Creación de beats en FL Studio: la clase magistral de producción musical: crea beats, mezcla musical y masterización

1. Introducción al curso: ¿Pasas horas en FL Studio solo para terminar con esto? Mm hm. Está bien. Está bien. Todos hemos estado ahí. Pero, ¿y si te dijera que puedes convertir eso en ritmos que bofetadas, venden y destacan Bueno, este curso es justamente eso. Es tu guía definitiva para hacer ritmos que suenen profesionales. Incluso si solo eres un principiante, así es como funciona. Paso a paso, te llevo a través de cada parte del proceso. Empezamos por crear tambores que reboten. Después elaboramos melodías y acordes que se pegan en tu cabeza y ocho oh ochos para hacer temblar a los altavoces Volteamos samples como un profesional, convertimos loops en canciones completas y aprendemos a mezclar y masterizar para que todo suene limpio y profesional Piensa que necesitas equipo elegante, no lo haces. ¿Crees que necesitas algún tipo de magia para hacer ritmos en los que los artistas realmente quieren rapear? No. Todo lo que necesitas es FL Studio y un plan, y te daré ambos. Al final, tendrás una pista completamente pulida, lista para la industria y las habilidades para hacerlo una y otra y otra vez. Pasarás de ser un aficionado a un hacedor de éxitos y tal vez incluso te paguen en el camino Así que deja de luchar con los bucles, únete al curso, y empieza a hacer pistas que golpeen. 2. Usa FL Studio como un profesional: Vamos a sumergirnos en lo esencial de FL Studio. Te guiaré paso a paso, dividiendo todo en trozos prácticos digeribles Así que sigue mientras exploramos las herramientas principales y las técnicas de flujo de trabajo que te convertirán en un profesional. Ahora bien, este no es un curso enfocado en FL Studio, así que no voy a repasar cosas realmente en profundidad como los menús y algunas del tipo de herramientas oscuras que podrías usar con tanta frecuencia Estoy enfocado en lo esencial y las cosas que necesitas para crear ritmos profesionales. Entonces, lo primero que debe hacer cuando se abre el software es asegurarse de haber seleccionado el controlador de audio correcto en opciones y configuraciones de audio. Entonces opciones está aquí arriba en la parte superior izquierda. Ajustes de audio. Voy a mirar aquí el controlador o dispositivo, y voy a asegurarme de que esté seleccionado a lo que quiero que se seleccione. Entonces, si estás usando tus auriculares externos o tal vez los altavoces de tu computadora portátil o una interfaz de audio o lo que sea que estés usando, necesitas configurar el controlador de audio FL Studio el dispositivo que estés usando. Entonces para mí, es la corriente cuántica JBL. A continuación, solo asegúrate de que tu frecuencia de muestreo sea de 44.1 o 44100 o 48,000 Ahora, recomiendo usar 48,000, pero 44.1 va a funcionar igual La frecuencia de muestreo es básicamente como velocidad de fotogramas en juegos o en cine y televisión, donde el convertidor digital toma, supongo, fotogramas o muestras, como se les llama, del audio. Y cuanto mayor sea la frecuencia de muestreo, más muestras o chuletas se necesitan Entonces, como puedes imaginar, si lo comparas con una velocidad de fotogramas, cuanto más alto vayas, más suave y más alta calidad, y cuanto más baja vayas, menos suave y menos alta calidad. Sin embargo, no solo vayas configurando esto a lo más alto que va porque antes que nada, tu CPU realmente va a tener problemas. Y en segundo lugar, ninguno de los packs de muestra que compres va a estar a esta frecuencia de muestreo. Y lo que eso significa es que el software entonces tiene que intentar convertir las muestras que tienes a esta alta frecuencia de muestreo que has establecido. Entonces el estándar de la industria en este momento realmente es de 48 kilohercios, pero la mayoría de las muestras que encontrarás en línea y las cosas estarán en 44.1 Entonces cualquiera de estos dos es perfecto. Y por último, con la longitud del búfer aquí, solo asegúrate de que esto esté configurado tan alto como vaya. A la hora de grabar, vamos estar configurando esto un poco más bajo. Pero definitivamente cuando estamos trabajando con complementos y tratando de procesar audio dentro del software, la longitud del búfer debe establecerse lo más alta posible. Ahora bien, el tuyo no puede llegar tan alto como esto, 4,096 muestras. Simplemente depende de qué controlador o qué interfaz de audio estés usando aquí arriba. Y por ahora, eso es todo lo que tenemos que preocuparnos. Lo siguiente que podrías hacer es quizás establecer el BPM de tu proyecto. Ahora el problema con los beats es que hay una enorme enorme gama de BPM que puedes elegir La mayoría de los beats caen entre aproximadamente 70 y 140 BPM, así que ese es un rango grande y grande Entonces, idealmente, verías qué tipo de subgénero estás buscando producir y luego buscarías cuál es el tempo promedio para ese género Entonces, por ejemplo, si estamos haciendo música trap, probablemente se va a establecer alrededor de 140. Bien, entonces ahora examinemos la interfaz. Entonces en el lado izquierdo aquí tenemos la ventana del navegador. Este es un panel en FL Studio donde puedes acceder a tus samples, tus plugins, clips de automatización, archivos de proyecto y más. Piense en ello como una biblioteca que hace ritmo. Entonces a partir de aquí, por ejemplo, podemos encontrar una muestra. Busquemos uno, percusión, tal vez un aplauso. Y podemos audicionar los aplausos que nos gusten usando las flechas En el teclado, y podemos decir que me gusta este, podemos arrastrarlo a nuestro rack de canales. También puedes arrastrar desde tu navegador directamente a la lista de reproducción para cosas como efectos, loops más largos y voces y cosas así A continuación, veremos el rack de canales. Puedes pensar en esto como el centro de control para tus instrumentos, tus muestras de batería y tus patrones. Entonces, por el momento, el mío está configurado en audio. Sólo voy a traer eso de vuelta a todos para poder ver todo lo que tengo en el proyecto, y solo voy a repasarlo brevemente. Entonces en el lado izquierdo aquí, tenemos una perilla de paneo. Bueno, antes que nada, tenemos un botón de silenciar y activar el silencio, que en realidad no uso aquí Principalmente uso el mute y unmute y el mixer, pero está ahí si lo quieres. Entonces tenemos la perilla de paneo, para que podamos mover el instrumento de izquierda a derecha También tenemos un volumen o una perilla de ganancia. El número aquí indica qué canal tiene el instrumento. Entonces en este caso, es la patada de ocho oh ocho. Indica a qué canal está vinculado ese instrumento en el mezclador. Entonces por el momento, ocho oh ocho patada está en Insertar uno, ya que está vinculado al Canal uno, como puedes ver. Pero esta muestra que arrastré ahí antes no tiene canal mezclador Entonces solo para demostrar, si dibujo en algunas patadas, lo verás registrándose ahí en el Canal Uno Pero si dibujo algunos aplausos, no se registrará en ningún lugar excepto el maestro Entonces, cada fila es un canal, y es un sonido diferente o una muestra diferente o instrumento diferente o un audio diferente que arrastraste Entonces con esto, puedes dar click sobre estas pequeñas luces aquí. A estos se les llama pasos. Y cada color diferente, así que tenemos el gris y el rojo. Representan un latido en un bar. Entonces como puedes ver aquí, hay cuatro. Hay gris, rojo, gris rojo, que es cuatro, así que son cuatro tiempos, lo que significa que este rack de canales está configurado actualmente para reproducir 1 bar. Entonces, si quieres expandir eso, puedes simplemente arrastrar el rack de canales hacia afuera. Entonces ahora son 2 barras porque he añadido en un extra cuatro, así que son ocho, y puedes hacerlo de nuevo si quieres 12 o 16 y así sucesivamente. También puede hacer clic en estos pasos para crear patrones de batería. Entonces si quiero que mi ocho oh ocho patee aquí para jugar en el primer tiempo de la barra y luego tal vez a mitad del tercer tiempo, lo pondría ahí Y puedes dibujar en un ritmo básico y sencillo como este. Entonces solo haz clic derecho para eliminar lo que ya has dibujado. Para agregar sintetizadores o VSTs o instrumentos, subes aquí a la izquierda y haces clic en Agregar, y te aparecerá una lista de lo que tienes instalado y todos los instrumentos de stock con FL Studio Entonces, por ejemplo, si traigo, no sé, FLKs aquí, lo cargará, y como pueden ver, se ha agregado aquí al fondo del rack de canales Entonces, con los FLKs, realmente no funciona simplemente dibujar estos pequeños pasos porque todo va a estar tocando una nota Entonces para alterar el tono, haga clic con el botón derecho en el instrumento, y luego abra el rollo de piano. Entonces ahora estamos en una visión diferente. Aquí es donde creas y editas melodías, acordes y ritmos avanzados Así que muy fácilmente solo haz clic para agregar una nota. Se puede arrastrar por ahí. Y como pueden ver, si me acerco aquí, estas líneas coinciden con los colores que estábamos buscando anteriormente. Entonces, si solo muestro ambos al mismo tiempo, tenemos estas líneas más gruesas que representan un latido, y tenemos estas líneas más pequeñas que representan un paso. Entonces tenemos cuatro pasos en el primer latido, y nuevamente, aquí, tenemos uno, dos, tres, cuatro pasos en el primer tiempo. Los números de barras se muestran a lo largo de aquí arriba. Entonces, si quisieras 4 barras, tendrías que hacer tu patrón tan largo hasta los cinco. Y eso es solo porque la primera barra está aquí, segunda barra está aquí, la tercera barra, y luego la cuarta barra, y volvería a dar vueltas. Entonces ese es tu bucle de cuatro barras. Y luego, por ejemplo, si dibujamos, no sé, aquí una melodía aleatoria. Así. Si mantienes Comando en Mac o Control en Windows, puedes atar todas las notas que hayas dibujado, y puedes duplicarlas manteniendo presionada la tecla Mayús Simplemente los he duplicado, los duplico otra vez, los duplico otra vez, y luego no lo sé, puedes hacer pequeños ajustes para hacer un bucle de cuatro barras. Entonces puedes hacer más controles como ajustar la velocidad, qué tan duro se están tocando las notas , algo así. Ahora bien, eso podría ser un poco extremo o poco musical, pero es sólo para demostrarlo Y con este tipo de sección de control, también puedes controlar cosas como pan y pitch. En la sección de acordes y melodía, te estaré mostrando algunas cosas más geniales que puedes hacer en el piano roll Pero por ahora, creo que eso es suficiente para obtener un manejo básico sobre cómo dibujar y editar notas. Entonces, una vez que hayas hecho tu patrón o tu loop aquí, entonces podemos llevarlo a la ventana de la lista de reproducción. Uy. Entonces aquí arriba es donde seleccionas qué patrón quieres pegar en la lista de reproducción. Entonces el patrón uno es solo el predeterminado que estábamos usando, pero podemos renombrarlo si queremos, no sé, piano. Y luego podemos pegarlo en nuestra lista de reproducción. Y a partir de ahí, puedes dibujarlo todas las veces que quieras, ya sabes, para hacer una pista completamente arreglada. Entonces, por ejemplo, si tuviéramos que dejar el piano así y tal vez crear un nuevo, así que encuentra el siguiente patrón de batería vacío. Voy a abrir vacío, y podemos dibujar en ese mismo patrón que teníamos antes. Creo que fue algo así. Ponle unos sombreros extra al final ahí o algo así. Y ahora podemos hacer un pequeño arreglo. Y si aún no te has dado cuenta, tus patrones también aparecen aquí en el lado izquierdo, así puedo pegar rápidamente en un tambor o puedo pegar rápidamente en un piano simplemente moviendo entre los diferentes patrones que habrás acumulado aquí en el lado izquierdo Y luego otras cosas que puedes hacer en la vista de lista de reproducción es crear clips de automatización. Entonces digamos que quería que este piano rebotara de izquierda a derecha a medida que avanzaba la pista Yo haría clic derecho en la perilla de paneo. Para que puedas hacer clic derecho sobre la mayoría de las cosas en FL Studio, puedes hacer clic derecho en. Algunos de los plugins de terceros, no puedes, pero te voy a estar mostrando cómo crear clips de automatización en esos así como el curso continúa. Pero por el momento, si simplemente haces clic derecho en cualquier parámetro en el software FL Studio o en los complementos de stock, se abrirá este menú y podrás hacer clic en Crear clip de automatización que dibujará eso, y luego podemos dibujar poco de paneo para hacer el piano rebote de izquierda a derecha Entonces podría cortar eso porque he hecho un pequeño bucle para mí, rebanar eso. Y nuevamente, puedo dibujar esto en todo el arreglo. Y finalmente, solo para una edición rápida, puedes hacer doble clic en un clip, y se abrirá lo que sea que ese clip esté compuesto. Así que te ahorra tener que, ya sabes, hacer clic con el botón derecho aquí y tratar de encontrar lo que buscas en cualquier lugar dentro de la vista playiss Digamos que tenemos nuestros tambores por aquí, podemos simplemente hacer doble clic en eso, y la abrirá de inmediato y podremos editar rápidamente Entonces digamos que no me gustan estos rollos de hola sombrero, y solo quiero que sea un poco más simple, podemos hacerlo de esa manera, también. En cuanto al tipo de herramientas de dibujo y cosas así, las únicas que realmente uso son la herramienta de pintura y la rebanada. Eso es todo. Porque con esta herramienta de selección, solo puedes sostener comando o control como lo harías en el piano roll, y el resto son cosas especializadas que realmente no uso. Pero por supuesto, si estás buscando hacer algo específico que no he cubierto aquí, solo envíame un mensaje, y voy a poder explicarte cómo hacer lo que sea que estés buscando hacer. Ahora digamos, creo que la batería es un poco ruidosa y el piano es un poco callado. Lo que podemos hacer es agregarlos al mezclador y ajustar sus niveles de fader Entonces, por defecto, FL Studio tiene este ocho oh ocho kick and clap y high hat y snare, y ya están asignados a diferentes pistas mezcladoras Pero lo que arrastramos adentro, los FLKYs no tienen pista mezcladora. Entonces puedes usar este tipo de rueda para dibujar en qué pista mezcladora numérica quieres asignarla, o puedes abrir el enchufe, hacer clic en esta pequeña rueda de ajustes y luego simplemente asignarla a lo que sea que sea la siguiente pista en blanco. Entonces en este caso, lo va a asignar al canal seis. Y ahí está. De igual manera, por ejemplo, si tienes, no sé, veamos si aquí tenemos algún tipo de bucle, ambiente. Digamos que eso es tocar de fondo, un poco ruidoso. Si quieres agregar eso al mezclador, puedes hacer doble clic en él. Y nuevamente, esta pequeña ventana aparecerá y solo seleccionará pista, y la asignará a la siguiente pista mezcladora en blanco. A partir de aquí, podemos cosas en solitario, o podemos silenciar las cosas. Y también podemos ajustar el volumen. Entonces como estaba diciendo, tal vez los tambores son un poco ruidosos. Puedo bajar el volumen de todos ellos. A lo mejor también pueda bajar el volumen de la atmósfera y escuchar. Y además con el mezclador, también podemos agregar nuestros efectos. Entonces, lo que quieres hacer es hacer clic en lo que quieras agregar un efecto. Entonces, en este caso, los FLKeys se cruzan aquí con las diferentes ranuras de efectos, abren una de ellas y se le ocurrirán todos los efectos que tengas y todos los efectos de FL Studio en stock Entonces, por ejemplo, tal vez queramos agregar un flanger a este piano, y solo podemos usar una distorsión en movimiento preestablecida aleatoria y ver cómo suena eso Para cosas como reverberación, podemos hacer clic derecho sobre cualquier tipo de pista mezcladora en blanco Entonces por ejemplo, sé Insertar diez, aquí está en blanco, así puedo hacer clic derecho en eso y puedo decir Doc dos izquierda o derecha, lo que prefieras, prefiero el mío en el lado derecho Entonces ahora esto va a quedar del lado derecho sin importar por dónde me desplace. Y con este, puedo abrir algo como una reverberación o un retraso A lo mejor vamos a abrir un retraso. Y a partir de ahí, por ejemplo, si quiero múltiples instrumentos para usar este mismo retraso, simplemente puedo hacer clic en lo que quiero enviar al delay, y lo enviaré aquí abajo con esta pequeña flecha, y puedo ajustar la cantidad de ese instrumento que se envía al retraso. Entonces, por ejemplo, tal vez los FLKs. Creo que Insertar dos es el aplauso, por lo que recuerdo, nos pondremos eso y tal vez los sombreros altos solo un poquito Ya veremos cómo suena eso. Entonces, usar este método de Enviar pistas es mucho mejor para cosas como reverberación y retraso donde probablemente estarás enviando muchos instrumentos diferentes al mismo efecto de enchufe, no quieres estar abriendo esa reverberación en cada canal individual porque va a devorar tu CPU Entonces, por ejemplo, si cargas una reverberación en los FLC y luego cargas la misma en el aplauso y la misma en el sombrero alto, son tres instancias de la reverberación, mientras que podrías simplemente abrirla una vez aquí en una pista Sent y simplemente enviarle los instrumentos individuales Y luego finalmente, también se puede ajustar el pan a la izquierda o a la derecha. Y puedes agregar efectos a tu maestro a la hora de dominar la pista Nuevamente, vamos a tener un poco más de manos en esto a lo largo del curso. Pero por ahora, esto es solo una descripción básica de cómo usarlo si no lo has hecho antes. Por último, solo te voy a dar un pequeño consejo profesional. Y es decir, si encuentras que estás usando muchos instrumentos y muchos efectos diferentes y tu software está empezando a toparse con lo que se llama underruns que en un nivel básico son solo sonidos crepitantes y tartamudeos porque tu CPU no puede seguir el ritmo de lo que Puedes subir aquí a las herramientas. Sigo haciendo eso. Puedes subir aquí a Herramientas abajo a Macros, que está aquí. Y en medio de este menú desplegable, hay algo llamado Switch Smart Disable para todos los enchufes Si encuentra que su CPU está entrando en rojo aquí arriba, intente hacerlo. Eso básicamente apagará cualquier plug ins que no estés usando en ese momento e intentará ahorrar un poco de CPU extra. Pero por ahora, creo que tenemos un manejo básico sobre cómo funciona el tipo de software, y deberías saber lo suficiente ahora que si me estás viendo a lo largo del curso, sabrás lo que estoy haciendo y deberías poder seguir adelante. 3. La mentalidad del productor: Esta conferencia, vamos a estar sumergiéndonos en uno de los aspectos más importantes pero a menudo pasados por alto de la producción musical, la mentalidad de un productor Se trata de desarrollar tu gusto, dominar la selección de sonido y construir una identidad única como productor, especialmente en géneros como trap, hip hop, drill y solo beatmaking en general Si alguna vez te has preguntado qué separa a los buenos productores de los grandes, no son solo las habilidades técnicas, es su mentalidad y cómo abordan su oficio. Así que vamos a repasarlo. Brevemente. ¿Por qué importa tu mentalidad En primer lugar, tu gusto define tu sonido. El tipo de ritmos hacia los que gravitas y los artistas que admiras, ya sabes, los sonidos que encuentras inspiradores, todos dan forma a tu identidad musical Desarrollar tu gusto es el primer paso para crear música que te sienta auténtica. La selección de sonido puede hacer o deshacer una pista. Un ritmo bien elaborado con los sonidos equivocados puede caer plano, mientras que incluso un bucle simple con los sonidos correctos puede golpear fuerte. Una buena selección de sonido es aproximadamente el 80% del proceso, y tu identidad te distingue. Los productores más exitosos piensan que Metro Boomin Southside, o Boy Wonda son instantáneamente reconocibles Eso no es porque sigan tendencias, sino porque construyen su sonido alrededor de su propia identidad. mentalidad es la base de todo lo demás que aprenderemos en este curso Así que ahora vamos a profundizar un poco más en estos y explorar cómo puedes desarrollar el tuyo. Desarrollar tu gusto como productor comienza con entender lo que te resuena musicalmente Entonces así es como puedes afinar eso. Escucha ampliamente. No solo escuches un estilo o un género. Puede que te guste la trampa o el taladro, pero explorar ORMB y jazz o incluso EDM puede presentarte nuevas ideas y nuevas técnicas que puedes incorporar a tus ritmos. Estudia las rejillas. Rompe ritmos de tus productores favoritos y pregúntate, ¿qué hace que sus melodías destaquen ¿Cómo estructuran sus tambores? ¿Qué papel juegan los efectos y la mezcla en su sonido? Realiza un seguimiento de los sonidos, instrumentos y efectos que te encantan. Esto podría ser un arenoso ocho oh ocho o un piano con alma o pads atmosféricos, pero empieza a construir un ir a Y entonces el último punto es entrenar tu oído para que reconozca lo que funciona en una mezcla. Esto significa prestar atención a los pequeños detalles como el tono de un sombrero alto o la cola de una reverberación Ahora, desarrollar tu gusto puede llevar tiempo, pero cada ritmo que hagas te acercará a entender tus preferencias únicas. A continuación, tenemos masterización de selección de sonido. La selección de sonido es una de las habilidades más importantes que desarrollarás como productor. No se trata de tener la mayor cantidad de sonidos. Se trata de elegir los adecuados. Así que enfócate en la calidad sobre la cantidad. No se sienta abrumado por estas bibliotecas de sonido masivas, y en su lugar, concéntrese en encontrar sonidos de alta calidad que lo inspiren Es mejor tener unos kits de batería geniales que 1,000 mediocres. El siguiente es el contexto. Entonces piensa en cómo funcionan los sonidos juntos. Por ejemplo, un ocho oh ocho distorsionado probablemente chocará con un kiktrm distorsionado. sombreros altos brillantes y brillantes podrían no caber en una melodía oscura y atmosférica Y además, cada género tiene, ya sabes, sonidos característicos. Al igual que, por ejemplo, la trampa suele tener fuertes ocho oh ochos y snappy snares, sombreros altos rodantes Drill tiene ocho oh ochos deslizantes, ya sabes, melodías siniestras oscuras y escasa percusión, y Bomba tendrá patadas arenosas, y Bomba tendrá patadas arenosas vinílicas Aprende los alimentos básicos, los ingredientes y luego experimenta con ellos en tus propios ritmos. Y eso me lleva a mi último punto aquí es no dejar de experimentar nunca, tri layering sonidos, agregar efectos inesperados, o voltear muestras de formas extrañas y poco convencionales Algunos de los ritmos más geniales provienen de accidentes felices. Cuando tu selección de sonido esté en punto, tus ritmos se destacarán incluso antes de que empieces a mezclar. Y entonces tenemos lo que te distingue como productor, tu identidad. Encuentra tu firma. Tu firma puede ser cualquier cosa. Ya sabes, una progresión de acordes específica, una manera única de procesar tus ocho oh ochos e incluso una etiqueta de productor o una chuleta vocal específica que usas en cada pista Solo encuentra algún tipo de tema común que puedas incluir en todos tus ritmos. Lo siguiente es mantenerse consistente. La mayoría de los productores ponen los ojos en blanco cuando escuchan este, pero honestamente, la consistencia es clave para construir un sonido reconocible Y eso no quiere decir que cada ritmo necesite sonar igual, sino que solo debería haber un hilo o como dije, un tema que tipo de vincule tu música. Pero si estás practicando activamente lo que cubrimos en las dos últimas diapositivas, esto sucederá de forma natural. Lo siguiente es abrazar tus influencias. No rehuyas tus influencias tratando de ser diferentes, pero tampoco las copies. Úselos como base para construir algo que se sienta únicamente tuyo. Y esto no tiene que ser dentro del mundo beatmaking. Quiero decir, tu influencia podría ser, no sé, música clásica como Chikovski o tal vez una banda de heavy metal como No hay nada que te impida inspirarte en estas influencias y luego tratar de incorporarlo a tu propio sonido. También hay otras influencias como influencias culturales. Sabes, para mí, eso probablemente sería música irlandesa e instrumentación irlandesa y el tipo de firmas de tiempo que se utilizan en la música irlandesa. Podría tomar muchas de esas ideas y técnicas e intentar incorporarlas a mis ritmos para hacer un sonido único. Entonces otro ejemplo, actualmente estoy en Australia, así que tal vez podría incorporar un digerido como una especie de pad atmosférico debajo de la música Y por último, es experimentar y evolucionar. Mantenerse consistente no significa quedarse estancado, ¿de acuerdo? Así que sigue empujando tus límites, incorporando nuevas técnicas e intentando evolucionar tu sonido. Es tu identidad la que hará que los artistas quieran trabajar contigo, y es lo que hará que los oyentes vuelvan a tus ritmos Así que veamos algunos ejercicios prácticos para tratar de agudizar tu mentalidad Entonces el primero son las averías de ritmo. Elige una pista que te guste e intenta recrearla. Esta es una herramienta increíble. Realmente aprenderás sobre la selección de sonido, arreglo y la mezcla al hacer esto. Lo siguiente es intentar limitarte. Ya sabes, retarte a ti mismo para hacer un ritmo con sólo cinco sonidos. Esto te obligará a enfocarte en la calidad y la creatividad. Otro ejercicio que hacen muchos productores es hacer ritmo al día, aunque sean solo 16 barras. Esta consistencia te ayudará a refinar tu gusto en tu flujo de trabajo, y también hace que el contenido sea bastante bueno para las redes sociales. Lo siguiente es pedir comentarios. Comparte tus ritmos con gente que conoces. Los comentarios verdaderos y honestos realmente pueden revelar áreas en las que necesitas mejorar. Y por último, una de las cosas más poderosas que hago yo mismo es crear una playlist de temas que realmente te inspiren. Entonces cuando te sientes desmotivado o no sabes realmente a dónde se supone que van tus ritmos, puedes usarlo para guiar tu sonido y medir tu progreso Para mí, personalmente, mi lista de reproducción de referencia está llena de artistas aleatorios, canciones, piezas clásicas, todos los géneros diferentes y sonidos mezclados entre sí. A veces ni siquiera es la canción que me gusta, sino la progresión de acordes, o tal vez simplemente me gusta el sonido del sintetizador en ella, o simplemente me gusta el sonido de la batería Pero algo así, solo agrego a la lista de reproducción. Cuanto más intencional seas con tu mentalidad, más crecerás como productor Así que justo antes de terminar, voy a recapitular. Tu gusto define tu voz única. Tu selección de sonido muestra tu atención al detalle, y tu identidad es lo que hace que gente reconozca y recuerde tu música. Sigue refinando y trabajando en estos elementos, y no solo harás mejores ritmos, sino que construirás un legado como gran productor. 4. No empieces con la batería: Entonces, bienvenidos a la primera conferencia en la sección de programación de batería. Y quería poner aquí esta conferencia porque pensé que tenía el mayor impacto. Entonces, dar una conferencia en la sección de programación de batería en realidad se trata de no comenzar con la batería. Este puede ser uno de los mayores errores en el beat making y producción. Ahora, lo pillo. Los tambores son el latido de la mayoría de las pistas, especialmente en géneros como trap, hip hop y drill. Pero la realidad es que comenzar con los tambores realmente te puede meter en caja. Es fácil caer en la trampa de quedar atrapado en un ritmo predecible, sobre todo si no te sientes inspirado o simplemente estás copiando lo que has visto en los tutoriales de otras personas. Entonces, ¿por qué no deberías empezar con la batería? Bueno, antes que nada, terminas en un patrón predecible. Cuando comienzas con batería, es fácil caer en esa trampa de usar, ya sabes, los mismos patrones de ocho oh ocho, un papel típico de sombrero alto u otro tipo de bucles genéricos. Empezar con la batería puede encasillar tu creatividad en una estructura rítmica muy específica, y También terminas con una falta de contexto musical. Los tambores son increíblemente importantes en el ritmo de conducción y la energía, pero no proporcionan un contexto armónico o melódico Entonces, si empiezas con los tambores, esencialmente estás poniendo el carro antes que el caballo. No tendrás una dirección clara para el resto de los elementos de tu pista, y la batería acabará sintiéndose un poco desconectada de otras partes de la canción. Y finalmente, solo te hace mucho menos flexible. Cuando comienzas con una melodía, progresión de acordes o muestra, tienes mucho más espacio para experimentar con los otros elementos de la pista. No estás encerrado en ese ritmo, y eres libre de explorar diferentes direcciones que complementen la idea musical en la que estás trabajando. Entonces por eso, recomiendo comenzar con una idea. Si comienzas con una idea, puedes establecer el ambiente al instante. Cualquier muestra o progresión de acordes o melodía con la que comiences marcará inmediatamente el estado de ánimo de la pista. Ya sea que vaya a ser oscura o triste o enérgica o emotiva, tu idea marcará la pauta, y luego la batería seguirá su ejemplo Sin esta base fuerte, tus tambores podrían terminar sintiéndose fuera de lugar. También te permite crear un gancho fuerte. Tu idea de partida suele terminar siendo el gancho de la pista. Así que piensa en tus canciones favoritas. Lo que te llama la atención. A menudo es la melodía o la muestra. No es el tambor al enfocarte primero en la idea, te estás asegurando de que el núcleo de tu pista sea memorable e impactante. Entonces la idea puede inspirar cómo deben sonar los tambores. Entonces, comenzar con la idea no significa ignorar la batería Simplemente significa que la batería se inspirará en la fundación musical. Entonces, una vez que tengas tu progresión de acordes o tu muestra o lo que sea que estés usando, la batería seguirá el ritmo y la vibra naturales de esa idea. Por lo que complementarán la sensación de la pista en lugar de dictarla como algo Y te ayudará a destacar entre la multitud. Muchos tutoriales y productores comenzarán con los tambores. Y aunque este enfoque puede funcionar en ciertos casos, a menudo conduce a ritmos genéricos que suenan Al cambiar el orden y comenzar con algo musical, naturalmente te distinguirás a ti mismo y a tu sonido de las típicas, ya sabes, pistas de cortador de galletas que podrías escuchar en todas las demás tiendas de ritmos y listas de reproducción Entonces, si no estamos empezando por la batería, ¿con qué empezamos? Así que pasemos por algunas de las mejores opciones. En primer lugar, tenemos muestras. Estas son una manera increíble de poner en marcha tu creatividad, ya sea una chuleta vocal, un bucle de una canción vieja o un sonido aleatorio que te llame la atención. Una muestra puede proporcionar infinitas posibilidades. La belleza de comenzar con una muestra es que a menudo lleva su propio ritmo y vibra, brindándote un gran punto de partida. Entonces con esto, estás buscando resonancia emocional. Entonces, ya sabes, como una única vocal vintage o un riff de guitarra ágil, algo que como que resuena contigo Entonces podrías cortarlo y voltearlo en algo nuevo. Así que no solo lo dejes caer en tu proyecto, córtalo, ya sabes, cambia el tono, invertirlo, agrega algunos efectos, y realmente hazlo tuyo. ¿Y dónde está el mejor lugar para encontrar muestras? Bueno, de verdad recomiendo a Lupermen. Esta es una plataforma gratuita con una colección masiva de loops y samples gratuitos subidos por usuarios. Puedes encontrar de todo, desde loops de hip hop hasta puñaladas de sintetizador, frenos de tambor, hasta música clásica todo tipo de muestras diferentes Realmente, realmente es una mina de oro para muestras gratis. Aparte de eso, tienes cosas como empalme para, ya sabes, muestras de calidad premium, track lib. Ese es un servicio que te permite muestrear legalmente música directamente de pistas originales y ruido NOIIZ otra plataforma basada en suscripción que brinda samples de alta calidad A continuación, para las ideas, tenemos acordes. Entonces, comenzar con acordes es una excelente manera de darle a tu pista una base armónica fuerte Los cordones definen el estado de ánimo emocional y dan dirección al resto de tus elementos. Entonces, si estás empezando por los acordes, ya sabes, empieza simple No compliques demasiado las cosas. Una progresión simple como, ya sabes, CG, Una F menor puede dar mucho espacio para experimentar. Inversiones y voicings, vamos a pasar por eso en el curso, pero no solo uses acordes básicos abiertos, experimente con Y luego también está la opción de usar paquetes MIDI. Entonces, si no tocas el piano, paquetes de acordes midi pueden ser un gran atajo. Sin embargo, cada vez que estoy usando estos, siempre me aseguro de ajustarlos para que se adapten a la pista. Y por último, tenemos melodías. Esta es la fuerza impulsora de tu pista. A menudo actúa como el gancho principal o el tema principal. Cuando comienzas con una melodía , proporciona una dirección para toda la pista. Esto podría ser una simple línea de piano, ya sabes, una melodía vocal, o simplemente un solo de instrumento. Así que de nuevo con esto, vas a empezar con una idea sencilla. Ya sabes, complejo no siempre significa mejor. Comienza con ideas cortas y pegadizas y luego construye sobre ellas. Incluso podrías tararear o cantar una idea de melodía antes de tocar el teclado, lo que te permite concentrarte en la musicalidad sin quedar atrapado en los aspectos técnicos y solo recordar la repetición y recordar la repetición Entonces las melodías que se repiten tienden a pegarse en la cabeza de las personas, pero solo asegúrate de agregar variaciones para que no se vuelvan monótonas Básicamente, todo esto significa que solo comienzas con un gancho. Y piénsalo. ¿Qué es lo primero que llama tu atención en una canción? No son los tambores. Probablemente sea la melodía pegadiza, la interesante muestra, o la memorable progresión de acordes Casi siempre es el gancho. En la producción musical, el gancho significa la parte más memorable de la canción. Entonces podría ser una línea vocal, podría ser una muestra, podría ser una melodía instrumental. Pero al comenzar con el gancho, te aseguras de haber creado algo convincente y único a partir de la G. Comenzar con un gancho a menudo le dará a tu pista una identidad. Establece la vibra, establece el estado de ánimo y establece la sensación de la canción. Y una vez que hayas establecido ese gancho, puedes empezar a pensar en cómo lo complementarán los tambores. El ritmo y la energía de los tambores estarán guiados por la sensación del gancho. Además, las pistas que tienen ganchos fuertes son reconocibles al instante Intenta hacerlo simple pero pegadizo. Ahora, sólo voy a reiterar esto. He visto tantos tutoriales en línea donde los productores empiezan con la batería o te recomiendan que empieces con la batería, pero honestamente creo que te estás preparando para el fracaso. Los tambores nunca dictan la dirección de la pista. Siempre complementan el ritmo. Si primero creas la batería, pueden chocar con los elementos musicales. Son una herramienta rítmica. No son el núcleo de la canción. Deberían estar apoyando la sensación de la pista, no determinándola. Entonces, así es como podrías aplicar el inicio con un enfoque de idea. Entonces, antes que nada, podrías construir una base musical. Entonces encontraste una muestra o una melodía o una progresión de acordes que te guste. Has creado esa idea central. Ahora usa tu creatividad para expandirla y ponerla en capas con armonías, texturas y melodías de contador Entonces, una vez que tu idea se sienta sólida, trae la batería. Aquí es donde sucederá la magia. Ahora tus tambores se inspirarán las ideas musicales que ya has puesto. Ahora que le queda bien la batería, concéntrese en agregar líneas de bajo , instrumentos adicionales y voces. Usa tu ecualizador, efectos y automatización para refinar tus sonidos y asegurarte de que todo encaja. Cuando comienzas con una idea musical, el resto de la producción fluye de forma natural, y tienes la libertad de explorar diferentes ritmos, diferentes campos y diferentes surcos sin estar limitado por un patrón de batería predefinido Por último, sólo quiero decir que no lo pienses demasiado. Si algo te suena bien , está funcionando. Incluso si empezaste primero con la batería y suena bien, está funcionando. Confía en tus instintos Además, no tengas miedo de probar cosas nuevas. Si una progresión de acordes te resulta demasiado familiar, intenta revertirla o tal vez cambiando el ritmo. Este es tu espacio creativo, así que explórelo. Empezar con una idea no significa complicarla en exceso. A veces menos es más. Una simple progresión de acordes y una melodía pueden ser el punto de partida perfecto. Y por último, sólo quiero decir, no tengas miedo de empezar de nuevo. Si no sientes la idea después de un tiempo, no dudes en desecharla y empezar de nuevo. Cuanto más experimentes, mejor serán tus instintos. 5. Programación básica: patadas, palmadas y rebote básico: Entonces, en esta conferencia, vamos a cubrir los bloques fundamentales de una sección rítmica sólida. El núcleo de cualquier gran latido comienza con la patada, el sombrero y el aplauso Te voy a mostrar cómo programarlos para ese rebote perfecto cada vez. Esta conferencia se centrará en la programación rítmica fundamental y te ayudará a sentirte cómodo con las herramientas que necesitas para crear ritmos ajustados y geniales en Antes de saltar a la programación, hablemos de los elementos básicos que conforman un ritmo estándar en la música hip hop y trap moderna. Entonces ellos son la patada. El bombo es la base. Proporciona el golpe que impulsa el ritmo hacia adelante. El aplauso, que es esencial para el énfasis backbeat y a menudo se coloca en el segundo y cuarto latidos en un compás de 44 Los sombreros que tipo de juego entre estos dos elementos e impulsan el ritmo y la ranura. Y entonces tenemos algo tipo de conceptual, que es el rebote. Ahora, el rebote es el groove o el ritmo que hace que el ritmo se sienta enérgico o funky o suave Es lo que hace que la gente quiera moverse a tu pista. Entonces, normalmente en este punto, le diría a la gente que establezca un BPM y, ya sabe, comience a programar algo Pero en la última conferencia, realmente resalté la importancia de comenzar con una idea. Entonces porque esta es una clase magistral y vamos a estar haciendo una pista a lo largo, eso es exactamente lo que voy a hacer. Entonces seguí Luperman y estaba buscando diferentes, ya sabes, géneros y diferentes tipos de instrumentos, diferentes loops que pudiera usar Y me encontré con este bucle realmente genial e interesante que una chica había puesto donde suena como que está cantando en el micrófono de su teléfono. Algo de baja calidad, y está algo distorsionada, pero creo que eso realmente le da un poco de carácter Entonces lo que voy a hacer es que sólo voy a arrastrar eso porque esa es nuestra idea fundamental, la idea que inicia la pista. Simplemente lo tocaré muy rápido para que puedas escuchar. Realmente puedo escuchar la pista comenzando con este tipo de idea de baja calidad y luego simplemente tomando esa melodía y convirtiéndola en algo mucho más de alta calidad y usando eso como base de la pista. Entonces antes que nada, cuando estaba en Luperman, el artista que puso esto dijo que eran 100 Entonces voy a poner mi tempo Da o BPM a 100 solo para que coincida Y luego también cuando tarareé esta melodía en mi cabeza, el Da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, oí la primera nota de que está en el primer compás del primer compás Entonces si solo me acerco aquí, puedo ver que la muestra parece comenzar en el segundo latido del primer compás. Pero tenía muchas ganas de empezar en el primer tiempo, así que voy a ajustar eso por ahora. Y voy a poner esa parte que nos falta desde el principio al final de la muestra solo para terminarla. Así, y luego lo cortaré. Y ahora deberíamos tener un bucle completo que comience en la primera cuenta de la barra. Entonces voy a encender un metrónomo y escuchamos. Entonces ahora, con eso como idea nuestra, voy a empezar a cargar en algunas muestras de batería que podamos usar para construir nuestro ritmo. Entonces voy a buscar una muestra apretada y ágil de bombo Probemos este paquete de pulpo negro, quizá. Y ya veremos lo que hay aquí dentro. Patadas. No, no tienen razón. Sé que tengo un paquete de muestras trampa en alguna parte, así que podría usar eso en su lugar. Ahí está. Un disparo. ¿Tambores? Patadas. Bien. Audicionemos algunos de estos y veamos cómo suenan Esa patada pesada en realidad suena bastante bien, y creo que encaja con la vibra de nuestro tipo de muestra distorsionada de lo fi que arrastramos Entonces, arrastremos eso y reemplacemos la patada. A continuación, vamos a encontrar una trampa o una muestra de aplauso. Así que sólo voy a buscar en esta carpeta de trampa por un segundo. Busquemos uno. Este es en realidad bastante agradable, así que voy a arrastrar eso y reemplazar nuestro aplauso Y luego voy a buscar un sombrero alto. S así que vamos a estar buscando un sombrero alto cerrado o uno que sea bastante corto y ágil Creo que me gustó el sonido del fi de aquí. Sí, está un poco amortiguado, y se está pegando con esa vibra de lo fi que tenemos con esta muestra Así que voy a arrastrar eso y reemplazar el sombrero alto. Y ahora lo que voy a hacer es que voy a pegar mi patrón de tambor en blanco. Uy. Patrón uno. Quiero estar pegando eso Quiero pegar mi patrón de batería en blanco para que pueda construirlo ya que la muestra está sonando, y pueda usar la muestra para informar el ritmo de la batería. Entonces obviamente, antes que nada, vamos a comenzar con una patada en el primer tiempo. Mm hmm. Y lo que podría hacer es asignarle esto a una pista mezcladora y simplemente bajarla un poco para que podamos escuchar lo que estamos haciendo con la batería. Mm hm. Entonces agreguemos tal vez una trampa. Mm, hmm voy a extender esto un poco para que pueda seguir construyendo mi patrón. No me gusta este doble, patada aquí, así que podría intentar algo como esto. A lo mejor voy a repetir el patrón y Ups. Ahora, sí creo que es un poco rápido. Entonces voy a bajar el tempo a tal vez intentemos 80. Y como lo he hecho, ahora necesito asegurarme de que estoy ajustando esto a mi tempo. Entonces originalmente eran 100, y establecí el tempo de mi proyecto en 100. Pero ahora que he cambiado mi tempo, necesito estirar esta muestra y asegurarme de que se ajuste a mi tempo. Así que voy a hacer eso ahora haciendo clic en esta pequeña forma de onda y luego seleccionando fit to tempo y escribiendo en el BPM que era, que era 100 y eso lo estirará hasta el BPM de A lo mejor vamos a ir un poco más rápido. Y ahora solo intentaremos agregar algunos sombreros altos. Así que de nuevo, sólo voy a empezar a escuchar y experimentar. A lo mejor algo así. Y tal vez solo uno más al final ahí solo para mantener el ritmo. Ahora, en esta etapa, podemos experimentar con cosas como el swing. Entonces podríamos usar esta perilla oscilante aquí, lo que agrega, ya sabes, sutiles diferencias de tiempo que pueden hacer que tu ritmo se sienta un poco más orgánico. Por lo general, quieres establecer esto en aproximadamente 30 a 50%. Así que vamos a ver si un surco del 30% funciona con esta muestra. Ahora, creo que suena genial, pero cuando estamos construyendo sobre eso y estamos construyendo sobre la pista, podría cambiarlo. Y de hecho, podría cambiar todo el patrón de la batería. Pero ahora mismo se puede ver que he construido el ritmo de mis tambores alrededor del ritmo del gancho. Más adelante en esta sección, estaremos agregando cosas como percusión y capas extra para hacer que los sombreros y los aplausos suenen realmente gruesos y llenos Por ahora, lo que voy a hacer es pegar mi patrón de batería en toda la muestra, y estaremos refinando esto y cambiándolo y construyendo sobre él a medida que avanza el curso. 6. Cómo añadir capas de sonido de batería y percusión: Entonces, en esta conferencia, vamos a profundizar en el arte de estratificar sonidos de batería Y luego también agregaremos un poco de percusión para elevar el ritmo capas y la percusión son técnicas clave para crear ritmos más intensos y dinámicos Ya sea que estés trabajando en trap, hip hop, house o cualquier otro género, estas habilidades son esenciales para que tu batería destaque y se sienta más viva. Entonces, la estratificación es básicamente el proceso de combinar múltiples sonidos para crear un golpe de batería más rico y complejo Y la razón por la que hacemos esto sería por gordura extra. Ya sabes, combinar diferentes muestras agrega profundidad y plenitud. A lo mejor queremos que la batería tenga carácter. La estratificación te permite mezclar tambres y texturas, dando a tus sonidos de batería un carácter único Entonces, por ejemplo, en este baterista que hemos hecho, realmente tengo ganas de acodar un sonido de trampa más grande y pesado con el último sonido de trampa en el patrón podría darle al beat un poco Entonces lo que voy a hacer es que voy a buscar voy a salir de este pack de muestra, y voy a buscar una muestra más tipo de trampa pesada Así que probemos tal vez algo aquí abajo. Todos son percusión. Así que solo voy a dar vueltas y tratar de encontrar algunas carpetas donde podría tener algunos sonidos de trampa más pesados Trampas. Probemos algunos de estos. A lo mejor usaremos esta trampa 11. Así que voy a arrastrar eso, y lo voy a poner en nuestro rack de canales, y lo voy a poner en capas con el sonido de trampa que ya tenemos B tutto. Y también estoy pensando que el sonido de la trampa general podría tener un poco más de destello o de gama alta Está algo amortiguado un poco, así que voy a intentar tal vez acodar un aplauso Busco un tipo de aplauso más corto que este. A lo mejor algo de esta carpeta comercial de Deep House que tengo golpes de batería aplausos, veamos. Sí, esto es mucho mejor. Sí. Entonces, si colocamos esta palmada siete con esta trampa que tenemos, conseguimos que la batería suene así Mm hmm. Mm hm. Ahora, tocaré el patrón, y silenciaré ambos aplausos solo para que veas que ambos se están uniendo para crear un nuevo tipo de textura y un sonido de aplauso gordo Incluso podríamos ponernos algunos sombreros extra. Entonces echemos un vistazo. Vaya, ¿podemos encontrar algunos sombreros altos? A lo mejor este, este largo podría ser genial, como un poco común, así que tal vez aquí O tal vez hasta aquí. A. Y de nuevo, podríamos construir sobre la textura de este sombrero simplemente poniendo capas otro tipo de corto encima de él, tal vez éste, solo para darle un poco más de chasquido Así que simplemente dibujaremos exactamente el mismo patrón. Simplemente poniendo en capas este nuevo sombrero debajo del viejo que teníamos Entonces ahora vamos a escucharlo en contexto con nuestra muestra. Voy a cambiar al modo canción para que el cabezal de reproducción se reproduzca en la vista de lista de reproducción Y por último, podríamos seguir adelante y podríamos agregar algo de percusión Así que voy a encontrar un buen tipo de sonido de percusión ágil. A lo mejor esto. Creo que este tipo de encaja con la vibra de nuestro patrón de batería. Voy a arrastrar eso y reemplazar la trampa, ya no necesitamos eso. Y luego voy a escuchar, y voy a experimentar con algún tipo diferente de colocaciones para la percusión Entonces tal vez sólo algo realmente simple con la percusión así Ahora bien, de nuevo, esto probablemente va cambiar a medida que construyamos la pista, pero por ahora, creo que es una buena base. Ahora, algo genial que podrías hacer es poner capas a tu batería con algunos sonidos naturales o sonidos de locura. Entonces creo que tengo sonidos de locura en alguna parte. Creo que en realidad podrían estar en esta trampa. A lo mejor vamos a probar Effex. No, tal vez. Sí, estos son una especie de sonidos realistas. Eso suena como una botella. Teclas suena como llaves que se ponen en un bol. Entonces, si tuvieras que poner en capas este interesante tipo de texturas, podrías crear algunos ritmos de batería realmente interesantes. Oh 7. Brujería de alta sombra: En esta conferencia, descubriremos los secretos de la programación de sombreros altos y cómo llevar tus sombreros altos de simples a profesionales Los sombreros altos son uno de los componentes más esenciales de cualquier ritmo, aportando energía, groove y ritmo. Aquí vamos a explorar algunas técnicas avanzadas como reglas, trillizos, manipulación de velocidad y cambio de tono para darle a tus ritmos esa magia extra El hi hat suele marcar el ritmo de la pista, y proporciona un ritmo constante vez que ayuda a impulsar el groove. La forma en que se programan los sombreros hi puede agregar un swing infeccioso o rebotar a tu ritmo. Y también se pueden utilizar para acentuar ciertas partes del beat enfatizando los off beats o creando sincopación Entonces agreguemos algunos rollos de sombrero hi. Lo primero que voy a hacer es que en realidad voy a apagar la función de swing. Es mucho más fácil programar hola en rollos cuando los sombreros hi son algo estáticos como este. Lo siguiente que tenemos que hacer es abrir nuestros altos sombreros en el piano roll. Así que voy a hacer eso ahora. Entonces como pueden ver, aquí están los altos sombreros en el piano roll. Ahora bien, el tuyo probablemente no se verá así. Lo más probable es que el tuyo se vea así, ¿de acuerdo? Donde cada beat solo tiene cuatro pasos, pero necesitamos agregar en más pasos si queremos crear un rollo de hi hat adecuado. Si subes aquí al menú desplegable de ajuste de cuadrícula, generalmente está configurado en línea por defecto, pero voy a establecer el mío en un cuarto de paso Y ahora podemos empezar a hacer un rollo de sombrero hola. Entonces, escuchemos el patrón y veamos dónde podría sonar bien un rollo de Hi Hat. Así que estoy pensando que el primero podría estar en algún lugar por aquí, así que voy a acercarme a eso. Y solemos hacer esto a la mitad. Entonces, si miramos estas dos notas hi hat, voy a agregar una nueva nota de Hi Hat mitad de camino Y luego, de nuevo, voy a dividir estas tres nuevas notas que acabamos de hacer. Entonces voy a agregar uno a mitad de camino ahí y a mitad de camino ahí . Veamos cómo suena eso. Y tal vez en el segundo bar de aquí, podríamos agregar en un rollo de hola sombrero en el mismo lugar. Por lo que es a la mitad del segundo compás del primer compás. Entonces vamos al segundo compás del segundo compás, y vamos a hacer lo mismo. Nos separaremos. Dividiremos las notas que ya están ahí, y veremos cómo suena eso. Y tal vez solo por si acaso, podemos poner otro pequeño rollo de hi hat aquí al final del patrón. Ahora, veamos trillizos. Así que los trillizos pueden dar a tus patrones de sombrero alto un toque más oscilante o jazzy, especie de vibra maravillosa Es un ritmo esencial, y se utiliza a través de géneros como hip hop trap y drum and bass. Un triplete divide el beat en tres partes iguales en lugar de las dos habituales Y en cuatro, cuatro compases, puede crear una especie de tartamudeo o efecto de tropiezo Entonces, antes que nada, voy a escuchar y encontrar un lugar donde creo que un triplete podría funcionar H. Bien, entonces tal vez aquí al final del primer bar, un triplete podría funcionar bastante bien Entonces para esto, necesitamos establecer nuestro snap de cuadrícula en un tercio de un paso. Y sé que esta primera nota hi hat está a la mitad de todo el ritmo Entonces lo que voy a hacer es que voy a eliminar el segundo. Y vamos a dividir esta segunda mitad del ritmo en tres compases iguales, ¿de acuerdo? Entonces, si cuento cada paso individual, tenemos uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, ¿de acuerdo? Y 6/3 es dos. Entonces sé que cada dos necesito ponerme un sombrero. Y esto ahora debería crear un triplete. Así que vamos a escuchar y ver si crea ese tipo de tartamudeo o tropezar sobre sí mismo de tartamudeo o tropezar sobre Y lo que voy a hacer es que solo voy a solo el sombrero en el que estamos trabajando olvidé que habíamos colocado otro sombrero en capas, así que realmente no podemos escuchar lo que estamos haciendo correctamente. Pero solo volvamos a escuchar. A continuación, vamos a ver cómo cambiar las velocidades de estas notas En el piano roll, cada una de estas notas tiene una barra de velocidad debajo, y son bastante simples. Básicamente los arrastras hacia arriba para hacerlos más fuertes o los arrastras hacia abajo para hacerlos más silenciosos. Básicamente, todo lo que vamos a hacer es variar las velocidades a través todas estas notas para intentar que suene un poco más natural y menos estática o robótica Lo que podría hacer es tal vez algo así. Y justo mientras estoy haciendo esto, voy a hablar de rebote por un segundo. Así que el rebote es esencial para crear una especie de surco rítmico que haga que los oyentes sientan que pueden moverse a Y el rebote proviene de una programación un poco poco poco usual. Así que colocando algunos sombreros altos en poco convencional o usando swing como estábamos antes Pero por el momento, mientras miramos las velocidades, intentemos usar las velocidades para acentuar lo poco convencional Y poco común significa literalmente lo que dice. Entonces, ya sabes, así que el inicio de cada latido aquí estaría en el ritmo así. Están todos en el ritmo. Y entonces cualquier cosa en el medio que esté fuera del ritmo. El poco común es exactamente a mitad de camino. Entonces esta de aquí, razón por la que he acentuado eso en la velocidad Así que ahora sigamos alterando nuestras velocidades. Necesito deshacer clic en él. Algo así, quizá. Vamos a darle un poco de impulso a este. Y tal vez con el triplete, debería empezar callado y ponerse un poco más fuerte Y entonces estos solo pueden ser. Y entonces estos pueden ser simplemente un poco silenciosos. A lo mejor vamos a hacer que este próximo papel de hi hat aumente en velocidad. Y este tipo está en lo poco convencional, así que podríamos acentuarlo un poco, y luego podríamos acentuar este y dejar el resto a un volumen semi bajo Veamos cómo suena eso. D. Creo que eso suena bien. Podría simplemente impulsar un poco esta filosofía, y no soy un gran fan de esto, así que solo voy a hacer que tal vez vaya por el camino opuesto donde se vuelve más silencioso D. Lo último que podríamos hacer es variar el tono en nuestro tipo de porciones acentuadas del hi hat, ya sabes, cosas como el papel o los trillizos Entonces lo que podemos hacer aquí es que podemos acercar el zoom. Y digamos que este papel de hi hat baja mientras está jugando. Entonces lo que voy a hacer es voy a destacar esta nota. Y usando Shift y las teclas de flecha, puedo cambiar su tono. Entonces voy a echarlo abajo, y voy a hacer lo mismo para el siguiente. Tira eso abajo, tal vez ahí, y el último tal vez ahí. Veamos cómo suena eso. Uy. Entonces hagamos lo mismo con este hola hat roll. Oh, perdón, uno equivocado. Así. Y también lo moveremos hacia abajo. Así que ahora todos nuestros hola At rollos están lanzando hacia abajo mientras juegan Y solo por el bien de la demostración, podríamos hacer que los trillizos de aquí se alcen. Esto probablemente sea un poco exagerado, pero en realidad solo estoy tratando de mostrar todas las técnicas Así que tomemos la primera nota aquí y solo hagamos un sutil pitch ups para los trillizos Bien, vamos a escuchar esto ahora. Y lo que podemos hacer ahora es que podemos copiar esto. Así que resaltemos eso. Comando C o Control C si estás en Windows. Traeremos de vuelta en nuestro otro sombrero, abriremos el piano roll. Y lo que voy a hacer es eliminar eso, editar, borrar. Y luego pegaré nuestro nuevo patrón de sombrero alto con el cambio de tono y los rollos y las variaciones de velocidad y todo eso. Vamos a escuchar ahora con ambas capas de sombrero alto jugando el mismo nuevo patrón. Y por último, hay una cosa más que quiero hablar en esta conferencia, y que son los sombreros altos poco convencionales Entonces, para realmente conducir a casa un poco de rebote o, ya sabes, para obtener ese toque de hip hop, vamos a agregar un sombrero alto abierto, y jugará en lo poco convencional aquí Así que recuerda, lo poco común es la marca a mitad de camino en un latido. Así que vamos a buscar ahora un buen sonido de sombrero alto abierto. Entonces voy a probar mi carpeta ultimate warehouse techno. Vamos a probar algunos de estos sombreros. Estos son un poco cortos. Estás buscando algo un poco más largo que eso. Bien, sí, es un sombrero abierto, aproximadamente de la longitud de este de sombrero 12. Así que voy a arrastrar eso. Y no voy a abusar de ella. Podría ponerlo una vez aquí al principio. Vamos a escuchar. Quizás aquí también. Ahora bien, no está dando el efecto que estaba buscando, así que sólo voy a ver si puedo encontrar una muestra diferente. A lo mejor éste sólo lo probará. Solo quiero demostrar el poco convencional sombrero alto para rebotar. Entonces escuchemos eso. Y ahora, claro, si te gusta como suena, puedes ponerlo en todos los offbeats para una especie de sonido hip hop o house Pero no soy un gran admirador de eso, así solo lo voy a dejar para que solo haya uno al inicio del patrón. Y escuchemos esto en contexto con nuestra muestra original que estamos usando para el gancho de nuestra caminata. 8. Teoría del groove moderno: colocación de kick y trampa: Bien veamos un concepto simple muy rápido, que es la colocación de patadas y trampas Esta es la piedra angular de la producción beat, ya sea trap, hip hop, house, beats experimentales, dominar estos elementos es clave para crear pistas de sonido profesional Entonces lo que voy a hacer es que voy a desnudarlo hasta lo básico, ¿de acuerdo? Entonces voy a poner la patada en uno y tres, y voy a poner el aplauso en dos y cuatro Ya he cargado aquí un patrón hi hat de octava nota solo para darle algo de contexto al ritmo. Entonces estos son los huesos desnudos de un latido, y va a sonar muy básico y muy robótico. Entonces, una forma de darle vida a esto sería doblar la patada. Así que básicamente puedes agregar una patada extra antes o después de un latido. Entonces, por ejemplo, coloquemos una nueva patada justo antes del tercer latido. O podemos colocarlo justo antes del cuarto compás. Y nuevamente, para fines de demostración, coloquémoslo tal vez después. Entonces coloquemos el doble patada un paso después del cuarto latido. También puedes hacer algunos surcos realmente interesantes si desplazas un poco la trampa Entonces, si trajimos esa segunda trampa hacia adelante y la pusiéramos en lo poco convencional en su lugar, sonaría así Así que el groove se trata de expectativas y sorpresa. Romper un patrón rígido puede crear emoción y movimiento. Entonces, por ejemplo, junto con esta idea de doble patada que tenemos, así que vamos a agregar otro doble patada aquí. También podemos poner patadas en lo poco convencional. Entonces, por ejemplo, pongamos una patada tal vez aquí en el primer poco convencional Y entonces podemos usar cosas como rim shots o percusión o, por ejemplo, la trampa aquí para agregar algunas notas fantasma mucho más sutiles en off beats. Así que las notas fantasma son generalmente sincopadas. Rara vez ocurren en el primer latido. Entonces, por ejemplo, tal vez podríamos usar esta trampa como una nota fantasma para duplicar nuestro aplauso Así que vamos a duplicarlo aquí arriba y tal vez aquí. Y con notas fantasma, están destinadas a ser bastante sutiles. Entonces lo que voy a hacer es que voy a bajar el volumen solo para que sea algo sutil. Incluso puedes usar esas barras de velocidad que vimos en la última conferencia para crear algunas notas fantasma dentro de algunas otras muestras como la patada. Entonces, por ejemplo, si entramos en la patada en el piano roll, y tomamos una de estas patadas dobles, podemos hacerlo para que la patada doble sea una nota fantasma con solo bajar el volumen Solo agreguemos otro por el bien de la demostración. Uy. Entonces todo lo que realmente quiero destacar con esta conferencia es simplemente no caer en una trampa de colocar sus muestras rígidamente en el ritmo Usa cosas como duplicar tus patadas, colocar la patada en el poco convencional, duplicar tu aplauso y tu trampa, y usar notas fantasma de menor y 9. Introducción a las melodías: Ahora nos vamos a centrar en escribir melodías memorables sin necesidad sumergirnos en la teoría musical Entonces, ¿qué hace una buena melodía? Bueno, antes que nada, es pegadizo, así que se pega en la cabeza del oyente. Puede ser emocional donde establece una vibra, ya sabes, oscura, melancólica, edificante Pero las mejores melodías para hacer ritmos son simples. Dejan espacio para la batería y las voces. Una buena melodía a menudo viene del ritmo correcto y de la forma correcta, no solo de las propias notas. Melody se trata tanto de cuándo golpean las notas como de qué notas son. Entonces lo que vamos a hacer es que vamos a empezar con un ritmo sencillo. Entonces voy a configurar un nuevo patrón llamado melodía. Y vamos a cargar en un divertido plug in, tal vez suero. E intentaré cargar una especie de sonido de plomo suave. A lo mejor algo de este banco de sonido comercial Deep House. Veamos aquí. Bien, sigamos con este universo preestablecido por el momento. Entonces ahora voy a pensar rítmicamente. Voy a abrir el rollo de piano, y sólo voy a dibujar en un ritmo. Y podría simplemente cambiar eso una octava con el comando hacia arriba o el control hacia arriba. Entonces lo que buscas aquí es un ritmo corto, una especie de ritmo repetitivo sincopado Ahora bien, para aquellos de ustedes que entienden la teoría musical, este es un gran punto de partida. Ya sabes, si estás en Do menor, puedes empezar a cambiar estas notas a las diferentes notas en Do menor, y puedes crear una especie de melodía agradable. Algo así. Pero sí entiendo que muchos creadores de ritmos no vienen de un fondo de teoría musical. Entonces con FL Studio, voy a mostrarte un truco. Lo que voy a hacer es que voy a volver a mi rack de canales. Voy a cargar en una muestra aleatoria, y la voy a silenciar. Entonces voy a abrir eso en el piano roll. Voy a subir aquí a este pequeño desplegable, y voy a bajar a estampar. Entonces para las melodías, lo que nos interesa aquí son las escalas Estoy seguro de que todos han oído hablar de escalas menores y mayores, pero también hay muchas otras escalas de diferentes culturas de todo el mundo. Y también están estas cosas llamadas modos. Y un modo es básicamente lo que sucede cuando tocas la forma de una escala en una tecla diferente. Entonces, por ejemplo, la clave de Do mayor. Vaya, necesito un instrumento melódico. Entonces con la clave de Do mayor, Son todas las notas blancas. ¿Bien? Entonces me referiría a esto como la forma. Entonces, por ejemplo, tenemos un tono, un tono, un semitono, un tono, un tono, un tono, un semitono No hace falta que te preocupes por eso. Solo concéntrate en el hecho de que la clave de C usa todas las notas blancas. Si tuviera que cambiar esto a A, solo tocando las notas blancas. Ahora obtienes la llave de A menor, que en realidad también se conoce como el modo Eoliano ¿Bien? Entonces, lo que hemos hecho es que hemos tomado todas las teclas blancas de la tecla de C, y las acabamos de cambiar a A. Hemos tocado todas las notas blancas que van de A. Así que si tomamos esa misma idea donde tocamos solo notas blancas, en D, vamos a obtener una nueva escala o modo llamado Dorian Dorian puede sonar un poco melancólico y inquietante. Si hacemos lo mismo ahora para E, obtendremos un modo llamado frigio Y así sucesivamente. Hay modos para todas estas notas, incluyendo Lydian, Mixolydian y Locrian Entonces de todos modos, todo eso es algo irrelevante. Solo quería demostrar la diferencia entre diferentes modos. Pero si volvemos a ese sombrero alto que estábamos usando y subimos a la flecha, podemos estampar en algunos de estos modos. Entonces, por ejemplo, tal vez con el modo Dorian, vamos a estampar eso Voy a arrastrar las notas por toda mi barra. Y luego voy a volver a la melodía en la que estaba trabajando. Recuerda, esto está silenciado. Y cuando volvamos aquí, hay una función en FL Studio donde se pueden ver otras notas en el patrón, ¿de acuerdo? Entonces creo que lo hice antes, pero si no lo hice, el atajo es la opción V o la opción Victor en un Mac o Alt V Alt Victor en un Windows. Ahora, es sólo una octava demasiado alta, así que voy a regresar y moverla hacia abajo. Y voy a reajustar nuestra melodía. Y ahora básicamente tengo un plano para el modo Dorian. Entonces, si quiero crear una melodía genial e interesante en el modo Dorian, todo lo que haría es mover las notas del ritmo que creé anteriormente sobre una de estas notas Entonces, por ejemplo, vamos a tirar esto allá arriba, tal vez allá arriba. Y ya veremos cómo suena eso. Y puedes experimentar con diferentes colocaciones de notas. Y puedes ver instantáneamente que nos ha dado esta vibra realmente genial e interesante, y ahora sería muy fácil ir y construir sobre esto. Vamos solo por el bien de la demostración, hagamos otra. Entonces voy a borrarlos. Voy a estampar. Vamos por algo al azar. Vamos a por tal vez esta escala húngara. Bien, eso es interesante. Veamos cómo suena eso cuando alteramos nuestra melodía para que se ajuste a la escala húngara. Sólo necesito estirar estas notas. Así que vamos a arrastrar estos por ahí. Y ya veremos cómo suena esto. No soy un gran admirador de esta nota, así que podría simplemente cambiar eso hacia arriba. Eso es algo oscuro y siniestro y un poco disonante y espeluznante. Pero muy rápido, de nuevo, he creado una vibra completamente diferente. Ahora lo siguiente de lo que voy a hablar es de contorno. contorno es básicamente la forma de tu melodía, ya sea que las notas suban, bajen o se mantengan estables. Básicamente, con esto, si te puedes imaginar trazar una línea entre las notas de tu melodía, no debería haber ningún salto extremo. ¿Bien? Debería ser un poco suave, así que estamos subiendo, subimos, estamos cayendo, retrocediendo, arriba, un pequeño paso hacia abajo, saltamos arriba y luego volvemos a caer. Entonces básicamente, todo lo que tienes que hacer es mantener el contorno de tu melodía consistente. Entonces lo que no quieres es, ya sabes, un gran salto como este, un gran salto hacia abajo, otro salto. A lo mejor nos quedamos con esto y tal vez saltemos aquí arriba. Esto va a sonar un poco por todo el lugar y simplemente no juntos. Quiero decir, es genial. Es interesante. Es diferente. Y nuevamente, la música, no hay manera correcta de hacer las cosas, pero el contorno de melodía es bastante importante. Entonces, una forma de arreglar esto podría ser que pudiéramos mantener este salto al principio. Pero en lugar de volver a saltar hacia abajo, podríamos bajar un poquito, y entonces tal vez seguiremos cayendo a esta nota aquí. Y luego porque tenemos un gran salto aquí arriba, tal vez intentemos romper eso, ya sabes, agregando en esta nota aquí. Y entonces este es un salto bastante grande otra vez. Así que tal vez sólo voy a colocar esa nota ahí. Y deberías ver ahora que hay un bonito tipo de contorno suave entre todas las notas. Ahora bien, ignorando el hecho de que esta escala es bastante disonante y bastante espeluznante y espeluznante en sí misma, si puedes superar ese hecho, posible que oigas que la melodía es un poco más consistente y tiene un poco más de flujo hacia ella porque el contorno es Y quiero decir, esta es una melodía bastante lúdica. Todas las notas son cortas. Pero si quisieras algo alargar eso, tal vez hazlo 2 barras. Lo que podríamos hacer es, sólo voy a cambiar esta escala porque no soy un gran fan de ella, así que voy a volver a Dorian Vamos a cargar eso en. Voy a atraparlo para las 2 barras. Y muy rápido, vamos a crear un nuevo ritmo. Eso es un poco más lento. ¡Vaya! A lo mejor algo sencillo así. Y lo que podemos hacer es alargar las notas. ¡Vaya! Algo así. Y ahora podemos arrastrarlos a este tipo de notas resaltadas, ¿de acuerdo? Así que de nuevo, manteniendo la idea de contorno. Y con esto, me lleva a mi siguiente punto, que es usar notas fantasma en melodías Entonces ya hemos mirado notas fantasma, y básicamente, todo lo que vamos a hacer es quizás agregar pequeñas notas pequeñas. Así. Vaya, así Eso podría ser un poco más tranquilo para romper la monotonía de estas notas más largas Entonces tal vez agreguemos un pequeño paso aquí abajo y veamos cómo suena eso. Entonces básicamente, si no conoces la teoría musical, FL Studio está realmente apilado con sus herramientas a la hora de crear melodías Si entiendes la teoría musical, voy a suponer que puedes tararear melodías en tu cabeza y, ya sabes, sabes lo que estás mirando , y sabes lo que buscas Pero para aquellos de ustedes que realmente no lo entienden, esta es la forma en que yo iría. 10. Emoción en la armonía: cómo crear acordes: Bien, entonces ahora nos vamos a centrar en cómo elaborar acordes que realcen tu melodía y trabajen rítmicamente Así que olvídate de la teoría musical rígida, nos vamos a centrar en técnicas prácticas basadas en el sentimiento usando herramientas de FL Studios y enfoques creativos. Por lo que los acordes en la fabricación de ritmos sirven como base de la pista Apoya la melodía y establece el tono emocional. buenos acordes pueden complementar tu melodía, agregar riqueza y profundidad y groove con el ritmo de tus tambores Así que estoy de vuelta en mi proyecto aquí. Y lo que hice fue intentar copiar la melodía de esta muestra vocal. Traté de hacer eso con un sintetizador. Y acabo de agregar un poco de desvanecimiento rápido al final de la muestra, para que pueda desvanecerse a medida que la melodía del sintetizador se desvanece, y luego se construirá hacia este tipo de sección de coro Entonces, honestamente, sin usar teoría musical, la forma más fácil de encontrar en qué clave está una melodía es preguntarle a ChatBT Entonces ya lo tengo abierto. Uy. ¿Puedo abrir ambos al mismo tiempo? No lo sé. A lo mejor si hago esto, sí. Bien, entonces tengo abierto a Chachi PT, y sólo voy a preguntarlo. A ver. En qué clave está esta melodía. Y ahora le voy a decir qué notas estamos usando. Entonces tenemos E, F, está escrito en la nota, G A F, F, A F. 1 barra probablemente sea suficiente para darle una idea. Entonces pongamos eso. Entonces Cha CIBT piensa que esta melodía está en fa mayor. Así que voy a volver a mi proyecto, y solo voy a tocar la melodía, y voy a tocar la nota de F y C, ¿eso me suena bien? Sí, eso probablemente suena bien. Sin embargo, con la mayoría de los géneros de beat making, suelen estar en clave menor. Entonces Chachi BT ha dicho que aquí estamos en mayor. Dice que estamos en fa mayor, pero la buena noticia es que podemos usar el relativo menor de F mayor, y seguirá sonando igual de bien. Entonces, por el bien de la discusión, tal vez tú mismo hiciste una melodía y Chachi BT dijo que estaba en clave menor. Eso está perfectamente bien. Simplemente puedes seguir adelante. Pero si Chachi BT dice que tu melodía es probable en mayor, entonces podemos usar el relativo menor Entonces, si no sabes qué es eso, nuevamente, una pequeña búsqueda rápida en Google te dirá exactamente qué es. Pero no necesito hacer eso porque sé que el relativo menor de F mayor es D menor. Entonces ahora vamos a comprobar cuando tengo el nodo de D. ¿Eso suena tan bien como F? Sí, eso me suena igual de bien, pero el tono es un poco más oscuro porque ahora estamos en clave menor. Entonces ahora que sabemos que estamos en la clave de D menor, sigamos adelante y estampemos esa escala en nuestro fondo tipo de notas fantasma. Sello, uno de estos ya sea melódico menor o menor natural Yo personalmente prefiero los sonidos melódicos menores, así que sólo voy a estampar ese en mí mismo Y vamos a sacar esas notas. A continuación, vamos a crear un nuevo patrón llamado acordes. Y tal vez solo agreguemos algún tipo de piano. Ahora, debido a que me he movido a un patrón diferente, en realidad he perdido mis notas fantasma, así que solo voy a estamparlas de nuevo y estampar menor en D. Y luego vamos a regresar a nuestro piano. Y podemos empezar a crear nuestros acordes. Entonces lo que voy a hacer es que en realidad voy a pegar los acordes debajo la melodía como lo hemos estado haciendo antes, y solo voy a eliminar estas notas porque en realidad no las necesitamos Voy a solo la melodía haciendo clic derecho en esta luz verde. Y entonces también voy a encender mis acordes con solo hacer clic en esta luz verde Y luego si vengo aquí a los números de barra, puedo hacer clic derecho y arrastrar para crear un bucle. Entonces ahora, cuando golpee play en Song view, va a seguir haciendo un lazo esta sección para que pueda escuchar mi melodía, y pueda tocar con algunos acordes diferentes Entonces por ahora, Ups, debería estar en mis acordes Entonces, por ahora, todo lo que tenemos que hacer es tal vez intentar agregar algún tipo de notas graves que creemos que podrían funcionar. Así que vamos a ver, estamos un poco demasiado altos. Yo sólo voy a echarles abajo. A lo mejor vamos a bajar otra vez. Sí, ahora estamos en la parte de bajo del piano. Entonces usando nuestras notas fantasma, voy a poner primero la nota raíz, que es D, y veremos paradero en la melodía, queremos agregar otro acorde nuevo Entonces tal vez podríamos agregar otra especie de acorde aquí a mitad de camino a través del primer compás Entonces, si acorto esto, y básicamente elegiremos una de estas notas fantasma, tal vez probemos esta Um, a lo mejor vamos a probar esta. ¿Y éste? Y porque estamos en la escala, porque estampamos en nuestra escala menor, deberíamos poder simplemente colocar cualquier tipo de nota que queramos, y debería funcionar el 90% del tiempo. Probemos esto. Y no siempre hay que empezar por la nota raíz. Puedes comenzar con una nota diferente, tal vez esta, pero tienes que asegurarte de que siempre tienes la nota raíz ahí en alguna parte. ¿Bien? Entonces por el momento, no tenemos F, A, E y G, y D es nuestro nodo raíz. No tenemos D. Esto va a hacer que el acorde suene como si no tuvieran un hogar. No tienen adónde ir. Siempre es querer volver a esa nota raíz. Y esta nota raíz puede estar en cualquier lugar. Puede ser al final. A lo mejor intentaremos algo como no lo sé. Así que para mí ahora, solo voy a añadir en los acordes que en realidad creo que suenan mejor con esta melodía, y son si bemol aquí o A sharp, como dice FL Studio, C, D, y creo que G o no, tal vez A. Y quiero que estos sean un poco escalonando a esa nota raíz Sí, son el tipo de acordes que voy a buscar con esta melodía Ahora bien, por qué elijo estos acordes es porque bueno, básicamente, cuando tocaba la melodía, estaba tarareando estos acordes junto con Y eso es algo que tú también puedes hacer. Si tienes esa capacidad de tararear junto con la melodía, entonces puedes tararear tu línea de base y luego encontrar qué notas coinciden con esa línea de base que estás tarareando esa línea de base que estás Y además, solo por años de experiencia, sé qué acordes funcionan para ciertas claves y qué acordes me gustan y qué acordes siempre termino volviendo Entonces para ustedes, es posible que estén en esa etapa ya donde llevan un tiempo produciendo y también pueden escoger acordes que más les gusten en función de la experiencia Pero algunos de ustedes pueden ser principiantes, y si eres principiante, recomiendo este método con la escala. Y ahora vamos a usar de nuevo la magia de FL Studios. Vamos a volver a subir a la función de sello, y vamos a estampar en acordes Ahora bien, hay dos tipos principales de tonalidad con acordes Hay tonalidad mayor y tonalidad menor. Entonces, si vienes y estampas un acorde aquí, digamos, reemplazamos esa A aguda por una cuerda afilada A, tal vez no suene demasiado bien. Quiero decir, eso en realidad suena bastante mal porque está chocando Pero sabes por jugar por aquí arriba con la escala que la A aguda, que es también esta nota está en la clave. Entonces tal vez lo que elegimos, que era un acorde menor simplemente no es el tipo correcto de tonalidad. Entonces lo que voy a hacer es que voy a volver a mi sello. Y, bien, entonces menor no funciona. El otro tipo de tonalidad es mayor. Entonces probemos ahí un acorde mayor en su lugar. Bien, sólo voy a cambiar todo por un segundo solo para destacar realmente esto. Entonces así es como suena major. Pero por ejemplo, de nuevo, sólo voy a volver a estampar en esa tonalidad menor Nuevamente, el acorde menor choca cuando el acorde mayor no era otra forma de estar muerto seguro es comprobar si las notas en el cordón que acabas de estampar también coinciden con las notas de la escala ¿Bien? Así que un agudo aquí, podemos ver todavía, que coincide. C agudo, por otro lado, es esta nota, y esa no está en la escala, ¿de acuerdo? Entonces de ahí es probablemente de donde viene el tipo de disonancia chocante Entonces lo sé, bien, esto obviamente no está funcionando. Así que volveremos a estampar en ese cordón mayor en su lugar. Y vamos a intentar lo mismo con la C. Así que vamos a subir aquí y estampar, por ejemplo, tal vez una novena menor, y vamos a poner eso con el C. Así que este es un cordón bastante grande y jazzy Pero vamos a comprobar si creemos que podría encajar. Entonces tenemos una C, que sí está en nuestra escala. Tenemos una D aguda, que no está en nuestra escala, ¿de acuerdo? Tenemos una G, que es una A aguda, que es, y una D que es Esta D aguda no está en nuestra escala. Entonces no creo que este cable vaya a sonar demasiado bien. Cambiémoslo por un acorde mayor. Así que volvamos a nuestro sello. Y habíamos estampado en una novena menor. Entonces probemos el séptimo mayor, y pondremos eso en el C. Otra vez, eso no suena muy bien porque esa nota B aquí arriba no está en nuestra escala. Entonces, tal vez esto sea demasiado elegante para ese acorde en particular y deberíamos volver a solo el buen viejo mayor. Otra vez, intentemos con la D. Vamos a estampar en tal vez un séptimo menor. ¿Va a encajar? Bueno, vamos a comprobarlo. Tenemos una D. Tenemos una F. Sí. Tenemos una A. Sí. Y tenemos una C. Sí. Bien, entonces este cable probablemente va a sonar bien. Sí, eso me suena bien. Y entonces para este último señor, ¿por qué no probamos el mismo? Intentaremos un séptimo menor porque eso sonó bastante bien en la D. Así que vamos a echar un séptimo menor aquí en nuestra F, y solo voy a lanzar eso abajo para que podamos echar un vistazo ¿Hay alguna nota aquí que no esté en nuestra escala? Bueno, la hay. Hay dos, en realidad. Aquí hay G sharp. Eso no está en nuestra escala, y aquí hay D sharp, que no está en nuestra escala. Entonces no creo que este cable vaya a sonar muy bien. Pero sé que el nodo de F sí suena bien, así que me voy a quedar con el nodo de F. voy a estampar en la tonalidad opuesta de un menor, que es un mayor Entonces vamos por un séptimo mayor en esa F. Vamos a ver. ¿ Creemos que va a funcionar? Tenemos una F, A, una C y una E. Bueno, tenemos una F, sí, una A. Sí, una C. Sí, eso está en nuestra escala y una E. Sí, eso está en nuestra escala, también. Entonces creo que este acorde va a sonar bien. Oh, lo siguiente que vamos a ver aquí son las inversiones Y la inversión es sólo una forma elegante de decir: Vamos a extender las notas de este acorde Entonces por el momento, se puede ver cuando destaco una de las notas que todas iluminan. Y esto es porque están agrupados, están agrupados porque los estampamos. Pero si queremos desagruparlos, podemos destacar y llegar a este eslabón de la cadena, y simplemente apagamos eso. Entonces ahora deberíamos poder editar cada una de estas notas de manera individual, que somos. Entonces lo que voy a hacer para crear una inversión es que voy a tomar tal vez la D, y voy a moverla hasta la D aquí arriba A lo mejor voy a tomar la E, y voy a hacer lo mismo. Y supongo que seguiremos haciendo lo que estamos haciendo, así que tomaremos la segunda nota del acorde y la moveremos arriba a su contraparte superior. Entonces movamos esa F a esta F, y luego moveremos esta A, tal vez hasta esa A. Y las inversiones son una excelente manera de obtener un sonido realmente, muy grande y abierto, ¿de acuerdo? Entonces antes cuando todas las notas estaban aquí abajo, los cordones sonaban un poco apretados y compactos Pero al mover todas esas notas a sus contrapartes superiores, podemos hacer que los acordes sean mucho más abiertos y llenos Y el último aspecto de construir acordes consiste en tratar de encajarlos alrededor de la batería Entonces voy a destacar todos estos acordes que acabamos de hacer, y voy a hacerlos todos realmente cortos para que podamos sacar un buen ritmo Entonces si vuelvo a mi vista de lista de reproducción y esta vez mudo la melodía, para que solo tengamos la batería tocando con los acordes Entonces lo que voy a hacer ahora es simplemente sacar un ritmo con los acordes que creo que se ajustan a la batería Entonces, escuchemos un poco. Entonces porque la patada aquí aterriza un poco temprano, creo que deberíamos cambiar los acordes para que coincidan con la patada, y solo te mostraré a lo que me refiero Entonces en el patrón de tambor, la patada aquí está aterrizando antes del latido de la barra. Y también pasa aquí. Las dos patadas están aterrizando antes del latido de la barra. Ahora bien, estas patadas técnicamente deberían estar en el ritmo, lo que sonaría así Pero recuerden, desde antes cuando estábamos construyendo tambores, podemos cambiar estas patadas juntas para crear patadas dobles Y si también los alejamos de ese primer ritmo, podemos crear una buena sensación de groove o rebote. Pero por eso, creo estos cordones deberían desplazarse hacia adelante para aterrizar también cuando esos dos dobles patadas estén aterrizando Entonces esos son estos dos tipos de aquí. Entonces, ahora este paso se convierte en el nuevo para nuestros nuevos acordes, el nuevo tipo de lugar donde se supone que deben comenzar estos acordes Así que ahora intentemos construir un ritmo para ellos. Tal vez algo así, y simplemente copiaremos estas otras notas para hacer acordes completos como este Y entonces lo que podemos hacer es que podemos rellenar el espacio intermedio simplemente arrastrando las notas así Frank esta fuera, también. Y algo que estoy haciendo aquí dejando un poco de espacio entre algunas de las notas más cortas, me olvidé de este acorde de aquí. Pero sí, dejar un poco de espacio después de este tipo de acordes más cortos creará un poco extra de rebote porque estás usando ese silencio como una especie de tartamudeo o efecto de disparo. Vamos a escuchar ahora. Y por todos los medios, tal vez no te guste el sonido de eso. Entonces solo quieres apretarlos a todos. Eso también está perfectamente bien. Lo que suene bien es bueno. Vamos a traer también nuestra melodía. O. Simplemente muy rápido para resaltar algunas otras técnicas que puedes hacer es, por ejemplo, digamos, tu acorde lo siento, tu patrón de acordes se dobla así. Hay otro duplicado de los acordes. Lo que puedes hacer para crear un poco de interés es quizás cambiar uno de estos acordes para que sea ligeramente diferente al de la primera mitad, o puedes reordenar algunos de Entonces, por ejemplo, tal vez tomemos este acorde F y lo reordenemos con este Dcord aquí Y sólo tendremos que fijar el ritmo Ups. Solo quiero destacar esto. Y viene aquí Ops a mitad de camino. Y éste necesita ser acortado. Entonces ahora el ritmo de esto coincide con el ritmo de estos. Pero el orden, entonces D y F se intercambian alrededor de F y D. Y de nuevo, algunos ajustes adicionales que podrías hacer es, ajustar la velocidad aquí, hacer que los cordones se sientan un poco más naturales, ya sabes, simplemente dibujando diferentes tipos de velocidades Y si realmente quieres ser detallado, puedes comenzar a ajustar puedes comenzar a ajustar las velocidades de cada nota individual en el cordón así O puedes agregar cosas como pasar acordes. Entonces, por ejemplo, aquí, donde nuestro patrón de acordes empieza a reiniciarse, está saltando hacia abajo de F a A agudo. Podríamos simplemente agregar un pequeño acorde de un paso hacia abajo así podríamos decir que queremos volver a usar esa D, copiaremos este acorde D sobre. Y vamos a hacer esto un poco más tranquilo como las notas fantasma. Y ahora has agregado un ord que pasa donde la F baja a D muy rápido y luego vuelve a bajar a la A aguda. Eso podría ser un poco demasiado rápido. Sólo Uy. Simplemente arrástralo por aquí. 11. Rellenado de espacios con Arps y almohadillas: Entonces ahora vamos a sumergirnos en arpegios y almohadillas. Estas son herramientas clave para llenar el espacio en tus ritmos manteniendo la claridad. Estos elementos aportan profundidad, movimiento y atmósfera a tus pistas sin abrumar la mezcla. Así que los arps pueden agregar ritmo y movimientos intrincados, como que tejen a través del ritmo, mientras que los pads pueden crear un telón de fondo exuberante y atmosférico que llena el espacio Sonic El objetivo aquí es llenar vacíos intencionalmente sin competir con la melodía principal o la batería. Así que voy a subir aquí y voy a crear un nuevo patrón, y vamos a renombrar ese patrón. Rp. Y luego voy a cargar un sintetizador, así que tomaremos suero Y estamos buscando tipo corto de sonidos o enchufes. A lo mejor encontremos algo en esta carpeta de techno melódico. Bien, tomemos uno de estos enchufes. Vamos a probar este enchufe claro. Entonces la primera forma de hacer un arp es abriremos el piano roll, y desde aquí, podemos estampar en los acordes que teníamos antes Ahora bien, si recordamos, eran un agudo en una tonalidad mayor C en necesito volver atrás y conseguir mi sello mayor Entonces estamparemos en C en una tonalidad mayor. Entonces tuvimos la nota raíz, que era D, y sé que esa es una tonalidad menor porque estamos en la clave de D menor Vamos a ir a eso. Y entonces creo que fue F en una tonalidad mayor Sí, eso suena bien. Ahora, sólo voy a comprobar el ritmo porque recuerdo de antes de que cambiáramos el ritmo aquí. Y como pueden ver, con los acordes de piano, en realidad están entrando antes que nuestros acordes arp Entonces tenemos que arreglarlo. Tenemos que asegurarnos de que todo esté en fila. Entonces movamos los acordes arp para que coincidan con los acordes de piano Y luego regresaremos y solo echaremos un vistazo. Sí, eso me parece correcto. Y luego, si recuerdas de antes, también volteamos los dos últimos acordes. Entonces, volvamos a hacerlo para que nuestro arp coincida con nuestros acordes de piano Así que muy rápido, vamos a darle la vuelta a estos . Y ahí vamos. Entonces ahora, antes de ir más lejos, solo quiero hablar de lo que es realmente un arp o un arpegio Entonces un arpegio o arp es solo una palabra elegante para un Entonces básicamente, tomarías tu cordón aquí. Y lo que harías es dividirlo en pequeñas notas individuales subiendo y bajando. Esto sería un rp. Sin embargo, FL Studio está lleno de pequeñas sorpresas mágicas. Entonces, si destacamos todas estas notas, Ups. Déjame subir aquí a las herramientas. Se puede ver que a la mitad de este menú, hay una herramienta llamada arpegiato Y eso trae aquí esta ventana. Y con esto, hay algunas opciones diferentes, ¿de acuerdo? Hay patrón aquí en la parte superior, que básicamente abre una carpeta, y te permite elegir entre todos los diferentes arpegios preestablecidos preestablecidos que vienen con el software Puedes usar este menú desplegable aquí para voltear las notas o alternarlas de un lado a otro. Por aquí con la multiplicación del tiempo, puedes estirar las notas para crear algunos ritmos interesantes o algunos arps realmente rápidos Puedes establecer un rango para qué tan alto quieres que lleguen los arps. Puede usar la función de sincronización para cambiar cuando el bucle del arpegiador Y entonces puedes jugar con cosas como velocidad y pan y soltar y todo ese tipo de cosas. Pero por el momento, vamos a ver cómo suena esto. Deshagamos eso y echemos un vistazo a un tipo diferente de patrón que podríamos usar. Entonces entraremos en el arpegiador y luego tal vez busquemos un preset divertido que venga con Vamos a probar una de estas tres notas tal vez. Vamos a darle más alcance. Digamos que tal vez dos octavas. Veamos cómo suena eso. Entonces con arps, probablemente los vas a usar moderación como una especie de elemento de fondo Están acostumbrados a añadir ritmo sin distraer la melodía principal Entonces donde los tengo aquí probablemente no va a funcionar porque están tocando al mismo tiempo que la idea principal o la melodía principal de la pista. Entonces, si lo tocamos ahora, probablemente va a sonar un poco desordenado y un poco desorganizado Mm. Entonces estos dos elementos, la melodía y el arp en realidad están luchando por tu atención Pero la forma en que me imagino que va esta pista es que esta de aquí será una especie de sección de coro Entonces tendremos nuestra pequeña introducción con la muestra en la que estamos trabajando La melodía principal se desvanecerá en cierto modo. Nos golpearán con un coro realmente construido para estos 4 compases, y luego nos dirigiremos a algún tipo de sección de verso Entonces creo que para mí, el arp probablemente debería estar en algún lugar por aquí A continuación, vamos a crear una plataforma para la profundidad y la atmósfera. Así que de nuevo, vamos a subir por la parte superior, y vamos a encontrar el siguiente vacío y crear un nuevo patrón de pad. Entonces, una vez más, vamos a cargar un sintetizador. Y con esto, estamos buscando algo tipo de suave y ambiente. Vamos a tratar de encontrar un buen sonido pad. Entonces creo que había muchos pads en esta carpeta de techno melódico Así que vamos a echar un vistazo aquí. Bien, y lo que vamos a hacer con los pads es que vamos a dibujar en las cuerdas de nuestra pista. Entonces tenemos A sharp up hasta el último paso del segundo latido. Y luego por aquí, tenemos C. Entonces tenemos nuestra raíz no D, hasta el último paso del segundo latido. Y luego tenemos a F. Ups. Ups Entonces con esto, quizá dibuje algunas quintas. Y si quieres una manera rápida de encontrar el quinto, solo cuenta siete notas arriba. Entonces tenemos uno, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete. Para que ahí estaría nuestro quinto. Y a partir de aquí, podría hacer algo un poco interesante. Entonces estoy pensando que puedo alternar entre estas dos notas aquí y luego aterrizar en esta otra vez al final del patrón. Entonces, si acabo de dibujar eso, suena así. Y todos los demás acordes tienen tres notas. Entonces voy a copiar esto y solo bajarlo una octava para darle a este cordón tres notas también Y luego podemos traer estas almohadillas de vuelta a nuestro arreglo aquí y ponerlas en capas y ver cómo suena. Ahora, idealmente, en la mezcla, realidad serían mucho más silenciosos Así que solo están destinados a estar llenando un poco de espacio de fondo. Y olvidé que tengo que dibujar en la segunda parte del patrón donde volteamos estos dos cordones. Estas son almohadillas cordales, pero hay otro truco que podrías hacer donde las almohadillas en realidad no siguen las cuerdas en absoluto Entonces, por ejemplo, con esa pequeña idea de nodo alternante que tenía antes, podríamos borrar los cordones y simplemente mantener esa pequeña idea de nodo alternante. Vea cómo está llenando sutilmente el espacio en el fondo. O puedes hacer algo llamado nota de pedal, donde si entramos en nuestros pads, y básicamente nos encontramos con eliminar todas las notas y simplemente sostener la nota raíz. Entonces la nota raíz de esta pista es D porque estamos en la clave de D menor. Y entonces solo dejarías que tu libreta sostenga esta nota sólida en el fondo. Pero para mí, creo que preferí la idea de nota alterna. 12. Contramelodías: Bien, veamos las melodías de contador. Esta es una técnica genial para que tus ritmos se sientan más llenos, más dinámicos y más interesantes Una melodía de contador es una melodía secundaria que complementa e interactúa con la melodía principal No supera la melodía principal, sino que la potencia, creando una textura musical más compleja y atractiva Por lo que algunas de las características clave de una buena melodía de contador incluyen el soporte. Entonces agrega profundidad, pero no se apodera de la pista. Es rítmicamente complementario, por lo que podría llenar algunos espacios vacíos o tal vez si tu melodía está bastante ocupada, solo copia el También debe trabajar en armonía con la melodía principal, a menudo usando la misma escala o clave. Pero es lo suficientemente diferente de la melodía principal como para crear interés, pero no tan contrastante como para que se sienta fuera de lugar. Entonces para hacer una contramelodía, voy a abrir mi melodía original, y voy a clonar ese patrón. Entonces voy a abrir un nuevo sintetizador. Y tal vez escoja algún tipo de desplumado. A ver. Yo sólo voy a elegir uno al azar aquí. Entonces lo que voy a hacer, antes que nada, es que voy a copiar la melodía original, y voy a traer eso a mi nuevo sintetizador Entonces porque es una contramelodía, en realidad la voy a lanzar por encima de la melodía principal. Ahora bien, en esta pista, el ritmo de mi melodía está bastante ocupado. Están pasando muchas cosas. Entonces pienso para mi contramelodía, sólo voy a imitar el mismo ritmo Y una vez más, voy a necesitar mi sello de escala para que pueda ver en qué clave estoy y qué notas debería estar usando. Entonces voy a llegar a mi instrumento silenciado para poder estampar algunas notas fantasma para la escala Entonces estamos en re menor. Y voy a estampar esas notas ahí dentro, y luego podremos volver a nuestro nuevo instrumento de contador de melodía, y podemos usar estas notas de la escala para dibujar en una melodía de contador. Empecemos a hacer eso. Arrastremos estas notas a diferentes posiciones. No obstante, todavía tenemos que recordar el contorno, por lo que el contramlodio no puede estar saltando por todas partes Todavía tiene que tener un contorno suave. Quizá cambiemos esta nota. Empecemos a subir ya la melodía del contador. Y entonces tal vez hagamos algo como esto. Y veamos cómo suena esto. Podría bajarlo solo para que podamos escucharlo mejor. Y si traemos eso en contexto, probablemente sería algo en la segunda mitad de este coro cuando la melodía original se toca algunas veces , ya sabes, la gente la ha escuchado Se han acostumbrado a ello, y entonces podemos traer algo nuevo. 13. Elección y capas de sonidos: Ahora vamos a ver uno de los aspectos más cruciales de la producción musical, y eso es elegir y estratificar sonidos Por lo tanto, entender cómo seleccionar los sonidos adecuados y ponerlos en capas correctamente es esencial para crear una pista de sonido rica, dinámica y profesional Entonces, la razón por la que es posible que desee aplicar capas es para la textura y la profundidad. Ya sabes, la estratificación crea un sonido más completo y complejo que engancha al oyente y agrega mucha profundidad o gordura También le da a tu pista un poco de variedad y asegura que no sea demasiado repetitiva y que siempre se sienta fresca Entonces a la hora de elegir el sonido adecuado para tu pista, primero que nada, tienes que mirar el estado de ánimo y el género. Entonces, cada género y cada pista va a tener un estado de ánimo específico o un tipo de vibra, y tu elección de sonido debería reflejar eso. Entonces, por ejemplo, en un ritmo de trampa oscuro y atmosférico, podrías elegir pads profundos y quizás algunas teclas suaves Pero entonces para una especie de pista melódica más optimista, tal vez como la que estamos trabajando en este momento, podrías optar por sonidos más brillantes y Una de las mejores cosas que puedes hacer es escuchar pistas de referencia en tu género. Entonces esto te ayudará a entender qué tipo de sonidos funcionan mejor en ese contexto. También hay que pensar en dónde encaja la capa en el espectro de frecuencias. ¿Tiene principalmente frecuencias bajas? ¿Es principalmente un instrumento de base media o se compone más de frecuencias altas? Se quiere evitar tener demasiados sonidos en el mismo rango de frecuencias. Entonces, por ejemplo, cuando vengamos a capas nuestros acordes de piano aquí, probablemente voy a elegir una capa que complemente al piano, que probablemente sería una especie de instrumento medio bajo, y entonces podría elegir uno que tenga más frecuencias altas para redondear el sonido y darle una sensación mucho más plena Entonces un aspecto muy importante es la textura y la tambre. Así que la tambre o la calidad de tono de un sonido pueden jugar un papel importante en la forma en que encaja en la pista general Entonces, usar una especie de almohadilla de sintetizador cálido como capa creará una textura de fondo suave, mientras que usar un desplumado agudo podría crear un poco de contraste y hacer que ese instrumento se destaque En última instancia, simplemente recorra y ve qué suena mejor. Entonces comencemos a estratificar estos acordes aquí. Por el momento, solo tocaré primero la pista, en realidad, solo para escuchar cómo suena de antemano. Entonces por el momento, es bastante escaso. Solo tenemos un instrumento tocando la melodía y un instrumento tocando los acordes. La pista no va a sonar tan llena. Entonces voy a ponerme a trabajar ahora acodando estos acordes. Entonces lo que quiero hacer es traer un nuevo sintetizador, y esta se convertirá en nuestra primera capa También voy a enseguida, simplemente copiar estos acordes y pegarlos en nuestro nuevo sintetizador porque no estamos interesados en Ya lo hemos hecho. Ahora llegamos a escucharlo. Entonces, debido a que el patrón de piano que estamos usando es un poco jazzy, creo que voy a ir con algún tipo cálido de teclas que suenan jazzy Entonces voy a buscar un banco de sonidos que tenga que pueda funcionar. Um, tal vez este paquete de llaves somáticas estaría bien. Así que vamos a cargar el primero, y vamos a recorrerlo. Tendremos una escucha de lo que suena en capas sobre el piano. Bien, así que al instante es un poco demasiado ruidoso. Sobod va a bajarlo para que podamos escuchar ambos mezclados Ahora bien, este sería un sonido bastante agudo. Tiene un poco de puñetazo transitorio al inicio de cada nota. Entonces es hacer que las llaves destaquen un poco más. Les está dando un poco más de impacto. Sigamos en bicicleta y solo escuchemos algunos presets diferentes Este preset en particular, no creo que funcione con el piano en absoluto. Creo que es una especie de distracción, y no es agregar nada a la textura original del piano o al sonido de piano que tenemos. Así que sigamos adelante. Otra vez, no es un gran fan de eso. Busco algo cálido para ponerme debajo. A lo mejor esto. Eso es bastante agradable. Ahí. Creo que eso es encantador. Entonces este preset es acodado con el piano. No le está quitando, pero realmente está agregando algo cálido. Realmente es agregar una textura extra que no obtendríamos solo con el piano solo. Ahora bien, ambos juntos son bastante suaves. No hay mucha información de alta frecuencia proveniente del piano que hemos diseñado aquí. Y este sonido en particular es una especie de foco medio principalmente bajo. Entonces creo que deberíamos agregar otra capa que esté más enfocada las frecuencias altas para que complemente esta capa y también ojalá complemente el piano. Así que vamos por un segundo, vamos a clonar esto. Y voy a hacer lo mismo, copiar el patrón. Pero pégalo, y vamos a tener una escucha, vamos a tener un ciclo a través y ver qué tercera capa podemos poner en capa con nuestro piano y nuestro otro sintetizador y ver cuál suena mejor Ahora, eso es lindo. Tiene algunas frecuencias altas, pero es un poco demasiado agudo. Busco sonidos más suaves y cálidos. Bastante genial para algún impacto, pero de nuevo, no por lo que voy a buscar. Eso es demasiado excitado. Busco más meloso Entonces ahora, creo que este sonido en particular está sumando esas altas frecuencias que faltaban, pero no está tomando el relevo y no lo está haciendo demasiado excitado ni impactante. Solo quiero que los acordes de momento sean un poco más suaves y algo escalofriantes de fondo mejor como venimos a arreglar la pista, habrá una sección donde quería estar muy emocionada, y podría ponerle capa a otro sintetizador que tenga más emoción y tal vez como una supersa o algo así solo para darle un poco más Pero por el momento, esto es exactamente lo que busco con mis llaves. Vamos a escucharlo en contexto con la pista. Y simplemente silenciaré las capas mientras jugamos para que oigan la diferencia. Uy. Entonces espero que puedan ver que todas estas tres capas, incluyendo el piano, todas se combinan para crear un instrumento que suena como que tiene muchas texturas diferentes y es bastante interesante y agradable de escuchar. También está agregando una buena cantidad de profundidad al piano. Lo está haciendo más grueso y suena más lleno. Así que así, podemos hacer lo mismo con nuestra melodía. Así que vamos a tomar eso y vamos a tener una escucha. Y otra vez, sólo voy a clonar uno de estos y voy a copiar mi melodía en un nuevo sintetizador Y porque esta vez estoy buscando sonidos de plomo, voy a cambiar mi banco de sonidos. A lo mejor nos quedaremos con el mismo paquete de somáticos y solo vayamos con algunos sonidos de plomo aquí Veamos cómo suenan en capas con nuestro sonido melódico original. Bien, ahora, en realidad creo que el primero que seleccionamos fue bastante agradable. Así que voy a cargar eso de nuevo. Así que podría probarlo en diferentes octavas, así que voy a echarlo abajo y ver cómo suena aquí abajo No, creo que lo preferí en la octava original. Entonces, sí, creo que estos dos sonidos realmente se están uniendo muy bien para crear un instrumento de plomo completo y grueso. Entonces nuevamente, vamos a escuchar en el contexto de nuestro track. Vaya, necesito cambiar a la vista de canción. Ahora, sólo una cosa más rápida de la que quiero hablar es con tus capas. Entonces, por ejemplo, con estas capas de cordón. Puedes desplazarlos hacia la izquierda y hacia la derecha para intentar crear una especie de difusión estéreo o para intentar hacer que los cables suenen un poco más anchos. Entonces, por ejemplo, voy a presionar play, y sacaré los instrumentos un poco a la izquierda y a la derecha, y ojalá suene como que se ensancha un poco. Y la razón por la que suena más amplio es porque ahora has creado una diferencia entre el lado izquierdo y el lado derecho. Entonces, debido a que hay más de este instrumento en el lado izquierdo y más de este instrumento en el derecho, esos dos sonidos diferentes están haciendo que tus oídos perciban el sonido como más ancho. Entonces volvamos a tener una escucha en el contexto de la pista, y luego creo que podemos seguir adelante. 14. Ciencia 808: Echemos un vistazo a la base ocho oh ocho. Esta es la piedra angular de la producción musical moderna, especialmente en géneros como Trap, hip hop y drill Dominar los ocho oh ocho significa entender no solo cómo hacer que suenen bien, sino cómo hacer que se muevan, canten y destaquen en tu pista Ahora, cuando hablo de ocho oh ocho, en realidad me refiero a la patada y al bajo al mismo tiempo. Tradicionalmente, el ocho oh ocho es en realidad un bombo. Pero en la música moderna, se utiliza para referirse a ese clásico trap kick y base. Ahora, puedes descargar algunos paquetes de ocho oh ocho que vienen con una patada y una base tipo de mezcla, y puedes arrastrarlos a tu patrón y obviamente construir tu pista de esa manera. Creo que FL Studio incluso tiene algunos que vienen gratis. Déjame solo verificar dos veces. Son sólo patadas. Ahí, ese golpe holgado del colisionador probablemente sería un ocho oh ocho Entonces, como puedes escuchar, tiene una patada y un bajo una especie de mezcla. Pero si realmente quieres que tus pistas suenen bien, profesionales y únicas, vas a construir las tuyas propias. Entonces para esto, vamos a adentrarnos en nuestro patrón de batería. Entonces lo que voy a hacer es que voy a cargar en otra instancia de suero. Y para ello, estamos buscando algunos sonidos base. Entonces voy a ver si alguno de mis bancos de sonido podría encajar en el tipo de base que estamos buscando aquí, que va a tener muchos sub. Entonces vamos a ver. El bajo futuro es probablemente una opción bastante buena porque los sonidos de bajo en ese género suelen coincidir bastante bien con lo que estamos haciendo aquí. Uy. Siempre estoy haciendo eso. Bien, empecemos por aquí por un segundo. Entonces, antes de hacer algo, tenemos que ser conscientes de lo que realmente hace el ocho oh ocho bajo. Entonces en este género de música, el ocho oh ocho suele seguir la patada. Entonces por eso, para mí, sólo voy a entrar aquí y voy a copiar el patrón de patada, y voy a pegarlo en mi instrumento bajo. Entonces voy a alargar las notas. Así. Y suelo dejar un hueco entre cada nota solo para darle a la base un poco de rebote, pero podemos ajustar esto después. Pero por ahora, dejemos un poco de hueco. Entonces voy a restablecer mis velocidades de nuevo a alrededor de cero. Y ya sólo veremos cómo suena esto. ¡Vaya! Bien, podría ser un poco alto, así que voy a echarlo abajo. Mm hmm. Bien, no soy un gran fan del sonido de graves, pero todavía hay algunos ajustes que tenemos que hacer con la melodía de bajo real o patrón de bajo aquí. Entonces, si recuerdas de antes, la clave de nuestro track es en realidad en re menor. Entonces voy a afinar las notas hasta D. Y también, porque tenemos acordes en nuestra pista, la base va a tener que seguir esos acordes Entonces, si miramos cuáles son las notas de raíz para los cordones, gritos, tenemos A sharp, C, D y F. Así que volvamos a nuestra base, que está en nuestro patrón de batería Podría simplemente cambiarle el nombre ahora, en realidad, para que sepamos lo que estamos viendo. Tambores. ¡Vaya! Migas. Bien. Y nos dirigiremos a nuestra base. Y lo que voy a hacer es que voy a afinar la base a las notas de raíz de los acordes Entonces tenemos A sharp. Tenemos C. Esta D está bien, y luego tenemos F. Así que a continuación, vamos a crear una diapositiva de ocho oh ocho. Por lo que estos pueden agregar drama y expresividad a tus ritmos. Con un enchufe de terceros como suero. Entonces este es un plug in que no está hecho por el propio FL Studio. Tendrás que encender algo que se llama portamento. Entonces eso está aquí en suero, así que solo voy a asegurarme de que esté encendido. Y también quieres asegurarte con suero de que esté configurado en mono. Pero con la mayoría de los sintetizadores, la función Porta es perfecta Así que vamos a ver si ahora podemos crear una diapositiva. Voy a colocar otra nota arriba la octava aquí y ver qué hace esto Y tal vez otro aquí. Entonces tenemos D arriba la octava. En algún lugar ahí. Lúpulo que es D agudo Mmmmmm Así que ahora hemos creado dos diapositivas en nuestro patrón, y me gusta la forma en que suena y dónde están colocadas Lo que quiero hacer ahora es crear una línea de base ocho oh ocho más melódica Nada demasiado drástico, solo algo para crear un poco de movimiento en el bajo Entonces, por ejemplo, si estamos pensando en nuestra base como una melodía, podemos volver a nuestro concepto de contorno. Entonces sabemos que el bajo empieza aquí y luego se desliza hasta esta nota aquí. Y entonces la siguiente nota que está reproduciendo está aquí abajo otra vez. Entonces creo que un mejor contorno sería saltar hacia arriba. A mí me gusta el tobogán, pero luego para bajar. Que podamos bajar a esta nota principal de raíz para nuestro siguiente acorde. Entonces para esto, voy a volver a mis cordones, y voy a ver qué notas se están usando en ese cordón y puedo usarlas en la base. Entonces ya estamos usando A sharp y nos deslizamos hasta esta A afilada en la base, así podría usar D, o podría usar F. ¿Bien? Intentemos D y F en nuestra base y veamos cómo suena eso. Entonces movamos esta nota a D y veamos cómo suena eso. Mm. D. Y ahora probemos S. Ed. A mí me gusta el sonido de la F aquí, y también creo que es un mejor contorno. Creo que saltar de esta A aguda hasta esta A aguda y luego saltar de nuevo a D solo para bajar a C es un poco extremo para el contorno. Entonces me gusta cómo estamos saltando, pero luego vamos bajando a la F y bajando a la C. Así que aquí voy a hacer lo mismo. Estamos en el acorde de D. Volvamos. Comprobemos qué notas podríamos usar. Entonces en nuestra D, podríamos usar A o podríamos usar F o podríamos probar una C. Así que volvamos a nuestra base, e intentaremos algunas de ellas notas. Bueno, no podemos usar D porque ya estamos en D. Probablemente no podamos usar F porque el siguiente acorde va a ser F, así que esto solo va a tartamudear en la misma nota, mientras que yo quería renunciar Entonces probemos ese C. Mm. Y ahora podemos probar esto con algunos sonidos bajos diferentes. Entonces como dije antes, no soy un gran admirador de este sonido base. Veamos cómo suena con algunos otros sonidos base. Ahora bien, todo esto está bien y bien, pero si estás usando FL Studio como tu dw principal, entonces en realidad viene con un plug in muy útil que tiene un montón de buenas ocho oh ocho bases que vienen con el plugin Y para ser honestos, a la hora de hacer beats, esto es lo que más uso para mis ocho oh pesos. Entonces voy a reemplazar el enchufe de Suero algo llamado Flex. Y aquí en Flex, hay un paquete llamado móvil afinado ocho oh ocho base. Estas son muy, muy buenas. Vamos a escuchar. Sin embargo, cuando estás usando complementos de stock de FL como Flex, o si estás usando una muestra de ocho oh ocho, lo que puedes hacer para crear diapositivas, y en realidad es mucho mejor, es reemplazar la nota a la que quieres deslizar por una nota de diapositiva. Así que vamos a activar la función slide. Entonces eso está resaltado. Y vamos a poner en nuestra nueva nota, que está aquí. Y cuanto más larga sea la nota, más larga será la diapositiva hacia arriba mientras que cuanto más corta sea la nota, más rápido se deslizará hacia arriba. Entonces veamos cómo suena esto. Bien. Ahora, eso es un poco lento para mí, así que sólo voy a acortarlo otro medio paso Y para mí, personalmente, creo que a esta pequeña sección de aquí le vendría bien un poco más de movimiento solo para hacer la base un poco más interesante. Entonces creo que voy a conseguir que la base se alterne entre dos notas distintas y luego vuelva a C. Así que, por supuesto, sólo puedo usar la C anterior. Así. Vaya, no quiero que estas sean notas de diapositiva No quiero que se deslice hacia arriba. Yo sólo quería tocar las notas. Esto ahora se suma en un poco de movimiento solo para romper la monotonía de estas, ya sabes, notas muy largas sostenidas, sobre todo cuando el patrón se repite en la segunda barra Entonces ahora de aquí, me gusta mi melodía basal, mi melodía de ocho oh ocho bajos. Y lo que voy a hacer es que lo voy a expandir porque si recuerdas de antes, en realidad cambiamos los dos últimos acordes del patrón alrededor Así que voy a venir aquí y voy a intercambiarlos. Entonces para hacer eso, básicamente quiero mover esta D hasta una F y esta F hacia abajo a una D. La F ahora debería deslizarse hacia arriba a otra F. Así que actualmente se está deslizando hasta una D. Vamos a llevar esto a otra F. Y nuestra nota C aquí parece que podría funcionar porque nos estamos deslizando hacia arriba y luego seguimos bajando. Pero yo sólo voy a ir a verificar dos veces y asegurarme de que la C se ajuste al acorde F. Entonces voy a entrar en mi otro patrón de acordes. Es el segundo último acorde del patrón, y es F. Entonces, ¿puedo usar una C? Sí, puedo. Entonces volvamos a ver cómo suena esto ahora. Una vez que se construye mi línea de bajo, y he usado y he usado el patrón de batería para informar el ritmo del bajo, voy a tomarlo, voy a cortar Entonces ya no está en mi patrón de batería, y ahora voy a crear un nuevo patrón llamado base. Y yo sólo voy a pegar eso. Y ahora lo puedo dejar caer en mi arreglo. 15. Diseño de bajo avanzado: Bien, entonces hemos construido nuestra base. Ahora hablemos de algunas técnicas avanzadas para que suene aún más profesional. Entonces vamos a usar cosas como distorsión y capas superiores. Entonces, en primer lugar, una cosa muy sencilla que podemos hacer es tomar la base que hemos diseñado. Podemos asignarlo a una pista mezcladora. Y ahora podemos usar alguna saturación o distorsión pesada para intentar hacerla pop. Entonces, si uso algo llamado un shaper de ondas, puedo agregar un poco de arena al sonido dibujando una especie de forma de sierra Entonces esto es antes. Y después. Podría ser un poco demasiado. Y como puedes ver, puedes jugar con estas diferentes formas en el waveshaper y crear algunos sonidos interesantes No obstante, si quieres que suene mucho más limpio, lo que podemos hacer es crear una capa superior. Entonces este es un tipo de concepto simple. Solo estamos volviendo a nuestras técnicas de estratificación donde colocamos otro sonido de bajo encima de éste Entonces, por el momento, suena así. Está bastante limpio, pero debido a que este género está muy enfocado en la base ocho oh ocho, diseñar tu propio tipo de sonido de bajo característico con capas o efectos realmente puede hacerte destacar Entonces carguemos en suero. Voy a copiar nuestra melodía base. Voy a pegarlo en nuestro tapón de suero. Y solo necesito asegurarme las notas de diapositiva no funcionen en los enchufes de terceros, así que voy a tener que cambiar esto a ser una nota normal. Y lo mismo va para éste. Y lo mismo va para éste. Ah, y éste también. Bien. Así que ahora encontremos un bonito sonido de graves. Voy a desplazarme hacia abajo y ver si tengo algo aquí abajo que pueda funcionar. Oh, tal vez algo en este sismo de base. A mí me gusta el sonido de eso. A lo mejor hay algo interesante aquí que podamos poner encima de nuestro otro bajo. Vaya, bien. Este no es el género que estamos buscando. Paso de doblaje para destrozar la tierra. No, gracias. Solo estamos buscando una capa arenosa que podamos poner encima de nuestro otro sonido de bajo limpio Probemos algo en esto suena el extraño Volumen uno. Entonces este es obviamente un paquete basado en los sonidos de cosas extrañas. Vamos a poner eso en capas y ver cómo suena con nuestro sonido de bahía original. Entonces esa podría ser una capa bastante genial para nuestra base. Entonces lo que voy a hacer ahora es que voy a afectarlo. Por el momento, está un poco demasiado limpio, pero creo que tiene potencial para sonar bastante arenoso Entonces lo que quiero hacer, y este primer paso es bastante importante es que voy a usar un ecualizador y voy a crear un corte bajo. Entonces con nuestra primera banda aquí, vamos a cambiar el tipo a pase alto. O filtro de corte bajo. El paso alto y el corte bajo solo significan lo mismo. Y además, vamos a estar pasando por EQ un poco en la sección de mezcla de este curso, así que no tienes que preocuparte por nada más en este momento. Sólo debes saber que puedes hacer click derecho sobre la primera banda y puedes cambiarla a un paso alto, y eso va a cortar las frecuencias base que no necesitamos en el sonido de la segunda base. Y sólo voy a enrollarlos hasta tal vez alrededor de 150. Y la razón de esto es que no quieres que dos sonidos base diferentes ocupen el mismo rango de frecuencias. Así que recuerda antes cuando estábamos estratificando los cordones, hablé de cómo se quiere tomar decisiones basadas en el rango de frecuencia Entonces, por ejemplo, nuestro ocho oh ocho aquí, es bastante profundo. Es bastante basi. Está ocupando esas frecuencias base. Esta capa que agregamos también es bastante basi, y también tiene mucha información base que no queremos estar peleando con nuestro sonido base original que nos gustó Entonces por eso he usado el ecualizador aquí para cortar las frecuencias base fuera de nuestra capa. Entonces ojalá, ahora suene un poco más limpio Así es como suena ahora solo. ¿Antes? Y después. Ahora, con esta capa, realmente podemos intentar hacer algunas cosas divertidas para crear un sonido interesante. Entonces tal vez usemos ese papel de onda que vimos antes para crear un poco de arena A lo mejor usaremos un poco de distorsión. Entonces tal vez usemos algo así como, no sé, tal vez hardcore afrutado, que es un efecto amplificador. Pero antes de hacerlo, esto probablemente va a ser bastante ruidoso porque un amplificador amplifica literalmente el sonido Entonces voy a rechazar esto por si acaso me dañe los oídos y los tuyos. No soy un gran admirador de ese sonido. Vamos a cambiarlo por tal vez sobremarcha de sangre. Y entonces tal vez por un poco de blancura estéreo, podemos ponerle un efecto de coro Tengamos una escucha en el contexto de nuestro track. Tampoco es necesario usar un sonido de bajo. Así que también puedes usar un instrumento de plomo para algo interesante. Entonces, agreguemos una ventaja, y tal vez tengamos que lanzar esto a la baja. Uy. Yo sólo quiero solo esto. Se. Y probemos eso con algunos de los efectos que tuvimos. A lo mejor no el coro. 16. Cadena de señales: Una cosa más que no mencioné fue el orden de estos enchufes. Entonces originalmente, estos enchufes eran así. Teníamos el papel de onda, el overdrive de sangre y el frucorus También he cambiado el preset que estamos usando para esto. Lo siento, originalmente, habría sonado así. La forma en que el audio llega a través estos efectos es de arriba a abajo. Entonces está pasando por la E Q, y luego esa señal se está enviando al waveshaper, y luego esa señal se está enviando al overdrive, y luego esa se está enviando al coro Entonces eso significa que estoy distorsionando el sonido y luego estoy agregando un estribillo Pero creo que va a ser genial distorsionar el coro. Entonces voy a mover el coro hasta arriba y ver cómo suena eso Y si intercambiamos las dos distorsiones, eso también puede cambiar el sonido Así que realmente asegúrate de jugar con los diferentes sonidos de capa, y que juegues con los diferentes efectos y el diferente orden de los efectos. Porque realmente puedes crear algunos sonidos geniales. 17. Conceptos básicos del diseño del sonido y ajustes preestablecidos: Así que ahora veamos los fundamentos del diseño de sonido con un enfoque en personalizar los presets El uso de presets realmente puede ahorrar tiempo, pero saber cómo modificarlos puede permitirte crear sonidos únicos adaptados a tu pista Ajustar tus sonidos para que coincidan con la vibra de tu pista se asegura de que encajen en la mezcla. Entonces, aunque no vamos a estar aprendiendo sobre diseño de sonido y creando presets de sintetizadores, vamos a aprender a manipularlos para que se ajusten a nuestra pista. Entonces, para hacer eso, podría simplemente mirar nuestro preset base con el que estuvimos trabajando en la última conferencia. Entonces voy a apagar todos los efectos que usamos. Voy a volverlo a subir, y voy a silenciar el sonido base original. Entonces así es como se ve y suena el preset por sí solo. Mm Pero si queremos modificarlo, hay algunas áreas generales que deberíamos estar viendo Y esos son los osciladores. Entonces en este caso, hay dos. Ahí está el oscilador A y el oscilador B. Esta es la fuente del sonido Estos generan las formas de onda en bruto como seno, cuadrado, sierra, triángulo, etcétera. Entonces, por ejemplo, para este sonido en particular, se utilizan dos osciladores al mismo tiempo Entonces toquemos el sonido y escuchemos cómo suenan cada uno por su cuenta, y entonces tal vez los apague a ambos, y todo lo que debería quedar es solo una capa de ruido. Ahora bien, para ajustar esto, podemos cambiar la forma del oscilador agarrando tal vez otra cosa, una Y como puedes ver, ha cambiado la la forma de onda. Entonces esto habrá cambiado el sonido fundamental. Y también podemos hacer otras cosas aquí como desintonizar y usar el unísono Entonces Unison duplica la señal, y luego la perilla de desafinación utilizará lo que se llama micro shifting para afinar esos duplicados de manera ligeramente diferente y hacer que el sonido sea un poco más grueso y un poco más gordo Mm. Mmm Otro aspecto de un sintetizador que se puede ajustar es esta sección de filtro Entonces con el suero, puedes cambiar la forma del filtro. Entonces, por ejemplo, vamos por el pase bajo 12. Y esto es esencialmente como un ecualizador. Entonces el paso bajo es literalmente un paso bajo. Es solo dejar que se escuchen las frecuencias bajas y está cortando todas las frecuencias altas. Mm. Mmm Vaya, no me di cuenta de que la perilla de corte estaba realmente vinculada a uno de los sobres, así que ignora esto por 2 segundos. Bien, entonces ahora solo deberíamos escuchar las frecuencias bajas. Y si aumentamos la resonancia, se puede ver que está agregando un poco de muesca. Y esto va a hacer que sea un poco chirriante. Ahora bien, no todos los presets van a estar vinculados. Entonces, por ejemplo, si elijo otro, corte de este se ajusta de forma natural a un filtro de paso bajo. Entonces, por ejemplo, con un filtro de paso bajo y la rueda de corte, puedes hacer ese tipo clásico de acumulación de música electrónica O puedes cambiar la forma por algunos sonidos realmente interesantes. W Y lo siguiente de lo que quiero hablar son los sobres ADS. O, en este caso, tenemos ADS, H, y o. Entonces A se refiere al ataque, y es justo lo rápido el sonido puede alcanzar su volumen completo. Muchas almohadillas suelen usar ese tiempo de ataque para crear una especie de efecto de oleaje. Entonces tenemos la decadencia y el sustento. Ahora bien, estos están algo vinculados entre sí. Entonces el sustain es básicamente el nivel de volumen que se mantiene cuando se sostiene la nota. Y entonces la decadencia es el tiempo que tarda el sonido en caer al nivel de sustain. Entonces, por el momento, no vas a ver realmente la decadencia porque el sustain está puesto tan alto. Pero si lo derribo, ya puedes ver la decadencia aquí. Entonces, si ajusto el tiempo de decaimiento ahora, puedes ver que se está extendiendo cuánto tiempo va a tomar para que la nota alcance el nivel de sustain. Entonces, vamos a golpear play y veamos qué hacen realmente estas dos perillas en acción Sólo voy a derribar el ataque. Y entonces sólo voy a volver a subir este sustain. El lanzamiento es el tiempo que tarda el sonido en desvanecerse después de quitar el dedo de la nota o literalmente se libera la nota. Entonces mirando este sobre, podemos ver que el lanzamiento es bastante rápido. Ya sabes, la nota llega a volumen completo muy rápidamente. Se queda en ese volumen, y luego cuando sueltas la nota, vuelve a bajar muy rápido. Pero si alargamos el lanzamiento, oirás que las notas empiezan a superponerse entre sí. Entonces no estoy seguro si puedes escuchar eso completamente. Solo voy a agarrar un preset diferente que podría ser más fácil de escuchar. A lo mejor no esa. Y de hecho, sólo para demostrar aún más el punto, esto sería mucho más fácil de escuchar en un arp donde las notas son cortas H Y finalmente, el otro tipo de elemento básico que a menudo estoy ajustando está aquí en la sección de efectos Así que la mayoría de los presets vendrán con sus propios efectos. A menudo vendrán con cosas como retraso y reverberación. Y por lo general la mayoría tendrá un ecualizador y algún tipo de compresor. Pero, por ejemplo, tal vez encuentres un enchufe y realmente te encanta el sonido del mismo, pero tiene demasiada reverberación. Simplemente puedes apagarlo. Y entonces normalmente con presets, realmente no voy a estar tocando los osciladores, tal vez muy raramente En su mayoría son algunas cosas filtrantes que voy a estar haciendo y también el ADSR aquí abajo Pero no tengas miedo de tocar con cualquiera de estas perillas que tienes en tu sintetizador porque todas hacen algo y podrías descubrir algo genial como una especie de feliz accidente Ahora bien, si a alguien le gustaría un curso completo de diseño de sonido, donde pasemos quizá por suero u otros sintetizadores diferentes, absolutamente puedo hacer eso. Sólo avísame. Y por si acaso pienses que, ya sabes, solo esto se aplica al suero, voy a cargar en un sintetizador diferente A lo mejor intentaremos vital. Entonces ahora este sintetizador se ve completamente diferente. Así que tomemos un preajuste rápido, tal vez algún tipo de tal vez algún tipo de teclas suene súper desplumado Y lo que voy a hacer es muy rápido, solo tomaré esto y lo traeré a vital en su lugar. Y no lo pegó hasta el inicio. No sé por qué. Bien. Y si vuelvo a nuestro tipo de visión general, podemos ver aquí que tenemos el oscilador Bien, oscilador uno. Tenemos nuestro ataque, nuestra decadencia está por aquí, nuestro sostén y nuestra liberación. Entonces, por ejemplo, vamos a ajustar algunos de estos. Y también podemos cambiar las cosas en el oscilador, así como para hacer que todo el sonido fundamentalmente diferente Ahora bien, no creo que tengamos ninguno de los filtros encendidos aquí, pero si queremos, podemos, así podemos encender un filtro. Y ahora tenemos nuestro clásico filtro de paso alto. Y podemos cambiar la forma. Entonces con estas tres cosas, con el oscilador, la envolvente ADSR y el filtro, realmente puedes ajustar el sonido general del Y las principales razones por las que haría esto es, ya sabes, si el preset es un poco demasiado brillante o un poco demasiado oscuro, o si suena perfecto, pero, ya sabes, algunas de las notas son un poco demasiado largas o no se están cortando tan rápido como quiero. Puedo ajustar el ADSR, y puedo cambiarlo y ajustarlo para que sea de la manera que quiera 18. Excavación de caja digital: ¿qué es el muestreo?: muestreo es el proceso de tomar una pieza de audio existente y luego incorporarla a tu música. Esto podría ser una melodía de un disco de jazz antiguo o tal vez un fragmento vocal de un video de TikTok o incluso sonidos del entorno El muestreo está en todas partes en la creación de ritmos modernos, especialmente en géneros como trap, drill y hip hop. El objetivo del muestreo no es sólo copiar y pegar, se trata de transformar los sonidos en algo nuevo y personal. Desde ritmos icónicos de Ja Dilla y Kanye West hasta clásicos modernos de trap de Metro Boman, muestreo siempre ha sido sobre creatividad e innovación Entonces, ¿por qué el muestreo es esencial para los creadores de ritmos? Bueno, antes que nada, te puede dar inspiración instantánea. Una muestra puede provocar una idea o crear el ambiente para tu ritmo, especialmente cuando empiezas con un lienzo en blanco. También puedes usar muestras para texturas únicas. Entonces, ya sea una chuleta vocal emotiva o un bucle de sintetizador espantoso , las muestras te permiten introducir texturas únicas El muestreo también puede darte armonías complejas, ritmos y tambres No hace falta crear todo desde cero. Y finalmente, el muestreo te permite conectar tus ritmos a la historia más amplia de la música. Es una forma de respetar el pasado mientras se elabora algo fresco y nuevo Entonces, ¿dónde están los mejores lugares para encontrar muestras? excavación digital de cajas se trata de encontrar las muestras perfectas Y gracias a Internet, no necesitas una pila de discos de vinilo para excavar en busca de oro. Entonces, Luperman, ya lo he mencionado como dos o tres veces durante el curso, y es una biblioteca masiva loops y muestras libres de derechos Puedes filtrar por género, por clave, por BPM y encontrar exactamente lo que necesitas De hecho, los cuatro ejemplos de audio de la diapositiva anterior vinieron todos de Luperman Entonces tenemos plataformas de redes sociales como TikTok, YouTube e Instagram TikTok tiene un montón de clips de audio extravagantes que se pueden utilizar para el muestreo Puede descargar o incluso grabar en pantalla el audio y luego transformarlo con efectos, cambio de tono o cortar Lo mismo ocurre con YouTube, donde tal vez podrías buscar algunas actuaciones extrañas en vivo, canciones atrevidas olvidadas, o incluso simplemente cosas aleatorias como ambiente del bosque o los sonidos de cascada Utiliza colmena. Mayo. La mitad. PoidepsHALP. Sí, eso está hecho. A continuación, tienes plataformas de pago y packs de muestra. Plataformas como empalme, sounds.com y Somatics ofrecen muestras seleccionadas de alta calidad para O puedes comprar muestras de empresas como Ghost Hack o qué pasa. Estos pueden ser excelentes para los productores de trampas y taladros que buscan algunos sonidos modernos. Y entonces tenemos el dominio público. Por lo tanto, sitios como archive.org o Public Domain Review ofrecen acceso a grabaciones de audio, composiciones clásicas y Cualquier cosa en el dominio público es de uso gratuito sin derechos de autor. Así que busca grabaciones más antiguas o piezas clásicas para agregar un ambiente vintage a tus ritmos. El dominio público incluye cualquier obra creada antes de una fecha determinada, que actualmente es 1928, o cualquier pista que haya sido liberada al dominio público. Por el mar, junto al mar. Por el hermoso mar, tú y yo, tú y yo. Estas son algunas de las mejores prácticas para convertir tus muestras en ritmos de calidad profesional. Ser original. No se limite a enrollar la muestra tal como está, voltearla, estirarla o cortarla hasta que se sienta como su propia creación. Mezcla las muestras en tu ritmo. Así que usa EQ, reverberación, compresión, haz que la muestra encaje naturalmente en el latido Mantente organizado, y este es importante. Etiquete sus muestras por clave y por BPM para ahorrar tiempo durante su flujo Si pasas un día tal vez descargando muchas muestras diferentes y las curas en una carpeta, no vas a recordar en diez semanas qué BPM y en qué clave estaban esas muestras Así que pasa el tiempo cuando los descargues para marcarlos por clave y por BPM. Asegúrate de experimentar. Los mejores ritmos suelen provenir de combinaciones inesperadas o accidentes felices. Pero siempre asegúrate de respetar los derechos de autor. Siempre verifique el licenciamiento de sus muestras. Las fuentes de dominio público y libres de regalías son las apuestas más seguras si planeas lanzar comercialmente. 19. Muestras volteadas: En esta conferencia, vamos a explorar flipping samples, donde tomamos el audio existente y lo transformamos en algo completamente único Entonces sé que ya tenemos una especie de muestra vocal aquí en nuestra pista. Pero creo que voy a arrastrar en una muestra diferente, sólo para demostrar las técnicas. Y luego después, podríamos tomar una o dos de ellas técnicas y aplicarla a la muestra vocal que ya tenemos en nuestra pista. Además, creo que algo así como un bucle de piano es un poco más fácil de escuchar por sí solo, en lugar de solo una muestra vocal. Entonces voy a llevar el piano, probar en una parte en blanco de la pista y solo te voy a mostrar cómo suena. Entonces, una vez que está en la lista de reproducción, tenemos que hacer coincidir el tempo de la muestra con nuestro tempo. Ahora, no necesito preocuparme por esto porque cuando descargas una muestra de Luperman, te dice qué tempo es Entonces en Luperman, la persona que subió esto dijo que la muestra era Entonces voy a escribir 140 y ver cómo eso afecta el sonido. Ahora, a mí, parece que es después de estirarlo bastante. Eso me suena bien. Pero si quisieras acortar eso, puedes usar esta función stretch, y puedes, supongo, estirar el audio hasta la mitad O otra forma de hacerlo sería cuando estés ajustando la muestra a tu tempo, en lugar de escribir 140, íbamos con 70 en su lugar. Entonces ahora, la primera técnica que vamos a ver es cortar la muestra. Y creo que la mejor manera de hacerlo en FL Studio es usar un plugin llamado SliceX Entonces voy a agregar eso a un nuevo patrón. Y lo que quieres hacer con esto es arrastrar en el sonido original. Y básicamente, lo que hace es que divide tu muestra en diferentes marcadores que luego se mapean a diferentes teclas en el teclado Y puedes usar tu rollo de piano aquí, si acabo de borrar estos. Puedes usar tu rollo de piano para tocar diferentes partes de la muestra. Entonces, lo que podrías hacer entonces es quizás usar estas rebanadas de muestra para hacer algo nuevo. A lo mejor algo rápido como esto. O podrías hacer algunas cosas divertidas como donde usamos la herramienta de sello de antes, podríamos estampar en una escala aleatoria aquí solo para que resalte algunas notas específicas. Y entonces tal vez los arrastramos por algo así. Y entonces podemos tomarlos, usar la herramienta arpegiador y ver ¿podemos crear algo nuevo Y entonces, obviamente, puedes tomar eso y pegarlo de nuevo en tu arreglo, tal vez agregar tus tambores o lo que sea, y tienes un ritmo genial, tipo de muestreado Ahora, SlicX también funciona muy bien con voces donde puedes crear algunas chuletas vocales realmente geniales Otra técnica sencilla que podemos probar es revertir la muestra. Entonces en FL Studio, eso es bastante fácil. Simplemente abrimos el clip de audio y podemos dar click en este reverso. Pero para ajustarlo aún más y mantener esa progresión original del cable, lo que podríamos hacer es simplemente cortar fácilmente este clip de audio en sus cables individuales Y luego los reorganizaremos en nuestro arreglo. Entonces porque es al revés, sólo voy a reorganizarlos así empezando de atrás hacia adelante Y ahora estamos manteniendo la progresión original del ord, pero en realidad todos los cordones están invertidos. O podemos hacerlo más creativo y tal vez volteamos algunos de estos, cambiando el orden y haciendo algo completamente nuevo a partir de lo que ya teníamos. Además, solo te mostraré muy rápido una técnica muy genial. Así que solo estoy deshaciendo lo que hicimos allí hasta que la muestra vuelva a su estado inverso donde hemos guardado la progresión original de los acordes Y entonces lo que puedo hacer es duplicarlo. Entonces para hacer eso, necesitas usar este pequeño símbolo de forma de onda en la parte superior izquierda del clip. Luego haz clic en Hacer único. Esto lo convertirá en un clip totalmente nuevo. Entonces puedo deshacer la marcha atrás. Vaya, no quise estirarlo. Entonces puedo deshacer la marcha atrás. Y luego puedo poner el tipo original de clip para piano encima de la versión invertida. Y debido a que la versión invertida está tocando los mismos acordes que la versión original, obtendremos un tipo genial de sonido de acorde inverso de haunty Esto probablemente sería más fácil de escuchar si tuviera que estirarlo. Simplemente voy a hacer eso muy rápido solo para dar un ejemplo. Voy a estirar tal vez sólo los dos primeros acordes. O, a lo mejor voy a poder construirlo como juega. Entonces también podemos cortarlo aquí en la lista de reproducción. Así que me has visto cortarlo manualmente, pero FL Studio en realidad puede cortar sonidos automáticamente. Si bajamos aquí a picar. Puede hacer que se corte automático en función de picos y transitorios en el audio, o puede usar algunos patrones de corte preestablecidos Entonces, por ejemplo, bajemos a esta sección compleja y pondremos algo así como, no sé, tartamudeemos Y entonces lo que puedes hacer es tomar estas rebanadas individuales tú mismo y reorganizarlas en algo nuevo Entonces puedes tomar partes completamente aleatorias de esto. Y esto funciona muy bien para las voces. Entonces, si cortas una muestra vocal como esta y solo tomas algunas partes aleatorias de ella, puedes hacer algunas chuletas vocales rítmicas realmente geniales Intentemos algo muy rápido. Entonces tal vez puedas hacer un pequeño bucle así. H Entonces hay algunas otras cosas simples que podemos hacer como cambiar el tono todo el camino hacia arriba. L L O cambiando todo el camino hacia abajo. Y tal vez incluso podríamos intentar revertir lo que tenemos manteniendo el cambio de tono mientras mantenemos las muestras picadas. A A así que sólo voy a poner la muestra de nuevo a su estado original. Y sólo voy a estirarlo hasta aproximadamente la mitad para acelerarlo. Así que ahora shoaul volveremos al sonido original del piano. Oh, no, todavía se está revertiendo. Entonces ahora vamos a agregarlo a un trek mezclador. En FL Studio, hay un complemento de manipulación basado en el tiempo realmente genial llamado Gross Beat. Abramos eso ahora por un segundo en nuestra muestra de piano. Básicamente, Gross Beat utilizará un patrón preestablecido para cortar y manipular tu muestra. Oh. Y entonces también puedes poner eso en capas. Voy a poner esto en el Complejo dos por un segundo. Puedes ponerla en capas con alguna manipulación basada en volumen. Entonces dejémoslo con Transcate cuatro. Podríamos usar tal vez el Complejo cinco aquí, y luego invertiremos la muestra original y la echaremos abajo. Ahora bien, esto va a sonar completamente diferente a ese sonido original de piano que teníamos antes. Y luego, por supuesto, puedes poner eso con otros efectos, tal vez un flangus afrutado y vamos a lanzar algo de overdrive, también Lo voy a bajar por si es muy ruidoso. Voltear muestras se trata de combinar creatividad y habilidad técnica Desde chuletas SlicX hasta técnicas avanzadas como, ya sabes, ritmo bruto y luego usar efectos divertidos Realmente puedes tomar una muestra de cualquier cosa y convertirla en algo diferente. 20. Legalidades del muestreo: En esta conferencia, vamos a ver el muestreo legalmente. Lo que es seguro versus lo que es arriesgado. Entonces, ¿por qué deberías asegurarte de muestrear legalmente? El muestreo es una de las herramientas más creativas en el arsenal de un productor. Pero con gran poder viene gran responsabilidad, responsabilidad legal. Y he aquí por qué muestrear legalmente es crítico. Número uno, se pueden evitar demandas. Usar material con derechos de autor sin permiso puede meterte en algunos problemas legales. Dos, también puedes proteger tu reputación. Por lo que las disputas legales pueden dañar tu credibilidad y tu relación en la industria musical. Al muestrear legalmente, puedes evitar el número uno, que son las demandas, que a su vez evita el número dos, lo que está dañando tu reputación Por último, los dos primeros son bastante raros a menos que seas uno de los 100 mejores artistas de cartelera. Pero el número tres definitivamente sí se aplica a todos, y esa es la libertad de monetizar tu trabajo Entonces, ya sea limpiando tus muestras para uso o simplemente usando un tipo de material de dominio público libre de regalías de material de dominio público garantiza que pueda monetizar su música sin restricciones Entonces veamos esto con un poco más de detalle. ¿Qué es seguro y qué es riesgoso? Bueno, en primer lugar, en la categoría segura, tenemos muestras libres de derechos. Las muestras etiquetadas como libres de regalías se pueden usar en tu música sin pagar regalías continuas. Los encontrará en sitios web como Luperman o Splice o en paquetes de muestra gratuitos de pago Entonces tenemos dominio público. El material de dominio público es de uso gratuito sin ningún permiso legal o regalías. Las obras creadas antes de 1928 a 1930 son generalmente de dominio público. Algunas canciones más recientes han sido lanzadas al dominio público para su uso. Pero si estás usando estos, solo ten cuidado con las grabaciones. Así que algunas grabaciones modernas de viejas composiciones de dominio público pueden en realidad todavía estar protegidas por derechos de autor No es la canción que tienen derechos de autor, sino la grabación. Entonces he puesto cosas como Tik Tok y videos de YouTube, pero realmente he enfatizado la palabra original aquí. Entonces, por ejemplo, TikToks y videos virales pueden ser emocionantes y una especie de fuentes únicas para Pero para mantenerse a salvo, es necesario probar el contenido viral generado por el usuario. Entonces esos serían esos, ya sabes, vine como videos en TikTok si el creador lo hiciera completamente original Entonces un ejemplo sería una frase hablada divertida o un efecto de sonido único creado por el cargador del video Se pueden tomar sonidos de su entorno, tal vez como una bocina de tren o aplausos, siempre y cuando ellos mismos la capturen El riesgo con esto viene con el contenido derivado. Entonces, los videos que contienen música de fondo con derechos de autor o clips de películas y televisión o tal vez remezclas de otras obras, no pueden ser muestreados legalmente El mejor de los casos sería llegar al creador para obtener su permiso. Ahora por lo que es arriesgado. Entonces, antes que nada, ¿qué son los derechos de autor? Bueno, los derechos de autor protegen el derecho del creador a su trabajo, y esto incluye canciones, grabaciones e incluso efectos de sonido. En la música, tanto la composición, por lo que la melodía y la letra y la grabación suelen tener derechos de autor por separado Entonces un ejemplo de esto sería muestrear pista de un artista famoso sin su permiso, usando música de películas, programas de televisión, o tal vez anuncios sin autorización. Y algunos conceptos erróneos comunes con el muestreo incluyen, ya sabes, si solo uso 5 segundos, está bien. No hay una longitud mínima para la infracción de derechos de autor. Incluso una sola nota reconocible puede dar lugar a problemas. Y en segundo lugar, lo corté más allá del reconocimiento, así que estoy a salvo. Bueno, si aún se puede identificar la obra original, aún podría considerarse infracción. Entonces digamos que estás decidida a usar una muestra en particular y quieres borrarla. En primer lugar, necesitarás permiso tanto del dueño de la composición. Entonces generalmente los editores, y también necesitarás permiso del propietario de la grabación, que suele ser el sello. Una vez que tengas su permiso, puedes comenzar a negociar términos. Los acuerdos de muestra generalmente implican un pago por adelantado o regalías en la venta de su pista Y por último, si vas por esta ruta, solo debes saber que porque involucra la ley, necesitas documentarlo todo. Así que asegúrate de obtener acuerdos por escrito describan los términos de uso Entonces, ¿cuál es la mejor práctica para tomar muestras de manera segura? Apégate a las fuentes libres de derechos. Comience con plataformas como Lupermin o Splice para un muestreo sin complicaciones Transforme sus muestras, así que manipule la muestra de manera significativa. Picarlo, cambio de tono, retroceso y capa, crear algo completamente irreconocible del original Limpia tus muestras cuando sea necesario. Si necesita absolutamente una muestra con derechos de autor, siga los pasos adecuados para borrarla. Conoce la ley. Familiarízate con las reglas de derechos de autor en tu región. Términos como el uso justo tienen diferentes interpretaciones dependiendo dónde vivas. Mantener registros. Guarde la documentación para cada muestra, incluyendo dónde la encontró y sus términos de licencia. Y para ser ultra seguro, crea tu propio contenido, graba o diseña tus propios sonidos, y luego incorporarlos a tus pistas para obtener la máxima libertad creativa y legal. Entonces, por último, aquí hay algunos recursos útiles. Entonces, para borrar muestras, recomendaría usar tracklib El proceso real de ir a limpiar una muestra es realmente largo y puede ser bastante costoso Entonces solo recomendaría usar tracklib para música pre borrada para muestreo Para muestras libres y libres de regalías, use lubrien, splice, somatics ¿Qué pasa con Ghost tack, vandalismo, cualquiera de esos paquetes de muestra que puedes pagar, y vienen con licencia libre de derechos Y luego para el dominio público, use sitios web como archive.org, USUPEN y PD info o Public Domain info 21. Estructura del arreglo: Antes de sumergirnos en finalmente organizar el ritmo, es importante saber qué es cada parte de una pista. Cada pista está conformada por diferentes secciones que ayudan a contar una historia y mantener al oyente comprometido Así que vamos a desglosarlos. Entonces primero, tenemos la intro. La introducción está en el comienzo mismo de tu track, y es como la primera impresión La introducción introduce el estado de ánimo, la vibra, y le da al oyente una idea de lo que está por venir Entonces la introducción suele ser bastante corta. Es alrededor de cuatro a 16 bares. Podría tener una melodía simple, ambiente o tal vez solo un ritmo para marcar el tono, y muy a menudo, no tendrá ninguna batería ni ningún tipo de arreglo completo aquí. Simplemente construye anticipación. El propósito de la introducción es llamar la atención y preparar al oyente para lo que viene. Muy a menudo las intros no cuentan con los elementos principales de la canción, sino que los insinúan o introducen una parte clave del sonido como tal vez una melodía principal o una progresión de acordes principales Entonces, a medida que avanzamos por la estructura de la canción, he incluido un ejemplo de estudio de caso. Esta es una pista que hice años atrás con un pequeño rapero Indie que quería escuchar sus letras en un ritmo. No es nada elegante, pero da una idea de la estructura de la canción. Algunos sil aquí mismo. El poder del sueño, señoras y señores. Él etiqueta a Dream Chaser. G. A continuación, tenemos el verso. Entonces el verso es donde se introducen las principales ideas o temas de tu track. En canciones con letra, aquí es donde el artista comienza a cantar o rapear sobre la historia o el mensaje. Entonces con el verso, puede ser corto o largo, a menudo de ocho a 32 compases. Por lo general, viene después de la intro. Tiene un poco más de desarrollo musical en comparación la introducción con tal vez batería y bajo y más instrumentos involucrados, y la melodía aquí a menudo desarrolla el tema de la pista Su propósito es darle contexto a la canción, sentando las bases antes de que entre la parte pegadiza, el coro o el gancho En un ritmo instrumental, aquí es donde vas a establecer el ritmo, la textura y la vibra. Morrow Negro. Crystal clean, zambullirse, sentarse en esa inclinación Imagina preocupación, al igual que Charlie Sheep. Ese es el poder del sueño en tu mansión, Scarface. Como la antorcha, quieres el lugar. Mi bolsa Wi no angustia. Doy las gracias al padre por su tumba en el poderío. Es algo de Sya Northwest Mayo. Intentando rápido en ese polo. Gritando. Yolo en la banqueta fumando rodando. Pensando que eras jefe con esa sudadera con capucha. Gritando fue alguien me ama? No, ellos no tienen piedad y nos vemos a continuación, tenemos el coro, el anzuelo o la parte pegadiza El coro o lo que a veces se llama el gancho es una parte de la pista que se repite varias veces y suele ser la más memorable Es la parte con la que los oyentes pueden cantar fácilmente o quedar atrapados en sus cabezas Entonces esto suele ser de la misma longitud o más corto que los versos, por lo que alrededor de ocho a 16 barras. lo general, es más fuerte, más enérgico y presenta una melodía memorable o una especie de frase lírica A menudo es la parte de la canción la que se repite, ya sea textualmente o con variaciones menores Si escuchas una parte de la canción que se siente como que es el punto principal de la pista, entonces probablemente sea el coro. El coro hace que tu canción o ritmo sea memorable y aporta energía A menudo se usa para resumir el mensaje de la canción así que es pegadiza e impactante P. O. TD. P O. TD. PO. TD. Poder. Del sueño. G para tener el poder del sueño. Whoo. Bien llenando, nena. ¿Qué? Entonces el versículo dos es la segunda iteración de tu verso. Su papel es continuar la historia, el tema, o el ritmo que se introdujo en el verso uno, pero con alguna variación. Esto mantiene la pista avanzando y evita que se sienta estática. Entonces, a lo largo, suele ser de la misma longitud o más corta que la primera, alrededor de ocho a 32 barras Por lo general, tiene la misma idea musical que el primer verso, pero más elementos para mantenerlo interesante. Entonces tal vez añades alguna variación melódica. Podrías cambiar la melodía o el ritmo en el segundo verso para mantener las cosas más interesantes. Casi siempre hay cambios líricos. Entonces, si tu tema tiene letra, verso dos suele traer nuevas letras para avanzar en la narrativa o agregar profundidad. A veces hay cambios instrumentales. Se puede variar la instrumentación introduciendo nuevos elementos, tal vez cambiando el instrumento principal, cambiando la disposición o alterando los efectos. La idea es que el versículo dos debe sentirse familiar, pero también debe ofrecer algo fresco y evolucionado a partir del verso uno. Masa humeante, como bigotes como en ellas playas en Navita En la piscina Chica, quiero ver. Cruising más ancho en ese Roy. Es Fantasma, ya. Ropa dorada. Gooch. Eres una chica. Smoogy SmookJMimagina tu vida. Como si fuera una película. Director de cine, Malcolm Dee. Moscas y Jess. Las Vegas. Música haciéndose famosa ese estilo de vida. Ponerse peligroso. Estos sueños, aunque son contagiosos. Sigue los sueños, la ambición. Perseguirlos. Misión. Les pegó fuerte. Colisión. odio. Determinación. Ya te ves. A continuación, tenemos coro, también. Entonces el segundo coro es la segunda iteración de tu primer coro o el Garfio. Nuevamente, esta es la parte más pegadiza de la pista. El propósito de tener un segundo coro es reforzar el mensaje central o el estado de ánimo de tu canción Entonces, el 90% de las veces, suele ser de la misma duración o más larga que la primera. Así que de ocho a 32 barras. Y eso es solo porque a veces el coro dos es hacia lo que se está construyendo toda la pista, ya que suele ser el coro final en la A veces el coro dos es una copia literal y pasta de coro uno, o puede ser el mismo tipo de idea musical pero más excitada y más llena Quieres que el segundo estribillo golpee tan fuerte como el primero Así que asegúrate de que la melodía y el ritmo sigan siendo reconocibles Agrega alguna variación. Así que considera ligeras variaciones en el segundo coro, como agregar más capas, traer nuevos instrumentos o usar armonías para hacer que el segundo coro se sienta mucho más grande y mucho más El primer coro es sutil o algo tenue, entonces el coro dos a menudo puede ser una oportunidad para traer más energía, ya sea a través de elecciones de producción o entrega vocal coro dos es importante para enfatizar el tema principal de tu pista y hacerla más memorable para el oyente BO T D. BOT, D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. BOT D. W tenemos el puente. El puente es un tramo corto que aporta contraste con el resto de la pista. Normalmente sucede después de unos versos y coros para darle al oyente algo diferente antes de regresar a las partes familiares Puede sonar diferente de los versos y coros en términos de ritmo, melodía o instrumentación Por lo general, es corto alrededor de ocho a 16 bares. Puede sonar diferente a los versos y coros en términos de ritmo, melodía e instrumentación Por lo general, viene después de un par de coros y da una sensación de cambio o acumulación La idea con un puente es mantener las cosas frescas e interesantes y evitar que la pista se sienta repetitiva Puedes agregar emoción o tensión antes de traer de vuelta las partes principales de la canción. En ocasiones el puente se puede sustituir por un tercer verso, como en este ejemplo. Clima cálido. Quieres un negro. Pensando en grande. Tú quieres. Estos sueños te dan una oportunidad. Una fiebre dran Woo. Es una luz. En LA Boga. Segundo s. Mahony Mis sueños completos Un neumático Tienda de moscas desnudas en la tela. Carne de res. Vamos a ver en. Buenos grandes sueños. Vamos. Sé yo. Pero de sueños. Ahí dentro. Y luego tenemos el outro. Este es el final de la pista. Envuelve todo y le da al oyente una sensación de cierre. Por lo general es bastante corto, de ocho a 16 barras. Pero en algunos otros géneros como tal vez drum and bass y trap, puede ser más largo alrededor de 32 bares. Pero esto suele ser solo para permitir que dejas tenga tiempo de mezclar esa pista en una pista diferente. A menudo es un desvanecido lento o una reducción en los instrumentos. El outro podría repetir algunas de las partes anteriores como el gancho o una versión simplificada del verso, y es la sección final la que deja al oyente con un sentido de finalidad Puede parecer que la canción está llegando a una parada suave o desvaneciéndose en el fondo En el tema que estoy a punto de tocar, las letras originales del verso uno se vuelven a utilizar para dar un sentido de familiaridad y cierre. Marvel negro, limpio como el cristal. Tarro de Trabajo bebiendo en una hoja. Imagina rugir como Charlie Sheep. Ese es el poder del sueño. Quién Así que antes de volver a saltar al Daw, solo quería dar algunos pequeños ejemplos de algunas plantillas de estructura Entonces esta estructura básica es aquella que funciona para la mayoría de las canciones y la mayoría de los beats, incluyendo trap, hip hop , drill, y muchos otros géneros. Comienza con una intro, que inicia la pista, marcando el ambiente Luego obtenemos un verso desarrollando el tema musical y dando algo de espacio para el ritmo y la melodía, un coro o un gancho, la parte más memorable y pegadiza de la pista, otro verso manteniendo el desarrollo en marcha, luego otro coro o gancho para reforzar el núcleo de la pista y un outtro que termina la pista y un outtro que termina la pista desvaneciéndose o trayendo cosas a un cerrar. Entonces tenemos doble estructura, lo cual es bueno para una canción que necesita más versos como una canción de rap o un ritmo con mucho contenido lírico Esto comienza con una intro. Tendrá dos iteraciones de un verso, luego un coro, luego dos iteraciones de un verso, otro coro, otro coro, Pero la estructura realmente no es tan complicada. Si solo sigues estas tres reglas simples, puedes hacer lo que quieras. La regla uno es usar siempre algún tipo de introducción. Aunque eso sea solo de una a 2 barras de una especie de símbolo inverso o algo así, solo asegúrate de que algo esté introduciendo la pista. Siempre tenga al menos un estribillo. Entonces no necesitas tener dos coros o tres coros, pero sí necesitas tener algo hacia lo que la pista esté construyendo Puedes tener una pista de 10 minutos de duración donde 9 minutos de eso es una acumulación solo para un gran coro al final Y por último, trata de no repetir secciones más de dos veces. Entonces, por ejemplo, no tengas algo como intro, verso, verso, verso, coro, verso, coro, verso, coro, verso, verso , verso, coro outtro Mantenlo a un máximo de dos. Así intro, verso, coro coro, primer verso, coro coro Tampoco siempre tienes que terminar en un outtro. Algunas canciones terminan después del estribillo final, y tu intro no siempre tiene que entrar en verso Algunas introducciones van directamente al coro. Y a veces la intro es el coro, solo una versión muy despojada del 22. Síndrome del personaje principal (el truco del elemento principal): Veamos una de las técnicas más efectivas para hacer ritmos que se peguen en la mente de tus oyentes, el truco del elemento principal Este enfoque consiste en identificar y construir toda su pista en torno a un solo sonido o idea destacada Ya sea una muestra, una melodía, o incluso un surco rítmico, este elemento principal se convierte en el ancla que mantiene todo unido Al final de la conferencia, no solo entenderás cómo encontrar y enfatizar tu elemento principal, sino también cómo estructurar todo tu ritmo alrededor de él para lograr el máximo impacto. Entonces, ¿cuál es el truco del elemento principal? Bueno, es simple pero increíblemente potente, y es la idea de enfocar tu pista alrededor de un sonido definitorio o una idea musical. Esto no quiere decir que otras partes de tu ritmo no sean importantes. Lo son, pero el elemento principal es la estrella del espectáculo. Por ejemplo, tu elemento principal podría ser una chuleta vocal que atrapa la oreja, melodía inquietante, tal vez que establezca el estado de ánimo o un ritmo de conducción que mantenga el ritmo en marcha Este concepto es clave para que tus ritmos sean memorables, cohesivos y fáciles de conectar para los oyentes Es lo que le da identidad a tu pista. Entonces hablemos de por qué esto funciona tan bien. En un mundo donde los oyentes están inundados de música, destaca la sencillez Un solo elemento fuerte hace que tu ritmo sea instantáneamente reconocible Piensa en las pistas más icónicas que conoces. Lo más probable es que tengan una característica definitoria. Por ejemplo, la muestra vocal de Daft Punk en el más fuerte de Kanye West o la melodía de piano y la línea de bajo en Stildre del doctor Además, al enfocarte en una idea central, puedes crear una pista completa más rápido y con menos riesgo de complicar demasiado las Tener un elemento destacado te da algo para evolucionar y manipular a lo largo de una pista, manteniéndola fresca sin tener que reinventar la rueda cada pocas barras Esto es lo que hemos estado haciendo todo el tiempo. Comenzamos con la muestra, y esa muestra se convirtió en nuestro elemento principal. Después construimos la batería a su alrededor, construimos una melodía a su alrededor, y esa melodía tomó el centro de atención y luego impulsó el ritmo. Y debido a que usamos la melodía para construir los acordes, también terminamos construyendo los acordes alrededor de esa muestra, también Todo lo que intento hacer ahora es ponerle un nombre al proceso y refinarlo para que puedas usarlo conscientemente en cada ritmo que hagas. Dominar este concepto hará que tus pistas sean más intencionales, más cohesivas y más impactantes Entonces, para identificar tu elemento principal, comienza con lo que destaca. Cuando estás experimentando, ¿qué sonido te llama la atención Ese suele ser tu elemento principal. Además, confíe en sus instintos. Si algo se siente emocionante o se siente un poco memorable, tal vez ese podría ser el elemento principal. Por ejemplo, si tuvieras que describirle tu ritmo a alguien, ¿qué es lo primero que mencionarías? Lo que sea que menciones es probablemente tu elemento principal. Podría ser una melodía que tocas, un sonido que modificas en un sintetizador, o incluso algo inesperado como una muestra aleatoria de YouTube Una vez que hayas identificado el elemento principal, el siguiente paso es construir el ritmo a su alrededor. Agrega elementos que complementen el elemento principal sin eclipsarlo. Por ejemplo, si tu elemento principal es una muestra vocal, usa alguna percusión ligera o tal vez algunos acordes suaves para soportarlo Luego usa secciones como un verso despojado o un desglose para darle un poco más de impacto al elemento principal cuando finalmente regrese. Usa reverberación o delay o incluso algunos filtros creativos para que tus elementos principales destaquen aún más, y siempre asegúrate de devolver tu elemento principal en momentos clave, pero, ya sabes, agrega pequeñas variaciones para mantenerlo fresco Incluso con un truco tan simple, hay errores a tener en cuenta. Entonces el primero ahí, no dejes que otros sonidos eclipsen tu elemento principal Siempre debe ser el foco. Pero con eso, se quiere variar la repetición. Entonces, si tu elemento principal permanece igual en toda la pista, puede llegar a ser aburrido. Agrega cambios sutiles para evolucionar con el tiempo. La simplicidad es clave aquí, así que deja que tu elemento principal brille sin demasiado desorden a su alrededor. Y asegúrate de construir tensión y liberación variando la presencia del elemento principal en diferentes secciones. Entonces, veamos un ejemplo rápido de otra pista que hice con ese rapero del que estaba hablando antes, donde el elemento principal es un piano. Se repite con algunas ligeras variaciones a lo largo, y los otros elementos se construyen a su alrededor en lugar de luchar por la atención. Casi me enloquezco en f. montando en esa OssoYcegld Crone. Mencionaste parecerte a ti en Roma hasta los muelles, buenas cadenas brillando en los barcos, sintiendo que tu dinero fluye para seguir sueños Ir a una pérdida. Eso es un tapete, el jefe más grande. Viste esa cruz Diamond Gold sintiéndote como la versión irlandesa Rick Rose. No deberá O que rueda la voz. Crowl gritando. Espera a escuchar tu voz. Sientes que tomas la decisión correcta. Lleno de emoción. Gracias a las alegrías Con dedicación, nunca caerás Block A nos odian como el constructor de Trump Ball seguir goles. De pie alto. Perseguirlos sueños. Gana más. Pezón dorada en la escena de esa torre, toda crema Ese es el poder del sueño. Eso es lo que llamas sueño millonario. En el de decir si se llena. Ahora los haces como una n en la tela con los honestos, te sientes como un fseek no el hogar Sal ese auto con ese traje negro. 23. Arreglo básico con marcadores: Ahora que sabemos cómo debe estructurarse una pista, realidad vamos a estructurar este ritmo usando marcadores en FL Studio. Los marcadores son excelentes para organizar sus ideas, construir transiciones y hacer que su pista fluya sin problemas. Entonces por el momento, esto es solo una idea básica de dónde creo que quiero que vaya la pista. Es principalmente solo para visualizar la estructura del ritmo para que podamos planificar las transiciones y construir alrededor del arreglo. Así que vamos a escuchar rápidamente lo que tenemos hasta ahora, y luego después de eso, pondremos algunos marcadores para dar una idea general para el arreglo del beat. Entonces me gusta el arreglo general hasta ahora. Me gusta que estemos usando la muestra en la introducción, y quiero que se desvanezca como que la melodía principal entra Y luego quiero entrar en esta sección ya sea instrumental o tal vez de coro. Y entonces sé que quiero que el versículo entre después de esto. Entonces, primero agreguemos esos tres marcadores. Entonces en una Mac, si golpeas Comando y T, antes que nada, tienes que mover tu cabeza de reproducción a donde quieras poner el marcador Entonces quiero un marcador al inicio de la lista de reproducción. En un Mac, voy a golpear Command y T o en un Windows, podría ser LDt o Control no estoy seguro Pero uno de esos probablemente lo hará. Y si hacemos doble clic sobre esto, resaltará toda la sección para que usted haga un bucle. Ahora, por el momento, no tengo ninguna otra sección en, así que está pensando que quiero hacer un bucle de toda la canción. Pero te lo voy a mostrar otra vez cuando tengamos más marcadores. Así que por ahora, vamos a cambiar el nombre esto haciendo clic derecho sobre él, y podemos renombrarlo como Introducción Después agregaremos otro marcador. Entonces aquí, y vamos a llamar a esto Garfio. Y entonces el otro marcador que quiero agregar ahora mismo es un verso aquí. Verso uno. Entonces nuevamente, solo por ejemplo, si hago doble clic en Hook aquí, resaltará el Hook por mí para que pueda recorrerlo y editarlo fácilmente. Entonces ahora voy a ir a planear una estructura básica para la pista. Entonces sé que quiero que esto sea un verso. Entonces lo que voy a hacer es que voy a ampliar esto. Por tal vez 16 bares. Un bar en FL Studio son solo estas dos líneas gruesas aquí. Pero normalmente conocerás una barra debido a estos dos colores diferentes. Entonces tenemos gris claro y un gris oscuro. Y dentro de cada uno de estos colores, van a haber 4 barras. Así que tenemos 1 barra, 2 barras, 3 barras, 4 barras, 1 bar, dos barras, 3 barras, 4 barras, y cuatro por cuatro es 16. Entonces, cuatro de estos colores diferentes, te daremos 16 barras. Entonces, si solo escuchamos este verso por un segundo, solo quiero hablar de algo ya que está sonando. Entonces generalmente cada 8 bares, sucederá algo diferente. Entonces por el momento, es exactamente lo mismo. Y se pone muy, muy repetitivo. Si este patrón solo se repitiera por 16 barras, se pondría muy, realmente estancado Entonces básicamente, estoy buscando hacer algo diferente a partir de aquí en adelante. Estoy buscando agregar algo o hacerlo un poco más interesante. Y lo que estoy pensando en hacer es porque vamos a estar volviendo a es porque vamos a estar volviendo a una sección de gancho después de nuestro verso, sé que la melodía principal está volviendo a entrar, y sé que la melodía principal está basada en esta muestra. Entonces estoy pensando que si solo copio y pego esta muestra, va a hacer una especie de insinuación a la melodía principal antes de traernos de vuelta a ella. Entonces para esta parte, realmente no quiero que se desvanezca. Así que me voy a deshacer del desvanecimiento. Y entonces esta sección será otro gancho. Así que sólo voy a copiar y pegar esto de nuevo. Veamos cómo suena eso. Entonces después de este segundo gancho, podemos agregar en otro verso. Entonces agreguemos Ups. Vamos a agregar primero. Para. Y lo que podamos hacer nuevo es tal vez copiar y pegar lo que tenemos para el primero. Pero generalmente con el Verso dos, estaremos agregando algo o haciendo algo o cambiando algo para hacerlo un poco diferente. No queremos copiar y pegar verdaderos, pero ahora mismo no nos preocupa eso. Sólo nos preocupa tener un tipo inicial de estructura en la pista. Y luego una vez que sepamos cómo se supone que se tiene que arreglar la pista, ahí es cuando podemos empezar a mirar realmente, ya sabes, cosas como transiciones y tal vez agregando cosas, quitando cosas, haciendo de este segundo gancho un poco más lleno que el primero, y luego, ya sabes, variando el Verso dos. Entonces, en aras de la argumentación, en el versículo dos, podríamos traer ese arp que estábamos haciendo antes Um, acabo de borrarlo porque no era un gran fan, pero podemos agregarlo solo para demostrar que queremos algo diferente en el verso dos. Y luego, claro, probablemente vaya a entrar en otra sección de Hook, así que solo voy a agregar una muy rápido. También puedes hacer clic derecho en la línea de tiempo del Marcador para agregar otro marcador. Y tal vez porque este es el tercer gancho, esta app podría continuar. Ahora bien, para ser honesto, en realidad creo que el arp está chocando con la Ya sabes, ese truco de un elemento que estábamos viendo antes. Creo que el arp está algo alejando de nuestro elemento principal aquí, que es la melodía Entonces no voy a tener un arp en la versión final. Eso lo sé. Y en realidad probablemente acabaré cambiando el arp en el verso dos Puede que ni siquiera lo use en absoluto. Podría usar algo diferente. Pero solo quiero destacar para mí y para ustedes, supongo, que algo diferente debería estar sucediendo en el Verso dos, y entonces este tercer gancho está destinado a estar un poco más lleno que los otros dos ganchos. Sección de puente. Entonces, por ejemplo, agreguemos en un puente. Y aquí podríamos simplemente usar la batería por ahora, y sólo vamos a hacerla 8 bares de largo, sólo algo corto. Pero esta sección será algo totalmente diferente a, ya sabes, la melodía y la idea que ha estado corriendo todo este tiempo, solo para darnos un respiro porque hemos estado repitiendo bastante. Y luego una vez que tengamos nuestro pequeño descanso de ocho barras aquí en nuestro puente, volveremos a entrar en otro gancho. Y este gancho servirá como el gancho final de la pista. Entonces voy a traer todos mis elementos para demostrar que es un gancho, pero también quiero usar este arp o algo así solo para hacerlo un poco más lleno Y también estoy pensando porque es el último gancho, tal vez podríamos ponernos en esta muestra vocal encima de todo lo demás porque ese tipo de se siente como lo que está construyendo la pista hacia este gancho final donde vuelve a entrar la muestra. Y luego después de eso, tendremos un outtro. Y nuevamente, esto podría ser algo sencillo, tal vez batería y bajo. Y luego terminamos. Entonces veamos cómo suena eso. De tal vez aquí. ¿Y sabes qué? En realidad no soy un gran fan de tener un Outro Creo que podría ser un poco demasiado repetitivo. Ya sabes, como que tenemos la batería y el bajo corriendo para toda la canción. Así que en realidad solo voy a borrar eso, y usaremos este gancho final como nuestro Outro Así que solo extenderé esto un poco para darnos un pequeño clip en blanco para el Otro solo para que FL Studio no lo recorra recto, y nos dé un poco de cuento de reverberación como el Outro Entonces ahora tenemos muy claro un arreglo básico. Tenemos nuestra intro cual solo la muestra. La melodía entra a medida que las muestras se desvanecen. Entonces nos golpean con el primer gancho. Entonces caemos en una sección de verso donde es solo, ya sabes, batería y bajo y algunos pads. La muestra vuelve a entrar como el tipo de acumulación hacia otro gancho, que viene aquí Después de este gancho, tenemos el versículo dos, y en el verso dos, algo diferente va a suceder. Pero sigue el mismo tipo de estructura donde entra la muestra, para insinuar el gancho, el gancho vuelve a entrar. Pero esta vez, está un poco más construido. Suena un poco más lleno. Tiene más elementos añadidos. Entonces tenemos un puente que se supone que es diferente para sacarnos de la repetición que ha estado ocurriendo antes, y luego entramos en nuestro gancho final para reforzar la idea principal de la pista, y luego la pista termina. Obviamente, como dije antes, vamos a estar desarrollando esto. Vamos a agregar transiciones y efectos, elementos de relleno, y solo, ya sabes, otras cosas que realmente pueden construir este seguimiento. Pero por el momento, creo que este es un buen arreglo básico. Lo que voy a hacer ahora es para cualquiera que esté interesado, sólo voy a jugar todo el asunto. Para que puedas escuchar cómo podría sonar un arreglo muy básico y crudo. Pero no hay nada más en el resto de esta conferencia, sólo una jugada a través. Entonces, si no te interesa, puedes saltarte adelante. Bien Mm. 24. Variaciones para bucles: Entonces, en esta conferencia, nos vamos a centrar en crear variaciones dinámicas de un bucle para mantener tus pistas atractivas. Vamos a hacer tres versiones separadas, menos, medianas y más. Y ajustaremos la complejidad y la energía para adaptarse a diferentes partes del arreglo. La razón por la que deberías crear diferentes variaciones es porque bueno, un bucle estático puede llegar a ser aburrido rápidamente. También permite que la energía en la pista se construya y se descomponga de forma natural. Y por lo menos, puede ajustarse a las necesidades de arreglos. Entonces diferentes secciones, ya sabes, verso intro Hook. Requieren diferentes niveles de energía. Entonces, bien, echemos un vistazo a la creación de algunas variaciones diferentes de la batería. Entonces, por el momento, nuestra batería suena así. Están bastante construidos y tienen bastante alta energía. Entonces lo que voy a hacer es que los voy a tomar y clonar, y voy a renombrar esto como batería Menos. Entonces para esto, definitivamente voy a eliminar la capa de aplausos Creo que tener un aplauso más pequeño hará que este patrón suene como si tuviera menos energía Entonces eso significa eliminar estas dos capas también. También me voy a deshacer de nuestra capa de sombrero alto. No creo que lo necesitemos para la versión despojada. Veamos cómo suena esto. Y también podría borrar estos sombreros abiertos también al inicio del patrón. Entonces ahora nos quedamos con lo básico desnudo, el bombo, un simple aplauso o caja, un simple patrón de sombrero alto, simple patrón de sombrero alto, y solo algo Entonces, por ejemplo, creo que esto podría funcionar bien en las secciones del verso. Entonces sigamos adelante y solo sustituirlos. Y luego crear una versión media. Y la razón por la que estoy creando un medio es que creo que este patrón es algo así como nuestro patrón de batería completo. Este tipo de tiene en ella todo lo que necesitamos. Tiene todas las capas y toda la percusión extra y los sombreros abiertos y todo eso Entonces creo que esta es nuestra versión completa o más. Entonces lo voy a clonar nuevo y voy a renombrar esta batería. Mediano. Entonces para esto, estamos agregando elementos extra. Entonces tal vez me deshaga de la capa principal de aplauso, pero me quedaré con las teclas, el sonido foley, el sonido natural que habíamos acodado con el primer aplauso y el último aplauso Y tal vez también me deshaga de esta capa de sombrero alto. Entonces ahora este podría ser nuestro patrón de tambor medio. Entonces esto podría funcionar en, ya sabes, tipo de secciones de acumulación como esta y tal vez aquí Entonces, para hacer lo mismo con tal vez los cordones, echemos un vistazo a estos. Creo que estos ordos serían la versión media. Entonces, gritos, nunca cambié el nombre de la batería. Entonces esto es en realidad más tambores. Pero volviendo a los cordones, voy a renombrar los cordones ahora como Cordones medianos. Y luego los voy a clonar. Y estos pueden ser cordones menos. Y lo que voy a hacer es simplemente deshacerme de estas dos capas. Entonces ahora nos quedamos solo con el piano original. Y eso podría funcionar en algún lugar tal vez en la segunda acumulación para que esté insinuando los cordones o el patrón de cordón que ocurre en el gancho Pero notarás que no está tan lleno como los cordones que estamos usando en el gancho, que son los cordones medianos. Y luego, para crear una versión más, volvería a clonar nuestros cordones medianos, y voy a renombrar estos como cordones más. Y lo que voy a hacer es que voy a copiar nuestro patrón de cordón. Voy a añadir un nuevo sintetizador, y voy a pegarlos para hacer una nueva capa Y esta capa será algo así como un super sau, algo realmente, ya sabes, alta energía y lleno. No. No, no soy un gran fan de ninguno de estos. A lo mejor vamos a probar algo de tal vez Techno melódico. Veamos qué tenemos aquí. Entonces esta sería la idea perfecta a la que voy a buscar, pero hay un LFO que se está automatizando, así que está un poco ocupado para lo que estoy buscando. Así que voy a seguir adelante. Bien. Entonces tal vez algo como esto para agregar un poco más emoción y un poco más de gama alta, y tal vez voy a poner esto en nuestro segundo gancho y nuestro tercer gancho. Y luego como último ejemplo, qué podemos hacer con la melodía para crear una versión menos, déjame solo clonar eso y le renombramos si me deja. Renombrar Melody Less. Lo que podemos hacer es, antes que nada, podemos eliminar nuestra capa. Pero también podemos entrar y tal vez podamos editar un poco la melodía. Así podríamos tomar algo así como todas las notas largas y deshacernos de todas las notas cortas para ver cómo suena eso. A lo mejor algo así, sólo para dar una especie de pista a la melodía principal. Y, ya sabes, de nuevo, puedes usar esto en, como, una sección de acumulación, tal vez en algún lugar del puente que conduce al gancho final. Ahora, personalmente, hay algunos sonidos dentro la pista con los que no estoy contento. Y una de ellas es la capa de acordes que acabamos de agregar ahí en esta conferencia. Así que solo estoy consciente de pasar demasiado tiempo buscando diferentes presets, así que tiendo a elegir uno, pero voy a volver y cambiar algunos de los presets, me imagino Y probablemente también cambiaré algunos de los sonidos de batería. Pero el núcleo de la pista sigue ahí. Todo lo que voy a cambiar son presets. Entonces, como puedes ver, crear diferentes variaciones de tus bucles originales es una excelente manera de permitir que la energía en la pista fluya de forma natural. 25. Resta y rellenos (Transiciones parte 1): En esta conferencia, nos centraremos en cómo crear transiciones fluidas e impactantes. Entonces una técnica de transición básica y básica sería agregar silencio antes de la caída. Y básicamente, esto significa quitarte algo antes de agregar algo. Entonces por ejemplo, aquí, antes de agregar en nuestra muestra y la capa de acordes, podemos quitarnos algunos de los tambores, y tal vez nos quitemos algo del arp Y esto en sí mismo es una transición sencilla. O podríamos variar los tambores aquí para crear un relleno de tambor. Entonces, si hago que este patrón sea único, lo clonará. Y ahora podemos entrar en esto. Este es ahora un patrón diferente al de estos tres tambores, y podemos hacer algún tipo de relleno al final. A lo mejor haremos un relleno de barra t. A lo mejor algo así. Para. O podemos hacer algo realmente genial, que es reemplazar el rollo de sombrero alto por un kick roll. Así que voy a borrar los aplausos por un segundo, y voy a dibujar algunas patadas extra Lo abriremos en nuestro rollo de piano. Y tal vez solo para la última sección aquí, vamos a crear un poco de kick roll. Voy a ajustar mi grilla de ajuste a medio paso. Y también me he dado cuenta de que algunas de las velocidades son un poco diferentes, así que voy a destacar todas estas patadas, y esto debería ser un kick roll Incluso podríamos ir un poco más allá aquí al final y tal vez duplicar estos otra vez yendo aún más pequeños. Así que lo pondré en un cuarto de paso, y los duplicaremos. Entonces eso suena así. Pero esto realmente funciona bien si haces lo mismo en la base. ¿Bien? Entonces volvamos a abrir nuestro kitum. Está por aquí. Vamos a copiar estos últimos rollos de patadas, llevarlos a la base. Y al final aquí, donde está en la nota de D, voy a pegar en mis kick rolls. Vamos a traerlos por aquí abajo. Voy a borrar la D, y vamos a reemplazar eso con nuestro kick roll. Y tengo que hacer lo mismo en la capa, que está aquí. Y yo solo borraré los pads para que puedas escucharlo de verdad. Pero también puedes usar cosas como rellenos de tambor dedicados. Por lo tanto, algunos paquetes de muestras vienen con rellenos de tambor dedicados, o puede hacer los suyos propios. Vamos a tratar de hacer nuestro propio aquí con un bucle de batería. Entonces, incluso si acabamos de tomar la primera parte de esto, podríamos tener que ajustarla a nuestro tempo. Y ya veremos cómo suena esto. Parece que podría ser un poco rápido. No, está bien. Entonces puedes usar algo sencillo como esto como relleno. Y probemos uno diferente por el bien de la demostración. Y con esto, por ejemplo, puedes abrirlo en tu mezclador y manipularlo para que suene más como una transición. Entonces, para hacer eso, podríamos eliminar algunas de estas bajas frecuencias para que suene un poco más lejos o como si tuviera menos energía. Tal vez podamos deshacernos de algunos de los máximos también para intentar crear un efecto de radio Algo como esto. Y entonces tal vez le pusimos, no sé, un coro o un flanger o tal vez un fáser o algo así Vamos a probar con un flanger. Y voy a elegir algo que no sé, el motor. A ver. A lo mejor algo más que eso. No, no soy un gran admirador de eso. Podría simplemente reemplazar esto muy rápido con el efecto de coro. Sí, tal vez algo así, y podríamos lanzar solo un poco de reverberación Ahora bien, no suena genial. Suena un poco fuera de lugar, pero la idea es que puedas crear un relleno de batería usando loops de batería o paquetes de muestra dedicados que tengan rellenos de batería en ellos, y luego puedas tomar eso y manipularlo de alguna manera para hacer un tipo de transición interesante y diferente. Volveremos a las transiciones en la próxima conferencia y la conferencia posterior a esa. Entonces esto es técnicamente transiciones Primera parte, haciendo algunas transiciones básicas. Pero con algunas técnicas más y un poco más de conocimiento, realmente podemos crear algunas transiciones que suenan geniales 26. Efectos de composición (Transiciones Parte 2): En esta conferencia, vamos a ver downlifters, impactos y Puedes usarlos creativamente para crear transiciones perfectas, agregar tensión y crear beneficios memorables. Entonces, por ejemplo, estamos al final del Verso dos aquí. Sí, entrando en el gancho. Y acabo de crear una transición bastante grande quitando la mayoría de los elementos antes de que entren. Y también he agregado en un relleno de tambor aquí, un relleno de tambor adecuado que tenía en un paquete de muestra. Así que sólo voy a tocar eso por un segundo. Entonces, lo que estamos buscando es construir un poco más de tensión acumulándose hasta esta transición, y luego aliviar esa tensión cuando entremos en la caída. Entonces, dos formas de aliviar la tensión que entra en una caída son el uso de impactos y downlifters Así que vamos a echar un vistazo a algunos de estos. Entonces tal vez solo tomemos uno, por ejemplo, y lo haré un poco tranquilo, así que es un efecto sutil. Pero el quiero que se desvanezca un poco más rápido. Y entonces tal vez podríamos ponerle capas esto con un impacto o un sub boom. Entonces tal vez este terremoto de impacto para un gran impacto. Y ahora agreguemos un elevador para construir hacia esa transición Entonces primero usaremos uno de estos elevadores. A lo mejor algo así. Y cuando estás usando elevadores, el mejor lugar para que terminen o que suban también es el inicio de tu transición, no el inicio de la caída Y sólo te voy a mostrar por qué en un segundo. Pero primero, voy a encajar esto a nuestro tempo y vamos a arrastrarlo, y veremos cómo suena esto. Entonces, al terminar el elevador en la transición, en realidad estás agregando un nivel extra de tensión Entonces se siente como si todo estuviera conteniendo la respiración, esperando que llegue esta gota. Si tuvieras que continuar con el elevador a través de la transición, pierdes ese efecto de contener la respiración Así que siempre es una buena idea dejar algún tipo de brecha entre el elevador y el descenso O sea, incluso podrías tener el elevador subiendo a este relleno de tambor y usar el relleno de tambor como el tipo de, ya sabes, la sección de contener la respiración Pero para mí personalmente, creo que lo prefiero en algún lugar por aquí donde toda esta transición donde todos los elementos caen, crea un poco más de tensión. Y luego para construir sobre este elevador, podemos usar aquí hay algo que se llama reversiones tonales, y estos son como efectos de reverberación inversa Tienen una llave, como pueden ver, así que estamos en la clave de D menor. Entonces tenemos uno que dice D, pero no sé si eso es D mayor o D menor. Entonces voy a ir con éste y ver cómo suena. Por lo que puedes usar estos para crear un nivel extra de tensión. O lo que podríamos hacer es crear el nuestro propio. Entonces, si notas esto suena bastante genial, pero la textura real del mismo, suena un poco sinfónico Realmente no se ajusta al sonido general de la pista. Entonces lo que podemos hacer es crear uno de ellos nosotros mismos, que se llama reverberación inversa Entonces lo que voy a hacer es llevarme todo lo previo a la transición. Entonces tal vez solo estos elementos, y los voy a sacar al medio de la nada donde hay mucho espacio detrás de ellos. Entonces solo quiero asegurarme de que se corte justo donde se supone que debe comenzar la transición. Y también quiero asegurarme de que FL Studio, cuando esté jugando, va a cortar aquí y dar vueltas, pero quiero crear una gran cola de reverberación larga Entonces lo que voy a hacer es que voy a tomar uno de estos elementos, tal vez los pads, y sólo voy a ponerlos ahí. Así que ahora FL Studio no volverá a dar vueltas cuando se esté reproduciendo este acabado. Así podemos crear una bonita cola de reverberación. Así que sigamos adelante y entremos en nuestro maestro y carguemos una gran reverberación loca Entonces voy a subir la señal húmeda o afectada, y voy a girar la seca, que es el tipo inicial de señal sin reverberación Voy a rechazar eso porque quiero un sonido de reverberación húmedo muy exagerado Entonces podría aumentar el tamaño de este tipo de espacio en el que estamos trabajando. Entonces, en lugar de tener una habitación pequeña, suena mucho más grande y más ancha. Y la verdadera magia viene de este tiempo de decadencia. Entonces esto básicamente es decir a la reverberación. Por el momento está configurado para arriba, se puede ver 1.5 segundos. Entonces, después de 1.5 segundos, la reverberación volverá a estar completamente tranquila. Entonces quiero que esto sea bastante largo y exagerado. Y tal vez simplemente me deshaga de los tambores. Creo que sólo quiero elementos melódicos. A lo mejor el bajo, también. Y vamos a darle la vuelta a esto a la derecha. Y ahora lo que vamos a hacer es destacar de tal vez por aquí, lo suficiente como para entrar en esa transición. Voy a dar 8 barras largas grandes para dejar que la reverberación se acabe. Y entonces lo que puedo hacer es que puedo subir y puedo exportar un archivo wave. Y solo voy a llamar a esto, por ejemplo, reverberación inversa. Así que ahora puedo borrar estos de nuevo porque no los necesito. Puedo deshacerme de esta reverberación, y podemos importar ese audio que acabamos de exportar Bien, entonces ahora tengo esto importado. Es bastante sencillo de importar. Simplemente abre la ventana de su buscador o sus documentos o donde sea que lo renderizó y simplemente arrástralos. Pero no lo pude encontrar por unos minutos, así que solo corté hasta aquí donde lo tenemos arrastrado Entonces de todos modos, esta es nuestra reverberación bien. Pero la verdadera magia viene de cortarla también. Entonces, si recordamos, nuestros instrumentos estaban tocando aquí, y luego por aquí es donde se cortan y comienza el cuento de reverberación Entonces queremos cortar donde están tocando los instrumentos, y luego queremos tomar el cuento de reverberación y revertirlo Vaya, eso es después de agregar de nuevo en nuestra melodía. Así que vamos a eliminar algunos de ellos. Y ahora tenemos un bonito swell de reverberación inversa. Entonces eso es bastante genial. Pero otra cosa que he hecho antes es ponerlo aquí y hacerlo más corto, tal vez no tan corto, tal vez sobre esto. Vamos a desvanecerlo. Entonces todavía tenemos una especie de contener nuestra sección de respiración, pero esto solo nos lleva a la caída. Y lo que hice antes es ponerle distorsión a esto. Así que vamos a distorsionarlo por un segundo. Y ojalá esto no suene tan mal. Definitivamente demasiado. Y una última cosa de la que hablar son los elevadores. Entonces tenemos downlifters. Ahora bien, este paquete no parece tener ninguno a menos que estén aquí. Mm. Tipo de. Esto en realidad podría funcionar mejor como sonido de impacto. Así que voy a reemplazar nuestro impacto con esto tal vez Pero sí, también existe algo llamado uplifters Entonces tenemos downlifters, que son como barridos de ruido blanco tipo de barrido hacia abajo para reducir la tensión Pero si tomamos uno de estos y lo invertimos, deberíamos poder crear un levantador, que básicamente es solo un downlifter que básicamente es solo un downlifter Entonces intentemos agregar eso a. Y ahora eso no está sincronizado con mi línea de compás. Sólo voy a encajar al tempo muy rápido. Así que ahora hemos estratificado un elevador con un elevador. Ahora estamos entrando en una sección de transición donde hemos quitado algunos elementos y luego usamos el relleno de tambor para meternos en el gancho. Junto con este oleaje de reverberación, tenemos un impacto y un downlifter Bien, entonces esta conferencia estaba cubriendo, ya sabes, downlifters, uplifters, risers, todo ese tipo de efectos de tipo transición. cubriendo, ya sabes, downlifters, uplifters, risers, todo ese tipo de efectos de tipo transición. Entonces esto fue básicamente transiciones segunda parte. En la próxima conferencia, vamos a echar un vistazo a la automatización. Y con la automatización, podemos hacer esta transición aún mejor. 27. Automatización (transiciones parte 3): La automatización es un ingrediente secreto que hace que tus pistas se sientan dinámicas y vivas. Nos vamos a centrar en crear movimiento, efectos evolutivos y transiciones suaves usando la automatización para elevar tu música al siguiente nivel. Entonces, ¿qué es la automatización? Bueno, la automatización controla cómo un parámetro, como, por ejemplo, tu volumen o tu panoramización, cómo cambia ese parámetro tiempo o a lo largo de la pista Entonces podemos usarlo para sumar dinámica y variación. Podemos crear algunas transiciones de sonido suaves y profesionales, y podemos usarlo para automatizar efectos para encender y apagar diferentes instrumentos o para aumentar o disminuir con el tiempo Entonces por ejemplo, al principio aquí, donde me desvanezco la muestra principal y tengo la melodía entrando, La melodía apenas comienza de inmediato, pero me gustaría que se desvaneciera. Entonces, si abro mi pista de melodía y si me encuentro con la perilla de volumen, haga clic derecho en Crear clip de automatización. Ahora se agrega un clip de automatización a la lista de reproducción. Entonces, si acercamos el zoom, puedes ver que aquí hay una nota clave. Y si quieres agregar más notas clave, sólo tienes que hacer clic derecho Entonces una nota clave es básicamente ese pequeño círculo en el clip de automatización sobre el mouse ahí Y ahí están las partes que puedes arrastrar hacia arriba y hacia abajo. Entonces, por el momento, si miramos hacia arriba la izquierda aquí, nos dirá en qué está configurado, así que está configurado en 41%. Así que vamos a establecer este en alrededor de 41 también. Y luego si arrastramos el lado izquierdo hacia abajo, hará que el volumen de ese instrumento aumente con el tiempo. Ahora, porque hay dos capas en esta melodía, también tengo que automatizar el segundo instrumento. Entonces hagámoslo ahora. Haga clic derecho en Crear clip de automatización. ¿Qué es lo que está configurado? Está establecido en 24, 23, 25, 24. Y ahora nuestra melodía debería desvanecerse medida que la muestra se va desvaneciendo. Y creo que se desvanece en un poquito demasiado rápido, así que voy a ajustar la curva Entonces puedes ver aquí que si tipo de giro la curva hacia arriba, se desvanecerá más rápido, pero quiero que se desvanezca más lentamente, así que voy a bajar la curva. Y lo mismo con este de aquí. También puedes automatizar cosas como efectos. Entonces, por ejemplo, esto está configurado para rastrear seis. Así que vamos a cargar un efecto rápido aquí. A lo mejor me voy a quedar con los efectos de stock de FL Studio por ahora. Entonces, si cargamos un filtro de amor afrutado, que básicamente es solo un filtro de paso alto, voy a darle la vuelta al corte completo y automatizar esto así que ahora en nuestra pequeña sección de acumulación aquí donde la muestra va a entrar en el gancho, podemos agregar una nota clave, agregar otra aquí para hacer desaparecer todas las frecuencias altas, y la filtraremos al acercarse a el gancho. Aquí cómo está un poco amortiguado. Va a quedar más claro a medida que pase el tiempo. Entonces, donde la automatización para las transiciones viene muy útil es, digamos, tomaremos nuestra transición en la que hemos estado trabajando. Tenemos un piano antes de ello, así que voy a asignar el piano a una pista de mezclador. No necesito saber nada de eso. Aquí adentro, así que ahora es Track 13. Entonces puedo cargar, por ejemplo, tal vez, ese enchufe de ritmo bruto que estábamos viendo antes para crear algún tipo de tartamudeo Déjame solo. A. Quizá algo así. Y lo que podemos hacer es porque esto siempre está encendido, va a estar afectando siempre a las claves. Pero eso no queremos. Queremos que solo se encienda para esta pequeña sección de transición que podamos automatizar el encendido y apagado. Entonces completamente arriba significa que está encendido. Entonces queremos que se apague y sólo que venga aquí y que se apague de nuevo cuando entremos en el gancho. O, por ejemplo, podemos sustituir eso por algo raro, como, no sé, destructor Entonces, como puedes ver, puedes usar la automatización, automatizando el encendido apagado o incluso el volumen de diferentes efectos para crear algunas transiciones realmente geniales e interesantes Y luego, por ejemplo, también puedes ir un poco más allá. Entonces digamos que iba a agregar un efecto fáser. Si quiero que este parámetro en particular haga lo mismo que otro que ya he automatizado, no tengo que crear otro clip de automatización. Solo puedo hacer clic derecho y seleccionar Vincular al controlador. Y aquí en este panel interno del Controlador, quiero seleccionar el beat bruto porque eso es lo que había automatizado el mute, el interruptor de encendido y apagado para antes. Entonces quiero hacer click. Oh, sí, quiero hacer clic en Eliminar conflictos. Entonces esto podría estar encendido automáticamente para ustedes chicos. Si haces esto, apagará esta automatización original que tenías, pero básicamente quieres vincular esta automatización a la automatización original. Así que tenemos que asegurarnos de que eliminar conflictos esté desactivado, y luego presionamos Aceptar. Entonces ahora ambos van a seguir la misma automatización. Así podrás ver que ambos están automatizados para estar apagados en este momento porque ese es nuestro clip de automatización. Y aquí, los dos están encendidos de nuevo. Ahora, también quiero hablar de automatizar parámetros dentro de los propios sintetizadores. Entonces, si tomamos este Rp, por ejemplo, y abrimos el sintetizador, podemos automatizar cualquier tipo de parámetro aquí que nos guste Entonces, por ejemplo, no la decadencia, tal vez el sustain. Podríamos automatizar esto para abrir el sonido a lo largo del tiempo. Sin embargo, no puedes simplemente hacer clic derecho y luego seleccionar Crear clip de automatización porque ya no estás trabajando con los enchufes de stock de FL Studio. Ahora estamos trabajando con terceros. Vital es un enchufe de terceros. Entonces lo que puedes hacer es simplemente menearlo un poco, menear el parámetro que quieras efectuar Ven aquí a herramientas abajo hasta el último retoque. Y aquí verás un menú de aspecto muy similar, y vamos a crear clip de automatización. Entonces ahora podemos automatizar el sustain para que tal vez se abra con el tiempo, y luego tal vez volver a cortar. Entonces con nuestra transición aquí, voy a deshacerme de eso por un segundo porque no me gusta eso. Podría simplemente borrar el structor y solo lo mantendremos con el fáser Entonces ahora tenemos un uplifter, un riser, alguna automatización para hacer que el piano suene diferente en apenas esta sección antes de volver a Tenemos un poco de reverberación inversa y tenemos un downlifter y Y tal vez podría ser más fácil escuchar solo sin ese arp Así que básicamente puedes automatizar cualquier parámetro que te guste. Puedes automatizar el silencio on off, puedes automatizar el volumen, puedes automatizar esto. Cualquier cosa que puedas tocar y controlar, puedes automatizar. Y eso la convierte en una herramienta muy creativa para introducir tipo de cambios dinámicos a lo largo de la pista. H, 28. Elementos de fondo para relleno y textura: Aquí, vamos a sumergirnos en el concepto de elementos de relleno. Estos son solo pequeños toques adicionales que realzan el núcleo de la pista. Los elementos de relleno actúan como overdubs en música tradicional para darle a tu pista ese toque profesional y pulido Entonces, por ejemplo, para mí, cuando estábamos creando la menor variación de la melodía principal, entonces ese es este tipo de aquí. En realidad estaba pensando que la idea de dos notas podría haber una overdub Entonces, por ejemplo, si me deshago de esta nota y esta nota, y nos quedamos con esta alternancia tipo de E y F idea de dos notas. Y tomamos esta idea alternante de dos notas y la trajimos a tal vez en un instrumento diferente para crear una sobregrabación o un elemento de relleno Entonces hagámoslo ahora. Vamos a copiar y pegar esto en un nuevo instrumento llamado tal vez OD para melodía de overdub Y voy a traer un nuevo sintetizador. Y para esto, creo que estoy buscando una especie de sonido de plomo grueso y gordo. Oh, quiero deshacerme de las notas más largas y simplemente mantener las dos notas alternando idea. Entonces veamos si podemos encontrar algo que pueda funcionar para esto. A lo mejor algo en la discoteca futura. Busquemos un sonido de plomo aquí que pueda funcionar. LD, que significa plomo. Estoy buscando que sea un poco más profundo, así que creo que voy a echarlo abajo. Nosotros tal vez algo genial como esto. Esta podría ser una textura interesante para agregar. Entonces, por ejemplo, podríamos poner esto en tal vez en el último gancho. Y si solo esto y la melodía original, podrás escuchar lo que los overdubs están agregando a la melodía original Tal vez incluso podrías convertirlos en acordes tomando la colocación de las notas y colocándolas en capas con la progresión de acordes que estamos usando Entonces, por ejemplo, los acordes son A sharp, C, D, y F. Entonces, si tal vez los ponemos en capas, así Creo que aquí cambia a C. Esto sería D, y esto sería F. Ahora bien, no puedo escucharlos porque el plugin está configurado en mono. Así que sólo tengo que asegurarme de que apague eso. Y ahora que lo he hecho, me gusta mucho cómo suena. Así que incluso podría venir y manipular los acordes para que encajaran el mismo ritmo para que esto se convirtiera en el tipo principal de idea cordal Pero no voy a hacer eso solo porque por ahora, estamos viendo overdubs Entonces esto es solo un ejemplo de una overdub que podrías hacer Es una especie de idea melódica simple tomada de la idea original, pero está agregando sabor extra Está agregando algo de grosor, lo está haciendo más completo y más interesante. Otra técnica para el relleno y una que en realidad es bastante importante es usar atmósferas o efectos en el fondo de la pista Entonces, por ejemplo, creo que aquí dentro, hay algunas atmósferas agradables Sí, ya están abiertos. Entonces estamos en la clave de D. Entonces, sí, eso es perfecto. ¡Vaya! Ese es un tipo de chuleta vocal muy simple con reverberación que podemos colocar en el fondo muy, muy sutilmente, ¿ Entonces, ajustemos esto al tempo en caso de que no esté en nuestro tempo. Y ya veremos cómo suena. Sí, está bien. Ahora bien, es un poco ruidoso, pero la idea es que sería muy, muy sutil. Apenas lo notan a menos que lo estén escuchando, lo cual ustedes, por supuesto, lo son. Pero, por ejemplo, voy a tocarlo sin el efecto al principio, y luego va a entrar aquí y ojalá puedas escuchar la diferencia. Entonces básicamente es solo tomar ver todos estos huecos entre las muestras de batería y las brechas entre el bajo aquí. Y sé que realmente no hay huecos entre la almohadilla. Entonces el pad técnicamente está agregando a esto, este tipo de elemento de fondo. Pero verás que esto simplemente llena espacio de manera muy sutilmente Vamos desde el inicio. Entonces, idealmente, tendrías esto tal vez en toda la sección del verso solo en capas en el fondo. Probablemente no sea necesario en los ganchos y el coro porque están pasando tantas cosas Creo que todo ese espacio está bastante lleno. Pero si tienes áreas de tu pista donde hay un poco de espacio vacío, esta es una manera increíble de llenar ese espacio. Y ni siquiera tiene que ser nada tonal como esto. A ver si tengo algo atonal. Entonces para esto, probablemente voy a estar buscando en mis amables samples techno, efectos de sonido tal vez No. Solo busco algunos elementos de fondo. Bucles de ruido, ¿tal vez? Sí, eso es perfecto. Entonces este tipo de cosas, vamos a arrastrar a una de ellas . Ajustar al tempo. Entonces se fijó en 150, 75 es la mitad de 150, así que voy a ver lo que hace FL Studio. ¡Vaya! Sí, está bien. A lo mejor es un poco demasiado rápido. Simplemente lo estiraremos. Esto probablemente sea un poco demasiado rítmico para lo que estamos buscando, pero un buen ejemplo serían cosas como ruidos de lluvia o tal vez incluso voces hablando muy silenciosamente con reverberación y esas cosas para darle a la pista una especie de sensación triste Pero definitivamente recomiendo usar algo como esos efectos atmosféricos que estábamos viendo antes. Estos. Y no necesitas un paquete de muestra. Es decir, puedes hacer tu propio de estos pequeños efectos atmosféricos de fondo. Entonces voy a arrastrar hacia atrás en el que estábamos usando Y luego otro tipo de elemento de relleno es introducir algo corto y nuevo solo en áreas donde el ritmo se siente como que se está volviendo un poco repetitivo Entonces, por ejemplo, tal vez aquí o tal vez incluso por aquí solo para romperlo o para terminar de alguna manera el bucle. Entonces te voy a mostrar un ejemplo de eso. Voy a nombrar esto como overdub break . Y vamos a traer. Vamos a traer flex esta vez porque solo hemos usado esto para sonidos base. Entonces probémoslo con un sintetizador y agregaremos algo tal vez simplemente realmente simple una nota raíz hasta otra nota raíz y bajaremos a otra nota raíz Algo parecido a lo que está haciendo la base. Y encontremos un bonito preset. Sí, tal vez esta cola fractal. Y simplemente vamos a poner eso ahí dentro. Y probablemente sea un poco ruidoso. Podemos bajarlo solo para dar una idea de que debe estar algo así como en el fondo solo para agregar un poco de textura o llenar un poco de espacio. 29. Silenciamiento estratégico: saber cuándo retroceder: silenciamiento estratégico es una técnica poderosa pero a menudo pasada por alto en la producción musical Saber cuándo retroceder puede crear espacio, tensión y concentración dentro de tu pista, haciendo que los momentos en los que, ya sabes, todos los elementos regresen se sientan mucho más impactantes. Esta conferencia te enseñará cómo y cuándo silenciar estratégicamente los elementos, ayudándote a mejorar la dinámica, ritmo y la retribución emocional Entonces un ejemplo instantáneo de esto es lo que estábamos haciendo aquí cuando estábamos trabajando en la transición. Entonces, al silenciar la batería y el bajo y los pads, creamos una transición encantadora Si no hubiéramos hecho eso, así es como sonaría. Entonces, silenciando elementos antes de la caída o lo que se llama un silencio previo a la caída, realmente puedes construir la tensión Y por lo menos, quieres estar silenciando la batería y el bajo El resto es algo ambiguo. Depende de ti, pero definitivamente silenciaría al menos la batería y al menos el bajo. Pero creo que también habíamos silenciado las almohadillas. Entonces, por ejemplo, podemos silenciar dentro de las pistas para crear cierto interés y variaciones dinámicas. Entonces, por ejemplo, tal vez aquí en este patrón de batería, solo voy a clonarlo para que sea único, así no estoy afectando a todos los demás. Quizás podríamos silenciar las patadas al inicio, tal vez algunos de los sombreros Y tal vez estos dos sombreros. Entonces todo lo que nos queda por dos latidos es solo un aplauso. Y entonces puedes hacer cosas como silenciar para impacto emocional donde lo mejor sacamos la batería y el bajo para una o 2 barras Vaya, esas son las almohadillas. Quise estar silenciando el bajo. Entonces esto podría crear una especie de, ya sabes, caída más emocional y falsa. También podríamos hacer algo llamado llamada y respuesta con silenciamiento o antifonía si vienes desde una perspectiva clásica Pero llamada y respuesta es básicamente donde un elemento llama y otro responde. Entonces, por ejemplo, silenciemos el arp hasta aquí. Y entonces lo que haremos es silenciar la melodía cuando esté sonando el arp Y luego dejaremos que vuelva a sonar la melodía, y luego la silenciaremos aquí. Y entonces todos pueden volver a entrar juntos para esta sección aquí. Y por la naturaleza de nuestra melodía, la forma en que el segundo y cuarto acorde están un poco por delante del ritmo, podemos ajustar la melodía y el arp para que se adapten a eso Entonces esto en realidad sonaría un poco más coherente. Y claro, si quisieras ser realmente creativo, ya sabes, podrías alternar el instrumento. Entonces tal vez este es el instrumento normal, y luego tal vez la segunda vez, es un instrumento completamente diferente, y este arp es totalmente diferente a este arp Y tal vez, ya sabes, tal vez le lanzas un ritmo grosero y un fáser a esto y le pones distorsión muy pesada a esto para simplemente crear algo realmente sonicamente interesante Entonces, como creo que estábamos viendo antes, tenemos transiciones sustractivas donde podrías simplemente silenciar uno o dos elementos para un ritmo, y eso puede indicar que viene un cambio en la pista Entonces, por ejemplo, sacaremos la batería en el bajo ahí al final del gancho. Y entonces tenemos cosas como silencios repentinos para enfatizar. Entonces tal vez en medio de esta sección de gancho, podríamos silenciar el primer latido del bar 63 aquí. Así que intentemos silenciar así que intentemos silenciar eso. No quise extender esta. Y entonces voy a necesitar mi herramienta de corte. Entonces podríamos silenciar, por ejemplo, todos los instrumentos y dejar solo tocar la batería por un solo latido para tomar un respiro. O podemos silenciarlo todo para un énfasis repentino. Y acabo de notar ahí, no estoy seguro si lo expliqué, pero al usar la herramienta de corte, un clic normal simplemente cortará el instrumento. Y si haces clic derecho y rebanas, cortará y luego eliminará la sección más pequeña. Entonces en este caso, será todo lo que esté a la derecha de la línea roja. Por lo que el silenciamiento estratégico es una de las formas más efectivas de crear dinámicas y enfocarse en tu pista Puedes guiar la atención del oyente. Puede enfatizar los elementos clave y puede mantener su arreglo atractivo. Ya sabes, pequeños cambios como este realmente rompen la repetición de la pista. 30. MIRA AQUÍ: cómo editar el beat en tiempo real: Este va a ser un video largo donde voy a hacer algunos cambios en la pista. No estoy contento con algunos de los sonidos del sintetizador o los sonidos de batería que estamos usando, y quiero agregar más al arreglo o tal vez incluso cambiar algunos de los patrones Debido a que estaba haciendo la pista a medida que avanzábamos, estaba un poco consciente de tratar de no tomar demasiado tiempo al tiempo que demostraba las técnicas. Entonces, por eso, hay algunas cosas de las que en realidad no estoy completamente feliz. No quería simplemente regresar de repente con un montón de cambios aleatorios, aunque voy a tener una conferencia más corta después de esta, solo pasando por los principales cambios que hice. Entonces, si estás interesado en verme jugar con cosas diferentes e intentar refinar la pista, sigue viendo. Pero si no, omita esta conferencia, y en la siguiente te mostraré cuáles fueron los principales cambios que hice. No habrá más pláticas en esta conferencia. Es solo una especie de paseo pero todas las técnicas que me vas a ver usar son las que acabamos de cubrir. Así que sí, voy a empezar a jugar con la pista ahora Pero si no te interesa ver eso, puedes saltarte. I. A Bien. H. Mm. Mm. Gracias. Gracias. Gracias . M. M. B. 31. ACTUALIZACIÓN: cambios realizados al beat: Esta conferencia solo va a ser un rápido vistazo a algunos de los cambios que he realizado. Si no viste la última conferencia donde pudieras ver lo que estaba cambiando en tiempo real, entonces simplemente la revisaré aquí rápidamente. Si viste la última conferencia, probablemente no necesites ver esta. Y si en realidad no necesitabas verlo tampoco. No hay nueva información ni nada que se enseñe aquí. Es solo que he cambiado algunos de los sonidos, y he añadido en muchas más transiciones y micro switch ups. Voy a hablar rápidamente sobre lo que hice. Lo dejaré jugar, y luego podremos seguir adelante y aprender algunas cosas más. Entonces creo que lo primero que hice fue cambiar la melodía principal solo para que coincida un poco más con la muestra. Sólo tuve que mover una o dos notas. He tomado los elevadores y downlifters que usamos antes, y los he esparcido por la pista en lugares donde sentí que eran la pista en lugares donde sentí que Y también agregué en este efecto de símbolo de choque, que creo que me puse reverberación Sí. Luego hay algunos lugares donde hay un poco de silenciamiento estratégico sucediendo Hay nuevas muestras de relleno. He añadido un sonido de impacto diferente porque no era un gran fan del primero. Cambié el sonido del arp a esto. El primero fue un poco demasiado agudo para mí. Realmente no me gustó. Y luego hacia el final aquí, acabo de hacer esto acabo de hacer este gancho más lleno al acodar en otro sonido de melodía con la melodía de overdub Entonces eso suena así. Y entonces lo principal para mí fue solo cambiar los sonidos de la batería. Realmente no me gustaron para nada, así que creo que he cambiado la mayoría de ellos. Entonces así es como suena ahora. Y eso es todo. Así que voy a dejar que reproduzca la pista ahora, y cuando termine, pasaremos a la siguiente conferencia. 32. Menos es más (dejando espacio para el artista): Los productores suelen apuntar a que sus ritmos suenen completos. Pero cuando se trabaja con vocalistas o raperos o cualquier otro artista, crear espacio para ese artista es tan importante como hacer un gran instrumental Esta conferencia se centra en cómo aplicar la filosofía menos es más a su producción, asegurando que su ritmo apoye en lugar de eclimatar al artista El ritmo que haces es más como un lienzo. No es el cuadro final. Artistas, cantantes, raperos, agregan la capa superior de creatividad, la letra, la emoción y la interpretación Si abarrotas el ritmo, puede terminar compitiendo con el artista, haciendo que la pista final se sienta abrumadora o incluso turbia Entonces, por ejemplo, en nuestro track, tenemos una melodía bastante ocupada pasando en el gancho. Esto probablemente sólo funcionará si el artista o quien esté cantando o rapeando en esta pista canta la misma melodía, al igual que la muestra que usamos Entonces, por ejemplo, si podemos imaginar que esta muestra es letra y el artista está cantando la misma melodía, eso funcionaría. Pero si el artista estuviera cantando cualquier otra melodía, probablemente me quitaría nuestra melodía. Entonces este ahora sería nuestro gancho. Entonces siempre hay que preguntarse, ¿es necesario este elemento o simplemente está llenando espacio? Porque a veces cuando estás diseñando una pista instrumental, estás tratando de diseñarla para que tenga espacio, y luego terminas llenando accidentalmente ese espacio con elementos que no son necesarios. Así que hay algunas maneras de verificar si hemos dejado suficiente espacio. Idealmente, su pista solo se centrará en la ranura del núcleo. Entonces estos son los elementos centrales como la patada, la caja, el sombrero alto, el bajo, y luego tal vez una idea melódica Durante los versos, necesitas desnudarlo enseguida. Silencie todas las capas no esenciales y elimine melodías complejas o percusión extra Entonces, por ejemplo, tal vez tu verso sea solo batería, bajo y un sencillo pad. Entonces para nosotros aquí, creo que nuestros versos están bien. Son bastante escasos. E incluso este verso probablemente esté bien porque este arp es sólo un elemento de fondo Pero cuando se trata de nuestro gancho, a lo mejor esta melodía es simplemente demasiada. Pero en definitiva, depende del artista. Entonces, si estás haciendo beats para, ya sabes, poner en YouTube y vender, recomendaría ir por esta ruta con él donde menos es más y estás tratando de evitar melodías ocupadas que pueden hacer que la pista sea difícil de rapear Pero si estás colaborando con un artista o tal vez estás escribiendo una canción tú mismo, probablemente podrías mantener esa melodía ahí porque entonces podrías usarla e intentar cantar la misma melodía en el gancho. Pero lo único que quería destacar en esta conferencia es que menos es más. Deja espacio en tus producciones. Si puedes dominar este enfoque, entonces tus ritmos se sentirán como verdaderas colaboraciones, no solo vitrinas instrumentales O. 33. Grabación simple en FL Studio: Bien, veamos dos formas sencillas grabar audio en FL Studio. Esto es para cualquiera que esté buscando grabar su propia canción en su ritmo. Entonces, en primer lugar, vamos a configurar nuestra interfaz de audio, así que en la configuración de audio, y puedes ver tu salida de entrada aquí. El mío está puesto a mi micrófono, así que eso está todo bien. El tuyo podría tener que estar configurado para cualquier micrófono que estés usando o tu interfaz de audio. En segundo lugar, y lo más importante es reducir la longitud de tu búfer. Así que vamos a bajar esto hasta alrededor de 25, seis, Si no haces esto, tu voz estará reproduciendo en tus oídos, un poco más lenta de lo que realmente estás cantando, y es muy difícil cantar cuando esto está sucediendo. Así que asegúrate de establecer la longitud de tu búfer aproximadamente 512 o menos. 256 es generalmente el más recomendado, aunque. Ahora, también, cuando haces esto, podrías encontrar que tu software comienza a rezagarse o saltarse, y eso es bastante normal. Entonces lo que suelo hacer es resaltar toda la pista y la exportaré como un archivo wave. Y luego volveré a arrastrar ese archivo wave, lo cual ya hice como una nueva pista. Y me aseguraré de que esté solo. Si haces clic derecho sobre la luz verde, aparecerá este menú, y podrás solo y unsolo Entonces solé el beat renderizado, y suena así Diversión. Y puedo borrar las cosas aquí porque esto no tiene nada que ver con lo que está pasando aquí abajo en la pista renderizada. Entonces, básicamente, todo esto es redundante en este momento, y solo estamos trabajando fuera de esta pista renderizada. A continuación, vamos a abrir el mezclador y vamos a usar un canal en blanco y asignarlo a la entrada de tu micrófono. Entonces voy a elegir el canal 18 aquí y voy a cambiarle el nombre a vocal. Podría darle un color solo para que se destaque. Y luego si vienes aquí a tu sección de entrada, puedes elegir qué entrada en tu interfaz de audio. Entonces tu interfaz debería estar listada aquí, y es posible que tengas una entrada o dos, cuatro u ocho o cualquier número de entradas que tengas en tu interfaz. El mío solo tiene uno por el momento. Y una vez que hagas esto, deberías poder ver tu voz entrando en el software. Entonces, a continuación, necesitas hablar o tocar tu instrumento o cantar o lo que sea que estés tratando de grabar y ver los niveles en la pista del mezclador aquí. Estás apuntando a que la señal llegue alrededor de -12 a menos seis. Entonces por el momento, menos demasiado alto, viene en alrededor de menos seis a cero, pero en realidad no puedo ajustar eso porque también está vinculado a OBS, que es grabar el audio para el curso. Y realmente no quiero afectar eso. Pero lo que harías en teoría es con la perilla de ganancia en tu interfaz de audio, rechazarías hasta que tus niveles de audio estén entre el menos seis y el -12. También deberías estar usando auriculares para esto. De lo contrario, te encontrarás con un problema llamado retroalimentación, donde básicamente, si estás usando un altavoz o el altavoz de tu computadora portátil o algo así, el sonido que sale del altavoz vuelve al micrófono, al software, y luego el software lo envía vuelta a los altavoces, que lo están reproduciendo en la habitación, y luego el micrófono lo recoge de nuevo, lo envía de nuevo al software, vuelta a los altavoces, de vuelta al micrófono, y se crea un bucle de retroalimentación. Además usar auriculares es mucho más silencioso, por lo que permite grabar un sonido aislado como una voz o un instrumento Si no quieres oírte a ti mismo, podemos silenciar este canal. Y así es como normalmente lo hago. No soy un gran fan de escucharme a mí mismo cuando estoy cantando, así que me aseguro de silenciar el canal. Entonces el primer método es usar Edison. Entonces voy a traer el plugin de Edison, que está aquí abajo. Y aquí, es muy sencillo. Normalmente lo configuro para grabar ahora y tal vez por cinco a 10 minutos. Mi canción dura 3.5 minutos, así que 5 minutos son perfectos. Entonces básicamente, en cuanto presiones el botón rojo, va a comenzar a grabar. Pero, claro, vas a necesitar que la pista se reproduzca de fondo, y me olvidé de eso porque en realidad no tengo la intención de cantar Entonces voy a restablecer a Edison por defecto. Registro. Ahora por 5 minutos está bien. Vamos a golpear play. Entonces tal vez, por ejemplo, estás grabando algo en el gancho aquí y vamos a golpear disco. Y ahora estoy grabando mi voz. La lala la, la, la. Perfecto. Una vez que se graba el audio, puedes simplemente arrastrar y soltar directamente en tu lista de reproducción. Y puedes escuchar de nuevo. No sé si realmente quiero, pero por el bien de la demostración, ahora estoy grabando mi voz. L L. Perf. Y como cualquier otra muestra o pista que arrastre, luego puede asignarla a una pista mezcladora y comenzar a mezclar. La otra forma en que podemos grabar audio en FL Studio no es usando Edison, sino grabarlo directamente en una de estas pistas de listas de reproducción como lo harías con cualquier otro software Entonces lo primero que debes hacer es asegurarte de que el canal al que está asignado tu micrófono esté armado para grabar, que es este botón rojo abajo de aquí abajo. O en el caso de otra pista, sería este botón blanco. Por lo que ahora esta pista también está armada para grabar. Entonces volveremos a nuestro arreglo, tal vez en algún lugar aquí en el gancho y usaremos el botón de grabación aquí arriba. Nos va a preguntar si queremos grabarlo en Edison o en la lista de reproducción como un clip de audio, y queremos grabarlo en la lista de reproducción como un clip de audio Así que vamos a seleccionar eso. Bien, entonces obviamente necesitamos asignar una de estas pistas de arreglo al canal vocal. Haremos clic derecho aquí en la pista 13, y luego podremos elegir nuestra voz. Y ahora podemos meter disco en la lista de reproducción. Vamos a contar un poco. Y ahora estamos grabando nuestra voz aquí, y se puede ver la forma de onda entrando. L, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no. Entonces podremos desarmar a FL Studio y podremos golpear play. Lo siento, olvidé que habíamos silenciado el Canal 18. Déjame seguir adelante y dessilenciar eso. Y ahora estamos grabando nuestra voz aquí, y se puede ver la forma de onda entrando. No, no, no, no, no, no. Entonces aquí arriba en el metrónomo, si haces clic derecho en él, puedes cambiar el sonido Y luego por aquí tenemos el conteo en o el pre roll. Así que puedes establecer eso en una o 2 barras. Puedes encenderlo o apagarlo. Y también puedes encender o apagar el metrónomo si quieres que el metrónomo reproduzca todo el tiempo mientras Pero esa vez no lo necesitábamos porque tenemos el baterista Entonces, como puedes ver, grabar audio en FL Studio es en realidad bastante simple. 34. Afinación de muestras de la batería para reducir la turbiedad: afinación de la batería es uno de los aspectos más pasados por alto pero críticos para crear un ritmo de sonido cohesivo y profesional Los tambores bien sintonizados evitan enloquecimiento cuando se trata Entonces abramos nuestro patrón de batería. Y sabemos cómo suena, pero lo volveré a tocar solo para refrescar nuestros recuerdos. Bien, entonces las muestras más importantes que quieres estar afinando es tu patada y tu aplauso Idealmente, los estarás afinando todos, pero por lo menos, definitivamente deberías estar afinando tu patada y tu aplauso Así que para afinar la batería en FL Studio, vamos a usar de nuevo Edison, el mismo plugin que estábamos usando para nuestra grabación vocal Sólo voy a abrir una instancia de ello en el maestro. Y con esto, vamos a arrastrar nuestras muestras individuales a Edison Haga clic derecho, baje aquí a las regiones y luego seleccione detectar regiones de tono. Entonces nuestra patada está afinada a F, ¿verdad? Y F no es la clave de nuestra pista. D es la clave de nuestra pista. Entonces queremos estar afinando la muestra de patada abajo de F a D. Así que queremos estar viniendo un semitono, dos semitonos, tres semitonos ¿Bien? Entonces para hacer eso, volvemos a abrir la muestra de patada, y venimos aquí a la perilla de tono. Y verás arriba en la esquina superior izquierda un valor llamado sentido, ¿verdad? Y el sentido solo se traduce en semitono. Entonces 100 centavos es un semitono, y queremos estar bajando esto a tres, dijimos Así que 300 semitonos deberían lanzar nuestra muestra de batería de F a D. Así que ahora nuestra muestra de tambor se lanza a la nota raíz de la pista, y sé que está pitcheada a D. Pero en FL Studio, C five es lo que sea que la muestra predeterminada Entonces, debido a que hemos configurado la muestra para que se afine a D en el piano roll, C five es lo que está tocando nuestra muestra predeterminada. Entonces, en este caso, C cinco es en realidad D. Si quisieras que tu piano roll coincidiera, podrías fácilmente agarrar tus notas de bombo, afinarlas en uno, dos semitonos, y luego volver aquí y hacer lo contrario Bajar esto en uno, dos semitonos. Y ahora la nota de D es la nota de D. Así que ahora estamos el 90% del camino ahí. Nuestra muestra de batería está afinada a la nota raíz de la pista, y esto significa que probablemente va a sonar en sintonía con todo lo demás que está pasando. No obstante, porque nuestro bajo y patada están vinculados bastante de cerca. Así que voy a solo el bombo por un segundo. ¿Y en qué instrumento toca nuestro bajo? Yo solo eso también. Éste de aquí y éste. ¡Vaya! No me refería a ellos totalmente en solitario. Yo solo quería encenderlos, también. Así que vamos a encenderlos a ambos, y también encenderemos la patada Así que nuestro patrón de bajo está tocando el mismo ritmo que la patada. Entonces cada vez que golpea la patada, el bajo también está pegando a dos. Y debido a que estos dos instrumentos están en el mismo rango de frecuencias, otra cosa que hacer para limpiar realmente esa enturbiamiento sería afinar la batería a las mismas notas que está tocando el bajo Entonces en nuestro bajo, estamos tocando A sharp, C, D y F. Así que recordemos eso. Entra en nuestro kitrum en el piano roll. Y si recordamos, estas dos primeras notas están tocando A sharp. Mm hmm. Estas dos notas están tocando C. Estas están tocando D, y estas dos al final aquí están tocando F. Ahora así es como suena por sí solo. Cuando colocamos eso con el bajo, es así. Simplemente voy a deshacer todo y lo escucharemos en contexto. Entonces iría tan lejos como para decir que esto es obligatorio en la música trap o hip hop o drill o lo que sea que estés haciendo. Absolutamente, definitivamente afinar el bombo a las notas del bajo. No sólo está reduciendo la fangosidad, sino que no es Y también, es posible que notes que algunos de los bombos suenan ligeramente diferentes a los otros, y eso agrega una capa extra de humanización o tipo de diferencia dinámica para que el beat no suene como robótico y los bombos suenen más como si fueran tocados en vivo que programados en FL Studio A continuación, solo afinaremos algo que no necesita ser lanzado. Entonces, por ejemplo, el aplauso aquí. El aplauso sólo está jugando en cada segundo y cuarto tiempo. Entonces esto no necesita ser afinado a ningún instrumento. Solo necesita ser lanzado a la clave de la pista. Entonces echemos un vistazo a qué clave está jugando este aplauso por defecto Está jugando en la clave de las regiones, detecta regiones de tono, F agudo. Entonces lo que podemos hacer con esto es si sabes si conoces el acorde básico de la tríada de la nota raíz en la que está tu pista Entonces, por ejemplo, estamos en la clave de D menor, ¿de acuerdo? Entonces si voy aquí arriba a mis sellos de cordón y estampa en un acorde menor simple, voy a estampar eso en D. Esto me va a mostrar las tres notas a las que puedo tocar. ¿Bien? Así que puedo lanzar a D, la nota raíz, puedo lanzar a F, o puedo lanzar a A. Así que, idealmente, con tus samples, vas a querer estar lanzando a lo que esté más cerca Entonces para nosotros con nuestro aplauso, porque está en F sharp, que está aquí y porque podemos lanzar a F o A, vamos a lanzar ese clap a F. Y así, estará en la clave de la pista sin distorsionar el sonido original porque el sonido original es Si lo bajamos demasiado, lo cambia, y si lo lanzamos demasiado, también lo cambia. Pero si lo lanzamos solo un semitono apenas se nota Así que vamos a lanzar eso por 100 centavos o un semitono, y ahora nuestra patada y nuestro aplauso han sido lanzados Y tal vez sintonicemos uno más aquí. Sintonizaremos la muestra de trampa que estamos usando como percusión. Entonces abramos a Edison. Aquí está nuestra muestra de trampa, arrástrela, detecte regiones de tono Y otra vez, estamos en F sharp four. Entonces lo que voy a hacer es, como el patrón está sonando, voy a ajustar el tono solo para que veas que las muestras de batería que están fuera de tono no suenan tan cohesivas como las muestras que están afinadas, ¿bien? Entonces voy a golpear Play, y voy a empezar a cambiar de tono esa muestra. Yo solo lo voy a subir para que lo oigas. Ahora, a mi oído, eso está completamente desentonado. Suena realmente disonante Y si recuerdas, originalmente se fijó youu F sharp. Entonces, al afinarlo por 100 centavos, lo estamos poniendo en la clave de la pista. Entonces esto debería sonar bien. Así que ojalá pudieras escuchar cómo algunos otros lanzamientos pueden ser realmente un poco disonantes hasta que lances la muestra correctamente en la clave de la 35. Voces: autotune y vocoders: Bien, entonces para aquellos de ustedes que están trabajando con artistas o tal vez están cantando o rapeando a sí mismos, en esta conferencia, vamos a mirar la melodía automática y otro efecto vocal llamado vocoder Si no eres artista y no estás trabajando con un artista, puedes encontrar capellas en, ya sabes, paquetes de muestra Hay un montón de paquetes de muestra Acapella, o puedes usar algunos de los recursos de los que hablamos antes, como Lupermen, empalme, somáticos, YouTube y TikTok Hay bastantes personas que ponen sus propias letras y sus propias Acapellas en TikTok Y luego otras cosas como foros de productores en tal vez, ya sabes, Red It o slash somos los creadores de música, muchas veces tenemos recursos vocales libres que son compartidos por los miembros Entonces primero, voy a fingir que estoy trabajando con un artista, y es una chica. Ella está cantando en esta pista, y yo voy a arrastrarme. Quizá probemos una de estas A capellas. C mayor. No estamos buscando un mayor. Estamos en una clave menor. Mi menor. Eso nos podría hacer. Vamos a arrastrar eso. Y está establecido en 135. Entonces voy a encajar al tempo Pero como estamos a los 87, creo que eso va a hacer que sea un poco lento. Sí, probablemente. Santo. Sí, así que sólo voy a reajustar eso a lo que es la mitad de 13.567.5 Entonces ahora esto debería llegar a tiempo con nuestra pista. Oh, él tenía su auto. Sí, la cosa se ha ido. Tenemos tanto tiempo. No nos quedemos solos. Bien, y creo que quería empezar con el primer ritmo del Bar. Bien, entonces ahora tenemos un vocalista simulado que grabamos, y ahora están cantando en esta pista Limpiemos los problemas de tono. Entonces vamos a asignarlo a una pista mezcladora, que ya lo es. Y primero vamos a ver la forma más natural de auto tune que podemos hacer en FL Studio, que es usar un plugin llamado Newton. Y Newton es básicamente lo mismo que Melodynee o melodía de ondas Analiza la forma de onda y luego la coloca en notas visibles. Pero ya verás a lo que me refiero en un segundo. Así que vamos a arrastrar nuestra muestra vocal a Newton. Oh, tenemos esta pelota. Sí. Newton. Y podemos cerrar esto de nuevo. Voy a hacer esto más grande para que podamos ver lo que estamos haciendo. Entonces aquí se puede ver que esta es nuestra voz. La línea naranja representa el contorno y el tono. Entonces, por ejemplo, aquí, está cantando la nota de E, un poco tambaleante, pero está bien porque la línea naranja me parece que nunca sale realmente del rango de esta nota de E. Sin embargo, aquí arriba, tenemos lo que parece vibrato Entonces ella se tambalea entre dos tonos diferentes. Entonces, por ejemplo, aquí, se puede ver que la línea está en la nota de E, pero luego ella va un poco plana hacia el final, y la línea está en algún lugar entre estas dos notas. Así que en realidad no está cantando una nota aquí. Ella está cantando en algún punto intermedio, solo ligeramente plana de G y ligeramente afilada de F Sharp. Entonces, si escuchamos eso, deberíamos escuchar algún vibrato aquí, y deberíamos oírla tal vez ir un poco plano aquí Oh, ya tenemos esto. Oh. Sí, doc Bien, entonces por lo que suena, esta es en realidad una nota diferente. Pero lo que ha pasado es que en realidad no ha dado en la nota por separado. Ella no ha cantado lo suficientemente profundo como para golpear esa nota. Entonces Newton no la reconoce como una nota nueva. Entonces lo que podemos hacer es cortarlo para separarlo. Y ahora tenemos dos notas separadas, que podemos arrastrar y manipular por separado. Entonces, con Newton, hay dos tipos principales de parámetros que usaremos, y estos son la perilla central y la perilla de variación. Entonces la perilla central simplemente arrastrará estas notas que son planas o afiladas, como por ejemplo, esta de aquí, se puede ver que el centro de la forma de onda blanca. Entonces toda esta forma de onda aquí, el centro de eso está aquí. No está en el nodo de A, y tampoco está en el nodo de A flat. Está en algún punto intermedio. Um así que la perilla central aquí simplemente arrastrará esto al centro de una de estas dos notas, cualquiera a la que esté más cerca esta sección en particular Entonces, vamos a hacer eso ahora para toda la voz. Verás que todas las formas de onda mueven para estar centradas en una nota Oh, ya tenemos esto. Sí, esto va. Entonces, para mí, esta nota está equivocada. Es un poco demasiado alto. Creo que se suponía que iba a ser esta nota, y probablemente también tengo que arrastrar esto hacia abajo. Guau. Sí, esto va. Y entonces, de nuevo, creo que se suponía que iba a renunciar. Aquí. Así. Sí, a TG. Y luego a partir de aquí, podemos ajustar cuánta variación ocurre en estas líneas. Entonces ahora estamos viendo la línea naranja. ¿Bien? Entonces, por ejemplo, el vibrato aquí, podemos machacar eso abajo y hacer que el vibrato sea menos extremo O, por ejemplo, busquemos otro lugar donde pudiera haberse quedado un poco plana. A lo mejor los gustos de esto aquí. Entonces donde la línea naranja es una especie de curva, ajustando la variación, podemos hacerla un poco más recta, así que suena como si estuviera sosteniendo esa nota. A lo mejor algo así. Simplemente muy sutil para mantenerla dentro del terreno de juego. Oh, tenemos su nieve. Sí, el día C tenemos tanto que. Entonces con estas dos perillas y el hecho de que puedes arrastrar cada nota individualmente y puedes separarlas. Entonces, por ejemplo, otra área que podrías separar está aquí porque creo que estas parecen dos notas separadas que el software no ha reconocido. Entonces podríamos rebanar eso, y ahora podemos lanzarlos por separado. Tienes mucho más control sobre el tono de la voz. Este método también requiere mucho trabajo para hacerlo bien y para que suene natural Entonces, por ejemplo, al inicio aquí, esto no suena muy natural. Oh. Suena bastante auto afinado. Oh, tiene. Entonces esto probablemente necesitaría un poco de ajuste para intentar que suene un poco más natural. Oh. Oh. Oh. Personalmente, no creo que Newton sea increíble. Es genial para este tipo de cosas, pero sí se necesita mucho más trabajo para que suene natural que un plug in como Melodynee o una melodía de ondas Y creo que no estoy 100% seguro. No me cites sobre esto, pero creo que los dos tienen algún tipo de versión gratuita o una versión ligera donde puedes hacerle algunas cosas a tu voz. No se puede ir realmente a fondo, pero hay alternativas más baratas y gratuitas disponibles. Entonces ahora digamos que pasamos, no sé, 3 horas trabajando en esta voz. Ya terminamos con ello. Estamos listos para importarlo de nuevo para que podamos usar esta herramienta para arrastrarlo de nuevo a nuestra muestra. Lo va a volver a poner en su cronometraje original, así que tenemos que ajustarlo de nuevo. Creo que fue 67.5. Y ahora porque la muestra vocal está en mi menor, podemos usar la perilla de tono para echarla a dos semitonos a D. Y ahora debería estar en clave Debería sonar un poco menos plano, y también debería llegar a tiempo. Oh, ya tenemos el suyo. El día de ayer se ha ido. Tuvimos tanto tiempo. No nos quedemos solos. Ahora, por supuesto, en realidad no pasé por las voces, así que hay áreas en las que Newton la está poniendo a la nota equivocada Pero voy a sustituir esto por la versión original que no se ha visto afectada. Todavía está pitcheado. Sólo tengo que estirarlo de nuevo. Y vamos a ver un plugin diferente en FL Studio llamado Pitcher. Y el lanzador es genial para hacer ese tipo clásico de sonido sintonizado automáticamente Entonces este es realmente sencillo de usar. Una vez que tu muestra vocal haya sido entonada a la clave de tu canción, o, por ejemplo, si la grabaste tú mismo, no necesitarás ajustar el tono general Pero de cualquier manera, lo vas a ejecutar a través una pista de mezclador y vas a cargar el plugin llamado pitcher Y con esto, es bastante sencillo de usar. Tienes tu tonalidad menor mayor. Pentatónico es solo una escala de cinco notas. Realmente no necesitamos preocuparnos por eso ni todas las notas o por una sola nota. Y luego podemos ajustar en qué clave estamos. Entonces para nosotros, estamos en re menor. El ajuste mínimo de Hertz le dice al enchufe cuánto estás dispuesto a dejar que la nota se tambalee cuando ella la sostiene Entonces, por ejemplo, si sostiene la nota de F, podría estar un poco tambaleante en su terreno de juego, y podría tambalearse mucho o tambalearse un Y esta es básicamente tu perilla de variación. Entonces le estás diciendo al enchufe cuánto vas a permitir esos pequeños tambaleos 25 Hertz es un valor pequeño. Entonces estás diciendo, no quiero muchas oscilaciones. Quiero que aplastes la nota y la sostengas. Y luego con 220, sería mucho más natural. Va a permitir mucho más vibrato y mucho más tipo de bamboleos entre lanzamientos en Entonces dejémoslo puesto en 110 por un minuto, y luego veremos la velocidad. La velocidad es literalmente la velocidad que patea el lanzador Entonces, cuanto más rápida sea la velocidad, más rápido entrará en acción la sintonización automática, y sonará más robótico, tal vez como TPNe o Cane West Y luego, cuanto más lento entre en acción, más natural sonará, y cuanto más puedas conservar ese rendimiento natural Entonces, escuchémoslo ahora en acción. Intentemos sintonizar automáticamente esta muestra vocal. Oh, tenemos su auto. Sí, se ha ido. Tenemos tanto tiempo. No nos quedemos solos. Solo. No, Tienda estar en el hueso Solo. Hay luz después de la tienda eavy. L go Mejor moble No esperar encontrar a alguien No hay abejas que no esperar. No ser Así que tal vez algo como esto suene lo suficientemente natural para esta voz. Estamos permitiendo muy poca variación, pero estamos estableciendo la velocidad a media. Por lo que la primera parte de la nota es algo conservada. Y entonces es sólo la última parte de la nota donde tal vez la sostiene. Esa es la única parte que se está ajustando automáticamente. Así que vamos a tocar en solitario el vocal y lo escucharemos con el lanzador encendido y el lanzador apagado Oh, ya tenemos el suyo. Sí, van los Ts. Tenemos tanto tiempo. No nos quedemos solos. Solo. No, ella estará al teléfono. Al. Hay luces fuera de cada tienda. Déjalo ir. Tienes que seguir adelante. Pero estás vivo. No hay tiempo para pagar. Bien en ti alguien. Me encanta no pagar. Y, por ejemplo, si estuvieras tratando de ir por ese tipo de efecto vocal Tepin, simplemente pondrías esto arriba y bajarías el mínimo. Oh, ten el suyo ahora. Sí que Sc. Tenemos tanto tiempo. Ahora vamos a quedarnos solos Así que también mencioné que con Newtone, los enchufes más avanzados y pagados de esos serían Melodynee y Con el enchufe de imagen, la versión más avanzada y tipo de estándar de la industria sería Antares auto tune o el complemento néctar de Estos dos son geniales. Son maravillosos plug ins que vienen con el software de forma gratuita. No obstante, si eres procesamiento vocal, recomendaría agarrar a uno de los otros dos, también Para mí, la mejor combinación es Melodynee en lugar de Newton y luego Antares autotune en lugar Bien, ahora vamos a ver los vocodificadores. Entonces tenemos nuestra voz aquí y vamos a cargar un plugin llamado Voca Dex. Sólo quiero asegurarme de que estos estén silenciados ahí. Entonces con esto, esto va a hacer que el sonido vocal sea algo robótico. Así que sólo voy a tocar eso. Vamos. Y también hay algunos presets diferentes que puedes usar. Hola. Hola. No hay compras. Eso es un programa de cine. Ahora, eso es genial e interesante. Pero donde se pone realmente interesante es cuando agregamos un sintetizador portador a esto Entonces ya tengo un patrón configurado para esto. Es solo un patrón en blanco en este momento. Voy a agregar en voy a agregar en un sintetizador, suero viejo de confianza Y entonces tal vez vamos a dibujar en los cordones de la pista. Así que sólo voy a estamparlos muy rápido. Así que recuerdo que tuvimos una mayor aguda por casi dos latidos enteros, excepto que corta justo de antemano, y luego cambia a Do mayor, sello mayor C. Entonces tenemos D menor. Y luego tenemos F mayor. Entonces ahora, esto suena así. Voy a lanzarlo, creo que es demasiado bajo. Y luego vamos a asignar este sintetizador a una pista mezcladora Por lo que ahí se le asigna a la pista 21. Vamos a pegar el sintetizador portador de vocoder debajo nuestra voz y tal vez aquí también solo para recuperar Y entrando en la pista del mezclador con ese canal resaltado, así que sólo voy a cambiarle el nombre para que sepamos lo que estamos viendo, portador Foca Dex Y luego vamos a hacer click derecho sobre esta pequeña flecha aquí y decir cadena lateral a esta pista solamente. Entonces en nuestro vocoder, vamos a cambiar el número mod a cero y el número de portador a uno Ahora bien, es posible que tengas más números aquí dependiendo cuántos canales hayas enviado a este canal vocal. Pero para nosotros, es solo uno por el momento. Entonces en nuestro vocoder, solo tenemos una opción Y ahora nuestra voz debería sonar como un robot, pero también estar tocando estos acordes. Oh, happi es ahora. Sí y pasan los días. Y podemos jugar con diferentes presets y ver qué pasa No. Am. No hay compras por teléfono. Soy esta luz fuera una piedra pesada. Pierna Sí, lo es. Oh, lo es ahora. Sí, va. Tenemos ch abajo. Ahora pongámonos de pie ahora. Deslízate hacia abajo a cada piedra. L. Y esto puede ser genial si lo capas con tu vocal original. Entonces, por ejemplo, asignemos esto a una pista diferente. Entonces ahora éste no tiene vocoder, y éste sí Y ahora podemos jugar con una mezcla de ambos. Oh, ya tenemos el suyo. Oh. Ayer C. acabo de cometer un error muy simple donde en realidad terminé cambiando ambas muestras vocales. Así que sólo voy a arrastrar esto de nuevo al canal 18. Así que ahora está de vuelta en nuestro canal Vocoder. Y con esta, tengo que hacerla única para que esté separada de ésta. Así que asignemos ahora esta a una nueva pista mezcladora, y podremos obtener una mezcla de ambas. Oh, ya tenemos el suyo. El día de ayer se fue. Tenemos tanto que. No nos quedemos solos. Aloe. Ahora de compras sobre la marcha. Al esta luz fuera de fuerte tormenta. Déjalo ir. Ahora, eso suena bastante genial. Pero debido a que estás usando un sintetizador portador, al cambiar el preset, cambiarás el sonido del vocoder Así que también hay más opciones con las que podemos jugar cambiando el sonido del sintetizador Entonces, por ejemplo, entraremos aquí. Sólo vamos a tomar tal vez algunas claves, lo mejor estas claves de elemento. Y ahora si presiono play en la lista de reproducción, y voy a recorrer algunos presets en el sintetizador y oirás cambiar el sonido del vocoder Sí. Asustado. No lo hagamos. En. Déjalo ir. Y, por supuesto, como todo lo demás, puedes agregar más procesamiento donde tal vez añadamos un poco de grano usando el shaper de ondas Oh, tenla ahora. Sí, van. Tuvimos tanto tiempo. No nos quedemos en A lo. Ahora de compras por teléfono. A cargar esta luz hasta Emmy piedra. Déjeme ir. Tú Oh, no tienes. Sí, de día, se fue. Tuvimos tanto tiempo. No nos quedemos adentro. 36. Descripción de los efectos creativos: Los efectos creativos son esenciales para transformar sonidos simples en audio dinámico rico y texturizado. Estos podrían incluir cosas como trituradoras de bits, amplificadores de gabinete, chorus, filtros, flangers, procesadores granulares, fáseres, efectos rotativos amplificadores de gabinete, chorus, filtros, flangers, procesadores granulares, fáseres, efectos rotativos y tal vez modulación LFO. Entonces lo que voy a hacer aquí es dar una demostración de algunos de los efectos geniales y creativos que tengo. Te explicaré qué son y qué hacen. Vamos a pasar por algunos presets para que puedas escuchar lo que hace el plug in Y ojalá, quizás conozcas algunos plugins creativos que te gusten el sonido y que quizás quieras obtener en el futuro. Esto no es, oh, mira todos los plugins geniales que tengo tipo de cosas. Solo quiero que algunos de ustedes estén al tanto de los nombres de ciertos plug ins y de lo que hacen para que en el futuro, si están buscando un tipo particular de plug in o un tipo particular de efecto, sepan qué buscar. Si ya eres un intermedio o avanzado en la producción musical, entonces estos complementos son más que probablemente algo te hayas encontrado antes. Pero si eres principiante, es posible que no hayas oído hablar de ninguno de estos, y podría ser beneficioso ver qué son y qué hacen. Entonces para esto, sólo voy a hacer un bucle una sección aquí al final con el vocal. Y vamos a solo eso, y simplemente recorreremos algunos de estos efectos en nuestra voz aquí. Entonces, así es como suena nuestra voz sin ningún efecto creativo. Mm. Y el primero que agregaremos es un triturador de pedacitos. Entonces tengo ese verano por aquí. Ahora bien, este particular plug in Bt fun es en realidad gratis. Es parte del paquete de efectos libres MelderPduction. Entonces, si te interesa, tal vez échale un vistazo a eso. Obtienes cosas como un analizador, autopan, autotune, esta trituradora de bits enchufa, algo de reverberación, un compresor, un retraso, todo ese tipo Además, hay un sitio web muy bueno llamado KV OR y tienen una base de datos masiva de complementos. Pero lo que es más importante, tienen una base de datos masiva de enchufes gratuitos. Puedes obtener algunos complementos realmente geniales y realmente interesantes en el sitio web de audio KVR Pero por ahora, volvamos a esta trituradora de brocas. Entonces una trituradora de bits básicamente agrega un tipo digital de baja fi de calidad arenosa al reducir la profundidad de bits o la frecuencia de muestreo Así que vamos a escuchar cómo suena, y vamos a pasar por algunos presets A continuación, tenemos un amplificador de gabinete. Éstas emulan el sonido de amplificadores de guitarra o gabinetes de altavoces para brindar calidez y resonancia Entonces probemos algunos de estos. Mm hmm. Entonces tenemos efectos de coro, y estos suelen venir gratis con la mayoría de los softwares, pero te voy a mostrar uno que tengo aquí de Estos pueden crear ancho y profundidad duplicando un sonido y luego ligeramente desafinando o retrasando las copias, el A continuación, vamos a echar un vistazo a un tapón de filtro. Un tapón de filtro forma el contenido de frecuencia de un sonido enfatizando o cortando rangos de frecuencia específicos. Básicamente es como un ecualizador automatizado. Vamos a escuchar. Ahí hay ahí En realidad se puede ver lo que sucede con el ecualizador ahí en la pantalla. A continuación, echaremos un vistazo a un flanger. Ahora, nuevamente, este flanger en particular también forma parte del paquete de M efectos libres Derecha. Un flanger puede agregar un tipo de movimiento metálico y arremolinado al retrasar y luego A continuación, tenemos uno muy divertido llamado granulizer. Un granulizador rompe el sonido en pequeños trozos que se llaman granos, y luego los vuelve a ensamblar de formas creativas . Entonces con esto, puedes obtener algunas texturas realmente atmosféricas y extrañas, o puedes obtener algún tipo de efectos de falla A continuación, tenemos un fáser. Así que vamos a abrir un plugin phaser. Y una vez más, solo quiero señalar que M phaser es parte del paquete de efectos libres con melda Un phaser agrega una especie de movimiento de barrido modulando la fase de diferentes frecuencias Entonces tenemos plugins rotativos. Éstas emulan el sonido de un altavoz giratorio. Se usa con mayor frecuencia con teclados u órganos eléctricos, pero es un efecto realmente genial para poner en voces o sintetizadores, o Mm hmm. Oh Entonces tenemos enchufes Unison Y miramos a Unison antes muy rápido cuando estábamos editando los parámetros del sintetizador Pero aquí, hace lo mismo. Entonces básicamente divide un sonido en múltiples tipos de voces del mismo sonido y luego agrega una melodía D para espesarlo y Me encanta este enchufe . Esto es increíble para hacer sonidos gordos y completos. Y lo siguiente a mirar sería la modulación LFO, o en este caso, es algo que se llama wobbler Ahora bien, esto también tiene un filtro incorporado, y creo que tiene algunos otros efectos como fáseres y flangers y cosas Pero no hay nada que te impida construir tu propio obteniendo algo como herramienta LFO y luego tal vez usando un filtro y luego tal vez un poco de distorsión, y puedes crear tu propio tipo de efecto wobbler Y por lo que suena , el wobbler también tiene un auto pan incorporado, que es solo un efecto que automatiza el paneo de el paneo de Entonces esto fue solo una demostración de algunos de los divertidos tipos de complementos creativos que existen que tal vez quieras descargar o comprar en el futuro. 37. Cadenas de efectos: En esta conferencia, vamos a ver las cadenas de efectos, y aquí es justo donde apilas diferentes efectos uno encima del otro en estas ranuras individuales. Entonces, en primer lugar, tenemos que entender el orden de una cadena de señal aquí, y es bastante simple. El audio entra al inicio y luego se abre camino hacia abajo. Entonces, cualquiera que sea el orden en el que apile los complementos es el orden en que se procesará el sonido. Entonces aquí, nuestro audio está entrando en newton, luego se está enviando a la imagen. Y estos son dos enchufes de sintonización automática. Entonces, a partir de ahí, estamos enviando nuestra señal sintonizada automática al filtro de amor, y luego estamos enviando la señal sintonizada y filtrada automática al wobbler Entonces esa es una simple descripción general de la cadena de señal aquí en FL Studio. Pero lo que quiero hacer es tal vez intentar usar los enchufes de stock de FL Studio y los colocamos en capas para intentar crear algún tipo de efecto interesante que sea similar a este wobbler Entonces me suena como el wobbler está agregando algo de bolígrafo automático Entonces el sonido está rebotando de izquierda a derecha, así. Así. Y suena como que hay una especie de filtro ahí, tal vez un poco de distorsión y no sé, tal vez un efecto de coro para agregar en algún testigo estéreo Así que echemos un vistazo a tratar hacer algo muy similar al wobbler mediante el uso de enchufes de stock Entonces, antes que nada, voy a comenzar con el filtro de amor afrutado. Y juguémoslo mientras escuchamos algunos de los presets Bien, ese es un efecto bastante genial. Entonces ahora sigamos adelante y distorsionemos ese efecto. Entonces estamos tomando esa señal de proceso, y ahora le estamos agregando distorsión. Aquí. Y luego para que rebote de izquierda a derecha, vamos a agregar una sartén automática, que es panomática afrutada Y entonces tal vez podríamos agregar algo así como un coro para darle un poco de grosor y un poco de ensanchamiento Entonces esos cuatro efectos que están en capas juntos han creado algo realmente genial, y suena como algo que normalmente haría el wobbler Veamos muy rápidamente qué sucede cuando volteamos el orden de estos plugins. Entonces, por el momento, estamos filtrando el sonido. Entonces estamos distorsionando el sonido filtrado. Luego estamos agregando algo de paneo, algo de autopan al sonido filtrado distorsionado, y luego estamos agregando coro a Pero, por ejemplo, en lugar de tal vez distorsionar el sonido filtrado, podríamos filtrar el sonido distorsionado. O en lugar de agregar estribillo a todo el asunto, tal vez podríamos hacer una panorámica automática del coro, también O podríamos filtrar el coro. O podríamos distorsionar el coro. Entonces, como puedes ver, puedes aplicar capas efectos para un diseño de sonido realmente genial. Y si entiendes el flujo de señal, puedes poner estos efectos en el orden en que quieras que procesen el sonido. 38. Estadios de ganancia y margen de acción: La puesta en escena de ganancia y el espacio libre son conceptos fundamentales en la mezcla y en la masterización La puesta en escena de ganancia adecuada asegura una mezcla limpia y dinámica. En esta conferencia, analizaremos cómo ganar escenario en FL Studio. La razón por la que ganamos etapa es principalmente para evitar el recorte durante la mezcla El recorte es un tipo de distorsión digital que se produce cuando tus señales superan los cero DB Por ejemplo, si no ganamos escenario, ya sabes, lo que sea que haya en el Insert 90, por ejemplo, tomemos la voz. Si no ganamos escenario la voz correctamente, y tal vez estaba alcanzando su punto máximo a aproximadamente menos dos dB Y luego entramos y agregamos cosas como EQ, potenciamos cinco DB en el tipo de rango medio, y luego agregamos algo de compresión y saturación y un poco de distorsión. La señal de audio entonces va a ser mucho más allá de cero dB. Y eso es porque no tenías espacio para la cabeza. Entonces el espacio libre es la diferencia entre el tipo de señales de audio de nivel pico, que en este caso, estábamos diciendo era -2.5 y cero Entonces el espacio libre, en ese caso, es de sólo 2.5 decibelios, pero deberíamos estar ganando a menos seis Ahora, lo que nos interesa es la señal de audio que entra a la pista. Entonces este nivel de fader está controlando el audio que sale. Entonces entra el audio, se procesa aquí con todos los efectos. Pasa por el panning y la inversión de fase y separación estéreo y todos estos botones aquí, y luego llega al fader Y este fader controla el nivel de volumen para todos los anteriores Entonces, si tal vez ganáramos escenario la melodía, estaríamos usando el volumen de canal individual, porque esto controla la ganancia de entrada. Esto controla el nivel de audio que se está enviando al mezclador. Entonces, si solo toco este patrón por un segundo. Así que aquí están nuestros dos instrumentos de melodía. Lo que tenemos que hacer es asegurarnos que el fader maestro esté puesto a cero y que los niveles de fader de lo que estás ganando en la puesta en escena también estén puestos a Desactiva cualquier efecto que tengas encendido Y además, restablece cualquier cambio de panoramización o volumen de canal que ya hayas realizado Así que aquí hemos hecho algunos cambios de volumen de canal, así que solo voy a restablecerlos. Y éste también. Y vamos a solo el primero. Y lo que estamos buscando cuando golpeamos play es que la señal no supere menos seis. E idealmente, tampoco va por debajo de -18. Entonces este es el tipo de rango que estamos buscando. Ahora, eso para mi es perfecto. Echemos un vistazo al otro instrumento. Bien, entonces este instrumento está superando menos seis por aproximadamente dos o tres DV. Entonces, vamos a bajar eso. Y ahora tenemos ganancias escenificadas el instrumento en el Canal 16 para no superar menos seis Entonces, si aún no lo has descubierto, esta es la etapa en la que necesitas asegurarte de que cada instrumento y cada elemento que estés usando en tu arreglo. Entonces todos estos acordes, las tres capas de acordes que estamos usando, las dos capas de melodía, todas las baterías, el bajo, todos estos efectos y estos sonidos adicionales que agregamos, y las voces, todos necesitan ser asignados a una pista de mezclador para que podamos monitorear los niveles de audio entran a esa pista de mezclador, y podamos ganar con éxito Entonces otra vez, tal vez vamos a ganar la base aquí. Entonces tenemos dos instrumentos. Estamos en el Canal Ocho y el Canal Nueve. También tengo que resetear sus volúmenes de canales. Y voy a asegurarme que estos niveles de fader se restablecen Parecen restablecer, pero tal vez no lo son . Y luego le pegaremos a Play. Y vamos a echar un vistazo a los niveles de audio que entran. Entonces para nuestra base ocho oh ocho, el nivel de audio es un poco alto. Vamos a bajar eso. Y lo mismo va para el otro instrumento, la capa de graves superior. Esto viene en un poco demasiado caliente, también. Entonces ahora, ambos parecen estar en algún lugar dentro del rango de menos seis a -18, y ninguno de ellos supera menos seis Veamos un patrón más ahora tal vez. Los tambores solo tomarán esta batería menos patrón. Entonces, por lo que parece, nuestra patada en realidad está bien. La trampa también está bien. Los sombreros también están bien. Y este instrumento necesita ser reajustado. Este es que está cerca de estar bien. Está ligeramente por encima escena de ganancia adecuada y el espacio libre es fundamental para una mezcla profesional y limpia Domina estos conceptos y tu pista estará lista para brillar en cualquier escenario. 39. Ecualización sin matar la vibración: EQ es una de las herramientas más poderosas en la producción musical. Da forma a tu mezcla, equilibra frecuencias y asegura claridad. Sin embargo, un ecualizador agresivo o mal planificado puede quitarle la vida a tu pista. Entonces, en esta conferencia, exploraremos cómo usar EQ manera efectiva para mejorar su mezcla sin matar la vibra. Entonces, en primer lugar, ¿qué es EQ? Bueno, EQ o ecualización es el proceso de ajustar el balance de diferentes frecuencias en tu audio Así podemos limpiar la mezcla eliminando frecuencias no deseadas o duras que no nos gustan, y luego podemos impulsar. Podemos destacar elementos importantes para encajar en el espacio Sonic. También puedes usarlo para agregar pulimento para mejorar el carácter de la pista. Así que solo voy a abrir un plugin de EQ por un segundo aquí en nuestra muestra vocal que trajimos al inicio del curso. Y estoy abriendo afrutado paramétrico EQ dos. Estoy tratando de mantener la mayoría de los efectos que estoy usando para seguir con los enchufes de stock afrutados, solo para que todos puedan seguir adelante. Entonces, de todos modos, con EQ, vamos a estar centrándonos en dos tipos de reglas principales, y esas se cortan para arreglar y aumentar para agregar carácter. Por lo que el corte puede resolver problemas como la fangosidad o la cajosidad. Veremos eso en sólo un segundo. Y luego el impulso, puede enfatizar elementos clave o frecuencias que agregan un poco de claridad o tal vez calidez al sonido. Entonces, mientras estamos aquí, solo vamos a echar un vistazo rápido las diferentes frecuencias y lo que está asociado con cada rango de frecuencias. Entonces desde el fondo aquí, 20 hasta unos 60 hercios, tenemos la región subbase. Y esto te sientes más de lo que escuchas, pero es crucial para la energía de gama baja. Entonces lo que estás buscando cortar de este rango es quizás eliminar, bueno, supongo, eliminar todo este tipo de rango de frecuencia de cualquier cosa que no sea un elemento base, es decir, base de patada o cualquier tipo de pad que tengas tal vez eso esté ocupando estas bajas frecuencias. Pero por el contrario, vas a mantener estas frecuencias en cosas como tu base o tu patada. A continuación, tenemos desde aproximadamente 60 hercios hasta 250 hercios. Esta gama solo se conoce como base. Define el tipo de peso y el punzón de la pista. Entonces en este rango, se pueden cortar cosas como la enturbiamiento y enturbiamiento generalmente se encuentra entre aproximadamente 1:50 y 250, pero generalmente encuentro que Así que simplemente tomarías tu parámetro a aproximadamente 170 y lo sacarías para reducir el enturbiamiento. Pero si tu sonido no es realmente fangoso, esta gama es genial para agregar ponche, especialmente a la batería y al bajo Entonces tenemos los medios bajos. Entonces estos son desde 250 hasta aproximadamente 500. Esta gama puede agregar calidez, pero puede ser un poco fangosa o un poco boxy Por lo que el término boxiness generalmente se asocia con alrededor de 400 a 500 hercios Así que eso es algo así como aquí. Y si presiono play, podría mostrarte un ejemplo de cómo suena la boxiness Entonces, ¿si solo tomo mi parámetro y impulso alrededor de 400 a 500? Se oye que la voz suena como si estuviera cantando en una caja. Está un poco amortiguado. Y simplemente no muy claro. Mm. Entonces tenemos los MDs desde aproximadamente 500 hasta dos K o 2 kilohercios Este rango generalmente se asocia con un término conocido como honky Entonces, si solo agarro el parámetro e impulso en este rango, ojalá puedas escuchar el tipo de onomatopea de Es algo parecido a una bocina que toca la bocina o si te imaginas la nariz de un payaso Si trataras de cantar esa forma tú mismo, estarías haciendo mucho tipo de o sonidos. Bastante honky. Sin embargo, dentro de este rango, podrías encontrar un poco de presencia en cosas como voces y leads Entonces realmente solo depende del sonido y de lo que tengas en tu mezcla. Entonces tenemos los medios superiores de aproximadamente dos K, todo el camino hasta seis K, que probablemente esté en algún lugar de aquí. Aquí es donde viven la claridad y la definición. Pero también, en este rango, posible que encuentres una especie de frecuencias duras en sombreros altos o tal vez algunos sonidos de sintetizador Pero muy a menudo se asocia con una especie de claridad y presencia en la voz. Entonces, por ejemplo, solo voy a potenciar el tipo de zona de claridad o la zona actual, que es de aproximadamente cinco K en esta muestra vocal que tenemos, y podrás escuchar ojalá que la muestra vocal se vuelva un poco más clara. Es agregar un poco de corte o un poco de regalos. No es directo como ligereza o claridad que nos subiéramos aquí arriba Pero solo un poco de corte y un poco de regalos. Ahora, también en este rango en aproximadamente 2.5, así que tal vez en algún lugar de aquí sea una especie de cualidad nasal. Entonces si solo toco eso y lo impulso se puede escuchar el sonido ahora se está poniendo bastante nasalmente Y esto es sobre todo a través de las voces. Mm hm. Así que por lo general un corte alrededor de 2.5 K en una voz suena bastante bien. Pero de nuevo, no siempre. Simplemente depende de tu voz y de tu mezcla. Entonces tenemos los máximos desde seis K hasta los 20 K aquí en la cima Este es tu aire, brillo, brillo, chisporroteo y tipo de Entonces con esto, puedes usarlo para cortar un poco de aspereza tal vez de símbolos o efectos, pero también puede agregar un poco de brillo en símbolos o efectos Simplemente depende de lo que estés buscando hacer. Pero en cosas como voces o pads o tal vez melodías, puede agregar un poco de aire o Entonces en nuestra voz aquí, si solo aumento este rango de frecuencia de aproximadamente seis K hacia arriba, deberíamos conseguir un poco agradable de ligereza o brillo a la Mm hmm. Y entonces si tuviéramos que ecualizar esta voz, estaríamos viendo esos dos principios de los que hablé antes del corte y el impulso. O en otras palabras, estamos viendo ecualización sustractiva y aditiva Entonces con algo como esto que no tiene mucho tipo de información base pasando, voy a cortar la mayor parte de eso porque no lo necesitamos. Así que voy a bajar de los mínimos a unos 150 tal vez. Y esto va a deshacerse de ese tipo de peso. Es peso vacío, de verdad. No es peso lo que necesitamos, y sólo va a chocar con la patada y el bajo. Entonces me voy a deshacer de ello en las voces y, efectivamente, cualquier otra cosa, ya sabes, acordes, melodías, cualquier otra cosa que no sea una especie de bajo pesado, que en esta pista probablemente solo sería la patada y el Entonces, por ahora, vamos a bajar de los mínimos. Y lo siento, lo acabo de hacer clic derecho sobre el parámetro. Cambiando la forma. Para que puedas cambiar la forma de estas bandas individuales. Así que escogí un paso alto, que literalmente deja pasar todas las frecuencias altas. Pero el otro tipo de término para esto sería un recorte bajo. También tenemos otras formas, obviamente, como , ya sabes, un pico, que es tu tipo de curva de campana o muesca y una repisa, que es lo que esta banda siete está puesta a donde se puede ver el tipo de donde la forma del EQ tipo de rampas hacia lo que parece una colina o una Entonces esa sería una forma de repisa. Pero estamos buscando un corte bajo o un paso alto para rodar fuera de las frecuencias bajas al final aquí. Entonces voy a poner esto de nuevo a 150 ish. Y deberías escuchar que el tipo de peso vacío se ha limpiado de esta voz. A continuación, vamos a tomar otra banda, y vamos a ajustar la Q o el ancho de banda. Entonces sabemos ahora que estas se llaman bandas, y el ancho de banda es exactamente lo que suena. Es el ancho de este tipo de curvas. Así podemos ajustar eso con la pequeña perilla aquí debajo de nuestra perilla de frecuencia. Entonces, si solo lo aprieto, estamos buscando ser un poco quirúrgicos con esto. Estamos buscando encontrar frecuencias que no nos gusten, y luego sacarlas. Esta es nuestra etapa sustractiva o de corte del EQ. Entonces, vamos a recorrer esta voz. Y encontrar algunas frecuencias que no nos gusten y sacarlas. Así que de inmediato, tengo un poco de tipo de cajosidad, enturbiamiento Está un poco amortiguado, no es un gran fan de esto, así que voy a sacar esto. Ojalá, la voz consiga un sonido un poco más ligero. Y luego, de nuevo, podemos tomar otra banda, ajustar la señal para que sea un poco más ajustada, y vamos a ir a barrer otra vez Ahora, aquí hay algún tipo de resonancia de la que no soy un gran admirador. Así que voy a sacar eso también. no estamos buscando dar forma Aún no estamos buscando dar forma al sonido. Eso viene después. Así que sé que aquí había algo que no sonaba muy bien, pero eso era más una especie general de sensación bovina y bovina. Realmente no me gustó. Pero específicamente, aquí hubo una especie de resonancia alrededor de este rango. Y entonces aquí abajo estaba un poco amortiguado. Así que voy a seguir adelante con tal vez Banda tres, ajustar eso y vamos a barrer a través. Oh. Entonces tal vez algo aquí es un poco silbato no lo sé, es duro Es un poco doloroso, supongo, en mis oídos. Así que voy a sacar eso también. Y si ahora tenemos A B, deberíamos tener un sonido vocal mucho más limpio Así que nos hemos deshecho de ese tipo de sensación amortiguada. Y lo hemos hecho un poco más claro y un poco más ligero. Entonces vamos a hacer algo de ecualización aditiva. Entonces vamos a abrir otro ecualizador. Y esta vez, estamos usando un ancho de banda amplio o una señal amplia. Entonces no estamos siendo quirúrgicos, ahora estamos siendo algo generales, y estamos buscando simplemente dar forma al sonido. Así que vamos a aumentar frecuencias que suenan bien y vamos a cortar algunas que no creemos que esté agregando nada placentero al sonido Entonces no se trata de ser quirúrgico y eliminar frecuencias específicas que están causando problemas. Esto se trata solo de dar forma al sonido. Entonces aquí está un poco honky. No es un gran fan de ello. Así que voy a sacar eso un toque. Pero puedes ver, es una señal o ancho de banda mucho más amplio que estamos usando. Así que sigamos adelante. Ahora, algo aquí arriba, es un poco duro. No suena como un verdadero tipo de ligereza. Es una especie de Porque supongo que la muestra es de baja fidelidad o baja fi, suena como que solo estamos impulsando esa baja frecuencia de muestreo o la baja profundidad de bits. Así que podría cortar un poco de los altos altos aquí. Entonces, si recordamos las frecuencias altas de seis K a 20 k, las cortaré un poquito. Pero entonces podría impulsar nuestra zona de presencia de esta vocal. Y podríamos barrer de nuevo y simplemente cortar algo de esta nasalidad. Quizá por aquí. Y ahora vamos a A B lo. Vamos a A B ambos. Entonces apagaré ambos, y encenderemos ambos mientras suena la voz. Entonces primero está nuestro ecualizador sustractivo Así que solo estamos agregando un poco de regalos o un poco de aire y una especie de dar forma al sonido con ese segundo Ahora, por un segundo, si sacamos algo tal vez como la base Uy Entonces sólo estoy buscando éste por el momento. Así que vamos a ecualizar esto. Vamos a abrir nuestro ecualizador paramétrico Y debido a que este es un elemento base, estas frecuencias son buenas. Queremos que estos permanezcan en el sonido. Queremos esas frecuencias porque agregan peso, agregan ponche, y simplemente calientan la pista. Este rango de frecuencias es donde generalmente se supone que debe estar la base. Literalmente se llama base. Entonces no estamos enfocados en cortar ninguno de estos. Sin embargo, puede haber algún tipo de información inútil aquí arriba. Entonces como pueden ver, estoy impulsando. Los máximos y nada está pasando realmente. En realidad, es agregar un poco de clic, lo cual no es agradable de escuchar en absoluto. Entonces voy a cambiar la forma a lo contrario de un paso alto, que es un paso bajo, o a veces sería un corte alto. Pero no necesitamos nada de esto aquí arriba. Va a rodar fuera de los máximos. No queremos matar a todos los máximos, sino solo el tipo de chasquido inútil del que no soy un gran fan Y luego, de nuevo, vamos a hacer el mismo proceso. Así que vamos a estrechar nuestra cola. Entonces, al instante, esta zona es en realidad bastante embarrada. Voy a cortar algo de eso. Vamos de nuevo con la Banda tres. No hay nada más tipo de cirugía que esté causando problemas, así que voy a pasar ahora a mi ecualizador aditivo Entonces cargaremos otro ecualizador. Y en este caso, solo estamos buscando ahora dar forma al sonido con una amplia. M Entonces esto es un poco honky. Podría simplemente estrecharlo ligeramente y sacar algunos de estos. Y tal vez porque es una base, podríamos darle un pequeño empujón en este tipo de área de baja frecuencia. Entonces vamos a AB eso. Entonces porque esta es mi subbase, potencialmente podría chocar con mi bombo. Así que ahora voy a ecualizar mi base contra mi bombo. Entonces voy a solo la patada, y voy a solo la base. Y nuevamente, pasaremos por el mismo proceso. Entonces, con tu bombo, abrirás un ecualizador paramétrico Harás alguna EQing quirúrgica, sacando algunas frecuencias que no te gustan con una especie de ancho de banda estrecho Pero sólo voy a saltarme esa etapa por un segundo, así que vamos a fingir que lo hice. Pero vamos a ver tratar de encajar el bajo y la patada juntos ahora. Así que vamos a tocar ambos al mismo tiempo, y vamos a barrer y encontrar áreas donde la patada podría estar chocando con el bajo y luego tratar de usar el ecualizador para hacer que los dos sonidos graves pesados complementen entre sí. Entonces vamos a escuchar. Vaya, necesito estar en la vista de canciones. Entonces creo que en algún lugar de aquí es donde empiezan a chocar. Ahora están ocupando el mismo rango de frecuencia. Entonces, si estrecho esto un toque y saco un poco de eso de la patada, y entonces podría aumentar la energía real de gama baja aquí en el Kitrm Dale un buen golpe. Y si recuerdo lo que he hecho aquí, así que he potenciado lo que es eso de 75 Hertz, y he cortado 135 volviendo a mi base Puedo ver, bueno, antes que nada, no estoy impulsando nada por debajo de 75, de verdad excepto esto, pero tal vez pueda sacar algo de eso de la base para que estemos haciendo espacio para el kitrum Y entonces tal vez podría tomar otra banda y sacar un poco de 135 en algún lugar por aquí. Sólo voy a estrechar un poco la cola. Así que ahora hemos moldeado la base contra el bombo y ambos deberían encajar muy bien y complementarse entre sí. Y entonces usarías este mismo tipo de idea en el resto de tu pista. Entonces ya hemos qued aquí nuestra muestra vocal que trajimos al inicio del curso Vaya, quiero darle un bucle a eso. Tal vez bucle ahí. Entonces ya hemos igualado esto Entonces ahora lo que querrías hacer es ecualizar otros elementos. Entonces tomemos, por ejemplo, el piano. Nos gustaría equiparar el piano contra la voz para que encaje. Y luego podríamos equiparar el plomo contra el piano y la voz y hacer que todos encajen juntos. Y luego deque la capa de plomo. Entonces, al trabajar con capas, trataría cada capa como una especie de parte de un instrumento. Así que idealmente así, haríamos solo nuestro lead y la capa lead, y haremos esto en solo un segundo, y los ecualizaremos juntos. Y luego después de eso, los equipararíamos contra los demás elementos del resto de la pista, como tu voz o tu piano. Entonces, rápidamente primero, veremos los instrumentos principales aquí. Vaya, ese es el bajo. ¿Dónde está mi pista? Aquí. Bien, entonces tengo dos instrumentos principales en 15 y 16. Así que sólo los vamos a solas por un segundo. Y de nuevo, voy a solo uno solo. Y muy rápido ahora, voy a hacer nuestro tipo de ecualización sustractiva Entonces nuevamente, esto no es un sonido basi. No quiero que tenga demasiada información pasando aquí abajo, así que voy a rodar del extremo inferior. Haremos un poco de cirugía. Algo un poco silbido ahí dentro o resonancia. Voy a sacar eso un poco, y volvemos a ir con Banda Cinco. Quizá algo ahí. Y creo que había otro por aquí en alguna parte. Tipo de silbido. Sí, tal vez ahí. Así que ahora hemos usado ecualización sustractiva, y hemos sacado algunas de esas frecuencias desagradables A continuación, ya sabes lo que hacemos. Abrimos otro, y ahora estamos sumando al sonido. Entonces creo que este tipo de área nasal es en realidad bastante fundamental para el sonido, así que en realidad voy a impulsar eso un poco. Verás, creo que eso es agregar carácter. Aquí es plano. Y ahora acabamos de sumar en ese tipo de nasalidad fundamental del sonido No creo que haya nada más aquí arriba. Estoy agregando un poco de claridad en. No estoy seguro si necesito eso porque sé que tengo otra capa. Entonces voy a dejar esto por ahora, y voy a tomar mi capa. Voy a solarlo primero para que podamos escucharlo por sí solo , ya sabes, algo fuera de contexto sin nada más en la pista, solo para que podamos hacer nuestro ecualizador quirúrgico. Así que de nuevo, estoy cortando algunos de los mínimos innecesarios, y luego voy a mirar a través muy rápido, y simplemente voy a encontrar algunas frecuencias que son desagradables. Un poco silbato. Eso es bastante duro. Eso es probablemente sobre eso. Entonces ahora vamos a cargar nuestro segundo EQ. Y aquí, vamos a darle la vuelta a la otra, y vamos a encontrar dónde está enmascarando y dónde podemos como complementar la otra capa. Entonces sé que potencié esto en el otro sonido, y se puede escuchar aquí de inmediato cuando lo impulso en esta capa también, Hay un poco de enmascaramiento de frecuencia pasando. Y eso básicamente significa que realmente no se pueden discernir los dos sonidos diferentes que se unen Simplemente suena como un desastre o un borrón. Entonces voy a sacar este enmascaramiento de frecuencia para hacer espacio para esta capa. Y entonces tal vez porque sabemos que aquí es donde está ocurriendo el enmascaramiento de frecuencia, podríamos potenciar algunas otras frecuencias. Quizá en algún lugar de aquí. Y tal vez sólo un toque más en las altas frecuencias ahí. Y si ahora tratamos de escuchar esto en contexto, entonces tenemos nuestro gancho vocal. Haremos solo nuestra melodía, y solo ojalá mi portátil no se quede atrás. De nuevo, podríamos volver a nuestra voz y ajustarla. Pero no creo que necesitemos. estamos cortando esas frecuencias de plomo De todos modos estamos cortando esas frecuencias de plomo de nuestra voz, que está en algún lugar por aquí. Entonces no creo que sea necesario. Y podríamos simplemente agregar en Vaya, el piano, también, y solo voy a silenciar estas capas porque creo que están haciendo que mi computadora portátil disminuya la velocidad Así que sólo voy a abrir el piano y vamos a ecualizar eso contra las pistas y contra el ecualizador. Ahora, aquí hay un poco de calidez en la parte inferior del piano. No quiero cortarlo demasiado porque se oye que se adelgaza un poco. Así que voy a mantener algo de ese peso adentro. Quizá en algún lugar ahí. Y ahora hacemos nuestra cirugía. Eso es un poco resonante. Vamos a agarrar la banda cuatro. La mayoría de estos son en realidad connotaciones, así que probablemente estén bien. Pero tal vez solo un pequeño corte así. Y ahora vamos a volver a encender nuestros otros instrumentos y vamos a ecualizar el piano contra ellos. Entonces, busquemos áreas donde el piano complemente todo lo demás. Entonces aquí está chocando con la melodía y aquí está una especie de chocar con la voz Así que podría sacar un poco de esto. Tal vez impulso aquí y tal vez impulso. Algo aquí solo para darle un poco de corte o mordida. Y ese es el proceso que tomarías con toda tu pista. Entonces sé que con nuestro piano, tenemos dos capas. Por ejemplo, digamos que son estos dos, haríamos solo el piano. Bueno, primero que nada, solo una de las capas y hacemos nuestro ecualizador quirúrgico, solo, hacemos algunos EQ quirúrgicos. Y luego haríamos nuestro aditivo o modelado contra las dos capas, y luego hacemos alguna conformación aditiva con el piano encendido, también. Y luego haríamos, de nuevo, alguna conformación aditiva con todos los demás elementos encendidos, y así sucesivamente. Quieres asegurarte de que estás cortando bajas frecuencias de elementos que no lo necesitan, cosas como el pecado o tu voz, o incluso tu aplauso, tu sombrero, tu trampa Tampoco se escapan de él. No hay mucha información de baja frecuencia en un aplauso. Así que también estarías aplicando un paso alto o corte bajo a tus muestras de tambor. Y luego con cosas como tu patada o tu bajo, estás haciendo lo contrario donde podrías rodar algunas de las frecuencias altas en su lugar, manteniendo esas frecuencias bajas ahí dentro. Entonces, EQ, como puedes ver, es realmente una especie de acto de equilibrio entre claridad y carácter. Puedes crear mezclas que sean limpias, dinámicas y llenas de vida. Recuerda siempre que EQ es una herramienta para mejorar la vibra. No está ahí para dominarlo como que. Así que mantenlo sutil. Así que manténgalo sutil, mantenlo con propósito, y tus huellas siempre brillarán 40. Compresión para beats: Entonces ahora vamos a ver la compresión. La compresión es una herramienta esencial en cualquier producción musical para controlar la dinámica. Entonces primero, abramos un compresor y echemos un vistazo a algunos de sus parámetros. Entonces vamos a abrir un compresor aquí en el piano, que está en el Canal 13, y voy a cargar el compresor. Entonces ahora con esto, vamos a echar un vistazo a los parámetros. En primer lugar, tenemos la ganancia de entrada, y esta es la cantidad de volumen que entra en el compresor. La ganancia de salida o lo que se llama ganancia de maquillaje es cantidad de volumen que sale del compresor. El tiempo de ataque es la rapidez con la que se enciende el compresor. El lanzamiento es lo contrario. Es la rapidez con la que se apaga el compresor. El umbral es el nivel de audio en el que comienza la compresión, y la relación es cantidad de compresión que se está aplicando realmente. Sé que aquí también tenemos una perilla RMS, pero eso en realidad no tiene nada que ver con la compresión. Eso solo tiene que ver con la gráfica visual de aquí abajo. Así que no tenemos que preocuparnos por eso. Y luego tenemos la rodilla. Esto controla la suavidad de la curva de compresión. Entonces por el momento, es una rodilla dura. Entonces, cuando el nivel de audio alcanza este umbral, el compresor apenas empieza a comprimirse. Pero podemos ajustar la rodilla para que sea suave para hacerla tal vez más suave o lineal, por ejemplo, para tratar de suavizar el sonido también Bien, sólo un corte rápido aquí. Comprimí el piano, pero mi laptop no podía manejarlo. No sé por qué. Entonces voy a hacerlo de nuevo aquí. Tengo mi compresor M abierto. Estoy en mi canal de piano. Así que ahora vamos a usar los parámetros que acabamos de mirar para comprimir el piano. Entonces antes que nada, debido a el piano es un instrumento acústico, y es bastante suave, voy a establecer mi relación en tal vez tres. No quiero ser demasiado agresivo con esto. Voy a bajar mi umbral para cumplir con donde entra ese nivel de volumen. Ahora, se puede escuchar la compresión ahí. Está empezando a aplastar el piano. Si acabo de bajar completamente este umbral, podrás escuchar cómo suena realmente la compresión pesada. Parecerá que el piano está un poco aplastado, o obtendrás una especie de efecto de bombeo Eso es una sobrecompresión extrema. El piano está bombeando. Así que solo queremos ser un poco más sutiles con esto. Y de nuevo, voy a ajustar la rodilla, y verás instantáneamente que una rodilla blanda en realidad ayudará a deshacerse de algo de este efecto de bombeo. Simplemente lo hace un poco menos obvio, y la palabra que nos gusta usar es más transparente. Entonces creo que es un poco demasiado. Sólo voy a ajustar el umbral otra vez. En cuanto al tiempo de ataque, porque el piano es un sonido bastante apuñalado o sería descrito como duro, tiene una especie de fugacidad aguda al inicio de cada nota Entonces voy a dejar que algunos de ellos pasen por el uso del ataque. Y entonces voy a hacer que suene un poco más suave al subir el lanzamiento a unos quizá 100 y un ataque de 50. Así que ojalá ahora tengamos un piano muy bien comprimido, pero también es un poco transparente y hace que suene un poco más suave. Déjame solo A B eso. Esta es una diferencia más sutil. Y luego podemos mirar nuestro medidor de reducción de ganancia. Entonces está leyendo tal vez menos tres a menos cuatro. Entonces eso básicamente significa que estamos reduciendo la ganancia del piano en esa cantidad de decibelios Entonces quiero usar mi salida o ganancia de maquillaje para compensar esa reducción de ganancia. Entonces, ¡chillas! Eso es demasiado. Tal vez alrededor de -3.5. Y ahora hemos comprimido con éxito el piano. Entonces ahora, mientras todavía estamos en este corte, voy a guiarte a través de la compresión de pegamento y la compresión multibanda justo antes volver a cortar al otro video Entonces para la compresión de pegamento, vamos a tomar, por ejemplo, dos de las capas. Entonces estas son las dos capas de melodía. Pero con la compresión de pegamento, básicamente es un grupo. Vas a comprimir un grupo al mismo tiempo para pegarlos o mezclarlos. Podrías hacer esto en cosas como capas. Entonces, por ejemplo, nuestra capa de melodía aquí. También podríamos hacerlo con los acordes. Podríamos tener compresión de pegamento en todos los acordes. Entonces usamos nuestro piano y tal vez nuestras dos capas de piano. Puedes usar compresión de pegamento en tus tambores, en todas las voces, en las voces y acordes juntos Puedes hacerlo en toda la pista en el canal maestro. Pero por ahora, sólo lo vamos a hacer con estas dos capas de melodía. Así que déjame abrir mi patrón de melodía. Entonces para esto, estamos buscando crear un autobús, y un autobús básicamente está usando uno de estos canales como grupo. Entonces vamos a enviar la señal de audio desde Pg dos y desde el suero número seis. Vamos a enviar la señal de audio hacia fuera y hacia abajo al canal que queramos. Entonces tomemos el canal 50 y cambiaremos el nombre a esto como Melody Bus así que voy a tomar Praga dos. Y lo que quiero hacer es que lo quiero enraizar a esta pista solamente. Porque no quiero que el prog dos sea enviado a mi autobús y al maestro al mismo tiempo porque eso va a duplicar la señal No quiero duplicar la señal. Sólo quiero enraizar la señal aquí abajo, hasta mi autobús. Y luego desde el autobús, que combina señal de mis dos capas de melodía, entonces eso será enviado al maestro. Así que vamos a tomar nuestra otra capa, y vamos a enraizar de nuevo a esta pista solamente. Y verás que deja de ser enviado al maestro. Y empieza a ser enviado aquí en su lugar. Entonces ahora, ambas capas están llegando a través de este autobús. Y puedo comprobar que cuando golpeo Play y mudo este autobús, no debería escuchar nada. Entonces ahora sé que ambas señales aquí abajo están siendo enraizadas solo a través de este canal 50, este bus de melodía. Para hacer un poco de compresión de pegamento, vamos a comprimir ambas señales, ambas capas al mismo tiempo. Entonces abramos nuestro compresor. Y lo que estamos buscando aquí es una compresión sutil para pegar los elementos juntos, ahí que se le llame compresión de pegamento. Entonces, lo que vamos a hacer es que vamos a establecer nuestro umbral en ajuste por debajo de donde entra nuestro nivel de volumen. Nada extremo. Estamos tratando de ser muy sutiles. Vamos a usar una proporción bastante baja. 1.8 en realidad está bien, pero podría poner el mío en dos. Vamos a cambiar el ataque a unos 30 solo para dejar pasar a algunos de los transitorios Entonces vamos a establecer nuestro lanzamiento alrededor de la 1:50. Estamos buscando que esto sea bastante suave y que cree un desenfoque o una mezcla. Y entonces solo estableceríamos la ganancia de maquillaje para que coincida con lo que sea la reducción de ganancia. Entonces aquí, probablemente se trate de menos uno o menos dos, así que voy a más dos. Ahora bien, este será un efecto muy sutil. Pero es sólo para pegar esos dos elementos separados juntos y hacerlos sentir como un elemento o un instrumento. Ahora veamos rápidamente la compresión multibanda. Esto sí funciona muy bien en los canales de bus, pero principalmente funciona mejor para sonidos que tienen un amplio rango de frecuencias. Nuestra melodía aquí, es bastante delgada. No es si solo abro un ecualizador por un segundo, puede ver que el rango es principalmente las principales frecuencias fundamentales de este sonido o de estas dos capas está entre, supongo, 500 y tal vez seis K. Eso es un rango bastante delgado, mientras que si tomamos, por ejemplo, tal vez el piano, que está aquí. Yo sólo los mudo por un segundo. Podemos ver que el rango es mucho mayor. Es tal vez de 50 a cinco K. Lo hemos adelgazado un poco con nuestro ecualizador Pero si tuviéramos que tomar tal vez una o dos de estas capas. Así que solo tomaré esta porque sé que ésta en realidad está causando que mi CPU entre en pánico. Pero si tomamos esta capa y pretendemos que estas son las únicas capas en nuestras cuerdas, vamos a enraizar a un nuevo autobús, tal vez abajo al lado del bus de melodía aquí, cambiaremos este muy rápido a cuerdas y vamos a tomar nuestro piano y root a esta pista solamente. Y vamos a llevar nuestra capa de acordes y raíz a esta pista sólo también. Y luego vamos a abrir un compresor multibanda. Entonces sí tengo, ya sabes, diferentes versiones de estas, pero FL Studio sí viene con una. Entonces abramos Maximus. Y aquí, si no has adivinado un compresor multibanda es como compresión y EQ tipo de mezclados Así podrás comprimir las frecuencias bajas y puedes configurarlas donde necesites que estén. Puedes comprimir los bajos, los medios y los máximos por separado entre sí Y es por eso que funciona mejor en, um sonidos que tienen un amplio rango de frecuencias. Entonces no tiene sentido comprimir multibanda un sonido que sólo está ocupando esta parte del rango de frecuencias Pero, por ejemplo, si aquí usamos nuestra capa de piano y acorde, si solo vuelvo a abrir, un ecualizador solo para echar un vistazo al rango de frecuencias. Vamos de unos 50, incluso más altos ahora, probablemente vamos a subir a unos seis K. Así que ahí tenemos un rango bastante grande. Entonces, usar la compresión multibanda como nuestra compresión de pegamento probablemente va a funcionar bastante bien Ahora, no es necesario usar compresión multibanda en los canales de bus Me gusta, pero absolutamente puedes simplemente insertarlo en el piano por su cuenta o en los acordes por su cuenta Se puede utilizar para realmente engrosar un sonido. Pero por ejemplo, aquí solo lo vamos a usar como compresión de pegamento. Y nos va a permitir enfocarnos un poco más en cada una de las frecuencias individuales. Ahora, también quiero decir que con Máximo, tenemos tres. Tenemos las bandas de baja, media y alta frecuencia. Pero con algunos otros compresores multibanda, sí obtienes más o algunos de ellos te permiten meter tantos como quieras. Sólo voy a ver cuántos. Si tomo esta dinámica multibanda grande, por un segundo, abriré un preset Con esto, tenemos una, dos, tres o cinco bandas diferentes. Y no lo sé. Podemos agregar Tenemos seis. Tenemos seis bandas que podemos usar en este compresor multibanda Pero no estoy enfocado en eso por ahora. Estoy buscando usar los complementos de stock de FL Studio, así que solo vamos a ver a Maximus. Y Maximus es en realidad un enchufe realmente, muy potente Así que vamos a usarlo ahora. Vamos a solo nuestras bajas frecuencias para llegar a establecer nuestro tipo de rango para las frecuencias bajas. Así que vamos a entrar en los medios ahí. Quizá en algún lugar de aquí. Vamos a establecer nuestras frecuencias medias. Creo que cuando haga clic, va a cambiar a los máximos. Vamos a establecer los máximos. Tal vez en algún lugar ahí, y ese es nuestro conjunto de medios también por defecto. Entonces ahora, con tu pre aquí, esta es tu ganancia de entrada. O con Maximus, también se puede arrastrar el tipo real de bloque de frecuencia, supongo, arriba y abajo. Pero voy a dejar ese reset por ahora. Sólo vamos a dibujar en nuestra compresión aquí. Entonces, realmente no se puede ver eso. Así que vamos por los MDs por un segundo. Para que puedan ver la señal entrando ahí. Establecemos nuestro umbral por donde hacemos clic derecho en esta línea. Entonces, si hago clic derecho aquí arriba, ese es un umbral bastante alto. La señal ni siquiera está llegando a eso. Pero si yo si bajo el umbral, ahora estamos captando esa señal, y podemos arrastrar esto hacia arriba o hacia abajo para cambiar nuestra proporción. Así que vamos a arrastrarlo hacia abajo. Es un tipo real de representación visual de lo que realmente le está sucediendo a la señal. Entonces puedes ver los volúmenes de señal entrando así, y luego el compresor está quitando parte de ese volumen una vez que alcanza este umbral. Entonces esa sería una proporción muy alta, tal vez de 100 a un tipo de limitación. Así que solo estamos buscando comprimirlo un poco. Y entonces si cambiamos a nuestra vista de monitor, el morado es lo que solía ser la señal. Entonces, si solo lo demuestro también, eso es lo que solía ser la señal, y el blanco es lo que es ahora. Entonces comprimimos esto a la ligera. A lo mejor algo así. Con el morado, probablemente no estemos perdiendo tanto, tal vez solo uno o 2 decibelios Entonces ajustas nuestra ganancia de maquillaje para que sea aproximadamente una tal vez 1.3. Haremos lo mismo con los bajos. Y si no puedes ver la señal entrando, probablemente necesites ajustar tu ganancia de entrada. Así lo puedo ver un poquito ahí ahora. Monitor, probablemente estemos perdiendo quizá otra vez, algo así como dos o 3 decibelios Así que vamos a ajustar eso. A lo mejor dos, y vamos a ir por los máximos. Otra vez, no recibiendo mucha señal aquí. Ahora bien, no quieres empujar esto demasiado. Probablemente no haya suficiente información ahí arriba de todos modos. Yo sólo quiero ver un poco de la señal. Entonces ahora hemos utilizado este compresor multibanda, y también podemos comprimir el general Entonces hicimos cada banda por separado. Vamos a comprimirnos muy rápido, muy ligeramente. Esto en general, y deberíamos tener una señal comprimida ahora usando compresión multibanda en el canal del bus Ahora bien, mi ganancia de entrada fue definitivamente un poco extrema. Yo solo quería mostrar el proceso de uso de Maximus. Pero esta ganancia de entrada es probablemente un poco demasiado, y la razón por la que no teníamos tanta señal entrando fue porque no hay tanta información ahí abajo de todos modos en estas bajas frecuencias. Así que todavía lo impulsaría un poco, pero lo que hice fue demasiado. Y se puede escuchar que en el sonido general que se estaba poniendo un poco demasiado basi Pero por ahora, eso es solo una demostración de la compresión de pegamento y cómo usar la compresión multibanda Realmente quieres estar tratando cada banda como su propio compresor. Entonces, obviamente, no estás pensando en el sonido en su conjunto, sino que estás pensando en las bajas frecuencias como su propio sonido. Estás pensando en los medios como su propio sonido y los agudos como su propio sonido puede pensar en ello como se puede pensar en ellos como si fueran como capas. Entonces tienes una capa baja, una capa media, una capa alta, y luego en tu maestro aquí, tienes tu autobús, donde mandas todas las capas individuales y se juntan aquí, y puedes comprimirlas todas juntas. Por ahora, creo que recortamos al otro video, y echamos un vistazo a tambor y la compresión de base. Entonces para demostrar tal vez el uso del tiempo de ataque, echemos un vistazo a la trampa en esta pista Entonces eso es en Canal dos o mezclador Pista dos. Entonces es un lazo bastante ágil. Carguemos nuestro compresor. Y vamos a bajar el umbral a especie de justo por debajo de donde se lee el nivel de volumen. Entonces tal vez justo debajo de esta línea blanca. Y si voy muy pesado con esto por un segundo, así que realmente podemos escuchar lo que está haciendo. Si baje el tiempo de ataque, va a captar ese transitorio al inicio del sonido. Entonces puedes ver aquí que el nivel de volumen al inicio mismo de la trampa es bastante alto Pero luego el resto de la trampa, el nivel de volumen es un poco más bajo Entonces, si fijamos el tiempo de ataque demasiado rápido, el compresor va a pensar que este es el nivel que queremos estar comprimiendo y lo va a usar para aplastar toda la caja Entonces este sonido de trampa ahora está aplastado. Pero aún podemos mantener esta compresión pesada, pero solo dígale al compresor, no quiero que enciendas aquí al inicio. Quiero que enciendas quizá aquí ajustando el tiempo de ataque. Y se puede escuchar que el chasquido de esa trampa está empezando a volver a través El tiempo de lanzamiento es bastante bueno aquí. No es demasiado largo y no es demasiado rápido. Entonces creo que un tiempo de lanzamiento de 50 milisegundos es perfecto. Y ahora podemos seguir adelante y ajustar la ganancia de maquillaje. Así que voy a ajustar de nuevo el umbral porque hemos cambiado el sonido. Entonces ahora estamos reduciendo en aproximadamente menos cuatro. Vamos a llevar esto a cuatro. Y usando esto, hemos creado un sonido de trampa ágil pero comprimido Entonces tal vez, por ejemplo, con el bombo, probablemente vamos a estar comprimiendo esto para ponche en lugar de chasquido. Entonces lo que estamos buscando aquí es, bueno, antes que nada, tenemos que asegurarnos de que nuestro umbral esté establecido correctamente. Una relación puede ser de aproximadamente cuatro o mayor, dependiendo. Vamos a poner el nuestro en cuatro por ahora. El ataque, de nuevo, porque el inicio del kikrum tiene un poco de transitorio, no queremos estar comprimiendo ese sonido del batidor del Así que vamos a permitir que algo de eso pase. Tiempo de lanzamiento de nuevo, 50 milisegundos es perfecto. Y podemos sacar a colación nuestra ganancia de maquillaje por, de nuevo, alrededor de 3.5. Y ahora deberíamos tener un kiktrm contundente. Entonces para cosas como un ocho oh ocho. Entonces abramos nuestra base ocho oh ocho. Mm. Simplemente borraré cualquier compresión que tenía ahí ya. Vamos a volver a abrir nuestro compresor fresco. Entonces con esto, porque hay mucha energía pasando en el rango de sub base o con esas bajas frecuencias, realmente queremos controlarlas para que no se salgan de control y no dominen la mezcla Entonces, en general, con una subbase como esta, establecería la relación en aproximadamente siete u ocho para controlar realmente esa base M También establecería que el tiempo de lanzamiento sea un poco más largo así que suene un poco más suave. Y luego podemos ajustar nuestra salida para que coincida. Y ahora tenemos un sonido más suave ocho oh ocho base que está controlada Para los gustos de la capa base ocho oh ocho. Entonces este tipo de aquí. No hay tanta información de baja frecuencia en esto. Así que probablemente no necesitamos comprimirnos por, ya sabes, una proporción de siete a uno y ocho a uno. Una relación estándar de tal vez cuatro a uno estará bien. A continuación, si nos fijamos en alguna compresión vocal muy rápido. Entonces aquí está nuestra voz. Voy a hacer un bucle de eso. Lo abriremos en el Canal Seis. Lo siento. Necesito estar en la vista de la canción. Voy a silenciar el filtro de amor por un minuto. Y de nuevo borra cualquier compresión que tuviera ahí. Entonces las voces son bastante dinámicas. Tienen mucho rango dinámico. Ya sabes, dependiendo de la expresión del artista que esté actuando. Cuando estás cantando o rapeando o lo que sea, el artista va a tener muchas inflexiones diferentes y rango dinámico en su Y se puede ver eso ahí en la forma de onda. Hay partes muy silenciosas, como, ya sabes, sonidos respiratorios y cosas así. Y se puede ver aquí que ella es ruidosa, y luego se escapa en volumen. Hay algunos transitorios ahí dentro, como este transitorio aquí es enorme en como este transitorio aquí es enorme comparación con el volumen real de la forma de onda Entonces las voces son bastante dinámicas, y por eso, necesitan un poco de control extra Entonces eso significa ajustar el compresor a tal vez una relación de cuatro. El tiempo de ataque no es tan importante. No hay muchos sonidos transitorios apuñalados en una interpretación vocal Entonces un tiempo de ataque de diez milisegundos en realidad es perfecto Queremos que el compresor entre bastante rápido, pero no tan rápido como para que sea obvio lo que le está haciendo al sonido. tiempo de lanzamiento puede variar si quieres que suene un poco más suave. 50 milisegundos serían bastante naturales. Y luego un tiempo de liberación rápida a veces puede sonar un poco obvio, también. Así que normalmente establecía las voces en alrededor de 50 milisegundos, lo que estaba configurado por defecto Y luego ajustaremos el umbral. Lo cual en realidad podría estar bien. Y ajustaremos nuestra ganancia de salida. Ahora, estamos reduciendo tal vez menos tres. Así que solo voy a agregar un poco de ganancia de maquillaje. Y ahora nuestra voz ha sido comprimida. Es realmente sutil. Pero es solo controlar esas dinámicas en la voz. Dos errores a tener en cuenta es la sobrecompresión. Esto puede simplemente matar tu dinámica o matar la energía en tu pista. Así que quieres asegurarte de que estás usando una proporción no demasiado alta. Entonces abramos este compresor. Tu ratio no está establecido demasiado alto. Es, ya sabes, tal vez un promedio de cuatro es a uno o por debajo del tipo de solo ir por encima de eso cuando realmente necesitas controlar el sonido. También quieres asegurarte de que tu umbral no esté muy bajo. Entonces, donde quiera que entre el volumen de audio, y por lo general se establece el umbral un poco por debajo de eso. Además, asegúrate de solo prestar atención a tu ataque y tus tiempos de liberación. Cuanto más largo sea el lanzamiento, más suave es el sonido, ya sabes, corto, más rápido se apaga el compresor, y tu sonido de ataque es bastante importante para sonidos transitorios agudos o apuñalados como trampas, patadas, sombreros altos, o, ya sabes, especie de desplume suena como tal vez un piano o un sintetizador valiente Y por último, y lo más importante, no necesitas compresión en todas las pistas. Esto es algo de lo que veo que hablan muchos tutoriales cuando no solo se hacen beats, sino cualquier cosa realmente cualquier tipo de mezcla. Dicen: Oh, necesitas compresión en cada canal, y tienes que estar comprimiendo esto y aquello y comprimido así. No es un compresor no es algo que necesites para darle una palmada a todos los canales Y de hecho, en la música electrónica, muchos de los sonidos del sintetizador, todos modos no tienen tanto rango dinámico Por lo que no hay necesidad de un compresor. Compressor es una herramienta para controlar el rango dinámico. Se puede agregar o quitar ponche, puedo agregar o quitar snap. Puede suavizar los sonidos o, ya sabes, controlar las diferencias de volúmenes en una interpretación vocal entre las partes ruidosas y blandas Puedes usarlo para hacer que las voces suenen más íntimas, donde puedes escuchar cada pequeño tipo de golpe de labios y sonido de respiración O si no te gusta eso, puedes hacer lo contrario. En realidad no es esencial agregar gordura a la pista. O calidez o algo por el estilo. Ves muchos de estos tutoriales dicen: Oh, si quieres que tu tracto sea realmente gordo y quieres que tu patada y base golpeen muy fuerte, usa compresión. Necesitas usar compresión. Los compresores no se utilizan realmente para eso. Y de hecho, si quisieras ese efecto, tendrías que hacer alguna compresión bastante pesada, tal vez compresión paralela pesada o algo así. Para obtener un sonido verdaderamente gordo, es necesario usar algo llamado saturación y distorsión armónica, pero lo estaremos viendo en unas pocas conferencias. Por ahora, solo estamos usando compresores como control dinámico. Entonces, para agregar ponche, para agregar un poco de snap, como dije, para suavizar las interpretaciones vocales, es una herramienta utilizada para esculpir el sonido, no abusar de él para tratar de engordar el sonido Y ahí es generalmente donde los productores se equivocan y terminan realmente sobrecomprimiendo y haciendo que el sonido sea aplastado Están buscando hacer que la pista suene más gorda, y para hacer eso, deben comprimirse muy fuertemente, y luego terminan simplemente aplastando dinámicas Entonces la comida para llevar es un compresor es una herramienta y no es necesario usarlo en todos los canales. Simplemente úsalo donde sea necesario para controlar el rango dinámico. 41. 808: haz que se destaquen: Crear ocho oh ochos que golpeen sin abrumar la mezcla es fundamental en la producción moderna Y a lo que me refiero con ocho oh ocho aquí es la patada y la base juntas. Podemos hacer esto con una técnica llamada compresión de cadena lateral. compresión de la cadena lateral reduce temporalmente el volumen de un sonido cuando se reproduce otro sonido. Entonces con esto, podemos permitir que la patada brille a través la base ocho oh ocho y crear una gama baja clara e impactante Entonces esto es realmente sencillo. Voy a tocar nuestra batería en solitario, y voy a solo nuestra base, y voy a hacerles un bucle. Y en nuestra pista de mezcladores, solo voy a unsolo todo para que podamos escucharlos. Lo siento, debería estar en la vista de la canción. Y sólo nos interesa la patada aquí y el bajo. Ahora, por el momento, ambos están sonando al mismo tiempo, y probablemente estén chocando porque ambos están tomando frecuencias en el tipo de baja frecuencia de rango sub base Pero podemos usar la patada para hacer que la base caiga cada vez que juegue la patada. Entonces vamos a vincular nuestra patada a nuestra base, pero esta vez, vamos a encadenar lateral a esta pista. Entonces en nuestro canal base, vamos a traer el limitador afrutado Porque podemos usar eso como compresor para crear alguna compresión de cadena lateral. Entonces nos interesa el lado de compresión de las cosas, no el limitante. En nuestro menú de cadena lateral, vamos a establecer esto en uno, y esto funciona como tu vocoder donde podrías tener múltiples canales diferentes vinculados a tu base ocho oh ocho, y esto podría decir uno, dos, tres, cuatro, cinco, pero para nosotros, solo tenemos un canal Entonces para nosotros, sólo tenemos que poner este menú de cadena lateral en uno. Entonces con esto, el umbral va a decirle al compresor cuándo agachar la base. La relación le va a decir al compresor por cuánto debe canalizar la base. Tu ataque es lo rápido que debe agacharse la base. Entonces, en general, esto debe establecerse lo más bajo posible. Quieres que esa base se agache enseguida cuando llegue la patada Y luego en general, ajustaríamos el lanzamiento para tratar de igualar la forma de ese bombo. Entonces, fijemos nuestra proporción en aproximadamente cuatro a uno. Se puede ver en la esquina superior izquierda ahí de la pantalla. Y vamos a golpear play y ajustaremos el umbral a medida que está jugando. Entonces, si quisieras agacharte más, podemos subir la proporción. Pero creo que cuatro es a uno en realidad fue bastante bueno. Se puede tener una liberación rápida para que el compresor se apague de nuevo muy rápido. O podemos configurarlo y lo que recomiendo es intentar capturar toda la patada. Entonces tal vez en algún lugar ahí. También podemos usar el umbral para que se agache más. Así que ahora siempre puedes estar seguro de que tu bombo va a atravesar la base y crear ese efecto de golpe que todo el mundo está buscando. Vamos a aplicarlo a nuestra capa base. Entonces vamos a tomar nuestra patada, encadenarla lateral a nuestra capa base, entrar en la capa base, cargar limitador afrutado, entrar en la sección de compresión, establecer eso en uno Y nuevamente, tal vez una relación similar de cuatro es a uno. Y ya veremos cómo suena esto. Oh. Y no es solo el bajo con el que recomiendo el encadenamiento lateral De hecho, encadenaría casi todo al bombo lateral . Algunas cosas más ligeras que otras, como si encadenara de lado la patada a los sombreros, pero lo haría mucho más sutil. Y también encadenaría lateral la patada a bien, casi todos los elementos. Entonces la melodía, las teclas, los pads, cualquier otra cosa que se interponga en el camino de la patada. Por ejemplo, si tomamos nuestra melodía, tomaremos la melodía en el canal 15. Así que tenemos nuestra patada. Vamos a encadenar eso al Canal 15. Y nuevamente, cargaremos nuestro limitador en la sección de compresión, cadena lateral uno, una relación al inicio de aproximadamente cuatro, y ajustaremos el umbral Así se puede ver que la patada ahora está haciendo que la ventaja se agache por debajo. Entonces podemos agregar de nuevo en nuestra base. Y se puede ver que la patada realmente está atravesando. Oh. También puedes usar cadena lateral para otros fines. Como, por ejemplo, podrías agregar reverberación a tu vocal y luego encadenar la reverberación a la vocal para que cada vez que entra la voz, esa reverberación baje un poco, lo que hace que la Y luego, cuando la voz deja de sonar, el nivel de reverberación vuelve a rebotar y obtienes una bonita cola de reverberación larga y grande sin lavar el sonido de la voz Así que cadena absolutamente lateral cada instrumento y el bajo a tu bombo. Esto le permite cortar a través la pista y crear ese efecto de golpeteo 42. Saturación y distorsión armónica: Bien, ahora estamos viendo saturación y la distorsión armónica. Este es el secreto de la gordura, el calor y la arena. Así que agreguemos algo de saturación y distorsión armónica a varios elementos de la pista. Vamos a empezar con la base ocho oh ocho. Agregar saturación a su base ocho oh ocho en realidad agregará armónicos adicionales, lo que ayuda a mejorar la presencia y hacerla audible en el altavoz de un teléfono o en un pequeño tipo de auriculares de mala calidad Y básicamente, todo lo que vamos a hacer es que vamos a abrir el moldeador de olas Y vamos a doblarlo hacia arriba. Podemos ser bastante agresivos con un bajo ocho oh ocho. Ahora, por supuesto, sí lo hace más fuerte. Pero encontrarás que cuando lo vuelvas a bajar, hay armónicos adicionales ahí dentro, lo que puede ayudar a que sea audible en altavoces pequeños Podemos hacerle lo mismo al bombo. Entonces voy a abrir mi patrón de batería. Y si solo le damos la patada, abramos el waveshaper y le demos un poco de distorsión armónica Y darle un poco de saturación. Y luego encuentro en cosas como los sombreros altos y la trampa que agregar alguna distorsión armónica puede hacerlos brillar o agregar un poco de arena Entonces estamos buscando el overdrive de sangre aquí. Y vamos a hacer lo mismo con nuestro aplauso o trampa, en este caso Vea cómo está agregando ruido extra o frecuencias altas. Así que aquí está el antes y el después. Eso es una trampa gorda Con algo así como nuestras melodías, podemos agregar un poco de arena o calidez Entonces están en los canales 15 y 16. Solo miremos 15 por ahora. Así que de nuevo, podemos simplemente arrastrar esta curva de waveshaper hacia arriba. Pero como creo que miramos antes, también podemos dibujar en diferentes formas. Y vamos a hacer lo mismo quizá en esta capa. Así que estoy agregando una saturación un poco más agresiva haciendo que la curva se incremente un poco más rápido. Entonces ahora, si escuchamos en contexto, tenemos un sonido de plomo saturado, un ocho oh ocho muy bien saturado. Y nuestra trampa de patada y sombrero también están saturados. Entonces, en contexto, esto suena así. Lo siento, siempre estoy haciendo esa vista de canción. Entonces tratando de ignorar los malos volúmenes porque en realidad aún no hemos mezclado los niveles de fader, espero que puedan escuchar cómo el sonido es mucho más gordo Yo sólo voy a tratar y AB él. Mm. Y la saturación también puede ser bastante genial en las voces. También hay plugins de saturación multibanda. Así que recuerda de antes con el compresor multibanda, podemos comprimir diferentes rangos de frecuencia Podemos hacer lo mismo con un saturador multibanda para Así que tal vez podríamos saturar mucho las frecuencias bajas. A lo mejor los medios un poco y los agudos mucho para agregar en algo de brillo Sin embargo, no quieres estar saturando demasiado extremo. No es la respuesta a tratar de engordar tu pista. Definitivamente, deberías estar estratificando correctamente, pero cuando se trata de cosas como los sombreros, los aplausos, la base ocho oh ocho, y, ya sabes, sinth leads y tal vez los cordones de pecado, definitivamente creo que la saturación es una herramienta increíble para papel de onda afrutado es un tipo adecuado de saturador mientras que el overdrive de sangre, para mí, suena más como distorsión armónica Entonces tiendo a usar overdrive de sangre en mis tambores y el papel de onda luego en los instrumentos Pero hay muchos otros complementos de saturación por ahí, y todos te permiten lograr este sonido gordo. Uno de los más famosos es OTT, pero eso significa overthe top, y eso es lo que hace. Está por encima de la saturación superior. En FL Studio, algunas personas usan el goodiser de sonido como saturador Pero eso no es un saturador. Eso es en realidad compresión multibanda. En realidad se puede ver en Maximus, lo que está haciendo. Sí, abajo ahí abajo, sonido Goodiser presets, A, B, CD Entonces, cuando estás usando el goodeiser de sonido, en realidad solo estás usando Maximus, y esto es lo que Maximus está Es más como saturación con alguna compresión multibanda pesada Sound Godeiser algunas personas ríen de los productores que usan el sonido Goodiser y, ya sabes, lo ven como amateur Pero creo que todo vuelve a como suena. Si suena bien, es bueno. Solo ten cuidado con el sonido Godeiser porque es bastante pesado y es una compresión multibanda bastante pesada Entonces va a aplastar el sonido, y va a cambiar la forma de ese sonido. 43. Reverberación y retardo: Reverb y delay son herramientas esenciales para crear profundidad, espacio y ritmo al hacer ritmos Por lo tanto, la reverberación puede agregar espacio a un sonido simulando un entorno como una habitación o una sala, y puede crear una sensación de profundidad empujando los sonidos hacia atrás en la mezcla o agregando una textura ambiental Delay luego repite las señales de audio a intervalos creando un ritmo o una sensación de eco. Delay puede agregar surco, puedo llenar espacios vacíos o tal vez resaltar áreas específicas de la pista. Al usar reverb y delay, vamos a estar viendo algo llamado enviar pistas Voy a agarrar un inserto vacío, una pista mezcladora vacía, y voy a bajar al fondo, Dock dos, me gusta atracar el mío a la derecha, pero puedes acoplar el tuyo a la izquierda si quieres. Simplemente no los acople a la mitad porque eso los mantendrá aquí en medio de tu batidora. Voy a acoplar dos, uno para reverberación y otro para retraso. Les cambiaremos el nombre. Reverberación Y laico. Y ahora, es bastante sencillo de usar. Vamos a abrir un plugin de reverberación. Así que me voy a quedar con los enchufes de stock, y tal vez escojamos un preset aquí, una gran sala. Venimos y tomaremos nuestra voz, que es esta. Y lo que vamos a hacer tenemos que encender nuestra reverberación y nuestros canales de retardo, también. Lo enviaremos a la reverberación con solo hacer clic en esta flecha. No es necesario hacer clic derecho. Simplemente puede hacer clic una vez. Y ahora tenemos reverberación. Este es tu nivel de envío para la cantidad de señal que quieres enviar a la reverberación Y al usar un plug in como envío, generalmente, vamos a querer 100% mojado. Entonces voy a bajar el seco y voy a subir el mojado al 100%. A veces esto podría estar en una perilla que diga mojado slash dry, pero podría ser una perilla que solo diga mix Para nosotros aquí en la reverberación afrutada dos, queremos bajar el nivel seco, que es la señal vocal original, y queremos mantener la húmeda al 100% Entonces todo lo que está saliendo de aquí es solo la reverberación. Mm Y entonces tal vez lo mandemos a un retraso, también. Entonces vamos a cargar un retraso. Y nuevamente, con esto, queremos bajar el nivel de seco y dejar el nivel húmedo arriba lleno al 100%. Entonces sólo podemos ajustar nuestro nivel de arena. Mm hmm. Ahora tal vez apliquemos reverberación y delay al piano Y déjame solo verificar que el canal del autobús también está encendido. Lo es. Y creo que este Maximus está haciendo que suene un poco raro Creo que debemos haber tenido las frecuencias altas en solistas. Sí, lo hicimos. Bien. Eso está bien. Enviemos primero nuestro piano a la reverberación. Sólo una sutil cantidad de espacio y luego tal vez una sutil cantidad de retraso para algún tipo de movimiento. Usar reverberación de esta manera también es genial porque te permite poner todo en un mismo espacio Entonces, en general, usaría dos reverberaciones. Yo usaría un tipo de uno corto, así que tal vez estaría configurado para los gustos de una sala de batería o un estudio pequeño. Esto sería para poner todos los instrumentos en un tipo de espacio similar, y eso funciona para difuminar y pegarlos todos juntos. Entonces usaría un segundo conjunto de reverberación con una especie de cola más larga o una precolocación más larga como una sala o tal vez una placa larga, y solo le asignaría mi tipo principal de elementos a eso Entonces esa podría ser la voz, la melodía, y tal vez algo en lo que quiero un poco de reverberación extra como el arp Así que ahora mirando los plugins, con reverberación, hay tres tipos de parámetros principales que podemos ajustar o ajustar Y esos serían del tamaño de la habitación. Entonces, qué tan grande es este espacio. Entonces vamos de, ya sabes, una habitación pequeña a una habitación mediana a una especie de arena masiva. El decaimiento, que es el tiempo que dura la reverberación. Entonces aquí esa cola de reverberación sigue sonando. Y si bajo esta decadencia, la reverberación cortará mucho más rápido Y entonces podrías tener algo como el pre delay donde puedes crear una especie de efecto slapback Así que voy a subir la decadencia para escuchar esto. Aquí cómo suena como que el piano está rebotando en la pared cuando subes el pre delay. Y luego con el retraso, nuestro principal tipo de parámetros serían los comentarios. Entonces esto a veces tiene su propia perilla dedicada. Pero para el banco de retraso afrutado, en realidad es una sección. Para que podamos controlarlo aquí con la perilla de volumen de retroalimentación. Así que apaguemos la reverberación y subamos el retraso para que podamos oírlo. Entonces la retroalimentación controla cuántas repeticiones ocurren realmente. Así que tener este set muy alto hará que los ecos sigan y sigan y sigan para siempre. Entonces tenemos el tiempo. Esto suele controlar el intervalo entre cada retardo. Entonces, por ejemplo, si bajamos esto, los retrasos sucederán mucho más rápido. De hecho, son tan rápidos que apenas los puedes escuchar. Y entonces, cuanto más alto va esto, más tiempo tarda el retraso en entrar en acción. Generalmente, con reverberaciones y retrasos, puedes simplemente jugar con los diferentes presets y generalmente encontrar algo que suene bastante bien Lo último de lo que quería hablar era de afectar los retrasos. Entonces, por ejemplo, aquí, con retraso de horas, ¿puedo silenciar el piano? No, no creo que pueda. Así que voy a tener que mantener el piano encendido, pero voy a intentar aumentar el volumen general de delay. Y tal vez vamos a distorsionar el sonido de retardo. Entonces, encontremos algún tipo de enchufe de distorsión. Tal vez sobremarcha de sangre. Y si subimos el preamplificador. No, estoy buscando una distorsión más obvia. A lo mejor intentemos con destructor. Eso es bastante genial. Vea cómo eso ha creado un retraso de sondeo realmente interesante 44. Balance de volumen: Bien, entonces ahora has llegado al final de la etapa de mezcla. Has utilizado las técnicas que vimos anteriormente para mezclar y dar forma sónica a tu pista Ahora estamos viendo la etapa final, que es el equilibrio de volumen o la mezcla de volúmenes. Entonces, la mezcla volumétrica es la columna vertebral de una mezcla limpia y profesional. En esta conferencia, exploraremos cómo equilibrar tus niveles de fader para crear claridad y profundidad y asegurarnos de que cada elemento de tu pista tenga su propio lugar adecuado Entonces con esto, es bastante subjetivo. Vamos a estarlo, sigo en eso. Vamos a estar viendo todos estos elementos individuales. Y vamos a estar viendo el saldo relativo. Entonces el equilibrio, ya sabes, de esta voz comparada con el bajo, en comparación con el piano, en comparación con la melodía y cómo encajan todas. Los elementos más importantes como tu voz, tu melodía en tus ocho oh ocho, deberían ser más fuertes que los elementos de soporte, que serían como tus sombreros altos, tal vez, o las almohadillas o el tipo de elevadores o También hay que considerar el foco de la pista. Entonces, para nosotros, nuestro enfoque principal es probablemente este Whoops. No quiero que se ahogue. Esta muestra vocal que arrastramos al inicio, este tipo de melodía, probablemente este sería nuestro foco, así como nuestra melodía Y también en menor medida, nuestro bajo. Pero también, en cualquier tipo de género electrónico de música, tu bombo, es un hecho que este es también uno de los principales elementos focales de la mezcla. Entonces algunas personas tienen diferentes procesos de mezcla. Podrían comenzar con los acordes y el bajo, creando una especie de base para la pista, y luego traen sus melodías por encima Algunas personas comienzan con los elementos focales. Comienzan con la voz y las melodías y luego traen cosas como pianos y acordes a su alrededor otros productores les gusta agrupar elementos, como si pudieran hacer todos sus tambores una sola vez y luego todos los acordes una sola vez y luego equilibrar cada uno de ellos uno contra el otro No hay una forma correcta de hacerlo. Es lo que sea que funcione para ti, pero hay algunas pautas que te puedo dar. Entonces, antes que nada, vamos a comenzar con nuestro kiktrum porque para mí, es uno de los principales elementos de enfoque Y si solo bucle esta sección aquí por un segundo. Entonces quiero estar configurando mi volumen para este kitrum en aproximadamente menos ocho Entonces voy a usar el fader, la ganancia de salida aquí Bajar la señal a algún lugar entre menos seis y menos nueve está bien. Pero la razón de eso es que estamos tratando de dejar un poco de espacio libre en el canal maestro que cuando lleguemos a masterizar, cuando vengamos a agregar compresión y ecualización y volumen cuando estamos masterizando, tengamos ahí el espacio libre para hacer eso Entonces, básicamente, estamos equilibrando volúmenes y mezclando volúmenes, pero también estamos ganando en cierto modo para el proceso de masterización Entonces por ahora, me gusta poner mi patada alrededor de menos ocho. Entonces suelo traer la caja o el aplauso. Empiezo con ella silenciosa al principio, y luego la mezclo poco a poco. Y estoy buscando un equilibrio entre la patada y la palmada aquí o la patada y la trampa, porque estas son como las anclas rítmicas para el Así que presionemos play, y mezclaremos nuestra trampa hasta que coincida con el tipo de nivel de volumen de la patada aquí Quizá en algún lugar ahí. Estás buscando hacer esto con tus oídos y no con tus ojos. Entonces sé que el nivel de volumen es diferente. El aplauso viene en -11 y la patada viene en menos ocho Pero audiblemente, si escuchas, suenan como si estuvieran alrededor del mismo volumen A lo mejor el aplauso podría ser un poco más fuerte. Pero si tuviera que hacerlo visualmente y llevar el aplauso hasta menos ocho, eso para mí es un poco demasiado fuerte Entonces puedes traer cosas como tus sombreros altos tal vez. Estos van a estar entrando por debajo de la patada en el aplauso Quizá en algún lugar ahí. No lo queremos tan alto. Lo queremos como en el fondo, agregando un poco de rebote. Y luego podemos agregar en cosas como la percusión. Estos también van a estar en un nivel ligeramente inferior. Y también, en esta etapa, también haré un poco de paneo Podría sacar esta muestra de beneficio hacia la derecha y tal vez los sombreros podrían ir ligeramente a la izquierda Y la única razón de eso es para imitar una verdadera batería Entonces en una batería real, si te imaginas, eres el baterista, tu sombrero alto estaría un poco apagado a tu izquierda, y la percusión o los Toms estarían algo así como en algún lugar a tu A continuación, agregaremos en el ocho oh ocho. Y lo que estamos buscando hacer aquí es asegurarnos de que esté equilibrado con la patada. Entonces los ocho oh ocho deberían complementar la patada pero no dominarla. Vamos a darle una oportunidad a eso. Quizá en algún lugar ahí. Y entonces a partir de aquí, podría traer mi capa base y tratar de mezclar el volumen de esa contra la otra capa de ocho oh ocho. Entonces bajemos esta capa. Y para mí, quiero esto realmente sutil. Simplemente ahí en el fondo agregando un poco de textura. De hecho, eso es probablemente un poco demasiado. A continuación, vamos a tomar la melodía principal. Así que vamos a traer eso también. Y con esto, debería estar sentado algo la par con los tambores y los ocho oh ocho, tal vez ligeramente por encima, pero definitivamente en algún lugar a la par. Vaya, tengo que estar en una sección donde realmente esté sonando la melodía Vamos solo a ellos. Y otra vez, me olvidé de mi autobús. Entonces, en algún lugar ahí me parece bien. Parece que está sentado encima de estos dos elementos. Ahora estoy más enfocado en esto que en la patada en la base. Entonces esa es una buena señal ahí. Y luego traeremos nuestra capa. Y si encuentro eso, ya sabes, estoy usando muchas capas y estoy tratando de conseguir un equilibrio entre ellas, puedo, por supuesto, usar un canal de bus. Entonces por ejemplo, aquí tengo dos capas. Pero digamos que tenía, ya sabes, cuatro y todas estas cuatro capas se estaban uniendo para hacer un sonido. Lo que podrías hacer es solo todas las capas. Así, tal vez conseguir un equilibrio entre ellos. Entonces algo como esto, tal vez. Y entonces rootarías todas esas cuatro capas a su propio autobús. Entonces con este autobús, puedo controlar todas esas capas juntas. Entonces, si trajimos de vuelta , por ejemplo, nuestra patada o la batería, y trajimos de vuelta en el bajo, podemos controlar ambas capas de melodía. Así que una vez que hayamos conseguido un buen tipo de mezcla entre ellos, podremos controlarlos a todos con este fader ahora en el canal del autobús Entonces tal vez en algún lugar hay un poco más natural esta vez. Y entonces puedes empezar a añadir cosas como los acordes, pero traeremos nuestro piano, que también tiene su propio autobús Y con esto, estás buscando apoyar a los elementos principales. Entonces nuestra melodía, nuestro bajo y nuestro bombo, no buscamos dominar. Eso es demasiado ruidoso. Ahora esto se está apoderando. Ahora mi atención se centra en el piano más que en las melodías No quiero que mi enfoque esté en el piano. Quiero que esté en las melodías. Así que de pronto usando ese piano para apoyar la melodía. Y luego, por supuesto, puedes usar tu autobús para mezclarlos todos juntos, mezclar todas esas capas en. Y este es el proceso que tomarías con cada elemento de la pista, incluyendo tus elevadores, tus downlifters, tu tipo de efectos que estás usando, Todos estos necesitan que sus volúmenes se mezclen en la pista. Así que solo unos pocos consejos finales, quieres asegurarte de que estás mezclando en una especie de volúmenes más bajos. Esto solo evitará la fatiga del oído y se asegurará de que tu mezcla suene bien a cualquier volumen. Si lo piensas bien, cuando estás disfrutando escuchando una pista en el auto, ¿qué es lo primero que haces? Alcanzas el volumen y lo subes. Y eso es porque cuando las cosas son más fuertes, en realidad suenan mejor Entonces lo que quieres hacer es quizás mezclar a un volumen bajo. Asegúrate de que tu pista suene bien a este bajo volumen, y luego cuando vuelvas a subir tu pista, va a sonar aún mejor. Además, confía en tus oídos, no en tus ojos. Entonces los medidores de volumen y las cosas aquí en FL Studio, ayudan, pero tus oídos son la guía definitiva. Asegúrate de dejar aproximadamente menos tres DB en tu canal maestro para masterizar. Se recomienda que dejes alrededor de menos seis DB, pero definitivamente dejes alrededor de menos tres DB de espacio libre para masterizar Y también la fatiga del oído es algo inevitable. Así que solo asegúrate de tomar descansos regulares para mantener tu perspectiva fresca y evitar una mezcla excesiva. Con una mezcla de volumen adecuada, tus ritmos sonarán claros, sonarán equilibrados y listos para masterizar. Esta habilidad es esencial en la creación de música de calidad profesional. 45. Dominio y exportación: Bien, ahora la pista se ha mezclado y todos los niveles de volumen se han equilibrado, el paneo está hecho, y hemos agregado algo de separación estéreo masterización es el paso final en el proceso de producción musical donde se prepara la pista mixta para su distribución Así que queremos asegurarnos de que esta pista sea ruidosa, clara y competitiva. Entonces lo que he hecho es porque mi laptop parece estar luchando por reproducir la pista, acabo de exportar una versión renderizada de mi mezcla. Así que vamos a dominar esta versión final de la mezcla, y luego podremos volver y exportar todo el asunto. En primer lugar, me gusta dominar haciendo lazo en la parte más ruidosa o tipo de clima de la pista Porque cuando estamos tratando de hacer más fuerte la pista, queremos hacerla más fuerte sin Por lo general, tomar la parte más ruidosa de la pista nos dará una idea de lo ruidoso que realmente podemos hacerla Pero primero, vamos a estar buscando agregar algunos ecualización sutil. Así que también vamos a cargar el ecualizador paramétrico. Y aquí solo estamos buscando buenas frecuencias para tal vez calentar el sonido o agregar un poco de claridad. También estamos buscando deshacernos de algo de esta fangosidad o cajosidad Así que por aquí hay un poco de enturbiamiento. Así que vamos a sacar eso. Estamos apuntando a ser muy sutiles con esto. No soy un gran fan de estas frecuencias. Así que voy a sacar algunos de ellos también. Muy suave y muy sutilmente. Solo un sutil impulso en algunas de las frecuencias altas para mayor claridad. Y también en general me gusta cortar una pequeña área de aproximadamente 1.5, incluso más delgada que eso. Y también de 2.5 para deshacerse de algunas de las cualidades middy y nasales Vamos a AB y asegurémonos de que nos guste cómo suena. Creo que estamos agregando solo un poquito demasiadas frecuencias altas. Recuerda, quieres ser realmente sutil con esto. La razón por la que quieres ser sutil es porque los auriculares y auriculares de cada uno y los altavoces y los sistemas estéreo del automóvil y sus teléfonos, todos están agregando su propio color o ecualizador al sonido Entonces no queremos que eso se haga demasiado. Queremos tratar de mantenerlo lo más plano posible, al mismo tiempo que aumentamos sutilmente las frecuencias que nos gustan y retrocedemos sutilmente en frecuencias que no conocemos, eliminando cosas como la fandad o la cajosidad. A continuación, salto recto para Maximus. Esto, como sabemos, es un compresor multibanda, y debido a que nuestro canal maestro tiene mucha información de espectro de frecuencia, tenemos frecuencias bajas hasta frecuencias altas, es una buena idea usar compresión multibanda Así que vamos a establecer nuestras bandas de frecuencia. Con esto, estás buscando casi escuchar el fondo de la trampa. Tal vez en algún lugar ahí. Sus doncellas, solo buscan escuchar el tipo de extremo inferior de sus sombreros altos. Tal vez en algún lugar ahí. Y entonces vamos a ir por nuestro proceso normal. Así que vamos a entrar en nuestros mínimos agregar donde queremos que esté nuestro umbral, bajar la proporción. Lo mismo con los medios. W y lo mismo con los máximos. Con los máximos, quieres ser un poco más sutil. Entonces, por ejemplo, con nuestros mínimos, vamos a usar una relación más alta, los medios un poco menos, y los máximos un poco menos otra vez Ahora, volvamos y hagamos nuestra ganancia de maquillaje. Entonces el morado es lo que originalmente era, y el blanco es lo que es ahora. Entonces parece que estamos perdiendo cerca de tres DB. Las sirvientas en realidad no estaban perdiendo tanto, tal vez uno o dos dB. Y los máximos otra vez, tal vez uno o dos DB Ahora, también dentro de Maximus, para nuestras bajas frecuencias, las vamos a fusionar. Entonces esto funciona igual que la perilla de separación estéreo aquí en el mezclador. Vamos a fusionar nuestros bajos para asegurarnos de que sean mono. Vamos a separar un poco nuestros medios, y luego realmente podemos expandir los máximos Entonces después de hacer eso, podemos agregar algunos recortes suaves Este es un enchufe de saturación muy suave que solo puede ayudar a agregar un poco más de volumen. Entonces no sólo estamos agregando un poco de volumen, sino que también estamos agregando algunos de esos agradables armónicos de saturación Entonces vamos a agarrar un limitador. Y el limitador hace lo que dice en la lata. Limita el sonido en cierto umbral. Entonces básicamente, no permite nada más allá de ese valor. Entonces, por ejemplo, nuestro techo o umbral se establece en 0.0. Me gusta bajar esto a aproximadamente -0.2, generalmente solo para asegurarme de que esté activo Y entonces podemos usar la ganancia de entrada para realmente tipo de exprimir tanto volumen de esto como podamos. No queremos estar apretándolo demasiado. No queremos aplastar la dinámica. Sólo lo suficiente para darnos una especie de volumen total. Y ahora hemos dominado nuestra pista. Hemos moldeado el sonido sutilmente. Hemos utilizado la compresión multibanda para controlar la dinámica, y también hemos utilizado la separación estéreo aquí para ampliar la Hemos agregado algo de saturación sutil para agregar un poco extra de gordura y exprimir un poco de volumen Y luego hemos usado un limitador para asegurarnos de que no estamos recortando y que la pista no dañe ningún sistema de audio También usamos la perilla de ganancia para simplemente exprimir un poco más de volumen. Ahora porque tu pista es mixta y masterizada, podemos seguir adelante y exportar toda la pista Simplemente resaltaría el área que desea exportar , exportar, archivo de onda. Es un nombre exportado. Batir. Y con esto, nuestro modo debería ser la selección de canciones. La cola debe estar configurada para dejar el resto. La profundidad de bit de onda debe establecerse en 24 bits o 32. Normalmente me gusta usar 24. Asegúrese de que esté configurado en estéreo, y también asegúrese de que alta calidad para todos los enchufes esté encendida. Tu calidad de remuestreo, por lo general configuro a lo más alto que pueda ir, la más alta calidad, pero tu tiempo de renderizado será un poco Enhorabuena por componer, organizar, mezclar y dominar un ritmo completo 46. Pasaje de los beats terminados: [Sin discurso] 47. Conclusión del curso: Enhorabuena. Has llegado a la conferencia final de este curso. A estas alturas, ya has aprendido a crear ritmos desde la batería hasta el bajo y los acordes, estructurar tus pistas usando la estructura y arreglo adecuados de la canción, técnicas de mezcla con ecualización, compresión y saturación, y masterización Pero, ¿qué pasa después? ¿Cómo tomas lo que has aprendido y sigues creciendo tanto de manera creativa como profesional Bueno, esta conclusión del curso cubrirá las piezas finales del rompecabezas, cómo evolucionar tu carrera, mantenerte inspirado, superar el perfeccionismo y abrazar verdaderamente tu identidad como productor Piense en esto como el combustible para su largo viaje en la producción musical. Ya sea que estés haciendo ritmos en tu dormitorio o ya hayas empezado a trabajar con artistas, el crecimiento en esta industria es un viaje interminable. Entonces, aquí te explicamos cómo seguir moviéndote hacia arriba. El crecimiento no ocurre por casualidad. Hay que apuntar a ello. Pregúntate, ¿quieres trabajar con grandes artistas? ¿Quieres anotar colocaciones en televisión y cine? ¿Quieres construir tu propia marca como productor de slash artist Una vez que hayas descubierto cuáles son tus objetivos, divídalos en pasos más pequeños y procesables Entonces, por ejemplo, tu objetivo de querer colaborar con artista asignado podría llegar a llegar a diez artistas por semana con paquetes de ritmos personalizados. A lo mejor tu objetivo de querer colocar un ritmo en una película, eso podría convertirse en supervisores musicales de investigación y enviar ritmos de muestra pulidos El éxito en la producción musical no se trata solo de talento, se trata de conexiones. Trate de colaborar con otros productores, artistas e ingenieros, dejar comentarios significativos y responder a los mensajes y participar en comunidades musicales También, como nota final, intenta evolucionar tu sonido. Mantenerse relevante significa evolucionar. Estudia las tendencias y experimenta con nuevas herramientas y mantente siempre abierto al aprendizaje. El crecimiento llega cuando superas los límites de tu zona de confort. La inspiración no siempre llama la atención cuando querías. Para mantener una producción creativa constante, necesita sistemas establecidos para mantener sus ideas fluyendo. Las personas creativas a menudo odian la idea de la rutina, pero la estructura en realidad puede amplificar tu creatividad Entonces, por ejemplo, podrías hacer una práctica diaria, tal vez pasar de 30 minutos a una hora todos los días trabajando en beats, aunque no te sientas inspirado. También puedes reservar tiempo para diferentes partes del proceso como diseño de sonido, creación de melodía o mezcla, o al menos pasar tiempo cada semana escuchando tu trabajo e identificando áreas de mejora. A continuación, tenemos préstamos de otros géneros. La inspiración puede provenir de lugares inesperados. Toma prestados elementos de géneros en los que normalmente no trabajas como Afrobeat, música clásica u ofi Al combinar estas influencias, podrías crear un sonido que sea exclusivamente tuyo. Pruebe herramientas o instrumentos desconocidos. Si estás atrapado en una rutina, tal vez coge un instrumento que no sabes tocar. Experimenta con un enchufe que nunca has usado o prueba un daw completamente nuevo El acto de explorar realmente puede desbloquear algunos avances creativos Y finalmente, alimenta tu mente. Esta es una grande. La creatividad no solo viene de hacer música. Viene de vivir la vida. Lee libros, mira películas, explora las artes visuales, viaja, ya sabes, sumérgete en diferentes culturas y reflexiona sobre tus experiencias personales e intenta canalizarlas hacia tu trabajo A continuación, tenemos métodos para tratar de superar el bloqueo beat. Entonces, ante todo, el perfeccionismo es enemigo del progreso. Es la voz en tu cabeza la que dice, Este ritmo no es lo suficientemente bueno o lo terminaré más tarde cuando esté más inspirado. Pero la música es subjetiva. No existe tal cosa como un ritmo perfecto. Enfócate en completar tus pistas en lugar de ajustarlas sin cesar. Recuerda, los mejores productores no solo hacen éxitos. Los terminan. Por cada hit track, hay alrededor de 100 que ni siquiera se acercaron. Si te cuesta terminar beats, establece plazos estrictos para ti mismo. Ya sabes, establece una alarma tal vez para terminar el ritmo dentro 2 horas o tal vez comprometerte a subir dos o tres beats a la semana Los plazos pueden obligarte a tomar decisiones y hacer avanzar las cosas. Y por último, establece sistemas para que tu creatividad siga fluyendo. Así que usa plantillas daugh para diferentes géneros para iniciar tu proceso o mantener una carpeta de ritmos, melodías o patrones de batería inacabados que puedas volver Además, dedique tiempo a experimentar sin presiones para terminar nada. A veces tus mejores ideas solo vienen de divertirte. Entonces ya has completado el curso, y ahora tienes todas las herramientas que necesitas para triunfar como productor. Lo más importante de aquí en adelante es confiar en ti mismo. Tu gusto único, tu estilo y tu perspectiva son todo lo que te diferenciará. No dejes que este curso sea el final. Que sea el principio, establezca metas, tome acciones y siga aprendiendo. Recuerda, el crecimiento es un viaje. No es un destino. Mantente conectado con otros productores y artistas, comparte tus conocimientos, pide comentarios y celebra tus victorias grandes o pequeñas. La comunidad musical prospera cuando todos nos apoyamos mutuamente Y al final del día, recuerda por qué empezaste a hacer música en primer lugar. Ya sea para la autoexpresión, la conexión o tal vez solo el amor por el sonido, el mundo necesita tu música. Así que gracias por emprender este viaje conmigo, y me emociona ver a dónde te lleva tu música. Recuerda, siempre estoy aquí si tienes dudas o necesitas orientación. Ahora, sal por ahí y haz algunos beats. 48. Juego de industria: Bienvenido a esta conferencia integral sobre uno de los aspectos más importantes de ser productor, branding y su estrategia de negocio. Si bien la elaboración de ritmos es el núcleo de lo que hacemos, comprender cómo crear una marca reconocible y ingreso sostenible de tu música es igual Aquí vamos a cubrir todo, desde desarrollar tu firma sónica hasta subir tus ritmos, trabajar con un artista, fijar precios a tu trabajo e incluso una pequeña idea simple para diversificar tus ingresos Un beat tag es como tu logo. Es un sello vocal o de audio que se reproduce al inicio o a lo largo de tu ritmo. Es esencial para la marca, especialmente si estás subiendo ritmos en línea o compartiéndolos con artistas Entonces, en referencia a los tres puntos que hay en la pantalla, tenemos reconocimiento, por lo que tu etiqueta ayuda a la gente a conocer tu ritmo. Protección, puede desalentar el uso no autorizado de su trabajo e identidad Una buena etiqueta refuerza tu marca. Un buen ejemplo sería el beat tag de Pierre Bourne. Aquí tengo un ejemplo de eso. Yo, Pierre, quieres venir aquí. Para hacer tu etiqueta de ritmo, podrías hacer uno tú mismo o tal vez contratar a un artista de voz en off de plataformas como Asegúrate de que sea corto y pegadizo. Tu etiqueta debe ser memorable pero no distraer. Además, usa muchos efectos divertidos y creativos como reverberación, delay y cambio de tono para que sea único Y por último, pon la etiqueta al inicio de tu ritmo y posiblemente en algunas otras secciones, generalmente antes de la caída o del coro. Entonces, a la hora de hacer beats, necesitas saber dónde están tus clientes potenciales, raperos, artistas y creadores Aquí están las plataformas en las que enfocarse. YouTube es ideal para mostrar tus ritmos. Usa miniaturas y títulos que reflejen el estilo. Por ejemplo, golpe de trampa oscura gratis para uso sin fines de lucro. O puedes optimizar con palabras clave como Juice world type beat para atraer artistas que buscan una vibra específica. Tenemos Beat Stars, que es un marketplace específicamente para que los productores vendan beats. Permite la concesión de licencias y también la flexibilidad de precios. Algunos productores optan por publicar fragmentos de ritmos cortos con imágenes o leyendas de texto en Instagram Aquí puedes interactuar con artistas directamente a través los mensajes directos o etiquetándolos en tus publicaciones SoundCloud puede ser bastante relevante para construir una cartera y redes Y por último, puedes subir a un sitio web personal y usarlo como hub central para tus ritmos, tu biografía, tu información de contacto, y tal vez una página donde la gente pueda comprar tus ritmos. Al subir, intenta subir regularmente para crear una audiencia y usa portadas o videos atractivos para que tu carga destaque. Además, ese truco de optimización para los motores de búsqueda es genial al usar términos como Drake type beat o free non copyright beat. Y cuando estés subiendo, siempre incluye un enlace para comprar o descargar tu beat Colaborar con artistas es una excelente manera de crear éxitos que generen ingresos a través de regalías y licencias. Puedes encontrar posibles colaboraciones tal vez desplazándote por las tal vez desplazándote por redes sociales y DMing a los próximos artistas en Instagram o También hay plataformas de colaboración como Airbit o incluso comunidades de discordia que pueden ayudarte a conectarte con vocalistas Cuando trabaje con un artista, comunique claramente, cumpla con los plazos y respete la aportación creativa del artista. Siempre discuta tus términos con anticipación, así que asegúrate de que ambas partes acuerden las divisiones de regalías, los créditos y las licencias Y la licencia solo determina cómo un artista puede usar tu ritmo. Por lo que los tipos comunes incluyen licencias no exclusivas donde se puede vender el mismo beat a múltiples artistas y una licencia exclusiva donde el artista que compra el beat obtiene los únicos derechos del beat. Cada licencia debe especificar el uso del precio, como, límites de transmisión y derechos comerciales y los créditos, cómo se le acreditará para el trabajo final. Generalmente, he visto que las licencias no exclusivas van desde alrededor de $30 hasta $100 y las licencias exclusivas van de $300 a, quiero decir, si estás trabajando con grandes artistas, podría estar muy por encima de los $1,000 Pero a medida que tu reputación crece, también deberían hacerlo tus tarifas. Y también el último punto ahí, siempre usa contratos para protegerte. Sitios como Beat Stars tienen contratos incorporados, o puedes contratar a un abogado para crear uno personalizado, pero los términos clave incluyen estructura de pago, divisiones de regalías y derechos de propiedad Entonces, aquí hay una pequeña idea simple para generar ingresos adicionales. Los packs de productores son paquetes de sonidos que puedes vender a otros productores, cosas como kits de batería, loops y tomas de uno. Son una gran manera de diversificar tus ingresos. Podrías hacer loops de batería, loops de melodía o efectos, e incluso puedes incluir archivos midi o presets para mayor atractivo A continuación, estamos viendo la selección de sonido como branding. Entonces tu selección de sonido es parte de tu marca, igual que las campanas de Metro Bowman o las flautas de Pierre Bourne Necesitas encontrar una paleta consistente de sonidos que refleje tu estilo. Entonces, para ello, puedes seguir los tres puntos en pantalla experimentando con instrumentos o texturas únicos, reutilizando sonidos característicos a través ritmos para crear Y usa a otros productores para inspirarte. Pero siempre agrega tu propio giro. No copie directamente. Tu identidad como productor es lo que te hace destacar en un mercado abarrotado. Es una combinación de tu sonido, tu marca y tu personalidad. Conoce tu nicho. Decide qué géneros o vibraciones quieres dominar Sea consistente desde sus imágenes hasta su sonido para mantener su marca cohesiva Involucre con su audiencia, interactúe con oyentes y artistas en las redes sociales y manténgase auténtico No persigas tendencias, crea tu propio carril. Construir tu marca como productor lleva tiempo, pero merece la pena el esfuerzo. Al establecer una firma sonora clara, usar estrategias de carga inteligentes, colaborar con artistas y diversificar tus ingresos con cosas como packs de productores, puedes convertir tu pasión en una carrera sustentable Empieza a implementar estas estrategias hoy mismo, y no dudes en comunicarte si tienes alguna duda o quieres comentarios. Intentemos que tu viaje de productor sea un éxito. 49. Fundamentos del boom bap: Entonces, en las próximas conferencias, sólo vamos a mirar los elementos básicos de la creación de diferentes géneros. Entonces, por ejemplo, aquí estamos viendo boom bap. Con esto, vas a querer usar algo como un jazz, un sol, o una muestra de funk Puedes cortarlo o hacer otras ediciones si quieres, pero el que encontré en realidad es bastante bueno También podrías poner una capa en un crujido de vinilo, especie de textura ambiental debajo. Pero esta muestra, en particular, ya tiene un crujido vinil Entonces vas a usar algún tipo de muestras que suenan a la antigua usanza de los 90 Entonces esta es una muestra de Shaker con la que me he ido. Aquí hay un sombrero poco común. Esta es la patada. Y esta es nuestra trampa También tenemos otro patrón de batería donde me pongo otra trampa y esta coctelera extra poco común. También vas a usar mucho swing, alrededor del 50% swing. También estás buscando una especie de patrón de batería de hip hop funky de los 90 Y además, con esto, tu patrón de bajo va a ser un poco diferente generalmente optando por notas más cortas que imiten ese estilo de los 90, pero que también se ajustan al patrón de batería Y luego para darle más sabor, acabo de poner en capas una especie de sonido de pad de cuerda y este instrumento principal. Escuchémoslo todo junto. 50. Fundamentos del Lofi: Aquí, vamos a echar un vistazo rápido a Lo Fi. Para ello, desea mantener su BPM entre aproximadamente 60 y 90 BPM Use tambores de sonido suave. Y un pequeño truco que me gusta hacer en mis altos sombreros es cuando están aquí en el piano roll. Si retrasas el segundo sombrero alto, entonces el sombrero alto está jugando en cada primer y segundo latido. Si retrasas el segundo sombrero alto o el sombrero alto en el segundo latido, retrasa eso aproximadamente un cuarto de escalón aquí. Terminas con este tipo de sensación de swing perezoso. Entonces vas a querer usar algún tipo de teclas realmente jazzy, ya sea piano normal o piano eléctrico, o a veces una especie de guitarra realmente soñadora también puede funcionar Entonces esta era mi muestra antes de agregarle efectos. Es casi como la música lounge. Y ese es un género real, si quieres buscarlo. Entonces con esto entonces Ups. Con esto, agregué un gabinete para amplificarlo un poquito y hacerlo un poco más amortiguado Entonces, ¿antes y después? Entonces agregué vibrato, que es una ligera especie de oscilación de tono Uy, sigo haciendo eso. Hace que se sienta un poco desafinado o fuera de tono. Y luego solo agregué un poco sutil de aplastamiento. Entonces se puede escuchar ahí como que se agregó como un crujido de vinilo Y luego solo puse esto en capas con un bajo realmente simple y ese patrón de batería del que estábamos hablando antes. La idea con el Pi bajo es intentar crear un sonido soñador, hipnótico, algo relajado y fluido También es uno de los géneros donde si te capas como sonidos de lluvia o los sonidos de tal vez una ciudad con autos pitidos y cosas, pero le pones mucha reverberación, así que suena como que está muy lejos Este género es genial para ese tipo de efectos ambientales. 51. Fundamentos de Detroit: Aquí vamos a echar un vistazo rápido al estilo Detroit. Vas a querer usar melodías repetitivas de piano o sintetizador, así Va a estar en una tonalidad menor, y tiene que sonar oscuro y algo ominoso También he colocado en capas en este bucle de sintetizador oscuro que obtuve en Lupermen como textura de A algunas personas les gusta hacer Detroit en doble tiempo. Así que estoy fijado en aproximadamente 1:05 pero podrían establecer su BPM a las 2:10, pero eso es La parte principal del estilo Detroit proviene del patrón de batería. Entonces vas a querer dibujar tu patada así, y debería sonar así. También suele estar bastante distorsionada. Entonces la patada originalmente sonó como ¿Dónde está mi patada? Originalmente sonaba así. Pero queremos darle un poco de mordisco, así que como que lo distorsionamos en exceso Y entonces tu patrón base sólo va a seguir el patrón de la patada. Así que de nuevo, con esto, también he añadido un poco de distorsión. Y así es como suena el ritmo. 52. Fundamentos del ejercicio británico: Por último, solo vamos a echar un vistazo rápido al simulacro del Reino Unido. Por lo que estas pistas suelen ser bastante oscuras y suelen tener repetitivas tipo de melodías frecuentadas Vamos a escuchar. Estas melodías frecuentadas suelen ser bastante simples y como dije, repetitivas Vamos a tener un clásico tipo de patada trampa y patrón de trampa Pero nuestros sombreros altos van a estar bastante sincopados. Y entonces el otro elemento principal del simulacro británico sería la subbase ocho oh ocho, pero es casi una melodía en sí misma Y también hay muchas notas deslizantes. Ahora bien, mi patrón de bajo es probablemente un poco sobre la parte superior, pero eso está bien. Solo estoy tratando de demostrar el tipo de elementos centrales de cada género. Así que vamos a escuchar esto o Oh, también me olvidé de Oh, y también me olvidé mencionar que las melodías suelen ser bastante desintonadas, Entonces, de nuevo, usé ese efecto vibrato.