Pintar para ilustrar: crea ilustraciones finales a partir de elementos pintados a mano en Photoshop

1. Introducción: ¿ Alguna vez sientes que vas a arruinar un cuadro incluso antes de iniciarlo? La página blanca que te mira fijamente? Yo también. Hola. Soy Laura Lantieri y soy ilustradora y diseñadora con sede en Londres. Como ilustrador autodidacta, desde hace años he estado absolutamente aterrorizada de la página blanca. Siempre pensando que en cuanto ponga mi pincel abajo esa hermosa imagen en mi cabeza desaparecerá. Eso es al menos hasta que descubrí cómo componer mis elementos pintados a mano en Photoshop para crear ilustraciones finales. En esta clase, vamos a crear una hermosa ilustración de naturaleza muerta utilizando elementos pintados a mano para luego transferirlos a Photoshop. Empezaremos eligiendo nuestros objetos y materiales, pasaremos por el proceso de mezcla de color, poniendo lápiz y pincel al papel, y luego traerlos para divertirnos un poco y moverlos juntos en Photoshop. Te mostraré consejos y trucos que uso en el camino teniendo en cuenta las mejores prácticas cuando planeas digitalizar tu trabajo en papel y cosas a considerar cuando estás editando tus elementos en Photoshop también. Al final de esta clase, tendrás una hermosa ilustración de naturaleza muerta que podrás agregar a tu portafolio, convertirte en un out-print, compartir en redes sociales, imprimir en un paño de cocina, las opciones son interminable. También podrás aplicar las habilidades aprendidas en esta clase a otras formas de ilustración, desde el diseño de patentes hasta imágenes detalladas más complejas. Esta clase es ideal para cualquiera que quiera aflojarse, aliviar la presión del proceso de pintura y ponerse cómodo trabajando entre formatos analógicos y digitales. Si bien esta clase es adecuada para estudiantes de todos los niveles de experiencia, se requiere algún conocimiento de Photoshop. En la siguiente lección, veremos cómo elegir nuestros objetos y empezar con el proceso. No puedo esperar a trabajar con ustedes en este proyecto. Empecemos. 2. Tu proyecto de clase: Tu proyecto para la clase de hoy es crear una sencilla ilustración de naturaleza muerta pintando elementos sobre papel, y luego componiéndolos para hacer una hermosa imagen terminada en Photoshop. El enfoque es aflojarse y ponerse cómodo haciendo imágenes aquí, sin presión. Elegí este proyecto divertido y sencillo porque puedes encontrar objetos en tu propia casa y usar cualquier material de pintura que tengas a mano. Te recomiendo elegir 4-5 objetos. Siéntase libre de pintar más o menos, pero no menos de tres. Busca diferentes formas, tamaños, texturas, y niveles de detalle, ya que esto ayudará a que tu composición final sea visualmente interesante. Si estás atascado por ideas, puedes trabajar en un tema como la comida y la bebida. Aquí te dejamos algunos temas sugeridos que me gusta pintar. Frutas y verduras. Esta es una gran opción ya que suelen ser realmente fáciles de encontrar aunque no estén ya en la cocina. alimentos envasados y los artículos de tocador, son grandes temas también. Pueden tener una tipografía fantástica que puede ser divertida de replicar, y tener un montón de detalles gráficos interesantes. Siempre puedes simplificar las etiquetas si te sientes abrumado. Recuerda, la licencia artística es clave aquí. Si eres como yo, tienes libros tirados por ahí en casi todos los rincones y rincones de tu casa, elige uno favorito que te inspire. La cerámica y los artículos de cocina son maravillosos temas de naturaleza muerta. Ellos fácilmente disponibles formas identificables y hacen que cualquier mesa sea atractiva, además de que son un motivo clásico de la naturaleza muerta. Las flores y las plantas son siempre una adición atractiva a una naturaleza muerta. Si te gustaría pintar botánico, estos son definitivamente para ti. Mi consejo es pintar lo que más te interesa. Esto implica para cualquier cosa ilustrar. Pero es bueno notar que en este proyecto, realmente no importa lo aleatorios que estén juntos los objetos, hará para una composición dinámica más interesante. Los objetos que he elegido para mi bodegón una cebolla humilde, una cuchara de madera, me tallé a mano amorosamente y gané muchas ampollas al hacerlo, una vela de invernadero bellamente centrada, un portalápices escultórico muy único, del artista británico Pablo Bronstein, y mi vermut favorito, Berto Bitter, un rojo tan brillante y me encanta el sello. Encontrarás un resumen de los materiales y recursos extra cubiertos en esta clase bajo la pestaña de proyecto y recursos, incluida una guía paso a paso para iniciar tu proyecto de clase. También he incluido fotos de mis objetos si prefieres seguir conmigo para cada paso del camino. Recuerda subir tu progreso a la galería de proyectos continuación para obtener comentarios y compromiso con tus compañeros a medida que avanzas. Agarra tus objetos y prepárate para la siguiente lección. 3. Materiales: Voy a correr rápidamente por los materiales que estaré usando para esta clase. A partir de nuestro bosquejo, estaré usando un lápiz HB ligero. Pero para fines de manifestarme en cámara, voy a estar usando este Palomino Blackwing. También estaré usando una goma de borrar, ya sea amasable o una goma de borrar estándar. En realidad no importa, ambos funcionan. Algunos prefieren amasable sólo porque todavía puede mantener una semblanza de una línea. Tendré una olla de agua y una toalla de papel para borrar mi pintura. Estaré usando Winsor y Newton Gouache. Siempre tengo un tubo bastante grande del blanco permanente porque tiendo a atravesarlo un poco más. Después una selección de colores aquí. Las pinturas Winsor y Newton son geniales porque son realmente cremosas y los tubos duran bastante tiempo. Aquí también tengo papel de desecho para mi bocetos y también un trozo de papel de acuarela de chatarra para probar los colores a medida que los mezcla. Lo que me lleva a mi paleta, una paleta realmente sucia en este momento. Pero como puedes ver, es solo un plato de cerámica. Obtuve esto por 50 peniques en una tienda de caridad en Cornwall. Entonces cualquier cosa servirá, pero también puedes usar paletas de plástico si lo prefieres. Estaré usando una selección de pinceles de punta redonda, como puedes ver aquí, en diferentes tamaños. Van de cero a 12. Tengo los pinceles de letras de paloma Peggy Dean, que son realmente geniales. Tienen una buena punta delgada para que puedas conseguir mucha cobertura y luego llegar a un buen punto. Entonces solo algunos pequeños pinceles asequibles de Cass Art. Este es un cero, así que realmente bueno para muy fino detalle que a veces me gusta hacer. Otra opción de un pincel asequible es la marca Daler Rowney. Por último, estaré usando un papel liso de acuarela Cass Art. Este es un papel prensado en caliente, por lo que no tiene el mismo diente que un prensado en frío. Prefiero el liso para pintar con Gouache. Pero si estás pintando con acuarelas, quizá prefieras un poco más de textura, completamente a ti. Sólo una cosa a tener en cuenta que cuando estás pintando con la intención de digitalizar una obra sobre papel, el diente a veces puede ser más difícil de quitar en Photoshop después. Para transferir mis elementos pintados a Photoshop, estaré usando un escáner Canon. obstante, si no tienes acceso a un escáner, puedes usar una cámara o un teléfono inteligente. Tan solo asegúrate de tomar fotos con buena luz natural. Si prefieres no usar lo que estoy usando, puedes elegir cualquier pintura, marcadores, bolígrafos de pincel, lápices, o lápices de colores que te gusten. Te recomiendo papeles que sean al menos 300 DSM para medios húmedos o un papel cartucho de calidad decente para medios secos, y una cámara o escáner fino para tomar imágenes de tu trabajo. Reúne sus materiales y en la siguiente lección, echaremos un vistazo al color. 4. Elige el color: En esta lección, vamos a elegir nuestros colores antes de empezar a pintar. Hay dos cosas que quiero que tengas en cuenta a la hora de elegir color para tu proyecto. En primer lugar, lo grandioso de una naturaleza muerta es que literalmente puedes usar los colores que ves frente a ti. Por supuesto, puedes pintar manzanas moradas y naranjas azules si quieres disfrutar de un enfoque más lúdico a una paleta de bodegones. El segundo punto a considerar es que estarás trayendo tus elementos pintados a Photoshop al final, esa herramienta mágica que puede volver a colorear tu obra de arte. Photoshop es una gran manera de aliviar la presión de la paleta votando parte de tu proceso ya que puedes jugar con cosas como tonalidad y saturación y volver a colorear manualmente los elementos más adelante. Dicho esto, sí te recomiendo que intentes crear una paleta con la que estés bastante contento, ya que significa que tendrás más control sobre tus resultados y también menos trabajo que hacer después. Si ninguno de estos se siente cómodo para ti, te recomiendo armar un tablero de Pinterest de las paletas de colores que naturalmente gravitas hacia. Otro consejo que tengo es dar un pasear por tu tienda de suministros de arte favorita y escoger algunos lápices o marcadores que salten y llamen la atención. Ponlos juntos y ver cómo te sientes. ¿ Estos colores crean el estado de ánimo que buscas? ¿ Son sometidos, brillantes, de inspiración vendimia, de alto contraste? Contesta esas preguntas y luego piensa, ¿esto se siente bien para ti y tus objetos? Si te encuentras completamente atascado, elige un solo color favorito y trabaja en monótono. Solo asegúrate de que estás dando a cada objeto diferentes tintes y tonos para la varianza, lo contrario, la composición final se verá un poco plana. El enfoque que estoy usando para mi bodegón es usar los colores que guardé ante mí en mis objetos y para realzarlos o retocarlos como me sienta bien. Ahora que he mirado los colores en mis objetos, voy a poner mis pinturas en mi paleta, que he limpiado para ti. Una lista de los colores que estoy usando están disponibles en los recursos de clase adjuntos en la pestaña Recursos. Usaré pequeñas cantidades para empezar y luego mezclaré cantidades más grandes cuando esté contento con los colores. Voy a mezclar los colores para mi cebolla primero. Si le echo un vistazo a mi cebolla, puedo ver que por ahí hay algo de marrón anaranjado, y también algunos pequeños toques de verde claro. Voy a tratar de crear un color con el que estoy contento que esté bastante cerca de la cebolla, pero también solo se siente bien a mi ojo. Cuando mezcle colores, es mucho un proceso de prueba y error y muchas veces, seguiré gritando hasta sentirme feliz, que es lo que voy a hacer aquí. Estoy mezclando un ocre amarillo con algo de mi amarillo permanente profundo y hasta un poco de amarillo Nápoles. Yo quiero crear unos tonos dentro de la cebolla, solo para pensar mientras pinto, y eso voy a hacer ahora. Ya sé por delante de pintar qué colores busco en mi paleta. Yo quiero crear un poco más de esa naranja-ness y también un poco más de la granulosidad dentro de la cebolla. Sólo tendré una jugada con eso. Como ya he dicho, sólo seguiré gritando hasta que me sienta bien por un color. A veces sucede realmente rápido y otras veces se necesita un poco más de trabajo, por lo que es solo parte del proceso. El cucharón de madera es realmente similares tonos cálidos, pero ahí hay un poco de tonalidad granulada, y obviamente este color beige. Quiero usar colores similares a la cebolla para que haya consistencia, como ocasionar mi pintura. Pero también quiero pensar en agregar algo de grano a veces en detalles. A veces hago líneas finas solo para saber que realmente son líneas de detalle para mi pintura en lugar de las grandes muestreas para esta muestra en color. Esa es mi cebolla y mi cuchara de madera. Ahora bien, si miro mi vela, no pensé que la iba a pintar en un tono cálido, marrón oscuro y había una gradación de color aquí que me gustaría lograr en mi pintura. No obstante, ahora que pienso en los colores que ya tengo, no quiero que esté demasiado dominado por el marrón, y me gustaría compensar ese color con otra cosa. Voy a tratar de hacer un color gris-azul oscuro que creo que va a funcionar bastante bien, y entonces, podría poder atar eso con uno de los lápices que se sienta en el portapuntas. Con este azul ultramarino, suena un poco contra-intuitivo, pero voy a coger un toque de blanco solo para que sea un poco más opaco antes de profundizarlo con el negro, que le sumará el tono gris soy después. Siempre es bueno cuando estás mezclando para solo agregar un poco de pintura a la vez. De lo contrario, como hice eso, justo entonces sentí que añadí demasiado negro, y luego tienes que pasar por más pintura para conseguir el color que quieres. Me gusta mucho ese azul. Se siente como si fuera un poco de color enunciado, y lo que puedo hacer es también agregar un poco de blanco para crear varianza en el objeto. Para mi portalápices, hay este precioso grano de olivo y algunos otros colores que probablemente pueda reutilizar de la paleta que ya tengo. Por ejemplo, estos tonos amarillos granulados coincidirán con la parte superior de esto, y el beige que he creado para mi cuchara de madera, también podría usar para mantener esa consistencia a lo largo de toda la pintura. Sé que vamos a armar las cosas más tarde, pero mientras estamos haciendo nuestra muestra de color, es genial pensar en cómo los colores podrían relacionarse entre sí entre los objetos. Voy a mezclar un poco de verde oliva y un poco de gris. Ahora, debido a que este es un efecto de mármol en la escultura, voy a bajar mi muestra, pero voy a añadir un poco de agua para darle casi un efecto acuarela, que es como aparece en el objeto. Para las hinchadas grises que pasé de mármol también, voy a recoger algo de ese color que mezclé para una cuchara de madera líneas de detalle y solo mezclar un poco de vino en eso y ver cómo se ve eso para mis reflejos grises, y yo creo que eso va a funcionar. No son realmente destacados, ¿verdad? Pero ya sabes a lo que me refiero. Por último, voy a echar un vistazo a mi Berto Bitter. Ahora, el líquido en sí es bastante vibrante, así que voy a tomar el rojo directamente del tubo y luego mezclar un poco de negro oscuro en los detalles para la etiqueta en la tapa. Nuevamente, porque el líquido es translúcido, voy a aplicar un poco de agua extra, y así es como voy a pintar. Genial. Estoy realmente contento con eso. Otra cosa que he descuidado mencionar es el fondo de la etiqueta en el Berto Bitter. Nuevamente, realmente quiero tener tonos neutros que se empaten a través de todo el cuadro. Voy a recoger este color beigey que estoy usando en mi cuchara de madera y también la escultura portalápices. La única otra cosa que aún no he considerado aquí es cómo voy a acercarme al vaso de la botella de Berto. Normalmente me gusta usar un color azul muy, muy diluido para pintar vidrio porque ya tengo azul en mi paleta. Voy a conseguir el poquito más pequeño de ella y añadir mucho blanco y hacer un lavado muy ligero a la hora de pintar eso. Parece mucho, pero es sólo porque me gusta ensayar un poco justo. Aquí está mi paleta para mi pintura, y me referiré a eso a lo largo de pintar mis objetos. Ahora que hemos repasado el proceso de color, vamos a pintar. 5. Pinta tus elementos: Antes de empezar a pintar, normalmente me gusta bosquejar mis objetos primero. Me da un mejor sentido de las formas básicas y de lo que podría necesitar una atención extra. También me permite pensar la fuente de luz y en la posición en la que quiero que estén los objetos. Entonces voy a empezar dibujando bastante crudamente mis objetos. Aquí solo estoy marcando el reflejo de luz principal. Entonces voy a seguir adelante y seguir de la misma manera para cada objeto. Ahora he esbozado mis cinco objetos. Conforme he ido, he dibujado flechas sólo para recordarme la fuente de luz. he posicionado todos en el mismo lugar de mi escritorio y he hecho estas formas de burbuja, justo como recordatorio cuando pinto dónde está la línea. En la cuchara de madera, es increíblemente sutil porque es un objeto más pobre. Entonces lo tendré en cuenta cuando pinte, pero puede que no sea tan obvio como decir una reflexión sobre el brillo o sobre la cerámica. Con la cerámica, habrás notado que la dibujé una vez y luego no me gustaron las proporciones. Entonces lo he dibujado de nuevo y es mejor porque es un objeto difícil en cuanto a escala de proporción y perspectiva. Lo más probable es que dibuje eso con un lápiz más ligero y mi pintura. Mencioné en los materiales que una necesidad de goma de borrar es genial para esto si muestro como ejemplo, entonces puedo mucho lejos. Algunas de las líneas con lápiz más ligero serán aún más sutiles antes de que deje de pintar. De acuerdo, ya estoy listo para empezar a pintar. Por lo que tengo a mi lado mi boceto para referencia así como el objeto que encuentro a veces un boceto me ayuda a simplificar el objeto en mi mente. Por lo que es bueno referirse de nuevo a ella. También es donde he hecho mucho el pensamiento visual. Voy a usar mi pincel talla 8 y bajar mi color beige inicial. Entonces ahora que tengo la forma básica abajo, voy a entrar y añadir alguna variación tonal. Puedo ver que hay algo de naranja en la parte superior y en la parte inferior desde donde estoy buscando y en las hendiduras. Pero también hay algo de verde amarillento aquí. Entonces voy a volver a caminar eso también. Voy a tomar un pincel más pequeño ahora, número 2 y dejar de poner algunos detalles. Yo quiero un color oscuro para eso. Voy a crear un punto culminante para donde señalé mi burbuja de reflexión en mi boceto. Quash puede manejar algunas capas. No obstante, si estás trabajando en otro medio, podría ser mejor dejar esa parte del papel en blanco antes de pintar las secciones más ligeras, sobre todo si estás usando algo transparente como la acuarela. Ahora no estoy súper contento con cómo se ve esto con los aspectos más destacados. Entonces voy a volver y trabajar encima de esta pintura está seca. Ahora que está mojado, no va a mejorar conmigo trabajando una y otra vez. Entonces pasaré a mi siguiente objeto y volveré a eso más tarde. Ahora esto es un poco incómodo, pero no me preocupa demasiado porque podré limpiarlo más tarde en Photoshop. Tengo aquí mi pincel muy fino para dejar de pintar el texto en la etiqueta. Si bien hay más textos en la vela que eso, he tomado la decisión de simplificarla, porque realmente no puedo caber en todos los detalles de la etiqueta. Entonces lo voy a dejar en eso por ahora y voy a limpiar esas líneas en el exterior del frasco cuando la traiga a Photoshop. Puede que vuelva más tarde y añada algunos detalles más cuando se seque si siento que es necesario. Ahora voy a volver a mi cebolla y tratar de arreglar ese pequeño lío. Con la cuchara de madera, primero voy a sentar mi color beige y luego construir con los colores más oscuros en la parte superior. Sólo para que sea más fácil decir el beige donde necesita ser igual. He decidido tener puesta mi cara de cuchara de madera. Por lo que a la hora de unir mi composición en Photoshop, probablemente tendrá que apoyarse en otro objeto de mi composición para tener sentido visual. Por lo que he bosquejado mi portalápices y también mi botella de Berto Bitter. Probablemente sea un poco demasiado débil para que lo veas en pantalla. Sólo para que tenga una mejor idea de estos objetos más complicados en la página. Voy a bajar mi color beige ahora. Al estar pintando, estoy pensando en cómo estas imágenes se traducirán en Photoshop. Si el color es demasiado ligero, podría ser difícil recogerlos en un escaneo o fotografía y distinguir ese color de la página. Si quedan líneas de lápiz en la página, va a significar más limpieza digitalmente más tarde también. Voy a pasar a mi botella de Berto y voy a empezar primero con el vaso. Por lo que usaré un pincel completo un poco más pequeño, redondo porque hay algunos bordes pequeños a los lados para llegar. Aquí verás Estoy usando un color realmente claro, que será un poco más difícil de trabajar dentro de Photoshop más adelante como mencioné. Pero te mostraré cómo me muestro esto en las próximas lecciones. Por lo que mis elementos pintados ahora están hechos. Se puede ver aquí en el portalápices, incorporé algunos de los colores de los objetos en los lápices. Entonces la naranja de la cebolla, el azul de la vela, y el rojo del Berto Bitter. Estoy bastante contenta con cómo se juntan los objetos. Antes de seguir adelante, voy a pintar muy rápidamente un fondo de lavado para la mesa y la pared, que imagino que estará detrás de mis objetos. Eres bienvenido a pintar lo que te parezca conveniente. Estoy contemplando un mantel y una pared angustiada al fondo. Por lo que a continuación, los escanearemos en Photoshop. 6. Importa a Photoshop: Ahora que hemos pintado elementos, necesitamos meterlos en Photoshop. Como mencioné anteriormente, si no tienes un escáner puedes tomar fotos de tus hojas individuales de papel con una cámara o un smartphone y solo asegúrate de que esas fotos sean tomadas buena luz natural sin ninguna sol extremo o sombras. En la siguiente lección, repasaré cómo podemos limpiar nuestros elementos en Photoshop y el método será en gran medida el mismo. Estoy usando un escáner Canon y normalmente escaneo en la configuración de la foto. Voy a entrar en la Configuración aquí para mostrarles en qué puse mi escáner para obtener la mejor calidad posible. Tengo una foto y luego he elegido la opción de color y usando el tamaño original de A4, que es el tamaño de mi papel, he elegido la resolución más alta posible, que en este escáner es de 600 dpi. Esto significa que en realidad puedo duplicar el tamaño de la imagen original ya que 300 dpi es resolución completa. Esto significa que si trabajo en A4, realidad puedo escanear la imagen en 600 dpi y luego volar esa imagen a tamaño A3 para una impresión de alta resolución. Una vez que he establecido mis ajustes, solo escaneo en cada hoja individual con mis elementos y luego mi fondo. Se abrirá automáticamente una ventana una vez que el escaneo esté completo y solo voy a abrir esa imagen JPEG con Photoshop. Una vez que lo traigo a Photoshop, solo necesito comprobar que el escaneo esté claro, no esté borroso o cualquier distorsión que no pueda arreglar más tarde. Entonces hago zoom un poco y tengo una rápida vez más que todo parece bien. Por ejemplo, aquí puedes ver que hay algunos puntos en el papel, pero los puedo limpiar más tarde y te voy a mostrar cómo hago eso, y todo lo demás se ve bastante bien. Voy a volver a mi escáner y continuar el proceso con las siguientes dos hojas de papel en las que he pintado. También me estoy asegurando de que no haya líneas de lápiz rotas que necesiten ser borradas. Si es así, voy a sacar el papel del escáner, borrarlo rápidamente, y luego escanear gratis la imagen. Simplemente me hace la vida un poco más fácil cuando estoy trabajando digitalmente en esta etapa. Ahora que he escaneado mis tres hojas de papel separadas con todos mis elementos en Photoshop, estoy listo para pasar a la siguiente fase y comenzar a limpiar mis elementos. 7. Limpia tus elementos: En esta lección, vamos a limpiar nuestros elementos y separar cada uno en una capa diferente para trabajar con más facilidad en Photoshop. Antes de empezar, voy a abrir un nuevo documento a partir de mi composición de bodegones. Quiero que mi archivo sea bastante grande así que no estoy limitado con cómo lo uso más adelante. He decidido por un lienzo cuadrado que es de 5,000 por 5,000 píxeles. Mantendré en modo de color RGB por ahora. Ahora, voy a volver a mi primer escaneo y duplicar mi fondo para poder cortar el papel blanco. Si trato de hacer esto directamente con el diseño de fondo, Photoshop me pedirá que llene el área eliminada con el color, que no quiero. Para duplicar, estoy presionando Comando J en mi teclado. Ahora, ocultaré mi capa de fondo y usaré la herramienta Varita seleccionando Comando W para seleccionar el fondo de papel blanco. Yo quiero asegurarme de que contiguo esté comprobado aquí para que la Varita no recoja en ningún píxel blanco dentro de los objetos, solo el papel blanco continuo a su alrededor. Ya puedes ver las hormigas marchantes alrededor de mi papel y a lo largo de los bordes de mis objetos y marcas de pintura, lo que significa que se selecciona la parte blanca de la imagen. Antes de presionar Eliminar, voy a asegurarme de que todo esté seleccionado y que no haya píxeles blancos serpientes todavía colgados en los bordes de mis objetos, para que pueda tener un corte lo más limpio posible. Para ello, iré a Seleccionar, Ampliar, y voy a expandir por dos píxeles. Entonces golpearé Shift F6 para abrir la caja de selección de plumas, que suavizará los bordes de los elementos restantes cuando corte el blanco. Vamos a plumas de un píxel. También puedes acceder a la herramienta Pluma yendo a Seleccionar y luego Pluma. Ahora estamos listos para golpear Delete. Se puede ver por el gran fondo de tablero de ajedrez blanco que esta zona donde estaba el papel ahora es transparente. He golpeado al Comando D para sacar de mi papel las hormigas marchantes, así que sólo puedo reevaluar lo que queda. Como puedes ver en mi capa, todavía hay algunas cosas que no quiero incluir, entre ellas algunas marcas de pintura de prueba y algunas manchas que recogí antes cuando había escaneado en mis imágenes. También hay una línea débil en la parte inferior de la página del escaneo que necesita ser eliminado. A medida que elimines estos elementos, voy a usar mi herramienta Lasso y solo circula alrededor de las secciones que necesito luego eliminar. El atajo para el Lasso es Comando L. Ahora que lo he hecho, solo quiero asegurarme de que todo sí se vea bien y voy a caer en un fondo oscuro listo para comprobar. Estoy creando una nueva capa aquí. Simplemente arrastraré debajo de mi capa superior para luego llenar el espacio negro o usar Command J para obtener mi herramienta Paint Bucket y llenaré esa segunda capa. Ya puedo ver si un par de bordes difusos o pequeñas motas de blanco de las que quiero deshacerme, y voy a seguir adelante y hacer eso ahora. Porque estas pequeñas motas y trozos difusos que no quiero llevar conmigo más tarde, solo voy a golpear Comando D para conseguir mi borrador y dar la vuelta y borrar cuidadosamente algunas de las secciones y suavizar los bordes. También puedes ver estos pequeños trozos de blanco que se atrapan dentro de la piel de la cebolla. Voy a agarrar de nuevo mi herramienta Varita, acercar realmente de cerca, e intentar capturar esos píxeles con mi Varita. Ahora estoy más feliz con eso, así que voy a copiar esa capa superior y pegarla en mi documento de vida muerta que he creado. En este nuevo documento, voy a asegurarme de haber seleccionado mi capa 1 y voy a separar individualmente cada uno de esos objetos en sus propias capas para que sean más fáciles de trabajar con más adelante. De nuevo, agarraré mi herramienta Lasso y giraré alrededor o golpearé Comando X para cortar la selección que he realizado. Entonces tocaré Command Shift V para pegar esa selección de nuevo en el mismo lugar, pero en una capa separada. Ahora que la cebolla está hecha, voy a volver a la capa uno y voy a dar un círculo a los otros dos objetos y hacer lo mismo. Podría mantener la cuchara de madera en la capa 1 ya que es el último objeto que queda de los tres que estaban en esta página. No obstante, si te muestro con la función de transformación haciendo clic en Comando T, puedes ver aquí que la capa no se limita solo a los límites de la cuchara. También incluye los píxeles vacíos a su alrededor de la capa original que copiamos. Me parece un poco confuso dejar todo ese espacio alrededor del objeto y un poco más limpio cortar el morir del objeto final y darle su propia capa en su lugar y eliminar la capa original cuando haya terminado. Antes de pasar a mi siguiente página de escaneo, voy muy rápidamente a etiquetar cada capa con el nombre del objeto, por lo que mantiene mis capas organizadas y fáciles de manejar. Pasado a la página 2, y voy a seguir más o menos el mismo proceso, pero voy a cambiar un par de cosas. Como pueden ver, cuando golpeo el botón Wand, es muy difícil para la herramienta Wand distinguir la diferencia entre el fondo del papel y el fondo azul muy pálido del vidrio Berto Bitter. Voy a tener que quitar esto manualmente de mi selección del papel usando la herramienta Lasso. Me resulta un poco más fácil hacer estas secciones más complicadas con una tableta Wacom donde tengo un lápiz, pero es alcanzable con un ratón y lo he hecho con un ratón muchas veces. Sólo se necesita un poco más de paciencia. Una vez que estoy razonablemente feliz con mi botella de vidrio, voy a ir alrededor del papel y esta vez voy a limpiar los puntos y marcas extra que hice láser al final antes de borrar nada. Voy a seguir adelante e incluirlos en mi selección de hormigas marchantes. En este punto estoy listo para expandir y afinar mi selección y para eliminar el fondo. Ahora voy a volver a caer en un fondo negro para poder revisar los bordes de mis objetos y limpiar los pedacitos desordenados que he dejado atrás. Nuevamente, voy a copiar mi capa limpiada a mi documento de naturaleza muerta y separar cada objeto en diferentes capas y renombrarlos. Los elementos finales que necesito limpiar son para mis antecedentes. Para esta página, debido a que solo son grandes balanceos de color lavado, voy a usar la herramienta Carpa rectangular, y voy a copiar esas dos selecciones a través. No estoy demasiado preocupado por distorsionar estos elementos porque son solo lavados abstractos en el fondo, así que puedo estirarlos aquí para que quepan el Canvas. He caído ambas capas al fondo de mis objetos en mi panel de capas. estoy agrupando golpeando al Comando J y re-titulando ese fondo. Agrupamos mis cinco objetos de la misma manera para que estén cada uno en sus propias y ordenadas carpetas. Ahora que he hecho todo esto, solo quiero agregar una capa de ajuste, solo para sacar un poco la pulpa de los colores. Cuando escaneo, a menudo encuentro que los colores se pueden silenciar un poco de la luz brillante del escáner, y solo quiero ajustarlo para que haya un poco más de contraste y un poco más de brillo en las imágenes. Solo estoy agregando una capa de ajuste de niveles y levantando un poco la oscuridad. Creo que eso se ve mucho mejor a los objetos. Arrastraré esa capa de ajuste a la parte superior de mi panel de capas por encima de mis objetos, y voy a comprobar rápidamente que cuando encienda mis elementos de fondo de la pared en la mesa, que se vean bien con ese ajuste de niveles como bien. Mientras estoy en ello, también voy a limpiar los lados del tarro de velas, que mencioné mientras estaba pintando y me ha estado arqueando un poco en el proceso. Eso lo voy a hacer ahora. Simplemente voy a transformar rápidamente el objeto para que sea tan recto como quiero que esté en el papel. Usando mi herramienta Mover, golpeando Comando V, voy a hacer clic en mi regla izquierda y arrastrar algunas guías hasta el borde de mi vela sólo para poder guardar está midiendo bastante recto en el Lienzo. Eso se ve bastante bien. Ahora, voy a acercar, y usando mi herramienta de marquesina rectangular, solo voy a dibujar un rectángulo muy delgado a lo largo del borde de mi tarro a cada lado y luego presionar Eliminar. Con mi borrador, sólo voy a cortar los bordes que se dejan un poco afilados a eso. Entonces me siento mucho más feliz con cómo se ve mi portavelas de cristal. Eso se ve tan bien. Antes de pasar a la siguiente lección donde realmente empezaremos con la composición, solo quiero reescalar mis objetos para que se vean un poco más como si estuvieran en proporción entre sí. Ahora he redimensionado cada uno de mis elementos usando Command T para transformarlos, y se ven un poco más como si estuvieran en escala. Acabo de extenderlos en la página para poder verlos con claridad. Ahora estamos listos para entrar en la parte divertida, que está componiendo nuestras imágenes. 8. Crea tu composición: Ahora estamos listos para la parte divertida de componer nuestra imagen real. Pero antes de hacer algo, quiero asegurarme de haber guardado mi documento. Por lo que sólo voy a rápidamente Guardar como, encontrar mi ubicación de archivo, y mantenerlo como archivo de Photoshop mientras sigo trabajando en él. Lo siguiente que voy a hacer es cerrar las pestañas con los archivos escaneados originales. Ahora he limpiado mis objetos, y están cada uno en su propia capa, guardado en el documento Mi Naturaleza muerta. Entonces ya no necesito esos abiertos. Voy a revelar mi fondo de mesa en este punto para poder empezar a colocar mis objetos teniendo en cuenta dónde podría estar el horizonte de la mesa. A medida que empiezo a mover las cosas, puedo tener una idea de dónde las cosas aún no se escalan de manera bastante correcta y qué hay que llegar al primer plano de mi imagen. Estoy usando principalmente la herramienta Mover y la herramienta Transformar aquí para mover las cosas y empezar a tener un sentido de mi composición. Posiciona mis objetos en su lugar que creo que se ve bastante bonito. Simplemente no estoy seguro si esto es lo que quiero que sea mi composición final. Entonces los voy a agrupar y renombrar como Mi Primera Versión. Entonces voy a copiar ese grupo y crear mi segunda opción, con la que jugaré ahora. La primera versión me sintió un poco demasiado apretada como si todos los objetos estuvieran un poco abarrotados en el único lugar de la mesa. Entonces con éste, voy a tratar de mover las cosas. Como recuerdan, mi cuchara de madera sí necesita estar unida a otro objeto porque [inaudible] de su lado y necesita estar descansando sobre otra cosa, pero todo lo demás es bastante independiente. Quiero intentar invertir mi cuchara de madera y ver si eso se siente mejor en la composición con los otros objetos, sobre todo los dos con etiquetas y texto. No puedo hacer esto porque entonces los textos ya no serán legibles y será obvio que he jugado con ellos en Photoshop. Pero la cuchara de madera es en realidad un objeto realmente bueno con el que hacer esto porque el reflejo de la luz también es muy sutil. Por lo que no afecta demasiado la composición en cuanto a que la reflexión de la luz de repente esté en el lado equivocado de la cuchara. En todo caso, no estoy volteando la primera cuchara boca abajo. Es sólo un extremo al otro, de izquierda a derecha. Con la cabeza de la cuchara de madera fuera a la izquierda de la imagen, se siente algo más equilibrado para mí, y creo que lo mantendré así. Se siente como otro tipo de forma redondeada para equilibrar la cebolla del otro lado y luego crear también otra correlación con la parte superior amarilla redonda del portalápices. Si siento que mis elementos están desequilibrados o un poco inestables, me gusta sacar mis reglas del lado del lienzo o de la parte superior del lienzo solo para volver a comprobar. Apuesto a que acabas de notar me perdí un poco del papel blanco y entre algunos de los lápices en el portalápices. Entonces lo voy a hacer rápidamente borrar eso ahora porque parece realmente obvio cuando se cae el fondo. Haciendo otra mirada a mis antecedentes ahora, me doy cuenta de que quiero que mi mesa termine más arriba en la imagen. Porque quiero que este cuadro luzca hecho a mano, el borde de mi pared donde lo he cortado con la herramienta Carpa es un poco demasiado afilado. Entonces bajaré mi regla desde la barra superior solo para conseguir la línea horizontal, y luego voy a crear una Máscara de Recorte. comprobación de negro está seleccionada en mi panel de color para ocultar los píxeles. Estoy a punto de repasar. Recogeré mi herramienta Pincel y solo trabajaré a través de esa línea un poco con una mano ligeramente torcida, por lo que termina luciendo no perfectamente parejo. Por el bien del tiempo, me he saltado algo de mis juguetones, y así ahora estamos viendo la composición con la que he aterrizado. Dejaré la versión uno por ahora, pero siempre está ahí si necesito volver a ella más tarde. Ahora quiero darle algo de atención a mis antecedentes. El lavado de color verde oliva se ve un poco aburrido. Por lo que quiero mostrarles cómo voy a cambiar esto usando Capas de Ajuste. He creado Niveles Layer, y solo me estoy deslizando por el extremo negro de la escala un poco solo para agregar un poco de oscuridad. Se siente demasiado lavado por el momento. Ahora voy a cambiar el color real del fondo porque realmente no creo que el grano esté funcionando para mí. He seleccionado la capa de ajuste de tono y saturación, y voy a usar el deslizador sobre el panel de tonalidades para ver qué otros colores puedo lograr. Esto ahora está cambiando tanto mi mantel como mi pared porque son las capas debajo de esas capas de ajuste. Sólo voy a presionar este botón con el cuadrado en la flecha hacia abajo, por lo que sólo afecta a la capa inmediata de abajo. Parece que necesito traer eso directamente por encima de la capa para que esto funcione. Me gusta mucho este color azul que he creado, así que voy a dejar eso y trabajar en un color complementario para el mantel. Este moma beige funciona mucho mejor para mí. Cuando coloqué mis objetos sobre la mesa para pintarlos, tenía una fuente de luz por detrás, pero era algo que provenía de un ángulo oblicuo. Yo quiero emular eso en mi fondo, sobre todo el muro. Por lo que voy a añadir una Capa de Ajuste de Gradiente, asegurándome de que el negro esté seleccionado en mi panel de colores. Yo quiero que sea coloreado a transparente o en primer plano a transparente y la suavidad [inaudible] se quede en 100 por ciento. Quiero que el ángulo coincida con lo que estaba diciendo en mi mesa cuando estaba pintando los objetos. Yo voy a jugar con eso aquí. Siento que está un poco demasiado oscuro, así que estoy volviendo a mi editor de gradientes y experimentando con estos alternos en blanco y negro. Creo que eso se ve mejor. Como se puede ver aquí, el vaso de la botella Berto Bitter casi se ve opaco. En realidad, es bastante transparente, por lo que junto al fondo oscuro parece un objeto muy plano. Yo quiero rectificar esto haciendo que la sección de vidrio de la botella sólo un poco más translúcida, donde se encuentra frente al fondo. Para ello, estoy seleccionando una máscara, y luego seleccionaré mi herramienta Pincel, y quiero bajar la opacidad. Entonces tengo el negro seleccionado en mi panel de color y como no quiero ocultar por completo los píxeles, voy a bajar la opacidad a cerca del 15, 14 por ciento. Entonces con una mano firme como puedo reunir, y sin quitarme el dedo del ratón, voy a arrastrar el cursor alrededor de los elementos de cristal que quiero ser más transparentes. Si me quito el dedo del cursor y vuelvo a hacer clic, sólo va a acumular las capas, por lo que seguirá haciéndose cada vez más transparente, que no es lo que quiero. Yo quiero una transparencia consistente sobre ese apartado. Por lo que preferiría ir un poco por el borde del bucle de la etiqueta y luego volver con mi pincel blanco para limpiar y devolver esa etiqueta a total opacidad. Esta parte sí requiere un poco de paciencia y una mano firme pero realmente vale la pena por el efecto al final. Entonces ahora que mi vaso se ve más transparente, voy a hacer mi cepillo más pequeño y repasar los reflejos blancos de la botella para que destaquen más. Subiré mi opacidad al 100 por ciento y me aseguraré de que el blanco esté seleccionado en mi panel de color para hacer esto. Nuevamente, quiero una mano realmente estable porque con la máscara que es transparente, es más difícil volver a trabajar de ida y vuelta entre ocultar y revelar píxeles. Por lo que quiero conseguirlo más o menos bien en la primera marcha. Estoy muy contenta con cómo se ven ahora mis botellas. Entonces solo voy a revisar mis otros objetos. Mi cebolla, creo que podría estallar un poco más. Me gustaría que el color fuera un poco más vibrante. Por lo que voy a añadir una nueva capa de ajuste de tonalidad y saturación a eso. Subiré la saturación siempre tan ligeramente y me aseguraré de que se altere a la capa azul solo para que no afecte a todo el lienzo, y solo puedo cambiar este Botón Ojo para ver la diferencia entre cuando esa capa está encendida y apagado. También le estoy dando a mi cuchara un ajuste muy ligero con los niveles ahí. Ahora todo se ve bastante bien, pero los objetos se ven un poco extraños sentados en una superficie sin sombras. Entonces para ello, voy a crear una nueva capa en mi grupo de fondo y seleccionar el Sello Clon. Esta parte puede tomar un poco de prueba y error. Voy a seleccionar el color desde la esquina superior derecha de mi lienzo ya que creo que esto va a funcionar bastante bien para las sombras. Voy a jugar con la opacidad y la dureza de mi pincel. Para empezar, con la sombra bajo la botella Berto Bitter. Oops, he bajado demasiado, así que necesito asegurarme de que estoy recogiendo el color de la parte superior del lienzo y no demasiado cerca del portalápices. Pero no me gusta cómo he dibujado la sombra. Sólo estoy presionando Comando Z para deshacer. Es más fácil hacerlas bien a medida que vas en lugar de intentar editarlas más tarde, aunque puedo eliminar algunos bordes si estoy infeliz con ellos. Encuentro cuando estoy pintando mis sombras en Photoshop, veces es útil volver a tener los objetos frente a mí para que sólo pueda recordarme dónde aterrizan las sombras sobre la mesa. Aquí, solo estoy limpiando ligeramente este borde con la herramienta Borrador. Si no quieres usar la herramienta Clonar sello, puedes usar la herramienta Pincel o Lápiz para crear sombras dibujadas a mano en Photoshop también. Ahí lo tienes. Aquí está mi ilustración de Naturaleza muerta terminada a partir de elementos pintados a mano en Photoshop. En la siguiente lección, veremos explotar nuestros archivos listos para usar. 9. Exporta: Ahora que estoy feliz mi imagen está hecha, es hora de exportar mi documento. Lo primero que voy a hacer es simplemente volver a guardar el archivo Photoshop o PSD. Entonces guardaré el archivo como dos JPEG separados. El primero será un archivo más grande a resolución completa. Voy a renombrarlo Mi bodegón HR para alta resolución. Después utiliza el menú desplegable de formato para elegir JPEG. Cuando se abra la siguiente ventana, voy a asegurarme de que mi calidad esté en 12, la máxima, y el formato esté marcado en Baseline, Standard. Ahora que tengo mi versión de alta resolución guardada, voy a crear un archivo más pequeño, de menor resolución que puedo usar en mi sitio web y redes sociales. Lo primero que voy a volver a escalar mi imagen por lo que es la mitad del tamaño que actualmente es. Para ello, seleccionaré “Tamaño de imagen” y luego haré mis dimensiones 2,500 píxeles por 2,500 píxeles. Voy a guardar esta versión como Mi bodegón para web, nuevo como JPEG. Cuando se abra la siguiente ventana, seleccionaré Baseline Optimized, y bajaré la barra deslizante para que sea imagen de calidad media. Esto significará que el archivo es mucho más pequeño para subirlo a la web y a las redes sociales. Si echo un vistazo a mis archivos ahora puedo ver que mi versión web es de solo 566 kilobytes, por lo que es bastante pequeño y manejable de usar en línea. Entonces mi bodegón de alta resolución es de 13.1 megabytes, tan agradable y grande que puedo usarlo a plena resolución a través de una variedad de formatos. También tengo mi archivo PSD de trabajo para que siempre pueda volver y editar mi imagen más tarde. Voy a cerrar mi archivo en Photoshop como ya he terminado con él. Debido a que he redimensionado la imagen a 2,500 píxeles cuadrados, voy a asegurarme de golpear Don't Save porque quiero que mi archivo original de Photoshop permanezca en los 5,000 píxeles, que es lo que lo guardé al inicio de mi proceso de exportación. Ahora ya terminaste. Tu imagen está lista para ser compartida con el mundo. 10. ¡Reflexiones finales y agradecimientos!: Chicos, lo lograron. Enhorabuena. Ojalá te divirtieras tanto como yo trabajando en estos proyectos. Hemos cubierto de todo, desde elegir nuestros objetos y materiales, hasta mezclar colores, poner pincel en papel, y después sacar elementos en Photoshop y crear nuestras composiciones finales. Si hay algo que le has quitado a esta clase, espero que sea que ilustrar no tenga que ser estresante sobre todo cuando se trabaja en papel, y trabajar entre formatos analógicos y digitales realmente puede ayudarnos a aflojarnos, diviértete, y siempre cambia una imagen más tarde también. No olvides subir tu proyecto a la galería de estudiantes a continuación. No puedo esperar a ver lo que has hecho y estoy seguro de que a tus compañeros les encantará ver también. No olvides que Skillshare es una comunidad maravillosa, solidaria, así que asegúrate de involucrarte con ella. Si te gustó esta clase o te gustaría hacerme una pregunta, o te gustaría verme enseñar algo más, por favor siéntete libre de ponerte en contacto. También puedes seguirme a lo largo de Skillshare y vía Instagram. Si quisieras compartir tus proyectos en redes sociales, hazme etiquetar, y estaría muy feliz de compartir con mis redes también. Gracias de nuevo por unirme, tuve tanta explosión trabajando en este proyecto con ustedes, y no puedo esperar a ver qué han producido ustedes.