchar acusado o estamos algo así sacando más de esta zona. Y escuchemos el sombrero ahora sin el EQ y luego con la UE. Entonces creo que este ecualizador es una especie de hacer que el sombrero suene un poco más brillante y un poco más placentero al oído. De acuerdo, entonces lo siguiente que voy a hacer es que voy a encontrar una capa, ok, y voy a, quería ver si hay una capa que juegue al lado de este sombrero, porque entonces voy a EQ las dos capas lado a lado. Y creo que tal vez que estamos viendo es este de aquí, lo que significa que esto de aquí, vale, este sombrero también es una capa en la pista 26. Entonces, vamos a encender eso. Y lo que haremos es volver a cargar un plugin de EQ. Y vamos a echar un vistazo a cómo se ve el sonido. Ok, entonces está todo tipo de enfocado en esta área. Entonces lo que haremos es escuchar a los dos sombreros tocando al mismo tiempo. Y luego tipo de barrido y encontraremos donde los dos sonidos se complementan entre sí. Podría simplemente bajar esto un poco para poder escuchar ambos con claridad. Está bien. Sólo voy a bajarlo un poquito. Está bien. Entonces creo que en algún lugar por aquí, alrededor creo que son cien,
cuatrocientos está complementando los otros sombreros. Entonces solo lo voy a bajar muy,
muy ligeramente y especie de estrechar la cola. Y también voy a, creo, captó algunas de las frecuencias por aquí porque mientras estaba escuchando, noto que hay una especie de choque. Definitivamente, definitivamente aquí arriba. No necesitamos este tipo de frecuencia, así que los voy a cortar. Y porque todo el sonido de esto como tipo de
enfocado en esta mitad del EQ y va a aplicar un corte bajo. Tan sólo para deshacerse de todo este libro que tenía la forma equivocada, lo siento, un pase alto. Y me voy a deshacer de toda la gama baja que no necesitamos. Y voy a volver a la otra aquí y hacer lo mismo porque sé que me olvidé de hacerlo la última vez, así que sólo voy a aplicar un pase alto. Y otra vez, arrastra esto de esta manera para que estemos
eliminando cualquier tipo de frecuencias innecesarias que sea una especie de llenando espacio cuando no necesitan. Entonces sólo para un poco volver al inicio de la conferencia otra vez, donde estaba hablando de la zona chillón y este tipo de frecuencia que saqué. Está bien. Si acabamos de ver esto y hemos escuchado. ¿ Oyes el tipo de chillón que está saliendo de todas estas altas frecuencias lo harán, esta es la zona chillón. ¿De acuerdo? Y en general, como
que, no impulsaríamos demasiado esto. Pero podríamos terminar cortando algo solo para deshacernos de ese tipo de sonido chillón. Ahora obviamente no saques demasiado porque mucha del sombrero alto es alta, frecuencias
altas y es un sonido que tipo de necesita retener muchas de estas altas frecuencias. Um, pero ya sabes, eso no es muy placentero escuchar. Entonces podríamos cortarlas apenas siempre tan ligeramente, solo sutilmente. Solo para hacer que el sonido general sea un poco más limpio. Y podemos usar la otra capa entonces eso no tiene ese mismo sonido chillón. Ok, entonces esta muestra en particular que estamos usando, no
suena muy chillón. Si tomo este número cinco aquí y nos impulsamos, no
suena como criaturas, así que en realidad podemos impulsar esta zona. Y podemos usar las dos capas para especie de cumplirse entre sí. Por lo que esta capa ahora está agregando en lo más alto que falta esta capa. Entonces si quitas, si quitamos este, puedes ver que ambos se están complementando entre sí. Bueno, puedes ver que ambos se están complementando bien. Por último, cuando estés haciendo tus Tambores, también
tendrás que escuchar las capas contra los instrumentos. Ok? Entonces los instrumentos que ya has dequeuido, vas a escuchar los tambores que tienes IQ, te quedarías bien, entonces en este caso tenemos EQ estos dos hi-hats, estas dos capas. Entonces vamos a escuchar cómo suenan estos dos cuando están tocando al lado de estos dos instrumentos que ya hemos eliminado. De acuerdo, vamos a escuchar cómo
suena esto y haremos los ajustes que necesitemos. Entonces creo que esto suena bien. No creo que sea necesario hacer ningún ajuste. ¿ Está bien? Entonces este es el proceso que usarás al mezclar tus tambores. Y pasarás por los diferentes elementos y luego las diferentes capas, los
revisarás unos contra otros, los
ecualizarás unos contra otros, y luego los revisarás con el resto de los elementos de tu pista para
asegurarte de que que todo es una especie de encajar bien. En la próxima conferencia, echaremos un vistazo a EQ para voces.
81. EQ para voces: Entonces en esta conferencia, vamos a mirar a EQ para voces. Por lo que tengo dos tipos de voces en esta pista. De acuerdo, tengo la vocal principal, que es ésta de aquí. Y también tengo voz vocoder, vale, así que son estos aquí. Y necesito también sacar el vocoder, que es éste. Bueno, he escuchado estos. Y escuchemos con vocal. Y así tenemos que conseguir que estos suenan bien juntos. Y también necesitamos que suenan bien en el contexto de todo lo demás. Ok, entonces empecemos con esta vocal principal y cargaremos un plugin de EQ. Y de nuevo, porque es una especie de sonido principal, vamos a hacer el corte de las frecuencias Harish. Entonces voy a estrechar la cola y escuchar el sonido y
cortar cualquiera de las frecuencias que no me gusta. De acuerdo, entonces creo que estas frecuencias particulares que va a ser boomy. Entonces voy a cortar eso. Vamos a impulsar el número tres y que vuelvan a escuchar el sonido. De acuerdo, ahí hay una frecuencia horriblemente. Voy a cortar eso justo fuera. Y con cuatro otra vez, narrativa Q y nos encanta Escuchar. Yo soy yo se lo preguntaré. Está bien. Ahí hay una frecuencia desagradable. No es tan ruidoso como el otro a las tres, así que no voy a cortarlo tanto. Vamos a probar la banda cinco aquí y sólo vamos a barrer por AMA. De acuerdo, entonces hay una frecuencia aquí que es, de nuevo, en realidad no
es tan fuerte como la frecuencia que está en cuatro. Pero aun así quiero cortarlo. Entonces sólo voy a bajar esto muy ligeramente menos de cuatro. Y alguna vez habíamos escuchado sobre los sonidos vocales como Now con este primer ajuste de ecualización aplicado. Y si lo apagamos, jugué a través de ella con el efecto encendido, y luego lo apagaré tal vez a mitad de camino. Por lo que se puede escuchar que este plugin de un ecualizador realmente ha limpiado mucho el sonido. Está bien, y ahora estamos listos para aplicar la segunda decola, que es dar forma al sonido. Entonces movamos esto hacia abajo al centro. Y de nuevo, vamos a encontrar algunas frecuencias que suenan bien y las potencian. Amal como él. Yo soy,
yo estoy estoy bien. A mí me gustan estas frecuencias alrededor de tal vez 5 mil. Entonces voy a hacer tiendas así. Estrechar los tipos de marca de banco QGIS y un enfocado. Y luego escuchamos de nuevo y tratamos de encontrar tal vez algunas frecuencias agradables o tal vez algunas frecuencias que queremos sacar. Ok. Y así definitivamente no me gustan estas frecuencias aquí, así que voy a cortar estas y tal vez sólo estreché el QoS Babette. Y luego volvemos a escuchar con esta cuarta banda. Entonces me gusta una especie de algo que está pasando aquí alrededor del cien, diez cientos Mac. Pero no quiero, hay mucho que no me gusta aquí arriba y hay cosas que no me gustan aquí,
así que voy a estrechar la Q. Así que es un tipo de ambientación mucho más enfocado. Y yo sólo voy a impulsar eso cada vez tan ligeramente. A lo mejor no tanto, sólo el mal olor. Y eso es un poco ensanchar el Q un poco. Hit OK. Y ahora vamos a cosh, y algunas de las frecuencias aquí en el medio. De acuerdo, así que voy a estrechar la Q de esta banda seis. Y yo sólo voy a coger muy suavemente algunas de las frecuencias fuera de aquí. Está bien. Y estoy pensando que voy a ensanchar el q pequeño veterinario. Y estoy pensando que podría impulsar un poco más a
esta banda de dos y ensanchar la cola se asfixió más grande, trayendo algunas más de esas frecuencias más altas. Y alguna vez habíamos escuchado sobre esto suena como ahora. A mi le preguntaré, apaguemos el plug-in. Por lo que solo hace que el sonido sea un poco más brillante y es una especie de agregar en algún aire, algún tipo de claridad agradable. A continuación, revisaremos esta vocal contra algunos de los instrumentos que tenemos EQs. Y lo revisaremos contra algunos de los tambores que tenemos EQs. Creo que ejecutamos esto, 112 y creo que 26. Entonces tendremos una lección ahora para agregar el sonido vocal como con los otros elementos
a los que hemos aplicado EQ . Y si lo apagamos. Entonces creo que esto está haciendo una especie de diferencia drástica y creo que
suena mucho mejor con estos plugins de EQ encendidos. A continuación, vamos a EQ dedicado y voz. Entonces escuchemos este. Tengo que encender el,
el modulador portador va a jugar, recuerda eso desde la sección vocoder. Entonces vamos a tener una escucha a cómo suena esta vocal. Y ya tengo un EQ encendido aquí solo para
cortar algunas de las frecuencias bajas que no necesito en el sonido. Entonces voy a dejar abierto este EQ. Y lo que haremos es que lo moveré hacia arriba para que podamos sumar algunos plug-ins a continuación. Y vamos a sumar en nuestro primer EQ que vamos a usar, que es cortar algunas de las frecuencias desagradables. Así que tocaré el sonido y sólo un poco de barrido y encuentro algunas de las frecuencias desagradables. Por lo que realmente sólo hay un tipo de área problemática y está aquí en el 790. Entonces solo voy a cortar esto. Y ya no necesitamos hacer porque
no encontré otras frecuencias desagradables que no me gustaron. Por lo que ahora vamos a añadir el shaper EQ, que es éste. Y lo que haremos es que tengamos que escuchar a esta otra vocal
al mismo tiempo para que podamos encontrar donde estos dos sonidos se están complementando entre sí. De acuerdo, así que vamos a estrechar esta cola y tener una escucha. Pero puedo oír eso por aquí. Estos dos, estos dos sonidos en realidad están luchando por el espacio. Entonces voy a cortar esto. No por mucho, no quiero arruinar el sonido, pero sólo quería aclarar un poco de espacio para la vocal principal. Entonces es un poco más claro y el público puede escucharlo mejor. Y tratemos de impulsar ahora algunas de estas otras frecuencias. Entonces, vamos a tener una escucha. Entonces me gusta este tipo de área. Entonces solo voy a bajar un poco esto y especie de usar un impulso sutil. Podría incluso ampliar la cola sólo para traer en especie de todas estas frecuencias aquí porque todas suenan bien cuando están en equipo con esta vocal principal. Entonces vamos a tener una escucha a ambos ahora al mismo tiempo. Y entonces aplicarías el mismo proceso a esta otra voz. Por lo que harías solistas y también solistas el portador. Y lo que haces es enorme. Revisa el sonido para agregar en tu, tu, tu primer ecualizador, bien, encuentra algunas frecuencias desagradables. Entonces simplemente lo haré de verdad, muy rápido. Ok, entonces eso no suena muy bonito. Vamos a sacar eso y lo intentamos de nuevo muy rápido. De acuerdo, tal vez algo aquí. Sólo saca eso. Y luego otra vez con shapers. Y cuando estamos moldeando En este momento, vamos a escuchar cómo suena junto a todas estas voces que ya aplicamos. E q2. De acuerdo, vamos a escuchar. Basta con bajar el volumen para que puedas escuchar ambos de estos uno al lado del otro. A lo mejor en algún lugar por aquí. Suena OK. Por lo que sólo voy a impulsar eso siempre tan ligeramente así. Y levantamos otra y tendremos una escucha. Ahora en realidad creo que esta área está agregando en algo muy, muy bonito. Está agregando un poco de tipo de desperdicio al sonido. Entonces voy a añadir algunas de estas frecuencias en, ¿de acuerdo? Y podría estrechar ligeramente la Q de esta tercera banda así que no es una especie de superposición. Y entonces podríamos cortar algunas de las frecuencias altas porque
ya sé que va a estar chocando con el sonido. Y de nuevo, tenemos que asegurarnos de que todos estos suenan bien con los otros elementos. Entonces voy a encender los instrumentos que dequeuamos y voy a encender las muestras de tambor que hemos encola. ¿ De acuerdo? Y Mileva escuchó todo arreglado y asegurarse de que todo esté encajando bien. Y si tienes más capas vocales, aplicarás el mismo proceso. Ya sabes, pasas a ese aire vocal y abres los dos EQs y luego escuchas todas las voces tocando al mismo tiempo mientras
aplicas algún modelado de EQ a esta otra vocal. ¿ De acuerdo? En la siguiente conferencia, veremos cómo usar el plugin de EQ como efecto.
82. EQ como un efecto: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender cómo podemos usar un plugin de EQ para el efecto. Por lo que también puedes hacer que los elementos suenan como si estuvieran en un cierto espacio o si son algo que vienen de un determinado dispositivo. Cosas como un efecto de radio o teléfono y tal vez un efecto fuera del club. Podemos hacer todos estos con un EQ. Entonces vamos a echar un vistazo a estos, OK. Entonces vamos a echar un vistazo a ambas cosas ahora. Y los vamos a aplicar a esta vocal. Y lo primero que vamos a echar un vistazo es el efecto de radio o teléfono. Por lo que necesitamos abrir un plugin de EQ y se abre así. Entonces lo primero que vamos a hacer es que vamos a aplicar una especie de corte bajo duro o de paso alto. De acuerdo, entonces vamos a dejar que pasen todas las frecuencias altas, y vamos a cortar mucho de este bajo extremo. Entonces voy a hacer que la cola sea mucho más empinada. Y voy a arrastrar esto hasta que nos hayamos deshecho de un montón de, un montón de tipo de frecuencias bajas, incluso más que esto. Entonces tal vez por aquí, que son 600. Y luego con la gama alta, vamos a aplicar un filtro de paso bajo o un filtro de cocinero alto. ¿ De acuerdo? Lo que hacemos es aquí, de nuevo, vamos a hacer el taco un poco más empinado. Y vamos a arrastrar esto hacia abajo hasta que nos
hayamos deshecho de muchas de las altas frecuencias. Ok, entonces tal vez aquí alrededor de tres mil, tres mil cuatrocientos treinta y cinco. Me gusta el sonido de este tipo de EQ. Ahora creo que suena un poco como un teléfono. Entonces nos vamos a llevar una de estas bandas medias y vamos a impulsarla ok, entonces vamos a impulsar los rangos medios y lo vamos a hacer con bastante dureza. Y vas a encontrar un área que tipo de suena como un teléfono. Entonces creo que por aquí, hay una especie de 1000 es bajo, rango medio. Creo que esto suena como un teléfono. Y en realidad voy a usar la banda de seis para
cortar algo del tipo de frecuencias medias más altas como esta. Está bien. Simplemente lo haré un poco más amplio. Y vamos a tener una escucha de este efecto ahora. Entonces ahora esta vocal suena como si viniera a través de un teléfono. Y la razón por la que este ajuste en particular Suena como un teléfono es porque cuando estaban inventando teléfonos y tenían que encontrar una forma de transferir tu voz por la línea a la otra persona en el otro extremo. Pero porque había tanta información de 20 Hertz todo el camino hasta 20 mil. No tenían suficiente tipo de potencia de fuego, digamos, para realmente transferir todas estas frecuencias por la línea. De acuerdo, habría sido, habría
habido un gran retraso y todo el concepto telefónico no hubiera funcionado. Entonces lo que hicieron fue realizar un estudio para averiguar cuáles eran las frecuencias más importantes. Entonces, ¿podemos deshacernos de algunas de las frecuencias innecesarias? Y descubrieron que los humanos son un poco muy sensibles a estas frecuencias de rango medio. Pero no somos tan sensibles al tipo de las frecuencias bajas y altas. Entonces lo que hicieron con los teléfonos fue que se deshicieron de estas frecuencias altas y bajas. De modo que cuando estaban transfiriendo tu voz por la línea, podían transferirla mucho más rápido porque solo estaban enviando una cierta porción del tipo de espectro completo de frecuencias. ¿ De acuerdo? Entonces esa es solo la teoría detrás de por qué, ya
sabes, por qué esta forma en particular. Funciona y por qué esto suena como un teléfono. Ahora bien, si quieres que suene aún más como un teléfono, puedes cargar un plug-in de distorsión. Entonces si entro aquí y abro tal vez este overdrive de sangre, y si subimos el preamplificador, veremos que el sonido se distorsiona y sonará aún más como si viniera de un teléfono. Ahora eso es increíblemente ruidoso. Entonces, solo bajémoslo usando esta ganancia post. A lo mejor impulsó un poco más. Entonces ahora el overdrive de sangre, es una especie de agregar eso, ese pequeño elemento de distorsión que se obtiene con un teléfono. Volvamos a tener una escucha. Y luego como se está reproduciendo la pista, se
puede apagar esto. Y como digamos que esto es, esta es tu primera sección. Después entra en tus secciones de coro. Entonces apagas los plugins. Por lo que puedes usarlo como una especie de técnica de arreglo interesante. Ahora, sólo volveré a borrar estos plug-ins y vamos a echar un vistazo a hacer que el vocal suene como si estuviera fuera de un club nocturno. ¿ De acuerdo? Entonces voy a encender estos de nuevo. Y de nuevo, vamos a abrir un plugin de EQ. Y para esto, vamos a aplicar un paso bajo muy, muy duro, ¿de acuerdo? O un filtro de corte alto. Y voy a sólo subir el bit Q, así que es un poco más empinada. Y voy a arrastrar esto hacia abajo. Malala. Malala. Por lo que ahora se puede ver que las voces suenan un poco amortiguadas. Y entonces lo que hacemos es impulsar algunos de este tipo de frecuencias medias bajas. De acuerdo, así que vamos a tener una escucha y vamos a impulsar algunas de estas frecuencias. Ramallah, Ramallah. Por lo que este efecto realmente funciona
realmente, muy bien cuando está en el canal maestro. Y es algo que puedes aplicar a la sección de acumulación justo antes de la caída. De acuerdo, entonces vamos a echar un vistazo a eso realmente rápido ahora. Entonces solo apagaré este plug-in para que no afecte a la vocal. Y volveré a encender todos los plugins. Y lo que haremos es mandar al canal maestro, y abriremos el ecualizador y aplicaremos la misma configuración. Entonces un paso bajo hash que caminan por la cola de la misma, bajan esto, y luego impulsan tipo de alrededor de 200. ¿ Está bien? Y si has escuchado esto, todo
el sonido sin pistas como si estuviera fuera del club. A lo mejor vamos a sacar algunas altas frecuencias de Marty. Y si aplicas esto a tu sección de acumulación y como la acumulación está sonando, que automatizas esta banda de siete a tipo de abierta, digamos que a tipo de aumento ya que la acumulación está sonando. Entonces solo haré eso ahora. Destacaré la edificación. Y luego voy a hacer clic derecho y decir, voy a hacer clic derecho en esto, la banda de frecuencia, ok, para que eso se mueve este tipo de apertura hacia abajo. Por lo que hago clic derecho en esto y selecciono Crear clip de automatización. Y luego si bajamos a si el clip de automatización es y podemos girar el punto de anclaje derecho todo el camino
hasta la parte superior para que se abra como se está reproduciendo la acumulación. Y verás que la acumulación suena como si
fuera del club y luego se vuelve mucho más brillante y más
brillante hasta que nos metemos en la sección drop donde todas las frecuencias o backend. Tengo una lección. Entonces esto, este EQ efectos, esto es esencialmente burlarse del oyente. Ya sabes, sólo se les da el tipo de la porción más baja de las frecuencias. Y a medida que empieza a abrirse, el oyente está oyendo cada vez más de ese sonido completo y se están emocionando, ya sabes , se
están poniendo, están anticipando la caída cuando viene con la caída del frecuencias. ¿ Sabes a qué me refiero? Ahora esto fuera del efecto club suena mucho mejor si lo haces en equipo con un plugin de reverberación. Por lo que sólo vamos a echar un vistazo a eso realmente rápidamente. Abriré la reverberación y solo cargaré tal vez uno de estos presets, tal vez salón grande. Y sólo tendremos una escucha a lo que suena. Voy a bajar tanto la ganancia húmeda. Y en realidad simplemente bajaré la decadencia solo para que no sea tanto. La perilla húmeda y húmeda de China nuevamente. Intentemos poner esto por encima del ecualizador y veamos qué pasa. Si empezamos a bajar esto también. Si empezamos a automatizar el tipo de este perilla de volumen para el EQ. Por lo que el EQ poco a poco comienza a desvanecerse. Tendremos un vistazo a hacer eso ahora también. Entonces en la acumulación, digamos que el tipo de EQ se desvanece a medida que la acumulación continúa. Y luego cuando lleguemos a la sección de drop, no
hay ecualizador en absoluto. Hagamos una escucha a cómo suena esto. Entonces estamos un poco suena como si el oyente estuviera fuera del club, parado en fila, esperando para entrar. Y luego están como caminando y están cada vez más cerca de donde está la pista de baile, digamos. Y luego en cuanto la gota entra ahí
en la pista de baile y sin embargo están consiguiendo ese potro, ese sonido completo de las frecuencias y no hay más reverberación. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo rápido a una técnica avanzada de ecualización, que es el ecualizador de mitad del lado.
83. Mid/Side EQ: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo rápido al ecualizador de medio lado, ¿de acuerdo? Y el ecualizador medio es donde se ecualiza la señal mono y la señal estéreo por separado. Y este tipo de técnica es genial para hacer sonidos más grandes y más amplios, y es muy simple. Estás usando efectivamente las mismas técnicas que el ecualizador irregular, pero en realidad estás dando forma al sonido de la señal Mano primero y luego a la señal estéreo después. Y el principio que funciona es ese concepto estábamos hablando antes donde estaba diciendo que
si la información que entra en tu oído izquierdo es diferente a la información que entra en tu oído derecho, entonces el sonido se sentirá como si fuera mucho más amplio. Ahora el ecualizador de mitad de lado es una especie de técnica de mezcla avanzada. Y si nunca lo usas, tu track seguirá sonando perfectamente bien. Pero es bueno estar consciente de que sí existe si alguna vez quieres usarlo. De acuerdo, así que eso abrió un plugin de EQ, ¿de acuerdo? Y lo primero que voy a decir es que no todos los EQs realmente te permitirán hacer esto, especialmente el tipo de los plug-ins de stock porque se trata de unas técnicas avanzadas. Por lo que necesitarás encontrar otro EQ que te permita hacerlo bien. Y tengo uno aquí que es el filtro de la FAB procura. Entonces si abro esto y usaremos esto, sólo
voy a hacerlo un poco más grande para que podamos verlo. ¿ De acuerdo? Y si le echamos un vistazo a esto, lo primero que probablemente notarás es que no hay prohibiciones al respecto. Ok. Recuerdo que en el otro plug-in teníamos una especie de 1-2-3, 4-5-6, siete. Bueno, a menos que no tengamos ninguno y eso es porque podemos sumar en la nuestra y podemos sumar tantas de estas bandas como queramos y tantas como nosotros, como necesitemos. De acuerdo, así que solo voy a volver a poner esto en default y volveremos a empezar sin bandas. Entonces el sonido que vamos a estar retocando es este instrumento principal. Ok, y el proceso es el mismo. Vamos a encontrar las frecuencias desagradables y cortarlas. Y luego vamos a encontrar las agradables frecuencias y dar forma al sonido. ¿De acuerdo? Pero la diferencia es que cuando estamos recortando las frecuencias hash, vamos a estar usando el medio. Y cuando estemos dando forma al sonido, vamos a estar usando el sitio, ¿de acuerdo? Y la forma en que hacemos esto es que solo sumamos el punto. Ahora algunos otros plug-ins podrían tener un botón en algún lugar de la interfaz que
dice que pueden cambiar los diferentes modos de procesamiento de, ya
sabes, de estéreo a medio lado. Pero con este plugin en particular, solo
hacemos clic aquí abajo y cambiamos esta banda de estéreo a mediados. De acuerdo, entonces ahora vamos a encontrar algunas de las frecuencias desagradables y voy a hacer el taco un poco más estrecho. ¿ De acuerdo? Y eso está bien, las frecuencias desagradables y tipo de cortarlas. De acuerdo, así que hay una frecuencia desagradable en algún lugar por aquí. Entonces voy a bajar la ganancia y sólo sacaremos eso de ella. A lo mejor no tanto, tal vez sólo por seis db. ¿De acuerdo? Y de nuevo, vamos a sumar otra banda y ya está listo para hacer. Entonces apagaremos la cola y tendríamos una escucha de algunas de las frecuencias desagradables. Ok, entonces hay otra frecuencia desagradable por aquí. Entonces voy a sacar eso simplemente arrastrando hacia abajo en la perilla de ganancia. Y vamos de nuevo a tratar de encontrar algo de arte y frecuencias desagradables. Ok, hay otra frecuencia y aquí no
me gusta, voy a sacar eso así. Y nos iremos de nuevo. Entonces de nuevo, apagaremos la cola y luego barremos por las frecuencias y veremos qué podemos encontrar. De acuerdo, solo una frecuencia de hash más por aquí. Entonces voy a sacar eso así. Ok, entonces escuchemos el sonido ahora. Y vamos a jugar un poco y apagaremos el plug-in y luego volveremos a encenderlo y veremos qué tipo de diferencia está haciendo. Ok, entonces jugaremos a través de ella con eso apagado y luego lo encenderé a mitad de camino. Ok, Entonces ahora que nos hemos deshecho de algunas de las frecuencias desagradables, es hora de dar forma al sonido. De acuerdo, entonces vamos a sumar otra banda justo aquí por un segundo. Y vamos a cambiar el modo de procesamiento de mediados a citar. ¿ De acuerdo? Y ahora esta banda sólo va a estar afectando las señales estéreo. Por lo que estas bandas medias, están afectando la señal mono. Y esta banda lateral va a afectar la señal estéreo. Entonces lo que haremos es usar esto para barrer y encontrar las frecuencias agradables y luego las impulsaremos. ¿ De acuerdo? Entonces, en primer lugar, tenemos que cambiar la forma de la misma. Y puedes cambiarlo aquí abajo de estante bajo también. Yo quiero una campana. Ok. Y sólo voy a sacar la Q y un barrido a través y encontrar algunas frecuencias agradables. De acuerdo, me gusta que la frecuencia esté por aquí, así que solo voy a bajar, voy a bajar la ganancia, una pequeña base. Entonces no es tan agresivo. Y podría estrechar la cola sólo un poquito. Y con traer otra banda lateral. Y de nuevo, voy a tener que cambiarlo de estante bajo a Bell y estrechar la cola. Y luego vamos a barrer y encontrar algunas otras frecuencias agradables, tal vez no tan estrechas. Ok. Vamos a salir. De acuerdo, entonces no he encontrado ninguna frecuencia que me guste, pero he encontrado algunas frecuencias que no me gustan. Y una de ellas es ésta, así que voy a sacar esto, vale. Y otra vez. Sé que hay otro tipo de áreas que no me gustan. Entonces voy a encontrar esos y sacarlos también. Nuevamente, tenemos que cambiar la forma. Es sólo algo que sucede cuando se agrega en una banda demasiado cerca del borde. Se supone que querías agregar cierto tipo de forma. Pero quiero volver a cambiar esto a Bell. Entonces, volvamos a tener una escucha. Entonces definitivamente no me gustan estas frecuencias aquí, este tipo de medios bajos. De acuerdo, así que voy a sacar estos. Y de nuevo, creo que hay un tipo más de área de frecuencia que no me gusta. Entonces voy a sacar eso también. Está bien. Entonces vamos a barrer y encontrar que tal vez con un menos estrecho vino en algún lugar por aquí. Sí, voy a sacar esta frecuencia. Entonces eso es EQ de medio lado. ¿De acuerdo? Y si miramos a las bandas verdes, estos son todos los medios. Y si miramos a todas estas bandas, estas son las EQs laterales. Y ahora creo que esta banda en realidad está en estéreo, así que tengo que cambiar esto a un lado. Y de nuevo, aquí hay un amarillo y debería ser azul. Entonces tengo que cambiar esto a un lado. Se me olvidó hacer eso en primer lugar, pero si volvemos a escuchar ahora con los ajustes adecuados del medio lado, suena así. Y si apagamos el plugin tipo de medio camino a través del patrón, notaremos la diferencia que está haciendo el ecualizador del lado medio. No sólo para dar forma al sonido, sino también para que se sienta un poco más amplio y un poco más lleno. Ok, así que ten eso en cuenta cuando estés escuchando. Entonces lo apagaré y luego lo volveré a encender ya que está jugando. Y la razón por la que suena más amplio es porque hemos, hemos hecho el ecualizador, así que hemos dado forma al sonido estéreo, estéreo. Eso lo hemos moldeado de manera diferente al sonido medio. Entonces las dos frecuencias. Entonces digamos que hay una forma de onda para la señal mono y hay otra forma de onda para la señal estéreo. Y donde ambos eran una especie de lo mismo antes. Ahora son diferentes porque hemos cambiado la forma de este ecualizador, ¿de acuerdo? Y por eso el sonido se siente más lleno y se siente un poco más ancho. Por último, al igual que los instrumentos de Oliver, tenemos que recortar algunas de las frecuencias bajas que no necesitamos. Entonces voy a sumar otra banda aquí, y esta vez la vamos a mantener en estéreo. De acuerdo, entonces estamos afectando tanto las frecuencias media como las laterales porque no queremos ningún extremo bajo en este sonido para nada. Ok, entonces escuchemos el sonido y vamos a barrer y encontrar el punto donde tipo de pierde la mayoría de las frecuencias bajas que no necesitamos. Si muevo esto, en realidad es una especie de boost stat Así que sólo voy a dejar eso donde está. Y también puedes cambiar la pendiente. Por lo que puedes cambiar lo empinada que es con este 12 db por octava. Y lo que eso significa es por cada octava, esta línea está cayendo en 12 decibelios. Entonces si pongo esto en 24, estará bajando dos veces, el
doble del nivel de volumen y por especie de octava en esto, este EQ. De acuerdo, entonces si pongo esto a 24, hará
que la línea sea mucho más pronunciada. Entonces como se puede ver, se está convirtiendo en una pendiente mucho más pronunciada. Por lo que cuanto más alto pongas esto, pronunciada será la pendiente y más baja
dijiste que más tipo de pendiente gradual será. Está bien. Entonces hagamos una escucha y encontraremos ese spot donde se eliminen las bajas frecuencias. De acuerdo, entonces creo que esto suena bastante bien. Entonces voy a cerrar eso y ya estamos listos para aplicarlo. Algo de compresión.
84. Introducción a los compresores: En estas pocas diapositivas, vamos a aprender todo sobre la compresión y por qué la usamos cuando estamos mezclando. Puede ser una herramienta muy poderosa cuando se usa correctamente, pero también una herramienta muy destructiva si se usa de la manera equivocada. Por lo que es importante entender qué está haciendo y cómo usarlo. Entonces, ¿qué es la compresión? Si bien un compresor toma el rango dinámico de un sonido y lo reduce de manera efectiva, empuja las partes más ruidosas de la señal hacia abajo en volumen, pero deja las partes tranquilas especie de intacto o en el volumen original. Entonces, cuando potencias el sonido general, las partes que eran mucho más tranquilas ahora suenan mucho más fuertes. Y el resultado final es un rango dinámico que es mucho menor que el rango dinámico original. Entonces, ¿qué es el rango dinámico? Bueno, es muy sencillo. Es solo la diferencia de volumen entre
las partes más ruidosas del sonido y las partes más silenciosas del sonido. Entonces si tienes una pieza de música que es muy fuerte en el coro, pero entonces es muy tranquilo en el verso. Entonces esto tendría un amplio rango dinámico. Si echas un vistazo a las imágenes de la derecha, entonces puedes ver estas,
estas dos formas de onda, ¿de acuerdo? El forma de onda en la parte superior tiene un amplio rango dinámico. El tipo de señal de sonido en la muy izquierda, es claramente mucho más grande que la señal de sonido que está a la derecha. En tanto que si miras la forma de onda en la parte inferior, esta forma de onda tiene un pequeño rango dinámico porque todas
las diferentes señales de sonido parecen ser del mismo tamaño o tipo del mismo volumen. Y este principio de rango dinámico es como funciona la compresión. El imagen en la parte superior sería una forma de onda antes de la compresión, y la imagen en la parte inferior sería una forma de onda después de la compresión. Entonces veamos cuáles son algunos de los parámetros principales y cómo puedes usarlos. Si partimos desde la izquierda y trabajamos hacia adentro, el primer parámetro es el umbral. Esto le dice al compresor cuándo debe encenderse y comenzar a comprimir. Entonces si quieres comprimir todo el sonido, darías vuelta el umbral todo el camino hacia abajo. Pero si solo quisieras comprimir unas áreas muy específicas como, ya sabes, las partes más ruidosas del sonido. Usarías el umbral para especie de encontrar ese punto. De esta manera, el compresor sabe no
encenderse a menos que el audio llegue a un nivel de volumen particular. Si el audio supera este nivel de umbral, entonces el compresor se encenderá y comenzará a comprimir. El siguiente parámetro es el ataque, y esto le dice al compresor lo rápido que debe encenderse. Esto es útil para sonidos como tambores, donde aún quieres que ese transitorio inicial sea ruidoso. Si das vuelta el ataque todo el camino hacia abajo, el compresor se encenderá inmediatamente y comprimirá todo el sonido. Pero si ajustas los ataques para que el compresor siga encendiéndose después de unos milisegundos, entonces puedes dejar que ese transitorio inicial, o digamos que la parte clíquea de un sonido a través para que no se comprima. A veces si tu configuración de ataque es demasiado baja, el sonido se sentirá como si estuviera un poco aplastado. Entonces si tu sonido se siente un poco aplastado, sube el ataque y debería hacerlo sentir un poco más natural. A continuación tenemos la relación, ¿de acuerdo? Y aquí es donde establecemos la cantidad de compresión que queremos aplicar. Ya sabes, ¿queremos que el compresor empuje lo más fuerte que pueda, o queremos que tipo de empuje más suavemente y sea más sutil? Deberías establecer esta relación en cualquier lugar entre 110, vale, si lo dijiste más de diez, Eso en realidad ya no es compresión y estaremos echando un vistazo a lo que es esto en unas cuantas conferencias. Pero si estás usando compresión, mantén la relación por debajo de diez. Ahora puedes ver con este compresor en la imagen, realidad no te permitirá establecer la relación más de diez. Entonces con este compresor en particular, no
cometerás el error de poner la relación demasiado alta. Liberar entonces es lo contrario al ataque. ¿ Con qué rapidez queremos que se apague el compresor? Si pones esto realmente bajo, puede sentirse muy robótico y los oyentes realidad
podrán escuchar el compresor en tu pista. Si pones el lanzamiento más alto, no será tan obvio, pero es posible que termines comprimiendo algunas partes del sonido que no querías. Por ejemplo, con las voces son tiempo de lanzamiento alto puede sonar muy natural y muy agradable para el oyente. Pero con los tambores, un tiempo de lanzamiento alto puede como que se superponga con algunos de los elementos del tambor y podrías terminar aplastando Algunos de los transitorios que no querías. Y la razón de esto es porque el compresor sigue encendido desde el tambor anterior tiene y accidentalmente atrapa el arranque de la siguiente cabeza del tambor. Por lo que para los tambores, un menor tiempo de lanzamiento puede funcionar mejor al final del día, todo
se trata de cómo suena. Entonces si suena bien, es bueno. Por último, tenemos la ganancia de maquillaje, y esto está diseñado para conformar cualquiera del volumen que pudieras haber perdido al comprimir. Entonces debido a que el compresor está reduciendo las partes más ruidosas de un sonido, también
va a reducir el volumen general. Por lo que podemos usar esta ganancia de maquillaje para
volver a subir el volumen hasta donde estaba en primer lugar. Ahora también podemos usar este parámetro de ganancia para empujar el volumen aún más fuerte de lo que era antes, ¿de acuerdo? Pero ten cuidado de no usar esto demasiado o el sonido se distorsionará. Entonces, ¿cuáles son algunos retoques más que podemos usar con un compresor? Bueno, en algunos compresores, encontrarás un parámetro para cambiar la forma de la rodilla. Y la rodilla es como el ataque, pero hay una ligera diferencia. Entonces recuerda con el ataque, estamos configurando qué tan rápido se enciende el compresor. Bueno, con la rodilla se estaban poniendo ¿qué tan agresivamente se enciende el compresor? ¿ Se enciende un encendido de inmediato y, ya
sabes, al instante comienza a comprimir el sonido? ¿ O es que se calienta y poco a poco comienza a comprimir el sonido? La rodilla es ideal para hacer que el compresor suene un poco menos obvio. También funciona muy bien en voces, pianos, y también en canales de jefe. En realidad volveremos a ver el NEA cuando estemos usando algo llamado Compresión de pegamento. También contamos con compresores multibanda. ¿ De acuerdo? Y si recuerdas de la sección de EQ, teníamos siete bandas en nuestro plugin de EQ. Y podemos moverlos a tipo de enfoque en diferentes frecuencias. Bueno, es lo mismo con un compresor. En realidad podemos comprimir las frecuencias bajas diferentes a la forma en que comprimimos las frecuencias altas. Y esto es realmente útil porque a veces la gama baja puede ser muy ruidosa, pero la gama alta puede ser muy tranquila. Y si tuviéramos que usar un compresor normal, simplemente reduciría el volumen de ambos. Pero si usamos un compresor multibanda, podríamos aplicar compresión solo al extremo bajo, lo que entonces haría que el sonido fuera mucho más brillante y permitiera pasar las altas frecuencias. Entonces esta es toda la teoría que necesitamos conocer. Ahora podemos saltar y empezar a usar un compresor para nuestras pistas.
85. Determinar cuándo utilizar la compresión: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender cuándo aplicar la compresión. Entonces vamos a ver cómo sabes cuándo se necesita compresión. Ok, entonces vamos a solista las voces aquí. ¿ De acuerdo? Voy a solo estos y los vamos a echar un vistazo. Y en realidad los vi en la pista del mezclador, pero vamos a echar un vistazo a su tipo de niveles de volumen. Ok, entonces estoy viendo esta pista vocal ahora. Y puedo ver aquí el medidor de nivel. Ok, entonces esto me está mostrando una especie de actualizaciones
en vivo a todos los diferentes niveles de volumen y el sonido. Entonces podemos ver, podemos ver aquí con esto,
ver este pedacito que se está cayendo, ¿de acuerdo? Esto de aquí. Y luego cae. Este son tus medidores de pico. Entonces esto nos dice el nivel de la parte más ruidosa de la señal. Y podemos ver con esta vocal, es alrededor de las nueve, vale, alrededor de nueve decibelios, en algún lugar entre 96. Entonces no lo sé, tal vez siete. Está bien. Por lo que se sentó alrededor de siete decibelios. Pero si miramos el resto de la señal aquí abajo, podemos ver que aquí es donde la señal es una especie de
promedio de y este pico es donde las partes más ruidosas. Por lo que podemos ver que la diferencia entre las partes
más ruidosas y las más tranquilas de la señal es enorme. ¿ De acuerdo? Y este es el rango dinámico. Y podemos ver que hay un enorme rango dinámico con este sonido en particular. Entonces debido a que este sonido tiene un amplio rango dinámico, entonces necesitamos usar la compresión para especie de reduce. ¿ De acuerdo? Entonces lo que hacemos es venir y cargar nuestro plug-in de compresor y
pasamos por todos los ajustes hasta que el rango dinámico es una especie de reducción. Entonces tal vez sería aquí arriba y la parte más tranquila podría ser aquí abajo. Ya no estará aquí abajo. Está bien. Pero en el extremo opuesto de esto, si llegamos a algo así como el sonido de órgano que tengo en algún lugar por aquí, sólo lo
encontraré en la lista de reproducción. Ok, aquí está, en 29. Entonces si solo esto y tenemos una escucha, bueno se puede ver que el pico, el sonido está aquí. Pero el tipo de promedio está aquí abajo. De acuerdo, entonces en realidad no hay mucha diferencia entre las partes más ruidosas y las más tranquilas del sonido. Entonces con este sonido en particular, podría que ni siquiera
usemos compresión en absoluto. Ok? Ahora, podríamos usar un compresor muy, muy de repente son muy suavemente porque en realidad, no necesita compresión tal como es. Porque como se puede ver, la parte más ruidosa de la señal está muy, muy cerca de la parte más tranquila de la señal. Y esta es la forma más fácil de determinar si un sonido necesita compresión o no. De acuerdo, si nos acercamos a algunos de estos otros instrumentos, pero échale un vistazo al piano. Entonces podemos ver el pico del sonido está aquí arriba y el promedio está en algún lugar aquí abajo. ¿ De acuerdo? Por lo que este tipo de sonido necesitaría compresión porque el rango dinámico es muy grande. Echemos un vistazo a otro sonido, tal vez este instrumento sintetizador. Ok. Y de nuevo, el rango dinámico es algo moderado. De acuerdo, así que el pico está aquí arriba y el promedio está en algún lugar aquí abajo. Entonces podríamos aplicar compresión a esto, pero con un ajuste mucho más suave. Echemos un vistazo a un tipo de sonido más. A lo mejor este piano eléctrico. Veamos cómo suena esto. De acuerdo, así que esto de nuevo tiene un enorme rango dinámico. Entonces es una especie de pico del sonido está aquí arriba, y el promedio está aquí abajo. Por lo que este sonido en particular se beneficiaría de los usos de la compresión. Y de nuevo, si sólo echamos un vistazo a este próximo instrumento, que creo que es otro sintetizador. El rango dinámico no es eso, no es tan grande,
vale, puedes ver que el pico está aquí y el promedio está en algún lugar aquí abajo. Por lo que el pico y el promedio están muy cerca juntos. Lo que significa que este sonido en particular tiene un rango dinámico pequeño y quizás ni siquiera aplicemos compresión en absoluto. Ok? Y si lo hacemos, sería muy, muy sutil. Entonces con todo eso dicho, pasemos ahora a la siguiente conferencia donde veremos cómo usar la compresión.
86. Cómo utilizar la compresión: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender las técnicas que aplicarás cuando estés usando compresión. De acuerdo, vamos a llegar a este sintetizador elementos y sólo tendremos una escucha a lo que suena. Ok, y puedo ver que está en la pista nueve en el mezclador. Entonces lo voy a encontrar y ya está resaltado para nosotros. Entonces lo primero que debemos hacer es determinar si este sonido realmente necesita compresión o no. De acuerdo, entonces si venimos aquí a este medidor de nivel y vamos a echar un vistazo a lo que está haciendo el sonido como se coloca. Entonces puedo ver que el pico está en algún lugar por aquí, y entonces el tipo de promedio del sonido está por aquí. Está bien, entonces no es un enorme rango dinámico, pero todavía vamos a aplicar compresión sólo por el bien de demostrar cómo usarnos. Entonces si venimos aquí a nuestras ranuras de efectos y recargamos un plugin de compresor. Entonces voy a usar este compresor e. Y cuando se abre, podemos ver que el, bueno, en primer lugar, la interfaz es bastante vieja de aspecto, pero eso está bien porque todavía tenemos todo el tipo de parámetros que necesitamos. Tenemos relación umbral,
ataque, liberación, y la ganancia de maquillaje. A esto de aquí se le llama la atenuación. Y esto nos muestra cuando el compresor realmente se está encendiendo, ¿de acuerdo? Y lo verás en acción mientras aplicamos los ajustes de compresión. De acuerdo, entonces el primer paso que vamos a hacer es que vamos a ajustar la relación. Entonces, así que voy a subir esto a tal vez, digamos que tal vez 3.5, vale. Y podríamos cambiar esto después de depender de cómo suene, pero solo lo voy a dejar en 3.5 por el momento. Y luego vamos a ajustar este umbral, ¿de acuerdo? A medida que se está reproduciendo el sonido. Y vigilaremos por aquí cuando se encienda el compresor. Y tú, podrás ver que, ya
sabes, el compresor. Cuanto más abajo bajamos este umbral, más estará trabajando el compresor para empujar realmente el sonido. De acuerdo, entonces ajustemos este umbral y veamos lo que está pasando en el medidor de atenuación. De acuerdo, entonces ahora cuando estamos ajustando el umbral, como que
tenemos que encontrar un punto que suene bien, pero tampoco es que no se esté comprimiendo demasiado porque no quieres que suene muy obvio. Por lo general, en algún lugar entre tipo de seis y entre 06 dB está bien para la compresión. De acuerdo, entonces lo que vamos a hacer es que vamos a tener una lección, una justicia hasta que suene bien. Y luego lo dejaremos a ese nivel. ¿ De acuerdo? Por lo que podemos ver que el promedio de la atenuación es una especie de
alrededor de tres y el pico está en algún lugar entre 69. ¿ De acuerdo? El siguiente parámetro que tenemos que ajustar es el ataque, ok? Y esto es lo que está causando eso. No sé si puedes oírlo, pero una especie de
sonido clicky y distorsionado al inicio mismo de las notas, ¿verdad? No suena muy placentero. Pero a medida que aumentemos este ataque, te darás cuenta de que, eso, ese sonido clicky se ha ido. ¿ De acuerdo? Y la razón por la que el sonido clicky como ahí dentro es porque el compresor se está encendiendo de inmediato y es una especie de compresión de todo el sonido. Y eso simplemente no suena muy natural a nuestros oídos. De acuerdo, así que juguemos el patrón y ajustaremos este ataque hasta los datos. Ese sonido clicky se ha ido. De acuerdo, tal vez en algún lugar por aquí, el sonido clicky ha hecho y podría incluso aumentarlo un poco más. A continuación tenemos que ajustar el parámetro de liberación. Entonces lo vamos a volver a aumentar hasta que encontremos un punto donde suene bien. Y ahora esto es una especie de parámetro sutil, o podría ser capaz de oírlo muy bien. Pero solo estoy realmente escuchando el sonido y tipo de encontrar un punto en el que creas que el compresor suena bien. De acuerdo, entonces si doy vuelta esta escritura, En realidad
es, como pueden ver aquí, es captando, todo el sonido es captar el inicio de la siguiente nota. tanto que si bajo esto hacia abajo, se está apagando muy rápidamente. Entonces depende de ti de verdad, si quieres captar todo el sonido, o solo quieres captar algo del sonido? Ahora me gusta un poco el sonido cuando los lanzamientos se volvieron a pi. Creo que suena un poco suave y es algo parecido a los gráficos mantecosos. Creo que suena muy bien con los ajustes. Vamos a dejarlo ahí. A continuación tenemos que ajustar la ganancia de maquillaje, ¿de acuerdo? Y podemos ver por aquí cuánto está sucediendo la reducción de ganancia. Entonces es en algún lugar entre seis decibelios y nueve decibelios. Entonces voy a ajustar mi ganancia de maquillaje dos alrededor de eso, alrededor de 60 V. Eso podría ser un poco de carga. Si escuchamos, si realmente lo tocamos hasta 60 B, se
puede ver que es realmente, realmente ruidoso. Entonces tal vez no pongamos esto hasta seis dB y sólo vamos un poco ajustados ya que estamos escuchando y Missy
encontrará un punto que suena bien para la ganancia de maquillaje. Entonces tal vez por ahí, tal vez alrededor de 1.7. Y tu compresor podría ser completamente diferente. Sé que con la mayoría de los compresores, cuando vuelves esto al mismo valor que estás como atenuando por. Puede sonar bien. Pero cualquiera que sea el algoritmo
que esté usando este compresor, parece ser mucho más fuerte. Por lo que realmente sólo depende del plugin de compresor que estás usando. Pero tienes que usar las orejas, ¿de acuerdo? No tus ojos. Entonces realmente hay que escuchar el sonido y encontrar un punto donde suene bien, no, no mirar los parámetros y ver qué se ve bien, vale, porque eso realmente no importa. Es como suena. Entonces vamos a tener una escucha rápida del patrón sin compresión y luego vamos a encender el compresor en especie de medio camino. Y si quiero que ese compresor sea un poco más agresivo, puedo subir la relación, así puedo ajustar esto de 3.5 a quizás siete. O puedo darle la vuelta hasta diez. Pero estoy notando que un poco de distorsión está llegando aquí cuando está ajustado a diez. Entonces voy a volver a bajar esto y tal vez lo
dejemos donde nos teníamos al 3.5. porque me gustó el sonido de eso. Por lo que en la próxima conferencia, veremos la compresión para instrumentos. Y podríamos usar algunos plug-ins de compresor diferentes para ver
un poco las diferentes interfaces con las que podría tener que lidiar.
87. Compresión para los instrumentos: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a usar la compresión para instrumentos. De acuerdo, entonces vamos a entrar en uno de estos patrones de instrumentos que
no vimos en la última conferencia, que es ésta. Y puedo ver que es, puedo ver que está en la pista seis y el mezclador. De acuerdo, así que aquí está. Entonces lo que haremos es mirar el medidor de nivel y determinar si este sonido necesita compresión o no. Para que pueda ver que el pico está aquí arriba alrededor de las 15. Y el tipo de promedio del sonido está aquí abajo. De acuerdo, entonces esto tiene una especie de rango dinámico moderado. Por lo que este sonido podría beneficiarse de la compresión. Entonces cargemos un compresor y usaremos un compresor diferente para durar la vez. Por lo que la última vez que usamos este compresor E, esta vez usaremos dinámicas quizá sólidas. Y se puede ver que este compresor se ve completamente diferente al otro compresor, pero aún tenemos todos los mismos parámetros. ¿ De acuerdo? Tenemos umbral, tenemos una relación, tenemos la liberación. Tenemos un botón para cambiar entre un ataque rápido y un ataque lento. Y también tenemos una rodilla aquí. Entonces esta es una especie de rodilla gradual. Y esta es una necesidades muy agresivas, sólo se enciende muy de repente. Y también tenemos la ganancia de maquillaje por aquí. Y luego justo en medio, tenemos estos medidores de atenuación. Entonces esto nos va a decir cuánta compresión está aplicando realmente el compresor. ¿ De acuerdo? Así que primero vamos a ajustar el parámetro de relación, ¿de acuerdo? Y podemos darle la vuelta, creo que entre uno y aquí arriba, seis o infinito. ¿ De acuerdo? Entonces sólo voy a dejarlo a tal vez 3.5 otra vez. Simplemente lo dejaremos aquí. Y podríamos cambiar este valor después si el sonido está algo más fuera de control. ¿ De acuerdo? Lo siguiente que vamos a hacer es volver a convertir este umbral a 0. Ok? Y luego vamos a escuchar el sonido. Y lo subiremos hasta que encontremos el punto donde está leyendo la atenuación en este medidor de atenuación. Y además, suena bien a nuestros oídos. De acuerdo, entonces volvamos a poner esto a 0 y vamos a tener una escucha del sonido. Y ajustaré este umbral ya que se está reproduciendo el sonido y encontraremos ese punto. Para que pueda ver que está dosificando ahí en el medidor de atenuación. Voy a empujarlo un poco más. De acuerdo, tal vez 17.1. Y ahora creo que en realidad voy a subir un poco la relación. De acuerdo, voy a subir a tal vez, vamos a probar 4.2. Escuchemos cómo suena esto. De acuerdo, y podemos cambiar entre un ataque rápido y otro lento. Veamos cómo suena un ataque lento. Y apaguemos eso de nuevo. Entonces después de escuchar eso, en realidad
creo que es al revés. Creo que cuando esto es rechazado, este es un ataque rápido. Entonces es una especie de captar el sonido de inmediato. Lo está atrapando tan pronto como empieza. Y luego si apagamos esto, es un ataque lento. Y es una especie de dejar que la primera parte de ese sonido pase por su único tipo de captura de la segunda mitad de estos nodos. Ahora prefiero el sonido con el ataque lento, así que voy a dejar el escenario. Voy a dejar el set su siguiente tenemos que ajustar el lanzamiento. Entonces, vamos a tener una escucha del patrón de nuevo. Y hemos apagado este lanzamiento hasta encontrar un punto que nos guste. Y si no encontramos un punto, somos como si lo dejáramos de nuevo en especie de ajuste por defecto,
que es muy, muy corto, ¿de acuerdo? Entonces creo que esto es una especie de ajuste realmente es demasiado. Entonces voy a bajar esto. Y quizá lo dejemos en algún lugar alrededor de 15 milisegundos. De acuerdo, y ahora probemos los diferentes ajustes de rodillas. Por lo que por el momento está ajustado a un suave d10. De acuerdo, pero probemos cómo suena cuando cambiamos a un endurecimiento. Ok, entonces cambiemos tipo de medio camino a través del patrón. Y se puede escuchar al instante que suena mucho más agresivo con este endurecimiento seleccionado. Entonces lo voy a dejar de nuevo en el dinero blando porque prefiero el sonido del tipo de compresión sutil. ¿ De acuerdo? Entonces ahora vamos a ajustar la ganancia de maquillaje. Y puedo ver con el medidor de atenuación que es una especie de alrededor de 36. Ok, entonces es la sexta luz es una especie de iluminación a veces, pero las tres luces siempre están encendidas. De acuerdo, entonces voy a ajustar esta ganancia de maquillaje entre quizá 36 db. Entonces vamos a tener una escucha y vamos a ajustar esto. Pero si empieza a cargarse demasiado como la última conferencia, vamos, lo bajaremos y encontraremos un punto donde suene bien. Entonces tal vez 4.5 dB. Y también tenemos este parámetro seco, ¿de acuerdo? Y el parámetro seco es para compresión paralela. Entonces lo que esto hace es que se mezcla en la señal original. De acuerdo, entonces la señal sin compresión, que suena así, mezcla esto con la señal que sí tiene compresión. ¿ De acuerdo? Y si usamos esto, si usamos esto, realmente
podemos hacer el sonido un poco más lleno, ¿de acuerdo? Porque lo que está haciendo es tomar todas
las partes buenas del rango dinámico de la señal original. Y también está agregando esto al tipo de sonido de control del compresor. Y estás consiguiendo lo mejor de ambos mundos. También puede hacer que el sonido sea un poco más punchante. Por lo que este tipo de ajuste de compresión paralela, esto funciona bien para los tambores. Por lo que alguna vez habíamos escuchado el patrón y mientras está jugando ajustará este parámetro seco, que sumará en alguna compresión paralela. De acuerdo, así que vamos a escuchar. Y si empujamos esto hacia arriba, en realidad
va a aumentar el volumen porque estamos mezclando dos tipos de señales juntas. Entonces solo ten cuidado de no poner esto en alto y empezar de nuevo. Entonces, tal vez lo mantengamos alrededor de 28 aquí. Nosotros sólo queremos ser sutiles con ello. No quiero que este sonido en particular sea a punchy. Entonces vamos a tener un escuchar el sonido antes de la compresión, y luego tendremos un escuchar el sonido después de la compresión. Y vamos a elegir muy rápidamente otro patrón de instrumento y sólo vamos a aplicar un poco de compresión muy, muy rápida. Entonces tal vez esto, lo que sea, estos distorsionados Keyczar. Y creo que estos podrían ser el piano eléctrico todavía. Entonces está en la pista 10010, que está aquí. Está bien. Entonces cuando estamos mirando los medidores de nivel, podemos ver que el pico está aquí arriba y el promedio está en algún lugar muy abajo. Por lo que este sonido definitivamente podría usar la compresión. De acuerdo, entonces voy a cargar un compresor. Y de nuevo, vamos a probar un compresor diferente por el bien de la demostración, vamos a probar este VC 2A. Y puedes ver eso otra vez, la interfaz se ve completamente diferente, ¿de acuerdo? Y en realidad no tenemos tantos parámetros. Sólo tenemos este parámetro de reducción de pico, que es el umbral, ¿de acuerdo? No tenemos la opción de cambiar la relación. No tenemos la opción de cambiar el ataque. No tenemos la opción de cambiar el lanzamiento. ¿ De acuerdo? Y eso se debe a este plugin en particular tiene todo ese tipo de parámetros incorporados. De acuerdo, entonces sea cual sea el algoritmo, los Native Instruments, así que sea cual sea el algoritmo que hayan construido, piensan que suena perfectamente bien. Y todo lo que necesitas para poder usar esto, ¿de acuerdo? Y lo conseguirás, obtendrás algunos compresores que tengan más parámetros y obtendrás compresores que tengan menos parámetros. Lo que nos han dado en su lugar es esta ganancia de entrada, ¿de acuerdo? Entonces subimos la ganancia de entrada para especie de decirle al compresor cuánto del sonido de compresión queremos obtener. De acuerdo, entonces voy a tocar el sonido. Y voy a ajustar esto. Voy a apagar la ganancia de entrada. De acuerdo, así que no estoy sacando ningún sonido de mi software. Entonces tengo que subir aquí a la configuración de audio y sólo una especie de flick entre estos dos dispositivos de salida diferentes. Y debería restablecerlo. De acuerdo, entonces suena cuando nos sentamos y ajustemos esta ganancia de entrada y alguna vez escucharemos lo que está haciendo el compresor. Entonces encontraremos un punto donde esta ganancia de entrada suene bien. Ok, tal vez no demasiado, tal vez un poco más que eso. Y lo siguiente que haremos es ajustar el umbral. Entonces como se está reproduciendo el sonido, ajustaré el umbral y mantendremos un ojo en estos medidores de atenuación. Entonces esto se va a mover de esta manera para decirnos cuándo el compresor realmente se está comprimiendo. De acuerdo, vamos a escuchar. De acuerdo, así que ahora se mueve. Voy a empujarlo un poco más. Y tal vez un poco más que eso. Ok, creo que eso es demasiado. Vamos a tirar de él hacia atrás. De acuerdo, entonces creo que eso suena mejor. También tenemos esta perilla seca por aquí donde podemos hacer algo de compresión paralela, pero no voy a hacer compresión paralela para este sonido en particular. Sólo tendrá una escucha a cómo suena el patrón antes de la compresión. Y luego tendremos una escucha a lo que suena después de la compresión. Entonces esto es antes de la compresión. Y esto es después de la compresión. Entonces este es el proceso que usarás cuando estés comprimiendo tus instrumentos. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a la compresión para base.
88. Compresión para bajo: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a la compresión para base. Ahora vamos a estar usando exactamente
el mismo proceso que todas las demás compresiones que aplicamos. Pero la única diferencia es con la base, vamos a estar usando una relación mucho mayor. ¿ De acuerdo? Entonces vamos a estar usando una relación en algún lugar entre seis es a 110 es a uno. De acuerdo, así que vamos a entrar en este patrón base aquí y tener una escucha a lo que suena. Ok, y lo abriremos en el mezclador para que pueda ver que está en la pista ocho. Entonces si pinchamos aquí, este es el instrumento base, ¿de acuerdo? Y volveremos a echar un vistazo a los niveles. Y puedo ver que está alcanzando un máximo por encima de los 15 y el promedio está en algún lugar aquí abajo. De acuerdo, entonces no es un rango dinámico masivo, pero todavía vamos a aplicar compresión porque es un instrumento de bajo y las frecuencias base son muy,
muy pesadas, así que no queremos que se salgan de control. Vengamos aquí a nuestras ranuras de efecto y cargaremos un plug-in de compresor. De acuerdo, vamos a cargar uno diferente. Y luego lo que hemos estado usando hasta ahora, vamos a recoger tal vez este compresor líquido dos. Y de nuevo, cuando se abre, podemos ver que la interfaz es completamente diferente, pero aún tenemos los mismos parámetros. Tenemos un umbral, tenemos una relación, tenemos un tiempo de ataque. Yo suelto tiempo. Tenemos una opción para cambiar la rodilla entre dura y blanda. Y también tenemos un tipo
de parámetro Makeup Gain por aquí donde podemos ajustar la ganancia de maquillaje, vale, y restablecer eso. También contamos con un medidor de reducción de ganancia, que también es el medidor de atenuación. Nos mostraremos cuando el compresor realmente está haciendo algo de compresión. ¿ De acuerdo? Entonces lo primero que vamos a hacer con el bajo es que vamos a establecer la relación bastante alta. De acuerdo, así que voy a darle la vuelta todo el camino hasta alrededor de las ocho. De acuerdo, entonces 8.3 es a uno. Y alguna vez escucharemos cómo suena esto Ahora. ¿ De acuerdo? Y en realidad no va a hacer ninguna diferencia hasta que cambiemos el umbral. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a reducir el umbral, bajarlo hasta que veamos que el medidor de reducción de ganancia nos está diciendo que el compresor está haciendo algo de compresión. Entonces vamos a tener una escucha del sonido y vamos a ajustar este parámetro de umbral. Entonces puedo ver ahora que el medidor de reducción de ganancia es una especie de punto máximo y nos está mostrando cuánta compresión está aplicando realmente el compresor. Entonces está en algún lugar abajo. Realmente no puedo ver eso. Pero creo que es una especie de entre 15, así que tal vez tres. Ok, entonces podríamos ajustar un poco más el umbral. Pero ahora puedo escuchar que esto es en realidad, esto está marcando una gran diferencia en el sonido general del bajo. Entonces voy a traer esa copia de seguridad, ¿de acuerdo? Porque no les gusta el sonido de la misma cuando es una especie de set en 20. No creo que suene como natural. Llevemos esto de vuelta a Bill, en realidad, 19.1, eso en realidad suena bien. A continuación ajustaremos el tiempo de ataque. ¿ Queremos que el compresor se encienda muy rápidamente y atrape todas las notas. O si quisiéramos encendernos lentamente y dejar pasar algunos de los nodos. Bueno, cuando el tiempo de ataque es bastante rápido, en realidad
estamos perdiendo algunas frecuencias de bajo. Entonces creo que suena mejor cuando el tiempo de ataque es bastante lento. Entonces voy a llevar esto justo hasta tal vez 28.5 milisegundos. A continuación, ajustaremos el tiempo de lanzamiento. Entonces vamos a traer esto todo el camino hacia abajo. Y lo traeremos todo el camino hacia arriba. Entonces prefiero el sonido de este tiempo de lanzamiento bastante lento, vale, creo que suena, si tú, si escuchas el bajo, suena muy suave aparece cuando,
cuando el tiempo de lanzamiento es muy alto. Pero eso no me gusta. Yo quiero que la base suene más agresiva y más punchosa. De acuerdo, entonces ahora el bombo y no el bombo, lo siento, la base. Entonces ahora la base suena como si fuera una especie de puñetazo. Por último, ajustaremos la ganancia de maquillaje. Por lo que miramos el medidor de reducción de ganancia. En realidad no está haciendo tanto. Entonces tal vez sólo nos voltearemos por tal vez uno o dos db. Ok. Y este compresor en particular nos da dos tipos de niveles que podemos monitorizar. Podemos monitorear lo que viene, que fue esto. Y la señal que luego sale del compresor es ésta. Hagamos una escucha a cómo suena el patrón base sin compresión. Y luego lo encenderemos especie de medio camino a través del patrón. ¿ De acuerdo? Entonces para la base, vas a aplicar compresión en exactamente
el mismo tipo de proceso que estábamos haciendo para los instrumentos. Y lo que vas a establecer la relación mucho más alta,
vale, en algún lugar entre 610. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a la compresión para tambores.
89. Compresión para la batería: En esta conferencia, vamos a ver la compresión para tambores. Y no es exactamente lo que piensas. Y la razón por la que no es exactamente lo que piensas es porque cuando arrastras en una muestra de tambor a tu, a tu arreglo, ya está comprimida. De acuerdo, este sonido de aquí, esto ya está comprimido. Recuerda que estaba diciendo antes que los sonidos que obtienes en packs de
muestra ya están en capas para ti y ya suenan bien. Bueno, parte de por qué ya suenan bien es porque en realidad están comprimidos para ti, ¿de acuerdo? Y la forma en que podemos decir si una muestra ha sido comprimida para nosotros ya es si la agregamos a la pista del mezclador así, y restablecemos el deslizador de nuevo a 0. Y si vemos este medidor de nivel, si la muestra está golpeando 0 aquí, 0 dB, entonces ese sonido en particular, esa muestra en particular ya ha sido comprimida, aunque apaguemos todos estos plug-ins por aquí. Entonces si vemos que todos los plugins están apagados, el volumen está de vuelta a especie de la configuración predeterminada. Y si observamos el medidor de nivel, estará pegando 0 aquí. ¿ De acuerdo? Por lo que este sonido ya está comprimido. No necesitamos aplicar compresión a este sonido en particular porque ya está comprimido. Y de nuevo, si cargo alguna de estas muestras de tambor, todas
están comprimidas porque cuando las
sacas del paquete de muestras a través ya comprimidas para ti. Por lo que de nuevo, voy a volver a subir esta vuelta a 0. Simplemente apaga el compresor y el ecualizador. Y luego echaremos un vistazo a este medidor de nivel y veremos que la muestra, está bien, está pegando 0. Entonces no hay necesidad de que vayamos a comprimir esto otra vez. Y otra vez. Si miramos esto, que es este tipo de tarea cerrada clicky, de
nuevo, si restablecemos esto a 0, apaguemos los plugins y echamos un vistazo al medidor de nivel. Está pegando 0. Ok? Y la cosa es que si vas y aplicas un compresor encima de estos sonidos ya comprimidos, vas a terminar haciendo que tus tambores suenan realmente, realmente aplastados. De acuerdo, entonces básicamente, mi consejo de esta conferencia y que es compresión para tambores, es no comprimir tus tambores. Ok, no aplique compresión a sus muestras de tambor porque ya están comprimidas para usted. Y lo mismo se aplica a los bucles de batería, vale, si entro en mi paquete de muestras y solo arrastraremos en un bucle de batería. Entonces vendré aquí a mis bucles de verdad, muy rápido. Basta con encontrar un lazo Dragón, que tal vez sea éste. Tomemos esto, arrástrelo aquí. Y voy a solo eso y solo lo bucle para que podamos escuchar tocar una y otra vez. Correcto, si agrego esto a la pista del mezclador. Y antes que nada, incluso antes de que lo hayamos tocado, puedo ver que estas muestras aquí, sea lo que sea esto, en realidad está golpeando la parte superior y está golpeando la parte inferior. Entonces esto, este bucle ya está comprimido. Entonces no hay afectos. El volumen se establece en especie del valor predeterminado. Y si observamos el medidor de nivel, está golpeando 0. ¿ De acuerdo? Por lo que este bucle no necesita ser comprimido. Ya está comprimido para nosotros. En realidad voy a expandirme en este punto en el muy, muy final de esta sección de compresión. Y, pero por ahora, debes estar consciente de que tus muestras individuales de tambor, como el kick o el aplauso o el hash, o incluso tu bucle de batería aquí. Estos no necesitan ser comprimidos porque cuando los
sacas del paquete de muestra, ya hay comprimidos. Entonces cuando vengas a comprimir tus muestras de tambor, haz lo que hice. Apague todos los plugins, restablezca el volumen al valor predeterminado, y luego eche un vistazo al medidor de nivel. Y si el sonido ya está golpeando 0, entonces no hay necesidad de comprimir esa muestra de tambor en particular o ese bucle externo. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a la compresión para voces.
90. Compresión para las voces: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a aplicar compresión dos voces, ¿de acuerdo? Y el proceso de esto no es diferente a aplicar compresión a cualquier otro elemento como tus instrumentos. Entonces sigamos adelante y abramos las voces en la pista del mezclador, y solo tendremos una escucha de cómo suenan por su cuenta. Y si echamos un vistazo al medidor de nivel y tipo de
determinamos si este sonido necesita o no compresión. Podemos ver que el pico del sonido es algo así aquí arriba alrededor de las nueve, entre 69. Y el promedio de la señal está en algún lugar justo aquí abajo, está cerca del fondo. Por lo que este sonido en particular, esto definitivamente podría usar compresión. Entonces vamos a venir aquí a nuestras ranuras y vamos a sumar un compresor. Añadamos un compresor diferente esta vez, quizás
agreguemos el FAA 770, este compresor BT. O en realidad creo que usamos esto cuando estoy listo. Vamos a reemplazar esto por tal vez el CPS uno. Está bien. Sólo probaremos este. De acuerdo, éste es diferente. Por lo que de nuevo, se puede ver que la interfaz es diferente. Yo solo quería pasar por diferentes compresores y tipo de
mostrarte cómo son diferentes las interfaces. Reservar el tipo de parámetros que puedes ajustar son los mismos. De acuerdo, entonces tenemos que umbrar. Tenemos el ataque, tenemos una relación, y tenemos una liberación. Y luego por aquí también tenemos la ganancia de maquillaje. ¿ De acuerdo? Entonces vamos a seguir adelante y establecer la relación a tal vez un poco más alta. Voy a ponerlo hasta un 4.5. Y puedo ver el tipo de la lectura aquí, el valor de lo que está configurada la relación. Y luego voy a ajustar el umbral ya que están tocando las voces. Y el tipo de encontrar un punto donde esta medida de atenuación es una especie de lectura y también donde suena bien. De acuerdo, entonces vamos a tener una escucha ahora. De acuerdo, entonces este medidor está claramente leyendo. Podemos ver que la aguja se está moviendo desde especie de la posición 0 justo más allá de los siete db. Entonces este compresor está haciendo mucha reducción de ganancia y no quiero que esté haciendo esta reducción de ganancia. Yo como que quiero que el compresor sea sutil en la voz. Entonces reduzcamos realmente este umbral de la misma. Sólo para que sea más sutil. De acuerdo, así que ahora solo está captando las partes realmente ruidosas de la señal y es una especie de dejar pasar las partes más tranquilas. De acuerdo, a continuación podemos establecer nuestro ataque. Entonces voy a escuchar la vocal como lugar. Y voy a poner esto todo el camino de vuelta al valor más pequeño y voy a barrer y tener una escucha de cómo suena cada valor. Los bordes pueden de nuevo. De acuerdo, y creo que cuando el tiempo de ataque es realmente bajo y suena un poco extraño. Puedo, puedo escuchar la compresión cuando el tiempo de ataque es realmente bajo, sobre todo porque es una vocal. Nosotros, como humanos somos muy hábiles para escuchar la voz. De acuerdo, entonces, así que aunque tu oyente
no tenga absolutamente ninguna idea de la producción musical, todavía podrá escuchar el compresor en las voces. O peor aún, todavía tipo de narices que hay algo mal y, pero no saben lo que es, pero saben que no les gustó el sonido de la misma. Entonces voy a poner este tiempo de ataque un poco más alto. A lo mejor hasta cerca de 30 milisegundos, tal vez incluso un poco Mar. Y a continuación vamos a fijar el tiempo de lanzamiento. Ok, entonces otra vez, arrástrelo hasta el fondo y alguna vez habíamos escuchado cada tipo de valor y lo que eso hace al sonido de las voces. Entonces creo que como que me gusta el sonido
del lanzamiento cuando estaba en algún lugar alrededor de la marca de 300 a 500. Entonces lo voy a dejar en algún lugar intermedio. Y ahora vamos a llegar a nuestra ganancia de maquillaje. Y podemos ver que el compresor está reduciendo la señal en unos siete decibelios. Y no voy a empujar tanto la ganancia de maquillaje. Podría simplemente empujarlo por tal vez cuatro o cinco decibelios y ya veremos qué pasa. Ok. Entonces eso son 5.2 decimales. Podríamos empujarlo un poco más, tal vez hasta 6.626. Entonces ahora vamos a tener una escucha a la vocal sin compresión. Y luego como está reproduciendo compresor alternativo y podemos ver qué tipo de diferencias hacer pliegues es malo, no bordes. Y si escuchamos cómo suena esto en la mezcla, suena así. De acuerdo, y a continuación vamos a tener que aplicar compresión a este tipo de vocales, esa voz. De acuerdo, Entonces estos están por aquí en la especie de sección de coros. Y si acabo de ver esto y tendré que solista al portador, suenan así. Y si echamos un vistazo al medidor de nivel, y podemos ver que el pico es algo así aquí arriba alrededor de las nueve. Y el promedio es tal vez en algún lugar alrededor de los 15. De acuerdo, entonces no es un enorme rango dinámico, pero todavía vamos a aplicar el compresor. Y vamos a poner el compresor después del vocoder aquí porque queremos comprimir el sonido del vocoder también. Y no queremos que el sonido comprimido entre en el Vocoder. Quiero comprimir todo este sonido como una especie de sonido total. De acuerdo, entonces vamos a cargar otro compresor y vamos a probar tal vez esta misma comp. Y como puedes ver, este compresor nuevamente tiene una interfaz diferente, pero tenemos una perilla de entrada. Tenemos una salida y tenemos este umbral, ¿de acuerdo? También tenemos ataque y la recuperación aquí. Este es tu lanzamiento, vale,
entonces, ¿qué tan rápido se recupera una especie de? Entonces la entrada de nuevo es la cantidad de sonido que vamos a sacar del compresor. Y la salida es tu ganancia de maquillaje. Y entonces todos los demás parámetros son los mismos que lo que hemos estado viendo antes. También tenemos el tipo de aguja de atenuación por aquí y nos mostrará tipo de cuánto se está comprimiendo el compresor. No tenemos opción para cambiar la relación. Y eso se debe a que este plugin tiene ese valor de relación incorporado. De acuerdo, así que vamos a escuchar el sonido de este vocoder. Y voy a volver a restablecer estos parámetros a especie de 0. Vuelve a colocar esto en 0. Y ahora podemos empezar a retocar esta entrada de nuevo. Solo beamos como potenciados ligeramente por tal vez 3.8 decibelios. Y luego llegaremos al umbral y ajustaremos esto ya que se está reproduciendo el sonido. Ahora puedo ver cuál es la aguja que es, es una especie de reducción del sonido quizá en dos decimales. Entonces solo voy a empujar eso un poco más. De acuerdo, entonces después de escuchar este plug-in, en realidad
creo que este umbral es una especie de la forma opuesta. Creo que de esta manera es una especie de más compresión. Si miramos por aquí y de esta manera es menos compresión. De acuerdo, así que voy a hacerlo, en realidad voy a ajustarlo en dirección opuesta. Está bien. Entonces es algo que está alcanzando hasta ahora. Y sólo voy a empujarlo un poco más allá. Está bien. Y podemos ver que es una especie de entre 24, que supongo que son tres. Y lo que podemos hacer es que podemos impulsar la ganancia de maquillaje alrededor de 3dB. Sólo intentemos y tal vez 2.51. Está bien. Creo que esto es lo suficientemente alto. No creo que tengamos que ir más lejos. Y sólo echemos un vistazo al ataque. Veamos qué pasa si impulsamos el ataque todo el camino hasta como un tiempo de ataque rápido. Y probemos un tiempo de ataque lento ahora. Ahora porque estas son voces de respaldo, porque están tocando al mismo tiempo que la vocal principal. No quiero que estos se salgan de control, así que voy a dejar rápido el tiempo de ataque y sé que suena un poco más dinámico cuando el ataque está configurado para realmente lento. Pero creo que suena mejor con el propósito de lo que están haciendo, que es respaldar voces. Creo que es mejor dejar el ataque puesto demasiado rápido. Vamos a llegar a la recuperación, que también es el lanzamiento. Y trataremos de ajustar este parámetro. Entonces creo que suena un poco mejor con el tiempo de lanzamiento un poco más lento. Y creo que dije esto antes de todos modos sobre la voz. Tiempos de lanzamiento más altos tipo de sonido mejor en una vocal. Un poco lo hace sentir un poco más suave. Entonces veamos cómo suena esto con la otra vocal. Podríamos bajarlo como morboso. Y veamos cómo suena en la mezcla, ¿de acuerdo? Pero algo de ello, y sólo
voy a silenciar este sonido de órgano porque el AMP está haciendo ruido. ¿ De acuerdo? Entonces ese es el tipo de proceso que usarás cuando estés usando compresión para tus voces. lo único que hay que tener en cuenta es que diferentes compresores tienen diferentes interfaces y diferentes parámetros que te darán, ¿de acuerdo? Y a veces tendrás que jugar con estos parámetros para averiguar cómo funcionan. Ya sabes, lo está girando hacia la derecha para apagarlo, o lo está girando hacia la izquierda para apagarlo. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a la compresión para autobuses. Y esto también se conoce como compresión de pegamento.
91. Compresión de Glue: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a la compresión para autobuses, que también se conoce como compresión azul. Y se llama Compresión de pegamento porque
en realidad se usa para pegar diferentes sonidos juntos. Es una forma muy ligera son sutiles de compresión, a menudo utilizados en ambos canales para azul los elementos individuales juntos y hacerlos sonar un poco más relacionados. Entonces debido a que es una forma sutil de compresión, Ronnie va a estar aplicando una pequeña proporción de menos de 3.5. Entonces tengo esta configuración del canal de bus y hay cuatro sonidos diferentes que están tocando un patrón muy similar. ¿ De acuerdo? Y quiero usar este canal de autobuses. Quiero usar esto para pegar un poco más todos estos sonidos individuales. Entonces vengamos aquí a estos efectos lattes y cargaremos un plug-in de compresor. Ahora hay compresores por ahí que se hacen deliberadamente para esto, como este tipo de campamentos de autobuses sólidos. Entonces esto, este compresor está diseñado para pegar diferentes elementos juntos, pero lo vamos a hacer con un compresor diferente y vamos a usar solo un compresor normal, tal vez este vec1 60. Y puedo ver ahora con este compresor, vale, no
hay parámetro de relación, ¿de acuerdo? Y necesitamos un parámetro ratio para poder hacer la compresión del bus correctamente. Entonces voy a reemplazar esto por un compresor diferente que sí tiene un parámetro de relación. Entonces usemos, así que usemos este CPS uno. Sé que lo hemos usado antes, pero solo quiero usar un compresor que tenga relación ahora. Pero debido a que la relación es importante para la compresión del pegamento, vamos a usar una relación de nada por encima de 3.5. Entonces vamos a dejarlo puede estar abajo un dos. ¿ De acuerdo? Y ahora tendremos una escucha a todas estas cuatro capas jugando juntas. Y encontraré un bonito umbral. Y de nuevo, sólo queremos que la atenuación sea, que sea muy gentil. De acuerdo, no queremos que esta aguja esté saltando algo así por toda la interfaz. De acuerdo, así que juguemos el patrón y nos ajustaremos como umbral. Entonces como puedes ver, la aguja sólo se mueve muy ligeramente. Y debido a que la compresión del pegamento tiene que ser sutil, vamos a asegurarnos de que el tiempo de ataque sea muy alto. ¿ De acuerdo? Y también vamos a asegurarnos de que el tiempo de lanzamiento sea muy alto. A lo mejor aparecen quinientos ciento treinta y dos. Y la ganancia de maquillaje, porque no estamos haciendo tanto de reducción, sólo
voy a impulsarla en una cantidad muy pequeña. Quizás 1.6 incluso eso podría ser demasiado. A lo mejor alrededor, whoops, tal vez alrededor de uno. Tengamos una escucha. Y apaguemos este plug-in y luego lo volveremos a encender, especie de medio camino a través del patrón. Está bien. Tengamos una escucha. Entonces no estoy seguro si puedes notar eso. Está bien. No estoy seguro si se puede escuchar como que muy, muy sutilmente tipo de pega el sonido juntos y definitivamente no lo oirás a menos que estés en audífonos son una especie de buenos altavoces. Pero la compresión, puedo escuchar que en realidad
es, está haciendo algo muy,
muy suavemente y muy sutilmente para solo hacer que estos sonidos se mezclen un poco mejor. Volvamos a tener una escucha. Y lo
apagaré tipo de medio camino a través del patrón y luego volveré a encender. Entonces la compresión de pegamento es pastada para aplicarla a tus canales de jefe, ¿de acuerdo? Y ya tendrás, como lo harás,
seguirás aplicando la compresión a estos instrumentos,
ok, el compresor y la dinámica sólida. Tengo compresores están listos en estos instrumentos, pero la compresión de pegamento solo se usa para tipo de mezcla esos sonidos un poco mejor juntos. Entonces, así que definitivamente si estás usando estos canales boss y aplicas esta técnica de compresión azul, pues hará que todos los elementos encajen mejor. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a la compresión multibanda.
92. Compresión de multibanda: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a la compresión multibanda, ¿de acuerdo? Y un compresor multibanda funciona igual que cualquier otro compresor. Vamos a aplicar las mismas técnicas. La única diferencia es que es como tener tres compresores diferentes en el único plug-in. Entonces cargemos un compresor multibanda arriba en nuestros afectos Ladd. De acuerdo, entonces voy a elegir esta dinámica de ozono siete. Y podemos ver cuando se carga que se ve completamente diferente a cualquier otro tipo de interfaz que hemos estado viendo antes. Pero eso está bien porque de nuevo tenemos ratio de ataque, liberación y la RNB. Y también tenemos umbral aquí. Y por aquí, tenemos la ganancia de maquillaje, ¿de acuerdo? Y la única diferencia es que este es el compresor rosado que tipo de corresponde a esta banda de frecuencia. Entonces una vez que lo puse, todo antes de 417, así que de esta manera, estamos comprimiendo todo esto. Y en este compresor azul, es entre 4172 mil estaban comprimiendo esto. Y con el amarillo estamos comprimiendo esto y con el rojo donde comprimiendo esto. ¿ De acuerdo? Entonces esto, este tipo de bandas aquí arriba, estas son la única diferencia entre un compresor multibanda y un compresor normal. Y lo vamos a aplicar a este sonido de piano que tengo pista. Pero lo primero que tenemos que hacer antes incluso de aplicar cualquier compresión es que necesitamos establecer estas bandas. Por lo que necesitamos asegurarnos de que estas bandas estén configuradas correctamente para el sonido que estamos escuchando. Entonces voy a solista a la banda baja y vamos a encontrar las bajas frecuencias del piano. Por lo que sólo queremos hacer con las frecuencias bajas. A continuación, alguna vez escucharemos a esta banda de gama media. ¿ De acuerdo? A lo mejor moverlo un poco. Y luego escuchamos los medios altos y ya veremos es esta gama ¿Correcto? Creo que se toma en demasiada gama alta. De acuerdo, y finalmente, tendremos una escucha a esta muy alta, esta banda alta aquí. De acuerdo, entonces ahora estas bandas están configuradas correctamente para el sonido que queremos comprimir. Estamos listos para empezar a comprimir. Entonces vamos a solista esta baja frecuencia aquí. Y voy a restablecer el umbral. Entonces lo primero que vamos a hacer es que vamos a establecer la relación. Y debido a que es una frecuencia baja, quiero poner esto un poco más alto. A lo mejor 5.2. Bajaremos el umbral. Está bien. A lo mejor no tanto. Y podemos ver aquí con el rojo, especie del medidor rojo que esta es la atenuación. Entonces, así es la cantidad de compresión que se está aplicando. A continuación, estableceremos el ataque. Y si pones esto a bajo, sobre todo con el piano, obtendrás un sonido distorsionado. No sé si puedes oírlo. Entonces vamos a poner el ataque un poco más alto. A lo mejor de fiesta. A continuación pusimos el lanzamiento, de acuerdo, y de nuevo con el piano, un poco
quería sonar suave. Por lo que voy a poner el lanzamiento un poco más alto. A lo mejor alrededor de 200, o tal vez incluso como Madre Moore. Y solo voy a subir y cambiar smack disable para mis plug-ins, solo para que pueda darle más potencia de procesamiento a este plugin en particular. Ups. ¿ A dónde fue eso? Aquí sí. Está bien. Y a continuación veremos retocar este azul, este compresor azul. ¿ De acuerdo? Nuevamente, sube un umbral y vamos a solista para que podamos escuchar lo que estamos haciendo. Y voy a establecer la relación un poco más de dos, tal vez 3.5. bajó el umbral. Ahora creo que eso es un poco demasiado. Creo que estamos cortando algo del sonido del piano. Herbert, especie de cortar el ataque del piano, el tipo de sonido agresivo. Y yo quería mantener eso dentro. Entonces creo que esa es una configuración bien. Pasemos ahora al ataque. Y de nuevo, voy a poner esto a un poco lo mismo que el primero. Entonces tal vez alrededor de los 30. Y otra vez con esto hasta alrededor de 400 como teníamos en el primero, el primer compresor. Entonces, vamos a tener una escucha a cómo suena esto. De acuerdo, y vamos a comprimir la siguiente banda, que es esta banda amarilla. Nuevamente, ponga el umbral hasta arriba. Y vamos a convertir esta relación tal vez no tanto como la última, tal vez alrededor de las tres. Y mantendremos el ataque igual que la última vez, y mantendremos el lanzamiento igual que la última vez. Así, tal vez 393, está bien. Y bajaremos el umbral a medida que se esté reproduciendo el sonido. Y estoy poniendo demasiado del sonido del piano por ahí. De acuerdo, entonces creo que eso suena mejor. Y pasaremos al último compresor, que es así de alto, estas altas frecuencias. Y vamos a dejar la relación R dos, tal vez incluso bajar eso un poco porque no
queremos comprimir tanto como las frecuencias altas, porque las altas frecuencias de un piano, suenan bastante bien. Un piano suena bien cuando es brillante. De acuerdo, entonces otra vez, vamos a mantener el ataque igual, tal vez alrededor de 30 y mantener el liberado igual. Y luego vamos a bajar este umbral a medida que se reproduce el sonido. De acuerdo, así que vamos a tener una escucha a todas las bandas juntas al mismo tiempo. Ahora podemos volver a todas estas bandas y aplicar la ganancia de maquillaje. Entonces con esta banda en particular, realmente
estamos perdiendo una especie de nivel de decibelios de alrededor de cuatro. De acuerdo, entonces voy a impulsar esto por cuatro. Entonces voy a solista a esta banda. Y vamos a echar un vistazo a dónde está la reducción de ganancia con este. Entonces de nuevo, es alrededor de 4.8. Entonces voy a impulsar esto alrededor de 4.8. Estás subiendo tal vez 4.6, y luego entrarás a la siguiente banda y lo solista. Y podemos ver que la reducción de ganancia está alrededor tal vez de 2.8 a 0.9. Entonces vamos a sacar la ganancia,
la ganancia de maquillaje por sobre eso, por alrededor de 2, tal vez, tal vez 2.7. Y entonces entrará en esta banda final aquí. Y vamos a echar un vistazo a la reducción de ganancia. Y tal vez sea un decibeles o vamos a sacar esto alrededor de uno, tal vez 1.5. Entonces ahora escuchemos el tipo de sonido completo del compresor. Y si apago el compresor aquí. Por lo que se puede ver que el compresor en realidad está haciendo el sonido un poco más lleno. Yo solo, lo volveré a tocar y lo
encenderé un poco a mitad de camino y tú puedes tener una escucha tú mismo. Por lo que la compresión multi-banda es útil para esto. Es útil para hacer un sonido un poco más lleno. Y, pero también es útil para cuando algunas frecuencias del sonido no necesitan ser comprimidas. Entonces lo que puedes hacer es comprimir tal vez lo bajo, y puedes dejar lo alto sin comprimir. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a lo que es un limitador.
93. Limitadores: Averigamos qué es un limitador y cómo podemos usarlos en nuestras pistas. Por lo que un limitador es exactamente igual que el compresor, excepto que la relación debe fijarse por encima de diez. Ahora, 99.9% del tiempo, no
usarás un limitador en tu mezcla. ¿ De acuerdo? Es más algo que ponemos en el canal maestro a la hora de llegar a dominar. Pero podemos usarlo para instrumentos que están particularmente fuera de control. Por lo que nunca necesitarás usar un limitador en tus instrumentos como este. No necesitarás usar un limitador en estos instrumentos ni nada más, realmente, para el caso, lo único, lo único para lo que podrías usar un limitador sería una base. Ok? Simplemente solida la base. De acuerdo, y tal vez si nos acercamos a este tipo de secciones donde la base tiene notas largas. Este es el único caso en el que podría usar un limitador. ¿ De acuerdo? Entonces, en primer lugar, si tuviéramos que tomar aquí un compresor, como éste, y si fuéramos a subir la relación tan alta como va, y en este caso sube a 20. Esto será limitante. Entonces cualquier cosa por encima de diez es limitante. ¿ Está bien? Entonces si subo esto a 20, ahora
estaban limitando el sonido. Y si bajo un poco el umbral, se
puede escuchar que todo el instrumento está bajo control. ¿ De acuerdo? Ahora si fuéramos a cargar un plugin limitador real, que tengan en cuenta, es sólo un compresor con una alta relación. Y también se puede obtener un parámetro como este, que dice techo. Pero este es sólo el umbral. ¿ De acuerdo? Entonces si bajo este umbral, como pueden ver, está bloqueando el sonido que va por encima de esto. Y donde un compresor, podría empujar el sonido hacia abajo y es algo así, es más suave. Un limitador es muy agresivo y todo lo que pase más allá de esta línea verde se acaba de cortar. Por lo que sólo usamos esto para controlar algunas frecuencias muy fuera de control. A lo mejor queremos deshacernos de estos pequeños sonidos plucky en la parte superior ahí se puede ver el, se
puede ver ahí en el morado. Y la forma en que la forma de onda se inicia aquí y luego baja y se nivela. Entonces si quisiéramos quitar este tipo de desplujos, dejaríamos aquí el techo. Y se puede ver el resultado final entonces es justo todo aquí abajo. Entonces es, es una especie de sonido nivelado. Pero como ya he dicho, rara vez
usarás un limitador, ¿de acuerdo? Incluso para que tus bases sean correctas, no
usarás un limitador. Simplemente usarás un compresor con las ratios en bastante altas a tal vez alrededor de las ocho. ¿ De acuerdo? Y volveremos a ver limitadores cuando estemos dominando y estaremos cargando uno en el canal maestro aquí. Pero por ahora es bueno estar conscientes de que sí existen. Y todo lo que son es solo un compresor con una relación realmente alta. A continuación, vamos a echar un vistazo a la verdad malinterpretada con compresión para EDM.
94. La verdad que errada con compresión para EDM: De acuerdo, entonces si alguna vez has buscado algo sobre producción musical, entonces esta conferencia probablemente vaya a contradecir todo lo que has aprendido de eso hasta ahora. Pero por favor escúchame y trata de entender la teoría detrás por qué hay confusión entre la Comunidad EDM. En primer lugar, debemos mirar dónde estamos aprendiendo toda nuestra información sobre la mezcla. Para la mayoría de nosotros, esto probablemente está fuera de YouTube y hay un montón de tutoriales increíbles en YouTube que explican cómo usar la compresión. Y lo que más comúnmente escuchamos es que debes usar compresión y cada instrumento que estás usando necesita compresión. Y el problema es que esto probablemente sea cierto para esa persona en particular en ese video de YouTube en particular. Pero no es cierto para nosotros en EDM. Y la razón por la que no es verdad para nosotros es porque esta persona en YouTube probablemente esté mezclando bandas. Por lo que viven instrumentos que son tocados por un humano donde cada nota suena diferente y tiene especie de diferentes niveles de volumen. Y este instrumento en vivo que está tocando un humano está tocando para toda la canción de cuatro minutos de duración. Por lo tanto, la compresión es definitivamente necesaria. Pero no estamos tocando nuestra vida de instrumentos. Nuestros sonidos se hacen usando una computadora y las notas
serán exactamente las mismas cada vez que la computadora las reproduzca. Y lo que es más es que estamos construyendo son pistas fuera de bucles realmente cortos. Lo que me lleva a mi siguiente punto. En EDM, casi no hay ningún rango dinámico en absoluto. El resultado, por lo que muy poca o incluso ninguna variación entre cada nota cuando se juega. Pero si estamos mirando al señor YouTube en su estudio, probablemente no
esté mezclando y pista de EDM, razón por la
cual nos dice que debemos usar compresión. Y sí, si estás mezclando una banda, tendrás que usar compresión en todo. Pero con EDM, la compresión no es necesaria. Y si vuelves a mirar el tipo de teoría detrás de cómo funciona un compresor, entonces te darás cuenta de que en realidad no aplica. Un compresor está reduciendo las partes más ruidosas de la señal, y nos permite escuchar el silencio o partes de la señal un poco mejor. Pero en EDM, no hay exactamente ninguna parte silenciosa. El rango dinámico en EDM simplemente no es lo suficientemente grande como para garantizar el uso de un compresor. Y esto me lleva al último punto. ¿ De acuerdo? No digo que no debas usar un compresor. Hay momentos en que es aplicable, como las voces son bucles externos largos o incluso algunos de los patrones de instrumentos que haces podrían beneficiarse de la compresión. Todo lo que digo es que la compresión no es necesaria. ¿ De acuerdo? Se puede mezclar en pista EDM perfectamente bien sin usar compresión en absoluto. Y de hecho, lo he hecho. Y lo que es más, esta pista en realidad fue firmada a una disquera. Entonces lo que debes tomar de esta conferencia es no usar la compresión por el bien de nosotros. O no uses compresión porque oíste que deberías estar usándola en todo. Solo debes usar compresión si crees que el sonido podría beneficiarnos de nosotros. Y sé muy crítico con esto si aplicas compresión y después, suena un poco aplastado. Apagarlo. Porque este es el problema número uno que enfrentan los productores de
EDM y está tratando de evitar un sonido aplastado. Pero puede ser muy fácil de evitar si simplemente no aplicas compresión a cosas que no necesitan compresión. Y para EDM, eso es básicamente todo excepto por la voz y bucles muy largos. Puedes usar la compresión, pero por favor ten cuidado y asegúrate de que en realidad está haciendo algo bueno al sonido porque es muy, muy fácil de Rouen una pista por sobrecomprimir. Entonces esto es solo algo para que aceptes a bordo si estás usando YouTube como una especie de recurso extra, ¿de acuerdo? Es posible que las técnicas que puedas estar aprendiendo de alguien en YouTube solo
sean correctas cuando se trabaja con cierto tipo de música. Entonces por favor, cuando estés aprendiendo de alguien ese tipo de trabajo fuera de tu género, fuera de tu estilo de música. Por favor, estén atentos y no terminen arruinando sus huellas con desinformación.
95. Saturación para mezclar: En esta conferencia, echaremos un vistazo a la saturación para mezclar. Y esto se vincula con la última conferencia en la sección de compresión que estábamos viendo. Te dije que la compresión para EDM no es necesaria. Bueno, una de las razones por las que alguien argumentaría que no es necesario es porque todo el mundo quiere un sonido gordo o una especie de sonido profesional completo. Bueno, la saturación es caminar y hacer esto por ti. No compresión. compresión sólo hace las cosas más altas, pero la saturación hace que las cosas sean más gordas. Entonces, ¿cuál es esa duración? Estos plugins agregan distorsión armónica a tu sonido. Entonces en lugar de distorsionar el sonido inicial, tipo de anuncios en algunos armónicos distorsionados y luego los mezcla con, con ese sonido inicial. Puedes usar estos plugins para que tus líneas base sean más audibles y gordas. También las puedes usar para hacer que tus tambores arena sean más agresivas. O incluso puedes usarlos para reducir algunas de las frecuencias altas más duras. Entonces, si un plugin de saturación está agregando en armónicos distorsionados, ¿qué son exactamente los armónicos? En pocas palabras, estas son solo frecuencias que son múltiplos de la frecuencia de la ruta. Entonces si tienes una frecuencia de 500 hercios, entonces 11000 hercios serían un armónico como madera, 1500 hercios, 700 hercios no sería un armónico porque no es un múltiplo de 500 hercios. Ahora, hay cosas que se llaman armónicos y armónicos de jabón. Pero no necesitamos conocer ninguno de estos para este curso. Todo lo que necesitamos saber es que un plugin saturado va a agregar alguna distorsión armónica a los múltiplos del nodo raíz. Y este tipo particular de distorsión crea un efecto diferente. Y suena mucho más limpio y mucho más excitado que la distorsión regular, que simplemente suena agresivo. ¿ Cuáles son algunos de los principales parámetros de un plug-in de saturación? Bueno, sólo hay tres parámetros estándar y estos están en la entrada, la unidad, y la salida. También podría obtener un color o un tono, o tal vez un parámetro de carácter. Pero aparte de eso, en realidad
vas a encontrar toda una gama de parámetros diferentes en diferentes plugins. Entonces, empecemos con la entrada. A diferencia de la compresión, si
subimos esto, estamos sacando más del sonido de saturación del plugin, sobre todo si bajamos la salida. Estos dos van de la mano. Si establece la entrada baja y la salida alta, no
obtendrá mucho del efecto de saturación en el sonido. Pero si estableces la entrada alta y la salida baja, obtendrás un sonido más saturado del plugin. El parámetro Dr. es simplemente cuánta distorsión ¿Quieres aplicar al sonido? Ahora ten cuidado de no subir esto hasta el punto de que en realidad suene increíblemente distorsionado. El sonido final debe estar limpio, pero también mucho más gordo. También puede obtener ese parámetro de color del que estábamos hablando. Y esto sólo cambia el sonido real de la saturación. ¿ Quieres un sonido cálido y difuso o quieres un sonido brillante y arenoso? Entonces, esencialmente, solo da forma al sonido que estás sacando del plug-in. Después de estos parámetros principales, encontrarás muchos parámetros diferentes en muchos plugins diferentes. Por lo que tendrás que experimentar con ellos y ver qué tipo de sonido puedes obtener. Ahora porque todos estos plug-ins de saturación todos tienen diferentes parámetros. No hay mucho más retoques que podamos hacer. No obstante, sí quiero hacerles conscientes de estos otros dos tipos de saturados. Por lo que hay un tipo de plug-in llamado shaper de ondas, y este es un plugin de distorsión que también agrega distorsión armónica al sonido. Ahora, puedes usar esto para dibujar diferentes formas en la onda y luego crear tu propio sonido distorsionado único. Podemos usarlos para crear un sonido de distorsión analógico o digital. Los agitadores de ondas pueden ser muy poderosos, pero también pueden ser muy destructivos. Así que asegúrate de que el sonido final que escuches sea placentero para el oído. Por último, tenemos excitadores armónicos, y estos son muy similares a la saturación ordinaria, excepto que solo están enfocados en las frecuencias altas. Por lo que no harán que tus líneas base suenen más gordas, pero las harán sonar más brillantes. Por lo que solo usa un excitador si quieres distorsionar las frecuencias superiores del sonido. Ahora que tenemos toda esta información, sigamos adelante y empecemos a aplicar la saturación a nuestras pistas.
96. Cómo utilizar la Saturación: Por lo que en esta conferencia, vamos a echar un vistazo al proceso que aplicarás cuando estés usando la saturación. Entonces vamos a abrir este patrón de claves distorsionadas. Ok? Y si toco esto en la vista de patrones, suena así. Y si encontramos eso en el mezclador, está aquí en la pista diez. ¿ De acuerdo? Ahora voy a pasar por especie de
los tres tipos principales de saturados de los que estábamos hablando. Por lo que hablamos de saturar normal o plugins. Y luego echamos un vistazo a los agitadores de olas, y echamos un vistazo a los excitadores armónicos. De acuerdo, entonces vamos primero, solo
encenderé esta diapositiva y abramos un plugin de saturación normal. Entonces tengo uno por aquí y se llama supercharge tu GT. Y este es un plugin realmente, realmente bueno para una especie de conseguir un sonido más gordo. Entonces muy rápido si solo echamos un vistazo a la interfaz, tenemos esta entrada, de acuerdo, así que ese es solo el parámetro de entrada. Tenemos un parámetro de cadena lateral, pero eso es solo para el compresor y no vamos a tocar el compresor ni la cadena lateral. En esta conferencia, tenemos un plugin de saturación. Entonces esta es la unidad, vale, ¿cuánta saturación queremos aplicar? ¿ Y qué clase de agresivo queremos que suene? ¿ Queremos ser leves, moderados, o calientes? Vamos a saltar toda esta sección de compresores y vamos a volver a la saturación. Y este es el personaje, ¿de acuerdo? Y esto es, de nuevo, podemos dar forma al sonido que está saliendo y podemos hacerlo rápido, cálido, o brillante. También podemos mezclar en alguna señal seca, que es similar a la compresión paralela, excepto que esto sería como saturación paralela. De nuevo, esto es una especie de vinculado a la sección del compresor, pero podemos usarlo también para la saturación. Y por último, tenemos este parámetro de salida, que tiene justo lo alto que es el sonido cuando sale del plugin. Siempre que estoy usando este plug-in, los únicos parámetros que necesito tocar es la saturación. Y el personaje subirá la entrada con el propósito de esta demostración sólo para sacarle un mejor sonido. Por lo que sólo voy a impulsar la entrada. ¿ De acuerdo? Y podemos ver aquí hay un poco de luz y la más ligera que te dice cuando tienes el tipo perfecto de nivel de entrada. De acuerdo, entonces por el momento dice perfecto. Y luego dice, necesito un poco empujarlo un poco pero más así que eso es lo que voy a hacer. Yo lo empujaré muy, muy ligeramente. Y como pueden ver, como que tenemos la luz verde encendida para la mayor parte del sonido. Por lo que ahora estamos listos para ir y aplicar algo de saturación. Entonces escuchemos el sonido y potenciaremos esta perilla, el pasillo hacia arriba y veremos qué tipo de sonido hace mientras viaja. Está bien. Está bien. Y podemos cambiar esto de leve a moderado. Muy bien, demasiado caliente. Pero entonces si bajamos esta saturación, entonces queremos una especie de menos de este sonido cardíaco. Podemos obtener un tipo muy bonito de sonido de Distorsión Armónica. Ok, tal vez un poco menos. A continuación vamos a saltar por encima esta sección de compresores porque no quiero comprimir el sonido. Y vamos a entrar en este personaje donde podemos dar forma al sonido que sale del plugin. Entonces creo que para este sonido en particular, quiero un ajuste cálido porque creo que el sonido es algo cálido de todos modos. Génova tiene un poco de bonito, especie de gama baja y es, es un sonido bastante cálido. Entonces voy a mantener el ambiente en caliente. Y voy a ajustar este parámetro ya que estamos escuchando. Ahora puedo empujarlo todo el camino hasta el final. Voy a probarlo con un engorde gordo. Y lo intentaremos con un entorno brillante. Entonces en realidad creo que el ajuste brillante suena mejor después de escuchar. Entonces solo voy a bajar esto un poco porque creo que
hay, hay demasiado efecto pasando. Pero lo voy a bajar a una especie de nivel óptimo. Y tal vez podríamos bajar la saturación sólo un poco para que no sea una especie de, para que no sea tan distorsionada como sonaba. Y podemos cambiar esto, podemos cambiar esto de nuevo a moderado. Si no nos gusta el sonido del hot, hot setting. Sigo pensando que prefiero el sonido del corazón. Entonces voy a dejar aquí estos ajustes y vamos a tener una escucha cómo sonaba la señal antes de la saturación. Y luego tendremos una escucha a lo que suena. Alterna a medida que se está jugando el patrón. Y si solo tomamos un rápido escuchar esto en la mezcla real, ¿de acuerdo? Pero alguna vez escuche lo que suena aquí. Primero sin la saturación, y luego la encenderé. Simplemente bajaré estas voces sólo un poquito. Por lo que se puede escuchar que la saturación está sumando un poco de gordura al sonido. Está haciendo el sonido un poco más grueso. Y esa es realmente la belleza de usar estos plug-ins de saturación. Ahora echemos un vistazo a una forma de onda o bien. Y hay una forma de onda o plugin que en realidad viene gratis con FL Studio. Y está aquí arriba, forma de onda afrutada. Y podemos cargar esto. Y se ve así. Y si golpeamos esta rueda de Ajustes aquí abajo, se abrirá una especie de sección de ajuste donde podemos ajustar el pre o la entrada. Y podemos ajustar la mezcla, que sería el tipo de saturación paralela donde mezclamos en una señal seca. Y entonces tenemos este post que es la salida. Entonces usemos la forma de onda o para crear una forma de recorte suave, ¿de acuerdo? Y aquí es donde el sonido se distorsiona suavemente. ¿ De acuerdo? Entonces un clipper suave se ve así, donde la línea y el moldeador de ondas sube un poco así. Y luego es un poco redondeado hacia la parte superior. Hagamos una escucha a cómo suena esto. Voy a solo el piano eléctrico. Y si lo apago, y podemos mover esto hacia abajo, está bien, podemos bajar esto un poco y esta sección hacia abajo para que sea incluso un poco más distorsionada. Tengamos una escucha. Y lo apagaré tipo de a mitad de camino. Ahora, también podemos doblar esto,
este tipo de mitad inferior del clipper blando y podemos conseguir un sonido más agresivo. Podríamos empujarlo incluso un poco, un poco más. Y si lo apago. Y también podemos usar esta forma de onda o plugin para distorsionar completamente el sonido. Y si nosotros, si como que dibujamos en una línea aquí como esta, esto realmente distorsionaría el sonido. Por lo que también tenemos que sumar uno así. Si nosotros, si doblamos lo siento, el plugin no lo es y me
preguntaba por qué no me estaba poniendo ningún tipo de sonda a eso. Simplemente los borraré de nuevo y como que empezaremos desde cero. Ok. Entonces si agregamos en otro tipo de otro tipo de punto de anclaje aquí, y lo arrastramos hacia la izquierda, obtendrá un sonido más distorsionado. ¿ De acuerdo? Ahora, también podemos eliminar todos estos de esta manera. Y si solo quieres sacar una especie de más volumen fuera del sonido, cuando se abra. Simplemente se abrirá así. Y si solo empujas esto así, obtendrás un bonito tipo de sonido limpio, más gordo. ¿ De acuerdo? Puede incluso empujarlo como modelo que más. Y esa es una especie de la forma más fácil de usar un moldeador de ondas es simplemente doblar la pendiente. ¿ De acuerdo? Entonces vamos a tener una escucha ahora a esta forma de pendiente de cama en la mezcla. Y luego lo apagaré tipo de a mitad de camino. Perdón, tengo que encender todos los demás instrumentos también. Está bien. Por lo que puedes ver cuán poderosa es una herramienta este tipo de plugin atascado en realidad. Y es realmente genial cuando comienzas a agarrarte a cómo realmente dar forma al sonido, ya
sabes usar este tipo de distorsión para tu beneficio. Entonces ahora apaguemos esto y echaremos un vistazo a un excitador, un excitador armónico. De acuerdo, entonces si subes aquí a arcos en el excitador de 7. Y con esto es algo así como una especie de plugin de saturación multibanda. Pero lo que podemos hacer es simplemente empujar esta cantidad, ¿de acuerdo? Y esto solo dice cuánta saturación ¿Quieres tipo de agregar? Por lo que normalmente con estos, no
agregamos tanto sonido a las frecuencias base. Podríamos sumar un poco más a los rangos medios. Entonces agregaríamos un poco más a la gama media alta. Y por último, agregaríamos en especie de un buen poco a las altas frecuencias. Hagamos una escucha a cómo suena esto. Y si lo apago y vuelvo a encender. Por lo que el sonido de un excitador es mucho más sutil que los dos de éstos. Entonces este tipo de, este plugin de saturación adecuado y esta forma de onda o plug-in, el sonido de un excitador es un poco más sutil, pero hace que el sonido sea más brillante. Por lo que en la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a aplicar algunos de estos plug-ins de saturación a los instrumentos.
97. Saturación para los instrumentos: En esta conferencia, vamos a echar un vistazo a aplicar la saturación a algunos instrumentos. Entonces si entramos en este patrón top aquí y tenemos una escucha al instrumento y tipo de cómo suena. Ok, entonces es este tipo de sonido sintetizador. Entonces lo voy a encontrar en el mezclador y puedo ver que está en la pista nueve. Entonces voy a traer la pista nueve, vendré a estas ranuras de efectos por aquí y cargamos un plugin de saturación. Entonces esta vez voy a cargar una diferente. Y voy a escoger este calentador de cinta de tubo E. Y de nuevo con esta interfaz de plug-in saturada se ve completamente diferente, pero el concepto sigue siendo el mismo. De acuerdo, entonces tenemos estos a y b donde podemos elegir cantidad de unidad que queremos sacar de estos diferentes tubos. Entonces tenemos tubo a y a B. Y entonces también tenemos este parámetro de tono, que es lo mismo que el color o el carácter. Entonces vamos a encender el tubo a y vamos a tener una escucha a lo que suena mientras aplicamos algo de saturación. Entonces vamos a encontrar una especie de punto óptimo entre el, ya
sabes, el sonido más distorsionado y luego algo así como no distorsionado en absoluto. Vamos a encontrar un buen tipo de medio feliz. De acuerdo, Entonces creo que en algún lugar por aquí, que es 6.9, creo que esto suena bien. Ahora, también podríamos subir 2B B a 6.9, y sólo tenemos una escucha a cómo suena esto en lugar de tubo a.Entonces lo que hace jus sea Sandec lo aumentará, tal vez solo tenga una lección adecuada. Está bien. Y también podemos tipo de mezclar los dos juntos para que podamos
tener encendidos 2A y 2B al mismo tiempo. Entonces tal vez quieras simplemente bajar el para ser solo un poco así que es una especie de mezcla de ello mejor. Y lo apagaremos y veremos cómo suena sin y luego volveremos a encenderlo. Entonces creo que suena bastante bien con estos dos tubos. Creo que hoy es una especie de agregar una mota y luego 2B está agregando un poco de desperdicio en el tipo de frecuencias bajas. También podemos usar este parámetro de tono para dar forma al sonido que estamos saliendo. Por lo que podemos impulsar a altas frecuencias o podemos impulsar las bajas frecuencias. Ok, entonces vamos a tocar el sonido y Mileva a
escuchar cómo les gusta a ambos de este tipo de sonido extremo. Entonces me gusta un poco el sonido cuando es más en el extremo bajo. Creo que solo está sumando un poco de peso al sonido. Entonces, vamos a tener una escucha a lo que suena. Sin el plug-in de saturación, y luego lo volveremos a encender ya que se está reproduciendo el patrón. Por lo que se puede ver que este plugin en realidad es una especie de dar vida a este instrumento. Está haciéndolo sentir más vivo y más lleno y más gordo. Ahora echemos un vistazo a tal vez un instrumento diferente como éste. De acuerdo, y averiguaremos dónde está eso en la pista del mezclador entrando aquí y podemos ver que está en la pista seis. Y podemos resolverlo. ¿ De acuerdo? Y lo que haré es cargar un plug-in de saturación. Carguemos uno diferente esta vez. Vamos a cargar tal vez el súper trágico GT. Y veamos cómo suena esto en este instrumento en particular. Entonces voy a tener un escucharlo en el modo patrón. ¿ De acuerdo? Vamos a impulsar la entrada hasta que consigamos eso. En realidad nos está diciendo que lo bajemos. ¿ De acuerdo? Y ahora estamos en el tipo de nivel óptimo. Ahora podemos empezar a aplicar algo de saturación. Probemos y moderemos. Y yo sólo quería ser un poco sutil. No quiero que sea muy obvio con la distorsión extra. A lo mejor un poco menos que eso. Y ahora nos acercaremos al personaje. Lo haremos, y como que torceremos esto y luego veremos cómo suena con la configuración de grasa. Y luego probaremos algunos de estos otros ajustes. De acuerdo, intentemos abrigados y brillantes. Pero volver a engordar otra vez. Entonces me gusta el sonido de la grasa. Yo sólo voy a encontrar una especie de medio camino y una especie de medio feliz. Y tal vez podría volver y cambiar este ajuste de nuevo a suave. Y yo como que impulsaré esto sólo el olor que más, un poco menos. Y ahora si tenemos un escuchar el instrumento suena como antes de la saturación, y entonces lo encenderé un poco a mitad de camino. Por lo que se puede ver que con estos ajustes particulares, es bastante sutil, pero en realidad está marcando una buena diferencia en el sonido. Por último, echaríamos un vistazo a tal vez otro instrumento. Entonces vendremos tal vez aquí en el arreglo y sólo
tomaremos uno de estos tal vez estos cordones para dejar ver cómo suena esto. Ah, tengo que resolverlo en el mezclador para que sepamos dónde está. Está hecho 31. Y me voy a encontrar y cuando un solar que. De acuerdo, así que suena así. Entonces ahora cargemos nuestro plugin de saturación. Y cargaré una forma de onda o esta vez. Y vamos a utilizar este plug-in de saturación ahora para dar forma al sonido. De acuerdo, así que voy a golpear los ajustes. Vamos a subir el bit pre pequeñito para sacar más sonido del plugin. Entonces ahora voy a dibujar en una curva que se ve así. Y voy a jugar el patrón ya que lo estoy moviendo para encontrar una especie de posición óptima. Podemos empujarlo aún más. Y si lo apago y luego vuelvo a encender. Y ahora también podemos cambiar la forma de esto puede ser convertirlo en una especie de sonido de recorte suave. Aún más. Y también podemos cambiar el tipo de la curva de esto. Podemos potenciarlo. O podemos, podemos ir un poco por el camino opuesto con esto y crear una especie de sonido muy aplastado y distorsionado. Pero yo, voy a dejarlo como aquí atrás. A lo mejor sólo empujarlo un pequeño pero más. Y también podemos mover este punto tal vez aquí abajo para ver cómo suena esto. Y si arrastramos este punto de anclaje hacia abajo, creará aún más un sonido distorsionado. Y puedo arrastrarlo justo hacia abajo. Y moviendo esto hacia abajo. Y luego moviendo esto. Y de nuevo, si bajamos enseguida, ver qué tipo de sonido suena este mx. Entonces es realmente una cuestión de tipo de experimentar con el tipo de sonido o el shaper de ondas. Y solo tipo de dibujar unos cuantos tipos diferentes de curvas y ver qué, ver qué te gusta. Mi intento doblando esto. Entonces me gusta el sonido de esta saturación ahora creo que está haciendo el sonido mucho más lleno. Apágalo, y luego lo volveremos a encender. Y ahora porque el sonido es una especie de salto hacia arriba y volumen, solo lo
voy a bajar aquí en el mezclador. Entonces está en el mismo volumen que antes, pero se siente mucho más tipo de grasa. Eso es todo lo que harás cuando estés aplicando saturación a tus instrumentos. Ya sabes, cargarás el plug-in de saturación. Tan solo tienes una jugada con los diferentes parámetros y mira qué tipo de sonido puedes obtener. Y si te gusta, es mantener esos ajustes y luego pasar al siguiente instrumento. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a la saturación para base.
98. Saturación para el bajo: Entonces ahora echemos un vistazo a cómo aplicaríamos la saturación a un instrumento de bajo. Ok, entonces tengo mi base cargada aquí para esta pista, y suena así. De acuerdo, y si abrimos la pista del mezclador y cargamos el plug-in de saturación, Vamos primero a cargar el super cargador. Y luego después vamos a echar un vistazo al tipo
de hacer lo mismo con la forma de onda o bien. Así que conozcamos el super cargador. Y tocaremos el sonido y nos aseguramos de que la entrada esté en el nivel correcto. Por lo que diciendo bajarlo. Y ahora estamos en el tipo de nivel óptimo para empezar a aplicar algo de saturación. Por lo que impulsará esta suave saturación y verá cómo suena eso. Y quizá intentemos moderados. Y luego caliente. Ahora pienso, creo que esta puesta en caliente como un poco demasiado, pero si lo bajamos, podríamos conseguir una mezcla perfecta y ser un poco menos que eso. Creo que prefiero el sonido del ajuste moderado, así que voy a volver a cambiarlo a eso y tal vez solo impulsó asfixiado hasta cerca de 6.7. De acuerdo, y ahora vamos a cambiar el personaje, vale, así que con el bajo, generalmente
me quedo con el
ajuste fast am porque quiero una especie de sonido gordo para una base. Por lo que se siente un poco tecnológico. Pero también podemos probar y tal vez el cálido. Y entonces podemos probar lo brillante. Pero creo que eso es una especie de mezcla de los dos. Creo que la grasa es una mezcla de cálidas y brillantes juntas. Entonces creo que es una especie de lo mejor de ambos mundos. Y lo va a bajar un poco para que no sea tan agresivo. Y entonces podemos impulsar la salida porque creo que es una especie de silencio más suave. Por lo que sólo nos impulsan tal vez 1.5 dB, tal vez un poco más. Simplemente empujarlo. Ok. Y ahora creo que estamos obteniendo una especie de bonito sonido
arenoso de este super cargador en el instrumento de bajo. Si tenemos una escucha a lo que suena sin, y entonces lo bajaré a mitad de camino y luego me alejaré. Y si tenemos una escucha a lo que suena eso en la mezcla. Entonces en el arreglo, vendré aquí y solo jugaremos eso y luego lo encenderé o encenderé el plug-in de
saturación un poco cuando lleguemos hasta aquí a mitad de camino. Entonces como puedes ver, es una especie de darle a la pista un poco más de extremo bajo y un poco más de peso. Ahora echemos un vistazo a hacer lo mismo con el moldeador de ondas. Por lo que apagaremos este super cargador y bajaremos y cargamos un shaper de ondas. Entonces aquí está. Cargar eso. Y alguna vez habíamos escuchado cómo suena. Ahora no va a sonar diferente porque no hemos hecho ningún tipo de cambio en la forma, ¿de acuerdo? O no hemos afectado este tipo de parámetros pre y post. Entonces voy a impulsar un poco al PRI solo para conseguir algún sonido extra tipo de fuera del plugin. Y vamos a impulsar esto y ver qué pasa. De acuerdo, entonces ahora que estamos presionando el volumen, intentemos crear un sonido más arenoso. De acuerdo, entonces voy a añadir un punto de anclaje aquí. Y entonces tal vez solo arrastra esto un poco a la izquierda y ve qué pasa. Si impulsamos esto aún más. Y estamos metiendo algún tipo de rejillas en el sonido. De acuerdo, y puedo quedarme con este tipo de extraño. Constreñimos que retrocedamos a especie de perder ese volumen. Entonces podría simplemente empujar esto un poquito. Y tanto como teníamos. Y podemos incluso, incluso
podemos mover esto hacia atrás como pequeños lotes porque creo que hay demasiada arena. Entonces apaguemos este moldeador de ondas y veamos cómo suena. Y luego lo volveremos a encender. Y entonces lo que haremos es comparar el sonido de la forma de onda o con el sonido de este super parloteo GET OK. Entonces lo que haré es a mitad de camino, apagaré la forma de onda, ¿verdad? Y encenderé la súper charla. Entonces creo que con la forma de onda o tenemos un poco más agresivo, el super cargador. Y puede gustarte eso, o puede que no. Pero si quieres una especie de replicar el otro plug-in, traerías esto de vuelta. Entonces no es como, no como una especie de arenoso. Y todo se trata de jugar con la forma de la ola. Ahora, en realidad sí prefería el sonido cuando era como que aparecía en, me gusta ese agarre. Entonces vamos a tener un escuchar el bajo y la mezcla sin el shaper de ondas. Y luego lo encenderemos especie de a mitad de camino. De acuerdo, así que voy a encender todos estos otros plug-ins. Entonces estoy seguro de que puedes notar lo importante que estos plugins de saturación eran para EDM. ¿ De acuerdo? No se trata de compresión, en realidad
se trata de la saturación. Y hay muchos, muchos productores de EDM por ahí que no usan compresión y solo usan saturación. Entonces depende de ti tipo de sonido que prefieras. Puedes usar uno o puedes usar el otro, o puedes usar ambos. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a sumar saturación a nuestros tambores.
99. Saturación para la batería: Entonces por ahora, creo que te habrías dado cuenta de lo importante que es la saturación para los productores de EDM. Y es casi como un arma secreta para conseguir ese sonido gordo moderno. Entonces ya he dicho antes que no agregamos compresión a nuestras muestras de tambor porque ya están comprimidas para nosotros. De acuerdo, pero lo que podemos agregar a nuestras muestras de tambor para realmente hacerlas brillar es la saturación. Entonces tomemos esta muestra de aplausos y lo abriremos en el mezclador y solo la solemos. Está bien. Y como pueden ver, no
tengo compresión porque no necesita compresión, pero vamos a abrir un plug-in de saturación Ahora
mi plugin de saturación favorito para usar con tambores es en realidad este overdrive de sangre, y esto viene gratis con FL Studio. Entonces voy a cargar esto. Y sólo tendremos una escucha a lo que suena en este estado por defecto. Ok. Ahora lo que podemos hacer es impulsar esto. A lo mejor hay prevenir. ¿ De acuerdo? Y si cambiamos este preamplificador y empezamos a sumar en algunos, esta es la unidad, de acuerdo, así que empezamos a sumar alguna distorsión. ¿ De acuerdo? Eso podría ser un poco demasiado. Pero con estos dos tipos de pequeños ajustes que hemos hecho con un plug-in de stock. Podemos convertir el aplauso de sonar así en sonar así. De acuerdo, y si agregamos tal vez solo un sombrero, solo para ver cómo suena con algunos otros tambores. Y lo apagaremos. Y en realidad agrego este plugin de overdrive de sangre. Yo agrego esto a todo sombreros también. De acuerdo, así que voy a añadir el overdrive de sangre a esta muestra de sombrero. Y de nuevo, vamos a empujar su prevenido. Yo sólo voy a solista el sombrero. De acuerdo, entonces queremos sacar un poco más de sonido del plug-in y luego voy a ajustar la unidad. Y ahora esta sangre Overdrive está agregando algún tipo de armónicos
extra y está haciendo brillar realmente el sonido del sombrero. Vamos a tener una escucha sin y luego ancho. Entonces podríamos tener un poco demasiado ahí. Entonces solo voy a bajar esto. Y volvamos a sumar en ese aplauso. Ahora intentemos tal vez un plugin de saturación diferente. Entonces voy a usar este PRC. De acuerdo, así que suena así. Ok. Entonces carguemos tal vez el shaper de ondas y entraremos a la interfaz. Tendremos un vistazo a agregar algún tipo de distorsiones sutiles y destellos sutiles. Entonces voy a añadir un punto de anclaje lo suficiente cerca que arriba. Y lo voy a arrastrar hasta aquí mientras se está tocando la muestra. Simplemente lo seguiré en la pista del mezclador. De acuerdo, y quizá podamos cambiar la curva de esto. Y si alguna vez escuchamos sin el plug-in y entonces lo volveré a encender. Y ahora vamos a tener una escucha con los otros tambores a los que hemos aplicado tipo de saturación. Solamente con fines de demostración. Irlanda, pondré en marcha algunos de estos instrumentos. De acuerdo, entonces tal vez éste y éste. Y éstos en realidad están vinculados a un instrumento enviado aquí. Entonces necesito encender eso para sacarles el sonido. Y realmente nos vamos a centrar en los tambores. Entonces lo que haré es apagar la saturación en todas las que la aplicamos. Y tendremos una lección y luego volveremos a escuchar y los volveré a encender. Ok. Y ahora los volveremos a encender. Y volveremos a escuchar. Y si traemos quizá el azúcar y el pastel sólo para, sólo por algún tipo de realismo añadido. De acuerdo, pero si apago nuevamente los plug-ins de saturación, sonaría así. Por lo que usar la saturación en tus tambores es una gran manera de hacer que salgan en la mezcla. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a usar la saturación para las voces.
100. Saturación para las voces: Por lo que en esta conferencia vamos a echar un vistazo a usar la saturación en nuestras voces. Ahora usar la saturación en tus voces es una herramienta brillante para conseguir que suenan tick. Entonces tengo las voces de este track especie de soloed. ¿ De acuerdo? Y lo que vamos a hacer es cargar aquí un plug-in de saturación. Y yo voy a recoger el super cargador, ¿de acuerdo? Y lo que haremos es conseguir el nivel de entrada correcto. Entonces parece que ya está bien. Por lo que podemos empezar a aplicar algo de saturación. De acuerdo, y podemos intentarlo moderado. Por lo que ahora ten cuidado usando ajustes extremos con la saturación y la voz. De acuerdo, porque, porque somos humanos y estamos tan adaptándonos a escuchar voces. Entonces si exageres la saturación como yo tengo aquí, así pueden sonar muy, muy obvias. Pero si bajas esto y obtienes una especie de mezcla perfecta, Zach, vuelve los bordes. Y luego podemos dar forma al color a tres s. Probemos con calor. Entonces intentemos brillante. Doblado. De acuerdo, Así que me gusta el sonido del ajuste brillante. Entonces voy a bajar esto un más pequeño a una carpeta. Y entonces podemos impulsar la salida solo un pequeño mejor solo para conseguir algún tipo de volumen extra. Y si apago esto a mitad de camino, las voces están tocando es malo. Por lo que puedes escuchar que las voces son un poco más en tu cara cuando estamos usando este plug-in de saturación. Tengamos una escucha y las voces en la mezcla sin la saturación. Y luego lo volveremos a encender. Y si no lo hacen, como el ejemplo en la ciudad, los bordes pueden volver a trasplantar influencias. De acuerdo, así que ahora intentemos usar la forma de onda o hacer lo mismo. Entonces abriríamos el moldeador de ondas. Y lo que haremos es sólo subir el bit pequeño de entrada. Esta civil. Y eso empezará a dar forma al sonido. Entonces voy a añadir tal vez un punto de anclaje aquí. Voy a bajar esto un poco para crear una especie de suave recorte Sonido. Tres tau, voy a impulsar. Esta curva es mala. Ok? Ahora también podemos sumar alguna especie de armónicos excitados por otra vez tipo de arrastrar otro punto de anclaje aquí hacia abajo, y lo estoy arrastrando hacia la izquierda. Entonces fortalecemos esto hacia fuera, perderemos ese tipo de volumen. Entonces pero realmente no me gusta el sonido de este tipo de distorsión. Entonces sólo me lo voy a quitar y tal vez volver a aumentar el volumen. Entonces tres. Y si escuchamos sin el moldeador de ondas es malo, ¿de acuerdo? Bordes k de nuevo. Y tal vez sea un poco demasiado alto así que podemos bajar esto, post, este tipo de ganancia de salida. A lo mejor, pero no vuelvo. Los bordes pueden de nuevo. Entonces nuevamente, usar la saturación es como un arma secreta que todos los productores de EDM deben conocer. Sobre todo porque muchas de las funciones que la compresión puede proporcionar y no es realmente aplicable a EDM. Entonces lo que los productores de EDM utilizan en su lugar es la saturación. Vamos a pasar ahora de esta sección y vamos a echar un vistazo a aplicar reverberación a nuestras pistas.
101. Reverb para mezclar: En esta conferencia, vamos a echar un vistazo a la reverberación y cómo podemos usarlo para EDM. Reverb es un plug-in que le dará profundidad a tu pista y puede colocar en un espacio muy específico. Por ejemplo, un sonido de reverberación muy común en tech house es emular el sonido de un club. Por lo que a menudo encontrarás reverberaciones de habitación muy cortas en una pista de tech house. Entonces, ¿qué es la reverberación? Bueno, los plugins de reverberación se basan en el principio científico de reverberación. Y esto simplemente significa que un sonido está rebotando objetos en una habitación. Podrían ser las paredes o podrían ser otros objetos en la habitación porque el sonido rebota tan rápido. De acuerdo, aquí está no se puede distinguir cada sonido individual, por lo que se mezclan juntos para formar este fenómeno que llamamos reverberación. Cuando estás usando un plug-in de reverberación, esencialmente
está tratando de imitar el sonido natural de la reverberación en la física. Por lo que el plug-in hace esto duplicando el sonido muchas veces y luego repitiendo tan rápido como para que nuestros oídos puedan distinguir. Y esto emulará el sonido de reverberación que escuchamos todos los días en el mundo real. Se puede pensar que el sonido es como una pelota de ping-pong, ¿de acuerdo? Si lo rebotas de una superficie dura, rebotará muy duro y muy lejos. Pero si lo rebotas, digamos una superficie suave como una cama, entonces no rebotará muy lejos en absoluto. Y es por eso que ciertas habitaciones, como, digamos que un baño tiene mucha reverberación porque hay muchas superficies duras en ese espacio. Pero un armario o un armario, por ejemplo, tiene mucho menos reverberación porque hay demasiadas superficies blandas que impiden que el sonido rebote. Es también por eso que los estudios de grabación tienen paredes suaves y suelos alfombrados. Es para mantener el sonido lo más puro y crudo posible. Entonces echemos un vistazo a algunos tipos diferentes de reverberación. Hay muchos, muchos tipos diferentes y algunos de estos incluyen lugar, habitación, hall, cámara, primavera, y convolución. Y yo sé que esto puede parecer mucho, pero en realidad no es porque podamos descomponerlos y algo así ponerlos en categorías separadas. Si tomamos espacio, Hall, y reverberaciones de cámara, Estos están todos tratando de emular un cierto espacio, ¿de acuerdo? Por lo que estas son reverberaciones espaciales. reverberación de habitación sonará como si estuviera en una habitación pequeña. Una reverberación de salón sonará como si estuviera en un gimnasio, o tal vez en una iglesia. Y una reverberación de cámara está en algún lugar entre estos dos, algo así como un medio feliz. Después de estas reverberaciones espaciales hemos colocado y reverberaciones de primavera, está bien. Y estos simplemente están emulando exactamente lo que dicen. ¿ Recuerdas esos juguetes que probablemente tuviste de niño donde hablaste a través de un megáfono
o micrófono de plástico y tu voz sonaría como si estuviera en una gran cueva o en una iglesia? Bueno, esto es reverberación de primavera porque dentro de ese pequeño juguete de plástico, hay un resorte físico, y cuando hablas, vibra. Entonces cuando dejas de hablar, el resorte sigue vibrando y estas vibraciones rebotan por dentro del juguete para crear un efecto de reverberación. plugins de reverberación de primavera intentarán emular el sonido y pueden sonar muy metálicos y duros. Por otro lado, la reverberación de placa es similar excepto en lugar de un resorte vibrando, una gran placa metálica vibra y crea el efecto de reverberación. Es como cómo vibrará un símbolo cuando un baterista nos golpee. Por lo que tenemos reverberaciones espaciales, reverberaciones de
primavera, y reverberaciones de placa. Bueno, ¿qué pasa con las reverberaciones de convolución? Estas son solo reverberaciones que en realidad se registraron en cierto lugar. Entonces, por ejemplo, puedes usar una reverberación de convolución para hacer tu sonido vocal como si estuvieran realmente grabadas en el Sydney Opera House. Ahora como estas reverberaciones se basan en lugares específicos, no
hay mucho ajuste que puedas hacer ya que habitará el sonido del espacio. Pero son bastante geniales de usar cuando quieres escuchar cómo sonaría algo si tal vez fuera dentro de la Catedral de San Pablo o incluso el Taj Mahal. Por lo que ahora conocemos los principales tipos de reverberación. Bueno, ¿cuáles son algunos de los principales parámetros que podemos modificar? El primer parámetro en mencionado es pre-delay. Y esto le dice a la reverberación cuánto tiempo esperar antes de aplicar el sonido de reverberación. Se puede utilizar para hacer que los espacios se sientan más grandes. En una habitación pequeña, el sonido rebota muy rápidamente porque las superficies están cerca. En un teatro enorme, el sonido tardará mucho más en rebotar. Por lo que podemos usar esto a nuestra ventaja y aumentar el tamaño del espacio. El pre-delay también puede hacer que un espacio se sienta más vacío porque el sonido
no tiene nada que rebotar antes de que golpee este tipo de pared imaginaria en la parte trasera de la habitación, entonces tenemos el tiempo de decaimiento. Entonces, ¿cuánto dura la cola de reverberación? Cuatro. En una iglesia grande, el tiempo de decadencia sería muy largo y el sonido puede rebotar durante cinco o seis segundos. Pero en una habitación pequeña, el tiempo de descomposición es mucho más corto porque rebota tan rápido que la energía sonora se desvanece más rápido que un gran espacio abierto. O incluso puedes pensar en ello como el sonido que se está cansando, más tiene que rebotar en las superficies. El parámetro de tamaño aumenta el tamaño real de la habitación. Y lo hace ajustando los volúmenes de las reflexiones. Si estás en una habitación pequeña, los reflejos que rebotan serán mucho más ruidosos que si estuvieras en un espacio enorme. Porque el sonido tiene menos distancia para viajar y por lo tanto pierde menos energía mientras viaja. El ancho simplemente hace que el sonido de reverberación sea más amplio, pero se puede utilizar junto con el
parámetro de tamaño para ayudar a que el espacio se sienta más realista. Una habitación pequeña no va a tener un sonido de reverberación amplia. Por lo que usaríamos este parámetro para hacer más estrecho el espacio. El ajuste de EQ también se puede llamar amortiguación y todo esto lo hace es dar forma a la reverberación real misma. Puedes hacer que la reverberación suene amortiguada, y esto hará que el espacio se sienta lleno en lugar de vacío. Esto también se llamaría espacio humedecido. Con este ajuste de ecualización en esta reverberación, estás configurando el rango de reverberación. Por lo que actualmente se establece entre cien, diez cientos hercios y 10 mil hercios. Pero podemos ajustar esto para enfocar la reverberación en un cierto rango de frecuencias. También puede obtener un parámetro de difusión, y esto es bastante común en los plugins de reverberación. La difusión es cuántas reflexiones hay en realidad. O en otras palabras, cuántas superficies duras hay en la habitación para rebotar. También se puede utilizar para dar forma realmente a la habitación. Por ejemplo, una habitación cuadrada con cuatro paredes paralelas producirá una reverberación que suena un poco como un twang. tanto que una habitación con tal vez ocho paredes que no sean paralelas producirá una reverberación mucho más exuberante y placentera. Puedes probar esto aplaudiendo las manos en tu recámara. El reverberamiento probablemente no sonará muy bonito. Pero si aplaudes las manos en la cocina en cambio, podrías encontrar que el sonido de reverberación es mucho más placentero porque hay muchas más superficies que no son paralelas. También hay un ajuste de modulación con esta reverberación, pero este parámetro no es muy común en los plugins de reverberación normales. La modulación sólo hará que el sonido de la reverberación se tambalee. Y puedes hacer algunos efectos geniales con esto. Pero no lo estaremos viendo en este curso porque no es un parámetro muy estándar que encontrarás. Y pasando ahora a retoques más, realmente no
hay mucho que pueda decir aquí porque hay tantos parámetros diferentes que te encontrarás, solo tendrás que probarlos y ver qué tipo de sonido puedes obtener. Terminemos con la presentación de diapositivas y volvamos al DAR, donde miramos cómo usar un plugin de reverberación.
102. Cómo usar Reverb: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender a usar reverberación para EDM. Y lo primero que diré es que estaremos usando para reverberar, vale, estaremos usando una reverberación corta y una reverberación larga. Y la reverberación corta está especie de diseñada para dar a rastrear una sensación de espacio. Y la larga reverberación. Entonces usamos eso para el aire, o simplemente una especie de sonido placentero. Entonces vamos a entrar en uno de estos instrumentos aquí, y voy a escoger uno que no hemos escuchado antes, que es este tipo de sonido de bronce pecaminoso. Ok, y si tal vez hago clic sobre la sección de soltar, esto podría abrir el filtro. Está bien. Y solo apagaré ese hogar molesto que está saliendo del sonido del órgano. Entonces tendremos una escucha de este instrumento. Ok, entonces lo primero que tenemos que hacer es encontrar dónde está esto en la pista del mezclador. Entonces voy a golpear play y voy a escanear a través y encontrar por qué pista está viniendo. Y puedo ver aquí está en la pista 22. Está bien. Ahora lo que necesitamos hacer es abrir donde están nuestras pistas sensoriales. Y necesitamos enviar parte de esta señal para descender pistas. Entonces vamos a aplicar parte de la señal al primer céntrico. Y luego vemos que este sonido también está viniendo en la misma pista. Ok. A continuación abriremos un plugin de reverberación en la banda sonora. Y bajaremos aquí y usaremos tal vez esta habitación NXP. Ok, porque queremos el, porque queremos usar la reverberación corta para especie de poner la pista en un espacio. Entonces vamos a escoger una de estas reverberaciones espaciales, que es habitación. ¿ De acuerdo? Entonces, en primer lugar, con todos los plugins de reverberación, hay presets, por lo que podemos hacer clic en algunos de estos y he escuchado cómo suenan. De acuerdo, podemos probar tal vez este gran restaurante. Pero si solo pasamos por el principal tipo de parámetros aquí, debo averiguar qué hacen, vale, porque el primero es pre-delay Y ya estábamos mirando eso antes. Y este tipo de le dice a la reverberación Cuánto tiempo antes de encender realmente el sonido de reverberación. De acuerdo, entonces se puede escuchar que 500 milisegundos es bastante largo. Y podemos usar esto para hacer que la habitación suene Mt. A continuación tenemos el tiempo de reverberación. Entonces esto es lo mismo que el tiempo de decadencia, y esto solo le dice a la reverberación cuánto tiempo debe jugar la reverberación. ¿ De acuerdo? Después de esto, tenemos este parámetro roll-off, ¿de acuerdo? Y esto es lo mismo que la amortiguación. Para que podamos hacer más brillante la reverberación girando esto todo el camino hacia arriba. O podemos hacer una especie de más amortiguada si la bajamos. A continuación tenemos la difusión, que es una especie de, de nuevo, cuántas reflexiones hay realmente. Si tenemos este conjunto realmente alto, habrá muchas reflexiones. Y si lo ponemos bajo, habrá menos reflexiones. Ahora, este siguiente parámetro que es o T, de alto costo, vale, esto, solo
encontrarás, OK, solo lo
encontrarás en algunos plugins de reverberación. Y lo que significa es cualquier frecuencia que esté por encima de la frecuencia que
establezcas, morirá más rápidamente. ¿ De acuerdo? Entonces si ponemos esto realmente bajo, y todos estos, todas las frecuencias por encima de 140 hercios, morirán mucho más rápido que 140 hercios. Y si ponemos esto mucho más alto. Entonces lo que puedes hacer con esto es que puedes usarlo para establecer la frecuencia resonante de la habitación, ¿de acuerdo? Y no necesitamos saber qué significa eso para este curso. Todo lo que necesitamos saber es cualquier tipo de valor que te sentaste aquí. Los valores por encima de ella morirán mucho más rápido. Y de nuevo, voy a ponerlo bajo porque creo que es realmente obvio cuando lo
pones bajo versus alto. Por último, tenemos el parámetro mix, y esto es lo mismo que el parámetro seco húmedo o tipo de cuánto del sonido de reverberación quieres? Está bien. Entonces si pongo esto abajo, empezarás a escuchar más de la señal seca, que es la señal original. Y la reverberación sonará mucho más silenciosa. Pero cuando estamos usando una reverberación como pista ascendente, deberíamos poner esta mezcla o el perilla húmeda seca en un 100%. Y usamos el nivel Send para controlar cuánta reverberación estamos recibiendo en realidad. Entonces usamos esta perilla y dijimos: Ok. Entonces una vez que has hecho de URM tu reverberación corta, entonces podemos seguir adelante y hacer una larga reverberación en un centrado diferente. Entonces vamos a enviar la señal de este instrumento a la segunda reverberación también. Y en este vamos a cargar una reverberación que suena mucho más larga. También porque la reverberación corta se utiliza para establecer el espacio. De acuerdo, entonces estamos usando una reverberación espacial para la reverberación corta. No vamos a usar una reverberación espacial para la reverberación larga. Entonces voy a bajar y voy a escoger uno de estos, tal vez una variable Platyrrhini k Así que este plugin de reverberación de placa se ve igual que el plug-in de reverberación de habitación, pero el algoritmo que utiliza para procesar el sonido es diferente. De acuerdo, entonces si tenemos una escucha, sólo escucha sólo la reverberación de placa por sí sola, verá que suena así. Y es mucho más largo y mucho más brillante. De acuerdo, podemos ajustar este tiempo de reverberación hasta 40 segundos. En este sonido. Esto tardará 40 segundos en morir este tipo de sonido de reverberación. De acuerdo, a menos que nos ajustemos. Entonces de nuevo, podemos mirar el pre-retardo Y como que podemos subir esto si queremos. Pero con la Reverberación de placas, generalmente, este preretardo se establece en 0. ¿ De acuerdo? A continuación tenemos el tiempo de reverberación. Y como esta es la reverberación larga, vamos a usar un tiempo de reverberación más largo que la reverberación corta, tal vez alrededor de 1.7 segundos. Por lo que la reverberación corta estaba usando un tiempo de reverberación de 0.93 segundos. Y en este estamos usando un tiempo de reverberación de 1.7 segundos. Entonces escuchemos cómo suena esta reverberación de placa ahora con la reverberación de 1.72, el tiempo. De nuevo con el roll-off, podemos hacer que suene amortiguador. Pero generalmente estamos tratando de agregar aire o chisporrotear. De acuerdo, entonces voy a dar la vuelta a esta derecha el camino hacia arriba porque quiero que
estos, este tipo de frecuencias altas a tipo de brillar con esta reverberación en particular. También creo que quiero un mayor tiempo de difusión sólo porque suene mejor. Es más placentero para el ER cuando el tiempo de difusión se establece bastante alto. Con esto o T High Court, voy a poner esto alto también, porque quiero mantener esas altas frecuencias ahí dentro el mayor tiempo, como tipo de, por el mayor tiempo posible. Entonces si volvemos a tener una escucha, tal vez no tanto, tal vez no tantos tipos de frecuencias altas. Hagamos una escucha a cómo suena esto. Sí, eso suena mejor a mi oído. Está bien. Y de nuevo, con todos los plugins de reverberación, puedes cambiar el preset, pero acabamos de hacer nuestro propio tipo de ajustes aquí, así que voy a dejarlo. Y una vez que tenemos las dos reverberaciones hechas, es hora de ordenar el nivel de reverberación para este instrumento. Ok, entonces primero vamos a aplicar la reverberación corta para poner este instrumento en un espacio así. Al estar jugando, voy a aumentar este tipo de nivel de envío. Y luego encontraremos el nivel óptimo para cuando este instrumento suene bien en un espacio, ¿de acuerdo? De acuerdo, entonces me gusta el sonido de esta reverberación cuando se establece a este nivel. Ahora es el momento de mezclarse en alguna de la larga reverberación, vale, así que empezaremos desde 0 y como está jugando aumentará, este nivel de arena. Puede quizá un poco menos. Entonces este es el proceso que utilizas para aplicar reverberación a tus instrumentos, ok. Y luego a medida que avanzas, vas a hacer el mismo tipo de proceso con tal vez este instrumento. Vas a poner tu reverberación corta y luego a lo largo de reverberación. Y de nuevo con este instrumento, establecerás tu reverberación corta y especie de ponerla en un espacio. Y luego establecerás tu larga reverberación para darle una bonita especie de sonido de aire o chisporroteo. Ok, y no necesitamos cambiar ninguna de las configuraciones
en la reverberación corta y la larga porque las hemos puesto bien. Y están en canales de arena y necesitamos
asegurarnos de que todo esté en el mismo espacio. Acabas de configurar esto una vez, configuras tu corto River una vez y tu larga reverberación una vez. Y luego pasas por todas tus diferentes pistas y las agregas. Ajusta el nivel para que tengan un corto y un largo, ¿de acuerdo? Lo único que voy a decir es que sus tambores. Ok, así que así, no
estaremos usando la reverberación larga. Solo usaremos la reverberación corta en la batería. Y esto es sólo porque suena más limpio. De acuerdo, entonces cuando estás aplicando reverberación a tus tambores, solo
vas a usar la reverberación corta. Y lo último que diré es que no se aplica reverberación a su bombo de patada en absoluto. De acuerdo, ni siquiera la reverberación corta. Dejamos el tambor de patada en paz y la base, ¿de acuerdo? Si estás usando una sub base, son una especie de instrumento basado, ten mucho cuidado, definitivamente no aplicar reverberación larga. Y si estás aplicando reverberación corta, asegúrate de aplicar solo una cantidad
muy, muy pequeña, vale, y te mostraré a qué suena eso. Ahora, solo haré doble clic en esto muy rápido y tendremos una lección. Sólo queremos que el sonido de la reverberación sea sutil. Ok, entonces puedo empezar a oírlo ahí. Y eso probablemente sea más que suficiente. Y la razón por la que no aplicamos reverberación a las bajas frecuencias, como tu base en tu kick drum es porque las frecuencias bajas pueden ser muy, muy problemáticas para el tipo general de mezcla de una pista. Por lo que tendemos a mantenerlos lo más limpio posible. De acuerdo, entonces podría ni siquiera aplicar reverberación a esta base en absoluto. Y no necesito aplicar reverberación a los instrumentos que son especie de tocar al mismo tiempo. A lo mejor este, este instrumento sintetizador. ¿ De acuerdo? Ponlo en un espacio como este con la reverberación corta. Y luego usa la reverberación larga para agregar un poco de aire. Lo mismo con tus voces. Entonces vamos a solista la pista vocal. Reverberación corta para añadirlo a un espacio. Y luego la larga reverberación para darle un poco de aire. De acuerdo, y si volvemos a uno de los otros instrumentos que están usando la reverberación. Probablemente haya demasiado en esto. Perdón, también tengo que encender la pista de este instrumento sólo para obtener el sonido adecuado del instrumento. Oirás que estos dos instrumentos, así que estos instrumentos, lo siento, y las voces, suenan como si estuvieran en el mismo espacio. Y también te darás cuenta de que cuando ambos dejaron de jugar, la reverberación para ambos tipo de descomposición lo mismo, vale, porque está siendo procesada por el mismo plugin. Y esto es realmente importante para mantener todos los elementos de tu pista en el mismo espacio, acuerdo, necesitamos siempre asegurarnos de que los sonidos que estamos usando encajen bien. En la siguiente sección, estaremos echando un vistazo a qué
es el retraso y cómo podemos usar el retraso para nuestras pistas.
103. Delay para mezclar: En esta conferencia, descubriremos cuáles son las capas y cómo podemos usarlo para EDM, es más un plug-in estético y realmente no sirve un propósito práctico que no sea sonar bien. Pero como siempre decimos, si algo suena bien, entonces es bueno. Entonces, ¿qué es el retraso? El retraso es muy similar a la reverberación en que se basa en el reflejo del sonido, pero donde la reverberación se basa en reverberaciones, retraso se basa en ecos. Entonces cuando gritas tu nombre por la cima de un acantilado y el sonido llega gritándote de nuevo unos segundos después. Bueno, esto es retraso. Lo que pasa aquí es que el espacio es tan ridículamente enorme que podemos escuchar cada reflejo del sonido por separado. Y esto es exactamente lo que hace el plug-in para recrear ese efecto. Duplica el sonido y luego lo repite lo
suficientemente lento para que nuestros oídos puedan distinguir cada reflejo. Entonces al igual que reverberación, hay diferentes tipos de retardo. Con retardo estéreo, el sonido se sentirá Blanco y
parecerá repetirse exactamente al mismo tiempo en ambos oídos. Con el retraso mono no será ancho. Pero nuevamente, el sonido parecerá repetirse en ambos oídos al mismo tiempo. Los retrasos de mano pueden sentirse diez y muy anticuados, así que ten cuidado de usarlo solo para un efecto específico. Retardo de bofetada es cuando sólo tienes uno o dos reflejos muy rápidos y luego el eco se detiene. Generalmente se utiliza para imitar el sonido de una habitación y fue un efecto muy popular utilizado con música de los años sesenta. En realidad se usaba a menudo en la voz de Paul McCartney. Y se puede escuchar esto en acción si se escucha pista
del EDM fuera de la vista por las sangrientas raíces de remolacha. El retraso de ping-pong es donde las reflexiones tipo de alteran entre izquierda y derecha. Por lo que se sentirá como si el sonido estuviera rebotando entre cada una de tus orejas izquierda y derecha. ¿ Cuáles son algunos de los principales parámetros que podemos utilizar para el retraso? En primer lugar, tenemos el parámetro de retraso real en sí. Entonces, ¿cuánto tiempo hay entre cada reflexión? Si pones esto realmente alto en, digamos, cinco segundos, entonces cada reflejo se reproducirá cada cinco segundos. Puede obtener dos parámetros para esta función de retardo, izquierda y derecha. Si es así, entonces puede establecer el retardo de la izquierda de manera diferente al retardo de la derecha. Esto creará un efecto estéreo placentero para el oyente. Y te mostraré lo que quiero decir cuando realmente estamos usando este plugin porque podemos cambiar el modo de procesamiento y tenemos que retrasar los parámetros. A continuación tenemos el parámetro spread. Ahora, esto solo se aplica a este plugin en particular, y solo aparece cuando está configurado en un modo determinado. Pero sólo lo mencionaremos aquí muy rápido. ¿ De acuerdo? Por lo que esto solo agrega una ligera diferencia en el tiempo entre los propios retrasos reales. Entonces si pones esto en 0, sonará como si solo hubiera un reflejo rebotando alrededor. Pero si lo pones por encima de 0, sonará como si este reflejo fuera una especie de tartamudez o como si
hubiera, hay más de un reflejo. Es algo similar a la configuración de difusión en una reverberación. Entonces tenemos el parámetro de retroalimentación, ¿de acuerdo? Y esto controla esencialmente cuánto retraso hay en realidad. Entonces si pones esto bajo, solo
habrá uno o quizá dos tipos de retrasos silenciosos. Y si pones así de alto, habrá muchos retrasos. Es lo mismo que el parámetro de descomposición en la reverberación. Ya sabes, ¿cuánto tiempo queremos que continúen los retrasos antes de que se desvanezcan? Ahora, también debes saber que si estableces el parámetro de retroalimentación por encima del 100%, los retrasos nunca terminarán. Y en realidad se pondrán cada vez más fuerte hasta que se pueda escuchar un sonido realmente horrible de chillidos. Por lo que te aconsejo que tal vez mantengas la retroalimentación por debajo del 100%. Puedes crear algún tipo de efectos
de sonido de película de terror interesante si lo pones por encima del 100%. Pero esto generalmente no suena bien en la música. A continuación, tenemos el ancho. Encontrarás algo como esto en la mayoría de los plugins de retardo y ajustarás establece qué tan ancho suena el efecto de retardo real. Entonces si lo pones a 0, los retrasos sonarán delgados y Mano. Pero si lo pones en 100, los retrasos sonarán amplios y llenos. Cuando tu equipo esto con el parámetro Spread, realmente
puedes hacer que los retrasos suenen más interesantes para el oyente. También tenemos esta sección de color, y aquí solo podemos agregar en alguna distorsión a los retrasos para efecto extra. Ahora esto no es exactamente estándar, y en realidad estaremos haciendo esto nosotros mismos usando diferentes plugins en unas pocas conferencias. Entonces podemos ignorar esto por ahora, pero es bueno saber que podemos usarlo si un plug-in de retardo lo tiene disponible, y eso es algo así para los parámetros principales. Tu plugin de retardo probablemente vendrá con
mucho más que son únicos de ese plug-in en particular. Al igual que la que tenemos en esta imagen. También tiene una modulación de difusión y sección de EQ donde podemos cambiar el sonido, pero estos son algo únicos a este plugin de retardo. Por lo que he intentado cubrir los principales parámetros que encontrarás, pero casi puedo garantizar que tu plugin tendrá mucho más con diferentes nombres. Y esto realmente me lleva a la diapositiva final. De acuerdo, entonces, entonces los retrasos son similares a las reverberaciones en que los plugins son todos completamente diferentes. Aparte de la retroalimentación y el tiempo de retardo real, los parámetros que encontrarás pueden ser completamente diferentes. Así que asegúrate de jugar con cada uno para averiguar qué hace, entonces realmente puedes empezar a hacer tus propios sonidos de retardos únicos.
104. Cómo utilizar el retardo: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender a usar el retraso. retardo se puede usar para especie de agregar ancho estéreo o como un efecto divertido, rítmico. Tendrás que asegurarte de que tu plug-in esté vinculado a tu tempo, ¿de acuerdo? Porque si no lo es, entonces el tipo de reflexiones de retraso será fuera de tiempo. Ahora, puedes configurarlos manualmente si usas un convertidor de dos milisegundos BPMN. De acuerdo, así que solo te conectas y buscas convertidor de BPM a milisegundos y escribes tu BPM, que es 95. Y luego te dará una especie de lista de todos los milisegundos que se ajustarán a tu bpm. Entonces tomemos este bucle de batería aquí y veremos agregar algún retraso. De acuerdo, entonces lo primero que vamos a hacer es que vamos a entrar y vamos a añadir esto a la pista del mezclador. Y luego lo vamos a enviar a una de nuestras bandas sonoras. Entonces lo voy a mandar para rastrear uno. Y voy a mandar a esa banda sonora y abrir un plug-in de retardo. Ahora voy a usar el mismo retraso que estábamos mirando en las diapositivas. Sólo por la consistencia, voy a bajar aquí a este retraso del Valhalla, ¿de acuerdo? Y cuando se abre por defecto, suena así. Ahora, probablemente te hayas dado cuenta de que las reflexiones están algo fuera de tiempo. Y esto se debe a que este tipo de, este tiempo de retardo de milisegundos no está sincronizado con el BPM. Entonces esto en general como efecto,
suena un poco desordenado. Pero con este plug-in, podemos cambiar esto para que se vincule a nuestro BPM haciendo clic en esta opción de nota. Y ahora podemos ver que podemos establecer como por sabe de nuestro BPMN. Entonces si lo ponemos a tal vez una nota 16, suena así. De acuerdo, y tal vez una octava nota por un cuarto. Entonces si empezamos aquí de nuevo a la izquierda, fue eso con la mezcla, y esto es lo mismo que la reverberación. Si ponemos esto en 0, no habrá ninguno del efecto retardo ahí. ¿ De acuerdo? Y a medida que aumentemos, poco
a poco estará sumando en el efecto retardo. Ahora si ponemos esto en 100, lo que eso hace es 100% ese efecto retardo. Por lo que en realidad no escuchamos en absoluto este tambor. Todo lo que escuchamos es el retraso. ¿ De acuerdo? Ahora si agregamos de nuevo en ese tipo de bucle de batería original. Ahora si bajamos al parámetro de estilo, esto sólo cambia el tipo del modo de simple a doble doble dual, lo siento, ping-pong y todo esto está aquí en relación también y tranquilo, ok, entonces con sencillo Obtenemos ese parámetro spread. Pero si cambiamos esto a jhu, obtenemos dos. De acuerdo, entonces podemos cambiar este para anotar también. Y podemos establecerlo de manera diferente al canal izquierdo. Entonces podemos sincronizar este tipo de parámetros con el BPM. Y también podemos hacerlo diferente al tipo de la izquierda. Entonces si los tenemos establecer el tipo de lo mismo. Suena así. Pero si lo dijimos de manera diferente, puede ser un poco más interesante para el oyente, acuerdo, así que ahora lo voy a establecer de manera diferente. Quizás incluso más de un cuarto de nota, una media nota. Entonces con este plugin, también tenemos este tipo de este modo de relación. Y aquí es donde podemos establecer la relación de los retrasos. De acuerdo, entonces lo que pasa es con esto las reflexiones tipo de aceleración dependiendo de qué relación haya dicho aquí. ¿ De acuerdo? Y si pongo esto más alto, tipo de ralentiza los retrasos y la roseta es menor. Y tal vez cambiemos este parámetro de retardo y veamos cómo suena eso. De acuerdo, y entonces también tenemos esta lata modal de ping-pong, y la mayoría de los retrasos tendrán esto. Y aquí es donde el tipo de los reflejos
rebotan de izquierda a derecha en tus oídos. De acuerdo, pero si ponemos esto igual, tal vez pusimos ambos en una nota de cuarto. Sonará así. De acuerdo, entonces a ver cómo es un poco rebotando de izquierda a derecha. Si hago esto más rápido, será mucho más obvio. Por lo que el retraso de ping-pong es probablemente el estilo más común de retraso que se utiliza. Entonces lo siguiente vendrá y echaremos un vistazo al parámetro de retroalimentación,
vale, y esto es lo mismo que la decadencia en una reverberación. Entonces si ponemos esto más bajo, habrá menos, menos tipo de reflexión, lo siento. De acuerdo, y si ponemos esto más alto, habrá más. ¿ De acuerdo? Y esas reflexiones continuarán por un tiempo más largo que si estuvieran como puestas aquí a los 26. De acuerdo, se puede ver cómo eso termina realmente rápido. Y si establecemos este imperio, tardarán un poco más en especie de desvanecerse al silencio. De acuerdo, entonces tenemos el parámetro width donde podemos cambiar esto de mano, que será 0. ¿De acuerdo? Y entonces podemos aumentar lentamente el ancho. Y también podemos hacer que suene un poco diferente girando en la dirección opuesta. Y es sólo una especie de basado en ese principio que estábamos mirando antes donde
retrasamos el tiempo de ensamblado para crear una especie de efecto de duplicación estéreo. Y así cuando lo giramos a la derecha, está retrasando el canal izquierdo. Y cuando lo giremos a la izquierda, va a retrasar el canal derecho, ¿de acuerdo? Simplemente depende de ti qué tipo de configuración prefieres el sonido de Ya sea derecha o izquierda. Y de nuevo, ahí es como donde terminan los parámetros estándar. De acuerdo, ahora tenemos este parámetro de color donde
podemos hacer que el retardo suene un poco distorsionado. De acuerdo, también podemos agregar una especie de leve cantidad de reverberación al sonido en sí. Ok, cambia el tamaño de eso, haz que la habitación sea más pequeña. Y entonces podemos cambiar este EQ para que tal vez
sólo haya tipo de frecuencias altas y de ser escuchados y reflexiones. O tal vez queremos sólo frecuencias bajas escuchadas las reflexiones. Quizás incluso menos que eso si lo bajamos bien a una especie de 500. También tienes la modulación donde puedes controlar la profundidad, ¿de acuerdo? Y simplemente nos metemos con estos para ver qué tipo de sonidos diferentes podemos obtener porque estos parámetros, y no son estándar. De acuerdo, así que probablemente no encuentres esto en otros plugins de retardo, pero es importante un tipo de lío con los diferentes parámetros y ver qué tipo de sonido puedes obtener. ¿ De acuerdo? Y entonces finalmente tenemos este modo por aquí donde podemos cambiar el modo de pegado a Hi-Fi a todos estos diferentes tipos de sonidos. De acuerdo, así que el sonido digital es diferente. Y sonará diferente al fantasma. Uno de mis favoritos para usar es este tono inverso. Creo que esto es realmente genial. Hagamos una escucha a esto y a la acción. Si tipo de aumento el EQ, tal vez menos retroalimentación. Y los haremos un poco más largos. Por lo que esto se puede enfriar para ese tipo de tambores funky break beat. Y por último, solo quiero decir similar a reverberación, no
estaremos tirando de retraso en ninguna de las frecuencias bajas, como tu bombo o tu patada, bien, porque esto se nublará hasta el extremo bajo y lo haría realmente destruyen la mezcla de tu pista. Tu pista terminará sonando muy desordenado. Además, no quieres exagerar el retraso, vale, porque es muy,
muy fácil especie de nublar tu pista y estropear el sonido general. Se puede poner muy desordenado. Entonces con esto, incluso la mezcla de esto es bastante demasiado. Entonces entraríamos aquí y ajustaremos esto para que sea un poco más sutil. Porque si lo tienes configurado realmente alto, es genial cuando estás usando esto, tal vez este beat por sí mismo. De acuerdo, Pero si recordamos de elementos de conducción, si tienes este tipo de efecto en tus tambores, va a distraer de una especie de los elementos principales en tus pistas. Por lo que mantenemos sutiles este tipo de efectos. Sólo para llenar un poco de espacio vacío. En la próxima conferencia, aprenderemos a hacer el efecto de retardo de la bofetada.
105. Retraso de Slapback: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender a hacer un retraso de bofetada. Por lo que podemos usar un retardo de bofetada para crear un efecto estéreo y hacer que tus elementos suenan como si estuvieran más en la habitación. Este tipo de efecto delay también suena bastante bien en vocalista y vamos a echar un vistazo a la pista vocal que estamos usando en esta pista de EDM. Ahora para hacer un retraso de bofetada, es muy, muy sencillo. Vamos a estar usando un tiempo de retardo muy corto y un nivel de retroalimentación muy corto. También tienes que asegurarte de que el retardo esté configurado en un ajuste estéreo. De acuerdo, así que pinchemos en esta pista vocal y tendremos una escucha a lo que suena si la solemos. De acuerdo, así es como suena Ahora. Entonces vamos a venir aquí a este tercer
canal de manda y vamos a mandar algo de la señal hacia él. De acuerdo, entonces vamos a subir esto y vamos a echar un vistazo y ver es la señal que viene a través. De acuerdo, sí, puedo ver la señal entrando. Por lo que ahora podemos cargar un plug-in de retardo. Entonces voy a cargar el retraso que estábamos mirando antes, que es este retraso del Valhalla. Está bien. Y se abre así. Y déjame abrirla. Suena así. De acuerdo, y muy simplemente para crear un efecto de retardo de bofetada hacia atrás, vamos a bajar este tipo de cosa de milisegundos hasta que sea un poco muy, muy corto. ¿ De acuerdo? Y luego vamos a bajar la retroalimentación. Muy, muy corto también. Entonces tal vez incluso menos que eso si mal en esa pizarra. ¿ De acuerdo? Y eso es todo. Es así como se crea un retraso de bofetada. Está bien. Y si lo apagamos y la vocal y luego la encendemos de nuevo, notará la diferencia. De acuerdo, vamos a escuchar. Si está mal encendido. De acuerdo, entonces, ¿qué tipo de crea una especie de efecto estéreo? Y hace que los elementos suenan como si fuera más en especie de habitación vacía. Entonces vamos a tener una escucha a lo que suena en toda
la mezcla y tipo de apagado alternativo al inicio. Y luego lo encenderé ya que estamos a mitad de camino. Entonces es una especie de herramienta sutil que podemos usar, pero también crea mucho más de un sonido interesante para el oyente. Ahora también podemos aplicar el retardo de la bofetada hacia atrás. Podemos aplicar esto a instrumentos a, acuerdo, así que echemos un vistazo a aplicar algunos a este sintetizador. Pero menos que eso. Perdón. Ahora no suena particularmente bien en este instrumento porque las notas, si alguna vez buscas no muy sincopadas, vale, es algo así como muy robótico. Pero si echamos un vistazo a algo que tal vez esté sincopado así, tal vez este SAM, este tipo de bronce sinth suena aquí. Tengo que solista eso en la caminata del mezclador. Simplemente encuéntralo aquí lo es. Está bien. Yo lo traeré, traeré el cabezal de reproducción para que se abra el filtro. Porque en el arreglo el filtro está un poco cerrado cuando el cabezal de juego está de vuelta aquí. Entonces vamos a mover la cabeza de juego para que se abra el filtro. Y aplicaremos este efecto de retardo de bofetada a este sonido. De acuerdo, así que eso resume más o menos el
retraso de la bofetada y puedes crearlo con cualquier plug-in de retardo. Voy a abrir realmente rápidamente uno de los delays.com con FL Studio. Whoops, este banco de retraso aquí abrirá esto. Y si escuchamos este instrumento, oh lo siento, tengo que abrir el filtro. De acuerdo, entonces de nuevo, vamos a establecer el tiempo de retroalimentación muy corto. De acuerdo, y con este plugin en particular, es una especie de set en mono. Entonces si nosotros, si hacemos panear este retraso a la izquierda, y entonces copiaremos el valor de esto. Y cargaremos aquí un segundo retraso, y añadimos éste completamente a la derecha. Y luego pegaremos ese valor en el tiempo de retroalimentación. Obtendremos un efecto slapback estéreo adecuado. Tengamos una escucha. Y si tal vez agregamos algo más de volumen a este instrumento en particular, salsa más tipo de nivel de envío. Ups, podría sonar un poco mejor. En la siguiente conferencia, vamos a echar un vistazo a agregar algunos efectos interesantes al sonido de retardo.
106. Agrega efectos a la demora: En esta conferencia, vamos a echar un vistazo a agregar algún tipo interesante de efectos adicionales al sonido de retardo. ¿ De acuerdo? Podemos agregar cosas como EQ y distorsión para crear algunos efectos realmente geniales, como un retardo de radio o una baja fidelidad. Entonces abramos esta vocal en la pista del mezclador. De acuerdo, y voy a cambiar el retraso de la bofetada que teníamos antes. Yo sólo voy a cambiar tal vez esto para anotar hasta alrededor de 1 octava y subiré la retroalimentación y sólo tipo de dejarla ahí. Entonces, sólo para que podamos escuchar el sonido de los retrasados pero mejor. Ok. A lo mejor un cuarto de nota. De acuerdo, entonces primero hagamos un retraso de radio. Entonces lo que hacemos es cargar un EQ y estábamos mirando antes cómo crear un efecto telefónico con una E da lo vamos a hacer de nuevo aquí. Vamos a usar un pase alto, trayendo una especie de hasta el tipo de alto rango medio. Entonces vamos a crear un paso bajo y bajarlo a la gama media alta. De acuerdo, así que en algún lugar por aquí. Y entonces vamos a impulsar tal vez algo tipo de en esta región. De acuerdo, sólo voy a cambiar esto a una octava nota para que podamos escucharlo un poco mejor. Volvamos a tener una escucha. A lo mejor un poco más de empuje. Esto es alto pase un poco. Y luego si le agregamos alguna distorsión a este ecualizador, así entrará en el shaper de ondas. Y vamos a añadir distorsión. la forma sencilla que sabemos cómo es crear un punto de anclaje aquí, arrastrar esto hacia arriba, y entonces tal vez una especie de hacer una especie de forma como este tipo, tal vez no tanto. Bájala. De acuerdo, entonces eso es un efecto de retardo de radio. También podemos cambiar esto a ping-pong. Entonces es un poco rebotando entre la izquierda y la derecha solo por un efecto interesante. Y también cambiará esto por una octava nota. Y ya veremos qué pasa. Ahora. Podemos apagar estos y podemos añadir otros plug-ins divertidos, como tengo uno llamado byte appear,
ok, y esto crea un efecto de baja ficción. Entonces si cargo esto por debajo del inicio de sesión
retrasado, afectará el sonido de los retrasos. Y podemos entrar aquí a estos presets y tal vez lo intentaremos en algunos bytes. Veamos cómo suena esto. Vale, tal vez no esa que está probando uno de los otros presets. Vamos a probar tal vez uno de los de distorsión. Veamos cómo son estos. De acuerdo, y lo que podemos hacer es que podemos bajar sólo para que sea más sutil. Entonces puedes cargar efectos interesantes como este ahora, para crear lo-fi con FL Studio, si te acercas a este plug-in efector, y si cargamos esto, parece algo que un DJ tendría en su mesa de mezclas, pero podemos bajar aquí a Lo-Fi. Y si agarramos este pelo amarillo cruzado, podemos mover esto para apoyar. Suena bien. Entonces si subo esto solo para que lo oigamos mejor si mal, ¿de acuerdo? De acuerdo, y también podemos usar esto para agregar algunos otros efectos diferentes, como tal vez un modulador de anillo. De acuerdo, y también podemos probar tal vez un flanger edges. Entonces, como puedes ver, cuando añades efectos adicionales al sonido de retardo, puedes crear un retardo de sonido mucho más interesante. Vamos a pasar ahora de los retrasos, y vamos a echar un vistazo a las imágenes estereofónicas. Podemos usar esto para hacer realmente nuestro campo de pistas blanco, completo y más profesional.
107. Imaging estéreo para mezclar: Uno de los principales aspectos de la mezcla de música electrónica es la imagen estéreo. Esto puede causar directamente que tu pista suene amateur cuando podría sonar muy fácilmente profesional. pistas modernas de EDM profesionales suenan muy completas y anchas. Y esto es resultado de algunas grandes técnicas de imagen estereofónica. Podemos usar estas técnicas para crear ancho, pero también profundidad dentro de una mezcla. La música producida profesionalmente siempre se sentirá como si estuviera en un espacio en particular. Y eso es lo que vamos a intentar y lograr con este apartado. Entonces, ¿qué es la imagen estéreo? Bueno, esto simplemente se refiere a dónde se colocan exactamente los elementos en el campo estéreo. Y el campo estéreo es simplemente como un semicírculo 2D frente a tu cabeza. Entonces, ¿los elementos suenan como si vinieran del lado izquierdo o suenan como si vinieran del lado derecho? A lo mejor algunos de estos elementos vienen del centro. También. ¿ A qué distancia están estos elementos? ¿ Son más profundos en el espacio o están más cerca de ti? Ahora si fueras a convertir este semicírculo 2D en uno
3D donde el sonido puede estar por encima o por debajo de ti. Esto sería sonido envolvente. También podemos usar el sonido envolvente para colocar objetos detrás de ti, pero la música nunca se produce en sonido envolvente. También hay tal cosa como el audio 8D o por ahora recargarte, vale, pero si alguna vez escuchaste esos temas en YouTube,
que en realidad te están engañando porque YouTube convierte todo en este semicírculo estéreo 2D de todos modos. Por lo que realmente no estás consiguiendo la verdadera experiencia de 80 audio. No obstante, si volvemos a este semicírculo 2D, bueno, podemos usar este concepto para ayudarnos a mezclar música. Aprendamos las diferentes formas en que podemos crear ancho y profundidad dentro de una pista. En primer lugar, tenemos panning. Ahora. Ya sabemos que estamos panning es correcto, simplemente colocando algo ya sea a la izquierda o a la derecha del oyente. Podemos usar esto para hacer que un campo de pista sea más amplio porque realmente podemos empujar los elementos directamente hacia fuera hasta el borde del campo estéreo. También hay algo llamado el efecto haas, y en realidad lo hemos hecho ya sin saberlo. A veces se le puede llamar el efecto de precedencia. Y simplemente significa que si un sonido suena ligeramente detrás de otro sonido, para nosotros, los humanos lo perciben como un solo sonido. Las reverberaciones también se basan en este principio donde las reflexiones juegan demasiado rápido para que podamos escuchar cada reflexión individual. Con el efecto haas, simplemente
duplicamos y retrasamos un sonido por cualquier cosa menos de 40 milisegundos. ¿ Suena familiar? Ya lo hicimos cuando estábamos aprendiendo sobre el doblaje vocal. Volveremos a echar un vistazo al efecto Haas en este apartado. Y también veremos un práctico plugin que viene con FL Studio de forma gratuita que hace este sencillo truco estéreo con el giro de un parámetro. A continuación tenemos micro turno. Me encanta usar palabras grandes, pero en realidad ya hemos hecho esto también. Entonces de nuevo, cuando estábamos mirando el doblaje vocal, ajustamos el tiempo y el tono de la vocal duplicada. Bueno, el ajuste de temporización fue el efecto haas y el ajuste de tono fue micro cambio. Por lo que volveremos a verlo en esta sección, pero debería ser bastante familiar y fácil de hacer. También podemos usar reverbs y retardos para crear profundidad. Entonces si aumentamos el sonido de la reverberación de la habitación, esto empujará ese elemento hacia atrás hacia la habitación. Si te imaginas de pie en la parte trasera del salón cuando el DJ está tocando una pista. Bueno, la fuente de ese sonido está muy, muy lejos. Por lo que todo lo que puedes escuchar son los reflejos fuera de las paredes. Pero a medida que caminas cada vez más cerca del DJ, la fuente del sonido se vuelve más fuerte y comienzas a escuchar menos reflejos fuera de la pared. Entonces cuando estás de pie justo al lado del DJ, Puedes escuchar la música muy claramente y la fuente del sonido está muy cerca. Bueno, podemos usar reverberaciones y retrasos para imitar este efecto y crear una sensación de profundidad dentro de nuestras pistas. Sólo ten cuidado de no exagerar esto y elementos completamente ahogados en reverberación. Queremos empujarlo hacia atrás sólo un poco, no empujarlo completamente a la parte trasera de la habitación. Por último, podemos utilizar un
plug-in de imagen estéreo para ayudarnos a lograr la blancura que deseamos. Entonces si no tienes ganas de hacer todas estas cosas, solo
puedes usar un plug-in que lo hará todo por ti. Volvamos al punto y aprenderemos a usar imágenes estéreo en nuestras pistas EDM.
108. Uso de panel para las Mixes más Wider: Entonces en esta conferencia, vamos a estar usando panning para colocar
elementos ya sea a la izquierda o a la derecha del oyente. Ahora bien, a menudo se pasa por alto esta técnica o se considera poco importante, pero eso no podría estar más lejos de la verdad. También diré que tienes que asegurarte de que estés haciendo paneo con tus orejas y no con tus ojos. De acuerdo, no mires los parámetros de panning y un poco decidas, Ya
sabes, has mirado, esto puede ser demasiado a la derecha, vale. Porque si no suena como si fuera pander demasiado a la derecha. Probablemente no sea pander demasiado. Está bien. También solo quiero reiterar que no hacemos pan son bajas frecuencias,
ok, así que no hacemos panear la base,
y no hacemos panear el bombo de patada. Y generalmente también mantenemos la vocal en el centro, acuerdo, así que no hacemos panear la vocal principal. Se puede panear las voces de respaldo para hacer algún tipo interesante de sonidos vocales anchos, pero no hacemos panear la vocal principal. Entonces con todo eso dicho, empecemos a panear algunos de los elementos de esta pista. Entonces vamos a entrar en el mezclador y alguna vez escucharemos tal vez algunos de estos instrumentos. De acuerdo, entonces escuchemos este top que es el patrón uno, que está en pista, lo siento, pista nueve. Y podemos quizá pandas, vamos, no
vayamos demasiado extremos, tal vez sólo 20%. A ver cómo suena eso. Simplemente muy, muy sutilmente. Y voy a panear la capa de la manera opuesta, muy sutilmente también sólo para crear una ligera especie de sonido más amplio. A continuación, si entramos en este tipo de sección de acumulación, puedo ver que tengo un piano eléctrico en capas con un piano normal. Entonces voy a anexar estos un poco más extremadamente. Entonces tomemos el piano eléctrico, que es éste. ¿ De acuerdo? Y podría decidirme hacer panear esto mucho a la izquierda, de acuerdo. Y entonces podemos tomar el piano y tal vez entramos mucho en pánico a la derecha. Y si volvemos a escuchar con los otros elementos, ahora, también puedo panear Algunos de los elementos de tambor que están aquí. Entonces creo que sólo es un agitador que está aquí en este momento. Si tan solo destaco esto. De acuerdo, puedo agitar esto si quiero, pero creo que voy a mantener el agitador en el centro. Y a lo mejor voy a panear este elemento de tambor. Un poco tal vez vamos a panear esto un poco a la izquierda. ¿ De acuerdo? Y encontremos algunos otros elementos que van a estar jugando. Vengamos aquí a este tipo de sección más completa. Y vamos a echar un vistazo a tal vez panear algún otro elemento. Veamos qué es esto. Esto es, este es el sonido de órgano. Por lo que podemos panear eso ligeramente o lo compusimos agresivamente. Pero no me gusta el sonido de la misma cuando es panned un poco agresivamente. Entonces sólo voy a mantenerlo un poco perfilado una de estas direcciones. Está bien. Y si echamos un vistazo a tal vez este elemento de tambor que también está aquí, está en la pista 12. Y va a silenciar ese Oregon porque se ha vuelto molesto tipo de sonido AMP. Aquí en la pista 12 si no hace esto. De acuerdo, podríamos panear esto puede ser un poco a la izquierda también. Al igual que sería en un kit de tambor normal. Entonces también voy a echar un vistazo al tipo de las voces de respaldo que están aquí también. Estos son vocales hicieron. Por lo que necesito encender el transportista, que es éste. ¿ De acuerdo? Y vamos a anexar estos tal vez duro izquierdo y derecho duro para crear un sonido muy, muy amplio. Entonces cuando estos se estratifican con las voces principales, suena así. Ok, escuchemos todos estos elementos jugando juntos con el panning que hemos aplicado. De acuerdo, y cuando entre la droga, y voy a apagar ese sonido de órgano otra vez cuando entre la droga. Y hay un piano con el que se estratifica, y un sintetizador que se estratifica con el Oregon. Está bien. Entonces podría decidir que quiero panear ese sintetizador, que es, solo voy a revisar en qué pista está esa. Entonces entramos aquí, es en 22. Entonces si nos acercamos a la pista 22 y yo mi pan esto mucho a la izquierda para especie de reflejar los instrumentos que están tocando al mismo tiempo. Entonces es un sintetizador en capas con un piano, en capas con el Oregon, ok. Y el piano estaba muy a la derecha y el organizar un poco a la derecha también. Entonces para crear equilibrio, voy a panear este sintetizador a la izquierda. De acuerdo, vamos a escuchar cómo suena esto. De acuerdo, echemos un vistazo a tal vez panear algunos de estos elementos de tambor extra. Entonces vamos a entrar aquí y vamos a tener una escucha a qué otros tambores hay. De acuerdo, entonces está este open house que está jugando
al mismo tiempo que este otro sombrero de aquí abajo en 12. Ok. Por lo que la sartén de éste a la izquierda. Vamos a panear este a la derecha para el equilibrio. De acuerdo, echemos un vistazo. Este sonido de percusión. Ahora podría decidir que voy a panear esto mucho a la izquierda. De acuerdo, y echaremos un vistazo a tal vez uno de los aplausos. Si entramos en el arreglo y encontraremos donde una de estas pinzas lo son, esto es un aplauso todavía, por lo que se rastrea 37. Y vamos a resolver esto. Y podríamos decidir que vamos a anexar este mucho a la derecha. Y si echamos un vistazo y vemos si podemos encontrar la capa de aplauso que juega al mismo tiempo, que está aquí, ok. Podríamos panear este mucho a la izquierda para crear equilibrio. ¿ De acuerdo? Entonces, escuchemos lo que esto nos permite
escuchar lo que todos los instrumentos suenan como intersección. Y de nuevo, voy a apagar ese sonido de órgano porque es un poco molesto. Entonces estoy seguro de que se puede escuchar que panning es una parte importante de cualquier mezcla. De acuerdo, ahora, acabo de aplicar panning muy, muy rápido aquí. Pero cuando estés escuchando, tendrás que escuchar críticamente y
asegurarte de que hay equilibrio dentro de tu pista. Ok, entonces si venimos aquí al Maestro, al canal Maestro. Puedo ver aquí con estos de izquierda y esta es la derecha. Ok. Entonces puedo ver con estos, usando estos dos tipos de estos parámetros de pico, puedo ver si va demasiado a la izquierda o a la derecha. Y en general, estos deberían ser parejos como el lugar de la pista. Entonces si tipo de regreso y tal vez voy hacia adelante un poco, sólo
saltaré hacia adelante a tal vez esta sección de aquí. Si observamos los picos izquierdo y derecho en el canal maestro, Veremos si nuestra pista está balanceada. De acuerdo, así que por el momento se ve un poco, se ve un poco pesado por el lado izquierdo. Está bien. Entonces tal vez tenemos algunos elementos que se perfilan un poco demasiado a la izquierda. Pasemos a otra sección y veamos cómo se ve esto. Ahora esto también podría ser causado por algo que es demasiado ruidoso en el lado izquierdo, tal vez esto dejó a los vocalistas a los ruidos. Podríamos bajar eso, pero sí tienes que asegurarte que eres toda la pista sea algo equilibrada en todo momento. En la siguiente conferencia, vamos a echar un vistazo a usar el efecto haas.
109. Uso del efecto Haas (efecto de esperanza): Por lo que en esta conferencia vamos a echar un vistazo a usar el efecto haas para mezclas anchas. De acuerdo, y si recuerdas de antes cuando estábamos haciendo doblaje vocal y lo que hacemos es duplicar el audio así. Y acercamos hacia arriba y luego entramos en esto, esta sección de chasquido a cuadrícula y retrasamos muy,
muy ligeramente la vocal duplicada , bien, así. Y esto crearía este tipo de sonido duplicado si alguna vez escuchamos sólo las voces. De acuerdo, y luego si fuéramos a panear este a la izquierda, entonces panea éste todo el camino hacia la derecha. Y lo siento, tengo que hacer esto único. Simplemente haré que el segundo sea único así. Y entonces si fuéramos depender este segundo a la derecha, crearía un efecto estéreo muy cool. Entonces así es como se crea el efecto haas con audio. De acuerdo, sólo voy a restablecer todas estas cosas. Y puede que nos aseguremos de que esto vuelva a chasquear en la cuadrícula. Ahora se echará un vistazo a aplicar el efecto haas a un instrumento. Ok, entonces si entramos en la vista de patrón así, ok. Entonces este instrumento suena así en este momento, pero lo que vamos a hacer es que lo vamos a clonar. De acuerdo, entonces otra vez, vamos a duplicar y vamos a salir de eso y una especie de copiar el patrón en el otro instrumento duplicado que está aquí. Y luego vamos a panear uno todo el camino a la izquierda y panear el otro todo el camino a la derecha. Y para volver a crear esa diferencia en el tiempo, vamos a acercar hacia arriba, apagar el snap a la cuadrícula, y simplemente mover el marco de notas un poco así. Mavletova, escucha a los demás. Patrón suena como tal vez incluso menos que eso. Tan sólo para que sea muy sutil. Tribu lo más atrás. De acuerdo, y si comparamos esto con lo que
sonaría sin él sonaría así. De acuerdo, y de nuevo. Entonces así de fácil es el efecto haas. ¿ De acuerdo? Acabas de duplicar el instrumento, luego desplaza uno a la izquierda y otro a la derecha. Y retrasas ligeramente el patrón midi. Ok, voy a restablecer estos. Y sólo vamos a echar un vistazo a usar un plug-in de factor de molestia. De acuerdo, entonces si reinicio este pan, y lo que vamos a hacer es cargar un plugin de shaper estéreo, que es éste de aquí. Y aquí con este retraso nab, esto crea el efecto haas para nosotros. Y de nuevo, si lo giramos hacia la derecha, estamos retrasando el canal izquierdo. Y si lo giramos hacia la izquierda, estamos retrasando el canal derecho. También podemos usar este shaper estéreo en voz también. Y podemos usarlo en cualquier cosa realmente. Entonces, solo toquemos voces. Y cargamos una forma estéreo, nuestro plugin, que está aquí abajo. Y de nuevo, sólo moveremos este perilla para aplicar el efecto haas. Ok, así como puedes ver, puedes usar el efecto haas para crear un sonido realmente, realmente amplio dentro de tu mezcla. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a usar el micro turno.
110. Microshifting: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a usar el micro shift para mezclas anchas. De acuerdo, entonces antes cuando estábamos usando el efecto haas, duplicaríamos el, el audio y luego retrasaríamos el tiempo. ¿ De acuerdo? Pero esta vez vamos a duplicar el audio. Y lo voy a hacer único solo para que cualquier cambio que hagamos no vaya a hacer efecto a la otra vocal. Y ahora, en lugar de cambiar el tiempo, acuerdo, vamos a cambiar el tono. Entonces de nuevo, vamos a tener que panear uno
mucho a la derecha y el otro mucho a la izquierda. ¿ De acuerdo? Pero con el segundo, vamos a alterar muy, muy ligeramente el terreno de juego. Ok, entonces vamos a moverlo tal vez hacia arriba alrededor de $0.20. Veamos cómo suena esto. De acuerdo, y si apagamos ese PITCHSHIFE, suena así. Entonces, como puedes ver, suena exactamente igual en él solo suena como si hubiéramos hecho que las voces fueran más ruidosas. Entonces, está bien, si saco eso y tenía un backend. De acuerdo, así que al alterar el tono, estamos creando una diferencia entre el lado izquierdo y el lado derecho del campo estéreo. Y porque hay una diferencia, porque la señal que entra a la izquierda es diferente a la que entra en el arroz. Esto lo hace sentir más amplio. Ahora de nuevo, también podemos hacer equipo esto con el efecto haas como este y hacer un sonido aún más amplio. Ahora, eliminemos esos y echaremos un vistazo a aplicar la técnica de micro cambio a un instrumento. Ok, entonces las voces están de vuelta a sonar como normales. Y vamos a entrar en estos acordes aquí, este patrón de acordes, y vamos a echar un vistazo a cómo aplicar el micro shift aquí. Entonces si cambio a patrón View y voy a solo esto en la pista del mezclador. Por lo que está desrastreado 27 todo el camino por aquí a la derecha. Hagamos una escucha a lo que suena. Ok, quizá vayamos a una parte diferente de la canción donde,
donde este instrumento en particular tiene
abierto el filtro solo para que podamos escucharlo un poco mejor. Tengamos una escucha. Entonces lo que vamos a hacer es otra vez, vamos a duplicar esto o Colonus, OK. Y cargará el instrumento. Y lo que vamos a hacer es duplicar el patrón de acordes. Entonces estamos copiando el patrón exacto de acordes. Y lo pegaremos en el segundo rollo de piano así. Y luego vamos a panear uno a la izquierda, el otro a la subida. Y luego en la segunda se creará una diferencia de tono al venir aquí a esta rueda de pitch. Y lo cambiaremos, de
nuevo, no demasiado, tal vez 0,20 dólares. De acuerdo, vamos a escuchar cómo suena esto. Y otra vez, sólo abriré eso de nuevo. Y de nuevo, si apagáramos este PITCHSHIFE, no haría mucha diferencia. De acuerdo, entonces vamos a aplicar algún cambio de tono otra vez. Y podríamos incluso empujar ese cambio de tono porque con instrumentos, esto sólo se llama detune y esto en realidad puede sonar realmente bien en un instrumento. Ok, y otra vez, lo apagaremos. Y volveremos a aplicar el cambio de tono. Yo he sido tanto. Entonces estoy seguro de que puedes escuchar que al usar este micro shift, el instrumento suena más amplio pero también un poco más lleno y toma, vale, y es una técnica muy útil que podemos hacer en nuestras
pistas EDM para conseguir ese sonido amplio y completo. De acuerdo, si hemos escuchado a lo que suena eso, tal vez en la mezcla solo encienda todos los demás instrumentos. Y si nosotros, tal vez saltará a tal vez esta sección de aquí. Está bien. Y volveré a apagar ese Oregon sólo porque está haciendo ruido. Por lo que el micro shift es solo otra técnica que puedes usar para obtener una mezcla amplia y completa. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a usar reverberación y retardo para profundidad.
111. Uso de Reverb y rear para profundizar: De acuerdo, entonces ahora vamos a usar
reverberación y retardo para una especie de instrumentos de empuje de nuevo en la mezcla, acuerdo, para crear una sensación de profundidad. De acuerdo, así que voy a venir a este piano y sólo vamos a una especie de eso entrando en la vista de patrón. Está bien. Ahora, como decía, digamos que este piano tocaba en la muy, muy atrás del salón. De acuerdo, digamos, digamos que estás en una habitación. Y este piano que está aquí, está tocando justo en la parte de atrás. Bueno, vas a estar escuchando más de las reflexiones, de acuerdo. Al igual que esto. Y a medida que caminas más cerca, empiezas a escuchar más y más de la señal fuente que se llama. Y luego cuando estés justo al lado del piano, sonará así. Porque estás tan cerca de ella que el sonido fuente, que es éste, está dominando las reflexiones que están aquí. Pero cuanto más lejos estés, las reflexiones dominarán la señal fuente. Y eso es tan fácil como lo es crear profundidad. Si queremos empujar este piano de nuevo en la mezcla, acabamos de aumentar la reverberación de la habitación. Entonces sumemos quizá las voces solo para ver cómo suena con otro tipo de elemento. Entonces voy a solista estos. Podemos adelantarlo bajando este nivel de reverberación. Pero se puede ver que con ambos tipos de elementos tipo en el mismo espacio o en la misma profundidad, ese tipo de combates en ese tipo de área. Entonces voy a empujar el piano hacia atrás para que esté como sentado detrás de esta vocal. Él. Yo lo puedo empujar a la derecha, de vuelta. Y tal vez intentemos empujar otro instrumento hacia atrás. Empujemos de nuevo este sintetizador. De acuerdo, tengo que, lo siento, también
tengo que solista el bus de instrumentos. Está bien, y eso es por aquí. Empujemos esto de nuevo en la habitación. Estaba diciendo antes que tener cuidado de no exagerar esto y esto está bastante exagerado, ¿de acuerdo? Esto, esto no tiene que estar tan atrás en la mezcla, sobre todo porque es un elemento impulsor. Es una especie de conducir el ritmo y los acordes. ¿ De acuerdo? Para que pueda empujar eso hasta atrás como lo hice con el piano. Podríamos incluso mantener eso derecho al frente y podríamos empujar la voz hacia atrás usando la reverberación. Pero en general, mantenemos las voces justo
al frente y puede que tipo de empujar hacia atrás a los otros elementos. Y una vez que se puede hacer con el retardo, es se puede utilizar el efecto de espalda bofetada para especie de crear aún más tipo de profundidad. Entonces donde este instrumento está sentado ahora en la habitación, está bastante atrás. Pero si hacemos equipo esto con el retraso de la bofetada que he cargado aquí, podemos hacer que se siente aún más atrás de lo que es ahora. Al aumentar esto. Entonces ahora, así que ahora suena como si estuvieras recibiendo D reflejos como bofetadas fuera de la pared en la habitación también. Parece que este instrumento ni siquiera está en la misma habitación que tú. tanto que si bajo este retraso, ahora se siente como si estuviéramos más cerca. Estamos más cerca de este instrumento. Por lo que podemos usar los retrasos también para empujar las cosas hacia atrás. En la siguiente conferencia, vamos a echar un vistazo a algunos plug-ins de imagen estéreo que podemos cargar y tipo de usarlos para una amplia mezcla.
112. Uso de los complementos estéreo: En esta conferencia, vamos a echar un vistazo a usar algunos plug-ins de imagen estéreo para crear amplitud para nuestras pistas. Entonces echemos un vistazo a este teclado eléctrico y tendremos una escucha a lo que suena. Ok, lo voy a encontrar en la pista del mezclador y voy a asegurarme de que no esté paneado ni a la izquierda ni a la derecha, sino de vuelta al centro. Y lo que haremos es abrir un plugin de imagen estéreo. Entonces voy a entrar en mis efectos. Y en primer lugar, voy a usar sólo el potenciador estéreo afrutado estándar, ¿de acuerdo? Y muy fácilmente, si alguna vez escuchamos el piano eléctrico, podemos usar este perilla para hacerlo más amplio. O podemos usar esto ahora para hacerlo más delgado. Entonces si quiero que el sonido se haga un poco más amplio, giraría esto, de esta manera hacia el plus. Por lo que este potenciador estéreo viene gratis con FL Studio y en realidad es realmente, muy bueno. Me gusta el sonido de la misma, sobre todo en pianos y pianos eléctricos. Ahora, puedo apagar eso y podemos echar un vistazo a uno diferente, como tal vez este imager estéreo que es producido por nómada. ¿ De acuerdo? Y de nuevo, podemos convertirlo de mono mediante el uso de este slider Mano. Esto sería normal. Y entonces realmente podemos empujar el ancho arrastrando el deslizador hacia la derecha. ¿ De acuerdo? Ahora eso es un poco extremo. Pero este entero en particular es en realidad muy, muy bueno. Está bien, y si le volvemos a tocar patrones climáticos, vale, voy a cerrar esto, y también voy a probar uno de los más populares imagers estéreo, que es el ozono. Ozono siete imager, ¿de acuerdo? Y esto viene con el ozono isótopo plug-in. Entonces voy a abrir esto y sólo cerrar la ventana de presets. Y podemos ver que se trata de un imager estéreo, pero es multibanda, por lo que podemos ajustar la imagen estéreo para las leyes. El medio de la ley, el medio alto, y los máximos. También tiene un alcance vectorial, ¿de acuerdo? Y esto es sólo ese semicírculo del que estábamos hablando antes. Entonces esta luz aquí, esta es u, OK. Y como se puede ver ahí cuando el tipo de luz que estamos mostrando, nos estaba mostrando la izquierda y la derecha. Y nos muestra tipo de dónde se colocan especie de elementos en el campo estéreo. Entonces podemos ver que esto es una especie de oscilación de ida y vuelta de izquierda a derecha. ¿ De acuerdo? Entonces una cosa realmente genial que podemos hacer con el ozono siete es que podemos decirle a las bandas
que aprendan para que yo pueda tocar el sonido y en realidad se ajustarán automáticamente. Por lo que si nos golpeo el botón Aprender y aprecio el botón de reproducción, se
puede ver que empiezan a moverse. Y es un poco averiguar dónde exactamente estas pequeñas bandas que deberían colocarse. Entonces cuando apago aprender o lo
siento, ¿tengo que pausar y luego apagarlo? Y una vez que lo apague, tiene las bandas establecidas. Entonces podemos bajar y ajustar cada una de las bandas por separado. Entonces me quedaré con las frecuencias bajas Mano
arrastrando esto hacia abajo y vamos a echar un vistazo a esto en la próxima conferencia. Pero voy a arrastrar esto hacia abajo. Y como puedes ver aquí con los pequeños símbolos, soy Mano es una especie de uno y estéreo hay que hacerlo, así que cuanto más arriba arrastre esto, más ancho se sentirá. Ahora si echamos un vistazo a dónde está el tipo de proporción principal
del sonido de acuerdo con el algoritmo de aprendizaje. Es en este tipo de soplado esta ley de rango medio. Por lo que voy a arrastrarlo bastante el medio bajo. Ok, tal vez alrededor de 36. Arrastraré las medias altas de un poco menos, y luego arrastraré los agudos no
tanto y nunca escucharé cómo suena esto ahora. De acuerdo, y la belleza con el ozono es que podemos agregar en este tipo de efecto estereofónico. Y esto es literalmente sólo el efecto haas que estábamos mirando antes. Entonces si arrastramos esto hacia abajo a uno y tenemos una escucha a lo que suena, sonará así. Pero entonces a medida que empezamos a aumentar esta escritura, podemos ver incluso con esto que el sonido está mucho más emocionado. Es mucho más tipo de esparcido por todo el campo estéreo. Ahora 17.3 es mucho. Entonces voy a dejar esto en algún lugar por ahí. Creo que siete suele ser una zona bastante agradable para dejarlo. De acuerdo, y vamos, Vamos a apagar este plug-in mientras se está reproduciendo el patrón y vamos a escuchar, vas a escuchar la diferencia que hace. Ok. Entonces así es como puedes usar algunos de estos plug-ins de mejora
estéreo o de imagen estéreo para empujar realmente tus pistas y conseguir que suenan de blanco. En la próxima conferencia, aprenderemos a usar imágenes estéreo para bajas frecuencias.
113. Imaging estéreo para baja frecuencia: En esta conferencia, aprendimos a usar imágenes estereofónicas para bajas frecuencias. Entonces he traído aquí este sonido de bajo, y esta es la base que estamos usando en la pista. Entonces vamos a tener una escucha. De acuerdo, así que suena así. Y lo primero que vamos a hacer es que vamos a entrar en este plugin de ozono. Y vamos a comprobar, ¿este sonido está en mono o es en estéreo? Está bien. Y sabré si está en mono porque Mano sólo mostrará una especie de línea abajo por el medio aquí. Pero si este sonido es estéreo, que el tipo de, la forma que salga se esparcirá a través de este semicírculo. Entonces echemos un vistazo. Entonces puedo ver que el espectro, lo siento, el alcance vectorial, esto nos está mostrando que el sonido está en estéreo porque se extiende por el semicírculo. ¿ De acuerdo? Ahora si no tienes este plugin, puedes apagarlo y puedes comprobarlo aquí poniendo la pista en Mano, Ok. Y aprenderemos qué hace este parámetro en particular en el mezclador. Y cuando llegamos a mezclar realmente los niveles de fader. Pero por ahora, solo tienes que saber que cuando lo giras a la derecha, gira el sonido mono. Y algo así cuando lo tuerces a la izquierda, lo hace más estéreo. Pero te mostraremos cómo a los usuarios cuando estamos aplicando los toques finales a la mezcla. Y por ahora sólo voy a revisarlo en mono. ¿De acuerdo? Y lo que va a pasar es cuando restablezca esto, si escucho una diferencia en el sonido, si el sonido se ensancha cuando lo reinicie, entonces sabré que no fue mano para empezar. De acuerdo, así que vamos a escuchar el sonido ahora en mono, y luego lo reiniciaré como se está reproduciendo. Y sabremos si el sonido no fue modelado para empezar o no. De acuerdo, entonces puedo escuchar que el sonido no estaba en mono para empezar. Porque cuando restablezco esto a los cambios de sonido y se ensancha cuando estás mezclando, vale, queremos mantener las frecuencias bajas de Mano, Ok. Y la razón por la que los mantenemos en mono es porque en un club nocturno, los sistemas de altavoces que están utilizando los DJs es un sistema mono. Por lo que al mantener la base en mono, podemos asegurarnos de que siempre suene bien cuando se toca en un club nocturno. ¿ De acuerdo? Y como todos sabemos, la base y la patada o especie de las partes más importantes de una pista EDM. Por lo que mantenemos la base y la patada en mono. Ahora, podría venir aquí abajo y especie de dar vuelta este óptimo, acuerdo, y hacer una base mono y eso sería, eso estaría bien. Esto aseguraría que esta base en particular esté en mono. Pero me gusta el sonido de la base ancha, vale, este tipo de frecuencias altas que son anchas. Entonces voy a usar el ozono para hacer mono las bajas frecuencias. Pero el resto de frecuencias aquí, voy a mantener blancas. ¿ De acuerdo? Entonces si llegamos a esta banda inferior y la resolvemos, entonces
podemos moverla y encontrar dónde están las frecuencias bajas. De acuerdo, así que ahora estoy escuchando. Y si lo pongo aquí arriba, ahora estoy incluyendo a muchas del tipo de frecuencias más altas. Entonces lo voy a bajar justo hasta que estemos consiguiendo ese tipo de jabón. El peso principal de la base. ¿ De acuerdo? Y voy a hacer este mono. Por lo que se puede ver aquí con el alcance vectorial antes de que se viera así y estaba por todo el lugar. Pero ahora es modelo. Y luego podemos volver a sumar en esas otras bandas, y éstas siguen siendo blancas. Pero acabamos de asegurarnos de que las frecuencias bajas estén en mono. Y esto significará que cuando esta base sea tocada en un club nocturno, seguirá sonando tan bien como lo hace en estéreo. Y podemos hacer lo mismo con una patada. De acuerdo, podemos venir aquí y tocar el bombo de patada. Y podríamos entrar y cargar ozono y sólo tipo de ajustar las frecuencias bajas y mantener las frecuencias altas tipo de no modelo. Pero realmente no hay una especie de buen tipo de sonido de alta frecuencia con este particular kick drum que quería mantener en estéreo. Entonces solo voy a usar esto para ponerlo en mono. Entonces ahora puedo estar seguro de que este bombo está en mono y sonará bien cuando se esté tocando en un club nocturno. Entonces eso es todo lo que necesitas saber sobre aplicar imágenes estéreo a bajas frecuencias, ok, necesitamos asegurarnos de que las frecuencias bajas sean mono. Aparte de eso, puedes hacer cualquiera de estos instrumentos o cualquiera de estos otros elementos tan ancho como quieras. En la próxima conferencia, vamos a aprender sobre fase y cómo puedes corregir cualquier tema de fase que tengas en tu pista.
114. Fase para mezclar: En esta conferencia, vamos a aprender sobre la fase y cómo podemos corregirla dentro de nuestras pistas. Para mí, esta fue una de las técnicas más importantes que aprendí sobre la mezcla. Y es un proceso tan simple para solucionar problemas de fase son como estos parásitos que pueden deslizarse hacia tu pista y evitar que siempre suene bien. Puede provocar que te rastreen para perder ancho estéreo, para perder agradables frecuencias de graves, perder volumen, ganar volumen no deseado e incluso crear una horrible igualdad de agua cuando se reproduce en ciertos altavoces. Por lo que definitivamente necesitamos saber cómo corregir cualquier problema de fase. En primer lugar, ¿qué es la fase? Es esencialmente cuando se tienen dos señales de audio que se están reproduciendo al mismo tiempo, ¿dónde están los picos y los decanos en relación entre sí? Entonces si solo miramos esta imagen en la diapositiva, acuerdo, podemos ver dos ondas sinoidales. Uno es negro y el otro es naranja. Se puede ver que la onda sinusoidal negra está un poco por detrás de la naranja. Entonces cuando se está jugando la parte superior de la onda sinusoidal naranja o se está tocando el pico. La onda sinusoidal negra sólo está empezando y aún no ha llegado a su punto máximo. Y lo que esto significa es que estas dos señales están fuera de fase. Lo que pasa es que si fuéramos a renderizar este archivo de audio como es ahora, estaremos combinando estas dos señales de audio en una versión final. Pero cuando estas dos señales se combinan juntas, en realidad
van a pelear entre sí. Y la onda sinusoidal negra hará que la onda sinewave naranja sea más silenciosa. Ahora sé que todo esto es un poco demasiada teoría, pero es realmente fácil localizar los problemas y solucionarlos. Entonces no te preocupes si no entiendes lo que significa todo esto. Entonces, ¿cómo podemos localizar y corregir estos temas? Bueno, en primer lugar, quiero decir que un EDM, nada va a estar perfectamente en fase. No obstante, podemos mejorar la fase aplicando un proceso muy fácil. Entonces, ¿cómo corregimos los temas de fase? Bueno, sólo encontramos las dos señales que están fuera de fase entre sí y luego invertimos una de ellas. Y esto voltea la forma de onda al revés. Entonces en lugar de cancelarse el uno al otro, en realidad
se complementan entre sí. Fácil, ¿verdad? Bueno, ¿cómo encontramos estos temas en primer lugar? Si solo juegas dos elementos al mismo tiempo y luego inviertes la fase de un elemento. El sonido perderá frecuencias basadas o ganará frecuencias graves. Si el sonido gana frecuencias de graves de lo que estaba fuera de fase y ahora está en fase. Pero si el sonido pierde frecuencias de graves, entonces ya estaba en fase y ahora está fuera de fase. También puede notar que el sonido se vuelve un poco más ancho o más lleno. Y esto sería otra indicación de que el sonido está ahora en fase. Todo sí puede hacer esto por defecto porque es un tema muy importante pero no ampliamente conocido. Si haces una búsqueda rápida de cómo invertir fase en tu DAW, lo descubrirás bastante rápido. Y es más que probable que un pequeño botón que ni siquiera sabías que existía. Por lo que ahora sabemos localizar y corregir los problemas de fase. Volvamos a saltar a la oscuridad y pongamos nuestra pista en fase.
115. Localizar y corregir los problemas de fases: De acuerdo, entonces en esta conferencia, vamos a encontrar algunos temas de fase y luego aplicar el proceso para corregirlos. Entonces lo primero que tenemos que hacer es encontrar dos instrumentos que toquen al mismo tiempo y el lugar más fácil para empezar serían tus capas. Ok, entonces voy a empezar con estas dos capas aquí, que es este tipo de principal soy patrón de acordes y luego otra capa que toca a su lado. ¿ De acuerdo? Ahora estudio de la NFL, es realmente, realmente fácil invertir la fase y solo hacemos clic en este pequeño botón aquí en la pista del mezclador. Y esto invierte la polaridad. Dice aquí arriba, y eso significa lo mismo que invertir fase. ¿ De acuerdo? Entonces lo que haremos es escuchar a los dos elementos tocando al mismo tiempo. Y luego invertiremos la fase mientras está tocando y veremos qué configuración tiene más frecuencias de graves son una especie de más ancho estéreo. De acuerdo, vamos a escuchar. De acuerdo, y si te encuentras con un elemento que es particularmente difícil de aquí como éste. Es un poco difícil notar
cuál, qué tipo de ajuste es mejor. Lo que puedes hacer es entrar a la vista y bucle de la lista de reproducción. Un nodo en particular como este. Ok? Entonces todo lo que estamos escuchando es esta nariz y es muy fácil entonces notar y los temas de fase. De acuerdo, entonces vamos a tener una escucha de nuevo. Está bien, entonces estoy notando una diferencia
muy, muy leve, bien, cuando esta fase se invierte y creo que suena mejor cuando las fases, y así lo voy a dejar encendida, vale, voy a dejar esta fase invertida así que estos dos elementos son una especie de sonar bien juntos. Ok? Entonces ahora que tenemos estas dos cosas en fase, lo que tenemos que hacer es conseguir otros, otros elementos y fase. ¿ De acuerdo? Entonces lo que vamos a hacer es que tal vez vamos a hacer lo mismo. De acuerdo, entonces lo haremos, destacaremos un nodo como este. Oops, sólo voy a alejar un poco más para que podamos acortar el bucle. ¿ De acuerdo? Y voy a silenciar este, y voy a encender el otro instrumento con alemán para comprobar la fase de la que es ésta. Ok, voy a subirlo solo puedo oírlo pero aquí para mejorar. Y ahora revisaremos la fase de este instrumento volteando la fase como un lugar, una Mileva escucha qué tipo de ajustes suena mejor. Entonces no estoy seguro si te darías cuenta de eso tampoco, pero cuando esta fase se invierte. El sonido se pone un poco más lleno y un poco más ancho. De acuerdo, entonces ahora este elemento, ok, esto está en fase con esto, y esto está en fase con esto. Entonces eso significa que esto debe estar en fase con esto también. De acuerdo, a continuación vamos a revisar algunos otros elementos. Entonces vamos a pasar a tal vez el piano, que toca al mismo tiempo que esas teclas eléctricas que acabamos de obtener interfaz. Entonces veamos tal vez todo el patrón. Sólo ten una escucha. Y voy a solear las teclas y permite todo tipo de piano. De acuerdo, y volvamos la fase ya que
se está jugando el patrón y veremos si notamos alguna diferencia. Entonces, de nuevo, es un poco difícil de escuchar. Entonces voy a hacer más pequeño el patrón arrastrando esta alarma. Por lo que ahora estamos escuchando esto y vamos a invertir la fase como, como jugando y siempre escuchar cualquier diferencia. Entonces de nuevo, cuando se invierte la fase de esto, creo que suena algo más lleno y más amplio al tocar al lado de esto. Entonces ahora esto está en fase con esto, y esto está en fase con esto. Y debido a que esto está en fase con esto, eso significa que todos estos cuatro elementos están todos en fase juntos. Y este es el proceso que usarás cuando estés obteniendo tus instrumentos y fase. De acuerdo, vamos a revisar uno más y tal vez el instrumento principal que viene en especie de aquí. lo habíamos escuchado alguna vez. Si tan solo destacamos este tipo de áreas. De acuerdo, y estamos solos, tal vez esto es y vamos a solista el instrumento líder real, que es éste. De acuerdo. y ahora si invertimos la fase ya que está jugando, y vamos a determinar qué configuración es en fase. De acuerdo, entonces con este instrumento, no
creo que esté haciendo ningún tipo de diferencia. Entonces voy a dejarnos fijados a la forma en que es porque no quiero fastidiar nada por si acaso, si
acaso si lo hago invertido, como
que mete la fase de todo lo demás. Y creo que suena bien como es aquí con la fase normal. Ok. Echemos un vistazo a conseguir algunos tambores y fase. Entonces vamos a ordenar, vamos a resaltar algunas de las muestras se tocan al mismo tiempo. Entonces tal vez estos sombreros, acuerdo, y vamos a resolverlos. Entonces es éste y está jugando al mismo tiempo que éste. Está bien. Y voy a bajar esto sólo para que podamos escuchar ambos. Y invertirá la fase de ésta ya que está jugando al lado de ésta. Y veremos qué ajustes suena mejor. Ok, vamos a tener una escucha. De acuerdo, es una diferencia muy sutil, pero puedo escuchar que la fase, cuando se invierte en esto, suena mejor que cuando la fase tipo de no se invierte. De acuerdo, probemos una de las muestras de aplausos. Entonces vamos a conseguir estos dos aplausos la obra al mismo tiempo, que es ésta de aquí en la pista 24. Y es este de aquí el que juega en la pista 37. De acuerdo, vamos a destacar ambos. Y haré que éste sea un poco más tranquilo. Ahora podemos escuchar a ambos jugando al mismo tiempo. Entonces lo que vamos a hacer es invertir la fase ya que están jugando y encontraremos el mejor escenario. De nuevo, es una diferencia sutil, pero creo que cuando esto se invierte, nos estamos metiendo en unas cuantas frecuencias más altas y el sonido se está volviendo un poco más de repente más amplio. ¿De acuerdo? Entonces creo que esto suena mejor cuando se invierte la fase. Y por último, vamos a revisar el tambor de patada contra la base. ¿ De acuerdo? Y esta es probablemente la parte más importante de aplicar la corrección de fase. Comprueba tu bombo de patada contra la base. De acuerdo, entonces si destacamos el bombo de patada, que está aquí, y luego tocamos el bajo al mismo tiempo. A lo mejor que eso sea un poco más largo. No, en realidad, vamos a traerlo de vuelta. De acuerdo, entonces ahora podemos escuchar a ambos tocando al mismo tiempo. Sólo voy a hacer esto un poco más fuerte. Entonces volvamos la fase de la base mientras se está tocando el bombo de patada. Y vamos a averiguar qué tipo de configuración agrega más frecuencias de bajos. Tengamos una escucha. De acuerdo, entonces cuando la fase de la base es volteada, se vuelve un poco más ancha. Entonces sé ahora que el, que el ajuste correcto es cuando se invierte la fase. Está bien. Vamos a revisar un instrumento más tal vez vamos a revisar este pad. Sonido contra el piano. De acuerdo, entonces voy a resaltar el piano que está aquí. Y luego voy a resaltar la almohadilla que juega aquí. Solo vamos a conseguirlos tipo de en volumen similar. Está bien, y volvamos la fase y veamos qué pasa. De nuevo, me estoy dando cuenta de que esto suena un poco más amplio cuando se voltea la fase. Entonces voy a dejar la fase invertida. Comprobemos esta almohadilla contra este Oregon. Y vamos a bajar esto. Volteemos la fase. De acuerdo,
creo que este ajuste suena bien. Creo que cuando ambos están volteados así. Pero la inversión de fase encendido, creo que suena bien. Ahora puedes hacer una pista donde hay una especie de problemas de jarrones como este. Está bien. Y solo sucede que cuando estoy volteando la fase, no está pasando mucho. Y es un poco difícil escuchar el tipo de las diferencias sutiles. Pero sí tienes que revisar tu fase, ¿de acuerdo? Porque hay momentos en tu pista en los que ni siquiera sabes lo que está pasando. Y luego tan pronto como te volteas la fase, de
repente el sonido se vuelve mucho más lleno y mucho más amplio y algo más brillante y simplemente suena mucho mejor. Está bien. A veces puede marcar una diferencia sutil, y otras veces puede marcar una diferencia enorme, vale, así que asegúrate de revisar la fase de tu pista y corregir cualquier problema. En la siguiente sección, aprenderemos sobre cadena
lateral y todos los beneficios que vienen con nosotros.
116. Problemas de fases, de seguimiento: De acuerdo, así que sólo para un tipo de seguimiento de esa última conferencia, bien, donde dije que algunos elementos marcarán una sutil diferencia, ¿de acuerdo? Y tal vez ni siquiera puedas oírlo en absoluto. Y otros elementos como estos marcarán una enorme diferencia. De acuerdo, así que escuchemos sólo dos. Estas son voces de respaldo y esto, a diferencia de esto, es una especie de vocal, esa Vocal, Pero cuando volteo la fase, está bien, hace una diferencia masiva. De acuerdo, así que vamos a tener una escucha a lo que suena. Al dar la vuelta a la fase. C, te darás cuenta cuando ambos tipos de parámetros de fase están desactivados, suena mucho más completo y ancho. Tengamos una escucha. Y si yo fuera a dar la vuelta a esto, creamos temas de fase porque esta señal ahora es una especie de lucha con ésta. Entonces volvamos a tener una escucha rápida y luego pasaremos a la sección de cadena lateral. De acuerdo, pasemos a cadena lateral ahora.
117. Sidechain para mezclar: En esta conferencia, aprendimos sobre la cadena lateral y para qué la
podemos utilizar en nuestras pistas EDM, encadenamiento
lateral es extremadamente común y hay una forma de cadena lateral que
absolutamente debes usar para que tus pistas suenen limpias y profesional. Por lo que la cadena lateral es cuando se utiliza una señal de audio para controlar un determinado parámetro en la oscuridad. Podrías usar tal vez la señal de audio de las voces para hacer que la reverberación sea rechazada para que suene mucho más limpia y por delante. Esto puede permitirte usar una enorme cantidad de reverberación porque las voces seguirán sonando limpias cada vez que toquen. Básicamente, si quieres que algo suceda, cada vez que juega un elemento, podemos usar la cadena lateral. Entonces, ¿cuáles son las formas más comunes en que podemos usar la cadena lateral? Bueno, en primer lugar, está la famosa y absolutamente esencial técnica de compresión de cadena lateral. Y esto obligará a todos los elementos a especie de dip o pato en volumen cada vez que patean lugar. Si no utilizas este tipo de cadena lateral tu pista sonará muy robótica y amateur. También podemos usar la cadena lateral para controlar los volúmenes. Entonces tal vez tu instrumento principal está distrayendo de las voces cada vez que tocan juntos. Por lo que puedes usar la señal de las voces para bajar el plomo siempre que toquen al mismo tiempo. También puedes usar la cadena lateral para controlar los efectos. Por lo que podemos hacer que el sonido del retardo se vuelva más silencioso siempre que se esté tocando un elemento. Ahora con FL Studio, también
podemos hacer algo llamado control de picos, ¿de acuerdo? Y esta es una forma de cadena lateral que nos permite
controlar absolutamente cualquier cosa que queramos, pero otros perros en realidad no pueden hacer esto. Entonces cuando venimos a esta conferencia, puedes simplemente saltarla si no te aplica. Entonces, vayamos a la oscuridad y comencemos a usar la cadena lateral para nuestras pistas.
118. Uso de la compresión de Sidechain para el control de volumen: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender el proceso que
usamos cuando estamos aplicando compresión de cadena lateral, ¿de acuerdo? Y es realmente simple. Es un poco, sólo implica tomar dos elementos. Por lo que el elemento que se desea de lado la
cadena y el elemento que se desea controlar la cadena lateral. Entonces digamos sólo que quiero esta vocal. Siempre que esta vocal toque. Ups. Entonces cada vez que esto toca, quería rechazar tal vez este instrumento. Tengo que encender eso en el Bus de Instrumentos. Está bien. Volvamos a tener una escucha. Por lo que en cualquier momento este lugar focal, quería bajar el volumen de este instrumento. Entonces esta es la señal que vamos a usar para controlar el otro elemento de aquí. ¿ De acuerdo? Entonces voy a tomar esto y voy a vincularlo a esta pista. Y voy a hacer clic derecho y decir cadena lateral a esta pista. Ok. Entonces ahora viene la señal de
esto y no va a hacer ningún sonido porque la señal de cadena lateral es silenciosa y es sólo una especie de leer lo que está pasando aquí y usar eso para determinar cuándo y cuándo no bajar el volumen de este. Entonces si cargamos un compresor en el elemento que queremos tipo de bajar. Y voy a cargar el limitador afrutado. Está bien. Porque así es como citas a Jane y FL Studio. Se entra en el limitador y se entra en esta sección de compresión aquí. Y luego cambié el valor de la cadena lateral a uno. Entonces ahora está tomando la señal de esto. Y si vuelvo a ajustar la relación, es
lo mismo que cualquier otro compresor. Entonces, ¿qué tan agresivo Quiero que baje el volumen? Voy a poner esto a tal vez 4.5. Y luego bajamos el umbral y verás que el volumen comenzará a disminuir a medida que se estén tocando las voces. ¿ De acuerdo? Entonces puedes ver ahí que cada vez que las voces dejan de cantar, el volumen aumenta, ¿de acuerdo? Y cada vez que cantan las voces, el volumen disminuye. Volvamos a tener una escucha. Por lo que esto probablemente sea un poco demasiado agresivo. Entonces podríamos bajar la relación y también podríamos subir un poco
el umbral solo para que no sea tan obvio. Entonces es sólo un poco sutilmente haciendo las cosas más limpias. Entonces este es el proceso que usas, OK. Te llevas el elemento que quieres controlar, la cadena lateral y luego lo vinculas al elemento en
el que quieres que suceda la cadena lateral. ¿ De acuerdo? Entonces en ese elemento en el que quieres que pase la cadena lateral, cargas un compresor, vale, y en Ableton creo que es el compresor de pegamento y, y lo pondrás para tomar una entrada de cadena lateral de esto, ¿de acuerdo? Y luego simplemente te dedicarás a hacer el mismo tipo de ajustes de compresión. También podemos ajustar el ataque. ¿ Qué tan rápido sucede la cadena lateral? El lanzamiento, ya sabes,
cómo, qué tan rápido se apaga la cadena lateral otra vez y todas estas cosas diferentes. Y es igual que usar un compresor normal, excepto que esta vez estás tomando la señal de este tipo de elemento de control. Por lo que en esta conferencia se trató cómo utilizar un elemento para tipo de controlar el volumen de otro para bajar el volumen cada vez que esto se está reproduciendo. En la siguiente conferencia, vamos a echar un vistazo a usar un elemento para controlar el volumen de un efecto.
119. Uso de la compresión de Sidechain para el control de efectos: Entonces en esta conferencia vamos a aprender a utilizar la señal de un elemento para controlar el volumen de un efecto. Ok, entonces si tomamos esta vocal aquí, está bien. Suena así. Ahora digamos que me gusta mucho el sonido de la vocal Cuando tengo mucha reverberación en ella. Y eso suena bien. Pero cuando lo agregamos de nuevo a la mezcla, suena así. Está bien. Si lo muevo un poco hacia abajo, sólo voy a mover estos. ¿ De acuerdo? Por lo que un completamente no encaja. Hay demasiada reverberación en este animal. Y así lo que podemos hacer es usar la señal de esto para controlar el volumen de la reverberación. Y es realmente simple y FL Studio si estás usando canales de arena como este, y la cadena lateral ya es vista de configuración. Entonces voy a cargar un limitador y voy a ponerlo al ajuste de compresión. Y luego le voy a decir al limitador que tome la entrada de cadena lateral de la pista. Entonces cambiemos este insumo a dos. Y ahora está tomando una señal de cadena lateral de esta pista. Y podemos hacer lo mismo. Podemos ajustar la relación, así que tal vez hasta cerca de 3.6, y luego podemos bajar el umbral. Entonces estamos afectando el volumen de la reverberación con esta vocal. Y se puede ver que está empezando a suceder ahí con el morado. ¿ De acuerdo? Ahora es muy obvio ahí. Entonces si solo solista la vocal por un segundo y tengo una escucha. De acuerdo, entonces es una especie de hacer que la vocal sea más limpia, pero permitiendo que el bonito cuento de la reverberación continúe. Por lo que ahora puedo notar cuando, en medio de las palabras 123, la reverberación es una especie de saltar arriba y abajo. Y no me gusta el sonido de eso. Entonces voy a aumentar la liberación para que la cadena lateral no se apague tan rápido. Entonces si aumentamos esto, debería impedir que ocurra ese sonido en particular. ¿ De acuerdo? Y ahora arreglamos el problema. Ahora, podríamos hacer que el umbral sea un poco más, agregar un sonido más de reverberación. Volvamos a tener una escucha. Y tal vez
podamos simplemente disminuir la disminución en una pequeña apuesta y tendríamos una escucha a lo que suena ahora, indie fault mix. Entonces, vamos a tener una escucha. Entonces ese es el proceso sencillo que puedes usar para controlar el volumen de un efecto. Ahora si no estás usando estas bandas sonoras y tal vez estás usando como un canal jefe o algo para tu reverberación, tienes reverberación aquí. Lo que puedes hacer es tomar la vocal o estos son los elementos que quieres controlar la cadena lateral. Y entonces solo lo vinculas soy así dicen cadena lateral a esta pista. Y luego otra vez, lo mismo. Abre el limitador y ajusta los ajustes. ¿ De acuerdo? En la próxima conferencia echaremos un vistazo al tipo de cadena lateral más importante para EDM.
120. Uso de la compresión de Sidechain para el postulado para el Ducking: En esta conferencia, vamos a ver la forma más importante de cadena lateral que puedes usar en tu pista. Y esto es tan importante que si no lo usas como sello discográfico, rechazará de plano tu track. Por lo que realmente necesitas recordar estar usando esta técnica de cadena lateral para especie de pato a los elementos detrás del tambor de patada. Entonces si solo destaco el bombo de patada en la pista del mezclador, así es desrastreado 16. Y voy a destacar eso o solista. ¿ De acuerdo? Y ahora si tocamos uno de los instrumentos que es tipo de tocar al mismo tiempo, quizá éste. Ahora por el momento, esto no está encadenado de lado. Y cuando haces elementos de cadena lateral al tambor de patada, hace una gran diferencia. Entonces lo que vamos a hacer es vincular este kick drum a
esta pista de instrumentos haciendo clic derecho y diciendo que el sitio cambia esta pista. Entonces el mismo proceso vamos a abrir el limitador, está bien, entra en la sección de compresión y dile que tome la entrada de cadena lateral de este primer tipo de entrada de cadena lateral que asignamos a esta pista. Entonces la cadena lateral uno y luego tal vez ajustar la relación. Encuentro que para la cadena lateral, una proporción de arriba de cuatro funciona mejor. Y generalmente uso alrededor de las cinco, ¿de acuerdo? Entonces una relación de compresión de cinco, lo podía ver ahí arriba. Y como está jugando, ajustará este umbral y encontrará un punto óptimo para la cadena lateral. Tengamos una escucha. ¿De acuerdo? Ahora si apago esto, suena así. Y lo volveré a encender ya que está jugando. De acuerdo, entonces lo que está haciendo es eludir el volumen de este elemento cada vez que juega el niño. Y es realmente, realmente importante conseguir un buen surco en tu pista. De acuerdo, entonces creo que lo estaba haciendo un poco demasiado agresivamente. Por lo que acabo de ajustar el umbral. Se le sube un poco. De acuerdo, y ahora le vamos a hacer esto a cada instrumento que toque al mismo tiempo. ¿ De acuerdo? Entonces tomemos la entrada de cadena lateral del tambor de patada y lo
vinculemos a este instrumento principal. ¿ De acuerdo? Está bien. Ahora vamos a abrir el limitador, llegando a la sección de compresión y seleccionar la cadena lateral uno, ajustar la relación por lo que es algo igual que los primeros instrumentos o alrededor de cinco como el 4.9 de mayo sea 5.1. Eso está bien. Y arrastraremos por este umbral hasta que encontremos un punto óptimo. ¿ De acuerdo? Y lo vamos a hacer otra vez por este instrumento aquí. Entonces tomemos la entrada
de la cadena lateral haciendo clic derecho y diciendo que el sitio cambió en esta pista. Entonces vamos a abrir el limitador, entra en la sección de compresión cadena lateral uno. Relación hasta cerca de cinco, ¿de acuerdo? Y umbral lo bajará a medida que está jugando. De acuerdo, así que esto no parece estar funcionando. Entonces voy a probar la segunda entrada de cadena lateral. De acuerdo, y ahora eso está funcionando, puedo ver que eso está funcionando ahí. Entonces voy a deshacer en solitario estos sólo para poder escuchar un poco mejor este instrumento. ¿ De acuerdo? Entonces encontremos un punto óptimo. Está bien, y eso se ve y suena bien. Entonces volvamos atrás en estos instrumentos y nos quedemos con el personaje hombre. Y me aseguraré de encender la pista de instrumentos. Y luego tendremos una lección como la construcción, como jugar y luego en la gota. De acuerdo, para que veas la importancia de usar psi j Ahora si doy la vuelta y toda esa cadena lateral fuera y volveremos a tener una escucha, ok. Está bien. Y si lo vuelvo a encender. Por lo que tal terminó su cadena lateral de pista a esta pista. Y otra vez cadena lateral a esta pista. Entonces cuando estoy encadenando sitio, cuando estoy haciendo este efecto acoplamiento, voy a lado encadenar todos estos instrumentos, ok, la base y estos instrumentos, estos instrumentos, podría incluso encadenar de lado este tipo de checker de fondo para que tenga un mejor surco. Ahora si solo echamos un vistazo a los elementos del tambor, ¿de acuerdo? No llevamos cadena lateral D. De acuerdo, así que al igual que los sombreros y aplausos individuales y esas cosas, no
necesitamos citar las puertas de Jane, pero si estás usando un bucle externo como capa, nos pondríamos de lado en cadena eso. De acuerdo, así que sólo voy a arrastrar cuando realmente rápido. Vamos a arrastrar en sólo un bucle externo. Me pondré muy bien en muy rápido. Entonces tal vez este, sólo
vamos a arrastrar esto. Ajuste al tempo para que juegue en el tiempo. Y si tenemos un escuchar sólo el bombo de patada y este elemento o esta capa. Ok, entonces lo que haría con esto es que lo encadenaría de lado también. Entonces si tomamos la entrada del tambor de patada y luego vamos a la cadena lateral para distraer haciendo clic derecho y diciendo cadena lateral. Entonces abriremos el limitador. Al igual que esto. Ven a la sección de compresión. Toma la entrada de uno, es sólo la relación, por lo que hasta alrededor de cinco, y luego baja el umbral como lugar. Y esto solo hará que ese bucle particular se ajuste mejor a tu pista. Sólo voy a añadir en algunos, algunos de los otros elementos de tambor que estamos usando. Entonces tal vez algunos de estos, este sombrero y vamos a mantener los instrumentos encendidos. Y entonces sólo vamos a desmontar todo en solitario y vamos a tener un escuchar el efecto de acoplamiento en todo. Ok, así que definitivamente asegúrate de que estás usando esta técnica de acoplamiento de cadena lateral en tu pista, ¿de acuerdo? Es absolutamente esencial y es uno
del tipo fundamental de técnicas que hacemos en EDM, ¿de acuerdo? Y en tu DAW, el proceso será diferente. Conozco un Ableton, acabas de abrir el compresor de pegamento y creo que tomas la entrada de, como
que asignas la entrada a cualquier pista que quieras controlar la cadena lateral. Pero en tu punto, este proceso podría ser diferente. Así que asegúrate de averiguar cómo usar la cadena lateral y tu DAW y definitivamente empezar a usarlo en tus pistas.
121. Controlado de pico: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a algo que es único de FL Studio y esto es el control de picos. ¿De acuerdo? Por lo que podemos utilizar cualquiera de estos elementos para controlar cualquier parámetro dentro del DOD. De acuerdo, entonces si tomo estas canchas y tendremos una lección, puedo abrir un controlador de pico en esta pista. Y lo que esto hace es mapear la entrada. Por lo que mapea los picos y los canales de este elemento en particular. Ok, para que puedas ver eso pasando ahí. Y podemos usar este tipo de mapa para controlar cualquier cosa que queramos. De acuerdo, así que digamos que quiero que este patrón de acordes
controle tal vez el panning de las voces, ¿de acuerdo? De acuerdo, lo que puedo hacer es entrar a la voz, clic derecho en la panning y seleccionar enlace al controlador. Y esto abrirá esta pequeña ventana donde podremos seleccionar este controlador. De acuerdo, podemos, podemos bajar y podemos seleccionar, Lo siento, está en la parte superior. Podemos seleccionar el controlador de pico endeble para ese instrumento en particular. Por lo que seleccionamos pico. Y entonces si acabamos de tener excepto, deberías ver que cuando este lugar y empieza a ajustar el panning, las voces. ¿ De acuerdo? Para que se pueda ver eso pasando ahí. Y si has escuchado a lo que suena eso en la mezcla, solo
entrarán y tal vez haga clic en esta parte. Mileva escucha. De acuerdo, entonces podemos usar el controlador PI para controlar cualquier elemento dentro de la oscuridad. En la siguiente sección, vamos a echar un vistazo algunos efectos adicionales que puedes utilizar para tus pistas EDM.
122. Efectos extra para EDM: En estas pocas diapositivas, pasaremos por algunos de los efectos adicionales que puedes utilizar para tus producciones EDM. Literalmente hay millones de efectos interesantes por ahí que
puedes descargar y usar para agregar una textura fresca a tu pista. Sólo vamos a cubrir algunos de los básicos aquí. Y solo nos centraremos en los presets porque no son parte
esencial de mezclar y usar los presets para tu pista estará absolutamente bien. Entonces, ¿cuáles son los principales efectos adicionales que podemos utilizar? Bueno, hay fásoras, Flandes, coro, y filtros. Recuerda cuando miramos la fase anterior y dijimos que si los elementos están fuera de fase, puede hacer que el audio suene diferente. Bueno, un fáser realmente jugará con la fase de elementos para crear un sonido interesante y agradable. Debido a que la fase se mueve constantemente, podemos crear algún movimiento en la pista mediante el uso de estos fáseres. bridas son entonces extremadamente similares a phasors porque también juegan con la fase de un sonido. Un flanger sonará mucho más extremo por la forma que procesa el audio a diferencia de un phasor. Ambos pueden crear resultados muy únicos e interesantes. A continuación, tenemos un coro y esto acaba de duplicar el sonido muchas veces y lo hace sonar como si hubiera mucho del mismo elemento tocando. Por ejemplo, puedes hacer un sonido vocal como si una multitud llena estuviera cantando con un coro. También funcionan muy bien en instrumentos para hacerlos más gruesos y más llenos. Por último, tenemos filtros, y estos solo aplican diferentes formas de EQ al sonido. Un filtro de paso alto es exactamente lo mismo que un pase alto en un plugin de EQ. Excepto con el filtro podemos aplicar la automatización para que se abra como el lugar de pista. Volvamos a saltar a la oscuridad y empecemos a añadir algunos efectos adicionales.
123. Phasers: En esta conferencia, vamos a echar un vistazo a los fásores y cómo podemos usar un phasor en nuestra pista. Por lo que estos suenan particularmente buenos en instrumentos. De acuerdo, entonces abramos este piano eléctrico y tendremos una escucha a lo que suena. Tengo que solearlo en la pista del mezclador. De acuerdo, y vamos a abrir un plugin phasor. Entonces si entramos aquí y podemos estar abiertos, quizá abramos el phasor predeterminado, que viene con FL Studio. Es decir, he escuchado lo que esto hace al sonido general. De acuerdo, probemos otro preset. A lo mejor probemos este pez profundo. De acuerdo, intentemos tal vez este phasor parlante. Entonces este preset suena así. ¿De acuerdo? Por lo que hay, hay muy interesantes, pueden agregar un sonido interesante a tus atrae. ¿ De acuerdo? Y si tal vez probamos una fase o que hay que pagar por tan tipo de un phasor de mejor calidad. Se pueden conseguir unos sonidos realmente, muy bonitos. De acuerdo, e intentemos y tal vez algunos otros presets. Vamos a intentar el combate y está bien, intentemos tal vez la navegación de frecuencia. Y tal vez intentemos fase a, probemos esto. De acuerdo, entonces pueden sonar muy interesantes en tus pistas. Y puedes usarlos en cualquier elemento que te guste, ¿de acuerdo? Por lo que puedes usarlos en voces, puedes usarlos en tus muestras de batería, o incluso puedes usarlos en algunos bucles externos. En la próxima conferencia, echaremos un vistazo rápido a un flanger.
124. Flangers: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a Flandes, ¿de acuerdo? Y las bridas pueden sonar bien en las voces. También pueden sonar bien en la batería, y también pueden sonar bien en los instrumentos. Por lo que pueden sonar bien en cualquier tipo de elemento al que los aplique. De acuerdo, así que abramos estas voces en la pista del mezclador y los solista. Yo sólo voy a desvincular el polvo del controlador al que teníamos vinculado en una conferencia anterior y restablecer el panning. Y alguna vez habíamos escuchado a lo que suena la vocal como Amazon. Y si notamos flanger plug-in, Ok, entonces usaremos el flanger de stock con fl solista y escucharemos cómo suena. Entonces probemos algunos de estos presets. Flanger rápido. A lo mejor intentemos la modulación. Probemos ultrafino. Ok. Y realmente rápido con sólo probar tal vez flanger clásico. Por lo que estos pueden hacer algún tipo de sonidos realmente interesantes en tu mezcla. Y si cargamos otro plug-in, tal vez uno que no venga con fl Vale, probemos este plug-in de bengala y veremos a qué suena esto. Si presiono play. Entonces probaremos algunos de los presets. A lo mejor todo lo que necesitas es malo. Vamos a intentarlo. A lo mejor boxy remolino. Y solo uno más solo por el bien de la demostración, probemos este afilado chorro de bordes. Ok, así es como puede sonar un flanger cuando está en tu pista. Y al igual que los fáseres, pueden agregar un elemento realmente interesante a tu pista. Entonces sigamos ahora de aquí, voy a echar un vistazo rápido al curso.
125. Corde: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo al coro, ¿de acuerdo? Y el coro puede sonar bien en las voces, o también puede sonar bien en los instrumentos. De acuerdo, entonces abrimos esta pista vocal y le agregaremos un efecto de coro. Entonces voy a solo eso y apagarlo. De acuerdo, entonces voy a apagar el flanger y vamos a cargar un coro. Entonces voy a cargar en primer lugar el coro afrutado, que es el coro por defecto que viene con fl ¿De acuerdo? Y nunca escuchamos cómo suena. ¿ De acuerdo? Y si elegimos una especie de versión más gorda, tal vez este hecho limpio o no. Intentaremos escoger quizá 50 desafinados. Probemos esto. Sí, está bien. Entonces esto es bastante grueso si escuchas las voces por su cuenta. Por lo que suenan muy delgadas y se puede decir que sólo una persona está cantando. Pero si agregamos en este curso afecta, repente suena como si hubiera más especie de Cantantes cantando la línea vocal. Entonces ahora si reemplazamos esto por tal vez un mejor coro, entonces uno que EM, uno que no viene libre con fl Vale, probaremos este efecto coral. Estoy bien y si probamos tal vez algunos de los otros presets, así que probemos Deep White. Ok, entonces estos preocupaban a Grace cuando están siendo utilizados como una especie de coros de respaldo como una capa. Ok, entonces si acabo de llegar a las 02:00 AM, tal vez aquí, donde tengo algunas voces de respaldo tocando al mismo tiempo. Yo solo miro y los encuentro. Y, oops. A lo mejor probémoslo en uno de estos. Está bien. Entonces con solar la voz y Mazola, uno de este tipo de voces de respaldo. Y es éste de aquí. Entonces lo que voy a hacer es que voy a restablecer el pan y sólo voy a apagar el vocoder sólo por el bien de la demostración y cargamos en un efecto de coro. De acuerdo, abrir puede ser el mismo que profundo, ancho. Y siempre que escuche. De acuerdo, así que suena bien cuando está en capas con estas, especie de, con estas voces principales. ¿ De acuerdo? Ahora el coro también puede sonar bien en instrumentos. De acuerdo, así que intentemos quizá el piano eléctrico otra vez, como que
nos gusta ver esto sobre, um, si sólo algo así en la pista del mezclador, que está aquí, OK, apaga el phaser que ya estaba en él y probaremos un plugin de coro. Entonces probemos tal vez un preset diferente. Probemos intensos. Está bien. Y si apago eso, suena así. Cuando agregamos de nuevo en ese sonido de coro, eso, suena así. Y luego puedes ajustar el volumen de eso para que solo sea una especie de efecto sutil. Por lo que de nuevo, el coro puede agregar una especie de textura interesante a tu track. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo rápido a los filtros.
126. Filtros: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo a los filtros. Y el filtro realmente se puede usar para ordenar la progresión de tu pista. De acuerdo, si entramos en este instrumento de piano, ok, si le agregamos un filtro a esto, entonces cargemos uno de los libres que viene. Sólo me encantó el filtro. Y lo que podemos hacer con esto es que podemos ajustar el corte. ¿ De acuerdo? Recuerda esto desde la sección de sintetizador donde estábamos ajustando el corte. Es lo mismo, pero podemos aplicarlo a instrumentos de la vida real como el piano. ¿ Puedes automatizar un poco y crear algunos efectos geniales como este? Si fuera a automatizar el filtro de corte. O puede automatizarlo para que el filtro se abra lentamente como el, como la pista colocada. Entonces en este caso, sería aquí donde entra el piano. Mantendríamos el tipo de filtro cerrado y luego abierto ya que viene la gota. Entonces así es como puedes usar un filtro para especie de la progresión de tu pista. Ahora, también puedes usar algunos de los presets que vienen con él. Entonces echemos un vistazo a algunos de estos. Y si echamos un vistazo a lo que pastores de una banda melódica, sonará así. Ok, entonces es una especie de agregar en resonancias, algún tipo de frecuencias resonantes ya que se está reproduciendo el filtro. ¿ De acuerdo? Pero también podemos usar estas cosas de los gays para crear una especie de sonido automatizado fresco. ¿ Se puede ver la forma en que el sonido se está cortando? Si probamos uno de estos, tal vez esta puerta de ruido impulsada a nivel o una mirada secuenciada. Y eso lo hacemos dibujando en una especie de forma en el LFO. Está bien, pero no te voy a mostrar cómo hacer eso en,
en este curso, ¿de acuerdo? Pero por ahora, solo prueba algunos de estos presets. De acuerdo, intentemos mangled. Para que puedas, puedes crear algunos efectos realmente, realmente geniales. Y se puede hacer equipo esto con tal vez uno de los otros que estábamos mirando. Entonces hagámoslo en equipo con un phasor. Ok, así que puedes usar todos estos como tipo de efecto adicional en tu pista para crear un sonido interesante para el oyente. Entonces puedes unirlos como lo he hecho aquí para crear tu propio tipo de sonido único. Pero como dije, hay millones de este tipo de plugins
creativos que puedes descargar y usar en tus pistas. Así que no tengas miedo de descargar unos pocos y probarlos y ver qué hacen. O incluso simplemente quédate con estos plugins de stock que tienes en tu puerta porque la mayoría de las veces en realidad son bastante buenos. En la siguiente sección, aprenderemos a mezclar realmente una pista usando los faders.
127. Uso de el mezclador para la separación de Stereo (de nivel solo) (de tal clase solo): Por lo que esta conferencia es todo sobre el uso estos parámetros de Separación Estéreo para realmente tipo de empujar la amplitud de ATRAC. Ahora esta técnica solo aplica para FOR studio. Entonces si no tienes FL Studio, puedes seguir adelante y saltar a la siguiente conferencia. Pero si pretendes mezclar tus pistas, NFL, podemos usar estos parámetros de Separación Estéreo para realmente, realmente empujar la blancura y tipo de plenitud de ATRAC. ¿ De acuerdo? Entonces si tipo de iniciamos por el principio y trabajamos nuestro camino y podemos ver que estamos en esta pista vocal. De acuerdo, así que vamos a ver cómo suena eso. Sólo lo voy a solista. Ahora esto también está vinculado a esto. Entonces voy a poseer vinculantes y eso hemos apagado el metabolismo. Entonces recuerda antes decía que se puede hacer Mano girando este parámetro a la derecha. Bueno, también puedes empujar un poco, puedes empujar la imagen estéreo girándola hacia la izquierda. Y si lo hacemos de nuevo. Por lo que generalmente no haría estas dos voces. A mí me gusta dejarlos lo más limpios posible. ¿ De acuerdo? Pero podemos empujar cosas como instrumentos, Vale, así que si probamos estas teclas eléctricas, OK, podemos usar esto para estirar realmente la imagen estéreo. Ahora rara vez pasaría el tipo de posición de las nueve en punto. Ok. Porque después de eso tu sonido sin pista demasiado ancho o tipo de artificial. Entonces voy a escoger un punto óptimo y dejarlo ahí. Probemos este instrumento. ¿ De acuerdo? Y de nuevo, vamos a ensanchar. Lo mismo con esto. ¿ De acuerdo? Y podemos hacer esto a cualquier cosa que queramos hacer algo más amplio. Va a sonar bien. Y el piano, porque el piano ya era un instrumento estéreo. Entonces si solemos el piano y encontramos eso en la mezcla. Entonces lo voy a solista ahora. Entonces, empujemos esa imagen estéreo. Y ahora tal vez, empujemos quizá el sonido del órgano. De acuerdo, entonces eso viene aquí. Y luego si escuchamos todos estos elementos juntos, suena así. Por lo que el sonido del bajo es un poco fuerte. Y también podemos quizá empujar ese instrumento principal que está tocando. Entonces eso suena así. Si solo eso. Y cuando llegamos a la gota, suena así. Ok, entonces eso está separado y hacer una especie de más ancha, acuerdo, y si agregamos todo lo demás de nuevo. De acuerdo, así que puedes usar este parámetro de Separación Estéreo para hacer las cosas más anchas o hacer el monel, vale, solo asegúrate de que no estás empujando demasiado las cosas, de
lo contrario tu pista sonará demasiado ancha y algo así como artificial. En la siguiente conferencia, aprendimos el proceso correcto a usar cuando estamos ajustando estos niveles de fader para una mezcla final.
128. Cómo mezclar una pista con los Faders: Por lo que en esta conferencia aprenderemos el proceso real de mezclar atraer usando estos faders. Entonces lo primero que tienes que hacer cuando vengas a mezclar tu pista es que tienes que bajar el volumen. Entonces vamos a bajar el volumen hasta que apenas podamos oírnos. Ok. Pasémonos a tal vez una sección más ocupada como la gota. ¿ De acuerdo? Por lo que ahora estamos en el nivel de mezcla óptimo. Entonces probablemente te estés preguntando, ¿por qué bajamos el volumen? Y la razón es especie de basada en la forma científica en que percibimos el sonido como humano. Cuando escuchas música, cuanto más fuerte sea algo, mejor sonará. Y el problema es que si mezclas tu track a un nivel realmente alto, va a sonar genial. Pero tan pronto como lo bajes y estás escuchando a un nivel tranquilo, toda
la mezcla se desmoronará por completo. Entonces lo que hacemos es en cambio nos mezclamos a un nivel tranquilo. Entonces cuando suena bien tranquilo, sabemos que cuando lo subamos, va a sonar aún mejor. Así que asegúrate de bajar el volumen, ya sea con el tinte en sí, bien, o el sonido real en tu computadora o altavoces. Definitivamente no bajes el volumen con este fader maestro, vale, porque esto hará algo diferente y no sonará mejor. Después si usas este deslizador de volumen. Entonces si eres de la NFL, Asegúrate de usar este de aquí arriba, o estás bajando el sonido real de tus propios altavoces. A continuación, lo que hacemos es empezar con el elemento principal y mezclamos todo alrededor de eso, ¿de acuerdo? Porque tenemos un tipo de elemento que queremos que el público escuche. Entonces vamos a empezar con eso y asegurarnos que todo tipo de complemento a ese elemento uno. Entonces para mí, es este sonido de plomo. En realidad es en una sección diferente de la pista está por aquí. Entonces escuchemos. De acuerdo, entonces lo que voy a hacer es bajar el nivel de fader. Y lo vamos a sacar hasta que esté un poco golpeando alrededor de 90 B. Ok. Bueno, ya
estoy notando que nueve dB es bastante fuerte. De acuerdo, así que suena un poco demasiado alto. Entonces voy a mezclarlo hasta que creo que suena bien. En algún lugar por aquí. Está bien. Y la única razón por la que no lo empujé más, fue porque sería demasiado ruidoso y en realidad
empezaría a sonar bien y no estaría mezclando con precisión. Entonces necesito asegurarme de que sea lo suficientemente silencioso como para que pueda escuchar es pero no demasiado alto, que el volumen es una especie de tomar el control del sonido real en sí. De acuerdo, a continuación vamos a mezclar en los elementos que lo rodean. Entonces empecemos con tal vez este instrumento aquí. ¿ De acuerdo? Por lo que necesito solo esta pista de instrumentos. ¿De acuerdo? Y la forma en que lo hacemos es que empezamos desde abajo y luego como que lo
mezclas hasta que puedas apenas unos oyentes y luego lo dejamos ahí. Está bien. Entonces, vamos a tener una escucha. De acuerdo, puedo justo aquí eso, pero voy a empujarlo un poco porque quería complementar este elemento. A continuación, probaremos este instrumento por aquí, porque está tocando al mismo tiempo. De nuevo, vamos a bajarlo a 0 y volverlo a mezclar mientras estamos escuchando. Ok, entonces ahora puedo justo por aquí eso, y creo que es una especie de complementar los otros dos instrumentos. Bueno, ahora el instrumento está tocando aquí es la base, vale, pero no vamos a mezclar la base hasta el final. Y esto es sólo porque vamos a traer el sonido
del bajo para un tipo de calentar toda la pista. No queremos mezclarlo en temprano. De lo contrario tu track puede ser de dos graves pesados y el sonido de esto, cuando esté tocando, tiraremos todo lo demás fuera. De acuerdo, entonces dejaremos la base para que dure. Probemos otro instrumento, quizá este piano. Ok. Entonces voy a empezar desde 0 y mezclarlo. ¿ De acuerdo? Creo que aquí es una especie de nivel óptimo. Probemos otro instrumento. A lo mejor esto. De acuerdo, así que esto es demasiado ruidoso para el momento. Vamos a empezar desde 0 y volverlo a mezclar. Y por último, vamos a probar el sonido de órgano, que suena como este es el momento, demasiado fuerte, pero vamos a empezar desde 0 y volverlo a mezclar. De acuerdo, entonces cuando volteemos estos instrumentos, toda
esta pista vuelve a subir. Entonces restableceré esto. Y debido a que ya sonaban bien cuando estábamos escuchando la señal silenciosa, ahora
sé que cuando se presente esto, van a sonar aún mejor. Tengamos una escucha. De acuerdo, entonces ahora podemos bajar esto otra vez y podemos mezclar en la base, vale, porque la base es el último instrumento en el que necesitamos mezclar. Entonces vamos a tener una escucha y mezclando esta base. De acuerdo, empieza desde 0. Y sólo lo estoy usando para un tipo de calentar el sonido general. A lo mejor un pequeño pero más que eso. Y en realidad creo que eso es un poco demasiado, así que voy a tirar hacia atrás. Ahora podemos empezar a sumar algunos tambores, ok, así que voy a dejar esta obra. Voy a empezar a añadir algunos sonidos de tambor. De acuerdo, empieza desde abajo. Mezclalo hasta que puedas algo así como casi aquí. ¿ De acuerdo? El siguiente, el tipo de, el siguiente elemento es éste. Y este es un sonido clicky. Vamos a empezar desde 0 y volverlo a mezclar. Vale, intentémoslo. Dejamos el tambor de patada fuera hasta el final. Probemos con este agitador. De acuerdo, demasiado ruidoso por el momento, pero lo mezclaremos desde 0. Ok. Entonces es algo así, es algo sutil en este momento, pero está complementando a los demás elementos. Bueno, vale, probemos algunos de estos otros sonidos de tambor. Tenemos. Dónde van a tener que hacerlo, lo siento, voy a tener que saltar un poco a donde juegan, que es aquí. Entonces mezclémonos en este aplauso. ¿De acuerdo? De acuerdo, mezclemos este sonido de Percusión. También mezclemos en este sonido de sombrero abierto. ¿ De acuerdo? De acuerdo, y probemos el aplauso final, pero eso tenemos en el patrón de tambor. Entonces ahora sé cuando subo el volumen, el sonido general sonará buen metabolismo. Y ahora podemos sumar en el bombo de patada. Entonces voy a volver a bajar esto y nos acercaremos al bombo de patada, que está aquí. De acuerdo, y mezclaremos esto hasta que nos
guste el tipo de sonido del bombo de patada en la mezcla. Entonces en algún lugar por aquí. A lo mejor un poco más. No, quizá un poco menos. De acuerdo, entonces creo que esto suena bien. Ahora volvamos a salir y quizá mezcle las voces. Entonces sé que muchos de los elementos que acabo de mezclar están jugando aquí. De acuerdo, entonces podemos mezclar el sonido vocal para asegurarnos de que las voces estén sentadas justo dentro de la mezcla. Entonces si ahora tenemos una escucha, podemos escuchar que hay demasiado alto, pero vamos a empezar desde 0 y mezclarlos, ¿de acuerdo? De acuerdo, así que tal vez en algún lugar por aquí. Vamos a mezclarlos, estas voces de respaldo. Entonces empezaremos con el de la derecha. Vamos a bajarlo a 0 y mezclarlo. Ah, tengo que encender el portador porque es una vocal que suena. Entonces hagámoslo otra vez. Está bien, y probemos la otra vocal. Vocal. De acuerdo, así que ahora sé que cuando lo suba, va a sonar bien con la voz dentro. Entonces este es el proceso que usarás cuando estés mezclando tu pista, vale, baja el volumen y empieza con tu elemento principal, luego mezclar la pista alrededor de ese elemento principal. Asegúrate de dejar tu base y tu bombo para durar, solo para calentar el sonido general de la pista. Y una vez que tengas toda la pista mezclada, estarás listo para empezar a dominar.
129. Introducción al dominar esencial: Por lo que en esta conferencia, aprendimos a dominar nuestras pistas para
que puedan hacer frente a otros temas producidos profesionalmente. Ahora, Mastering no arreglará tu mezcla, por lo que es importante que tu mezcla suene genial. Antes de que empieces esta etapa, escucho a tantos productores simplemente dejando problemas y después diciendo, oh, lo arreglaremos en masterización. Pero el problema es que el dominio no arreglará tu mezcla. mastering es como el paquete en el que metes tu producto, ¿de acuerdo? Puedes hacer que el empaque sea lo más lujoso que quieras. Poner el producto dentro es lo que realmente importa. O en otras palabras, no se puede pulir pronunciado. Entonces, ¿qué es el dominio? Este es el paso final en la producción de audio, donde ponemos algunos toques finales en la pista. Tenemos que asegurarnos de que nuestra pista sea lo suficientemente ruidosa y vamos a reproducir en cualquier sistema de audio sin dañar es mastering también hace que tu pista sea más fuerte, lo cual es genial porque Lauder siempre suena mejor. Entonces, ¿cómo vamos a aplicar masterización? Bueno, usaríamos un ecualizador para poner un tipo final de forma en la pista. A lo mejor calentarlo un poco y eliminar cualquier frecuencia dura que no suene bien. Entonces usamos algo de compresión para tipo de pegar todos los elementos juntos. Y también podemos empujar la ganancia aquí para sacar algo de sonoridad extra fuera de la pista. Siguiendo esto, utilizamos imágenes estereofónicas para hacer que la pista sea más amplia y más llena. Y luego usamos un limitador para cortar cualquier sonido que vaya por encima de 0 db. Esto solo evita que la pista se distorsione al ser reproducida en ciertos sistemas de audio. Por último, tenemos que revisar los niveles para asegurarnos de que todo se vea bien para que cuando un etiquetado descargue y ponga a prueba tu pista, los números que vean en pantalla los hagan felices. Entonces volvamos a la oscuridad y aprendemos a aplicar masterización a nuestras pistas.
130. EQ para dominar: En esta conferencia, vamos a aprender a usar el EQ para masterización, OK, y antes incluso de empezar a aplicar efectos y el canal maestro, tenemos que asegurarnos de que en primer lugar, el canal maestro es una especie de establecer un valor predeterminado, por lo que ya no hay efectos ahí. Entonces vamos a archivar a la culpa. Y también tienes que encontrar el tipo de parte más ruidosa de tu pista. Ok, entonces la parte de tu pista que más tiene pasando, vamos a encontrar ese punto. Y ya escuché y creo que está en algún lugar por aquí. Y lo vamos a hacer bucle. De acuerdo, entonces vamos a escuchar la parte más ruidosa de la pista mientras estamos haciendo el mastering. Y luego cuando terminemos de masterizar, podemos volver a escuchar toda la pista y asegurarnos de que todos nuestros niveles estén bien. Entonces el primer efecto que vamos a cargar es un EQ, ¿de acuerdo? Y voy a usar este filtro de grasa te rompió sólo porque puedo agregar tantas bandas como me gusten. tanto que con el otro EQ que estábamos mirando, sólo
podía usar siete bandas. Entonces el primer tipo de paso con esto es aplicar un corte bajo en algún lugar alrededor de 30 hercios. Ok, entonces voy a arrastrar esta banda hasta alrededor de 30. Digamos tal vez 28, ¿de acuerdo? Y podemos ajustar la cola para tratar de mantener tantas de esas frecuencias como podamos. Y otra vez, tal vez podríamos cambiar la pendiente de la línea, así que ¿la estoy doblando a 24? Y de nuevo, voy a cambiar el QGIS así que estamos mirando un plano,
una línea plana y moverlo hacia abajo apenas un poco, tal vez a 27. ¿De acuerdo? El motivo por el que hacemos esto es porque todas estas frecuencias aquí abajo, humanos, realmente no podemos escucharlas. Nosotros más, por eso los sentimos más de lo que los escuchamos. Está bien. ¿Algo por debajo de 20 hercios? En realidad no podemos aquí. Entonces esto es sólo una especie de creación de tipo innecesario de modo o lío en tu mezcla cuando en realidad no son frecuencias que podemos, incluso aquí, ¿de acuerdo? Y la cosa son los altavoces y los auriculares y esas cosas. Siempre están cortados a 20 hercios. Ya verás, verás si alguna vez lees la caja para altavoces o auriculares o algo así. Te dará como un rango de respuesta de frecuencia más altavoces, y suele ser, bueno, siempre entre 2020 mil, vale, porque estas son las frecuencias que escuchamos. No podemos escuchar por encima de 20 mil y no podemos aquí por debajo de 20, sólo
podemos sentir esas frecuencias. Por lo que tiene sentido cortar algunas de esas frecuencias bajas innecesarias y mantener limpio al Maestro final sonando. El segundo tipo de paso antes de que hagamos algo es rodar algunas de estas altas frecuencias. Ok, entonces voy a rodar frecuencias arriba. A lo mejor vamos por 18 mil. Y no quiero que la pendiente sea así de agresiva. De verdad quiero una especie de pendiente sutil saliendo así, solo para rodar algunas de esas altas frecuencias. Entonces voy a elegir seis dB. Y hasta voy a subir esto de nuevo solo para que nos
deshagamos de algunas del tipo desagradable de frecuencias hashed que otra vez, realidad no
podemos escuchar. No agregan nada al tipo de sonido armónico de la pista, vale. Entonces vamos a tener una escucha a lo que suena hasta ahora. De acuerdo, entonces ahora vamos a usar este ecualizador para dar forma a la pista. De acuerdo, entonces vamos a empezar a encontrar frecuencias agradables para impulsar y encontrar frecuencias desagradables para cortar, OK. Y cuando estás haciendo esto, vas a estar usando una especie de Q. ves aquí la forma en que está un poco enfocada. Pero hicimos sólo el cubo para hacerlo un poco más ancho. Por lo que es una especie de traer algunos más de este tipo de frecuencias. Queremos que esto sea sutil. Por lo que queremos tipo de usar tantas frecuencias como podamos para especie de enmascarar el hecho de que en realidad estamos impulsando frecuencias. Si usas una cola como esta, va a sonar muy, muy obvio que has potenciado estas frecuencias. Pero si usas una cola más amplia como esta, va a ser más sutil y un poco más difícil para el oyente darse cuenta de que realmente has aplicado EQ. Y ese es el punto de dominar es mantener las cosas sonando lo más transparentes posible. Y escuchamos el track. Y luego empezaremos a impulsar y encontraremos algunas frecuencias agradables que hay ahí dentro. De acuerdo, entonces para esta parte, voy a restablecer la Q Solo para que pueda escuchar cada frecuencia correctamente. Y luego encontraremos a los bonitos y los impulsaremos. ¿De acuerdo? Entonces, así que me gusta el sonido de la gama baja aquí. Entonces voy a bajar la ganancia. Entonces es mucho más sutil. A lo mejor nunca ir realmente por encima de 3dB. Yo diría que es, eso sería demasiado. Entonces vamos a impulsar por tal vez dos dB, y de nuevo extenderemos esa Q hacia fuera. Por lo que suena mucho menos obvio. Hagamos una escucha ahora. Ahora vamos a encontrar algunas otras agradables frecuencias que podemos impulsar. A lo mejor algunas frecuencias aquí arriba en el rango alto. Entonces vamos a añadir otro punto y ajustaremos la cola para que podamos escuchar cada frecuencia tipo de claramente. Eso es un Alyson. Entonces creo que en algún lugar por aquí suena bien. Entonces voy a bajar la ganancia otra vez, y voy a extender esa Q, No tanto. Pero tal vez así y voy a subir esto sólo un toque. ¿ De acuerdo? Entonces ahora podemos ver que el contorno de las líneas se han ido
un poco arriba sumergiéndose hacia abajo y están volviendo a subir de nuevo. Este es un contorno bastante común que en realidad suena agradable a la oreja, vale, para un poco de refuerzo de mínimos, aumentar los máximos, y luego tipo de dejar el medio tipo de corte. Pero lo que vamos a hacer es que vamos a ser aún más precisos y vamos a sumar en otro punto, ¿de acuerdo? Y impulsar la cola. Y encontraremos algunas otras frecuencias que no nos gustan. Y los vamos a cortar fuera del medio. De acuerdo, vamos a escuchar. Entonces puedes oír que estas frecuencias son una especie de Honky, ¿de acuerdo? Como un, como un tonk honky. Volvamos a tener una escucha. No suenan muy bonitos. Entonces de nuevo, los voy a cortar así, y voy a difundir eso. Q. Muy bien. No quiero cortarlas demasiado. No quiero ser demasiado obvio con este ecualizador, pero sí quiero sacar ese tipo de frecuencias Honky. De acuerdo, y finalmente vamos a sumar en un punto más. Y vamos a aplicar una especie de agresivo. Entonces con una Q afilada como esta, vamos a cortar 10000500 hercios, ¿de acuerdo? Y eso, ese valor exactamente ciento quinientos en algún lugar por ahí. No sé por qué. Pero cuando se corta una especie de,
una especie de curva profunda aquí, simplemente
suena mucho,
mucho más limpio y mucho, mucho mejor. Entonces vamos a cortar esto ahora demasiado. Tal vez sólo cuando cuatro dB, pero definitivamente más profundo que este tipo de dip que tenemos aquí. ¿De acuerdo? De acuerdo, así que si escuchamos la pista ahora, y apagaré el EQ mientras está sonando, y luego la volveremos a encender. Y se puede escuchar el tipo de diferencia sutil pero importante que está haciendo. Tengamos una escucha. Entonces ahora cuando estábamos reproduciendo, me estaba dando cuenta de que algunos de estos de rango medio, estas frecuencias medias altas están creando un sonido desagradable. Voy a subir esto, de acuerdo, y voy a ajustar un poco acusado o no, realmente incluyendo estas altas frecuencias medias. Está bien. Volvamos a tener una escucha. De acuerdo, así es como aplicas EQ cuando estás masterizando, cortas las frecuencias realmente bajas que no necesitas. Se rodan algunas de las frecuencias altas que no se necesitan. Y luego vas un poco a dar forma a la pista. Pero asegúrate de que estás manteniendo su sutil. Simplemente quieres que el ecualizador caliente un poco la pista. No quieres cambiar por completo el sonido general de la pista. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a usar la compresión
multibanda para masterizar. Para dominar.
131. Compresión para dominar: Entonces en esta conferencia, vamos a echar un vistazo usar la compresión multibanda para masterizar, OK. Y FL Studio tiene un compresor multibanda
muy, realmente bueno que viene de forma gratuita con el software, ok, y se llama maximizar. Por lo que vamos a usar maximize para aplicar la compresión multibanda para nuestro maestro. Ok. Por lo que puedes seguirme usando estos ajustes también. Entonces lo primero que debemos hacer es una especie de definir dónde están las leyes, los medios y los máximos en nuestra vía. Ok, y lo hacemos haciendo haciendo clic en este botón de bandas. Y entonces podemos mover la banda a tipo de enfoque en las frecuencias específicas de nuestra pista. Entonces voy a darle a este botón en solitario. Para que podamos escuchar sólo las leyes. Y vamos a encontrar el punto en la pista donde las leyes se convierten en el medio y luego lo vamos a dejar ahí. Está bien. Por lo que obviamente esto sería demasiado. Entonces voy a bajar estas leyes. ¿ De acuerdo? A lo mejor por aquí. Sólo puedo escuchar la patada en la base. De acuerdo, a continuación vamos a definir los medios. Entonces vamos a tomar estos medicamentos aquí y vamos a encontrar una especie de donde el punto de corte para que los medios se conviertan en los máximos están bien. Tengamos una escucha. Parece que me escuchan lo más alto ahora, pero eso está bien. Simplemente encontraremos donde los más altos se convierten en los medios. Está bien. A lo mejor en algún lugar por aquí. Hagamos una escucha a los medios. Sí. Entonces los medios suelen ser, ya sabes, eres un poco correcto cuando no puedes escuchar los sombreros altos. Está bien. Entonces tal vez incluso un poco menos que eso. Está bien. No puedo escuchar los sombreros altos en medio del momento, pero puedo oírlos cuando hago clic en estas alturas. Entonces esa es generalmente la zona por la que
quieres ir cuando estás encontrando que estás en todas las frecuencias,
generalmente, solo quieres escuchar tipo de la patada y la base, ¿de acuerdo? Pero si empiezas a escuchar el trago aquí, el clapper, algún sonido de percusión, probablemente estés un poco demasiado alto, por lo que deberías traer tus leyes de vuelta. Por lo que ahora vamos a ajustar la ganancia de entrada para cada una de estas bandas. ¿ De acuerdo? Entonces vamos a estar usando este pre parámetro. Y sólo vamos a impulsar esto. Y verás aquí mueve a la banda hacia arriba. Y si nos desplazamos algo así, podemos ver que esto es alrededor de tres, tal vez cuatro dB. Entonces voy a restablecer esto y luego vamos a impulsar esta frecuencia de entrada hasta que el tipo de patear los graves suene a un buen tipo de nivel óptimo. Ok, vamos a tener una escucha. A lo mejor en algún lugar aquí. Hagamos lo mismo por los medios. Y ahora hagamos lo mismo por los máximos. De acuerdo, entonces ahora tenemos el pre parámetro establecido para todas estas frecuencias. Ahora podemos empezar a aplicar la compresión y lo hacemos dibujando en un punto de anclaje y moviendo este tipo de injerto. De acuerdo, entonces voy a eliminar este punto de anclaje que agregué. Y lo que vamos a hacer es que vamos a encontrar una especie de, ya ves la forma en que este es el pico aquí. Se puede ver donde hay bombo de patada o donde las frecuencias bajas están algo así como asomándose. ¿ De acuerdo? Y se puede ver aquí abajo, las frecuencias bajas están como sentadas por aquí. Al igual que este es el promedio, digamos del, de las bajas frecuencias. Bueno, vamos a escoger en algún lugar en el medio. Vamos a escoger este punto medio aquí. Y luego vamos a arrastrar este punto de anclaje hacia abajo hasta que sentimos que ya hemos comprimido lo suficiente el bajo extremo. Por lo que esta sería tu relación. Ok, entonces si haces esto realmente agresivamente, Esto sería como diez a 181621, ese tipo de cosas. Entonces vamos a tener una escucha a las bajas frecuencias. Y luego vamos a mover este punto de anclaje hasta que sentimos que ya hemos comprimido el sonido lo suficiente,
vale, hasta que el bajo y el bombo de patada, o especie de control Andhra. Entonces, vamos a tener una escucha. A lo mejor en algún lugar por aquí. De acuerdo, a continuación, pasemos a los medios, OK. Y haremos lo mismo. Vamos a encontrar el pico y vamos a encontrar el promedio. Y vamos a encontrar algún lugar entre. Entonces está en algún lugar por aquí, tal vez un poco más alto. Y mueve eso hacia arriba. Y vamos a arrastrar por este punto de anclaje hasta que
sentimos que ya hemos comprimido bastante el sonido. Podría mover ligeramente este punto de anclaje hacia abajo. Está bien, y voy a mover esta copia de seguridad o pequeña, pero creo que está demasiado comprimida. A lo mejor intentémoslo otra vez, solo veamos cómo suena eso. Y puedo usar esto para tipo de ajustar la rodilla para poder hacer que el compresor se encienda algo mucho más poco a poco. De acuerdo, así que voy a hacer eso. Voy a sólo tipo de curva esto unos pedacitos pequeños. Lo que no es tan obvio como esto. De acuerdo, y voy a mover este punto de anclaje de nuevo hacia abajo, y voy a mover esto hacia abajo uno. Entonces ahora podemos ver que estamos dando forma a este sonido. De acuerdo, a continuación echaremos un vistazo a las frecuencias altas. De acuerdo, vamos a hacer exactamente lo mismo. Encuentra el tipo de pico, el promedio, e ir por algún lugar intermedio. Y luego vamos a arrastrar por este punto de anclaje. Ahora con lo más alto, no quieres comprimirlos demasiado porque música parece sonar mejor cuando tenemos muchas frecuencias altas en. Entonces no lo voy a comprimir con tanta proporción
como digamos que los medios son las leyes, ¿de acuerdo? A lo mejor sólo algo sutil como esto. Entonces vamos a entrar a esta sección maestra y vamos a comprimir esto a bien, pero no vamos a usar el mismo tipo de técnica. Entonces puedo ver que los picos están en algún lugar por aquí y el promedio está tal vez en algún lugar aquí abajo. Pero no quiero ser tan agresivo con esto. Yo quiero ser más sutil. Entonces voy a un tipo de simplemente rodar. Esto es un poco superior, lo siento, este tipo de pico en el sonido. De acuerdo, va a rodar esto comprimiéndolo sólo muy, muy ligeramente. Esto es sólo una especie de pegamento este tipo de frecuencias juntas incluso más de lo que ya son, vale, se expande. Y ahora lo que haremos es volver a través de todas estas frecuencias y encontraremos por cuánto las hemos comprimido,
y luego impulsaremos la ganancia de post,por y luego impulsaremos la ganancia de post, lo que la salida gana en esa misma cantidad. Entonces si miramos las frecuencias bajas, puedo ver que estoy comprimiéndolas
tal vez alrededor de 3dB porque creo que esta es la línea 0. Y puedo ver aquí arriba a las tres. Entonces cuando se está tocando el bombo de patada y esas cosas estaban cortando 3dB cada vez. Entonces voy a impulsar la ganancia,
el lado de ganancia de salida por tres dB. ¿ De acuerdo? Y voy a ser más preciso con esto, con el Maestro. Con el maestro arriba otra vez. Ok. Quiero asegurarme de que suene natural y tipo de sutil. Ok, hagamos lo mismo por los medios. ¿ De acuerdo? Entonces voy a ir por algún lugar tal vez entre una especie de tres o 1. 3 de mayo sea alrededor de 2.3 porque puedo ver que los cortes profundos están alrededor de 3dB, pero luego hay algunos cortes más pequeños, tal vez alrededor de un db. De acuerdo, entonces voy a ir por una especie de medio feliz. Y luego otra vez con lo más alto, vamos a hacer lo mismo. Y esto no está cerca de tres dB. Esto es quizás 1.52 dB. Entonces intentemos potenciarlo por tal vez 1.7. ¿ De acuerdo? Y otra vez con el maestro hará lo mismo porque comprimimos a estos dos. Entonces puedo ver que esto ha sido un poco comprimido por tal vez dos dB, pero no van a empujar tanto al maestro. De acuerdo, no quiero que las cosas se distorsionen. Entonces tal vez algo alrededor creo que era 0.9 allá arriba. Sí. Bueno, podríamos empujarlo empujándolo para asfixiar Mar tal vez hasta 1.5. De acuerdo, así que ahora favor escucha sin el compresor. Y luego volveremos a encender el compresor ya que la pista está tocando música. De acuerdo, entonces creo que suena un poco demasiado comprimido. Entonces voy a volver a entrar, solo tal vez impulsar esto un poco más solo para que tipo de abrir ese compresor fuera de él. Y entonces tal vez cambiar la curva para que la rodilla sea algo más sutil aquí. Está bien. Y creo que eso suena mucho mejor ahora no es tan tipo de temporada comprimida. Ahora en este plugin en particular, también
tenemos DES, este tipo de novela de Separación Estéreo K. Así que podemos empujar esto en el medio tipo de arrebatos. Y nuevamente con el micrófono más alto y empujarlo un poco más solo para conseguir ese tipo de sonido alto ancho. Tengamos una escucha. Perdón, tenemos que escuchar al maestro porque tengo esto en solitario. Tengamos una escucha y CC, y esto es cierto. Ahora si no tienes maximización, no
podrás usar estos nubs de Separación Estéreo. Ok, entonces en ese caso, utilizarías un plug-in de imagen estéreo real. De acuerdo, vamos a echar un vistazo a cómo usar estos plugins para tu maestría en la próxima conferencia.
132. Mejoradores de Stereo para dominar: Entonces en esta conferencia, vamos a aprender sobre la imagen estéreo para masterización. Y lo primero que diré es que estas deben ser imágenes estéreo multibanda, vale, porque no queremos especie de ensanchar toda la pista porque entonces terminaremos ensanchando las frecuencias bajas también. Y como saben, las frecuencias bajas deben mantenerse en mono. O el realce estéreo no es una parte esencial del mastering, pero realmente hace que las pistas se pongan mejor. Si no tienes un imager estéreo multibanda. Y si no tienes Maximus para poder usar este tipo de separadores estéreo. Entonces te sugeriría simplemente saltarte esta conferencia. Entonces sugeriría entonces, luego sugeriría, luego sugeriría, luego sugeriría que luego luego te sugeriría entonces entonces yo, luego sugeriría que simplemente te saltes esta conferencia, vale, porque si utilizas cualquier otra imagen estéreo, como tal vez este potenciador estéreo, no
puedes controlar qué tipo de banda, entonces qué tipo de frecuencias estás mirando. Entonces cuando amplías esto, Tu ensanchando todo, ¿de acuerdo? Y no queremos hacer eso. Sólo queremos ensanchar ciertas frecuencias, ¿de acuerdo? Entonces por esto, voy a reemplazar esto por un imager multibanda. Y el ozono isótopo tiene uno genial. Entonces voy a cargar esto y podemos ver el tipo de frecuencias empezando a aparecer aquí en el ámbito vectorial. ¿ De acuerdo? Ahora de nuevo, vamos a tener que poner las bandas. Pero la cosa es que podemos usar isótopo para aprender. Entonces voy a ponerlo en modo aprender y luego voy a tocar la pista para que el algoritmo pueda tipo de establecer las bandas formando está bien. Tengo que ponerlo para aprender de nuevo. ¿ De acuerdo? Por lo que se ajusta las bandas. Y puedo ver aquí que las leyes están por aquí. Hagamos una escucha para comprobar y asegurarnos de que todas estas frecuencias sean correctas. Entonces podría bajar esto también, pero vamos a revisar el sólido medio bajo. Eso suena bien, probemos los medidos altos por aquí. Podría solo llevarme un poco estos de vuelta. Ok, creo que es un poco mal ahí arriba. Y ahora probemos las altas frecuencias aquí arriba. A ver si el sonido está bien. De acuerdo, así que ahora todas estas bandas están puestas para mi tema. Entonces voy a hacer monel las frecuencias bajas, ¿de acuerdo? Y luego voy a ensanchar quizá los medianos bajos. Ok. No demasiado, tal vez apenas alrededor de los 16. Entonces voy a ensanchar un poco más el medio alto, tal vez 21, y luego ampliamos mucho más los máximos, hasta tal vez 26. Ok. Hagamos una escucha a lo que suena. Esto es lo mismo que el c. Y de nuevo, podemos usar este tipo estéreo de perilla esterilizada. Y voy a poner esto a siete. Lo que teníamos es configurar antes,
vale, así que tal vez 7.1. Y apagémoslo y tendremos una escucha. Y mientras se está reproduciendo, volveré a encender el plugin. Este es el espaciado de la CSU. Por lo que se puede ver que este plugin de imágenes es una especie de hacer el sonido general sea un poco más completo y un poco más amplio. En la siguiente conferencia, usaremos un limitador para asegurarnos de que ningún volumen esté superando la marca de 0 dB.
133. Líde límites para dominar: Entonces en esta conferencia, vamos a usar un limitador para obtener una especie de empuje final un volumen y asegurarnos de que nada vaya por encima de 0 db. Entonces vamos a cargar un plug-in limitador. De acuerdo, voy a cargar limitador afrutado. Y se abrirá así. Y si golpeamos play podremos ver la señal entrando. Ok, echemos un vistazo. Entonces está la señal que entra a través de este plug-in limitador. ¿De acuerdo? Y solo lo vamos a usar para empujar esos picos hasta 0. Y luego vamos a fijar el techo para cortarlas. Por lo que actualmente el techo está fijado en 0 dB, y puedo moverlo hacia abajo si quiero. Ahora generalmente, no establecemos, establecerá el techo entre tipo de 0 y menos 0.2. ¿ De acuerdo? Pero para EDM, voy a mantenerlo en 0 para especie de mantener la mayor cantidad de sonoridad que pueda ahí dentro. Ahora volvamos a impulsar, de acuerdo, así puedo ver que estamos bastante cerca de 0 y eso está bien. De acuerdo, no queremos impulsar demasiado la ganancia limitadora. Si eres una especie de, si estás impulsando demasiado el limitador, necesitas volver a entrar y ya sea remezclar tu pista o usar el compresor para sacar un poco de volumen de ella. De acuerdo, pero estamos un poco cerca de 0 como es. Entonces voy a impulsar esto sólo para conseguir ese empuje final para que podamos levantarnos y golpear 0. ¿ De acuerdo? El muy ligeramente a divi. Y ahora puedo ver que estamos pegando 0. Ok, y eso es todo lo que necesitamos. Ok. Sólo necesitamos ser una especie de conmovedor 0. No necesitamos estar planos a 0 todo el tiempo. Al igual que las cosas solían estar de vuelta en 2012 cuando
pasábamos por lo que se llamaba la guerra de sonoridad. Y todos intentaban ser más ruidosos que los demás. actualidad, los sitios de streaming o bien
bajarán tu pista o lo subirán dependiendo de dónde pongas tu maestro. Entonces realmente, realmente no importa dónde aunque tu maestro esté golpeando árbol, los sitios de streaming, lo subiremos para que esté golpeando 0. ¿ De acuerdo? Pero si planeas que te firmen un sello discográfico, necesitarás estar pegando a este 0 Mac. Y mi pista por el momento está bien, puedo ver que está pegando 0. Y todo lo que hice fue empujado de nuevo muy, muy ligeramente. Y eso es limitante para dominar En pocas palabras. ¿ De acuerdo? Simplemente lo vas a usar para tipo de empujar ese bit final de volumen que necesitas. Establece tu techo en cualquier lugar entre menos 0.20 y luego solo déjalo ahí. En la próxima conferencia, vamos a estar revisando los niveles de pistas para
asegurarnos de que cuando las etiquetas graben tipo de descarga y prueba tu pista, que los números que ven en pantalla los hagan felices.
134. Verificar los niveles de la pista: Entonces ahora que nuestra pista está mezclada y dominada, Tenemos que asegurarnos de que sus niveles sean aceptables. Entonces para esto, necesitamos usar un medidor de loft, ¿de acuerdo? Y los amores son solo una medida de lo fuerte es
tu pista sobre la longitud total de la pista. Ok, entonces se necesita la sonoridad promedio de toda la pista. Ahora, puedes descargar estos de forma gratuita o puedes comprar un paquete que tipo de tiene algunos otros niveles diferentes, medidores de nivel integrados. Está bien. Entonces voy a estar usando niveles por dominar la mezcla, ¿de acuerdo? Y eso es aquí abajo. Y vamos a venir a la
sección de despidos porque queremos medir los amores de la pista. Entonces para hacer esto, vamos a tener que escuchar todo el track. Entonces vamos a tener que escuchar y ver estos amores y luego
volver al final y ver cuál es el tipo de amores integrados o el promedio. Ahora, lofts son como estos sitios de streaming miden su pista, ok, entonces YouTube, creo que le da vuelta a tal vez menos 13. Y entonces Spotify podría ser menos 14 y luego no sé, desierto podría ser menos nueve. Todos tienen su propio tipo de nivel de despidos que están buscando. Por lo que tus Risas deben estar en cualquier lugar entre menos 14 y menos nueve. De acuerdo, ese es el tipo de rango que vamos por. Si estás por debajo de menos nueve, estos sitios de streaming bajarán tu pista y podría terminar sonando un poco demasiado comprimido. Por la carrera de compresión que se utilizan YouTube o Spotify o D's. Y si eres una especie de, digamos arriba menos 14, así que tal vez tu pista esté en menos 18. Estos sitios de streaming van a intentar impulsar tu pista. Y lo que podría pasar es que podría
distorsionarse o podría terminar perdiendo calidad. Entonces por esto,
asegúrate de que tus amores estén leyendo en algún lugar entre menos nueve y menos 14. Entonces ahora sólo vamos a escuchar toda la pista,
está bien, todo el camino a través. Y al final, vamos a revisar qué está leyendo este medidor de lux. ¿ De acuerdo? Simplemente voy a extender esto para que no se vuelva a dar vuelta sobre sí mismo. Y podemos pausar cuando termine la pista. De acuerdo, así que vamos a tocar y vamos a ver este cambio de medidor ama. Y luego usar un término técnico. Y se ve una
y otra vez. Entonces iremos a la entrada. Y esta es una familia. Entonces si ajustas. Entonces para determinar la antera, la primera es una
cantidad
muy, muy alta, grande grande. De acuerdo, entonces si miramos el medidor de nivel, podemos ver que los grumos están alrededor menos 10.4. Y esto está bien porque estamos entre el rango de menos nueve y menos 13. ¿ De acuerdo? Entonces menos diez es algo así en el exterior. Y luego menos 13 sería una especie de más allá del lado más tranquilo de un maestro moderno. Ahora notarás ese tipo de al inicio de la pista ahí, este campo estéreo cuando rojo. Y eso es porque tenemos especie de pantalones de elementos. Entonces, cuando se inician las pistas, este elemento se desplaza hacia la derecha. Entonces lo que pasa es que el campo estéreo es una especie de lectura que la pista suena un poco como offset a la derecha. Pero esta es una computadora, vale, y creo que la pista suena bien como en, en términos de tipo de blancura y en términos de equilibrio. Entonces voy a ignorar eso. Y esto es de color rojo porque se trata de unidades de sonoridad. De acuerdo, entonces qué tipo de medidas la diferencia de volumen entre el tranquilo como loro en la parte más ruidosa de tu pista. Y esto me está diciendo que hay una especie de gran brecha entre las partes tranquilas y partes permitidas de mi pista. Pero esto es lo mismo que el rango dinámico, ¿de acuerdo? Y te toca de nuevo, esta es una computadora y me gusta bastante que la pista empiece tranquilamente y luego algo que crezca a esta especie de sección de caída fuerte. Por lo que también voy a ignorar esta advertencia. Pero por todos los medios, si quieres que tu pista sea cierto pasillo ruidoso, entonces querrías estar al tanto de este tipo de lecturas también para asegurarte de que
no haya demasiado espacio entre las partes más tranquilas y las más ruidosas de tu pista. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a exportar realmente la pista. Ok, entonces qué ajustes son los mejores para cuando termines con tu pista y ya estás listo para renderizarla en un archivo WAV final.
135. Renderizado el pista final del curso: Por lo que a estas alturas hemos compuesto, arreglado, mezclado, y dominado nuestra pista EDM. El paso final en este proceso de producción musical es realmente renderizar una exportación la pista. Entonces voy a subir aquí para archivar y exportar, ¿de acuerdo? Y vamos a exportar un archivo wav. Un archivo mp3 no es suficientemente buena calidad. Y el estándar de la industria para las etiquetas discográficas y tipo de toda la industria del audio de todos modos, es un archivo WAV. Entonces vamos a exportar esto y vamos a darle un nombre. Entonces digamos que lo llamamos ganso a tal vez Maestro Final, ¿de acuerdo? Y luego vamos a pegarle save. Y luego trae esta ventanita. De acuerdo, entonces podemos elegir si queremos exportar un patrón o un hundido completo. Ahora, quiero las canciones completas, así que la voy a dejar en plena cantada. Para la cola, desea seleccionar ya sea dejar resto o envolver resto. Definitivamente no seleccionas remanente atrapado. Y esto solo decide cómo se procesa el tipo real de extremo de cola de los efectos. De acuerdo, así que digamos al final de tu pista, también
tienes una especie de gran reverberación. Y quieres que el sonido de la reverberación se escurra cuando termine la pista. Bueno entonces debes seleccionar dejar resto, ok. Si seleccionas wrapper Mender, lo que esto hace es que toma esa cola de reverberación y nos
mueve al frente para que si estás creando bucles y cosas, la reverberación desde el final estará en el frente para que todo
el bucle se mezclará más a la perfección, ¿de acuerdo? Y cortar el resto solo tipo de cortes que suenan, ¿de acuerdo? Y no quieres que eso suceda. Entonces definitivamente o elige, deja un rap, pero si estás especie de renderizar el sol completo, definitivamente selecciona dejar, resto. A continuación, vamos a asegurarnos de que la pista esté en onda. Y puedo ver que lo es. Vamos a establecer la profundidad del bit, de acuerdo, así que en cualquier lugar por encima de 24 está bien. 16-bit es un poco demasiado bajo, de acuerdo, eso es una especie de retroceder en el tiempo a la era de los CDs. Por lo que definitivamente para una música moderna, quieres establecer la profundidad de bits en cualquier lugar tipo de arriba de 24. De acuerdo, voy a poner el mío un flotador de 32 bits. Y eso solo significa que los 32 bits realmente no existen todavía, pero el software tratará de emular ese sonido. A continuación, podemos elegir ya sea estéreo, mono fusionado Mano solo izquierda, o mono solo escritura-solo. Entonces para una versión maestra final, vamos a escoger estéreo, vale, re-muestreo. Queremos esto lo más alto posible. Queremos la más alta calidad que podamos conseguir, HQ para todos los plugins. Tan de alta calidad para nuestros plug-ins y deshabilitar máxima polifonía. Entonces, entonces si estás usando tal vez como un sonido de piano de stock y una especie de tiene una cantidad máxima de teclas que puedes tocar al mismo tiempo. Y digamos que son cinco. Esto sólo apagará eso para que si sí
tienes un patrón con como diez teclas jugando al mismo tiempo, permita el renderizado en este Maestro final. A continuación, vamos a apagar estos marcadores de listas de reproducción guardadas. Y lo que esto hace es cuando renderices en la pista final, si tienes caída de desglose de Intro aquí, eso realmente se renderizará en el archivo de audio. Por lo que tu archivo de audio tendrá este tipo de marcadores amarillos, pero no queremos eso en la versión final. Entonces vamos a apagar esto y asegurarnos de que las pistas mezcladoras divididas estén apagadas. De acuerdo, si esto está encendido, lo que sucede es que el software renderizará cada pista individual por separado. Entonces terminarás con tallos, de acuerdo, así terminarás con el tambor de patada y una zona. Terminarás con las voces por su cuenta. Terminarás con las llaves eléctricas por su cuenta. Así que asegúrate de que esto esté apagado para que termines con un archivo de audio al final. Eso es una especie de Eso es una versión fusionada de todos estos elementos separados. ¿ De acuerdo? Asegúrate de recortar silencios PDC, vale, porque NFO studio, lo que pasa es mientras estás mezclando, digamos que el software intentará combatir la latencia. Entonces, si estás usando una especie de plug-in pesado, esto podría hacer que ese elemento entre en el momento equivocado. Entonces lo que hace FL Studio es que agrega silencio a ciertos elementos para que todo juegue al mismo tiempo. Pero cuando estamos haciendo el Maestro final, no
queremos ese silencio ahí dentro en caso de que una especie de arruine el cronometraje de nuestra pista. Así que asegúrese de que recorte PDC, CG-Islands está encendido. Y luego solo asegúrate de que tus efectos de inserción estén habilitados. Por lo que estos son los que estás usando cuando estás mezclando y asegúrate de que tu efector maestro esté habilitado. Entonces estos son el tipo de, así que estos son solo los efectos que tenemos en el canal maestro que estamos usando para masterizar. De acuerdo, a continuación vamos a bajar y vamos a darle a Start. Y el software comenzará a renderizar tu pista final de EDM masterizada.
136. Exponerte en enviar tu pista a las etiquetas: Entonces estás sentado en una pista que realmente quieres enviar a sellos discográficos. ¿ Cómo hicimos esto y cuál es el formato correcto? Bueno, en realidad es bastante simple. En primer lugar, sube tu pista a un sitio web de stream. Soundcloud realmente funciona mejor para este proceso. Por lo que te aconsejo que uses eso para tu stream privado del link. Y eso me lleva a mi siguiente punto, que es que siempre debes hacer privada tu pista cargada. ¿ De acuerdo? Etiquetas no liberarán, atraerán que alguien pudo haber escuchado antes. Así que asegúrate de que tu demo se cargue como privada. También debes habilitar las descargas para que la etiqueta pueda
descargar fácilmente tu pista y probada para asegurarte de que todos los niveles se vean bien. Haz algunas investigaciones y encuentra una etiqueta adecuada para enviar tu pista a. El sello debe liberar tu género de música. Entonces ya sabes, no mandes un track house al sello discográfico dubstep. Ahora si eres un artista bastante pequeño, intenta encontrar etiquetas más pequeñas para liberar tu música. Por lo general, un sello grande no firmará un artista pequeño, pero las etiquetas más pequeñas a veces pueden estar quedando bajas en las admisiones de Demos, y las tuyas tendrán mayores posibilidades de ser elegidas si es lo suficientemente buena. Además, a partir de aquí, en realidad puedes trabajar tu camino por la escalera de las etiquetas. La mayoría de los sellos discográficos hablan entre sí y tienes una mayor probabilidad de que te
descubran si estás firmado con un sello en lugar de si eres independiente. Es un poco como ser futbolista. Si estás fichado a un club más pequeño, los clubes grandes estarán rastreando para encontrar talento por
descubrir para que puedas venir a jugar en su equipo. Una vez que encuentres la etiqueta a la que quieres enviar tu demo, estamos listos para escribir el correo electrónico. Entonces mantén esto corto y dulce. De acuerdo, sólo preséntate como artista. Qué tipo de música haces, y unas cuantas referencias relevantes a cualquier sello que te hayan firmado dos antes, o a cualquier otro artista que te apoye a ti y a tu música, después dales una breve descripción del tema. ¿ Es una pista de electro house fuerte y de
alta energía? ¿ O es una pista de deep house subterránea groovy? Hágales saber la vibra antes de que incluso escuchen. Por último, solo tienes que insertar el enlace a tu demo privada y firmar con un agradecimiento y tu nombre. Ahora puedes usar el nombre de tu artista o tu nombre real aquí. Realmente no importa. No recomendaría enviar su demo a más de una etiqueta a la vez. ¿ De acuerdo? Porque si cinco etiquetas responden y todas ellas a firmar tu pista, puede
ser particularmente incómodo tener que explicar a cuatro de ellas que vas con una etiqueta diferente. Y esto en realidad puede molestar a algunas etiquetas y es posible que termines obteniendo tu nombre lista negra por ellas o por cualquier etiqueta con la que estén asociadas. Así que guárdalo a uno a la vez y solo disfruta del proceso. Espero que este consejo haya ayudado y te deseo la mejor cazadora de etiqueta madura. Se cuenta con un enlace a un sitio web muy útil adscrito a esta conferencia bono donde se puede ir y buscar etiquetas en su género. También puedes organizarlos fácilmente por seguidores de SoundCloud o me gusta de Facebook. Entonces si buscas una etiqueta más pequeña, o tal vez buscas una etiqueta más grande. Podrás encontrarlos fácilmente en este sitio web. Así que buena suerte, y espero que te firmen a tu etiqueta de ensueño.
137. La Valediction: Entonces esta es la dicción válida, o en otras palabras, el gran adiós. Has llegado al final del curso y ahora sabes todo lo que alguna vez
necesitarás para crear una pista de EDM profesional. De verdad espero que aprendas algo en el camino y disfrutes de las conferencias y tutoriales a lo largo. Ahora si no lo hiciste o sientes que podría mejorar algo, por favor no dudes en avisarme para que pueda arreglar esto y hacer mejoras a mis futuros cursos. Además, estoy genuinamente emocionado de escuchar cada uno de tus tracks finales de EDM y ver hasta dónde has llegado desde el primer proyecto. Entonces, ¿qué sigue para ti después de este curso? Bueno, desde aquí, puedes seguir creando pistas EDM, aprender más y realmente empujado para convertirte en el mejor que puedas ser. Asegúrate de unirte a mi grupo de Facebook, música
BL y sonido para entrar a una comunidad de compañeros productores de música que al igual que tú quieren aprender y mejorar su sonido. También puedes subir cualquier tipo de proyectos futuros en los que estés trabajando y compartirlos con otros alumnos que hayan cursado mis cursos. Después puedes pedir retroalimentación constructiva al grupo para afinar realmente tu sonido. Recuerda, muchos pares de orejas son mejores que uno. Además, no olvides dejar una reseña. Si disfrutaste el curso y aprendiste algo nuevo, asegúrate de levantarlo para que otros productores de música nos
puedan encontrar y aprender algunas de las mismas cosas que hiciste. Por último, sólo quería decir gracias por tomarse el tiempo para completar el curso, y de verdad espero volver a verte en algunos cursos futuros. Cuídense y felices produciendo.
Benjamin Lynott, Veteran Music Producer, Audio Engineer
