Pinta un retrato grande y expresivo: usa narraciones, simbolismo y emoción para ir más allá de la similitud

1. Introducción: Hola y bienvenidos a pintar un retrato grande y expresivo. Soy Paul Richmond y estoy muy emocionado de que me acompañes a este curso. He impartido muchas clases en el pasado cubriendo más de los fundamentos de la pintura y el dibujo En este curso, quería profundizar un poco más y compartir ideas sobre mi propio proceso creativo que nunca antes había mostrado. He pensado mucho en cómo puedo descomponer esto en pedazos del tamaño de un bocado y compartirlo con todos ustedes. Mi objetivo al crear este curso no es necesariamente animarlos a todos a hacer exactamente lo que hago, sino que quería profundizar un poco más que solo cómo dibujar, cómo pintar. Y entrar un poco más en el por qué, ¿por qué hacemos esto? ¿Cómo nos comunicamos? ¿Qué estamos comunicando a través de nuestro trabajo? En este curso, vamos a comenzar con un lienzo en blanco y voy a llevarte todo el camino a través del proceso artístico de pintar un gran retrato expresivo, incluyendo conocer a nuestro modelo, soy campeón flotante. Es una autora inspiradora, oradora pública, artista cambiadora, muy buena amiga mía No puedo decir suficientes cosas buenas de esta mujer. Vinimos aquí para crecer continuamente y si no crecemos, extinguirnos Entonces estaremos platicando con ella, entrevistándola, aprendiendo un poco más sobre su historia y las ideas que trae a la mesa Lo que debemos representar en esta pintura. Cuando estoy pintando un retrato, quiero ir más allá de lo que parece alguien y también mostrar quiénes son o aprovechar alguna idea o emoción universal con la que otros puedan relacionarse cuando miran la pieza. He pintado a tantas personas increíbles en mi carrera y he aprendido algo de todas y cada una de ellas. Creo que celebrar la diversidad es muy importante y realmente valoro la oportunidad de llegar a retratar a personas de tantos orígenes diferentes y aprender sobre sus historias y también cómo puedo relacionarme con sus No importa lo diferentes que podamos parecer. En la superficie, podrás venir conmigo mientras fotografío la modelo. Entonces elegiremos qué imagen queremos usar, lluvia de ideas sobre el concepto para la pieza, hacer una lluvia de ideas sobre el concepto para la pieza, investigaremos un poco, luego te mostraré cómo diseño mis pinturas Me gusta usar Photoshop. Si no eres artista digital, no te preocupes. También te estaré mostrando cómo puedes hacer exactamente lo mismo usando métodos más tradicionales como el collage y el dibujo. Después de eso, levantaremos la imagen en el lienzo y luego empezaremos a pintar. Estoy proporcionando todos los mismos recursos que estoy usando. Entonces, si quieres seguir y hacer algo paso a paso junto conmigo, ciertamente puedes. Pero también me gustaría animarle a que piense en cómo podría interpretar usted mismo el tema. ¿Qué imaginas que pueda ser completamente diferente de cómo me estoy acercando a él con demasiada frecuencia En los cursos de arte, creo que los participantes pueden sentir la expectativa es que se supone que deben copiar exactamente lo que hace el instructor. Pero no hay derechos ni agravios en el arte. Estoy compartiendo mi proceso contigo con la esperanza de que te ayude a inspirarte a encontrar tus propios métodos para acceder a tu creatividad y relucir en tu obra de arte. Muy a menudo, creo que la pintura de retratos casi puede objetivar el modelo Y creo que es muy importante centrar a los individuos. Entonces a lo largo de este curso, estaremos escuchando más de la propia Glo Deine para que nos mantengamos conectados con ella y con las ideas que están inspirando esta pintura Para mí como retratista, creo que tener empatía por los demás es igual de importante, si no más importante una habilidad que saber mezclar colores o pintar o dibujar o cualquiera de Te estaré mostrando cada paso del proceso. Entonces, si eres principiante, no te preocupes. Podrás ver exactamente cómo hago cada cosa en el camino. Pero si eres un artista más avanzado y buscas sacudir tu proceso, o tal vez simplemente encontrar una nueva forma conectarte con tu tema. Este es un gran curso para que lo hagas. He estado pintando toda mi vida. Empecé a tomar clases de pintura al óleo cuando tenía tres años, de una maravillosa artista de nuestra comunidad llamada Linda Regula. Ella fue una gran inspiración para mí y me enseñó que el arte es mucho más que un cuadro bonito en una pared. Realmente es una forma de comunicarse y conectarse. He tenido el privilegio de exhibir mi trabajo en galerías y museos, y tengo coleccionistas en todo el mundo. Incluso he hecho algunas comisiones para celebridades como Troy Avon y Dolly Parton. Y realmente me encanta enseñar. Me parece tan energizante poder transmitir lo que he aprendido y mi entusiasmo por el arte con todos ustedes Entonces, ¿estás listo para emprender este viaje conmigo? Empecemos. 2. Proyecto: Bien, déjeme compartir el proyecto que voy a pintar en este coro. ¿Ves el cuadro gigante detrás de mí? Eso es. Te voy a llevar paso a paso y mostrarte todo mi proceso para crear un retrato grande y expresivo, Empezando por fotografiar el modelo, eligiendo la mejor imagen, creando una referencia ya sea en foto o usando métodos tradicionales como el collage y el dibujo Y luego estaré usando el método de la cuadrícula para obtener el boceto en el lienzo. También te estaré mostrando cómo puedes hacer lo mismo con un proyector. Y luego llega el momento de pintar desde las etapas iniciales de colocación en capas gruesas y expresivas de color hasta la afinación fina que hago. Al final, estarás conmigo cada paso del camino y estaré compartiendo contigo la inspiración de nuestra modelo Glow Deine Champion a medida que avanzamos por este curso Porque creo que es muy importante cuando estás pintando un retrato centrar siempre a ese individuo. Ciertamente eres bienvenido a seguirlo y hacer exactamente lo que estoy haciendo, pero mi esperanza es que pueda inspirarte a darle tu propio giro. Cada artista ve las cosas de manera un poco diferente. Y esta es una oportunidad para que explores cómo es tu lado expresivo. Aquí no hay derecho ni agravio, solo creatividad y diversión Así que comencemos. 3. MATERIALES: Echemos un vistazo a los materiales que estaré usando a lo largo de este curso. No es necesario que uses las mismas cosas que yo. Puedes hacer arte con lo que quieras. Si tienes un medio que particularmente te gusta, sugiero usar eso. Voy a estar pintando sobre un lienzo de 36 pulgadas por 48 pulgadas. Mi capa base será con pintura acrílica. Apenas algunos colores básicos, rojo, amarillo, negro y blanco. Junto con eso, voy a necesitar un surtido de pinceles, incluyendo algunos grandes. Para que al principio puedas poner esa pintura ahí rápidamente. Y lo que sea que quieras usar para una paleta, me gusta usar hojas de papel de paleta. Después de ponerme la capa base, entonces estaré cambiando a pintura al óleo y ahí tengo un conjunto de colores un poco más expansivo Sin embargo, realmente todo lo que necesitas son las primarias. Entonces rojo, amarillo, azul, blanco y negro. Puedes mezclar todo lo demás con esos, pero me gusta que me sea un poco más fácil. Así que también he quemado el ámbar, el dióxido de siena quemado, la savia morada, viridio verde y el ocre amarillo Los rojos que voy a usar son un lagarto y rojo carmesí y El amarillo también es un cadmio. Y luego tengo dos blues que estoy usando. Tengo azul serreliano y azul ultramarino. Tengo unas navajas con las que estaré usando para mezclar la pintura y una vara grande, si quieres usar el método de cuadrícula para transferir tu dibujo al campus También estaré demostrando cómo puedes usar un proyector para ese propósito también. Entonces, si tienes un proyector y quieres usarlo, eso también funcionará. También me verás usando Photoshop hacia el inicio del curso para diseñar la pintura. Entonces, si tienes acceso a Photoshop y quieres probarlo, siéntete libre, sin embargo, no es necesario. También te estaré mostrando formas alternas en las que puedes diseñar una pintura, incluyendo bocetos y también collaging Y te estoy proporcionando una descarga de todos los materiales fuente que voy a usar, la foto de Glow Deine, así como todas las imágenes de referencia que estoy combinando para el fondo estarán disponibles para que las uses Bien, eso es todo. Así que reúne tus suministros de arte y vámonos. 4. Capa base: Hola a todos y bienvenidos a pintar un retrato grande y expresivo. Soy Paul Richmond y me siento muy honrado de que estés tomando este curso conmigo. No puedo esperar para comenzar. En esta lección voy a estar poniendo una capa base en mi lienzo porque no me gusta pintar sobre una superficie blanca. A mí me gusta tener un poco de caos pasando ahí. Entonces estaré haciendo una capa base en acrílico. El resto de la pintura voy a estar haciendo al óleo. Ahora eres bienvenido a seguir paso a paso conmigo y hacer todo exactamente de la manera que lo estoy haciendo. O si tienes un medio diferente que te gustaría usar o un estilo diferente, si quieres llevar este proyecto en una dirección diferente. Yo animé encarecidamente que haya impartido muchos cursos sobre los fundamentos de la pintura y el dibujo, y sin duda vamos a entrar en gran parte de esa información en este curso también Sin embargo, el tema principal que me resulta más interesante, y lo que quiero compartir con ustedes a lo largo estas próximas 20 lecciones es un poco más sobre el lado conceptual. ¿Cómo se nos ocurren nuestras ideas? ¿Cómo decidimos qué composición queremos? ¿Qué colores queremos usar? ¿Qué símbolos resuenan para nosotros? Tus respuestas pueden ser completamente diferentes a las mías, y eso está bien. De hecho, eso es maravilloso. ¿Estás listo para empezar? Vamos a hacerlo. Bien. Estoy empezando con un poco de pintura acrílica. Mi capa base es en acrílico. Y luego después, de aquí en adelante, estaré usando aceite. Pero para hoy, tengo pintura acrílica roja, amarilla , negra y blanca en mi paleta. Se puede ver ahí abajo en la esquina inferior derecha. Deberías usar los colores que quieras, aunque no hay rima real ni razón para esto Estos son solo los colores que me apetecía usar ya que hoy estaba pensando en nuestro tema. Entonces, en un momento te voy a presentar a ella. Su nombre es Glo Deine Champion. Es una autora increíble, oradora pública, artista cambiadora Ella me inspira inmensamente. Y sé que ella también te va a inspirar. No creo que necesites escuchar muchos comentarios míos durante esta lección, ya que literalmente solo estoy manchando pintura sobre un lienzo Entonces voy a darle la vuelta para brillar a Deine y dejarla hablar un poco sobre sí misma, pero también sobre algo del simbolismo del que vamos a estar dibujando para crear este retrato expresivo de A lo mejor solo anota algunas notas mientras estás escuchando a Glodine hablando Eso es algo que hago a menudo cuando estoy haciendo ideas sobre una idea para una pieza Voy a hacer algunas notas o algunos garabatos. Voy a subrayar palabras clave, especialmente palabras que son visuales, que podrían darme algunas ideas de lo que me gustaría incorporar a la pintura Aquí está el gluten, yo soy Campeón Glodine. Me estoy llamando la diosa del proceso. Ahora, vinimos aquí a crecer continuamente, y si no crecemos, nos extinguimos Lo mío es la mejora continua del yo de otras personas, procesos, equipos y organizaciones. Quien soy es un fotógrafo, escritor, un artista al que realmente le gustaría tener más tiempo para crear. También soy orador principal. La idea vino de Akin Natan. Es el logo de mi editorial. Y lo elegí porque es un antiguo rey egipcio, un antiguo Kim. Y también es el padre de Tutankman. Y ahí para el marido de T. Pero cuando estaba en el poder, cambió al antiguo Kemet en la medida en que cabreó a mucha gente Entonces al morir, intentaron eliminarlo de los libros de historia. En ese momento todos estaban adorando a diferentes dioses. Había como varios dioses diferentes y lo hizo donde solo había un dios, el y su nombre no era Akenaten al principio era Emote, es emotep hijo Me encanta la idea de que él sea un disruptor en un momento en el que algo así como ahora, ¿verdad La gente se resistía al cambio y tenía miedo de lo que significaría Pero durante su tiempo, creó el arte en los jeroglíficos, creó el arte en la cultura Como dije, cambió de religión y como que abrió la mente de la gente a muchas cosas. En la medida en que Van Gogh y Monet y pintores así, ciertos estilos de pintura vinieron de la de su época agentin Me siento conectado con él porque se negó a simplemente hacer el status quo. Vino y creó oportunidades en tantos niveles diferentes para las personas. Y creo que la gente que no se resistía probablemente se benefició de ello. Y tristemente, las personas que resistieron son las que tratan de eliminarlo de nuestra historia Pero él tuvo un impacto y me siento conectado con el impacto, su intención, y el impacto que hizo y dejó como afín y otras personas así, cosas que son hirientes y que no tienen sentido me dan ganas de ayudar a las personas a ver las cosas de una manera diferente en el espacio de la diversidad, la equidad y Nunca me ha gustado llamarme consultor del DEI porque soy más un disruptor del DEI porque siento que tengo que llamar a la necesidad diversidad, equidad e inclusión Debería ser lo que estás haciendo porque es lo correcto. Creo que por la forma en que mi madre me crió y mis ganas de querer que la gente salga de ese lugar, que más los asusta, porque eso es lo que nos lleva a donde estamos Si la gente pudiera simplemente sentirse cómoda siendo incómoda, me gusta crear situaciones en las que la gente se sienta incómoda para que pueda ayudarles a moverse a ese espacio de comodidad. Podría ser algo que estoy enseñando, podría ser una plática que estoy teniendo. Pero es lo que me despierta por la mañana porque creo que todo eso se trata de nuestro amor y conexión entre Y no podemos tenerlo si estamos dejando que miedo y todas esas cosas se interpongan en el camino, y son realmente sin sentido En 2019, hice una nota magistral para el grupo que se llama The Extreme Leadership Experience Y todo eso es fundado por Steve Farber y también es un chico del amor Y lo suyo es que el amor es sólo un maldito buen negocio. Escribió un libro al respecto. No había mirado el amor hasta ese punto. En 2019 y luego en 2020, George Floyd fue asesinado Y me enteré de George Floyd y el tapete Aubrey y Brianna Taylor todo en Y nunca he hecho esto en mi vida. Pero literalmente pregunté, ¿qué puedo hacer para marcar la diferencia? Y la respuesta volvió amor. Y realmente no sabía lo que eso significaba, como correr por ahí diciéndole a la gente que los amo. Y entonces quedó muy claro que el amor que me están impulsando a sacar en el mundo es el gape, amor que deberíamos tener el uno por el otro Y así porque soy el tipo de persona que me deja abierto a lo que se supone que haga a continuación. Tuve un sueño, y cuando desperté, todo lo que recordaba era, hablemos del amor. Y yo estaba como, ¿qué significa eso siquiera, decirle a la gente sobre esta idea del amor? Y voy a estar difundiendo el amor en el mundo y voy a platicar con la gente sobre el amor. Y yo estaba manejando desde aquí, mi hermano se iba a casar en Little Rock, Arkansas, y así decidí conducir a su boda. Y tengo una amiga, llamo Mi Voz de Dios porque a veces me sale el mensaje y no le hago caso. Y luego dice lo que me han dicho que haga. Bien. Así que cuando me dice cosas, solo sé, bien, eso es lo que se supone que debo hacer. Estábamos hablando y le estaba diciendo que estaba durante este viaje a campo traviesa y ella dijo, deberías hablar con la gente sobre el amor en el camino. Por mucho que soy extrovertida y tanto como me encanta hablar con gente que asustó a la basura. Y yo estaba como, bien, voy a hacerlo. Y así lo hice. Conduje desde Monterey hasta el sur como Macon, Georgia, y hablé con la gente en el camino sobre el amor Nadie me dio la vuelta. Nadie dijo nada negativo sobre el amor. Todos coincidieron en que el amor es el puente que nos conecta. Entonces me hizo pensar que necesito unir a la gente en comunidad y tener estas conversaciones. Porque ahí están los medios dicen en una cosa. Pero mi realidad para ese mes que estaba en la carretera conduciendo por ahí hablando con la gente, mi realidad es que la gente está deseando esta conexión ¿Por qué es que somos capaces de unirnos cuando hay un evento deportivo o concierto o algo así? Pero no podemos simplemente llevarnos bien el uno con el otro. Pero eso es porque creo que hay una minoría de personas en este país que tienen ese pensamiento de mente estrecha, de mente cerrada que están impulsando la narrativa de que este es un país dividido. Pero no creo que eso sea cierto. Entonces hice el primero que fuiste parte de mi patada inicial, hablemos de Love, Monterey, y desde entonces ha sido en Houston, va a San Diego, y Chicago La gente entendió que lo que nos impide estar juntos es ese malestar que sentimos cuando estamos cerca de personas que son diferentes a nosotros. Y es porque no sabemos qué decir. Siempre estamos pensando que tenemos que ser perfectos. Entonces no quiero decir algo equivocado, pero ¿qué tal si no te enfocas en lo que nos hace y hablamos hasta que encontremos lo que nos lleva a crecer en común Mira, te dije que era increíble, ¿eh? Todo bien. Todavía estoy pintando por aquí como pueden ver. Fuera para terminar mi capa base y como dije, estoy usando acrílico para esto. Y luego de aquí en adelante, me voy a cambiar al petróleo. A menudo voy a hacer mis capas base en acrílico porque la pintura acrílica es más barata. Y la mayor parte de esto, si no todo, estará cubierto por las futuras capas de todos modos. Esto solo me permite activar la superficie y darme algo a lo que responder a medida que empiezo a agregarle las imágenes Si estás trabajando en acrílico o aceite, sugiero darle una oportunidad a esto, especialmente si nunca lo has hecho antes. Ahora bien, si estás usando acuarela o un medio más transparente, este podría no ser un buen enfoque para ti, porque en esos casos, estás usando el blanco del papel para crear los reflejos. Así que no quieres cubrirlo todo desde el principio. Pero el óleo, el acrílico, cualquier cosa más opaca, consiguen algo de energía caótica en ese lienzo Lo hará mucho más fácil cuando empecemos a pintar la imagen. En nuestra siguiente lección, de hecho comenzaremos a diseñar cómo queremos que se vea esta pintura. Y es mi esperanza que le pongas tu propio giro. Siéntete libre de ser creativo. De eso se trata esta clase. Bien, lo hicimos a través de nuestra primera lección y el lienzo está cubierto. Ahora estoy súper emocionada de meterme en el diseño esta pieza usando algo de la inspiración que escuchamos hoy de la propia Glo Deine Te veré en nuestra siguiente lección. Adiós. 5. Diseño de la pintura: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un retrato grande y expresivo. Esta es una de mis partes favoritas, aunque probablemente me oirás decir eso mucho porque tengo muchas partes favoritas. Pero sí me encanta diseñar las pinturas porque ahí es donde realmente llegamos a darle algo de atención a cómo vamos a contar esta historia. ¿ Qué elementos visuales queremos utilizar? ¿Cómo los juntamos? ¿Qué colores, qué composición? Hay mucho en lo que pensar, pero no te sientas abrumado por eso. Sentirse excitado. Puedes probar tantas variaciones diferentes como quieras. Y te voy a mostrar algunas formas diferentes en las que me gusta hacer ese proceso. El primer método que te voy a mostrar es diseñar la pintura digitalmente en Photoshop Me encanta este método porque puedo reunir una variedad de imágenes diferentes y combinarlas rápidamente. Prueba diferentes esquemas de color, diferentes arreglos, cambia el tamaño de las cosas fácilmente. Entonces te mostraré ese proceso primero. Pero si ya no estás familiarizado con Photoshop, sugeriría usar la opción que te voy a mostrar, que es usar métodos más tradicionales como el dibujo y el collage. Independientemente de la técnica que termines usando para diseñar tu pintura, las ideas que voy a compartir contigo sobre conceptualizar la pieza siguen siendo las mismas Estaba realmente intrigado por lo que Lodine compartió con nosotros en el video anterior sobre Akhenaten y su conexión con él, y eso es algo que quiero hacer central Entonces, comencemos. Primero, quiero volver a reflexionar sobre lo que Lodine compartió con nosotros ayer sobre Akhenaten La idea vino de Akinaten. Es un antiguo rey egipcio. Cuando estaba en el poder, cambió antigua Kiba en la medida en que golpeó la pistola de la gente fuera. Entonces cuando murió, intentaron eliminarlo de los libros de historia, hay algo que realmente me fascina sobre la conexión que ella siente con él y eso es lo que quiero hacer, el elemento central de mi pintura Las mejores ideas no siempre son algo completamente nuevo, sino más bien una combinación de diferentes elementos yuxtapuestos de una manera que nunca habíamos visto Y para mí, pensar en Glodine, quien veo muy contemporánea, relevante aquí y ahora, su conexión con una figura histórica, que siente que posee esas mismas cualidades, es realmente interesante Entonces, tomé un montón de fotos de Glodine. hice sentar frente a un lienzo blanco para que no hubiera mucho color reflejado en ella. Y acabo de tomar las fotos con mi teléfono. Se puede ver que entra luz natural desde la ventana a la izquierda de ella. Eso fue justo lo suficiente para sacar a relucir todos los hermosos tonos de su piel. Y algunas sombras agradables y contornear la iluminación direccional desde un lado es mucho más interesante, al menos para fines de pintura, que la iluminación frontal. Este es el ganador. Parece que ya está lista para ir a gobernar Egipto, ¿no? Y lo estoy trayendo a Photoshop y colocándolo aproximadamente. Aún no me preocupa demasiado la composición. La nueva versión de Photoshop tiene esta encantadora característica donde puedes simplemente hacer clic en un botón y eliminar los fondos de una foto. Ahora estoy mirando a través de algunas fotos que recogí de Akinatin para ver cuál coincide con pose de Glodine la mejor, y aquí está La iluminación es la misma y todo, así que voy a traer eso a Photoshop también, y ver qué pasa cuando la pongo justo encima de ella. Estos son los modos de mezcla y me encanta jugar con esos. Básicamente toman la capa en la que estás y ajustan cómo interactúa con las capas debajo de ella. Y ahora sólo voy a entrar y empezar a borrar y a tocar y ver qué pasa si permito que algunos de los diferentes elementos pasen por ahí para que consiga esta interesante fusión de las dos figuras Me siento conectado con él porque se negó a hacer el status quo. Tengo algunas imágenes de cielos y luz solar dramática porque otro elemento de la historia que realmente aprecié fue la idea del dios sol Eso parece muy importante. Veo resplandor Deine como alguien que brilla una luz brillante donde quiera que vaya Y también quería intentar usar ese simbolismo en esta pieza Estoy trayendo diferentes orígenes. Y nuevamente, jugando con los modos de fusión para ver qué pasa si permito la transparencia. Eso es algo en lo que disfruto mucho. Mi trabajo está permitiendo que los elementos de fondo se muestren a través de la creación de esta acumulación de capas. Entonces ahora tengo algunas texturas de pincel diferentes que estoy trayendo para que la aleje de verse tan fotográfica y empiece a darme algunas ideas de lo que puedo hacer con la pintura. Cuando creo una referencia como esta, no estoy haciendo algo que pretenda copiar religiosamente Es más un punto de partida así que puedo referirme a él mientras estoy pintando y no me siento tan encerrado en una imagen súper fotográfica. Me encanta lo que sucede cuando los colores de las distintas capas empiezan a interactuar entre sí. Por supuesto, a veces puede parecer, ya sabes, realmente loco y terrible, y solo tienes que cambiar a un modo diferente cuando eso sucede. No tengas miedo cuando estés explorando y probando diferentes ideas. Si obtienes algo que no se ve genial al principio, está bien. Todo es parte del proceso y a veces hay que pasar por muchos de esos antes de encontrar Exactamente lo correcto, pero realmente me gusta hacia dónde se dirige esto. Ahora solo voy a entrar y hacer un trabajo más detallado, borrando algunos elementos sutiles, permitiendo que diferentes cosas interactúen y jueguen entre sí Esta es una gran herramienta para burlarse rápidamente de algunos conceptos realmente interesantes Lo que busco más que nada es si me da la sensación de que quiero que evoque el cuadro, creo que a veces es fácil colgarse los detalles y quiero animarte a que siempre retrocedas y pienses en animarte a que siempre retrocedas el panorama general ¿Cómo me hace sentir esto? ¿Qué emociones suscitan en mí? Eso es mucho más importante que si todo está alineado exactamente donde se supone que debe estar. Estoy trayendo ahora algunos jeroglíficos para usarlos como elemento textural de fondo, porque ese fue otro punto de la historia que Glodine Creó el arte en los jeroglíficos, creó el arte en la cultura, la cultura y el arte van de la mano Y veo que la obra de Glodine como artista, autora y activista está muy interconectada Bien, aquí está mi diseño. Ahora, como dije, si no eres experto en Photoshop, no te preocupes Vamos a probarlo al estilo de la vieja escuela. Imprimí esas mismas imágenes que estaba usando en el diseño de Photoshop. Y ahora voy a jugar con la creación una composición usando tijeras, pegamento. Y luego voy a agregar en algún color con pasteles al óleo. Pero sólo voy a jugar con la combinación de los diferentes elementos. Usé una de las imágenes de textura de pintura como fondo. Ahora encima de eso, estoy acostado primero en la foto del Faraón A continuación tenemos la foto de Glodine. Voy a ponerla ahí dentro. Me gusta hacer algunos bordes rasgados cuando estoy haciendo trabajo de collage para que no todo se vea demasiado perfecto. Ponla pegada. Voy a añadir algo de color. Mientras hago eso, quería compartir la respuesta de Glodine cuando le pregunté de dónde sacaba su cuerda interior Bien. Entonces, cuando era pequeña, mi mamá solía llevarme a todos los lugares de Los Ángeles donde éramos los únicos negros, como los restaurantes Beverly Hills y Santa Mónica y lugares donde la mayoría de mis amigos no habían estado e incluso cuando crecía no irían. Pero ella lo estaba haciendo porque quería que me sintiera cómoda donde quiera que estuviera. Cuando señalé una vez que nosotros lo deletreé con solo gente de B L ACK aquí y ella estaba como, así que nuestro dinero gasta pantalla, Al igual que todos los demás perteneces, donde quieras estar o puedas permitirte estar Tenía quizá 56 años cuando esto sucedió. Pero porque ella me expuso a tanto, me hace menos miedo a la gente y más en sintonía con quien soy. Esa fuerza interior que tan claramente posee es otro elemento que quería asegurarme viene a través de mi pintura de ella. Entonces aquí está mi diseño de collage. Hay tantas maneras diferentes en las que puedes ir conceptualizando una pintura Os he mostrado a los dos en este video. Otra muy popular es simplemente abrir un cuaderno de bocetos y empezar a A muchos artistas les gusta hacer bocetos en miniatura, lo que solo significa hacer pequeños dibujos diminutos, no muy detallados, para tener una idea de la composición general y disposición de los elementos Por lo general, cuando las personas hacen bocetos en miniatura, hacen un montón de ellos que puedan mirar fácilmente de uno a otro e identificar cuál les gusta más Y nuevamente, quiero animarte a medida que diseñas tu pintura para que te sientas libre de desviarte en una dirección totalmente diferente a una dirección totalmente diferente que me has visto hacer aquí Piensa en cómo podrías unir estos elementos a tu manera única. Y una vez que te preparas, porque en la siguiente lección, es momento de sacar esto bosquejado en el lienzo Te veré entonces. Adiós. 6. Dibuja el diseño en el lienzo: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección, te voy a mostrar dos formas diferentes de conseguir que la imagen quede en el lienzo para que podamos empezar a pintar. Primero, te mostraré el método de grid y luego te mostraré cómo usar un proyector. A menudo simplemente voy a mano alzada la imagen sobre el lienzo para ya sea con un lápiz o un pastel al óleo o pintura Entonces esa es sin duda una opción dos, sobre todo si quieres incorporar cualquier tipo de estilización o distorsión o exageración en la pieza Pero puede ser un reto, especialmente si eres nuevo en el dibujo. Toma una imagen de una pequeña referencia a un lienzo grande. Quería mostrarte algunas técnicas que te ayudarán a conseguirlo ahí para que puedas empezar a trabajar. ¿Estás listo? Vamos. Verás que he tomado mi imagen de referencia y he dibujado una cuadrícula encima de eso. Ahora estoy dibujando una cuadrícula correspondiente en el lienzo. La única forma en que el método de cuadrícula realmente funcionará es si tu referencia está exactamente en la misma proporción que el lienzo. En otras palabras, si tu lienzo es un rectángulo y has diseñado la comp como un cuadrado, usar el método grid va a hacer que se estire todo. Solo asegúrate de que estás usando las mismas proporciones y luego podrás hacer que todo se alinee. Estoy dibujando mi cuadrícula a intervalos de seis pulgadas. Eso es romper el lienzo exactamente de la misma manera que se divide esta referencia. Estoy usando un lápiz de color prisma blanco para dibujar la línea porque ya tengo muchos colores oscuros en el lienzo, así que pensé que eso haría que se mostrara un poco mejor Puedes usar lo que quieras para dibujar la cuadrícula. Ya que estamos pintando esto al óleo, todo lo que está en el lienzo ahora va a ser tapado. Entonces solo usa tu criterio, conecta las líneas y luego estaremos listos para ir Me gusta usar este método, sobre todo cuando estoy trabajando en una superficie realmente grande. Pinto muchos murales. Y a veces no puedo llevar el proyector lo suficientemente lejos como para poder proyectar toda la imagen. Entonces el método grid es una manera maravillosa de poder tomar una pequeña referencia y entender cómo se relacionarán esas proporciones en una escala mucho mayor. Bien, entonces ahora es el momento de empezar a dibujar. Y lo maravilloso del método grid es que te permite enfocarte en una sección a la vez en lugar de tratar de averiguar a dónde va todo, cual puede ser un poco abrumador. Ya sabes, si estás trabajando en el segundo cuadrado desde el tercer cuadrado izquierdo hacia abajo, generalmente estás en el lugar correcto. Entonces te da algo de confianza para poder entrar y dibujar esas líneas. Una de las cosas que me ayuda mucho cuando estoy usando este método es enfocarme en ese cuadrado y prestar atención a donde esas líneas parecen intersectar cada lado Entonces, por ejemplo, a lo largo del borde inferior de la plaza, si hay una línea que corta a través de eso, ¿a dónde va? ¿Parece que se trata de en el centro? ¿Parece que es aproximadamente una cuarta parte del camino adentro desde la izquierda o un cuarto del camino adentro desde la derecha Es una manera de orientarse dentro de esa sección. Y si lo haces una y otra vez con cada sección, todo terminará donde pertenece. Estoy usando un pastel al óleo blanco para hacer mi dibujo. Me gusta usar pasteles al óleo. Son agradables y suaves. No hay que trabajar muy duro a las líneas en la lona. Y se cubren muy fácilmente con pintura. Con la misma facilidad se puede usar un lápiz, carbón conte. Incluso podrías usar como un marcador de pintura si quisieras. Cualesquiera que sean las herramientas que tengas disponibles estarán bien si vas por cualquier nivel de realismo en una pintura. En este caso, yo diría que quiero que su cara sea algo realista. Todo lo demás va a ir quizá un poco más en una dirección expresiva. Pero como quiero que el retrato se parezca realmente a ella, no puedo enfatizar lo suficiente lo útil que es tomarme el tiempo y hacer un dibujo preciso. Te ahorrará tanto esfuerzo durante todo el proceso de tener que refinar y ajustar continuamente, y moverte y buscar para tratar de averiguar qué no funciona. Si estás seguro de que todo está aproximadamente donde debe estar, entonces podrás concentrarte más en hacer pinceladas interesantes. Elegir los colores que quieras, capturar la energía y la emoción que quieres, lugar de pensar es la nariz en el lugar correcto y ese tipo de cosas. Dicho esto, hay muchas veces en muchos estilos cuando todo eso no importa. Al alargar una cara o exagerar las características o poner las cosas en lugares inesperados es exactamente lo que quieres hacer Así que nunca sientas que el realismo es necesario. Atención al arte al que te atraen. Esa puede ser una manera maravillosa de comenzar a identificar tu propio gusto y que te puede llevar por el camino de descubrir tu estilo Esto no es algo que suceda la noche a la mañana y no es una decisión que tomes una vez y luego estás encerrado en ese estilo por el resto de tu carrera tampoco. Entonces, si eres bastante nuevo en la pintura, te animaría a que pruebes todos los diferentes métodos. Tal vez haga un retrato más realista donde use el método de cuadrícula, o use un proyector y obtenga un dibujo muy preciso en el lienzo y vea cómo se siente eso para usted. Y luego prueba otra en la que no hagas nada de eso en absoluto y empiezas a pintar y a ver qué pasa. Los artistas a lo largo de la historia han utilizado técnicas como el método de cuadrícula y proyectores, y diferentes métodos para medir y verificar la proporción Entonces nada de esto es hacer trampa. Lo que sea que te permita expresarte en ese lienzo, mejor es lo que debes hacer. En mi propio proceso, me gusta tratar de obtener suficiente información en el lienzo que me ayude a asegurarme de que tengo las cosas alineadas donde necesitan estar, pero no quiero que se sienta demasiado apretado o demasiado detallado porque eso en realidad puede obstaculizar un poco el proceso Al menos para mí. Me gustaría dejar algo de espacio en el lienzo para mi propia exploración. Entonces me estoy enfocando en elementos importantes, especialmente los rasgos faciales, asegurándome de que esos sean donde pertenecen. Y luego darme algunos de los otros detalles esenciales también. Pero dejando espacio para la interpretación. No necesariamente quiero que la pintura final se vea exactamente como esta referencia. Mi objetivo al crearlo no era crear una versión pintada foto realista de este diseño de Photoshop. Para mí, eso sería un poco inútil. Ya tenemos el diseño de Photoshop. Podríamos simplemente imprimirlo y enmarcarlo. En realidad es más bien una guía o incluso un punto de partida. Me parece el más valioso cuando estoy pintando la cara para que pueda asegurarme y capturar la semejanza. Y también me da alguna orientación y algunas ideas ya que estoy trabajando en las otras áreas, pero no quiero sentirme demasiado restringido por ello. Dibujar sombras y reflejos también puede ser muy útil. No solo necesitas dibujar los contornos de las cosas, mirar cómo se construye la forma, y muchas veces la estructura es evidente por la forma en que las sombras y los reflejos caen a través de ella. Siento que es un buen momento para un descanso glodinoso, así que escuchemos un rato a nuestra musa mientras terminamos este boceto Y ella no me crió como una chica negra, una pobre, víctima luchadora de la sociedad. Ella me crió en el poder de quien soy como mujer. Y lo que es posible para mí como mujer negra en este país. No desde un lugar de debilidad, sino desde un lugar de fortaleza. Siempre he sido así. Siempre he razonado más bien contigo desde una forma de ayudarte a entender lo que está pasando en lugar de pelear contigo Y puedo pensar en relaciones en las que he estado donde la pelea fue agotadora Como solía gritarle a mi madre, y una vez me convertí en adolescente, era una relación completamente diferente y pasamos mucho tiempo gritándonos el uno al Pero fue como al final del día, ¿de qué estábamos gritando Importante las cosas que me enseñó cuando era más joven, o el estúpido **** del que estábamos gritando más tarde Derecha. Y me di cuenta de que si no te metes tus emociones y le das espacio a la gente para hablar, no tengo que asumir tanto. Porque ahora no estoy tratando de obligarte o convencerte a creer o comportarte de cierta manera. Sólo te estoy dejando decir tu pieza. Y entonces si tengo algo que decir, lo voy a decir de una manera que te haga saber que todavía te mantengo en la conversación. Y entonces de esa manera me mantiene a salvo de las engaños, si Ahora, porque me gusta tener opciones, voy a mostrarte cómo hacer exactamente lo mismo con un proyector. El proyector que uso se conecta a mi computadora, así que ya tengo la imagen levantada en la pantalla de mi computadora. El proyector que estoy usando enchufa el proyector a la pared. Supongo que eso es bastante obvio. Hay un cable separado que usas para conectar el proyector a la computadora. Notarás que estoy en mi pasillo porque en mi estudio no puedo llevar el proyector lo suficientemente lejos para este gran lienzo. Querrás apagar las luces lo más bajo que puedas. La imagen proyectada se verá más clara cuanto más oscura sea. Se necesita un poco de tiempo para que las cosas se alineen. Si alguna vez has intentado usar un proyector antes, sabes que vas a hacer un poco de barajar, apuntalarlo en algunos libros, tratando de obtener el ángulo correcto Este proyector que estoy usando también tiene un pequeño soporte en la parte delantera que puedes usar para hacerlo un poco más alto. Tómate tu tiempo. Asegúrate de que la imagen esté alineada y sea lo más cuadrada posible. Apuntalar tu lienzo lo verticalmente posible también ayuda Si se inclina hacia atrás, eso también va a causar cierta distorsión. Una vez que lo tengas alineado, entonces solo irás y lo dibujarás exactamente de la misma manera que me viste hacer con el método de la cuadrícula. el mío ya está bosquejado, no voy a mostrarte esa parte, pero es bastante autoexplicativo desde aquí. Todo bien. Lo hicimos, Tenemos nuestra imagen en el lienzo y no puedo esperar en nuestra siguiente lección, es hora de empezar a pintar por fin. Te veré entonces. 7. Bloqueo en el cielo: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Yo soy Paul Richmond. En esta lección, vamos a empezar a pintar. Me gustaría comenzar con los antecedentes y trabajar mi camino a seguir. Entonces en esta lección, estaré pintando el cielo y también estaremos hablando de un concepto que creo que es muy importante abrazar en el arte y en la vida, y eso es incomodidad. Suena divertido. ¿Correcto? Empecemos. Asegúrate de que tu referencia que creaste esté cerca para que puedas echarle un vistazo. Como estás trabajando, puedes ver que aquí estoy mezclando algunos colores. Para empezar, estoy usando pintura al óleo y tengo tres colores más blanco. Tengo azul ceriliano, rojo cadmio y amarillo cadmio Y entonces también verás que tengo un pequeño globo de líquido, eso es lo que uso como mi medio. Y tengo un frasco de turpenoide inodoro para limpiar mi cepillo . Antes de empezar a pintar, me gusta mezclar algunas variaciones. Me gusta tener unos valores diferentes de cada color. Y luego también combinando algunos de los colores como el rojo y el amarillo para obtener el naranja. El azul y el rojo para ponerse morado. Puedes crear una gama bastante diversa de colores a partir de una paleta muy limitada como esta. Y me gusta mantenerlo limitado al principio, así que no me abrume por tener demasiadas opciones Mis pinturas siempre tratan la acumulación de color a lo largo del tiempo, así que no me preocupa hacerlo bien al principio. Apenas me estoy poniendo pintura en el lienzo y quiero animarte a que lo abordes de esa misma manera. De hecho, esta primera fase de la pintura suele ser la más desafiante para mí porque sí quiero sumergirme en esos detalles y solo tengo que seguir recordándome a mí mismo que me tire hacia atrás Apenas estamos cubriendo el lienzo ahora mismo. Este es un proceso. Una cosa que me ayuda mucho es entrecerrar los ojos Lo hago probablemente más de lo que realmente incluso necesito, pero simplemente se ha convertido en un hábito así. El propósito de entrecerrar los ojos es que haga que la imagen de referencia sea un poco borrosa No puedo concentrarme en esos finos detalles. Me ayuda a ver el panorama más amplio. Y ese es el objetivo de una capa base, es establecer algunas de esas importantes relaciones de panorama general. Piense en ello como un simple bloqueo en las secciones. Es posible que sientas cierto nivel de incomodidad mientras comienzas una pintura como esta. Hasta ahora, se ha sentido bastante seguro porque estábamos trabajando en nuestra computadora o estábamos trabajando en un collage o un boceto. Pero ahora es el cuadro oficial, este es el verdadero negocio. Entonces a esa voz en nuestra cabeza le gusta decirnos que hay que hacer esto perfecto. Intenta y solo dile a esa voz que se relaje. Llevo mucho tiempo pintando. Si consideras que empecé a tomar clases de pintura al óleo cuando tenía tres años. Llevo 40 años en esto y cada vez que hago una pintura, todavía tengo esos sentimientos. Sigo pensando, ¿siquiera sé lo que estoy haciendo aquí? Eso probablemente te dé mucha confianza en mí ahora mismo como tu instructor. Pero honestamente, no conozco a ningún artista que, si son honestos, no te diría lo mismo. Pintar no se trata de perfección, no se trata de dominar algo. Creo que es un proceso continuo de descubrimiento y esa incomodidad que puedas sentir es algo bueno, apóyate en él. Me he vuelto más cómoda con estar incómoda, en todo caso. Eso es lo que pasa con el tiempo con la práctica y la experiencia. Sabes que esto es parte del proceso, nuestro modelo brilla. Deine a menudo habla de inclinarse hacia la incomodidad. Por ejemplo, la incomodidad que siente al interactuar con otra persona que podría provenir de un trasfondo muy diferente y tener opiniones y perspectivas muy diferentes a las que tiene. Si puedes superar esa incomodidad, si puedes ver más allá esas diferencias y mirar el panorama más amplio, entonces puedes conectarte con otras personas. O como artista, puedes conectar con tu obra de una manera más honesta, auténtica. Tengo ese momento en el barril Cracker. ¿Recuerdas esa historia? Sí, sí, pero díselo. Entonces, ante todo, pasar por la línea estatal de Alabama y el letrero dice: Bienvenido a Sweet Home Alabama. ¿Recuerdas esa película? Um, es, Es, me encanta esa película. Entonces vi ese letrero, pensé en la película, y luego vi la bandera confederada unos mil pies más allá de ese Y yo estaba como, oh, bien, no voy a parar en esta parte de Alabama, solo voy a seguir manejando. Y luego vi cracker and cracker Barrel hace sus panqueques como mi mamá le hizo panqueques y tienen bordes crujientes y yo estaba como, al diablo con esa bandera confederada, voy Entonces voy en el barril de galletas, toda mi máscara covid dijo, que amor nos conduzca Y la anfitriona miró en mi máscara y dijo: ¿ No es verdad? Y yo estaba como, Como sabes, ¿verdad? Entonces tuvimos esta conversación. Pero primero ella me opuso porque cuando la gente se siente incómoda, dicen algo específicamente Si son blancos hablando con una persona negra, dirán algo para recordarte que eres negro. Como a lo mejor me olvidé. Oh, eso es lo que es esto. Gracias por un recordatorio a casa. Entonces ella dijo que me preguntó por qué conducía. ¿Es porque Biden cerró las fronteras? Y yo estaba como, Podríamos volar dentro del país. Simplemente cerró las fronteras saliendo del país. Entonces la gente no nos trae Covid. Pero entonces estaba como, no voy a decir eso porque está claro enseguida. Lo sabía, bien, no estamos del mismo lado del pasillo político Y luego dice algunas otras cosas sobre Biden que sonaban tan parecidas a Fox News Ni siquiera lo hice en un oído y salí del otro. Y luego cuando le pregunté sobre el amor que nos lleva parte de ello. Ella dijo que no hay razón para que no podamos llevarnos bien todos. No tenemos que estar de acuerdo entre nosotros , para amarnos unos a otros. Y luego mencionó los disturbios. Las vidas negras importan. Ella no dijo que las vidas negras importaran. Ella mencionó los disturbios que estaban ocurriendo, que no habían ocurrido en año y medio Y yo estaba como, todo esto pasó en el lapso de 5 minutos Y normalmente me gusta la gente sintonizada. Como en ese punto yo hubiera estado como, yo no soy solo me puedes ver por favor Pero me había comprometido con el amor. Entonces yo estaba como, Bien. Le pedí que me sentara junto a la ventana y en el momento en que me sentó junto a la ventana dijo: ¿Dónde está tu perro? Y dije que estacioné ahí mismo. Y en el minuto que dije esa toma, ella aparecía y la vio y estaba como, oh Dios mío, es tan linda Y empieza a hablarme de sus perros. Y ahora estamos hablando de nuestros perros. Y me está hablando de los perros, y hay un ratón en la pared. Los perros están tratando de conseguir el ratón. Fue hilarante. Pero no hubiéramos tenido ese momento si acabara de cerrarla y estaba así de cerca. Porque es agotador escuchar a la gente decir cosas sin sentido sobre la negrura porque solo saben lo que escuchan Pero seguimos hablando y luego ella me estaba contando sobre su marido y yo le estoy contando sobre mi impulso y lo que hago. Y tuvimos esta hermosa conversación. Esto es lo que tenemos que hacer. Tenemos que simplemente apoyarnos en la incomodidad en la que me incliné, yo también estaba incómodo Ella no era la única incómoda sobre todo porque no sabía lo que podría decir, y sé que a veces el interior se desliza hacia afuera. No pensé que llegaría tan lejos, pero también fui la única persona negra en el restaurante. Mi inquilino trabaja en diez, Pero entonces, ¿qué pasa cuando nos enfocamos en ello? Cuando nos enfocamos en el ser humano, tenemos una experiencia completamente distinta. Entonces creo que ella y yo entendimos que eso era posible porque me quedé en la conversación y luego ella hizo que la mesera me cuidara muy bien Me trataron como a la realeza del barril de galletas. Mientras estoy pintando, estoy pensando en Gloodin y las historias que ella compartió conmigo y cómo eso puede influir en la Y pienso en mi propio malestar, ¿soy realmente capaz de contar su historia con este cuadro? Porque mis propias experiencias en la vida han sido muy diferentes a las de ella. ¿Está bien que yo haga eso? Una de las cosas que suelen decir a los artistas es pintar lo que sabes, escribir lo que sabes, dibujar lo que sabes. Me gustaría enmendar eso, al menos para mí. Prefiero pintar lo que busco entender mejor en la superficie. Glodina. Podría parecer muy diferente, pero como suele hablar, si puedes superar esas diferencias, puedes apreciar la humanidad común. Y eso es lo que más me gusta de la pintura de retratos. Eso es lo que quiero compartir con todos ustedes en este curso. Tómate el tiempo para conocer a quién estás pintando, qué estás pintando, por qué estás pintando, y piensa en eso mientras trabajas. Puede que no tengas todas las respuestas al principio. Puede que nunca tengas todas las respuestas. Pero siempre podemos hacer las preguntas. Gran trabajo, todo el mundo. En nuestra siguiente lección, vamos a seguir pintando el fondo. Te veré entonces. 8. Bloqueo en el fondo parte 1: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección vamos a seguir pintando el fondo. Vamos a trabajar en un poco de la pieza de la cabeza y luego también el paisaje en la parte inferior. Empecemos. Puedes ver que estoy trabajando con la misma paleta que la lección anterior, excepto que he agregado algunos colores adicionales. Hay algo de dióxido púrpura, amarillo, ocre, azul ultramarino y carmesí de alizarina, azul ultramarino y carmesí de alizarina, que es un rojo frío. Eso es además del azul seriliu, rojo cadmio y amarillo cadmio que estaba trabajando anteriormente Y también blanco titanio. Estoy empezando por aquí pintando ese resaltado amarillo brillante a lo largo del borde izquierdo y luego usando ese mismo color por aquí ahora en el lado derecho para agregar algo de resaltado al tocado Ya ves que sigo usando un pincel grande. Creo que en esta fase de una pintura, es muy útil usar un pincel más grande para que no te sientas demasiado tentado a trabajar en detalles finos de inmediato. Esto nos permite obtener algo de color en el lienzo y bloquear todo antes de profundizar demasiado en todos esos detalles. Ya ves que estoy manteniendo a mano mi referencia y la estoy viendo bastante, pero también estoy dejando que el pincel haga lo que quiera y no estoy tratando de controlarlo demasiado, sobre todo en esta fase temprana Te darás cuenta de que también salto mucho por ahí. Solo estaba poniendo algunos reflejos cálidos. Ahora voy a entrar y hacer algunos tonos oscuros de sombra. Me gusta construir ambas al mismo tiempo para que realmente pueda empezar a ver los efectos de la luz y sombra de una vez en mi pintura. Mientras pinto, estoy pensando en la textura superficial de las diversas partes en las que estoy trabajando. Y tratando de capturar algo de esa textura a través de mis pinceladas. Creo que es importante mantenerse enfocado y centrado en la inspiración para la pieza como incluso cuando estoy trabajando en el fondo, cuando pinto a la gente. Y si es posible, me encanta entrevistar a la persona y escuchar una y otra vez esa entrevista. Mientras estoy pintando, cada trazo de pincel lleva algo de energía con él. Y si constantemente estás absorbiendo la inspiración para tu pieza, entonces eso saldrá bien en tu trabajo. Le pregunté a Glodina si alguna vez se agota por el trabajo activista que hace porque hace tanto y esto es lo que tenía que decir, no puedo decir No es agotador. A veces he hablado con mucha gente que no teníamos el mismo punto de vista. Lo que reconozco es hablo mucho menos y mucho más escucho cuando estoy en esas situaciones. Pero siguen agotando. Es difícil de entender, es difícil de aceptar, pero es difícil entender cómo las personas pueden tomar decisiones basadas en algo que en realidad no han experimentado y luego aferrarse a ello como si fuera la verdad y simplemente no estar dispuesta a escuchar ninguna otra opinión. Esa es la parte agotadora. Además de ir y venir entre valores de luz y oscuridad, también disfruto mucho ir y venir entre colis cálidos y colores fríos Los colores cálidos son tus rojos, naranjas, amarillos, y luego los tonos fríos son los azules Verdes, morados. Normalmente tengo un par de pinceles diferentes para que pueda ir y venir entre usar un pincel para los tonos más cálidos y un pincel para los tonos más fríos. A medida que se mezclan en el pincel, puede volverse un poco fangoso Mantenerlos un poco separados me ayuda ya que estoy trabajando. También puedes simplemente limpiar tu cepillo con frecuencia en el turpenoide inodoro Entre colores también, sigo diciéndome una y otra vez en mi cabeza. Y así te lo voy a decir de nuevo a ti también. Esta es solo la capa base, así que no te pongas mucha presión para que sea perfecta, sin embargo, solo estamos obteniendo algo de color en la lona. Este es un momento para usar grandes pinceladas de barrido con mucha energía y movimiento. Cuanta más textura de pincelada puedas acumular en esta fase, hará aún más divertida cuando vayamos a hacer nuestra siguiente capa de pintura. Porque esa pintura entonces estará reaccionando e interactuando con la textura que ya está en la superficie. Y también podemos incorporar diferentes colores y diferentes capas de color a medida que avanzamos a través de él. Estoy trabajando principalmente con un pincel, pero siéntete libre de experimentar con otras herramientas también. A veces me gusta pintar con una navaja de paleta u otros materiales. Lo que sea que te va a ayudar a sentirte más creativo y aventurero al iniciar este proyecto. Cada pintura es una oportunidad para aprender algo nuevo. También pienso en mis pinceladas como una forma de introducir el patrón en la obra. El patrón, por supuesto, es cualquier cosa que se repita. Entonces las rayas que estoy pintando ahora, pero también las pequeñas pinceladas que estaba usando cuando estaba pintando el cabello de Glodine Cuando empiezas a traer patrón y repetición a una obra, de ahí viene el ritmo de la pieza. Y realmente me encanta pensar en el arte visual. En términos similares que podrías usar para hablar de música, las pinturas sí tienen ritmo. Una pregunta que me gusta hacerme en realidad cuando estoy viendo obras de arte es, ¿ cómo sonaría esto si fuera una canción? Notarás que estoy usando mucho color brillante y vibrante en esta pieza. A mí me gusta ir incluso un poco más brillante, más saturada con mi primer abrigo. Esa es sólo mi tendencia. Y luego mientras trabajo a través de las capas, podría neutralizar algunas áreas haciendo algunos acristalamientos de grises u otros tonos neutros sobre Creo que es muy útil averiguar qué estrategia funciona mejor para ti. Me tomó un tiempo entender que tengo que poner todos esos colores locos y energía caótica en la lona antes de ir y refinarla El color es tan relativo cuando pones un color en tu lienzo, si está rodeado de blanco o si está rodeado de colores que no van a estar ahí. Una vez que termines de pintar, ese color va a aparecer muy diferente. De hecho, a veces hasta los colores de mi paleta me sorprenderán cuando lleguen al lienzo porque simplemente no se ven igual. Eso es porque cada color es fácilmente influenciado por lo que lo rodea. Supongo que podrías llamarlo presión de grupo. Si quieres que un color luzca más brillante, por ejemplo, solo pon algunos neutrials alrededor de él y verás que apenas empieza a reventar Bien, Ahora me estoy moviendo hacia abajo a la parte inferior de la pintura. He ajustado mi caballete para que pueda levantar un poco la lona Asegúrate de tomarte el tiempo para hacerlo. Si estás trabajando en un cuadro grande, es difícil detenerte cuando estás en el flujo de las cosas. Pero realmente hace la diferencia para poder llegar fácilmente a la parte en la que estás trabajando. También puedes voltear tu pintura boca abajo o hacia los lados, si eso te ayuda a llegar a un área también. O si te da un mejor lugar para descansar mano para que no estés descansando tu mano en pintura húmeda. Solo tómate tu tiempo, disfruta del proceso e intenta mover los colores por toda la pieza para que no termines con mucho color local. Es decir, cada color se queda en su propia área. El color es muy expresivo, aparece en lugares inesperados. Ya que tengo todos estos colores en mi paleta, bien podría usarlos. Soy un gran fan de ir demasiado lejos con una pintura. Yo lo preferiría y me arriesgaría a equivocarme y tener que hacer alguna corrección que detenerme antes de intentar algo realmente interesante. Me he vuelto un poco más intrépido al respecto. A medida que crecí como artista, confío en que si lo estropeo, lo pinté una vez antes, siempre puedo arreglarlo. Así que no tengas miedo de tus pinturas. No tengas miedo de probar cosas nuevas, prueba nuevos enfoques. De eso se trata todo esto. Gran trabajo, todo el mundo. En nuestra siguiente lección, vamos a seguir pintando la chaqueta. Te veré entonces. Adiós. Te veré entonces. 9. Bloqueo en el fondo parte 2: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un retrato grande y expresivo. Yo soy Paul Richmond y en esta lección, vamos a seguir bloqueando en color. Voy a estar trabajando en la chaqueta y el cuello, Todo lo que queda además de la cara, porque vamos a guardar lo mejor para el final. Estás listo, vamos. Todavía estoy trabajando con la misma paleta que estaba usando en la lección anterior y simplemente retomando donde lo dejé, pintando un poco del horizonte lejano, poniendo algo de color ahí primero, luego solo voy a trabajar mi camino hacia abajo. Mi objetivo para esta lección es cubrirse todo además de su rostro. Eso me parece útil porque establecer todos los colores en el fondo, en el medio ambiente realmente puede ayudar a la hora elegir colores para reflejar en el tono de la piel. A pesar de que siempre quiero pintar primero la cara, porque esa suele ser la parte más emocionante. Voy a guardar mi postre para final y trabajar en que primero se cubra todo lo demás. Pintando algunos grandes trazos amplios, misma manera que he estado pintando todo lo demás hasta ahora. No me estoy colgando demasiado de los detalles, solo tratando de que se establezcan algunos colores básicos. Me encanta ese rojo brillante. Incluso lo estoy haciendo estallar un poco más por lo que veo en la referencia A mí me gusta ese color atrevido. Creo que le queda muy bien al modelo. El área que estoy pintando tiene muchos efectos diferentes sucediendo con la transparencia de las capas. En mi referencia, hay un poco de escena desértica que se está mostrando en algunos lugares, así como solo color y textura de todas las diversas capas que combiné. Creo que la transparencia puede ser algo muy desafiante de plasmar en una pintura, especialmente para pintores principiantes. Es tentador querer separar todo en tu mente y pintar cada capa por su cuenta Pero en cambio, trato de mirarlo de una manera más abstracta. Identificar formas, colores, texturas que se crean a través de la combinación de todos esos elementos. En otras palabras, no lo pienses demasiado, lo cual es algo muy tentador de hacer Simplemente pinta lo que ves y lo que quieres ver. Aunque estoy muy emocionada de pintarle la cara. Empezaremos con eso en la siguiente lección. No puedo esperar. Trato de pensar que cada parte de la pintura es crucial para la historia, no solo el punto focal. Todo lo demás que juega un papel más solidario merece igual cuidado y atención y tiempo para que eventualmente todo se junte y trabaje en conjunto para comunicar el mensaje de la pieza. Como tu pintura, trata de imaginar que estás tallando esto como escultura. Tus pinceladas indican los diferentes planos. Piensa en la dirección en la que quieres que vayan esos trazos de pincel para que puedan ayudar a comunicar la forma. Es una buena idea dar un paso atrás de tu pintura cada cierto tiempo, especialmente cuando estás trabajando en una pieza grande como esta. Es difícil mantenerse conectado con el panorama general y entender cómo las diferentes áreas en las que estás trabajando están impactando el conjunto Solo recuérdate de vez en cuando levantarte, alejarte del lienzo y mirarlo desde la distancia. Algunos otros trucos que utilizan los artistas para obtener una nueva perspectiva sobre su obra es sostenerla y mirar su reflejo en un espejo. Eso ayuda a desorientarte lo suficiente para que veas la pintura con ojos frescos Otra opción es simplemente voltear la lona boca abajo. Cuando llevas un tiempo trabajando en algo, dejas de poder verlo de verdad. Todos estos son trucos para ayudarte a ver la pintura la manera en que alguien que acaba de entrar a la habitación y mirarla por primera vez podría verla. Incluso tomarle una foto en tu teléfono y mirar esa foto puede ayudar porque te separa lo suficiente de la pieza original. Todos estos trucos me parecen especialmente útiles cuando hay algo que simplemente no se siente bien en mi pintura y no puedo entender qué suele ayudarme a ver. Pensar en obtener una nueva perspectiva también me hace pensar un poco más en algunos de los temas que Glo Deine discute durante ella Hablemos de eventos amorosos. Tuve el privilegio de ser parte de la primera, Hablemos del programa de amor aquí en Monterey, California Y fue inspirador ver la forma en que pudo conseguir que todos los que estaban en la habitación pensaran un poco más sobre cómo sería caminar en los zapatos de otra persona. Creo que la empatía es tan importante tanto en la vida como en el arte, y eso es algo que ella busca cambiar a través de ella Hablemos de programas de amor. Entonces le pedí que compartiera algunos de los ejercicios que hace con los participantes de esos programas, y aquí está uno de ellos. Ahora una de las cosas, hablemos de evento amoroso. Hay dos cosas que hago ahora. No sé que lo hice cuando estábamos juntos. Pero hay uno sobre el carácter y el otro sobre el personaje. Lo diseñé en base cómo desarrollo personajes cuando estoy escribiendo. Entonces si ahí está el protagonista, antagonista, y personaje secundario, pero eso está en nosotros también. A veces tenemos el control, a veces somos los antagonistas y a veces jugamos secundarios. Lo que noté es que nadie quiere poner un cheque. Tengo características específicas que van por debajo de cada categoría. Y me di cuenta de que la gente no quiere poner cheques en el antagonista y secundario. Quieren estar todos arriba en el protagonista. Y yo soy como si, si solo tienes cheques en el protagonista, no estás siendo honesto contigo mismo. Estamos todos en los tres. Creo que cómo nos vemos a nosotros mismos y cómo vemos a los demás tiene un tremendo impacto en nuestro trabajo artístico. Es muy importante para mí ser lo más genuino, honesto y abierto en mi trabajo como sea posible y apreciar esas cualidades que hacen que el tema de la pintura sea único y especial. Cuando todo eso se junta, simplemente me pierdo totalmente en la pintura de una manera hermosa. Pierdo la noción del tiempo, me absorbo totalmente en el proceso de pintura hasta el punto en que casi se siente como si alguien más me estuviera guiando y solo estoy rato ahí dejando que la pintura se pinte sola. Y espero que también puedas llegar a ese lugar mientras trabajas. Antes hablé de pensar demasiado. Y sí creo que ese es uno de los mayores retos para los artistas. Es tan fácil meterse en nuestra propia cabeza, meternos a nuestra manera. Una gran parte de esto se reduce a la intuición. Confiando en tu propia intuición y simplemente permitiendo que la pintura suceda No tengas miedo de usar colores inesperados en la piel. Nuestra piel es tan reflectante de otros colores que nos rodean. Y sobre todo en una pintura muy expresiva, quiere permitir que algunos de esos colores de fondo se muestren a lo largo, especialmente en las sombras de la piel. Verás, sólo estoy rebotando. Cualquier cosa que me llame la atención necesita un poco de toque extra. No me gusta quedarme en un lugar demasiado tiempo. Ya me encanta la energía que está pasando con esta pieza. Hay una crudeza que realmente disfruto mucho movimiento y energía con las pinceladas Definitivamente áreas que voy a necesitar para hacer un poco de refinación más adelante. Pero eso no es importante en esta etapa en estos momentos, solo estamos cubriendo el lienzo. Bien, gran trabajo a todos. Ahora en nuestra siguiente lección, vamos a empezar a pintar brillar la cara de Dean y no puedo esperar. Te veré entonces. 10. Tonos de sombra en la cara: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un retrato grande y expresivo. Yo soy Paul Richmond, y en la lección de hoy, vamos a empezar a pintar la cara. Vamos a comenzar con los tonos de sombra más oscuros. Así que comencemos. Voy a comenzar mezclando un par de tonos de sombra cálidos y fríos usando combinaciones de dióxido azul ultramarino, morado, umber quemado y Mientras lo estoy haciendo, me gustaría que escucharas a glo deine compartir otro ejercicio que usa en ella Hablemos de talleres de amor. El segundo ejercicio es cuando los se reasignan, si se quiere, y no hay opción heterosexual en la lista, estás en el cubo LGBTQIA Es interesante cómo no solo van a elegir una cosa, van a elegir transgénero, es decir, lo que estoy diciendo es que pensé que solo sería que todo el mundo elegiría lo que era seguro, como bisexual. Derecha. Pero ha sido, he visto tantas respuestas diferentes, como que la gente está dispuesta a probar lo que esto va a sentir si eres hombre, eres mujer. Y hay muchos aspectos diferentes desde ese lugar. Piensas en cómo hubiera sido tu experiencia en la secundaria, cuando fuiste a la preparatoria, donde fuiste a la preparatoria con la gente con la que fuiste a la preparatoria Cuando yo era parte de su taller aquí en Monterey Este fue el ejercicio que más me pareció conmovedor porque hacía que la gente pensara en la empatía de una manera muy diferente Como estoy bloqueando en estos tonos de sombra. Estoy pensando un poco en lo que Glodine acaba de compartir, y en mi experiencia al ver una habitación llena de gente haciendo ese ejercicio Tratando de imaginar cómo sería en los zapatos de otra persona. Alguien completamente diferente en la superficie de ellos mismos. Estoy pensando en cómo eso se relaciona tanto con lo que hacemos como artistas cuando creamos una obra de arte que implica compartir la historia de otra persona. Creo que una pintura de retrato se trata mucho de capturar la identidad del sujeto, sus experiencias, su perspectiva. Pero no podemos evitar sino también infundirlo con algunos de los nuestros también. Al igual que cuando observaba a la gente haciendo ese ejercicio, las ideas que compartían no eran necesariamente una representación precisa de cómo sería crecer con cada una de esas diversas identidades Pero era más un reflejo de sus propias experiencias, sus propias observaciones, tal vez incluso algunos de sus propios estereotipos a los que aferraban y no se daban cuenta. La gran pregunta que me surge una y otra vez como retratista, ¿cómo pinto a alguien más sin centrarme, sin hacer que todo se trate de mí? Es posible que hayas escuchado el rumor de que la Mona Lisa es un autorretrato de Da Vinci y drag. Esa es solo una teoría, por cierto. No estoy diciendo que eso sea cierto. Sin embargo, es bastante poderoso cuando se piensa en ello. Todo lo que vemos que es creado por un artista se filtra a través de su lente. Para mí, la respuesta es un poco matizada, pero todo se remonta a la empatía Nuestras experiencias como seres humanos son fascinantes porque por un lado, la vida de cada uno es completamente única. Una colección de experiencias y circunstancias que nunca se repiten exactamente de esa misma manera para nadie más. Y sin embargo podemos relacionarnos tan fácilmente con las emociones a nivel humano. Por eso vemos una película y lloramos o reímos o sentimos lo que sentimos. Porque podemos imaginar cómo responderíamos en esas situaciones, aunque le aportemos nuestras propias perspectivas y sesgos y privilegios Cuando estoy haciendo un cuadro así, no lo pienso ya que estoy pintando historia de Glodine porque no creo que esté calificado para hacerlo Lo que estoy calificado para hacer es pintar mi experiencia de la historia de Glodine Es una diferencia sutil, pero tiene sentido para mí, y me funciona. Creo que cada artista tiene que averiguar su propia relación con estas preguntas. Amo a la gente y tengo mucha curiosidad por el mundo y sobre las experiencias de otras personas, así como un fuerte deseo de retratar y celebrar la diversidad que veo a mi alrededor Ahora bien, no te estoy contando todo esto porque creo que deberías pintar por las mismas razones que yo, pero más para hacerte pensar en esas preguntas por ti mismo y llegar a tus propias respuestas. Bien, voy a bajarme de mi caballo alto filosófico ahora por un minuto y volver a hablar más sobre lo que realmente está pasando aquí. En la lona. Verás que estoy usando esos diferentes tonos oscuros que mezclé para bloquear en las áreas de sombra en la cara de Glodine igual que con todo lo demás en esta pintura, me gusta comenzar la cara con un gran pincel bloqueando esas formas de sombra para que pueda comenzar a entender la estructura de lo que estoy pintando. Lo puedo ver de una manera tridimensional. Entiendo la forma. Me encantaría entrar y pintarle los ojos con todo detalle de inmediato. De hecho, lo hubiera hecho en menos de uno si pudiera haberlo hecho. Pero sabía que sería mucho mejor esperar y es lo mismo. Ahora, construyendo primero la estructura de la cara. Tal diferencia cuando vas a pintar esos detalles importantes, las características, porque no los estás pintando sobre una superficie plana o no quieres que se vea como un huevo pintado, por ejemplo. No quieres estar pintando esos ojos en algo que ya no tiene forma. Debe haber un sentido del cráneo, las cuencas de los ojos, cómo encajan las mejillas y la mandíbula y todo. Entonces puedes construir encima de eso y agregar más detalles. Sé que lo he dicho antes, pero este es otro buen momento para pensar realmente en lo que estás haciendo de una manera escultórica Ya no es solo un lienzo plano bidimensional. Hay áreas empotradas, hay áreas elevadas, hay forma, hay volumen. A veces después de pintar un fondo muy suelto, abstracto, cuando llego a la cara, es difícil resistir esa tentación de empezar a ir muy apretado y muy detallado Yo solo te animaría a que aportes la misma energía y soltura a las pinceladas aquí que usaste en todas partes. Hay mucho tiempo para el detalle más adelante donde se necesita, pero no quieres perder esa cualidad expresiva para, estoy usando solo unos pocos colores en esta etapa, pero sí me aseguré de mezclar algunos tonos oscuros que eran más geniales. Entonces ahora estoy pintando con un tono más cálido porque me gusta ver el cambio de temperatura así como el valor. Por lo general, cuando hay cambios de valor a través de los planos de una forma, también hay cambios de temperatura. Sé que es mucho en lo que pensar de una vez. También puedes simplemente usar una paleta más limitada al principio. Tal vez solo mezcle diferentes valores de un color y luego vuelva a entrar y glasear tonos cálidos y fríos en ese esmalte es solo usar pintura muy diluida y pasar por encima de un área para que casi tenga un que casi tenga un Y se ve la estructura de valores que ya está ahí en el lienzo, pero solo diezma el color en una dirección u otra. Encuentra la manera que mejor se adapte a ti. Estoy pensando mucho en diferentes elementos de la historia regodeante Como estoy pintando aquí, se puede ver gran parte de la vida de alguien en su cara. Esto es lo que me encanta de la pintura de retratos, sobre todo cuando tengo la oportunidad de conocer el tema, puedo leer aún más en esa cara, esa expresión. Cuando la miro, veo a alguien que ha experimentado mucha adversidad en su vida Pero también veo tanta resiliencia y fuerza y confianza. Y me parece tan inspirador. Estas son algunas de las cualidades que realmente espero que mi pintura pueda sacar a relucir y celebrar. En nuestra siguiente lección, vamos a empezar a pintar algunos de los tonos más destacados en el rostro de Glo Dean. Te veré entonces. 11. Resaltes en la cara: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un retrato grande y expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección, vamos a estar bloqueando los aspectos más destacados del espacio modelo. Empecemos con mi paleta. Tengo una selección de tonos más claros, esta vez, principalmente en la gama cálida mezclada a partir de combinaciones de ocre amarillo y amarillo cadmio También, la siena quemada y blanca a la luz. También hay algunos tonos fríos que veo en la imagen. Pero realmente quiero enfatizar la luz del sol. Volviendo a la inspiración original para este cuadro con el dios sol. Voy a estar agregando algunos de esos tonos más fríos después, pero por ahora me estoy enfocando en conseguir que esa calidez se encuentre en su rostro. En esta etapa de un cuadro, una de las cosas que realmente trato de evitar es mezclar demasiado cuando estoy pintando un rostro, especialmente un rostro que no tiene muchas líneas o textura, que tiene una piel suave, tersa, es muy tentador querer mezclar todo para que se sienta tan suave y terso como se ve en la referencia Sin embargo, si mezclas demasiado pronto, entonces pierdes ese sentido de estructura Tiendo a ir un poco más blocky, y luego a medida que construya las capas, las suavizaré Cuando llegué a formar parte de uno de los talleres de Glodine y experimentar el impacto de su trabajo de primera mano, me inspiré mucho Me conmovió como persona. Me hizo pensar mis propias conexiones con otras personas, Y también vi muchos paralelismos con el arte Y creo que es realmente poderoso tejer esas dos cosas juntas a lo largo de esta serie. Así que quería que Glodine compartiera una historia de esa noche que recordé Hizo un gran impacto en mí. Alguien que entró al taller esperando una cosa, y terminó teniendo una experiencia muy transformadora que fue bastante inspiradora para todos los que llegamos a presenciarlo Pienso que cuando somos abiertos y genuinos y auténticos en la vida y en el arte, invita a otras personas a hacer lo mismo. Aquí está Glu Deine para contarte esa historia. Y cuando lo hicimos en Monterey, estaba este tipo que primero que nada vino al evento, ¿recuerdas Y luego anunció que era republicano. No puedo recordar. Sé que le hice una pregunta, dijo que era republicano. Siento que honestamente, siento que vino allí porque creo que pensó que estaba entrando en algún tipo de conversación despertada y estaba listo para ser un disruptor, y se encontró con algo completamente inesperado Eso es lo que creo firmemente cuando hice que la gente compartiera su experiencia tratando de ponerse en esta posición de secundaria. Y he estado facilitando, y desde hace mucho tiempo, lo que he aprendido es que si dejas que la gente hable, puedo escuchar cuando alguien habla de sí mismo desde aquí afuera. Pero si solo le dejas seguir hablando, se acercan cada vez más y no sé si te diste cuenta, pero aquí estaba hablando de no conocer nadie a quien acudiera porque creo que le asignaron a Carmel Conocía a la gente pero no la conocía como si no fueran juntos a la escuela. Lo que sea que estuviera diciendo estaba muy lejos de aquí y le dejé seguir hablando y cada vez más cerca. Y luego dijo que era un matón en la secundaria. Lo que hizo el ejercicio fue que no pensara cómo habría sido en este reasignado, sino cómo hizo sentir a otras personas Y yo estaba como, por eso estoy haciendo esto Fue tan hermoso. La parte hermosa, no sé si aún estabas ahí, pero la parte hermosa estaba en la salida, se detuvo a agradecerme por crear un espacio para que él hiciera eso. Quiero decir, ¿quién haría eso? Entró ahí con una cosa. Estoy seguro de que no esperaba estar en el escenario, diciendo que era un matón en la secundaria Nadie dice que voy a salir esta noche, al mundo. Ese es el poder del azul sí vienen en hermoso. Fue hermoso, sí. Y así fue exactamente como sucedió. Estaba tan agradecida de poder estar ahí y ser testigo de eso primera mano porque hay tanta división en nuestro mundo Y creo que es muy fácil enfocarnos en nuestras diferencias en el mundo de las redes sociales. Estamos condicionados a odiar de inmediato a cualquiera que piense diferente a nosotros. Y para hacer juicios basados en titulares clickbait. Y creo que en este entorno, arte es una manera realmente poderosa invitar a la gente a frenar. Echa un vistazo más de cerca, contempla. Otro punto de vista. Glu Deine y sus invitados esa noche pudieron hacer esa conexión porque ambos se tomaron el tiempo de escucharse y verse y dejaron de lado el libro de reglas imaginario que les decía que no debían hacer Y eso es mucho lo que quiero que hagan mis pinturas también. Quiero que mis pinturas animen a gente a tirar ese libro de reglas y ver conexiones con los temas y los temas sobre los que estoy pintando El arte puede llegar a la gente de una manera que los titulares de clickbait no pueden. Y creo que es una herramienta tan poderosa e importante para la comunicación en nuestra sociedad. Sé que estoy muy agradecida de que me enseñaran a temprana edad que arte es mucho más que solo decoración. Es una manera de proyectar lo que es importante para mí en el mundo. Y para abrir una conversación con el espectador sobre eso. Para hacer preguntas que necesiten hacerse, aunque no sepa las respuestas. Mirando hacia atrás a través de la historia del arte, es una colección de esas conversaciones, esas preguntas y respuestas que abarcan el tiempo Creo que es tan conmovedor poder ser parte de eso y todos lo somos Siempre que creamos algo, tal vez estoy siendo un poco dramático, lo que artista no es. Pero creo que el arte es importante y las conexiones entre sí son vitales y uno puede servir al otro si lo dejamos. Volviendo a la pintura ahora verás que empecé por acostarme en tonos medios claros y ahora voy justo encima de aquellos con un valor aún más ligero y dejando que ese color se mezcle con los tonos medios que aún están mojados en el lienzo. Me gusta esa interacción de pintura húmeda sobre húmeda y aceite es genial para eso porque tarda más en secarse. Entonces, aunque vuelva a ello uno o dos días después, todavía puedo conseguir ese tipo de relaciones. Si estás trabajando en acrílico, solo tienes que ser un poco más estratégico para conseguir ese mismo efecto. Trabajar en áreas más pequeñas y tal vez regresar y rehumedecer un área si se seca demasiado pronto para ti También hay medios que puedes mezclar con pintura acrílica que ralentizarán el tiempo de secado No quieres ir por la borda con esos porque pueden hacer que la pintura se vuelva demasiado delgada y pierda algo de la opacidad que quizás quieras Pero definitivamente pueden ayudar a extender la vida de algunos de esos colores. Ahora que estoy consiguiendo algunos de esos tonos claros establecidos aquí, incluso en esta forma muy tosca, preliminar, realmente puedo empezar a verla emergiendo en este lienzo. Creo que este es el primer momento en el que todo empieza a unirse. Obviamente, todavía queda bastante trabajo por hacer y aún no nos hemos metido en ninguno de los rasgos faciales, en ningún detalle. Pero me encanta cuando la figura empieza a aparecer en la lona. Para mí, ese es un momento mágico. Y puedo dar un suspiro de alivio, y sé que va a funcionar. Ojalá estés sintiendo lo mismo que Glodine ha entrado al edificio Gran trabajo, todos. Estoy muy disfrutando trabajando en esta pintura y estoy muy emocionada por la siguiente lección porque vamos a comenzar en una de mis partes favoritas absolutas, los Ojos. Te veré entonces. 12. Bloqueo en los ojos: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Yo soy Paul Richmond. En esta lección, vamos a empezar a pintar los ojos. Empecemos ahora. Sé que puede que haya dicho esto antes, pero pintar los ojos es mi favorito de todas las cosas favoritas. Estoy muy emocionada por este paso en el proceso. Estoy usando la misma paleta de colores con la que he estado trabajando. Esta vez estoy usando un cepillo un poco más pequeño. Todavía no es un pincel de detalles finos, pero es lo suficientemente pequeño como para dejarme entrar en algunas de esas áreas más apretadas dentro del ojo y alrededor del ojo para que pueda comenzar a sacar esos detalles Todos hemos escuchado el dicho los ojos son la ventana al alma. Pero sí creo que hay algo de verdad en eso. Cuando pinto una cara, siempre son los ojos los que la dan vida. cuanto el sujeto pueda mirarme atrás, ahí es cuando realmente siento esa conexión con otro ser humano que se está formando en ese lienzo. Y me facilita mucho terminar el resto del cuadro porque me siento más conectado con el tema. Creo que esa es una parte tan fascinante de ser humano y de nuestras interacciones entre nosotros. Siempre mirando a los ojos de la otra persona para tratar de entender lo que realmente está pasando. Porque a veces nuestras bocas pueden decir una cosa, pero nuestros ojos revelarán la verdad de lo que estamos sintiendo en ese momento ahora mismo En nuestro mundo y sobre todo en el mundo del arte, las imágenes generadas por IA son un gran tema de conversación y de eso no se trata este curso. Entonces no voy a meterme demasiado en eso, pero sí creo que es muy interesante cuando ves imagen que ha sido generada por la IA de un ser humano, lo general muchos de los detalles parecen bastante convincentes Ropa, cabello, la estructura general del cuerpo o de la forma. Pero siempre se puede decir una imagen generada por IA mirando a los ojos. Ahí hay un vacío. A veces la anatomía ni siquiera está bien. Y solo me parece tan fascinante que esa parece ser la única cosa que realmente no se puede reproducir artificialmente de esa manera Por lo menos aún no a mí eso habla del poder de los ojos. Lo que significan para nosotros. Cómo hemos evolucionado para usar nuestros ojos para la comunicación y para entender a otras personas. Por supuesto, es muy importante en un retrato pasar el tiempo y conseguir que los ojos se sientan realmente como esa persona. Acercaré mi foto de referencia mientras estoy trabajando para que pueda ver un poco mejor los detalles de los ojos. Y trato de incorporar tantos colores diferentes y pinceladas expresivas como pueda para que los ojos sigan sintiendo que coinciden con el resto de la pintura contigo. Se puede ver como a la vez que estoy creando el ojo mismo y la pupila, y el iris También estoy trabajando en el área alrededor del ojo. El párpado, la piel debajo del ojo. Porque todos esos elementos juegan un papel importante. Un error novato que veo que cometen muchos artistas principiantes es pintar el blanco de los ojos solo con blanco puro Hacer que se vea muy plano, es engañoso. Se les llama la parte blanca del ojo. Pero como sabemos, la mayoría de las cosas que creemos que son blancas realmente recogen mucho otro color también. Y lo mismo es cierto para el ojo. Quieres pensar en el hecho de que tu ojo es en realidad una esfera. Apenas estamos viendo una pequeña sección de ella en el frente. Piensa en cómo pintarías esfera, sobre todo si se está iluminando direccionalmente desde un lado Tienes una sombra en el otro lado que haría parecer redonda. El sombreado que hacemos en la parte blanca de los ojos suele estar en las esquinas, y luego a menudo a lo largo de la parte superior también como sombra proyectada del párpado Este es un buen momento para recordarte, pintar lo que ves, no lo que sabes. Eso lo decimos mucho en diversas clases de arte. Creo que es especialmente cierto cuando estás pintando algo que tiene tanto significado para todos nosotros. Todos tenemos nuestro propio concepto mental de cómo se ve un ojo. Si solo estamos dibujando algo sin referencia, ese es el ojo que dibujaríamos. Sin embargo, cada persona es única, cada rostro es un poco diferente. Estudia las formas, los colores, las sombras, los reflejos sobre el tema que estás pintando. Intenta mirar esos ojos de la manera más abstracta posible, en manera más abstracta posible, lugar de pensar, estoy pintando el párpado, estoy pintando la pupila, estoy pintando el iris Deshazte de todas esas etiquetas mentales porque entonces eso te desconectará de lo tu mente piensa que se ve un ojo. Te permitirá pintar lo que veas. Tengo un clip de entrevista más con Godin que me gustaría compartir contigo Esta es otra historia que está contando de una de ellas. Hablemos de talleres de amor. Y en esta historia está explicando cómo alguien que asistía al taller se dio cuenta de que no estaban creando espacio para otras personas en sus vidas fueran ellos mismos como retratistas. Eso es algo que aspiro a hacer cada vez que me siento en mi caballete Entonces cuéntanos al respecto. Globina Tuve un momento así en Houston. El tipo estaba hablando de que no le ha dado espacio a la gente para ser quienes son porque ha querido controlar la narrativa para la gente para que se sienta cómodo. Se dio cuenta de que en su malestar, se estaba perdiendo una oportunidad de aprendizaje. Y yo estaba como, yo solo creo el espacio. Crear espacio para los demás es muy importante, especialmente para las personas que han sido marginadas alguna manera y hechas sentir inoportunas Realmente aprecio el trabajo de Glodine en esto, ayudándonos a todos aspirar a hacerlo mejor, ser mejores Estoy trabajando en pintar este ojo en el momento. Notarás eso, ese ojo es un poco más grande porque está más cerca de nosotros. Las reglas de perspectiva se aplican a todo, incluidos los rostros. Si estás pintando a alguien en una vista de tres cuartos como esta, asegúrate de que las características que están en el costado de la cara, más cercanas al espectador, sean más grandes. Y todo del otro lado se comprimirá. Entonces no sólo los ojos, sino cuando nos bajamos a los labios, se puede ver dónde está el centro de sus labios. Todo a la derecha de eso es básicamente el lado derecho de la cara o el lado que está más cerca de nosotros. Entonces vemos mucho más de los labios ahí, mientras que se comprimen muy por la izquierda. Es otro de esos que dibujan lo que ves momentos porque nuestros cerebros probablemente están queriendo que hagamos que todo se vea muy simétrico. Así es como estamos acostumbrados a ver nuestros propios rostros cuando miramos nuestros reflejos en el espejo. Pero si solo estudias las formas y prestas atención a lo que estás viendo, no puedes equivocarte. Bueno, supongo que puedes, pero siempre puedes arreglarlo. Los ojos se están uniendo y realmente lo es, por primera vez sentirme como Lodine y eso es muy emocionante para mí. Ahora, no están terminados. Esto es lo que yo consideraría una capa base en los ojos. pretendo volver en una lección futura y agregar un poco más de detalle, pero por ahora, me siento muy bien sobre a dónde va esto y espero que sientas lo mismo por el tuyo. Gran trabajo a todos. Tenemos algunos ojos y ahora en nuestra siguiente lección, vamos a pintar la nariz y la boca. Nos vemos pronto. Adiós, adiós. 13. Bloqueo en la nariz y la boca: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección estaré pintando una capa base en nariz y boca. También quería decir que en todas las lecciones anteriores he incluido clips de mi entrevista con Glo Deine Para inspirarme, cargué por delante el curso con esos porque quería que la conociéramos lo antes posible para que pudiera ayudar a influir en nuestra pintura. Y ahora para lo que resta del curso, las lecciones tristemente solo seré yo. No obstante, sí creé un video extra al que puedes acceder ahora que contiene la entrevista completa de Glodine Entonces, si solo quieres escuchar eso mientras pintas, siéntete libre. Eso es lo que hago a menudo, y ayuda simplemente recordarme de lo que hablamos y mantener la inspiración fresca. Bien, comencemos. Oh, es tan agradable volver a este cuadro y tener a Glodine ya mirándome. Bueno, mirar a lo lejos, supongo, pero poder verla a los ojos hace una gran diferencia. Estoy empezando por la nariz y solo refinando algunas de esas formas. Empezando por los tonos más oscuros dando forma a las fosas nasales, averiguando exactamente a dónde quiero que vaya todo Cuando puse el color por primera vez, no me preocupaba demasiado la precisión. Se trataba más bien de obtener una idea general de la estructura de la cara. Ahora esta es una oportunidad para estudiar cada una de esas secciones. Si piensas en la grilla y cómo eso nos ayudó a enfocarnos en una parte a la vez. Eso es esencialmente lo que estamos haciendo ahora sin el beneficio de las líneas, desafortunadamente. Pero ahora estamos poniendo a cero en ciertas áreas y refinando, agregando más detalles Yo digo eso, pero también puedes ver que todavía estoy rebotando también. No soy muy bueno enfocándome en un solo lugar. A lo mejor necesito esas líneas de cuadrícula para mantenerme encaminado, ¿verdad? Pero la verdad es que, como ya hemos hablado antes, todo en la cara está tan conectado como yo estaba trabajando en la parte inferior de su nariz. Eso me llevó a querer hacer un poco de re, arreglando las cosas en la piel entre la nariz y la boca. Si siento instinto de ir a hacer un ajuste a alguna parte, lo hago porque no quiero que se me escape la idea Trato de mantenerme lo más encaminado posible con mi plan, pero también abierto a donde quiera que conduzca el viaje. Supongo que ese es el mejor consejo que puedo darte. En cuanto a mi enfoque de pintura. Sí tengo una estrategia entrando en ello, pero también estoy muy abierta a donde lleva el proceso. Voy a acelerar un poco esta parte solo porque de lo contrario esta lección se volverá masivamente demasiado larga. Verás que estoy usando un pincel más pequeño aquí. Y eso es porque realmente quiero poder sacar a relucir algunos de los detalles, algunos de los planos más pequeños dentro de la estructura de la nariz y la zona de la boca. Pensando en dónde veo el mayor contraste entre luz y la oscuridad cuando estoy entrando en un nuevo espacio. Como por ejemplo, trabajar en el labio inferior. Ahora suelo comenzar tratando de identificar dónde puedo oscurecer las sombras y dónde puedo sacar algunos de esos valores más claros en los reflejos. También busco donde pueda traer un color más brillante, más saturado, especialmente dentro de las áreas de tono medio. Ahí suele ser donde aparecerán algunos de esos colores realmente saturados y vibrantes. Se puede ver, mirando la referencia, no es necesario hacer todo el labio, bien. Y de hecho, no es así como se presenta. Los colores más brillantes están en esas áreas de tono medio. Y luego las sombras se oscurecen bastante y las luces altas se vuelven muy claras. La nariz estaba un poco más larga que la boca. voy a entrar con Ahora voy a entrar con un pincel más grande y solo bloqueando algunas de esas secciones de los labios para que pueda comenzar a entender cómo se forman los labios, cómo se mueven, cómo la luz está cayendo sobre ellos. En la mayoría de las situaciones de iluminación, cuando hablamos de retratos, hay más luz que queda atrapada en el labio inferior, y el labio superior tiende a estar un poco más en la sombra. Ahora, cada regla en el arte, por supuesto, estaba hecha para romperse. Y hay situaciones, si alguien está siendo iluminado desde abajo, por ejemplo, donde el labio superior podría ser el que está captando más luz, eso es algo que buscar. Entonces también presta atención a donde la luz incide alrededor del perímetro de los labios, el área entre el labio y la piel que lo rodea. A menudo verás que la luz capta en esas zonas que ayuda a definir los labios. En lugar de tener un contorno oscuro, en realidad puede ser ese poco de luz que viene alrededor del borde lo que puede ayudar a hacer la boca. Destacado, Gluten usa su boca para difundir mucha positividad en el mundo Quiero asegurarme de capturarlo justo. Voy un poco más brillante con el rojo en los labios. No porque quiera hacerla lucir un tono diferente de lápiz labial, sino porque me encanta ese rojo brillante de su chaqueta y donde el rojo aparece en otras zonas del fondo. Y creo que la boca es una gran oportunidad para simplemente sacar un poco de ese color ahí también. Notarás que todavía no estoy tratando de mezclarme demasiado. Se pueden ver trazos de pincel gruesos y gruesos. Para mí, eso es realmente una parte clave de la pintura en un estilo expresivo. No tratar de camuflar u ocultar lo que hace que mis marcas sean únicas. Muchas veces cuando estamos pintando en realismo, no queremos que las cosas se vean como si estuvieran compuestas de pintura, pinceladas, queremos se vean como lo que sea que se supone que son. Boca, cara, nariz, ojos. En una pintura como esta, es interesante porque estamos haciendo malabares con dos cosas distintas Hay un elemento de realismo que queremos. Quiero que esto sea reconocible como Glodine, y quiero que los rasgos de su rostro lean como lo que son Pero también quiero que puedas apreciar la pintura a nivel abstracto y ver esas pinceladas. No estoy tratando de mezclarlos o hacerlos desaparecer o camuflarlos de ninguna manera. Quiero que los veas. Quiero que eso sea parte de la energía de la pieza. Eso fue algo que me pareció realmente desafiante cuando empecé a trabajar en este estilo. Porque antes de eso, yo había sido un pintor más fotorrealista. Y cuando empecé a ver mis pinceladas realmente obvias en el lienzo, no me gustaron. Pensé que necesitaban ser tonificados u ocultos. Pero lo que he aprendido de mi propia experiencia, y también trabajando con muchos estudiantes, es que muchas veces los artistas no aprecian lo que hace que nuestro trabajo sea único y especial. Siempre nos estamos comparando con otros artistas cuando miramos nuestras pinturas para juzgar si parecen exitosas o no. Nuestra mente podría estar evocando imágenes de algunas de las pinturas favoritas que hemos visto de otras personas Y si el nuestro no está a la altura, entonces puede parecer que nos estamos quedando cortos de nuestro objetivo. Solo recuerda que el objetivo de esta pintura es que parezca que la pintaste. Esta es tu interpretación de lo que estás viendo. Así que no sientas que tienes que ocultar las cosas que hacen que tus pinturas sean únicas. A veces las cosas que más odiamos inicialmente de nuestro trabajo son las que finalmente lo definirán y se convertirán en una especie de sello distintivo de nuestro estilo único Bien, esto se está uniendo. En nuestra siguiente lección, voy a estar volviendo y haciendo otra capa en el cielo. Te veré entonces. Adiós. 14. Cómo agregar detalles al cielo: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un retrato grande y expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección voy a estar pintando una segunda capa en el cielo. Incluyendo agregar más detalles a los jeroglíficos e incorporar una idea que realmente tuve anoche mientras leía el libro de Glodine Empecemos. Imprimí la imagen de referencia de los jeroglíficos, y solo la estoy grabando para poder echarle un vistazo mientras trabajo Mi objetivo no es reproducirlos exactamente. Solo se supone que es una sugerencia, un elemento textural en el cielo Pero sí quiero hacer referencia a algunas de las formas e imágenes que ahí veo. Estos símbolos son un lenguaje, una forma de comunicar y contar historias que se relaciona mucho esta pintura porque creo que es a través del acto de contar historias que a menudo somos capaces de dar sentido a nuestras propias experiencias, entender cómo nuestra historia encaja en una historia más grande y amplia, y usar esas experiencias para inspirar a otros Estoy usando solo unos tonos diferentes de azul que he mezclado combinando azul seriliano y azul ultramarino y Entonces también he hecho algunos tonos más cálidos usando amarillo ocre y amarillo cadmio, siena quemada y umber quemado Paleta similar que he estado usando a lo largo de todo. Al principio, estoy pasando y simplemente definiendo algunas de las formas, líneas y elementos que veo trabajando en tonos oscuros. Y luego también sumando algunos aspectos destacados para que se sienta como un alivio. Entonces trabajaré esto en el cielo más porque no quiero que sienta que simplemente está flotando frente al cielo más para que esté emergiendo de esas nubes, o estamos viendo solo una pizca de ello. Eso es un proceso. Entonces, anoche estaba leyendo maravilloso libro de Glodine, Croquetas de Salmón Lo recomiendo mucho, por cierto. Es una hermosa historia de mayoría de edad de una joven que creció en Los Ángeles en los años 60 y lidiando con tantos de los temas que prevalecían en nuestra sociedad entonces y por supuesto que todavía lo son hoy Estaba leyendo, se me ocurrió que al igual que los egipcios contando sus historias a través del jeroglífico, Glodine está usando el lenguaje escrito para Es una historia ficticia, pero tanto estoy seguro que está inspirada en sus propias experiencias y sentimientos Quiero simbolizar eso en la pintura incluyendo parte del texto del libro de Glodine. ¿Verdad? Junto a estas antiguas historias de los egipcios, permitiendo que uno se transforme en el Donde termina una historia, comienza otra. Y todos estamos vinculados a lo largo de nuestras diferentes culturas y a lo largo del tiempo por las historias que contamos y las que compartimos y conservamos. Fui a una misión para tratar de encontrar la cita perfecta del libro. Y como puedes imaginar, hay tantas opciones geniales ahí. En última instancia, decidí que quería usar la primera oración. Así optó por comenzar su historia. Ese parece un hermoso momento para capturar y hacer esa transición. La línea es la primera vez que me enamoré. Yo estaba en sexto grado. Me pregunto si eso es algo con lo que nunca podré tener que lidiar. Sólo estoy revisando y escribiendo esas cartas. Estoy tratando de igualar el aspecto de la cara tipo tal y como aparece en el libro. Esto me lleva de regreso a mi clase de tipografía que tuve en la universidad, que básicamente es estudiar el arte de las formas de letras y cómo los diseñadores gráficos pueden trabajar con Era algo en lo que realmente no había pensado mucho porque soy mucho más pintor e ilustrador y no había hecho mucho con las palabras. Pero fue fascinante porque en este curso, comencé a entender cómo los diseñadores miran las letras de una manera muy abstracta. Por supuesto, su propósito es comunicar un mensaje, pero no sólo a través de lo que dicen las palabras, sino también cómo se ven, cómo se posicionan en la página. Obviamente, sé lo que dicen las palabras. Es más difícil separarme de eso, pero para alguien más de una época diferente o de un lugar diferente, pueden parecer similares a como veo los escritos egipcios que mencioné antes. Agregar este elemento fue en gran medida una decisión de última hora. Fue algo que literalmente se me ocurrió anoche, ni parte del plan desde el principio. Quiero animarte a que te mantengas siempre abierto a ese tipo de ideas. Creo que a veces los mejores conceptos surgen a través del proceso de creación de una pintura. No te quedes tan atado a tu plan inicial que te cierras de las otras ideas que brotan a lo largo del proceso. De hecho, a veces esas ideas que vienen me ayudan a entender mejor el significado de la pintura que nunca antes. Y creo que eso es cierto en este caso porque se trata de Glodine y su trabajo, pero también se trata de contar historias y cómo esas historias impactan a los demás a lo largo de nuestras vidas, y después de que nos hayamos ido A menudo me describo como un narrador visual. Eso es lo que espero que mis pinturas logren. Me gusta imaginar que cientos de años después de haber dejado esta Tierra, esas pinturas seguirán estando aquí, comunicando historias a los demás y permitiendo a la gente una pequeña ventana a cómo fueron mi vida y mis experiencias y las personas que me inspiraron Así como aprendimos tanto del arte que se ha conservado de otras sociedades que nos precedieron, es realmente la mejor ventana a lo que le importaba a la gente en diferentes momentos, mirando lo que crearon, lo que valoraban lo suficiente como para retratar en su Es simplemente fascinante para mí que en cada momento de la historia, gente haya sentido esta necesidad de hacer cosas. Puedes pasar mucho tiempo pensando y debatiendo por qué Ciertamente a veces tiene un propósito más utilitario, a veces es más decorativo Pero los humanos siempre han querido y necesitado crear. Somos parte de un ciclo mucho más grande. Cuando hacemos eso, creo que es algo hermoso. Se puede ver ahora sólo estoy volviendo a través y haciendo una transición entre la parte superior y la parte inferior. También estoy repasando algunos de los elementos que acabo de pintar para hacerlos un poco más suaves, un poco más integrados en el fondo No quiero necesariamente que todo se sienta demasiado fuerte, un poco más transparente. ¿También estoy moviendo algunos de los colores por todo el espacio? Estoy muy entusiasmado con este nuevo desarrollo para la pieza y la energía que va a traer mientras trabajo en terminarla. Gran trabajo, todos. Bien, en nuestra siguiente lección, sólo voy a seguir trabajando en pintar otra capa sobre el fondo. Te veré entonces. 15. Cómo agregar detalles al fondo: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección voy a seguir pintando mi segunda capa sobre el fondo. Empecemos. Estoy trabajando con la misma paleta que la lección anterior, solo mezclando algunos tonos cálidos adicionales con mi pincel. Combinando amarillo cadmio y rojo cadmio. Quiero que el calor y la saturación del color aumenten a medida que trabajo mi camino hacia el sol. Sky tiene un montón de cosas pasando. Tiene muchos elementos que no necesariamente esperarías ver uniéndose en un cielo, entre ellos escritos del antiguo Egipto, texto moderno. Entonces tenemos, claro, las nubes y el sol, que son un poco más naturales. Creo que nuestro trabajo como pintor, no importa qué elementos estemos juntando, es hacerlos sentir que pertenecen. Crear transiciones que hagan que una pieza fluya muy bien hacia la siguiente ayudará a convencer al espectador de que estas cosas realmente pertenecen juntas. No tiene que ser sobre ¿sucedería esto en el mundo real? Sólo tiene que sentir que funciona y es creíble en el mundo que estás creando A nivel técnico, es importante pensar en el concepto de transición cuando estás pintando un paisaje o una atmósfera. Donde sí pasamos de muy fríos a tonos muy cálidos. A menudo experimentas esto con un amanecer o un atardecer, como lo que estoy pintando aquí. El reto se convierte en, cómo pasa de un azul o morado se pasa de un azul o morado a tonos anaranjados y amarillos sin que esos colores se mezclen en el medio y se vuelvan muy embarrados, o convirtiéndose en un color que realmente no quieres en tu puesta Muchas veces, artistas principiantes cuando están pintando una puesta de sol, voy a ver que la transición va del azul al amarillo o al naranja. Y esa sección media se vuelve verde o se vuelve marrón, o un color que no quieren ahí dentro. Siempre hablo de esta idea de colores de transición. Si te estás moviendo de un extremo a otro, introduce algunos otros colores que caigan entre esas dos áreas de la rueda de colores, para que obtengas una transición más suave, en este caso, pasando del azul al amarillo. Algunos de los pasos intermedios incluyen tonos lavanda y luego pasar a rosas y colores rojizos, y luego a las naranjas, y luego Yo paso por alto por completo la mezcla de los colores extremos entre sí dando esos pasos intermedios. Esta es una zona de la pintura que quiero configurar como fuente de luz para toda la imagen, porque hay muchos tonos brillantes en todo el lienzo. Para crear ese sentido, realmente necesito intensificarlo por aquí y usar algunos colores brillantes y también pintura más gruesa. Especialmente a medida que me muevo hacia el sol. A mí me gusta construir esa pintura blanca realmente amarilla clara para que tenga algunas cualidades de relieve y capte la luz. Entonces solo poco a poco trabajando eso en los otros colores que están a su alrededor. A mí me gusta pintar también con esmaltes. Ya ves que estoy haciendo eso un poco aquí. Un esmalte es justo cuando estás usando menos pintura, más medio para obtener un efecto transparente Permite que lo que hay debajo de ese color aún se muestre a través, pero solo se ve afectado por lo que estás agregando encima de él. Puede ser una gran manera de hacer la esencia de la luz que viene a través de un área, sobre todo si se quiere intensificar el color o el brillo. Y luego dejar que eso se disipe gradualmente a medida que se aleja de la fuente de luz Trabajo en capas y quiero aprovechar ese hecho y permitir que todas las texturas interesantes y trazos de pincel y colores que están debajo de esa capa superior aún juegan un papel para seguir mostrándose. Agrega riqueza y complejidad a la imagen. Me gustan los rayos de luz que vienen del sol, pero tampoco quiero que se sientan demasiado cliché o como si estuvieran saliendo de una imagen de calendario bonitas escenas de paisajes estoy pintando, pero también los estoy mezclando. Yo los estoy trabajando en los otros colores para que estén ahí y se están sumando a esa sensación del sol resplandeciente Pero aun así un poco sutil. Creo que realmente se puede empezar a apreciar aquí cómo crear ese sentido de una fuente de luz. No se trata solo de cómo pintas la propia fuente de luz real, en este caso el sol, sino de cómo pintas todo en la escena para apoyar ese concepto. Ahora bajando al paisaje, empiezo en la distancia con esas colinas distantes, dejando que algunos de los tonos cálidos del cielo bajen a la tierra. Siempre que estés pintando un paisaje, si quieres empujar áreas del fondo más atrás, agrega algunos de esos colores del cielo. Cuanto más tome la tierra el color del cielo, más se sentirá más lejos en la distancia. Eso se llama perspectiva atmosférica. Entonces lo estoy trabajando con algunos de esos hermosos tonos azules también, para que todos los colores de la atmósfera comiencen a trabajar juntos dentro del paisaje. Un problema que aún necesita resolverse es la colocación del hombro Glodine Cuando combinas dos cosas que son muy diferentes, a veces tienes áreas que funcionan muy bien y otras partes que no se alinean. El caso aquí con el hombro es que el escultural hombro A no puede, y el hombro es mucho más bajo que el hombro real de Glodine A mí me gustan los dos. Estoy desgarrado, y lo que he decidido hacer en realidad es mantener ambos y permitir que se mezclen con el paisaje. Estoy sacando primero el tono rojo de su hombro y creando una superposición transparente de ese color. Podría leerse como un cerro dentro del paisaje. Quizás se vuelve un poco abstracto allá también. No necesito justificarlo de esa manera. Puedo pintar lo que quiera donde quiera. Ahora, también estoy trabajando en el hombro escultórico y jalando algunos de esos colores en el paisaje que lo rodea, solo para que ambos estén ahí De hecho funcionó muy bien en el lado derecho. No voy a tener que esforzarme tanto, porque el cuello de su chaqueta simplemente se inclinó justo en donde terminó siendo el hombro de la escultura Pero por aquí de este lado solo necesita un poco de afinación otra vez. Creo que este es otro ejemplo de esa idea de crear transiciones que funcionen. Que lo que tu pintura se sienta creíble, aunque no tenga totalmente sentido, o si no siente que las dos cosas realmente estarían juntas en la realidad dentro del contexto de esta pintura Se siente bien y entonces por lo tanto es correcto. Y se suma a la historia que estás contando. Eso es realmente lo único que importa. Bien, eso lo hace. Para el fondo. En la siguiente lección, me estoy abriendo camino hacia la pintura. La chamarra. Te veré entonces. 16. Cómo agregar detalles a la chaqueta: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección voy a estar pintando una segunda capa en la chaqueta. Empecemos. Voy a empezar de nuevo por aquí en el hombro y solo trabajando en otra capa de color y pinceladas y textura. Trabajar con lo que hay y luego agregarlo, mejorarlo, tratar de crear un poco más de una sensación de movimiento de forma. Esto es realmente solo una oportunidad para pasar un poco de tiempo en cada una de las secciones de la pintura, dándole algo de atención y asegurándose de que esté funcionando bien con la imagen en su conjunto. Que tienes algunas cosas interesantes pasando ahí abajo. Así es como lo abordo. Lo estoy pensando de una manera muy abstracta. Al mismo tiempo que sacar ciertos bordes y detalles y contornos que ojalá ayuden a que se sienta un poco más como la chaqueta o como la escultura o cualquier parte que me pase a pintar, realmente una fusión de ambas cosas Notarás que estoy acelerando un poco este video. Eso lo he hecho en los últimos y estaremos por lo que resta del curso. Sólo porque por mucho que me guste pasar tiempo con todos ustedes y ojalá disfruten pasar tiempo conmigo, no me imagino que querrían pasar 20 horas viéndome hacer una pintura. Lo estoy acelerando un poco y creo que está bien en este caso, simplemente porque no espero que pintes exactamente paso a pintes exactamente paso paso cómo estoy pintando en este curso. De verdad, espero que esto pueda ser más una inspiración para ti en términos de cómo me acerco a la pintura, cosas en las que estoy pensando mientras estoy trabajando, y diversos aspectos de mi proceso que puedes tomar y adaptar e interpretar para tus propios fines. me gustaría poder pintar tan rápido Sin embargo, me gustaría poder pintar tan rápido. Eso sería increíble. Yo conseguiría mucho hecho. Yo sería el artista más prolífico de todos los tiempos. Una de las cosas que me encantan de esta etapa de la pintura es que llego a responder a lo que hay ahí. En mi primer pase, comencé a esculpir la forma, si se quiere, tratando de crear una idea de cómo todos estos diferentes elementos se unen en el lienzo En esta etapa. Ahora, solo llego a hacer que se vea bien, y parte de eso incluye estratificar otros colores Quiero animarte, si estás siguiendo un proceso similar, no te limites a volver encima del rojo con el mismo rojo. Experimenta con lo que sucede cuando comienzas a estratificar diferentes colores uno encima del otro y a trabajar con transparencia, acristalamiento, como ya hemos hablado antes Permitir que los colores se mezclen, jueguen entre sí, se obtienen algunas interacciones y relaciones realmente maravillosas. Cuando haces eso, también es una oportunidad para evaluar cada área a medida que estás trabajando y pensar si quieres empujar el color un poco más lejos. Tal vez haciéndola más saturada en algunas zonas. O hacerlo más oscuro, o más claro, o más neutro. Tener ya algo ahí en la lona. Y puedes mirar eso y pensar en cómo se relaciona con todo lo demás. Entonces imagina lo que podrías hacer para potenciarlo. A lo mejor hay más luz cayendo a través de esa zona. A lo mejor quieres tener un poco de sentido de que algo se está adelantando o retrocediendo. Conseguir el lienzo cubierto es solo el comienzo. Esta es la parte divertida. Aquí es donde se llega a jugar. No estás tratando de averiguar dónde colocar las cosas o pensar en algunas de esas cosas del panorama general. Ahora llegamos a cero y simplemente mejoramos realmente cada sección. Se puede ver que estoy haciendo eso ahora con la adición de reflejos, tratando de traer un poco más de una sensación de que la luz del sol se proyecta a través de todos estos diferentes planos. También estoy pensando un poco en la transparencia, la fusión de los diferentes elementos La escultura glodine el paisaje. Aquí están pasando muchas cosas y todo está pasando justo encima del otro. Esta también es una oportunidad solo para resolver todo eso tanto como puedas, pero sobre todo solo trayendo más energía y movimiento y haciendo que las áreas realmente cobren vida. Eso también se ve diferente para cada artista. Una pintura resuelta por mí va a verse de una manera, pero su pintura podría verse totalmente diferente. Algunos artistas usan pinceladas muy ásperas, muy crudas. Algunos artistas prefieren trazos de pincel renderizados muy suaves. Te animo a que mires tu pintura mientras trabajas y pienses en lo que hace que tu pintura se sienta terminada. Es una pregunta difícil. Ni siquiera sé si yo mismo conozco la respuesta, pero vale la pena pensarlo y meditar a medida que avanza Las cosas no tienen que ser renderizadas en un estilo realista para poder terminarlas. Las cosas no tienen que tener todos los detalles articulados o incluso completamente cubiertos de color. Algunos artistas incorporan el lienzo crudo o áreas inacabadas, y digo inconcluso entre comillas, porque la pieza está terminada, simplemente no está renderizada esquina a esquina No estoy aquí para decirte qué hacer o cómo trabajar. No soy tan mandona, solo te estoy enseñando lo que hago. Definitivamente estoy pensando en qué tipo de pinceladas puedo agregar que harán que esta pieza se sienta terminada para mí. Con este estilo de trabajo, me gusta mucho que la pintura se vea como una pintura. Me gusta que haya una acumulación de pintura gruesa en algunas zonas. Me gusta ver pinceladas jugosas. Me gusta ver pintura gruesa arrastrada por varios colores y dejada sin mezclar Me gusta especialmente la calidad lineal de las pinceladas. Me gusta crear muchas líneas y marcas diferentes que guían tu ojo a través de la composición. En mi referencia inicial, había una imagen de un desierto y tenía muchas líneas interesantes en la arena y puedo ver esa asomándose en la parte inferior de la imagen de referencia Lo encuentro particularmente inspirador aquí y creo que voy a pintar algunas de esas líneas justo a través de su chaqueta, través de su pecho y cuello, capturar ese sentido del fondo que muestra a través de ella. Porque esta pintura se trata la fusión de mundos diferentes, ideas diferentes, tiempos diferentes Puede que no sea obvio para todos miran la pintura que aquí estoy viendo líneas en la arena de un desierto, y eso está bien. Hay algo en la forma en que esas líneas rompen todo lo que realmente disfruto. Me gusta el movimiento de ellos y creo que crea sensación de que aquí está pasando algo interesante. Esto no es solo un retrato de alguien parado frente a un hermoso amanecer. Cuanto más me alejo de la cara, más me gusta relajarme en la abstracción. Y algunas de esas relaciones entre las diferentes capas de mi archivo de Photoshop que fueron completamente aleatorias, pero que produjeron resultados que me gustaron pueden ser un gran trampolín para crear más abstracción en la pintura No se trata de copiar la referencia exactamente para mí, sino que es una forma de ayudar a liberarme de las limitaciones del realismo. Porque me conozco como pintor. Si solo estuviera mirando una fotografía de la modelo, me gustaría pintarla exactamente como la veo. Pero algo de tener esta referencia donde todo se está moviendo hacia un sentimiento más surrealista me da permiso para hacer eso En el lienzo he pintado lo suficiente como para aprender que eso es lo que me funciona. No significa necesariamente que lo mismo sea cierto para ti, pero te animo a que encuentres qué es lo que funciona para ti. Lo que ayuda a despertar tu imaginación y te libera para ser lo más expresivo posible con tu pintura Gran trabajo a todos. Esto se está uniendo y en nuestra siguiente lección, vamos a estar pintando una segunda capa en los ojos. Ya lo voy a ver. 17. Cómo terminar los ojos: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección voy a estar pintando una segunda capa en los ojos. Mi parte favorita. Empecemos. He dicho que esta es mi parte favorita demasiadas veces todavía, porque creo que esta es la parte favorita real. Me encanta volver y hacer una segunda capa en los ojos. Es una parte tan importante de un retrato, es donde es más probable que el espectador vaya a mirar primero. Es algo así como donde estamos entrenados para mirar. Si estamos teniendo una conversación con alguien, generalmente lo miramos a los ojos para tratar de obtener una lectura sobre lo que realmente están pensando y sintiendo. Y cuando miramos las obras de arte, si hay una figura, el punto focal natural son los ojos. Por supuesto, como artista, puedes cambiar eso, puedes redirigir a la gente, pero en este caso, los ojos de Glodine son preciosos, y creo que cuentan gran parte de la historia Así que voy a pasar algo de tiempo extra volviendo con un pincel pequeño, encontrando colores de acento que pueda sacar, redefiniendo bordes, se puede ver que estoy entrando y simplemente agregando algunos tonos cálidos, creando un poco más de complejidad, sutileza, y también haciendo que las formas No quiero perder completamente la energía de la pintura más floja que hice debajo de esta capa No estoy encubriendo totalmente todo. Miro esto más como simplemente entrar y ver dónde puedo mejorar las cosas. Esta es otra instancia en la que me encanta acodar diferentes colores encima de los colores que ya están ahí en el escenario Acercar la imagen de referencia también es muy útil. Por eso también lo he hecho más grande en el lado para ti. Normalmente cuando estoy pintando, tengo mi computadora puesta justo al lado de mi lienzo. Y de esa manera puedo acercarme a cualquier parte que esté pintando. Ahora, lo mantengo alejado inicialmente porque no quiero que me atraigan demasiado todos los detalles Pero cuando vuelvo y hago mi etapa de refinación, es entonces cuando me gusta acercarme. Porque puedo ver mucho más haciendo que esa imagen sea grande en la pantalla. Hemos estado hablando mucho sobre el uso color expresivo a lo largo de este curso, y este es un buen momento para ponerlo en práctica. Creo que también puede ser un momento aterrador para algunas personas cuando estás pintando una cara, especialmente una zona sensible como los ojos, queremos a veces simplemente volver por defecto a lo que pensamos como colores naturales. Usando blanco para el blanco del ojo. Usando el tono natural de la piel para la piel. Pero cuando acercas y estudias esa imagen de referencia, puedes ver que ahí está pasando mucho más. Y también sabemos que la fotografía tiene sus limitaciones. Tanto color como vemos aquí, en realidad hay mucho más mirando a los ojos de Glodine en persona Agradecidamente, pude fotografiarla yo mismo, y estudiar su rostro lo más posible Mientras hacía eso, podía recordarlo también. Y sacar un poco más de esos ricos tonos que recuerdo así como lo que veo en la foto. En esta etapa, estoy trabajando con una brocha bastante pequeña y puntiaguda Es genial para entrar y solo agregar esos pequeños toques. Cuando estoy haciendo pestañas, me gusta buscar los espacios negativos alrededor de ellas y sacar primero esos reflejos, luego volver y pintar las pestañas Cuando estoy trabajando en el ojo, notarás que no solo pinto el ojo, sino que también estoy pensando en la piel que lo rodea, tanto arriba como abajo. Todo eso juega un papel en hacer del ojo lo que es. Un pequeño truco que me gusta hacer cuando me siento extra dramático, que es bastante frecuente, es poner pequeños puntos de colores de acento en el ojo reflejando algunos de los colores prominentes del entorno. Elegí el amarillo y el rojo. Y luego también estoy captando solo un poquito de azul. De hecho lo veo en la foto de referencia. Si miras en la zona de mucha luz, en el centro del ojo, no es blanca. Partes lo son, pero en realidad hay mucho azul muy pálido alrededor del perímetro de ese. Eso también lo estoy sacando en la pintura. Me gusta el contraste de tonos cálidos y fríos. Creo que eso suma mucho. Uno de los mayores retos que pienso de pintar ojos es hacerlos sentir como si fueran juntos. Por lo general, es bastante fácil para mí tener un ojo mirando. Muy bien. Pero entonces cuando voy a hacer la segunda, el reto es hacer que esa también se vea bien y sienta que pertenece al primero. Quieres que sean hermanos, no primos, primos lejanos Y también es un reto cuando la pose está en una vista de tres cuartos como esta, porque no solo estás pintando el mismo ojo dos veces. Tienes un ojo que está más cerca de nosotros, así que va a ser más grande. Habrá diferencias en la conformación y posicionamiento de la misma. Por ese hecho, el ojo del lado izquierdo está siendo un poco cortado por el giro de su cabeza. Entonces vemos esa línea más recta a lo largo del lado izquierdo de la misma. Mientras que el ojo que estoy pintando ahora, vemos más del tipo completo de forma almendra. Y luego una vez que tienes la forma general de la coincidencia de ojos, realmente se reduce a conseguir que esa pupila, un iris, se sienta como que coincide con la del otro lado Y eso requiere algo de trabajo. No se trata sólo del tamaño y posición de la misma, también se trata de cosas sutiles como qué dirección lo hace, ya sabes, curva, ¿Vemos un poco de una curva hacia adentro hacia la parte superior, En la parte inferior. Algo que requiere un poco de refinamiento. Al menos para mí, voy a conseguir algo ahí. Voy a dar un paso atrás del lienzo, estudiarlo, y luego ver qué necesita. La pintura retocada se trata de los retoques. No puedo expresarlo lo suficiente. Llevo mucho tiempo pintando , pero eso no quiere decir que cuando pongo pintura sobre el lienzo todo aterrice donde se supone que debe. Siempre se trata de empujar y tirar la pintura, moverla, conseguir algo ahí, y luego usar eso como base para comparar, juzgar y refinar. Si pintas algo al principio no se siente del todo bien. Eso no quiere decir que seas un mal artista. Eso no quiere decir que debas rendirte. Eso no quiere decir que no valga la pena compartir tu expresión natural . A veces hacer que algo parezca sin esfuerzo requiere mucho esfuerzo Y notarán que aunque estoy usando un pincel más pequeño y ahora me estoy enfocando en detalles más apretados, todavía estoy tratando retener la energía de las pinceladas más grandes Las marcas más expresivas no voy a entrar y mezclarme demasiado, tratando de que esto se sienta muy suave y renderizadas Sigue siendo bloque, grueso expresivo, pero solo en una escala más pequeña Porque sé lo importantes que son los ojos y realmente quiero enfatizar los de aquí. Cuando estés trabajando en un área de punto focal importante como esta, tómate todo el tiempo que necesites. No lo apresures. Vale la pena dedicar ese tiempo extra para asegurarse de que se sienta bien. Y si algo no parece que esté funcionando, aléjese de él, mire la pintura reflejada en un espejo. O tomarle una fotografía y darle la vuelta para que se desoriente y vea lo que está mal Nunca te rindas cuenta que algo no está funcionando es una gran cosa porque significa que estás mirando tu pintura con ojo crítico Y si puedes hacer eso, puedes mejorarlo. Bien, esto está llegando. En la siguiente lección, estoy trabajando mi camino por la cara y estaré pintando una segunda capa en la nariz. Te veré entonces. 18. Cómo terminar la nariz: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección voy a estar pintando una segunda capa en la nariz. Empecemos. Voy a comenzar con un pincel plano más grande y simplemente repasar algunas de las pinceladas a lo largo de la nariz para suavizar algunas de las áreas. Agrega un poco de tono más cálido. Quiero que ese calor del sol realmente sienta como que le está cruzando la cara. Y solo quiero trabajar un poco más en algunas de esas pinceladas para que su piel luzca más suave y suave. No quiero perder la estructura que creé, solo la estoy suavizando un poco y eventualmente haré lo mismo en otras áreas de su rostro también. Voy adelante y sacándolo un poco en la zona de la frente. Como siempre, cuando estoy trabajando en una cosa, siempre termino trabajando en otra cosa. A lo mejor es porque simplemente no puedo concentrarme. Pero en realidad es porque siempre estoy pensando en las relaciones de todas estas diferentes partes entre sí. Nuevamente, estoy usando la imagen de referencia ampliada para poder captar más detalles de los que vi cuando estaba haciendo mi capa base inicial Me encantan todos los diferentes colores que estoy viendo reflejados en la piel. Y realmente disfrutando sacando eso en la pintura, incluso exagerándolo un poco más Cuando estoy pintando algo así, mis ojos van y vienen constantemente entre el lienzo y la imagen de referencia que me ayuda a poder ver lo que funciona y lo que no. A menudo les recuerdo a mis alumnos, especialmente a los que están empezando por primera vez, que está bien mirar esa imagen de referencia. Es muy fácil quedar atrapado en la pintura y simplemente quedar absorbido por eso. Pero no te olvides de esa imagen de referencia. Está por ahí por una razón. No estás atado a ello. No estás obligado a hacer que tu pintura se vea así Pero cuando buscas una semejanza y trabajas en la cara de las características, es un recurso realmente valioso Conseguir esas formas y detalles precisos hará que la pintura se vea como el tema. Mencioné que estoy usando este paso para suavizar un poco la piel, pero verás aquí en este primer plano que eso no significa que esté haciendo todo súper mezclado y realmente suave. Esas pinceladas expresivas siguen ahí. Sólo les estoy diciendo que se calmen un poquito en ciertas partes. Es en gran medida una elección estilística y creo que tienes que ir con tu instinto sobre lo que se siente bien para el modelo que estás pintando y la pieza en la que estás trabajando Algunas pinturas, me gusta dejar marcas realmente fuertes, muy agresivas en toda la cara. Y luego otras veces lo ablandé un poco como lo estoy haciendo aquí Una de las cosas que me metieron en la cabeza en la escuela de arte es que se supone que los artistas deben elegir un estilo específico y siempre hacer exactamente lo mismo para que puedas darte a conocer por eso y los coleccionistas reconocerán tu trabajo y sepan qué esperar de ti. Eso podría funcionar muy bien para algunas personas, pero no me funciona, no es necesario. Descubrí que tengo muchos intereses amplios y me fascina una variedad de estilos diferentes y me gusta explorar todo eso en mi trabajo Creo que es de lo más importante que los artistas solo sean genuinos y auténticos. Para mí, pintar exactamente el mismo cuadro una y otra vez durante toda mi carrera sería lo contrario de eso. Si pudiera hacer una sugerencia para todos los artistas que están persiguiendo esto como algo más que un hobby, queriendo tener alguna carrera en las artes. Nunca dejes que las reglas de otra persona dicten cómo operas Lo más importante es que seas auténtico, que encuentres lo que te funcione y te mantenga emocionado, que crees arte genuino del que puedas estar orgulloso, sea lo que sea que eso signifique para ti. Realmente creo que cuando hacemos eso, gente se relaciona con lo que hemos hecho mucho más. Casi se puede olfatear cuando alguien está creando arte solo porque piensa que es lo que le gustará a la gente Todos los que conozco que han seguido esa ruta eventualmente se queman. Porque ¿adivina qué? No es divertido. En tanto, cada vez que me paro frente a mi lienzo, aunque sea un estresante. Día. Y a veces las tengo. A veces mi pintura no funciona. Tengo todos esos mismos temas que todos tienen. Pero cada vez que estoy pintando, se siente como una aventura. Se siente como si estuviera aprendiendo algo nuevo. No sé a dónde va a ir. No sé cómo va a terminar. Siempre estoy aprendiendo más. Y eso es lo que lo mantiene emocionante. Todavía me siento como ese chico que apenas está aprendiendo a pintar por primera vez. Y tan abrumado de emoción ante las posibilidades, y espero que todos ustedes se sientan así y sigan sintiéndose así No dejes que la búsqueda de una carrera en las artes te quite eso. Eso es, creo, lo más que nosotros como artistas necesitamos proteger para nosotros mismos. Bien, bajando de nuevo a mi caballo alto, ves que es fácil para mí subir ahí arriba. Estoy disfrutando mucho de la transición de los colores súper cálidos y brillantes en el lado izquierdo de la nariz hacia los tonos de sombra a la derecha. Eso realmente ayuda a que la nariz se sienta muy dimensional y fluya hacia el resto de su rostro. Cuando realmente miras de cerca a la cara de alguien, solo pienso que es tan fascinante. Hay tanto color, hay tantos cambios diferentes en la luz, en la sombra, en la temperatura, en el color, en todo. Mucha complejidad ahí. He visto artistas fotorrealistas que literalmente pintan cada poro, y creo que eso es increíble. Ese no es mi enfoque. Pero definitivamente aprecio esa atención al detalle y ese deseo de plasmar realmente en ese nivel la complejidad y belleza de nuestros rostros a mi manera. Estoy tratando de hacer eso también pintando no sólo lo que veo, sino también tratando de infundirlo con un poco de lo que siento, en este caso, la admiración que tengo por el tema Creo que llega en esos tonos cálidos que se le están echando a través de la cara. Hay algo muy regio en su pose y su aspecto general que encaja muy bien con cómo la veo. Conocerla como amiga hace una gran diferencia. No siempre tengo esa conexión con los temas que pinto. Y es diferente. Me da más en qué pensar e infundir la pintura Pero también puede presentar sus propios retos también. Porque de pronto tengo mucho más en qué pensar que solo las formas en la estructura. Tengo toda esta conexión personal y emoción que quiero poner en la pintura que puede resultar abrumadora. Eso puede ser un reto. He escuchado a la gente decir que cuando estás empezando a pintar retratos, hacer familiares o amigos puede ser una de las cosas más difíciles. Pero también creo que de eso se trata el arte, ¿verdad? Estamos contando historias, nos estamos expresando. Si no estamos haciendo eso, ¿cuál es el punto? Bien, estamos en camino. En la siguiente lección, voy a estar pintando una segunda capa en la boca. Te veré entonces. 19. Terminar los labios: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un retrato grande y expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección, voy a estar pintando una segunda capa en el molino. Vamos a llegar a ello. Puedes ver mi paleta. Sigo usando todos los mismos colores que he estado. Y no voy a intentar pretender que hay un enfoque muy sistemático que estoy tomando aquí. Se puede ver que en este momento es un gran desastre. Y eso suele ser lo que mis paletas terminan pareciendo mientras trabajo a través de una pintura Ya sabes los colores con los que empecé. Pero entonces voy a mezclarme mucho con mi pincel a medida que voy adelante. Así que no quería intentar fingir que estaba más organizado sobre eso de lo que realmente soy. Cada artista tiene su propio enfoque cómo trabaja con sus colores. Siempre me sorprende cuando veo a alguien que tiene una paleta muy organizada y todo está realmente limpio y en el lugar correcto y todo eso Ese no soy yo. Sin embargo, todavía te lo estoy mostrando, para que puedas seguir con cómo estoy trabajando. Pero de todas formas, hoy estoy trabajando en la boca y estoy muy emocionada por ello porque creo que es una de las partes más interesantes. Ahí hay algunas texturas y colores hermosos que quiero sacar a relucir. Partes de ella casi se ven pan de oro, la forma en que terminó apareciendo, con todos los diferentes tratamientos de Photoshop y la luz cálida proyectando a través de él. Entonces esta será una divertida. Estoy trabajando de nuevo el área alrededor de la boca también. Al mismo tiempo, eso es tan importante como los propios labios creando esa estructura para sostener la boca y los labios haciendo que todo se sienta conectado. Una de las cosas que me encanta este enfoque particular pintar y construirlo a través de varias capas, es que llego a construir sobre lo que ya está ahí. Creo que, eso para mí, es una parte tan importante del proceso, me gusta poder responder a algunas de esas marcas más audaces más grandes y luego tomar cada una de esas áreas y diseccionarlas un poco más y verlas Y buscar lo que pueda hacer para potenciarlos o hacerlos sentir más unificados o agregar más textura, más forma, o más detalle es una manera para mí de centrarme en diferentes aspectos interesantes que serían demasiado abrumadores para intentar pensar en todos a A veces cuando estás pintando, me parece tentador querer correr a la meta y tratar hacer todo lo que puedas en una capa Pero solo tengo que recordarme bajar la velocidad y disfrutar del proceso. Creo que esa es una de las cosas más importantes que puedo compartir con todos ustedes, es que pintar es tanto sobre el proceso, el producto también importa. Estás creando una obra de arte que eventualmente querrás compartir con otros de alguna manera. Pero cuando estoy trabajando, trato de no siquiera pensar en esa parte de ella. Intento ni siquiera considerar lo que alguien más va a pensar de ello. Simplemente estoy realmente perdido en el proceso de creación. Es muy divertido y casi meditativo para mí, fácilmente puedo perder la noción del tiempo Me da la oportunidad de ir realmente más despacio y mirar más de cerca. Quiero decir, ¿quién puede pasar tanto tiempo simplemente sentado y mirando los labios de alguien? Es increíble apreciar los detalles de otro ser humano a este nivel. A este grado, sobre todo pensando en algunas de las cosas inspiradoras que Glo Deine ha dicho que leí en su libro. Y sólo sabiendo cómo usa su voz para hacer tanto bien en el mundo. Pienso en eso también cuando le estoy pintando la boca. No puedo evitar pensar que esta es la herramienta que utiliza para compartir su mensaje y sus ideas con la gente. Y lo hace tan bien y tan aparentemente sin esfuerzo y con confianza, y admiro tanto eso The Lips es un ejemplo de dónde voy también entrando, en zonas y añadiendo algo de pintura más gruesa. Porque me gustaría construir un poco más la textura y la superficie, especialmente en el labio superior. Quiero intentar realmente crear ese sentido de la forma que redondea y luego de vuelta, solo hay una hermosa conformación. El labio, muy escultórico que quiero tratar de transmitir en el lienzo a través del color, valor, la textura, las marcas que estoy haciendo, todo, todo funciona conjunto de todas esas cosas Creo que la luz y la sombra, el juego de valores es probablemente lo más importante en términos de crear ese sentido de la forma de la forma. Porque eso es lo que realmente me permite capturar la luz que se mueve a través. Busco zonas donde pueda empujar esos resaltes adicionales que pueda intensificar, sombras que pueda profundizar y también acentos donde hay luz reflejada como ese poco de tono cálido que se proyecta en la sombra de su labio superior La luz que vemos a lo largo del borde inferior de su labio inferior. La luz se mueve y hace tantas cosas fascinantes interesantes cuando te detienes y la estudias y realmente piensas en ello. Y luego sumando encima de eso el juego de tonos cálidos y fríos. Una vez que entiendas cómo funciona la luz y cómo capturar eso con valores, entonces usa tus opciones de color para mejorarlo buscando áreas donde tal vez haya un tono más fresco. Tal vez agregando un esmalte de azul para redondear algo hacia abajo en un área de sombra O donde lo veo alejándose de la luz y captando más de ese tono frío o la luz realmente directa, cálida, dorada que vemos en otras zonas. Y luego todos esos tonos medios que hacen que esos extremos encajen juntos. Es realmente un acto de equilibrio, o un acto de malabarismo de combinar muchos elementos diferentes Y cuando empieza a funcionar, es algo mágico. A menudo, cuando estoy pintando, obtendré un área por la que empiezo a sentirme muy entusiasmado y ese es un punto de inflexión porque entonces sé que puedo construir a partir de eso. Si incluso eres capaz de obtener solo un área de tu pintura que empiezas a sentirte bien que está funcionando, entonces comienza a pintar alrededor del perímetro de esa área y trabaja tu camino hacia afuera. Difundir aún más esas buenas vibraciones. No todo va a unirse a la vez, pero siempre empieza para mí en un solo lugar y luego se extiende. Y solo disfruta el viaje porque lo que obtenemos del proceso es lo que importa. Más gran trabajo a todos. En la siguiente lección, voy a estar trabajando por todo el rostro, pintando una segunda capa sobre la piel. Te veré entonces. 20. Terminar la cara: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un retrato grande y expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección, voy a estar trabajando por toda la cara, pintando una segunda capa sobre la piel. Empecemos. Ahora que tengo sus rasgos mirando de la manera que quiero que lo hagan, voy a trabajar hacia afuera a partir de ahí y comenzar la noche un poco el tono de la piel. Me bloqueé en esa primera capa, dándome mucha textura y pinceladas muy agradables para jugar. Ahora estoy usando un acristalamiento, lo que implica sumergir el pincel en el líquido antes de cargarlo con pintura para que quede más delgado Casi como pintar con acuarela color. De esa manera puedo hacer ajustes graduales, incrementales. Ahora bien, hay lugares donde podría entrar con un poco más de mano pesada, solo dependiendo de lo que haya ahí. Pero usar la técnica de acristalamiento en esta etapa para un área grande como la piel es una excelente manera de salir las cosas por la noche. Traer colores extra que pueden ayudar a unificarlo o agregar un poco más de interés y complejidad Una pregunta que me hacen mucho como instructor es, ¿cómo se mezclan los tonos de piel? ¿Qué colores combinas para hacer ese tono de piel perfecto ideal? La respuesta es, no hay fórmula. Porque hay tantos tonos de piel diferentes que existen en el mundo. Cada modelo puede tener un tono ligeramente diferente. En lugar de abordarlo desde un lugar de fórmula, siempre animo a la gente solo a estudiar realmente que no solo hay tantos tonos de piel diferentes, sino que también los colores que vemos en la cara de alguien están muy influenciados por qué colores los rodean en su entorno también. Entonces hay toda una combinación de factores que lo hace así no hay una respuesta fácil a esa pregunta. Cuando los artistas intentan usar un enfoque formulaico, encuentro que termina buscando de esa manera No se siente como si se tratara de esa persona individual. Yo solo digo pintar la piel como tú pintarías cualquier otra cosa. Mézclate una paleta agradable con una buena gama de valores, variaciones cálidas y frescas, y ve a partir de ahí. También encuentro que debido a la translucidez de la piel, usar un enfoque por capas es muy útil Hace que la piel se sienta más natural cuando podemos ver múltiples capas de color interactuando entre sí. Y hace que sea mucho menos abrumador intentar capturar todos esos colores cuando desgloses en múltiples pasos. También se puede ver que sigo pensando mucho en los planos de la cara, esa estructura plana, y la forma en que esa luz y sombra nos están ayudando a ver los contornos del rostro. A pesar de que lo estoy suavizando un poco en algunos lugares, no quiero perder esa estructura que establecí con la primera capa. En esta etapa del cuadro, me encuentro sintiéndome más relajado porque sé que los elementos que he reunido en el fondo están contando la historia que quiero que cuenten. Las características en la cara de Glodine están establecidas hasta un grado en el que me parece ella, soy capaz de disfrutar realmente del proceso aquí No es que no disfrutara de las otras partes también. Cada etapa de una pintura es diferente. Realmente me encanta cuando empieza a tomar forma. Y sé que me estoy moviendo hacia ese punto final. Y consigo simplemente tomarme mi tiempo, estudiarlo, y hacer esos toques finales que unifican la pieza y ayudan a comunicar lo que quiero que Sé que quiero tener una transición de un enfoque más realista a la cara misma y a los rasgos faciales un poco más renderizados o modelados Y luego a medida que me alejo de la cara, ahí es cuando las pinceladas se vuelven aún más expresivas y juegan más con la abstracción. A medida que me alejo de la parte central de la cara, necesito comenzar a crear esa transición. No quiero simplemente saltar de un estilo a otro. Quiero que todo fluya junto y lleve el ojo del espectador al área del punto focal, lugar de hacer que parezca la cara es una pintura diferente. Que el resto de ella. ver lo fácil que es ir encima de algunas de esas pinceladas realmente bloqueadas con las que empecé y suavizarlas Es un buen recordatorio de que realmente está bien comenzar sin necesidad mezclar demasiado todo lo que es mucho mejor hacer en esta etapa Porque sabemos que la estructura de la cara está ahí, está funcionando, y ahora solo puedo finalizarla Esta también es una gran oportunidad para buscar otros colores sutiles que puedas traer, tal como lo hemos estado haciendo en otras áreas. Cambios de temperatura, ¿Dónde se enfría? ¿Más cálido? ¿Dónde se vuelve más neutral? Ves ese tono amarillo dorado es realmente fuerte en la parte central de su rostro, y luego hacia abajo hacia el mentón. Hay un cambio de temperatura real y empieza a enfriarse mucho. Entonces estoy usando más blues y púrpuras allá abajo. Y vemos que sucede lo mismo mientras hacemos la transición del lado izquierdo de la cara sobre el lado derecho. Justo entre esos dos extremos, hay un estallido de un tono anaranjado cálido y rojizo que aparece ahí mismo a medida transitamos de la luz alta a la sombra Esas áreas de transición suelen ser donde obtienes una sorprendente explosión de color. No tengas miedo de usar algunos tonos cálidos fuertes en una cara y también tonos fríos fuertes. Da un poco de miedo usar colores que se sienten antinaturales cuando estás pintando una cara, pero no hay mejor manera de hacer una cara se sienta más natural que hacerlo, lo creas o no, si solo usas lo que percibes como un tono de piel natural, no va a parecer creíble en absoluto Por supuesto, solo quiero que Lodine irradie color en esta pintura Yo voy más allá en ese sentido aquí. Simplemente no puedo obtener suficiente color. Estoy seguro de que ya has captado eso, un matic como posiblemente puedas al principio. Para que no te estés limitando de ninguna manera. Y siempre puedes retroceder. Siempre puedes glasear tonos neutros en la parte superior. O puedes bajar el tono de los colores, ajustarlos. Pero nunca sabrás hasta dónde quieres llegar, a menos que trabajes tu camino hasta ese borde, tal vez incluso lo superes. Luego está nuestra cara, se está uniendo. En la siguiente lección, voy a estar pintando una segunda capa en la oreja y el cuello. Te veré entonces. 21. Terminar el oído y el cuello: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección voy a estar pintando una segunda capa en la oreja y el cuello. Empecemos. Voy a empezar por rematar el lado sombra de su cara. Hay un poco de luz reflejada que está apareciendo en el extremo derecho de ahí. La luz suele hacer eso en formas redondeadas. Esperamos verlo en el lado de la luz donde la luz del sol en este caso está golpeando directamente. Pero muchas veces también se envolverá alrededor de la parte posterior y vemos solo un poco de esa misma luz reflejada en el otro lado. La parte más oscura de la sombra no está todo el camino en el extremo derecho, es solo un poco dentro de eso Otra de las muchas razones por las que creo que las referencias son tan útiles hacer una pintura como esta, es difícil predecir todas las cosas que hará la luz. Cuando solo intento inventarlo, termina sintiéndose un poco forzada o ideada y no siempre natural La luz está llena de sorpresas y solo tienes que ir con ella. ¿Bien? Ahora estoy en la oreja. Siempre hago una broma. Creo que cada artista tiene una parte del cuerpo que menos les gusta. Y divulgación completa, yo también. Para mí son oídos, nada contra el suyo. Ella tiene una hermosa oreja. Pero siento que los oídos son demasiado complicados y no agregan mucha personalidad Tiendo a guardarlos para el final. No obstante, una vez que me meto en ello y los miro de manera más escultórica, realmente termino disfrutándolos también. Pero prefiero pintar cinco ojos más, no eso, ese sería un look genial para glotine Tenemos algo de luz reflejada también aparece en esa oreja, que es lo que nos permite incluso realmente poder verla ya que está tan lejos en el lado oscuro de la sombra de la cara. muchos tonos fuertes y cálidos ahí desde la luz que brilla desde atrás. Que todos ustedes están disfrutando mucho trabajando en sus piezas tanto como yo. Y me encantaría que los compartieras conmigo. Este curso es la manera divertida de poder compartir tanto de mi proceso con todos ustedes. Me ha hecho pensarlo un poco diferente. Normalmente, solo estaría solo en mi estudio pintando. Pero dividirlo en secciones como esta y pensar y analizar por qué hago lo que hago me ha sido muy útil. Te animo a que tal vez te detengas y hagas inventario a veces de tus propios procesos también. El acto de ser creativo es simplemente un proceso tan fascinante, sobre todo porque todos lo hacen de manera diferente y cada uno tiene diferentes formas de meterse en la mentalidad que mejor facilita eso Cuando estoy pintando un cuadro serio como este, sólo tengo que desconectarme, escuchar música, perderse del mundo. Puedo perder totalmente la noción del tiempo y pintar por horas y horas. Es algo maravilloso cuando te metes así en la zona. Como hice con el resto de la cara, solo voy a entrar en cada una de las secciones de aquí, empujando los reflejos donde necesitan ser un poco más brillantes, tallando algunas sombras más profundas, y luego agregando algunas capas de color más fuerte. Sobre todo como dije, esos tonos cálidos que vienen a través de la piel. Es otra oportunidad de volver a visitar una sección y sacar a relucir cualquier cosa que te hayas perdido en ese primer pase Y haciéndola sentir cohesionada con todo lo demás que le rodea. El rostro es la zona que más detalle tiene. Por suerte para mí, puedo estar un poco más flojo por aquí en la oreja Y ahora trabajando mi camino hasta el cuello. Quiero suavizar algunas de esas zonas y luego a medida que voy bajando. Enfatiza un poco más esas líneas de barrido de la arena. Pueden o no leer como arena o como un paisaje desértico para el espectador. Pero me encanta la sensación y el efecto de esas líneas de barrido que se mueven por la parte inferior de la pintura, pintando mucho más rápido y más flojo ahora que me estoy alejando de la cara, tratando de capturar más de esa energía realmente expresiva Una cosita complicada que he hecho de la que estoy bastante contento conmigo mismo de si te habrás dado cuenta o no, pero la barba del faraón, he convertido esa forma en un resalte en su cuello Está ahí y hace referencia a eso, pero también funciona como punto culminante para ti. Me gusta hacer cosas así para mantenerme emocionado e interesado y desafiado en una pieza. Puede que no sea algo que alguien necesariamente notaría, pero está ahí y sé de dónde vino y me gustan ese tipo de cosas. Pero no quiero pintar Glodine con barba completa. No creo que ese sea tal vez el look que buscaría. Realmente me encanta el juego de colores cálidos y fríos aquí abajo y toda la abstracción. Esta es una parte divertida. Me gusta pensar que mis pinturas pueden ayudar a la gente a mirar el mundo con un poco más de imaginación. Creo que esa es una de las razones por las me encanta incorporar el realismo, pero luego alejarme de él, despelar las capas de realidad y revelar algo más Siempre es mi esperanza que cuando pinto un retrato, haga algo más que parecerse a la persona, sino que se sienta como la persona y ayude a capturar su esencia, su energía en la pintura. Para ello, tienes que encontrar tu propia manera de ir más allá las limitaciones de la imagen de referencia o del modelo que está posando para ti. Piensa también en cómo percibes a esa persona y cómo quieres representarla. Puede ser algo muy intuitivo. Suele ser así como trabajo. No tienes que sentarte y hacer una lista. Pero si eso te ayuda a hacerlo. Me gusta aprender más sobre una pintura a medida que avanzo. Y viene a través de tantas formas diferentes desde los colores que termino eligiendo hasta la forma en que termino jugando con las formas y los patrones y la composición. Tenemos muchas herramientas diferentes para ayudarnos a contar nuestra historia. Y es muy emocionante cuando llegas a esta etapa del proceso y realmente empiezan a trabajar juntos. Sólo quedan dos lecciones más para ir. En la siguiente lección, voy a estar trabajando en agregar una segunda capa al cabello y a la pieza de la cabeza. Te veré entonces. 22. Cómo terminar el cabello y el tocado: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un retrato grande y expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección voy a estar pintando una segunda capa sobre la pieza de pelo y cabeza. Empecemos. Tengo aquí mi misma paleta desordenada que todos hemos llegado a conocer y amar a lo largo de este curso A mí me gusta tener muchos colores fuera en esta etapa porque nunca sé lo que voy a querer agarrar. Y es agradable poder arrojar colores inesperados, algunos acentos, solo para romper varios espacios y agregar poco más de interés a medida que estoy pasando y haciendo estos toques finales en este momento, comenzando en la parte superior aquí. Y realmente estoy prestando atención a los efectos de la luz que golpea el lado izquierdo y luego también donde estoy captando algunos tonos más fríos donde se está alejando de la luz y hacia la sombra. Sólo trato de realzar esa zona. Estoy usando un cepillo más grande. No quiero ser realmente detallado en este punto en esta área porque está más lejos del punto focal y definitivamente quiero que empiece a sentirse más abstracto. Esta parte que estoy pintando ahora es una pieza importante de la narración de historias en esta pintura Es donde vemos la conexión entre Glodine, nuestro sujeto moderno, y las referencias históricas con las que se siente tan conectada Es lo que me entusiasmó con este cuadro desde el principio. Yuxtaposición inusual de ideas. Y ahora que su semejanza está ahí, y estoy contento con el retrato general, quiero prestar igual atención a los elementos circundantes que ayudan a hacer esa conexión y contar la historia Es un tipo de segunda capa diferente a lo que me viste hacerle a los ojos, nariz y boca. Porque se trata menos de tratar de perfeccionar los detalles y más de intentar infundirlos con color y atmósfera, y estado de ánimo, y textura que ayude a transmitir la narrativa Estoy pintando múltiples elementos a la vez aquí que se van fusionando a medida que se superponen Todavía tenemos elementos del retrato de Glodine, su frente, su cabello, y eso se convierte en el tocado escultórico que tiene un color y textura y sensación muy diferentes Y luego también estamos viendo un poco de transparencia con eso. Y ahí también aparecen algunos de los elementos del cielo y el fondo detrás de ella . Están sucediendo muchas cosas, todo en un espacio relativamente pequeño en la lona. Y en lugar de agobiarme por eso o tratar de pensarlo demasiado, estoy aprovechando esta oportunidad solo para echar un vistazo a la referencia y ver qué me atrae la atención, qué se destaca Me encanta la textura desgastada que estoy viendo en la parte superior, y disfruto tratando de sacarlo a relucir con mis pinceladas, creando textura adicional, moviendo mi pincel encima de los trazos de pincel que ya están ahí en el lienzo, e interrumpiendo algunas de esas marcas direccionales con otras marcas, creando capas interesantes de interacciones de color Es fácil pintar algo y hacer que se vea brillante y nuevo. Encuentro que es más un reto pintar algo que sí tenga ese aspecto desgastado Realmente activa la superficie y me da mucho más con lo que trabajar. Al mismo tiempo, me encanta esa cualidad iridiscente de todos los diferentes colores que parecen estar apilándose uno encima del otro Aquí están, tonos cálidos, tonos fríos, tonos neutros, luces oscuras. Todo se está reuniendo aquí mismo en este lugar. Si recortabas el lienzo solo a esta porción superior, sería una hermosa pintura abstracta Quiero usar la forma en que le pinto el cabello para crear una agradable transición hacia ese mundo más abstracto. Empezando un poco más realista cerca de la cara, y luego dejando que esos trazos de pincel se expandan y se transformen y se conviertan en el tocado Es muy divertido ignorar por completo y romper todas las reglas del realismo, y quiero animarlos a todos a que también se diviertan con eso. Puedes elegir colores y hacer marcas que no tengan base en nada excepto en que quieras hacerlos. Y que sientan que es una muy intuitiva. Cosa. Y parte de este proceso de pintar de manera expresiva es confiar en tu intuición Hemos pasado mucho tiempo en esta pieza, ahora la conocemos. Conocemos la sensación que queremos que transmita. Conocemos la historia. Todo eso juega un papel en las elecciones que tomamos mientras pintamos. Confía en ese instinto y deja que el pincel haga lo que quiera. Especialmente cuando estás trabajando en un área que está destinada a ser más suelta y más abstracta. Tus pinceladas pueden ayudar a comunicar la sensación, la energía, de la pieza. Pero si intentas controlarlos excesivamente, solo comunicarán esta sensación muy apretada e ideada, no la expresión que estás queriendo plasmar en la lona Estoy trabajando en todas las áreas diferentes en este punto. Estoy saltando pintando sobre ella, en el tocado, en el cielo, bajando para crear algunos de estos ricos tonos de sombra Estoy mirando con bastante frecuencia la referencia, pero no me siento nada atada a ella en este punto. Mi interés ahora está realmente en lo que se siente bien en la pintura. También podrías elegir en algún momento del proceso eliminar la referencia y dejar de mirarla por completo. Por ahora, todavía me gusta tenerlo ahí para poder ver ciertas marcas que quiero sacar a relucir o podría inspirarme a hacer mi propia interpretación de. Pero en cuanto ya no sientas que necesitas esa referencia y quieres dejar que la pintura en sí se haga cargo, deshazte de ella. Te ha servido. Sirvió a su propósito, pero lo único que importa en última instancia, es cómo se siente la pintura. Nadie lo estará comparando con nada cuando lo miren. Ya no se trata de que esté capturando lo que hay en esa pequeña foto. Es más grande que eso. El cuadro está cobrando vida propia. El referente estuvo ahí para ayudarnos y llevarnos a este punto, pero se vuelve menos importante a medida que avanza el proceso. Estoy más entusiasmado con las interacciones inesperadas de diferentes capas de pintura que están sucediendo en el lienzo. Lo que puedo agregar para potenciar algunas de las cosas interesantes que veo que ya están sucediendo. Y saca y agrega otros colores y marcas que sientan que complementarán eso. La creatividad es algo muy interesante porque muchas veces puede parecer que nos están pidiendo que hagamos algo de la nada. No obstante, siento que mi proceso consiste más en reunir cosas que me inspiren. Creando nuevas combinaciones que nunca antes había visto o pensado. Y construir sobre cada paso del proceso. Y dejar que me informe qué hacer a continuación hasta que llegue al final de ese camino y tenga algo nuevo que nunca antes había visto. Y es algo tan emocionante, mágico, pero no sucede al instante. Es un proceso paso a paso. Y cada paso es importante y se basa en lo que se hizo antes. Bien, una lección más para ir. En la lección final, voy a estar haciendo algunos toques finales incluyendo pintar las joyas. Te veré entonces. 23. Toques finales: Hola a todos y bienvenidos de nuevo a pintar un gran retrato expresivo. Soy Paul Richmond y en esta lección final, voy a estar haciendo algunos toques finales y pintando las joyas. Empecemos. Bueno, no puedo creer que ya estemos aquí en nuestra lección final. Parece que esta pintura acaba de pasar volando. Realmente, realmente disfruté tener la oportunidad de pintar. Mi amigo Glo Deine, comparte parte de su historia con todos ustedes y haz lo mejor que pueda para plasmarla en lienzo En esta sesión final, estoy empezando por atravesar y una vez más sacando a relucir un poco más de ese cálido resplandor del sol brillando en su rostro. Me encanta hacer este tipo de toques finales, moverme por el lienzo y cualquier cosa en este punto que no se sienta completamente resuelta, trato de darle un poco de atención. Esto es alrededor del tiempo en el proceso cuando me gusta también empezar a pensar en el título para la pintura. Siempre trato de titular las pinturas mientras sigo trabajando en ellas porque ahí es cuando siento que estoy más conectada con la obra. Y el título que se me ocurrió justo en torno a este punto fue emperatriz del Cambio iluminado Yo quería un título que hablara de quién es Glodina y qué hace en el mundo, pero también haciendo referencia a Achenhotten y la inspiración que ella extrae de él y la conexión que siente con él De eso es realmente de lo que trata esta pintura. Es lo que me atrajo a este concepto inicialmente. Y quiero que el título refleje que el área que estoy pintando aquí está destinada a ser parte del tocado, que viene de la escultura Pero la forma en que lo estoy pintando muy translucentemente, con el fondo mostrando a través de él, hace que se sienta mucho más Y me gusta eso porque en el lado derecho, el vestido de cabeza definitivamente se siente muy escultórico Entonces esto es una especie de transición a la actualidad, fusionándose con la tela y la ropa reales que lleva Glodina Trato de estar siempre muy conectado con el concepto principal, la principal inspiración que impulsa la pieza. Y para esta pintura, como dije, se trata de esa yuxtaposición de dos mundos muy diferentes Y constantemente tratando de hacerlos sentir conectados y trabajar juntos y fusionarse maneras interesantes a lo largo de la pintura. Porque creo que eso ayuda a reforzar la historia que estoy contando. Los toques finales de una pintura siempre son una parte muy divertida para poder volver a las áreas y agregar un poco de resaltado, o un poco de sombra, o un poco de toque extra de color. Esas son muchas veces las cosas que la gente notará. En primer lugar, puede ser un reto saber cuándo se termina una pintura. Creo que todo artista ha luchado con eso en algún momento En este caso, es bastante fácil para mí porque sabía que tenía 20 lecciones y aquí estamos en la lección 20. Entonces la pintura está terminada, pero en circunstancias normales, paso por los mismos retos que todos los demás. Y sobre todo cuando estás pintando algo que está en un estilo más expresivo, puede ser un reto saber cuándo has logrado ese nivel de expresión que estabas apuntando. No es la misma barra a la que apunta un pintor realista o a la que apunta un artista puramente abstracto. Una pieza como esta está muy en medio de esas dos cosas. Y si eres como yo, podrías seguir noodling en una pintura Nunca quise terminar. Es como un buen libro. Es como el libro de Glow Deen. Yo tampoco quería que su libro terminara. Pero sí llegas a cierto punto donde te arriesgas a sobretrabajarlo. Soy en gran medida una persona procesadora, probablemente ya se podría decir eso. Ciertamente quiero hacer algo de lo que estoy orgulloso y ojalá que otras personas se conecten con. Pero para mí, la parte mágica de todo esto es cuando estoy aquí mismo con mi pincel en la mano. No tiendo a sentarme a mirar mucho mis cuadros antiguos. Entonces sé que a medida que me estoy acercando al punto de culminación de esta pintura voy a pasar entonces a mi siguiente trabajo Y así es realmente solo un momento especial para terminar un proyecto que ha sido muy importante para mí. Hace bastante tiempo que quiero pintar a Glo Deine, y estoy muy contenta con cómo ha ido esto Espero que todos ustedes sientan lo mismo por su trabajo. Creo que esa es probablemente la mejor manera de saber realmente cuándo se termina una pintura. Cuando puedes decir que te sientes feliz con ella mientras estoy atravesando y haciendo los toques finales en las joyas y el collar que Glo Deine pasó que llevaba ese día, que es tan perfecto para este concepto, se siente como la manera ideal de envolver este cuadro Espero haber podido demostrarle a lo largo del proceso mis esfuerzos para mantener a Glodine en el centro de cada paso del proceso Como artista que ama a la gente y estoy tan inspirado por la gente que pinto, esa es una parte realmente esencial de cómo trabajo. Tengo que sentir esa conexión, así como Glodine se siente conectada con Akenhoten y Tengo que sentir esa conexión con el tema que estoy pintando. Pueden ser muy diferentes a mí, como ya hemos comentado, pero aún podemos encontrar esos puntos de conexión. Eso es lo que me inspira a querer pintar todos los días. Para tratar de captar ese amor a las personas, fascinación y curiosidad que tengo por cada una de nuestras diferentes experiencias y la forma en que nos movemos por este mundo Y me encanta la idea de que cuadros como este ojalá estén aquí mucho más tiempo que yo y sigan contando esa historia mucho después de que me haya ido. Nunca se sabe cómo la gente se verá afectada por lo que se crea. Y honestamente, cuando estoy trabajando, no estoy pensando en eso, estoy pensando en mi propia conexión con el tema. Pero cuando termine una pieza y la comparto, siempre me deja boquiabierto la conexión que otras personas tendrán con lo que he pintado. Me llegan mensajes de personas de todo el mundo que ven mi trabajo y se acercan a mí y me dicen, ¿cómo sabías lo que estaba sintiendo o por lo que estaba pasando? Y a mí eso habla tanto de esos mismos temas sobre que Glo Deine nos estaba enseñando. Esa experiencia universal de ser humano que todos compartimos. Y pintar es una manera increíblemente poderosa de aprovechar eso y compartirlo de una manera que llegue a la gente en un nivel increíblemente profundo. Pintar es definitivamente mi forma de explorar y tratar de entender el mundo. Sé que me queda un largo camino por recorrer, pero estoy tan feliz de que todos ustedes hayan podido venir conmigo para esta parte del viaje. Y aquí está mi ping terminado. La emperatriz del cambio iluminado. Nosotros lo hicimos. Muchas gracias por emprender este viaje conmigo. Espero que te hayas sacado mucho de ello. Estoy muy contento con cómo resultó la pintura. Disfruté compartiendo mucho de cómo trabajo con todos ustedes y espero que lo hayan encontrado inspirador. Gracias y feliz pintura. 24. Video adicional: entrevista con el campeón del Glodean: Antes de comenzar a trabajar en este proyecto, tuve la oportunidad de sentarme con Glo Deine, campeona de la modelo de esta pintura, y entrevistarla sobre su vida, la inspiración que quería proporcionar para la pieza y algunas de las historias inspiradoras de sus aventuras Como autor, orador público y creador de cambios en el mundo Me gusta escuchar la entrevista y engañar mientras estoy pintando. Así que quería darte la oportunidad de hacerlo también. He estado probando clips del mismo en varias lecciones, pero pensé que sería bueno que tuvieras la oportunidad de escucharlo directamente mientras trabajas tantas veces como quieras. Entonces aquí está el gluten. Entonces soy campeón del gluten. Me estoy llamando la diosa del proceso. Ahora vinimos aquí a crecer continuamente, y si no crecemos, nos extinguimos Lo mío es la mejora continua del yo de otras personas, procesos, equipos y organizaciones. Quien soy es un fotógrafo, escritor, un artista al que realmente le gustaría tener más tiempo para crear. También soy orador principal. La idea vino de Akin Natan. Es el logo de mi editorial. Y yo lo elegí porque es un antiguo rey egipcio, el antiguo Kim. Y también es el padre de Tutankan y el marido del Forte. Pero cuando estaba en el poder, cambió al antiguo Kimmitt la medida en que le quitaba a la gente la pistola Entonces cuando murió intentaron eliminarlo de los libros de historia. En ese momento todos estaban adorando a diferentes dioses. Había como varios dioses diferentes y lo hizo donde solo había un dios, el dios hijo, Y su nombre no era Akenain al principio era el hijo Emotep de Emotep Me encanta la idea de que él sea un disruptor en un momento en el que algo así como ahora, ¿verdad La gente se resistía al cambio y tenía miedo de lo que significaría Pero durante su tiempo, creó el arte en los jeroglíficos, creó el arte en la cultura Como dije, cambió de religión y como que abrió la mente de la gente a muchas cosas. En la medida en que Van Go y Monet y pintores así, ciertos estilos de pintura vinieron de su época El tiempo de Akenatin, me siento conectado con él porque se negó a simplemente hacer el status quo Vino y creó oportunidades en tantos niveles diferentes para las personas. Y creo que la gente que no se resistía probablemente se benefició de ello. Y tristemente, las personas que resistieron son las que tratan de eliminarlo de nuestra historia Pero él tuvo un impacto y me siento conectado con el impacto, su intención, y el impacto que hizo y dejó, como Akenaten y otras personas así, cosas que son hirientes y que no tienen sentido me dan ganas de ayudar a las personas a ver las cosas de una manera diferente en el espacio de la diversidad, la equidad Nunca me ha gustado llamarme consultor del DEI porque soy más un disruptor del DEI porque siento que no deberíamos tener que llamar a la necesidad de diversidad, equidad e inclusión Debería ser lo que estás haciendo porque es lo correcto. Creo que por la forma en que mi madre me crió y mis ganas de querer que la gente salga de ese lugar, que más los asusta, porque eso es lo que nos lleva a donde estamos Si la gente pudiera simplemente sentirse cómoda siendo incómoda, me gusta crear situaciones en las que la gente se sienta incómoda para que pueda ayudarles a moverse a ese espacio de comodidad. Y podría ser algo que estoy enseñando, podría ser una plática que estoy teniendo. Pero es lo que me despierta por la mañana porque creo que todo eso se trata de nuestro amor y conexión entre Y no podemos tenerlo si estamos dejando que miedo y todas esas cosas se interpongan en el camino. Y son realmente sin sentido. En 2019 hice una keynote para el grupo que se llama Extreme Leadership Experience Todo eso lo fundó Steve Barber y también es un chico del amor Y lo suyo es que el amor es simplemente un maldito buen negocio. Escribió un libro al respecto. No había mirado el amor hasta ese punto. En 2019 y luego en 2020, George Floyd fue asesinado Y me enteré de George Floyd y el Mat, Aubrey y Brianna Taylor todos en el mismo fin de semana y nunca hice esto Pero literalmente pregunté, ¿qué puedo hacer para marcar la diferencia? Y la respuesta volvió amor. Y realmente no sabía lo que eso significaba, como correr por ahí diciéndole a la gente que los amo. Y entonces quedó muy claro que el amor que me están impulsando a sacar en el mundo es la brecha. Amor que deberíamos tener el uno por el otro. Porque soy el tipo de persona que me deja abierto a lo que se supone que haga a continuación. Tuve un sueño, y cuando desperté, todo lo que recordaba era, hablemos del amor. Y yo estaba como, ¿qué significa eso? Le estoy contando a la gente sobre esta idea del amor y voy a estar difundiendo el amor en el mundo y voy a hablar con la gente sobre el amor. Y yo estaba manejando desde aquí, mi hermano se iba a casar en Little Rock, Arkansas, y así decidí conducir a su boda. Y tengo una amiga, llamo Mi Voz de Dios porque a veces me sale el mensaje y no le hago caso. Y luego dice lo que me han dicho que haga. Bien. Así que cuando me dice cosas, solo sé, bien, eso es lo que se supone que debo hacer. Y estábamos hablando y le estaba diciendo que estaba haciendo este viaje a campo traviesa. Y ella dijo que deberías hablar con la gente sobre el amor en el camino. Por mucho que soy extrovertida y tanto como me encanta hablar con gente que me asustó muchísimo Y yo estaba como, bien, voy a hacerlo. Y así lo hice. Conduje desde Monterey hasta el sur hasta Macon, Georgia Y hablé con la gente en el camino sobre el amor. Nadie me dio la vuelta. Nadie dijo nada negativo sobre el amor. Todos coincidieron en que el amor es el puente que nos conecta. Entonces me hizo pensar que necesito unir a la gente en comunidad y tener estas conversaciones. Porque ahí están los medios diciendo una cosa pero mi realidad para ese mes que estaba en la carretera conduciendo por ahí hablando con la gente, mi realidad es que la gente está deseando esta conexión ¿Por qué es que somos capaces de unirnos cuando hay un evento deportivo o un concierto, o algo así? Pero no podemos simplemente llevarnos bien el uno con el otro. Pero eso es porque creo que hay una minoría de personas en este país que tienen ese pensamiento de mente estrecha, de mente cerrada que están impulsando la narrativa de que este es un país dividido. Pero no creo que eso sea cierto. Yo hice el primero, tú fuiste parte de mi patada inicial. Hablemos del amor, Monterey, y desde entonces ha sido en Houston, va a San Diego, y Chicago La gente entendió que lo que nos está impidiendo estar juntos es ese malestar que sentimos cuando estamos cerca de personas que son diferentes a nosotros. Y es porque no sabemos qué decir. Siempre estamos pensando que tenemos que ser perfectos. Entonces no quiero decir algo equivocado, pero ¿qué tal si no te enfocas en lo que nos hace diferentes y hablamos hasta que encontremos lo que nos lleva a un terreno común Tengo ese momento en el barril de la galleta. ¿Recuerdas esa historia? Sí, pero díselo. Entonces, ante todo, conduciendo más allá del set, la línea estatal de Alabama y el letrero dice: Bienvenido a Sweet Home Alabama. ¿Recuerdas esa película con Reese? Reese, me encanta esa película. Entonces vi ese letrero. Pensé en la película, y luego vi la bandera confederada unos mil pies más allá de ese Y yo estaba como, oh, bien, no voy a parar en esta parte de Alabama, solo voy a seguir manejando. Y luego vi un letrero de cracker brail. Y cracker brail hace sus panqueques, como mi mamá le hizo panqueques y tienen bordes crujientes y yo estaba como, al diablo con esa bandera confederada, voy Entonces voy en la galleta, Bl, toda mi máscara covid dijo, que el amor nos lleve Y la anfitriona miró en mi máscara y dijo, ¿no es verdad? Y yo estaba como, Como sabes, ¿verdad? Entonces tuvimos esta conversación. Pero primero ella me opuso porque cuando la gente se siente incómoda, dicen algo específicamente, si son blancos hablando con una persona negra, dirán algo para recordarte que eres negro Como a lo mejor me olvidé. Oh, eso es lo que es esto. Gracias por el recordatorio. Inicio. Ella dijo, me preguntó por qué conducía. Es porque Biden cerró las fronteras Y yo estaba como, podíamos volar dentro del país Simplemente cerró las fronteras saliendo del país. Entonces la gente no nos trae Covid. Pero entonces estaba como, no voy a decir eso porque está claro enseguida. Lo sabía, bien, no estamos del mismo lado del pasillo político Y luego dice algunas otras cosas sobre Biden que sonaban tan como noticias de Fox, ni siquiera lo hice en un oído y salí por el otro Y luego cuando le pregunté sobre el amor que nos guiaba parte de ello, dijo que no hay razón para que no podamos llevarnos bien todos. No tenemos que estar de acuerdo entre , amarnos unos a otros. Y luego mencionó los disturbios. Las vidas negras importan. Ella no dijo que las vidas negras importaran. Ella mencionó los disturbios que estaban ocurriendo, que no habían ocurrido en año y medio Y yo estaba como, todo esto sucedió en el lapso de 5 minutos. Y normalmente me gusta desconectarme a la gente como yo hubiera sido como, yo no soy solo me puedes ver por favor. Pero había hecho un compromiso con el amor. Entonces yo estaba como, Bien. Le pedí que me buscara por la ventana y en el momento en que me sentó junto a la ventana, dijo: Juez, ¿dónde está tu perro? Y yo dije, estoy estacionado ahí mismo Y en el momento en que dije eso, apareció Tashi y la vio y estaba como, oh Dios mío, es tan linda Y entonces ella empieza a hablarme de sus perros. Y ahora estamos hablando de nuestros perros. Y me está hablando de los perros, y hay un ratón en la pared, y los perros están tratando de conseguir el ratón. Fue hilarante. Pero no hubiéramos tenido ese momento si acabara de cerrarla y estaba así de cerca. Porque es agotador escuchar a la gente decir cosas sin sentido sobre la negrura porque solo saben lo que escuchan Pero seguimos hablando y luego ella me estaba contando sobre su marido y yo le estoy contando sobre mi impulso y lo que hago. Y tuvimos esta hermosa conversación y yo estaba como, esto es lo que tenemos que hacer. Solo necesitamos apoyarnos en la incomodidad en la que me incliné, yo también me sentí incómoda Ella no era la única incómoda. Sobre todo porque no sabía lo que podría decir. Y sé que a veces el interior se desliza hacia afuera. No pensé que llegaría tan lejos, pero también fui la única persona negra en el restaurante. Mi antena funciona en diez, pero eso solo sucede cuando nos enfocamos en ella. Cuando nos enfocamos en el ser humano, tenemos una experiencia completamente distinta. Entonces creo que ella y yo entendimos que eso era posible porque me quedé en la conversación y luego ella hizo que la mesera me cuidara muy bien Me trataron como realeza del barril de galletas. ¿Bien? Entonces, cuando era pequeña, mi mamá solía llevarme a todos los lugares de Los Ángeles donde éramos los únicos negros, como los restaurantes Beverly Hills y Santa Mónica y lugares donde la mayoría de mis amigos no habían estado. E incluso cuando me hice mayor no iría. Pero ella lo estaba haciendo porque quería que me sintiera cómoda donde quiera que estuviera. Cuando señalé una vez que lo deletreé con sólo gente de B L ACK aquí Y ella estaba como, entonces nuestra pantalla de gasto de dinero. Al igual que todos los demás a los que perteneces, donde quieras estar o puedas permitirte estar. Tenía tal vez 56 años cuando esto sucedió. Pero porque ella me expuso a tanto, me hace menos miedo a la gente y más en sintonía con quien soy. Y ella no me crió como una chica negra, una pobre víctima de la sociedad. Ella me crió en el poder de quien soy como mujer. Y lo que es posible para mí como mujer negra en este país. No desde un lugar de debilidad, sino desde un lugar de fortaleza. Siempre he sido así. Siempre he razonado más bien contigo desde una forma de ayudarte a entender lo que está pasando en lugar de pelear contigo Y puedo pensar en relaciones en las que he estado donde la pelea fue agotadora Como solía gritar, mi madre y yo, una vez que me convertí en adolescente, era una relación completamente diferente y pasamos mucho tiempo gritándonos el uno al Pero fue como al final del día, ¿de qué estábamos gritando ¿Qué era importante? Las cosas que me enseñó cuando era más joven, o el estúpido **** del que estábamos gritando más tarde Derecha. Y me di cuenta de que si no te metes tus emociones y le das espacio a la gente para hablar, no tengo que asumir tanto. Porque ahora no estoy tratando de obligarte o convencerte a creer o comportarte de cierta manera. Sólo te estoy dejando decir tu pieza. Y entonces si tengo algo que decir, lo voy a decir de una manera que te haga saber que todavía te mantengo en la conversación. Y entonces de esa manera me mantiene a salvo de las travesuras, si Pero creo que esa fue una respuesta larga para decir que creo que solo estoy cableado de esta manera, por lo que probablemente cuando dije qué puedo hacer, la respuesta volvió amor. Porque es lo que puedo hacer sin mucho esfuerzo. Eso tiene sentido, definitivamente no puedo decirlo. A veces no es agotador y he hablado con mucha gente que no teníamos el mismo tipo de punto de vista Lo que reconozco es hablo mucho menos y mucho más escucho cuando estoy en esas situaciones. Pero siguen siendo agotadores porque es difícil de entender, no es difícil de aceptar, pero es difícil entender cómo las personas pueden tomar decisiones basadas en algo que en realidad no han experimentado y luego aferrarse a ello como si fuera la verdad y simplemente no estar dispuesta a escuchar ninguna otra opinión. Esa es la parte agotadora Entonces una de las cosas hablemos del evento amoroso. Hay dos cosas que hago ahora. No sé que lo hice cuando estábamos juntos, pero hay uno sobre personaje y otro sobre personaje. Lo diseñé en base cómo desarrollo personajes cuando estoy escribiendo. Entonces si ahí está el protagonista, antagonista, y personaje secundario, pero eso está en nosotros también. A veces tenemos el control, a veces somos los antagonistas, y a veces jugamos secundarios. Lo que noté es que nadie quiere poner un cheque. Tengo características específicas que van por debajo de cada categoría. Y me di cuenta de que la gente no quiere poner cheques en el antagonista y secundario. Quieren estar todos arriba en el protagonista. Y yo soy como si solo tienes cheques en los protagonistas, no estás siendo honesto contigo mismo, estamos todos en los tres Y el segundo ejercicio es cuando se reasignan, si se quiere, y no hay opción heterosexual en la lista, estás en el cubo LGBTQIA Es interesante cómo no solo van a elegir una cosa, van a elegir transgénero, es decir, lo que estoy diciendo es que pensé que solo sería que todos elegirían lo que era seguro, como bisexual. ¿Correcto? Pero ha sido, he visto tantas respuestas diferentes, como que la gente está dispuesta a probar cómo se va a sentir esto si eres hombre, eres mujer y hay muchos aspectos diferentes en ello. Y luego desde ese lugar, piensas en cómo habría sido tu experiencia en la secundaria, cuando fuiste a la preparatoria, donde fuiste a la preparatoria con la gente con la que fuiste a la preparatoria. Cuando lo hicimos en Monterrey. Ahí estaba este tipo que antes que nada, acudió al evento, ¿recuerdas? Y luego anunció que era republicano. No puedo recordar. Sé que le hice una pregunta, dije que era republicano. Siento que honestamente, siento que vino allí porque creo que pensó que estaba entrando en alguna conversación despertada y estaba listo para ser un disruptor, y se encontró con algo completamente inesperado Eso es lo que creo firmemente cuando hice que la gente compartiera su experiencia tratando de ponerse en esta posición de secundaria. Y llevo mucho tiempo facilitando y enseñando. Lo que he aprendido es que si dejas hablar a la gente, puedo escuchar cuando alguien habla de sí mismo desde aquí. Pero si solo le dejas seguir hablando, se acercan cada vez más y no sé si te diste cuenta pero él estaba hablando aquí de no conocer a nadie a quien iba porque creo que estaba asignado a Carmel y conocía gente pero él no los conocía como si no fueran juntos a la escuela y no hacía lo que fuera que decía estaba muy lejos de aquí Y le dejé seguir hablando y cada vez más cerca. Y luego dijo que era un matón en la secundaria. Lo que hizo el ejercicio fue que no pensara cómo habría sido en este reasignado, sino cómo hizo sentir a otras personas Y yo estaba como, por eso estoy haciendo esto Fue tan hermoso. La parte hermosa, no sé si aún estabas ahí, pero la parte hermosa estaba en la salida, detuvo a darme las gracias, creando un espacio para que él hiciera eso, de verdad. Como dijo, era un matón en la secundaria. Quiero decir, ¿quién haría eso? Entró ahí con una cosa. Estoy seguro de que no esperaba estar en el escenario, diciendo que era un matón en la secundaria ¿Sabes lo que dijo? Voy a salir esta noche. Infierno en el mundo. Ese es el poder del chico, Hermosa. Fue tan hermoso. Tuvo un momento así en Houston, el tipo estaba hablando de que no le ha dado espacio a la gente para ser quienes son porque ha querido controlar la narrativa para la gente para que se sienta cómodo. Se dio cuenta de que en su malestar, se estaba perdiendo una oportunidad de aprendizaje. Y yo estaba como, yo solo creo el espacio. Bueno, si me estás buscando, puedes encontrarme en Linked en Facebook e Instagram, o puedes ir a mi página web en Gloodin, Champion.com si quieres ver mi Yo hice dos Ted Talks, pero la más importante se llama bastante sobre raza. Es hora de una nueva construcción social. Así que échale un vistazo. Muchas gracias, Gludine, por ser una persona tan inspiradora y me siento muy honrado de poder no solo pintarte, sino compartirte con todos los demás artistas que están tomando este curso Pintura feliz, todo el mundo. 25. Reflexiones finales: Bueno, lo hicimos. muy emocionada con la forma en que esta pintura se unió y realmente disfruté la oportunidad de compartir una visión más profunda de cómo trabajo con todos ustedes Como he estado diciendo a lo largo del curso, no es mi intención decirte que debes hacer todo exactamente como yo lo hago. Pero sí creo que hay un gran valor en ver cómo trabaja otro artista y luego pensar en cómo podrías adaptar o interpretar algunas de esas cosas en tus propios procesos. Me encantaría ver tus creaciones. Por favor, compártelos conmigo, junto con tus comentarios sobre el curso. Muchas gracias a mi amiga Glo, Deine Champion por ser mi musa para esta pintura y por brindar tanta inspiración increíble Klodine, ¿dónde puede la gente encontrarte en línea? Bueno, si me estás buscando, puedes encontrarme en link en Facebook e Instagram, o puedes ir a mi página web en Glo Deine Champion.com Y si quieres ver mi Ted Talk, hice dos charlas de tap, pero la más importante se llama suficiente Es hora de una nueva construcción social. Así que échale un vistazo. Ve a darle un seguimiento. Te prometo que valdrá la pena, y vuelve y toma algunos cursos más conmigo. Significa tanto llegar a compartir mi amor por el arte con todos ustedes. Y es simplemente increíble para mí pensar en cómo podemos usar una plataforma como esta como artistas para compartir ideas sobre nuestro trabajo de formas que nunca antes podríamos tener. Me lo he pasado genial pintando contigo. Espero que hayas aprendido mucho que puedas llevar contigo a tu futuro trabajo. Pintura feliz, todo el mundo. Adiós.