Transcripciones
1. Clase de introducción: Hola, soy Azul, y bienvenidos a la primera clase de
mi habilidad Chacos No me gusta tener
reglas de activos o seguirlas, ya hay muchas formas diferentes abordar el arte
e interpretarlo. Y creo que eso es
lo que hace que las artes sean divertidas. Entonces, déjame presentarme. Soy galletas azules,
pero voy por azul. Soy ilustradora de personajes, y hago pequeños tutoriales de
arte tontos en YouTube. Llevo dibujando
alrededor de ocho años. Conozco desde joven que campo
creativo es donde
quería terminar. Tengo TDAH, así que tengo
una forma muy sencilla de abordar las cosas que
ayudan a que mi cerebro se mantenga enfocado Entonces en mis lecciones, trato de tenerlo en cuenta para mis otros compañeros
avers de TDAH por ahí. En esta clase,
espero mostrarte cómo hacer arte digital como principiante, cómo acostumbrarte al
dibujo de la tableta, qué fundamentos aprender
y cómo estudiar
estos fundamentos, y por qué serían importantes
para tu futura Siempre he sido un poco
romántico y uso mi arte para expresarme de
maneras que pueda
entenderme mejor. Entonces me refiero a
dibujar cosas que te gusten y
enamorarte de tu prensa artística. Si has decidido
tomar estas clases, entonces supongo que
estás iniciando artistas que intentan
meterse en el arte digital Entonces eso es exactamente lo que
voy a tratar de mostrarte. Estoy tratando de tener presente desde donde estaba cuando empecé y donde estaban mis luchas y todo lo que he aprendido en los
últimos ocho años. Entonces me emociona
ser tu maestra. Muchas gracias por tomar
la clase, y comencemos.
2. Cómo usar los programas de arte: Hola, soy Azul y
en el cierre de hoy. Te voy a mostrar sobre los programas de arte y cómo puedes usarlos. No importa qué programa de
arte uses, estaré cubriendo los conceptos básicos que todo
programa de arte debería tener. Estaré mostrando ejemplos
tanto en pintura CP Sudo como en grado P. El programa de arte que
termines eligiendo para ser tu primero puede ser el que
uses por muchos años. Porque desviarse de uno al
que ya solías
ser bastante aterrador
e incómodo hora de elegir un programa de arte, considera las características, ¿
es complicado? ¿Tiene una
interfaz fácil? ¿Es asequible? Hay algunos grandes programas de
arte por ahí que son gratuitos,
como estos. Entonces considera
la compatibilidad. Si estás en el móvil o la computadora, tendrás acceso a
diferentes programas de arte, y algunos de los programas de arte
que funcionan mejor en el móvil, no funcionan mejor en
PC y viceversa. Definitivamente sugiero probar tantos programas de arte
como puedas para ver cuáles te gustan más y para cuáles te sientes
más cómodo. Entonces comencemos. Algunos programas de arte te permiten reorganizar los paneles
a tu gusto. Encuentro poder
personalizar el programa de arte, para adapte
a ti mismo
hace que el flujo mucho más fácil y
se sienta más personal. Entonces pintar, por ejemplo, permite eliminar algunos
paneles y agregar algunos paneles y permite reorganizar
los pinceles a categorías Así es como he
arreglado mi pintura clipsio. Entonces todo lo que
alcanzo está más cerca de mi mano derecha. Ya que soy diestro, y todo lo que
no alcanzo tanto está del lado izquierdo, así que más en la lona. Se pueden sacar los paneles, así que están un poco sueltos
en la lona, que es lo que prefiero, ya que
siento que el lienzo
es mucho más grande Si cierras una ventana
sobre pintura ipsa, puedes
abrirla fácilmente de nuevo
subiendo por ventana y luego
encontrándola en este panel, y volverá a abrirla
en el lienzo La interfaz de Procrea ya es
mucho más simple, así que no hay mucha
personalización que se pueda hacer Lo que puedes hacer en Percrate es reorganizar los pinceles y
tenerlos en juegos de pinceles, que sean más fáciles de encontrar, y puedas tener tus pinceles
favoritos en una columna También puedes arrastrar
paneles en Percrate, así puedes arrastrar la rueda de colores,
así que simplemente
la agarras, la sacas y queda pegada en el lienzo, así que es más fácil trabajar con ella Ahora puedes simplemente
volver a ponerlo cuando hayas terminado, para que tengas un espacio de
lona más grande. A continuación, tenemos atajos, lo que ayuda a acelerar el proceso del
arte en una tonelada. Los atajos son útiles para acceder
rápidamente a herramientas,
pinceles y opciones. No vas a creer cuánto
tiempo ahorra tenerlo en
un botón en lugar de tener que alcanzarlo y encontrar
la herramienta cada vez. O tal vez es solo el
perezoso en la red hablando. Durante las tabletas tienes este
pulcro botón en el lateral al
que puedes asignar
pinceles y herramientas, como el gotero de color, o slip de
lona, etcétera También se pueden
establecer atajos en el teclado, que es lo que hago, ya que
me resulta mucho más fácil. También puedes hacer que los atajos de
teclado se usen para
Procreate si vinculas un
teclado bluetooth a tu iPad Además, por favor ignora mis teclas
faltantes en mi teclado. Mi gato se los comió. Sí. Eso es todo lo que voy
a explicar sobre eso. Para Pcate, también puedes
usar atajos de dedo, así como, usar dos
dedos para deshacer Puedes entrar por
aquí, un PN Procrate, y puedes reasignar gestos con
los dedos
a diferentes Para Clip Studio Paint, entras en los
atajos de aquí, y este pequeño
menú aparecerá, y luego simplemente puedes hacer clic en la herramienta y luego
asignarla a un botón. Hay algunos
atajos predeterminados que puedes usar. Entonces, si no
quieres entrar y editar y solo aprender estos
en su lugar, puedes. Entonces lo primero que
vas a querer hacer cuando empieces es abrir un lienzo. En Clip Studio, está en archivos, y luego presionas
nuevo, pero en Procreate, está aquí arriba en la
esquina, haces clic en él, y puedes presionar
la lista de aquí Uno de los problemas con los que te encontrarás si usas el tamaño
predeterminado
del lienzo es que tus
pinceles van a estar muy pixelados en ambos programas Entonces vas a querer hacer el lienzo
más grande
para evitar la apariencia pixelada. Normalmente hago un
3,000 por 3,000 y un 350 DPI tanto para la pintura de procrate
como clipsdo, ya que esto hace que el lienzo sea
mucho más grande y hace más
espacio Pongo mi lienzo de color demasiado gris, así que protege mis ojos
porque el peso de la lona puede empezar a
doler tus ojos después de un rato. Entremos en una de las partes
más importantes, cepillos y herramientas. Existen diferentes
tipos de
pinceles predeterminados entre los que puedes elegir. Hay pinceles de boceto, que no son más suaves, pinceles
más pequeños, ideales para bosquejar bien Hay cepillos de sartén,
que son más duros, mejores para las líneas
y la colocación de colores. Luego están los pinceles para pintar. Entonces es suave y tienen un
poco más de una mezcla de ellos, ideal para pintar y mezclar. Cada una de las categorías tendrá diferentes tipos de
pinceles en ellas. Como acuarela o pinceles de
entintado, o Sí, ya verás Definitivamente
sugeriré pasar por los pinceles predeterminados y ver cuáles te gustan
y cuáles no. Entonces, lo que hago cuando encuentro unos pinceles que me gustan
en los pinceles predeterminados, solo los traigo a
una categoría separada, así tengo todos mis
pinceles favoritos en una sección. Entonces, doblar
los pinceles normalmente están bien, pero descargar
diferentes juegos de pinceles es mucho más emocionante. Puedes encontrar pinceles
y juegos de pinceles en línea para programas que
estés usando como Clips que pintas y Procreate Busca pinceles para Insertar nombre de programas
artísticos, y encontrarás un
montón de opciones. Para principiantes, es genial
jugar con diferentes
tipos de pinceles. Realmente puedes ver
qué funcionará para tu estilo artístico o qué tipo de dirección
quieres ir. Sobre pinturas en racimo
en propiedades de herramientas. Puedes cambiar el tamaño del pincel, así puedes hacerlo
más pequeño, más grande Se puede girar la pacidad, lo que significa que el
pincel o bien
será muy claro o muy oscuro, y al procrear,
son estos ajustes en el costado Entonces el superior está
redimensionando el pincel, y el inferior está bajando
o elevando la opacidad El cepillo de aire es un cepillo muy
suave y esponjoso, que es ideal para agregar
sombreado o degradados La siguiente herramienta es la herramienta de borrador, que es bastante
autoexplicativa Es solo una goma de borrar, así que
borrará lo que sea que esté en la capa Hablando de carreras,
hay deshacer y rehacer, lo que deshará lo que
acabas de hacer o volver a ponerlo Ahora, por favor recuerda que
Deshacer y Rehacer sí tienen límites, así que no puedes retroceder
infinitamente a
veces en la mayoría de los programas La herramienta de manchas, que está aquí
arriba en Per create, y en esta herramienta de aquí en Cosi Paint mezclará y
manchará dos colores juntos No siempre
lo uso, pero sé que mucha gente
le gusta mucho su aspecto. Puede cambiar la forma en que
el pincel se difumina
seleccionando una de
estas opciones de pincel Si estás usando procrate, puedes usar tus dedos
para moverte por el lienzo Si estás usando
pinturas de clips como en una PC, puedes usar la barra espaciadora y luego puedes
moverte por tu lienzo o puedes usar la barra de
navegación y moverlo y acercar
y alejar por ahí. La herramienta de licuefacción es
una herramienta realmente genial que permite manipular
secciones en un lienzo Y luego la
herramienta de cucharón le permite líneas
completas que están
conectadas entre sí. Para la caja P, para usar
la herramienta de cucharón, agarras este pequeño círculo aquí
arriba donde están los colores, y lo arrastras al
lugar que quieras llenar Ahora, hay diferentes maneras con las que puedes llenar
como las capas, que
te mostraré en un segundo. Ahora, las selecciones o herramientas láser en estos programas de arte
permiten seleccionar formas y luego
poder manipularlas o redimensionarlas o moverlas
sobre el Lienzo Entonces el clip de herramienta láser
City paint está por aquí, y la herramienta láser en
Procreate está aquí arriba Entonces, si seleccionas algo, puedes cambiarlo de tamaño para clip
City paint en las propiedades de la herramienta Habrá opciones de
cómo puedes redimensionarlo. Para que puedas cambiar el
centro o puedes cambiar entidades en la escala o deformarlo o
algo así Y en Procreate, las opciones
estarán aquí abajo. En la parte inferior, así
puedes deformar,
escalar, cambiar el tamaño y
todas esas cosas Eso es lo básico sobre las herramientas en pintura clip sido y grados P. Ahora pasaré
a explicar cómo funcionan
las capas y las
cosas aseadas que puedes hacer con ellas. A continuación, abordaremos
capas. Capas, hombre. Me tomó unos minutos calientes averiguar cuándo
empecé, pero voy a tratar de
explicarlos para que sean un
poco más fáciles para ti. La forma más fácil de explicar
las capas es
pensar en ellas como hojas de brillo apiladas una
encima de la otra. Todo transparente y transparente a menos que haya algo
en la capa superior. Todo lo que esté en capas separadas
no puede interactuar entre
sí ni interactuar con ellos a menos que estés en
esa capa específica los puedas apilar
así, bosquejo, color, sombreado,
trabajo de línea, y luego extras Entonces las capas son realmente
fáciles hasta que
tienes una mancha con como
70 capas diferentes, y no puedes averiguar
en qué parte de la tierra está este lugar. Y luego se convierte en una misión. Usa este botón para
hacer una nueva capa, y luego puedes
arrastrarlos alrededor, que puedas arrastrarlos hacia arriba o hacia abajo
o hacia el medio. Ahora, déjame
presentarte a las máscaras de recorte. Las máscaras de recorte son muy útiles. Y luego haremos que
el proceso artístico diez veces más fácil para ti. Para los clips que pintes,
este botón de aquí pone una capa a
las máscaras de recorte, y procrear, hay
que seleccionarla, y luego en esta pequeña
barra de opciones que aparece, dirá máscara de recorte Si tienes una capa que está en la parte inferior con algo puesto, la capa de máscara de recorte
que está arriba no
podrá dejar el área en la se
ha establecido
la capa inferior Esto es ideal para colorear un arte lineal o colorear
un relleno de base. Seguro que has visto a un montón de artistas colorear ahí dibujando gris primero antes de que
empiecen a agregar colores base. Esto se hace porque
están usando esa capa gris para
una máscara de recorte Entonces recortarán capas por encima eso para poder
agregar color base, algo así como el ejemplo
que estoy mostrando aquí. Puedes agrupar capas y renombrarlas para hacer
las cosas mucho más limpias, así puedes usar algo
como una carpeta o un grupo En Procreate,
los arrastras y luego los
agrupa por aquí Y luego en clipsit pintas, las capas de carpeta por aquí, así haces clic en ella,
y luego puedes arrastrar todas las capas
a la carpeta Oh, solo puedes ser como
yo y que las capas sean total y
completamente
caos. El 99% de las veces No tengo idea cuál
está en qué capa, y no tengo el poder
cerebral que me importe. Puedes seleccionar capas, así que esto básicamente es casi
agruparlas, y luego puedes
moverlas, y solo estas
capas que hayas seleccionado se verán afectadas. Al seleccionar una capa, haces clic en este pequeño
error en los clips de tu pintura o la
deslizas sobre Procreate Si has seleccionado
un par de capas, lo que puedes hacer ahora es
usar la herramienta de licuefacción, y solo afectará a las
capas que hayas seleccionado, así podrás licuar un dibujo completo si
seleccionas Esto también aplica
para las herramientas láser, por lo que puede seleccionar
varios objetos y luego moverlos si
los tiene en todas las capas separadas. No tienes que
fusionar todo. Junto con eso, entremos en
cómo puedes usar la herramienta de cucharón
en diferentes capas. Entonces esta cosa ordenada que puedes hacer es establecer una capa a la referencia. Es este pequeño faro
sobre pintura estéreo, o tienes que seleccionarlo
así en Procreate Básicamente lo que esto
significa es ahora esta es la capa en la que se enfocará la
herramienta bucket, así que puedes estar en una
capa diferente en la parte inferior, y se enfocará en lo que hay en esta capa lugar de lo que hay en la
capa que acabas de tener. Para que puedas tener la coloración
en diferentes capas. Asegúrese de que la herramienta de
cubeta en propiedades de
herramienta similares y pintura más cercana
esté haciendo referencia a la capa de
referencia Entonces este faro de aquí. Asegúrate de que esté seleccionado, y volverá a hacer referencia a la capa que hayas
establecido como referencia. En la misma nota que las capas, las capas tienen cosas realmente interesantes llamadas modos de fusión de capas. Hay configuraciones limpias en las
que puedes sentar una capa
para que reaccione de manera diferente
con la capa debajo de ella. Estos modos afectan la forma en que los colores una capa mezclan
los colores de las capas de abajo, creando varios efectos visuales. En la pintura de ciudad de clip, los modos de fusión de
colores están en la barra de trazo de
aquí, y en Procreate, tendrás que seleccionar una
capa y luego seleccionar esta pequeña capa
para poder abrir el modo de
fusión de colores Definitivamente
te sugiero que revises estos y veas cómo interactúan
con la capa debajo de ellos. Pero mis favoritas
que uso son multiplicar. Multiplicar oscurece los colores
de la capa activa, haciéndola parecer como si mirara a través de un vidrio
oscuro translúcido A menudo se usa para efectos de sombreado
y oscurecimiento. Y luego hay
superposición que combina los efectos oscurecidos de multiplicar
y los efectos de aclaramiento
de la Mejora el contraste
y la saturación. Es muy divertido usarlo
con un aerógrafo. Como mencioné, hay
tantos más por los que puedes pasar, y te sugiero encarecidamente que solo desplaces y
veas cuál te gusta Hay otros efectos de
capa que puedes usar como el mapa de degradado, que es una herramienta realmente
poderosa para ajustar el color y los
tonos en tu imagen, proporcionando una manera rápida y
efectiva de lograr
un esquema de color estilizado o autista Para que el clip pinte, cómo encuentras mapas de
degradado es haciendo
clic derecho sobre una capa, yendo al modo de corrección de color, y luego encontrarás
degradados de color en la parte inferior Todos estos son
realmente interesantes para ti, así que definitivamente sugiero
pasar por estos. Y en Procreate,
lo encontrarás en la parte superior por aquí. También se pueden ajustar como lo hice con el
clip así que pinte uno. El siguiente es la rueda de colores, que es realmente
autoexplicativa. Entonces la capa externa es el matiz, entonces eso significa los colores, y luego el interior es la
saturación y los valores. Entonces puedes seleccionar qué tan
oscuro o qué tan claro o qué tan saturado o insaturado sería
el color
seleccionándolo en el medio. Y entonces solo puedes cambiar el color con el lado exterior. En una de las clases, voy a
repasar cómo usar el color y cómo puedes usar
la rueda de colores para hacer una combinación de colores. Entonces, cuando hayas terminado
con la pieza de arte, o te gustaría tener un archivo
seguro para la pieza de arte, vas a crear un
archivo para guardar tu obra. Esto es para PC, claro. Entonces hice un
archivo de arte llamado arte, y luego tengo los
años que uso. Entonces ya estamos en 2024, así que entré en 22 24, y luego solo lo
guardo ahí dentro. Hay dos tipos diferentes. Ahí está PNG, lo que
significa que todo se va
a fusionar, y luego está el archivo de pintura de
clip sider, lo
que significa que tendrá todas
las capas aún intactas, que puedas
volver a él más tarde En Procreate, es
un poco diferente. Todo lo que tienes que hacer es salir y eso automáticamente
guardará el Canvas. Pero ten en cuenta que si sales, ya no podrás
usar el retroceso. Y luego cuando quieras
guardarlo como PNG, así una imagen aplanada, vas hasta aquí, presionas compartir PNG, y luego la
guardará en tus archivos Ahora, hay muchas
más cosas enrevesadas que puedes hacer con los programas de arte, pero esto es solo lo básico Clip ster paint
y Procreate, y estos son los
básicos básicos que uso Realmente no tengo un proceso
demasiado complicado. Entonces esto es lo que uso
en todas mis piezas de arte. No hay mucho más. Así que muchas gracias, y nos vemos en
la próxima clase. Adiós.
3. Qué pinceles de arte usar: Hola otra vez, y
bienvenidos a esta clase. Hoy repasaremos
los diferentes tipos de pinceles y cómo se
pueden usar. Hay muchos
tipos diferentes de pinceles, y cada uno se puede utilizar
a su manera creativa. El lado se siente atascado con
sus usos predeterminados. Por ejemplo, el caligry para pintura de
brochas está
pensado para escribir, pero disfruto usarlo para
pintar por la forma que tiene Hay cuatro tipos de pinceles,
bocetos, pintura,
aerógrafo y pincel para el dolor Voy a repasar cada uno de ellos. Los pinceles de boceto
suelen ser pinceles muy ligeros. Son fáciles y
rápidos de usar debido a que la estabilización
es menor en el cepillo. A continuación, hay pinceles para pintar. Estos son mucho
más suaves y a veces incluso tienen algún tipo de
mezcla incorporada en ellos. Entonces normalmente son
el cepillo redondo. Cepillos de aire o estos pinceles de opacidad ligera
muy esponjosos y
suaves, que son excelentes para
agregar un sombreado más suave o agregar gradientes a
tu dibujo. Consejo divertido. Si usas la herramienta láser
y el aerógrafo juntos, puedes crear texturas
y gradientes realmente
interesantes como este Y finalmente pinceles para bolígrafo. Estos son cepillos sólidos, normalmente con alta
estabilización y sin mezcla o baja
opacidad en absoluto A veces, los pinceles de pluma pueden incluso no
tener presión o
sensibilidad en absoluto, también. Y luego finalmente,
hay pinceles texturados. Estos son otro tipo de pincel que ayudan a agregar textura
a tu trabajo. Si eso es algo
que te interesa. Normalmente tienen paquetes de pinceles
o texturas de pincel para ellos. ¿Me pueden gustar estos?
Ahora, cada uno de estos pinceles tiene
sus propios usos predeterminados. Pero como dije antes, puedes hacer que los
usen para cualquier cosa. Por lo que puedes usar como el pincel de
aire para pintar o puedes usar el pincel de
pintura para
bosquejar o el pincel de pluma
para bosquejar Y sí, así que no hay una
regla real sobre cómo se usan. Para bosquejar, sugiero
bajar la estabilidad de la brocha. La estabilización del cepillo significa cuánto control
tendrás sobre los trazos, menor sea la estabilidad, menos estable y cuanto más
alto, más estable. boceto con una baja
estabilización lo hará mucho más fácil porque eso significa que los pinceles tendrán
mucho más control Pero si vas
a hacer lineout te recomiendo contratar la estabilidad Diferentes estilos artísticos
requerirán diferentes pinceles. Si ves un
estilo artístico que te gusta, siempre
puedes preguntar a los artistas qué pinceles están usando. Pero solo porque
tengas el mismo
juego de pinceles que un artista, no significa que puedas
lograr exactamente el
mismo estilo artístico. Porque los pinceles aún requieren una técnica para utilizarlos para
lograr cierto aspecto. Eso también va en
el extremo opuesto. Si además no
tienes los
mismos pinceles que el artista o el
estilo artístico que te gusta, aún puedes
lograrlo con otros pinceles que tengas aprendiendo
diferentes técnicas. Al final del
día, los pinceles que
uses no van a
ser tan importantes. Así es como los usas. Puedes hacer sobre cualquier cosa
con los pinceles más básicos. Eso depende de ti
averiguar qué
pinceles funcionan para tu estilo antiguo y cómo te
gustaría aprender de ellos. Entonces ahora te voy a mostrar
los pinceles que uso, y luego las técnicas
que utilizo para ellos. Entonces los pinceles que utilicé
para clips CD paint y Procreate están enlazados por
aquí, como se puede decir Tengo como puedes
descargarlos y donde puedes encontrarlos online si quieres tener los mismos pinceles que tengo. Utilizo el pincel de suela para
dibujar y pintar. El cepillo de suela o cualquier
pincel que sea igual, debe tener un poco de
transparencia al mismo, por lo que significa que está ligeramente
transparente con un borde más suave. Prefiero una sensibilidad mínima a la
presión, donde el tamaño no cambia
mucho, pero presiono más fuerte. En cambio, prefiero que la sensibilidad a la
presión se vea afectada por la
consistencia de la pintura. Entonces, cuanto más ligera presione, más clara será la consistencia de la
pintura, pero cuanto más fuerte presione,
más oscura será. También puedes ajustar manualmente la transparencia de los pinceles con como la barra de aquí si no
tienes el
mismo pincel que yo. No debe haber ninguna
mezcla en absoluto. El segundo pincel es un cepillo padre duro sin
transparencia ni mezcla. Es una forma de ángulo cuadrado sin
sensibilidad a la presión en absoluto, lo que significa que la consistencia
se mantiene igual en general. Tu programa de arte debe tener un pincel de clygrafía por defecto Si no, básicamente es
solo un pincel cuadrado. Y luego de vez en cuando, usaré un pincel de
textura diferente. Así que voy a tener algo
como uno de estos como
estos pinceles de pintura para agregar un poco de textura Pero eso básicamente resume
todos los pinceles que uso. Como he mencionado antes que estos pinceles no
tienen ninguna mezcla, y mi estilo artístico es
un poco más doloroso. Entonces cuando quisiera
mezclar dos colores juntos, bajaría la opacidad de
los pinceles, por lo que la densidad de la pintura
será menor Y entonces sólo voy a elegir color. Entonces escogeré un
color y luego pasaré por otro color y luego escogeré el color en el medio
que acabo de dejar. Y eventualmente comenzará a
mezclarse a medida que vaya. Otra técnica de
mezcla realmente genial que puedes usar o para agregar textura es b usando la herramienta láser y
luego usando un aerógrafo Esto crea un efecto de mezcla muy
suave. Y además entonces también puedes tener una ventaja más dura si eso es
algo que necesitas. Cuando empiezas
por primera vez, a veces como que quieres confiar
más en un pincel, y yo sugeriría
salir y encontrar diferentes pinceles y probar tantos como puedas. Pero entonces también diría que
contraste con eso es
tener un juego de pinceles que uses y con los que te pongas
cómodo. Porque si sigues saliendo
y probando diferentes, a veces realmente no puedes aprender las técnicas que se necesitan para los pinceles que tienes. Recuerda,
los pinceles son solo la herramienta y no la pintura real. Esa fue una lección bastante corta, pero eso resume la mayoría de las cosas que debes
saber sobre los pinceles. Ahora a
acostumbrarnos a nuestras tabletas.
4. Cómo acostumbrarse a una tableta artística: Hola otra vez, así que solo escoces o estás planeando conseguir
tu primera tableta de dibujo Hacer el
cambio de lo tradicional a lo digital puede ser
difícil acostumbrarse. Entonces tengo que
mostrarte una manera fácil acostumbrarte
a usar una. Primero, hay tres
tipos diferentes de tabletas de dibujo, cada una de sus propios conjuntos
de cosas que
puedes usar, pros y contras. Puedes cambiarlos
ya sea y ellos tendrán sus propios conjuntos de desafíos con los
que sentirse cómodos. Hay lista de pantallas, ctikes y iPads y tabletas. lista de pantallas es probablemente la que es más difícil de entender, pero son muy geniales de usar, y honestamente las prefiero
sobre la mayoría de las tabletas de pantalla. Uno, porque
te hace sentarte derecho, qué casa puede posar. No estoy ******* sobre la pantalla. Y en segundo lugar, mi mano no está
en el camino del arte real, que es algo que me pareció bastante molesto con las cíticas Otro problema que
encontrarás si
comienzas con la tableta de pantallas es el hecho de que hay
una desconexión de realmente dibujar y
ver tu obra de arte. Entonces estarás
mirando la pantalla frente a ti
en lugar
de mirar hacia abajo. Lo cual puede ser un poco
desconectándose al principio, pero eventualmente
comenzará a ser más fácil, cuanto más empiece a usarlo Usé la tableta
de pantallas diminutas durante los primeros seis años
de mi viaje artístico, y me encantó, e hizo
un gran trabajo que no tengas que
ir por lo
más elegante para poder iniciar arte
digital y
poder hacer arte fácilmente Entonces, una cosa sobre la
pantalla de las tabletas, gente asume
que la usas como un track pad, cuando de hecho es toda
la pantalla en la zona de la tableta. Se tarda un minuto en navegar. El siguiente es el sytique, que es una tableta con pantalla Hay una ligera
confusión a veces, necesitas una computadora o algo a lo que conectar
el cyniqu No es sólo una computadora
independiente. O una tableta. Básicamente es
solo un monitor extra. cinícos son geniales ya que
siento que estás más
conectado con Pero entonces tu mano también
está en el camino. Y siento que me
gambas sobre ellos, y mi postura es un poco mala con
los cínicos Entonces, si te pones un cinico, definitivamente
sugeriría conseguir una postura diferente que como, la
eleva un poco más, así que no estás como Luego están
las tabletas y iPads, que puedes
llevar, pero lo único con ellos es que solo vienen
como un cierto tamaño Porque hay que
llevarlos por ahí, no
son tan grandes como puede un syntqu o una
tableta sin pantalla Pero los más esos, no
necesitas una computadora ni nada
para conectarla. Entonces, una de las
cosas más importantes de obtener una tableta de arte o
meterse en el arte digital desde el arte
tradicional es la desconexión que
sentirás con tu arte porque realmente no
estás interactuando con él como lo harías
con el arte tradicional. Aquí hay algunas
prácticas que sugiero, cuando empieces a hacer arte digital independientemente de qué
tablet obtengas. Usa tus hombros
en lugar de tu muñeca, especialmente si estás dibujando sobre una superficie que es más pequeña. Lo que esto significa es como en lugar de presionar
tu mano hacia abajo sobre la mesa misma y usar tus muñecas para
movimientos y trazos, usa tu hombro
para el movimiento y coloca tu muñeca
sobre la superficie Esto ayudará a que las líneas
sean más largas y con más control,
además de protegerte de lesiones
en además de protegerte de la muñeca y también te
ayudará con tu postura. Las lesiones son otra cosa que los
nuevos artistas tienden a
olvidar o pasar por alto Hay que cuidar
la forma en que dibujas para que no tengas ningún
dolor en el futuro, ya que dibujar es algo
repetitivo y puede provocar lesiones
más adelante en la línea Y si tienes lesiones
más adelante en la línea, obstaculizará tu viaje artístico y mejorando a medida que vayan las cosas En cuanto al dibujo real, entiendo que
acostumbrarse a programas de
arte y tabletas a
la vez puede ser muy,
muy estresante y un poco raro. Pero esto va a
sonar un poco tonta, pero la forma en que te puedes
acostumbrar a dibujar con la tableta es dibujar
círculos y conectarlos Esto ayudará con la coordinación de ojos
y manos. También es ideal para controlar
los pinceles y bolígrafos, y también es genial para aprender la presión y la estabilización. Cuando
los estés dibujando, quiero que uses todo tu
hombro en su lugar, y también quiero que
intentes dibujarlos
lo más rápido que puedas y asegurarte de
que los conectes. Entonces tratando de conectar el círculo. Solo vas a dibujar estos y
otra y otra vez, y si quieres
seguir practicando esto, puedes dibujar diferentes
tipos de formas, pero trata de no pasar
demasiado tiempo en ellas, solo dibujarlas muy rápido. Esto es genial para
si estás tratando acostumbrarte
a usar una tableta. También sugeriría en
lugar de ir directo a tratar de
terminar piezas completas, hacer pequeños garabatos y
pequeños bocetos aquí y allá para acostumbrarse a todo
será de gran ayuda para ti Conseguir lo
incómoda que
puede ser una tableta para dibujar puede tomar hasta dos o tres semanas,
ponerse cómodo con ella Aunque al principio se sienta un poco
imposible, date algo de tiempo y practica y con dibujos
simples, y eventualmente te
acostumbrarás a ello. Es emocionante comenzar y querer hacer piezas completas. Pero cuanto más te
permitas
hacer garabatos y tener errores, más rápido te
acostumbrarás a usarlo Muchas gracias por ver
este video y ahora a la siguiente clase sobre
referencias y estudios.
5. Cómo usar referencias: La lección de hoy se
trata de encontrar referencias y cómo
utilizarlas de manera efectiva en tu arte. Ya sea que
los estés usando para estudios o para mejorar tus dibujos, las referencias son
herramientas poderosas para cualquier artista. Las referencias son
importantes
tanto para estudiar como para crear piezas finales. Al mirar una referencia, puede perfeccionar su trabajo y asegurarse de que sea preciso
y detallado. He aquí por qué las referencias son
tan importantes para los estudios. Comprender la anatomía,
proporciones y detalles. El uso de referencias puede
ayudarte a entender la anatomía, proporciones y
detalles más finos de los objetos También ayuda en el aprendizaje, algunos tonos claros y
colores, mejorando la precisión Las referencias son cruciales para mejorar la precisión
de sus dibujos, especialmente cuando la corrección
anatómica Estudiar regularmente
referencias mejora tu capacidad para notar detalles
sutiles, lo cual es clave para crear artes
realistas o
poder estilizarlas. Usar referencias para mejorar tu estilo artístico o para
obtener un estilo artístico es una manera realmente efectiva de
construir tu estilo artístico. Los artistas pueden mezclar y combinar
diferentes referencias, elementos para crear
un estilo artístico único. Esto fomenta
la experimentación con diversas texturas y patrones. Definitivamente recomiendo
usar
referencias de otros artistas además de referencias
realistas. Entonces, ¿dónde puedes
encontrar referencias? Prefiero usar pinterest para
referencias porque es como un sitio donde todo se
junta en un solo sitio por el que solo
te desplazas. Lo que busco
cuando busco referencias es como referencias de
arte, referencias anatomía,
retratos, valores. Tengo todo un pinterest
por aquí con un montón de referencias que personalmente
uso para mis estudios, si te interesa ir por la
madriguera del conejo con este. Ahora vamos a entrar en cómo
usas las referencias. Cuando vas a entrar,
se trata de observación. Empieza por observar dónde están
las cosas en tu referencia. Toma nota de las
proporciones, ángulos y características clave,
desglose la pieza. Simplificando
formas complejas en formas básicas. Esto facilita la comprensión
de la estructura y composición. Normalmente, voy a dibujar encima de una referencia para tener
la idea de lo que
realmente está pasando debajo todos los detalles y
simplificación Una vez que hayas terminado de
dibujar la forma básica, gradualmente agrega más detalles. Simplificar lo que ve hace que el
proceso de dibujo sea más manejable Entonces, si haces un brazo, dividirlo en dos
formas lo hace más fácil. Y luego puedes
llevar el estudio un poco más allá y estudiar el
músculo encima de él. Ahora no necesitas aprender cada grupo
muscular para poder estudiar algo o aprender cada
detalle en una referencia. Ahora bien, no solo uso
referencias para estudiar. También uso referencias cuando
estoy dibujando piezas finales. Entonces, si no estoy seguro de
cómo se verá una pose o cómo se supone que
algo debe interactuar entre sí, iré a buscar
una referencia que mejor represente la
pose que estoy haciendo, o me tomo una foto,
y luego hago referencia a eso Ya que no siempre se sabe exactamente cómo
va a reaccionar la anatomía. Y a veces es muy difícil imaginarlo y perfeccionarlo. A diferencia de si solo
usaste una referencia, lo que hace que el proceso sea
diez veces más fácil. Si no encuentras la referencia
que estás buscando, puedes usar tres modelos D, que es la
pintura CDR de clip realmente útil También hay sitios como
estos donde
puedes descargar tres
modelos D y luego posarlos, lo que te ayudará a
poder poner o
al menos tener una idea de cómo se supone que debe
ser
la pose. También puedes hacerlo con
fondos. Sé que mucha gente
usa licuadora para poder
hacer fondo para que puedan referenciarlo en sus dibujos. Tampoco solo tienes que usar una referencia si
vas a dibujar, puedes usar múltiples de ellas. Entonces, si una pose tiene
el ángulo recto, pero no tiene
los brazos correctos. Puedes mezclar emparejar dos referencias
distintas, una teniendo los brazos
que te gusten, y la otra teniendo las
proporciones corporales que te gusten. Así que siéntete libre de tener un
collage de referencias, normalmente
tengo un mood
board o algo así. Y entonces eso es como
de lo que me voy. Y eso cierra la clase de hoy. Y eso cierra la clase de hoy. Recuerda que las referencias
son tus amigas, y la única manera de mejorar es usándolas, así que no tengas miedo de
usarlas tanto como puedas. Todo bien.
Te veré en la siguiente. Adiós.
6. Qué estudiar: Hola, y bienvenidos.
En esta cláusula, te
guiaré sobre qué
estudiar, para mejorar tu arte. Cubriré los temas en
detalle en videos separados, pero creo que es crucial
entender primero los porqués Como en ¿por qué es importante?
¿Dónde vas a usar esto? Donde se puede ver
esto en otros medios, y la casa vendrá más tarde. Por qué importan los fundamentos. De lo que hablo
son los fundamentos del arte. Probablemente hayas oído hablar
de estos términos antes. Anatomía, líneas, colores, formas,
valores y composición. Pueden parecer
intimidantes al principio, casi imposibles de dominar, pero incluso una
comprensión básica de estos conceptos hará que el proceso del
arte sea mucho más fácil Muchos artistas nuevos se
lanzan directamente a la creación de arte sin
entender los conceptos básicos. Esto puede entorpecer su progreso. Analicemos los
fundamentos y entendamos por qué
son tan importantes La práctica de cómo
seguirán dos lecciones en clases separadas. Entonces primero, tenemos forma. forma es la base,
y en mi opinión, el elemento más importante. Es la construcción de bloques para todo lo
demás que aprenderás. Forma se refiere a objetos
tridimensionales que encierran volumen teniendo
largo ancho y alto Entonces, en palabras básicas, forma es crear una
forma de tres D en una superficie de dos D. Vas a crear
forma usando sombreado,
valores, iluminación, solo
forma en general Entonces, por qué es tan importante es porque una vez que
aprendas a hacer tres formas D, podrás dominar cosas como la anatomía
y la perspectiva. A continuación en la línea,
tenemos anatomía. La anatomía es un
punto de partida popular para muchos artistas nuevos. Cuando empiezas a
dibujar personajes y decir que te ves un poco raro, esa es tu señal para
comenzar a estudiar anatomía. La anatomía consiste
en comprender el cuerpo humano y
todas sus formas, curvas, músculos
y proporciones. Para Excel en anatomía, primero hay
que agarrar bien la forma ya que el cuerpo es
una forma de tres D. Aprender anatomía
ayuda a que tus personajes se vean más naturales y animados, ya que los errores en anatomía pueden hacer que una pieza
se vea un poco incómoda. A continuación, tenemos líneas. Líneas, los elementos básicos
utilizados para crear arte. Al tener confianza en cómo
dibujas líneas y
comprendes el peso de la línea, la pesadez de
las líneas puede hacer que el proceso de dibujo se sienta más natural y más
fácil de abordar Como nuevo artista, tus líneas
pueden carecer de confianza. Entonces tienes líneas de
rascar de pollo o tus líneas que
realmente conectan bien, o no hay una forma adecuada en la forma en que dibujas
con las líneas. Pero con la práctica,
mejorarás tu colocación de línea y ganarás la confianza con el trazo. Así que tener trazos más largos y hacer que las cosas
se conecten mejor. El siguiente fundamental son los colores. En el arte tradicional,
entender los colores primarios y cómo mezclarlos para crear
diferentes paletas de colores, para ponerlos en el
lienzo es fundamental Pero eso también aplica en el arte
digital, pero de manera diferente. En el arte digital,
tienes la rueda de colores, que ya tiene todos
los colores en ellos, así que no hay
necesidad de mezclar colores. Pero hay más para colorear
que solo selección. Usar el color para llamar
la atención o crear armonía en tu arte
es realmente crucial. El conocimiento es importante
porque te ayuda a crear la
atmósfera deseada y dirige atención a objetos
o áreas específicas de tu trabajo. El siguiente fundamental son los valores. Los valores se refieren a cómo aparecen los colores claros
o oscuros duros. Comunica
la superficie de la luz, los puntos
focales y la profundidad. El uso de tonos de valores similares juntos crea un bajo contraste, mientras que los valores variables crean
puntos de interés y profundidad. Comprender los valores
es importante para
mostrar la forma a través de la
iluminación y el sombreado. También se utilizan valores para llamar
la atención sobre áreas específicas. Por ejemplo, si
tienes un
fondo más oscuro y un carácter
más claro, el personaje va a
destacar y viceversa. Cuando se puede ver el valor en color, se pueden
crear piezas
dinámicas con atención
tanto a
los valores como a los colores. Es por ello que estudiar colores y valores al mismo
tiempo son importantes. Y entonces el final
es la composición. La composición trata sobre
cómo se combinan los diferentes elementos de la obra de arte. Se enfoca en organizar
temas clave, poses, objetos, colores y recorte,
para que todos fluyan sin problemas
juntos en una sola pieza La composición puede contar historias
o crear atmósfera. Cuando empiezas
por primera vez, la composición no parece realmente
tan importante, o puede ser difícil de hacer pasto, pero
luego te mostraré que en realidad es bastante fácil crear
flujo en una pieza. En conclusión,
estos fundamentos
son los bloques de construcción del arte Comprenderlos y
dominarlos hará que tu proceso de arte sea más suave y
tu pieza sea más impactante En las siguientes cláusulas, profundizaremos en
cada tema y
aprenderemos a aplicar estos
conceptos de manera práctica.
7. Forma: Hola. En la lección de hoy. Te estaré mostrando
la importancia
de la forma y cómo
puedes aprenderla. Entonces, ¿qué es la forma? La forma es un elemento
de arte que es tridimensional y
cerramientos de volumen, incluyendo altura
anchura y profundidad Son cubos, esferas,
pirámides y cilindros. forma también incluye
ser bueno en el uso sombreado y la iluminación para
mostrar la profundidad y la forma Existen diferentes tipos
de forma, forma geométrica. Estos son precisos y regulares como cubos, esferas
y pirámides, a menudo se encuentran en objetos hechos por
humanos, y luego hay formas orgánicas Estos son irregulares
con curvas y asimétricos, que se encuentran
típicamente en la naturaleza como árboles, plantas y animales La forma involucra tres formas
d utilizadas para crear profundidad y
perspectiva en su trabajo. Es importante
porque todo lo que te
rodea está hecho
de formas. Al simplificar la
anatomía en formas, dibujar se vuelve mucho más fácil Por ejemplo, una mano se
puede simplificar en formas básicas como
un cuadrado y cilindros. Saber dibujar
estas formas básicas hace que
sea mucho más fácil
comprender y dibujar la mano Entonces, ¿cómo aprendes de forma? Primero, hay que empezar
a pensar en tres D. Al dibujar, no lo pienses
como una imagen plana. Piense en ello como una forma de tres
D con forma. Con el arte, estás
tratando de capturar tres formas de D en
una superficie de dos D, creando profundidad y una pieza de trabajo
plana. forma no se trata solo de la profundidad, longitud y el ancho, también del color y la
iluminación. Se puede crear forma mediante el uso de
un buen sombreado o iluminación. Por ejemplo, un cilindro
puede parecer plano, pero con el sombreado
agregado derecho, puede aparecer como
una forma de tres D. Dibujando tres
formas d, intenta dibujar una banda elástica alrededor de ellas para
mostrar dónde están los centros. Quieres estas líneas
a través de las formas, lo que
te ayudará a realizar un seguimiento de las proporciones y la
mitad de la forma. A esto lo llamo la goma elástica. Esta técnica también es útil
en perspectiva y nach me. Ayúdame a entender mejor
el ángulo. Por ejemplo, el cilindro tiene
dos bandas de goma en ellos, y no importa donde
gire el cilindro, siempre
habrá dos líneas
constantes ahí,
pero me ayuda a hacer un seguimiento de
dónde está girando la forma. La goma elástica te
ayudará cuando comiences dibujar perspectiva
para hacer para acortar, que es girar la forma hacia el espectador y
acortar así La mejor manera de
aprender tres formas d es dibujar tres formas d. Detener o dibujar cilindros, cuadrados, rectángulos y perspectiva
diferente Puedes dibujarlos usando
este plantel como referencia, que muestra cubos en todos los ángulos. Puedes reemplazarlos
con diferentes formas. Esto puede parecer un poco tonto, pero te ayudará a la hora de
dibujar los fs del cuerpo. La anatomía ss está hecha de formas apiladas una
encima de la otra Siento que incluso haciendo solo
uno o dos estudios de forma, y luego me abordo
un átomo después. Tengo un poco
de comprensión sobre cómo funciona
el cuerpo y cómo las formas
interactúan entre sí. Por lo que siempre recomiendo hacer estudios de
forma antes de
estudiar realmente como una pieza completa. Volviendo a las bandas de goma, una gran manera de
practicarlas es
imaginando una forma cortada la mitad y luego
dibujando lo que ves Por ejemplo, imagina un cilindro
cortado por la mitad y dibujarlo. Esto te ayudará a captar tres formas
D amargas en papel, y también te ayudará a
entender las bandas de goma. La siguiente forma a practicar
es la forma orgánica, que es como formas que
no suelen ser geométricas. Tener una idea más floja
de cómo poner una forma que no sea exactamente geométrica en diferentes posiciones
ayudará cuando comiences a
descomponer diferentes objetos o durante fondos o durante cualquier cosa que no sea perfectamente
simétrica. Una buena manera de comenzar a
agarrar la forma es también usar tres D
modelado o Simplemente mirando una
forma o formando una forma en
un programa de tres D
te ayudará a agarrarla y ponerla mejor
en tu memoria. No me olvido de entrar
y darles sombra también. Hay un montón de referencias en línea de diferentes
formas con sombreado. Esto te ayudará para
cuando entres y quieras sombrear algo. Sabrás cómo
va a quedar la forma porque cada una porque cada forma tendrá un
tipo diferente de iluminación. Por ejemplo, un
cilindro tendrá un software de iluminación porque es redondo y no hay bordes
duros que lo atrapen. Pero un cubo tendrá
un sombreado más sólido, pero más un sombreado sólido
debido a que tiene bordes sólidos Hay de todo
para esta lección y ahora en la siguiente.
8. Líneas: Hola. Bienvenidos de nuevo
a otra lección. Y en las lecciones de hoy, voy a estar hablando de líneas y cómo tener más
confianza con ellas. Y cuando
empiezas a dibujar líneas por primera vez puede ser muy intimidante
porque lleva mucho tiempo construir la
confianza y poder dejar las líneas correctamente
y en el lugar correcto Entonces hoy, te voy a mostrar cómo mejorar tu
confianza con líneas. Quiero sugerirle que evite. Entonces la importancia
de las líneas de confianza. Líneas de fundamental y arte, y tener líneas seguras puede
mejorar significativamente tu trabajo. Las líneas seguras son más
intencionales y pueden transmitir
mejor la forma y
estructura de su tema. Al comenzar, es
común usar trazos más cortos y
vacilantes, a menudo conocidos
como rasguños de pollo. Bueno, esta es una parte natural del aprendizaje, la transición
a trazos
más largos y deliberados
puede hacer que tus líneas parezcan más seguras y
tu trabajo más pulido Entonces aquí hay algunas técnicas
para líneas seguras. Así que tenga trazos más largos. Intenta evitar las líneas de rascar de
pollo, que son cortas y vacilantes Apunta a huelgas más largas y
continuas. Esto no significa que cada línea
tenga que ser larga y perfecta, sino trabajar en hacer que
cada puntal tenga un propósito Trabaja desde tus hombros,
no solo tu muñeca, para lograr líneas
más suaves y controladas. Recuerda como dije en el video de la tableta es trabajar desde tus hombros
y no desde tu muñeca. Si trabajas desde los hombros, puedes tener más
confianza en los golpes más largos. Pero si tiendes a
trabajar desde tu muñeca, tendrás más líneas de rascar de
pollo. Planifica tus líneas. Antes de
poner una línea, conoce a dónde quieres
que vaya, visualiza el camino de la línea y
la forma que va a crear. Practica hacer una imagen de imagen falsa de la línea
colocando tu lápiz o
estilos sobre la página o papel antes de hacer
contacto. Conectando las líneas. En el arte digital, muchos artistas luchan por conectar líneas. Practique asegurándose de que
sus líneas signifiquen crear
formas y formas completas. A veces, si tus líneas
no están conectando bien, puedes perder la forma con bastante facilidad. Por ejemplo, mira estos
dos dibujos diferentes. Uno tiene más líneas
indecisas no conectadas
y el otro sí Esto no quiere decir
que no puedas tener buenas líneas no conectadas
y hacer que se vea bien, pero eso viene con
habilidad y práctica. Otra cosa con
las líneas es que muchos artistas
nuevos luchan
con el espaciado, así que no hay mucho
espacio entre las dos líneas para
crear bien la forma. Practicar dibujar
formas y cosas, pero asegurarse de
que haya suficiente espacio entre las dos líneas para mostrar la forma y la
forma es muy importante. Entonces aquí hay algunos ejercicios
para mejorar la confianza en la línea. Garabatos y bocetos.
Dese tiempo para garabatos y
bosquejos libremente Estos dibujos informales pueden ayudarte a relajarte
y ganar confianza No te preocupes por la perfección, concéntrate en el flujo y la
conexión de tus líneas. Cuando empiezas a dibujar,
sé que realmente quieres crear hermosas piezas
terminadas, pero es muy importante
calentar realmente y obtener esa
fluidez a los bocetos Pero la única manera
de hacerlo es permitiéndote
hacer más garabatos Cada vez
que antes de empezar a dibujar, normalmente
me gusta una
página de garabatos y eso ayuda mucho Así que el peso de la línea en variación. Practica usar el peso de las líneas para agregar
profundidad y dimensión. Las líneas T más gruesas pueden
indicar áreas de sombra, superposición, mientras que las líneas más delgadas se
pueden usar para detalles
e iluminaciones. Echa un vistazo a
estos dos dibujos. Uno tiene el peso de la línea,
y el otro no. Uno se ve un poco sin vida, mientras que el otro
parece que le tiene más profundidad. Otro ejemplo, yo si un
brazo está descansando sobre un disco, las líneas con el brazo
está tocando el disco serán más gruesas por
el peso y el contacto. Esta es solo una
forma sencilla de agregar línea. Aquí hay algunos consejos prácticos. Hacer zoom, al dibujar digitalmente, evite acercar demasiado Esto puede hacer que pierdas
de vista la forma
y composición generales. Mantenga su lienzo a una
distancia cómoda y
aleje regularmente para verificar
el equilibrio general y la proporción de su dibujo. Después creando espacio. Usa líneas para crear espacios y separaciones
en tus dibujos Por ejemplo, de un dibujo un
personaje con un fondo, deja espacio entre
el personaje y los elementos de fondo para asegurarse de que el
personaje destaque. Las líneas de espacio limpio pueden mejorar la claridad y
legibilidad de su trabajo Después está la práctica de línea. práctica del dibujo es de líneas
rectas y curvas, tanto manos
libres como usando guías. Experimentar con diferentes
tipos de líneas, rectas, curvas, zig dag y líneas onduladas pueden transmitir diferentes
emociones y texturas. Al enfocarte en la técnica y consejos delineados en el video, confías en tus líneas. Recuerda, practica la clave, pasa tiempo
garabateando bocetos y experimentando
con diferentes líneas
y estilos de peso que van
junto Con el tiempo, tus líneas
se volverán más seguras, agregando un
toque profesional a tu trabajo.
9. Valores: Hola, y bienvenidos de
nuevo. En la vía de hoy, voy a estar hablando de
valores y de cómo
usarlos para mejorar tu
iluminación y sombreado, lo cual es crucial para crear un buen contraste y
ambiente en tu arte ¿Por qué importan los valores? Los valores tienen que
ver con la ligereza y la oscuridad de un color, y juegan un papel vital
en hacer que tu obra de arte destaque. Al dominar los valores,
puedes guiar
a los ojos de los espectadores a través del dibujo y dirigir su enfoque hacia donde
quieras que esté Por ejemplo, si tu
personaje se funde el fondo debido a
valores similares en los colores, se
volverán fangosos y no podrás
verlos muy bien Al agregar un contorno
o fondo ele más claro al personaje, puedes hacer que el personaje
destaque de inmediato. Se pueden utilizar valores
para crear contraste. El contraste es clave para hacer que los elementos de su pieza sean
distintos y atractivos. Sin una buena gama de valores, tu arte puede parecer
plano y fangoso, haciendo que se pierdan
detalles importantes El uso de
valores contrastantes ayuda a definir la forma y crear
una sensación de profundidad, haciendo que su trabajo sea más dinámico
y visualmente atractivo. Puedes crear contraste usando valores,
por lo que un color muy claro y un color oscuro pueden
contrastar entre sí, o puedes crear contraste
usando diferentes colores
saturados. Entonces, por ejemplo, si esta es una pieza muy monótona baja
saturada, pero si le agrego un color
saturado muy alto a esta pieza, aquí
habrá mucho más
contraste de colores. Entonces tus ojos se quedarán
alrededor de la pieza. O si tu pieza es
muy alta en saturación y usas un color saturado muy
bajo, puedes crear secciones de alto
valor. Los valores no son solo
para blanco y negro. También son cruciales
en el trabajo de color. Incluso si tienes colores
contrastantes, si los valores son simplemente similares, la pieza aún puede
carecer de definición. Por ejemplo, contrastar un azul
oscuro con un amarillo claro puede crear un efecto llamativo si
los valores están bien elegidos. Aquí, por ejemplo, esta pieza parece que tiene
diferentes colores a la misma. Pero si enciendo un filtro en blanco
y negro de esto, se
puede decir que
apenas hay valores, lo que hará que la
pieza de se pierda. Pero aquí estoy cambiando
los valores de los colores, y ya se puede ver que
hay una gran diferencia. Así creando profundidades de valores. Los valores ayudan a crear profundidad. Lo que a su vez está
potenciando la forma. Al usar eficazmente
la luz y las sombras, puedes convertir formas planas en formas
tridimensionales, agregando realismo e
intereses al trabajo. Entonces, por ejemplo, este
es un círculo plano, pero al agregar como dos
o tres colores más claros, ya
puedo hacer que parezca una forma tridimensional. Entonces, ¿cómo se estudian los valores? Dibujos a escala de grises. Deténgase redibujando sus
piezas en escala de grises, concéntrese en identificar y replicar las áreas más oscuras
y ligeras Y enfocándonos únicamente en eso, no en lo que
realmente estás dibujando. Por ejemplo, si estoy
dibujando esta tetera, estoy concentrando en los valores más oscuros,
los segundos valores más ligeros, y luego
el más ligero ligero y luego Yo como que simplemente me
levanté de ahí. Este ejercicio te
ayudará a entender la estructura de valores sin
la distracción de los colores. Y número dos, estudios
observacionales. Practica la observación de
valores en la vida real, como en objetos y notas e iluminación en las zonas más oscuras Mira los objetos y observa las zonas
más claras y oscuras. Intenta bosquejar estos objetos
usando solo los sombreados en blanco
y negro y gris para capturar la esencia de la forma solo
a través del valor Entonces esto es más un estudio de iluminación
intenso. Entonces, lo que
quiero que hagas cuando estés estudiando así es
que mires la imagen e intentes averiguar cómo
puedes
traducir esto en una línea sólida en
blanco y negro en una pieza. Entonces esto te ayudará
realmente a bajar los valores, y también te ayudará a
entender realmente la forma de una pieza. Y cuando vayas a
dibujar algo, podrás curar el objeto sin tener que
pensar demasiado en ello Y luego están los estudios de
pintura. Cuando estás haciendo pinturas al óleo
tradicionales, siempre
se sugiere comenzar con
los colores más oscuros y
luego construir
a partir de ahí Ahora bien, esta es una práctica
para el trabajo tradicional, pero si empiezas a
hacerlo en tu trabajo digital, también te ayudará a construir
este mapeo de valor. Esta técnica ayuda a crear una base de valor sólido y construye profundidades
desde cero. Esto será útil
incluso para el trabajo digital. Al dominar los valores, puedes mejorar
significativamente el impacto
visual de tu trabajo Los valores guían los ojos de los espectadores, crean contraste y
agregan profundidad y forma. Una excelente manera de practicar realmente
los valores es
convertir ocasionalmente tu pieza en blanco y
negro cuando estás colocando el
sombreado y los colores Se puede ver si a sus
valores les va bien. También puedes practicar esto de antemano en forma de uña pulgar. Puedes tener donde quieras que estén
los
colores más claros y oscuros en tu dibujo Puedes planear eso
en una miniatura, como una
versión más pequeña a un lado Muchas gracias por ver, y nos vemos en
la siguiente clase. Adiós.
10. Anatomía: Hola. La
lección de hoy será sobre anatomía y las formas que
se utilizan para dibujar anatomía. Entonces, ¿por qué es importante la anatomía? La anatomía es fundamental si vas a estar
dibujando arte de personajes. Tener
proporciones precisas en anatomía para tus personajes los ayudará a sentirse más realistas
y en profundidad. Si tu anatomía está apagada, muchas veces se nota, incluso
para personas que no pueden dibujar. Pueden sentir que
algo anda mal. La anatomía es probablemente una de las primeras cosas que quieres estudiar cuando
empiezas a aprender arte. Porque es probable que sea uno de
los primeros con los que luchas. Encontrar buenas
referencias es crucial. Realicé un video completo
de donde puedo encontrar referencias en las clases
anteriores, pero suelo encontrar las
mías un pinterest. Siempre uso referencias realistas a la
hora de estudiar anatomía. Ya que estas referencias
son más precisas. Descompongo la anatomía en formas
simples como cilindros, cubos y cuadrados y círculos. Aquí es donde conocer la forma es importante para poder
estudiar anatomía. Cómo estudiar anatomía.
Usando referencia. Toma una imagen de referencia y
desglosa la anatomía
en formas simples. Identificar y dibujar
las formas básicas, los cilindros en cubos y
cuadrados sobre la referencia Al hacer esto, piense en
las formas puntiagudas, la perspectiva,
las bandas de goma, y las formas en tres D. Vuelva
a dibujar la referencia al costado, prestando atención a la posición de las extremidades y proporciones Por ejemplo, donde las extremidades y articulaciones caen
sobre la referencia, e intenta poner eso donde
se supone que debe estar. Por lo que el redibujo de
la imagen
a un lado es normalmente para practicar conseguir la caída de
las proporciones por tu cuenta sin
depender tanto de la referencia Está construyendo memoria muscular. El segundo a estudiar
es el dibujo por gestos. Gest el
dibujo implica dibujar la figura como una figura de palo con
flujo y peso Descomponer el cuerpo en las formas más simples
o líneas de flujo. Enfócate en dónde están los hombros y las piernas y la columna vertebral y el peso. Cuando digo peso,
lo que quiero decir con esto es que el cuerpo se inclina en una
dirección o en un punto. Esto ayuda a capturar el
flujo de la anatomía, lo cual es esencial a
la hora de agregar las formas anatómicas encima de ella. Ambas van a construir para
dibujar mejor una naturaleza, así que sugiero hacer ambas cosas. Aquí hay algunos
consejos adicionales para estudiar anatomía. Entender las articulaciones. Presta atención a
dónde
están las articulaciones y cómo funcionan. Por ejemplo, entienda
dónde se doblan los codos, rodillas y tobillos y hasta
qué punto pueden doblarse Estudiar grupos musculares. Bien formas básicas
ayudarán con la estructura. Comprender los grupos
musculares mayoritarios puede agregar realismo a tu dibujo. Aprende dónde se abultan los músculos
y contrastan en el movimiento. Practica regularmente,
la consistencia es clave. La práctica regular de estas
técnicas te ayudará a interiorizar la proporción y estructura de la anatomía humana Utilice tres modelos D. La utilización de tres
modelos D puede brindarle una mejor comprensión de la
anatomía desde diferentes ángulos. Entonces, ¿cuáles son las formas básicas
que se utilizan para la anatomía? Para la cabeza, comienza con el círculo para la
parte posterior del cráneo, y la cara es de papel
envuelto alrededor del cráneo. El cuello es un cilindro
que conecta con el torso y el cráneo. Utilizo una línea de columna para averiguar dónde se alineará el cuello. El torso utiliza una combinación de formas
redondeadas y triángulos para representar el
pecho y el palvis El cofre puede estar representado por una forma cuadrada o forma de huevo, usando la columna vertebral para
averiguar dónde agregar el cofre y dónde se sentará, como la
dirección del mismo A partir de ahí, la sección media es un cilindro más pequeño
y luego la entrepierna Recuerda, hay tres formas el torso, no solo dos, mucha gente olvida
la sección media, y luego su torso tiende
a ser mucho más corto. Y luego la entrepierna
son como boxeadores. Los brazos, comienzan
con el cilindro para la parte superior del brazo y
luego el cilindro para el brazo inferior. El codo es un pequeño círculo, que resalta
desde ciertos ángulos, y luego las manos son
un poco rectángulos El hombro conecta
el pequeño torso. Yo uso la
línea media en la parte superior
del torso para determinar dónde
van a estar los hombros, y luego también los uso
por el costado del torso. Aquí se
sienta la mitad de los torsos es donde irán los brazos Esto ayudará cuando
estoy tratando de doblar el torso en una dirección
diferente. Puedo decir dónde van a estar los
brazos, o si voy
a poder ver dónde están los hombros. Para las manos, un cuadrado plano
maleable para la palma con cilindros
para los dedos El pulgar es una
forma adicional unida al cuadrado. Para las piernas, esta es un
poco más fácil. Utilice un método de línea
recta de curva recta. Cada pata se puede descomponer
en cilindros y formas. Entonces para esto, quiero decir,
si miras de cerca, siempre
será línea
recta,
curva, línea recta, sin importar desde qué ángulo sean
las piernas. Esto hace que sea un
poco más fácil solo abordarlo en general. Entonces puedes verme
dibujando un montón de diferentes brazos y piernas aquí, y todos tienen
el método de curva
recta curva recta. Atar que son los pies, pies es algo con lo que
todos luchan, pero normalmente los
miro como un pequeño triángulo que
se adhiere al tobillo y además no te olvides de cómo los pies pueden doblarse desde
las articulaciones y esas cosas. Al romper formas
complejas y
desentrañar formas y practicar
consistentemente, puedes mejorar tu
comprensión de la anatomía y crear personajes más realistas
y dinámicos Veo en la siguiente clase, por
11. Conclusión: Hola, y bienvenidos al video
final de nuestra clase. Apenas puedo creer que
ya haya llegado a su fin. Se siente como si hubiera
estado trabajando en estos videos durante
tanto tiempo. Realmente espero que hayan sido
valiosos e inspiradores para ti. A medida que continúas en
tu viaje artístico, te
deseo todo lo mejor. Mi esperanza es que
descubras tu amor por crear arte y encuentres
la felicidad en tu obra. Recuerda, el arte es un proceso profundamente
personal y evolutivo. Permítete crecer y abrazar el
camino único que forjarás. Será muy
diferente al mío, pero eso es lo que hace que
tu arte sea realmente especial. Muchas gracias
por permitirme
formar parte de esta experiencia de
aprendizaje. Me lo he pasado muy bien creando estos videos y compartiendo
mis conocimientos contigo. Estoy increíblemente agradecida por la oportunidad de
acoger estas clases. Sigue empujando los límites
de tu creatividad, mantente curioso y,
lo más importante, disfruta del proceso. Te volvería a pe en
el futuro hasta entonces, lo mejor de bloque de tu
arte y cuidarte. Adiós y feliz creación.
Bluebiscuits, idiot with a pen
