Paisajes: la guía completa de la profundidad

1. Introducción a la profundidad: tengo ninguna duda de que la profundidad de un paisaje es su aspecto más importante. Ahora bien, ¿qué es la profundidad? La profundidad es una ilusión, una ilusión que engloba al ojo humano en pensar que está mirando algo distante en lugar de algo que está cerca, eso está justo enfrente de ellos en la superficie plana, que es la pintura o la fotografía misma. Artistas se esfuerzan por lograr profundidad en sus pinturas porque la profundidad hace que las pinturas aparezcan más y les hace atraer más atención. Hace que aparezcan no sólo como una superficie plana sino como una especie de ventana al mundo que el artista captó. Los artistas a menudo se esfuerzan por capturar algo más que una simple representación visual de lo que hay delante de ellos. Pero intentan ir más allá de eso. Tratan de capturar más que un simple paisaje, más que simplemente la naturaleza. Intentan captar un momento específico, un sentimiento, y a veces incluso una historia. Ahora la profundidad puede lograr todo eso por sí misma. Pero esta maravillosa ilusión es definitivamente una parte importante de todo y una base para el resto. No importa lo que busques lograr en tus pinturas, profundidad sólo puede mejorarlas. Es la profundidad la que hace que las pinturas y las imágenes salgan atraigan más atención, se vendan más a menudo y obtienen más likes en las redes sociales. No importa tu nivel de habilidad actual, creo que puedes aprender mucho de esta clase y mejorar en el camino. Me aseguré de que las técnicas de las que te hablaré sean fáciles de recordar y sencillas de aplicar para que no necesites tomar notas ni nada de ese tipo. Lo que debo mencionar también es que las técnicas son universales. Eso significa que se puede aplicar a cualquier técnica de pintura o dibujo y también a la fotografía. El proyecto de clase, del que voy a hablar un poco más en el siguiente video, es muy sencillo y no necesitas ningún equipo extra, el seguimiento. Muchas gracias por darme una oportunidad y elegir mi clase. Si te unes a mí, te veré en la primera lección. 2. Análisis de paisaje: Para nuestro proyecto de clase, me gustaría que encontraras un cuadro de un paisaje o una pintura paisajística que te guste. Ahora bien, esto puede ser cualquier imagen de un paisaje. Incluso puede ser uno malo. Sólo necesitamos un cuadro en el que podamos observar lo hace que el paisaje sea más profundo o más plano. Estaré usando mis propias imágenes y en ellas, te mostraré las formas de distinguir elementos que hacen que una imagen sea más profunda o más plana. Al observar lo que hace que el paisaje sea mejor o peor, podemos aprender cuál de estos aspectos aplicar a nuestros propios paisajes para mejorarlos y para hacerlos más profundos. Cuando tengas listo tu imagen, podemos continuar a lo largo de la primera lección en la que comenzaremos con lo básico, que están distinguiendo las capas de un paisaje. 3. Capas: Ahora abrí un par de fotos en Photoshop. Si no tienes Photoshop, está bien. Puedes hacer casi lo mismo en MS Paint o cualquier otra herramienta de edición o incluso puedes simplemente trazar la imagen en un pedazo de papel y trabajar de esa manera. Como dice el nombre de esta lección, aquí vamos a aprender sobre distinguir capas. Tengo un cuadro bastante básico de un paisaje aquí mismo y lo que vamos a hacer ahora es dividirlo en capas. El primer estrato es más o menos siempre va a ser este cielo. Simplemente puedes bloquearlo con un poco de rojo. El cielo siendo la primera capa es la capa más lejana y por lo tanto la más profunda de la pintura. Después del cielo suele ser una de tres cosas , son montañas, colinas, o bosques. Es colinas en esta imagen para que podamos bloquearlas en azul esa es la segunda capa. Más allá de eso tenemos algo de agua que podemos pintar de verde y en primer plano tenemos un árbol que podemos pintar de amarillo. Distinguir capas como esta es algo muy sencillo. Es posible que tu imagen tenga más o menos capas pero usualmente hay cuatro y lo que distinguen estas capas nos permite hacer es estudiarlas individualmente. Ahora si vuelvo a despejar el panorama, podemos hablar de nuestra primera regla de profundidad y la regla es: las capas se vuelven más brillantes cuanto más lejos están. Como podemos ver claramente, el cielo es la capa más brillante. Podríamos dividir los cerros en dos capas, si quisiéramos, porque en este cuadro hay esta segunda capa de cerros que es un poco más brillante que las que están delante de ellos. Ahora el agua refleja el cielo por lo que es un poco brillante pero si miras estas partes no brillantes, son más oscuras que las colinas reales. El agua misma se oscurece al acercarse a la perspectiva del observador y el árbol de primer plano es el más oscuro. Esta es una de las reglas que hay que tener en cuenta a la hora de pintar un paisaje. Como sabemos mientras el aire es transparente no es invisible y mientras miramos más y más a la distancia, la capa de aire se acumula en su espesor y empieza a convertirse en este color blanco lechoso el cual se puede ver en la capa más lejana de colinas. Cuando pintas el paisaje y haces que las capas más lejanas sean más brillantes y oscuras a medida que se acercan, haces que el ojo humano piense que está mirando a algo distante porque está mirando a través de una capa tan gruesa de aire. Porque las capas más lejanas se están volviendo lechosas, igual que lo hacen en la vida real. Aquí podemos ver un cuadro diferente que se adhiere a las mismas reglas. El cielo es el más brillante, los cerros que están frente al cielo son completamente lechosos, brillantes y oscurecidos. Los árboles frente a los cerros siguen siendo lechosos, pero un poco menos y son considerablemente más oscuros. La vegetación frente a los árboles casi no es lechosa en absoluto e incluso es más oscura que los árboles. El agua en sus partes no brillantes también es más oscuro que la vegetación frente a ellas. El primer plano, que es, en este cuadro, aún más vegetación, es aún más oscuro que el resto del cuadro sobre todo en estas partes más cercanas en las que es casi completamente negro. Al tomar fotos de paisaje esta ilusión ocurre por sí misma pero la composición de la imagen todavía necesita estas capas para hacer más pronunciada esta ilusión. Estas capas son muy importantes y es importante que sean distintas y distinguibles entre sí. Ahora al pintar, es realmente bueno pintar primero el cielo. Eso se debe a que el cielo es la capa más brillante y por lo tanto establece el nivel de brillo para todas las demás capas. A lo que quiero decir con eso es que cuando pintes el cielo de este color en particular, entonces sabes que las colinas que hay delante tienen que ser un poco más oscuras y los árboles que hay delante de él volverán a ser más oscuros y así sucesivamente y así sucesivamente. Si ahora miramos una pintura real podemos ver que el pintor realmente siguió estas reglas. Podemos ver que la capa más lejana es muy brillante. Los árboles que hay delante son un poco más oscuros y hay más árboles, se oscurecen más a medida que se acercan. El pasto sigue el mismo principio y el árbol, que en realidad es el sujeto de primer plano, es muy oscuro. Ahora por un consejo personal de mi parte, creo que es realmente bueno empezar muy brillante ya que, cuando te acercas más y más, podrías empezar a quedarte colores más oscuros y oscuros y luego tus últimas capas podrían terminan en tono negro el cual logrará el mismo efecto pero podría lastimar su composición del cuadro al final. Así que ten cuidado con eso. Ahora bien, esta regla no significa que no pueda haber puntos brillantes frente a una capa que ya es brillante. Definitivamente hay y debe ser, pero sobre todo en forma de reflejos los cuales son manchas brillantes en la capa que ya es oscura. Podemos ver algunos aspectos destacados en la hierba aquí, las manchas blancas en las flores o la mancha amarillenta en las hojas del árbol justo aquí. Estos definitivamente realzan la imagen y no dañan la profundidad de una composición siempre y cuando no dominen la oscuridad de la capa misma. Para recapitular, la mayor comida para llevar de esta lección debe ser tu regla número 1 que es: las cosas se oscurecen y oscurecen a medida que se acercan al frente de la imagen. Ahora que entendemos cómo distinguir capas, podemos aprender más sobre las capas individuales. Por favor, únete a mí en la siguiente lección, que se trata de hacer distintas capas individuales. 4. Individualidad: Para volver a nuestro proyecto de clase, en este punto, deberías tener algo que se vea así. Simplemente quiero que identifiquen las capas individuales de su imagen y observen cómo las capas oscurecen a medida que se acercan al frente de la imagen. Ahora si estás trabajando con un cuadro, esto no debe ser cierto, esto no debe ser cierto, ya que los artistas a veces se olvidan de seguir esta regla y hacen que algunas de sus capas frontales sean más brillantes que las que están detrás de ellas. Pero no obstante, si tienes esta parte lista, podemos seguir aprendiendo sobre las capas individuales. Si echamos un vistazo a esta imagen, podemos ver que gran parte de la imagen está ocupada por una sola capa, que es esta capa de hierba. Ahora esta capa es algo que llamaríamos una capa horizontal. Si bien todo este espacio es una capa singular, ocupa un área horizontal amplia y profunda. Eso significa que si bien este punto, por ejemplo, y este punto están ambos en la misma capa, todavía están muy alejados en la distancia, y este obviamente está más allá que éste. Ahora como dijimos antes, las cosas se oscurecen a medida que se acercan al frente de la imagen. La regla sí se aplica también a estas capas horizontales. Como se puede ver claramente, las áreas por aquí en la distancia son mucho más brillantes que estas áreas en primer plano. Asegúrese de aplicar estas reglas a estas capas horizontales. Ahora por otro lado, tenemos las montañas y el bosque por aquí y por aquí. En comparación con el campo de pasto, estas montañas no ocupan un área horizontal, sino un área vertical. vamos a llamar capas verticales. Para poner esto está en una mejor perspectiva, es agradable imaginar el paisaje desde la vista lateral. Digamos que esta es la capa de suelo y estamos mirando la imagen desde este lado. Ahora las montañas están en la parte de atrás. Hay algunos cerros frente a ellos, algunos árboles por aquí y el resto es sólo hierba. Si lo miramos así, esta es la capa horizontal y estas son las capas verticales. Nuevamente, la forma más fácil de reconocer una capa horizontal es por el hecho de que en ella se pueden encontrar dos puntos, que obviamente están muy alejados entre sí, lo cual no se puede hacer en esta montaña. Todavía están un poco separados el uno del otro, pero si volvimos a la vista lateral, entonces este y este punto obviamente está más lejos el uno del otro que este y este punto. Ahora, ¿por qué es importante distinguir estos dos tipos de capas? Es porque se comportan de manera diferente. Como puedes ver, estas distantes capas montañosas y capas de árboles, se vuelven más brillantes y menos distintas a medida que bajan. Basta con comparar lo oscura que está esta montaña en la cima y lo lechosa que está en la parte inferior. Este efecto ocurre, de nuevo, por el aire y por la niebla. La contaminación del aire pesada y la humedad de la niebla se acumula más cerca del suelo, por lo tanto oscurece las capas verticales en sus partes inferiores. Este efecto ocurre de forma natural y es fácil de ver en cualquier cuadro de paisaje y se puede observar de forma más evidente en el cielo donde el desplazamiento de color hacia el horizonte es completamente obvio. Ahora como ya mencionamos, es importante hacer distintas capas individuales. Lo que es genial de este efecto es que lo hace por nosotros. El hecho de que las capas verticales se vuelvan más brillantes a medida que bajan significa que hay mayor contraste entre las capas que están lejos y las que están cercanas. Pinté de manera muy aproximada otra capa sobre este cuadro para que se pueda hacer más obvio. Ahora si miras estas tres capas, todas son del mismo color, pero debido al efecto natural, gracias al cual, se vuelven más brillantes a medida que van hacia abajo, se pueden distinguir fácilmente entre sí. Trata de recordar esta regla a la hora de pintar y hacer capas verticales como las montañas y las colinas más brillantes hacia el fondo, y de esa forma ayuda a distinguirlas de la capa frente a ellas. Si utilizamos la herramienta de pincel curativo para deshacernos de estas diferencias, podemos ver cuánto duele esto la composición ya que al no tener diferencia de color entre las capas frontal y posterior, perdemos toda la profundidad en la imagen. En una buena composición, la capa horizontal no se adhiere a las mismas reglas y se oscurece en lugar de más brillante, igual que podemos ver en esta imagen. Para recapitular, asegúrate de que las capas verticales se vuelvan más brillantes a medida que van hacia abajo, ya que la contaminación del aire y la niebla se reúnen naturalmente más cerca del suelo. Por otro lado, asegúrate de que las capas horizontales se oscurecen a medida que se acercan al frente de la imagen y por lo tanto se oscurecen a medida que van hacia abajo. Si sigues correctamente estas reglas, terminarás con una imagen de aspecto natural, en la que podrás distinguir capas individuales y hacerlas lucir separadas, por lo tanto, dando al paisaje una ilusión de profundidad. Recuerda siempre que el cielo también es una capa vertical y sigue la misma regla. Nunca permitas que tu cielo sea un solo tono de arriba a abajo. En su lugar ir por gradiente lleno de contraste que encierra la imagen. Nuevamente, recuerda siempre que si bien estas reglas conducen a una buena composición y un gran sentido de profundidad, no necesariamente se siguen en cada cuadro, en cada cuadro. Si no se les sigue en tu foto, toma nota de ella y trata de averiguar cómo mejorarías el panorama aplicando estas reglas. Si terminamos con eso, entonces terminamos con entender las capas y podemos pasar a la composición. La composición es un gran tema propio que va incluso más allá de la profundidad, pero vamos a discutir un par de aspectos que afectan la profundidad, sobre todo en la siguiente lección. 5. Composición: Hay mucho que saber sobre la composición, pero manténgalo corto, solo te voy a contar sobre las reglas y técnicas más importantes que tienen mayor impacto en la profundidad. En primer lugar, vamos a empezar con una regla de tercios. Lo que dice la regla de los tercios es que cada cuadro o pintura de un paisaje debe dividirse en dos partes. Uno de ellos debe consistir en un tercio de todo el cuadro, y la segunda parte debe consistir en los otros dos tercios de la imagen. Esta es una decisión que haces incluso antes de empezar a pintar porque todo lo demás en la composición depende de ello. Ahora, como todos sabemos, un paisaje con mayor frecuencia consiste en el cielo y la tierra y el punto de esta regla es dedicar la mayor parte del cuadro a cualquiera de estos dos, tiempo que dedica el resto, a lo que sea que quede. Por ejemplo, un tercio de la imagen sería el cielo y el resto sería tierra, como podemos ver aquí. También puedes dividir la imagen entre el primer plano y el resto de la imagen por la misma regla. Al hacer esto, elegimos el tema principal del paisaje dándole más espacio, y por lo tanto, guiamos la atención del espectador hacia lo que es importante. Este es un paso muy vital y es seguido por una masiva mayoría de artistas paisajistas. Es muy efectivo y sencillo de recordar y aplicar, así que ponlo a buen uso. Alguna composición simplemente divide a los sujetos por el medio, que a menudo funciona con reflexiones, por ejemplo, pero creo que es más seguro y mejor seguir casi siempre con la regla de los tercios. En segundo lugar, asegúrate de que las esquinas de la imagen sean oscuras y aburridas. No mucho más que decir sobre eso. Los rincones de un paisaje deben estar sin nada que distraiga al espectador de mirar al centro. Esto no significa que los sujetos importantes puedan comenzar desde la esquina de tu pantalla todo lo contrario, a menudo lo harán, pero asegúrate de que generalmente estén oscuros hacia las esquinas. Esto asegura que la imagen esté enfocada, por así decirlo, y la hace parecer más compuesta, menos aleatoria. A continuación, intenta tener líneas de liderazgo en tu imagen. Se trata de crestas contrastantes agudos que guían nuevamente la atención del espectador. Es difícil de explicar, pero también ayudan al espectador a percibir el paisaje con mayor facilidad. Dan perspectiva que un tamaño y alcance de los sujetos en la pintura al ser un referente para ellos. Esto hace que la imagen sea más inmersiva y profunda. También es genial si estas líneas principales se cruzan con temas importantes del paisaje para hacerlos más obvios. Estas líneas son con mayor frecuencia la frontera entre cielo y tierra o cielo y mar. Por ejemplo, pueden ser muy eficaces en una pintura de una puesta de sol u otras imágenes enfocadas al cielo, pero también imágenes que tienen unos temas principales muy distantes como una montaña. No obstante, siempre es genial tenerlos en tu composición. Ahora por último pero no menos importante, mi cosa favorita que hacer para realzar la profundidad es tener un tema de primer plano. Después de que la mayoría de tus capas, salvo que se haga el primer plano, no tengas miedo de cubrir parte sustancial de ellas con un tema de primer plano. Tener un árbol masivo o silueta o algún otro objeto natural frente a todas las demás capas, realmente juntan la pintura. Simplemente por estar en el frente, empuja todo lo demás hacia atrás y hace que el cuadro sea increíblemente más profundo. No puedo decir lo grande que es hacer esto ya que a menudo veo pinturas de paisaje que están bien, pero podrían ser mucho más profundas y generalmente mejores con solo agregar un tema de primer plano. Es realmente fácil de hacer también y crearlos podría mejorar tus habilidades de creación de detalles. Simplemente recuerda nuestra regla número uno y asegúrate de que la capa de primer plano sea muy oscura, lo contrario, se mezclará con el medio suelo y no agregará profundidad a la pintura en absoluto. Para ilustrar lo bien que funciona esto, eliminé el tema de primer plano de este cuadro, ¿ ves cómo el cuadro se vuelve tanto más plano sin él? Realmente no puedo exagerar lo grandiosos que son los temas de primer plano, así que por favor intenta usarlos en tu composición y ver qué pasa. Muchas gracias por quedarse tan lejos, en la siguiente y última lección antes del recapitulación, discutiremos el color y el contraste, los ingredientes finales a un paisaje con una profundidad impresionante. 6. Contraste: Leonardo da Vinci dijo alguna vez que un pintor debe comenzar cada lienzo con un lavado de negro porque todas las cosas en la naturaleza son oscuras excepto donde están expuestas por la luz. Me encanta esta cita, y debes recordarla para recordarte lo importante que es el contraste en una pintura o un cuadro. Ya hablamos de lo importante que es el cambio de color y brillo de primer plano a fondo pero ahora hablemos del rango de color en capas individuales. La base de una nueva capa que creamos casi siempre debe ser muy oscura y si bien sí, se va a poner más brillante a medida que le ponemos detalles, es vital mantener algo de esa oscuridad en la imagen final para darnos contraste y eso es lo que quiero decir por rango de color. Es el gradiente de colores que van desde el negro más oscuro hasta el blanco más brillante. Al hacer una imagen, queremos que este gradiente sea lo más blanco posible mientras siga luciendo natural. Se necesita un poco de práctica para encontrar esa dulce mancha de una gama de colores contrastante pero de aspecto natural al pintar. Pero así es como lo hago. Por cada tema, digamos una montaña. Trabajo con dos conjuntos de colores: subtonos y reflejos. Mezclo los subtonos primero. Estos colores son oscuros, generalmente grises, azules, marrones, negros y verdes oscuros. El brillo de estos matices se basa en lo lejos en la imagen que están, como aprendimos temprano en la clase, cuanto más cerca, más oscuro, lejano, más brillante. Los subtonos que he usado como color base para que los reflejos más brillantes se coloquen encima de. Presentan las áreas oscuras sombrías que no están expuestas por la luz solar. Después de que estoy contento con los matices, creo los reflejos de una manera en la que complementan los subtonos. Hago eso mezclando algunos de los mismos colores que usé para los subtonos, pero haciéndolos más brillantes y rellenos con más contraste en lugar de apagados y oscuros con el uso de colores vibrantes como el amarillo o el rojo brillante. El uso del mismo grupo de colores tanto para matices como para reflejos mantiene el resultado final de buscar relleno de contraste antinatural al tiempo que logra el rango de color deseado. Pero, ¿por qué siquiera queremos lograr esto? Bueno, porque de nuevo, esto le da profundidad a la pintura, lo adivinaste. Si podemos referir puntos brillantes a manchas oscuras y viceversa, obtenemos un contraste que da a ambos lados es más fuerte valor. Al hacer esto, no sólo tenemos distancia entre las capas del paisaje sino que también tenemos un rango en las propias capas individuales, empujando la profundidad más allá en otra dimensión. Es muy importante practicar la moderación al pintar reflejos ya que abrumar los matices oscuros por los reflejos destruirá por completo tu gama de colores. No mates toda tu oscuridad al crear reflejos y haz que tu gama de colores sea lo más amplia posible al tener contraste en cada capa. No te olvides de esto ni siquiera al pintar nubes. Las nubes también son reflejos, y el cielo es el subtono oscuro para ellas. No cubras todo el cielo blanco y dejando algunos de esos azules y grises más oscuros para dar a las nubes contraste y profundidad. 7. Recapitulación: Entonces es hora de recapitular. En primer lugar, las capas deben oscurecerse progresivamente, cuanto más se acerquen al frente de la imagen. Esta es quizás la regla más importante ya que hacer de primer plano brillante y de fondo oscuro, hará que cualquier imagen parezca antinatural y plano. A continuación, observe qué capas son horizontales y cuáles son verticales luego hacen que las verticales, especialmente el cielo y las montañas sean más brillantes a medida que van hacia abajo más cerca del suelo. Hacer lo contrario para las capas horizontales, que en su lugar se oscurecen a medida que bajan hacia el frente de la imagen. Esto da profundidad a las capas individuales, pero lo que es más importante, hace que sea mucho más fácil hacer que las capas aparezcan separadas y poco a poco se separan unas de otras. Una composición, recuerda la regla de los tercios, oscurece tus esquinas, tiene líneas de liderazgo en el tema de primer plano en tu imagen. Una vez más, nunca descuides el tema de primer plano ya que es quizás la forma más fácil y efectiva de hacer profunda una pintura plana, siempre y cuando el sujeto de primer plano sea lo suficientemente oscuro. Al mezclar colores, asegúrense de que su gama de colores se vea natural mediante el uso de los mismos colores base tanto para los matices como para los reflejos, pero introduce tanto contraste entre los dos como sea posible. Protege la gama de colores en capas individuales al no permitir que tus reflejos maten todas las manchas oscuras y viceversa. Para tener luz, tiene que haber oscuridad. Eso será todo, creo que ahora deberías tener una comprensión muy sólida de cómo se crea la profundidad en el paisaje y también cómo se destruye. Nada me haría más feliz que si publicaras tus proyectos de paisaje mejorados bajo esta clase y los compartieras también con tus amigos. Espero que lo que crees te haga feliz y cumplido, y que nunca dejes de mejorar. Paisajes son hermosas ventanas en un tazón creado por ti y nunca hay suficiente de ellos. Así que adelante y haz uno que te haga sentir orgulloso. Muchas gracias por acompañarme y espero que me acompañen en otras clases en el futuro también. Mi nombre es Daniel y les deseo un hermoso día. Adiós.