La guía definitiva para pintar cielos en acuarela: un desafío de 7 días

1. Introducción: acerca de la clase: ¿Alguna vez has intentado pintar un cielo con acuarelas solo para terminar con bordes ásperos, colores fangosos o nubes que simplemente no se sienten bien? Sé que también he estado ahí. Cuando empecé, también me costaba crear esas suaves mezclas luminosas que hacen que el cielo se sienta vivo. Por mucho que practique, mis nubes se ven rígidas, mis transiciones se sentían desiguales y a mis cielos les falta ese brillo sin esfuerzo que admiraba admiraba Pero a lo largo de los años, he perfeccionado mi enfoque. Desde elegir los suministros adecuados hasta dominar el control del agua, las técnicas de pincel y la armonía del color, pude aportar profundidad y movimiento a mis cielos Ahora, quiero ayudarte a hacer lo mismo. Hola, soy Nelm Roy, acuarela y embajadora de marca una marca de pintura surcoreana llamada Shinhan Art Con más de cuatro años de experiencia pintando paisajes, he desarrollado una profunda pasión por capturar la belleza y el estado de ánimo de los cielos, ya sea el calor dorado de un amanecer, la profundidad tormentosa de las nubes reunidas o la suave tranquilidad del crepúsculo A través de mis talleres presenciales, he ayudado a los estudiantes a liberarse de la frustración de los lavados fangosos y las nubes con exceso Y en esta clase, te estoy trayendo esa experiencia. Los cielos son más que un simple telón de fondo. Son el alma de un paisaje. Un cielo bien pintado puede transformar una escena ordinaria en una obra maestra evocadora, pero lograr ese equilibrio perfecto de suavidad, movimiento y armonía de color requiere algo más que copiar una referencia Requiere una comprensión de la consistencia de la pintura, control del agua y las técnicas de pincel. Este desafío de acuarela estructurada de siete días está diseñado para ayudarte a dominar metódicamente el arte de pintar cielos Cada lección se basa en la última, llevándote paso a paso a través de la teoría del color y la selección de paleta, dominando la proporción agua a pintura, y pinceladas y técnicas Reforzaremos estas técnicas a través de siete impresionantes composiciones de cielo, comenzando con simples lavados de gradiente y progresando gradualmente a cielos atmosféricos más complejos Cada lección se divide en pasos claros y alcanzables, lo que hace que esta clase sea ideal tanto para artistas principiantes como intermedios que buscan refinar sus habilidades en acuarela Al final de este desafío, no solo tendrás una colección de siete cielos tomando pan, sino que también tendrás una base sólida en el control del agua, trabajo con pincel y las técnicas de mezcla que podrás aplicar a cualquier pintura de acuarela Más que eso, cultivarás un hábito de pintura consistente, permitiéndote liberarte del estrés diario y encontrar alegría en la expresión creativa ¿Estás listo para transformar tus cielos de acuarela? Si estás asistiendo con la cabeza, entonces únete a mí en esta clase, y comencemos 2. Materiales necesarios: Bien, así que repasemos rápidamente la lista de suministros que vamos a necesitar para esta clase. Entonces hablemos del material más importante que vamos a necesitar para nuestra clase. Ese es nuestro papel. Para esta clase, voy a usar el papel de Saunders Waterford, acuarela o papel serie equireal Se trata de un papel fino de grano prensado en frío, que se denota con la letra CIP y El color del papel es blanco, negro, natural, y el tamaño del papel es de diez pulgadas en siete pulgadas. Pero aquí, para esta clase, no he usado este mismo papel de tamaño completo. En cambio, he cortado mi papel en tamaño cuadrado de 18 centímetros en 16 centímetros. No es un cuadrado perfecto, pero es casi un cuadrado. Pero podrías optar por ir por cualquier tamaño del papel. Si quieres, puedes ir por un cuadrado perfecto de 16 centímetros o 18 centímetros o más. Eso depende totalmente de ti. Junto con esto, te recomendaría que lleves a mano algún trozo de papel chatarra para muestras de color o para practicar algunas técnicas rápidas Ahora centrémonos en el aspecto más crucial de tu papel de acuarela. Es decir, revisar siempre la etiqueta de tu papel para asegurarte de que dice la palabra 100% algodón. Ahora bien, este detalle a menudo es pasado por alto por los principiantes, y es uno de los mayores errores que cometen los principiantes Este papel que estoy usando aquí es de grado artista, que también es un papel de grado de archivo, libre de ácido y enrollado en secadora, lo que lo convierte en mi favorito absoluto para pintar paisajes de acuarela No, no es necesario usar esta misma marca particular de papel que estoy usando aquí. Siéntase libre de explorar otros papeles de acuarela de alta calidad, 100% algodón que están disponibles en el mercado. Pasando a nuestro siguiente suministro esencial, es decir nuestras pinturas de acuarela para esta clase, y como siempre, estaré usando Shinhan arts, PWC Acuarelas extra finas Ahora bien, estas son pinturas de grado profesional. Cuando eliges pinturas de grado profesional, las propiedades de cada color como solidez a la luz, transparencia y su información de pigmentos se mencionarán en las etiquetas de tus tubos o pantalones Al elegir colores, siempre consulte la información de pigmentos en los tubos o sartenes en lugar de confiar en su color genérico. En esta clase, estaré usando tubos de acuarela, pero si tienes sartenes, en cambio, siéntete libre de usarlos. Para exprimir mis colores, estaré usando esta paleta de policarbonato de Shinhan art Ya puedes ver los colores dispuestos en mi paleta, pero he incluido una lección adicional sobre cómo configurar correctamente tu paleta. He explicado el proceso en detalle vez que lo mantengo completo y fácil de seguir. No te preocupes por los colores específicos utilizados a lo largo de la clase. Antes de cada proyecto de clase, te guiaré a través de los colores exactos necesarios. En su mayor parte, he mantenido la paleta de colores consistentemente similar en todos los proyectos con solo unos pocos colores adicionales cuando sea necesario. A continuación, necesitarás una botella rociadora, salvavidas absoluto durante los meses de verano cuando el papel se está secando demasiado rápido, absolutamente tengo esto a mano conmigo Ahora también necesitaremos un tablero de lámina acrílica no absorbente o cualquier otra superficie no absorbente para pegar tu papel en sitios fo si estás usando hojas sueltas como yo. Sin embargo, si estás trabajando con bloques de papel pegados o cuadernos de bocetos, esta superficie no absorbente no será necesaria Ahora para pegar el papel, necesitarás cinta adhesiva. Estoy aquí usando cinta de enmascarar de media pulgada, pero siéntete libre de usar cualquier tamaño que tengas disponible contigo. A continuación, necesitaremos dos frascos de agua limpia, uno como fuente constante de agua limpia, y el otro para enjuagar tus pinceles. Por último, también necesitaremos algunos suministros básicos para esbozar, un lápiz El lápiz que estoy usando aquí es un lápiz mecánico. Siéntase libre de usar lo que sea que tenga una regla y una goma de borrar Ahora hablemos de otro suministro más importante que es nuestro cepillo. A lo largo de la clase, me verás principalmente usando los cuatro cepillos naturales para crear un cielo Los más utilizados son mis cepillos redondos de trapeador serie Atalia plateados y brochas de merluza Este cepillo de merluza está hecho de cerdas de pelo de cabra, y me encanta usarlo para colocar lavados planos También usaré los dos pinceles redondos. Uno es un cepillo sintético ultra redondo con una punta alargada, y el otro es un cepillo redondo de terciopelo negro plateado de la talla número seis. Ambos pinceles son de tamaño número seis. Además de esto, también usaré pinceles de forro. Uno es un cepillo suave sintético de Princeton Heritage, y el otro es un mini cepillo liner de Hi Mia Para efectos especiales, también me verás usando este cepillo especial, el cepillo de peine Princeton velvet at series, que es genial para crear prados herbosos Una alternativa a esto sería un cepillo abanico que te daría resultados similares. Por último, pero no menos importante, necesitarás un poco de papel tisú o una toalla de papel para aplicar tus pinceles, secar o limpiar Y con eso, hemos cerrado nuestra sección de suministros. Así que reúne tus materiales y únete a mí en la siguiente lección. 3. Teoría del color: repasando los conceptos básicos: En esta lección, profundicemos en la teoría del color. Tengo mis tres colores primarios, rojo, amarillo y azul, y he creado una rueda de colores. Arreglaré estas primarias al volante de una manera que forme una tríada El primer color que estoy colocando en la rueda de colores es el color rojo. Este particular rojo está hecho de pigmento PR 209, que es transparente y se inclina hacia el lado cálido. Ahora, permítanme explicar brevemente el concepto de sesgo de temperatura. Los rojos que se inclinan hacia el naranja se consideran rojos cálidos, mientras que los que se inclinan hacia el morado son los rojos fríos. Por ejemplo, los rojos fríos incluyen quina CridOnrd, lago carmesí, lago carmesí Sin embargo, estos nombres son genéricos, y la temperatura real de un color depende del pigmento específico utilizado. Determinar si un color es cálido o frío es un proceso relativo, y puede variar según el contexto o los colores que están uno al lado del otro. hora de colocar nuestro próximo color primario, que es nuestro amarillo. Ahora, el mismo concepto se aplica también a los amarillos. El amarillo que voy a usar aquí es amarillo indio, hecho del pigmento PY 189, que es un amarillo cálido. Se inclina hacia el naranja, dando un rico calor resplandeciente. Piensa en el color del sol irradiando calidez. Esto se siente exactamente igual, ¿no? Por otro lado, un amarillo que se inclina hacia el verde se considera un amarillo frío. Como se mencionó al comienzo de esta lección, temperatura del color es realmente muy relativa y lo discutiré más detalle más adelante en esta lección. Ahora pasemos al siguiente segmento, mezclando nuestras primarias para crear colores secundarios Aquí, estoy mezclando mi rojo y amarillo en proporciones iguales para formar mi color secundario, que es el naranja, que colocaré justo entre el rojo y el amarillo en la rueda de colores. Aquí, estoy mezclando mis rojos y amarillos para crear naranja, pero noto que tengo demasiado rojo en la punta de mi pincel Para equilibrarlo, voy a tener que agregar más amarillo para lograr ese naranja brillante perfecto. Obtener la mezcla correcta se trata de ajustar las proporciones para alcanzar la vitalidad deseada Yo continuación, mezclaré este color secundario, que es nuestro naranja con nuestro rojo para crear una naranja rojiza, una naranja roja, que es un color terciario Cuando mezclas una primaria con una secundaria, recuerda siempre que formas un color terciario, y en este caso, nuestro naranja rojo es un color terciario. De igual manera, cuando mezclas tu naranja con tu amarillo, formas naranja amarillo, que es, nuevamente, un color terciario que se asienta justo entre tu naranja y amarillo. En este punto, hemos creado nuestros colores secundarios y terciarios que son todos bastante cálidos. No obstante, el brillo y calidez de tu naranja dependerá totalmente de la temperatura del rojo y amarillo que uses. Si una de estas primarias es de un color fresco, entonces el naranja resultante estará más apagado en lugar de ser un naranja muy brillante y vibrante Bien, entonces he llenado mi velo de color con todos los colores secundarios y terciarios restantes. Ahora déjame explicarte rápidamente el proceso. Cuando mezclas amarillo y azul, obtienes verde, que es un color secundario. Mezclar verde con amarillo crea verde amarillo, mientras que mezclar verde con azul da como resultado azul verde. Ahora, cuando mezclas azul y rojo, formas púrpura, pero aquí hay una ligera captura. Tanto el azul como el rojo que he usado aquí son azul cálido sesgado hacia el púrpura y el sesgo rojo hacia el naranja. En consecuencia, el color secundario que se produce es un morado silenciado Ahora bien, aquí hay un dato interesante. Si el azul está sesgado hacia el púrpura, lo que significa que es un azul cálido y el rojo, que está sesgado hacia el púrpura, que es un rojo frío, se forma el púrpura más brillante Porque tanto tus primarias están sesgadas hacia el morado. Ahora bien, cuando mezclas morado con azul, obtienes un violeta azul, un color terciario que tiende a ser bastante opaco porque un morado en sí mismo es opaco. De igual manera, al mezclar púrpura con rojo, te da un violeta rojo, que es otro color terciario, y este color también será de color muy opaco. Ahora aquí hay algo para recordar. En la rueda de colores, los tres colores primarios, rojo, azul y amarillo siempre formarán una relación treádica, lo que significa que están espaciados uniformemente alrededor de la rueda Déjame mostrarte a través las líneas guiadas con la ayuda de esta pluma. Así que siempre que estés colocando tus primarias en la rueda de colores, recuerda siempre que van formar esta relación triádica exacta, y todo lo demás caerá en Si así lo notas, incluso tus colores secundarios, ese es tu naranja, verde y morado también mantiene una relación triádica Ahora bien, si te estás preguntando por qué tus primarias están en una relación triádica, es porque en un color viel, están espaciadas por igual, y este espaciado uniforme asegura que cada color primario sea equilibrado y distinto sin compartir ningún tono directo con los demás De igual manera, tus colores secundarios como el morado, naranja y el verde forman una relación triádica porque se crean mezclando primarias y están igualmente espaciados entre sí en el Bien, ahora que tienes una comprensión clara de cómo se posicionan los colores primarios en la rueda de colores, sus relaciones y cómo se forman los colores secundarios y terciarios, pasemos a otro concepto clave que es los colores complementarios y sus interacciones. Ahora bien, ¿qué son los colores complementarios? Los colores complementarios son aquellos colores que se colocan uno frente al otro directamente en la rueda de colores. Por ejemplo, rojo y verde y naranja y azul. Cuando se mezclan, se neutralizan entre sí, dando como resultado tonos terrosos apagados como grises, marrones Por ejemplo, el azul primario y el naranja secundario son complementarios, pero al mezclarlos en cantidades variables, podemos crear diferentes tonos de marrón o gris. Para ilustrar esto mejor, déjame mostrarte rápidamente las mezclas de colores. Por ejemplo, si tomamos rojo, su color complementario es el verde, que se asienta opuesto al rojo en la rueda de colores. Cuando se mezclan, crean un color desaturado que resulta en siena quemada o madera quemada, dependiendo de la proporción de rojo Ahora para demostrarlo, primero reactivaré mi amarillo Lo haré bien y a fondo y luego agregaré en azul para crear mi mezcla verde. Aceleraré el proceso de mezclar mis amarillos y azules para formar mi verde Sigue ajustando las proporciones de amarillos y azules hasta que tengas tu verde apropiado Una vez que mi verde esté listo, ahora enjuagaré mi pincel y agregaré mi rojo. Tan pronto como te presente el rojo con solo un tinte de verde, notarás cómo el rojo pierde su brillo y se vuelve más desaturado Ahora, cuando sigues aumentando la cantidad de verdes en tu rojo desaturado, obtienes una mezcla que se desplaza completamente hacia tu tono umber quemado Ya ves como ese enrojecimiento del rojo ha cambiado a los tonos completamente marrones, ¿verdad? Entonces esta es la belleza de usar o mezclar tus colores complementarios para formar colores desaturados. Y variando las proporciones, puedes obtener una amplia gama de tus tonos neutros o tus colores desaturados De igual manera, cuando mezclas tu violeta y tu amarillo, creas tonos neutros de grises y negros dependiendo de las proporciones que Este principio se aplica a todos y cada uno de los colores de la rueda de colores. Cuando se mezcla con este color complementario, resulta en un color desaturado. Otro concepto importante para recordar aquí es que cuando mezclas tus tres colores primarios, es decir tu rojo, amarillo y tu azul, produce negro o gris. Ahora, dependiendo de la cantidad o las proporciones que estés usando para formar tu negro o gris, puede producir una amplia gama. Ahora, ya tengo rojo en mi paleta, así que mezclaré algo de ese azul. A continuación, enjuagaré en mi pincel y agregaré en amarillo. Ahora, cuando mezclas en amarillo en esta mezcla, si el azul es dominante, mezclarlo con amarillo primero creará verde. Entonces cuando añades más rojo, puedes ajustar la balanza para llegar a una etapa de tu marrón rojizo, y luego seguir agregando más azules para llegar a un gris neutro Ahora puedes intentar agregar un poco de amarillo y luego equilibrarlo de nuevo con un poco de azul para llegar a tu negro azabache. O si quieres hacerlo más hacia la alineación hacia el gris de Paine, entonces mezclas solo tinte de azul, y tienes tu mezcla como gris de Pain Con esto, concluyo la lección de teoría del color. Espero que te haya dado cierta claridad sobre la importancia de entender y mezclar colores. Hay mucho más por explorar en teoría del color, pero he mantenido esta lección dentro del alcance de esta clase, proporcionándote una visión general amplia para comenzar. La clave para llevar es seguir experimentando. Cuanto más mezcles y observes los colores, mejor comprenderás sus interacciones. En la siguiente lección, llevaremos este entendimiento un paso más allá explorando la paleta de colores complementaria y armoniosa dividida análoga paleta de colores complementaria y armoniosa a través de una serie de ejercicios. 4. Paleta de colores análogos: Todo bien. En esta lección, exploraremos las diferencias entre paletas de colores análogas, divididas complementarias y armoniosas divididas complementarias y armoniosas a través de ejemplos Empecemos por descomponer colores análogos. Como se discutió en la lección anterior, los colores análogos constan de tres a cinco colores que se sientan directamente uno al lado del otro en la rueda de colores. Esta combinación crea un suave, mezclado y cohesivo con un contraste mínimo A menudo se usa para evocar sentimientos de serenidad tranquila, lo que es perfecto para bosques brumosos, atardeceres de ensueño Ahora bien, este fue un ejemplo de una cálida paleta de colores análogos para crear una paleta fresca y análoga. Puedes usar los colores entre amarillo y azul para crear ese efecto refrescante o entre azul y rojo ofreciendo una sensación más tranquila y relajante. Así que cualquier color que esté directamente uno al lado del otro le dará esta sensación de calma y calmante o que sea visualmente agradable a sus ojos. Al comprender la colocación de los colores en la rueda de colores, puedes colocarlos de manera efectiva en tus paisajes, asegurando que la composición final sea siempre armoniosa y visualmente agradable. Bien, ahora saltemos a nuestro ejercicio de clase y veamos cómo podemos crear un cielo cálido de color análogo. usarán tres colores, rojo, naranja y amarillo. No obstante, como ya sabes que mezclar rojo y amarillo crea naranja, puedes optar por trabajar solo con rojo y amarillo omitiendo naranja por completo Empiezo exprimiendo el amarillo, específicamente un amarillo transparente hecho de pigmento PY 83 Siguiente sería mi naranja, pero como se mencionó anteriormente, no necesariamente necesitas tener una pintura naranja, ya que puedes mezclar rojo y amarillo para crear para este ejercicio, no voy a estar usando una naranja premezclada En cambio, lo crearé directamente en el papel. Como estamos trabajando en una superficie más pequeña, este enfoque funciona bien. Sin embargo, si estás pintando sobre una superficie más grande, es posible que desees premezclar una piscina uniforme de naranja de antemano o simplemente usar una naranja preparada para tu comodidad Ahora voy a exprimir rojo sobre mi paleta. Al mezclar rojo y amarillo, puedo crear varios tonos de naranja ajustando la intensidad variando las proporciones de cada color. Empecemos. Para el cielo, estaré usando la técnica wet on wet, que implica primero mojar el papel antes de aplicar los colores. Para comenzar, primero, voy a crear un contorno aproximado del sol poniente, un simple semi arco en el centro. Luego, usando mi cepillo de pelo de cabra suave, extenderé uniformemente agua limpia por toda la superficie del papel, asegurando una cobertura uniforme. Asegúrese de hacer este paso una buena cantidad de veces para asegurarse de que la superficie de su papel permanezca húmeda por un período de tiempo más largo. Este método permite que los colores fluyan, mezclen suavemente y creen una transición suave. A medida que coloco agua limpia para premojar la superficie del papel, mojaré cuidadosamente alrededor del sol, asegurándome de que ninguna pintura sangra en el área donde quiero conservar los blancos del papel Este enfoque se conoce como pintura negativa, una técnica en la que se pinta alrededor de un tema en lugar de pintarlo directamente, permitiendo que las áreas vírgenes destaquen de forma natural Aquí hay un consejo importante. Para cubrir nuestro tamaño actual de papel, este pincel número 20 más es ideal. Sin embargo, si usas una brocha redonda más pequeña como una talla seis, que tiene una barriga más pequeña, no contendrá suficiente pintura y agua. Esto significa que pasará más tiempo llenando la superficie, y para cuando llegue al centro a mitad de camino, su papel puede comenzar a secarse demasiado pronto Este es uno de los errores más comunes que cometen todos los principiantes. Nunca use un cepillo de tamaño insuficiente para crear lavados más grandes para sus Este es uno de los mayores errores que cometen todos los principiantes. Para evitar esto, elige siempre tamaño de tu pincel de acuerdo al el tamaño de tu pincel de acuerdo al tamaño del papel que estés usando. Para pintar esquís, recomiendo encarecidamente usar un cepillo de trapeador con vientre redondeado y un afilado preferiblemente talla número 20, o alternativamente de tamaño mediano, media pulgada o 1 "plano Los pinceles le permiten aplicar capas de colores de manera rápida y uniforme, asegurando una mezcla suave y sin fisuras Con la ayuda de mi pincel húmedo, estoy preparando mi mezcla roja, pero se puede ver que hay demasiado rojo en la punta de mi pincel, haciendo que el color sea demasiado intenso. Utiliza un rojo alto tintado, mezclaré un poco de amarillo para lograr un naranja rojizo más equilibrado Empiezo aplicando esta mezcla de naranja rojiza en la mitad inferior del cielo, pintando cuidadosamente alrededor del sol para preservar su brillo Mientras aplico el color, estoy usando solo la punta y el dedo del pie de mi pincel sujetándolo en el centro. Este agarre me permite tener cierto control sobre mis trazos sin dejar de mantener mi presión muy ligera, asegurando una mezcla suave y sin esfuerzo Usando un cepillo limpio y húmedo, ahora pondré una capa amarilla en la sección media del cielo. Esto permitirá que se mezcle a perfección con el rojo mientras el papel aún está húmedo, creando una transición naranja amarilla brillante y hermosa en el medio. Observe cómo uso trazos suaves y ligeros, sujetando el pincel en la sección media y deslizándolo sin esfuerzo por Aplicar demasiada presión en esta etapa puede levantar la capa roja subyacente, interrumpiendo la transición suave y dificultando la consecución del gradiente amarillo anaranjado deseado Mantener un toque ligero asegura una mezcla natural sin fisuras. Yo si ahora observas mi mezcla entre las naranjas amarillas, y el rojo no es tan suave como me gustaría arreglar esto, voy a crear una mezcla ligeramente diluida de amarillo y utilizaré un movimiento suave de ida y vuelta con mi pincel, comenzando desde la parte superior del papel y poco a poco trabajando mi camino hacia abajo hacia el poco trabajando mi camino hacia abajo hacia Observe que estoy usando trazos unidireccionales, asegurándome de no levantar mi cepillo en el medio En cambio, estoy haciendo trazos completos de borde a borde, lo que ayuda a lograr una mezcla uniforme sin fisuras sin crear rayas o parches no deseados Si notas rayas no deseadas o transiciones irregulares, siempre puedes incorporar nubes más oscuras para mezclar sutilmente y cubrir la imperfección mientras el papel Observa cómo uso trazos suaves y ligeros con solo la punta de mi pincel para crear estas nubes tenues en las áreas en transición. Esto ayuda a suavizar la mezcla a la vez que agrega profundidad y movimiento al cielo. Recuerda, el éxito de estos pasos depende completamente de la humedad de tu papel Si su papel ha comenzado a secarse, cepillo no se deslizará tan suavemente como cuando la superficie aún está húmeda de manera óptima El tiempo aquí es la clave para lograr nubes suaves de aspecto natural. Si tus rojos sangran accidentalmente en las zonas blancas del sol, no te preocupes Tengo una solución fácil para esto. Simplemente tome la punta húmeda de su cepillo cargado con lavado blanco grueso y cubra cuidadosamente cualquier mancha o mancha no deseada en las áreas blancas Quash es opaco, por lo que funciona muy bien para corregir errores y restaurar el resplandor brillante del sol Esta solución rápida ayuda a mantener el efecto nítido y luminoso del sol sin afectar la armonía general de la pintura. Este ejercicio de clase fue un ejemplo clásico de una cálida paleta de colores análogos. Pero si quisieras explorar tonos más fríos como los azules y los verdes? Sí, eso también es absolutamente posible. Al pintar paisajes oceánicos o marinos, puede usar cualquier combinación de azul, azul, verde, verde Cuando se dejan correctamente, siguiendo su colocación natural en la rueda de colores, estos colores crearán una representación armoniosa y visualmente agradable del agua. Es por ello que entender la teoría del color y saber cómo interactúan los colores en función de su posición en la rueda de colores es tan importante. En la siguiente lección, profundizaremos en la paleta de colores complementarios divididos. 5. Paleta de colores complementarios dividida: En esta lección, vamos a explorar la paleta de colores de cortesía dividida. Esta paleta consta de un color base y dos colores adyacentes a su color complementario en la rueda de colores. Ahora bien, ¿por qué utilizamos esta combinación de colores? Esto se debe a que al usar esta combinación de colores, se crea un contraste sin ser demasiado duro, equilibrando los colores cálidos y fríos. Por ejemplo, si considero amarillo naranja en mi rueda de colores como el color base, el color complementario exacto es azul violeta en la rueda de colores. Pero en lugar de elegir este color complementario, elegimos dos colores adyacentes al color complementario, formando una relación triádica Ahora puede elegir los colores adyacentes directos del tono complementario o experimentar con los tonos vecinos dentro la misma familia de colores para un efecto ligeramente diferente. Aquí, en lugar de seleccionar púrpura como mi color adyacente, elegí rojo violeta junto con azul. Este sutil cambio agrega variedad mientras mantiene la armonía dentro del esquema de color complementario dividido. Esto nos da el contraste sin crear realmente mezclas fangosas y dándonos los colores brillantes que necesitamos Entonces entendamos esto mejor pintando este cielo. Comenzaré delineando nuestro sol poniente justo por encima de la línea del horizonte Para crear ese semicírculo perfecto o un arco, estoy usando mi papel de cinta adhesiva como guía Es un truco muy rápido y efectivo para obtener ese contorno perfecto de sol poniente. Una vez que el contorno esté listo, pasaremos ahora a la técnica wet on wet. Como se explicó anteriormente, esta técnica implica aplicar pintura húmeda sobre nuestra superficie de papel húmedo. clave aquí es elegir nuestros rojos y azules sabiamente para crear ese contraste perfecto mientras minimizamos los colores fangosos En lugar de usar un rojo cálido, estoy cambiando a carmesí alizarina, un rojo frío, que está sesgado hacia Comprender el sesgo de los colores es crucial. Sabemos que mezclar un rojo frío con un azul cálido crea un púrpura vibrante porque ambos están sesgados hacia el púrpura. Sin embargo, en este caso, estoy usando un azul frío, lo que dará como resultado unos colores secundarios desaturados en lugar de una mezcla brillante Este es un concepto importante a comprender. Elegir colores con sesgos incompatibles puede llevar a resultados opacos o embarrados . Pero no te preocupes. Te mostraré cómo solucionar este reto y aún así crear un cielo visualmente atractivo sin comprometer la composición. Estoy exprimiendo mis colores directamente del tubo. Ya he exprimido mi Azarin carmesí. Ahora estoy agregando mi azul frío, ese es mi azul pavo real a mi paleta Puedes intentar hacer este ejercicio usando tus colores azul frío y azul cálido por separado para comparar las diferencias en los resultados. Antes de comenzar a mojar nuestro papel, primero preparemos nuestra mezcla de naranja amarilla. Si tienes un naranja amarillo listo para usar en tu paleta, es decir, ya sea en tus pantalones o tubo acuarela, no dudes en usarlo. De lo contrario, puedes crear fácilmente la mezcla combinando un rojo cálido con un amarillo cálido como lo estoy haciendo aquí. Estoy aquí tratando de ajustar las proporciones de mis rojos y amarillos para conseguir esa mezcla de naranja amarilla Una vez que haya obtenido el color similar a su naranja amarillo, ya estamos listos para comenzar con el proceso húmedo sobre húmedo. Entonces para el mojado sobre mojado, voy a cambiar a mi cepillo de terciopelo negro plateado talla número 12. Ahora usando el mismo cepillo redondo, voy a mojar el papel con trazos horizontales de ida y vuelta, asegurando que la superficie esté uniformemente cubierta con agua limpia. La clave aquí es evitar los charcos. No queremos que ningún charco de agua quede sobre un papel. Lo quiero agradable y uniforme y consistente. Para un lavado plano más eficiente, puede usar uno en cepillo plano de cabello natural suave para que sea más fácil esparcir el agua sin problemas. tiempo hasta la capa son de color amarillo anaranjado a partir de la base de la línea del horizonte. Sostenga el cepillo en una posición en ángulo superior y use una ligera presión, incluso cuando presione ligeramente hacia abajo para enganchar la punta del dedo del pie y el vientre del cepillo. Observe cómo he agarrado el cepillo. He sostenido el cepillo en el centro del mango para un mejor control. Muévase en suave movimiento horizontal hacia adelante y hacia atrás, permitiendo que la pintura se extienda suavemente sobre esta superficie de papel húmeda. Ahora usando solo la punta de mi cepillo limpio y húmedo, lo sumergiré en agua y comenzaré a aclarar el naranja amarillo a medida que me muevo hacia arriba Con suaves movimientos de barrido hacia adelante y hacia atrás, traeré algo de ese color suavizado El cepillo debe deslizarse suavemente sobre la superficie del papel sin perturbar el lavado subyacente Aquí, debes ser cauteloso para no tener demasiada agua en tu pincel o de lo contrario todo va a volverse demasiado acuoso y difícil de controlar A continuación, cargo la punta de mi cepillo de trapeador con serina carmesí. Aquí es importante tener en cuenta los valores tonales utilizando un valor tonal medio a ligero en capas de transición ayuda a No obstante, creo que me fui un poco por la borda con la fuerza tonal de mi alzarin Para arreglar esto, usaré la punta limpia y húmeda de mi cepillo de trapeador para levantar parte del exceso de pigmento y mezclar suavemente el color restante en el cielo Aquí en esta etapa, presta atención al contenido de agua en tu cepillo. Demasiada cantidad de agua hará que las transiciones sean desordenadas y difíciles de controlar Un cepillo ligeramente húmedo ayuda a lograr una mezcla suave sin floraciones no deseadas y no olvidar la cantidad de presión que estás ejerciendo sobre la punta de tu pincel dependerá si estás levantando los colores o estás poniendo los colores en el papel Mientras mi papel todavía está húmedo, agregaré mi azul directamente encima de mi Allison Crimson y me detendré a mitad de camino por aquí y mezclaré los colores La punta de mi cepillo tiene demasiado azul, así que voy a enjuagarlo, humedecerlo y volver a cargarlo con un ligero valor tonal de mi mezcla azul fresco Ahora, usando este valor tonal más claro de la mezcla azul, voy a mezclar el morado en transición de la mitad hacia arriba, asegurándome de no traer los azules hacia abajo en la capa de transición amarilla y naranja Esto nos ayudaría a evitar esas capas fangosas. Para crear una transición perfecta entre los azules, morados y naranja amarillo, morados y naranja amarillo, od un valor tonal claro de Alyzarin carmesí y comenzar a mezclar desde el área de transición púrpura moviéndose hacia arriba y mezclar desde el área de transición púrpura od un valor tonal claro de Alyzarin carmesí y comenzar a mezclar desde el área de transición púrpura moviéndose hacia arriba y deteniéndose a mitad de camino. Entonces recogeré otro valor litnal de Alizarin carmesí y lo mezclaré cuidadosamente en la capa amarilla Mientras mezclaré hacia arriba, mantendré mis trazos confinados dentro de la zona de transición púrpura y no extenderé hacia el azul, ya que tirar los colores hacia abajo crearía mezclas fangosas no deseadas, que es el objetivo principal de este proyecto Ahora bien, si quieres agregar nubes similares a como lo hemos hecho en nuestro proyecto análogo, usaremos el morado para un efecto sutil. Aquí voy a mezclar mi azul y mi liserina carmesí para Cambiando a un cepillo suave redondo de menor tamaño, voy a crear trazos ligeros usando solo la punta y la punta del pincel. El pincel que estoy usando aquí es de terciopelo negro plateado, talla número seis pincel. Recuerda mantener tus trazos suaves y delicados, permitiendo que el pincel se desplace suavemente sobre el papel Evite usar el exceso de agua, ya que las pinceladas demasiado húmedas pueden hacer que la pintura se extienda incontrolablemente y provoque flores no deseadas Esto, hemos completado con éxito nuestra lección de paleta de colores de cortesía dividida. A través de este ejercicio, se puede ver lo importante que es elegir los colores estratégicamente basados en la teoría del color y su afinidad hacia los tonos subyacentes Al tomar decisiones inteligentes de color, evitamos mezclas fangosas y al mismo tiempo conseguimos un alto contraste en el cielo usando nuestro azul frío, rojo frío y naranja amarillo Recomiendo encarecidamente repetir este ejercicio usando nuestro azul cálido, rojo frío y un naranja amarillo o experimentar con un conjunto diferente de colores complementarios divididos practicando esto mejorará enormemente tu comprensión selección de colores para los cielos y te ayudará a crear composiciones vibrantes pero armoniosas con confianza 6. Paleta de colores armoniosa: Ahora, hablemos de paleta de colores armoniosa. Una paleta de colores armoniosa es cualquier combinación de colores que se sienta visualmente equilibrada y agradable. Esto puede incluir esquemas de color análogos, complementarios, triádicos o complementarios divididos Siempre y cuando los colores funcionen bien juntos, creará una pintura visualmente equilibrada. Entiende esto mejor, hagamos un ejercicio. Voy a pintar el mismo cielo, pero esta vez usando una paleta de colores armoniosa, y antes de eso, voy a cambiar el agua en mis frascos de agua. Empiezo con el naranja amarillo como mi color base, trabajando húmedo sobre seco. Personalmente, no prefiero mojado sobre seco para los cielos porque el papel se seca demasiado rápido. Esto significa que constantemente tiene que volver y volver a trabajar las capas acuosas para mantener la superficie húmeda, lo que puede ser bastante problemático, especialmente en Se puede ver el tiempo que consume este proceso al repasar estas áreas una y otra vez, manteniendo el papel húmedo. Para contrarrestar esto, mojaré rápidamente la sección superior de la g que se moja sobre húmeda y mezclaré a mi capa base de naranja amarilla. Cerca del borde inferior del papel, ahora agregaré valores tonales med de naranja usando un movimiento horizontal de un lado a otro con mi pincel A medida que me muevo hacia arriba, los valores gradualmente se volverán más claros manteniendo la vibrante base anaranjada del cielo. A continuación, ahora comenzaré a mezclar mis rojos fríos con el azul para crear un morado. Para comenzar, aplicaré un valor tonal medio de púrpura en lugar de un tono intenso Esto permite un mejor control sobre la profundidad del cielo. Necesitaba, siempre podemos profundizar el morado más adelante en el proceso estratificando tonos más intensos Ahora voy a agregar algunos trazos inclinados de púrpura usando una presión muy ligera para crear sensación de movimiento en el cielo Mantendré los trazos asimétricos y evitaré llevarlos demasiado lejos en las zonas amarillas Esto se debe a que el morado y amarillo son colores complementarios y pueden crear mezclas fangosas si no hay un color de transición en el medio A continuación, introduciré valores tonales claros del azul, colocándolos directamente sobre mis Como mi papel está empezando a secarse, usaré una mezcla ligeramente acuosa para ayudar a que los colores se mezclen suavemente Notarás que esta estratificación crea el efecto de un cielo tormentoso al atardecer Ahora, estaré agregando un color en transición que es mi rosa ópera, un rosa frío que se mezcla maravillosamente para crear púrpuras brillantes y naranjas corales Ahora, comenzaré a agregar mi color de transición. Ese es mi rosa ópera, un rosa frío que se mezcla maravillosamente para crear púrpuras brillantes y naranjas corales Ahora bien, si no tienes rosa ópera, no te preocupes. Siempre puedes buscar tu gatito acuarela otros rosas geniales con un pigmento rojo, como el quinacrdon Magenda No obstante, evite los rosados o rojos que contengan pigmentos violetas ya que pueden resultar en mezclas fangosas cuando se estratifican con amarillos Este es un consejo importante a tener en cuenta. Elija siempre sus colores de transición en función la afinidad de los colores que ya ha seleccionado cuidadosa selección de colores asegurará que tu cielo permanezca armonioso y vibrante en lugar de volverse opaco o fangoso Aquí se puede ver que la parte inferior del cielo ha comenzado a secarse, lo que impide que las capas se mezclen suavemente. Para arreglar esto, volveré a repasar el área inferior con un valor tonal claro de naranja, mezclando las capas de manera uniforme Ahora bien, si quieres que el cielo tenga un gradiente sin fisuras, mézclalo en un poco de rosa ópera y usa trazos horizontales de luz rápida. Comienza en el centro, muévete hacia arriba y luego lleva tu pincel hasta el fondo. Esta técnica te ayudará a lograr un lavado degradado suave. Ahora, si quieres introducir un contraste, entonces comienza en la parte superior y aplica un valor tonal medio de azul Detente justo aquí en el centro, enjuaga tu pincel y cárgalo con rosa ópera, y luego otra vez, comienza a estratificar rosa ópera desde el centro de la transición, moviéndote hacia arriba y deteniéndose a mitad de camino Recarga la ópera rosa y repite el proceso, inicia en el centro donde lo dejaste y muévete hacia abajo, y luego vuelve de nuevo hacia arriba, manteniendo un degradado suave A lo largo de este proceso, use una presión ligera constante, asegurando que no se detenga en el medio. La clave es usar trazos horizontales rectos que cubran el ancho del papel en un movimiento suave. El movimiento del cielo se siente perdido, podemos traerlo de vuelta agregando algunas nubes direccionales. Y para eso, voy a usar mi blues y mezclarlo con mi ópera rosa. Voy a exprimir algo de mi rosa ópera y mezclarlo con mi azul para crear un hermoso y brillante púrpura rosado Le daré una buena mezcla, y usando solo la punta y la punta de mi pincel, comenzaré a agregar algunas nubes horizontales con una mezcla de trazos cortos y largos rotos. Observe lo ligeramente que he sostenido mi pincel y estoy manteniendo los trazos muy ligeros y sueltos. Aquí en este punto, voy a introducir una gran nube diagonal comenzando por la izquierda, moviendo invers hacia la derecha Observe lo ligero que estoy haciendo este paso. Mi pincel se desliza suavemente sobre el papel con esa mezcla cremosa Este es un punto crítico. Si comienzas con una mezcla de pintura que es demasiado acuosa, puedes introducir flores en el cielo, y las floraciones pueden ser bastante complicadas de arreglar, especialmente cuando se trabaja con múltiples colores en un cielo como este Hacia el lado derecho, utilizaremos trazos de C invertidos arremolinados, manteniendo el movimiento ligero y libre para agregar variación a las nubes Y eso es todo por esta lección. Espero que hayas podido seguir de cerca y entendiste la importancia de estas técnicas. La práctica es la clave. Asegúrate de probar los ejercicios tú mismo porque solo cuando pintes, obtendrás una comprensión cristalina de los puntos críticos que acabamos de cubrir. Si no quedaste satisfecho con tu primer intento, no te preocupes. Rehacer estos ejercicios tantas veces como sea necesario. Cuanto más practiques, mejor control desarrollarás sobre tu trabajo con pincel, control de agua y humedad del papel, todas habilidades esenciales para pintar esquí expresivo y atmosférico Con esto, hemos cubierto todos los fundamentos esenciales de la teoría del color. Necesitas crear tus propios paisajes de cielo impresionantes. Ahora saltemos a nuestra siguiente lección. 7. Tipo de pincel y control del agua: Para este ejercicio, agarra tus pinceles de uso más frecuente. Aquí estoy usando un par de cepillos, un papel de seda, y un frasco de agua limpia. De esta colección de pinceles, trabajo principalmente con la serie atelia plateada Así que voy a estar escogiendo mi atelier plateado ardilla blend mob cepillo de talla 00 Se trata de un cepillo híbrido compuesto por ardilla y fibras sintéticas suaves que imitan el cabello natural Ahora voy a sumergir el cepillo en agua. Observe cómo las cerdas se hinchan y la punta se llena de agua Es extremadamente acuosa. Cuando lo pongo sobre papel seco, forma una mancha de agua. ¿Puedes ver eso? A medida que lo arrastre hacia abajo, se puede ver que se forma una línea acuosa Este es un ejemplo clásico de un cepillo acuoso. Imagina si tu pincel estuviera cargado con este tipo de mezcla de pintura fina y acuosa mientras pintaba cielos Si esto es algo que has estado haciendo, lo que voy a mostrarte a continuación será abrir los ojos. Déjenme demostrarlo. Aquí estoy formando un charco de pintura acuosa Solo observa que está muy diluida. Aquí puedes ver qué tan acuosa se forma esa mezcla de pintura. Si aplico esto sobre papel 100% algodón seco, seguirá funcionando hasta cierto punto porque el papel absorbe el exceso de humedad. Pero veamos qué pasa en una técnica húmeda sobre húmeda con la misma mezcla de pintura acuosa Primero, mojaré mi papel poniendo una capa uniforme de agua. Ahora usando este movimiento de un lado a otro, voy a esparcir el agua uniformemente sobre la superficie del papel Entonces sumerjo mi pincel en agua, lo cargo directamente con la pintura, y luego lo estaremos dejando caer sobre la superficie mojada directamente. ¿Te das cuenta de cómo la pintura sangra y se extiende incontrolablemente Se siente como si estuvieras moviendo demasiada pintura y agua. Este es uno de los errores más comunes que cometen todos los principiantes. Mira la cantidad de pintura acuosa que sostiene tu pincel. Esta falta de control sobre tus pinceles, agua y capacidad de retención de pintura puede llevar a situaciones difíciles en tus pinturas de acuarela. Ahora déjenme demostrar la relación correcta entre agua y pintura que su pincel debe tener al pintar nubes o cielos Ahora, voy a darle un buen enjuague a mi cepillo. Después lo cargaré con agua limpia y lo colocaré sobre mi papel para que se moje. Voy a hacer este paso de manera uniforme. Observe cómo estoy aplicando el agua. Estoy usando todo el cuerpo del cepillo, la punta, el dedo del pie y el vientre todo al mismo tiempo. Observe la presión que estoy ejerciendo. Estoy sosteniendo el pincel cerca del borde del mango, lo que me da más espacio y libertad para pinceladas expresivas. Esto me permite cubrir un área más grande lisa. Ahora, dejaré que el papel descanse un momento para absorber algo de esa humedad. Mientras tanto, prepararé mi mezcla de pintura. Como mi pintura ya está acuosa, agarraré una toalla de papel y frotaré mi pincel para remojar todo ese exceso Esta cinta es importante. Asegura que cuando vuelvo a cargar mi pincel con una pintura acuosa, absorba la mezcla adecuadamente sin sobresaturarse Ahora comenzaré a estratificar la pintura usando un movimiento horizontal de vaivén, aplicando el color con la punta del dedo del pie y la mitad del vientre del pincel mientras se usa una presión muy ligera Observe cómo sostengo el pincel. Lo estoy agarrando en el borde del mango en lugar de en el centro. Sostenerlo en el centro restringiría el movimiento expresivo porque naturalmente ejercerías más presión conduciendo a una aplicación más pesada. Déjame mostrarte este proceso una vez más. Esta vez, estoy cargando solo la punta y punta del pincel con pintura. Después usando solo la punta y el dedo del pie, estoy volviendo a aplicar el color sobre la capa anterior Esto asegura que no estoy levantando la pintura de la capa inferior. El pincel debe deslizarse sin esfuerzo sobre el papel. No debes sentir ninguna resistencia al usar un cepillo de pelo natural. Si lo haces, significa que hay demasiada presión y poca humedad en las cerdas. Ahora vamos a repetir el mismo ejercicio usando un pincel sintético y comparemos los resultados. Para ello, estaré usando esta brocha sintética de Brostro Aqua stroke talla número 12 Se comercializa como pincel de acuarela, pero me parece que las cerdas son bastante rígidas y tienen una fuerte vuelta elástica Veamos cómo se desempeña. Empezaré sumergiendo el cepillo en agua, dándole un buen enjuague, y luego lo cargaré con agua y empezaré a aplicar sobre mi papel Estoy tratando de usar el cuerpo completo de las cerdas para poner el agua, pero puedo sentir algo de resorte hacia atrás y resistencia del papel Dado que se trata de un cepillo sintético, su capacidad de retención de agua es bastante baja en comparación con un cepillo de cabello natural o mezclado. Esto significa que tengo que pasar por la misma zona varias veces para colocar el agua de manera uniforme. Como se mencionó anteriormente, pinceles sintéticos no retienen tanta agua. Entonces, en lugar de secarlo completamente, lo voy a aplicar ligeramente sobre un papel de seda Ahora, cargo el pincel con pintura. Aquí, noto que la pintura es demasiado gruesa, y si se aplica con brocha sintética, no se deslizará suavemente Entonces agregaré una gota de agua con la punta de mi pincel, mezclaré bien y la convertiré en una consistencia cremosa. Aquí, me di cuenta de que olvidé presionar el botón de grabar, tonta, así que voy a repetir el proceso una vez más. Limpiaré mi cepillo, lo frotaré ligeramente sobre un papel de seda para eliminar cualquier residuo que quede de ese rojo Después lo sumerjo de nuevo en agua y lo vuelvo a aplicar ligeramente para absorber la humedad de la excusa antes cargar la mezcla de pintura aterciopelada Ahora, usando solo la punta y el vientre de la brocha, empiezo a aplicar la pintura. Puedes observar cómo el pincel está dejando rayas o pinceladas visibles Esto sucede porque es un pincel sintético puro, y los pinceles sintéticos suelen ser muy rígidos y se quedan sin pintura y agua muy rápidamente. Es por eso que en una sola aplicación, no obtienes una mezcla de gradiente uniforme y limpia. Los trazos del pincel son claramente visibles porque incluso con una ligera presión, el pincel se acuesta y levanta el color abruptamente Entonces, si estás usando un cepillo sintético, toma una decisión informada. Busque un cepillo sintético suave que esté diseñado exclusivamente para acuarela, uno que se sienta suave y mantenga bien la humedad. De lo contrario, es probable que afrontes estos problemas mientras pintas. Ahora comparemos otra brocha sintética esta vez de Princeton Heritage Series talla número diez Las cerdas de este cepillo se sienten suaves como plumas, casi como cabello natural, y no es tan rígido como el cepillo sintético anterior Hay una ligera bolsa de resorte, pero curiosamente, lleva un poco de tiempo volver a una forma, bastante diferente a la rigidez sintética habitual ¿Vías eso? Se ha doblado ligeramente fuera de su forma y no ha retrocedido, así que realicemos este ejercicio usando este pincel. Empecemos con el ejercicio. Ahora, antes de remojar el cepillo en agua, quiero probarlo de nuevo en papel. Guau, esto se siente muy suave cuando lo presiono hacia abajo, y permanece en su lugar por un momento en lugar de retroceder instantáneamente Ahora, comencemos sumergiendo el cepillo en agua y colocando un lavado plano sobre el papel Como sigue siendo un cepillo sintético, todavía tengo que volver un par de veces para poner el agua de manera uniforme. Pero comparado con el cepillo anterior, este se siente mucho más suave y distribuye el agua con más suavidad. Carguemos el pincel con la mezcla de pintura cremosa y veamos cómo funciona. Con solo la punta sumergida en un poco de agua, mezclo aún más la pintura para crear una consistencia aterciopelada más cremosa Ahora, muy pronto, voy a empezar a esparcirlo o aplicarlo sobre papel. Mi pincel está cargado con la pintura. Empecemos a aplicarlo en un papel. Y, oh, guau. Al instante puedo sentir la diferencia entre los dos pinceles sintéticos. Este cepillo es mucho más suave y desliza sin esfuerzo sobre el papel sin Todavía se pueden ver algunas rayas, pero en comparación con una brocha sintética anterior, el resultado es mucho más suave, ¿verdad Aun cuando demuestre este ejercicio, puedo sentir la diferencia de primera mano, y por eso te recomiendo encarecidamente que pruebes tú mismo la rigidez y suavidad de todos tus pinceles La mayoría de las buenas marcas hacen pinceles sintéticos a un precio asequible, y siempre es útil tener algunos de los pinceles de acuarela sintéticos junto con tus pinceles de acuarela naturales o mezclados. implementación práctica de este ejercicio te ayudará a elegir los pinceles adecuados para tu próxima pintura en acuarela. 8. Técnicas de control de pinceles y trazos: Antes de comenzar con el control del pincel, tomemos un momento para entender las partes de un cepillo redondo o de un trapeador y cómo está pintando la influencia. Tengo aquí mi talla y alrededor de 20 brochas de trapeador, un cepillo natural para el cabello. Cuando tu cepillo de trapeador esté húmedo, notarás el extremo puntiagudo de las cerdas. Esta es la propina. Justo debajo de la punta estaría el dedo del pie. Ahora aquí en este cepillo de trapeador. Al doblarlo, conservará su forma. Esta es la parte del dedo del pie del cepillo porque es un cepillo de pelo natural. Ahora, justo debajo de la puntera, tienes una porción redondeada cerca de la férula, que es el vientre del cepillo Esta barriga es donde los cepillos de la fregona sostienen una gran cantidad de agua y pintura, haciéndolos ideales para trazos amplios y fluidos. Debajo del vientre está el talón, y luego la férula, y luego viene el mango que proporciona agarre y control Ahora, eso era todo sobre nuestro cepillo de fregona. Ahora echemos un vistazo a nuestro cepillo ultra redondo de la serie silver silk. Notarás que este cepillo tiene una punta alargada y una punta más definida. Sin embargo, a diferencia del cepillo de trapeador, su vientre no es redondeado, lo que significa que no aguantará tanto como el agua o la pintura. En cambio, este pincel está más diseñado para trazos precisos y de control. Haciéndolo inactivo para detalles finos. También tiene una férula y un mango corto que permite mejor maniobrabilidad mientras trabaja en Entender la estructura y función de tus pinceles te ayudará a utilizarlos de manera más efectiva, permitiéndote crear una variedad de trazos y texturas en tus pinturas de acuarela. Ahora pasemos a las posiciones de sujeción del pincel y cómo trazos el arte del efecto. Sostener el pincel más cerca de la fibra da más control, y sostener el pincel en el centro o en el borde del mango da como resultado trazos más sueltos y expresivos, trazos más sueltos y expresivos, lo que permite un flujo de pintura más libre Practicemos esto usando presión y posición de agarre mientras usamos solo la punta del dedo del pie, o el cuerpo completo del cepillo. Cuando sostengo el pincel cerca de la fibra, aplico presión firme y creo trazos de control Aquí, estoy presionando la punta muy ligeramente, y se puede ver como las marcas van variando de gruesas a delgadas. Ahora, cuando lo presiono un poco más fuerte hacia abajo y creo una presión más controlada, se ve la uniformidad en el trazo. Ahora cambiaré la posición del cepillo y lo sostendré erguido en el centro del mango. Ahora usando solo la punta, voy a tratar de hacer una línea recta y ver en qué me diferencia la presión. Cuando uses solo la punta del pincel y le aplicas una presión muy ligera, verás que el pincel está literalmente bailando o deslizándose sobre el papel Ahora cuando ejerces un poco más de presión con el uso de la punta y el dedo del pie, ves que obtienes un trazo mucho más controlado y más grueso. Ahora sostendré el pincel más cerca del borde del mango y repetiré el mismo ejercicio. Estaré usando la punta y el dedo del pie completos mientras crea esta línea y ahora usando el vientre completo del cepillo. Se puede ver la diferencia de trazo, ¿verdad? Al pintar cielos especialmente para gradenblends o nubes, prefiero crear trazos expresivos sueltos sosteniendo el pincel más cerca del borde del mango Esto me permite una gran libertad y flexibilidad, lo que facilita mover los colores de manera fluida a través del papel. Al variar la presión, puedo controlar la forma en que los colores se mezclan y fluyen, logrando transiciones suaves. De igual manera, al pintar cielos con trazos inclinados, sostener el pincel en el borde del mango mantiene mi muñeca y dedos más flexibles, ayudándome a crear trazos anchos y audaces con facilidad Ahora vamos a explorar los diferentes trazos utilizados para crear las nubes. Usando la punta y la punta del cepillo, presiónelo hacia abajo y libere ligeramente la presión para crear formas orgánicas suaves. Variar la presión permite trazos más gruesos y delgados, ayudando a dar forma a la nube de forma natural. Para formar una nube, comience con trazos más gruesos en la parte superior y gradualmente aligerará la presión a medida que crea trazos más pequeños hacia la parte inferior A continuación, repita el mismo trazo a la inversa, sujetando el pincel en diferentes posiciones. Cerca de la férula, ejercerás más presión, lo que puede despegar el color cuando se trabaja sobre un fondo húmedo En el borde del mango, permite trazos más ligeros y fluidos. Ahora vamos a aplicar los trazos sobre un fondo húmedo. Primero, mojaré el papel y pondré nuestro lavado degradado o morado como el cielo. Esta lección solo va a ser útil cuando la practiques tú mismo. Recoge referencias de tu cielo, observa las formas de las nubes e intenta imitar exactamente la misma forma de las nubes usando presiones variables y Porque no hay mejor manera de aprender que a través de la experimentación y la práctica. Al hacerlo, no sólo dominarás las técnicas, sino que también comenzarás a desarrollar tu propio estilo único. Así es exactamente como aprendo a pintar mis cielos a través de la práctica continua, la observación y la exploración Así que abraza este proceso, experimenta sin miedo y deja que tu estilo evolucione de forma natural Volvamos al punto en el que nos fuimos. Ya he creado este lavado degradado de mi cielo usando mi mezcla morada. Podrías seguir adelante y crear cualquier lavado de fondo para tu cielo que depende totalmente de ti. Aquí, esto es sólo para un propósito de referencia que he usado este color. Ahora voy a aplicar mi pincel sobre el papel de seda. Pero se puede observar que mi cepillo todavía está mojado. Todavía tiene humedad , ¿verdad? Se pueden ver esas gotas de agua. Se cepilla esto muy húmedo y lo carga con una mezcla de pintura cremosa. Observa lo que sucede cuando lo aplicas sobre tu fondo de cielo húmedo. Los colores empiezan a mezclarse y las nubes pierden su forma. Puedes notar aquí cómo la forma de las nubes se mezcla en ese fondo húmedo y no aguantando su forma? Cuando aplique el pincel sobre mi papel de tisú para eliminar ese exceso de agua, y lo vuelva a cargar con mi mezcla de pintura, ahora verá que los trazos de las nubes mantienen su forma sobre este fondo húmedo, creando una forma de nube suave pero definida. Este ejercicio te ayuda a entender la capacidad de retención de agua de tu pincel y te enseña cómo ajustarlo rápidamente durante el proceso de pintura para lograr el efecto deseado que estás buscando. Aquí, voy a crear y demostrar algunas formas más de las nubes sobre un fondo seco para que puedas practicar esto variando presión de tu pincel antes aplicar las técnicas en nuestros proyectos de clase. Primero, para crear las nubes cúmulos, sostendré el pincel en posición vertical y usaré la punta y los pies para pintar el cielo mientras preservo el espacio negativo para las nubes blancas y esponjosas A continuación, para las nubes flotantes, usaré los trazos de esquí que practicamos antes. Agregar tonos más oscuros en la parte inferior creará profundidad. Pero como vamos a estar trabajando sobre un fondo húmedo, los colores se mezclarán automáticamente. No necesitas ir y mezclarlo tú mismo. Para la siguiente nube, usaré el vientre lleno del pincel aplicando presión variable para crear la dirección y el movimiento de la nube. Observa mis pinceladas aquí. Vamos a utilizar este tipo de nubes para nuestro proyecto número cinco. Así que practica esta forma de la nube por ti mismo. La siguiente forma de la nube que estoy creando es por el movimiento de remolino usando solo la punta y la punta del cepillo y usando la presión ligeramente También puedes pintar una nube en forma de C invertida para un efecto diferente. Por último, usaré algunos trazos rotos inclinados para crear una nube direccional para composiciones más dinámicas Así que las formas de las nubes pueden seguir cambiando y pueden variar. Así que practícalos de acuerdo a las referencias que recojas y estudia la forma. 9. Tipo de lavados: En esta lección, exploraremos los tres tipos diferentes de lavados utilizados en las acuarelas Primero, echemos un vistazo al lavado plano, qué es y cómo lograrlo. Para continuar con esta técnica, primer paso es preparar nuestra mezcla de pintura. Tendremos que mezclar una generosa cantidad de agua con nuestra pintura para crear una mezcla suave y uniforme. Mientras estoy preparando este charco de pintura, primero entendamos qué es exactamente un lavado plano. El lavado plano es una técnica en la que se aplica una capa de color suave y uniforme a través una superficie sin pinceladas visibles, rayas o variaciones tonales El objetivo es crear un lavado uniforme de color. Y por lo tanto, por esta razón, necesitamos tener nuestro pool uniforme de mezcla de pintura listo antes de comenzar a crear nuestro lavado plano. Una vez que esté lista una mezcla de pintura suave y uniforme, el siguiente paso es elegir un pincel de tamaño mediano a grande de acuerdo con el tamaño de su papel y comenzar a trabajar húmedo sobre húmedo. Para comenzar a trabajar húmedo sobre húmedo, primero aplicaremos una fina capa uniforme de agua limpia al papel antes de agregar color para ayudar a que el lavado se extienda suavemente. Te recomendaría tomarte tu tiempo y mojar tu papel porque no quieres que tu papel empiece a secarse entre tu lavado. Ahora estaré cargando mi pincel con la mezcla de pintura suave y consistente y luego empezaré a trabajar en ella. Al aplicar la pintura, primero comenzaremos por la parte superior y usaremos trazos horizontales amplios, manteniendo nuestro pincel en contacto con el papel. Observe cómo estoy utilizando todo el cuerpo del cepillo. Estoy enganchando la punta, el vientre y el dedo del pie para distribuir el color uniformemente por toda la superficie del papel. Mientras trabajas, asegúrate de que haya una gota de pintura húmeda en el borde inferior de cada trazo. Esto ayuda a mantener una transición suave y evitar rayas Trabaje rápidamente y superponga ligeramente cada trazo para mantener el lavado uniforme. Una vez cubierta toda el área, permita que se seque completamente sin pasar por encima de las áreas de secado, ya que esto puede causar rayas o parches no deseados Siguiendo los pasos, podrías lograr un lavado plano impecable sin variación tonal Ahora pasando al lado de nuestro lavado degradado. Ahora, ¿qué es un lavado degradado? Un lavado degradado en acuarelas es una técnica donde el color pasa gradualmente de oscuro a claro o se mezcla suavemente de un color a otro A diferencia de un lavado plano, que mantiene un tono uniforme, un lavado degradado crea un cambio natural en la intensidad del color, agregando profundidad y dimensión a una pintura. Debes estar pensando, ¿por qué es necesario conocer todas estas técnicas antes de pintar los cielos Porque son esenciales para pintar cielos realistas ya que ayudan a capturar la variación natural de la luz y la atmósfera La mayoría de los cielos no son de un solo color plano, ¿verdad? Cambian de un azul más profundo en la parte superior a un tono más claro cerca del horizonte, o tal vez se mezclan en tonos cálidos y fríos durante el amanecer y el atardecer. Esta técnica te permite crear una transición suave y sin fisuras que imita la forma en que la luz interactúa con el cielo, agregando profundidad y realismo a tu paisaje Ahora cargaré mi pincel húmedo con una mezcla de pintura ligeramente acuosa y comenzaré a aplicar color desde la parte superior, usando el cuerpo completo del pincel para extender la pintura uniformemente por la superficie del papel húmedo Al llegar al centro del papel, poco liberaré la presión del vientre del cepillo y me engancharé solo con la punta y el dedo del pie, moviendo suavemente el color hacia abajo. Mantener la humedad en tu cepillo es crucial aquí ya que ayuda a crear una transición tonal suave de la oscuridad a la luz Hay otra manera de lograr este efecto. Comienza con el mismo proceso aplicando color desde la parte superior. Pero cuando llegue a la mitad del papel, haga una pausa, enjuague su pincel y diluya su mezcla de pintura con una gota de agua para crear un valor tonal más ligero Luego retoma la pintura desde donde lo dejaste, permitiendo que la mezcla diluida se mezcle sin problemas en la capa anterior. Este método hace que sea más fácil lograr una transición suave, especialmente para principiantes. Si no lo haces bien a la primera vez, sigue practicando. El control gradual sobre el agua y la pintura viene con la práctica. ¿Puedes ver la hermosa transición de color que hemos logrado del oscuro al azul claro con solo variar el valor total de una mezcla de pintura y presión? Esta mezcla suave crea un gradiente natural. Ahora pasemos a la siguiente parte de nuestro lavado degradado donde vamos a hacer el mismo proceso, pero con tres colores diferentes. Como ya se dijo antes, un lavado de gradiente abigarrado en acuarelas es una técnica en la que utilizamos dos o más colores que se mezclan gradualmente entre sí mientras también hacemos la transición en entre sí mientras también hacemos la transición A diferencia de un simple gradiente que pasa de oscuro a claro en un solo color, un lavado abigarrado permite que múltiples colores fluyan juntos, creando mezclas orgánicas suaves En este ejercicio, usaremos azul ultramarino para la parte superior y amarillo para la base, y te mostraré cómo evitar crear una mezcla verdosa en la capa de transición al mezclar estos Dado que el azul y el amarillo se mezclan naturalmente para formar verde, necesitamos asegurarnos de que la transición entre ellos permanezca suave sin una mezcla de color no deseada. La clave es crear una capa de búfer permitiendo un desvanecimiento suave del azul antes introducir el amarillo o introducir un color intermedio entre el amarillo y el azul. Para que no forme ese color verdoso. Para ello, primero voy a aplicar mi amarillo en la parte inferior, poco a poco aclarándolo a medida que me muevo hacia arriba Antes de llegar a la zona donde comienza el azul, introduciré una fina banda de agua limpia o un lavado neutro ligero, permitiendo que el espacio para que los colores mezclen sin fusionarse completamente Ahora comenzaré a aplicar mi azul ultramarino usando un cepillo de trapeador talla 00 Este es un cepillo de fregona natural , pero fíjate como el cepillo está seco, creando trazos rayados en el papel El cepillo se siente un poco demasiado pequeño para cubrir la superficie. Para arreglar esto. Voy a añadir una gota de agua a mi mezcla de pintura, creando una consistencia más fluida para que el pincel pueda deslizarse suavemente sobre el papel Intentemos esto otra vez. Esta vez, me di cuenta de que la parte superior del papel ya ha empezado a secarse. Para evitar bordes ásperos o trazos rayados, cambiaré a un tamaño más grande, aproximadamente 20 pincel más que es más adecuado para este tamaño de papel Comenzaré con un valor tonal claro de azul en la zona donde lo dejé y la mezclaré hacia arriba, asegurando una transición suave Este pincel más grande permite un mejor control y una cobertura uniforme, ayudándome a mover el color sin rayas A medida que me muevo hacia abajo, me detengo justo antes de hacer la transición al amarillo luego usando un pincel enjuagado cargado con un ligero valor tonal de amarillo, trabajo suavemente hacia arriba, aplicando una ligera presión y usando trazos horizontales de ida y vuelta para mezclar el amarillo en el área de transición sin el azul abrumador A continuación, cargo la punta de mi pincel con una pequeña mezcla acuosa de lavanda y azul y comienzo desde el punto medio, mezclándolo en la zona de transición donde el amarillo se encuentra con el Usando el vientre de mi pincel, empujo suavemente los colores hacia atrás hacia arriba al mismo tiempo hacia la parte superior mientras mantengo trazos de mezcla ligeros. A lo largo de este proceso, me aseguraré de mantener el cepillo en contacto con el papel sin levantarlo, asegurando que la transición permanezca suave y sin costuras. La clave aquí es aplicar una presión muy ligera para que el área de transición se mantenga delicada, no cree bordes ásperos. Ahora, para evitar esa mezcla verdosa, he añadido un poco de lavanda a mi azul para que la zona de transición se vuelva gris cuando se mezcla con amarillo porque la lavanda es una forma de púrpura, y cuando se mezcla con tu amarillo, morado y amarillo formarán una mezcla grisácea Puedes seguir el método anterior o introducir un tercer color para crear una transición más suave entre azul y amarillo. Si observas cielos al amanecer o al atardecer, a menudo notarás una transición suave y cálida entre los tonos más fríos y cálidos Y para replicar este efecto, introduciré un valor tonal claro de Alyzuen carmesí medio camino entre el amarillo y lo mezclaré hacia arriba en el azul introduciré un valor tonal claro de Alyzuen carmesí a medio camino entre el amarillo y lo mezclaré hacia arriba en el azul. El carmesí actúa como un color de búfer, evitando la mezcla directa de amarillo y azul, que de otro modo crearía verde Para refinar la transición, usaré un lavado tonal claro de amarillo nápoles y lo mezclaré en la capa carmesí, permitiendo que los colores se Una vez que son subida de papel, se puede ver la hermosa, suave y suave transición de colores que hemos logrado en el lavado de gradiente abigarrado. La mezcla es perfecta, creando un cambio natural entre tonos sin bordes ásperos Puedes repetir este ejercicio usando tus púrpuras frescas y cálidas esta vez sin introducir un tercer color en el medio El reto es hacer la transición del púrpura al amarillo mientras se evitan mezclas fangosas La clave para lograr esto es usar siempre lavados tonales ligeros en las capas en transición, permitiendo que los colores se enlogren suavemente sin sobrepasarse unos a suavemente sin sobrepasarse Espero que practiques esta técnica y la domines, sigas experimentando con diferentes combinaciones de colores para generar confianza en la creación de gradientes suaves y armoniosos 10. Configuración de la paleta: Antes de sumergirnos en nuestros proyectos de clase, quiero tomarme un momento para abordar uno de los temas más solicitados, cómo configuro mi paleta. Muchos de mis alumnos siempre me han preguntado sobre esto, y no pude dejar pasar esta oportunidad compartir el proceso de pensamiento detrás de esto. Estoy usando una paleta con 37 pozos, pero puedes aplicar el mismo principio para configurar tu propia paleta, sin importar cuántos pozos tenga. No tiene que ser la paleta exacta que estoy usando. Generalmente uso una paleta de 35 pozos de mi rama favorita en una paleta de policarbonato arts también tengo un inserto de ocho en pozo para ello, pero no voy a usar tantos colores para esta clase. En cambio, configuraré mi paleta de una manera que me permita pintar cualquier tema que desee. ¿Recuerdas nuestra lección sobre teoría del color y la rueda de colores? Hemos aprendido que con solo los colores primarios, podemos crear una variedad infinita de mezclas. Sin embargo, hay una trampa. Cada color primario tiene un sesgo de temperatura como ya lo hemos pasado por encima, lo que significa que se inclina ya sea hacia cálido o frío. Este sesgo afecta directamente la vitalidad de las mezclas de colores. Por ejemplo, si mezclamos un rojo cálido con un amarillo frío, cada uno sesgado hacia diferentes tonos subyacentes, la mezcla resultante puede volverse fangosa o saturada Aquí es donde la ternera de color complementario partido viene muy Ayuda a abordar este problema al garantizar que ambos tengamos versiones cálidas y frescas de la primaria. Podrá dividir el color complementario de la ternera, donde se puede ver que cada color primario se divide en sus respectivos tonos cálidos y fríos Echemos un vistazo más de cerca. El rojo se divide en dos tonos, uno cálido y otro fresco, seguido del amarillo, que también se divide en uno, versión cálida y fría, y el azul también sigue el mismo principio con una variación cálida y otra fría Ahora la razón detrás de esta configuración es simple. Nos permite crear las mezclas de colores más brillantes y vibrantes emparejar primarias que comparten el mismo sesgo de temperatura Por ejemplo, un sesgo rojo frío hacia el púrpura cuando se mezcla con un azul cálido, que también está sesgado hacia el púrpura dará como resultado un púrpura brillante y vívido. Un sesgo rojo cálido hacia el naranja mezclado con un amarillo cálido, también sesgo hacia el naranja le dará al naranja brillante. De igual manera, un sesgo amarillo frío hacia el verde mezclado con un azul frío también creará un verde brillante porque ambos están sesgados hacia el verde. Este concepto exacto es lo que aplicaremos a la hora de configurar nuestra paleta de colores. Ahora bien, en mi paleta, si observas, he incluido tanto las versiones cálidas como frescas de rojos, amarillos y mis azules, que son mis colores primarios centrales Además de eso, también he incluido algunos verdes cálidos y fríos, algunos azules pastel, algunos azules pastel púrpuras cálidas y frescas, y luego marrones y negros Ahora para tu propia paleta, no necesitas incluir todos estos colores extra. Simplemente puedes comenzar con seis primarias, una versión cálida y fresca de cada primaria y construir a partir de ahí en función de tus preferencias He creado una paleta de muestras para su referencia, cual puede encontrar en la sección de proyectos y recursos Ahí verás los colores cálidos y fríos exactos que he seleccionado para esta clase. Déjame guiarte a través de mi paleta. Primero, tengo mi rojo cálido, que es rojo permanente, rojo frío, Allison carmesí, seguido de ópera, un color que Muchos lo consideran neutral, pero personalmente siento que se inclina hacia el calor. A continuación, tengo mis amarillos y naranjas cálidos , junto con las variaciones pálidas y cálidas, amarillo nápoles, y Jean Brilliant número dos, seguido de un amarillo limón fresco Pasando a mis greens, tengo un amarillo verdoso cálido, sub verde cálido, cálido, verde hocus, y finalmente, un verde fresco A continuación, tengo mi azul ultramarino cálido, que está granulando, junto con otro azul cálido que no está Entonces tengo mi fresco azul pavo real, seguido de un índigo oscuro y cálido También he incluido un azul pastel fresco, que es uno de mis favoritos. Pasando a mis morados, tengo un morado fresco y un violeta cálido, junto con un tono pastel de lavanda He incluido algunos otros colores pastel que me encanta usar para floas Estos son favoritos personales y no imprescindibles para tener en tu paleta. Sin embargo, usaremos lila en nuestros proyectos de clase. Para los tonos tierra, tengo mi ocre amarillo apagado, seguido de la siena quemada, seguido de la siena quemada, que es un tumber marrón cálido muy brillante y hermoso, más fresco, quemado, seguido de rojo marrón, que es de un color marrón rojizo muy brillante y hermoso Este es un color opcional. Después después, tengo mis negros. Tengo mi tinte neutro, que es cálido y pintar pantalla, que es genial. Todavía tengo algunos pozos vacíos, que podré llenar más tarde en base a las necesidades de mi composición. Ahora que entiendes cómo configuro mi paleta, puedes ver que se trata de comenzar con una paleta básica limitada y agregar gradualmente colores que se adapten a tu estilo de pintura personal. Con el tiempo, desarrollarás tus propias preferencias y construirás una paleta que realmente funcione para ti. Ahora voy a agarrar rápidamente mi botella de spray y reactivar mis pinturas para que estén listas para nuestros proyectos de clase 11. Día 1: paleta de colores: Antes de comenzar con nuestro proyecto Day one, echemos un vistazo rápidamente a los colores que vamos a necesitar al crear este proyecto. El primer color que estaré vigilando es mi gris azul. Ahora, en base a las marcas que estés usando, el nombre puede variar. Pero en general, este es un color azul cielo muy bonito y genial. Y puedes mezclar esto fácilmente y formar tu propio azul cielo usando tu tono azul frío. Aquí está PB 15 es 23 y el pigmento PW seis, que no es más que esencialmente tu pigmento blanco Entonces, cuando mezclas tu tono azul fresco, junto con tu whiteqh, obtienes este El siguiente color que voy a probar es mi color rosa ópera Es un rosa neón muy brillante que me encanta usar para mis cielos, y tiene un pigmento de BR one Ahora bien, este es un pigmento que está presente en esta ópera del arte Shinhan, pero si no tienes este color rosa ópera, puedes seguir adelante y usar cualquier otro rojo frío, que tenga pigmento rojo en ella Y cuando se mezcla con amarillo, le da un color brillante. Ahora, hay que probarlo. Por ejemplo, lo sé certeza porque he estado usando este color que cuando mezclo mi amarillo nápoles y un poco de naranja amarillo junto con mi rosa ópera, resulta en un naranja coral y rosa coral muy brillantes en base a las proporciones de uso que uso. Entonces sé esto seguro, pero necesitas probarlo tú mismo con los colores que tienes si estás obteniendo este color. En su mayoría si los rosados tienen un pigmento violeta en el color resultante cuando se mezcla con su amarillo definitivamente no será de este color, sino que será un color muy apagado El siguiente color que estoy vistiendo es mi lila. Ahora, puedes mezclar fácilmente tu lila mezclando tu violeta mineral, que tiene un pigmento de PV 23 o de igual manera aquí, necesitas un pigmento violeta en él, y cuando lo mezclas con whiteqh, puedes obtener este mismo Ahora, basado en las marcas que estés usando, podría variar ligeramente. Pero puedes seguir adelante y darle una oportunidad. El siguiente color es mi umber quemado o siena quemada. Puedes usar cualquiera de estos. He usado tu sienna quemada porque cuando le añades un poco de tinte neutro o negro marfil o le pintas gris, puedes convertirla fácilmente en un tono marrón más oscuro Ah, sí, otro color que necesitaríamos es el verde savia. Ahora savia verde es fácil de formar. Toma cualquiera de tus verdes y mezcla un poco de amarillo en él, obtendrías tu savia verde. Entonces estos son los colores finales que estarías necesitando para nuestro proyecto del primer día. Así que prepara tus colores y saltemos a nuestro proyecto. 12. Día 1: amanecer matutino con degradado: Comencemos nuestro primer proyecto. Estaré usando un recorte de papel cuadrado, que mide 18 centímetros en 16 centímetros Está a solo dos centímetros de ser un cuadrado perfecto, pero siéntete libre de usar cualquier tamaño con el que te sientas cómodo. El siguiente paso es pegar el papel por los cuatro lados. Puedes elegir crear bordes finos o gruesos. Personalmente prefiero bordes finos y limpios, así que estaré grabando el papel por los cuatro lados Una vez hecho esto, pasaremos a la parte del boceto. Cuando grabo mi papel, siempre me aseguro de correr por mis dedos una vez que lo tape hacia abajo para asegurarme de que no haya huecos en el medio. Dado que el foco principal de esta clase es el cielo, cerca de dos tercios del papel se dedicarán a él, mientras que el tercio restante servirá como primer plano Voy a mantener los elementos de primer plano mínimos para asegurar que el foco se mantenga en el cielo Entonces ahora comencemos nuestra parte de bosquejar. Para empezar, Alfas dibujan una línea recta del horizonte y marcan el punto medio Una vez que mire el punto medio en el centro del papel, solo usaré un punto para marcarlo. A continuación, voy a delinear el montículo. Ahora para delinear el montículo, lo colocaré a 3.5 centímetros del medio punto a la izquierda y mantendré la misma distancia a la derecha Después esbozaré las formaciones rocosas a la ligera. También agregaré algunas líneas de lápiz sobre la roca para indicar esas áreas de sombra. Dibujarlos a la ligera nos ayudará a guiarlos más adelante cuando los contorneemos con colores más oscuros. Una vez que hayas terminado con esto, terminaremos con el boceto. A Bien, ahora es el momento de pasar a la técnica wet on wet. Voy a empezar a aplicar el agua sobre la superficie de mi papel, pero creo que será más prudente cambiar a mi cepillo de merluza más amplio para aplicar agua de manera uniforme y suave a través de la Esto también acelerará el proceso en comparación con la colocación repetida de agua con ese cepillo de fregona más pequeño. Elegir el tamaño de pincel adecuado es esencial cuando se trabaja con acuarelas, ya que se relaciona directamente con el tamaño de su papel Un pincel demasiado ancho puede inundar el papel, mientras que uno que es demasiado pequeño puede hacer la superficie se seque demasiado rápido, lo que lleva a la frustración. Tómese su tiempo para mojar su papel, aplicando dos o tres capas uniformes para asegurar que cada esquina esté completamente cubierta. Tenga en cuenta no crear albercas ni charcos. No debería haber exceso de agua en la superficie. Una vez que el papel esté uniformemente húmedo, lo dejaré reposar unos segundos. En tanto, voy a empezar a mezclar mis colores. Estoy recogiendo mi amarillo nápoles, añadiendo una gota de ópera. Observa la mezcla en mi paleta. No es demasiado acuosa, pero tiene una consistencia cremosa Comenzaré con un valor tonal ligero usando solo la punta de mi pincel y con una presión suave Manteniendo el pincel cerca de su borde, me deslizaré suavemente por el papel para crear transiciones suaves Ahora cuidadosamente usando solo la punta de mi pincel, tiraré los colores hacia abajo a lo largo de los lados de la roca, asegurándome de no dejar que la pintura fluya hacia ella. Estoy reteniendo el espacio en blanco cerca del horizonte, por ahora con los mismos trazos de luz, extenderé el color deteniéndome suavemente a la mitad del papel A continuación, mezclaré un valor tonal claro del rosa ópera y lo pondré sobre el amarillo nápoles Comenzaré en la parte superior de la roca usando trazos de barrido muy ligeros mientras aseguro de no cubrir completamente el amarillo. Yo Ahora, voy a introducir un poco de lila el tercio inferior del papel y mezclarlo con el rosa ópera. Mira la cantidad de lila con la que he cargado mi pincel. Acabo de usar la punta de mi pincel para cargar la ópera, y la estoy aplicando directamente sobre el papel. Voy a la mitad porque después de esto, lo estaré mezclando con mi mezcla de ópera La mezcla es un valor tonal muy ligero de la ópera. Sólo voy a darle una buena mezcla usando barrido de un lado a otro. estratificación con los valores de agua ligera aquí asegurará que la superficie permanezca húmeda por más tiempo Antes de continuar con la parte superior del cielo, volveré a mojar el área hasta la mitad de la marca porque hace bastante calor y mi papel se está secando en la parte superior En el centro, ya que nuestros amarillos se han desvanecido, volveré a entrar con un valor medio de amarillo nápoles Mezclado con un poco de ópera y difuminarlo suavemente en la capa rosa usando una presión muy ligera y usando solo el movimiento de la punta y los dedos del pie del pincel. Observe cómo estoy trabajando solo con la punta y el dedo del pie de mi cepillo para una transición suave. Para refinar aún más la mezcla, tomaré una punta húmeda de mi fregona plateada de ardilla atelier y aclararé el Ahora estoy mezclando rápidamente mi color azul gris o azul cielo a un valor tonal medio Déjame mostrarte aquí. Observe la mezcla. Es cremoso, ni demasiado espeso ni demasiado acuoso. Añadiendo algo más de ese pigmento para que tenga un valor tonal medio Inclínalo y libéralo a medida que me muevo hacia abajo, asegurando una aplicación uniforme y suave. Continuaré con trazos suaves sin levantar mi pincel del papel, manteniendo una cobertura uniforme. A medida que me acerco a la capa amarilla, voy a aligerar mi presión trabajando solo con la punta y el dedo del pie para tirar suavemente el color hacia abajo, manteniendo esa zona Ahora, con la punta de mi pincel cargada con un ligero valor tonal de mi amarillo, empiezo a moverme hacia arriba en un movimiento continuo, mezclando sin problemas en el azul ¿Ves lo suave y perfecta que está resultando ser la transición? Ahora siento que puedo ir un tono más oscuro para el azul. Comenzaré en la parte superior con el mismo valor tonal medio del azul, aplicando presión al principio y aclarándolo gradualmente a medida que me muevo hacia abajo para crear un gradiente natural A medida que me acerque al amarillo en transición, usaré solo la punta de mi pincel y moveré el color hacia abajo con trazos muy ligeros, como pueden ver aquí El papel está húmedo, los colores se mezclarán a la perfección, creando una transición suave y natural. Mira ese hermoso lavado degradado abigarrado que hemos creado Tenemos nuestros azules, amarillos, rosas que se mezclan a la perfección sin ningún tono verde no deseado La clave fue utilizar valores tonales muy ligeros medida que nos acercamos a las áreas de transición. Adicionalmente, la mezcla de ópera y amarillo nápoles, cuando se mezcló con un valor tonal claro de azul, creó un gris sutil en el medio, dando al cielo un aspecto más natural y armonioso Ahora dejaremos que el cielo se seque por completo. Mientras tanto, comenzaremos a trabajar en el primer plano inferior Para el primer plano, comenzaré con una capa inferior ligera usando amarillo nápoles mezclado con un toque de rosa ópera, aplicándolo con un lavado ligero Ya que nuestro papel es seco, estamos trabajando con la técnica de húmedo sobre seco, pero estoy manteniendo la mezcla ligeramente acuosa para una base lisa Estamos evitando aquí un enfoque húmedo sobre húmedo porque el cielo sigue secándose. Si tuviéramos que introducir demasiada humedad ahora, podría filtrarse en el cielo seco causando plumas y floraciones no deseadas a medida la red húmeda se extiende a esas Trabajaremos rápidamente mientras el primer plano aún esté húmedo. Estoy mezclando un valor tonal medio de siena quemada y aplicándolo cerca del horizonte de un solo trazo usando mi pincel de trapeador número 00 de talla Dejo un pequeño hueco y luego empiezo a aplicar el color nuevamente desde abajo usando trazos horizontales. Estoy dejando que las capas inferiores permanezcan visibles porque la siena quemada es naturalmente transparente, y cuando se usa en un valor tonal claro, permite que las capas anteriores se muestren sutilmente agregando profundidad y calidez al agregando profundidad y calidez Ahora para mejorar la profundidad en el borde inferior del papel, mezclaré un tono verde más oscuro usando mi umber quemado con el verde savia y lo aplicaré en una dirección en abanico Observe mis trazos de pincel por aquí usando solo la punta y la punta del pincel y empujando los colores hacia adentro desde afuera Para crear un efecto más pronunciado de esta textura de hierba, absorberé todo ese exceso de humedad y extenderé la punta de mi pincel para crear esos delicados trazos de hierba Si tienes un cepillo abanico o un cepillo peine, puedes usarlo para este paso para lograr un efecto similar. Observa cómo estoy extendiendo la punta de mi pincel húmedo y seco en mi paleta. Como es un cepillo de pelo natural, puedo dar forma a las cerdas a mi preferencia Usando esta punta liberada, ahora agregaré toques rotos más pequeños alrededor de esta área para indicar el crecimiento del pasto Ahora profundizaré en el primer plano agregando algunos tonos más oscuros de hierba cerca del borde inferior del papel, mejorando la Aquí, el papel todavía está lo suficientemente húmedo como para que yo haga esto, así que la hierba se verá muy suave y mezclada. A continuación, cerca de la base de la roca, usaré solo la punta de mi pincel para pintar una fina línea verde horizontal. A partir de aquí, comenzaré a construir patrones de follaje a ambos lados de la roca. Yo los pastos se ven un poco descoloridos, así que voy a añadir algunos tonos más oscuros de mi marrón usando una técnica de mojado sobre seco muy controlada usando la punta húmeda de mi pincel Aquí, mi papel todavía está lo suficientemente húmedo como para que yo haga este paso, y la hierba seguirá pareciendo mezclada. Si tu papel se ha secado completamente, no hagas este paso aquí mismo. A continuación, es hora de pintar la roca. Voy a usar la misma mezcla de mi amarillo nápoles mezclado con rosa ópera para hacer primero la capa inferior de la roca Voy adelante con la técnica de mojado sobre seco con valor tonal muy ligero de esta mezcla amarilla y rosa Ahora, cambiaré rápidamente a mi pincel sintético ultra redondo tamaño seis y mezclaré un rico valor tonal medio de siena quemada Oh, Uy. Mi cepillo es demasiado acuoso. Voy a exprimir el exceso de humedad del vientre del cepillo, haciéndolo simplemente húmedo. A continuación, iré a arreglar cualquier sangrado delineando toda el área con esta ligera mezcla de No voy a recargar mi pincel con más pintura, solo usando lo que ya está ahí para una sutil aplicación controlada Ahora voy a introducir algunos tonos más oscuros usando la tablilla quemada y comenzaré a estratificar desde arriba Esta parte donde pongo tonos más oscuros o tumber quemado no fue grabada Simplemente uso los marrones más profundos para resaltar las áreas de sombra ahora usando la punta húmeda de mi pincel, ligeramente cargada con siena quemada, ligeramente cargada con siena quemada, estoy tirando suavemente de los colores hacia abajo para mezclarlos mientras me aseguro que las capas inferiores amarillas más claras las capas inferiores amarillas Para agregar aún más profundidad, voy a introducir tonos más oscuros de café, casi parecidos a los de Cipia Mezcle un poco más de tinte neutro en su sienna quemada y obtendrá una mezcla similar Estoy usando la punta puntiaguda de mi pincel, creando estas líneas finas y marcas sutiles que recorren esta superficie de la roca. Copia los pasos justo que estoy haciendo aquí, y habríamos terminado de crear esta estructura rocosa. Acabo de notar que el follaje de fondo cerca del horizonte se ha desvanecido un poco Para potenciarlo, entraré con un valor tonal medio de savia verde mezclado con mi siena quemada Para un mejor control, observa cómo estoy agarrando el cepillo más cerca de su férula Ahora con pinceladas, desde la punta de mi pincel, crearé follaje en diferentes formas y tamaños para agregar una sensación más natural y realista Seguiré usando estos trazos de dabbing hasta que haya completado los patrones de follaje a lo largo de toda la línea del horizonte Esto asegurará un aspecto equilibrado y cohesivo, agregando profundidad y textura al fondo Yo Con esto, oficialmente terminamos con nuestra pintura, pero no estoy muy contenta con estas dos salpicaduras que tengo por aquí, y estoy pensando en cubrirlo usando pocas aves en vuelo Por lo que no sólo ocultará las salpicaduras, sino que también aportará una sensación de movimiento y dirección a la pintura Cambiaré a mi cepillo de forro de detalles y lo cargaré con este tinte neutro. Pinta cuidadosamente los silvitts de pájaros pequeños con él usando solo la punta, como puedes observar aquí Creo que voy a estar agregando un pajarito más por aquí, algo así, y no voy a ir por la borda agregando demasiadas aves por aquí Yo sólo lo dejaré así. Ahora voy a esperar a que mi pintura se seque por completo, entonces estaremos pelando nuestras cintas de enmascarar. Mi papel está casi completamente seco ya que lo había dejado durante la noche para que se secara. Ahora voy a estar pelando mis cintas de enmascarar. Hazlo en un ángulo de 45 grados para que no te arriesgues a la posibilidad de arrancar los bordes pintados Me gustan esos bordes limpios y nítidos que tenemos para nuestra pintura. Ahora el final. Espero que hayamos conseguido una ventaja limpia por aquí, sí, y eso es todo. Estoy muy contento con cómo ha resultado este proyecto. Hemos logrado un cielo degradado muy hermoso con transiciones suaves. Espero que lo pruebes. Te veré de nuevo mañana con otro proyecto apasionante hasta entonces adiós. 13. Tómate un momento para practicar: Ahora antes de pasar al segundo día, tómate un momento para visitar la sección de proyectos y recursos de la clase. Desplázate hasta el final y encontrarás una referencia adicional para el primer día. Estos ejercicios adicionales te ayudarán a refinar tus habilidades de mezcla, practicar lavadoras de degradado con más colores y generar confianza antes de abordar la lección de Tday Pruébalo y notarás una gran diferencia en tu control y transición. También he incluido algunas imágenes de referencia aquí en la pantalla. Siéntete libre de presionar el botón de pausa y practicar lo que te hable Recuerda, la práctica es la clave. Cuanto más experimentes con la mezcla y los lavados de gradnt, más seguros y sin esfuerzo se volverán tus cielos Así que tómate tu tiempo, disfruta del proceso y sigue pintando. 14. Día 2: paleta de colores: Bienvenido al segundo día, y la paleta de colores de hoy se va a inspirar en la primavera australiana. Primero, cuidaré el color del cielo. Voy a estar usando aquí mi azul thalo, un azul cálido, que es un azul no granulante El azul thalo que estoy usando aquí es un azul cálido, pero en lugar de este azul thalo, también podrías seguir adelante y usar tu azul ultramarino, que tendrá el mismo A continuación, cuidaré mi ocre amarillo, que tiene un pigmento PY 42 Es un amarillo cálido silenciado que se encuentra comúnmente en una paleta básica de 12 colores perfecta para agregar tonos cálidos y terrosos Junto con eso, estaré usando un amarillo limón fresco con pigmento PY 81 para aportar brillo y contraste y para crear esos florales en los prados Para los greens, estaré usando el verde savia, que se puede mezclar fácilmente usando un azul frío con un amarillo frío en la proporción de uno es a dos, dándonos este verde rico y perfecto. Pasando a la barda, usaré el umber quemado con el pigmento PBR seven Para crear esos cálidos marrones tempranos. Para detalles más oscuros, estaré usando tinte neutro, o también podrías seguir adelante y usar tus pinturas gris o negro marfil. Bien, ahora que ya tenemos nuestros colores vistos y ordenados, vamos a sumergirnos en nuestro segundo proyecto. En la pantalla, verá un rápido recapitular a color para su comodidad. Esto te ayudará a verificar tu paleta antes de comenzar a pintar. 15. Día 2: primavera australiana: el cielo: Hola, hola. Bienvenidos al Día dos. Antes de comenzar a pintar, rápidamente voy a pegar mi papel con cinta adhesiva para asegurarlo. Ahora pasemos a bosquejar. Empezaré a la ligera dibujando línea del horizonte y los prados ondulados Dado que el cielo es nuestro principal punto focal, le asignaremos dos tercios del papel. Como siempre, recomiendo ver primero toda la lección antes de pintar. Esto te ayudará a tener una comprensión clara de los pasos que tienes por delante. También voy a bosquejar la barda para marcar su posición, asegurando que tenemos una guía cuando pintemos más tarde. Una vez que hayas terminado con este boceto básico, pasaremos a pintar un cielo. Para el cielo, estaré usando la técnica de mojado sobre húmedo, lo que significa aplicar pintura húmeda sobre papel de peso. Primero cargaré mi trapeador atelier plateado tamaño cepillo número ocho con agua limpia y aplicaré una capa uniforme sobre toda el área del cielo Recomiendo hacer este paso dos o tres veces, permitiendo que el papel absorba la humedad gradualmente. A continuación, limpiaré cualquier exceso de agua tirando de mi cinta adhesiva con el pañuelo. Este paso evita retroflujos cuando comenzamos a aplicar nuestra pintura. Voy a repasar mi papel una vez más con suaves trazos horizontales con agua limpia para asegurar que mi papel se mantenga húmedo por un período de tiempo más largo. Voy a repetir el proceso de limpiar el exceso de agua tirando mi cinta adhesiva con el pañuelo Ahora, comencemos con nuestra pintura. He cambiado a mi cepillo de fregona talla 00. Este cepillo lo estoy usando de la serie atelar plateada, y lo limpié ligeramente sobre mi papel de seda para eliminar el exceso de humedad Estoy cargando mi cepillo con allow blue, que es un azul cálido, y también es no granulante Observe cómo sostengo mi cepillo cerca del borde del mango, permitiendo una aplicación de fluido libre. Observe cómo dejo intactos áreas de papel blanco mientras pintaba el azul a su alrededor. A esto se le llama pintura negativa, y esto ayudará a definir nuestras nubes de forma natural. Observe cómo llevo puesto la presión sobre el cepillo, a veces usando la punta para trazos más finos y el vientre para aplicaciones más amplias Ahora, con el mismo pincel cargado con mi thalo azul, voy a pintar algunos trazos horizontales a través del cielo Entonces enjuagaré mi pincel, frotaré sobre un pañuelo, lo humedeceré y comenzaré a desvanecer el azul a medida que me acerco a la línea del horizonte, creando una mezcla de gradiente suave A continuación, volveré y repetiré el paso esta vez, usando un pincel húmedo para mover la pintura que ya está en el papel. Con suaves trazos de ida y vuelta, combinaré la transición sin problemas. Ahora, limpiaré mi pincel y usaré la punta del pincel para levantar parte de la pintura azul en patrón aleatorio. Esto ayudará a definir las formas de la nube. Aquí puedes observar que con la punta húmeda de mi pincel, estoy empujando suavemente la pintura lejos con el vientre del pincel para crear los bordes suaves de la nube. Ahora, una vez que se establezcan los espacios blancos para las nubes, usaré mi cepillo húmedo para mojar ligeramente esas áreas. Esto ayuda a mantener los bordes suaves y aireados. En el medio, cargaré solo la punta de mi pincel con un poco de pintura azul para refinar los bordes de la nube donde sea necesario, agregando profundidad y movimiento. Con la misma punta, volveré a fusionar cerca de la línea del horizonte, asegurando una transición de gradiente sin fisuras. Para crear un pequeño trozo de la nube aquí en la parte superior, usaré la punta de mi pincel húmedo para levantar un poco más de pintura del cielo Cada vez que levante, voy a limpiar mi cepillo sobre un pañuelo. Para evitar volver a depositar el color, también puedes usar un pañuelo seco para aplicar suavemente el área para crear una forma esponjosa y aireada de la nube Ahora agreguemos profundidad a nuestras nubes introduciendo ahí algunas sombras sutiles. Crearé una mezcla tonal ligera usando mis pinturas tinte gris o neutro y luego la muestrearé primero en este papel de desecho La mezcla debe ser muy ligera, casi un lavado transparente. Antes de aplicar, frotaré el exceso de pintura de mi pincel sobre un papel de seda Ahora usando la punta y los pies de mi pincel, colocaré suavemente trazos suaves en el fondo de las nubes donde se forman las sombras de forma natural. Observe lo ligeros y aireados que son mis trazos. No estoy cubriendo toda la nube. Solo estoy mejorando su volumen creando esta profundidad. Repetiré este proceso para las otras nubes, asegurándome de comenzar en el fondo y luego desvanecer el pigmento según la dirección de la nube, dejando algunas áreas para el resplandor natural. Para asegurar una transición suave, usaré un pincel húmedo y arrastraré suavemente la pintura lejos de las áreas sombreadas Esto combinará el tono a la perfección creando una suave formación de nubes onduladas Arreglaré esta nube mezclándola suavemente hacia arriba y creando esta suave nube Bilawy Aquí, sentí que las sombras estaban demasiado en el área blanca, así que simplemente limpiaré el pincel y la humedeceré y luego sacaré algunas de esas áreas usando la misma forma y creando las mismas pinceladas Suavizaré el pequeño trozo superior de la nube al pasar por encima de las áreas blancas usando mi cepillo húmedo y alejando los azules y luego frotándolo en mi papel de tejido, crearé suavemente ese patrón de nube esponjosa Ahora, usando la técnica de levantamiento con la punta húmeda y el vientre de mi pincel, levantaré suavemente los colores cerca del horizonte que se aproxima para crear nubes flotantes más pequeñas. Este paso funcionará solo si tu papel aún está húmedo, lo que permite bordes lisos y suaves. Si tu papel se ha secado, lo mejor es evitar este paso para evitar marcas ásperas y no deseadas. Esta es la razón por la que debes mojar tu papel a fondo antes de comenzar a pintar. Una superficie bien preparada permanece húmeda durante más tiempo, lo que le brinda más tiempo para trabajar en mezclas suaves, gradientes sin costuras y delicadas formaciones de nubes Como mi papel todavía está húmedo, usaré un papel de seda húmedo para crear los bordes esponjosos de las nubes aquí nuevamente. Usando solo movimiento de frotamiento de mi papel de seda, seguiré adelante y crearé estas marcas suaves y aireadas o direcciones de las nubes Aquí, no estaba contento con la forma de la nube. Entonces usando un poco de papel de seda húmedo, lo frotaré ligeramente, y se puede ver que ha creado esa extraña marca Entonces, usando un cepillo húmedo, voy a repasar el área y luego frotaré suavemente el pañuelo nuevamente un poco por aquí Ahora, dado que el papel todavía está un poco húmedo, creará un borde liso después de que se seque. Puedo sentir que mi papel se ha empezado a secar, así que dejaré de trabajar demasiado las nubes y dejaré que se seque por completo Luego pasaremos a nuestro primer plano. 16. Día 2: primavera australiana: el primer plano: Ahora que nuestro cielo se ha secado por completo, pasemos al primer plano cerca del horizonte Primero, prepararé una mezcla de colores de amarillo limón y ocre amarillo para crear esta base cálida muy natural usando mi pincel húmedo Ahora recuerda, aquí el cepillo no debe estar empapado. Solo debe estar mojada para que puedas poner los colores en tu papel seco. Voy a empezar a aplicar el color ahora. Presta mucha atención a mi pincelada aquí. Voy a empezar por aquí, pero voy a arrastrar los colores hacia abajo para que toda la pintura acuosa esté aquí en la base para que no corra el riesgo de correr estos colores hacia mi cielo donde empieza a filtrarse Usaré trazos de pincel direccionales en ángulo para darle al campo una sensación de profundidad y movimiento. Esto crea un paisaje más dinámico y natural en lugar de un lavado plano y uniforme. Si observas de cerca, ya estamos creando ese hermoso contraste entre el amarillo frío de nuestro primer plano y el cielo Ahora usando solo la punta de mi pincel, estoy alisando los colores para mantener la transición suave y natural. Usando la punta húmeda de mi pincel, ahora mezclaré un poco de mi savia verde con un poco de amarillo limón y comenzaré a estratificar trazos angulados en esta área húmeda La superficie aún está húmeda, esto creará un suave efecto difuso perfecto para un aspecto natural y orgánico Observe cómo estoy dejando ciertos huecos de ese amarillo entre el campo y no cubriéndolo completamente con mi verde. Pero una cosa clave para recordar aquí es mantener tu cepillo húmedo y no demasiado húmedo. Usando solo la punta del pincel, aplicaré trazos diagonales, algunos más cortos y otros más largos para imitar la textura de un campo herboso A mi derecha por la pendiente perfilada, usaré solo la punta y la punta de mi pincel y la cargaré con el valor tonal medio de mi mezcla de savia verde limón amarillo Esto ayudará a crear una transición natural en el paisaje mientras se mantiene la profundidad y la variación. Usando una ligera presión, permitiré que los trazos se mezclen suavemente, manteniendo el área rica pero no demasiado saturada. Ahora pasemos a la sección principal de primer plano usando la técnica wet on wet Primero, estoy cargando mi cepillo con agua limpia y extendiéndolo uniformemente por toda la zona. A medida que me acerque a las secciones previamente pintadas, usaré solo la punta de mi pincel para cubrir ligeramente los bordes, asegurándome de que el agua no se filtre en esas áreas y causando un sangrado no deseado Ahora, cargaré mi pincel con una mezcla de cre amarillo y amarillo limón y comenzaré a aplicar Pero antes de eso, debes tener esto en cuenta que mi cepillo debe estar húmedo y no demasiado acuoso Hacia la derecha, utilizaré trazos convergentes más largos ayudando a guiar el ojo del espectador y agregar una sensación de movimiento Esta técnica mejora la sensación de balanceo, campo de pasto o los patrones de crecimiento natural en el paisaje Ahora, cargaré mi pincel con una mezcla cremosa de verde savia y aplicaré suavemente los mismos trazos convergentes, asegurándome de dejar algo de ese calco amarillo visible entre los Esto ayudará a crear profundidad y variación natural en el campo herboso En este punto, debido a que estamos trabajando mojado sobre mojado, por favor asegúrese de que está ejerciendo el control del agua en su pincel, así como en su mezcla de pintura para darle este tipo de defecto de mezcla suave. A continuación, usando solo la punta de mi pincel, cargaré con un poco más de ese verde y comenzaré a agregar trazos verticales inclinados para sugerir pastos más altos Aquí, mi cepillo está húmedo pero no demasiado húmedo, y estoy trabajando con una punta abanico de mi cepillo de pelo natural para crear texturas herbáceas orgánicas fluidas Para agregar aún más profundidad, mezclaré un poco de mi azul ultramarino o azul thalo en el verde y crearé un tono más oscuro y repetiré suavemente los mismos trazos sobre la capa anterior Usar la dirección del trazo ayudará a imitar los patrones de crecimiento naturales del pasto silvestre Ten en cuenta la presión que estás ejerciendo sobre la punta de tu cepillo porque si lo presionas demasiado fuerte, vas a levantar las Por último, usaré mi cepillo especial de peine para mejorar aún más este efecto. Ahora bien, si no tienes cepillo de peine contigo, eso está absolutamente bien. Puedes seguir adelante y usar tu cepillo abanico o aplanar la punta de tu cepillo de pelo natural y crear este patrón de pincel tal como lo hicimos antes Dado que el fondo aún está húmedo, nos permitirá crear maravillosamente los patrones de césped suaves y sutiles. Pero necesitamos agilizar este proceso porque si el fondo empieza a secarse, no vamos a conseguir los bordes suaves de la hierba Ahora estoy agregando algunos trazos verdes más oscuros para mejorar la profundidad y dimensión del campo. Ahora bien, si sientes que tu prado ha comenzado a secarse rápidamente, aquí tienes un truco sencillo para remodelar la superficie sin perturbar tus capas anteriores Cubre toda la pintura, excepto el área de primer plano en la que estés trabajando usando una lámina gruesa o un bote para protegerla Luego toma una botella de spray y olvida ligeramente el área dos o tres veces desde la distancia. Tenga en cuenta no rociar demasiado cerca, ya que demasiada agua puede causar floraciones no deseadas o alterar la capa existente La falla se asienta por unos segundos y luego empieza a pintar de nuevo. Ahora estoy cambiando a un pincel de forro sintético talla dos y cargándolo con una mezcla verde más oscura para pintar los pastos altos Usando trazos largos inclinados con una ligera curva en la parte superior, crearé un patrón de pasto natural que fluye Mantenga sus trazos veloces y seguros para mantener una sensación orgánica. Ahora aquí, debes trabajar rápido porque necesitas mantener esto sobre el fondo húmedo. Si tu papel comienza a secarse, todos estos trazos comenzarán a destacarse. Ahora comenzaremos con la técnica de salpicadura. Rápidamente cubriré el cielo con una hoja de papel y cargaré mi pincel delineador con una ligera mezcla acuosa de amarillo limón Ahora voy a empezar a salpicar suavemente para crear el efecto de flores silvestres esparcidas por toda consejo importante aquí es que esta técnica funcionará mejor solo cuando el fondo aún esté húmedo, ya que una salpicadura florecerá suavemente y se mezclará naturalmente en el Si tu fondo ya se ha secado, no te preocupes. Usa la técnica de nebulización, como comentamos anteriormente para revistar ligeramente el área y luego agregar las flores amarillas salpicadas para asegurar que Salpicar las flores salvajes hasta que estés contento con el efecto, pero ten cuidado de no exagerar. Una composición bien equilibrada es clave. Demasiadas salpicaduras pueden hacer que el prado se vea abarrotado y perder su natural saber cuándo parar paso atrás, observa tu pintura, y si se siente viva, pero armoniosa, es hora de seguir adelante. Con la punta de mi pincel cargada de amarillo limón, agregaré unos delicados puntos para potenciar el efecto de flor silvestre, pero nos detendremos aquí y evitaremos sobretrabajarlo Ahora, con la punta de mi pincel cargada de color verde savia, comenzaré a agregar follaje en las intersecciones del prado usando ligeros trazos de dabbing Esto ayudará a crear profundidad y variación natural en la textura herbácea Aquí, lo que es más importante, asegúrese de que la inmersión del cepillo no sea demasiado acuosa, ya que demasiado líquido puede causar penachos no deseados o bordes demasiado suaves. Ahora, comenzaré a pintar la cerca en primer plano usando mi mezcla de madera quemada y tinte neutro Voy a hacer la barda de tal manera, asegurándome de colocarla de manera que aparezca parcialmente cubierta por los pastos altos que crecen debajo de ella Esto le ayudará a integrarse naturalmente en la escena en lugar de parecer que está flotando. A continuación, con mi línea de pincel cargada de verde, rápidamente agregaré algunos patrones herbáceos alrededor y debajo la cerca reforzando la idea de que la cerca está enclavada dentro del prado Para agregar perspectiva atmosférica, mezclaré un toque de azul con mi verde, creando un tono verde azulado suave, y usaré esta mezcla para pintar follaje a la distancia más alejada cerca del horizonte, asegurando que los tonos sean más claros y fríos para dar una sensación de profundidad También mantendré los patrones de follaje pequeños y más delicados ya que los elementos distantes aparecen menos detallados en perspectiva. Ahora bien, si quieres profundizar en perspectiva atmosférica y entender cómo mejora la profundidad en los paisajes, considera ver los paisajes atmosféricos primaverales de mi clase Skillshare atmosféricos primaverales de mi clase En esa clase, he desglosado cómo los colores, los valores y el cambio de detalle con la distancia te ayudan a crear paisajes más inmersivos y realistas También he explicado estos conceptos en detalle con ejercicios paso a paso. Así que asegúrate de comprobarlo si quieres refinar tu comprensión. Aquí, he cambiado a un cepillo delineador de detalles para crear un arbusto delgado y delicado Dado que este arbusto requiere líneas finas y precisión, usar un pincel más delgado ayuda a mantener un mejor control sobre mis trazos Construiré cuidadosamente la forma con estropas ligeras y tenues asegurando que el arbusto se vea natural y se mezcle a la perfección con el Mantener una mano firme y usar una presión suave es la clave, así que adelante y usa los trazos de frotamiento para crear follaje en el arbusto Una vez que la cerca de primer plano se haya secado por completo, usaré tinte neutro para agregar algunas líneas delgadas que replican la textura natural de la veta de la madera Ahora utilizaré la técnica de elevación con la punta húmeda del pincel tamaño dos para crear esta textura natural en la cerca. Usando solo la punta húmeda, puedes quitar los colores que están mojados ahora. Esperaré a que se seque toda la pintura, y luego despegaremos nuestras cintas. Ahora es el momento de despegar la cinta de enmascarar, retirarla suavemente en un ángulo de 45 grados para evitar rasgar el papel, pelar lentamente y con cuidado asegura bordes limpios y nítidos y evita cualquier daño a tu obra Y con eso, hemos completado con éxito nuestro día para proyectar. No puedo esperar a ver tus creaciones. Te volveré a ver mañana. 17. Tómate un momento para practicar: Aquí algunas imágenes de referencia para que practiques para el segundo día. Concéntrese únicamente en pintar las esponjosas nubes glomosas, ignorando los elementos de primer plano por ahora Estas imágenes se pueden encontrar en la sección de proyectos y recursos de la clase. Siéntase libre de descargarlos y usarlos como su preferencia. 18. Día 3: paleta de colores: Hola, hola. Bienvenidos al tercer día. Repasemos rápidamente los colores y los muestreemos para nuestro proyecto de clase Hoy estaremos trabajando con una paleta de colores armoniosa. El primer color que vamos a probar es nuestro amarillo nápoles Si no la tienes, puedes crear la tuya propia mezclando white wash o acuarela blanca con un toque de pigmento amarillo, que es PY 35 para lograr un color de aspecto similar. A continuación, vamos a saborear nuestra ópera. Si no tienes esos rosas neón brillantes, alternativamente puedes usar cualquier otro rosa más cálido en su lugar Busque alternativas como pinacrdon magenta, rosa brillante, lago carmesí o Ahora, cuando tu ópera se mezcla con el amarillo, debería poder crear naranjas corales o rosas coralinas que son de naturaleza vibrante Así que asegúrate de revisar la etiqueta de tus rosas. No debe consistir en un pigmento violeta porque no va a mezclarse bien con el amarillo. En lugar de ello, debe tener un pigmento base rojo para lograr esas naranjas corales brillantes o rosas Mira como mezclo pezones amarillos con una gota de amarillo profundo y ópera. Esto crea una naranja coral tan hermosa, y con solo ajustar la proporción y agregar más de esa ópera, la mezcla cambia hacia un tono más rosado Estaremos usando estos tonos para pintar nuestras nubes. El siguiente color que voy a probar es un tono pastel de lila Ahora bien, si no tienes este color, puedes crear uno. Pero para este proyecto, voy a usar valores tonales medios de lila Ahora puedes mezclarlo usando tu violeta mineral, que es una violeta fría, junto con un poco de ópera y tu whiteqah Mezcle y varíe las proporciones y vea si puede obtener una lila de aspecto similar. El siguiente color que voy a probar es mi lavanda. Ahora puedes mezclar un azul fresco con un violeta cálido y agregar guash blanco para lograr este suave tono de lavanda Estaremos usando ambos colores para pintar un cielo. El siguiente color que estoy vistiendo es mi violeta mineral Es una violeta fría. El siguiente color que voy a swatch out es mi savia verde Ya hemos comentado cómo mezclar este color en el día dos por si no lo tienes. Es un hermoso verde cálido que agregará profundidad a nuestra pintura, especialmente hacia el medio suelo cerca del horizonte El último color que estoy vistiendo es mi tinte neutro, que usaré para crear mezclas más oscuras y para pintar el reflejo de la tabla en el agua Puedes usar cualquier otro negro, pero asegúrate de que sea transparente para mantener la vitalidad de tus capas Espero que tengas tus colores listos. Ahora vamos a sumergirnos en nuestro proyecto. 19. Día 3: puesta de sol serena junto al lago, parte 1: Yo antes de sumergirnos profundamente en un proyecto, me estoy tomando un momento y limpiando mi paleta para evitar mezclas fangosas Esto es muy crucial cuando estás pintando cielos para permitir que tus cielos se sientan luminosos y resplandecientes En cuanto al siguiente paso, voy a pegar mi papel los cuatro lados usando cinta adhesiva. Ahora en lugar de cinta adhesiva, también podrías usar tus cintas washi Ahora, como el énfasis de esta pintura está en el cielo y su reflejo en el agua, esbozaré la línea del horizonte colocándola no en el centro perfecto, sino que la colocaré a unos 2 centímetros por debajo del centro para permitir que tanto el cielo como su reflejo tomen el foco. Ahora, también esbozaré un pequeño bote hacia el lado derecho de mi papel lugar de colocarlo en el centro. Ahora, no es necesario seguir adelante y esbozar el mismo elemento que es un barco. También podrías seguir adelante y agregar un cisne al fondo. Eso depende totalmente de ti. Ahora, recuerda que las reglas son perspectiva. El tamaño del barco o cualquier otro objeto en movimiento que decida crear aquí debe ser menor en proporción en comparación con los otros elementos de primer plano porque esto ayudará a crear una sensación de profundidad y distancia, dejando claro que el barco está más lejos del ojo del espectador Y con esa cerradura como objeto parado en el agua ya que el boceto está completo, ahora es el momento de comenzar a pintar el cielo usando un lavado húmedo sobre húmedo Voy a repetir esto porque es importante. Tómese su tiempo para humedecer uniformemente su papel, repasar la superficie con un cepillo húmedo dos o tres veces, asegurando que el agua se aplique uniformemente sin que se formen charcos Esto ayudará a mantener su papel húmedo por más tiempo, dándole más control sobre sus lavados. Observe cómo estoy usando todo el cuerpo del cepillo, presionándolo hacia abajo en posición vertical para esparcir uniformemente el agua por la superficie. Asegúrate de cubrir todo el papel hasta que notes un brillo uniforme Esto indica que el papel está uniformemente húmedo y listo para el siguiente paso. Esa es tu aplicación de pintura. Aquí hay un consejo caliente para ustedes. Ahora bien, si estás en una región donde está caliente y seca y quema, considera usar un humidificador cerca de tu estación de trabajo. Esto ayudará a mantener el papel húmedo y le dará más tiempo para mezclar su color sin problemas. Mantener tu papel mojado es una ventaja añadida cuando estás pintando cielos Ahora voy a usar rápidamente un papel de seda para limpiar cualquier exceso de agua de la cinta de enmascarar para evitar el reflujo A continuación, me estoy cambiando a mi cepillo de fregona 00 de la serie atelio plateada Mi cepillo de trapeador es un cepillo de trapeador de pelo natural, y estoy reactivando amarillo nápoles mezclando en una gota de amarillo naranja Después probaré la intensidad en un trozo de papel de desecho. Si no estoy contento con ello, ajustaré la intensidad mezclando más de mi amarillo nápoles junto con mi naranja amarillo. Una vez que esté contento con cómo se ve la intensidad o el valor tonal, lo probaré en un trozo de papel de desecho, y si estoy contento con el valor tonal, comenzaré en la base del horizonte, usando el cuerpo completo del pincel, presionando ligeramente hacia abajo para extender la pintura Después ajustaré mi agarre sujetando el pincel más cerca del borde del mango y comenzaré a estratificar el color hacia arriba para crear una mezcla suave Observa cómo estoy usando la punta y el dedo del pie del pincel para mezclar suavemente los colores, alimentando gradualmente los valores tonales a medida que me muevo hacia arriba Ahora voy a añadir un toque cálido o naranja en la base del horizonte para realzar el resplandor del sol poniente. A medida que me muevo hacia arriba, lo mezclaré ligeramente en las capas anteriores asegurando una transición suave. En esta etapa, estoy trabajando solo con la punta del pincel, desvaneciendo suavemente los colores para crear una mezcla suave y sin costuras Estoy haciendo este paso rápido porque hoy hace mucho calor alrededor de los 37 grados centígrados, y mi papel ya está empezando a secarse. He usado esta botella rociadora para empañar mi papel en la parte superior, y usando este pequeño cepillo húmedo y húmedo, voy a repasar esas áreas una vez más para que mi papel esté mojado. Estoy cambiando a un cepillo de fregona de tamaño más pequeño para mezclar las áreas cercanas a la línea del horizonte, asegurando una transición suave y uniforme después de empañar el papel Ahora, usando la punta húmeda de mi pincel, voy a cargar con mi rosa ópera mezclada en un poquito de mi Allison y carmesí aquí Pero si no tienes a Allison y carmesí, está bien. Podrías mezclar un poco de tus rojos aquí. Para crear una naranja brillante ruborizada, mezclaré un poco más de mi naranja amarilla y prepararé el color mezclado hasta obtener una consistencia cremosa Ahora cargaré el pincel y noto que la punta de mi cepillo está conteniendo demasiada agua, así que frotaré el exceso de agua usando mi papel de seda, presionando solo el vientre, cargaré la punta de mi pincel y comenzaré a crear los trazos horizontales rotos delgados para formar nubes flotantes más pequeñas cerca del horizonte Estos pequeños trazos delicados ayudarán a agregar profundidad y suavidad al cielo. Ahora es el momento de cambiar a un cepillo sintético suave más pequeño de tamaño número cuatro. Prepararé una mezcla de pintura para las nubes usando lila, rosa copira y un poco de violeta mineral Aquí estoy mezclando los colores y voy a ajustar la intensidad según mi preferencia. Una vez que esté contento con la intensidad y el aspecto del color, ahora cargaré la punta de mi pincel con la pintura, sujetando el pincel en el centro y enganchando solo la punta. Voy a crear trazos suaves y delicados para crear estas pequeñas formaciones de nubes por aquí. Estos tonos morados se colocarán sobre las nubes anaranjadas para agregar profundidad y contraste. Observe cómo con una ligera presión cerca de las áreas en transición, estoy formando formas de nubes orgánicas más pequeñas, lo que les permite mezclarse suavemente con el cielo Ahora siento que mi papel se está secando. Entonces antes de acodar la parte superior con pintura, voy a rehumedecer el área usando mi pincel de trapeador talla 00, pero solo hasta el área de transición Ahora, no quiero arriesgar mi parte inferior del cielo para comenzar a secarse, así que echaré de menos toda el área del cielo usando mi botella de spray y rociándola desde la distancia. Ahora usando mi pincel sintético número cuatro, cargaré la punta con mi mezcla rosa ópera y naranja amarilla. El cepillo debe estar aquí húmedo seco ya que el papel ya está mojado. Queremos controlar el contenido de agua tanto en el pincel como en la mezcla de pintura. Usaré la punta del pincel para refinar las nubes flotantes más pequeñas como previamente pintamos en naranja. Y luego con un cepillo limpio y húmedo, cargaré mi mezcla morada y repetiré el proceso de estratificar nubes moradas sobre las naranjas mientras permito que las nubes anaranjadas se muestren a través Ahora, cargaré la punta de mi pincel de trapeador talla 00 con una mezcla de nápoles, amarillo, amarillo, naranja y rosa ópera y creando un valor tonal medio de mezcla de pintura naranja rosa coral Ajustaré la proporción de rosas y amarillos hasta lograr esa mezcla perfecta de rosa coral Una vez que esté contento con la mezcla, comenzaré a pintar trazos direccionales inclinados comenzando desde el borde izquierdo del papel Estoy aquí usando solo la punta de mi pincel, y voy a enganchar el dedo del pie con una ligera presión donde sea necesario para crear sutiles variaciones en la forma y textura de las nubes. Ahora voy a añadir estas nubes direccionales en pocos otros puntos en la parte superior del cielo, asegurando ese equilibrio y dirección en la composición. Ahora voy a poner en capas la naranja rosa codal con una mezcla rosa coral ligeramente más profunda, colocándola sobre las nubes anaranjadas usando solo la punta de mi pincel Esto agregará más dimensión y profundidad al cielo. Como algunos de esos amarillos se cubrieron, traeré de vuelta ese efecto resplandeciente agregando un toque de más amarillo nápoles a las nubes Para ello, exprimiré el exceso de agua del vientre de mi cepillo y luego usaré solo la punta para mezclar suavemente los pezones amarillos en las capas rosadas de las capas anteriores de las nubes, asegurando una transición suave y un efecto luminoso Ahora estoy preparando una mezcla de pintura de lila y lavanda. La mezcla se siente un poco demasiado acuosa, así que agregaré más pintura para lograr esa consistencia espesa y cremosa manteniendo un valor tonal medio Aquí, quiero ir con efecto suave y soñador y no dominaré el cielo con dos tonos oscuros Antes de acodar, empaparé todo ese exceso de agua del vientre de mi cepillo para asegurar que el deslizamiento suave sobre el papel Controlar el agua a través del vientre del cepillo es la clave para lograr mezclas suaves. Observa mis pinceladas. Estoy siguiendo la dirección de las nubes anteriores, rellenando suavemente las gorras blancas usando presión muy ligera y movimientos suaves para mantener esa delicada sensación del cielo. Para evitar mezclas fangosas donde se puedan mezclar lavanda y amarillo, voy a introducir mi mezcla rosa coral en esas zonas Esto ayudará a mantener la armonía en las transiciones de color mientras preserva el suave resplandor del cielo. Este es un consejo importante que debes recordar. Para la parte superior del cielo, rellenaré suavemente las tapas blancas con un poco de lavanda y las mezclaré suavemente para crear un efecto aireado sin fisuras. Aquí, cerca del horizonte, mis nubes moradas se han mezclado demasiado. Para traerlos de vuelta, cargaré mi pincel con una mezcla de lila lavanda, frotaré el exceso de pintura sobre un pañuelo y luego comenzaré a colocar las nubes de nuevo, pero los tonos se sienten un poco demasiado suaves, así que agregaré un toque de violeta mineral a la misma mezcla para crear un tono un poco más intenso Después de mezclarlo bien, volveré a aplicar mi cepillo sobre el tejido para eliminar el exceso de humedad y luego usando una presión muy ligera, acumularé nubes de aspecto suave manteniéndolas aireadas y de aspecto natural Estoy contento con cómo ha estado saliendo el cielo hasta ahora, así que me detendré aquí y lo dejaré secar por completo antes de pasar al siguiente paso. 20. Día 3: puesta de sol serena junto al lago, parte 2: Bien, pasemos a la parte de reflexión. Estaré usando la técnica wet on wet al igual que como la hicimos para el cielo. Empezaré mojando el papel, pero ten cuidado. Evite tomar un cepillo empapado demasiado cerca de la línea del horizonte. Si hay demasiada agua en la punta de la maleza, el agua comenzará a filtrarse en la zona del cielo que se seca, y esto va a arruinar el cielo que se quiere evitar Así que tómate tu tiempo con este paso y asegura una aplicación suave y controlada del agua. Con mi punta ligeramente húmeda, voy a deslizarme sobre el borde amarillo y luego pasar mi pincel hasta el fondo del papel Ahora, aquí, en este punto, estoy midiendo el reflejo de la nube direccional en el agua. Antes de sumergirme con la pintura, me gusta practicar mis trazos aproximadamente obteniendo una idea del movimiento y la colocación. Ahora usando mi pincel número 00 mob del mismo tamaño de la serie Silvertlo, estoy remezclando mis colores del cielo, ajustándolos para que coincidan con las nubes que pintamos en el que pintamos en el Ya que es reflexión, vamos a estar trabajando con trazos riblemente horizontales para indicar ese reflejo de las nubes en Observe cómo estoy usando solo la punta y los pies de mi pincel, aplicando presión media a ligera para crear esas ondas sutiles Observa mis pinceladas cuidadosamente. Se trata de los movimientos suaves y controlados para capturar el flujo natural de reflejos en el agua. Entonces por aquí, he empezado a poner capas de rosa ópera sobre ese naranja coral para agregar profundidad y contraste en las nubes, imitando cuidadosamente los colores del comienzo con unos suaves trazos horizontales antes volver a esas nubes direccionales en A continuación, cargaré la punta de mi cepillo húmedo con ese amarillo nápoles y usaré ligeros trazos delicados para mezclarlo suavemente con los rosas Es el mismo proceso paso a paso que seguimos para el cielo, manteniendo la armonía entre el cielo y su reflejo. Mientras pinto, ya puedo sentir una sensación de calma y serenidad bañándome. Creo que esa es la magia de una paleta de colores bien equilibrada. Crea un flujo sin esfuerzo, haciendo que el proceso de pintura tan pacífico como una escena misma Para el resto de la reflexión, mezclaré suavemente los spinks amarillos y un toque de naranja cuando sea necesario, manteniendo mis trazos muy suaves y fluidos Después introduciré trazos diagonales de mi mezcla lila lavanda, comenzando con trazos más amplios en la parte inferior y liberando gradualmente la presión a medida que me muevo hacia arriba. Esto crea esos hermosos trazos inclinados que siguen la dirección de las nubes, potenciando la perspectiva y el realismo de la reflexión Puedo sentir el borde inferior del papel secándose, así que necesito trabajar rápidamente para mezclar la mezcla de lavanda lila en los rosas mientras todavía hay suficiente humedad para una transición suave Estoy usando un valor tonal medio de mezcla de lavanda para asegurar que cuando se mezcla con los amarillos o naranjas, no crea una Mantener los colores vibrantes y armoniosos es clave aquí, así que estoy siendo consciente de la cantidad de pigmento que estoy agregando y ajustando según sea necesario A medida que me acerco al horizonte, me aseguro de que mi pincel esté cargado de rosas para evitar mezclas fangosas cuando la lila se mezcla con el Aquí hay un error que cometí que debes evitar. Pensé que mi cielo todavía estaba mojado aquí, así que intenté ajustarlo cerca del horizonte, pero formó una extraña mancha por aquí, creando esa mezcla muy fangosa por allá Para arreglar esto, dejaré que se seque por completo y cambiaré mi enfoque a pintar unas suaves ondas en el agua usando la punta de mi talla para brocha sintética A continuación, con un ligero valor tonal de mi violeta mineral, no demasiado acuoso, pintaré cuidadosamente trazos horizontales cortos y largos para sugerir movimiento en el Después agregaré algunos tonos más oscuros de mi violeta mineral para indicar el reflujo del barco en el agua. El tip esta talla número cuatro pincel no es muy puntiagudo, y como resultado, este reflujo, que estoy creando ha creado líneas borrosas muy gruesas y borrosas, que no me gusta Así que por favor continúe y asegúrese de que está utilizando un cepillo de punta más fina, preferiblemente un cepillo de tamaño más pequeño del tamaño número uno o dos A continuación, cambio a un mini pincel de revestimiento de azulejos cargado con pinturas gris o neutraltin para pintar este tronco de pie en el agua, pero la punta de mi pincel es un poco demasiado acuosa, así que quitaré el exceso de pintura y luego usaré la punta de pincel seco para refinar suavemente Eso es. Mi tronco ha resultado ser demasiado grueso, por lo que esta punta se hace mejor ya sea una vez que el papel esté completamente seco o controlando cuidadosamente el contenido de agua en el cepillo. Creo que realmente no estoy contento con cómo ha resultado el cielo cerca del horizonte debido a ese parche fangoso que se ha formado Es feo. No me gusta. Entonces creo que voy a encubrirlo. Pintaré una cordillera lejana con follaje en la intersección del cielo y el cuerpo de agua. Y para eso, creé esta mezcla de mi cálido violeta. Entonces usando este pincel sintético número seis y con esta punta puntiaguda, sólo voy a delinear la línea del horizonte y pintar esta montaña lejana. La técnica que estoy usando aquí para crear esta montaña de fondo distinta es la técnica húmeda sobre seca, lo que significa que estoy colocando pintura húmeda sobre esta superficie de papel seco. Sólo voy a mezclarme rápidamente en esa cordillera con la punta de mi pincel y asegurarme que la base de la montaña va a ser más ligera. Así que solo confina tus valores tonales medios de tus púrpuras en la parte superior de la Ahora voy a cargar solo la punta de mi pincel con la mezcla de pintura y comenzar a dar forma a la montaña a la derecha, también. Entonces usando solo el vientre del pincel, voy a mezclar los colores cerca del horizonte, asegurando un valor tonal más claro medida que se desvanece en la distancia Esto ayuda a crear una sensación de profundidad y perspectiva atmosférica en nuestra pintura. A continuación, mezclaré mi savia verde con mi mezcla de violetas para crear un verde apagado perfecto para este follaje distante Usando mi pincel de terciopelo negro plateado número seis de talla, agregaré cuidadosamente follaje cerca del área irregular para cubrirlo. Si no tienes esta zona irregular en tu cielo, siéntete libre de saltarte este paso y agregar solo la lejana cordillera Pero si quieres agregar este follaje, adelante y agrégalo. Estaré aquí usando pinceladas con solo la punta de mi pincel para construir ese follaje, manteniendo los trazos todos ligeros y naturales Va a variar el tamaño del follaje, manteniendo algunos altos y otros cortos para imitar el patrón de crecimiento natural Esta variación agrega realismo y profundidad a la escena. Ahora, en lugar de correr el follaje a lo largo de todo el horizonte, voy a dejar que se estreche gradualmente hacia la izquierda cerca del horizonte. Esto asegura que tanto la montaña el follaje se mantengan distintos, permitiendo que cada elemento sirva a su propósito sin abrumar la composición. Aquí tengo acelerado el proceso ya que es repetitivo. La clave aquí es mantener la variación en el tamaño y la forma mientras se mantienen los trazos sueltos y orgánicos. Ahora es el momento de pintar nuestro barco y su reflejo. Estoy mezclando un valor tonal medio de tinte neutro para esta punta Pero aquí, elegí el tamaño de pincel incorrecto, lo que hizo que esta etapa final más difícil de lo necesario. Para evitar esto, recomendaría encarecidamente usar un cepillo redondo de talla número dos o tres con punta fina. Esto te dará un mejor control sobre los detalles y el contenido de agua, asegurando trazos limpios y precisos. Ahora, voy a usar la punta húmeda seca y extendida de mi pincel redondo para crear algunos trazos verticales sobre el reflejo del bote existente. Observe aquí la punta del pincel no estaba cargada con ninguna pintura. Era solo el cepillo húmedo y seco con el que solo estamos mezclando suavemente el reflejo Voy a añadir algunas líneas horizontales más cortas para sugerir sutilmente el movimiento en el agua No hay necesidad de estresarse aquí. Este no es el principal punto focal. Solo estamos agregando nuestras sugerencias de movimiento y profundidad en lugar de sobredfinarlo Voy a añadir esas cuatro líneas finas usando la punta puntiaguda de mi pincel. Aquí, ejercita el control del agua. No necesitas demasiado contenido de pincel acuoso o cambiar a un pincel sintético de menor tamaño para hacer este detalle final. Aquí, he cambiado a un pequeño mini cepillo de forro de detalles para crear pequeñas figuras humanas como para un toque de vida y escala No obstante, si prefieres un look más sencillo, puedes saltarte los detalles y dejar el barco como está. De cualquier manera funciona dependiendo del estado de ánimo que quieras transmitir. Cuando estaba enjuagando mi cepillo, accidentalmente salpicé una gota de agua sobre el reflejo del puerto, y lo estropeé Y para arreglar esto, me había quitado la pintura usando un papel de seda Y ahora para tapar ese lugar, voy a agregar algunos polos más en el agua, teniendo en cuenta la perspectiva lineal. Pintaré postes más cortos cerca del bote donde ese punto parecía estar gradualmente haciéndolos más largos a estar gradualmente haciéndolos más largos medida que se acercan al borde inferior del papel. Esto no sólo soluciona el error sino que además realza la profundidad y composición de esta pintura. A veces los pequeños accidentes conducen a mejores decisiones creativas, ¿no? Estoy creando estos postes adicionales, y junto con ellos, también estoy creando el reflejo de los postes en el agua usando solo el movimiento en zigzag de mi pincel. Con eso, nuestra pintura finalmente está completa, pesar de que hubo bastantes accidentes inesperados en el camino, pero estoy muy contento con pero estoy muy contento con cómo todo se unió al final. Una vez que su papel se haya secado por completo, es hora de despegar las cintas de enmascarar, la parte más satisfactoria del proceso de pintura. Y con eso, hemos completado con éxito nuestro proyecto del tercer día. Espero que hayan disfrutado el proceso incluso con sus retos. 21. Día 4: paleta de colores: Hola, y bienvenidos al día cuatro. Para comenzar con la muestra de color. Empezaré mezclando mi ultramarino con mi thal azul para mi cielo Puedes elegir cualquier azul cálido, que no manche para este proyecto. Estaré trabajando con un valor tonal medio de este azul para nuestro cielo A continuación con mi pincel enjuagado, voy a saborear un ligero valor tonal de una mezcla de tinte neutro e Esta misma mezcla la vamos a utilizar para crear esas nubes más oscuras cercanas al horizonte, como se puede apreciar en esa pintura final. Entonces esta es la mezcla de valor tonal ligero. A continuación, estaré vigilando mi ocre amarillo con el pigmento PY 42, que es un amarillo apagado y remolino Estaremos usando este color para nuestros prados. Ahora, siguiendo eso es de color verde amarillento, un hermoso verde amarillo cálido granulado de Shinhan En caso de que no tengas este color disponible contigo, no te preocupes. Puedes preparar fácilmente este color similar mezclando tus amarillos cálidos con tus verdes y casando las proporciones de amarillo y verdes como dos es a una proporción, más de amarillos y menos de verde, obtendrías un color similar a este amarillo verdoso El siguiente color que voy a swatch out es mi savia verde. Ahora, ya deberías saber mezclar este color porque hemos usado comúnmente este color en nuestros proyectos anteriores. Ahora haremos un tono más oscuro de verde mezclando mi savia verde con ya sea azul ultramarino o tu tinte neutro o Cuando mezclas estos tonos más oscuros con tu verde, obtendrías un tono más oscuro de verde, que usaremos para crear las gramíneas en primer plano Y entonces el último color que voy a probar es mi siena quemada Es un marrón muy brillante y cálido que voy a usar para pintar el techo de ese monumento. Aquí hay un rápido recapitulación de color para ti en la pantalla. Espero que tengas tus colores listos. Ahora, vamos a sumergirnos en nuestro proyecto. 22. Día 4: delicadas nubes cirrus parte 1: Bien, es hora de comenzar con nuestro día cuatro. Lo primero es lo primero, vamos a tocar un papel en los cuatro sitios usando cinta adhesiva. Ahora que nuestro papel está asegurado, pasemos a crear un boceto básico. Dejaremos dos tercios del papel para el cielo y trazaremos primero nuestra línea de horizonte. A continuación, usaré una regla y dibujaré la estructura del edificio justo en el centro del papel. Ya que estará más en el fondo, tenga en cuenta su tamaño para mantener la perspectiva adecuada Como siempre, recomendaría ver la lección completa primero antes de pintar. De esta manera, tendrás una idea clara de lo que viene a continuación y estarás mejor preparado mientras pintas. Mira a lo largo mientras creo este boceto. Podría hacer algunos ajustes aquí y allá hasta que esté contento con el look final. Así que observa primero el proceso de boceto, luego pausa la pantalla en la versión completada antes de comenzar tu propio boceto Bien, ahora que nuestro boceto está listo, comencemos a pintar. Primero, comenzaremos con el cielo. Para asegurar que el papel se mantenga húmedo por un periodo de tiempo más largo, voy a mojar completamente la superficie. hoy estaremos pintando un cielo delicado con nubes rayadas, serias Me enamoré absolutamente de estas nubes cuando las vi durante mis vacaciones en Australia, y siempre he querido pintarlas. Esta clase se sintió como la oportunidad perfecta para finalmente dar vida a esa visión. Puedes ver que estoy mojando el papel dos o tres veces para asegurar que se mantenga húmedo por un periodo de tiempo más largo, lo que me permite trabajar sin problemas con mojado sobre húmedo tómate tu tiempo mientras aplicas agua a tu papel. No hay necesidad de apresurarse. Observe cómo estoy mojando cuidadosamente el papel solo alrededor del edificio. Si eres un principiante, tal vez te resulte útil enmascarar el edificio antes de comenzar, aplicar líquido de enmascaramiento o cortar la cinta adhesiva para que quepa a lo largo del contorno del edificio, preservando el espacio negativo. Para el cielo, voy a estar usando dos de mis pinceles de trapeador favoritos. Uno es talla cero, cero, y el otro es talla 20, ambos son cepillos naturales para el cabello. Ahora estoy cargando la punta húmeda de mi talla número 20 cepillo de trapeador con una mezcla de mi azul ultramarino Trabajaré con un valor tonal medio creando una consistencia cremosa para una aplicación suave Preparando tu mezcla de pintura, pruébalo en un trozo de papel para verificar el valor tonal antes de aplicarlo a tu pintura Esto te ayudará a asegurarte de que el color es adecuado para el efecto que deseas lograr. A continuación, voy a tomar mi cepillo húmedo de tamaño número 80 y volver a aplicar el agua sobre el área del cielo Esto asegura que el papel esté completamente saturado, permitiendo que la pintura se mezcle y fluya suavemente, creando un cielo suave y sin costuras. Aquí voy a ajustar la intensidad de mi mezcla de pintura agregando de dos a tres gotas de índigo en mi mezcla azul ultramarino, y luego voy a cargar mi pincel y comenzar a aplicar trazos inclinados Vaya, hay demasiada agua. Voy a apretar el vientre del cepillo sobre un pañuelo para eliminar ese exceso de agua, y usando la punta y los pies de mi cepillo, y con presión de control, voy a crear los trazos inclinados, asegurándome de dejar algunos espacios amplios en medio para el efecto aireado natural de las nubes que vamos por Ahora, estoy usando mi cepillo limpio y húmedo, y voy a levantar algo de esa pintura para crear patrones ondulados en las áreas blancas que dejamos antes. Esto ayuda a mejorar la suavidad de las nubes serias. También usaré esta técnica para refinar cualquier borde de plumas para un aspecto más transparente Observa mis pinceladas aquí. Observe cómo estoy usando la punta húmeda y seca de mi pincel para levantar el color de las áreas donde noto el efecto plumoso. Esto ayuda a suavizar cualquier borde áspero y mantiene el delicado aspecto tenue de las nubes cdrus A continuación, cambiaré a mi pincel de trapeador talla 00 y volveré a aplicar los tonos intensos de mi mezcla Indigo más azul ultramarino, agregando profundidad y contraste al cielo No para agregar profundidad al cielo cerca del horizonte, voy a seguir adelante y preparar una mezcla de valor tonal ligero de madera quemada más índigo Una vez preparada la mezcla, comenzaré a pintar las nubes más oscuras con trazos horizontales y luego la acariciaré suavemente hacia arriba siguiendo la dirección natural de las nubes. Aquí en el horizonte. Ahora voy a enjuagar mi pincel, quitar todo ese exceso de pintura, y luego volver a cargar la punta con ligero valor tonal de esta mezcla gris Comenzaré a aplicarlo cerca de la base de la línea del horizonte usando trazos suaves y ligeros, asegurándome de dejar algunos espacios amplios entre ellos para un aireado natural ahora observa cómo estoy alimentando la mezcla gris usando un cepillo húmedo y seco, acariciándola suavemente hacia arriba para seguir el ritmo natural de las nubes rayadas Esto ayuda a crear una transición perfecta y mantiene las nubes aspecto suave y aireado al tiempo que agrega profundidad y contraste. Ahora enjuagaré mi cepillo y lo voy a secar sobre mi papel de seda Usando suaves trazos suaves hacia arriba, voy a mezclar los grises en los azules, creando una transición suave y rayada en el cielo Ahora, con un pincel limpio, húmedo y seco, voy a extender las cerdas y comenzar por las áreas blancas levantando suavemente la pintura para crear rayas blancas en el cielo Cada vez que levante los azules, limpiaré la punta de mi cepillo sobre la toalla de papel para evitar que se enloquecen los colores. Repetiré este proceso hasta que haya construido suficiente dirección y movimiento en el cielo, capturando la delicada naturaleza tenue de las nubes cirros En este punto, voy a añadir un toque de púrpura hacia la base del horizonte, pero esto es experimental. No es necesario que hagas esto en tu pintura. Evita este paso si tu cielo ya ha comenzado a secarse ya que agregar nuevos colores en una superficie semi seca puede crear bordes no deseados en lugar de mezclas lisas, y verás que voy a sufrir en los próximos minutos por esto. Pero creo que no me gusta ese púrpura cerca de la línea del horizonte, así que decidí cubrirlo con una capa suave de mi mezcla gris, conformándose en nubes horizontales. Y lo mezclaré rápidamente en el cielo secante usando una punta húmeda seca y deshilachada del pincel, asegurándome de mezclar solo y no levantar ninguna pintura Demasiada presión en esta etapa podría levantar involuntariamente las capas subyacentes Así que estoy manteniendo mi pincelada muy ligera y suave y controlada Pero mi cielo ya empezó a secarse, y mi pintura comenzaría desde aquí. 23. Día 4: delicadas nubes cirrus parte 2: Bien, es hora de pasar al prado en primer plano. Para eso, estoy preparando un valor tonal medio de amarillo verdoso para esta Con mi pincel húmedo, primero aplicaré agua limpia en la parte inferior del papel, asegurándome de no mojar la zona cercana al horizonte para evitar molestar al cielo ya que es el cielo está parcialmente arruinado. Ahora voy a empezar a aplicar la mezcla de amarillo verdoso desde el área seca cerca horizonte y poco a poco la mezclaré hacia abajo en la sección de fondo húmedo para una transición suave Ahora, comenzaré a mezclar mis verdes con el amarillo verdoso restante en mi paleta y agregaré un poco de mi mezcla azul para crear un tono verde más oscuro Usando la punta de mi pincel, comenzaré a dejar caer este verde más oscuro verticalmente en la parte inferior del papel. Dado que el fondo ya está mojado, la pintura comenzará a extenderse de forma natural, y la mezclaremos usando nuestro cepillo de peine, impulsando los trazos hacia arriba para crear los patrones como la hierba. Ahora he mezclado un poco de mi índigo en mi mezcla verde para crear un tono verde más intenso, y luego comenzaré a estratificar esta sombra más profunda en la base misma del prado, creando profundidad y dimensión al campo Esto ayudaría a crear un sentido natural de la puesta a tierra y el contraste en el paisaje Con la punta de mi pincel peine, ahora voy a crear trazos horizontales claros justo debajo de la línea del horizonte, permitiendo que la capa inferior de amarillo verdoso se muestre sutilmente a través Esto agregará textura y profundidad a la pradera. Ahora vamos a dirigirnos al elefante en la habitación. Esos bleads secos en el cielo necesitan ser arreglados. Intentaré usar la punta esponjosa de mi brocha seca para ver si puedo suavizarlos, pero el problema aquí es que el papel se está secando de manera desigual, así que cambiaré a mi punta húmeda y seca de mi cepillo de fregona e intentaré mezclar ligeramente los bordes, pero esto también está creando más parches, empeorando el problema Ahora puedes ver lo que está pasando aquí. Tiempo para el plan C. Voy a agarrar mi cepillo de trapeador talla 80, humedeceré lo suficiente solo para tener una pequeña sensación de humedad en la punta, luego extenderé las cerdas y la cargaré con valor tonal ligero de Ahora voy a empezar suavemente a aplicar trazos inclinados sobre las hojas secas, siendo muy suave para evitar molestar demasiado a las capas. Esto debería ayudar a unificar el cielo manteniendo su suavidad. Se ve mejor, pero todavía no estoy completamente contento con ello. Usando la misma punta de mi pincel, ahora tomaré un valor tonal muy ligero de mi mezcla gris y comenzaré a aplicar los mismos trazos inclinados, pero aún más a la ligera esta Para refinarlo aún más, agregaré un poco más de esa mezcla gris oscuro donde sea necesario y usaré la punta de la presa de mi pincel talla 00 para mezclar suavemente los bordes tanto en el lado derecho como en el izquierdo. Esto debería funcionar y ayudarnos a cubrir ese cielo. Ahora bien, si se preguntan por qué simplemente no me perdí el papel, aquí por qué la nebulización habría reactivado todo el cielo, facilitando la fijación de la zona inferior Pero también significaría rehacer la parte superior del cielo, incluyendo las delicadas rayas de las nubes cirros Esto podría haber terminado siendo mucho más desordenado de lo que estamos tratando en estos momentos, así que lo mejor es trabajar selectivamente en lugar de arriesgarse a sobretrabajar todo el cielo Espero que tu cielo no haya salido de esta manera y que veas primero toda la lección para saber qué evitar en primer lugar. Arreglar un cielo así depende mucho las delicadas pinceladas que apliques y la comprensión de la humedad de tu papel, que viene solo con Para un gran nerd, esto puede parecer un poco complicado, pero ahora ya sabes cómo acercarte Recuerda, no es imposible arreglar un cielo que no salió como estaba planeado. Con paciencia y con las técnicas adecuadas, aún puedes devolverlo a la vida. Es hora de arreglar mi prado. Estoy un poco aprensivo por perderlo porque mi papel se está comportando de manera impredecible en términos comportando de manera impredecible en términos de retener la humedad y secarse. Entonces, en cambio, usaré una punta ligeramente húmeda para arreglar primero las hemorragias cerca del horizonte Mojaremos la parte inferior más tarde, pero por ahora, centrémonos en construir el follaje de fondo, usando mi mezcla de amarillo verdoso, y luego agregaré algunos tonos más oscuros de verdes en la base para traer las sombras y la profundidad, haciendo que el prado se vea más natural y dimensional Ahora estoy preparando una mezcla de mi amarillo verdoso con un valor tonal medio, y usando mi pincel redondo número seis de talla, primero voy a colocar una gruesa banda de verde a lo largo de la línea del horizonte A continuación, comenzaré a agregar el follaje usando pinceladas de frotamiento en la parte superior para crear una técnica natural y orgánica aquí, estamos trabajando en la técnica húmeda sobre seca, así que asegúrate de que tu cielo esté completamente seco antes de comenzar este paso De lo contrario, los colores podrían sangrar en el cielo y fijar eso se volvería mucho más difícil e imposible Voy a repetir el mismo proceso de crear nuestro follaje a lo largo del lado izquierdo de la línea del horizonte. Ahora, agregaré tonos verdes más oscuros en la base del follaje para crear profundidad y contraste a lo largo de toda la línea del horizonte. Al hacer esto, me aseguraré de vivir trozos de esa capa inferior de verde hablando, lo que ayuda a mantener la dimensión y la profundidad y evita que el follaje se vea plano Esta técnica de estratificación potenciará la sensación natural del paisaje Hora de rehumedecerse el primer plano, tenemos aquí dos opciones o bien olvida cuidadosamente el primer plano mientras cubre el cielo y el horizonte para evitar reactivar esas áreas o usar un cepillo húmedo para colocar suavemente un lavado plano de agua comenzando desde abajo y trabajando a mitad de camino debajo del horizonte como lo estoy haciendo aquí, asegurándose de que esto no perturbe el asegurándose tenemos aquí dos opciones o bien olvida cuidadosamente el primer plano mientras cubre el cielo y el horizonte para evitar reactivar esas áreas o usar un cepillo húmedo para colocar suavemente un lavado plano de agua comenzando desde abajo y trabajando a mitad de camino debajo del horizonte como lo estoy haciendo aquí, asegurándose de que esto no perturbe el follaje capas que acabamos de pintar. Con mi pincel húmedo mob de talla 00, cargaré un ligero valor tonal de amarillo verdoso y lo extenderé ligeramente sobre el primer plano húmedo Dado que la base aún está húmeda, esto reactivará el verde más oscuro, así que tenga cuidado de no entrar en las áreas más claras después de cubrir la más oscura Ing algunos tonos verdes más oscuros, manteniéndolos confinados alrededor del fondo de la pradera para realzar la profundidad y el contraste. Esta es la misma repetición del proceso que usamos al inicio de esta lección para crear el patrón herboso usando trazos ligeros hacia arriba con solo la punta de mi pincel para imitar la textura natural de la Esta estratificación ayudará a dar vida al primer plano a lo mantiene conectado visualmente con el resto del paisaje Ahora con mi cepillo de peine, empujaré los tonos más oscuros hacia arriba con trazos ligeros desde la punta del pincel tal como lo hicimos al inicio de la lección. Cubriré el cielo y el horizonte y usaré mi cepillo redondo para salpicar gotas de agua sobre el prado Esto creará una hermosa textura con flores suaves agregando una sensación muy natural al efecto herboso Si quieres experimentar, también podrías rociar un poco de sal sobre la superficie húmeda. A continuación, comenzaremos a pintar el edificio con un ligero lavado tonal de ocre amarillo, manteniendo los tonos suaves para que coincidan con la perspectiva atmosférica de la escena Asegúrate de que la punta de tu pincel no esté demasiado acuosa para evitar que la pintura se filtre al cielo Limpie el exceso de agua del vientre de la brocha y simplemente pinte con la punta del pincel Si hay demasiada agua, la pintura podría extenderse incontrolablemente, especialmente cerca de los bordes del edificio Mantener el cepillo húmedo y no gotear te dará un mejor control sobre la forma y los bordes En el lado izquierdo del edificio, usaré un valor tonal muy claro de tinte neutro para agregar sombras, creando la profundidad que necesitamos Y también, comenzaré a aplicar la sombra desde la izquierda y luego usaré un pincel limpio y húmedo para mezclarlo suavemente en el ocre amarillo, asegurando una transición suave entre la luz y la Ahora, comenzaré a pintar el techo usando una mezcla de siena quemada y un poco carmesí para darle un Asegúrate de ejercer el control del agua aquí. Demasiada cantidad de agua puede hacer que la pintura sangra en áreas no deseadas, mientras que muy poco podría crear lavados irregulares y rayados, trabajar con una consistencia media para lograr una aplicación suave y controlada Espere a que el techo se seque por completo, luego comience a agregar las ventanas como dibujamos, ya sea usando la punta fina de su pincel cargada con tinte neutro o use un bolígrafo de forro fino de micras impermeable para líneas precisas y nítidas Si su papel se ha secado por completo, retire con cuidado las cintas de enmascarar en ángulo para revelar esos bordes limpios y nítidos. Y con eso, nuestro día cuatro está completo. Espero que hayas aprendido algo valioso de este ejercicio y hayas disfrutado del proceso, también. Te volveré a ver mañana para la siguiente lección. 24. Día 5: paleta de colores: Bien, repasemos rápidamente los colores que necesitaremos para nuestro proyecto del Día Cinco. Para este cielo dramático, utilizaré principalmente cinco colores clave para crear profundidad y estado de ánimo. Vamos a verlos primero para tener una idea clara de cómo interactúan entre ellos antes de comenzar a pintar. El primer color que voy a es el amarillo nápoles, un tono suave y cálido que establece la base para un cielo resplandeciente Siguiente será mi ópera rosa. Pero si no tienes ópera, puedes saborear una magenda cálida o cualquier rosa vibrante, pero asegúrate de que esté en el lado más cálido Cuando el rosa ópera y el amarillo nápoles se combinan, crean un hermoso y suave tono naranja. Después de eso, vamos a saborear lila fresco pastel o lavanda Si no estás seguro de cómo mezclar este color, vuelve a consultar D paleta de tres colores, donde ya aprendimos a crearlo A continuación, suavizaremos el violeta mineral mezclándolo con el lila para tonificar su intensa saturación de color, creando una sombra más apagada y esbelta para A continuación viene mi cálido violeta permanente, que usaremos bastante para agregar riqueza y profundidad tanto al cielo como al primer plano Así que mantén este color a mano contigo. También necesitaremos un azul cielo pastel para capturar la suave luz que se desvanece de un día que llega a su fin Si no tienes este color contigo, refiérase a la paleta de colores del primer día, donde discutimos cómo mezclarlo. Por último, también necesitaremos tinte neutro o nuestras pinturas grises para crear mezclas desaturadas o para agregar contraste donde sea Así que adelante y mira los colores que tienes disponibles y encuentra los más cercanos que coincidan con los que he demostrado Una vez que tengas tus colores listos, comencemos en el día cinco. 25. Día 5: una puesta de sol dramática con la silueta de la ciudad, parte 1: Bienvenidos al Día cinco. Comencemos pegando nuestro papel en los cuatro lados usando mi cinta adhesiva Ahora que nuestro papel está asegurado, comenzaremos dibujando la línea del horizonte. La mayor parte de la composición estará dedicada al cielo, mientras que el área a lo largo la línea del horizonte contará con una silueta de ciudad. Para este proyecto del día cinco, no seguí una referencia específica. En cambio, esta pieza está inspirada en mis observaciones y las hermosas puestas de sol que puedo presenciar a diario desde mi estudio Una vez que nuestra línea del horizonte esté bosquejada, nos sumergiremos directamente en pintar el cielo usando la técnica de mojado sobre húmedo Al igual que en los días anteriores, me aseguraré de que mi papel esté uniformemente recubierto con una capa uniforme de agua. Repetiré este proceso dos o tres veces para asegurar que el papel se mantenga húmedo por un período de tiempo más largo, lo que permite transiciones de color más suaves y sin interrupciones. Ahora, voy a agarrar un papel de seda y limpiar suavemente cualquier exceso de agua en la cinta de enmascarar. Esto evita cualquier reflujo de agua hacia una pintura una vez que comenzamos a agregar color al cielo Es posible que note que el papel ahora está absorbiendo la humedad haciendo que se hinche ligeramente en pocas áreas. Esto es completamente normal e indica que la superficie está bien preparada para la técnica de mojado sobre húmedo. Ahora comencemos a pintar. Usando mi cepillo para trapeador húmedo de talla 00, comenzaré a preparar una mezcla de amarillo Nápoles y Jean Brilliant número dos. Y con esta mezcla de amarillo pastel, comenzaré a pintar el cielo usando una variedad de trazos. Primero comenzaré desde la esquina izquierda del papel, observaré cómo mi pincel se desliza por el papel y cómo estoy trabajando solo con la punta y la punta del pincel, creando transiciones suaves a medida que varío la presión Aquí, observe cómo estoy usando tanto el vientre como la punta del pincel para dar forma a las nubes usando mis trazos y construyendo gradualmente su forma, extendiendo y refinando sus formas de forma natural. Esta técnica no sólo ayuda a crear nubes orgánicas suaves sino también establece una sensación de movimiento direccional en el cielo, haciendo que la composición se sienta más dinámica y viva. Observe cómo estoy estratificando un valor tonal medio de amarillo nápoles sobre el lavado anterior repitiendo el mismo patrón de He dejado intencionalmente algunos espacios blancos en el cielo. Estos son cruciales para crear profundidad y contraste más adelante. A medida que capas el amarillo, ten cuidado de no cubrir todo el cielo Ahora a partir de la derecha, comenzaré a agregar un valor tonal medio de rosa ópera mezclado con un poco de amarillo Lo estoy estratificando de una manera que permite que los amarillos se asomen a través de los rosas, creando un Observe cómo estoy usando trazos medio horizontales escalonados. Esta técnica ayuda a mezclar los colores a la perfección mientras mantiene una sensación natural y atmosférica en el cielo. Ahora voy a agregar algunos valores tonales medios o violeta mineral usando un cepillo húmedo, colocándolo en capas al final de la nube amarilla direccional Secaré suavemente mi cepillo sobre un pañuelo, luego cargaré la punta con la misma mezcla. Usando esto, comenzaré a esparcir el color siguiendo la dirección de la nube, pero no casi cubriendo el amarillo. Estoy trabajando rápido aquí porque no podemos darnos el lujo de demorar al acodar este más oscuro El papel comienza a secarse , revisar el cielo en esta etapa puede ser complicado, sobre todo porque estamos trabajando con colores complementarios como el amarillo y el violeta Así que sigue observando mis movimientos de pincel, y si es posible, mira todo esto es primero para tener una idea clara de lo que viene a continuación y pintar a lo largo. Usando solo la punta de mi pincel húmedo, ahora estoy pintando algunas nubes horizontales por encima y a lo largo de la línea del horizonte con mi mezcla de violeta mineral. Ejercita el control del agua en este paso. A continuación, limpiaré mi cepillo y prepararé una mezcla de lavanda gris azulado. Ahora, en esta etapa, estoy preparando un valor tonal medio de esta mezcla Asegúrese de probar siempre sus mezclas de colores en un trozo de papel de desecho antes comenzar a pintar las nubes. Empezaré a agregar esta mezcla a los espacios blancos que quedan en el lado derecho del cielo. En esta etapa, me aseguro de no dejar que el azul toque el morado todavía. Empezaré a aplicar esta mezcla de lavanda azul la esquina superior izquierda del cielo, también. Observe que estoy usando un valor tonal claro aquí para evitar cualquier problema verde no deseado al colocar capas sobre el amarillo Observe mis pinceladas aquí cuidadosamente. Estoy enganchando todo el pincel variando la presión para crear transiciones naturales suaves. En este paso, es crucial controlar el contenido de agua en tu pintura, el contenido de agua en tu pintura, así como en tu pincel. Si tu pincel es demasiado acuoso o tu mezcla de pintura es demasiado acuosa, obtendrás hemorragias no deseadas cuando comiences a estratificar o crear Y si está demasiado seca, la pintura no se deslizará suavemente por la superficie Ahora voy a crear una mezcla de pintura que consiste en mi violeta permanente con una gota de índigo para crear una más oscura. Asegúrate de que no vas aquí demasiado fuerte, usa valores tonales medios de este color y empieza a aplicar esta mezcla en la parte superior izquierda del cielo usando trazos hacia adentro Pero desafortunadamente, mi cámara se quedó sin batería así que no pude filmar esta parte. Aquí me he quitado el exceso de agua de mi cepillo y estoy repasando ligeramente los morados usando solo la punta para bajar la intensidad Aquí, cargaré mi pincel con mezcla de lavanda con una gota de índigo y comenzaré a crear nubes más pequeñas y tenues, asegurando que los amarillos sigan siendo visibles Ahora, justo debajo de la mezcla cálida, morada e índigo. Comenzaré a poner mi fresca mezcla de violeta mineral y ópera mientras controlo cuidadosamente el contenido de agua. Ahora usando el mismo pincel cargado con mis rosas, recogeré la mezcla de índigo violeta y comenzaré a formar nubes en el lado derecho Observe cómo esta técnica crea un tono dual en las nubes, agregando profundidad y variación. En esta etapa, se trata construir cuidadosamente la profundidad y el movimiento en el cielo con tonos más oscuros al tiempo que se asegura de que no superen la composición La clave es dejar que esos colores más claros brillen, creando un efecto luminoso y resplandeciente que realza el drama de la puesta de Ahora, voy a empezar a añadir algunas nubes horizontales aquí en el horizonte. Afortunadamente, mi papel todavía está húmedo, así que voy a seguir adelante y añadir algunas rayas horizontales de nubes justo por encima del horizonte debajo de los morados A continuación, volveré a la nube flotante más grande en la parte superior y profundizaré los tonos debajo los morados para agregar más dimensión y Puedo hacer esto sin problemas porque mi papel aún está húmedo, permitiendo que los colores se mezclen de forma natural. Pero si notas que tu papel ha comenzado a secarse, puedes omitir este paso o incorporar estos tonos más oscuros antes en el proceso para evitar bordes ásperos no deseados. Y con eso, hemos completado nuestro cielo. Ahora voy a dejar que se seque por completo antes de pasar al paisaje urbano Slout en nuestro Mientras espero, prepararé una mezcla de violeta cálido con un valor tonal más claro de tinte neutro Ahora que mi cielo está completamente seco, comenzaré a aplicar esta mezcla de pintura a la sección de primer plano usando la técnica de húmedo sobre seco Comenzaré pintando un lavado plano sobre toda la sección, asegurando una cobertura suave y uniforme. Una vez hecho eso, seguiremos a partir de aquí en la siguiente parte. 26. Día 5: siluta dramática de una ciudad al atardecer, parte 2: Bien, ahora que nuestro primer plano está listo con un color base, es momento de comenzar a agregar edificios en el Usando mi pincel ultra redondo tamaño seis, pintaré una mezcla de edificios altos y cortos a lo largo del horizonte para representar el horizonte de la ciudad Voy a exprimir suavemente el vientre de mi cepillo para controlar el flujo de agua y comenzar a agregar los edificios. En esta etapa, mantener un control adecuado del agua es crucial para evitar cualquier sangrado de pintura no deseado Queremos que los edificios de fondo parezcan elegantes y bien definidos. Por lo tanto, garantizar la consistencia correcta de la pintura ayudará a lograr ese efecto limpio y nítido. Los edificios de fondo, estoy empezando con un valor tonal claro de nuestra mezcla de pintura, mientras que para aquellos ligeramente por debajo del horizonte, seguiré adelante y usaré tonos poco más oscuros para crear profundidad En este punto, no estaba del todo seguro de cómo quería que se viera mi horizonte de la ciudad ya que estaba trabajando sin ninguna referencia fija. Debatí entre pintar múltiples capas de edificios con luces brillantes o mantenerlo simplemente simple. Finalmente, sentí un fuerte impulso ir con una sola línea de edificios a lo largo del horizonte y separarlos del primer plano con un cuerpo de agua En el siguiente paso, voy a añadir ese cuerpo de agua, así que sigue observando de cerca el proceso. Ahora, en lugar de usar un pincel redondo para pintar estos edificios, también podrías usar un pincel plano de menor tamaño o un pincel de bateador angular La punta cuadrada de los pinceles facilita la creación de formas rectangulares limpias, ayudándote a lograr edificios afilados y bien definidos con el mínimo esfuerzo. En esta etapa, creo que será más fácil cambiar a un cepillo de fregona para comenzar a aplicar la mezcla de pintura para el cuerpo de agua. El cepillo de fregona ayudará a lograr un lavado suave y uniforme mientras permite una mezcla sutil, creando un efecto reflectante natural en el agua. Ahora he cargado mi cepillo de fregona con una mezcla tonal ligera de tinte neutro y mi violeta cálido, y estoy llenando con él la sección inferior debajo de la línea del horizonte Para sugerir un cuerpo de agua que refleje los tonos de ópera del cielo, agregaré un toque de rosa ópera a esta área Entonces para el primer plano abstracto, usaré un valor tonal medio de tinte neutro mezclado con mi violeta, similar a como pintamos el prado en nuestros A continuación, cubriré el cielo con una hoja de papel y agregaré algunas salpicaduras de agua para crear textura, dándole a esta pintura un aspecto único Ahora, en lugar de salpicaduras de agua, también podrías intentar agregar algunos cristales de sal o sal de roca en esta área y crear la textura Y con eso, nuestra pintura finalmente está completa. Ahora dejaremos que se seque por completo antes de despegar la cinta de enmascarar para revelar esos bordes blancos nítidos y limpios. A mí me encanta cómo ha resultado esta pieza. Pruébalo y aplaude tu trabajo bajo la sección de proyectos y recursos Me encantaría ver tu opinión sobre ello. Te volveré a ver por el día seis. 27. Día 6: paleta de colores: Bienvenidos al Día Seis. Repasemos rápidamente los colores que necesitaremos para el proyecto de arte de hoy. El primer color que estoy viendo es amarillo nápoles. Mi amarillo nápoles es de Shinhan art y está hecho de PY 35 un pigmento amarillo frío, y PW six, que es un pigmento blanco Si no tienes este color exacto, puedes crearlo fácilmente mezclando un amarillo frío con un toque de quash blanco A continuación está el amarillo anaranjado, un hermoso color cálido, amarillo anaranjado. Puedes mezclar fácilmente un rojo cálido con un amarillo cálido para lograr este color por si no tienes este disponible contigo. El siguiente color que voy a mostrar es mi rosa ópera Ahora el rosa ópera es un rojo cálido muy brillante y hermoso. Cuando se mezcla con amarillo nápoles o naranja amarillo, le da un color naranja coral muy bonito. El siguiente color que voy a salpicar es mi gris azul, que es, de nuevo, un color de maja suave muy bonito Ahora el siguiente color es mi violeta mineral, y el siguiente es el verde savia, seguido de madera quemada y tinte neutro. La mayoría de estos colores ya se han utilizado en proyectos anteriores, y también he comentado cómo mezclarlos por si no tienes los colores exactos disponibles con. Ahora, por si no tienes tu tinte neutro, siempre puedes seguir adelante y usar tus pinturas gris o negro marfil para sustituir este color. Ahora usando nuestro tinte neutro y un pequeño toque de índigo, junto con el violeta mineral y el gris azul, crearemos una rica mezcla oscura perfecta para nuestras nubes tormentosas Eso es todo por los colores. Puedes ver un resumen en la pantalla, así que prepara tus colores y saltemos a nuestro proyecto final 28. Día 6: un día tormentoso, parte 1: Muy bien, comencemos nuestro día seis. Como siempre, empiezo pegando mi papel para mantenerlo plano y seguro Ahora para la pintura de hoy, he combinado dos referencias. Los puedes ver en la pantalla. Para la primera imagen que está en la parte superior izquierda, estaré usando la línea del horizonte para establecer la composición. No obstante, para la combinación de colores, estaré siguiendo la segunda referencia, que está en la parte inferior izquierda. Ahora, comencemos con la técnica húmeda sobre húmeda. Comenzaré aplicando una capa uniforme de agua al área del cielo. Asegúrese de poner en capas el agua gradualmente, permitiendo que el papel absorba la humedad lentamente. Esto asegura una superficie lisa y uniforme húmeda. Evite inundar el papel con exceso de agua ya que no queremos que se formen piscinas. Antes de seguir adelante, estoy tomando un pañuelo para limpiar suavemente los bordes de la cinta de enmascarar. Esto evita el reflujo y mantiene nuestros bordes nítidos. Estoy inclinando ligeramente mi bote para asegurarme de que el agua esté distribuida uniformemente por el papel Esto se puede comprobar observando el brillo. Debe ser uniforme sin manchas secas ni exceso de tracción. Ahora que la superficie está preparada, mezclaré mi amarillo nápoles con naranja amarillo y comenzaré a aplicarlo en la base de la línea del horizonte Esta mezcla creará una base suave y brillante para nuestro cielo, preparando el escenario para una cálida puesta de sol atmosférica Mientras colocaba el amarillo, dejo un pequeño espacio en blanco a la derecha. Esto ayudará a crear el suave efecto brillante que queremos lograr en nuestro cielo Si noto que mis colores van a la deriva en esa área, usaré la punta húmeda y seca de mi pincel para levantar suavemente la pintura y mantener intacto el brillo Ahora, usando la punta húmeda de mi pincel, he mezclado rosa ópera en mi mezcla de naranja amarilla. Manteniendo mi cepillo en posición vertical, aplicaré cuidadosamente la mezcla rosa con una ligera presión controlada. Presta mucha atención a cómo uso la punta de mi cepillo. Esto ayudará a mantener una delicada transición entre los colores. Aquí noto que mis pinturas están a la deriva hacia el espacio en blanco, así que usaré la punta húmeda de mi pincel para levantarlas suavemente, manteniendo intacto ese suave resplandor Ahora, voy a mezclar mi rosa ópera con amarillo nápoles. Mi mezcla es un poco acuosa aquí porque la parte superior de mi papel ya está empezando a secarse Esta humedad extra ayudará a mantener la superficie viable a medida que continúo tendida Observa mis pinceladas aquí. Estoy usando una mezcla de trazos diagonales largos y cortos, manteniéndolos ligeramente inclinados También estoy dejando gorras blancas en el medio, que son movimiento y radiación al cielo. Ahora prepararé una mezcla de mi lavanda y gris azul ajustándola a un valor tonal medio La consistencia es cremosa, permitiendo una aplicación suave. Empezaré a estratificar su mezcla en la parte superior del cielo usando los mismos trazos direccionales que antes Al aplicarlo sobre los rosas, estoy siendo consciente de no cubrirlos por completo, dejando que esos tonos cálidos se vean sutilmente También me he asegurado de conservar algunos espacios blancos a la derecha, lo que realza el resplandor en el cielo. Me encanta de verdad cómo va esto. Está creando un efecto tan hermoso y luminoso. Mi papel se está secando como galletas hoy. Es extremadamente caliente y seco, lo que hace que sea difícil mantener la superficie húmeda. Para contrarrestar esto, usaré mi botella de spray para perder ligeramente las áreas antes de aplicar mis mezclas más oscuras para las nubes tormentosas Al pulverizar, sostengo la botella a cierta distancia para asegurar que la niebla se distribuya uniformemente por el papel lugar de concentrarla en una sola Ahora, dejaré que el papel descanse un momento mientras preparo mi mezcla de nubes más oscuras. Para ello, combinaré mi tinte neutro con un toque de índigo para mayor profundidad y lo tonificaré con un poco de gris azul pastel. Ahora bien, si no tienes gris azul pastel, puedes lograr un efecto similar agregando una minúscula gota de blanco. Una vez que mi mezcla más oscura esté lista, usaré la punta y la punta de mi pincel para comenzar a estratificar las nubes tormentosas Aquí estoy usando una combinación de trazos en forma de C y en forma de C invertida en la parte superior del cielo para crear formaciones de nubes naturales. Observe que mi mezcla de pintura no es demasiado acuosa, es cremosa. En esta etapa, una mezcla acuosa provocaría hemorragias incontrolables, haciendo más difícil lograr formas de nubes bien definidas antes de comenzar a practicar estas formas de nube o comenzar este proyecto, recomendaría encarecidamente practicar estas formas o comenzar este proyecto, recomendaría encarecidamente de nube Si necesitas un repaso, vuelve a referirte a la lección de control de pincel y técnicas de trazo donde ya he demostrado una variedad de trazos para ayudarte a dominar este paso Observa cómo estoy superponiendo las nubes más oscuras. No estoy cubriendo todo el cielo. En cambio, estoy dejando algunas áreas más claras entre ellas permitiendo que el cielo respire y cree ese contraste. Posteriormente, introduciremos algunos tonos morados en estas zonas más claras para sugerir el origen del trueno, agregando drama y esta técnica no sólo realza la atmósfera tormentosa sino que también ayuda a crear un hermoso resplandor dentro de las nubes, haciéndolas sentir más vivas y dinámicas Ahora, mezclaré un poco de ópera en la mezcla más oscura para crear un morado y comenzar a estratificar esto debajo de las nubes más oscuras Esto agrega profundidad y sutil variación de color para hacer que las nubes se vean más dinámicas. No estoy siguiendo exactamente la referencia, sino pintándola en mi propio estilo, dejando que la intuición guíe formas de las nubes y el movimiento A las áreas nubosas justo encima del horizonte, estoy agregando una mezcla cremosa de rosa ópera justo debajo de las nubes más oscuras. Esto ayuda a crear un sutil calor y contraste en la parte inferior del cielo. Ahora, en la cima del cielo, donde dejamos un espacio más claro, estoy frotando la punta de mi pincel para agregar suavemente toques de rosa ópera A medida que sigo poniendo la misma ópera debajo de las nubes más oscuras, noto que la parte superior del cielo ha comenzado a secarse. ¿Ves que se forma ese borde áspero? arreglaremos usando una botella de spray nebulizando ligeramente tanto la parte superior como la parte inferior del cielo desde la distancia Esto reactivará suavemente la pintura, permitiéndonos retocar suavemente la zona superior sin interrumpir las Nosotros. Justo encima de la línea del horizonte, sólo voy a retocar con mi naranja coral y mi amarillo nápoles para iluminar esas zonas porque acabamos de empañarlo Así que puedes simplemente seguir adelante y poner estos colores entre las zonas donde sientes que los colores se han aclarado, igual que como me va aquí Los siguientes minutos se tratan de agregar profundidad y drama a un cielo. Así que vigila de cerca cómo se mueve mi pincel a través del papel. Observe la presión de dirección y los golpes que estoy usando para construir esa atmósfera. En esta etapa, cuando vayas por encima de esas nubes más oscuras, asegúrate de que tu pincel esté húmedo y no demasiado húmedo con mezcla de pintura acuosa Mantener un control adecuado del agua tanto en la pintura como en la brocha es crucial. Demasiada cantidad de agua puede causar hemorragias no deseadas, mientras que muy poca puede causar bordes ásperos e imbatibles Este paso es fundamental para lograr el equilibrio adecuado de suavidad y definición en las nubes tormentosas Así que tómate tu tiempo y ten en cuenta cuánta humedad hay en tu cepillo. Pero la punta húmeda y seca de mi pincel, suavizaré suavemente cualquier sangrado no deseado o levantaré la pintura existente para revelar el suave resplandor del cielo Sea suave con este paso, demasiada presión puede crear rayas duras mientras que un toque ligero combinará sin problemas los colores para un efecto brillante natural Aquí en la zona más ligera en la parte superior, estoy agregando un toque de valet mineral, asegurándome de dejar el centro blanco Esto servirá como punto de origen del trueno, por lo que es importante mantener el centro más ligero en comparación con las áreas periféricas. Observe que mi cepillo está húmedo seco y no demasiado húmedo. Esto asegura una aplicación controlada sin sangrado innecesariamente Ahora prepararé una mezcla cremosa de mi lavado blanco y usando mi pincel delineador fino, comenzaré a pintar el trueno origina en el centro de esta área. Con punta puntiaguda. Voy a crear cuidadosamente líneas delgadas en zigzag para capturar el movimiento natural del rayo. A continuación, usando la punta de la presa de mi cepillo mob, mezclaré suavemente el lavado blanco en el punto de partida en el área blanca central Esto creará un hermoso efecto de brillo, haciendo que el rayo parezca más natural y asegurando que no parezca que acaba de emerger de la nada. Para crear el resplandor del trueno a medida que emerge, usaré la punta húmeda y seca de mi pincel para soltar suavemente sobre las líneas en zigzag, difuminando ligeramente Esta sutil difusión ayuda a mejorar el efecto brillante del rayo, haciéndolo sentir más natural y atmosférico Una vez que un resplandor suavizado esté en su lugar, volveré con mi pincel de delineador fino para redefinir el trueno, asegurándome de que permanezca llamativo y bien equilibrado dentro del cielo tormentoso Una vez que estés satisfecho con el trueno, es hora de tomar un breve descanso antes de pasar al primer plano Mientras tanto, nuestro cielo también se secará. 29. Día 6: un día tormentoso y dramático, parte 2: Bien, comencemos con el reflejo del cielo en el cuerpo de agua. Estaré usando una técnica controlada de húmedo sobre húmedo comenzando con una mezcla ligeramente acuosa de mi amarillo nápoles y naranja amarillo Comenzaré en el centro del horizonte y luego extenderé cuidadosamente el lavado por debajo de la línea del horizonte. Esto asegurará que la pintura acuosa no se filtre en el cielo, aunque el cielo aún esté seco Aquí en la base de la línea del horizonte, he introducido algunos tonos más brillantes de naranja coral y rosa mientras mantengo el centro del cuerpo de agua en amarillo. Esto ha creado el efecto de agua brillante ahora usando la punta húmeda de mi pincel, acabo de mezclarme, y solo voy a seguir adelante y comenzar a acodar con mi amarillo nápoles, todo de nuevo, mezclando los bordes muy agradable y Ahora cargaré la punta de mi pincel con un toque de ópera mezclado con tinte índigo y neutro. Usando trazos horizontales, comenzaré a estratificar esta mezcla más oscura en las esquinas mientras mantengo intacto el resplandor central, como puedes ver aquí Observe cómo mi pincel está húmedo, lo que me permite crear suaves trazos de luz que se mezclan a la perfección con los colores circundantes. Me di cuenta de que los tonos más oscuros se habían desvanecido, así que seguiré adelante y los profundizaré agregando más pigmento cerca las esquinas izquierda y derecha del cuerpo de agua mientras mantengo el centro Observe cómo mi pincel está húmedo seco y no demasiado cargado con mezcla de pintura acuosa Si notas aquí, estoy usando la puntera y la mitad del vientre del pincel para colocar trazos horizontales más amplios para mezclar los colores de manera efectiva. Estoy contento con cómo se ve el cuerpo de agua, así que pasemos al primer plano Comenzaré con una mezcla de ambo quemado a un valor tonal medio, aplicando el color usando trazos verticales de dabbing Utilizaremos un enfoque de control húmedo sobre húmedo, comenzando primero con húmedo sobre seco y luego cambiando gradualmente a una mezcla de pintura acuosa para mantener el papel húmedo para mezclar sin problemas Empezaré a agregar algo de savia verde al borde inferior del primer plano, alimentándolo gradualmente a medida que nos acercamos al cuerpo de agua Ahora cambiaré a un pincel sintético liner o rigor del tamaño número dos y comenzaré a crear diferentes tamaños de formas de pasto. Tendrá que trabajar rápidamente aquí para asegurarse de que sus trazos mezclen maravillosamente en los prados cubiertos de hierba para un aspecto natural y orgánico Mm hm. A continuación, cubriré el cielo con un papel o un bote para protegerlo y comenzaré el proceso de salpicadura para crear algunos defectos de textura en Esto agregará sentido de profundidad y espontaneidad a la escena Ahora, aquí estoy salpicando algunas gotas de agua. Si quieres, podrías seguir adelante y salpicar algunas de tus flores de color amarillo limón en primer plano. Eso depende totalmente de ti. Aquí mi primer plano se ha secado completamente. Seguiré adelante y agregaré una capa acuosa fresca de saprene usando trazos de dabbing verticales cortos y largos H entonces repetiré el proceso con mi línea de pincel tirando suavemente de los colores del primer plano húmedo para crear formas de pasto natural Para agregar profundidad en la parte inferior del campo, ajustaré agregando valores tonales medios de madera quemada e introduciendo rápidamente más texturas como pasto Asegúrate de trabajar rápido o rápido aquí. No quieres que el primer plano se seque completamente. Entonces seguiremos adelante y salpicando un poco de agua para crear un divertido defecto de textura que se asemeja a flores silvestres espontáneas en Con solo una punta de mi pincel delineador, agregaré algunas hierbas altas como plumas se asemejan a pastos Kansas, vistiendo sus tallas para una Asegúrese de realizar este paso solo después de que el cuerpo de agua se haya secado por completo para evitar cualquier sangrado o manchas no deseadas Repetiré este proceso de agregar pastos altos a ambos lados del primer plano para crear equilibrio y un aspecto más natural al Ahora, justo encima del horizonte, las líneas de trueno que habíamos creado casi se habían desvanecido, así que solo voy a seguir adelante con una mezcla de lavado cremosa cargada en la punta de mi pincel de delineador fino y refinándolos nuevamente Él Una vez definido el trueno, comenzaré a agregar su reflejo sobre el cuerpo de agua, asegurando que parezca suave y ligeramente difuso para un efecto más realista Aquí voy a ejercer una presión muy ligera cuando esté creando este reflejo del trueno sobre el cuerpo de agua. Para crear un efecto más realista del trueno, voy a utilizar la técnica de pincel seco. Esto implica rozar ligeramente la punta húmeda y seca de mi pincel cargado de pintura sobre la superficie del papel seco y los trazos horizontales La clave aquí es mantener el trazo sutil y delicado para que el reflejo se mezcle naturalmente en el agua sin sobrecargar la escena Con eso, nuestra pintura finalmente está completa. Dejaré que el papel se seque completamente plano antes de pelar las cintas, siempre la parte más satisfactoria del proceso de pintura. Ahora nuestro papel está completamente seco. Es hora de quitar las cintas de los cuatro lados y revelar esos bordes nítidos y limpios. Espero que hayan disfrutado de este proceso de creación de este dramático día tormentoso No dudes en compartir tus proyectos y comentarios sobre la clase. Me encantaría ver tu trabajo y saber de ti. 30. Día 7: paleta de colores: No puedo creer que hayamos llegado al último día de nuestro desafío de siete días antes de sumergirnos profundamente en la pintura. Repasemos rápidamente los colores que necesitaremos para nuestro proyecto del día siete. El primer color que voy a probar es un azul brillante He preparado este color mezclando mi gris azul con un poquito de mi halo azul. Estaremos usando esta mezcla para pintar la parte superior de un cielo. Una vez que estemos en el proyecto, te demostraré cómo he preparado este color mezclando mi gris azul con mi azul halo. El siguiente color que voy a necesitar es mi amarillo nápoles, que es un amarillo muy pastel, frío, seguido de mi Jean Brilliant número dos. Cuando mezclas amarillo nápoles, junto con Jean Brilliant número dos, obtienes un tono naranja pastel muy hermoso. Estaremos usando este pastelnápoles naranja mezclado con un toque de pequeña ópera para crear esas suaves nubes esponjosas que puedes ver en el proyecto final La combinación agrega un efecto cálido y resplandeciente, haciendo que las nubes parezcan más vibrantes y atmosféricas El siguiente color que voy a probar es mi lavanda Ahora en los proyectos anteriores, ya hemos visto cómo puedes crear esta mezcla de lavanda por si no tienes una. El siguiente color que estoy vistiendo es el violeta mineral. Ahora combinando mi mezcla de violeta mineral con lavanda y azul, crearemos un suave morado pastel para agregar profundidad y dimensión a nuestras nubes. Para el primer plano y el medio suelo, usaremos savia verde y Adicionalmente, cuando mezclas el verde savia con un azul más oscuro como el índigo o el azul thalo, obtendrás una mezcla verde oscuro, que usaremos para agregar profundidad a nuestro paisaje Ahora, aquí puedes ver un resumen de color en la pantalla como referencia, así que prepara tus colores y comencemos nuestra pintura final para el séptimo día 31. Día 7: nubes de algodón de caramelo, parte 1: Yo Hola, hola. El día de hoy marca el último día de nuestro desafío de siete días. Como siempre, comencemos pegando un papel por todos los lados Comenzaré dibujando la línea del horizonte, colocándola ligeramente por encima del tercio inferior del papel, dejando aproximadamente dos tercios del espacio para el cielo Verás las imágenes de referencia que se muestran en la pantalla. Estaré usando la primera referencia para hacer bocetos. Voy a bosquejar en algunas bandas distantes a lo largo del horizonte, junto con un poco de follaje para agregar profundidad e interés a la composición. Una vez que el boceto esté listo, pasaremos a pintar el cielo usando la técnica de mojado sobre húmedo. Nuestro boceto ya está listo, pasaremos a pintar el cielo usando la técnica de mojado sobre húmedo. Como hemos practicado en proyectos anteriores, comenzaremos colocando un lavado suave y uniforme de agua limpia, asegurando que no haya charcos ni agua estancada en nuestro papel Estoy aquí usando mi cepillo de cerdas suaves de la serie atelia plateada para mojar el papel de manera uniforme y completa Asegúrese de que la superficie permanezca húmeda por un período más largo, repita este proceso dos o tres veces. Si trabajas en un ambiente cálido o seco, considera mojar tu papel tres a cuatro veces antes de aplicar la pintura. Esto le dará más tiempo para crear mezclas más suaves y trabajar húmedo sobre húmedo. A continuación, tomaré un papel de seda y limpiaré suavemente a lo largo de los bordes de la cinta de enmascarar. Esta cinta es esencial para evitar retroflujos cuando comenzamos a pintar, asegurando lavados limpios y controlados Ahora estamos listos para comenzar. Para el cielo, voy a tener a mano tres de mis pinceles favoritos. Comenzaré con mi cepillo de trapeador talla 00 de la serie silver atelier squirrel blend Primero, mojaré el pincel, lo frotaré ligeramente sobre un pañuelo, y luego comenzaré a preparar una mezcla de color amarillo usando mis pezones amarillos y Jean Brilliant número dos Antes de aplicarlo a la pintura, voy a probar la mezcla en un trozo de papel de desecho para verificar el valor tonal Esto ayuda a asegurar que el color sea el correcto y puedo ajustarlo si es necesario. Ahora que estoy contento con la mezcla, voy a empezar. Observe que mi pincel no es demasiado acuoso, tampoco mi pintura. Sólo está húmedo. Usaré la punta y la punta de mi pincel para crear suaves trazos en forma de C invertida. Presta mucha atención a mis movimientos de pincel aquí y sigue a lo largo mientras creo estas formas de nubes. Como estoy trabajando con un cepillo de pelo suave natural, puedo manipular fácilmente las cerdas a mi favor, lo que me permite crear esos trazos en forma de s sin esfuerzo La flexibilidad de este cepillo ayuda a formar esas suaves formas de nubes orgánicas con el mínimo esfuerzo. Aquí estoy aplicando una ligera presión para crear esas nubes en forma de coliflor Observe cómo estoy espaciando cuidadosamente las áreas amarillas, asegurándome de que no se superpongan demasiado entre sí. Esto permite que los blancos del papel se muestren agregando reflejos naturales y manteniendo las nubes aireadas y luminosas. A continuación, enjuagaré mi pincel, lo frotaré ligeramente sobre un pañuelo y comenzaré a preparar mi mezcla rosa combinando rosa ópera con la mezcla amarilla utilizada anteriormente Esto asegurará que los rosas permanezcan suaves y suaves, mezclándose armoniosamente con la capa base lugar de parecer demasiado brillantes Observe cómo he sostenido mi pincel y la punta no es demasiado acuosa, usando los mismos trazos de mar invertidos, comenzaré a estratificar los rosas, superponiendo parcialmente las Para mantener la transición sin costuras, usaré la punta húmeda y seca de mi pincel para suavizar los bordes de las nubes rosadas Entonces continuaré con los mismos trazos suaves del mar para crear nubes más ligeras y delicadas hacia el lado izquierdo del cielo. Observe cómo estoy dejando algo de espacio entre las superposiciones amarilla y rosa Esta es la clave para crear un efecto brillante, haciendo que las nubes se vean naturalmente suaves e hinchadas Ahora, prepararé una mezcla de valor tonal medio usando lavanda, gris azul y un toque de lila Y para ajustar la intensidad del azul, agregaré una pizca de azul talo, y para un tono púrpura más rico, agregaré una mezcla de poca ópera Ahora bien, esta va a ser una pequeña mezcla de colores experimental que estoy preparando aquí fuera. Esta hermosa mezcla azul pastel, púrpura que hemos creado agregará profundidad a un cielo cuando empecemos a colocarlo cerca del horizonte y en la base de las nubes rosadas amarillas Me doy cuenta de que la parte superior ha comenzado a secarse, así que antes de aplicar la mezcla, echaré de menos ligeramente la parte superior del papel desde la distancia y daré un spray en la parte inferior. Ahora cargaré mi tamaño 00 mob, exprimiré suavemente el exceso de agua de su vientre y comenzaré a aplicar esta mezcla azul pastel, púrpura debajo de las capas de nubes rosadas, asegurándome de que las formas rosadas permanezcan claramente visibles Observe mis trazos cuidadosamente y siga adelante. A medida que me acerco a los bordes superiores de las nubes amarillas y rosadas, aplanaré la punta de mi pincel y superpondré suavemente la mezcla con suave presión Esto ayudará a mezclar los colores suavemente, creando transiciones suaves y brillantes entre las nubes Ahora bien, si así lo observan de cerca, estoy usando solo la punta y la punta de mi pincel para crear trazos de mar entre las capas de color. Esto ayuda a mantener un efecto de aire suave al tiempo que garantiza una transición natural entre los colores. Ahora con mi punta de pincel seco y húmedo enjuagada, mezclaré suavemente los bordes de esas capas de diferentes colores para suavizar aún más las transiciones Esta punta ayuda a suavizar cualquier borde áspero y asegura que las nubes fluyan naturalmente entre sí Ahora voy a agregar algunas nubes amarillas más en el lado izquierdo. Y para ello, he mezclado mi Jean brillante número dos con amarillo naranja creando este valor tonal medio En esta etapa, casi estoy dando forma a las monturas de las nubes usando trazos C de círculo completo para darles más forma y volumen. Si el color aplicado se siente demasiado intenso o abrumador, frotaré el exceso de pintura sobre un pañuelo y luego usaré la punta de mi pincel para ablandarlo suavemente y mezclarlo Esto mantiene la transición suave mientras se mantiene ese efecto de brillo natural en el cielo Cargaré la punta de mi pincel con esta mezcla rosa y azul que preparamos anteriormente, y aplicaré suavemente este color en la base de las nubes amarillas esponjosas usando trazos delicados muy ligeros para construir profundidad mientras mantengo la transición suave. Si notas aquí, mi pincel está cargado más con mezcla rosa púrpura en lugar de azul ya que estamos trabajando en nubes en la base del amarillo. Esto es importante porque agregar demasiado azul en esta etapa podría resultar en una mezcla de grises indeseable cuando se mezcla con amarillo. Ahora, voy a empezar a agregar esa mezcla de púrpura claro al centro del cielo, cubriendo algunos de los espacios blancos mientras me aseguro de no cubrirlos por completo. Estos toques sutiles ayudan a equilibrar las nubes a la vez que preservan el brillo natural. Al retocar el fondo cerca del horizonte, ten mucho cuidado Lo mejor es cargar tu pincel con más de la mezcla azul púrpura en lugar del púrpura rosado más claro Esto asegura una transición suave hacia la profundidad atmosférica cerca del horizonte. Sin embargo, haz este paso solo cuando tu papel aún esté mojado por aquí para evitar crear bordes duros. Ahora usando la punta seca aplanada y húmeda de mi cepillo, solo voy a suavizar esas formas de nubes Antes de pasar a la parte más alta del cielo, primero voy a repasar la zona con un cepillo húmedo para reintroducir la Pero aquí estoy siendo muy consciente del agua. Estoy usando un cepillo de turba más pequeño para evitar que el exceso de agua se filtre en áreas nubladas pintadas, lo que podría causar floraciones no deseadas o flujos posteriores Ahora prepararé una mezcla de azul pastel pero intenso combinando un poco de azul halo, gris azul y una gota de lavanda. Mantendré esto ligeramente acuoso para que la parte superior del papel permanezca húmeda por más tiempo, lo que nos permite más tiempo para trabajar con una mezcla suave Ahora que mi pincel está cargado, comenzaré a aplicar la mezcla de pintura, definiendo cuidadosamente la forma de las nubes usando el método de pintura negativa. Esta técnica ayuda a tallar las brillantes formas de nubes pintando a su alrededor, agregando contraste y profundidad al cielo Ahora enjuagaré mi cepillo, lo frotaré sobre un pañuelo y comenzaré a levantar esos bordes emplumados para crear un efecto suave y aireado bordes emplumados para crear un efecto suave Observe un ligero tinte azulado que queda atrás después del levantamiento. Eso es porque el azul thalo es un pigmento colorante, y lo usé intencionalmente en esta mezcla con gris azul para lograr este sutil efecto brillante en el cielo Ahora aquí con mi punta seca de presa aplanada del cepillo, levantaré suavemente algo del azul y luego limpiaré rápidamente el exceso de pintura sobre un pañuelo para mantener mi pincel limpio y listo para el siguiente paso Voy a añadir una mezcla rosa claro en el levantado y asegurando que agrego profundidad al cielo. Al hacer esto, me aseguro de conservar un poco de ese borde blanco alrededor de la nube, lo que ayuda a mantener el brillo natural y la profundidad en el cielo. Usando el extremo ligeramente húmedo de un tejido blando, frotaré suavemente sobre la pintura azul húmeda para crear este borde esponjoso y aireado para las nubes Esta técnica ayuda a suavizar las transiciones y realza el brillo natural, pero asegúrate de hacerlo muy suavemente Presionar demasiado duro puede crear bordes duros en lugar de bordes suaves con plumas. Además, cada vez que levante la pintura, cambie a una parte limpia del tejido para evitar volver a depositar el pigmento en las áreas levantadas Esto asegura que las secciones levantadas permanezcan ligeras y luminosas. Aquí en la parte superior del cielo, mi papel sigue húmedo, así que agregaré otra capa de azul para debatir su intensidad y aportar más contraste a la escena. Al hacerlo, también puedo realzar las formas de las nubes, haciendo que sus bordes parezcan más claros y definidos. Una vez que se aplique, tomaré un extremo limpio de un tejido blando y frotaré ligeramente, levantaré la pintura para crear bordes blancos y tenues Repetiré este proceso de izquierda a derecha, moldeando cuidadosamente las nubes y agregando un hermoso efecto aireado. Después de esto, dejaremos que el cielo se seque por completo antes de pasar al primer plano Aquí en la parte superior, también entré y levanté algo de azul para dar forma a las nubes aún más. Esto da la ilusión de esas nubes cúmulos Bilowy e incluso nubes cumullimbus haciendo que el cielo se sienta Ahora dejaremos que nuestro cielo se seque por completo antes de pasar al primer plano 32. Día 7: el primer plano parte 2: Nuestro cielo está completamente seco, comencemos con el primer plano Aquí, para nuestro primer plano, iré con la técnica húmeda sobre seca usando una mezcla ligeramente acuosa de Asegúrate de que sea poco acuosa, no demasiado acuosa. Comenzaré en el centro del primer plano y luego lo mezclaré gradualmente hacia abajo hacia el fondo del papel Ahora, con una punta húmeda, mezclaré suavemente el ocre amarillo debajo de la línea del horizonte, asegurando una transición suave . Ten cuidado aquí. Asegúrate de que tu pincel no esté demasiado acuoso con la pintura, ya que si la punta de tu pincel es demasiado acuosa, la pintura podría comenzar a sangrar hacia el cielo, lo que queremos evitar a toda costa Ahora, comenzaré a preparar una mezcla de amarillo verdoso combinando el verde savia con poco de siena quemada, creando un tono similar al del verde oliva Este di tono ayudará a llevar un campo orgánico natural al prado herboso Ahora cargaré solo la punta de mi pincel y la aplanaré y comenzaré a aplicar trazos verticales para replicar la textura herbácea en Sus trazos agregarán movimiento y profundidad a la escena, y luego cambiaré a trazos horizontales para mezclar los verdes hacia la mitad inferior del papel, creando una transición suave A continuación, cubriré el cielo para ser más cauteloso mientras trabajo con greens, asegurándome de que no terminen salpicaduras no deseadas en A continuación, repetiré el mismo proceso para crear una textura herbácea usando la punta aplanada de mi pincel, pero esta vez con color verde savia para mayor vitalidad A continuación, cambiaré a mi cepillo de peine para agregar detalles herbáceos más refinados usando valores más oscuros de verde savia Crearé trazos verticales más largos en la parte inferior y los mantendré más cortos hacia el centro, reforzando la perspectiva y profundidad en el paisaje. Usando mi cepillo peine, ahora salpicaré gotas de agua para introducir una textura orgánica suelta, pero puedo notar que mi papel ha comenzado a secarse, así que mezclaré esas gotas de agua de nuevo en el primer plano usando la punta de Aquí voy a usar un poco de ocre amarillo mientras mezcla. Para mejorar aún más la textura, rápidamente salpicaré algunas gotas de agua más logrando el suave efecto natural que quería para el primer plano herboso Ahora voy a crear una mezcla verde más oscura para agregar follaje cerca de la base del horizonte. Para ello, estoy mezclando mi savia verde con un poco de mi mezcla índigo o ultramarina, lo que profundiza el verde savia y agrega riqueza al paisaje. Voy a estar usando mi pincel de terciopelo negro plateado talla seis para este paso. Aquí, estoy tratando de crear una consistencia cremosa de pintura y no demasiado acuosa Una vez cargada la punta del pincel, colocaré cuidadosamente una línea horizontal clara de color verde oscuro en la base del horizonte. Esto actuará como una línea de cimentación para el follaje. Entonces, una vez que termine de agregar esta línea, comenzaré a agregar trazos de color verde oscuro construyendo gradualmente la textura de los árboles y arbustos aquí en la base del horizonte El movimiento de frotación ayuda a crear una sensación orgánica suave que imita la forma natural del follaje distante Ahora, variaré la altura y la forma del follaje para crear una sensación orgánica más natural en el paisaje usando la punta de mi pincel, frotaré y golpearé para construir un follaje más alto y más corto, asegurando que los árboles y arbustos no se vean del todo uniformes Esta variación agrega profundidad y realismo, haciendo que la escena se sienta más dinámica. Ahora, voy a repetir exactamente los mismos pasos para crear este follaje entre estos dos graneros Ahora voy a cambiar a tamaño a cepillo redondo sintético para comenzar a agregar detalles al granero. Comenzaré rellenando la primera quemadura con una mezcla más oscura de madera quemada, asegurando que el lado izquierdo esté en tono más profundo para crear una sensación de luz y sombra. A medida que me muevo hacia la derecha, gradualmente voy a desvanecer el color a un tono más claro, logrando una transición gradual natural que sugiere que la luz caiga de un lado. Repetiré exactamente el mismo proceso para el siguiente granero, manteniendo la consistencia en la dirección de la iluminación mientras aseguré cada granero tenga un tono y una textura ligeramente distintos para mejorar la profundidad de la escena. Tiempo para pintar el techo. Primero voy a delinear los techos utilizados en tinte neutro definiendo su forma y estructura. Ahora agregaré algunas líneas de tinte neutro a lo largo del techo para sugerir textura y dimensión. Luego usando la punta húmeda de mi pincel enjuagado, suavizaré y aclararé algunas de las áreas, creando un sutil gradiente que hace que el techo parezca más natural y Esta técnica ayuda a agregar profundidad y variación, evitando que el techo se vea demasiado plano mientras mantiene su forma estructural. Aquí, justo debajo del granero, sin querer dejé una mancha blanca mientras pintaba el prado, así que tendré que rehacer todo el prado repitiendo el mismo proceso de estratificación Este es un buen recordatorio para asegurar siempre que el primer plano esté completamente pintado debajo del horizonte desde el principio De esa manera puedes evitar tener que repasarlo de nuevo como tengo que hacerlo ahora. Entonces regresaré y reconstruiré el medio paso a paso, comenzando con un poco de lavado ocre amarillo acuoso mezclándolo Después pondré los tonos verdes usando sabran mezclado con siena quemada, seguido de texturizado con trazos verticales y salpicaduras de cobra para restaurar Ahora, retiraré el papel que cubre el cielo y pasaré a ajustar el arbusto entre los graneros, haciéndolo más ancho y grueso, usando la misma mezcla verde oscuro Este paso es simple, al igual que pintamos el follaje anterior, usando trazos de frotado para acumular profundidad y volumen Una vez que la línea base horizontal de los verdes oscuros se haya secado, tomaré mi marcador blanco opaco de Shinhan art y agregaré una cerca blanca para mejorar la composición Si no tienes marcador, puedes usar un elpin blanco o incluso un quash blanco para este paso Una vez que hayamos terminado con la esgrima, dejaré que se seque toda la pintura, luego despegaré cuidadosamente las cintas para que se revelen los bordes nítidos y limpios. Y con esto, hemos completado con éxito el desafío del cielo de siete días. Espero que esta clase le haya resultado valiosa y perspicaz. Ha sido un viaje increíble explorando diferentes composiciones y técnicas del cielo juntos. Tengo muchas ganas de ver sus proyectos. 33. Outro: ¡el final de la clase!: Enhorabuena por completar esta clase. Estoy muy orgullosa de ti por emprender este viaje a pintar cielos atmosféricos A lo largo de la duración de esta clase, exploramos la teoría del color y la selección palor, dominamos la relación agua/pintura para obtener mezclas suaves, practicamos el control de pinceles para crear nubes suaves y tenues y pintamos siete impresionantes composiciones de cielo, cada una de las cuales te ayuda a generar confianza y control en tu Pero recuerden, el aprendizaje no se detiene aquí. La clave para dominar los cielos de acuarela es la práctica consistente Para ayudarte a continuar tu viaje, he agregado fotos de referencia adicionales en la sección de proyectos y recursos. Siéntase libre de usarlos para practicar y experimentar adicionales y ganar confianza. Si has disfrutado de esta clase, me encantaría escuchar tus comentarios. Tus reseñas no solo me ayudan como instructor, sino que también ayudarán a que esta clase llegue un público más amplio permitiendo que más artistas se beneficien de ella. Y si has encontrado valor en este curso, no dudes en compartirlo con tu familia y amigos que podrían disfrutar aprendiendo cielos acuarelados Por último, no olvides subir tus proyectos de clase en la sección de crear proyectos de la clase. No puedo esperar a ver tus hermosos proyectos. También me encantaría conocer tus pensamientos y sugerencias para mi próxima clase. Déjelos caer en la sección de discusión. Siempre disfruto escuchar de ti. Y si tienes alguna duda o duda, no dudes en contactar ahí también. Estaré encantado de responder lo antes posible. Eso es todo por esta clase. Gracias por acompañarme y pintar feliz.