Transcripciones
1. Digital Illustration Intro: Entonces en este tutorial, les
voy a enseñar a
ustedes cómo crear
una pintura digital. Por supuesto, hay mucho más en
la pintura digital que solo las cosas que
muestro aquí en este
curso o en esta clase. Es un recorrido básico. Voy a tratar de ser breve
sobre todas estas partes. Definitivamente, cosas
como iluminación, coloración o diseño de vestuario,
posar y todo eso. Cada una de esas cosas
podría ser suya, como, todo el curso, básicamente. Entonces espero que disfrutes de
este tutorial.
2. Creación de miniaturas: El primer paso que
recomendaría para ilustrar algo
es la miniatura Quiero decir, hacer miniaturas
es más para, como, si te sientes como, realmente comprometido con
una ilustración y estás tratando de pensar más a fondo sobre
las posibilidades de cómo ejecutar una idea visualmente, podrías hacerlo todo Quiero decir, este definitivamente
no es un paso requerido, o no
lo pondría en la máxima prioridad, pero definitivamente
lo haría más por, como, trabajo con el
cliente o cualquier tipo
de asignaciones importantes. Y claro, si se trata de
un proyecto personal, entonces cualquier cosa que hagas es por
importante que sea para ti. Entonces, ¿primero quieres
averiguar qué quieres dibujar? ¿A quién quieres dibujar?
¿Qué están haciendo? ¿Qué está pasando
en tu foto? Yo simplemente, como,
armé una idea. Al igual que, en realidad no lo planeé. Me decidí por una
dama elegante bebiendo té. Entonces, ¿qué es la miniatura? La miniatura suele ser
bosquejar, muy no comprometedora. Al igual que, no quieres
invertir todo tu tiempo en el
boceto que quiero decir, si realmente estás invertido, estás prácticamente dibujando, pero quieres hacer líneas
ásperas y simplemente explorar y enfocarte más
en conseguir formas
enteras, sujetos enteros abajo, como toda
la persona o los
objetos más importantes de la imagen. Si es un retrato, entonces
asegúrate de que tenemos
el ángulo claro, ya sea que esta
persona tenga ojos o no, si es una vista lateral, y probablemente
solo haya un ojo. Si hay sombrero, si
hay algún utilería, si es un cuerpo completo,
entonces ¿qué pose? Cosas así. Pero pasaría como máximo 15
minutos por miniatura Es decir, dibujo bastante rápido. Quiero decir, he estado
haciendo esto por un tiempo. Entonces podría pasar hasta
5 minutos por miniatura. Pero podrías pasar
por mucho tiempo, pero yo
desaconsejaría
intentar perfeccionar la miniatura porque eso destruye todo
el punto Básicamente es una
vista previa de tu idea, y te dará el andamio más básico de
dónde van a estar las cosas, cómo se oponen las personas y se van
a colocar los objetos y así sucesivamente Y así cuando haces
tu miniatura, quieres
pensar en, misma idea Así que tengo a una
señora elegante bebiendo un poco de té. ¿Voy a hacer un
retrato, un cuerpo completo? ¿O voy a hacer medio cuerpo? ¿Voy a hacer que se siente? ¿Cómo va a tomar ese
té? ¿Qué lleva puesta? ¿Cosas así? un montón de formas diferentes
de hacer esto, por supuesto. Y por lo general para esto es lo que sirve la miniatura es
para explorar diferentes formas de ejecutar una misma idea o
contar la misma historia Por supuesto, no está obligado a elegir solo un tipo
de tamaño de lienzo o, como, si su lienzo
es cuadrado o ancho, como orientación horizontal
u orientación vertical. Eso depende de ti,
lo que te sienta mejor o lo que mejor se ajuste a tu
presentación de tu idea. Es útil poner
las miniaturas en la misma página y luego comparar todas tus miniaturas al
lado de la otra
y preguntarte, ¿
cuál te gusta ¿Cuál te sientes
más entusiasmado? Al igual, ¿cuál realmente te
motiva a meterte en este proyecto y terminarlo y
mostrarlo a la gente Yo recomendaría elegir
algo con personalidad. Quiero decir, eso es asumiendo que
quieres llamar algo de atención, como, en las redes sociales,
pero, claro, no tienes que hacerlo. Realmente depende de cuál sea
tu objetivo original. Entonces, si estás haciendo todo
esto por ti mismo, bueno, puedes hacer
lo que quieras.
3. disposición/composición/diseño: Entonces en este paso, lo que
voy a llamar layout. Quiero decir, solo lo
llamaré diseño. No estoy del todo seguro de cómo lo llama
la industria. Yo la mayor parte de mi
experiencia es
en realidad en la enseñanza,
Ilustración o dibujo. Pero tomas tu
miniatura y le pones un poco más de detalle a la
miniatura que elijas Y no quieres entrar en,
como, los finos detalles finos. Recomiendo encarecidamente permanecer
alejados porque
acercar es
principalmente para detalles, lo que definitivamente
querrás hacer Nuevamente, se trata de refinar o poner definición a las partes que son importantes en la imagen, haciendo que las cosas se vean
más claras para que el público pueda decir lo que está
pasando en tu pieza. Una gran razón por la
que quieres estar alejada es porque la
mayor parte del tiempo, cuando la gente se involucra por primera con esta imagen que
estás haciendo está en, como, vista en miniatura o probablemente va a
ser pequeña en su teléfono Entonces necesitas poder decir lo
que está
pasando mientras esta imagen está
totalmente alejada, y la gente la está tomando como una imagen completa
en
lugar de solo el ojo o solo la mano o solo
el sombrero, lo que sea Son todas estas cosas
combinadas para contar toda una historia, combinarlas para crear una imagen que signifique
algo para la gente. Yo recomendaría pasar de
formas más grandes a formas medianas. Nuevamente, deja detalles o
pequeñas formas para después. Recuerden, que nada es definitivo. Definitivamente editar. Esto todavía es muy temprano
en su proceso de ilustración. Puedes cambiar las cosas más tarde. Pero si ya has renderitado o detallado
un montón de cosas, probablemente
va a ser más un dolor en el trasero hacerlo porque probablemente
invirtiste mucho tiempo en detallar cosas. Entonces diría que antes es un mejor momento para hacer
cambios fundamentales a su pieza. Pero recuerda, no tienes que
aguantar la respiración
y decirte a ti mismo, Esto tiene que ser perfecto ahora
antes de seguir adelante con cualquiera. Trata de no
tomártelo demasiado en serio. Solo ve a Willie Nilly y piensa más en la historia que estás contando o en la imagen
genial intentas
mostrarnos en lugar cualquier pequeña imperfección que
al final del día, la
mayor parte del tiempo, vas a ser tú quien hiper se centre
4. Formas: Entonces ahora vamos
al paso de las formas. Las formas son realmente importantes. En realidad
se comunican bastante. Las líneas mantienen las cosas juntas y definen claramente los
temas, pero las formas, las formas más grandes van a ser lo primero que procesen tus
espectadores si están mirando tu imagen ya sea en vista de
miniaturas o
es solo si la
pones en una publicación en redes sociales o si sale en
Google Images o lo que sea Piénsalo de esta manera.
Las señales de tráfico utilizan mucho las siluetas Ciertamente se
comunican mucho, ya sea mostrando, ya sabes, hay niños cruzando la
calle o la carretera está inclinada, así que el camión necesita tener
cuidado o algo así Entonces ese es, como, un enorme ejemplo de cómo las siluetas
siendo realmente distintas, se comunican mucho No tienen que
ser tan detallados. Las señales viales no necesitan
indicar cada dedo de la persona que
cruza la calle. El camino como un
camino sinuoso en el letrero, no necesita mostrar
pasto y cosas así. Entonces esto es lo que quiero decir con formas y cómo se comunican
las formas más grandes. Y sobre todo como, en
el caso de las señales viales, se comunican
a la distancia. Quieres hacer
lo mismo con tu pieza si
quieres mostrársela a gente y dejar algún
tipo de impresión. Así que ten en cuenta las siluetas. Como, por ejemplo,
hay múltiples formas de que esta misma figura
parezca que está tomando té. Puedes hacerlo para que su brazo derecho o
mano derecha su mano derecha, así nuestra izquierda esté
sujetando la taza de té Desde este ángulo, también
podrías probar su mano izquierda o nuestra derecha. Pero la silueta
está toda agrupada, y así el brazo
no es muy distinto El brazo no es distinto
del resto de la silueta, por lo que no se puede ver como el objeto separado que
podría interpretarse como. Entonces, si tenemos su mano derecha sosteniendo la
taza de té con esta silueta, donde se puede distinguir
su hombro y su codo y su
brazo, y su sombrero, esas cosas entregan el
mensaje mucho mejor que cuando toda
la silueta
está toda agrupada y las partes no son
distintas, separadas
5. Valor: Vamos a repasar el valor.
El valor es luces y oscuras. Entonces eso incluye básicamente el negro todo el camino a través de la
escala de grises hasta el blanco, más o menos. Ya he puesto en
valor en esta
ilustración porque
solo necesitaba encontrar una manera de
distinguir la silueta
del fondo. Así que las luces y los oscuros, todos
los grises en el medio, desde el negro
hasta el valor más brillante Aquí, estoy
usando mi fondo como medio tono. Entonces no estoy usando blanco completo. Puede que ni siquiera esté
usando el negro necesariamente. Algo así como, por regla general,
nunca uso el
blanco puro o el negro puro. Es algo
complicado de explicar. Pero yo diría que
obtendrás más pop y realismo si te apegas a los
grises tintados o al blanco o negro,
como el blanco de los dientes
o el blanco de tus Nunca va
a ser blanco puro. Entonces, el valor es básicamente cómo
estás definiendo la iluminación, que también va a poner más definición a tu tema. Quieres
jugar con contraste. Contraste significa mayor
diferencia en valores. Si tienes mayor contraste, permite una mayor
profundidad en tu imagen. Para que puedas retratar la distancia por los valores o el
nivel de contraste Así que más lejos, solo lo
tengo más descolorido. Más cerca de nosotros, lo tengo más oscuro. Con esto, me refiero a los
diferentes niveles de profundidad, como primer plano,
las cosas más cercanas a nosotros, el
medio suelo, las cosas
más alejadas de nosotros,
y el fondo o telón de fondo, las cosas que están más
lejos Entonces, si tienes un valor dado y hay una diferencia mayor,
como, es mucho más brillante o mucho más oscuro que ese primer valor, entonces ese es un alto contraste. Y luego dado un valor y luego otro valor que
no es tan diferente de
él, va a ser menor contraste.
6. Colores: Los colores son
otra bola para hacer malabarismos. Para combinar colores y valor cuando estás
haciendo ilustraciones, puede ensuciarse muy rápido, pero puedes aislar
estas cosas Por supuesto, podrías
hacer estudios de valor, como en igual que en ilustraciones en blanco
y negro o en
escala de grises por un tiempo al principio. Y luego, podrías
facilitarte los colores o
simplemente hacer estudios de color. Entonces la forma en que te
recomendaría empezar cuando
eliges tus propios colores. Valores, como las
luces y los oscuros, contrastan las luces
frente a las oscuras Con los colores, contrastan
entre cálido versus frío. Cuando se trata de combinaciones de
colores, vas a tener que
averiguarlo o mirar
lo que hacen las otras personas. Y mira lo que funciona. Esto es una especie de cuestión de
gustos o simplemente hacer que funcione. Por ejemplo, yo mismo soy mucho más parcial
con los colores terciarios. Entonces, si miras
la rueda de colores, los colores los que
se mezclan dos veces. Los colores primarios son
rojo, amarillo, azul y secundario
naranja, verde y morado. Y luego cuando volvamos a mezclar
todos estos colores, entonces obtienes tus colores
terciarios. Realmente me gustan los colores pastel cyber
punky. Y solo porque yo mismo
como preferencia personal, preferiría mantenerme alejado
solo de los colores primarios, como, puros sin mezclar, como, colores
primarios, no significa que no
debas intentar usarlos. Puedes usar
los colores que quieras. Y cualquier regla que
alguien te diga, generalmente
hay una excepción, o suele haber una
manera de romper la regla,
y entonces la gente es como, Guau, eso funciona. O eso me gusta mucho. Al igual que en la iluminación de
aquí, no es necesario
tener colores fríos en las áreas sombreadas más oscuras y los
colores más brillantes siendo cálidos No tienes que tener
luz solo sé cálido. Puede tener áreas más claras ser colores
más fríos y
áreas más oscuras ser colores más cálidos. Es un efecto diferente. Realmente depende de
lo que intentes hacer, qué tipo de vibra
te va a dar. Por ahora, si no tienes tanta
experiencia con los colores, te
recomiendo hacer estudios. Mira lo que otras
personas han hecho si hay algo su paleta que
realmente te impresiona. Puedes copiar lo que hicieron y estudiar qué
colores usaron? ¿Dónde lo pusieron?
¿De qué sirve el color? Al igual que, ¿está en las zonas luminosas? ¿Está en las zonas de tono medio? Como, no resaltar,
pero tampoco sombra. ¿Cuándo se ve el color de la piel
como el color real de la piel? Como, ¿dónde un mantel
blanco realmente se ve blanco en lugar de,
como, azulado o un azul
más oscuro, Pero solo para empezar, yo diría, ir con cálido versus frío, cálido siendo los valores más brillantes, como fuentes de luz siendo
cálidas, como el sol, y luego sombras o
áreas sombreadas siendo colores fríos También puedes elegir colores
complementarios. Colores de cortesía que acaba tomar un color dado
en la rueda de colores, y su color complementario es directo a través de
la rueda de colores. Y ahí está tu combinación
de colores con la
que puedes intentar trabajar. Así como, básicamente
amarillo y morado, verde y rojo y
naranja y azul. Esos son ejemplos de colores
complementarios.
7. Saturación : Yo diría saturación
es más un término que proviene del arte digital
o de los medios visuales digitales. Pero es importante porque
cuanto más rico sea tu color, más probable es que sea
el
color que tenga, como, la versión más rica de ese
color va a quedar plana En la vida real o en imágenes más
fotográficas, definitivamente
tienes un rango de saturación
más amplio, o yo diría que probablemente esté
mucho menos saturado que, digamos, caricaturas
con sombreado de celdas planas Como, piensa en dibujos animados de Disney
o Warner Brothers como viejas animaciones de Toti que
tienen todos estos colores planos La naranja del pico de un pato
es solo naranja y la
hierba es verde Verde verde. Pero en la vida real, no solo
usarías un solo verde. Probablemente
tendrías algunas partes de, digamos, una brizna de pasto, estaría más saturado
o verde más rico, y entonces podrías repartir en partes más sombrías de la Y entonces es posible que
quieras rotar en la rueda de colores hacia el amarillo o la lima si está iluminado por el sol, y probablemente quieras
desvanecer un
poco los colores si se está
iluminando aún más. La saturación también ayuda a
dar una sensación de profundidad. Puedes hacer que las cosas se vean
más saturadas como una forma de enfocar al espectador en una parte de la imagen en la que
quieres que se centren. Yo diría que el dominio
de la saturación es lo distingue a los principiantes de los artistas
más avanzados
en el uso del color Al igual que la hierba no
solo debe ser verde, un autobús escolar no
solo debe ser amarillo. Un camión de bomberos no solo debería ser rojo, como
completamente saturado. Como rojo rosa brillante. Probablemente haya un montón
de otros tonos o quizás algunas partes
de él incluso podrían ser azulado o morado ish. El color de la piel es otro ejemplo
realmente genial. El color de la piel puede ser una
gama salvaje y loca de amarillos, marrones, incluso verdes también si
realmente quieres entrar en
los detalles de, como, tus vasos sanguíneos
o tus venas, lo que sea, en tus manos, brazos, o incluso, como, el cuello y cosas así Pero, claro,
como cualquier otra
cosa, solo lleva tiempo y
mucho estudiar. Así que no te preocupes
demasiado por la saturación. Si eres principiante, si realmente quieres
adentrarte en el dominio de la saturación, como cuando se trata de usar el color, te
recomendaría hacer
un montón de estudios Estudia cómo las personas
usan los colores desteñidos. ¿Dónde ponen
los colores descoloridos? ¿Dónde ponen
los colores más oscuros y dónde ponen los colores
más saturados?
8. Bordes: Ahora vamos
a repasar bordes. Los bordes son bastante importantes. Encontré que a lo largo de los años, si tengo alumnos que
no están familiarizados con los bordes,
suaves versus duros, o sus ilustraciones se
ven demasiado
caricaturesas, ya que en ellos solo saben
dibujar con bordes duros o no están seguros de cuándo
usar bordes más duros, y todo es suave y
todo se ve, como, igualmente mezclado o todas
las sombras están igualmente Entonces en bordes para contrastar, es suave versus duro. Son los
bloques de construcción del renderizado. Entonces quieres poder renderizar formas como
cubos, cilindros y esferas para que
entiendas la relación entre los diferentes componentes de estas formas u objetos. Entonces como una cereza o una
manzana, lo que sea que esté dibujando. Tiene un montón de
cosas diferentes pasando con él. Y hay diferentes
formas de definir Bueno, definitivamente
hay áreas que van a ser bordes duros, como que un objeto esté
completamente, como, separado, como el tallo del fruto, estando totalmente separado
del fruto real, como la piel o la
carne del fruto. Entonces, cuando estás
ilustrando, digamos, un personaje y
ellos llevan sombrero, más probable es que vayas a tener bordes
duros entre el sombrero, la cara y el cabello. Creo que las únicas veces que harías que esos objetos
tengan bordes más suaves uno
contra el otro
es si está borroso o
no está enfocado Yo diría que
lo más difícil de los bordes es juzgar lo suaves que
quieres que sean los bordes. Como cuando estás pintando
un retrato y llegas a, como, la frente
o las mejillas, hay cierta suavidad, y quieres capturar la
sutileza de los pómulos, los músculos de la
boca, o las
sienes de la Puede ponerse duro muy rápido, y es posible que te
encuentres recalibrando,
como, haciendo los bordes más duros, pero entonces tal vez haces que
los pómulos, como, demasiado afilados o como que los
hagas desaparecer si
lo vuelves a mezclar Entonces definitivamente lo hace. De nuevo, como, se necesita
mucha práctica, y tus piezas
con más maestría y aristas revelarán un
montón de detalles que, por
supuesto, son ordinariamente, como, mucho más difíciles de conseguir, como, las cosas que
acabo Al igual que, las narices que sobresalen
del rostro y los huesos de las cejas, la profundidad de los ojos, la estructura muscular
esquelética de Los bordes definitivamente pueden ayudar con la definición de estas cosas en tu pintura
digital.
9. Renderización: Renderizar es a menudo lo que implica gran parte
de la pintura. Al igual que, la mayor parte del tiempo en una ilustración dada
es que va a ser renderizado. Entonces esto se mete en los
detalles y definición. Entonces aquí, ojalá hayas comprometido
principalmente las partes importantes
de tu ilustración. Y yo diría que
puedes seguir adelante y poner en todos los
detalles y acercar. Yo diría acercar poco a poco, porque si acercas todo
el camino, digamos, como, la mano o la taza de té
aquí o el yo demasiado rápido, entonces no vas a estar comparando muy bien las
proporciones. Quieres asegurarte de que la taza de
té no sea enorme,
pero no sea súper diminuta pero Entonces, al principio, recomendaría
quedarse más alejado. Si eres bueno como acercar, entonces asegúrate de que los objetos
que están en áreas similares, tengan sentido proporcionalmente Entonces estoy un poco consciente de que, como, esta parte del
tutorial hace que
parezca que acabo de
darte los dos primeros pasos, como cómo dibujar un búho. Bien, haz una forma de U. Ahora haz una forma de V por aquí. Paso tres, dibuja el
resto del búho. Renderizar aquí,
renderizar es mucho. Hay diferentes texturas. Se puede ver que he
estudiado dibujo de figuras o he estudiado retrato
y ropa Al igual que, en realidad no estoy
mirando ninguna referencia porque dibujé un montón de vestidos
antes en mi vida. Pero por lo general, lo que este tipo de despistamiento en
cuanto a, ya sabes, como pintar
joyas versus piel versus tela o porcelana,
cosas así Es solo la habilidad del dibujo
observacional
o la ilustración Si eres capaz de
mirar una referencia y extraer de ella los aspectos
de ese tema que deseas,
como lo brillante que es la seda
versus lo brillante que es la joyería
o lo opaco que es el mantel comparado con tal vez
la piel o algo así Si puedes estudiar y luego copiar comportamiento de los
diferentes aspectos que intentas
retratar en tu pieza, te será mucho más fácil Y si con el tiempo, te especializas en cosas
particulares, como si dibujas muchos caballos, entonces probablemente serás bastante
bueno dibujando caballos. Creo que un
tema en particular que es bastante duro para quizás la
mayoría de la gente son las armas. Por ejemplo, como, es
algo en particular. Al igual que, si los dibujas raramente, entonces claro,
va a ser bastante duro. Al igual que, dibujarlo
y pintarlo e iluminarlo y asegurarse de que
la perspectiva sea la adecuada. Pero si dibujas muchas
armas y muchos de tus personajes o simplemente te
encanta ilustrar armas, por
ejemplo, no es nada de sudor. Probablemente ya no sea
gran cosa para ti. Pero yo diría que la mayoría de la gente se siente mucho más cómoda dibujando o ilustrando
retratos que figuras de cuerpo completo, mucho menos fondos completos
con esa Y todo se reduce a
la familiaridad y básicamente, como cuánto tiempo
has cronometrado en estudiar estas cosas o tratar de ilustrar
las cosas Y otra vez, no
trataría de
motivarte principalmente a través de, como, Oh, tengo
que asegurarme de que este pelo sea
correcto o esta flor realmente,
realmente se ve como una flor aterciopelada, humedecida de pétalos y este material de encaje en el vestido de
esta dama realmente,
realmente se ve como encaje Que siento que
va a venir si estás más
enfocado en la emoción de mostrarnos lo que estás
viendo en tu propia cabeza y tratando de asegurarte de
que la ventana a tu mente sea simplemente más vívida. Recuerda que tu
obra de arte antes, si estás probando
algo nuevo probablemente no va
a quedar tan bien. A menos que ya seas bueno en cosas
observacionales
y extrayendo de referencia
la esencia que
querías Así que no tengas miedo
de usar referencias. Los profesionales
lo hacen todo el tiempo. No te tomes
demasiado en serio tu trabajo. O sea, es otra cosa si tu vida depende de
ello porque es tu trabajo. Pero incluso entonces, como
que destruye el punto porque ¿no hacemos
arte para el disfrute Así que concéntrate más en tu nivel de habilidad
promedio en lugar cada cosa individual que pueda estar molestando
que te vas
a decir a ti mismo, Oh,
todavía tienes que trabajar en esto y no puedes seguir
adelante hasta que claves anatomía o la iluminación o
colores o poses y esas cosas
10. Consejos para la dirección de arte: Ve con la corriente, y si
quieres explorar algo, ve a hacer lo que quieras hacer. No tengas tu régimen de arte, tu proceso de creación de arte estará dictado por lo que
sientes que debes hacer, sobre todo si es un hobby Intenta tener una idea
del flujo de lo que resuena contigo
en lugar de hacer lo que sientes que otras personas
esperan que hagas He vivido esa experiencia. He vivido esa
discrepancia en la escuela de arte, recuerdo
casi odiar todo
mi trabajo porque estaba
revisando una lista de verificación, una lista invisible
, básicamente, para tratar de obtener una calificación, lo cual es una terrible fuente
de motivación para un artista Las calificaciones no importan
en el mundo del arte. Yo diría en la forma que siempre he
querido dominar, son el objetivo es la conexión. habilidad técnica puede ser importante realmente podría
depender del tipo de audiencia a la
que intentas atraer. Pero yo diría que el
objetivo principal debería ser la conexión. ¿Tu imagen es clara? Como, no sólo
a nivel técnico, sino también la expresión, la energía, la historia. ¿Te fascina o
más curiosidad por este personaje o ilustración
que estás viendo? Es decir, piensa en
todas las cosas
que las ilustraciones pueden hacer. La gente dice, no juzgues
un libro por su portada, pero ¿a quién estamos engañando La gente definitivamente compra libros
solo para el arte de la portada. Probablemente. Y la gente
lee cómics. A la gente le gusta comprar libros
ilustrados. Quiero decir, especialmente en estos
días, como, vamos, la gente está leyendo cada vez menos
cosas de forma larga o consumiendo menos cosas de forma
larga. Y probablemente lo que impide que la gente
se desplace por donde
sea, ya sean las
redes sociales o lo que
sea que sean fotos o incluso
mejores videos Por lo que quiero enfatizar
como ilustrador digital, no
necesitas trabajar demasiado No es necesario renderizar
cada bit de la imagen. Principalmente enfocado en
áreas de renderizado donde el espectador debería estar más enfocado o el área que desea que el espectador
esté más enfocado. Porque piénsalo de esta manera. Si estás viendo una película, no quieres un montón de ruido o un montón de detalles por
todas partes. Por lo general, se quiere a la vista
clara el personaje o el tema de enfoque
en la narración clara Entonces en una ilustración como esta, solo
me enfocaría en, como, la cara y ya sabes, el torso y cualquier
cosa importante como la taza de té Y ten en cuenta,
desde la distancia, los detalles tienden a desvanecerse. Entonces, a menos que la cámara esté enfocando la distancia y
difuminando el primer plano, el fondo no debería
tener un montón Por lo general, tus ojos no
van a poder decir, como, exactamente, como, los hilos del sombrero de esta persona
en la distancia. No hace falta que
hagas todo ese trabajo. Y es como
árboles en la distancia. No vea las hojas individuales. Sólo ves, como,
gotas de árbol. Ahora bien, en cuanto a qué
nivel de renderizado, como qué tan detallado, qué tan nítido, eso diría que
realmente depende de usted. Yo diría que al menos renderizar
partes lo suficiente como para que
los objetos y/o las acciones
sean reconocibles Ellos son claros para el espectador. Su mensaje es muy claro. Tu imagen es autoexplicativa
y no necesitas pararte junto a tu imagen para
explicar lo que está sucediendo. Si decides renderizar y
pasar un montón de tiempo en, como, cada mechón de cabello o cada gota de té o cada pétalo en todas las
flores y esas cosas, eso realmente depende de ti, y ojalá
lo estés haciendo porque quieres, y te resulta
divertido, espero. Pero de lo contrario, yo diría
lo mínimo, como, dependiendo de cuál sea tu objetivo,
si es una comisión o si
es tu proyecto personal. Si es tu proyecto personal, ni siquiera
tienes que
terminar una cosa. Y sobre todo
como aficionado, como, tu trabajo inconcluso
definitivamente podría tener valor. Como, incluso como profesional,
pero como profesional, definitivamente terminar tu
trabajo es mucho más importante. Pero, sí, tratando de asegurarte de que te diviertas y no te lo
tomes demasiado en serio. No trabajes duro solo
por el simple hecho de hacerlo. Si no te sientes bien al
respecto, entonces no lo hagas. No tienes que renderizar
cada hilo en la ropa. No tienes que renderizar, ya
sabes, cada vena de
las flores se va. Simplemente trabaja en las partes
que te traigan alegría. Muchas gracias por
ver este tutorial. Y por favor recuerda
divertirte.
Emily So, 2D Artist
