Paisajes atmosféricos de primavera: secretos para crear un factor innovador en la pintura de paisajes

1. Introducción a la clase: Pintar paisajes con acuarelas puede ser a veces frustrante cuando te cuesta entender cómo, dónde y cuándo crear profundidad en tus pinturas o cuáles son los suministros adecuados para empezar, esta ha sido una de las principales quejas de todos los artistas principiantes. Se apresuran a querer rápidamente crear un hermoso resultado final sin comprender realmente los conceptos detrás de lograrlos. Y créeme, sí he estado ahí. Pero las horas extras, tomando grandes intereses y entendiendo el medio, los conceptos involucrados en la pintura de paisajes y practicándolos consistentemente me ayudaron a subir de nivel mis paisajes. Hoy, estoy aquí para compartir contigo mis probados consejos y trucos para perfeccionar tus paisajes de acuarela lo suficiente para el formato de desafío y ayudarte a lograr ese factor wow que podría faltar en tu pintura. Hola mis creativos, mi nombre es Neil le Roy. Soy acuarela y educadora de arte radicada en Bangalore, India. A lo largo de los años, he compartido mis propias experiencias de aprendizaje, consejos y trucos en forma de talleres online y offline con compañeros entusiastas del arte que se unen a mí por primera vez y no sé mucho sobre mí. Voy por el nombre, dirección, necesidades, curva de subrayado RC en redes sociales como Instagram, donde comparto todas mis prácticas y experimentos artísticos diarios. También podrías encontrar mi presencia y otras redes sociales como Pinterest, Facebook y YouTube. El enlace a las riquezas dado en mi perfil de Skillshare. Bienvenidos de nuevo a mi clase, atmosféricos secretos del paisaje primaveral para crear factor matriz en tus paisajes de acuarela. En esta clase, te estaré explicando el concepto de perspectiva atmosférica, por qué es importante en una pintura de paisaje, y cuál es la relación entre la perspectiva atmosférica y los valores tonales. Una vez que domines estos fundamentos básicos, entonces vamos a pintar para hermosos paisajes inspirados en la primavera. Antes de comenzar con nuestros proyectos, primero discutiremos sobre los suministros básicos necesarios, planificación de los proyectos, la observación de los colores y la práctica de la composición elemental en un formato de miniatura. Esto te ayudará a estar seguro y preparado antes de pintar tu proyecto final. Las gafas se curaron de manera que beneficiaran a artistas de todos los niveles. Alguien que esté buscando construir tus habilidades de paisaje acuarela, entonces estoy aquí para ayudarte. Estoy muy seguro de que al final de este reto de cuatro días, no sólo podrás intentar cualquier referencia de paisaje con facilidad, sino que también aprenderás a agregar profundidad y texturas para crear ese voto son todos factores en tus pinturas. Si eres alguien que quiere entender estos conceptos y subir de nivel tus paisajes acuarelares. Entonces esta clase es para ti. Únete a mí en el siguiente video donde te comparto un panorama detallado de la clase. 2. Descripción del proyecto de clase: Gracias por unirse a la clase. Estoy encantada de tenerte aquí. Demos un paseo por nuestra estructura de clases. Para comenzar con la clase, te llevaré a través de los suministros que vamos a necesitar en detalle discutiendo sobre la calidad de la diferencia de papel entre las pinturas de grado de artista y grado estudiante. Rusia todavía tiene y cualquier otro accesorio necesario requerido para completar sus proyectos. A continuación, te explicaré el concepto de perspectiva atmosférica o aérea y cómo se puede lograr este efecto en una pintura de paisaje para renderizar profundidad y moverse. También te guiaré por la sección de técnicas básicas de acuarela donde aprenderás ampliamente los conceptos fundamentales de acuarela de húmedo sobre húmedo, húmedo sobre húmedo sobre seco y seco sobre seco. Como un gran nodo, comprender estos conceptos y aplicarlos son muy importantes para construir tus habilidades de acuarela. Especialmente cuando se trata de controlar la humedad de tu papel, pintura y brocha. Veo que la grandeza lucha mucho. Entonces en esta sección de técnica, te tengo cubierto. Ahora vamos a discutir sobre los proyectos de clase. La clase está ambientada en un formato de desafío de cuatro días. Podrías pintar todo para proyectos de clase o simplemente pintar tus favoritos de la clase, las opciones totalmente depende de ti. Cada día estaremos creando un nuevo proyecto, destacando los elementos clave de la primavera, aplicando técnicas básicas de acuarela junto con la perspectiva atmosférica. primer día va a ser todo sobre pintar cielos claros de color azul brillante con nubes esponjosas, exuberantes valles verdes y un arroyo que fluye entre ellos. El inicio perfecto de la primavera. Antes de comenzar con nuestros proyectos, haremos un estudio rápido de paleta de colores y aprenderemos a mezclar colores si no está presente con nosotros. A continuación, seguiremos adelante y practicando las técnicas para que tengas confianza para comenzar con tu proyecto principal. Lo que hacen va a ser sobre pintar un cielo hermoso y vibrante al atardecer con campos de diente de león. Aprenderemos a crear profundidad y textura en nuestros modelos aplicando la técnica de sal y salpicaduras. De igual manera, D3 va a estar pintando una mañana brumosa vista en una margarita me hago con mariposas lo suficientemente fuertes como para polinizar. Este es uno de mis proyectos favoritos de toda la clase. Realmente me encantó cómo han resultado estas margaritas. Aquí. Nos vamos a centrar en pintar blancos con acuarela sin usar nuestra pintura acuarela blanca. El cuatro va a ser todo sobre pintar esta puesta de sol de ensueño junto con campos de lavanda aquí vamos a incorporar un poco de perspectiva lineal junto con perspectiva atmosférica para darle a la pintura su profundidad y definición. ¿Te emociona pintar conmigo estos hermosos paisajes primaverales? caso afirmativo, entonces únete a la clase y reúnete conmigo en la siguiente lección donde estaré describiendo más en detalle cuáles son los tipos de suministros adecuados que deberías usar para crear tus proyectos. 3. Acerca de los suministros: Hola. Antes de comenzar con los proyectos de clase, déjame llevarte rápidamente a través de todos los suministros que vamos a necesitar para crear nuestros proyectos. primero es lo primero, echemos un vistazo rápidamente al tipo de personas que estaremos requiriendo para nuestra clase. El papel de acuarela que voy a utilizar para esta clase es de la marca serie Saunders Waterford. Son de centavo podría poner molinos de papel. Ahora bien, esta serie particular de cascada es su papel de absolución premium. Aquí hay algunos otros detalles que se mencionan claramente en el papel, por ejemplo, la textura del papel que es prensado en frío, no verde, color fino del papel que es blanco, blanco, natural. Y aquí están las dimensiones del papel, que es de diez en siete pulgadas y archivado, de gran calidad, libre de ácidos, secado a máquina, prensado en frío y papel de acuarela 100% algodón. Ahora bien, así es como se ve la textura de mi papel de acuarela fino de grano. Ahora, si quieres, siempre puedes dimensionar tus hojas según el tamaño que quieras pintar. Si quieres, puedes cortar las hojas en estos tamaños. Ahora, especialmente si estás usando algunas hojas sueltas y tienes un trozo grande de papel, puedes cortarlas claramente en tus tamaños preferibles y pintarlas. Para nuestra clase, voy a usar este tamaño completo de mi papel, que es de diez en siete pulgadas. Ese es este tamaño que es aproximadamente cercano a un tamaño A4, pero no hay presión. Siéntase libre de usar cualquier tamaño que sea adecuado para usted. Ahora siempre que estés comprando o comprando tu papel de acuarela, asegúrate siempre de que tu papel de acuarela sea 100% algodón y al menos 300 GSM como grosor del papel. Este cuaderno de bocetos que voy a utilizar para swatching colores y las técnicas de creación de las miniaturas también está compuesto por papel de acuarela 100% algodón, 300 GSM. Este cuaderno de bocetos también está hecho de papel Saunders Waterford. Idealmente, se recomienda que sea cual sea papel que vayas a usar para crear tu proyecto final, ese mismo papel debes usar para practicar tus técnicas de antemano que obtengas la sensación de tu papel mientras practicas las técnicas y sepas cómo va a reaccionar el papel a tu agua y pintura. Ahora, por si no estás teniendo un cuaderno de bocetos a mano contigo y no quieres desperdiciar tu buen papel de acuarela en swatching tus colores. Y la alternativa a esto es tener este papel de acuarela de grado más económico. No necesita ser papel POR cien por ciento de algodón porque solo vas a probar tus colores. Puedes cortar este tipo de finas tiras de papel y probar tus colores antes de seguir adelante y crear tu pintura final. Ahora que hemos sabido mucho sobre un papel y qué tipo de papel debemos elegir. Echemos un vistazo a los colores. Los colores que voy a utilizar para esta clase son de la rama y un arte suministra la gama de acuarela PwC. Se trata de una gama premium de acuarela profesional de la marca. Si has tomado mis otras clases de Skillshare, sabrías lo mucho que me encanta esta marca porque los colores están muy pigmentados y dan un acabado tan pigmentados y dan un hermoso y vibrante incluso después del secado, las pinturas se ven absolutamente espectaculares. Una de las principales diferencias que notaría entre la oferta de grado de artistas y una pintura de grado estudiantil es, sin embargo, resultado final de la pintura después de que se seque. Las pinturas de grado estudiantil generalmente están compuestas por muchos rellenos y dan la apariencia de un acabado calcáreo cuando se seca. Entonces si en las lecciones a seguir, tus resultados no coinciden a la mente, no te frustres. Puede ser porque estás usando una pintura de grado estudiantil, que tiene muchos rellenos y por lo tanto la vitalidad de la pintura se vuelve opaca después de que el papel se seca. Entonces mi consejo para ti sería que tu viaje de aprendizaje de acuarela sea más fácil, suave y menos frustrante. Siempre trate de invertir en suministros básicos de acuarela de buena calidad y de esa manera su viaje será mucho menos frustrante. Ahora la siguiente aplicación de la que vamos a hablar son nuestros pinceles. Entonces estos son los pinceles que voy a usar para nuestra clase. No te asustes. No voy a usar todos estos pinceles, pero para ser exactos, solo estos pocos pinceles voy a usar a lo largo de nuestros proyectos. Los pinceles que ves aquí, una mezcla de pinceles naturales o sintéticos y naturales de limitación. Echemos un vistazo a la funcionalidad de cada uno de estos pinceles. El primero es de Princeton Heritage Series. Ahora bien, se trata de un cepillo sintético que es de la talla número tres. Este pincel tiene una punta puntiaguda muy bonita, que cuando se trata de una punta puntiaguda muy bonita, estaré usando este pincel para muchos detalles en nuestras pinturas o donde necesito crear líneas finas son líneas más delgadas. Voy a estar usando este cepillo. Entonces echemos un vistazo a nuestro siguiente pincel, que es este pincel blanco. Este cepillo es de Silver Atelier Quill mop cepillo de talla número 20. El Brazils de este cepillo se compone de pelo dorado, que es un pelo natural de cerdas. Y esa es la razón por la que el pincel es tan suave y contiene mucha pintura y agua. Me encanta este pincel porque me ha hecho la vida mucho más fácil a la hora de mezclar colores mojados sobre mojados. Por lo que es una muy buena idea tener un cepillo de pelo natural en tu colección de pinceles de acuarela. A continuación, estaré usando estos pinceles redondos de mi absoluto favorito, el terciopelo negro plateado. Tres triples cero como serie. Entonces estaré usando mis pinceles redondos de talla número seis y talla número ocho. El siguiente pincel que voy a usar es este cepillo de la serie Princeton velvet. Este también es un cepillo sintético suave. Esta es una palabra completa, pincel más verde, un pincel especial. Ver la forma compleja. Los consejos complejos te ayudan a lograr diferentes tipos de textura, especialmente cuando quieres pintar algunos nanómetros de gramíneas sueltas. Este cepillo viene muy útil, sirve para el propósito de tu cepillo abanico regular o para crear algo de pelo de animal texturizado. El siguiente bruce que necesitarías es un cepillo de lavado cuadrado. Podrías usar un cepillo de lavado cuadrado o un cepillo de merluza. Ahora, aquí hay algunos otros pinceles alternativos que es bueno tener en tu colección. Pero echemos un vistazo con más detalles sobre este cepillo de lavado cuadrado de la serie Princeton Neptune. Este cepillo de lavado es de la serie squiggly limitation. Es muy suave e imita las habilidades de los cepillos naturales para el cabello. Aparte de esto, tienes este cepillo de sombreado angular de la serie Princeton Aqua light. Este también es un cepillo muy suave. Ahora bien, esto es particularmente útil cuando se quiere ir con algunos trazos inclinados o inclinados. Este pincel te será muy útil cuando quieras despegar los colores en un trazo muy angular o el mismo pincel de sombreado angular. Se puede tener en un tamaño más pequeño, que es de tres por ocho tamaño. Ahora bien, esta es una versión sintética de Princeton velvet does series. Ahora bien, estos son algunos pinceles adicionales que puedes tener para crear el ángulo de trazos inclinados. O puedes tener este cepillo plano o tus pinceles de sombreado angular. Ahora el siguiente cepillo es este cepillo liner rigger de Scheme money, nuestra serie Fibonacci. Este ha sido mi favorito reciente. Una de las principales ventajas del cepillo rigger liner es esta punta larga y puntiaguda que puedes ver. Te ayuda a crear trazos puntiagudos muy largos. Entonces este es un cepillo opcional. No necesitas tener todos estos pinceles, solo tu cepillo redondo de tamaño regular de tamaño número uno o dos haría el trabajo de ir con algunas líneas finas y delgadas. Si no tienes un cepillo rigger liner, no te preocupes, pero es bueno tener diferentes tipos de pinceles en tu colección de brochas. Soy un acaparador o pinceles y me encanta acaparar diferentes tipos de pinceles. Pasando a nuestra siguiente jugada, que es tener dos frascos de agua. Uno debe ser un frasco limpio de agua y el otro frasco debe estar con el agua naranja de tus pinceles. Lo siguiente sería tu papel de tisú o tus viajes de pañuelos. Manténgalos siempre a mano por ladera. Siempre que van por pinturas en acuarela, este es un activo importante para todos ustedes y casi me olvido de hablar de este importante suministro, que es su fluido de enmascaramiento. Esto es de Leo Frank chicos del bar. Este fluido de enmascaramiento es particularmente inodoro. El uso de este fluido de enmascaramiento es para preservar espacios en blanco cuando estás pintando temas complicados con fondos donde usas muchos colores. Este fluido de enmascaramiento es muy útil y lo usaremos para pintar nuestro proyecto tres. También necesitarás cinta adhesiva para adherir tu papel en los cuatro lados. Ahora en lugar de cinta adhesiva, también podrías seguir adelante y usar tu cinta washi. Ahora bien, si está usando una hoja de papel suelta, es posible que desee pegar su papel sobre una superficie no absorbente, como una lámina acrílica. Para crear un esquema preliminar de bocetos a lápiz, requeriría este lápiz. El lápiz que estoy usando aquí es un pin mecánico en el uso de 0.3 MM HB plomo, luego borrador, este es un borrador normal. Hay otro tipo de borrador que se conoce como borrador de amasado, que parece una masa. Literalmente puedes necesitarlo como una cierva. Esta goma de borrar amasadora la puedes usar para quitar cualquier exceso de marcas de grafito de tus papeles simplemente pasando por encima de la superficie del papel. Esto es muy, muy práctico. Lo siguiente sería tu báscula o una regla. Si eres alguien que no tiene mucha confianza dibujando una línea recta con la mano libre, entonces siempre puedes tomar la ayuda de tu gobernante. Creo que prácticamente hemos discutido sobre todos los insumos que vamos a necesitar para crear nuestros proyectos, excepto uno, que es nuestro paladar. La paleta que estoy usando aquí es una paleta 42 wealth y está compuesta por plástico policarbonato. Y se puede ver que he arreglado mis colores que van desde rosas, rojos, amarillos, verdes, rojos y azules, marrones y negros y algunas piezas tonalidades ya en mi paleta. Entonces esta paleta es una paleta de 42 soldaduras, pero no es necesario, para que tengas tarimas tan grandes. Podrías ir por un saldo más pequeño las tarimas de plástico de 12 o 24 pozos totalmente a tu altura. Esto es del paladar Shanahan Art. Ahora bien, en lugar de este tipo de boletas de plástico o policarbonato, también podrías seguir adelante con la paleta de cerámica, algo así. Y principal ventaja de usar estos palacios. No deja manchas después de lavarlas. Ahora se puede ver en esta paleta de cerámica, tengo un poco de capitán de sal aquí. Algunas son partículas más grandes, redondeadas, partículas de sal de roca más grandes, y algunas son esta sal de mesa, que es partículas finas. Vamos a usar esto para crear texturas. Estos donde la lista general de materiales que vamos a necesitar nos vemos en la siguiente lección. 4. Comprender el Prespective aéreo: Veamos ahora qué es la perspectiva atmosférica y ¿cómo afecta a nuestra pintura de paisajes? La perspectiva atmosférica, también conocida como perspectiva aérea, se refiere al efecto que tiene la atmósfera sobre la apariencia de los objetos. Cuando los mires desde la distancia, verás objetos más atrás en la distancia con menos claridad y son cambios de color en saturación de valores y matiz. Esto crea una mayor ilusión de profundidad y distancia y ayuda a establecer el estado de ánimo y sentimiento a tus paisajes. Para que un artista cree la sensación de profundidad y distancia, se pueden utilizar dos tipos de perspectiva, es decir, la perspectiva lineal atmosférica. perspectiva lineal se refiere a cómo la distancia afecta la forma de las cosas y hace que los objetos parezcan más pequeños a medida que retroceden en la distancia. Mientras que la perspectiva atmosférica se refiere a cómo la atmósfera afecta el color de las cosas que vemos. Echemos un vistazo a este ejemplo. Se puede ver que las colinas más en la distancia se vuelven progresivamente más claras y de color más claras en comparación con las que están en primer plano. Bien, entonces ahora entendamos la ciencia detrás de por qué ocurrió este desvanecimiento de objetos a distancia. Ahora vamos a entender esto con la ayuda de este ejemplo. Entonces cuando miramos objetos entre nosotros y el objeto son la presencia de millones de partículas suspendidas. Estas partículas son generalmente el vapor de agua, la humedad, las partículas de polvo y los contaminantes. Entonces la luz se dispersa de estas partículas, y cuanto más efecto de dispersión de estas partículas es, más nebulosos nos aparecen los objetos en la distancia. Y debido a que la luz azul y violeta se dispersa más que otras longitudes de onda, los objetos más alejados parecen estar en estos colores, luego objetos más cercanos al espectador. Ahora que hemos sabido sobre qué y por qué de la perspectiva atmosférica, vamos a llegar a ahora, ¿cómo podemos lograr la perspectiva atmosférica en una pintura? Podemos imitar el efecto de la perspectiva atmosférica mediante uso de colores Greer y más neutros en la distancia. Al mezclar más azules en aquellos objetos que están más lejos y a los objetos que están cerca del primer plano, podemos mantener el contraste de valores más alto. Así que todo eso se trataba de la perspectiva atmosférica. Ahora, únete a mí en la siguiente lección donde hablaremos más en detalle sobre la relación entre la perspectiva aérea y los valores tonales y cómo puedes alterar los valores tonales de tu color para crear profundidad en tus pinturas. 5. ¿Qué es el valor tonal y por qué es importante?: Ya que me has estado escuchando hablar mucho sobre tono y valor tonal, Ahora discutamos qué es exactamente el valor tonal. El valor tonal describe cómo claro u oscuro un color es independiente de su enorme cubo, la apariencia del color, por ejemplo rojo, azul, verde, válido, etcétera. Como artista, de todos los factores que debes tomar en consideración, juzgar el tono y el valor no es parte esencial en la evaluación, evaluar si tu estilo de pintura es suelto, sangriento o detallado y preciso. Si los tonos relativos en tu escena son ciertos, puedes producir una sensación creíble de espacio, luz y forma. Como artista, debes poder reconocer por los diferentes valores de luz y oscuridad de un color en acuarelas, es muy importante valorar primero las graduaciones tonales de la referencia o la escena que vas a pintar. Porque la transparencia de acuarela significa que es necesario hacer evaluaciones sobre el tono al inicio del proceso de pintura. Porque con las acuarelas, una vez que le das a una forma un cierto valor, es imposible hacerla más ligera. Y esta es la razón por la que en las acuarelas se reservaron las áreas blancas del papel para los tonos más claros de nuestra escena. Entonces, ¿qué queremos decir con escala de valor tonal? Se trata de un sistema para organizar unos valores que van del negro al blanco. Como pueden ver, estoy estratificando el tono intenso que mi negro puede tener usando una cantidad muy controlada de agua en mi pincel y reactivando mi pintura. Entonces esto es lo más oscuro que puede ir mi negro. Ahora voy a levantar este negro y formar una original mezcla colorida a esta original mezcla colorida, voy a agregar una gota de agua y mezclarla a fondo. Entonces esto, ahora voy a acostarme en mi papel. Como pueden ver, ha bajado un poco de tono. Se ha conseguido un tono más claro. Ahora, voy a seguir adelante y lavar mi cepillo y añadir nuevo una gota de agua a la misma mezcla colorida existente. Lo mezclaré a fondo y ahora lo voy a poner en mi papel. Se puede ver que tiene diez abajo, aún más. Voy a seguir repitiendo el mismo proceso hasta que tenga un color que esté casi cerca de la gente, ¿verdad? Si eres principiante y recién estás comenzando con acuarelas, te recomendaría encarecidamente que hagas o estudio de valor tonal de todos tus colores primarios y secundarios existentes para tener la sensación de la gama que eres color puede ir para hacer este ejercicio, será extremadamente beneficioso porque es importante pensar en valor primero cuando comenzando una pintura. Porque sin valores claros, claros y oscuros, estás pintando no va a funcionar muy hermosos que sean tus colores. Entonces aquí tenemos nuestra escala de valores de nueve pasos que describe valores que cambian de negro a blanco. Para el gris de mi Payne, esta es la gama que es posible para mi color se mueva del tono más oscuro, intenso al más ligero, casi como la gente ¿verdad? Ahora vamos a conocer los términos que se utilizan para describir estos valores. Por favor refiérase al sistema de numeración que ve en la pantalla y no a lo que he escrito en el papel porque he escrito en el orden inverso donde he empezado uno del negro y nueve siendo mi resaltado o dibujo blanco. Entonces no es así como deberías ser la numeración. Tu numeración debería estar empezando por el tono más oscuro siendo el noveno. Como puedes ver, estas nueve variaciones en el tono son muy fáciles de observar a simple vista. Y nos ayuda a analizar y descomponer cualquier escena que queramos traducir en una pintura utilizando este rango de valores tonales. Ahora, comparemos mi violeta permanente este gris de Payne y veamos si es. Va gama completa. Es una buena idea practicar haciendo tu propia escala de valor de acuarela porque te ayuda a aprender la proporción de agua necesaria para crear ligereza u oscuridad para cualquier color. Y también podemos usar esta tabla para nuestra futura referencia para evaluar los valores que queremos pintar para una pintura. Entonces aquí estoy practicando mi escala de valor de acuarela para mi violeta permanente. Este es el color que usaremos en nuestros próximos proyectos. De ahí que sea una buena idea comenzar con las prácticas de escala de valor, conocer el agua, los tonos de color que estaré usando para pintar un elemento en particular a partir de nuestras referencias. Y aquí también, observamos que incluso una violeta permanente nos da el valor de rango completo de nueve a uno. Aquí una cosa que debes recordar es que no todos los colores te darán esta escala de valor completo de nueve. Algunos colores son menos saturados y un más claro. Entonces en esos casos tendrás escala de valor más corta. De ahí que sea una buena idea que sigas adelante y crees o practiques este estudio de valor tonal de todos los colores que tienes. Al hacerlo, estarías consciente de la escala de valor que está teniendo tu color, y de ahí, puedes planificar tus pinturas en consecuencia. Ahora echemos un vistazo a un ejemplo clásico de cómo podemos crear profundidad controlando el valor tonal. Entonces aquí vamos a crear un ejercicio de una escena simplificada de una cordillera. Y vamos a ilustrar la manera correcta y la incorrecta de usar valores para generar la apariencia de profundidad. Ahora echemos un vistazo a nuestro primer ejemplo en el que voy a crear una gama de montañas que están a la distancia. Y para que estén en la distancia, tienen que estar en el tono más claro, el mismo principio que ya hemos visto en la tasa de perspectiva atmosférica. Una vez que termine de aplicar mi tono más claro, ahora, voy a seguir adelante y usar mi valor tonal más oscuro y crear estas Montañas en primer plano. Ahora echemos un vistazo a un segundo escenario donde voy a revertir la situación. Voy a comenzar con las montañas más oscuras de fondo. Y luego pintaremos los más ligeros en primer plano. Entonces esto es lo que sucede cuando las distintas montañas están pintadas en el tono más oscuro, saltarían hacia ti y la percepción de profundidad. Tasa tan confusa. Entonces, el primer escenario es la forma correcta ilustrar la profundidad en tus pinturas. 6. Técnicas básicas de acuarela: parte 1: Antes de iniciar nuestros proyectos, vamos a llevarte rápidamente a través las técnicas básicas fundamentales de acuarela. Aquí en esta lección, te guiaré a través de las amplias fundamentales técnicas de acuarela que usaremos en esta clase. húmedo significa aplicar pintura húmeda sobre la superficie de papel húmeda. Entonces echemos un vistazo a cómo podemos hacer esto. Comenzaré con primero sumergir mi pincel en agua y usando esta brocha acuosa, voy a poner mi papel con una capa uniforme uniforme de agua. Voy a repasar los sofás de mi gente tantas veces como sea necesario con mi cepillo húmedo para que mi papel se mantenga húmedo por un periodo de tiempo más largo. Ahora, con la ayuda de mi brocha ****, voy a ir a reactivar mi pintura seca, haciéndola húmeda o húmeda. Tan pronto como mi pincel cargado de pintura toca la superficie húmeda del papel, la pintura comienza a extenderse maravillosamente sobre la superficie del papel húmedo, o mojado sobre mojado resultados de pintura técnica y efectos muy suaves, maravillosos y espontáneos en acuarelas. Y de ahí, esta es una de mis técnicas de acuarela más populares. Ahora volvamos a echar un vistazo a esto. Técnica, que es una técnica muy importante, cual se controla húmedo sobre húmedo, húmedo sobre seco. Aquí estaremos controlando la cantidad de agua que hay en un papel, pintura, así como sobre pincel, lo que va a tener un gran impacto en cómo es comportamiento de la acuarela cuando se pinta con este método. Aquí en este primer ejemplo, ves que hay una capa desigual de agua, demasiada agua en mi papel. Se puede ver el agua que fluye a través de mi papel, creación de albercas son charcos. Ahora el siguiente paso es cargar mi pincel con pintura. La punta del cepillo está llena de agua. Entonces, usando esta pintura acuosa, cuando la deje caer sobre la superficie húmeda del papel, verá que la pintura fluye sobre las áreas de papel húmedo incontrolablemente. ¿Ves que la pintura fluye sin ningún control sobre la superficie húmeda del papel dándote menos control sobre la forma en que se comporta la pintura en el papel Esta no es la forma correcta de ir para cuando queremos ejercer control sobre la humedad de nuestra pintura así como ofrecer papel. Esto te dará unos resultados muy desordenados, sobre todo cuando vas a pintar cielos o cualquier otro fondo donde pequeños detalles que estén involucrados. Ahora echemos un vistazo a este segundo ejemplo donde estaré ejerciendo control sobre la cantidad de agua que estoy poniendo en capas en mi papel. Cuando tu papel esté perfectamente recubierto de agua, observarás este Shean reflectante cuando lo sostengas contra la luz. Esta es la indicación de que su papel está perfectamente recubierto. Otra forma de eliminar el exceso de agua del papel es aún humedecer tu cepillo, secar sobre papel de seda, toalla y simplemente volver a repasar esas áreas. Esto asegurará que su papel esté húmedo de manera óptima. Ahora ve y ejerce el control del agua en la pintura. Mira aquí, el agua que tengo en la punta de mi pincel es muy mínima, tan perfecta que para reactivar mi pintura, voy a empezar a esparcirla por mi superficie de papel mojada así. Y se puede ver lo bellamente que se propaga. Ahora bien, observa aquí este pincel cargado cuando lo esté de acuerdo en la parte seca de mi superficie de papel, estoy obteniendo este trazos de pincel seco, pero lo mismo cuando lo uso sobre una pintura sobre mi fondo húmedo, notarás que vas a poder suavemente, sin ninguna introducción de hemorragias son flores cuando hay demasiada agua en la punta de tu pincel. Lo que quiero decir es aquí, estarás ejerciendo control sobre cómo se va a comportar la pintura sobre tu superficie de papel húmeda, lo que te dará la total autonomía de controlar la humedad de tu pintura sobre tu fondo húmedo. Esta es la técnica que casi todos los principiantes no logran entender y controlar la cantidad de agua que tienen en la pintura de papel así como en su pincel. Ahora aquí en este ejemplo, si tuviera la punta de mi cepillo cargada con demasiada agua, habría introducido un sangrado innecesario en las formas arbóreas que estaba haciendo sobre el fondo húmedo. Y de ahí la forma del árbol que se ve tan fino e integrado y sin embargo suave en la distancia habría sido o no lo habría sido. Entonces si hubo sangrado y le quedan bordes muy borrosos, una vez, ya sabes, para controlar la cantidad de agua que hay en tu pintura de papel así como en tu pincel y hacer que haga exactamente lo que queremos hacer. Podrás dominar fácilmente la técnica wet-on-wet y crear resultados hermosos e impresionantes. Déjame mostrarte aquí otro ejemplo de cómo puedes ejercer el control del agua en tu pintura y tu pincel para crear un cielo suave, bien mezclado y dramático. Seguir adelante y estratificar mi papel con una capa uniforme de agua, asegurándome de que no haya una situación irregular o una acumulación de agua en la superficie del papel. El cepillo que estoy usando aquí para dejar el agua en mi papel es un cepillo suave para trapeador de plumas, que está hecho de pelo de cabra. Ahora bien, este pincel tenderá a contener más agua y pintura y a crear control de agua cuando vayas a ir en un área limitada o en la superficie más pequeña, se recomienda que vayas por un pincel de menor tamaño, por ejemplo aquí he cambiado mi pincel a mi talla número ocho y mira la cantidad de agua que tengo en mi pincel. Cada vez que voy a lavar mi pincel, voy a debitar secar en pañuelos, papel, pañuelos de viaje, y Señor la pintura en mi pincel. Ahora cuando cargo, veo que hay demasiada agua. Lo voy a aplicar sobre el papel de seda. Y aquí se puede ver que he ejercido control de agua sobre la cantidad de agua que había en la pintura. Comprender para controlar la cantidad de agua en tu pintura, papel y tu pincel viene solo con la práctica. Así que no olvides seguir practicando estas técnicas antes de iniciar tu proyecto porque esto te dará una idea general de cómo puedes controlar la humedad y encontrar el equilibrio adecuado mientras pintas. Ahora, observe su, cómo estoy jugando con mis valores tonales. Aquí en la esquina izquierda, voy adelante con un valor tonal muy ligero. Aquí. He usado mi mezcla azul gris. Ahora hacia la derecha, me limitaré con los tonos más oscuros que estoy usando de los colores. Y ahora para crear la forma de las nubes. Observe, no he visto ni cargado la pintura con agua. Solo estoy usando mi pincel húmedo y recogiendo el color y cargándolo en el papel, creando la forma de las nubes que quiero aquí. Si no ejercitas el control del agua y usas mezcla de pintura demasiado acuosa para pintar las nubes por aquí, obtendrías bordes emplumados o mezclados en tus nubes, lo que hubiera sido difícil controlar cuando tu papel está mojado y tu pintura se mezcla demasiado acuosa. Entonces de esa manera, forma de patio de las nubes no se habría quedado cuando el papel se secó. Puedes jugar con la forma de las nubes siempre y cuando tu papel esté mojado una vez que tu papel comience a secarse, por ejemplo, aquí en esta sección inferior, el papel ya ha comenzado a secarse. Verás si empiezas a dejar que la pintura, la pintura no se va a mezclar suavemente en el fondo. Aquí. Debes parar y no ir más lejos. Por eso es comprender la humedad de su papel y muy importante comprender la humedad de su papel y su pincel cuando se va con la técnica de mojado sobre húmedo. Ahora echemos un vistazo a la siguiente técnica, que nos es una técnica halagadora y veamos cómo control del agua por aquí también juega un papel importante. Aquí también. Como pueden observar, voy con la técnica wet-on-wet y creando un fondo. Ahora, una vez que esté feliz y satisfecho con el fondo, voy a ir a lavar mi cepillo y usar el cepillo de lavado. Voy a estar simplemente tocando el pincel en esta superficie de papel mojada y verás que estás consiguiendo flores en tu papel. Entonces esto crea una textura soñadora muy hermosa. Pero como he usado tu pincel más grande aquí, tengo flores más grandes. Ahora, cuando cambias a un tamaño más pequeño, tamaño del pincel número seis aquí y el agua de ejercicio se controla frotándola en papel. Verás que obtendrías flores más pequeñas. 7. Técnicas básicas de la acuarela 2: Ahora echemos un vistazo a la siguiente técnica, que también es un ejemplo de la técnica wet-on-wet. Pero aquí estaremos creando textura usando sal. Aquí también, te estaré mostrando cómo variará la textura de sal cuando tu papel esté teniendo demasiada agua o cuando tengas demasiada mezcla de pintura acuosa cargada en tu papel. Estoy aquí ahora dejando caer la sal en este parche de papel húmedo que tengo. Ahora voy a dejar que se seque. Y en el siguiente ejemplo, te estaré mostrando sin embargo, manera controlada de crear esta textura de sal controlando la cantidad de agua que tienes en tu papel así como en la pintura. Para el segundo ejemplo, voy adelante y creando un fondo húmedo, pero veo que mis pinceles ya tienen demasiada agua. Entonces lo que voy a hacer es tratar de exprimir esa agua extra exprimiendo el agua de las cerdas del cepillo. Ahora, con ese pincel húmedo, volveré a cargar el pincel con pintura y lo untaré en el papel yendo y viniendo de arriba a abajo. De esta manera, he creado un lavado de fondo muy controlado. Ahora voy a ir y salpicando la sal. Ahora, espera a que el sólido se seque. Y luego compararemos los resultados entre ambas de esta técnica. Mientras esperamos a que se seque un papel, echemos un vistazo a la siguiente técnica, que es la técnica de húmedo sobre seco. Como su nombre lo indica, aquí compartiremos nuestra pintura húmeda sobre la superficie de papel seco. En este caso, la falta de humedad en la superficie significa que tu pintura no podrá sangrar en otras áreas, lo que te permitirá pintar con más detalle y crear colores más saturados. Aquí estaré delineando mi pétalo de flor. Entonces el contorno que he creado está en el papel seco y se puede ver lo saturado que se ve el color. Ahora, cuando empiezo a llenar la forma del pétalo y aquí uso un poco más de pintura acuosa. Verás que he logrado obtener esos bordes lisos y bien mezclados dentro del pétalo. Como puedes ver, wet-on-dry nos permite obtener más detalles y bordes más afilados y formas bien definidas, por ejemplo, este pétalo de flor, que he creado usando esta técnica, el papel se ha secado y se puede distinguir claramente la diferencia entre las texturas de sal donde no teníamos control sobre el agua. Ahí hemos producido flores salpicadas más grandes de esta sal, que se ve bien mezclada porque ha comenzado a disolverse en el fondo muy húmedo. Pero los wearables, el que tenía límite de control de agua tiene bordes nítidos más definidos. Ahora echemos un vistazo a la siguiente técnica, que es una técnica de levantamiento. La técnica de elevación significa esencialmente eliminar la pintura húmeda cuando el fondo aún está húmedo. Para hacer esta técnica, necesitarías un cepillo húmedo limpio donde tengas que ejercitar lo que se controla frotándolo en papel de seda y luego aplicar presión para levantar la pintura de la superficie de la presa. Se puede levantar la pintura y exponer aunque debajo de blanco del papel solo cuando el fondo está húmedo. técnica de elevación también depende de si el color que está levantando es una tinción o un pigmento no manchado Los pigmentos de tinción generalmente son difíciles de levantar de la superficie del papel húmedo. No va a exponer el blanco completo de tu gente. Déjame mostrarte esto con la ayuda de un ejemplo. Generalmente, todos los azules son pigmentos muy teñidos. Aquí tengo mi azul prusiano y ahora voy a tratar de levantarlo usando mi cepillo húmedo. Cuando traté de quitarme esta pintura con pegamento, ¿viste eso? No pude levantar la pintura completamente de la gente. Todavía queda ese matiz de azul visible. Entonces esta es la diferencia entre la técnica de levantamiento, entre la tinción y el pigmento no manchado. Ahora que nuestro papel se ha secado. Ahora puedes ver de cerca la textura que recibiste cuando hubo control de agua, pero eso es todo textura y donde no hubo control del agua, ¿ puedes ver las hemorragias que tenemos? Ni siquiera se ve así. Ahí tenemos sal salpicada. Entonces esta no es la forma correcta de hacerlo. Esto es casi similar al de las flores que hemos recibido en el papel cuando habíamos usado demasiada agua. Y de ahí que ahora veas lo importante que es el control del agua. Oh, casi me olvido de mostrarte quienes son la ultima técnica que es seca sobre técnica seca. Esta técnica significa que vas a usar pintura seca sobre tu superficie de papel seco, obteniendo así marcas de pincel muy secas en tu papel. Mira aquí, tengo este **** cepillo seco. Voy a tratar de levantar la pintura por aquí, pero como la pintura no tiene agua, no voy a poder cargar mi pincel. Por ello, tendré que sumergir la punta de mi pincel y reactivar la pintura con poca cantidad de agua en ella. Ahora, antes de ir a cargarlo en mi papel, usaré el papel de seda, pañuelo, toalla y lo frotaré muy bien para que se absorba toda esa agua extra. Ahora ya ves que estamos consiguiendo estas marcas de pincel seco en el papel. Entonces estas marcas de pincel pueden crear muchas texturas basadas en qué objeto o elemento estás pintando, por ejemplo, puedes crear estas marcas de pincel seco en la corteza o tallos del árbol para crear algunas texturas. O también puedes crear las texturas en las montañas. Entonces estas son las amplias técnicas generales que vamos a utilizar sin implementar para crear nuestros proyectos. 8. Plan de acción: Antes de comenzar con nuestra pintura, primero intentemos desglosar nuestra referencia y simplificarla. Primero, comenzaremos por determinar la línea del horizonte de nuestra referencia. Así que puedes ver aquí, en algún lugar por aquí está mi línea de horizonte, donde ambos lados de las montañas del valle se están fusionando. Y entonces tienes tus antecedentes lejanos. Aquí está su referencia de la línea del horizonte. Ahora comencemos marcando nuestras partes más ligeras y las de sombra. Entonces sus recorridos mi derecha es la zona de las montañas que está bajo las sombras. Y se puede ver hacia el fondo lejano es la idea de las montañas, que está muy iluminada, pero está muy desvanecida. Aquí viene nuestra perspectiva aérea en juego. Aquí está la ilusión de distancia usando diferentes valores tonales. Se puede ver aquí, ¿verdad? Por el cielo, se desvanece en la distancia, por lo que está teniendo ese color gris azulado. Ahora hacia tu primer plano, puedes ver que los colores son cada vez más brillantes y más verdes. Es la zona más brillante donde está recibiendo el máximo de luz, ¿verdad? Entonces estas son las áreas que están directamente bajo la influencia del sol. ¿Puedes notar la marca de cruz que he creado? Entonces esta es la parte que voy a eliminar de nuestro paisaje. No voy a complicar este tema. Los estamos agregando para más detalles. Entonces, cuando conviertas esta pintura en escala de grises, podrás ver el contraste tonal de colores sobre tu y planificar tus valores tonales de cada uno de los colores. Una vez que tienes esto se simplifica y tus valores tonales bien hechos? El siguiente es planificar tus técnicas. Únete a mí en la siguiente lección donde estaré esbozando esta referencia. 9. Día 1: paleta de colores: Antes de comenzar nuestro proyecto, echemos un vistazo a la paleta de colores. El primer color que voy a mostrar es el color del cielo. Se trata de Taylor Blue, un tono azul más cálido, amarillo , azul, rojo que estoy usando. En lugar de esto, también podrías sustituirlo por azul cobalto o azul ultramarino. La elección depende totalmente de usted. Para este fondo montañas, voy a crear un tono grisáceo de azul mezclando mi sastre azul junto con un poco de marrón. Entonces aquí estoy usando mi rojo marrón. Pero también podrías usar tu quemador Bunsen o Sienna quemada y crear lo mismo. Así es como voy a usar. Ahora. Ya tengo un color gris azul, que no es más que una mezcla de mi azul frío junto con el blanco. Entonces, cuando usas el blanco, conviertes tu color en color opaco califica una pasta, sombreará tu forma. Entonces de eso se trata mi gris azulado. Es una sombra de pistola con esa tumba azul y mezclas tu marrón rojizo, obtienes este color gris azulado. Siguiente es mi hoja de color verde. Ahora, deja el color verde ya está disponible conmigo. Es de color verde amarillento. Ahora bien, si esto no está disponible contigo, aquí está la alternativa que puedes mezclar y tu amarillo limón, tengo mi amarillo limón, que tiene el pigmento BY A21, pero tu amarillo limón podría tener un pigmento diferente. Así que revisa la información de tu pigmento etiquetada en tus tubos y sartenes. Este amarillo limón, voy a estar mezclando con mi verde aquí, el verde que estoy usando, el verde savia. Podrías usar cualquier verde que esté disponible contigo. Intenta crear una combinación de colores que se asemeje muy cerca de mi sombra verde hoja o cualquier verde amarillento que puedas formular con tus colores. Siguiente álbum, swatching out my siena quemada o siena quemada. Cuando agregas un índigo o cualquier tono más oscuro de azul o incluso el gris o negro de Payne, lo conviertes en un tono marrón más oscuro. Brujas RCP. 11. Día 1: inicio de la primavera - cielo y montaña: Bienvenido al proyecto del primer día. Empecemos con el cielo. Para este tipo, voy a ir con la técnica wet-on-wet para poner en capas tu papel con un lavado plano de agua. Puedes seguir adelante y hacerlo usando un cepillo de trapeador, o un cepillo de merluza. La ventaja de usar unos cepillos de fregona que la punta del cepillo te permitiría alcanzar este tipo de curvas o hendiduras que has delineado en tu papel. Así que me siento bastante cómodo con el uso de estos pinceles porque soy más cepillos para estratificar lavado plano en mis papeles, especialmente cuando tengo ese tipo de montañas o cualquier área donde necesito dar la vuelta a las formas complicadas donde podría ser difícil dar vueltas con un cepillo plano al recubrir tu papel con agua, siempre asegúrate de que vas adelante con un uniforme código de estratificado. Como pueden ver aquí, mi papel está uniformemente recubierto de agua. Siempre asegúrate de que no haya albercas, sean charcos de agua acumulándose en tu papel porque eso resultaría en una capa de color muy desigual sobre el papel. Así que siempre trata de moverte por la brocha manera uniforme sobre tu superficie de papel para reactivar mi pintura, estoy usando mi botella de spray. Esta es una forma muy efectiva de reactivar tu pintura, asegurando que no tengas demasiada agua. Como pueden ver, mi mezcla de pintura aquí estaba poco seca, así que agregué solo una gota de agua. Ahora usando la punta de mi cepillo de trapeador, estoy estratificando mi pigmento de pintura sobre mi papel. Aquí. Voy a dejar fuera algunos espacios vitales en medio para denotar las esponjosas nubes blancas sobre un cielo brillante. Para crear el movimiento de las nubes, asegúrate siempre de que vas con trazos muy libres o sueltos. Como pueden ver, he sostenido mi pincel muy flojo sobre el tuyo y con solo la punta de mi pincel, me estoy moviendo alrededor de los colores en mi papel. Tus pinceladas necesitan ser fluidas para tener estas nubes de aspecto muy suave. Voy a cambiar a mi talla número ocho pincel e intentar darle alguna forma a esas nubes, sobre todo a esas nubes blancas. Y se puede ver las hemorragias pasando por allá. Así que solo voy a usar mi cepillo húmedo y sacar esos colores de ahí, creando alguna forma a las nubes. Al quitar los colores de tu gente, siempre asegúrate de que cada vez que levantas los colores estés limpiando tu cepillo, lavando tu cepillo en agua y mojándolo en tu pañuelo, papel, toallas de tejido para que todos los colores levantados se eliminen de tu cepillo. Mientras te agreguen, asegúrate de que siempre que estés levantando los colores, especialmente para las nubes, sea muy suave y trate de hacerlo muy flojo porque cuanto más suaves y sueltas trazos tu pincel estará creando más de una lanza y más suave, las nubes se van a ver. Si creas demasiada presión, vas a crear líneas muy duras, lo que realmente no se ve nada agradable. Así que siempre prefiero ir con trazos muy sueltos y hacer esto cuando el papel todavía está lo suficientemente húmedo como para que yo lo haga. Para crear algo de profundidad en mis nubes. Voy a mojar por estas zonas con un cepillo muy húmedo. He usado mi cepillo para trapeador y con mi madre, terciopelo negro plateado talla número ocho cepillo. Voy con un valor tonal muy ligero de mi índigo mezclado con un poco de siena quemada para crear unos bordes más suaves. Voy con la punta de mi brocha húmeda para trapeador y mezclando esas mezclas índigo muy ligeras con ayuda de manos, pero conservando la forma de las nubes también. Esto nos dará la profundidad que queremos en nuestras nubes. Para asegurarse de que siempre que esté tratando crear profundidad y no producir bordes duros, asegúrese de que cada vez que vaya y deje sus colores usen un valor tonal muy claro, y luego use la punta de la presa de su pincel. Pero recuerda que tu cinta no debe cargarse con demasiada agua. Déjame mostrarte aquí otro truco genial que es al usar nuestro papel de tejido húmedo, puedes crear estas hermosas nubes esponjosas. El truco es, usa la punta de la presa del papel tisú y aplícalo muy suave levantando los colores de tu papel. Esto funcionará sólo cuando el papel esté mojado. Ahora bien, si te estás preguntando por qué he usado este tejido húmedo, la razón es generalmente cuando usamos tu tejido seco, crea unos bordes muy duros a tus nubes. Y esa es mi preferencia personal que no me gustan esos bordes duros. Por eso he ideado esta técnica. Ahora, pasando a nuestro elemento de fondo, que es esta montaña de fondo. Para eso, estaré creando mi tono gris azul que ya hemos visto en nuestra sección de paleta de colores. Para la mezcla de colores, he usado una parte de mi azul frío que consiste en el pigmento BB 15 más una parte de mi blanco Titanio blanco para decir PW 6.1 parte de mi siena quemada, que consiste en el pigmento BBR seven o VR1 01. Usando la punta puntiaguda de mi talla número ocho, pincel de terciopelo negro plateado, voy con el contorno de la montaña. Este es el primer paso. Lo mismo que hemos visto en el apartado de técnica. Espero que ustedes lo hayan practicado. Una vez que termine con el contorno de mi montaña, el siguiente paso es usar la técnica wet on dry y crear estos patrones de pinceladas semi secas también. Por lo que necesitas tener una consistencia óptima de tu pintura. Voy aquí con trazos muy flojos. Y se puede ver con solo la punta de mi pincel, estoy creando unas líneas de pincel seco marcando las crestas de las montañas. Aquí. No es necesario hacer la montaña al detalle porque esto está a distancia y queda bastante borrosa cuando la ves desde el primer plano. Así que no se requiere demasiado de detallar en las montañas . Un poco básico es suficiente para crear esa textura rugosa en las montañas. Voy aquí con técnica seca sobre seca usando mi pincel muy seco con mi color húmedo y solo estoy pastando la punta de mi pincel a lo largo del papel, puedes ver esos patrones de conductores. Estás aplicando el principio de perspectiva atmosférica donde todos los objetos que están cerca del horizonte a distancia siempre tenderán a replicar el color del mismo. Alrededores cercanos aquí están el cielo, es este hermoso, azul suave, así que estás a distancia, los colores se replicarán debido al efecto de dispersión de la luz. Y de ahí, el color resultante que perciben nuestros ojos será en ese tono mixto gris azulado. Entonces, uno de los pasos críticos aquí es que cuando estés dejando este azul sobre esa mezcla de gris azul, que es nuestra capa base, asegúrate de que vas con un control óptimo del agua en tu pintura, así como en tu pincel también, porque demasiada pintura acuosa hará que el papel se humedezca. Y por lo tanto, cuando empiezas a estratificar este azul sobre ese gris, también podrías estar levantando la capa base. Así que ejercitar el control del agua en tu pintura así como en tu pincel al ir con esta técnica de mojado sobre seco. Crear la textura en las montañas te dará una ventaja añadida, donde podrás usar la punta de tu pincel para crear algunos patrones de pincel más amplios y secos al mismo tiempo. Ahora, voy a estar creando una mezcla de pintura acuosa para crear algunos trazos más amplios son líneas en mis montañas. Ahora con solo la punta de mi pincel, voy a ir con trazos aleatorios muy libres y sueltos, pero voy a ir con trazos unidireccionales donde está la pendiente de mi montaña. Para crear un telón de fondo más realista, vamos a crear Dull o una mezcla verde apagada mezclando mi savia verde con la de mi mezcla azul gris, que ya hemos creado para crear las texturas en nuestras montañas. Yo sólo voy a seguir adelante y mezclar mi verde con esa mezcla de gris azulado. Mezcle un poco de su siena quemada en él y cree este verde más opaco. Si has observado que la mezcla de colores que he creado en mi paleta no es demasiado acuosa. Ahora estoy cargando la punta de mi cepillo y compartiendo que descargo el agua extra que podría estar presente en mi cepillo, en mi papel de pañuelo. Y solo ve con esos trazos libres usando solo la punta de mi pincel. Pero aquí los trazos que estoy creando están entre esos huecos blancos que nos quedan. Sólo tienes que seguir adelante y llenarlo en posición aleatoria, pero no cubra la totalidad de esa mezcla azul-gris. Confinado este verde y trazos sólo hacia el pie de mi montaña izquierda, como puedes ver aquí. Por lo que esto indicaría que los glaciares en alguna parte han comenzado a derretirse. Una vez que hayas completado el spot, tómate un descanso y te encontraré en la siguiente sección donde vamos a doblar valles más verdes. 12. Día 1: comienzo de la primavera: el prado y el valle del verde: Espero que estés lo suficientemente refrescado como para empezar de nuevo. Empiezo con un valor que va hacia la derecha. Y esta es la referencia. Como puedes notar en la referencia, una porción de ese valle del lado derecho está en las sombras. Y de ahí, he usado este tono apagado de mezcla verde azulado, pero este es un tipo de verde muy opaco. He mezclado un poco de marrón, un poco de verde y azul en esta mezcla para crear este color. Al seguir adelante con un valor tonal muy, muy medio de este verde, se puede ver que no es demasiado oscuro. Y en el medio, voy a ir a rellenar con algunos trazos índigo, dejando ciertos huecos en el medio. Enjuagaré mi cepillo y cargaré mi cepillo con el de hoja verde, que es de color verde amarillento. Y solo la capa lo desde arriba, arrastrándolo hacia abajo, algo así en el medio, iré y empezaré a rellenar con algunos trazos de mi índigo. Esto indicará las partes de sombra más oscuras, que es hacia el nivel del suelo. Ahora voy a estar empezando por la montaña. Hacia la izquierda. He empezado desde la base usando sap green, rellenando duro y manteniendo la parte superior sin rellenar. Ahora, cargaré mi pincel con esa hoja verde y trataré de mezclar ambos greens juntos, pero asegurándome de que no use demasiado de savia verde y lo suba a esa licencia verde hacia la parte superior. Ahora bien, si te estás preguntando por qué lo es, porque esta parte superior es el área donde están los diversos o directamente golpeando. Entonces esta es la zona donde se está reflejando la máxima luz. Y de ahí, lo hemos denotado usando nuestro color verde amarillento claro. Ahora para agregar un rasgo más característico a esta montaña, voy y sumando algunas pinceladas sueltas con mi umber quemado. Esto indicará la presencia de rocas y guijarros dispersos. Aquí en este punto siento que debería haber algo más de color verde claro aparte. Así que estoy usando mi cepillo húmedo y la luz levantando sin mano esos verdes más oscuros. Cuando levanté los greens, también había levantado los guijarros marrones que habíamos creado. Mi papel todavía está mojado en este punto. Entonces, usando mi pincel sintético y la técnica controlada de húmedo sobre húmedo, voy a colocar estos puntos de marrones de diferentes formas y tamaños hacia la base de estas estribaciones. Ahora para crear un aspecto muy suave y bien mezclado, es necesario que hagas este paso cuando tu papel aún esté lo suficientemente húmedo. No debe estar completamente seco o de lo contrario lo conseguirás, notarás rocas y guijarros sobresaliendo de manera muy destacada. Usando mi mismo cepillo sintético Princeton redondo tamaño número dos, voy a empezar a crear algunas fijaciones en estas montañas. Observé mis pinceladas aquí, estoy creando una barriga más gorda y punta puntiaguda que indica la forma del árbol. Ahora bien, este paso es totalmente opcional. Si estás contento con cómo se ven tus montañas, podrías saltarte totalmente este paso. Me gusta agregar en detalles porque siento que estos pequeños, pequeños detalles minuciosos le dan realismo a sus pinturas. Pero si NO estás en para ello, podrías saltarte totalmente este paso. Ahora bien, si has creado las espinas, el siguiente paso sería mezclar la base de las espinas en nuestras montañas. Así que usa solo la punta de la presa de tu cepillo. Hazlo. Hemos completado con éxito nuestro midground. Ahora es el momento de iniciar un primer plano, que es un pastizal. Para el pastizal, voy a ir con la técnica wet-on-wet. Ahora bien, si te estás preguntando por qué para este primer plano en particular, vamos con la técnica wet-on-wet. La razón es que esta zona es mucho más grande. Este pastizal tiene una superficie mucho mayor. Entonces, si tuviéramos que ir con la técnica de húmedo sobre seco, podría haber posibilidades de que nuestro papel comience a secarse y los colores no se mezclen bien. Para evitar estos problemas, voy a ir con la técnica wet-on-wet. Ahora bien, si has observado cuando las hojas jóvenes se enorgullecen, el color de las hojas se asemejará cercano a este, color verde amarillento. Y a medida que las hojas maduran, se convertirán en verde savia y luego pero patio con la edad, se convertirán en tonos más oscuros de verde. Entonces teniendo en cuenta este concepto, he empezado con el medio o el pastizal con la capa base de color verde amarillento. Y luego con mi savia verde, voy adelante y creando algunas pinceladas para indicar cierta profundidad y textura en nuestro pastizal. Voy a repetir este mismo proceso para todo el pastizal. Pero de vez en cuando voy a seguir adelante y cambiar mis pinceladas para indicar una sensación de profundidad en la pintura. Así que sigue observando. Ahora hacia la base de este pastizal para darle una sensación más realista, voy con estas líneas curvas con mi valor tonal más oscuro de savia verde. Ahora, en lugar de verde savia, podrías usar tu mezcla de marrón verdoso mezclando un poco de siena quemada o umbre quemada en tu, esta mezcla verdosa y crear esta sensación de profundidad en este pastizal. pinceladas cuando se hacen bien, y se mantienen muy sueltas y audaces, pueden crear mucha más vivacidad y energía en tu pintura. Y es por ello que la mayoría de las pinceladas en la pintura realista que observarías serán muy direccionales. Esto nos da un sentido de dirección y de ahí, el aspecto 3D de la pintura cobra vida hacia la base voy adelante con una mezcla de mi barra Tom bond para indicar el suelo o la demanda. Aquí en este punto, mi pastizal en la cima se ve muy plano, así que solo voy a seguir adelante e incluir algunas de estas curvas abultadas, líneas inclinadas de color verde savia. Ahora ves que ha conseguido tanto de esa forma. Hacia mi pradera derecha. Voy a ir con la técnica wet-on-wet como lo hemos hecho antes. Estoy mezclando mi amarillo verdoso con el del verde savia para crear este amarillo verde muy cálido. Ahora cambiando a mi talla número seis, cepillo de terciopelo negro plateado. Y seguir adelante para agregar algunos trazos direccionales cerca esta base de mi pradera derecha. Para crear la ilusión de profundidad en este pastizal hacia la base, iré con solo la punta de mi pincel número seis cargado con mi umber quemado mezclado. Y voy a empezar a acodarla en la base para que se mezcle con los greens. Asegurándome de que hago este paso cuando mi papel aún está mojado. Una vez que tu papel está o la zona ha comenzado a secarse, estas pinceladas que estás creando dejarán marcas muy feas, son parches secos en tu papel, que no se verán muy atractivos para tus ojos. Aquí en este punto, mi papel ya se ha secado, así que voy a seguir adelante con rehumectación de esta área particular del papel. Porque vamos a seguir adelante con técnica de salpicadura húmeda sobre húmeda para crear las flores silvestres. Ahora, de seguir adelante con la técnica de re-ponderación, siempre ten en cuenta que no aplique demasiada presión sobre su pincel sobre el papel. Al hacerlo, estarás levantando los colores base que no quieres. Hay que revertir lenta y poco a poco la superficie sin levantar los colores. Es hora de crear algunas flores mágicas salpicando agua sobre tu fondo húmedo. Ahora en lugar de agua, también podrías seguir adelante y usar tu mezcla de pintura de colores acuosos. Use mezclas brillantes para crear medidores florales brillantes. Ahora, es debido a la naturaleza de la acuarela que en mojado intenta volver a mezclarse. Mis floraciones ya comenzaron a mezclarse con el fondo, y de ahí que salpicé una vez más. Ahora usando mi pincel más verde filbert, solo voy a crear estas formas parecidas al vidrio. La punta de mi pincel está prácticamente seca, así que solo estoy cargando con mi control la mezcla de pintura de color verde savia y creando este agarre envejece completamente Neo justo cerca de esas áreas verdes más oscuras. Siempre que vayas con el follaje de pasto, ve con diferentes direcciones para denotar el movimiento de los pastos al viento. Para esta roca, que está hacia la esquina del borde de mi papel, voy con pinceladas secas sobre secas. Primero comencé con mi sienna quemada y luego estoy estratificando con umber quemado. Ahora usando la misma mezcla más oscura de mi umber quemado, voy a agregar pequeños detalles hacia la base de este medio. Ahora es el momento de pasar a nuestros medios, a la izquierda. Va a ser el mismo proceso que hemos hecho para el medio de la derecha. Así que sigue observando. Comenzando con la técnica húmedo-sobre-húmedo con capa inicial de color verde amarillento. Hacia la base, justo a lo largo de las formas de contorno de estas rocas están las piedras que ya he creado. Solo voy a seguir adelante y llenar esas áreas con estos trazos direccionales usando mi mezcla de umber quemado. Únete a mí en la siguiente lección para la finalización final. 13. Día 1: inicio de la primavera - flujo y detalles finales: Para que esta pradera, repito exactamente el mismo proceso de lo que habíamos hecho por la medial, que está a nuestra derecha. Estoy estratificando mi savia verde, asegurándome de que cuando la capa de marrón aún esté húmeda, voy adelante y dejando que mis verdes entren en esos tonos más oscuros de marrón y mezclándolo en las áreas más claras. Hacia la base de este medio, voy a seguir adelante y ponerme un poco más de ese marrón oscuro. He mezclado un poco de mi índigo con mi siena quemada. Ahora bien, si quieres crear tu propia mezcla de tus tonos marrones más oscuros, siempre sigue adelante y agrega ya sea el gris de Payne, es decir, eres negro o DR. Tonos más oscuros de azul, obtendrías un tono marrón más oscuro. Ahora antes de que la capa superior de la medial se seque, solo voy a ir con una mezcla acuosa de mi savia verde y ponerla en capa. Ahora en este punto, esta parte del papel está mojada, así que es un buen momento para seguir adelante y hacer la salpicadura y la táctica. Ahora aquí estoy usando mi amarillo limón para salpicar, pero si quieres, solo puedes usar tu cepillo húmedo y salpicar agua por ahí para crear flores. Aquí las flores serán poco coloridas que sea de color amarillo. O de lo contrario puedes simplemente seguir adelante y salpicar algunos rosas, rojos en una masa deliciosa para indicar alguna flor silvestre por ahí. Ahora, estás usando mi cepillo peine o el cepillo más verde filbert. Yo sólo voy a seguir adelante y crear estos patrones de patas de hierba por aquí cuando mi fondo todavía está mojado. Ahora es el momento de que pasemos a nuestra corriente. Para arroyo, vamos aquí con técnica húmeda sobre húmeda. Voy adelante y creando una mezcla muy acuosa de mi azul turquesa en lugar de azul turquesa, podrías usar cualquier tono de azul más claro, preferentemente azul frío. Ahora bien, si se preguntan por qué estoy usando azul turquesa para estas corrientes glaciales. La razón es que, la mayoría de las veces cuando los glaciares comienzan a derretirse, erosiona la roca o las partículas minerales que están presentes en estas montañas sí dando este color. Los minerales en realidad dan este color verde azulado del agua. Y de ahí, voy adelante con este azul turquesa. Si quieres, puedes agregar algo de ese azul Taylor y mezclarlo con un poco de viridiana o verde esmeralda y crear el color verde azulado de tu arroyo de montaña. Como llegarás a esta parte más amplia del arroyo aquí, voy a replicar el movimiento en el agua usando estas pinceladas curvilíneas observé mis pinceladas por aquí. He dejado ciertos huecos blancos o espacios intermedios para crear la ilusión de eso. Para mí, las ondas que se forman son la zona espumosa del arroyo. Entonces no voy a usar tu pintura blanca o gouache blanca. Así que solo voy a añadir poco más de profundidad a esta cuerda agregando algunos tonos más oscuros de mi azul aquí he usado mi mezcla de azul pavo real, que también es un azul frío, y simplemente yendo por los lados de los medios y rellenando los tonos más oscuros. He llevado a que mi papel se seque un poco y agregue esta fecha cuando el papel esté casi semi seco, voy adelante y agregando algunas rocas por allá usando mi mezcla de umber quemado mezclado con un poquito de Van **** marrón hacia la base de estas rocas voy entrando y agregando el tono más oscuro. Hacia mi izquierda también, tengo otro pedazo de roca o más audaz. Entonces para eso también, estoy repitiendo los mismos pasos que hemos hecho para el que está a nuestra derecha hacia la base, voy adelante y sintiendo los colores más oscuros y en la superficie de la roca, voy adelante con patrones de pincel seco con mi bond sienna hacia mi izquierda. Ellos que hacemos se ha secado por completo. Ahora voy a ir y reponderar muy ligero con ayuda de una brocha muy acuosa. Esperaré a que el papel absorba el agua y luego salpicaré las flores rosadas. Esperé a que mi papel se secara por completo y ahora me estoy quitando las cintas de enmascarar en ángulo. Estoy siendo lo suficientemente paciente. No intentes quitarte las cintas de enmascarar cuando tu papel aún esté húmedo. Siempre espere a que su papel se seque por completo antes de ir y retire las cintas. Esto también asegurará que su papel no se haya deformado. Y aquí está el look final de una pintura tan refrescante y hermosa, ¿verdad? Primavera perfecta como con esta, hemos completado con éxito la que te veré a continuación con ese día para proyectar. 14. Día 2: planificación y bocetos: Ahora esto es lo que vamos a pintar para D2. Antes de continuar con la parte del boceto, primero planeemos nuestra pintura. Lo primero con lo que voy a comenzar esto, mi cielo, como pueden ver para este tipo, me voy con la técnica de mojado sobre mojado para cielo. Entonces vamos a pasar a nuestra montaña de fondo distante. Esto lo vamos a hacer manipulando los valores tonales de un color, yendo con el tono más claro. Y luego nos estamos moviendo a un primer plano donde estamos usando los colores contrastantes más brillantes y vibrantes para crear una mayor impresión de profundidad y texturas en un paisaje. Ahora comencemos con nuestra pintura. Antes de eso, voy a pegarlo con cinta adhesiva con la ayuda de mi cinta adhesiva. Empecemos. En la esquina derecha de la pantalla, puedes ver la referencia ahora puedes pausar la pantalla por aquí y usar esta referencia y esbozar tu contorno. O podrías ver el video completo de mi proceso y luego podrías pausar la pantalla donde he completado el esquema y continuar a hacer el tuyo. Ahora como regla importante, siempre tiendo a marcar o calibrar el área donde quiero que esté mi línea de horizonte. Y luego empiezo a crear los otros elementos. Así que solo sígueme o repasa todo este video. Y luego una vez que hayas llegado al final de este video, podrías pausar la pantalla y crear tu propio contorno. Ahora es el momento de crear la cerca en nuestro primer plano. Aquí, voy a implementar la perspectiva lineal porque la barda va a retroceder en la distancia. Entonces voy a usar las formas más pequeñas para indicar esa distancia y profundidad en ella. Así que aquí tienes, y este es mi boceto terminado. Así que podrías pausar la pantalla aquí y crear tu propio boceto. Una vez que hayas terminado con tu boceto, es el momento de comenzar con nuestras acuarelas. 15. Día 2: paleta de colores: Hola, bienvenidos al día dos. Empecemos rápidamente con la paleta de colores. Primero, vamos a comenzar con los colores del cielo. Primero comenzaré vislumbrando la nube, especialmente las dramáticas nubes oscuras que vamos a pintar. Entonces eso va a ser con mi violeta permanente. Ahora bien, la validez permanente que estoy usando aquí tiene un poco de granulación. El siguiente color sería el violeta mineral. Ahora, cuando mezclas violeta permanente junto con tu rosa neón aquí en este caso tengo swatch dot oprah pink. Obtendrías este matiz de violeta mineral. El siguiente color que voy a probar es mi amarillo indio. Este amarillo es un amarillo dorado muy cálido. En lugar de este amarillo, podrías optar por mostrar yarda cualquier tono amarillo cadmio profundo que tengas contigo. Ahora bien, cuando mezclas en este amarillo profundo, un poco de tu blanco titanio, que es consiste en el pigmento p W6, estarías teniendo de cerca un color que es muy similar al de tu amarillo Nápoles. amarillo nápoles es el color que vamos a utilizar para crear los colores del atardecer cerca de la línea del horizonte del cielo. Entonces aquí verás que tiene el pigmento BY 35, que es el pigmento amarillo, y PW six, que es el pigmento blanco. Entonces esto es lo que voy a usar los amarillos para mis colores del atardecer. El siguiente color que vamos a necesitar es este verde brillante, hermoso, amarillento, que vamos a usar un poco sobre las montañas, las montañas medias y cubrirlo con nuestras montañas de primer plano. Ahora, puedes crear hojas verdes mezclando tu amarillo limón junto con tu verde savia. Recuerda mezclar dos partes de amarillo limón y una parte de verde savia para darte esta mezcla verde hoja brillante. Ahora, otro verde que voy a usar es el amarillo verdoso. Se podría crear el mismo color amarillo verdoso, que es un poco verde cálido. Mezclando tu amarillo cálido, que es tu amarillo indio, o podrías usar tu amarillo permanente profundo y mezclarlo con tu verde savia. Recuerda ir de nuevo con dos partes y una parte de tu verde, dos partes de una amarilla, quiero decir, así que aquí estoy mezclando el color que te hagas la idea de cómo crear la sombra. Entonces voy a mezclar mis colores juntos y tratar de estar muy cerca del color que es mi amarillo verdoso. Por lo que YouTube podría seguir el mismo paso. Sigue mezclando los colores hasta que estés satisfecho y crea el tono que es muy cercano o similar al mío. Ahora, voy a destrabar mi color, que tenemos una mezcla. Y aquí puedo ver que el color está muy cerca, pero necesita un poco más de ese verde. Voy a seguir adelante y mezclar algo de su savia verde en esta mezcla y ver que tenemos nuestro compartido muy cerca de la de un amarillo verdoso. Ahora otro color que necesitaríamos es la siena quemada o el color marrón rojizo para las cercas. Así que prepara tus colores y encuéntrame en la siguiente lección, donde estaremos pasando por las técnicas. 16. Día 2: técnicas: Ahora que tenemos nuestros colores listos, comencemos con nuestras técnicas del día dos. Primero vamos a comenzar con unos valores tonales, especialmente los que vamos a utilizar para crear montañas de fondo con el fin de crear esa ilusión de profundidad. Entonces estaré usando este violeta mineral así como mi violeta permanente para imitar el efecto de la perspectiva atmosférica. A medida que te acercas al primer plano, ves que los colores son cada vez más brillantes y más saturados. Entonces esto es lo que vamos a hacer. Vamos a probar rápidamente el primer valor tonal de nuestro violeta mineral. Estoy ejerciendo el control del agua en mi pincel y cargando el color en mi pincel y swatching aquí. Entonces este es mi valor oscuro del violeta mineral. Esto lo voy a usar para crear drama y profundidad en las nubes de este tipo. Entonces este es el primer valor. Ahora voy a tomar algo de este valor original de la piscina y luego lo voy a diluir y diluir agregando un poco de agua. Entonces el valor tonal que tengo aquí ahora mismo es casi hacia el extremo más claro, extremo más claro del rango de valores tonales. Entonces se podría decir que estaría usando este valor como resaltado y valor de poca luz. Entonces ahora comencemos primero con las técnicas y empezamos con este tipo, que voy a ir con mi técnica favorita de mojado sobre mojado. El primer paso es dejar el papel con un lavado uniforme de agua. Voy a seguir adelante y hacer esto. Recuerda, el lavado debe esperar uniforme, no debe haber ningún agua estancada o las albercas se forman charcos en el costado o bordes de tu papel. Ahora voy a cargar mi cepillo con el amarillo Nápoles. El amarillo Nápoles que tengo en mi pincel está en el valor de rango más ligero, como pueden ver. Entonces solo voy a seguir adelante y suavizar la pintura, dejando algunos huecos blancos en el medio. A medida que suba, voy a estar usando la propina ahí. El valor del color será mucho más claro que lo que inicialmente estaré comenzando en la línea del horizonte. Estaremos usando valores tonales más claros en la parte superior de este tipo, porque ahí vamos a ir con colores complementarios como violetas y azules. Ahora violetas y azules cuando se mezclan con el amarillo, formarán un tinte muy fangoso o verdoso. Entonces para evitar eso, vamos a seguir adelante y usar una combinación de colores analágicos. Ahora, naranja y amarillo, los colores analágicos que voy a tomar es mi rosa. El rosa ópera forma un hermoso tono coral, rosa anaranjado cuando se mezcla con este ambos colores. Entonces voy a compartir mi Skype con esta sombra y mirar mis movimientos de pincel por aquí para crear las nubes. Tan redondo, tan coloreado medio trazos circulares y luego extendiéndolo por el otro lado. Al hacer esta cinta, asegúrate de que eres muy flexible con el movimiento de tu muñeca, sobre todo cuando estés creando nubes, porque cuando estés flexible y muy suelto, la forma en que tengas pinceladas más saludables va a ser mucho más fluida y va a haber mucho más movimiento, fluido, zancada larga que denota el movimiento en las nubes. De ahí que sea muy importante que no seas muy rígido con el movimiento de la mano. Ahora bien, ¿observa estas hemorragias que están pasando por aquí? Esto podría deberse a que había demasiada agua. Así que una manera fácil de que los prefijos se muevan alrededor de la punta de tu cepillo alrededor esas áreas para tener estos extremos limpios y más suaves, pero haz este paso cuando tu papel aún esté húmedo. A continuación, comencemos con nuestras montañas medias. Pero antes de iniciarlos en montañas terrestres, nos hemos perdido por completo nuestras montañas brumosas en el fondo para lo cual voy a utilizar los valores tonales más claros de mi mineral Violeta y violeta permanente. Así que comencemos con nuestros terrenos intermedios. No te preocupes, esas montañas brumosas son muy fáciles. Podemos ver directamente esa técnica cuando estamos pintando nuestro proyecto principal para las montañas medias de aquí, estoy comenzando con la técnica de húmedo sobre seco. ¿Por qué? Porque necesito que los colores tengan más contraste y que sean ricos. Esa es la razón por la que voy aquí con esta técnica de húmedo sobre seco, pero cuando estoy mezclando o mezclando dos colores y asegurándome de que la pintura mezcle poco acuosa para que los colores se mezclen bien cuando haya humedad y el papel. Ahora voy a cambiar a mi talla número tres brocha sintética de Princeton Heritage Series se quitó toda esa humedad extra del cepillo al pincharlo en papel de tejido, viaje de tejido. Y ahora voy a empezar a crear estas líneas verticales. Los más largos y más cortos para crear o indicar la multa ya que estos son casi empujados hacia el fondo, pero no exactamente en el fondo, pero no demasiado en primer plano. Aquí, los detalles pueden ser poco borrosos y la forma puede ser algo así. No necesitas ir y tener unos pinos de aspecto muy detallado por aquí. Y esa es la razón por la que sigo adelante con estos trazos verticales más cortos, más largos y más cortos porque quería que mi parte inferior de los pinos estuviera bien mezclada con el fondo. Creé las formas cuando el papel aún estaba mojado. Entonces se mezcló bien. Ahora llegando a la mitad. Entonces así es como voy a empezar con mi mitad. Se puede ir con húmedo sobre húmedo o húmedo sobre seco. Estoy aquí mostrándote el proceso húmedo sobre seco porque estoy pintando aquí sobre un pequeño trozo de papel o una pequeña superficie. Pero si tu superficie es mayor, como como vamos a hacerlo en la pintura final, entonces podría sugerirte que vayas con la técnica húmeda sobre húmeda que tengas mucho más tiempo para dejar que tus colores se mezclen y jueguen bien juntos. Ahora este medio está en primer plano. Entonces aquí estaremos creando algunas formas de pasto largo. Entonces para eso, te voy a enseñar dos técnicas. Uno usando mi cepillo más verde desfavorecido y el otro usando este cepillo de calamar y trapeador. Lo siento, esto no es secretado. Esto es pelo de cabra, cepillo de trapeador. Este es un cepillo de pelo natural. Ahora la punta del pincel está un poco húmeda y ya ves como estoy creando los trazos, trazos largos verticales liberando los extremos de la punta de mi pincel. Entonces así es como puedes mover los colores y crear los trazos. Asegúrate de cargar tu pincel con algunos tonos más oscuros y crear estos mismos patrones. Ahora, lo mismo se puede hacer usando mi pincel más verde de trabajo de campo. Entonces, en lugar de este tipo de cepillo peine, también puedes seguir adelante y usar un cepillo abanico. Esto te dará el mismo efecto que tengo usando estos dos pinceles. Ahora rápido, agarraré mi otro cepillo, que es mi talla número seis, cepillo de terciopelo negro plateado, cargaré la punta con poca agua y la salpicaré alrededor de este medio. Esto tiene que hacerse cuando el papel aún está mojado. Porque si el papel empieza a secarse, no podrás conseguir estas flores. Entonces, para que consigas estas flores, asegúrate de hacerlo cuando el papel aún esté lo suficientemente húmedo. Ahora, en lugar de estas floraciones, también puedes seguir adelante y usar la sal ahí también estarás obteniendo un tipo similar de patrones. Ahora una técnica más es mojar solo la punta de tu papel de tisú, algo así y aplicarlo al azar en ciertos lugares como este. Entonces, cuando vas a mojar la punta de tu papel de tisú, estás creando bordes más suaves en lugar de crear los bordes secos univales. Entonces esta es en realidad una técnica de levantamiento que estás haciendo con el papel de seda. En este punto, también puedes seguir adelante y salpicar algo de sal, como ya he mencionado. Para que la técnica funcione, tus papeles aún deben estar lo suficientemente mojados. Si el papel ha comenzado a secarse, no obtendrá estas flores dispersas. Casi hemos cubierto todas las técnicas amplias. Ahora creo que solo queda esta técnica que es mojada sobre técnica seca para la barda que veremos en la pintura final. Nos vemos en nuestra siguiente lección. 17. Día 2: cielo - parte 1: Empecemos con este tipo. Para este tipo, voy a ir con técnica wet-on-wet, pero antes de eso, me aseguré de que mi cinta adhesiva esté bien pegada o pegada a mi papel. Voy adelante y estratificación y capa uniforme de agua sobre mi papel, asegurándome de cubrir todas y cada una de las esquinas hasta la zona donde mis cielos, si es necesario, repasan estas áreas una y otra vez, asegurándome de que vas adelante y extendiendo el agua de manera uniforme. Porque cuanto más esparzas el agua uniformemente por el papel, más tiempo tendrás para pintar mojado sobre mojado. Creo que estoy satisfecho con la estratificación del agua. Voy a comprobarlo. Sí, ahí está el brillo reflectante uniformemente a través del papel, así que simplemente me detendré aquí y ya es el momento de seguir adelante y cargar mi pincel con pinturas. Mojaré mi cepillo en agua y lo colocaré en seco sobre pañuelos, papel, mesa de pañuelos. Esto asegurará que mi cepillo no tenga cantidad extra de agua en él. Hace ejercicio de control de agua. Ahora, estoy cargando mi cepillo con amarillo Nápoles. Mira el valor tonal. Voy con valor tonal muy ligero por aquí. Y observa mis pinceladas. Voy muy ligero sin manos y solo voy adelante con estos largos trazos, dejando en algunos espacios más blancos en el medio. Ahora también, mis pinceladas aquí afuera. Voy con pinceladas muy suaves, holgadas, horizontales por aquí usando solo la punta de mi pincel. Y a medida que me muevo por el papel hacia arriba, mi valor tonal del amarillo Nápoles se ha vuelto un poco más ligero. Ahora hacia la línea del horizonte, voy adelante y dejándola con color amarillo profundo, que es un poco de tono anaranjado amarillento. Entonces, si tienes naranja, también podrías seguir adelante y usar un valor tonal medio a más ligero de naranja y hacer lo mismo a veces, incluso si ejercitas el control del agua, verías que los espacios vacíos que no habrías dejado en el medio estarían todos mezclados. Esto se debe a que es la naturaleza de la acuarela ir a lo largo del flujo de agua ya que tu fondo es húmedo, tenderá a mezclarse. Así que podrías levantar esas áreas usando la técnica de elevación. Al mirar el papel, puedo sentir que la parte superior ha comenzado a secarse. Entonces solo iré con una capa uniforme de riego alrededor de esta zona, asegurándome de que no toque demasiado en el amarillo. E incluso si toco, simplemente lo mezclo bien? Debe estar preguntándose ¿por qué hice este paso? Esto se debe a que quería que mi cielo se viera suave y bien mezclado. Y como el papel se estaba secando por ahí, donde las posibilidades de que pudiera desarrollar algunos bordes duros cuando empecé a ponerme capas con el dolor ya que también tendremos que seguir adelante y crear algunas nubes dramáticas, ¿verdad? Esa fue la razón por la que seguí adelante y reponderé el área. Ahora se puede ver que el azul que dirigí era azul-gris y tan bien mezclado en el fondo. Lo interesante a tener en cuenta aquí es que a medida que me acerco hacia mi amarillo, el azul fue muy claro y de ahí que no dio ningún amarillo verdoso. Y también porque el amarillo que he usado aquí es amarillo Nápoles. Siguiente He empezado con mis nubes. Entonces para eso, estoy usando una mezcla de oprah rosa junto con mi amarillo profundo. Y se puede ver lo hermoso que se ve genial este color coral, rosa anaranjado. Me encanta usar este color para las nubes. Y mira la forma que estoy tratando de crear para mis nubes. Estoy usando solo la punta de mi pincel y voy con estos círculos medio aleatorios usando solo la punta y moviéndola muy suavemente, aplicando una presión muy ligera y liberando la presión. Como quiero que pasen esos trazos y asegúrate de no aplicar demasiada presión en la punta de tu pincel porque mientras lo haces podrías estar levantando los colores de fondo. Cambié mi pincel a mi talla más pequeña, número seis, cepillo de terciopelo negro plateado. Ahora usando este pincel, lo estoy cargando con el tono más oscuro del violeta mineral y usando las mismas formas que hemos creado antes, voy adelante y creando una capa dramática a las nubes agregando los tonos más oscuros. Esto trae la profundidad muy necesaria para las nubes. Voy a repetir el mismo paso usando mi violeta permanente también. Esto voy a estar usando para crear la capa más oscura de nubes en la parte superior. Me encanta pintar el cielo al atardecer, especialmente los que tienen este tipo de nubes dramáticas. Este ha sido mi tema de referencia en estos días para pintar con. Si me estás siguiendo en Instagram, podrías ver mis pies llenos ese tipo de cielos brillantes y hermosos. Para encontrar inspiración sobre los colores que podrías usar alternativamente para pintar tu cielo al atardecer, puedes explorar imágenes dramáticas del cielo al atardecer en Unsplash, pixabay o incluso píxeles. Estos son sitios libres de derechos de autor. Así que encuentra tu propia referencia, selecciona la combinación de colores que quieras darle una oportunidad. Y también podrías alterar los colores de este mismo proyecto y probarlos. Uno importante si para ti aquí es que cuando estás pintando cielos dramáticos como este tipo, donde hay múltiples colores involucrados, lo que podría ser complementario en la naturaleza, empieces a combinar los colores que son analágos y armoniosos y la naturaleza al ponerlos en capas uno tras otro, para luego usar tus colores complementarios. Al hacerlo, evitarás el reto de crear las mezclas fangosas cuando los colores complementarios choquen entre sí y formen ese tipo de mezclas. El ejemplo perfecto es esta pintura en particular donde hemos empezado a dejar que mis amarillos, naranjas, rosas, luego mis azules y luego mi violencia sí creando una mezcla armoniosa. El tipo nosotros tiene el momento adecuado para pasar a nuestras montañas. Empecemos con la montaña de fondo distante, donde se aplicará el principio de perspectiva atmosférica. Voy a seguir adelante y usar un valor tonal muy ligero de mi violeta mineral. He mezclado un poco de ópera para que coincida con el color con el de mi cielo, especialmente el que es su línea cercana al horizonte. Ahora, con otro pincel, voy a cambiar a mi talla número ocho cepillo. Y usando esta **** punta de mi pincel, voy a compartir el agua en la base de la montaña. Hacer esto se asegurará de que cuando empiece con mi violeta mineral desde arriba, la base se mezcle automáticamente. Los colores fluirán hacia abajo hasta la base, creando así el efecto brumoso que quiero. Entonces aquí voy a ir con la combinación de húmedo sobre húmedo y húmedo sobre seco, húmedo sobre seco por tener el contorno de la montaña muy crujiente, indefinido, pero mojado sobre mojado cuando empiezo llenar la montaña y mezclarla para formarlas efecto brumoso. Usando la punta de la presa de mi pincel, solo voy a empujar hacia abajo los colores hacia la base de las montañas que ya está húmeda, creando así este efecto muy suave mezclado de Mr looking . Y eso es todo. Ya terminamos de pintar nuestra montaña de fondo distante. Únete a mí en la siguiente lección donde vamos a seguir pintando el resto de los elementos. 18. Día 2: Elementos de suelo medio - Parte 2: Continuando con mis montañas, que está justo debajo de las montañas en la cima de aquí, voy con mi poco más oscuro valor tonal de violeta permanente. Voy aquí con técnica de húmedo sobre seco porque quiero mis montañas tengan ese contorno o forma definidos. Y hacia la base, solo voy a ir y usar el mismo método que hemos usado en las primeras montañas. Bien, estamos usando un cepillo acuoso. Voy a ir y tirar los colores hacia abajo hacia la base de las montañas para que el efecto brumoso sea más pronunciado aquí. Ahora bien, otra razón por la que fui con técnica de húmedo sobre seco para crear el contorno de las montañas fue que la gente detrás de las montañas podría estar todavía húmeda porque acabas de pintar tus primeras montañas y allí se utilizó la técnica wet-on-wet para crearlas como tasa de defectos. Entonces esa fue la razón o haces ejercicio con agua controlando tu pincel o esperas a que la primera capa de las montañas se seque para comenzar tu segunda capa. De esa manera, podrás controlar las hemorragias. Ahora pasando a las montañas que estarán más cerca del primer plano. Entonces estos los vamos a pintar con una combinación de verde más claro y más oscuro. Primero, voy a estar dejando la capa base de las montañas con este verde amarillento. Esta es la hoja verde que estoy usando. Podrías consultar la sección de paleta de colores para saber cómo hemos creado esta mezcla de verde hoja en caso de que no tengas este color a mano contigo. Ahora, aquí, si te has dado cuenta, voy con la técnica de húmedo sobre seco pero combinando mezcla de pintura acuosa para que mis dolores fluyan más fácilmente sobre mi papel. Y además, esto permitiría que mi papel se mojara para el periodo que quiero seguir adelante y dejarlo con los tonos más oscuros. Esto me permitirá darle a esta Montaña el aspecto bien mezclado con algunos trazos verdes más oscuros y claros. Ahora, seguiría adelante y crearía una mezcla más oscura de verde simplemente mezclando mi verde con azul o incluso tu violeta haría el truco. Así que solo sigue adelante y etiqueta estos tonos más oscuros de verde la parte superior de las montañas en algunos trazos inclinados como este, pero no cubren todas las montañas. Deja algunas de esas partes más ligeras también para que se muestren a través. Y se puede ver que habría cubierto demasiado de esas sábanas verdes más oscuras. Entonces seguí adelante y levanté algunos de esos colores. Ahora hacia la montaña a mi derecha, voy a acobarme con esta capa base de mezcla amarilla verdosa, del mismo color que hemos usado para crear la capa base para las montañas de mi izquierda. Ahora aquí, estratificar primero con una capa base de tonos más claros te dará la ventaja añadida de crear los tonos más oscuros a tu deseo de crear profundidad. Porque una vez que diriges a tu gente con tonos más oscuros, realmente no puedes aclararlo, ¿verdad? Entonces por eso es más fácil. Y como mejor práctica, es más fácil comenzar primero con tus tonos más claros y luego oscurecerlo. Ahora, estoy estratificando a mi papá amarillo verdoso cálido hacia la base de las montañas con estos mismos trazos largos inclinados que puedes ver. Y aquí estoy empezando a liderar los tonos más oscuros desde la base de las montañas yendo hacia arriba, dejando entremedio algunos de esos colores más claros para mostrar a través. Realmente no estoy contento con cómo se ve esto, así que simplemente iré a limpiarlo usando mi punta húmeda de mi pincel, levantando los colores cuando sea necesario y creando estos trazos donde sea necesario. Ahora, una belleza de la técnica de húmedo sobre seco es que si sabes variar la cantidad de agua y trabajar a tu manera, controlando y manipulando la pintura para escucharte. No podrías lograr aún este aspecto bien mezclado que puedes ir por la técnica de mojado sobre húmedo, pero esto es posible solo cuando sabes controlar el agua en tu pintura y trabajarla a tu favor. Ahora puedes ver el efecto que hemos obtenido mediante el uso de la técnica de elevación, hemos creado la ilusión de dos montañas separadas ¿verdad? Ahora. Vamos a aprovechar esto y cargar la base de las montañas con tonos más oscuros. Entonces esto daría la ilusión de que Hay dos cadenas montañosas separadas, y la que está más cerca del primer plano o está bajo las sombras es la más oscura. Ahora puedes entender estas pequeñas pequeñas cosas que observas y tratas de implementar en tus paisajes pueden marcar mucha diferencia y traer esa profundidad y la sensación de distancia que quieres crear en tus pinturas. He preparado una mezcla de mi verde más oscuro usando mi savia verde y violeta. Ahora, como el papel todavía está mojado por aquí, iría y crearía estos trazos verticales largos y cortos para crear la ilusión de pintas. Pero esto va a estar muy bien mezclado en el fondo porque esto es exactamente lo que quiero. Ahora bien, durante esta parte de la pintura es exactamente el punto en el que te gustaría ejercer el control del agua. Si sigues adelante con una mezcla de pintura demasiado acuosa en esta etapa, crearás innecesariamente hemorragias en las montañas de fondo. Y eso es una especie de arruinar para tu pintura. Para tener un mejor control del agua. Ahora estoy mojando el pincel en papel, papel, viaje de pañuelos, y sigo adelante y creando estas puntas afiladas de mis pinos usando solo la punta de mi talla número seis cepillo de terciopelo negro plateado. Buddy, si quieres, también podrías seguir adelante y hacer este paso usando puntas de yarda, brocha sintética. Es hora de empezar con los medios. Para el medio, voy a ir con la técnica wet-on-wet. ¿Por qué? Porque necesito cubrir una superficie más grande. También sería posible seguir adelante con húmedo sobre seco, pero habría el desafío de dónde ciertas áreas del papel comenzarán a secarse antes que las otras. Entonces para evitar eso, voy a ir con mojado-sobre-húmedo. De esta manera, tendré más tiempo para crear la profundidad y permitir que los colores, especialmente los tonos más claros y más oscuros de los verdes que estaríamos usando parezcan bien mezclados y suaves. Ahora hacia la base de estas montañas más oscuras a nuestra derecha y el inicio de los medios, voy a ir por la forma del medio usando tonos más oscuros. Después de llevar mi verde más oscuro, me doy cuenta de que se ve un poco aburrido. Entonces cambié esa parte a mi savia verde. Ahora hacia la base del papel, se ve que voy adelante con estos largos trazos verticales, poco inclinados a crear el movimiento en las briznas del pasto. Ahora cambia a mi pincel más verde filbert para crear los patrones similares al vidrio. Si tienes un cepillo abanico contigo, igual manera podrías hacer este paso aquí. Ver la cantidad de control de agua que estoy ejercitando. Tu papel está óptimamente húmedo. Si usas pintura demasiado acuosa, crearás una especie de flores parcheadas entre el medio. No quieres eso, de ahí, sigues adelante con esta mezcla de pintura controlada de tu verde más oscuro para crear profundidad en los pastos, voy adelante con un valor tonal medio de verde y también con el valor tonal más oscuro, esto crearía la profundidad que se requiere. Ahora es el momento de crear las texturas mágicas en un medio. Entonces estoy cubriendo la parte superior de mi pintura con estos papeles que evito cualquier salpicadura no deseada cerca del cielo o de la región montañosa. Quiero que las salpicaduras se limiten sólo a lo largo de esta región. Entonces podrías usar esta técnica o salpicar algo de sal en este punto. Ahora mi papel se está secando un poco y me di cuenta de que los patrones de agarre que había creado usando los tonos más oscuros casi se han ido como si se hubieran mezclado bien en el fondo. Entonces estoy aquí yendo rápido con mi pincel más verde filbert otra vez para crear esos patrones más oscuros de pastos. Observe lo hermosos que han ocurrido esos efectos de floración, ¿verdad? Entonces para pronunciarlos más, estoy frotando mi papel de tisú para crear los bordes difusos mezclados suaves a estas bolas. Esto casi se parece a la de Dan de León. Encuéntrame en la siguiente sección donde iremos adelante y completando nuestro proyecto con los detalles finales. 19. Día 2: detalles finales - Parte 3: Bienvenidos de nuevo a la última y la parte final aquí vamos a pintar la barda. Aquí en medio de mi papel ha secado totalmente por aquí y eso es muy, voy a seguir adelante y creando la cerca usando la técnica de húmedo sobre seco. La mezcla que estoy usando aquí es color marrón rojizo mezclada con un poquito de violeta mineral. Entonces obtienes este bonito matiz de violeta a tus marrones. Realmente me encanta usar esta mezcla marrón. Mientras estoy llenando la barda con mi mezcla de marrón rojizo, me aseguro de que un lado de la misma o una parte de esta barda que está orientada contra la luz, sea de color más oscuro que la otra parte. Voy a repetir el mismo proceso para estas partes horizontales de la barda donde la parte superior será un poco más oscura que la parte inferior, o podrías hacer viceversa. Podrías oscurecer las áreas inferiores y mantener las áreas superiores más claras. Ahora aquí, si observas los postes de la cerca se ve demasiado fuera de proporción tasa se ve tan sobresaliendo. Entonces para cubrirlos, voy adelante y creando esta hierba como patrones cerca de la base de la barda usando mi mezcla de savia verde mezclada con un poquito de violeta. Este es un pasto más oscuro que estoy creando aquí afuera porque esto está muy cerca del lado del espectador. De ahí que para crear esa profundidad, estos vestidos estarían bien. Ahora, usando mi pintura blanca, Titanio blanco, esta es la acuarela misma. En lugar de acuarela, podrías seguir adelante y usar tu gouache. Voy adelante y creando algunos patrones de pincel seco, muy suaves y ligeros con la punta de mi pincel más verde filbert. Cambiando a mi cepillo sintético número de talla t. Y voy a cargar mi pincel con estos valores más oscuros de violeta mezclados con mi marrón rojizo para crear estos patrones más oscuros hacia los postes de la cerca. Si notas aquí debajo de las estribaciones de ese verde valle de montaña y el medio, eso agrada tipo de parecer vacío. Entonces me parece muy raro. Entonces voy a agregar algunos elementos de relleno por aquí, eso es algo de vegetación o crecimiento para crear esto, voy a igualar el mismo valor tonal con el que está ahí a mi derecha, los bosques de pinos que habíamos creado a mi derecha. ¿Recuerdas? Entonces voy a usar valor tonal medio y crear la forma de arbustos o arbustos por aquí. Pero creo que no me gusta este crecimiento de arbustos por aquí. En cambio, creo que voy a cambiar a pintas porque en este paisaje a mi derecha, ya tengo las formas de pino, ¿verdad? Entonces creo que esto se complementará mejor si conduzco o hacia la izquierda también, el lomo da forma a la pintura de paisajes. Lo que una cosa que he observado y notado es que a veces cuando intentas copiar una referencia, no todos los elementos que intentas crear una nueva composición encajarán exactamente bien. A veces tienes que usar tu propia imaginación. También. Está bien aceptar y ya sabes, sigue adelante con tu instinto y tu instinto. Así que no tengas miedo de probar cosas nuevas. Aprende a experimentar, confía en tu instinto y en general confía en el proceso y disfrútalo. Me gustó mucho cómo esta forma de S hasta ahora se siente completa. Nuestra pintura finalmente está completa. El papel también es tiempo de secado para quitar esas cintas de enmascarar de toda la previsión. Aquí vamos. Hemos completado con éxito un proyecto D2. No puedo esperar a ver tus creaciones. Por favor, siéntase libre de subirlos a la sección de proyectos y recursos bajo la clase. Te volveré a ver mañana con un nuevo proyecto, que es uno de mis favoritos. 20. Día 3: planificación y bocetos: Hola chicos, bienvenidos de nuevo a D3. Hoy vamos a pintar estas hermosas margaritas junto con algunas mariposas y aprender a crear ese hermoso Andrés difuso, junto con este fondo brumoso. En el lado derecho de mi pantalla, se podía ver la referencia. Así que vamos a planificarlo y desglosar una referencia y simplificar. El primer paso es simplificar una referencia. No todo lo que veas en la referencia tiene que ser pintado de la misma manera. Entonces podrías, una vez que aprendas las técnicas, podrías usarlas para desglosar tu referencia y proceder a planificar cómo quieres crear esas partes. Por ejemplo aquí, este antecedente ahí en la referencia hubo efecto bouquet. Pero en lugar del efecto bouquet, elegí seguir adelante y crear algunas salpicaduras para dar ese efecto mágico. De la referencia. Elegí alterar el posicionamiento de las flores aquí para nuestro proyecto, voy adelante con esto. Uno significa Florida central, que se va a colocar en algún lugar alrededor de la posición central. Después junto con él, he creado algunas mariposas y las líneas laterales de esas versiones más pequeñas de las margaritas. Entonces así es como vamos a proceder con la pintura. Entonces, primero comencemos con el boceto. Entonces te voy a mostrar cómo vamos a seguir adelante y esbozar nuestras margaritas. Primero, comenzaré marcando las posiciones de la enfermedad, por lo que nos será más fácil cuando empecemos a crear la enfermedad. Ahora, voy adelante con una forma ovalada. Se puede ver el centro Daisy es poco más grande que la de las otras margaritas. Entonces estoy marcando aquí la parte central de la margarita, algo así alrededor. Y entonces a partir de ahora aquí, voy a empezar haciendo los pétalos. Ahora bien, por si te resulta difícil crear tus pétalos, lo que puedes hacer aquí es dejarme mostrarte. Puedes usar formas geométricas como un círculo y luego delinear los pétalos usando la circunferencia de los pétalos. Por lo que esto asegurará que todos los pétalos estén fuera tamaño casi similar en función de cómo has creado tu círculo. Si quieres que tu flor se posicione en un ángulo diferente, entonces lo mejor es que sigas adelante y crees una forma ovalada como aquí. Lo que he hecho aquí. Y usa esa forma ovalada como tu guía para hacer el arreglo de los pétalos. Voy a seguir adelante y hacer estos pétalos hasta que tenga toda la flor. Una vez hecho con el contorno general o la forma de la flor. Ahora es el momento de que nos enfoquemos en la parte central de la flor. La parte central de la flor, justo alrededor de la base de los pétalos. Tendrás que ir con este tipo de trazo largo y alargado, cargando la punta de tu pincel con algunos tonos más oscuros de marrón y luego crear esta ilusión de las purlins más oscuras en el centro de la flor. De manera tan similar, voy a seguir adelante y crear la forma de los otros pétalos también para las marcas que ya hemos creado. Una vez hecho con la forma general de la flor, ahora podrías borrar la guiada, tan genial o la forma que habías creado. Para la esquina superior más flor, voy a cambiar la orientación orientada ligeramente inclinada hacia mi ángulo recto. Bien, así que sólo voy a borrar esa forma y hacer una forma ovalada en delinear hacia mi derecha. Y aquí estoy repitiendo exactamente el mismo proceso para crear la forma de los pétalos. Déjame mostrarte aquí otra técnica de cómo puedes crear este hilo semiflorecido o las flores que están a punto de abrirse completamente. Entonces aquí está el paso. Ahora aquí justo alrededor de la mitad, iré y crearé un semi arco. Y luego a partir de ahí, el centro de la flor. Ahora voy a empezar a llenarlo usando la forma de los pétalos, algo así. Una vez hecho con la forma final de la flor, borra esas marcas externas o el círculo que habías creado. Ahora puedes regresar y arreglar esos pétalos que podrían haber conseguido un aumento. Entonces, en lugar de tu borrador normal, puedes seguir adelante y usar tu borrador de amasado también. Es simple y fácil tarifa. Si quieres incorporar este tipo de flores que han florecido en tu pintura, puedes sentirte libre de seguir adelante y hacerlo. Simplemente te mostraré rápidamente cómo puedes crear el pájaro. Primero, sigues adelante y creas la forma del PTO, y luego creas una forma redonda semiótica. Ahí puedes crear algunas líneas abruptas por allá para indicar los bordes de los pétalos y eso es todo. Y luego únete a ellos con nosotros. Detener. Aquí, sólo voy a ir a llenar esta parte inferior del papel con esas formas de hierba frondosa y unir el stock de la petaca. Ahora vamos a crear la forma de la mariposa. La forma de mariposa será aerodinámica, bien, Así que creas una línea inclinada y luego el cuerpo. Y ahora por sus alas, sólo voy a seguir adelante y crear una forma como esta. Una vez que termines con esta capa básica de las alas, solo tienes que crear las alas superpuestas junto a la anterior, algo así y esa es toda tu mariposa. La mariposa voladora está lista. Iré y crearé el contorno de otra mariposa usando el mismo proceso. Y con eso, terminamos con nuestra parte de bosquejar. Puedes descargar este boceto en la sección de proyectos y recursos de la clase, o hacer una pausa en la pantalla aquí y comenzar tu boceto. Te veré en la siguiente lección. 21. Día 3: paleta de colores: Hola, Bienvenido de nuevo. Ahora que ya estamos listos con nuestro boceto. Entonces echemos rápidamente un vistazo a los colores que vamos a necesitar para crear el proyecto. Primero, voy a comenzar con mi amarillo cálido aquí, estoy usando mi amarillo indio. Pero si no tienes amarillo indio, podrías sustituirlo tu amarillo permanente profundo o amarillo cadmio profundo, cualquier tono más cálido de amarillo, pero se asegura de que tu amarillo sea transparente y más ordenado. Entonces en este proyecto, no voy a usar ningún nuevo color. Estos son los colores que ya hemos estado usando desde nuestro primer día. Pero recuerda que siempre que estés eligiendo tus amarillos para este proyecto en particular, ve y elige tu amarillo, que es de naturaleza transparente. Esto va a ayudar cuando sigamos adelante y hagamos la técnica de levantamiento para crear los artículos diversos. A continuación llegando a nuestros greens, voy a usar tu verde amarillento cálido y nuestro verde savia, estos dos greens que ya usamos para nuestro proyecto, un extremo a otro color que estoy swatching es índigo. Ahora este índigo, puedes mezclarlo con tu savia verde para crear un tono más oscuro de verde. Entonces, en caso de que no tengas un tono más oscuro de verde, podrías mezclar dos colores y crear tus propios tonos de verde más oscuro. A continuación, déjame mostrarte el valor tonal que vamos a utilizar para nuestro índigo para crear las sombras en nuestros pétalos de flores. Entonces este es el valor tonal que vamos a usar. Voy a crear un valor más ligero de índigo. Estoy mezclando un poco de azul prusiano junto con mi índigo, mezclado con un poquito de mi gris azul. Ahora aquí, si no tienes azul-gris, no te preocupes, solo puedes seguir adelante y agregarle un tinte de tu pigmento blanco acuarela. Se asegura de que estés usando blanco titanio, que tiene poca opacidad al mismo. Me gusta tu chino ¿verdad? Ahora bien, otra cosa que debes recordar es usar índigo, que no es granulante. No me gustaron del todo los resultados con granulación de índigo y de ahí mi solución. Aquí te estoy mostrando el ejemplo de los valores tonales con los que vamos a trabajar usando nuestro Índigo para los pétalos de flores. Entonces aquí está el recapitular de los colores que vas a necesitar para crear el proyecto. Así que prepara tus colores y únete a mí en la siguiente sección donde vamos a aprender las técnicas. 22. Día 3: técnicas: Espero que estés listo con tus colores. Ahora, empecemos rápidamente con nuestra sección de técnicas. Ya he bosquejado mi flor. He esbozado solo una flor para la sección de técnica porque va a ser el mismo proceso que vas a utilizar para crear las otras flores también. O si quieres, podrías simplificar aún más esta referencia y pintar solo una flor, ese fondo junto con algunos vuelos de mantequilla. Las opciones dependen totalmente de ti cómo quieres seguir adelante y crear este proyecto. Para empezar, primero voy a empezar con el fondo. Así es como se crea el Andrés difuso junto con ese fondo brumoso de ensueño. Bien, entonces vamos a ver cómo vas a pintar las flores. Pienso en mariposas. Podemos dejarlo hasta el proyecto final porque esos son realmente fáciles. Vamos a ir con mojado sobre seco para las mariposas. En el proyecto final cuando empezamos a pintar, puedes tener una idea, pero primero, vamos a dividirla en dos partes. El fondo principal, vamos a crear eso primero y luego el plano. Déjame mostrarte una solución rápida. Entonces cuando tengas estas marcas de grafito, podrías quitártelas usando esta goma de borrar amasadora. Solo tienes que rodar sobre la superficie que quieras para aligerar el grafito Max, y es fácil, es muy simple y es libre de Hazel. borrador de amasado tiene una gran ventaja cuando quieres aligerar el boceto a lápiz justo antes de comenzar a colorear. ¿Puedes ver todo lo que las marcas de grafito están aquí si no tienes una goma de borrar amasadora, solo tienes que ir con un boceto a lápiz muy ligero de tus pisos Bien, ahora empezando por nuestros antecedentes, así que vamos a ir mojados sobre mojados. Voy a ponerle lavado plano de agua sobre él. Ahora, la flor que ya hemos bosquejado en el fondo tendrá que ser enmascarada usando el líquido enmascarador. Porque esto va a ser realmente complicado si quieres seguir adelante y hacerlo con la ayuda del método de pintura negativa porque las margaritas tienen estos pétalos muy ligeros. Entonces, dar la vuelta a estos pétalos muy delgados y estrechos puede ser difícil. Entonces, para facilitar el proceso donde es mejor usar el fluido de enmascaramiento. Antes de comenzar, estoy tratando reactivar mi amarillo indio, pero parece L squids freshman. Entonces aquí tengo mi amarillo indio fresco. Ahora mira el valor tonal. Voy con un valor tonal muy ligero de amarillo indio y voy con los trazos inclinados. Aquí, tus pinceladas son muy importantes, sobre todo cómo lideras el lavado de fondo denotará claramente cómo se verán tus artículos diversos. Usando trazos similares. Voy a seguir adelante y empezar a acodar con mi amarillo verdoso. Ahora observen que he dejado algunas brechas en el medio. Ahora aquí vamos a seguir adelante y acodarla con mi savia verde también. Ahora recuerda dejar entre esas brechas. Esas brechas son muy, muy importantes. No vayas y pongas demasiado tus greens en él. Para crear ese fondo suave y difuso. Es importante que hagas todos estos pasos usando la técnica wet-on-wet. Y cuando el papel aún está húmedo porque en el momento en que tu papel empiece a secarse, te resultará muy difícil conseguir que los colores se mezclen entre sí. Así que practica esta técnica antes de comenzar con el proyecto principal. Ahora, voy a cambiar a mi cepillo de daga angular para hacer la técnica de levantamiento. Cada vez que voy a estar levantando los colores, estaré frotando la punta de mi pincel sobre mi papel de seda. Esto asegurará que mi propina esté libre de residuos. Y aquí en este punto, si te das cuenta, estoy aplicando presión justo al principio donde estoy levantando el color porque ese es el punto de partida de Sandra. Entonces mi debajo del papel ¿por qué debería ser visible? Pero a medida que levantas los colores, deberías liberar la presión para conseguir que los suaves rayos del sol mezclados fluyan en un aspecto amable. Una vez que hayas terminado con la técnica de levantamiento, ahora adelante rápidamente y comienza a estratificar el fondo de tu papel con algunos tonos más oscuros de verde. Ahora observa mis pinceladas. Soy muy ligero aplicando los colores y la presión muy ligera que estoy aplicando para vivir los colores y pegarlo para crear los patrones similares al vidrio desde la parte inferior del papel. Entonces así es como vamos a crear esto. Ahora es el momento de seguir adelante y crear este efecto favorecedor. Así que solo salpica alrededor los greens donde acabas de llevar tus greens más oscuros. Entonces eso saldría de manera más prominente. Ahora aquí, aparte de esta técnica favorecedora, también puedes seguir adelante y dejar caer tu sal si tienes, si quieres crear algo más de ese efecto texturizado. Puedes seguir adelante y dejar caer tus gránulos de sal más grandes. Una vez que salpicaste la sal, tendrás que esperar a que el fondo se seque por completo. Así que deja que la bolsa se seque completamente en el sitio. Empezaremos por el otro lado con una flor. En este punto voy a ir a preparar mi mezcla de colores índigo, la que ya hemos visto en la sección de paleta de colores. Esta mezcla de colores es con lo que exactamente vamos a pintar pétalos. Primero, comenzaré por crear un esquema. Tendrás que trabajar aquí muy rápido y tener un entendimiento sobre el control del agua que debes ejercer. Voy a ir aquí con técnica controlada de húmedo sobre húmedo. Mira aquí primero el contorno y luego rápidamente uso la punta del pincel acuoso y luego solo estoy creando estas marcas de pincel por aquí. Déjame probar el valor tonal del índigo que estoy usando para crear estos pétalos de flores. Esto es para tu referencia para que entiendas fácilmente cuál es el valor tonal que estoy usando aquí. Voy a usar más o menos esta misma técnica para crear los pétalos. Ahora, lo que debes tener en cuenta es ver el arreglo de tus pétalos que has delineado. Cuando veas que algunos pétalos están uno debajo del otro. Esos debajo de los pétalos son aquellos en los que necesitas seguir adelante y acostarte con tonos poco más oscuros de índigo para crear la sombra de los pétalos que está encima del otro. Bien, entonces ese es el único punto que tendremos que tener en cuenta para mantenerlo realista. Si eres alguien que siempre se muestra escéptico sobre pintar florales o no tienes mucha confianza en seguir adelante y probar florales, por favor pruébalo. Incluso yo solía pensar de la misma manera, pero desde que lo probé, fundé que usar tus conocimientos básicos de acuarela y observar la referencia puede ser de gran ayuda cuando intentas crear temas que no son tu género. Así que confía en mí en esto, pruébalo y te va a encantar esta experiencia. Volviendo a nuestro proyecto. Ahora espero que estés observando las pinceladas que voy adelante y creando para mis pétalos. No voy a ir y llenarlo por completo. Sólo estoy en alguna parte. Estoy creando esos trazos y llenándolo suavemente con la punta de mi pincel muy baja cargada de agua, pero no debería ser demasiado acuosa también. Deberías encontrar tu mezcla de agua perfecta por aquí. Refiérase de nuevo a la sección de técnicas básicas de acuarela sobre el control del agua que he descrito allí. Y va a ser bueno para ir. Hecho con mis pétalos. Ahora es el momento de seguir adelante y hacer el centro de la flor. Entonces para el centro de la flor, primero voy a ir con mi amarillo indio. Así es como voy a seguir adelante. Ahora en la base de este amarillo indio, voy a ir y añadiéndole un poco de mezcla marrón, marrón rojizo. Ahora a lo largo de los lados, solo estoy usando la punta de mi cepillo y bordeándola. Usando solo la punta de mi pincel. Sólo voy a mezclar esas áreas porque no me gusta, cómo desapareció. Solo voy a ir por poco de perfección y esto, al usar la punta del pincel, solo estoy creando estas puntas puntiagudas afiladas alrededor de este pétalo. Entonces esto le dará a la flor su aspecto. Y ahora usando el mismo tip, sólo voy y dejando algunos puntos por ahí. Dado que el fondo es húmedo, se mezclará uniformemente en, en él. Ahora, voy a seguir adelante y creando el tallo de la flor. Estaré usando mi mezcla de savia verde e índigo. Índigo lo estaré usando para poner capas el lado más oscuro de la culata donde cae la sombra. Para eso, estaré usando el índigo más oscuro y usando solo la punta de mi pincel, voy a ir a crear la hoja así. Casi terminamos con las técnicas de esta pintura. Es una tarifa súper simple y fácil. Y cuando lo descompone en partes más simples, se vuelve mucho más fácil abordarlo. Para las mariposas. No te he mostrado la técnica aquí afuera. Es simple y fácil. Sólo vamos a ir con la técnica de húmedo sobre seco. Eso lo veremos en el cuadro final. 26. Día 4: paleta de colores: Hola chicos, bienvenidos de nuevo al día cuatro. Y esto es lo que vamos a crear para el proyecto completo, este hermoso campo de lavanda con ese atardecer púrpura. Entonces he renombrado este archivo para que sea como sueños lavanda. Ahora echemos rápidamente un vistazo a la paleta de colores para este tipo. Voy adelante y swatching mi color azul gris ahora si no tienes azul-gris como ya se mencionó en el primer día del proyecto, podrías hacer un poquito de pigmento blanco Titanio, acuarela o gouache en yardas. azul cerúleo es azul frío, que consiste en el pigmento PB 15. Y podrías obtener un tono similar de gris azul. El siguiente es el amarillo Nápoles. Este Nápoles amarillo y azul, gris o ambos, decenas o pasta, dos tonos que ambos tienen pigmentos blancos en ella. Entonces, cuando estos dos se usan juntos, no forman esa mezcla verdosa siendo amarilla y azul, más bien forman una especie de marcas grisáceas. Por lo que es una combinación perfecta cuando quieres ir por los cielos usando colores complementarios y ponerlos en capas con otros colores complementarios. El siguiente color que estaríamos usando es nuestro amarillo cadmio profundo. Y este es un color naranja amarillento muy brillante y hermoso. El siguiente color que vamos a sacar de muestra es mi ópera rosa. Ahora oprah pink podría renombrarse como rosa neón y muchas otras marcas, especialmente en White Nights. Así que podrías comprobarlo. Siguiente es mi violeta permanente. En todos los colores que estoy swatching. Como puede ver, ya he señalado que el nombre del color y la información del pigmento. Así que siempre busca la información del pigmento cuando estés seleccionando tu color, en lugar de ir con el nombre. Cuando mezclas un envoltorio permanente violeta y UOP, creas un violeta mineral muy brillante y hermoso. Entonces cuando mezclas tanto esta violeta y estás preparándote, obtienes el pigmento, que es similar a mi violeta mineral, que consiste en PV 23 como pigmento. A continuación, estaría usando mi color verde hoja. Ahora, deja escurrir que podrías mezclar mezclando tu amarillo limón y el verde savia. Otro color que requerirías es el gris de tu Payne o podrías usar tu negro. Te veré en la siguiente sección donde estaríamos discutiendo sobre las técnicas. 28. Día 4: planificación y bocetos: Entonces, antes de comenzar con nuestro proyecto, lo primero y más importante que voy a hacer es Steve baje mi papel usando esta cinta de enmascarar. Entonces hagámoslo. Nuestro papel está todo grabado y estamos listos para comenzar el proceso de planeación o el bosquejo. Ahora, echemos un vistazo a la referencia. Entonces esta es la referencia que voy a usar para planear una pintura. Ahora puedes ver que nuestra línea de horizonte está separando el cielo y el campo de lavanda. Entonces para estas líneas paralelas del campo de lavanda, vamos a implementar el concepto de perspectiva aérea, donde estos campos de lavanda están convergiendo en un punto que se conoce como el punto de fuga. Ahora se puede ver que las líneas o bien son divergentes o está convergiendo en un punto en particular. Espero que a estas alturas ya sepas de dónde exactamente en esta pintura vendrá la perspectiva aérea y tocará las montañas de fondo distante es exactamente el punto donde vamos a aplicar el principio de perspectiva aérea. Ver la montaña de fondo distante se desvanece en un valor tonal, que se acerca más al del color del cielo, ya que el color del cielo también está en la gama de púrpura , rosados, vamos a aplicar lo mismo. Y primero, vamos a seguir adelante y crear el esquema. Entonces he dividido a mi gente y a un tercio. Un tercio será este tipo y el resto será el campo de lavanda. Ya que eres el punto de enfoque es nuestro campo de lavanda. Entonces estamos usando eso como la mayoría de la gente. Ahora, si quieres, puedes ir con mano libre. Pero si no te sientes cómodo yendo con la mano libre, entonces podrías usar tu regla para delinear tu línea de horizonte. Y ahora es el momento en que he marcado mi punto de fuga. Seguiré adelante y crearé mis líneas paralelas. Una vez que hayas terminado con tus líneas paralelas ahora, podrías esbozar tus montañas de fondo distantes para recordar recorrer el concepto de perspectiva aérea aquí, tu montaña no debería verse más grande en tamaño porque retroceden a la distancia. Por lo que debería ser de este tamaño. Así que prepara tu boceto y reunámonos en la sección final de nuestro proyecto donde empezaremos a pintar nuestro cielo. 29. Día 4: Sueños con lavanda: parte 1: Entonces, al comenzar con mi cielo, voy con la técnica de mojado sobre húmedo para mi escalado un lavado plano en esta parte del papel. Ahora usando mi cepillo de trapeador de canilla ****, voy a cargar la punta de mi pincel con esta consistencia cremosa de amarillo Nápoles. Recuerda, no te vayas con dos pinturas acuosas mezcladas por aquí ahora mismo. Y voy adelante con este valor tonal muy ligero a medio. Y para oscurecer aunque el uso del atardecer alrededor de la línea del horizonte, lo voy a poner en capas con mi amarillo profundo, que es casi hacia la sombra de naranja mezclando un poquito de rosa Oprah junto con mi amarillo profundo. Aquí también. Si has observado, he cargado directamente esta ópera rosa con mi amarillo profundo, no fui a lavar el pincel. Ahora voy a lavar la punta de mi pincel, cargando un poco más de ese amarillo Nápoles en esta parte superior del papel, fui con poca mezcla de pintura acuosa porque quiero que los valores tonales sean más claros ya que estaremos trabajando con colores complementarios en esta parte superior del cielo. Estoy cargando mi mismo lavé mi cepillo con mi azul-gris y dejándolo con esta línea trazos inclinados. El valor tonal de mi azul-gris, ¿qué tan claro es ese color? Voy a oscurecer poco más justo en la esquina de la parte superior. En cuanto baje al amarillo, me aseguro de ir con un tono muy claro. Ahora, voy a cargar mi pincel con esta mezcla de rosa ópera con un poquito de Nápoles, amarillo. Ahora ve el hermoso color rosa que tenemos. Es un rosa muy bonito. Me encanta usar esto para mis cielos. Ahora voy a cargar mi pincel, talla número seis pincel con esta mezcla de rosas brillantes y luego mezclarlo con un poco de superposición. Ahora, adelante con una consistencia muy cremosa, no demasiado espesa, no demasiado acuosa. Es solo la consistencia media óptima que voy ancho y estratificando este amplio ángulo, trazos inclinados con la punta de mi pincel. Como pueden ver, soy un poco rápido Gautier porque estoy bastante acostumbrado a ello. Entonces ya te he mostrado en la sección de técnica como puedes ser flexible con tu muñeca y, sabes, crear estas largas pinceladas inclinadas. Para pintar mis sensores dramáticos, cielos. Siempre prefiero ir con la técnica Beta1 ****. Esta es mi técnica más favorita aquí. Me aseguro de ejercitar control del agua sobre la cantidad de pintura que tengo en la punta de mi pincel mientras estos trazos para crear el efecto dramático de las nubes, asegurándome de que mi papel todavía esté lo suficientemente húmedo para que lo haga. Porque una vez que tu papel se haya secado de manera desigual, verías que estos colores no se están mezclando con el fondo, dándote así esa mirada áspera, irregular a tu cielo. Por lo que es esencial que conozcas la humedad de tu papel cuando tu papel está a punto de secarse y cuando está mojado para que planifiques perfectamente tus cielos dramáticos. O de lo contrario siempre enfrentarás el problema de que tu cielo se seque demasiado rápido. De ahí que lo ideal sea que practiques la sección de técnica en el mismo papel en el que vas a probar tu proyecto. Hacerlo te dará una idea sobre la humedad de tu papel, cuánto tiempo tu papel es capaz de retener el agua, y de qué manera podrás trabajar por más tiempo, o cómo se comportan tus colores en el papel? ¿Va a bajar? ¿Te está dando resultados más brillantes que quieres lograr? Por lo que todos estos factores jugarán un papel importante si conoces bien a tu gente. Me gusta mucho cómo se perfila mi cielo. Todo es por las pinceladas que estoy ejercitando, cuanto más fluido y rápido seas con tus pinceladas, más dramático o movimiento en las nubes podrás recrear, pero se asegura de que seas realmente flexible con los movimientos de tus manos y pierdas. Ahora es el momento de pintar unos campos de lavanda. Vamos a seguir las mismas líneas paralelas y comenzar a estratificar nuestros colores de la misma manera que hemos visto en la sección de técnica. Aquí. Estoy usando mi cepillo para trapeador de plumas para esparcir el agua de manera uniforme. Recuerda que este es un cepillo natural, por lo que tiene tendencia a retener más agua. Yo voy aquí primero con estas tres líneas corriendo a lo largo de los lados de la otra. Los crearé primero, y luego empezaré a crear los demás. Ahora, he empezado desde el fondo del papel para seguir por las líneas paralelas. Usando este tamaño número ocho cepillo de trapeador y estratificando mi mezcla de hoja verde en el campo. Entonces, a medida que te acercas al punto de fuga, tus líneas deben estrecharse. Aquí. Necesitas tener mucho cuidado con el agua que tienes. No puedes estar teniendo una mezcla muy líquida y acuosa por aquí. Al mismo tiempo, no deberías aplicar sobre pintura gruesa por aquí porque tu papel necesita mantener los niveles de retención de humedad. Por lo que es recomendable que empieces a trabajar con consistencia media, mezcla de pintura acuosa, al igual que como la tengo en mi paleta. Ahora, voy de nuevo con mi cepillo de trapeador de plumas mojando esas áreas de nuevo para que mi papel pueda permanecer mojado por más tiempo. Y también asegurar que estos greens que tenemos plomo se esté mezclando contra el fondo muy bien. Este paso aquí es muy importante y crucial porque si olvidas mojar tu papel en este momento, siempre tendrás el riesgo de que tu papel se seque antes de completar tus campos. Eso está garantizado. Así que asegúrate de que estás haciendo este paso, bien. No cargue demasiada agua así como no se salte este paso. Es muy esencial. Ahora con el valor tonal muy ligero de mi amarillo Nápoles, voy adelante y comenzando desde el punto de fuga, estoy empezando a desvanecerlo en este lado, el lado inferior del papel. Ahora estoy cargando mi pincel con esta pequeña mezcla de pintura acuosa de rosa ópera. Si quieres tener tus campos de lavanda, un poco de ese tinte violeta ish, luego mezclar un poco de tu mineral válido o tu permanente violento en tu rosa. Y puedes tener ese matiz violáceo por aquí. Voy aquí con este valor tonal medio de mi superposición. Pero una vez que el papel se seque, verás que este rosa va a estar muy descolorido. Así que ve con un valor tonal medio en este punto y usa el control del agua cuando estés cerca del punto de fuga porque no quieres que tu mezcla de pintura acuosa desangre hacia el cielo. Así que ejercita el control del agua cuando te vas a acercar a ese punto de fuga. Ahora, estoy cargando mi pincel con esta mezcla de pintura acuosa de rosa ópera y ponerla en capas en los campos porque esto me ayudará a mantener mi papel mojado por más tiempo. Pero voy a tener que ser rápido porque esto también tendrá un valor de tiempo limitado hasta que el agua se vaya a quedar a flote en el papel. Entonces necesitas entender muy bien tu humedad del papel para que ejecutes y planifiques este paso. Ahora voy a cambiar rápidamente a mi talla número ocho, cepillar y limpiar estos rosas que se han mezclado en los greens. Voy a ir a usar la técnica de elevación de nivel. Durante esta técnica de elevación, es posible que estés levantando algo de esa pintura verde del fondo. Así que no te preocupes, solo ve rápidamente y usa tu mezcla de hojas verdes para recuperar esas hojas verdes en el medio. Ahora igual que hemos visto en la sección de técnica, estoy cambiando de nuevo a mi este cepillo de trapeador de plumas y mezclando mi mineral válido junto con esa rosa brillante y envoltura que tenía. Y yo sólo voy a seguir adelante y seguirlo rozando. A medida que me acerco al punto de fuga, mis dabs van a hacerse más pequeños. Se puede ver que la pintura se mezcla tan bellamente en el fondo. Esto es lo que lograrás cuando el papel esté óptimamente húmedo. Ahora usa un pincel más pequeño para tener estos trazos de toque cerca del punto de fuga. Estoy aquí usando mi pincel número seis de talla negra plateada para crear esos trazos de dabbing que están cerca del punto de fuga. Rápidamente volveré a cambiar a mi cepillo de trapeador de plumas, que ya tenía mi pintura cargada. Entonces, si quieres ir aquí con tu violeta permanente en lugar de este mineral válido, podrías seguir adelante y hacerlo. Eso te dará esos campos de violeta, lavanda aquí. Estaba emparejando con los tonos de color de mi cielo, y de ahí decidí ir con esto. Ya he creado un campo morado, lavanda en mi Instagram usando el mismo proceso. Si me has seguido en Instagram, podrás ver el proceso. Te voy a mostrar al final de este video sobre esa pintura. Por lo que se trata sólo de la selección de los colores en lugar de mineral válido. Si eliges seguir adelante con tu validez permanente, acercarías tus campos de lavanda a los de los tonos violetas. En este punto, voy a ser muy rápido en la creación estos trazos de dabbing para crear estos patrones de violetas en el campo. Porque si tu papel comienza a secarse en el lado izquierdo del papel, te resultará muy difícil volver. Volvemos a mojar el papel, colocamos la pintura, así que eso es todo un avellano. Así que trata de ser muy rápido aquí en este paso. Practícalo la oración antes meterte en una hoja de papel más grande. Hazlo en un pequeño trozo de papel, practica la sección técnica. Bueno, y entonces estarás bien para ir. Ahora, ya terminé con la creación de ese fondo. Ahora es el momento de ir a cargar tu cepillo con agua limpia y comenzar con esta técnica de salpicadura. Esto tiene que hacerse cuando tu papel aún está mojado. Para que puedas entender la importancia de la humedad del papel en esta tasa de pintura de patente. Entonces estos son los puntos críticos. No obtendrás este efecto de floración en tu campo de lavanda si tu papel se ha secado. Así que sé muy particular sobre este paso. Asegúrate de mantener tu papel mojado usando tus mezclas de pintura acuosa cuando optes por la técnica de letras. Aquí en la parte inferior del papel, que está más cerca de nuestro espectador. Puedo seguir adelante y usar la punta acuosa de mi pincel para crear estas flores más grandes en esta parte solo de los campos de lavanda. Por lo que las flores más grandes quedarán confinadas solo a la parte inferior del papel. Porque a medida que vas en la distancia estás floreciendo debería hacerse cada vez más pequeño de acuerdo con el principio de perspectiva lineal, ¿verdad? Entonces eso es lo que estamos siguiendo aquí. Veo que mi papel sigue mojado, así que me arriesgaré. Y esto se alinea entre los campos de lavanda con mi savia verde solo para tener un poco de componente verdoso en mi pintura. Bien, entonces mi papel sigue mojado, pero si sientes que tu papel se ha secado, omita este paso. No hace falta seguir adelante y hacer esto porque esto solo te dará bordes duros si tu papel se ha secado. Únete a mí en la siguiente sección, seguiremos adelante y completaremos una pintura siguiendo los pasos adicionales. 31. Paleta de colores de primavera: Los colores que vamos a utilizar para este proyecto bonus, son más va a ser las mismas combinaciones de colores que hemos visto en nuestros proyectos anteriores con pocos colores extradicionales aquí y allá Entonces este es el proyecto de clase que hoy vamos a pintar. Y si volvieras recapitular nuestra paleta de colores para nuestros proyectos anteriores, verías que la mayoría de los colores ya tendrías en tu arsenal de acuarela, o habrías aprendido a mezclarlos. Entonces este proyecto también va a estar usando los mismos colores con algunas excepciones de uno o dos colores que te voy a mostrar como mezclarlos y crearlos. Estoy muy entusiasmado con este proyecto de clase, así que vamos a sumergirnos en él y crear muestras de color El primer color que estoy salpicando es mi amarillo Nápoles, seguido del amarillo anaranjado Ahora, todos estos colores los hemos aprendido ya en nuestros proyectos de clase anterior lección de paleta de colores, cómo mezclarlos y crearlos por si no los tienes contigo. Ahora, el siguiente color que estoy salpicando es mi rosa ópera favorita Por si no tienes rosa ópera, puedes ir a usar tu azerin carmesí o tu cualquier tono rosado más brillante, que está disponible El siguiente color que estaríamos requiriendo es un lila. Esto lo vamos a usar para el cielo. Entonces preparar este color es muy fácil. Como se puede ver mencionado en el tubo, consiste en un pigmento rojo púrpura y un pigmento blanco. Entonces, si ya tienes un pigmento morado o violeta, que consiste en PV 23, mézclalo con cualquiera de tus rojos que consiste en P R 122 o un tono similar. Junto con algunos de ese blanco titanio PW six. En proporciones variables, vas a mezclar y ver si el color se parece mucho al mío, pero asegúrate de usar poco de tu blanco, no demasiado de blanco Y tendrías tu color. El siguiente color es mi color gris azulado. Ahora bien, este es un azul pastel, que me encanta usarlo para el cielo. Ya hemos visto cómo mezclar esto y formar este color por si no lo tienes. Así que refiérase de nuevo a la lección de paleta de colores para el proyecto de clase uno, tendría los detalles por ahí. El siguiente color que estaré vigilando es mi rosa brillante. Ahora, en lugar de rosa brillante, puedes optar por Azin carmesí lago El siguiente color es mi violeta mineral. Ahora, siempre puedes mezclar tu propio volet mineral mezclando tus rosas brillantes con el de tu morado o azul El siguiente color que estoy swatching es mi savia verde. Ahora, la mayoría de las paletas básicas de acuarela ya tendrían este presente verde en ella. Así que adelante y muéstralo. Ahora formaremos una mezcla verde más oscura mezclando nuestro verde savia junto con mi violeta permanente o violeta mineral, y obtendrías este tono muy oscuro de verde. Que usaremos para crear nuestro follaje de fondo. Ahora bien, así es como vas a mezclar tu tono más oscuro de verde. Entonces aquí ya tengo sap green. Ahora bien, si le mezclo un poco de mis alfileres de tinte gris o neutro, también puedo crear un tono similar de aspecto verde más oscuro, como puedes ver aquí. Aquí, puede que no sea tan bien visible en la pantalla, pero voy a tratar de acercarlo de cerca, para que pueda ver, puede convertir cualquier pigmento brillante en un pigmento oscuro o mutado ya sea yendo adelante y mezclando su color complementario o mezclando un poco negro o índigo o pinta tinte gris neutro Cualquiera de estas mezclas más oscuras de negro en él para crear tus versiones más oscuras. Entonces el siguiente color que voy a muestrear es mi rojo permanente Ahora bien, por si no tienes rojo permanente el cual consiste en pigmento pr209 En caso de que no tengas este solo pigmento rojo, también puedes muestrear tus otros rojos y encontrar un color muy parecido a este rojo para que podamos crear una combinación de un carmesí Aserin Te voy a mostrar en un rato. Entonces cuando mezclas tu rojo permanente con tu rosa brillante y un poco de tu violeta permanente, junto con la sienna quemada, obtienes un color granate perlado muy hermoso, y ese es el color que vamos a usar para pintar Entonces eso es todo desde esta sección de color color. Únete a mí en la siguiente lección donde empezamos con un proyecto principal. 32. Mañana de Misty- El cielo parte 1: Entonces, comencemos con el proyecto. Espero que tus colores estén listos. Ahora antes de comenzar, rápidamente voy a pegar el papel por los cuatro lados, y luego procederemos a crear nuestro boceto a lápiz. Déjame ahora mostrarte rápidamente la referencia. Entonces esta es la referencia, y voy a estar fijando esto en la pantalla también para que puedas tomar la perspectiva de ahí y luego dibujarla o bosquejarla según tu propia conveniencia Entonces voy a empezar con mi proceso de bosquejo. Ahora, si puedes seguir adelante, eres bienvenido a hacerlo o simplemente ver todo el video y luego seguir adelante y hacer la parte del boceto Ahora, estoy dosificando mi cielo y el elemento de primer plano. Mi cielo va a tapar a la mayoría. De ahí que usando mi regla o una escala, dos tercios de mi papel va a ser el cielo donde voy a dividirlo de nuevo en medio suelo, y luego el resto va a ser mi primer plano Entonces iré rápidamente a empezar a bosquejar el follaje de fondo, así como la dulce casita linda que tenemos por aquí Realmente no hay mucho que explicar a estas alturas. Aquí, solo voy adelante y con la ayuda de mis líneas inclinadas, estoy estructurando la cabaña Ahora, puedes seguir e iniciar el proceso, pero mejor te recomendaría vigilaras todo el proceso y veas si he realizado más cambios para que puedas incorporarlo directamente a tu boceto final. Ahora, estaremos agregando en algunas de las ventanas. Ahora bien, si eres alguien que es muy bueno dibujando líneas rectas perfectas, entonces siéntete libre de ir de la mano libre o de lo contrario, toma la ayuda de tu regla y tu lápiz para tener listo el boceto. Linda casita ya está, y he seguido adelante y acabo de bloquear en la forma general de follaje medio, que está detrás de la cabaña Y el resto de la zona, vamos a seguir adelante y pintar el cielo usando la técnica de mojado sobre mojado, así que comencemos. Entonces voy a empezar con mi cielo como primer elemento, y voy adelante con la técnica de mojado sobre mojado. La técnica de mojado sobre húmedo significa aplicar pintura húmeda sobre papel húmedo, pero también me aseguro de que no me moje por las áreas donde he esbozado el follaje del suelo Así que asegúrate de dar la vuelta a la zona, aunque todavía puedes venir hasta la línea de cabañas. Pero te recomendaría que no vengas a pintar hasta entonces porque aquí vamos a estar usando algunos greens y greens más oscuros para nuestro foley de medio suelo Así que podría llegar a ser un poco complicado manejar la ligereza y el contraste oscuro que obtendríamos. Pero si ya pintas el cielo, estarías superponiendo los colores del cielo, tus verdes Por lo que sus greens pueden no verse tan vibrantes como lo son en general. Entonces esa es la razón por la que sólo voy por encima de la zona de esa voleta media tierra Usando la punta de la presa de mi pincel mob, que es la talla número 20 de la serie Silver Attila, voy a cargar mi amarillo nápoles, pero asegúrate de que estás ejercitando control del agua en esta punta y usando solo la punta de mi pincel, lentamente voy a empezar a esparcir este amarillo nápoles de mi izquierda a derecha Como pueden ver, la derecha tendrá tonos un poco más intensos de mi amarillo nápoles. La idea detrás de representar esta escena matutina fue la hermosa mañana del amanecer primaveral. De ahí que la fuente de luz para mi pintura sea recorridos correctos. Pero si quieres cambiar la fuente de luz, podrías sentirte libre de hacerlo. También podrías desplazarlo hacia la izquierda y pintar la cabaña a tu derecha. Depende totalmente de ti cómo quieres organizar los elementos. Aquí, en este punto, me doy cuenta de que la parte más alta de mi papel casi se está secando Entonces, con la ayuda de mi cepillo mafioso más grande, voy a poner otra vez una capa de agua por allá, pero asegúrate de que no estés usando demasiada agua por allá Entonces aquí está la punta para asegurar que incluso la parte inferior del papel o el cielo que acabas de pintar permanezca húmedo. Goo con tu maldita punta de tu pincel. Repartidas por los colores de allí también. Esto ayudará a que se retenga la humedad. Ahora puedes comenzar a acodar el cielo, la parte más alta del cielo usando el liliaco Ahora, no he empezado desde arriba, sino en el medio, y he usado un valor tonal muy ligero de liliac Para tener una perfecta armonía análoga mezclas de colores en el cielo, voy a ponerla en capas con una mezcla de rosa ópera y lila y comenzar a mezclarla en la capa base de ese amarillo nápoles, como puedes observar aquí afuera. Al crear cielo con múltiples colores, siempre trato de ir primero con un lavado de valores más claro, y luego lo oscurezco usando algunos tonos más oscuros de mis valores Pero asegúrate de que estás analizando correctamente los colores y ponerlos en capas porque no quieres crear mezclas fangosas en el cielo Por ejemplo, el cielo tiene colores complementarios como este gris azul y mi amarillo arce. Cuando mezclas azul gris y amarillo arce juntos, formarías una banda grisácea en el medio Para evitar la banda grisácea, mezclé en el color análogo del rosa ópera con liliac mezclado en él porque rosa ópera cuando se mezcla con amarillos, forma un rosa muy bonito y Por lo que da un efecto muy armonioso para mirar en tu cielo mientras mantienes tus azules led encima de tu lila o rosa. ¿Es capaz de conseguirme? Entonces así es como siempre creo un cielo análogo. En este punto, mi papel todavía está mojado, así que voy a entrar rápidamente valores tonales poco medios de mi ópera rosa mezclado con lila, y lo estoy empujando hacia el azul mientras lo mezclo con el amarillo Observa mis pinceladas aquí. Voy muy suavemente usando solo la punta y el vientre del pincel y trazos muy suaves, y tendrás el cielo perfectamente mezclado. Ahora bien, el amarillo Nápoles, cuando empiece a secarse, se va a desvanecer aún más claro, así que solo voy a entrar e ir con valores tonales medios de mi amarillo Nápoles una vez más, moviéndolo muy suavemente hacia un lado, pero no yendo demasiado hacia el azul Ahora, voy a estar cambiando rápidamente a mi talla número cuatro serie limo plateado Este es un pincel sintético, y usando solo la punta de mi pincel, voy a mezclar mi violeta mineral con un poquito de mi gris azul y comenzar el proceso de estratificación de las nubes flotando en el cielo usando solo la punta Observa mis pinceladas aquí. No voy con trazos completos, sino con trazos medio rotos en el medio. Al crear esos trazos, también me aseguro de mantener ciertos de amarillos para que salgan maravillosamente en el medio No puedes tapar los amarillos, dejar ciertos espacios de amarillo en el medio mientras estás pintando tus nubes Esto da un efecto muy bonito. Ahora, para crear la profundidad en las nubes, hacia la base, empiezo a acodar mis tonos más oscuros de violeta permanente y usando la misma mezcla de colores de gris azul y violeta permanente Empiezo a acodar los trazos escalonados rotos usando la punta de mi pincel aquí y allá en la parte superior y en el medio, asegurándome de que no estoy cubriendo demasiado las áreas más claras Quiero que la luz se muestre entre las nubes, de ahí ese paso. Ahora bien, si observas la referencia, encontrarías que las nubes son muy esponjosas y de color claro. Entonces solo estoy tratando de conservar el mismo efecto, si no copiando completamente la referencia. Ahora, voy a retener las nubes en la esquina derecha porque nuestra cabaña es el elemento principal, que estará enfocado a la izquierda. Entonces solo me lo estoy guardando a eso y nubes muy sueltas y esponjosas hacia la izquierda. Cura, mi papel todavía está húmedo para crear estas nubes esponjosas, que están bien mezcladas. Pero si tu papel ha comenzado a secarse, necesitas repasar de nuevo todo el proceso de rehumectación. Entonces eso es todo por el cielo. Ahora pasaremos a nuestro elemento medio suelo, que es nuestro follaje Voy por delante y mezclando mis greens. Mientras tanto, mi cielo se está secando. Te veré en la siguiente lección donde empezaremos a pintar nuestro medio terreno. 33. Mañana de Misty a mitad de terreno- parte 2: Bien, así que comencemos con nuestro elemento midground. Voy a seguir adelante y poner una cantidad controlada de lavado húmedo cerca de esta zona de cabañas, asegurando que el agua no entre en el boceto delineado de la cabaña. Ahora, debe preguntarse por qué voy a seguir adelante con técnica de tonelada húmeda controlada y por qué no mojado sobre seco. La respuesta radica, queremos crear el defecto de niebla comenzando en la base de esta cabaña y en el inicio del medoide Por eso vamos adelante con ton wet para que una vez que empiece a acodar mi savia verde por aquí, se puede ver aquí medida que empiezo a poner la savia verde, creará un efecto plumoso o sangrante muy hermoso cuando el dolor empiece a dispersarse en ese fondo húmedo No voy demasiado a entrar en la línea de base. Estoy dejando las zonas blancas, el fondo húmedo por allá, jalando mis colores hacia él y dejando el resto para que el dolor solo haga su trabajo de fluir y dispersarse. Ahora bien, si hubieras observado, estoy jugando con diferentes valores tonales de mi Sab green por aquí Primero, empecé con un valor tonal medio de verde Sab, y luego a medida que me voy moviendo hacia el cielo, la zona superior, voy adelante con colores más oscuros Recuerda la referencia. Entonces, este es el efecto que estoy tratando de lograr. Ahora, jugar con diferentes valores tonales traerá tanta profundidad aquí Recuerda siempre ir primero con los tonos más claros, y cuando la zona aún esté lo suficientemente húmeda, adelante con tus tonos más oscuros. Esto asegurará que tengas un follaje de fondo mezclado muy bien y suave. Ahora bien, fíjate que a medida que me estoy moviendo hacia la zona del cielo, voy adelante con la técnica mojada sobre derecha porque esta parte del papel, no la había previamente verificado solo cerca de la base y alrededor del área de la cabaña, primero la había estratificado con agua porque quería crear este defecto de niebla sangrante Y ahora con solo la punta de la presa, voy adelante y creando este suave sangrado se mezcla por aquí. Entonces lo que te recomendaría es que primero observes este paso, lo que estoy haciendo aquí afuera, y luego seguir adelante y comenzar el proceso porque me verás luchar un poco con, ya sabes, áreas secas, con parches aquí y allá, porque el papel se habrá empezado a secar cuando yo estaría yendo adelante y agregando estos tonos más oscuros a mis greens Entonces, para traer aquí la ilusión de profundidad, y porque hay niebla cerca de la línea base del follaje, estamos conservando los tonos más claros de mi savia verde, pero los verdes comenzarán a hacerse más oscuros a medida que avanzas hacia el cielo. ¿Bien? Entonces así es como entrará en juego tu efecto de perspectiva atmosférica. A partir de esta parte, me verás cambiar bastante la forma de los árboles porque quería algunas toletrías más, pero siéntete libre de agregar tu propia imaginación Ahora, estoy aquí apuntando algunas toletrías, pero si quieres, también puedes seguir adelante con algún follaje arbustivo de piel mediana por allá, tal como lo habíamos pintado inicialmente Pero asegúrate siempre que estés haciendo este paso, recuerda usar diferentes valores tonales de tus greens, comienza primero con la luz cerca de la base, y luego los tonos medios, y luego en la parte superior vendrán tus tonos más oscuros Ahora, con mi pincel aparejador, sólo voy a seguir adelante y crear estas pequeñas hojas que sobresalen. Bien, ese efecto de los árboles es lo que ves, el contorno del árbol. Sólo voy a refinarlo un poco más. Usando este abanico trazos del pincel. Usa trazos más cortos y más largos con la punta de tu pincel para darle a este árbol su natural. Por aquí, me verás seguir aumentando la altura del árbol y creando estos trazos de dabbing con la punta de mi pincel para crear el efecto de ese follaje A medida que el árbol se está secando, me doy cuenta de que necesito ir con tonos un poco más oscuros, el tono más oscuro probablemente con mis verdes Pero aquí noto que esta zona ya ha empezado a secarse, y me está dando un aspecto de parche. Así que necesito repasar toda esta zona de nuevo con Sap capa verde ella, Y luego empezar a poner los tonos más oscuros. Entonces esto es lo que voy a hacer aquí exactamente. Pero al hacer este paso, por favor sea un poco consciente del contenido de agua que tendrá en la punta de su pincel cuando continúe y vuelva a rewating estas áreas, vaya primero con un valor tonal claro de su verde y luego comience a poner sus valores tonales medios de verde y luego sus tonos más vaya primero con un valor tonal claro de su verde y luego comience a poner sus valores tonales medios de verde y luego sus de verde y Esto le dará la profundidad que querías tener en este follaje. Este proyecto bonus es una culminación de todas las técnicas que hemos aprendido en nuestros proyectos anteriores desde el proyecto uno hasta el proyecto cuatro Así que solo sigue adelante y recapitulea si vas a venir y unirte a la lección extra después de mucho tiempo, o si eres alguien que acaba de comenzar de la lección extra, sería recomendable que regreses a las lecciones anteriores, veas a través de ellas, y luego vengas e intentes esta lección extra Este árbol que estoy creando por aquí es con técnica húmeda sobre seca. Estoy usando solo la punta de mi pincel número seis de talla y creando esos trazos magros y cortos, trazos gruesos para crear los talones del árbol A medida que te desplazas a la parte más derecha de tu pintura, aquí en este follaje, vas a crear un resplandor verde brillante viniendo del sol, que apenas se está levantando Entonces aquí está la parte más importante donde jugamos con el conocimiento de la perspectiva atmosférica. Ya que está más cerca de que salga el sol, entonces esta parte de ella tendrá ese resplandor dorado. Es hora de comenzar con una cabaña. Para nuestra cabaña, voy con mojada en técnica correcta. Aquí el color que estoy usando. Ya lo hemos visto en la sección de paleta de colores, cómo podemos hacer este color. Se hace mediante el uso de combinación de cuatro colores, que es su bandeja permanente de siena quemada, y un poco de su ópera o rosa brillante, lo que sea Bien Hacia la esquina de tu cabaña, habrá muchos más matices. Primero, inicialmente, vas y bloqueas de color las áreas, y luego hacia el centro, vamos a ir a usar un valor tonal medio, manteniendo la base de la cabaña libre con el espacio blanco retenido para que podamos mezclar los colores y crear ese efecto brumoso durante el año dos Una vez que estés contento con la mezcla de la mezcla en la parte central de la cabaña. Usa papel de seda y aplícalo cerca de la base. Así que ahí tendrás ese efecto brumoso. Bien. Ahora pasemos a pintar un techo para techo. Vamos a usar un poco más de tono marrón más oscuro, mezclado con un poquito de rojo. Entonces aquí también puedes seguir adelante y usar tu rojo marrón si tienes eso fácilmente disponible o mezclarlo con tu granate perlado, un poco más de siena quemada, y podrías obtener el Ahora, para que el techo, voy a ir con técnica similar. Voy a usar un pequeño cepillo de presa acuosa y bajaré los colores. Aquí en la parte de pendiente, quiero que sea un poco más ligero mientras que la parte superior de la cubierta va a ser más oscura. Ahora, usando mi pincel delineador, simplemente seguí adelante y creé esas líneas allá para darle algún tipo de forma y forma. Ahora, usando la técnica de pincel seco, puedes seguir adelante y crear algunas texturas más en el techo que voy a agregar hacia el final una vez que esta área se haya secado por completo. Ahora voy adelante y pintando la chimenea. Observo que una vez que la capa se ha secado, la cabaña se ve un poco desvanecida. Quiero que la cabaña llame la atención del espectador, así la oscureceré un poco y crearé las sombras justo debajo del techo y en las esquinas laterales de izquierda y derecha Entonces aquí podrías tener esta almohadilla seca. Lo que haces es usar tu punta acuosa del pincel y simplemente arrastrar los colores hacia arriba Por lo que esto asegurará que tengas un efecto suave y mezclado conservando el efecto brumoso hacia la base de la cabaña Así que eso fue todo acerca de crear tu midground. Tu centro está listo. Ahora, es hora de comenzar con nuestro terreno Fo. Voy a ir con mojado sobre mojado para mi tierra de Enemigo. Entonces te veré en la siguiente lección donde iniciamos nuestra tierra de Enemigo 34. Detalles finales de la mañana de primavera de Misty: Bien, entonces es hora de empezar con un primer plano. Para un primer plano, voy a seguir adelante y crear un campo de lavanda Ahora bien, si ya has visto a través de los proyectos dos y el proyecto cuatro, ya habrías tenido alguna idea de cómo seguir adelante y pintar un prado floral. Ahora mira lo que pasó por aquí. Tan pronto como llevaste esa agua sobre tu primer plano, los colores de la cabaña comenzarán sangrar hacia las áreas blancas Así que asegúrate de que tu cabaña esté absolutamente seca antes de comenzar con tu primer plano Bien. Pintar este altramuces o campo de lavanda, voy a seguir adelante con una mezcla de mi rosa brillante y mi violeta mineral o violeta permanente por aquí Ahora aquí, ve con un ligero lavado tonal de tu rosa brillante o rosa ópera, con lo que optes por ir, y luego agrega algunas pequeñas salpicaduras de tu violeta permanente, así o con solo la punta de tu pincel, sigue y coloca esto en capas Ahora, usando tu cepillo de fregona de mayor tamaño, solo voy a ir a mezclar estas áreas sin problemas, algo así. Hay agua por aquí en esta zona. Entonces, obviamente, tu pintura comenzará a dispersarse muy suavemente y hacia la base de tu papel. Vas con estos trazos verticales hacia arriba creando las formas de tu altramuz o tu lavanda, ¿bien? Ahora, aquí, voy a usar esta mezcla de doble tono de mi rosa brillante y mi violeta permanente por aquí y creando los trazos variados, cada vez más grandes, más pequeños cuando está más lejos y más grandes cuando está más cerca del primer plano, que está cerca Entonces aquí está, nuevamente, el efecto de la perspectiva que entra en juego. Aquí, observa mis pinceladas. Me voy en ciertos huecos blancos en el medio. Esto creará un resplandor y además nos permitirá ir a rellenar los greens más adelante cuando hayamos terminado de llenarlo con nuestros morados y rosas En este punto, realmente necesitas ser un poco rápido, y con mi punta húmeda de mi pincel, voy con trazos verticales mojando la base del papel para que cuando empiece a poner mis greens en él, no forme ninguna zona seca irregular, y esté bien mezclada y suave Así que adelante con algunos valores tonales medios de tu savia verde y hacia la esquina más interna o la base del papel, ve con valores más fuertes de tus greens, más hacia el tono más oscuro, porque en la base, está detrás de la sombra, entonces estas son las partes oscuras Ahora, con la misma punta de mi pincel mob, solo voy a seguir adelante y crear los trazos más delgados y esbeltos de las formas de pasto donde entre esas áreas más blancas Ahora aquí, hay que tener un poco de cuidado. Y cuando el papel aún esté lo suficientemente húmedo, debes seguir adelante y agregar tus tonos más oscuros a la base de los greens también. Ahora me estoy cambiando a mi pincel de peine, y usando los valores tonales medios, voy a flanquear los colores hacia arriba en los espacios blancos o huecos, pero no cubriéndolo completamente, también necesitas el blanco para mostrarlo Si bien el papel aún está húmedo, le invitamos a seguir adelante y crear las técnicas que hemos visto en el Proyecto dos y Proyecto cuatro, el efecto salpicado de sal y agua en los prados florales para crear un efecto muy soñador Eres bienvenido a seguir adelante y crear ese efecto en esta pradera dos. Pero aquí, quería crear un poco diferente, conservando las formas del altramuz Por eso no fui con ese efecto, pero ese efecto es muy sencillo y fácil de hacer, y crea un efecto hermoso. Entonces, si quieres, puedes seguir adelante y referirte a esos dos proyectos y recrear los mismos Ahora bien, aquí se puede ver que mi papel ha empezado a secarse, y me está dando este aspecto sucio, seco y parcheado, que en realidad no me gusta, pero con la ayuda de mi cepillo de peine, sólo voy a ir y crear estos trazos flanqueantes para crear el efecto de la hierba Así que de alguna manera solo soy capaz de cubrirlo. Pero si tu papel está completamente seco, no podrás hacer este tip, y se vería muy desagradable y sucio. Así que asegúrate de que eres un poco rápido en hacer esto porque este es el mismo problema que habrías encontrado en el proyecto dos y en el proyecto cuatro. Si no eres lo suficientemente rápido y no conoces la humedad de tu papel, entonces este problema seguirá surgiendo Para evitar ir y venir esta técnica de re humectación. Te aconsejo que primero veas la lección completa y luego sigas adelante y comiences de esta manera, sabrías cuáles son los siguientes pasos a hacer simultáneamente, y puedes pintar a lo largo. Ahora voy adelante con mi co pincel, agregando algunos valores más oscuros de mi rosa brillante mezclada con un poquito de mi violeta y usando este efecto de pincel cob, estoy tratando de crear la forma de los altramuces Tiempo. Bien, ahora, hora de volver a empezar con nuestro follaje de fondo. Ya sabes la razón porque se ve muy desordenado por aquí debido a demasiada técnica de re-humectación Todos los colores se han desvanecido, y lo más probable es que yo hubiera levantado todos los colores Así que a partir de ahora, sólo voy a seguir adelante y volver a aplicar los colores sobre el fondo húmedo He renovado esas áreas de nuevo con la mezcla ligera de mi verde savia, valor más claro del verde savia, y luego comencé de nuevo a estratificar mis valores más oscuros Aquí, asegúrate de no volver a este punto y hacer este paso como lo estoy haciendo yo. Entonces, cuando estaba haciendo el follaje medio del suelo, he estado continuamente diciendo cómo joder los colores para que lo hagas bien de una sola toma Bien, ahora, mi prado se ha secado totalmente, y he cambiado a mi pincel número dos de talla. Se trata de un cepillo sintético. Ahora, usando este pincel, voy a agregar mi valor tonal muy ligero de índigo en las ventanas para crear ese efecto de sombra en las ventanas Las esquinas más internas serán a, y luego desvanecerás los colores para que sean más claros hacia tu derecha Este es el mismo paso que vamos a seguir tanto para las ventanas. Ahora, voy a ir y repetir el mismo proceso para la ventana de la izquierda también. La esquina izquierda de la ventana será más oscura que la de la derecha. Así que ten esto en mente y luego adelante y haz esto. Ahora, una vez que las ventanas estén listas, la dejaremos secar mientras tanto. Yo sólo voy a seguir adelante y comenzar a agregar algunas aves al cielo, y luego volveremos a las ventanas y pintaremos algunas parrillas blancas sobre ella Bien, ahora es el momento de agregar en la parrilla, así que estoy aquí usando mi pincel de detalles y usando guash blanco para hacer este paso, pero también podrías usar tus marcadores Posca o cualquier bolígrafo de gel ancho para hacer este Yo estoy aquí yendo con una regla, pero asegúrate de que al hacer este paso, uses ya sea una regla o gratis si te sientes muy cómodo dibujando líneas rectas. De lo contrario, las ventanas van a parecer torcidas. Voy aquí con Free y a crear los cristales para las ventanas. Si no tienes confianza en este paso yendo y luego usa tu. Usando el mismo pincel. Ahora voy a seguir adelante y agregar algunas pinceladas secas este techo para crear algunas texturas. Aquí, asegúrate de que tu cepillo no esté teniendo agua. Es absolutamente con solo el color cargado en él. De ahí, sólo entonces conseguirás estos pinceles secos. Añadiendo estas texturas en el techo donde se encuentran los pasos finales. Ahora una vez que esté terminado, dejas que tu pintura se seque por completo, y luego estaremos quitando las cintas de enmascarar. Ahora, mientras te quitas las cintas de enmascarar, siempre sé gentil con ellas. No intentes arrancarlo y sobre todo deja que tu papel sea muy adecuado o usa tu pistola de aire caliente, cualquier cosa que esté disponible contigo para secarlo rápido, y luego solo haz este paso. Entonces con eso, nuestra lección extra llega a su fin. Espero que hayas disfrutado pintando conmigo tanto como yo creando esta lección extra. No puedo esperar a ver tus creaciones. Te veré pronto en la siguiente clase. Bien. 35. Para terminar: Enhorabuena, has llegado hasta el final de la clase. Una vez que termines tus proyectos, por favor súbalos en la sección de proyectos y recursos de la clase. Si estás subiendo tus proyectos en Instagram, por favor, etiquétame. Si tienes alguna duda o consulta. Por favor, siéntase libre de publicar una discusión bajo la clase. Estaré encantado de ayudarte con las respuestas. Por último, pero no menos importante, si eres amado. Hola clase, por favor considere dejar una reseña. Esto ayudaría a mi clase a llegar a un público más amplio y también me mantendría motivado y energizado para traer más contenido a ti y al futuro. Eso es todo de esta clase. Comparte tus ideas o sugerencias que te gustaría aprender de mí. E intentaré convertirlo en un vaso hasta entonces mantenerme seguro y feliz pintando.