Pintura acrílica para principiantes: crea abstractos expresivos y coloridos

1. Introducción: [ MÚSICA] Me encantaría poder pintar pero ni siquiera puedo conseguir una línea recta. He tenido eso tantas veces antes, de hecho, muchas clases de principiantes se centran en la pintura realista y si la pintura entonces no se parece lo real, te frustras. Pintura abstracta silenciar a tu crítico interior y es tan divertido. Me llamo Cornelia y soy artista y diseñadora. Llevo trabajando como director de arte en publicidad desde hace unos 20 años. Lo que muchas veces me perdí en este trabajo es la libertad de crear mis propias reglas y que estamos pintando entra. La pintura abstracta es mi patio de recreo creativo donde puedo experimentar y simplemente divertirme, entonces disfruto compartiendo mis descubrimientos en mis clases. Esta clase de pintura acrílica amigable para principiantes tiene tres secciones: conocimiento material básico, teoría del diseño y proyecto de clase. Empezaremos con las propiedades básicas de la pintura acrílica y mezcla de colores. Aprenderás sobre el valor tonal y cómo usarlo para guiar los ojos del espectador a través de tu pintura. Echaremos un vistazo rápido teoría del color y armaremos una paleta de colores. Entonces estamos listos para iniciar el proyecto de clase, una serie de cuatro pequeñas obras de arte abstractas. Las pinturas están construidas de cinco a seis capas y para cada una utilizarás un tipo diferente de marca, consistencia de color o herramienta. Crearemos contrastes interesantes a través de trazos expresivos, patrones delicados, líneas gesturales y collage. Esta clase es ideal para principiantes que nunca han pintado con acrílicos, para estudiantes avanzados que quieren empezar con la pintura abstracta pero también para personas que solo buscan un proyecto de pintura relajada. No es necesario ningún conocimiento previo y estamos utilizando los materiales de pintura simples. Aprenderás a trabajar intuitivamente y te enfocas en el proceso creativo. Al final de esta clase, tendrás cuatro obras de arte únicas que puedes colgar, mandar como tarjetas de felicitación o publicar en redes sociales. Empecemos [MÚSICA]. 2. Descripción y proyecto de clase: [ MÚSICA] Bienvenido, bueno tenerte aquí. Esta clase es muy adecuada para principiantes porque comenzaremos con lo básico. Habrá muchos ejercicios prácticos para que puedas practicar trabajar con tus pinturas y aplicar los principios de diseño que enseño. El proyecto de clase será entonces una serie de pequeñas pinturas abstractas como las que ves detrás de mí. Déjame darte una visión general. Empezaremos con las propiedades básicas de las pinturas acrílicas y un ejercicio donde las usamos en diferentes consistencias. Entonces aprenderás a mezclar todos los colores de la rueda de color a partir de solo tres colores básicos. En la siguiente sección, abordaremos el valor tonal, los tonos de gris del blanco al negro. Como ejercicio, estaremos pintando una escala de valor. Después hablaremos de contraste y haremos otro ejercicio usando diferentes proporciones de valores claros, medianos y oscuros. A continuación, practicaremos la identificación de la ligereza o la oscuridad, ese es el valor de los colores. Usaremos las muelas de color que pintamos para el ejercicio de la rueda de color y las ordenaremos acuerdo a su valor tonal de claro a oscuro. Por último, usaremos todo ese conocimiento para crear una paleta de colores para tu proyecto de clase y lo probaremos en la hoja de práctica. Entonces nos prepararemos para el proyecto de clase. En primer lugar, prepararemos nuestro trabajo, hablaremos sobre el uso de un visor y los beneficios de pintar en serie. La siguiente lección es sobre cómo la pintura abstracta gratuita mejora tu creatividad y cómo la limitación y la imitación pueden ayudar con el proceso de aprendizaje. Tampoco tienes que conseguir todo bien la primera vez, porque las pinturas acrílicas se secan rápidamente y son fáciles de pintar. Por último, es hora de tu proyecto de clase, cuatro mini pinturas abstractas. Vamos a trabajar pequeños porque el pequeño tamaño hace que la página en blanco sea menos intimidante. Solo necesitas un espacio de trabajo pequeño y mantiene los costos de material al mínimo y eso te ayuda a ser más audaz y a sentirte menos. Las pinturas se construyen a partir de 5-6 capas. Para cada uno de ellos, primero practicarás el derrame cerebral y las técnicas que necesitarás y luego aplicarás inmediatamente lo que has aprendido a tu proyecto de clase. Empezaremos la primera capa con un cuchillo de pintura o una tarjeta de plástico y experimentaremos con aplicación de pintura. A continuación, crearemos la segunda y tercera capa con trazos de pincel expresivos audaces usando dos viscosidad de pintura diferente. Entonces nos centraremos en patrones delicados, casi meditativos y entrenaremos nuestras habilidades motoras finas y el control de pinceles en el camino. Es hora de volverse más animado. Dibujaremos una línea impulsiva que transmite emoción y trae movimiento a la imagen. Por último, analizaremos nuestras fotos y pondremos los toques finales a nuestra composición. Collage es una gran opción para esto, ya que puedes trabajar con trial y error. Ya que el proyecto consta de varias capas y algunas de ellas necesitan tiempo de secado. Sería ideal si pudieras preparar un poco de espacio para ti donde pudieras dejar tus materiales de pintura. De esa manera, no tienes que superar esa barrera de preparar las cosas y guardarlas todas y cada vez, y puedes empezar a pintar siempre que tengas algo de tiempo libre. Para el proyecto de clase, por favor documenta tu progreso tomando una foto de cada capa y subiéndola. Para crear un Proyecto de Clase, seleccione el menú, “Proyectos y Recursos” y haga clic en el botón verde. Puedes subir una imagen de portada e ingresar el título de un proyecto. A continuación, puede agregar más imágenes y la descripción de su trabajo o pedir comentarios en la ventana de abajo. Por último, hace clic en “Publicar”. Puedes editar y agregar a tu proyecto en cualquier momento en el futuro. Depende de ti decidir qué tan completo quieres hacer tu proyecto de clase. El requisito mínimo sin embargo es tomar una foto de las obras terminadas y subirla. No obstante, sería increíble que hayas documentado el proceso de crearlos tomando una foto de cada capa. último, pero no menos importante, me alegraría ver algunas de tus hojas de ejercicios. En la siguiente lección, te daré una visión general de los materiales que necesitarás. Después de eso, ya puedes sacar tus pinturas para algunos ejercicios prácticos. Nos vemos ahí. [MÚSICA] 3. Los materiales que necesitas: [ MÚSICA] Hola y bienvenidos de vuelta. Ahora, echemos un vistazo a los materiales que necesitarás para esta clase. La mayoría de ellos son definitivamente materiales artísticos como estas pinturas, por ejemplo. Algunas cosas pueden ser sustituidas por objetos cotidianos. Por ejemplo, podría usar una tarjeta de plástico en lugar de una paleta. Aunque comencemos con pinturas acrílicas. [ MÚSICA] Las pinturas acrílicas son extremadamente versátiles, fácilmente disponibles, y la mayoría de las marcas tienen una línea asequible de pinturas con una calidad decente. Puedes usarlas gruesas como pintura al óleo o delgadas como acuarela. Son ideales para trabajar en capas porque se secan rápidamente y son resistentes al agua cuando están secos. Eso significa que no reactivarás la capa anterior al pintar sobre ella, eso va a suceder con acuarela o gouache. Si ya tienes algunas pinturas acrílicas en casa, perfectas, úsalas, pero si tienes que comprarlas, aquí tienes dos consejos. Para empezar, solo se necesitan los tres colores primarios y el blanco. Me gusta trabajar con cian, magenta, amarillo y blanco titanio, que es un blanco brillante opaco. Con colores primarios, eres muy flexible porque básicamente puedes mezclar todos los colores de la rueda de color, iluminarlos agregando blanco. Todos los colores primarios se mezclan, crean un gris muy oscuro. El negro real es, por supuesto, mucho más oscuro, y si quieres usarlo como un color puro en tu imagen, o mezclar con otros colores para crear colores apagados más oscuros, es, por supuesto, útil tener un tubo de eso también. Voy a usar el negro para nuestro ejercicio práctico sobre valor tonal, pero si no tienes negro, puedes usar cualquier color oscuro. Si tienes un color favorito que te gustaría usar todo el tiempo, o si te gustaría trabajar con colores neón o metálicos, definitivamente vale la pena invertir en un tubo extra de estos colores también. Las pinturas acrílicas están disponibles en dos calidades diferentes, grado de artista y grado de estudio. A menudo estas pinturas más baratas también van bajo los nombres grado estudiantil, estándar, o básico. La diferencia es que las pinturas de grado artista contienen más pigmentos y por lo tanto son más caras. Para nuestros fines, recomiendo usar pinturas de grado estudio de una marca bien conocida o la etiqueta privada de tu tienda de arte. Son menos caros y no me gusta tener ese factor de costo en mente cuando uso mucha pintura. [ MÚSICA] Hay papel especial disponible para pintura acrílica, es bastante pesado y tiene alrededor de 400 GSM. El papel de acuarela o papel de media mixta también funciona, solo asegúrate de usar al menos 250 GSM, mejor obtener 300 o más. Para los ejercicios y muestras de color, uso papel acuarela de 200 gramos de bajo costo de las etiquetas privadas de dos tiendas de arte diferentes. Los tipos de papel que utilizo para pintar son papeles de pintura acrílica de 400 gramos de Canson y Fabriano. El Papel de Pintura Acrílico Fabriano Pittura es color blanco puro y tiene una textura ligeramente rasgada. Compré este papel en hojas grandes, pero también está disponible en almohadillas de papel. El Papel Acrílico Canson es blanco natural y sus granos me recuerda al papel de acuarela. [ MÚSICA] Para la pintura acrílica, lo mejor es usar cepillos sintéticos o cerdas porque son bastante baratos, tienen una buena firmeza, y son fáciles de cuidar. No usaría cepillos de cabello naturales expansivos como pinceles de acuarela, porque la pintura acrílica tiende a secarse cerca del feral y comienza a empujar las cerdas aparte, y tarde o temprano el pincel será arruinado. Para esta clase, utilizo tres tipos de pinceles, un Pincel Plano Número 10 para las muestras de color y los ejercicios, un Pincel Redondo Número 2 más pequeño para los patrones, y el Cepillo de Cerdas Redondas Grandes para el trazos audaces. Si no tienes un pincel como este, también puedes usar un cepillo plano más grande, un cepillo grueso de cerdas redondas, o un pincel de pintor de la ferretería. También uso un cuchillo de pintura para mezclar mis pinturas y para crear marcas expresivas. Si no tienes una tarjeta de crédito antigua o alguna tarjeta de plástico te servirá. [ MÚSICA] Para las marcas texturales, puedes utilizar una variedad de bolígrafos y herramientas de dibujo. Recientemente descubrí estos tubos de apretón muy cool de pintura acrílica de cuerpo pesado de Sennelier. Compré dos costos para probarlos y realmente me encanta el efecto. Tienen una punta muy fina y puedes usarlas para hacer delicadas líneas tridimensionales como lo hice en esta pieza. Otras opciones son marcadores acrílicos o pasteles, lápices o lápices de colores. Ten en cuenta sin embargo que los materiales solubles en agua pueden manchar si aplicas otra capa húmeda encima de ellos. [ MÚSICA] Yo uso todas las cosas como paleta, a veces uso placas de plástico como esta, y también tengo una paleta de desgarro, que está hecha de hojas de papel codificadas. Realmente me gusta usar solo lámina de plástico como estas fundas para documentos que están abiertas por dos lados o estos bolsillos para encuadernación de anillas. Para tener un fondo blanco, acabo de poner una hoja de papel dentro, y luego puedo mezclar los colores justo sobre ellos. Aquí tengo una manga que he cortado abierta y usada muchas veces, y por lo tanto, está cubierta con algunos residuos de pintura. Si tengo alguna pintura sobrante en esta paleta, acabo de ponerle una hoja de papel de seda y hacer una impresión monotipo. Para ello, el dolor aún debe estar mojado. Una vez que el papel esté completamente seco, puedes despegarlo para revelar tu papel de collage impreso a mano. Para agregar elementos de papel a tus imágenes, obviamente necesitas algo de pegamento. Yo uso medio mate o medio brillante y como implican los nombres, se secan con cualquiera y mate o una superficie brillante. Alternativamente, se puede utilizar un pegamento artesanal o pegamento blanco, es relativamente grueso pero se puede diluir con agua y aplicarse con un pincel, se seca claro y brillante. La ventaja de hacer tu propio papel collage es que puedes emparejarlo exactamente con tu paleta de colores, y solo necesitas papel de seda regular para ello. Por supuesto, también puedes usar cualquier otro papel coloreado o texturizado y a veces incluso uso la suciedad de pellets, es decir trozos de pintura acrílica seca. [ MÚSICA] Para cortar el papel, necesitarás una estera de corte o un pedazo de cartulina resistente como base, también una regla, idealmente una que esté hecha de metal, un cuchillo de utilidad, y un lápiz. Para pegar mis trozos de papel al cartón corrugado, mi estera de corte, o a la mesa, me gusta usar cinta adhesiva o cinta de pintor. Intenta encontrar una cinta que no se pegue demasiado. Alternativamente, también puedes probar la cinta washi. Eso fue mucha información, pero no te preocupes, puedes descargar la lista de materiales de la sección de proyectos y recursos. En la siguiente lección, echaremos un vistazo de cerca a nuestros tubos de pintura. Con la mayoría de las marcas, puedes encontrar información sobre la opacidad, la ligereza y el pigmento en el empaque, y saber al respecto puede ayudar a evitar frustraciones más adelante al usar las pinturas. Nos vemos en la siguiente lección. [ MÚSICA] 4. Pinturas acrílicas: conceptos básicos: [ MÚSICA] Echemos un vistazo más de cerca a las propiedades de las pinturas acrílicas y descubramos sobre la resistencia a la luz, la opacidad y los pigmentos. Las pinturas acrílicas están hechas de pigmento, agua y aglutinante. El aglutinante es básicamente el pegamento que mantiene juntos los pigmentos, y también los hace pegarse a la superficie. Está hecho de resinas acrílicas y agua, y es de color blanco mientras esté mojado. Las pinturas acrílicas son solubles en agua y por lo tanto se pueden diluir con agua. Puedes limpiar tus cepillos con solo jabón y agua también. Hay jabones de limpieza de cepillos para esto, pero es cierto que uso jabón de manos regular la mayor parte del tiempo. Después de haber quitado la mayor parte de la pintura y lavado el pincel, hago espuma una o dos veces y muevo las cerdas de ida y vuelta para sacar los residuos de pintura que generalmente se asientan neutrófilo. Las pinturas acrílicas se secan con bastante rapidez. Si bien las capas gruesas de pintura tardan unas horas en secarse, las capas delgadas se secan en tan solo unos minutos. Aquí he configurado mi temporizador durante cinco minutos y mi conjetura resultó ser bastante precisa. Una vez que el agua se evapora, las partículas de resina en el aglutinante se fusionan y la pintura se vuelve resistente al agua. La pintura acrílica se sostiene especialmente bien en la tela, por lo que es mejor si no usas tu camisa favorita. El aglutinante también es responsable de una de las pinturas cualidades específicas. Las pinturas acrílicas son relativamente elásticas. Incluso puedes sacar la pintura seca de tu paleta como una lámina o doblar tu papel o lienzo sin agrietar la pintura. También es bueno saber que las pinturas acrílicas se secan un poco más oscuras, esto tiene que ver con el aglutinante que tiene un color blanquecino cuando está mojado, haciendo que los colores parezcan más claros. No obstante, cuando está seco, se vuelve claro y translúcido y los colores se ven un poco más oscuros. Ahora, si te pidiera que pintaras una zona de color uniformemente opaca sin pinceladas visibles, y terminas con esto, ¿qué ha pasado? Echemos un vistazo a nuestros tubos de pintura. ¿ Alguna vez has notado esos pequeños símbolos cuadrados en los tubos de pintura, indican si la pintura es opaca, semiopaca o transparente. Las pinturas que tienen un cuadrado negro completamente lleno son opacas, y es fácil pintar un área plana y uniforme de color. Si solo hay un cuadrado de contorno, los colores son transparentes, que notarás al pintar. Pinturas con un cuadrado medio lleno se encuentra en algún lugar intermedio cuando se trata de opacidad. Las pinturas baratas suelen tener una mala opacidad también, pero algunos pigmentos, como el azul ultramarino, por ejemplo, son más transparentes por naturaleza. ¿ Cómo se puede hacer que esos colores sean más opacos? En primer lugar, se puede aplicar una segunda capa de pintura, a veces esto no es una opción, por ejemplo, con estos trazos de pincel, porque una segunda capa cambiaría mucho el aspecto del trazo. Si sabes que tu color es muy transparente y no quieres que sea, puedes agregar un poquito de blanco, esto cambiará ligeramente el valor tonal, es decir, el color será más claro, pero también lo hará más opaco. La resistencia a la luz indica cómo la resistencia es el color a la decoloración cuando se expone a la luz. A menudo se indica con símbolos plus o asteriscos. Cuantos más signos más, más durará el color. Los colores neón siempre tienen muy poca resistencia a la luz, por lo que ni siquiera un signo más. Eso significa que se desvanecen con el tiempo. Con otros colores varía. En los tubos, a veces se pueden encontrar abreviaturas para los pigmentos que se utilizaron. Si un color es monopigmentado como éste, contiene solo un pigmento. Otros colores como este azul real son mezclas de varios pigmentos. Por ejemplo, este azul contiene PW6, que es blanco titanio, y PB15, compañero azul. La próxima vez probablemente no voy a comprar este tubo, pero el compañero puro azul, porque mezclar algo con blanco es muy fácil. Por ahora, probablemente conozcas más sobre las pinturas acrílicas que la mayoría de la gente. Especialmente el conocimiento sobre opacidad es enormemente importante. Cuando estés consciente de que no todos los pigmentos son igualmente opacos, puedes ahorrarte mucha frustración más adelante. En la siguiente lección, echaremos un vistazo a la viscosidad de la pintura. Nos vemos ahí. [MÚSICA] 5. Cómo diluir pinturas acrílicas: [ MÚSICA] Las pinturas acrílicas sólo se han desarrollado en la década de 1950, por lo que son relativamente jóvenes. Pero hay muchos productos en el mercado y la principal diferencia es a menudo la viscosidad. Sólo estaremos utilizando pinturas acrílicas básicas porque usaremos agua para cambiar la viscosidad. Pero es bueno saber qué significan todos esos términos de todos modos. Hay una breve visión general. [ MÚSICA] Las pinturas acrílicas de cuerpo pesado tienen una alta viscosidad que es una consistencia rígida y mantecosa que retiene muy bien los trazos del pincel. Las pinturas básicas o pinturas de calidad de estudio tienen una viscosidad media y se encuentra en algún lugar entre la pintura corporal pesada y el cuerpo blando. Cuerpo blando son pinturas con una baja viscosidad y consistencia cremosa. Crean una superficie de pintura plana donde apenas se pueden ver pinceladas. Las pinturas acrílicas fluidas tienen una consistencia como la crema pesada. Se pueden pintar, verter o rociar. Las pinturas acrílicas de alto flujo son, por ejemplo, tintas acrílicas. Tienen tanto una consistencia acuosa alta pigmentación. Para que tus pinturas sean más gruesas, tendrías que añadir algo de gel medio pesado. Pero para hacerlos más delgados, solo podrías agregar agua. Pero ¿por qué hay tantas pinturas líquidas en el mercado entonces? Éstas son las razones. Para crear una capa opaca sin mucha textura, es conveniente si la pintura tiene la consistencia correcta fuera del tubo. Las pinturas corporales blandas son fáciles extender y apenas ves marcas de pincel. Al diluir la pintura, se reduce la concentración de pigmento. Los colores se vuelven más claros, menos intensos y menos opacos. Las pinturas acrílicas líquidas tienen una consistencia más delgada y una alta concentración de pigmento. Si adelgaza tu pintura con mucha agua, el aglutinante, ese es el pegamento que mantiene juntos los pigmentos y también a la superficie no puede funcionar correctamente. Esto supuestamente puede resultar en algunos problemas como descamación o agrietamiento y se llama sub-vinculante. Por lo tanto, los fabricantes de pintura recomiendan diluir pinturas acrílicas con 30 por ciento de agua como máximo, es decir, dos partes de pintura para calentar parte de agua. [ MÚSICA] Traté de causar sub-vinculante a propósito. Se dijo que ocurriera sólo en superficies primarias. Para mi experimento, pinté una hoja de papel de acuarela con imprimación. En el lado derecho, tengo el papel de acuarela sin cebado, donde los pigmentos son adicionalmente sostenidos por las fibras del papel. Empecé con color puro y luego agregué repetidamente una porción de agua hasta que pasé de una proporción de uno a un agua coloreada a una proporción aproximada de uno a seis. Para cada mezcla, aplicé mucha pintura en la parte superior y una fina capa debajo. Al final también añadí un pequeño aerógrafo medio a la mezcla de uno a seis para ver si eso marcó la diferencia. Entonces hice lo mismo en el papel de acuarela sin imprimar. [ MÚSICA] El resultado fue una abrasión de color muy mínima con un borrador, independientemente de la relación de adelgazamiento o la adición de medio tanto en el papel cebado como sin cebado. Con solo usar mi dedo, no pude quitarme ninguna pintura en absoluto. Aparte de eso, noté que el aglutinante dejó manchas brillantes donde la pintura había tirado. El tema de las intensidades de color y otra cosa. Si esta es mi pintura normal y la adelgazo, se vuelve más ligera y menos vibrante. Donde había un charco de pintura, aún hay más pigmento, pero en la capa delgada, se puede ver una fuerte diferencia. En comparación, aquí usé tinta de acuarela y aunque era igual de acuosa como mi pintura diluida, tiene la misma intensidad de color que la pintura acrílica pura sin diluir. El resultado final es que no necesitas preocuparte por la falta de encuadernación para esta clase porque las pinturas acrílicas más baratas parecen contener tanto aglutinante en relación a los pigmentos, que la dilución no es tan gran parte de un problema. No obstante, si antes te has encontrado con acrílicos descamados o agrietados, me encantaría saber sobre eso. Simplemente déjame un comentario en la sección de discusión o en tu proyecto de clase y dime qué tipo de productos usas. Ahora estaremos usando nuestras pinturas acrílicas en tres viscosidades diferentes. Primero, directamente desde un tubo. Aquí generalmente tenemos una viscosidad media para pinturas de estudio. Segundo, diluido con un poco de agua, como un suave por pintura acrílica. Tercero, diluido con mucha agua como glaseado. [ MÚSICA] Para este ejercicio utilizaré un color opaco, semitransparente, y transparente en tres consistencias diferentes. Enmascaré nueve campos en una hoja de papel de acuarela. Para el primer segmento, siempre usaré un pincel seco. Puedes notar que con el papel de acuarela en bruto, puedes ver manchas brillantes porque el color no se encuentra con los huecos. Pero cuando cepillas suavemente hacia adelante y hacia atrás unas cuantas veces, obtendrás una cobertura uniforme. Para mi segundo segmento, mojé el pincel antes de recoger pintura nueva y la mezclo a una consistencia cremosa. Ahora, el pincel choca mucho mejor sobre el papel y la pintura es fácil de extender. Pero ya se pueden ver algunos trazos de pincel y deslizar transparencias en unos pocos lugares. Estoy alisando la pintura dejando que el pincel se deslice suavemente hacia adelante y hacia atrás. Para mi tercer parche de color, usaré mi pincel para agregar agua hasta que tenga un charco pequeño con color líquido y ahora, se puede ver los trazos del pincel con bastante fuerza. La pintura es muy rápida y fácil de aplicar y tienes un efecto similar a la acuarela. A continuación, haré lo mismo con mi pintura semitransparente y transparente. Vamos a avanzar rápido, por lo que no toma tanto tiempo. Ahora se puede ver que en el primer campo, no hay marcas de pincel en absoluto. En el segundo, vemos algunos, y en el tercero ya tenemos este efecto acuarela con muchas marcas de pincel visibles. Aquí, las marcas de transparencia y pincel ya son similares a este campo. Se vuelve más transparente a medida que avanzamos y tenemos marcas de pincel en todos los campos. Aquí de nuevo, somos más transparentes para empezar. Se ve casi como esta zona aquí y en consecuencia, tenemos marcas de pincel en todos los campos. [ MÚSICA] Como se puede ver, no hay fórmula mágica a la hora de agregar agua. La viscosidad de las pinturas difiere de marca a marca y a veces incluso de color a color. La mejor opción es probar tus pinturas y conocer sus propiedades. Ahora, que ya hemos practicado la pintura con colores individuales, en la siguiente lección, usaremos múltiples colores y aprenderemos sobre conceptos básicos de la mezcla de colores usando colores primarios. Nos vemos ahí. [MÚSICA] 6. Cómo mezclar pinturas acrílicas: [ MÚSICA] Ahora que hemos echado un vistazo de cerca a nuestras puntas de bolígrafo y probado diferentes viscosidades. Pasemos a mezclar colores. Para el proyecto de clase, en realidad no tienes que saber mezclar colores, pero te hará más flexible y también te ahorrará mucho dinero. [ MÚSICA] Puedes mezclar todos los colores de la rueda de color de los tres colores primarios, cian, magenta y amarillo. Ahorrarás dinero porque no tienes que comprar tantos colores. Es fascinante ver cómo se mezclan los colores y se crea uno nuevo. Al experimentar, encontrarás nuevas combinaciones de colores, y un gran beneficio es que los colores mezclados basados en los mismos tres colores armonizan muy bien. [ MÚSICA] La rueda de color es una herramienta de la teoría del color. Muestra qué colores tienen que mezclarse para crear otro color y también te ayuda a encontrar combinaciones de colores armoniosas a juego. Para pintar una rueda de color se necesitan los tres colores primarios. Los colores primarios a menudo se describen como los colores que pueden mezclar todos los demás colores. Esta es una definición muy simplificada porque definitivamente es imposible mezclar todos los colores que se pueden ver con solo tres pigmentos de color primario. Originalmente, rojo, amarillo y azul, se percibían como los colores primarios perfectos. Pero esta teoría se basó en la luz y no en pigmentos. Con la invención de pigmentos sintéticos, fotografía color e impresión en color, estos tres colores fueron reemplazados por amarillo, magenta y cian. Con cian, magenta y amarillo, puedes cubrir una gama de colores más amplia y mezclar colores más brillantes como este verde aquí. Si no tienes cian, magenta y amarillo, aún puedes hacer la rueda de color con cualquier otro de esos colores. Porque el cian es solo un azul y magenta específico que tiene cierto rojo. [ MÚSICA] En lugar de hacer una rueda de color clásica con la brújula, pintaremos muestras de color, que también podemos arreglar en círculo. El beneficio es que podemos usar las muelas de color más tarde cuando creamos nuestra paleta de colores. También haremos un ejercicio donde ordenamos los colores por su valor tonal de claro a oscuro. Eso es lo que las tarjetas de color también son útiles. Para mi rueda de color, uso verdadero amarillo, rojo vino, y azul cobalto de una marca muy económica llamada Goya Cretan. Los colores en realidad se ven muy similares a los magenta y cian de otras marcas. Por el bien de la simplicidad, ahora los llamaré cian y magenta. Necesitarás al menos 12 tarjetas en blanco para tu rueda de color, sin embargo, siempre corté un poco más para que tenga suficiente en caso de que quiera volver a pintar una tarjeta o crear muestras adicionales. papel de acuarela barato funciona muy bien para esto. Mis tarjetas, son ocho veces 10 centímetros. El tamaño exacto realmente no importa, pero tener una dimensión decente es útil ya que es más fácil juzgar un color si ves más de él. Siempre dejo tres centímetros de espacio vacío debajo donde anoto los colores, nombres, y a veces incluso hago pequeñas pinceladas de pintura de los colores que he usado. Empecemos con la transición del amarillo al magenta. Siempre empiezo con el color más claro porque es más fácil oscurecer un color claro que aclarar uno oscuro, no necesitarías mucho color más claro para eso. Añado una pequeña cantidad de magenta a mi amarillo. Quiero conseguir primero un amarillo-naranja, luego una naranja, y finalmente un rojo-naranja. Quizás sea más fácil para ti mezclar el color secundario, primero el naranja y luego los colores terciarios, amarillo naranja y rojo-naranja. Al pintar las tarjetas de color, me aseguro de que la pintura se aplique manera más uniforme y opaca posible. Esto hace que sea más fácil ver el valor tonal del color más adelante. Si siempre limpias el cepillo a fondo antes de enjuagarlo, tu agua permanecerá limpia por más tiempo. El enjuague será más rápido y es mejor para el medio ambiente, y las alcantarillas. En ocasiones también uso un segundo recipiente de agua para limpiar los cepillos muy bien. Esto es muy importante ahora porque no podemos tener ningún magenta en nuestra mezcla de cian amarillo. Al transicionar del amarillo al cian, enormemente importante comenzar con el color más claro que es amarillo y añadir solo una manchada de azul. El azul tiene una fuerza de tinte tan alta. Esta vez, pinto mi muestra de color de inmediato. Pero a medida que sigo mezclando, rápidamente me doy cuenta de que mi amarillo-verde es demasiado amarillo. Entonces viene una bonita hierba verde. Para el azul-verde, limpio el pincel primero porque quiero muy poco amarillo en esta mezcla. Por cierto, cuida que mezcle color suficiente porque es muy molesto si tienes muy poco. Aquí, casi me he quedado corto. Me gusta bastante la gradación del azul al verde, pero no me golpeé tan bien el amarillo-verde. Esa es la belleza de las muestras de color. Sólo puedo pintarme uno nuevo, y cambiarlos. Para la transición del cian y magenta, estoy tomando un pincel fresco porque mi agua ya está demasiado sucia para limpiar el cepillo de uso a fondo. Empecé con mi magenta, y poco a poco agrego azul. Primero, mezclo rojo-violeta luego violeta, y finalmente azul oscuro. Con el azul oscuro, hay que probar la cantidad de púrpura que puedes mezclar sin que se convierta en púrpura, pero lo más azul oscuro posible. Siempre pinto mis muestras de color justo sobre el borde al no tener un borde blanco. Puedo más adelante, mejor comprobar cómo coinciden los colores, porque puedo tenerlos justo al lado del otro. Aquí tenemos la rueda a todo color. Ahora puedo tratar de mezclar color negro. Esto es realmente una cuestión de práctica porque hay que obtener la relación correcta entre los tres colores primarios. Esta vez me llevó bastante tiempo hacerlo bien. Hago muestras adicionales con la pintura restante y ahora estoy mezclando los tres colores primarios entre sí y con blanco para conseguir colores apagados y pastel. Si tienes otros tubos de pintura, ahora es un buen momento para hacer tarjetas de color de esas también. Es muy importante anotar los nombres de los colores que usas en la muestra de color para que puedas remezclarlos más tarde, sobre todo si usas tres pigmentos u otros colores que los causa primaria será realmente difícil si no te acuerdas. A veces también me gusta hacer manchas de los colores que utilicé como recordatorio visual. La mezcla de colores es un gran ejercicio para calentarse y aflojarse. Es juguetón y divertido y siempre hay algo nuevo por descubrir. Estoy deseando ver tu rueda de color. Por favor, toma una foto y subirla a tu proyecto de clase. En la siguiente lección, hablaremos de un elemento extremadamente importante de diseño, valor tonal. Sin embargo, necesitarás tus muelas de color de nuevo, en la lección posterior a eso, donde estaremos hablando del valor tonal de los colores. Nos vemos ahí. [MÚSICA] 7. Del negro al blanco: valor tonal: [ MÚSICA] Bienvenido a la segunda parte de esta clase. En las siguientes tres lecciones aprenderás sobre algunos principios útiles. En primer lugar, ignoraremos el color por completo y solo miraremos en blanco y negro para aprender sobre el valor tonal. Entonces en la siguiente lección descubriremos cómo se relacionan el valor y el color, y después de eso, usaremos ese conocimiento para crear una paleta de colores para nuestro proyecto de clase. Entonces, en primer lugar, ¿qué es el valor? Valor define la ligereza u oscuridad de un elemento o área de una imagen en una escala del blanco al negro. blanco representa el valor más ligero y negro el valor más oscuro. [ MÚSICA] El valor es responsable del contraste, la forma y la profundidad. Nuestros ojos se sienten atraídos por las áreas de mayor contraste de valor. Estas son las áreas donde la luz y la oscuridad están justo al lado del otro. Ahí es donde miramos y podemos aprovechar esto para guiar los ojos del espectador a los puntos focales. Por lo que podemos asegurarnos incluir deliberadamente contraste de alto valor en varios lugares de la imagen para crear puntos focales y guiar al espectador a través de la obra de arte. En completa oscuridad, no podemos distinguir ninguna forma. Tan pronto como la luz entra en juego, aparecen valores, creando una impresión tridimensional e informándonos sobre la textura del objeto. El valor es importante para la percepción de la profundidad espacial. Las cosas en la distancia tienen menos contraste y valores más similares porque ya hay mucha atmósfera intermedia. Es decir, valores similares hacen que las cosas se vean más distantes. Fuerte contraste, por otro lado, hace que las cosas aparezcan más cerca. [ MÚSICA] Sí. Si bien tal vez no nos enfoquemos en una reproducción exacta de una forma o en una impresión realista de profundidad espacial, como por ejemplo, en una pintura paisajística, el valor tiene su propio derecho e importancia. Da a la imagen abstracta tanta estructura y profundidad y dirige el caso del espectador a través de la imagen con la ayuda del contraste de valor. [ MÚSICA] Ahora pintaremos una escala de valor de blanco a negro en 10 incrementos. No es tan fácil conseguir incluso gradación ya que las pinturas acrílicas se secan un poco más oscuras, por lo que es un excelente ejercicio en mezclar pinturas. Como guía, voy a configurar mi primer intento frente a mí, y para ti, he preparado una plantilla para imprimir. Le grabé dos tiras de 10 plazas cada una porque quiero probarlo dos veces. Primero empiezo con el color blanco puro y agrego solo un poco adolescente de negro. El negro tiene una fuerza tintadora muy alta, por lo que hay que tener mucho cuidado no ir demasiado oscuro de inmediato. Cuando te acerques al negro, posible que tengas que limpiar esposible que tengas que limpiarun poco el pincel para que no haya tanto blanco en él y puedas conseguir colores más oscuros. Entonces lo intento de nuevo, pero esta vez pasando de negro a blanco. Notarás que se necesita más color claro para aclarar un color oscuro que al revés. Ahora es el momento de otro intercambio de pinceles porque el mío ya está tan lleno de color que es difícil conseguir los valores de luz correctos. Si un parche no sale del todo de la manera que debería, solo pinta sobre él de nuevo. Ahora puedes dividir los valores en tres grupos. Valores de luz, valores medianos y valores oscuros. [ MÚSICA] Si sientes que tu imagen carece de este cierto algo, muchas veces tiene que ver con la distribución de valor. Se puede ver que tenemos un área amplia aquí con tonos medianos muy similares. Ahora, he estructurado el área de tono medio usando collage, oscurece aún más el color más oscuro y añadido elementos contrastantes en otros lugares. Ahora veamos el color resultante. Se puede ver que el contraste de valor es más importante que el color. Porque a pesar de que tenía un fuerte contraste de color entre los colores de cortesía, naranja y azul en la primera imagen, la imagen era bastante aburrida. [ MÚSICA] Aparte del contraste de valor, también hay muchos otros tipos de contraste. contraste, después de todo, es por definición, una fuerte diferencia. Crea variación en nuestra imagen y hace más compleja e interesante. También podemos sostener la atención del espectador por más tiempo porque solo hay más por descubrir. [ MÚSICA] Ahora estamos hablando de un contraste de cantidad. Sesenta a 30-10 es principio de diseño que se utiliza, por ejemplo, en el diseño de interiores cuando se trata de color. Pero también podemos aplicar este principio para ajustar las proporciones de nuestros tres grupos de valor para que el diseño sea más emocionante. Tenga en cuenta que los porcentajes no están poniendo piedra, sino más bien una directriz para crear fuertes diferencias. Por ejemplo, podemos utilizar principalmente valores de luz, algunos valores oscuros, y muy pocos valores medianos. Para tener una sensación por el principio de proporción de valor, ahora crearemos tres pequeñas imágenes. En cada pieza usaremos un valor muy ligero, un valor medio y un valor oscuro. He hecho un par de bocetos para esto, y voy a transferir uno de ellos tres veces en mi papel de acuarela. El papel está pegado a mi estera de corte y lo he dividido en cuadrados de igual tamaño. La composición debe ser relativamente simple ya que este no es un reto de dibujo. Puedes trabajar con los círculos, rayas u otras formas geométricas. No obstante, es útil si usas formas similares para que no estemos distraídos por el contraste de la forma. En cuanto a la distribución de las zonas, he tratado de apegarme al principio de mayoría a algunos a muy poco. Yo uso el blanco como el valor más ligero, negro como mi valor más oscuro, y un valor medio, gris. Como resulta más adelante, es mejor usar un gris muy claro para el valor más ligero y no el blanco puro. Ya me he asegurado en los dibujos que las áreas tengan diferentes tamaños, y ahora distribuiré los valores tonales de manera diferente en cada imagen. Por ejemplo, empezaré haciendo gris la zona más grande media en la primera imagen. Entonces en el segundo, usaré el color gris para el área mediana, y en la tercera imagen, lo usaré para el área más pequeña, luego hago lo mismo con los otros dos colores. Esto no se trata de pintar las áreas lo más exactamente posible, pero tampoco queremos ningún gradientes en los bordes. He tenido que recortar mis fotos porque uso blanco puro por el valor más ligero, y sin la cinta, no se podía ver ninguna diferencia con el resto del papel. Ahora, se puede observar donde se mira primero. ¿ Existe un solo punto de enfoque? ¿ O tu ojo se mueve alrededor en la imagen? En general, se puede decir que primero mira el área con mayor contraste de valor, y luego en las zonas menos contrastadas. También se puede conseguir una sensación de profundidad, como en esta imagen aquí, que me recuerda al espacio exterior con planetas que están más cerca y más lejos apareciendo iluminados o no, y se puede notar cómo el estado de ánimo básico de la imagen cambia debido a la diferente distribución del valor tonal. [ MÚSICA] Ojalá, estos ejercicios te hayan mostrado la importancia del valor y cómo puedes usarlo para cambiar el estado de ánimo de la imagen y dirigir el ojo del espectador. En la siguiente lección, descubriremos cómo se relacionan el valor y el color. Nos vemos en un poco. [MÚSICA] 8. Cómo se relacionan el valor y el color: [ MÚSICA] En la última lección, hemos hablado de valor tonal. Cuando solo estás mirando diferentes tonos de gris, es relativamente claro qué es una luz y qué valor más oscuro. Pero cuando se trata de color, ya no es tan fácil. Básicamente, cada color tiene un valor tonal. La mayoría de la gente reconocería este azul como un color con un valor oscuro y este amarillo como un color con un valor claro. Pero con otros colores, ya no está tan claro. Ver el valor de un color es algo que aprendes con el tiempo y la práctica. Pero por ahora, empecemos definiendo algunos términos que necesitamos a la hora de hablar de color. Tono, saturación y brillo. matiz se refiere al color puro en su saturación más alta. Es lo que queremos decir cuando decimos color, por ejemplo, rojo, amarillo o verde. saturación se refiere a la intensidad de un color. Aparece un color completamente desaturado en gris. Desaturamos un color mezclándolo con un color complementario o un color neutro, como el blanco, gris o negro. Eso hace que el color sea más apagado o aburrido. El valor se refiere a la ligereza o oscuridad de un color. Puedes cambiar el valor de un color creando tintes, tonos y tonos. Un tinte es un color que se ha mezclado con el blanco. Los tintes tienen un valor más claro que el color puro. Un tono es un color que se ha mezclado con el negro. Los tonos tienen un valor más oscuro que el color puro. Un tono es un color que se ha mezclado con blanco y negro, es decir con gris. Dependiendo de las proporciones de blanco, negro y los tonos de color originales pueden tener un valor más claro u oscuro que el color original. Los tonos son desaturados, colores más sutiles que se pueden combinar fácilmente con otros colores. Ahora, echemos otro vistazo a la rueda de color. Esta vez en escala de grises. Se puede ver que los colores tienen diferentes valores, pero también se puede ver que los diferentes colores pueden tener el mismo valor. Aquí, por ejemplo, verde y naranja. [ MÚSICA] De hecho, primero miramos el área de mayor contraste de valor. Independientemente del color o del tema, color es menos fuerte que el valor. Si bien estos colores se ven bastante diferentes aquí, los valores tonales de beta y verde son idénticos y el neón, rojo y el gris también son muy similares. Esta zona es a primera vista en realidad solo percibida como un trazo grueso. Echemos otro vistazo al contraste, forma y la profundidad, ahora en términos de color. rojo neón y el rosa neón tienen un valor similar y casi se perciben como un solo trazo. Tales combinaciones tienen su propio atractivo, por supuesto. Pero si todo es igual, se vuelve aburrido. En blanco y negro, definitivamente no se ve mucho. Lo que realmente destaca es este derrame cerebral. Aquí es donde miramos primero, estos bordes aquí. Aquí es donde paseamos. Al principio, no vamos a mirar aquí, estas tiras aquí, también son interesantes porque hay contraste de valor para esos, el contraste de forma y tamaño. [ MÚSICA] En la última lección, ya hemos establecido los valores tonales importantes para percibir la forma. Si usamos el mismo valor para todos los lados de un cubo de tres colores sobre un fondo coloreado, el cubo se mezclará justo en el fondo cuando eliminemos el color. No obstante, si ajustamos los valores tonales usando tintes y tonos, la forma sigue siendo visible en blanco y negro. [ MÚSICA] Las gradaciones tonales son importantes cuando se trata de profundidad espacial. Al asignar diferentes rangos tonales, claros, medianos u oscuros a tu primer plano, tierra media y fondo, creas una sensación de profundidad en tu superficie bidimensional. Presta atención al valor tonal de tu color. [ MÚSICA] Es hora de hacer un poco de ejercicio. Para ello, necesitaremos las muestras de color que hicimos para la rueda de color. Utilizaré colores mixtos adicionales de los colores primarios y blanco también. También puedes usar la escala de grises que hicimos en la lección 7 para ayudar a determinar los valores tonales de los colores. Para ello, solo manténgalo justo al lado tu color y compara el brillo. Ahora, necesitas un lugar no soleado uniformemente brillante y un fondo blanco que no distrae de las cartas. Las muestras de color deben estar todas secas porque recuerdas, pinturas acrílicas se secan un poco más oscuras. Ahora, arregle las cartas de la luz a la oscuridad acuerdo a su supuesto valor tonal. Cuando hayas terminado, toma una foto, convierte la imagen a blanco y negro en tu teléfono o computadora. De esta manera podrás ver los valores de los colores y comprobar si has adivinado correctamente. El menú probablemente se ve un poco diferente en tu dispositivo. Selecciono la “Imagen”, voy a Editar y toca este pequeño ícono con tres círculos que significa color. Entonces tengo que desplazarse hacia arriba para llegar a la opción, medio blanco y negro. Asegúrate de usar una conversión de color que sea lo más normal posible y que no aligere las áreas claras ni oscurezca las áreas oscuras. Ahora cambia alrededor de las muestras y vuelve a tomar una foto. Consulta los valores en blanco y negro hasta que encuentres el orden correcto desde el valor más claro hasta el más oscuro. Puedes guardar la última foto para referencia futura. Ahora, divida las muestras de color en tres grupos, valores claros, medianos y oscuros. Nuevamente, se puede tomar otra imagen de referencia para su uso posterior. [ MÚSICA] Utilizo este método con bastante frecuencia cuando estoy armando una paleta de colores. Quiero asegurarme de que elijo colores con valores claros, medianos y oscuros. Pero también durante la pintura al decidir qué color usar a continuación, y quiero asegurarme de que el siguiente color tenga un valor diferente. [ MÚSICA] En la siguiente lección, vamos a elegir colores de cada uno de los tres rangos de valores, luces, medios y oscuros, para crear una paleta de colores para tu proyecto de clase. No te preocupes, si tienes muchas muestras con valores medianos y oscuros. Son muy pocos los colores puros que tengan un valor de luz justo fuera del tubo. Pero como saben, se puede aligerar el valor del color agregando blanco, es decir mezclando tintes. Nos vemos en la siguiente lección. [ MÚSICA] 9. Crea una paleta de colores: Hola otra vez. Por ahora, puedes determinar el valor de un color, sabes sobre la importancia del contraste de valor. Hablemos un poco sobre teoría del color y cómo armonizar los colores. Entonces armaremos una paleta de colores. No hay reglas universales. Nuestro trasfondo cultural y personal influye en cómo percibimos el color. Un color que desencadena ciertos sentimientos o evoque recuerdos para ti, puede tener un efecto completamente diferente en otra persona. Lo que percibimos como anticuado, retro, o moderno, se basa simplemente en nuestra experiencia visual, eso es lo que vemos en la vida cotidiana. Por ejemplo, cuando era niño, era impensable usar rosa y rojo juntos. Eso definitivamente ha cambiado. En resumen, no hay bien ni mal cuando se trata de combinaciones de colores. A pesar de que no hay un bien o un mal, puedes usar la teoría del color en armonías de color específicas para encontrar combinaciones de colores visualmente atractivas que tengan un contraste agradable. Estas armonías de colores son especialmente útiles a la hora de armar una paleta de colores, pero también pueden ayudarte cuando haces un balance de los colores que ya utilizas en tu pieza y estás buscando un color que coincida bien. El esquema de color monocromático utiliza solo un color y se mezcla con blanco, gris y negro. En el esquema de color complementario, se utilizan colores que son opuestos entre sí. Los colores complementarios son los colores más diferentes y por lo tanto tienen un alto contraste. Se neutralizan entre sí. Puedes usarlos para mezclar colores apagados o incluso gris. El esquema de color dividito-complementario es una variación del esquema de color complementario. Aquí, se utiliza un color y luego los dos colores que están al lado del color opuesto. Por ejemplo, amarillo, azul oscuro y rojo-violeta. En el esquema de color análogo, se utilizan 3-5 colores que están justo al lado del otro. El esquema de color triádico utiliza tres colores que están igualmente espaciados en la rueda de colores. Por ejemplo, cian, magenta y amarillo. El esquema de color tetradic utiliza dos pares de cortesía. Por ejemplo, amarillo, verde y rojo, violeta y naranja, y cian. Me gusta acercarme al color de forma intuitiva y juguetona a través de prueba y error. Esto me permite encontrar combinaciones de colores que podría no necesariamente haber surgido si acabara utilizar los esquemas de color mencionados. Los colores que van bien juntos están relacionados de alguna manera como lo son, por ejemplo, los colores análogos. No obstante, hay un truco que convierte cualquier combinación de colores en una paleta de colores a juego, armonizando los colores. Hay dos formas de armonizar los colores. En primer lugar, con un color madre. Para conectar visualmente cualquier color, puedes mezclar una pequeña parte de un color, en este caso, rosa, en todos los demás colores que uses. Segundo, con un color barro o un negro cromático. Para este método, mezclas todos los colores de tu paleta para crear un color barro gris-marrón oscuro. Entonces agregas este color a todos los demás colores. No importa cuál de los dos métodos que elijas, obtienes colores que tienen algo en común y que los hace muy armoniosos. Aquí te damos algunos consejos para elegir colores. Usar colores que te gustan en este momento nunca es un error. Algunos colores son más fáciles de manejar que un gran número. Los colores neutros o apagados emparejan bien con los saturados y hacen que los colores audaces exploten aún más. Puedes, por ejemplo, pintar el 60% de tu imagen en tonalidades similares, usar colores neutros para otro 30%, y excelentes colores como un color complementario para el último 10%. A menudo encuentro mis combinaciones de colores por casualidad en un escritorio desordenado, en la naturaleza o mientras plegado la ropa. Simplemente mantén los ojos abiertos y toma una foto cuando veas un emocionante combo de colores. [ MÚSICA] Para tu paleta de colores elige 4-6 colores de tus muestras de color. Míralos en blanco y negro con la ayuda de un dispositivo digital para asegurarte de que tengas valores claros, medianos y oscuros. Tengo dos luces aquí, tres tonos medios que son más o menos idénticos, y este es mi valor más oscuro. Mis muestras de color se mezclan a partir de una variedad de diferentes colores. Para que coincidan mejor, voy a volver a mezclar los colores, pero ahora estoy usando menor cantidad posible de tubos de pintura diferentes. Los nuevos colores, por supuesto, se verán un poco diferentes a los de las muestras de color originales porque estoy usando diferentes colores base, pero remezclarlos exactamente no es el punto. Es importante que coincidan bien. Para ver cómo funcionan los colores juntos en una pintura, pinto muestras de color en una hoja de papel y me aseguro de que todos los colores se empalmen unos contra otros. Encuentro que a veces me gustan mucho mis muestras de color seleccionadas, pero luego simplemente no funciona en la pintura. Realmente me gusta esta combinación de colores en este momento. No estoy tan seguro de la naranja. El amarillo-verde aún no toca el azul ultramarino. Quiero ver cómo va eso con eso también. Estoy usando mi pincel sucio y el azul para armonizarlo con los otros colores. Eso me gusta aún mejor ahora. Ahora estoy haciendo nuevas muestras de colores mixtos. Ya que mi verde es el único color puro, agrego un poco de magenta y amarillo para armonizarlo con los otros colores también. Ahora mi paleta de colores está lista. Arriba, se pueden ver los colores originales, y por debajo de los armonizados. No me pegué exactamente a uno de los métodos mencionados para la armonización del color, pero lo importante es que todos los colores también tenían algunos de los otros colores en ellos. No tienes que hacer que el color armonice una ciencia, y no tienes que hacerlo en absoluto. Simplemente es bueno notar el método para que puedas usarlo siempre que lo necesites. A menudo me acerco al color de manera muy intuitiva y no me importa ningún concepto en absoluto. A veces me gusta el resultado y a veces no lo hago. De cualquier manera, he aprendido algo. También con pintura acrílica, siempre existe la opción de pintar sobre ella y comenzar de nuevo. En la siguiente lección, discutiremos el tamaño del papel, las ventajas de trabajar en serie, y prepararemos nuestro trabajo. Nos vemos. [MÚSICA] 10. Preparaciones: [ MÚSICA] Bienvenido a la tercera parte de esta clase. Primero prepararemos nuestro trabajo. Entonces te mostraré lo que es un visor y cómo puedes usarlo. Por último, hablaremos de por qué trabajar en teorías es tan útil. Por cierto, el punto de partida para esta clase, somos trozos de papel de 10 centímetros de ancho que casi terminaron en un papel residual. Pero eso habría sido una lástima. Empecé a hacer cuadros pequeños. Al final resultó, la combinación del pequeño tamaño y la sensación de no usar material valioso, somos bastante esenciales para el éxito de las piezas. Espero que esto funcione también para ti. [ MÚSICA]. Aquí tengo el formato que me gusta trabajar con 10 veces 10 centímetros. Por supuesto que puedes trabajar un poco más grande, pero duplicar la longitud lateral de 10 veces 10 a 20 veces 20 centímetros significa cuadruplicar el área superficial. He hecho algunas piezas con un área pintada de 13 veces 13 centímetros y funcionó con los mismos pinceles, pero ya estaba un poco en el límite superior para este estilo. Los cepillos más grandes no habrían lastimado. [ MÚSICA] Como mencioné anteriormente, me gusta llevar el papel a un trozo de cartón corrugado. De esa manera tengo bordes limpios, que por un lado se ve bien, pero también reduce el pandillo cuando el papel más delgado se moja. Como estamos usando papel más grueso, es más importante evitar que el papel deslice alrededor cuando pintas, dependiendo de la cantidad de margen blanco que quiera tener. Me superpongo la cinta entre 1 centímetro y 5 milímetros. Terminas con un área pintada de 8 a 9 centímetros de longitud lateral. Ahora, coloca las piezas en un grupo de cuatro sobre un trozo de cartón y pétalos hacia abajo. Asegúrese de que la superposición de papel y cinta, es aproximadamente lo mismo en todos los lados. Cepille suavemente la cinta con el dedo para evitar que la pintura se ponga por debajo tanto como sea posible. [ MÚSICA] Una vez que conozcas tu formato final, puedes hacer un visor. Para eso, necesitarás una hoja de papel en un color neutro. Mientras pintas, puedes usarlo para cubrir el área circundante y los trazos que van por encima del borde y mirar tu pintura como si estuviera en un marco. Esto te ayuda a determinar dónde podrías agregar algunos elementos. Voy a hacer otro visor de papel blanco. Utilizo una regla triangular para dibujar un cuadrado en medio del papel sea un poco más pequeño que el formato grabado para que no vea ninguna cinta en mi recorte. Si tengo nueve centímetros de cinta a cinta, hago el corte con 8.5 centímetros de longitud lateral hecho. Vamos a intentar eso ahora mismo. Encaja perfectamente. [ MÚSICA] Una ventaja de trabajar en serie es que te quedas suelto porque no estás tan enfocado en conseguir la única imagen perfecta. Después de todo, tienes varios intentos. Trabajar en serie acelera tu proceso de aprendizaje porque obtienes retroalimentación visual después de cada golpe. Por ejemplo, si tu trazo es demasiado ancho, puedes hacerlo menos ancho en la siguiente pintura. La serie también tiene sentido desde la perspectiva del espectador. Las imágenes están conectadas entre sí y nuestras variaciones sobre un tema similar a la música. De esa manera el espectador no tiene que involucrarse constantemente con algo completamente nuevo y puede descubrir lo que le gusta más fácilmente. ¿ Son las formas o los colores, o la disposición de los elementos? Usualmente trabajo en 3-4 de estas series al mismo tiempo. Porque por un lado, estoy bastante impaciente y me gusta usar el tiempo de secado y trabajar en otra cosa. Pero por otro lado, la serie también influyen entre sí y me dan nuevas ideas. Por último, quisiera añadir que esa cantidad conduce a la calidad. Simplemente no es realista creer que haces una pintura e inmediatamente terminas con una obra maestra. Pero las posibilidades de que termines con una pieza que realmente te gusta son mucho más altas si pintas cuatro simultáneamente. En la siguiente lección, hablaremos de los beneficios de trabajar en capas por encima de las limitaciones e imitación. [ MÚSICA] Nos vemos ahí 11. Pinta en capas: [ MÚSICA] Pintar en capas es emocionante porque hay transparencia y solapamientos y se puede crear profundidad visual y jugar con mostrar y ocultar cosas. También reduce la presión de conseguirlo perfecto e impulsar tu creatividad. Lo que es tan hermoso de la pintura acrílica es que puedes tener tantas capas como quieras. No tienes que conseguir todo bien la primera vez. Si simplemente no funciona puedes cubrirlo y empezar de nuevo como lo hice aquí. La textura que ya se ha construido no duele en absoluto, cambio hace que la pintura sea aún más interesante. Al no tener en mente un resultado final específico, puedes potenciar tu creatividad con cada trazo de pincel, con cada nueva capa, creas un nuevo punto de partida. Constantemente necesitas decidir cómo quieres seguir y dónde quieres colocar tu próxima marca. A veces las cosas simplemente no funcionan como se pretendía. El trazo no está lo suficientemente suelto, no está bien colocado. Todos los colores como en este caso demasiado transparentes. Aquí está este color verdoso que es creado por la superposición de amarillo y azul y no me gusta en absoluto. Al principio se podría pensar ay, ahora lo estropeé. Pero entonces solo sigues adelante porque esos son los momentos en los que realmente puedes practicar la resolución creativa de problemas porque ahora no tienes nada que perder. Puedes salir de tu zona de confort y probar algo nuevo. [ MÚSICA] El proceso que te mostraré en las próximas lecciones implica una secuencia específica de pasos en cuanto a aplicación de pintura y herramientas. Hay innumerables otras combinaciones posibles pero realmente vale la pena atenerse a estas pautas al menos una vez. Las restricciones no sólo reducen la sensación de abrumador sino pueden ocurrir cuando te enfrentas a una abundancia de posibilidades. Las limitaciones también estimulan tu creatividad porque tienes que explorar las posibilidades dentro de estos límites. Al principio cuando estás aprendiendo algo nuevo, es muy útil imitar el proceso de otra persona, seguir los pasos de otra persona para avanzar más rápido. Entonces podrás adaptar el proceso a tus necesidades y a tu estrella. Porque a menudo mejor sabemos lo que no queremos en lugar de lo que realmente queremos. Podrías, por ejemplo, cambiar el orden de las capas, usar diferentes herramientas de pintura o probar otro tamaño. Eso es todo en lo que respecta a las capas, imitación y la limitación . En la siguiente lección vamos a iniciar el proyecto de clase. Estamos usando un cuchillo de pintura o una tarjeta de plástico para crear la primera capa de marcas expresivas. Estoy ansioso por ello. Vamos. [MÚSICA] 12. Marcas expresivas: pintar espátula: ¿ Estás listo para tu proyecto de clase? Por último, estamos empezando. Para la primera capa, vamos a usar una paleta o una tarjeta de plástico para crear fuertes marcas expresivas. Pero antes de hacer eso en nuestras obras de arte finales, hagamos un poco de ejercicio de calentamiento para tener una sensación por las herramientas y las marcas que pueden hacer. [ MÚSICA] Usaremos pintura sin diluir directamente del tubo y necesitamos una buena cantidad, papel de acuarela de 200 gramos funciona muy bien como base, pero también podrías usar bolsas de papel viejas, por ejemplo. Empecemos con el cuchillo de pintura y prueba cómo afecta la diferente presión a las marcas. Puedes presionar la Espátula con fuerza y tirar de ella hacia abajo. Esto te dará áreas transparentes, pero también más gruesas en los bordes. También puedes dejar que se deslice suavemente sobre el papel para obtener una capa de pintura gruesa, esto funciona especialmente bien si inclinas la paleta hacia el papel para que puedas esparcir la pintura con la superficie de la paleta. Puedes cambiar entre uno y otro. Eso es presionar con fuerza, reducir la presión, y luego construirla de nuevo. De esta manera puedes variar la transparencia de tus marcas. Puedes mover la espátula muy lenta o rápida e impulsiva, puedes hacer líneas rectas o curvas. Puedo empezar recto, hacer una curva, cambiar de dirección, retroceder por el otro lado, y luego girar hasta que tenga una marca que me guste. También puedo volver a entrar y añadir algo de pintura. Sí, ahora tengo una marca bastante compleja. Como se puede ver, también puedo acumular una cresta de dolor empujando la espátula que para apretar la pintura añadir. Ahora esto tendrá que secarse de la noche a la mañana. Hagamos una segunda página, esta vez con la tarjeta de plástico. El lado estrecho de mi tarjeta tiene aproximadamente la misma longitud lateral que mi cuchillo de pintura. Yo usaré esa. Recoge algo de pintura y haz el mismo ejercicio que antes. Presiona fuertemente hacia abajo, deslízalo ligeramente. Obviamente, mi tarjeta está un poco doblada por lo que las aplicaciones de pintura e incluso varían la presión, se mueven rápidamente con mucha pintura, hacen curvas, y combinaciones aleatorias. Cuando se trata de manejo y marcas, la tarjeta es muy similar al cuchillo de pintura, y también se puede cortar a la mitad para hacer marcas más pequeñas. Vamos a recapitular. [ MÚSICA] Puedes experimentar con presiones, velocidad y dirección. [ MÚSICA] Para la primera capa de tu proyecto de clase, escoge un color de la paleta de colores que creaste en la Lección 9. No importa si tu primer color tiene valor claro, medio u oscuro. Ya he mezclado mi color y ahora hago mis marcas con bastante rapidez. Eso ya es todo. Aquí hay otro ejemplo. Con esta capa, es importante mezclar mucha pintura para que tengas suficiente para hacer capas más gruesas. Antes de bajar el cuchillo de paleta, a veces visualizo el trazo y dejo que mi mano flote sobre el papel. También traté de obtener un poco de variación en ella. Si no me gusta una marca, traté de hacerlo de manera diferente la próxima vez. Debido a que este es un formato más grande, uso una tarjeta de plástico en lugar de mi pequeño cuchillo de pintura. Aquí vamos. Un consejo rápido sobre la composición. No coloques involuntariamente tu marca exactamente en el centro o simétricamente a través de la página, eso llamaría mucha atención. Difícilmente podrías mirar a otro lado. Puedes, por supuesto, volver a repasar la marca, agregar algo de pintura y cambiarla. Pero tengo que decir por mi experiencia, por lo general no mejora. Aquí realmente siento que todo lo he trabajado. Será mejor dejar eso en paz por ahora. Dependiendo de qué tan gruesa aplique la pintura, puede tardar hasta unas horas hasta que la pintura esté completamente seca. Hacer la primera marca en una página en blanco es realmente increíble porque todo sigue lleno de posibilidades. Mezclar las pinturas suele tardar más tiempo en esta etapa porque hacer las marcas es tan rápido. Mi consejo es no cambiar demasiado las marcas en el principio porque entonces pierdes esa espontaneidad y te acaba de conseguir un gran golpe de color. También realmente no importa si te gustan las marcas o no. Esto se trata principalmente de empezar y tener algo con qué trabajar o trabajar en contra. Eso es lo que vamos a hacer en la próxima lección. Sin embargo, antes de continuar, por favor tome una foto de esta capa y subirla a su proyecto de clase. Nos vemos pronto. [MÚSICA] 13. Pinceladas audaces: En esta lección, vamos a crear dos capas usando un pincel grande. Para el ejercicio de calentamiento, puede utilizar cualquier papel como papel de embalaje o papel de acuarela. Empezaremos con pintura pura y un pincel relativamente seco para crear trazos de pincel opacos con bordes ásperos. Como contraste utilizará pintura acuosa altamente diluida en la siguiente capa. Para este ejercicio necesitarás un cepillo grande como este pincel plano o el pincel de pintores de la ferretería, o un cepillo de cerdas como este, puedes sumergir el cepillo en agua antes de usar esto para evitar que la pintura se seque cerca del feral, usa algún paño o papel de cocina para sacar al máximo el agua porque necesitamos el cepillo relativamente seco. Si tu pintura tiene una consistencia cremosa como esta, puedes usarla directamente del tubo. Si es demasiado grueso o pegajoso, puedes agregar un poco de agua que hacer tu marca. Estamos apuntando a un golpe bastante opaco con bordes ásperos, dependiendo de cuánto dolor tengas en tu pincel, ya sea obtendrás un golpe sólido o áspero. Puedes variar la forma en que estás sosteniendo tu pincel para que tus trazos se vean de manera diferente. Si lo sostienes muy cerca de las cerdas, tienes mucho control. Si lo sostienes más atrás, tienes menos control. Y de esa manera puedes crear trazos salvajemente a propósito. Puedes sostener el pincel como un lápiz o desde arriba para que el mango del cepillo esté debajo de tu palma. Además, puedes rotar el pincel y hacer todo tipo de movimientos para crear marcas interesantes. Por cierto, estoy haciendo esta aplicación de pie porque me permite mover el brazo más libremente. Y también puedo ver mejor lo que estoy haciendo. Puedes arrastrar el pincel lentamente para hacer trazos sólidos, o puedes moverlo rápido. Grandes marcas Rafa. Probemos con otro pincel. Siempre es bueno usar un pincel muy barato porque entonces puedes hacer todas las cosas que normalmente no harías con un pincel. Se puede, por ejemplo, presionar fuertemente hacia abajo para que el pecho de una propagación aparte y luego torcer y girar. Puedes hacer líneas muy enérgicas o poner el pincel hacia abajo con fuerza y simplemente untar la pintura. Si tengo pintura sobrante, extiendo sobre mi paleta y coloco papel de tisú con el lado brillante en la pintura mientras todavía está mojada, la pintura puede remojar a través de la base de papel. Entonces, si quieres evitar ensuciarte las yemas de los dedos, puedes poner una hoja de papel de repuesto encima mientras la suaviza. Y así es como excitan se ve cuando está seco, solo puedes pelarlo para revelar tu propio papel collage hecho a mano. Para resumir esto, puedes experimentar con velocidad, movimiento y agarre con pincel. Una vez que tengas una buena sensación para tus pinceladas, puedes abordar la segunda capa de tu proyecto de clase. Estoy usando este color verde aquí porque contrasta bien con el azul oscuro. Y estoy tratando de hacer drogas que cambien de dirección para proteger el medio ambiente y mantener su agua de pintura más limpia por un tiempo más largo. Primero, límpiate bien el cepillo, luego sumérjalo en agua y límpialo nuevo antes de lavarlo correctamente. Aquí, vuelvo a seleccionar un auto que proporcione un buen contraste de valor con el de abajo. Ya que este rosa sería demasiado similar en valor, usaré el rosa muy claro comparado con mi muestra de color, la pintura mixta se ve un poco más clara, pero ya que las pinturas acrílicas se secan más oscuras, es perfecta. Entonces cargo el pincel con mucha pintura. Tengo cuidado de no repetir la misma curva ni la dirección del trazo anterior. Por lo que traté de empezar desde un lado diferente y seguir una dirección diferente. Si dos pequeña pintura se mete en el papel, puedes repasarla otra vez. Mi pintura es un poco demasiado pegajosa y definitivamente necesito agregar un poco de agua para evitar pinceladas vacilantes. Practicé el movimiento sosteniendo mi mano ligeramente sobre el papel antes de hacerlos bien. Y sólo entonces bajé el pincel y en realidad lo hago. Desafortunadamente, mi pintura sigue siendo demasiado gruesa, así que repaso esto varias veces aquí, pero por lo general no mejora nada cuando haces eso, sin embargo, a veces simplemente no puedo evitarlo. Asegúrate de no cubrir completamente la capa anterior. Todas las capas deben ser parcialmente visibles hasta que termines. De esa manera mantendrás todos los valores tonales que elijas en tu paleta de colores y creas profundidad espacial para nuestra siguiente capa, queremos hacerla glaseada, que es una capa transparente de pintura acuosa. Empiezo agregando agua a mi recipiente con mi herramienta cuentagotas y luego solo uso la pintura sobrante que todavía está en mi pincel al principio, es mejor usar muy poca agua para que tú obtener una mezcla lisa sin grumos de pintura. Y luego puedes agregar agua y poco poco hasta que la mezcla gotea del pincel, carga tu pincel con el mayor dolor posible. El objetivo es conseguir diferentes transparencias. Esto es perfecto. Hay un área transparente en el medio y en los bordes la pintura corre juntas y es más opaca. Puedes dibujar tus líneas como quieras. Y como se puede ver, a diferencia de la última capa, esta vez los bordes son lisos. No tienes que pintar líneas perfectamente curvas, por supuesto. También puedes hacer manchas como esta o cualquier línea. Y también puedo añadir más pintura siempre y cuando esté mojada para crear áreas más oscuras. Otra opción es dejar que la pintura gotee sobre el papel. Puedes esparcir algo de ella y luego agregar más goteos. Por supuesto, también puedes volver a hacer trazos rápidos. Experimenta con tu agarre de pincel y crea divertidas manchas de color. Tenga cuidado al levantar el papel porque la pintura es muy moquea y va justo sobre los bordes. También hay que tener en cuenta que un color altamente diluido se convierte naturalmente en deslizador y más transparente. Eso no es tan notable donde la pintura se junta, pero cuando se aplica en una capa delgada, puede ver muy bien el fondo del papel o las capas de color que están debajo. Por supuesto, puedes agregar más pintura en ciertas áreas para lograr más cobertura. Pero básicamente la transparencia es la característica de esta capa. Para resumir esto, puedes experimentar con la cantidad de goteos de pintura y velocidad. Ya he mezclado mi siguiente color y ahora estoy agregando agua con un pincel, ya que este es un color claro que ya tiene una consistencia más delgada, un pincel de carga de agua es suficiente. Asegúrate de solapar deliberadamente trazos y evitar marcas que casi tocan estas áreas donde Marx casi toca atraen mucha atención. Si trabajas suelto, como nosotros, esto puede suceder de manera involuntaria, pero no te preocupes, ya que trabajamos en capas, después podremos arreglarlo si es necesario. En este caso, aún no he armonizado mi magenta con los otros colores. Por lo que agrego un pequeño toque de rojo y también pinto una nueva muestra de color. Aquí estoy poniendo unas gotas y no haciendo mi marca en un solo golpe. Aquí, dejé que el trazo se agotara un poco más delgado. Me atrapo trazando la línea rosa claro justo a tiempo y cambiar rápidamente la dirección. Después de todo, quiero ver partes de Egipto mis capas hasta el final, así que será mejor que no cubra todo. Por último, agrego dolor adicional en algunos lugares, tienen más variación en la transparencia. Simplemente me encantan esas pinceladas impulsivas. Agregan tanta diversión y obtienes un resultado que se ve genial bastante rápido. No olvides tomar una foto de cada capa y subirla a tu proyecto de clase. Creo que es tan interesante documentar el proceso de creación de una obra de arte, y realmente estoy deseando ver tu progreso. En la siguiente lección, lo vamos a tomar un poco más fácil y añadir algún patrón delicado. Nos vemos en un poco. 14. Patrones delicados y control de pinceles: [ MÚSICA] Después de todo ese marcado expresivo, despacio un poco. Estamos haciendo patrones delicados para crear contraste con los trazos audaces. Este contraste realmente suma mucho al atractivo de las pinturas. Al mismo tiempo, dibujar esos patrones gráficos con un pincel fino es un gran ejercicio para tus habilidades motoras finas y tu control de pincel. Incluso podría ser capaz de relajarse, y entrar en el estado de flujo mientras pinta. [ MÚSICA] Dado que esto puede llevar un tiempo, y estamos trabajando con una pequeña cantidad de pintura, ayuda a rociar la paleta con agua, vez en cuando para que la pintura no se seque. consistencia adecuada de la pintura es muy importante para esto. Añado un poco de agua a mi pintura. Debe ser lo suficientemente delgada como para salir muy bien del pincel, pero aún no demasiado transparente. Si es demasiado grueso o hay un trozo de pintura en tu pincel, no puedes dibujar líneas finas ni pares. [ MÚSICA] Para líneas finas, necesitas una punta de pincel fina. Ayuda a rodar el pincel en tu paleta de esta manera para eliminar el exceso de pintura que se ha empujado de nuevo hacia el feral. Ahora, puedes recoger una pequeña cantidad de pintura con la punta de tu pincel y dibujar otra línea fina. Tendrás que repetir este proceso muy a menudo. Hay todo tipo de patrones. Puedes probar líneas pequeñas que están directamente debajo de la otra, o puedes compensarlas un poco. Puedes hacer puntos, y para eso, tocas el papel muy ligeramente, pero también puedes presionar el pincel hacia abajo y hacer tales marcas. Para líneas cortas, puedes hacer el movimiento solo desde la muñeca, pero eso solo funciona hasta una cierta longitud. Es mucho mejor mover todo el brazo y mantener la mano y la muñeca estables. También puedes probar qué dirección es más fácil para ti. Tal vez sea más cómodo para ti deslizar el brazo hacia un costado. Pero ya sea a un costado o a tu cuerpo, de cualquier manera, puedes dibujar líneas más rectas más largas que si solo usas la mano y la muñeca. Lava tu pincel con frecuencia, para que la pintura no se seque cerca del feral. Ahí, empujaría las cerdas aparte y arruinaría el cepillo más rápido de lo necesario. Además de líneas paralelas, las líneas zigzag u ondas también son buenas prácticas para tus habilidades motoras finas. Si las líneas se vuelven demasiado gruesas, o bien estás empujando hacia abajo el pincel demasiado duro, o tienes demasiada pintura en él. En este caso, enjuáguelo bien y limpie el exceso de agua. Si quieres dibujar líneas más largas, es mejor sostener el pincel más atrás. De esa manera, está más inclinado hacia el papel, se puede hacer un movimiento más fluido, y también se puede ver mejor lo que está haciendo. No obstante, cuando estoy pintando pequeños círculos, por ejemplo, me resulta más fácil hacer líneas delgadas cuando el pincel está más erguido y para eso, lo sostengo más cerca del feral otra vez. Para obtener una mejor sensación por la transparencia de tus colores, podrías pintar encima de otros colores, por ejemplo, en tu hoja de práctica de paleta de colores. Si el color es un poco transparente, puedes aplicar una segunda capa de pintura sobre la pintura seca, pero tal vez esté bien si es transparente. Están en las reglas. [ MÚSICA] El estado de flujo, también conocido como estar en esta zona, es un estado mental donde estás completamente inmerso en una actividad, en mostrar el proceso y ocasiones incluso perder el sentido del tiempo. Pintar patrones es una gran manera de entrar en el estado de flujo porque ofrece la cantidad justa de reto. Necesitas enfocarte en la tarea que nos ocupa pero no es abrumadoramente difícil. Es ese equilibrio entre ser subdesafiado y sobredesafiado lo que es importante para lograr el estado de flujo. Adelante y haz algunos patrones. Estoy deseando ver tu hoja de práctica. [ MÚSICA] Se puede experimentar con la viscosidad y opacidad de la pintura, agarre del pincel y movimiento del brazo, patrones, y líneas paralelas. En cuanto a los patrones, tienes un par de opciones. Puedes usar solo un patrón y dejar las áreas blancas en blanco, o usar varios patrones en diferentes colores y rellenar todas las áreas blancas. Los patrones pueden parecer que están detrás o delante de los pincelados. Ya que no tengo ningún pastel al óleo en esta turquesa, usaré este color para el patrón, y este blanco crema para que el cofre se alinee. Estoy usando aquí un pincel nuevo que nunca se ha usado, y es bastante rígido. Primero hay que remojarlo en agua y luego se desprende la capa protectora, y las cerdas se vuelven suaves y flexibles. Voy a empezar con unas rayas aquí. Me gusta cuando las rayas se ven como si estuvieran detrás de la pincelada. estoy dibujando como si estuvieran hechos de una línea continua. Estas líneas siguen siendo lo suficientemente cortas como para sacarte de la muñeca y también ayuda a mantenerte alejado del café de antemano. Para la siguiente sección, cambio la dirección de mis líneas por 90 grados, y luego uso la pintura un poco más gruesa para hacer pequeños puntos. Estoy empezando a pensar que la turquesa podría ser demasiado oscura, así que mezclo una versión más ligera. En las otras dos fotos, he usado el patrón de rayas así. Porque no me gustan tanto los puntos claros y oscuros en el primero, aplico el nuevo patrón a esta imagen también conectando dos puntos a la vez para hacer líneas cortas. Este es un gran ejemplo de cómo las obras de arte en serie pueden influir y empujarse mutuamente hacia adelante. No tienes que hacer una gran área estampada, a veces solo tres marcas de pincel como esta pueden ser totalmente suficientes. Aquí, ya he trabajado con dos patrones amarillos diferentes, pero creo que esta pieza podría usar otro color. Como no quiero agregar un color completamente diferente, mezclo un rosa que está entre mi rosa claro y mi magenta. Resulta demasiado oscuro, así que trato de humedecer algo del color mientras todavía está mojado agregando un poco de agua. No funciona tan bien, pero me gustó bastante el efecto. Seguí usando esta solución de emergencia a propósito, y profundidad o patrones después de pintar. Aquí, todavía me falta un poco de contraste, así que sigo agregando marcas oscuras hasta que estoy satisfecho con la cantidad y forma de las mismas. A continuación, agrego trazos de pincel más ligeros en áreas de valores oscuros similares, para crear aquí también puntos focales interesantes. Terminado. Simplemente me encantan las tres primeras capas, porque son tan impulsivas y siempre necesito algo de tiempo para meterme en pintar los patrones pero una vez que estoy inmerso, tiempo solo pasa. Es realmente ese contraste entre los trazos rápidos y espontáneos y los lentos patrones reflexivos que puedes sentir en las pinturas que se suma a su encanto. ¿ Cómo se sintió por ti? ¿ Prefieres los golpes impulsivos, o estás más en casa con los patrones de control? Puedes escribir sobre tu experiencia en tu proyecto de clase, y no olvides agregar una imagen de esta capa. En la siguiente lección, vamos a volver a tomar un enfoque más suelto y sumar líneas gesturales. [ MÚSICA] Nos vemos ahí. 15. Spark Emociones: líneas Gestural: [ MÚSICA] Mira lo que has logrado hasta ahora tus pinturas ya tienen cuatro capas. Ahora vamos a sumar una línea gestual, esa es una línea donde se puede ver el movimiento que hicieron los artistas. Son muy espontáneos y grises para transmitir emoción. No obstante es un poco arriesgado y si ya me gusta mucho la pintura, muchas veces tengo miedo de arruinarlo y pasa que no estoy contento con el resultado. Pero por otro lado, estas líneas pueden convertirse en un elemento muy importante de la imagen y sumar tantos intereses que realmente vale la pena el riesgo. Además, todavía tenemos el collage en nuestro bolsillo trasero y podemos arreglar muchas cosas, así que seamos valientes. Nuestras pinturas viven desde el contraste. No sólo hay contraste de valor, sino también el contraste entre los diferentes trazos bien, hemos sido lentos y deliberados con los patrones, ahora podemos poner fuerza y emoción en nuestras líneas. La línea puede crear un fuerte contraste con el fondo o puede ser más sutil. A veces el efecto no es tan fuerte como se esperaba. Aquí por ejemplo, quería un poco de color amarillo en la imagen, pero la línea resultó bastante sutil, entonces el collage es una gran opción para agregar más elementos del mismo color. Una cosa a considerar al elegir una herramienta de dibujo es tu esquema de color. A veces agrego deliberadamente un color a mi esquema de color porque quiero usar un material particular como el trazador de líneas 3D aquí después de todo, estoy un poco más limitado con mis herramientas de dibujo porque puede mezclar colores. Si no lo planeé, y sólo quedan dos colores para mi esquema de color, lo primero que hago es echar un vistazo mis herramientas de dibujo para ver qué colores tengo disponibles y elegir el color para mi pecho línea y el color para mi patrón en consecuencia, para este ejercicio, pecho agarra algunos materiales de dibujo y papel de copia regular o una hoja de papel de acuarela y tratar hacer diferentes tipos de líneas. Por ejemplo, tengo estos marcadores acrílicos, puedo hacer grandes movimientos de barrido o pequeños, puedo dibujar garabatos o líneas en zigzag. Si quieres hacer marcas rápidas bastante audaces, es mejor que no uses liners finos. Es posible que no sobrevivan pasando la superficie texturizada de tu pintura a alta velocidad al usar pinceles, hay que tener más cuidado con la punta también. También se asegura de que los colores sean ligeros rápidos, lo contrario se desvanecerán después de un corto tiempo en la luz. Los lápices de colores son geniales para jugar, puedes aplicar diferentes presiones para crear líneas claras u oscuras. lápices también son excelentes. Yo uso uno relativamente suave en seis B, puedes hacer tanto líneas delicadas como audaces o algo que parezca una firma. También me gusta usar estos trazadores de líneas 3D. Primero, las aprietas hasta que salga el color y luego puedes hacer líneas increíbles apretando constantemente. Por último hay crayones de cera o pasteles al óleo. Me siento muy cómodo con estos, me gusta la textura de las líneas y vienen en diferentes calidades. Por ejemplo, este es un pastel al óleo muy suave llamado pastel nuevo y hace líneas muy ricas, gruesas y también puedes mancharlas si te gusta. No siempre tienes que hacer grandes líneas en tu pintura, tal vez solo quieras agregar pequeños garabatos como este, o estás recibiendo pacientes rápidamente y te vas así. Estoy muy emocionado de ver tus líneas de rodar el pecho porque creo que es como la escritura a mano. Todo el mundo se ve un poco diferente, así que por favor publique tu hoja de práctica en el proyecto de clase, puedes experimentar con grosor y forma, densidad y presión, textura y velocidad. [MÚSICA] Sólo tengo dos colores para elegir que son sobrantes de mi paleta de colores. No me encantó la naranja en mi hoja de ejercicios de paleta de colores, pero tomo una foto y miro los valores de todos modos. Pero como ya he notado en menos de nueve, la naranja tiene un valor muy similar al verde y el turquesa por lo que no tiene sentido usarlo para las líneas texturales sobre exactamente estos colores, por lo tanto decidí usar baige. Antes de poner las líneas en papel, las visualizo y practico unas cuantas veces en el aire, luego respiro profundamente y simplemente lo hago. Traté de ir principalmente por las zonas oscuras de la imagen donde se puede ver muy bien el baige para encontrar el mejor lugar para mis líneas, primero tomo una foto y la cambio a blanco y negro. Ya tengo una distribución de valor bastante buena pero sobre todo en medio de la primera imagen, todo es más o menos el mismo gris medio. Ahí es donde una línea ligera se vería bien. Originalmente estaba planeando usar el negro en mi línea, pero no obtendría un muy buen contraste en muchos lugares, así que en cambio usaré el blanco para añadir una línea interesante en la zona rojiza rosa y guardar el negro para el collage. Visualizo y practico nuevo la línea en el aire y luego pongo la marca en el papel y si la dirección no se siente tan bien, solo roto mi papel para que pueda hacerlo movimiento fluido. A pesar de que esta línea es muy sutil, me gusta bastante. ¿ Todo salió bien? Estas líneas suelen ser buenas para sorpresas. Estoy deseando ver tu resultado de todos modos, así que por favor toma una foto de esta capa y súbalo a tu proyecto de clase. En la siguiente lección, vamos a analizar nuestras pinturas en términos de contraste de valor y ver si podemos mejorarlas. [ MÚSICA] 16. Collage y composición: Ya hemos creado muchos intereses visuales, y eso viene principalmente de jugar con contraste. Contraste entre impulsivo y controlado, entre bordes rugosos y bordes claros, grandes y pequeños, muchos y pocos, transparentes y opacos. Agregar elementos de collage es completamente opcional. También podrías agregar un patrón o más pintura con tu cuchillo de paleta. A lo mejor tus pinturas ya están terminadas y luego puedes saltarte este paso por completo. También es bueno saber cuándo parar. [ MÚSICA] Cuando ya me gusta pintar bastante, me vuelvo más cauteloso con cada capa. A veces surge una inseguridad repentina. El miedo a tomar una decisión equivocada que no puedo deshacer. collage es una gran manera de combatir ese miedo a cometer un error, porque mientras no lo hayas pegado, no es final, y puedes mover elementos y probar lo que se ve bien y qué no [MÚSICA]. Ahora demos un paso atrás y miremos cada una de las piezas. Yo uso mi visor para tener un área tranquila a su alrededor y mi teléfono o tableta para tomar una foto y mirar los valores en blanco y negro [MÚSICA]. Ahora presto atención a dónde va mi ojo y cómo se mueve a través de la imagen. Estas son las áreas de mayor contraste de valor. Puedo añadir elementos más claros u oscuros donde mis ojos no fueron tanto. Si voy a poner aquí este pequeño arco, el ojo se atraerá a este punto [MÚSICA]. Ahora antes de mostrarte cómo sigo en mi proyecto, quiero compartir contigo tres preguntas para ayudarte a analizar tus obras de arte. ¿ Tiene varias áreas con contraste de buena relación calidad-precio? ¿ Quieres agregar o más bien cubrir algo? ¿ Qué tamaño o forma no estás usando todavía? Todavía no me he dado por vencido de la naranja, y así que estoy probando unos pequeños trozos de papel aquí. Es bastante subjetivo, pero simplemente no me gusta. Creo que la imagen necesita algo oscuro sobre un fuerte contraste de valor, y este papel collage azul oscuro podría hacerlo. En ocasiones, hay que cambiar su plan porque no funciona como se esperaba. Sí, me gusta mucho mejor así. También puedes usar los elementos de collage para cubrir áreas como esta área fuertemente texturizada aquí. Para determinar dónde podría agregar algo más, busco primero áreas de alto contraste. Mis ojos van aquí, aquí, aquí, y aquí, así que realmente en todas partes excepto tal vez aquí. Creo que algo se vería bien en esta área. Estoy colocando aquí mi papel collage y lo movía hasta que me gusta la posición. Ahora, es el momento de pegarle todo. Si tu pincel ha estado en agua, primero debes secarlo para que no rigues por el medio. Me gusta sostener la pieza de papel hacia abajo con un dedo en un lado, levantarla, extender algún medio mate debajo de él, dejarlo caer hacia atrás y cubrirlo con medio mate en la superficie también. Entonces hago lo mismo con la otra mitad. Por supuesto, se puede hacer eso con piezas más pequeñas. Entonces hay que intentar colocar el papel collage exactamente donde lo quieras, porque es difícil moverlo una vez que haya tocado el medio mate o brillo. También uso el medio mate como un acabado sobre mis pasteles al óleo para que ya no se untan. Tenga cuidado sin embargo, al usar crayones solubles en agua. Entonces hay que tocar el medio con mucho cuidado y rapidez, porque la humedad en él activará el dolor y lo manchará [MÚSICA]. Cuando termines, es hora de despegar las cintas. Lo mejor es hacer esto muy lentamente. Pero aunque tengas cuidado, muy a menudo, levantarás parte de la superficie del papel. Si el papel collage pasa por encima de la cinta, hay que tener mucho cuidado. Cuando es lo suficientemente delgada, puedes rasgarlo muy lentamente. Pero tampoco hace daño usar una regla y presionar hacia abajo firmemente mientras tira la cinta. De esa manera, puedes evitar rasgarte en la imagen. Si la pintura es un poco más gruesa, no trataría de rasgarla. Eso simplemente no funciona muy bien con pinturas elásticas. En tales áreas, es mejor trabajar con una regla y un cuchillo de utilidad y cortar un poco cuidadosamente en la pintura. Aquí funciona muy bien. Si la cinta se desgarra o el papel empieza a rasgarse, empiezo de nuevo desde el otro lado. Eso suele ayudar a evitar daños mayores [MÚSICA]. Es difícil evitar las lágrimas por completo, pero hay una cosa que ayuda a ese medio. Hace un excelente papel aquí. Simplemente lo cepillas bajo la lágrima y luego con una ligera presión sobre él para que la capa de papel se pegue otra vez. También puedes presionarlo sobre cualquier otra área donde las fibras de papel se hayan levantado levemente. Intenta averiguar en qué dirección tienes que mover el pincel para moverte mejor por las fibras. Cuando esté seco, no verás casi nada. Enhorabuena, lo hiciste. Espero que estén contentos con sus obras de arte y estoy deseando verlas tanto. Por favor comparta una foto conmigo y con los demás alumnos. Si aún no has creado un proyecto de clase, es un buen momento para hacerlo ahora. También puedes hacer preguntas allí o comentar sobre el trabajo de otro estudiante. En la siguiente lección, te daré un breve resumen, algunas ideas sobre lo que puedes hacer con tus obras de arte y cómo seguir aprendiendo. Nos vemos allí [MÚSICA]. 17. Reflexiones finales: [ MÚSICA] Espero que hayan disfrutado de esta clase y hayan aprendido mucho de ella. Hemos cubierto mucho terreno desde el primer paso hasta la obra terminada. Vamos a recapitular. La primera parte de la clase fue sobre lo básico. Echamos un vistazo en profundidad a nuestro material de trabajo, las pinturas acrílicas, estudiamos sus propiedades, las usamos en diferentes viscosidades, y aprendimos los fundamentos de la mezcla de colores. En la segunda parte, nos enfocamos en el concepto de valor. Aprendiste qué es el valor tonal, cómo reconocerlo en colores, y cuán importantes son los contrastes de valor para una imagen exitosa. Por último, utilizaste este conocimiento para crear una paleta de colores para tu proyecto de clase. La tercera parte de la clase fue dedicada al proyecto de clase. Al principio, preparamos nuestro trabajo, hablamos de trabajar en serie y pintar en capas. Después analizamos la variedad de marcas que podemos hacer con diferentes herramientas de pintura. Practicaste cada una de esas marcas y trabajaste a través de tu proyecto de clase capa por capa. En el proceso, trajiste mucho contraste con las pinturas, lado por el uso del valor tonal, por otro lado, a través las marcas y las herramientas que utilizaste. Por último, analizamos nuestras obras de arte en términos de contraste de valor y terminamos el diseño con elementos de collage. [ MÚSICA] En esta clase, has adquirido muchos conocimientos básicos. Lo que te he mostrado es un buen punto de partida para más experimentos. Podrías probar trazos y gradientes multicolores, fondos de colores, papeles de collage diferentes, o incluso objetos cotidianos como esponjas, materiales de embalaje, o herramientas de cocina para hacer marcas y patrones como muestro en otra de mis clases. Si te gusta esta clase, también podrías disfrutar de estas clases. Siéntase libre de hacer click en mi nombre, y este es mi perfil. Además, no olvides presionar ese botón “Seguir” para que te avisen cuando publique una nueva clase. Si tienes alguna pregunta, puedes publicarlas en la sección Discusión, haré todo lo posible para responderlas. ¿ Qué hago con mis obras de arte? Las pinturas se ven especialmente bien cuando obtienen un pasaporte también y el marco. Ya sea en la estantería, en la pared o en el lugar de trabajo, estas pequeñas obras de arte siempre hacen un gran ojo. También puedes agregarles cotizaciones inspiradoras o usarlas como tarjetas de felicitación, tal vez incluso te inspiren a hacer mucha obra de arte, o realmente profundizas en ella y convertirla en un proyecto de 100 días que tú compartir en redes sociales como lo hice yo. Lo más importante que debes quitarte de esta clase es la alegría de la pintura y la experimentación lúdica. El juego es tan importante para la creatividad. Cuando estás jugando, no tienes un resultado en mente, no te pones presión sobre ti mismo, y estás abierto a la abundancia de posibilidades. Espero que hayas disfrutado de esta clase y te hizo querer crear tus propias obras de arte abstractas. Si te gustó, me encantaría que dejaras una reseña y además no olvides subir tus proyectos de clase para que todos podamos admirar tu trabajo. Si compartes tu proyecto en redes sociales, podrías etiquetarme en cornelia_zb_design. Me alegra que te hayas unido a mí. Gracias por ver y participar. Nos vemos la próxima vez. [MÚSICA]