Pinta una concha en acuarela: forma, luz y textura.

1. ¡Te damos la bienvenida a la clase!: Hola a todos. Mi nombre es Will Elliston Y hoy, estamos pintando un bodegón de voluntad en acuarela. Lo que hace que este tema sea tan gratificante es su elegancia tranquila. Una sola forma, una fuente de luz clara y una hermosa interacción entre áreas cálidas iluminadas por el sol y la sombra circundante fresca La estructura espiral nos da ritmo. Las crestas crean una textura sutil, y la larga sombra proyectada ancla toda la composición con drama y simplicidad Exploraremos el acristalamiento suave, las transiciones suaves y una paleta limitada que permite que la temperatura y el valor hagan el trabajo. Es tranquilo, enfocado y engañosamente rico en lecciones He sido un artista profesional durante muchos años, explorando muchos temas diferentes, desde vida silvestre y retratos hasta paisajes de ciudad y escenas campestres. Siempre me han fascinado las posibilidades de la acuarela Pero cuando empecé, no tenía idea de por dónde empezar o cómo mejorar. No sabía qué suministros necesitaba, cómo crear los efectos que quería, o qué colores mezclar. Ahora he participado en muchas exposiciones mundiales, aparecido en revistas y he tenido la suerte de ganar premios de organizaciones muy respetadas como la International watercolor Society, la Masters of watercolor Alliance, Windsor y Newton, y la SAA acuarela puede ser abrumadora para quienes empiezan, razón por la cual mi objetivo es ayudarte a sentirte relajado y disfrutar de este medio de manera paso a paso. Hoy, te estaré guiando a través de una pintura completa, demostrando una variedad de técnicas y explicando cómo uso todos mis insumos y materiales. Ya sea que recién estés comenzando o ya tengas alguna experiencia, podrás seguir a tu propio ritmo y mejorar tus habilidades de acuarela. Si esta clase es demasiado desafiante o demasiado fácil para ti, tengo una variedad de clases disponibles en diferentes niveles de habilidad. Me gusta comenzar con un enfoque expresivo libre sin miedo a equivocarnos mientras creamos texturas emocionantes para la capa inferior A medida que avanza la pintura, agregaremos más detalles para darle vida y hacerla destacar. Me esfuerzo por simplificar temas complejos en formas más fáciles que fomenten la alegría A lo largo de esta clase, estaré compartiendo muchos consejos y trucos. Te voy a mostrar cómo convertir los errores en oportunidades, quitando el estrés de la pintura para divertirte. También te proporcionaré mis tablas de mezcla de acuarela, que son una herramienta invaluable a la hora de elegir y mezclar colores. Si tienes alguna duda, puedes publicarla en el hilo de discusión abajo. Me aseguraré de leer y responder a todo lo que publiques. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en el botón Seguir en la parte superior Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos También puedes seguirme en Instagram en Will Elliston para ver mis últimos trabajos Entonces, comencemos y descubramos la belleza escondida en este simple caparazón 2. Tu proyecto: Muchas gracias por unirse hoy a esta clase. Esta pintura es una gran oportunidad para reducir la velocidad y disfrutar del lado más tranquilo de la acuarela En lugar de depender de muchos objetos o colores dramáticos, estamos permitiendo que pequeños cambios en el tono, la temperatura y la textura se conviertan en el foco. La concha tiene una hermosa sensación de movimiento en su espiral, mientras que las crestas captan la luz de una manera que se siente natural y escultórica A su alrededor, el suave lavado circundante y fuerte sombra crean contraste sin ruido. El objetivo no es exagerar nunca, creo, sino dejar que las decisiones sutiles construyan una pintura que se sienta tranquila, luminosa y completa En la sección de recursos, he agregado una imagen de alta resolución de mi pintura terminada para ayudarte a guiarte. Eres bienvenido a seguir mi pintura exactamente o experimentar con tu propia composición. Como vamos a centrarnos en el aspecto de pintura de la acuarela, he proporcionado plantillas que puedes usar para ayudar a transferir o rastrear el boceto antes de pintar. Está bien rastrear cuando se usa como guía para aprender a pintar. Es importante tener el underdrawing correcto para que puedas relajarte y divertirte aprendiendo el propio medio acuarela Cualquiera que sea la dirección que tomes esta clase, sería genial ver tus resultados y las pinturas que creas a través de ella Me encanta dar comentarios a mis alumnos, así que por favor tome una foto después y compártala en la galería de proyectos estudiantiles la pestaña de proyectos y recursos. Siempre me intriga ver cuántos alumnos tienen diferentes enfoques y cómo progresan con cada clase Me encantaría escuchar sobre tu proceso y lo que aprendiste en el camino, o si tuviste alguna dificultad. Te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la Galería de Proyectos del estudiante. Es muy inspirador ver el trabajo de los demás y extremadamente reconfortante obtener el apoyo de sus compañeros de Así que no olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. 3. Materiales y suministros: Antes de sacar a este niño, repasemos todos los materiales y suministros que necesitarás para pintar en la clase de hoy. Tener los materiales adecuados puede afectar enormemente el resultado de su obra de arte. Así que voy a repasar todos los suministros que uso para esta clase y más allá. Son muy útiles para tenerlas a tu disposición y te facilitarán el seguimiento. Empecemos por las propias pinturas. Y como la mayoría de los materiales que usaremos hoy en día, tiene mucho que ver con la preferencia. Tengo 12 colores estables en mi paleta que me llenan de tubos. Son amarillo cadmio, ocre amarillo, siena quemada, rojo cadmio, carmesí alizarina, azul opraarne, azul cobalto, azul serlean, lavanda, morado, vidian, negro serlean Y al final de la pintura, a menudo uso gouache blanco para pequeños reflejos No uso ninguna marca en particular, estos colores los puedes obtener de cualquier marca, aunque personalmente uso las pinturas Daniel Smith, Windsor y Newton o Holbein Entonces pasemos a los pinceles. El cepillo que más uso es un cepillo redondo sintético como este cepillo Escoda Pull o este cepillo Van Gogh Son muy versátiles porque no solo los puedes usar para trabajos detallados con su punta fina, sino que como pueden contener mucha agua, también son buenos para lavadoras. También son bastante asequibles, así que tengo bastantes en diferentes tamaños. A continuación están los cepillos de fregona. Los cepillos de fregona son buenos para pinceladas amplias, rellenando áreas grandes y creando transiciones o lavados suaves También tienen una bonita punta que se puede utilizar para detalles más pequeños. Pero para detalles realmente pequeños, reflejos o cualquier cosa que necesite más precisión, utilizo un pincel sintético tamaño cero. Todas las marcas las tienen, y son súper baratas. Otro pincel útil para tener es un pincel de caligrafía china. Suelen tener cerdas largas y una punta muy puntiagudos. Son perfectos para agregar textura o crear líneas dinámicas en tus pinturas. Incluso puedes avisarlos así para lograr texturas de pelaje o plumas también. Y eso es todo para los pinceles. Sobre papel. La mejor calidad de tu papel, más fácil será pintar. papel barato se quinkle fácilmente y es muy implacable, no permitiéndole reelaborar errores Es más difícil crear efectos atractivos y aplicar técnicas útiles como eliminar el pigmento. papel de buena calidad, sin embargo, como el papel a base de algodón, no solo te permite reelaborar errores varias veces, sino que debido a que el pigmento reacciona mucho mejor sobre él, las posibilidades de errores son mucho menores y tendrás más probabilidades de crear mejores pinturas Yo uso papel Arches porque eso es lo que hay disponible en mi tienda de arte local. Un spray de agua es absolutamente esencial. Al usar esto, te da más tiempo para pintar las áreas que deseas antes de que se seque. También te permite reactivar la pintura si quieres agregar una línea suave o quitar algo de pintura También tengo un trapo viejo o camiseta que utilizo para limpiar mi cepillo. Limpiar la pintura antes de mojarla en el agua hará que el agua dure mucho más Siempre es útil tener una mano de pañuelo mientras pinta para eliminar el exceso de pintura Además, nunca se sabe cuándo una salpicadura o goteo no deseados puede ocurrir una salpicadura o goteo no deseados que necesita limpiarse rápidamente. También tengo un cuentagotas para mantener mojadas las pinturas. Cuando pintas, es importante que tengan una consistencia similar a lo que son en los tubos. De esta manera, es más fácil recoger suficiente pigmento. Un secador de pelo es útil para acelerar el tiempo de secado y controlar la humedad del papel Y por último, cinta de enmascarar. Y esto, por supuesto, es solo para mantener el papel quieto sobre la superficie para evitar que se deslice mientras pinta. Además, si planeas pintar hasta el borde, te permitiremos crear un borde muy nítido y limpio. Y eso es todo lo que necesitarás para pintar en el vaso de hoy. Ahora, comencemos y dibujemos este caparazón. 4. Preparación de la composición: Cuando dibujo un tema como este, quiero que las cosas sean muy simples para empezar. No estoy tratando de describir cada cresta o cada textura rota en el caparazón de inmediato Puramente comenzando con una simple forma ovalada. Establecer primero las grandes formas. Porque si la estructura más grande es correcta, la información más pequeña tiene un lugar sensato para vivir y una manera más fácil de organizarla. Y si la forma más grande está equivocada, entonces todos los pequeños detalles que dedicamos tiempo a poner no lo guardan. De hecho, serán incorrectos por su naturaleza. Entonces empiezo por mirar el contorno exterior, la silueta general del caparazón, y ayuda pensarlo como unas pocas secciones amplias en lugar de un contorno complicado. Por eso estoy dentro de hacer algunas formas grandes, lo estoy conectando con líneas arremolinadas. Hay una especie de abertura puntiaguda a la derecha, un cuerpo redondeado más grande en el medio, y luego la espiral se estrecha hacia la izquierda Si puedo colocar estas tres ideas correctamente, ya tengo una base sólida. Y este es uno de los hábitos útiles en el dibujo en general. Pero sobre todo en la naturaleza muerta, podrías estar pensando en lo ligero apenas puedo ver las líneas en este momento, y eso es intencional porque estoy dibujando luz, y lo estoy haciendo para que pueda fácilmente frotar o corregir. Volveré más tarde con líneas más duras usando un lápiz diferente, y luego quedarán mucho más claras. Mira ahora he intercambiado mi lápiz, y ahora puedo entrar en un poco más de definición Incluso con esto, la tentación con un caparazón en particular es ir directo a la espiral y a todos los surcos pequeños porque eso es lo que primero llama la atención. Pero realmente, solo atrapa esa sección porque se asienta dentro de una forma más grande. Entonces una vez que he establecido esa gran forma, entonces puedo entrar en las subsecciones Además, quiero pensar en esa inclinación. El caparazón no está sentado perfectamente plano o mecánicamente horizontal. Tiene ese ligero movimiento diagonal a través de él que sigue a la sombra, ese tirón direccional que le da a la composición algún tipo de flujo. Entonces me mantengo al tanto de ese ángulo porque si accidentalmente lo hago demasiado vertical o demasiado nivelado, toda la pintura puede sentirse un poco menos natural. Entonces ahora que la forma exterior está en su lugar, empiezo a sugerir las principales divisiones dentro del caparazón. Todavía no estoy dibujando todas las crestas en su totalidad. Solo estoy tratando de entender cómo las formas más grandes se envuelven alrededor del cuerpo. El caparazón es realmente una secuencia de bandas giratorias. Algunos están captando la luz. Algunos se están moviendo hacia la sombra, otros se superponen. Y el dibujo simplemente está ahí para ayudarme a entender esa estructura cuando entro con la pintura. Entonces algunos detalles ni siquiera voy a dibujar solo lo que es relevante como guía. Ya dibujé en mi forma de sombra, bonita y suelta, pero aún así hay un momento en el que necesito ser consciente de colocar esa sombra proyectada porque aunque es solo una sombra, es un diseño de forma importante. Y no quiero dejarlo como una idea de último momento porque ayuda con la composición Así que lo coloco bastante temprano y a la ligera y sencillamente también. Se estira hacia la izquierda en una especie de forma triangular bastante ancha y luego se ablanda y ensancha a medida que se aleja No necesito dibujar todos los bordes perfectamente en esta etapa. Sólo quiero saber dónde se asienta en relación al caparazón porque esa relación entre objeto y sombra es muy importante. No es sólo un espacio vacío. Es parte del diseño y la arquitectura de la pintura. 5. Starting Very Easy: Entonces, iniciando la pintura de la manera más fácil posible, solo voy a tomar un pincel grande y usar agua pura solo para mojar el fondo. Y estoy pintando por todas partes, excepto el caparazón. Incluso puedes pintar el área de sombra. Estoy haciendo esto porque vamos a empezar pintando el fondo. El fondo va a ser más oscuro en algunas zonas que el caparazón. Queremos transmitir una agradable sensación de luz sobre el caparazón. Entonces para hacer eso, necesitamos hacer algunas áreas del fondo más oscuras, así que estamos pintando negativamente el caparazón. Y por qué mojar el papel para empezar , nos permite más libertad. Es más indulgente, y hay menos presión de tiempo con pinceladas secándose antes de que estemos listos Todavía es técnicamente posible comenzar a pintar el fondo con pigmento y pintar de inmediato, pero me cuesta hacerlo porque tenemos todas estas pequeñas complejidades, crestas que tenemos que pintar Entonces con solo tomarnos nuestro tiempo usando agua pura, podemos hacerlo de esta manera. Y luego una vez que untamos el pigmento sobre mojado y húmedo, entonces los pigmentos encuentran su camino allí Y si tuviéramos que pintar sobre las pequeñas crestas en este momento o pasar por encima de la línea, es solo agua para que podamos usar un secador de pelo y cancelarlo e intentarlo de nuevo Entonces definitivamente es la forma más fácil de comenzar. No me lo estoy poniendo absolutamente sod and wet. Acabo de recibir un bonito glitten en el papel. Allí se puede ver el reflejo de la luz. Por lo que algunas áreas podrían comenzar a secarse. Está bien. Simplemente ayuda para un pequeño atajo. Entonces los colores que quiero usar para el fondo van a ser bastante neutros. No quiero que sean demasiado vibrantes. Voy a empezar con el azul ultramarino. Esa es una buena base, tal vez algún serlean. Estas son solo pequeñas preferencias, nada más que en un estricto libro de reglas. Estoy usando tinte neutro o negro, si tienes eso para neutralizarlo un poco Solo tomé un poco de sarín carmesí para convertir este azul en un color más morado Y eso es con lo que voy a empezar para empezar. También me estoy metiendo en mi azul cobalto ahí, solo metiendo un poco, divirtiéndome un poco 6. Applying The Background Wash: Entonces ahora es el momento de aplicar ese pigmento sobre el fondo húmedo. Yo uno, por supuesto, uso este cepillo grande porque ahorra tiempo. Y no estamos haciendo ningún detalle pinily. Este cepillo sí tiene una ligera punta. Pero aún así, estamos empezando desde afuera y trabajando para entrar. Como dije, estoy empezando a pintar el fondo primero porque simplemente tiene más sentido, técnico sabio. Técnicamente también podrías pintar primero el caparazón y luego pintar cuidadosamente a su alrededor. Hay formas de hacerlo, pero a menudo me gusta pensar bastante en la atmósfera circundante porque la atmósfera y acuarela son una parte muy importante. Fíjate como solo estoy aplicando poco de amarillo y un poco de naranja ahí. Podría ser ocre amarillo, cabby en amarillo. Puedes divertirte explorando tus preferencias. Esos son cumplidos naturales al morado. Por eso elegí eso. El morado y el amarillo funcionan bien juntos. Estoy usando amarillo más cerca del caparazón ya que se mezcla, pero vamos a estar construyendo sobre esto poco a poco. Nos vamos a divertir. No vamos a estresarnos, así que podríamos pintarlo muy rápido si queremos. Pero solo me estoy divirtiendo explorando los colores, sintiendo mi camino a través de ellos. El papel está húmedo. No hay señales de que se seque pronto, así que me estoy tomando mi tiempo para conseguir esas bonitas mezclas. Y se puede ver que parte de mi papel se está embolsando un poco, creando un poco de valles y acumulación de agua, está bien Nos ocuparemos de eso cuando llegue el momento. Podemos redistribuir esa agua. Estoy agregando bastante de este amarillo ahora porque eso le da una sensación de calidez y luz. Mi idea general es tener sombras suaves en el costado y luz cálida llegando en el medio, sombras difusas De ello se deduce ese tipo general de flujo de derecha a izquierda. Entonces tuve que añadir más de ese azul ahora. El azul que estoy usando es solo una mezcla completa de mi serlean, mi cobort Entonces cuando digo azul, podría ser una mezcla de cualquiera de esos, y es lo que estoy sintiendo en este momento. No lo estoy calculando tanto. Y de igual manera, con el rojo, estoy usando un rojo zarine y cadmio. Sólo voy a dejar caer eso. No parece que estén tan bien, mezclados en este momento, pero como dije, voy a construir sobre él una y otra vez y habrá un buen flujo, los pigmentos se granularán y mezclarán como lo hacen tan bellamente cuando está mojado sobre mojado Estoy evitando esa sección de sombra proyectada por el momento. 7. Adding Some Warmth: Entonces como decía, a pesar de que todavía es vida, todavía quiero que haya una sensación de ambiente. Y necesito pensarlo desde el principio porque me ayuda a juzgar el caparazón en relación a algo. Si dejo el caparazón flotando sobre papel blanco completamente intacto durante demasiado tiempo, puede ser difícil juzgar qué tan luminosa o qué tan cálida es realmente porque el frescor principal esta pintura es este fondo Es como una especie de frio silenciado. Entonces me gusta establecer al menos parte del entorno circundante. Por supuesto, solo estoy usando un caparazón aleatorio con una lámpara sobre la mesa, así que ni siquiera lo estoy haciendo sobre un trozo de papel blanco. El fondo aquí es suave y fresco, en su mayoría gris azul, gris violeta. Pero mira como estoy usando el tiff mi pincel. Voy un poco más fuerte por el borde aquí para aumentar ese contraste porque estoy mirando y observando el caparazón, y en la parte superior es donde está más ligero, donde está captando la luz Entonces necesito pintar negativamente por ahí para que destaque. Así que definitivamente necesito hacer esta área en la parte superior un poco más oscura. Empezando a verse un poco marrón ahora, así que voy a añadir un poco más de azul para neutralizar eso Eso fue un poco quitado, en realidad. Ahora se ve un poco verde. Eso está bien. Es un poco verde silenciado. No está destinado a estar ocupado. Solo está ahí para crear un poco de atmósfera que apoye el caparazón y para proporcionar suficiente contraste para la luz cálida de esa concha se sienta un poco más radiante. Sigue siendo muy ligero. Así que todavía voy a añadir más y más pigmento, creo. Se puede ver la acumulación de agua. Eso está bien. Podemos agitarlos un poco, redistribuirlos, incluso un poco Entonces comencé con un lavado muy ligero, como se puede ver en papel que ya estaba húmedo, muy suave, muy diluido y bastante amplio. No estoy tratando de pintar una pared texturizada en un sentido literal. Pero por la naturaleza de la acuarela, los pigmentos que estoy usando son granulados. Entonces cuando se seque, veremos algunos efectos encantadores, ojalá. Sólo trato de crear ese campo de color ambiental porque no hay color y realidad que estoy usando como referencia. Me lo estoy inventando yo mismo. Y son estos primeros lavados de fondo en acuarela los que hacen dos trabajos a la vez Establecen el color, pero también establecen el estado de ánimo. Y en esta pintura, el estado de ánimo es fresco, espacioso, tranquilo. Y ese es el tipo de eso es lo que me está guiando con mis decisiones aquí más que con los nombres de los propios pigmentos. Entonces quiero ese sutil calor del amarillo en el centro. No es un amarillo fuerte. Es como una especie de color crema. Porque tenemos ese amarillo, quiero que el morado armonice y complemente eso Ese tipo de cosas están pasando por mi mente. A medida que muevo el lavado alrededor del caparazón, tengo cuidado de no hacer que los bordes sean demasiado mecánicos. Quiero que el fondo se sienta suave y orgánico. No como la silueta cuidadosamente cortada en todos los sentidos. Entonces por eso estoy creando un poco de variedad. 8. Moving The Pigment & Water Around: En algunas zonas, dejé que el lavado se acercara un poco más de cerca al caparazón. En otras áreas, permito un poco más de respiro. Se puede ver cómo estoy usando mi pincel para redistribuir el pigmento que está tirando hacia arriba en algunas zonas Y se puede ver la textura que se está creando en ese lado izquierdo porque uso papel rugoso. Papel de mama frío, básicamente. No uso papel grueso. papel grueso obviamente no se toparía ni sería tan desigual como este, pero eso está bien. A mi me gusta no lo veo como un problema porque todo se aplana al final de todos modos Y estoy redistribuyendo todos los charcos y divirtiéndome mucho, y eso es lo que cuenta. Y al redistribuir todo este pigmento alrededor de la pintura, hace más cohesiva en cuanto a la Y tal vez hay algunas pequeñas variaciones diminutas para evitar que la pintura se sienta rígida. Entonces ahora estamos empezando a construir el pigmento. Ya estoy pensando en el área de luces detrás del caparazón. Eso va a estar en el lado derecho. Lo ves un poco más ligero ahí con el amarillo detrás de él. Vamos a estar pintando sobre esa zona, por supuesto, sobre el caparazón. Y ahí es donde parece reunirse la luz, claro, el otro lado es la sombra. Y ahí el fondo es un poco más pálido y cálido. Quiero preservar esa sutil sensación de resplandor, así que estoy tratando de tener cuidado de no oscurecer demasiado esa zona o perder esos amarillos No estoy tratando el fondo como un tono plano, claro. Estoy permitiendo que desplace suavemente áreas más frías, áreas más cálidas y un poco más oscuras en esa área superior izquierda. Lo haré más luminoso alrededor de ese lado del caparazón. Es una idea útil en la naturaleza muerta en general pensar que el trasfondo no necesita ser pasivo después del pensamiento. Puede soportar silenciosamente todo el diseño de luz de la pintura, la lógica de la luz y la sombra. Si el objeto está fuertemente iluminado desde un lado, tiene sentido que el fondo circundante pueda ayudar a reforzarlo pueda ayudar a reforzarlo volviéndose un poco más brillante o más suave la manera apropiada. Y la textura en el fondo también es importante. Me gusta mucho la pigmentación que estoy usando. 9. Unos pocos astillos: Creo que quiero aumentar esa textura. Creo que el tono está bastante bien ahora. Por supuesto, está mojado y se secará mucho más ligero de lo que parece en este momento. Y puedo ver la pigmentación. No voy a poder decir qué pigmento está creando ese efecto granulante porque he mezclado tantos pigmentos aleatorios en esto Probablemente sea un poco del serlean y tal vez un toque de la siena quemada, pero lo más probable es Oh, podría ser también el azul cobalto Eso son granulaciones y pigmentos muy pesados. Si limpias tu tina de agua al final, generalmente siempre es el azul cobalto el que ves residuos en la parte inferior. Solo estoy volteando más azul y también el agua pura salpica sobre las áreas exteriores para aumentar Porque como dije, la textura es bastante importante. No quiero que se sienta demasiado lisa o pulida porque eso podría hacer que la concha se sienta simplemente pegada en la parte superior Entonces permití que el lavado se rompiera un poco. Agrego un poco de salpicaduras aquí y allá. Permito que el color se mezcle con bastante suavidad en lugar de mezclarlo en total uniformidad. Le da al fondo la suficiente vida y variación sin que se vuelva demasiado distrayente del caparazón Y hay algo bastante agradable. Esta es sin duda mi parte favorita de pintar estos grandes fondos expresivos. Fácilmente podría tomarme la mitad de tiempo para hacerlas, pero hay algo esta parte de la acuarela que me parece más etéreo e interesante, como, las mezclas que estás manipulando Pero es la acuarela la que lo está haciendo por sí misma. Sólo ves que aparece, y yo podría hacerlo de nuevo, y podría parecer similar, pero no va a ser lo mismo. Es completamente único. Tiene identidad propia. Y marca el ritmo de la pintura. Bueno, tendré que instruir cómo quiero hacer el cascarón más adelante Empezando por la flojedad, tomándolo con calma, calentándonos en la pintura en lugar comenzar con los detalles de manera inmediata . Usando ese manejo amplio y generoso. Nos ayuda o nos ayuda a evitar que nos volvamos demasiado precisos demasiado pronto No queremos comenzar con pequeños detalles enseguida. 10. "Starting The Shell " (Iniciar la concha): Ahora he secado completamente el papel, y se puede ver como todos esos valores han suavizado prácticamente. Es completamente plano. Y además, es mucho más ligero. Tiene esta sensación de aire y el resplandor del interior que sale. Sólo suficiente variación, pero no demasiado distrayendo. Entonces ahora trabajando en el caparazón, solo estoy usando los colores sobrantes en mi paleta del fondo, ese tipo de colores parduscos, amarillentos en la mitad inferior Y solo estoy bloqueando en las zonas más ligeras que pude ver distintas del blanco, claro, hay algunos reflejos de luz fuertes en la parte superior Pero estoy cincelando el tono, empezando por la luz más que la oscuridad Usando mis líneas de lápiz como una especie de guía. Siempre puedo fregar si me pongo demasiado oscuro o despegar si no está ya seco. Estoy tratando de ser un poco paciente o al menos tomarlo con calma porque no quiero perder el sentido de la luz porque este es un objeto bastante pálido. Creo que es un buen momento para hablar algo que surge bastante en acuarela, cómo pintar objetos pálidos u objetos que aparecen blancos o cercanos al blanco. Es una pregunta realmente útil porque tantos temas entran en estas categorías ya sean conchas, cerámica, cortinería, flores claras o en pinturas de paisajes, pinto muchos edificios blancos o edificios luminosos a la luz del sol. Todos estos nos piden lo mismo. ¿Cómo pintamos algo que es mayormente ligero sin perderlo por completo o hacerlo demasiado pesado? Lo primero, diría es que los objetos blancos nunca se pintan realmente con pintura blanca, por supuesto, en acuarela. Los pasajes provienen del propio papel, y trabajamos nuestro camino usando esa luminosidad del papel y el pigmento Así que pintar un objeto blanco se trata realmente de decidir dónde no pintar, y luego usar delicados cambios de color y valor para describir la forma alrededor de esas luces conservadas o incluso dentro de él, muy sutilmente Por eso la observación importa tanto. Tenemos que notar que el objeto no es sólo blanco. Contiene cremas, grises suaves, violetas frescas. También, algunos sutiles reflejos cálidos como toques de ocre amarillo, tal vez un toque de azul en el otro lado sombreado. Y son esas notas sutiles las que permiten que el objeto se sienta real. Si la pintamos como una silueta en blanco o la dejamos así, tiende a sentirse plana y vacía. Entonces cuando miro este caparazón, no estoy pensando, ¿cómo puedo pintar una concha blanca o una concha ligera Estoy pensando ¿dónde está el calentador de conchas? ¿Dónde está más fresco? ¿Dónde se mueve a la sombra? Un poco que estoy pintando ahora es básicamente a la sombra, así que sé que ahí puedo ir bastante fuerte. Ya hemos cubierto las áreas de luz en la parte superior, y ahora podemos comenzar a mezclarlo donde se mueve a la sombra poco a poco ¿Dónde capta también la luz reflejada? ¿Qué bits necesito para ahorrar un poco más con el papel intacto ¿Dónde se queda más cerca del papel intacto? Y ese cambio en el pensamiento es realmente útil a la hora de observar. Ahora sólo estoy ablandando ese poco de amarillo, pesar de que voy a ir más oscuro con una sombra más tarde. No sé qué tan oscuro lo quiero todavía, así que no quiero tener un borde duro debajo. Esta es una especie de amarillo anaranjado. Sigue siendo técnicamente naranja, pero es más amarillo que rojo. 11. Building The Tones: Otra cosa útil para recordar es que los objetos pálidos dependen en gran medida de su entorno. Por lo que una cáscara blanca se siente más brillante cuando se sienta contra un ambiente más fresco y ligeramente más oscuro. Un cuenco de cerámica pálida, por ejemplo, se siente más luminoso si hay una sombra oscura debajo de él. Por lo que a menudo pintamos luz indirectamente. Lo hacemos visible por lo que colocamos a su alrededor. Y eso también está sucediendo muy claramente en esta pintura. El caparazón se ve luminoso, no porque hayamos pintado sobre el caparazón en sí, sino porque la atmósfera fresca, el fondo detrás de él y la sombra proyectada que agregaremos más adelante, permitirá que esos pálidos pasajes brillen realmente. Es difícil evaluarlo completamente sin pensar en esa sombra oscura más tarde, aunque no esté ahí, necesitamos ser conscientes de ello en el fondo de nuestras mentes. Especialmente en esta etapa temprana en la que no tenemos otro tipo de contexto para la oscuridad. También hay una tentación con los sujetos ligeros sobrecompensar porque pueden parecer tan débiles al principio, podemos sentir la necesidad de seguir agregando más color, más modelado o más contraste Necesitamos suficiente información para el formulario gire y describa el formulario. Pero a menudo el mejor enfoque es mantenerse un poco más ligero de lo que pensamos. Y al menos en las primeras etapas, construye lentamente. No necesitamos sentir que tenemos que apresurarnos . Es hora de relajarse. Tu tiempo para relajarte y divertirte. Realmente debería ser el momento en el que menos enfaticemos. Un muy buen momento para desconectar y relajarse y observar acuarela premia a los pacientes aquí. Es mucho más fácil profundizar poco a poco un objeto pálido que recuperar su frescura más tarde vez que se ha vuelto fangoso o sobrecargado de Debido a que algunos pigmentos son altamente manchados también. Quizá ni siquiera pueda recuperar las partes muy ligeras. Los bordes también juegan un papel con la pintura de objetos pálidos también. Así se puede ver que algunos bordes son suaves y otros duros. El control de bordes es en realidad más importante que el color fuerte porque un cambio de valor suave con el borde derecho puede decir mucho más que un trazo audaz en el lugar equivocado. Entonces siempre me pregunto, ¿este borde necesita disolverse un poco o tiene que ser más y más claro? ¿Dónde capta la luz? ¿Está afilada o se ablanda en el siguiente plano? Pensando en el color más claro y luego lo que viene después y luego ¿necesita fusionarse o está separado Si se fusiona, entonces puedo hacerlo ahora mojado y mojado. Pero si tiene un borde más alto, tengo que esperar hasta que el papel esté un poco seco y hacerlo más tarde. 12. Adding Some Cool Tones: Y luego finalmente, yo diría, estamos pintando objetos pálidos, es un ejercicio de confianza. La acuarela requiere de mucha confianza. Y tenemos que confiar en que estos pequeños turnos importan porque de nuevo, como decía, es difícil decir en las primeras etapas lo que es importante o no. Tengo todas estas marcas de lápiz, estas marcas de pincel, y puede que no se sientan suficientes en las primeras etapas. Puede parecer apagado o incorrecto, pero tenemos que confiar en que cuando todo lo demás esté junto al final, se verá bien. Así que realmente no te rindas si sientes que está apagado. Al menos para este cuadro, ve tu camino a través de él, mira cómo es al final. Hay que confiar en que estos pequeños turnos importan, estos pequeños detalles. No son detalles. Tonos pequeños, estos tonos sutiles. Aunque a menudo te sientas incómodo, el espectador, el público que ve la pieza final sin ver tus etapas iniciales leerá el formulario de una manera más unificada. Por lo que tenemos que confiar en el papel y el pigmento y la moderación de esta etapa temprana. Definitivamente no es fácil porque la mente obviamente quiere explicar más de lo que necesita la pintura. Pero cuando sí confiamos en estas pequeñas pequeñas relaciones, rompiendo los tonos en reflejos , tonos medios, porque básicamente la lavadora que estoy pintando ahora es todo el mismo tono. Es muy sutil. Hay algunos colores diferentes pasando involucrados. Tengo el naranja amarillento a la derecha en la parte inferior, y luego se mezcla en una especie de marrón apagado hacia fresco, azules, Ya ha tenido un poco de tiempo para secarse. Entonces cuando aplique esta sienna quemada, se va a difuminar. Simplemente lo dejo caer ahí y permito que el agua fluya de la manera que quiero o de la manera que espero que la quiera de la manera que quiere. Son estas pequeñas gotas, estas gotas mojadas o mojadas las que se convierten en algunos de los efectos más agradables de la acuarela. Y crea esa luminosidad también. Entonces mientras pintamos la concha, ese es el espíritu que quiero mantener que no estamos tratando de llenar todo de una vez. Estamos tratando de preservar la luz y modelar silenciosamente la forma a su alrededor. Pensar más en términos de luz que de la propia concha, porque así es como creamos algo convincente al transmitir la forma y la sombra a través de ella Porque sin luz, no podríamos ver la forma en absoluto. Y cuando miro el caparazón o la referencia, estoy viendo una gama interminable de tonos de claro a oscuro. Pero claro, no quiero transmitir eso. No puedo transmitir eso. Sería imposible. Entonces lo simplifico y lo minimalizo. Entonces algunos de los tonos que tengo que decidir, ¿hago eso más ligero para que coincida con este? Esto los lava pintando ahora o lo hago más oscuro para agregar al siguiente que haremos encima de esto? Estoy pensando en áreas amplias más que en pequeños detalles, pesar de que tengo algunos pequeños trazos conectados a esto. En primer lugar, pienso en las amplias áreas y luego cómo unirlas con los pequeños trazos después. Presentamos un poco más marrón en este lado derecho. 13. Experimentación con la textura: Estoy mirando primero las zonas de temperatura general, donde el caparazón es más cálido, dónde está más fresco, dónde está la luz más fuerte y ¿dónde comienza a desviarse la forma Así que tenemos mucha calidez este momento, sobre todo en la parte inferior. Y luego un poco más de frescor a la izquierda, pero no demasiado, solo una ligera influencia de frescor Creo que necesito hacerlo un poco más ligero por el fondo, así que solo estoy tomando algún pigmento que está en la pintura misma y redistribuyéndola hacia arriba Y estas pequeñas líneas siguen los contornos y la curvatura para darle ese ritmo y sentido de forma. Y distribuye los pigmentos alrededor. Entonces el caparazón realmente tiene una buena gama de colores dentro de lo que es esencialmente solo es básicamente una paleta restringida, realmente, una paleta limitada No está pasando demasiado. No hay verdes brillantes, ni púrpuras brillantes. Tal vez ocurren sutiles influencias de estas cosas, pero es principalmente solo una paleta limitada. Tenemos las cremas pálidas y las claras apagadas en los pasajes más ligeros en la parte superior Parecen blancos puros en este momento, pesar de que técnicamente no lo son Realmente nos estamos divirtiendo con ese tipo de nota cálida de durazno en este momento. Los pasajes anaranjados allí en el tipo de crestas iluminadas por el sol mientras se curva alrededor de la sombra Los sutiles grises violetas y azules apagados en las secciones ensombrecidas en espiral Entonces no es una enorme, como, no es una gran celebración del color, pero no en la forma en que estamos usando cada color o pigmento disponible, sino que estamos aprovechando al máximo lo que queremos usar. También estamos eligiendo colores que complementen el fondo. Por supuesto, elegí los colores de fondo porque sabía que estaría usando estos colores en la concha, pero el amarillo, como dije, decía al pintar el fondo se ve muy bien con el morado porque complementan los colores Y el naranja va bien con los tonos azules que también están en el fondo. Entonces hay suficiente variedad para que se sienta vivo. Pero también sería interesante y útil pintar esto usando blanco y negro, solo sapia o siena quemada o solo un solo Tal vez solo tinte neutro y negro, solo para enfocarse en los tonos. Todavía se vería muy bonita porque estábamos creando esa sensación de luminosidad, aún puedes crear una sensación de luz sin ningún color en absoluto Es una buena práctica para hacer. Por supuesto, creo que si hiciera toda una clase sobre una pintura en blanco y negro de concha, no sería tan popular. Pero si realmente quieres aprender a crear esa sensación de luz, sería un fantástico experimento y práctica para darle una oportunidad. Ahora que he comenzado o comenzado con los lavados calientes en las zonas iluminadas por el sol, estoy empezando a entrar con unos colores más fríos, solo dejando caer pedacitos Se puede ver que es un poco más turquesa o azul. No importa, podría ser violeta. Solo el contraste de cálido a frío. Al final del día, no importa qué colores fríos o cálidos uses porque se trata solo de la temperatura, de la temperatura de playoffs Alrededor del cuerpo más grande del caparazón, hay secciones donde la luz atrapa y se calienta muy suavemente. Todavía no los quiero exagerar. Yo sólo quiero matizar esas áreas y comenzar a establecer la relación de temperatura. 14. Algunos tonos más oscuros: Entonces se puede ver la parte más sombreada, sobre todo alrededor de la espiral de la izquierda, empecé a introducir esa nota violeta gris más fría o un toque de verde En realidad no agregué verde, mi azul mezclado con esa rojiza, una especie de siena quemada en el papel. Yo me creé a sí misma. Estos en realidad siguen siendo bastante ligeros. Son tonos medios en este momento. Aún no me voy a acercar a los oscuros más profundos. Esos solo serán pequeños acentos al final. Simplemente estoy estableciendo esa primera conversación entre cálido y fresco a través de la forma, tratando de crear esa sensación de ligereza y atmósfera también Eso es otra cosa buena de la acuarela. Por qué me gusta. Se puede crear atmósfera en un objeto. Al igual que tiene, como que tiene espacio para respirar. Es una de las cosas útiles un caparazón que su estructura nos ayude a entender el movimiento de estos lavados. Las crestas no son solo aleatorias. Son bastante estructurales. Se curvan y se envuelven. Entonces cuando me acuesto en estos primeros lavados, puedo dejar que el cepillo siga ese movimiento No quiero pintar a través la forma de una manera que la aplana. Quiero que las marcas comiencen ya a soportar la espiral y esa estructura giratoria. Y luego dentro de esa estructura y esas marcas de pincel, es bastante aleatorio. Hay mucho desorden y retrolavados e inconsistencias, pero está algo anclado por estos toques espiralmente y retrolavados e inconsistencias, pero está algo anclado por estos toques espiralmente direccionales. Está influenciado por eso. Quiero que las marcas lo demuestren. Entonces sigo dejando mucho espacio para acristalar después porque el acristalamiento es algo que me gusta hacer con bodegones para construir esa ilusión de detalle de una manera más controlada y relajada, especialmente con este tipo de tema que tiene muchas pequeñas texturas y capas. Hay bastantes capas involucradas, y básicamente el acristalamiento es una capa. Entonces es muy importante con un tema como este en general, cómo construir riqueza a través de capas Si trato de lograr todo el caparazón de una sola vez, definitivamente perderé esa sutileza Entonces estoy pensando en estos como primeros pases que establecen las bases Están estableciendo la atmósfera del caparazón, no completándolo. Y el papel hace mucho del trabajo por nosotros en estas primeras etapas. Ahí es donde entra en juego la belleza de la acuarela. Estamos colocando una nota cálida aquí, una nota fresca ahí, dejándolos asentarse y hacer lo que quieran hacer, dejándolos respirar. Y ya, su hijo comienza a emerger. Comienza a sentirse no solo dibujado sino iluminado. Estoy mirando de un lado a otro entre el caparazón y el área de sombra, aunque todavía no he pintado esa área de sombra porque estoy empezando a agregar el caparazón y el área de sombra, aunque todavía no he pintado esa área de sombra porque estoy empezando a agregar algunos oscuros, mientras están mojados, se ven muy oscuros, pero se aclararán, especialmente porque se están curvando hacia la zona más Esa es la razón por la que quiero preservar un sentido de jerarquía. El caparazón debe permanecer más claro y delicado mientras que la sombra posterior aportará ese peso. 15. Pincel en seco: Ahora he permitido que se seque por completo, y siento que he creado esa sensación de atmósfera y amplitud y Entonces ahora podemos comenzar a trabajar en acristalarlo, básicamente, agregando pequeñas capas para construir la textura en lugar de hacerlo todo de una sola vez. Muchos de mis cuadros no utilizan realmente la técnica de acristalamiento. Se trata de ser audaz y expresivo. Pero el acristalamiento es una de las fortalezas silenciosas de la acuarela, sobre todo en la pintura de naturaleza muerta como esta. A veces la gente piensa en la acuarela solo en términos del primer lavado como si el medio se tratara de la frescura inmediata, y luego pase lo que pase, lo cual es divertido. Y tengo que la mayoría de mis clases son así. Pero una de las cosas bonitas de la acuarela también es que se puede construir con mucha delicadeza a lo largo del tiempo, y no necesariamente mucho tiempo Esta es en realidad una pintura más corta que mis clases habituales. Por lo general mis clases pueden tomar 2 horas y tengo que acelerarlo o cortarlo o editar pedacitos. Pero esto es todo mi metraje, y todo es tiempo normal, no acelerado en absoluto. Así que en realidad es más rápido que mis pinturas habituales. Las capas transparentes pueden profundizar el color, y eso es lo que es la acuarela Es un medio transparente. Refina la forma. Crea una sensación de riqueza sin perder luminosidad. Pero mientras seamos pacientes, y esa es realmente la paciencia clave porque la paciencia, bastante divertida, no tiene tanto que ver con el tiempo. Como dije, esta es una pintura rápida, en realidad. Pero podría parecer no paciente para algunas personas porque estamos pintando en capas, y un esmalte solo funciona realmente cuando la capa de debajo está lista para Entonces, si la capa anterior está demasiado húmeda, el nuevo pasaje puede perturbarla o voltear la superficie un poco fangosa Y si nos impacientamos y seguimos trabajando de nuevo en esa zona antes de que se asiente, a menudo perdemos la claridad que hace que la acuarela sea tan especial en primer lugar Así que el acristalamiento nos enseña más que la técnica. Nos enseña el tiempo, nos enseña moderación, y nos permite hacer una pausa cuando la pintura necesita hacer una pausa, no solo cuando tenemos ganas de hacer una pausa Entonces, en términos prácticos, un esmalte es simplemente una capa transparente colocada sobre una capa seca existente para ajustarla Es lo contrario o mojado o mojado, básicamente. Pero el efecto puede ser increíblemente sutil y potente, sobre todo con todos estos pequeños detalles que obtienes en un caparazón. Un esmalte pálido y cálido puede hacer que el caparazón se sienta repentinamente iluminado por el sol Un glaseado fresco puede enviar un pequeño avión suavemente hacia atrás en la sombra Una capa transparente más profunda puede aclarar aún más la sombra, pero sin hacerla sentir muerta. Y eso es lo que hace que esto sea tan hermoso en acuarela, es que las capas permanecen ópticamente vivas y se entremezclan No estamos pensando en primera capa, segunda capa, tercera capa, y luego terminada. Cada pincelada es técnicamente su propia capa, dependiendo de dónde aterrice 16. Algunos toques finales: Así que la luz aún se mueve a través de estas capas. La capa temprana aún participa en lo que estamos viendo, aunque esté enterrada bajo otras capas. En lugar de una corrección opaica cubriendo otra, como haríamos en otras pinturas cuando solo estábamos usando básicamente dos capas Esto es más una acumulación a lo largo del tiempo. La superficie se vuelve más rica pero transpirable, claro, significa que estamos haciendo mucho más del trabajo nosotros mismos, pero por eso creamos esa capa atmosférica aireada para empezar Ahora estamos haciendo el acristalamiento encima de eso. Por supuesto, este tipo de técnicas, estas técnicas de acristalamiento se adaptan mejor a algunos temas que a otros, como la naturaleza muerta o algún retrato Depende de tu estilo. Cuando pinto bodegón, tiendo a gustarme este tipo de estilo de acristalamiento en capas. Un poco como mi clase de calabaza. Hace un tiempo pinté en mi copa, mi clase de gafas transparentes. Es bodegón a menudo recompensa esta construcción cuidadosa y gradual porque se trata más de um percepción y observación. Con otras pinturas, podemos ser un poco más ambiguos. Con la naturaleza muerta, rara vez nos vemos forzados a la velocidad de cambiar de tema. Tenemos la oportunidad de decir, Bien, solo dejaré que esto se seque, luego volveré, tal vez tome una taza de té, cambie la canción en la radio. Entonces sólo voy a ese calor ahí. Entonces profundizaré la sombra. Cada pasada refina un poco más la armonía. Especialmente en una paleta limitada, tal vez no sea difícil equivocarse porque estamos dentro de ese color. No vamos a elegir un color que sea extraño porque nos estamos pegando a los colores que tenemos amarillo ocre, siena quemada, los gusanos, luego violetas y azules para Por supuesto, el acristalamiento puede salir mal si somos demasiado pesados o hay demasiadas capas o si esas capas son demasiado fuertes, solo puedo hacer que una pintura se sienta un poco cansada. Entonces el acristalamiento no es solo una corrección de analista, otra herramienta en nuestra caja que podemos usar. Cada clazo aún necesita una razón. No lo estamos haciendo al azar. Quizás esté calentando algunas áreas o enfriando, unificando. Y sigo experimentando con otras cosas. Como si acabara de fregar el cepillo ahí para aclarar un poco. Eso no es acristalamiento en absoluto. Entonces sigo incorporando otras herramientas así como acristalamiento. Pero no suelo hablar de acristalamiento en mis otras clases, así que siento que estoy hablando un poco más de ello ahora porque sigue siendo útil porque en otras pinturas, todavía podemos usar pedacitos de él, aunque no necesariamente hablo de ello durante 5 minutos. Si no tiene razón, probablemente no sea necesaria. Esa es una buena filosofía para tener a la hora de acristalar. También creo que el acristalamiento se vuelve más fácil cuando dejamos de esperar que cada capa haga todo. Estamos astillando la escultura, por así decirlo, en lugar de hacerlo todo de un solo golpe. La capa de piel definitivamente no necesita terminar el caparazón, y la segunda tampoco. Cada capa solo solía llevar un poco de esa carga. Y es una forma muy calmante de pintar, en realidad. Entonces no se trata tanto de impaciencia. 17. Prehumectación de la sombra: Entonces, a la hora de observar mi pintura y tratar de recrear la tuya, te animaría no sólo a juzgar, es solo si las crestas o los detalles coinciden Si la sombra es exactamente de la misma forma o el fondo tiene el mismo tipo de textura o colores. Quiero que mires la experiencia más grande de la pintura. ¿Se siente luminoso? ¿Se siente equilibrado? ¿Se siente tranquilo? ¿Se siente anclado Y si lo hace, entonces probablemente hayas dicho suficiente, no necesitas sobretrabajarlo con detalles Y esa es una de las cosas más bonitas de pintar un subtecto como este es que nos enseña que la integridad puede provenir de la armonía más que de La relación con todos los elementos más que la explicación completa y a veces la sutileza de la misma, hay algunas áreas en las que creo que he sobrecargado de trabajo en retrospectiva, pero me he forzado a Entonces, a veces la sutileza es más poderosa que la fuerza. Entonces justo antes de empezar a pintar la sombra, que es lo que haremos a continuación, voy a buscar lugares en el sur de Shalit donde tal vez unos acentos más firmes ayuden a cristalizar la forma, definirla Esta siempre es una etapa importante porque una pintura puede permanecer un poco vaga hasta que llegan las notas oscuras correctas Pero también es una etapa delicada porque los acentos oscuros equivocados pueden hacer que una pintura ligera se sienta repentinamente demasiado pesada. Entonces me pregunto, ¿dónde se necesitan realmente las notas más profundas? Por lo general, estas son alrededor de las sombras centrales en la espiral, los puntos de contacto cerca de la concha y la superficie, y quizás algunos pasajes estrechos donde las formas superpuestas necesitan una separación más clara porque no quiero oscuros en todas partes Yo sólo los quiero donde van a crear el mayor significado. Y ese es uno de los principios más útiles sobre los acentos oscuros. Son más fuertes cuando son selectivos. Si cada sombra es empujada a la misma intensidad de intensidad, la pintura puede perder su jerarquía. Pero si se reservan algunas notas oscuras para los momentos estructurales más importantes, pueden agudizar toda la imagen Entonces comencemos a pintar la sombra ahora, y estoy empezando por humedecer previamente toda el área de sombra solo para conseguir las cosas bonitas, mojadas y mojadas. 18. Lavado de sombras audaz: Entonces ahora que hemos prehumedecido el área de sombra, el área de sombra proyectada, voy a empezar a aplicar ese tipo de violeta púrpura, comenzar con eso que ya estaba en mi paleta quiero que la sombra sea fría en general para contrastar con la calidez de la propia concha Esta sombra proyectada es una de las partes más importantes de la pintura. Y lo digo porque el caparazón en sí es delicado e intrincado, pero la sombra es amplia y sencilla Entonces ese contraste es sumamente poderoso. Le da a la pintura tanto elegancia como estructura. Entonces mi intención con esto es que la sombra se estire hacia abajo y hacia la izquierda en una especie de forma arrolladora. Y es suave en los bordes lejanos a la izquierda, y luego más oscuro y más firme cerca del caparazón Y está llena de tonos azules violetas fríos, como acabo de mencionar. En muchos sentidos, es el contrapeso visual al propio caparazón Porque sin ella, la concha se sentirá como un estudio, y con ella, la pintura se convierte más en una composición artística. Entonces, cuando pinto la sombra, trato de pensar primero en la forma principal unificada. Básicamente es un óvalo. No quiero romperlo demasiado demasiado pronto. Tal vez experimentando con un poco de ese borde roto en el lado izquierdo A pesar de que hay ligeras variaciones dentro de ella, tal vez una nota reflejada un poco más cálida cerca de la concha o una más oscura más profunda donde el objeto se encuentra con la superficie. A donde apenas llega la luz. La sombra aún necesita leer como una masa conectada. Y como con la mayoría de las cosas, algo que vale la pena recordar más generalmente en la pintura, las sombras suelen ser más fuertes cuando se simplifican. En el momento en que los sobredescribimos , pueden perder su poder Al igual que los acentos oscuros de los que hablaba antes. Pueden dejar de sentirse como una sombra y comenzar a sentirse como parches de pintura separados. Entonces quiero preservar la silueta general y la unidad general de la sombra. Aun cuando permita una pequeña variación dentro de ella. El color de la sombra también es algo divertido para jugar. Hay una buena lección de temperatura porque el caparazón lleva todas las cálidas notas iluminadas por el sol La sombra naturalmente se siente más fresca por contraste. Así que ahora mismo me estoy inclinando hacia esos azules. Morados en el centro. Yo uso azul en los bordes porque voy a hacer la transición a él en un cálido ya que llega al lado derecho. Pero no quiero que se vuelva muerta o monótona. Por eso estoy animando a todos estos colores diferentes. No quiero que sea plano. Ya puedes ver que estoy agregando cada vez más tono. Y en cinco, 10 minutos, tal vez vuelva a repasarlo para corregir los tonos, pero apenas estoy comenzando de esta manera Todavía quiero que se sienta vivo. Entonces empiezo con esa expresión y trabajo a mi manera esa dirección. Se puede ver que estoy experimentando con chits de temperatura dentro de la familia fresca misma Es una transición agradable y limpia, o al menos una transición divertida. No tiene que estar limpio. No estoy tratando de lograr la limpieza. Y eso suele ser suficiente para mantenerlo interesante sin que se convierta en algo demasiado ruidoso o que distraiga El borde más cercano al caparazón es especialmente importante. Es una especie de borde duro justo debajo del caparazón. Tiene que estar apretado y se oscurece un poco a medida que atravesamos esa zona Y esa cercanía nos dice el objeto está sentado en la superficie Lo fundamenta. Entonces a medida que la sombra se extiende, se ablanda y se abre un poco más. 20. Salpicaduras de sombras: Entonces esta parte de la pintura, de nuevo, realmente estoy mirando la pintura como un todo. Solo estoy salpicando unas gotas de agua pura sobre esa sombra húmeda para hacerla un poco más Me parece que cuando el lavado está casi seco y te splat un poco de agua pura, crea estas marcas que son imposibles de recrear de otra Entonces tenemos el espectáculo, la sombra, el fondo, las notas cálidas, las notas frías, los pasajes más suaves, los acentos firmes. Tenemos un buen rango y contraste de las cosas que están pasando. Y quiero que todos se sientan parte del mismo ambiente. A pesar de que hay claras distinciones, todos están trabajando el uno hacia el otro Entonces tipo de relación está pasando, ya sea contraste o unidad. Y si un pasaje se siente un poco demasiado aislado en el caparazón, tal vez unifíquelo con un glaseado muy suave Si un borde se siente un poco abrupto, tal vez lo suavice o si una sombra se siente demasiado débil, tal vez pueda profundizarlo Pero estos son ahora ajustes finales de equilibrio en lugar de cambios importantes porque ahora estamos muy cerca del final. La Charlotte misma debería sentir como si estuviera emergiendo suavemente de la luz, no de una manera dramática teatral Pero una forma luminosa y silenciosa. La espiral debería sentirse lo suficientemente convincente, y la sombra debería darle al objeto, al caparazón suficiente gravedad, suficiente tipo de tierra a él. De lo contrario, es simplemente flotar en el espacio porque no hay mucha descripción en el fondo de cómo es la forma. Entonces esa sombra realmente ayuda con el sentido de perspectiva. Y toda la imagen en general debe sentirse estable y tranquila. También quiero que la pintura preserve una sensación de aire. Así es como creamos la atmósfera. Algo que más valoro en acuarela. Por eso agregué esos pisos, y ahora estoy haciendo estas pequeñas gotitas mojadas sobre mojadas. Incluso cuando un objeto es sólido, no quiero que la pintura se sienta sellada o, como, bloqueada. Quiero que haya una sensación de ambiente a su alrededor, un poco de espacio, un poco de suavidad. Eso es lo que hace que la acuarela sea tan especial para mí. Y cuando miro a la naturaleza muerta como este caparazón, lo que realmente quiero terminar no es sólo un caparazón correcto. Quiero una pintura que se sienta tranquila, completa, y observada con cuidado e intención. Entonces una pintura que le da al espectador la oportunidad de frenar un poco una pintura que le permita sentir la calidez del espectáculo contra la fría sombra de fondo y la quietud de todo el arreglo Y esa quietud importa. Es parte de lo que hace que el tema sea mágico, realmente. Es lo que nos ofrece el tema. Entonces el caparazón no necesita una historia dramática como otras pinturas. Es historia ya está ahí en su estructura, en su superficie desgastada, y en la forma en que la luz descansa sobre ella Nuestro trabajo es simplemente notarlo lo suficientemente profundo y pintar lo más honestamente que podamos. Y ojalá, esas cosas vayan a pasar. 21. A Few Highlights: Lo que me encanta un estudio de conchas como este es que nos recuerda cuánto se puede vivir dentro una forma sencilla porque a primera vista, es solo un chow y una sombra Pero una vez que disminuimos la velocidad y realmente nos involucramos con ella, encontramos la forma, el ritmo, la luz , el color, la temperatura, todo tipo de cosas, la textura, los bordes, el acristalamiento, el equilibrio compositivo Hay tantas cosas diferentes, todas estas pequeñas relaciones tranquilas que hacen que la pintura sea tan rica. Entonces esta clase es realmente una invitación a confiar en esas relaciones más tranquilas Para confiar en ese cálido contra el frío y cómo puede ser suficiente o esa larga sombra y cómo puede llevar drama sin ruido, ese simple objeto aún puede sentirse completo y profundamente satisfactorio. Y quizás también que no siempre necesitamos complejidad para poder pintar algo significativo. De hecho, la pintura de bodegones siempre ha sido así, de verdad. Toma objetos ordinarios y nos da una manera de mirarlos con más cuidado de lo que solemos hacer. Y al hacerlo, muchas veces nos da algo más que solo practicar. Nos da un ritmo diferente de atención, una manera diferente de ver una oportunidad de apreciar cosas que normalmente simplemente pasarían desapercibidas Y este caparazón es uno de esos temas. Es muy humilde y bastante simple, pero está llena de belleza. La espiral lleva movimiento y las crestas captan la luz maravillosamente Tenemos esa fuerte sombra proyectada que le da algo de audacia y peso El fondo le deja respirar porque es muy suave y ligero. Y dentro de todo eso, la acuarela nos da el tipo correcto de lenguaje, esa transparencia, la luminiscencia Solo estoy aplicando los toques finales ahora con la guash blanca, y me estoy asegurando de que sea una marca de pincel seco porque quiero esa textura en las crestas, porque algunas áreas son lisas, pero algunas áreas tienen esa textura en la propia concha Entonces estoy tratando de dar a entender ese movimiento usando la textura de pincel seco. Entonces espero que sigas practicando bodegón después de esta clase. Por supuesto, tengo otras clases de bodegón disponibles. Creo que las conchas son un tema maravilloso al que volver porque puedes intentar pintar uno en un ángulo diferente, tal vez uno un poco más pequeño, poco más apretado, o tal vez puedas hacer uno con una sombra más clara, no tan audaz Tal vez puedas cambiar un poco la paleta de colores, hacer que el fondo sea más cálido y hacer que la cáscara se enfríe. Entonces hay mucho que experimentar. Tal vez puedas practicar la pintura con dos o tres conchas o cambiarla a un objeto simple diferente. Pero aún así te animaría a mantener ese mismo espíritu de simplicidad y mirada cuidadosa porque una vez que empiezas a ver las cosas de esta manera, empiezas a notar cuánta pintura puede emerger de todas estas cosas simples como una paleta limitada, una fuente de luz clara, y cambia la forma en que miras todo, ya sea una piedra, una taza, una tela doblada, una hoja. Todos ellos comienzan a revelar lecciones tranquilas que puedes aprender y contribuir a todas tus futuras pinturas. 22. Reflexiones finales: Bienvenido de nuevo y felicitaciones por completar esta pintura aún viva de un caparazón. En esta clase, exploramos cómo simplicidad puede agudizar nuestra atención, invitándonos a mirar con más cuidado el borde, sombra, la textura y el suave giro de la forma Utilizamos una paleta limitada para mantener todo unificado y permitimos que el patrón de luz y sombra hiciera gran parte de la narración Las lecciones aquí se extienden mucho más allá de este caparazón. Pueden enriquecer cualquier naturaleza muerta donde la observación, atmósfera y la moderación reflexiva importan. Recuerda, la acuarela no se trata solo de habilidades técnicas, sino también de expresar tu creatividad y estilo personal. Te animo a que sigas explorando, experimentando y superando tus límites para crear tus propias obras maestras de acuarela únicas Al llegar al final de esta clase, espero que se sienta más seguro y cómodo con sus habilidades de pintura en acuarela. La práctica es clave a la hora de mejorar tus habilidades, así que sigue pintando y experimentando. Quiero expresar mi gratitud por todos y cada uno de ustedes. Tu pasión por la acuarela es muy inspiradora y me siento honrado de ser tu maestra. Si quieres comentarios sobre tu pintura, me encantaría darla. Así que por favor comparte tu pintura en la galería de proyectos estudiantiles abajo, y me aseguraré de responder. Si lo prefieres, puedes compartirlo en Instagram, etiquetándome en Will Elliston, como me encantaría verlo Skillshare también le encanta ver a mis alumnos trabajar, así que etiquételos también en Skillshare Después de poner tanto esfuerzo en ello, ¿por qué no compartir tu creación? Si tienes alguna duda o comentario sobre la clase de hoy o quieres algún consejo específico relacionado con la acuarela, comunícame en la sección de discusión. También puedes informarme sobre cualquier tema vida silvestre o escena en la que te gustaría que hiciera una clase. Si encontraste útil esta clase, realmente agradecería recibir tus comentarios al respecto. Leer tus reseñas me llena el corazón de alegría y me ayuda a crear la mejor experiencia para mis alumnos. Por último, por favor haga clic en el botón de seguimiento Utop para que pueda seguirme en Skillshare Esto significa que serás el primero en saber cuándo lance una nueva clase o publique regalos Espero que esta clase te recuerde que incluso los temas más silenciosos pueden ofrecer algunas de las experiencias acuarela más ricas Espero verte en futuras pinturas hasta entonces feliz pintura y adiós por ahora.