Pon en marcha la escritura del guión: todo lo que necesitas saber para escribir tu primer guion

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: En este curso, voy a mostrarte la mejor manera de escribir tu guión que aumentará drásticamente las posibilidades de que tu película sea producida. Hola, mi nombre es puro, y probablemente te estés preguntando qué me da la autoridad para enseñar estas cosas. Bueno, soy guionista y directora. Creo que hice mi primera película allá por el 2004. Me gradué dirigiendo en la Escuela Nacional de Cine de Polonia en la que las películas que he realizado a lo largo los años se han mostrado en festivales de cine, en cines y en televisión. Entonces mientras montaba mis propios proyectos, también trabajo como consultora. Y me he dado cuenta de que el problema comunista que tienen muchos escritores es esencialmente su flujo de trabajo. Entonces en este curso, te estoy guiando desde el momento en que tengas la idea de tu película hasta escribir tu primer borrador, vamos a comenzar con cinco pilares de cada historia y cómo vienen juntos en una forma de su guión. Te voy a enseñar cómo preparar la idea de tu película para que no tengas que preocuparte por mirar una página en blanco cuando empieces a escribir. Entonces vamos a hablar de la estructura de tu historia. Así que siempre sabes lo que debería pasar después en tu guión. Después de que vayas a escribir tu guión, quiero que encuentres un productor que vaya a creer en tu proyecto. Por eso te voy a enseñar a escribir paquete promocional para tu guión. Y por último, te voy a dar algunos consejos y trucos sobre cómo explorar tu escritura de estilo individual y también cómo mantener tu hábito de escribir. Todos estos conceptos se van a explicar prácticamente con ejemplos de las películas que probablemente ya conozcas. Ahora, ten en cuenta que este curso fue hecho para principiantes. Pero también pienso que los escritores que escribieron ahí para guiones, encontraremos valor en sistematizar sus conocimientos. O aquellos de ustedes que ya están escribiendo, pero sus guiones no han sido producidos, se beneficiarán de la parte en la que estoy enseñando sobre empaquetar su guión. Sí, así que sí, básicamente condensé todo lo que es útil y absolutamente crucial para comenzar a escribir en este video curso fácil de seguir. Mi objetivo aquí es prepararte para el éxito en el menor tiempo posible. Entonces ojalá, nos vemos en una clase. 2. Trabajar con tus ideas: 5 pilares de cada historia.: Gracias por tomar mi clase. Antes de comenzar, tenga en cuenta que los subtítulos en inglés son pruebas leídas. Entonces solo recuerda que en cualquier momento, puedes simplemente encenderlos. Otra cosa es que puedes reducir velocidad o acelerar el tempo de la lección si quieres. Adicionalmente, tienes nodos IV capaces de cada lección en un archivo PDF. Es una guía que puedes descargar e imprimir y tener frente a ti mientras estarás viendo mi curso. Ahora, en esta lección, te voy a dar algunos consejos y trucos gestionar el inicio de tu proceso creativo. Entonces la idea es que tus películas vengan en todas las formas y tamaños. A veces comienzas a tener solo una escena en mente. A veces es mucho más abstracto y comenzarás por el significado de tu historia o una idea para un personaje. No importa lo que sea. La chispa que encendió ese fuego creativo. Lo más importante es protegerlo. Porque al principio, realmente no sabes por qué estás tan invertido en esta cosa que tienes en mente sobre la que quieres hacer una película completa. Ahora, el proceso de escritura va a iluminarse para ti. Mientras estarás escribiendo tu guión, vas a descubrir cuál fue la fuerza que te hizo contar esta historia en particular. Ahora, no voy a hablar mucho la fuente de tus ideas porque es muy diferente para cada escritor. Por lo general, son las historias que se adhieren a tu imaginación que permanecen ahí el tiempo suficiente para activarte creativamente. Seguro que conoces este sentimiento cuando te encuentras con una situación que dejará una marca emocional, no importa si es positiva o negativa. Si la situación fue un shock emocional para ti, tu cerebro va a volver a la situación tratando de averiguar la respuesta óptima es porque tu cerebro quiere saber qué hacer si la situación vuelve en el futuro. Ahora bien, si eres un individuo creativo, a veces algo hermoso va a salir de ello. Algunas historias solo exigen ser contadas. En esta conferencia, vamos a hablar de pasar de tener una página en blanco a escribir tu primer borrador. primer borrador es una versión completa de tu guión. Escribir tu guión es básicamente llenar los espacios en blanco en tu idea original. Si has comenzado con un personaje, entonces tendrás que averiguar qué le va a pasar. Si es una escena, entonces tendrás que averiguar o quiénes son los personajes que van a estar involucrados en este curso. Te voy a mostrar específicamente cuáles son los bloques de construcción que tienes que considerar. Entonces solo por mencionarlos brevemente, son cinco componentes. Deberás considerar qué va a pasar con los personajes. Eso es lo que yo llamo una trama. Aquí te voy a presentar herramientas como huevos y secuencias que van a sistematizar tu trabajo. Paso a paso, tendrás que pensar, ¿cuáles son las ambiciones de los personajes? Y este es el número dos, ¿Qué quiere y cuáles son sus obstáculos? Este es el número tres. Y entonces cómo va a cambiar en esta lucha, ¿verdad? Y finalmente, tendrás, cuando tengas todo esto abajo, tendrás que empezar a pensar en el significado subyacente de tu historia. Si todo esto es nuevo para ti ahora, no te preocupes, voy a cubrir todo en este curso. Entonces como dije, cuando empiezas a escribir, básicamente estás llenando los agujeros en tu almacenamiento es absolutamente normal que cuando empieces a escribir, no tengas toda la historia en tu cabeza. No creo que sea posible. Entonces, cuando empieces con, digamos, un final de tu película en mente, tendrás que llegar a todo tipo de circunstancias que llevaron a este ND en particular. Y no va a pasar de la noche a la mañana. Tendrás que averiguar quiénes son los personajes y muchas otras cosas. No importa por dónde empieces, en algún momento, todos tus guiones, los componentes principales necesitan unirse. Y como todos están relacionados entre sí, no se puede trabajar en el personaje sin que surjan ideas de trama. Y no se puede trabajar en ideas de trama sin un poco de conciencia de los personajes y de cómo van a cambiar. Pero como dije antes, en el proceso de redacción, vas a resolver estos problemas uno por uno. Entonces mi primer consejo es apuntar a completar la historia lo más rápido que puedas. La función del primer borrador es darte una visión general de la historia. Cuando escribo mi guión, quiero verlo en su totalidad. Sé que voy a reescribir mucho mi lugar de pantalla. Es por eso que quiero que todo se escriba lo más rápido que pueda, entonces puedo corregir por supuesto durante la reescritura. Y así es más o menos como lo hago. Mi segundo consejo es quizá aún más importante. te preocupes, si tus ideas se sentirán medias durante la redacción de tu primer borrador, tendrás tiempo de sobra y ojalá buenos consejos de tus lectores para solucionar todos los problemas. No todas las ideas iniciales que tengas serán las que tardarán hasta la producción. Así que usa soportes para colocar. No seas perfeccionista y pasa al siguiente problema. Tu primer borrador no es un draft de producción. La tercera cosa es que guardo mis notas mínimas. Una o dos páginas es suficiente. Cuando empecé a escribir hace años, solía hacer notas desordenadas. Yo lo llamaría un periodo de preparación donde escribiría páginas y páginas de notas que muchas veces yo, yo mismo tuve problemas con el cifrado. Fue absolutamente contraproducente. Por eso me puse una regla que cada vez que estoy haciendo una nota que antes de empezar a escribir, tiene que ser comprensible para otras personas que no saben nada del, mi idea para la película. Es una buena práctica mantenerlo limpio, incluso para usted mismo. Sin embargo, si eres guionista que escribió uno o más guiones, puedes escribir un logline, una sinopsis, o un tratamiento, o un esquema antes de escribir tu primer borrador de tu historia. Hay elementos del llamado kit de producción. Estos documentos son resúmenes de su guión. Es algo que le darías a tu productor para que pueda recaudar dinero para tu proyecto. Te voy a enseñar a escribir esos. Pero estas conferencias son más tarde en el curso. Primero te voy a enseñar a escribir tu guión. Me pareció que es extremadamente difícil escribir. El resumen es antes de que entiendas cómo escribir tu historia. Entonces aquellos de ustedes que tengan experiencia pueden seguir adelante y escribir una sinopsis o un tratamiento antes comenzar a escribir el guión real. Pero si eres principiante, aconsejo no molestarte con kit de producción antes de que tengas el guión de que quieres la celda. Y es por eso que encuentras estas lecciones sobre empaquetar tu guión después de las conferencias sobre real. Muy bien. Ahora un consejo final. Cuando estés escribiendo tu primer borrador, no te molestes con la media subyacente, va a ser un foco de tus reescrituras. Por ahora. Todo lo que tienes que concentrarte es en contar la historia desde el principio hasta el final. Y luego, cuando tengas todo el asunto, vas a averiguar cuál es la media subyacente. Entonces, muchas gracias por verte y verte en la próxima conferencia. 3. ¿Qué es la narración moderna todo sobre: En esta conferencia, voy a simplificar masivamente cómo evolucionó la narración en la cultura occidental para darte una idea de lo que se espera de tu protagonista, tu héroe. Entonces me gusta pensar que la primera historia contada fue en la época prehistórica. Probablemente los cazadores regresaron de caza y quisieron impresionar a las mujeres de la tribu. Así que han hecho cosas sobre adversidades que tuvieron que superar para traer a la presa. De esa manera. Se hicieron convertirse en héroes. Entonces miles y miles de años después en Grecia, se les ocurre una tragedia milenaria. Es cuando un personaje se encuentra en una situación en la que haga lo que haga, va a perder. Básicamente, se encuentra en un punto muerto. Este tipo de obras solían terminar con Dios entrando al escenario y resolviendo todos los problemas. Seguro que has escuchado la expresión esos huevos, McKinnon. Entonces descenderían, estos actores que interpretarían dioses en cables. Por eso era una máquina. Por lo que literalmente se refiere a un brazo invisible resolviendo problemas para el protagonista. Y en los guiones modernos, se considera escritura perezosa. Entonces la era shakesperiana vino junto con esta revolución. A partir de ahora, el conflicto estaba en terminal. Hero tiene un problema y simplemente no pudo decidir qué hacer a continuación. De esa manera, la presión desde el exterior no tenía por qué ser tan grande. Y se convirtió en una base de la narración moderna. Y ahí es más o menos donde estamos ahora. Sin embargo, hoy en día observo una nueva tendencia. Ya sabes, quien es un antagonista, ¿verdad? Es un obvio extremo abierto de nuestro personaje. Con películas modernas y serias, puedo ver que el personaje se convirtió en un antagonista de sí mismo. Y anti Q rho se vuelve cada vez más popular. Como guionista, se espera que escribas un personaje con un conflicto interno, pero también le des un defecto que lo convierte en un antagonista parcial. Hay muchos ejemplos de esto en el cine moderno. Personajes como Daniel Plainview de ahí serán sangre o Frank Underwood de House of Cards son ejemplos más obvios, ¿verdad? Yo diría que la ambigüedad moral es la nueva tendencia aquí. Entonces ahora que entiendes el trasfondo histórico de cómo llegó a ser el héroe moderno, podemos empezar a hablar lo que realmente es la narración. Nos vemos en la próxima conferencia. 4. La participación de público es King: La experiencia del público es el rey. Tienes que involucrarlos en tu historia. Ahora, siempre comienzas tu historia donde son completamente neutrales porque no tienen información de lo que está pasando. Al igual que en la vida. Déjenme darles un ejemplo. Imaginemos una situación en la que sucedió algo inesperado. Imagina que caminas a casa en una noche de invierno. Las calles están vacías y repente a la vuelta de la esquina, se ve a un hombre tirado en la acera. Oh, Dios mío. Te dices a ti mismo, caminas hacia el esquema nerviosamente preguntándote, ¿qué le pasó a este hombre? A lo mejor un accidente , a lo mejor fue agredido. Cuando te acercas a él, queda claro que está bien. La acera estaba helada. Simplemente resbaló y cayó. Le ayudas a ponerse de pie y ya está. Dices adiós. Y ambos van por sus propios caminos. Te liberas de la situación y puedes seguir con tu vida. Al día siguiente. Puedes contarle a alguien sobre este evento, pero después de un par de días, dejas de pensarlo por completo. Ahora bien, así funcionan las historias. Pasas de no involucrado, que soy yo caminando por la calle, ocupándome de mis propios asuntos. Entonces vas a involucrarte, oh Dios mío, ¿qué le pasó a este hombre? Entonces descubres que no fue una situación violenta. Y de esta manera te liberan. Ayudas al hombre a ponerse de pie y ahora es el momento de irse a casa. Entonces esta es la estructura de tres actos. En el primer acto, comienzas con tu público sin saber nada. Por lo que es necesario darles suficiente información sobre la situación para que puedan involucrarse emocionalmente. Quieres que piensen que hay una persona de pipa en la acera. ¿Qué haría yo en este tipo de situaciones? Entonces cuando los tienes involucrados así, es momento de empezar a contar la historia real, que en este ejemplo en particular es, este hombre está bien, solo necesita ayuda de pie. Entonces necesitas darle a tu audiencia la sensación de finalización. Hay que hacerles saber que esta historia ha terminado. En mi historia, era el momento de decir adiós y marcharme. Funciona así. En cada escena, tus personajes van a encontrar situaciones. Escribirás escenas sobre esas situaciones. También funciona de la misma manera en escala macro de toda la historia. Lo que significa que vas a comenzar tu historia con el personaje que no nos importa porque no sabemos nada de él. Entonces haremos ruta para él en el segundo acto. Y luego al final, obtendremos el nulo. Si consiguió lo que quería. Puedes usar estas técnicas avanzadas de narración como cambiar el orden cronológico de las escenas. O puedes contar la misma historia desde distintas perspectivas de personajes. Pero siempre debes comenzar dando a tu audiencia información crucial para que se involucre. Entonces hay que contar la historia y luego darles cierre, ¿verdad? Entonces esta es básicamente la, la estructura de tres actos de Aristóteles. Es muy fácil en teoría, pero hay mucho matiz en ello. La parte más difícil es seguir esta regla y ser inventivo. Al mismo tiempo. Necesitas darle a tu audiencia información suficiente para que se involucre, pero quieres sorprenderlos de vez en cuando. Y aquí entra en juego tu creatividad. No hay libros de texto sobre sorprender a tu audiencia. Pero también es importante. Sigue haciendo eso para que se involucren. Estudiar este aspecto. Te animo a que analices tus películas favoritas y descubras qué las hizo especiales para ti. También puedes ver mis cursos sobre películas específicas. Siempre traté de exponer cómo los escritores y directores manejan sus expectativas de audiencia. Muchas gracias por ver esto y nos vemos en la próxima conferencia. 5. Tu personaje no es una persona real: Tu personaje, tu protagonista, o como quieras. La columna no es un ser humano real. Nosotros, como personas tenemos toda esa complejidad. Eso es imposible de capturar en una película. Tenemos todos estos sueños y deseos y todos estos recuerdos. Cuando escribes, tienes que ser brutalmente exigente con tus personajes, características que debes destacar para contar tu historia. Entonces tu personaje es una simplificación. Se llega a elegir solo un deseo suyo o el suyo. Eso es. Tu personaje es literalmente su ambición. No importa lo que sea, pero tiene que quererlo mal. Y tiene que ser inalcanzable para él al principio. De ahí, los obstáculos que tiene que superar. Para darte algunos ejemplos, en Todd Phillips, Joker, Arthur quiere crecer. Es físicamente mayor, pero mentalmente, sigue siendo como un niño pequeño. Es un obstáculo. Es su condición mental. Ama incontrolablemente en situaciones estresantes. Este es el problema interno del personaje, pero también están los problemas externos. circunstancias, por ejemplo vive con su madre enferma y hay una crisis social en la ciudad. Por lo que su ambición más obvia es convertirse en un comediante respetado. Pero es más que eso. Quiere cuidar a su madre, encontrar novia, y así sucesivamente. Al resumir todas sus metas, terminas con él queriendo crecer y tener una vida exitosa. Esta película es un ejemplo de libro de texto de cómo construir un personaje. Si te interesa un análisis en profundidad de Joker, puedes ver mi otro curso sobre cómo escribir películas impulsadas por personajes. Ahora bien, el objetivo de tu personaje no tiene por qué ser tan personal. A lo mejor hay algo que hay que hacer. En la llegada de Danny Villa y Fs, los extraterrestres llegan a la Tierra en enormes barcos y uno para comunicarse, pero nadie parece ser capaz de descifrar su idioma. Nuestro personaje principal es el Dr. Luis Banks, quien es lingüista y toma el trabajo. El obstáculo es la forma en que el lenguaje alienígena es muy difícil de entender. Y que el reloj corre porque el mundo está al borde de una guerra nuclear. Entonces, básicamente, ¿o va a traducir el idioma alienígena o estamos todos muertos en una explosión nuclear? Entonces, si el personaje no tiene que cambiar internamente para resolver el problema, estamos tratando con una película impulsada por la trama. Si quieres ver un análisis completo de una película de flagelo, tengo un curso sobre eso también con por favor no interrumpas viendo este curso para ver los otros. Los cursos que mencioné serían de lo más útiles si los vieras después de ver este curso hasta el final. Esos dos cursos requieren de los conocimientos básicos que te estoy dando aquí. Entonces, para resumir todo eso, la característica más importante de tus personajes es lo que quiere. No tiene que ser positivo. Puede que quiera algo terrible para ayudar a tu audiencia le importa lo mal que lo quiera. Y eso es lo más importante para recordar aquí. Muchas gracias por ver y nos vemos en la próxima conferencia. 6. No hagas mensajes no Spam a tu audiencia: Hasta el momento hemos hablado de crear el personaje. Mencioné que necesitas darle a tu audiencia información sobre el personaje para que se involucren emocionalmente. Quieres que arraiguen por él o contra de él si su plan es vicioso. No importa cuál sea la idea para el personaje, hay que darles solo la información más importante, nada más. No puedes hacer spam a tu audiencia con la información que no forma parte de la historia. Y por eso nunca escribo lo que se llama una historia de fondo del personaje. Para aquellos de ustedes que no lo sepan, este es un ejercicio que pueden practicar antes de comenzar la escritura real. Entonces la idea es flexionar tu imaginación escribiendo una biografía de tu personaje. Entonces básicamente escribes lo que sea que te venga a la mente sobre este personaje. Sucesos de su hijo, recordó sobre su relación con los padres, lo que quieras, y luego terminas no usando la mayor parte de ella. Me pareció una pérdida de tiempo porque mayor parte de esta información no es relevante. La historia. ¿Correcto? Ahora bien, ¿cómo se diferencia lo que es importante o no? Hay dos criterios. El primero es sencillo. Te preguntas, ¿es crucial esta información? Si estás construyendo un personaje como Arthur de Joker, es posible que quieras mostrarlo en una serie de situaciones para describir sus objetivos. Entonces tenemos una idea clara de su búsqueda por crecer, ¿verdad? Necesitas tomarte tiempo para mostrarle en el trabajo, mostrar su relación con la madre. Podemos ver su anhelo de encontrar una figura paterna. Ahora, puedes tener un personaje aún más complicado que este, el que tiene dos fases. Usemos un ejemplo de aceituna Kate Rich de la miniserie de HBO. Por fuera, es una mujer muy fría y desagradable, pero por dentro, tiene un código moral muy estricto y desea lo bueno a otras personas. Entonces, cuando construyes tu personaje, lo que necesitas hacer es mostrar estas características en situaciones específicas. Debes usar la acción para presentar a tu personaje a la audiencia. Puedes complementarlo con el diálogo, pero la esencia de tu introducción debe ser la acción. El segundo criterio de lo que es información crucial para contar la historia es no repetirse. Esto puede parecer básico, pero no lo es. Es un error común que cometen los guionistas. Cuando trabajo con otros escritores como consultora, lo veo mucho. Y siempre les digo que debes identificar las características más importantes de tu personaje y descartar cualquier escena que parezca repetir la misma información. Esto puede ser complicado a veces. Usemos una vez más el ejemplo de Joker. Imagina que al inicio de la película, nuestra gira estaría involucrada en alguna actividad adicional, Nika, un deporte al que iría a jugar basquetbol en su barrio. Imaginemos una escena en la que se acercaría a chicos jugando en la cancha y preguntarles si puede unirse. Entonces mientras jugaba, él se reía incontrolablemente cuando ella conseguía la pelota. Digamos que otros jugadores con Dile que se vaya, aunque les dijera sobre su condición, aún así lo rechazarían. Ahora, puedo imaginar una escena así en este relleno, no hay problema. Esta escena sería sobre él no encajando en la sociedad. Podría ser una gran escena, pero ya tenemos una escena que tiene la misma función. No sé si recuerdas al principio hay una escena en la que hace reír a un niño en el autobús. Y entonces la madre le dice que retroceda. Comienza a reír incontrolablemente, y todos en el autobús lo odian por ello. Esto ambas escenas parecen diferentes en la superficie, pero en el fondo, son casi lo mismo. Su incapacidad para integrarse en la sociedad. Cuando tienes dos parece casi lo mismo. El gusano tiene que irse. Me encantaría ver a Joker slam dunk en el bowl, pero entiendo que sería una película completamente diferente. Ahora en Joker y todo, si Keith llega, se llega a conocer mucho sobre la vida personal de los personajes. No tiene que ser así. Si el principal problema de la película es decir, para entender el lenguaje de los extraterrestres, no tienes que darle a tu público mucha información sobre el personaje. A la llegada. El Dr. Lewis Banks es el mejor lingüista de América. Así que no necesitas saber mucho sobre quién es ella para que la historia funcione. Todo lo que necesitas saber al principio es que tiene una vida solitaria y que se embarca en una misión de entender y lenguaje alienígena. Eso es. Entonces, para darte otro ejemplo, hablemos de mi historia de un hombre tirado en la acera que te conté en una de las conferencias anteriores. ¿Te has dado cuenta de que no te dije absolutamente nada sobre a dónde iba o a dónde estoy es porque en esta situación, es irrelevante? Un extraño encontró a otro extraño en una acera. Lo que pasó con los hombres tendidos en la acera es la cuestión. En esta situación, esto es suficiente para poner en marcha la historia. Entonces, para recapitular todo esto, solo la información crucial debería encontrar su camino hacia el guión. Esta fue la conferencia sobre la economía de tu narración. Nos vemos en la siguiente. 7. Las malas cosas van a suceder a tu personaje: Cuando comienza tu historia, tu personaje suele estar en algún tipo de crisis y quiere salir. A lo mejor quiere subir la escalera de la sociedad o resolver un problema que tiene. Entonces justo después de que introduzcas sus circunstancias, hay que introducir eventos que empeorarán su vida de lo que ya es. Estos eventos se denominan puntos de inflexión. A lo mejor perderá la pierna de su trabajo en Joker, lo mejor se entere de que tiene una enfermedad terminal como en Breaking Bad. Se trata de situaciones muy estresantes, pero también puede ser algo menos dramático. Todo depende de la historia particular que estés contando y del género de tu película. En la comedia romántica, por ejemplo , puede ser un momento en el que un chico pierde a la chica que ama. La regla es que los puntos de inflexión tienen que ser problemáticos para nuestro carácter. Si escribes el punto de inflexión donde se resuelven los problemas para él se considera variedad y también se considera vieja escuela. Seguro que recuerdas cuando te hablé de esos Ex Machina, la mano invisible de los dioses, solía ser la tendencia para resolver todos los problemas para el personaje sin su implicación, pero ya no. Recuerda que por alguna razón lo llamamos héroe. Queremos verlo superar los obstáculos y poner orden en el caos de la vida. Ahora, permítanme decirlo de nuevo porque es crucial, los puntos de inflexión están estrechamente asociados con obstáculos. Tu protagonista uno, algo, pero tendrá que luchar por ello. La parte más importante de tu película son las escenas donde tu personaje supera obstáculos. La satisfacción de tu audiencia es verlo luchar por su felicidad. Entonces cuando lo miras así, los puntos de inflexión son los contratiempos que enfrentará para conseguir lo que quiere. Ahora, hay un límite número de puntos de inflexión en cada caparazón. Profundizaremos en esto en una conferencia sobre estructuración con secuencias más adelante en este curso. Gracias. 8. Él va a aprender su lección (o no): Ya establecimos que su protagonista, alguna vez algo y que va a haber obstáculos en su camino. Ahora hablemos del autodescubrimiento de tu personaje. Hay otra capa de narración que hay que tener en cuenta. Imagínese eso en el camino de conseguir lo que quiere. En algún momento, comprenderá que quiere correr tema, que hay algo mucho más importante que su ambición inicial. Y que todo el esfuerzo que se hizo para conseguir lo que quería era de hecho, el proceso de descubrir lo que realmente necesita. Quiero que entiendas que lo que quiere al principio es mucho menos importante para la historia que lo que necesita. Empecemos con el ejemplo más fácil, posible. Comedias románticas, donde un chico se enamora de la chica, eso está muy fuera de su alcance. Ahora, funciona igual para ambos sexos. También puedes tener una chica que alguna vez un chico que es popular. Pero vamos con el ejemplo de un chico normal tratando de atraer a una hembra de alto estatus social. Ahora bien, no tengo un ejemplo específico a mano porque no he estado viendo comedias rom en los últimos años. Pero probablemente hayas visto esas películas donde un chico intenta que la chica animadora se enamore de él mientras ignora a la chica de al lado, sería un gran partido para él. En este tipo de películas. A menudo la chica de al lado ayuda al chico con su empeño romántico como aliado. Suelen enamorarse en el proceso. Entonces en algún momento, chico descubre que ya no le interesa la chica animadora, quiere perseguir la verdadera conexión que tiene con la chica de al lado, ¿verdad? En este sencillo ejemplo, la chica animadora es lo que quiere. A él le gusta porque es guapa y es popular. Y los otros chicos de la escuela uno también. Entonces él la quiere por las razones equivocadas. Nuestro personaje está persiguiendo lo que quiere. Y mientras lo hace, descubre que lo que necesita es la chica de al lado con la que tenga una conexión emocional real. Él es uno es más a nivel de superficie o superficial. Su necesidad está enraizada en su emocionalidad. Entonces este fue un ejemplo teórico de rom com de secundaria. Ahora, consideremos una película más reciente, Joker. Al principio, quiere encajar en la sociedad como payaso. Quiere traer alegría y risas a la gente. Pero durante la historia, resulta que está más inclinado a traer a la gente violencia y destrucción. Resulta que cada vez que ella quiere ser un buen chico, él falla miserablemente. Pero cada vez que comete un delito, gente lo nota como algo positivo. Por lo tanto, Joker descubre que su verdadero destino y el camino a la felicidad es D violencia, ¿verdad? De ninguna manera, no es un mensaje positivo para el público, pero es lo que es. El resumen de TI. La ambición de dominio de tu personaje pasará de lo que quiere a lo que necesita. Lo que necesita es mucho más importante que lo que quiere. Incluso iría tan lejos como para decir que conseguir lo que quiere no tiene impacto en la forma en que termina la historia. Pero vamos a hablar de ello más profundo en la próxima conferencia. 9. A la audiencia no le importa si obtiene lo que quiere: tu público no le importa si tu héroe consigue lo que quiere, solo le importa si consigue lo que necesita. Esta decisión por sí sola impactará en el final de tu película. Si consigue lo que necesita, tu película va a tener un final feliz. Si no lo hace, va a ser una tragedia. Por ejemplo, hablemos de nuestra hipotética comedia romántica sobre un chico y una chica de al lado. Si al final de esta película, ambos se enamoran el uno del otro, va a ser un API ND puro. Al principio no consiguió lo que quería, que en este caso es una novia porrista. Pero ganó algo mucho más valioso. Se enamoró de la chica con la que tiene una verdadera conexión. Este fue el ejemplo más obvio de un final feliz. Ahora, echemos un vistazo al ejemplo opuesto. Personaje que consiguió lo que quería pero no consiguió lo que necesitaba ahí será sangre por PT Anderson. El personaje principal es Daniel Plainview, quien es un hombre petrolero. Quiere ser un tipo rico. Lo que necesita es ser un hombre de familia, un padre para su hijo. Al final, consigue lo que quiere. Se vuelve muy rico, pero también se convierte en un hombre quebrantado. Aliena a su hijo por abrir su propia compañía, convirtiéndose en su competidor. Se vuelve un borracho solitario mientras duerme sobre un montón de dinero. Esa es una tragedia clásica. Se dio cuenta de su necesidad, pero realmente no pudo transformarse para obtener lo que necesita. Ahora bien, estas dos historias son muy ejemplos de libros de texto. Para mí. El momento más extraordinario mi viaje de guionista fue cuando me di cuenta de lo poco importante que es una locura la porque cuando descubres la necesidad del protagonista, su ambición primaria parece completamente insignificantes. Ahora, hay muchos nuevos en esto. Tu final no tiene por qué ser 100% feliz. Cualquier ambigüedad es buena. Si, si quiero ser honesto, todo depende del género de su escritura. En las comedias románticas, los finales son 100% felices. En el cine house art, aunque termine bien, va a haber algún tipo de carga que va a quedarse con los personajes para siempre. Lo más importante es no confundir a tu audiencia cuando llega el momento de liberarlos de tu historia. Si recuerdas cuando te dije que tu trabajo es darles cierre, ¿verdad? El final tiene que ser claro en si tu personaje consiguió lo que quería o necesitaba. Pero lo que todo significa puede ser ambivalente. Por ejemplo, yo diría que en Joker, el final feliz es amargo y mutualista. Entonces echemos un vistazo de cerca al final. Arthur no consiguió lo que quería. No fue capaz de encajar en la sociedad. No obstante, descubrió que su verdadera vocación es la violencia y se transformó en este villano. Por eso al final, cuando está encerrado su felizmente caminando hacia el atardecer mientras Frank Sinatra canta alegre canción. Obtuvo lo que necesitaba. Entonces es un final feliz. No obstante, la ambigüedad viene con el NIC, mensaje realista de la película. Estoy seguro de que usted, como miembro de la audiencia, no ve la violencia como una buena forma de resolver problemas. Por lo que existe una discrepancia entre tu experiencia humana de vivir en la sociedad y lo que te fue mostrado en esta película. El final es ambiguo de una manera que te haga pensar que el mensaje de la película es bueno cuando sucede. Ahora, Joker es una película taquillera sobre un personaje cómico. Y estoy seguro de que la mayoría de los miembros del público nunca pensaron en ello, es decir, en serio. En las películas de gran éxito, es normal que la mayoría de la audiencia sea miembro de tres, esas películas como entretenimiento y descarten el significado rondan. No obstante, cuando estás haciendo una película de arte house y planeas mostrarla en festivales, hay que pensar la ambigüedad del final que se espera. Gracias por ver. Nos vemos en la próxima conferencia. 10. Mejor (y libre): En este punto, ya sabes, ¿cuáles son los elementos más importantes de la historia? Hay cinco de ellos. Y ya he hablado del centro comercial. Primero está la trama y todas estas cosas van a pasar a tu personaje. Comienza con sus circunstancias. Cuando empiezas a contar tu historia. Entonces tienes la ambición de tus personajes, que es lo que quiere. Otro elemento son los obstáculos que tiene que luchar para lograr lo que quiere. Y entonces muy importante es su transformación, su descubrimiento de lo que realmente necesita. Y entonces el quinto elemento es el significado subyacente de la historia. Entonces, cuando sabes todo eso, este es un buen momento para familiarizarte con las herramientas para escribir tu relleno. Hay programas que están diseñados específicamente para que sea más fácil para ti. Mi consejo es nunca usar Microsoft Word ni ningún otro editor de texto. Eso es de propósito general para poder escribir tu guión. guiones tienen un formato específico. Y si usas un editor de texto de propósito general, vas a dedicar mucho tiempo a formatear en lugar de escribir. Ahora en este curso, estoy compartiendo con ustedes el programa que utilicé durante mis primeros diez años de escritura. Es una versión gratuita de Celtx. Se trata de un programa independiente que puedes descargar de Internet e instalar en tu computadora. Utilizarás una versión heredada de Celtx. La última versión que puedes encontrar es Celtx a 97. También hay una versión para computadoras Apple. Si tienes una Mac, solo buscarla en Google y estoy seguro que la encontrarás en algún lugar de Internet. Si quieres. Más instrucciones sobre cómo configurar tu proyecto y otros consejos y trucos provenientes del uso del programa por más de diez años. Por favor, echa un vistazo a mi curso sobre Celtx. Tiene una duración aproximada de 1 h y explica cómo usar el programa en detalle. 11. ¿Cuántos puntos de giro? Estructuración con secuencias: Bien, ya conoces la intención y los obstáculos de tu protagonista. También sabes que lo que quiere va a cambiar a lo que necesita. Entonces básicamente, sabes que desde el principio hasta el final habrá cambios en la historia llamados puntos de inflexión. Con probablemente te preguntes cuántos de ellos necesitas y con qué frecuencia la historia debería cambiar de dirección. Bueno, esta conferencia se trata de estructurar tu guión con secuencias para darte algunos antecedentes sobre esta teoría de secuencias. Hace algunas décadas, alguien muy, muy inteligente, nota que la experiencia cinematográfica más óptima es aproximadamente 2 h ahora y tiene puntos de inflexión cada 15 min. Esto nos da ocho secuencias en una película de 2 h de duración. Ahora bien, esta es una línea de tiempo de una película típica. Estas marcas aquí son los puntos de inflexión. Realmente es una adición a la estructura de tres actos de la que hemos hablado en conferencias anteriores. El primer acto es a primeras secuencias, nos encontramos con nuestro personaje en crisis. Reconoce que le falta algo en su vida y quiere algo. Como te dije antes, esta situación es muy mala. El primer punto de inflexión es cuando llega el heraldo del cambio y dice: Oye, cambiemos tu vida. Vamos a emprender el viaje para conseguir lo que normalmente quieres entonces, nuestro personaje le dice al Herold que no está listo. ¿Verdad? Entonces en el segundo acto, las cosas se ponen mucho peores que eso. La situación se vuelve insoportable y no tiene otra opción que embarcarse en un viaje. Hablamos del viaje de una manera muy simbólica. No tiene que ir literalmente a ningún lado. Lo importante es que trata de resolver su problema activamente. La decisión de hacer algo con respecto a su situación es el inicio del segundo acto que dura cuatro secuencias. En esta parte de la película, la tensión va en aumento y el personaje intenta diferentes enfoques para conseguir lo que quiere. Ahora, vamos a hablar del cambio de lo que quiere a lo que necesita. Mientras está luchando, se hace cada vez más evidente para él que hay algo mucho más importante que debería estar persiguiendo. Los que tenía antes se convierten en una representación superficial de lo que realmente necesita. Y en el momento en que la historia trata más de lo que necesita que de lo que quiere. Se llama punto medio, el medio exacto de la película. lo general, es el momento de la película donde nuestro héroe se enfrenta a los hombres de la derecha de su enemigo. Por lo general en este enfrentamiento, pierde miserablemente. Y esto fue dual le hará repensar su estrategia. De todas formas, desde el punto medio, su necesidad se hará más evidente y conducirá la historia hasta la segunda culminación que termina todo el segundo acto. Este es el momento en el que nuestro héroe pelea con su antagonista. Este es el final de la sexta secuencia. En este momento, nuestro héroe ha cambiado y ahora regresa de su metafórico viaje. El tercer acto contiene las dos últimas secuencias donde nosotros, el público , conocemos si es una tragedia o un final feliz. Depende únicamente de si consiguió lo que necesitaba. Entonces este fue el enfoque de secuencia. En pocas palabras, de nuevo, hay mucho matiz en esto. Tengo un curso donde voy muy a fondo en función de cada secuencia. Sobre el ejemplo de la película Joker. Me parece que esta película es un gran ejemplo de libro de texto de aproximación secuencial. Ahora bien, se puede pensar que este enfoque estructural puede sentirse un poco bloqueante. Es porque no has empezado a escribir y se supone que tienes que planificar con anticipación. Puede sentir que le quita la diversión de la creatividad. Bueno, mi consejo es que escribas tu guión de manera intuitiva. Así lo hago cuando empiezo una nueva película, más importante es divertirme mientras escribo. Por eso no recomiendo pensar demasiado en la estructura de tu historia antes de empezar a escribir. Sin embargo, el enfoque de secuencia es genial cuando te encuentras con problemas. Es una gran herramienta para dar un paso atrás y echar un vistazo a la historia desde la perspectiva. El enfoque de secuencia puede darte una pista de lo que debería suceder a continuación. Ahora bien, el enfoque secuencial puede parecer complicado al principio, pero después de un tiempo de usarlo, se convierte en una segunda naturaleza. Desarrollarás una intuición. Y en algún momento no tendrás que usar diagramas o tablas para usar este método. Lo recomiendo mucho, sobre todo si quieres escribir películas para audiencias más grandes. Gracias por mirar. 12. Dos fuerzas que impulsan la acción: En una conferencia anterior, te conté cómo cambian los personajes está impulsando la película hacia adelante. La idea es que en la mayoría de las películas, necesitamos seguir al personaje principal. Él o ella es la prisión en la que vemos la historia y valoramos las escenas. Si nuestro carácter está sufriendo, los vemos como negativos. Si está contento, lo vemos como una victoria. Como escritor, también hay que definir lo que quiere. Observe que estas características son todas muy personales para nuestro personaje, es porque necesitas mostrar al personaje de una manera que haga de tu audiencia la ruta para él. Lo más importante es que se involucren emoción. Entonces esta es la primera fuerza que está impulsando tu película, la empatía que tu público tiene con tu personaje principal. Ahora, hay una opción más. La acción en sí puede estar impulsando la película. En esta situación, no es necesario construir personajes detallados. Todo lo que tienes que hacer es definir que las apuestas son muy altas. Si estás escribiendo una película de acción, no necesitas tener un personaje con Strong want and meet. En películas como el acérrimo, los terroristas están atacando la ciudad y la única persona que puede detenerlos es un breve policía que es interpretado por Bruce Willis. Ahora bien, sus deseos y necesidades son más o menos obvios. Y no tiene que cambiar también, porque su objetivo es salvar la ciudad y capturar a los terroristas. Otro buen ejemplo es la película que ya mencioné en este curso. En la llegada, no es muy importante quién es el Dr. Lewis Banks. Su misión es encontrar la manera de platicar con extraterrestres. Y eso es lo que está impulsando la película hacia adelante. Lo llamamos películas impulsadas por la trama, a diferencia de las películas impulsadas por personajes. Así que en cualquier momento donde tengas algún tipo de evento o un problema que no sea muy personal para el personaje. Probablemente estés viendo. Cayó una parcela impulsada. Básicamente, siempre depende del género de la película que estés haciendo. Las películas de acción u horrores suelen estar bien impulsadas. La característica clave aquí son las apuestas muy altas. Eso también es muy universal. Si es un horror, cuando un grupo de niños está huyendo de un asesino en serie, no necesitamos saber quiénes son. Sólo quieren salvarles la vida. Eso es suficiente. Si quieres aprender a escribir películas extraídas de sangre, puedes ver mi análisis de llegada, donde desgloso toda la película en secuencias y te muestro cómo guionista y director logró contar la historia. Nos vemos en la próxima conferencia. 13. Descubrimiento del significado de tu historia: Hemos discutido cómo cambia el personaje durante la película, cómo reconoce la importancia de su necesidad oculta. Al principio, desconoce su encuentro oculto. Tu esencia cinematográfica es el proceso de descubrimiento de la necesidad de tus personajes. Ahora, la necesidad oculta de tu personaje está muy estrechamente asociada con el significado oculto de tu relleno. Este es el último y el elemento más importante de tu historia. Primero, hablemos de cuál es el significado de tu película. Seguro que recuerdas cuentos infantiles que se cuentan cuando eras muy pequeño. Siempre hubo una moral de la cola. Al igual que, no confíes en extraños ni sigas tu intuición, o no juzgues, la de alguien únicamente por su apariencia física. Entonces como siempre, te voy a dar un ejemplo. Hay una historia sobre un conejo y la tortuga habiendo borrado. El conejo pierde porque tiene tanta confianza en su victoria que toma una siesta antes de la línea de meta. Yo diría que esta historia nos dice no subestimar a nuestros oponentes. Ahora bien, el significado tiene que estar oculto. La forma en que funciona nuestra psicología humana es que el mensaje impacta tanto más si se cuenta en forma de historia sobre el personaje que estamos enraizando, no como una oración lógica y abstracta. En la mayoría de las películas, el significado está oculto y abierto a la interpretación en el sentido de que no debes poner las palabras de tu significado en el diálogo desde la perspectiva del público. Debe ser y verbalizar el significado de tu historia. La mejor manera de expresar el significado de tu historia es presentarla ya que es una respuesta del mundo a las acciones de tu protagonista. No obstante, cuando estés escribiendo tu guión, deberías poder verbalizar tú mismo el significado oculto. El significado debe ocultarse solo a tu audiencia. Cuando estás trabajando. Deberías saber exactamente de qué se trata. También deberías poder reducir el significado de tu historia a una sola oración. Ahora, sé que tu película trata sobre tantas cosas. Lo sé. No estoy diciendo que no lo sea. Lo que te estoy diciendo es que escojas una. Y lo más importante para ti y trata de exprimirlo en una frase. Deja que esta frase te guíe en tu trabajo. Te voy a dar algunos ejemplos de este tipo de oraciones. Empecemos con la llegada. Vale la pena vivir la vida aunque a veces vaya a doler. Ahora, recuerdas que al llegar, comenzamos con el personaje de la doctora Lewis Banks que está viviendo su vida lejos de la gente. Ella es buena en lo que hace. Pero desde el inicio de la película, sientes que ella no está involucrada en la vida y bastante sola. Y al final la ves abrazar la vida. Otro ejemplo es el comodín. Esta vez, comenzaré a discutirlo desde la perspectiva del personaje. Al principio, Arthur está tratando de encajar en la sociedad. Intenta hacer cosas buenas. Cuida a su madre, sus payasadas en los hospitales, y sus esfuerzos no son apreciados. Está atrapado en esta sociedad poco grácil. Sólo cuando comete delitos, descubre que la gente parece saber esto. Déjenme decirlo otra vez. Se le aprecia sólo por sus crímenes. Entonces el significado de Joker, creo, es que los declarantes te libera. El personaje quiere ser humanista, pero falla. Entonces descubre que en su corazón es mutualista y psicopático. Entonces Arthur es recompensado por ello por la sociedad. Entonces su necesidad es ser violento. Desde que Arthur logró darse cuenta su carne en los actos de violencia, la película termina con un final feliz. Joker es un buen ejemplo para mostrarte cómo nuestras herramientas alguna vez cambian a sus necesidades. Entonces, básicamente, su humanismo fue reemplazado por el neorrealismo. Y la historia terminó con un final feliz. Porque el guionista quiso resaltar el significado mecanicista que. La violencia como libre. Entonces ahí tienes. Ese era el significado de la violencia Joker como libre. De todas formas. Esos dos ejemplos de Joker y llegada tenían unos pensamientos bastante simples como estados de ánimo ocultos. Se puede ir mucho más complejo. La obra maestra del PT entiende el título. Habrá sangre, tiene un pensamiento mucho más complejo detrás de ella. Creo que el significado de que habrá sangre es dinero y la religión ambos están perdiendo juegos si estás en ello por el poder. Ahora bien, fíjate que todavía pude simplificarlo a una sola frase. Pero el pensamiento detrás de esto es mucho más complejo. El filme es una comparación del imperio petrolero de Daniel Plainview con el imperio religioso de su enemigo Eli. Esto tanto el señor consiguió lo que querían pero terminaron muy mal. Ambos se logran dinero y poder y fracasaron en lo que lo necesitan, que es el apoyo emocional de sus familias. El filme nos muestra que ser determinado y psicopático puede darte poder y dinero, pero no te va a dar una vida feliz. A lo mejor podamos simplificar aún más esta frase. ¿Qué tal el dinero y el poder? ¿Ambos perdiendo ganancias que los sonidos son aún más simples? ¿Bien? Entonces ya sabes cuál es el significado. Ahora hablemos del proceso de descubrir el significado de tu historia durante tu escritura. A veces tienes tu significado oculto desde el inicio de tu escritura. Pero en la mayoría de los guiones, te llegará más tarde. Tendrás que descubrirlo. Entonces, ¿cuándo es el mejor momento para descubrir el significado de tu historia? Yo diría que después de escribir su primer borrador, tiene su historia mecanografiada en su totalidad. Es un buen momento para decidir qué espejado es lo más importante para ti. En ese punto, tu historia puede significar varias cosas. Recuerdas la historia, La fábula que te conté sobre la carrera entre un conejo y la tortuga, ¿verdad? Te dije que para mí se trataba no subestimar a tu oponente. Pero también puede significar que la consistencia gana con talento natural. ¿Por qué no? Como saben, la tortuga no se rindió ni siquiera cuando perdió al conejo de su costado. Entonces tal vez esta historia se trata de siempre esperar ganar, aunque todos duden de ti, ¿verdad? Entonces, como pueden ver, una historia muy sencilla. Y así, tenemos esas tres opciones. En tu guión. Probablemente habrá más opciones que tres. Entonces en el punto en que tienes escrito todo el primer borrador, tienes que leerlo y elegir uno, es decir, eso es lo más importante para ti. Puedes darte algo de tiempo para ello porque es una decisión muy importante. A lo mejor guarda tu guión por un tiempo y vuelve a leerlo. No sé, después de una semana, Depende totalmente de ti. Es tu decisión. Ahora bien, cuando decides qué significado es más importante para ti, todo el proceso de reescritura debe estar centrado en él. Ahora que ya sabes, dónde lo estás sacando, tienes que inspeccionar los cinco pilares de tu historia. Desde el momento en que hayas decidido cuál va a ser tu significado, tu siguiente paso es inspeccionar los elementos anteriores de la historia, ya sea que trabajen para la Marina o en contra de ella, es absolutamente normal que tengas que cambiar la estructura de tu historia o deseo protagonista o cualquier otra cosa que esté en camino de expresar tu significado oculto. Esta es la obra que se supone que va a hacer la historia más honesta y poderosa. Es una fase muy importante de tu trabajo. Puede que te lleve algunos borradores llegar a donde quieres estar. Para mí personalmente, esta es la cara más satisfactoria. Siento que cuando tengo toda la historia escrita desde el principio hasta el final, ya estoy trabajando en algo que está completo. Y todo lo que tengo que hacer es mejorarlo. Es muy, muy gratificante porque sé exactamente a dónde voy con mis textos. Conozco el significado oculto, y puedo centrar toda mi atención en las escenas particulares. 14. Atraer a un productor con tu logline, sinopsis y tratamiento (proyecto de clase): En esta conferencia, vamos a hablar de materiales promocionales. Como saben, un guión de un largometraje tiene aproximadamente 90 páginas de largo. Escribir tu guión es un esfuerzo enorme, pero leer 90 páginas también requiere tiempo y energía. Convencer a un productor para que lea tu obra es una forma de arte en sí misma. Para ello, necesitarás una presentación más corta de tu película. En esta conferencia, vamos a hablar una sinopsis logline y un tratamiento. D, la versión más corta de tu script es un logline. Idealmente, debería ser una oración. Se supone que esta frase contiene tres elementos. El personaje, lo que quiere, y un obstáculo. Observe que son tres de nuestros cinco pilares de cada historia. Ahora, e.g. Te voy a dar un logline a Padrino. Listo, el patriarca envejecido de una dinastía del crimen organizado transfiere el control a su imperio clandestino, a su hijo renuente. Por lo que sé, es un logline real de esa película, pero no estoy 100% seguro de que lo sea. Decidí usarlo en este curso porque es un gran ejemplo. Entonces echemos un vistazo más de cerca. El personaje es, por supuesto, el patriarca envejecido. Él es uno, es transferir el poder de la dinastía. Y el obstáculo es obviamente la renuencia de Su Hijo. Entonces, como puedes ver, una frase puede resumir tu película. No se supone que sea bonita o poética. Recuerda que esta frase se supone que le da a alguien una imagen de tu idea. Es más un material de trabajo. Entonces tu logline es como un pie en la puerta y una excelente manera de llamar la atención de un productor. Si estás en una situación social, pueden preguntarte, bien, ¿en qué estás trabajando ahora? Ahora, esto puede abrir al productor para una mayor conversación sobre su guión. A lo mejor están buscando un proyecto igual que el tuyo. En una situación ideal, te pedirá más detalles sobre tu proyecto. Puedes lanzarlo personalmente o enviarlo. En definitiva, es el siguiente paso. En la industria cinematográfica. Un resumen de una página de su proyecto se llama sinopsis. En este documento que no debe exceder una página, se debe incluir un breve resumen de la historia. Es muy importante incluir al ND, quien esté interesado en tu proyecto tiene que saber cómo termina la historia. Así que no trates de ser misterioso. Ahora bien, estos textos, vamos a tener cerca de 500 palabras o más. Esta vez debes incluir la información básica sobre transformación de tu personaje, sobre cómo toma conciencia de su necesidad. Y al final de tu sinopsis, puedes exponer brevemente de qué se trata la historia para ti. Por supuesto, si al momento de escribir tu sinopsis, has elegido lo que es. Una buena sinopsis contiene los cinco pilares de tu historia. Entonces, el objetivo de presentar tu sinopsis de logline a un productor es convencerlo de que tu guión es interesante. A veces, después de reunirse, estás escuchando tu logline, ya están interesados. La mayoría de las veces querrán echar un vistazo a la sinopsis antes de comprometerse a leer nuestro borrador. La conclusión es que no necesitas pasar por todas las etapas para conseguir que alguien lea tus cosas. Puedes saltarte la sinopsis si sientes que logline fue suficiente para despertar los intereses de alguien. Ahora, hay una etapa adicional más a considerar. Un tratamiento, que es una novela que está describiendo la acción en tu película. Este documento está escrito de forma descriptiva sin diálogo. Entonces, en lugar de escribir diálogos, vas a usar la oración. Dice como por ejemplo Joanna pregunta, marca, ¿qué hace aquí? Intenta explicarse, pero no tiene ningún sentido. Ella decide terminar su relación entonces y allá, fin de cita. Entonces como puedes ver, es una simplificación del diálogo que dedicarías mucho más tiempo a escribir en tu borrador. Por lo general, el tratamiento es de 17 sobre 20 páginas de largo para un largometraje. Algunos productores prefieren leer el tratamiento antes del draft, pero es raro. Mi experiencia es que si el productor piensa que su sinopsis fue interesante, estará listo para tomarse el tiempo y leer su borrador. Además, escribir tratamientos es bastante aburrido para ti como escritor, generalmente me salto esa parte a menos que el procedimiento de financiamiento lo requiera. En Europa, cuando solicites un programa de desarrollo, puedes elegir si quieres postularte con un borrador o un tratamiento. Recomiendo postularse con borrador. No obstante, se puede escribir un tratamiento más rápido que un borrador decente. Y en algunas situaciones cuando se tiene un plazo, el tratamiento es mejor. Ahora, hablemos de la función de este tipo de materiales. Siento que escribir logline, sinopsis y tratamiento mata la diversión de crear. Cuando estés escribiendo tu primer guión, primero debes comenzar a escribir borrador. Puede ser tentador comenzar por escribir algo más corto como sinopsis logline, Pero mi experiencia me dice que en realidad es más sofocante porque al escribir esta sinopsis logline, estás comprometiéndose con un personaje a su necesidad y deseo. Y estas cosas deberían estar sujetas a cambios durante el proceso de redacción de tu primer borrador. Ahora, cuando quieres escribir tu historia, suele haber una escena con la que quieres comenzar o un personaje. Comienza con lo que ya tienes en cabeza y agrega todas las demás cosas que siguen, especialmente al inicio del viaje de la escritura de guiones. Por eso, en mi opinión, cuando estés escribiendo tu primer guión, primero debes escribir un borrador y luego todas las cosas promocionales cuando ya sepas lo que has escrito. Y ahora por fin llegamos a tu proyecto de clase, película más grande que te gusta y tratamos de escribir un logline y una sinopsis de esta película. No tienes que escribir todo el tratamiento, sino tratar de escribir un tratamiento para las tres primeras escenas de la película. Lo que esencialmente quiero que hagas es que ingenies hacia atrás estos materiales partir de la película que ya se hizo. Ahora, haciendo, haciendo esto, estás practicando en la película que se completa que te gusta. Al hacer eso, tú también, también estás aprendiendo de alguien a quien valoras como cineasta. Ahora bien, si quieres practicar escribiendo estos materiales para tu idea cinematográfica, puedes hacerlo, pero yo te desanimaría de hacerlo, especialmente si eres un principiante que está escribiendo su primer guión, no quiero que te sientas obligado a tomar todas las decisiones antes de empezar a escribir las escenas. Cuando empieces, debes enfocarte en encontrar el placer de escribir escenas y diálogos. Al obligarte a tomar cada decisión respecto a cada pilar de tu historia, puedes terminar perdiendo fuerza y no escribiendo nada. Ahora, escribir tu primer borrador debe ser divertido e intuitivo, y luego reescribir tu guión debe tener un propósito. Intenta no olvidarte de eso. Gracias. 15. Tu hábito de escritura: El ritual que construyes alrededor tu escritura es más importante de lo que puedas pensar. Se puede comparar escribir un guión con correr un maratón. Y el borrador de la página 19 no es algo que puedas escribir una sola sesión o incluso en una semana si quieres que sea bueno. Si usas toda la energía al principio, no vas a llegar a la línea final. Por eso decidí incluir algunos consejos y trucos que harán que sea más fácil seguir adelante. Recuerda que estás en él a largo plazo. Entonces comencemos con la mentalidad. Cuando escribes, debes estar orientado a procesos. Significa que no deberías estar haciendo metas como hoy. Voy a escribir esta secuencia o hoy voy a escribir tantas páginas. Es solo que no funciona, sobre todo al principio. Lo que debes hacer en cambio es planificar una serie de sesiones de escritura en tu calendario para la semana y apegarte a él. Cuanta más consistencia puedas construir en tu práctica de escritura, mejor. Hay algunas cosas a considerar aquí cuando estarás configurando tu rutina de escritura. Lo primero en lo que quieres pensar es en la hora del día. A algunos escritores les gusta tocar palabras. primera hora de la mañana. Otros pueden dedicarse algo de tiempo para escribir durante su pausa para el almuerzo o después de la cena, mientras que a otros les encanta escribir de noche, Depende totalmente de ti y de tu estilo de vida y compromisos. Considera tu propio horario, tu energía creativa en mente. No tiene sentido escribir cuando estás cansado y quieres ir a la cama, lo mejor es hacer un hábito de escribir a la hora determinada del día. Ahora bien, no sobreestimes cuánto trabajo puedes hacer de una sola vez, trabajo enfocado quema mucha energía. Como pocas horas de escritura te pueden agotar. A veces puedo escribir durante 3 h. La mayoría de los días es menos. Stephen King en su autobiografía escribió que escribe durante 4 h diarias. Quiero decir, es mucho. Tómate tu tiempo y encuentra tu saldo, lo contrario, te vas a quemar. Lo segundo a considerar es tu espacio de trabajo, tu oficina. Muchos escritores completaron su mejor trabajo en un escenario específico. Puedes hacer el tuyo mientras estás sentado en la mesa de la cocina, o una cafetería, o una biblioteca o en el parque, tal vez en tu oficina en casa como esta. A pesar de que tengo esta habitación que considero mi estudio, la mayor parte de mi escritura lo estoy haciendo ahora en mi cama, no sé por qué. Lo más importante es que no estés distraído. Ahora. Puedes distraerte con cosas negativas como el ruido. Y puedes distraerte con cosas hermosas como el paisaje fuera de tu ventana. En la cultura pop, existe esta imagen de un jinete sentado en algún lugar frente a la pierna durante una puesta de sol. Está enfocado en crear su obra maestra. Ya sabes, los pájaros están cantando, anunciando la creación de esta magnífica obra de arte. No, no, no, no, no, no. Simplemente no es práctico. Siempre que estoy escribiendo y levanto los ojos de la pantalla de mi laptop, quiero ver nada, nada que me llame la atención. Y eso es exactamente lo que veo en mi dormitorio. Es una pared vacía. Y cada vez que estoy escribiendo aquí también hay pared vacía como la que está detrás de mí. Así que puedes tomar mi palabra por ello. ¿Bien? Además, cuando piensas en tu espacio de trabajo, también necesitas pensar en el ambiente. Es como una extensión de su espacio de trabajo. ¿Al igual que hay luces encendidas o tal vez están descargadas? ¿El sol brilla a través de la ventana? ¿Está sonando la música? ¿Prefieres el silencio o el ruido blanco? Es opcional. De nuevo, soy fanático de la privación sensorial y el enfoque. Yo uso música minimalista cada vez hay un ruido de afuera que quiero ahogar. Ahora, espero que veas que estoy tratando de darte una receta para un ritual. Si quieres ponerte bueno, tendrás que dedicar tiempo a escribir. Necesitas que te lo pongas fácil. Y asociado a unas actividades placenteras, es mucho más fácil comenzar sesiones de trabajo cuando empieza con, no sé, tomando tu café, por ejemplo, ahora por fin, lo tercero es que puedes refuerce su hábito de escribir siguiendo constantemente su progreso. Algunos escritores se responsabilizan su práctica haciendo sus calendarios cada día que escriben. Otros, mantienen una cadena de correo electrónico regular con su compañero de crítica, comparten su progreso y redes sociales. Cree una hoja de cálculo de seguimiento de hábitos o lleve un diario personal de escritura. Encuentra tu propia forma de rastrear tu progreso. Estoy encontrando que un grupo de pares es lo mejor. En mi opinión. Hay una cosa más que puedes, que te puede ayudar a mantenerte motivado. Hay un libro de Steven Pressfield. El título es La Guerra del Arte. Se trata mucho de tu ética laboral. En este libro, dice que ser profesional es una decisión que tú mismo tomas. Entonces define quién es el profesional. Parece esotérico a veces, el libro, y ciertamente es un libro de autoayuda. Pero lo recomiendo porque me ayudó en mis momentos de dudas. De todos modos, al considerar las formas en que puedes construir consistencia adicional en tu vida de escritura, solo haz lo que puedas. Si puedes concretar una hora del día para escribir. Pero siempre te aseguras de que la escritura suceda. Eso está bien. Si no puedes escribir en el mismo lugar que puedes escribir al mismo tiempo. Simplemente hazlo como un progreso consistente gana con gran técnica cada vez. Gracias por verte y verte en la próxima conferencia. 16. Refinación de tu sabor: Refinando tus gustos. Tema muy importante. Entonces, cuando veas una película que realmente te gusta, no solo la consumas superficialmente. Conoce un más profundo. no busques las críticas. Primero, trata de encontrar tu propio reflejo en esta obra de arte. Intenta encontrar los momentos que realmente te hablen. A lo mejor te ponen triste, a lo mejor son muy alegres. Y con eso en mente, vuelve a ver la película. Entonces traté de analizarlo por ti mismo. Ahora, cuando conozcas cinco pilares de cada historia, trata de averiguarlos. Entonces, cuando creas que has encontrado los cinco pilares de la historia, intenta hojear el relleno y enfocarte únicamente en la construcción. Intenté encontrar los principales puntos de inflexión. Y sólo cuando te encontraste en la película, entonces es un buen momento para llegar a obtener información externa. El tipo de información que pone a esta película en un contexto. Puedes leer sobre el director, escuchar la música original, enterarte de cómo se crearon los trajes y decorados. Se puede ver un making off, que es un corto documental del set de la película. Por lo general, se agrega al lanzamiento del DVD como disco extra. También puedes leer críticas críticas. Pero todo esto debería ser secundario. Lo más importante eres tú y lo que te gustó del Relleno. Ahora bien, no tienes que salir nerd como lo hice con la llegada y Joker en mis cursos donde deshago esas películas y las examino. solo hecho de volver a ver las películas solas y mantenerlas cerca marcará la diferencia. Si vas a comprar un DVD y ponerlo en la estantería, te hará inclinarte a volver a esta película en el futuro. Y eso es exactamente lo que hago cuando estoy escribiendo un guión que tiene elementos similares a la película del pasado que me gustaron. Para que veas cómo es práctico mantener una colección así alrededor esta colección de películas te dará alguna indicación sobre lo que te gusta en el cine. Puede ser sorprendente. Quizás descubras que eres fanático de un género que pensabas que no te gustaba y preguntarte, Oh Dios mío, ¿por qué hay tantas comedias románticas y horrores aquí dentro? O a la inversa, ¿por qué sigo viendo esta casa de arte paquistaní películas que ni siquiera entiendo culturalmente? Es un proceso de autodescubrimiento que quiero que abordes con el corazón abierto, con una colección como esta. Y es absolutamente que vale la pena. Así que muchas gracias por verte y verte en la siguiente y última conferencia. 17. ¡Buena suerte!: Bien, muchas gracias por tomar mi clase. También espero que haya sido inspirador. Entonces en el curso que es tan corto, es imposible contar todo lo que hay que saber sobre la escritura de guiones. Dicho esto, espero que también les gusten mis otros cursos en este punto, estoy haciendo dos tipos de cursos. Ahora. Jumpstart to guión son cursos hechos pensando en los principiantes, al igual que el curso que he hecho un programa Celtx masivo. Y los cursos, el título comienza con la escritura de guiones. Al igual que los cursos donde analizo Joker y llegada son para escritores que tienen sus conocimientos básicos abajo. Lo que significa que tú, ya que acabas de completar las partituras sobre los conceptos básicos de la escritura de guiones. Ahora, la mejor manera de rastrear lo que publico es mi página web cine explicado. Pon la dirección en algún lugar de aquí. Mantengo este sitio web actualizado. Te animo a que lo revises ya que uso diferentes plataformas. Ahí, tendrás toda la información sobre videos educativos en mi canal de YouTube, todos mis otros cursos también. También en cine explicado, puedes solicitar una guía gratuita que he escrito sobre cómo analizar películas por tu cuenta. En esta guía, estoy compartiendo mi forma personal de analizar el cine. Es un diagrama de flujo de cinco pasos. Puedes usar este método para entender esta profundidad simbólica de cualquier campo. Ahora bien, si te has beneficiado de esta clase, por favor considera dejar una reseña. Espero verte pronto. Adiós.