Orquestación

1. Promoción de la curso: Sí. Sí. 2. Estructura del curso: este curso se divide en dos partes. La primera parte es sobre instrumentación, y la segunda parte es sobre orquestación. instrumentación es un paso importante y necesario, ya que no se puede escribir para orquesta. Si no conoces los instrumentos individuales de la orquesta en la Primera Parte, aprenderás cómo se construye cada instrumento, cómo producen sonido, cómo están debidamente anotados. Están jugando en rangos de sondeo, características de registro, capacidades dinámicas y técnicas de juego comunes. En parte a ti aprendiste conceptos básicos para escribir para orquesta, incluyendo cómo crear y usar eficazmente diferentes Tambor's y texturas. El mejor método para anotar cordones, los roles que cada instrumento y sección juegan dentro del todo, cómo preparar adecuadamente partes de anotación y cómo demostrar antes de publicar el curso concluye con una sección completa de útiles orquestación, consejos y técnicas. También hay una serie de gráficos de referencia útiles en el apéndice. Al final de cada sección, se te dará asignaciones de lectura y escucha de partitura, asignación de composición y o un quiz. Un componente vital para el estudio de la orquestación es la calificación de puntuación, y así a lo largo del curso, te pedirá leer partituras. En el curso hay algunos extractos de puntaje, pero la mayoría de la lectura de puntaje se hará por su cuenta. Existe una razón importante para ello. Tomar un curso de orquestación es un gran comienzo para aprender a escribir para orquesta. Pero la única manera en que se ha vuelto verdaderamente conocedor y hábil en esta forma de arte muy compleja es a través de una vida de estudio de partitura a través de una vida de experiencia adquirida a partir de la escritura real para orquesta, esto no se puede enfatizar lo suficiente. Este no es un curso de teoría de la música ni un curso de composición musical. Este curso fue escrito para individuos que ya tienen una base básica en teoría musical , incluyendo notación musical y composición musical. Si necesita o desea desarrollar sus conocimientos en estas áreas, por favor consulte mis siguientes cursos. 3. RECURSOS: Al estudiar orquestación, es vital que tengas acceso a partituras y grabaciones. Tu acceso a partituras será a través del proyecto International Music Score Library o soy slp Soy S O. P es una base de datos en línea de partituras que son de dominio público. La base de datos contiene cientos de miles de partituras de miles de compositores, y es completamente gratuita de usar. Se puede buscar por compositor o simplemente escribir el nombre de la paz. El sitio web es. Soy la nota de slp dot org. Algunas de las partituras que encuentres pueden contener nombres de instrumentos y abreviaturas en idiomas distintos al inglés. Por favor, consulte el apéndice para un gráfico con traducciones al inglés. También encontrarás en el apéndice una lista de consejos y estrategias para ayudarte en tu puntuación Estudios. A pesar de que soy SLP a veces tiene grabaciones. Tu acceso principal a las grabaciones será a través de Spotify Spotify como servicio de streaming digital con nueves de canciones, y es un servicio completamente gratuito. Puedes usar Spotify en tu computadora o descargar el up para usar en tu dispositivo móvil. El sitio web es Spotify dot com. El recurso final que necesitarás es algún tipo de software de notación musical para completar las asignaciones de composición. Si actualmente no posees ningún software de notación, puedes descargar uno gratis en Muse score DOT o GTA. 4. Notación del discurso científico: uno de los métodos utilizados en este curso para especificar rangos de instrumentos será la imitación científica de pitch, también conocida como iniciación internacional de pitch. Si no lo estás familiarizado, tendrás que estar. Aquí un diagrama de un teclado de piano para ilustrar cómo funciona el método Octaves Air distinguido con un número y una letra. El ver más bajo en el piano está etiquetado C uno Los pitches a la derecha de C uno también están etiquetados con el número uno D uno e uno F uno etcétera. pitches a la derecha de C dos también están etiquetados con el número dos de dos e dos F dos etcétera, los más bajos A y B en el piano o etiquetas con cero. Aquí es cómo se ve el método en forma de notación del pentagrama. 5. Encuesta 1: 6. Construcción y producción sonidos (cuerdas): 7. Boco: el arco normalmente se dibuja a través de la cuerda a mitad de camino entre el puente y el diapasón el fin de cambiar la calidad del sonido. ¿ Quién intérprete también puede dibujar el arco a través de la cuerda en una variedad de otros lugares? Esto se cubrirá en los videos sobre técnicas de reproducción. Cuando el intérprete dibuja el arco a través de las cuerdas desde el talón hasta la punta, se le llama arco hacia abajo. Se anota un arco hacia abajo con el siguiente símbolo colocado encima de la nota. Cuando el intérprete dibuja el arco a través de las cuerdas desde la punta hasta el infierno se llama arco arriba. A ne Po se anota con el siguiente símbolo colocado encima de las notas en música de cuerda. El símbolo de slur también se utiliza para conocer. Toma todas las notas debajo de Boeing de una vez por o jugadas en una dirección de arco. En este ejemplo, las 2 primeras notas que jugaron con un arco hacia abajo. Se tocan las siguientes cuatro notas con un arco arriba en el último juego notado con un arco hacia abajo. No utilices insultos para indicar frases en la música. Esto sólo confundirá al intérprete. Slur sólo se debe utilizar indicar Boeing's Si no hay sobornos. Un intérprete cambiará la dirección del arco en cada nota. Aquí está el mismo ejemplo. Sin insultos, se rebajaría, arriba, abajo, arriba, abajo, arriba, abajo. Hay, por supuesto, un límite. ¿ Cómo? Maney señala un intérprete, se quejó de un arco. Esto depende de un par de factores, más obvio de las riquezas tempo. Cuanto más rápido sea el tempo, más notas puede tocar un intérprete con un arco. El otro factor es la dinámica. Cuanto más silenciosa sea la dinámica, más notas puede jugar un intérprete con un arco. Esto se debe a que hay menos presión del barco necesaria para jugar tranquilamente. Además, la presión equivale a más tiempo para viajar de aquí a propina. Más presión equivale a menos tiempo para viajar de aquí a propina. Por ejemplo, lo siguiente podría jugarse en un solo arco. Si se toca allegro y piano, no se puede tocar 21 arco si se toca. Addazio y Forte. Si quieres que se juegue un pasaje llegado pero no creas que puedas caber todas las notas. Un voto. No te preocupes. Un buen intérprete puede cambiar. Dirección de arco sin previo aviso audible ruptura al oyente. Ese es uno de los beneficios de las cuerdas sobre los vientos de madera y el latón. Ya que no hay necesidad de que el intérprete tome un respiro. Pueden seguir tocando una nota indefinidamente. Es importante evitar abarrotar tu partitura con Boeing por cada nota individual en una pieza aquí, dos ejemplos de Boeing's excesivamente marcados Estos serían básicamente un insulto al intérprete . Todo lo que realmente se necesitaba en estos ejemplos fue el primer down, remarking y cualquier insulto. De hecho, incluso el primer marcado de barco descendente podría haberse quedado apagado, y los intérpretes aún habrían sabido qué dio. Recuerda que los jugadores de cuerdas han ido desde que comenzaron las lecciones, y entienden, casi instintivamente cuándo cambiar la dirección del bro. Por ejemplo, los intérpretes normalmente jugarán un optimismo con un arco arriba, ya que un optimismo es una playa más débil jugando pero tiene sentido ya que es más difícil aplicar presión de barco a las cuerdas al tocar la punta. Esto se debe a que la presión viene de tu mano, que está sosteniendo el talón del arco. El downbeat, otro lado, se juega normalmente con un jambo, ya que el downbeat es un beat más fuerte. Tocar un arco hacia abajo tiene sentido, ya que es más fácil aplicar ambas presiones a las cuerdas que estaban tocando cerca del talón. El mismo principio se aplica a los crescendos y, um, insinuaciones. Intérpretes usarán un arco arriba para crescendo para que cada vez más sobre las presiones aplicadas a las cuerdas, ya que noticia de T sanar Abajo abajo es normalmente para insinuaciones tenues que cada vez menos presiones del barco aplicadas a los arroyos ya que se mueve del infierno a la propina. Entonces si los intérpretes ya entienden cuándo cambiar de dirección del arco, ¿por qué escribir de Boeing en él todo bien, un compositor, derechos de orquestador y los de Boeing porque quieren que las cosas se toquen y suenen de una manera muy específica. Un solo pasaje podría ser votado innumerables formas posibles cada camino sonando ligeramente diferente . Un ejercicios invaluables. Un compositor principiante para orquesta es escribir el mismo pasaje con muchos Boeing diferentes y luego hacer que un intérprete de cuerdas los interprete para ti. De esta forma obtendrás una sensación de cómo los diferentes Boeing podrían afectar en gran medida el camino de paso. Sonidos 8. Encuesta 2: 9. Violin: el violín es el instrumento de cuerda inclinada que suena más alto. Un violín de tamaño completo tiene 14 pulgadas de longitud y ha jugado bien. Enclavado entre la barbilla y el hombro izquierdo, se le delata con la mano izquierda y se inclinó o desplumó con la mano derecha. Una orquesta de tamaño estándar suele tener 32 34 jugadores con 16 18 violines 1er y 14 a 16 2da violencia. Música para violín está escrita en apuros, Clough y Sonidos tal como está escrito. Se trata de un instrumento no transponible. Aquí está el rango del violín que se muestra en el pentagrama y en el teclado usando notación de tono científico . Es de señalar que una vez que un jugador llega por encima de un seis, se vuelve más difícil jugar porque hay menos espacio para los dedos en el diapasón. Y debido a que el pulgar ya no puede estabilizar adecuadamente la mano en nuestros ajustes aduaneros, suele ser mejor no justo por encima de los siete. Ya que cualquier cosa por encima de esto es realmente más adecuado para jugadores de cámara y solistas. El violín tiene cuatro cuerdas, cada una afinada 1/5 de distancia, G. D. A. Y el siguiente diagrama muestra la numeración de las cuerdas. La cuerda más alta está numerada es una en todos los instrumentos de cuerda inclinada, todos los instrumentos de cuerda inclinados tienen generalmente las mismas características de registro. La parte inferior de la gama es más starker. La parte media es más cálida, y la parte superior es más brillante. Además de las características del Registro General, cada una de las cuatro cuerdas tiene su propio sonido distinto. Se han utilizado muchas palabras diferentes para describir las diferencias de características. Estas son algunas de las descripciones más comunes para las cuatro cuerdas de violín. El hilo G se refiere a su profundo y lleno. A la cuerda D se le conoce como una más débil pero cálida. El cordón A se refiere a un dulce. A la cuerda e se le conoce como brillante. Los jugadores de cuerdas cambiarán automáticamente de string a string es necesario. El compositor orquestador no necesita indicar en la partitura cuándo jugar en qué cadena. Hay una excepción a esto. Cuando un compositor orquestador desea un sonido en particular, pueden pedir al jugador que realice un pasaje completo en una sola cuerda. Por ejemplo, si el compositor orquestador quiere que un pasaje de violín en particular suene más intenso, pueden pedir al intérprete que toque todo el pasaje de la cuerda G. Esto lo indican las palabras vendidas g por encima de las notas en la partitura o un alma. A. Por ejemplo, si querías toda la placa de pasaje en la cuerda A, cuando el compositor orquestador ya no desea que el intérprete puntera solo juegue en una cuerda en particular , el término ord significado ordinario, debe colocarse por encima de las notas en esta partitura típicamente e instrumentos capacidades dinámicas muy dentro de su rango plano. Una cosa agradable de las cuerdas en comparación con los vientos de madera y el latón son las capacidades dinámicas. No cambies con la dinámica de registro de triple P. Dos dobles F podrían realizarse en todo el rango de los violentos. 10. Viola: El viola es el segundo instrumento de cuerda inclinada de sonido más alto. Es más profundo, enviándoles el violín pero sonando más alto que el violonchelo. Una villa de tamaño completo es de alrededor de 16 pulgadas de longitud. Se toca de la misma manera que el violín. Una orquesta de tamaño estándar suele tener de 10 a 12 jugadores. Música para Viola está escrita en clef alto. Si no estás familiarizado con Clough también, necesitarás familiarizarte con él para poder escribir música para la villa. Básicamente ver para o C medio es la línea media en También, Cliff. Nunca escribir partes de viola en base. Clough. hecho de que sea más fácil para ti, viejo es generalmente no sabes leer tos y problemas basados. Clough sólo debe utilizarse cuando sea necesario para evitar demasiadas líneas de contabilidad. Cambia acantilados si estás escribiendo notas superiores a tres o cuatro líneas de contabilidad por encima del pentagrama. Aquí está la gama de la viola que se muestra en el pentagrama y en el teclado de piano. En notación de tono científico, el video tiene cuatro cuerdas, cada una afinada a quinta distancia, C, G D y A. La cuerda C más baja es la única cuerda que la villa no tiene en común con el violín. Al igual que con todos los instrumentos de cuerda inclinados, se considera la cuerda más alta. El primer string ha mencionado previamente las villas. cuerda C es la única cuerda que el instrumento no tiene en común con el violín. Debido a esto, el sonido de la cuerda de mar es el sonido de viola más singularmente. A menudo se hace referencia a un sombrío o que prohíbe las dos cuerdas medias. G y D tienen una calidad similar a las cuerdas correspondientes en el violín, pero más oscuras. estas dos cuerdas se tocan muchos patrones de tipo de acompañamiento, por lo que a veces se les conoce como las cuerdas acompañantes. El punto de vista es más alto La cuerda A es brillante. Si bien no tan brillante como el más alto tierno de violín, tiene una calidad más dura, más nasal a la misma. Al igual que con todos los instrumentos de cuerda inclinados, las capacidades dinámicas no cambian. Con dinámica de registro desde triple P, se podrían realizar dos dobles F en toda la gama de la villa 11. Cello: el violonchelo es el segundo instrumento de cuerda inclinada que suena más bajo. Es una venta más profunda en la viola pero un sonido más alto que el contrabajo. Un violonchelo de tamaño completo mide alrededor de cuatro pies de altura. El violonchelo se juega en posición sentada. El instrumento se sostiene entre las rodillas, con el cuello del violonchelo descansando sobre los jugadores hombro izquierdo. Al igual que con todos los instrumentos de cuerda de arco, se delata con la mano izquierda y se inclina con la mano derecha. Hay un pasador ajustable que sale de la parte inferior del violonchelo y descansa en el piso para ayudar a evitar que el violonchelo se deslice mientras juegas. Una orquesta de tamaño estándar suele tener de 10 a 12 violonchelos. Música para violonchelo está escrita en base Clough y Sonidos tal como está escrita. Se trata de un instrumento no transpuesto clef tenor y problemas Clough sólo se utilizan cuando es necesario con el fin de evitar demasiados legislados hendidura de cambio. Si estás escribiendo notas superiores a tres o cuatro líneas de contabilidad por encima del pentagrama, partituras más antiguas a veces tendrán música de violonchelo escrita en problemas. Arza y sonando una octava más baja que la escrita hoy, toda la música narrativa escrita en los sonidos de tos de viaje tal como está escrito aquí es el rango del violonchelo se muestra en el pentagrama y en el teclado usando notación de tono científico. Ah, el rango dado aquí es el rango estándar para la sección de violonchelo. A pesar de que algunos jugadores profesionales pueden ir tan alto como E six, el violonchelo tiene cuatro cuerdas, cada una afinada a quinta distancia. C G D N A. Estas cuatro cuerdas aire afinaron un golpeado de inferior a las cuatro cuerdas de la viola. Si bien el violonchelo tiene la misma afinación es la viola sólo una octava más baja? Suena mucho más rico y muy distinto. Aquí te dejamos algunas descripciones comunes de la calidad de tono de cada cadena. El cordón C se refiere a su rico y vio oneroso. El cordón G se refiere a su más débil pero cálido. El cordón D se refiere a su exuberante y cautivador. El cordón A se conoce como brillante y perforante. Observe que las melodías de concha típicamente se tocaban en la cuerda. El primer activo de la cuerda es genial para melodías expresivas, pero por encima de la primera entonación activa, surgirán problemas. Dinámica de triple P dos doble F podría realizarse a lo largo de toda la gama del violonchelo 12. Base doble: El contrabajo, también conocido como la base del bajo vertical, es el instrumento de cuerda de arco más grande y más sonante. Mide alrededor de seis pies de altura. A diferencia del violonchelo descansa sobre un pasador ajustable en la parte inferior del instrumento. Para ayudar a mantener el instrumento en su lugar para tocar la base se realiza mientras está de pie o mientras sentado en el taburete. Una orquesta de tamaño estándar suele tener de 8 a 10 contrabajistas. Música para un contrabajo está escrita en base Clough Tenor Clef En Trouble Club para solo usado cuando sea necesario con el fin de evitar demasiadas líneas de contabilidad, El contrabajo es el único instrumento de cuerda inclinada que suena una octava más baja que escrito. Eso significa que si esto está escrito, esto se jugará. A diferencia del violín, viola y el violonchelo, que tienen sus cuerdas afinadas 1/5 de distancia, las cuerdas del contrabajo volvieron 1/4 de diferencia. E A. D y G te ayudan a memorizar las cuerdas. dio cuenta de que allí simplemente el orden inverso de las cuerdas de violín G d. A. Cualquiera. Aquí está la gama estándar del contrabajo. La mayoría de las bases de orquesta profesional tienen una extensión C, que extiende el oriente hacia abajo un tercio mayor para ver una. Algunos instrumentos de contrabajo ampliaron el rango por la adición de 1/5 cuerdas afinadas para ver una. En ocasiones esta quinta cuerda está sintonizada para ser cero. Para poder tocar aún más bajo tiene un estudiante de orquestación inicial. No debes justo debajo de la cadena e off . El terreno de juego se produce en el Jean. De Strings también están en la gama de Chela. Tienen una calidad más dura en el contrabajo. El cordón A es rico en sonido claro, mientras que la cuerda E es extremadamente oscura y amenazadora. El string E tiene un volumen tan grande que puede soportar la base de toda la orquesta. Cabe señalar que los lanzamientos más bajos en el contrabajo tienden a ser un poco lentas y toman tiempo extra para sonar. Además, hay bastante reverberación después de que el jugador subs avión hasta 10 segundos en la cuerda abierta más alta. Los jugadores a menudo tendrán que detener físicamente las cuerdas con sus manos, y se necesita la reverberación. Dinámicas de triple P dos dobles F se pueden realizar en toda la gama del contrabajo contrabajo 13. Encuesta 3: 14. Asignaciones de estudio y escucha (sec.3): 15. Vibrato (cueras): ya hemos aprendido de detener la cuerda vibratoria con un dedo contra el diapasón. Si el dedo se balancea hacia adelante y hacia atrás mientras presiona la cuerda, enriquece el tono. A esto se le llama vibrato. Cuanto más rápido pega el dedo de ida y vuelta, más rápido será el vibrato. El intérprete más lento pega el dedo de ida y vuelta, más lento. El vibrato para más amplio es tan común a los jugadores de cuerdas que ni siquiera se nota sin vibrato. El tono es aburrido y pálido Sandy. Si el compositor orquestador desea un sonido pálido, deben conocer Tate, non vibrato o sentido del extranjero. Ah por encima de las notas en la partitura. Para volver a jugar con vibrato, coloque la palabra vibrato o norma o ord en la partitura. Para un sonido romántico más expresivo con mucha Labrada sabe Tate multi vibrato librato se realiza fácilmente en todos los barcos. Los instrumentos de cuerda, técnicamente un jugador de cuerdas, no pueden tocar nunca traídos una cuerda abierta, ya que su dedo no está deteniendo la cuerda y por lo tanto no pueden balancearse de ida y vuelta. Pueden, sin embargo, producir un efecto similar a vibrato en una cuerda abierta, mientras que Boeing, la cadena abierta del intérprete, puede dedo el mismo tono inactivo, más alto o más bajo en adyacente cortan y rozan su dedo. Las vibraciones simpáticas lo harán sonar como si la cuerda abierta se estuviera reproduciendo para más amplio. 16. Legato y detache: todos los instrumentos de cuerda inclinados son capaces de tocar llegados y datos. Shea Llegado está tocando sin problemas para que los lanzamientos aire ensartados juntos, sin problemas slurs o acostumbrados a conocer a Tate llegó todas las notas bajo una sola zorra se tocarán en una dirección con el arco y sonarán llegados. Aprendimos en la conferencia sobre Boeing que hay un límite a cuántas notas se podrían tocar en un solo arco, que varía según el tempo y la dinámica. No te preocupes por un pasaje con muchos delirantes consecutivos que no sonan llegados debido a todos los cambios en la dirección del arco, un buen jugador de cuerdas puede cambiar la dirección del arco sin una notable ruptura audible. Did O. Shea es básicamente no McGarr jugando donde cada aviso jugaba con una dirección de arco separada . Se nota por la falta de rencores. Este ejemplo se tocaría alternando entre abajo arco y arriba Oh, violín, viola, viola, violonchelo, contrabajo, violín, viola, viola, violonchelo, contrabajo 17. Portato: Apartado básicamente llega jugando con una muy ligera separación de notas. Se nota por una combinación de marcas de Tenuta y slurs. En este ejemplo, las 1 ª 4 notas se jugarían hacia abajo arco, y los siguientes cuatro sabe se remontarían Bo. 18. Staccato y Spiccato: tanto staccato como hablar Otto se notan con el punto colocado sobre o debajo de la cabeza de la nota. Se tocan las notas escritas durante aproximadamente 1/2 de su duración, y esto crea un espacio en el medio. El sonido, tanto staccato como hablar Otto se tocan con cortos separados, ambos trazos y su posible en todos los instrumentos de cuerda inclinados. La diferencia entre las dos técnicas es que con staccato, el barco no deja la cuerda, mientras que con hablar Otto, el barco rebota dentro y fuera de la cuerda. El intérprete logra este rebote balanceando el barco de ida y vuelta en forma de V, o tú formas o un semicírculo. Un intérprete suele determinar cuándo tocar staccato versus Picado, pero cosas como tempo y dinámica. Si la orquesta compositor desea que se toque un pasaje con un rebote de la cuerda, entonces deben escribir las palabras Hablar Otto en la partitura. Lurred, staccato y slur hablan Otto también son posibles. En lugar de usar trazos de arco separados para cada nota, el intérprete jugará todas las notas agudas en una dirección de arco. Todavía se tocan las notas 1/2 su duración para crear espacio en el medio, cada sonido slured, staccato y arranques picado se notan de la siguiente manera. Violín, viola, violonchelo, contrabajo 19. Trilles (cuerdas): un trill es una alternancia rápida entre el tono notado y el tono un paso más alto en ese particular mayor, un menor. Él la imagen un paso más alto en el se llama los Huevos Ilya. Aire muy rico escalofríos notado con el TR o un TR con una línea ondulada colocada encima de la nota. Aquí hay una aproximación de cómo se podría jugar este verdadero. El número exacto de Alterations, por supuesto, depende de la longitud de la nota, y el tempo del pasaje le muestra posible en todos los instrumentos de cuerda inclinados para tocar un trino. El aviso escrito dedo en la cuerda mientras que en el dedo adyacente presiona y libera el tono estimulante muy rápidamente durante toda la duración de la nota roja. La mayoría de los escalofríos se juegan con dos lanzamientos parados, pero un rastro puede implicar el uso de una cuerda abierta. Si lo hace, el otro pitch debe ser jugado con la cuerda de stop. Tenga en cuenta que el sonido de una cuerda abierta tiene una calidad diferente a la de una cuerda stop . El ida y vuelta entre los pitches open y stop puede sonar extraño comparado con un troll en dos lanzamientos parados. Si quieres saber a trill. Eso incluye un tono estimulante que no está en la clave particular. Escribir en debes agregar un afilado, plano o natural por encima del sitio del sendero en la clave de C mayor. Por ejemplo, el tono estimulante a ver sería D. Si quieres el escalofrío estimulante a B C agudo en lugar de D, debes colocar una señal afilada por encima del escalofrío. Este espectáculo se jugaría C agudo en la clave de B plana mayor. El pitch auxiliar para ser plano sería Ver si quieres los huevos Ilary pitch a BC plano y dicho de C extraviaron un piso encima de la señal de sendero. Este chill se jugaría B plano C plano en la clave de F mayor. El auxiliar lanzaba a sería B plana. Si quieres que el pitch auxiliar sea natural en lugar de B plano, debes colocar un letrero natural encima de la señal de sendero. Este ejemplo se tocaría un violín natural B, violonchelo violonchelo 20. Tremolos (cueras): Existen dos tipos de embellecedor. OIT para instrumentos de cuerda inclinada, Bodrum Low y Finger Travelers. Abode Tremolo es un solo tono que se repite lo más rápido posible durante la duración de las notas escritas. El intérprete logra esto alternando entre arriba Oh y abajo arco en rápidos movimientos cortos . El tremolo zehr se realiza fácilmente en todos los barcos, instrumentos de cuerda pero el aire de Trimble anotó con tres marcas de barra a través del estómago. las notas en el caso de toda la nota, tres listones reemplazados por encima o por debajo de la nota. En este ejemplo, el mar se jugaría tantas veces como sea posible durante la duración de la nota cuarto, y la D se jugaría tantas veces como sea posible durante la duración de 1/2 nota. Un trémolo de dedo es la alternancia rápida entre dos lanzamientos. Intervalo de horno. Este intervalo debe estar en la misma cuerda para que un dedo permanezca presionado. El menor de las dos notas hará el otro dedo rápidamente, todos estrechos entre presionar y soltar las notas más altas. Debido a que los intervalos están involucrados un dedo Trible en realidad se asemejan a un trino y el sonido siendo bueno recortar el intervalo comúnmente involucrado de la OIT del tercero. Existen, sin embargo, limitaciones a lo lejos que dedos los jugadores para llegar. No escribir problemas de dedo debe más grande que los siguientes límites. Lajas de ajuste de dedos que constan de notas enteras. Notas trimestrales. Las notas de cuarto de su hija están anotadas con tres marcas de barra en medio de las dos notas del intervalo. También hay que señalar una babosa para indicar que el trémolo se va a jugar en un solo arco. El tiempo del temblor oh es igual a la duración de una sola nota del trémolo, y no a la aireación combinada de las dos notas en este ejemplo, y puede parecer que el temblor se jugó para un total de ocho beats. Pero en realidad el intérprete alternará rápidamente entre los pitches D y B por solo cuatro beats. El dedo Trumbo consiste en medias notas punteadas medias notas o notas con vigas se anotan manera similar de manera diferente. Las medias notas y las medias punteadas están conectadas por una viga y dos barra. aire colocado entre las redes vigas notas se han hecho vigas es normal, pero se colocan dos marcas de barra entre traumas de octava nota y una marca de barra entre todas las demás notas con vigas. Violín, viola, violonchelo, contrabajo, violín, viola, viola, violonchelo, 21. Colaciones de arones especiales: Normalmente, el aeroplano cuerdas en el punto medio directamente entre el diapasón y el puente. Pero ocasionalmente las cuerdas moran en lugares inusuales con el fin de crear un sonido diferente. Cuando Saúl Tosta fue escrito en el marcador, el jugador se inclinará en el diapasón. Esto crea un sonido amortiguado, como flauta en el que disminuye el número de armónes. Cuando el jabón Monticello fue escrito en el marcador, el jugador se inclinará cerca del puente. Esto crea un sonido escalofriante, pálido en el que los parciales superiores o más presencia es común ver jabón Monticello utilizado en conjunto con el trémolo. No olvides escribir Ord o norma cuando desees que los jugadores regresen a Boeing de la manera estándar. Violín, viola, violonchelo, contrabajo. 22. Glissando (cuerdas): Se trata de una técnica en la que los intérpretes desliza el dedo a lo largo de la cuerda de un tono a otro para que también se duelen todos los pitches entre los pitches inicial y final . Se anota ya sea con línea ondulada o con una línea recta entre los pitches inicial y final . No es necesaria la abreviatura bliss pero se puede utilizar además de la línea El aire de Cassano posible en todos los dos instrumentos de cuerda y tal vez se realiza en cualquier dirección, deslizándose hacia arriba en la cuerda o hacia abajo en el look de cuerda. Por lo general, Lisandro se juega en una cuerda, pero si la distancia entre los lanzamientos inicial y final es muy grande, puede que tenga que tocarse entre cuerdas. Digamos que la Gasana comienza en lo alto de la cuerda E. Una vez alcanzada la cadena E abierta, el intérprete debe cambiar a la siguiente cuerda para seguir deslizándose más allá de la e abierta. Esto no es un verdadero ano de dicha, ya que el sonido se rompe al pasar de una cuerda a otra. Violín, viola, violonchelo, contrabajo 23. Portamento: esta técnica es muy similar a y muchas veces confundida con Cassano. Con Port Amplio, el intérprete sigue deslizando entre pitches, pero los pitches entre los pitches inicial y final no están destinados a ser escuchados como pitches individuales o con un sonido completo. Piensa en Port aumento como un go sugerido Sando o 1/2 corazón go Sando port aumento se utiliza a menudo para conectar notas melódicas que están muy alejadas. Es posible en todos los barcos, instrumentos de cuerda. Parlamento se nota como Lisandro, pero con la abreviatura puerto colocado por encima de la línea para distinguirlo de go Sando violín , viola, viola, violonchelo, contrabajo. 24. Col Legno: colonia significa con la madera. Esta técnica requiere que el intérprete gire su barco boca abajo y juegue con la madera del arco en lugar de con el pelo del arco. Jugar con la palabra del arco puede dañar potencialmente la madera, por lo que a veces los intérpretes llevarán un barco separado y menos costoso. Para pasajes que involucran a Kalina, existen dos tipos diferentes de Colin Yah Kaleena Toronto y Kaleena Ba Tuto. Al tocar colon, tratas de que el intérprete arrastrará la palabra de su arco a través de las cuerdas. El terreno de juego se produce será rayado y sonando sabio. Al tocar el dedo del pie Kelowna Batu, el intérprete rebotará la palabra del arco en las cuerdas. Esto le da un percusivo Crosby al sonido. Esta técnica es la más común de las dos y es menos dañina para la madera para indicar cualquiera de estas técnicas. No, toma colon, estás por encima de las notas en el marcador. Siempre especifica si quieres que Toronto estén a punto de puntear donde los intérpretes no sabrán qué tocar. Cuando quieras que el intérprete regrese a la normalidad, Boeing asegúrate de jugar espada o Norman el marcador. Es importante señalar que no obtendrás tanto volumen al jugar con la madera como lo harías con el cabello. Ya que el cabello da más resistencia por este hecho, debes evitar dinámicas por encima de Forte. También, lo mejor es usar Colonial cuando la cena de la orquesta, ya que sería muy difícil escuchar durante una sección a T cuando todos o la mayoría de los instrumentos están tocando. Violonchelo, contrabajo Uh uh, violín, viola, violonchelo, contrabajo. 25. Munas: en mudo es un dispositivo que podría colocarse en el puente de cualquier instrumento de cuerda inclinada con el fin de cambiar la calidad del tono. Esto lo hace absorbiendo parte de la vibración Mutar hecho de plástico, caucho, caucho, metal o madera para conocer la cinta tocando con un mudo. colocan las palabras Concertino por encima de las notas en la partitura para conocer. Toma el retiro de un mudo. Se utilizan las palabras sentido de Sir Gino. Recuerda dar a los intérpretes el tiempo suficiente para colocar o quitar lo enorme de sus instrumentos También hay que señalar que hay algún ruido creado a partir de una colocación y remoción de . mudos. Asegúrate de que haya otros instrumentos tocando durante este punto de la partitura para encubrir el ruido de la música típicamente utilizada para pasajes tranquilos, pero también se pueden utilizar para pasajes ruidosos en pasajes tranquilos. El tono de calidad le tiene tristeza o espelor y pasajes fuertes, la calidad del tono suena más restringida, intensa, como si se estuviera reteniendo. Violín. Viola, Sí, violonchelo, contrabajo. Está bien, 26. Armónica natural: 27. Armonía artificial: En la última conferencia, aprendimos sobre los armónicos y los armónicos Siri y cómo producir armónicos en instrumentos de cuerda inclinados . Vimos que usando armónicos naturales, el jugador de cuerdas está limitado a la serie armónica de cada fuerza abierta. Pero cuando se usan armónicos artificiales, jugador de cuerdas puede tocar muchos otros lanzamientos como armónicos también. ¿ Cómo es esto posible? Al detener completamente la cuerda con un dedo, el jugador crea una nueva longitud de cuerda. Este nuevo enlace. El hilo se convierte en el tono fundamental y tiene un armónico completamente diferente. Siri's con otro dedo que interpretan Ercan toque ligeramente la cuerda en varios puntos para crear Harmonix a partir de este nuevo armónico Siri's. El único inconveniente de este método es que está limitado por lo lejos que un jugador puede estirar con los dedos. El modo más común y práctico de tocar armónicos artificiales es con el toque. Cuarto método en este método de jugador detendrá la fuerza un dedo y luego tocará ligeramente el tono de cuarto por encima de él con un dedo diferente. Esto produce una armónica de dos octavas por encima de la nota de stock. Toca cuartos armónicos, aire anotado con un cabezal de nota normal y una nota en forma de diamante. tenía 1/4 arriba en este diagrama. La nota inferior es la nota del dedo, que detiene por completo la cuerda, y la nota en forma de diamante es el tono, que se presiona ligeramente con otro dedo. El resultado es el armónico de mar, dos octavas sobre el mar que fue depilado. Los armónicos artificiales tienen la misma flauta como la calidad que los armónicos naturales tienen, pero con una sutil diferencia. armónicos artificiales no sonan tan completos ya que sus tocados en cuerdas stop en lugar de en cuerdas abiertas. Los comentarios artificiales sí tienen una ventaja sobre los armónicos nacionales. Armónicos naturales solo útiles en tocar lanzamientos sencillos debido a que se limita a la serie armónica de las cuerdas abiertas. Entonces si quieres una frase jugada con armónicos, querrás usar armónicos artificiales en su lugar. A pesar de que el Touch cuarto método de producir armónicos artificiales es el más común y más práctico, existen algunos otros métodos similares para producir uno armónico activo en el quinto por encima la materia a pitch use touch quinto armónicos para producir un armónico dos activos y el tercero mayor por encima del pegado a tono usan el toque mayor tercero armónicos para producir un armónico dos octavas en la quinta por encima del tono detenido. Usa el toque. Terceros armónicos menores. Hay límites a lo alto que debes escribir armónicos artificiales. Los armónicos artificiales superiores a los enumerados en este siguiente diagrama no producirán sonido muy bien. Violín, viola, violonchelo, contrabajo, normal armónico natural normal, armónico artificial. 28. Pizzicato: 29. Snap Pizzicato: snap Pizzicato es un tipo de pizza kado, que las cuerdas arrancaron tan fuerte que se vuelve atrás y golpea el diapasón. Es dispositivo del siglo 1/20, y a veces se le conoce como Bartek pizzicato porque fue uno de los primeros compositores en utilizar con frecuencia para conocer a Tate snap pizzicato. El siguiente símbolo se coloca encima de las notas violín, viola, violonchelo, contrabajo, violín, viola, violonchelo, contrabajo. 30. Varias paradas: 31. Divisi: 32. Demostraciones de la cuerda: 33. Encuesta 4: 34. Asignaciones de estudio y escucha (sec.4): 35. Escribir proyectos (sec.4): 36. Harp: El arpa es miembro de la familia de cuerdas. Se desplumó en lugar de barco. El arpa moderno utilizado en la orquesta hoy es conocido como el arpa pedal de doble acción, o arpa de concierto. Fue desarrollado alrededor de 18 20 y fue el primer corazón capaz de jugar en las 12 teclas debido a su mecanismo de pedal de doble acción, cual se explicará más adelante en este video. Las cuerdas son típicamente intestinales enrolladas con alambre, y mide aproximadamente seis pies de altura y pesa casi 80 libras esterlinas. Una orquesta de tamaño estándar tendrá al menos un arpa, pero las orquestas más grandes pueden tener hasta dos. Música para arpa está escrita en un gran bastón. Normalmente, el arpista mano derecha arranca las cuerdas superiores y el plex de la mano izquierda. Las cuerdas inferiores no toman las notas de la mano derecha en el pentagrama de problemas superior y las notas de la mano izquierda en el pentagrama base inferior cambian paños según sea necesario. Por ejemplo, cuando ambas manos estaban jugando el registro superior, ambos Steffes podrían necesitar tener un acantilado problemático o cuando ambas manos estaban jugando en el registro inferior . Es posible que ambos pentagramas necesiten tener una clave de bajo. El corazón es un instrumento no transpuesto. Suena como está escrito, usa signos de octava cuando sea necesario para evitar demasiadas líneas de contabilidad. El corazón tiene 47 cuerdas, cada una afinada a una letra diferente del alfabeto musical, comenzando con C y terminando con G. Con tantas cuerdas, sería difícil para arpista localizar y colocar brechas específicas con demasiada rapidez sin algún punto de referencia. Y así ciertas cuerdas de aire coloreadas en un concierto moderno arpa todas las cuerdas del mar o código rojo. Bueno, todas las cuerdas G o de color azul. Algunas arpas tienen las cuerdas S de color azul o negro en lugar de las cuerdas G color azul. Son siete pedales, los cuales pueden elevar o bajar el tono de una cuerda en incrementos de medio paso. Cada pétalo controla todas las cadenas del mismo nombre de letra. Por ejemplo, el pedal controla todas las cuerdas del corazón. Cada pétalo tiene tres posiciones. Los pedales se bloquean en su lugar y no es necesario que se mantengan en su lugar con el pie. Cuando la E pedala en la posición superior, todos los anillos este en el corazón sonarán es e plana Cuando el pedal está en la posición media . Todos los anillos de Oriente en el sonido de Harpal es natural. Cuando el pedal está en la posición más baja, todos los anillos este en el corazón sonarán es el agudo. Tres de los pedales estaban a la izquierda del instrumento y controlados con el pie izquierdo para los pedales estaban a la derecha del instrumento y ella controlada con el pie derecho. Los pedales, en orden de izquierda a derecha, son D C B E F g A. El dispositivo neumonico común para recordar el orden del pedal es, ¿Traía Columbus suficiente comida yendo a América? El motivo por el que los compositores orquestadores tienen que recordar el orden de los pedales es porque tienen que conocer a Tate al inicio de la partitura, las posiciones de cada pedal. También tienen que conocer a Tate en el marcador. Cada vez que la posición del pedal ha cambiado. Es importante recordar que sólo se podía presionar un pedal con un pie a la vez. El Harpers, por ejemplo, no pudo hacer cambios a los pedales DNC al mismo tiempo, porque el pie izquierdo los controla a ambos, el compositor orquestador debe dejar tiempo suficiente en la música para la cosecha de primero prensa, un pedal y luego el otro. No obstante, si los pedales están en lados opuestos del corazón, la cosecha podrá presionar dos pedales simultáneamente. Por ejemplo, los pedales DND podrían ser presionados simultáneamente el compañero profundo con el pie izquierdo en el pedal con el pie derecho. Las dos formas más comunes de conocer las posiciones de los pedales de Tate son con letras o con una gráfica. Si bien algunos arpista pueden preferir un método sobre el otro, ambas son prácticas comúnmente aceptadas. Si se utilizan las letras, el pedal inicial posiciona aire anotado al inicio de la puntuación por encima del pentagrama de arpa . Las siguientes posiciones de pedales, por ejemplo, te darían los lanzamientos de la escala mayor. El listón denota la separación de los pedales izquierdo y derecho. Cuando un pedal cambia necesario para jugar otras teclas de cambio zor accidental, debe señalarse en el marcador. Asegúrate de darle a la cosecha tiempo suficiente para cambiar los pedales. No hay necesidad de reescribir las siete posiciones de pedal cada vez que hay un cambio de pedal. Simplemente escribe las nuevas posiciones de pedales para los pedales que necesitan ser cambiados. Por ejemplo, si F agudo en C agudo necesita cambiarse a nacionales. Colocas lo siguiente un poco antes del cambio de pedal en el marcador. El otro modo de conocer las posiciones de los pedales de cinta es con la gráfica. La gran línea vertical en el medio representa la división entre los pedales izquierdo o derecho . Las líneas por encima de la mentira horizontal representan los pedales en la posición superior. Las líneas de pisos por debajo de la línea horizontal representan los pétalos de la posición más baja. Los afilados y las líneas cortadas por la mitad por la línea horizontal, representan pedales en medio de posición. El natural. Esta gráfica con por lo tanto representa D. C agudo, ya sea plana F g frontal, un plano. Aquí está la gama del puerto que se muestra en el pentagrama y en el teclado utilizando imitación de tono científico . B cero se anota un C plano uno para música de corazón. Dado que la cuerda más baja es una C, es importante recordar que las cuerdas C y D más bajas no se ven afectadas por los pedales y la mayoría entre manualmente antes de una actuación en algunas arpas. La cuerda G más alta tampoco se ve afectada por el pedal. Los dos activos más bajos tienen un sonido completo pero son bastante oscuros y de calidad. Estas imágenes tienen un tiempo de resonancia muy largo hasta seis segundos. Debido a esto, debes evitar escribir cambios rápidos de acordes en el registro más bajo. De lo contrario, el sonido de un acorde seguirá resonando. Bueno, la siguiente cancha ha jugado. Los jugadores amortiguarán naturalmente las cuerdas con sus manos para detener la residencia donde sea necesario, pero siempre debes dar a los jugadores tiempo suficiente para hacerlo. Las dos octavas medias tienen un sonido más brillante pero más cálido. Los pitches resonarán hasta por tres segundos, y estos activos la mayor parte de la escritura melódica para nuestro se lleva a cabo en este registro como lo que fueron acordes, arpegios, sencillo Sandoz, los dos más altos más octavas de corazón se vuelven cada vez más brillantes. Cuanto más alto vayas. El largo resonante también se vuelve más corto y más corto de aproximadamente un segundo a alrededor de medio segundo. Oh oh oh oh oh! El arpa es uno de los instrumentos más tranquilos de la orquesta. No se escuchará ni pasajes ni pasajes ruidosos donde esté tocando toda la orquesta. Si específicamente quieres que se escuche el corazón, asegúrate de que la orquestación sea más delgada, que los otros instrumentos tocando nuestro mercado adquieran nivel dinámico. En los próximos videos, veremos las técnicas de reproducción que fueron posibles en el arpa, junto con ejemplos de audio 37. Quiz 5: 38. Acordes de arpa: cordones aire posible en el corazón pero debe limitarse a cuatro noches por mano. Esto se debe a que la cosecha no juega con el quinto dedo. Tendrás que colocar un soporte delante del cordón si quieres. El cancha jugó como un acorde de bloque con todas las notas sonando simultáneamente. La cosecha típicamente jugará todos los cordones ligeramente apreciados de abajo a arriba. Si no hay corchetes junto a la cancha, coloque una línea ondulada frente a la cancha. Si quieres un AARP más lento, más expresivo como tú por cambios en dirección de su precio en una punta de flecha hasta el final de la línea ondulada, la cosecha tocaría este acorde de arriba a abajo. Cordones muy grandes de posible, ya que una sola mano puede tocar fácilmente acordes para alcanzar 1/10. A continuación se muestra un gráfico que muestra el estiramiento máximo promedio para cada par de dedos. Video positivo para estudiar el gráfico o descargar una copia bajo el recurso es para esta conferencia . Oh oh, 39. Harp Glissando: Cassano se realiza fácilmente en el corazón rasgueando los dedos a través de las cuerdas. Asegúrate de conocer Tate los lanzamientos de inicio y final, el cristal Sando acostado y las afinaciones de pedal. El arpa es uno de los únicos instrumentos que pega a Lisandro en más de un tono a la vez. Aquí te dejamos un ejemplo de un Lisandro de tres notas. Debido a las afinaciones de pedal, cada B, E y A serán planos. En este cierre, Sando Cassano se podría realizar en ambas manos al mismo tiempo, éstas podrían estar en la misma dirección u direcciones opuestas. 40. Harp Trills: hay dos formas de cosecha que se puede realizar. podría realizar un show de trail con dos dedos en una mano, o se podría jugar con un dedo en cada mano. Jugar la molestia dos manos es mucho más fácil y permite trinos mucho más rápido. El único beneficio de escribir un rastro por una mano es que eres capaz de escribir dos senderos suceden simultáneamente. 41. Harp Tremolos: un trémolo que involucra un solo tono repetido rápidamente puede ser jugado por dos dedos de una mano. Esta no es la mejor opción, ya que no se puede hacer muy rápidamente. Una segunda opción es arrancar la misma cuerda con las manos alternas. Esto produce un trémolo más rápido, pero es difícil jugar uniformemente. 1/3 opción que al arpista le gusta usar es afinar dos cuerdas al mismo tono y arrancar cada cuerda con una mano diferente. Un ejemplo sería afinar la cuerda C para ver afilada en la cuerda D a D Flat. Hacer las cosas de esta manera hace que sea un poco más fácil para el arpista aplicó el trémolo muy rápida y de manera más uniforme. Un trémolo que involucra más de un lanzamiento, similar a un trémolo de dedo en una embarcación. Instrumento de cuerda también ha tocado, usando dos manos hasta cuatro notas o posible en cada mano. Simplemente recuerda que cuanto mayor sea el número de lanzamientos será el corazón del trémolo. Para el intérprete y este ejemplo, la cosecha se alternaría rápidamente entre las dos notas de la mano izquierda y las dos notas de la mano derecha. Para un total de dos beats 42. Armónica de harp: el arpa, como todos los instrumentos de cuerda, es capaz de producir armónicos naturales. armónicos de Herpa son aún más tranquilos que las arpas, tono ya suave, por lo que se necesitaría una orquestación desigual, más delgada de lo habitual si quieres que se escuchen en absoluto. ¿ Se anotan los armónicos aire con un pequeño círculo? AboveNet. Es importante recordar que suenan una octava más alta que la rejilla en tono. Esto difiere de la notación de armónicos naturales para instrumentos de cuerda inclinados, los cuales fueron notados en el tono que quieres sonar como armónico. El rango más fácil para producir armónicos está entre G dos, y son cinco. Los armónicos de la mano derecha y los armónicos de la mano izquierda se producen de formas ligeramente diferentes. Esto se debe a cómo las manos o se posicionan al tocar el corazón para producir un armónico con la mano derecha. El arpista toca el centro de la cuerda con el sitio del nudillo del dedo índice y luego arranca la cuerda con el pulgar. Sólo se podía tocar un armónico una vez con la mano derecha para producir un armónico con la mano izquierda. El arpista toca el centro de la cuerda con la palma de la mano izquierda y luego arroja plexo con el pulgar y otros dedos. Dependiendo del número de armónicos, se podrían tocar hasta tres armónicos simultáneamente con la mano izquierda dentro del intervalo de 1/6. Hay algunas cosas que recordar al pedirle a Harper's que toquen armónicos simultáneos. Dar a los jugadores mucho tiempo para posicionar sus manos. En otras palabras, no escribas un montón de acordes de pensamiento a un tempo rápido. Tocado es armónicos. Ah, armónico debe tener pedales en la misma posición. El motivo de esto es que el centro de una cuerda cambia ligeramente cuando se presiona un pedal . Por ejemplo, si un pedal está en la posición superior y otro en la posición inferior, los centros de las cuerdas estarán más separados entre sí, y esto hará que sea más difícil para el arpista. Coloca sus manos para que toque el centro de cada cuerda. Intervalos más pequeños o más fáciles. Es mejor pegarse con intervalos menores de 1/5 jugadores profesionales capaces de jugar para anotar armónicos de hasta 1/7 y tres notas armónicas de hasta 1/6 aquí hay rango cómodo para armónicos simultáneos de mano izquierda. Cuando escribes, se necesitan múltiples armónicos de círculo para cada nota, un solo círculo encima de una cancha o intervalo indica que sólo la nota superior se va a tocar como armónica, mientras que los otros pitches se van a tocar es lanzadores normales. En este ejemplo, sólo el mar se juega como armónico. Estas son algunas cosas que debes recordar a la hora de combinar armónicos con tonos normales. El mano derecha es capaz de tocar simultáneamente a notas normales y una nota armónica hasta 1/5. La nota más alta es siempre la armónica. La mano izquierda es capaz de tocar simultáneamente tres tuercas normales y una nota armónica hasta 1/10 . Se rodará la cancha, y la nota más alta es siempre la armónica que normal armónica. 43. Demostración de arp: 44. Encuesta 6: 45. Asignaciones de estudio y escucha (sec.6): 46. Escribir proyectos (sec.6): 47. Construcción y producción de sonido: 48. Transposición: 49. Encuesta 7: 50. Flute: la flauta es la soprano de la sección de vientos-madera de la orquesta. Se trata de un verso trans ganaría, lo que significa que se juega horizontalmente en lugar de verticalmente. Al igual que la mayoría de otros lo harían. Aire flautas modernas típicamente hecho de metal y sería construcción rara vez se utiliza. El flauta es un instrumento relis de viento de madera, y el sonido se produce soplando aire a través de una emboscada. Tus flautas enteras usan más aire que vientos de madera con lecturas, porque gran parte del aire no entra directamente en el agujero en se desperdicia. Ten en cuenta esto en tus orquestaciones y dale a los flautas más lugares para respirar. Una orquesta suele tener dos flautas, aunque las orquestas más grandes pueden tener hasta tres. Música para flauta está escrita en problemas, Clough y Sonidos tal como está escrito. Se trata de un instrumento no transponible. La mayoría de las flautas profesionales tienen lo que se llama un pie B. Esto significa que el tubing tiene una articulación del pie más larga, y hay una llave extra para que B tres sea posible. El rango práctico hasta ver siete, aunque D siete es posible, los lanzamientos por encima de un seis se vuelven más duros y más duros deberían producir, y los no profesionales suelen tener problemas con el cuarto más alto y más bajo Ah ah ah! Aquí te presentamos un diagrama que muestra las características generales Registrar de una flauta. El siguiente diagrama muestra lo más ruidoso y silencioso que el instrumento puede tocar en cualquier lugar dentro de su rango. Los compositores suelen marcar sus partituras como si cualquier instrumento pudiera tocar cualquier dinámica en cualquier rango. En realidad, si marcas a Alosi en una flauta como Triple F, solo comienzas Mezzo Forte. A pesar de que el intérprete estará poniendo en un esfuerzo equivalente a Triple F. Si marcas un alto A como Triple P, solo estabas iniciando piano. A pesar de que el intérprete estará poniendo en un esfuerzo equivalente a Triple P, los siguientes límites se basan en un medio recorrido con promedio Acoustics es importante señalar que las líneas entre la dinámica y el diagrama representan un cambio gradual en capacidades dinámicas, no un cambio repentino. Como se puede ver en el diagrama, no se puede obtener tanto volumen de los alimentos octava más baja. requiere una orquestación más delgada si quieres que se escuche. A medida que te mueves más alto en el registro, se vuelve cada vez más difícil jugar a un volumen silencioso 51. Piccolo: el piccolo es el miembro más alto de la familia de la gripe y extiende el rango de la flauta aproximadamente una octava más alta. Al igual que la flauta, el piccolo era, un verso trans ganaría leída lis y construido de metal. Una orquesta típicamente tiene un solo jugador de piccolo. Este jugador es a veces uno de los flautas que duplica en Piccolo se necesita. Muy raramente. ¿ La orquestación no llama a dos pepinillos? El piccolo es uno de los instrumentos que transpone Athey activo. Este no es un verdadero instrumento de transposición, ya que no suena en una clave diferente a la escrita. Simplemente suena caminado de más alto de lo escrito con el fin de evitar excesivas líneas de contabilidad. Música para Piccolo está escrita en apuros. Cliff aquí hay un diagrama que ilustra el rango escrito del piccolo y el rango sonoro del piccolo. Uh, el piccolo es algo similar a la flauta en características de registro, excepto que el registro más bajo es sonando hueco en lugar de seductor. Se necesita una orquestación más delgada para poder escuchar el piccolo en su octava más baja. A medida que te mueves más alto en el registro, se vuelve cada vez más difícil jugar a un volumen silencioso 52. Oboe: el oboe es uno de los vientos carpinteros de caña doble. Un jugador de oboe suele hacer sus propias lecturas y pasa innumerables horas cada mes. En esta tarea. El oboe requiere menos aire que la flauta o clarinete, y debido a esto, oh, oh, los jugadores, especialmente los profesionales, son capaces de sostener mucho tiempo. Notas. Oboes air, típicamente hecho de madera pero a veces están hechos de materiales sintéticos. Una orquesta tiene típicamente dos jugadores de OBO. Las orquestas más grandes pueden tener hasta tres. Uno de los jugadores de oboe a menudo duplica en cuerno inglés. Música para oboe está escrita en apuros. Arza y Sonidos como ricina. Se trata de un instrumento no transponible. Aquí está la gama de oboe. Es de señalar que un seis es posible, pero muy difícil incluso para los profesionales. Ah, la OBU es mucho lo opuesto a la flauta respecto a las características de su registro, mientras que los lanzamientos más altos de la flauta o Brighton intensos, cuanto más alto vas en el obo, más delgado el sonido. El oboe es un gran instrumento en solitario porque es único. calidad nasal corta a través de los otros sonidos y no se mezcla con los otros instrumentos así como con los otros vientos madereros. Dio. Bueno, es muy fácil jugar tranquilo en el registro inferior de la flauta. Es más difícil jugar tranquilo en el registro inferior del oboe. 53. Horo en inglés: el cuerno inglés es miembro de la otra familia. Una orquesta típicamente sólo tiene un cuerno inglés. Este jugador es a veces uno de los jugadores oboe que duplica en Inglés Horn se necesita. El edificio del cuerno inglés es similar a Vata Diogo, pero es más grande y por lo tanto extiende el rango del oboe hacia abajo. Música para cuerno inglés está escrita en problemas. Clough. Se trata de un instrumento de transposición que suena 1/5 más bajo que aquí escrito, diagramas de Cem que muestran el rango escrito y sonando del cuerno inglés. Ah ah, Al igual que el oboe, el cuerno inglés sentido más delgado en su registro superior, tanto es así que se vuelve difícil distinguir los dos instrumentos. Por lo tanto, los compositores y orquestadores deben evitar el registro superior al escribir para cuerno inglés y explotado registro más lento en su lugar. El sexto más bajo es muy Sana rece con mucho poder portador. El cambiante de capacidades dinámicas a lo largo de su rango es similar al del oboe 54. Clarinet: el clarinete es un solo instrumento de caña. A diferencia de la lectura oboe, que destaca fuera del instrumento, la caña de clarinete se fija en la boquilla. clarinetes suelen estar hechos de madera pero a veces están hechos de metal, plástico, caucho duro e incluso marfil. Están transponiendo instrumentos, y cada miembro de la familia del clarinete tiene una transposición diferente. La orquesta moderna utiliza tanto el clarinete plano B como un clarinete. Originalmente, el clarinete plano B se utilizaba principalmente para piezas escritas en teclas planas, mientras que el clarinete A se utilizaba principalmente para piezas escritas en el moderno piso B de Sharkey. clarinetes son muy capaces de tocar en cualquier clave, y una mayoría de los compositores de hoy escriben para clarinete plano B. Independientemente de la clave de la paz. Todos los clarinetes utilizaron el mismo sistema de digitación, lo que hace posible que el intérprete juegue cualquier red de coche. En la familia del clarinete, una orquesta suele tener dos clarinetes. Orquestas más grandes pueden usar hasta tres jugadores, con 1 a 2, doblando como clarinete bajo y o como un jugador de clarinete plano e donde otro clarinete ha necesitado música para clarinete ha escrito en problemas Cliff. Como se mencionó anteriormente, el clarinete es un instrumento de transposición sobre un clarinete plano B. Una vista escrita sonará como B plana mayor segundo inferior en un clarinete. Una vista escrita sonará como un tercio menor inferior en un clarinete plano E. Una vista escrita sonará como cualquier piso. A menor, tercera nota superior. Todo miembro de la familia de clarinete tiene el mismo rango escrito excepto la base. Aclarar el rango de sonido dado aquí es el del clarinete plano B. Es útil recordar que el clarinete plano B podría jugar cuatro líneas de libro mayor por debajo y por encima del personal. Ah, uh uh Aquí las características de registro del clarinete plano B. Por su excelente control dinámico, clarinetes son los únicos instrumentos de viento carpintero capaces de un verdadero triple P. 55. Clarinete del base: Otro miembro de la familia del clarinete es el clarinete bajo. El instrumento es típicamente de madera y se parece un poco a un saxofón. Una orquesta suele tener sólo un clarinete bajo. Este jugador a veces es uno de los clarinete que dobla en el clarinete bajo según sea necesario. Música para clarinete bajo está escrita en problemas Cliff. Se trata de un instrumento de transposición y suena un noveno mayor menor que el escrito. Lo más común y no recomendable, es escribir en base Clough y Transpose, un segundo mayor menor. Aquí está el rango escrito y sonando del clarinete bajo sonando pitches hasta ser cinco o posibles pero difíciles de producir. Además, mayoría de los instrumentos modernos tienen cuatro teclas adicionales, que hacen que tocar hacia abajo a B plana. Una posible Ah ah ah! El registro Características del clarinete bajo son similares a las del clarinete. Las capacidades dinámicas del clarinete bajo también son similares a las del clarinete 56. Fagot: como el oboe. El fagot es un instrumento de doble caña. El tubing del ABS pronto es ligeramente más de ocho pies de longitud, lo que hace que este instrumento sea mucho más pesado que la flauta, oboe o clarinete. Debido a esto, Pero Souness, que a menudo usan una correa para el hombro, ayudan a apoyar el peso del fagot. Una orquesta suele tener dos fagotes, aunque las orquestas más grandes pueden tener hasta tres. Música para fagot está escrita en tela base. clef tenor sólo se utiliza con el fin de evitar más de tres o cuatro líneas de contabilidad. Trouble Clough se está utilizando con cada vez más frecuencia en las partituras modernas en lugar de la clef tenor, y así ahora esto también es aceptable. Se trata de un instrumento no transponible y suena tal como está escrito. Ah uh ah, Aquí están las características de registro del fagot. Es importante señalar que el sonido del fagot tiende a mezclarse muy bien con otros instrumentos y muchas veces se cubrirá por el sonido de otros instrumentos, sobre todo en su registro superior. El quinto más bajo y el quinto más alto son ambos más difíciles de controlar. No le pidan a intérpretes tocar pianissimo en la quinta más baja 57. Contrabassoon: Otro miembro de la familia fagot es el fagot contra, también conocido como el doblete pronto. El polémico pronto es el instrumento de viento de madera de sonido más bajo y extiende el rango del fagot hacia abajo una octava. Se trata de un instrumento de doble caña, con tubería el doble de la longitud del fagot, aproximadamente 16 pies curviéndose de nuevo sobre sí mismo. Dos veces se requiere mucho aire, así que asegúrate de darle a los jugadores mucho tiempo de descanso en el medio. Tocar la controversia pronto es demasiado pesado para una bandolera sola, por lo que el instrumento descansa sobre un in pin, similar al violonchelo y contrabajo. Una orquesta típicamente sólo tiene una controversia. En breve este jugador a veces es uno de los jugadores del fagot que se dobla. Pronto se necesita la polémica. Música para controversia pronto se escribe en base Clough y suena una octava más baja que la ricina . Uh ah ah ah ah ah. A pesar de que la controversia pronto puede jugar unos lanzamientos más altos que el rango dado aquí, no se recomienda. No sólo son más difíciles de producir el pitch, sino que el instrumento en el registro superior sonará como sólo una versión más débil del proyecto de ley . En breve, como compositor y orquestador, debes explotar su registro inferior, sobre todo es Lois 12. Las notas más bajas tienen un sonido zumbante. Es importante señalar que los lanzamientos inferiores tienden a ser un poco lentos y tardan más tiempo sonar. Debido a esto, debes evitar escribir pasajes rápidos de staccato en el padrón inferior. Aparte de eso, las características del registro y las habilidades dinámicas son aproximadamente las mismas que las del fagot. 58. Quiz 8: 59. Estudios de estudio y la escucha (sec.8): 60. Vibrato de Woodwind: librato es posible en todos los vientos de madera y se utiliza para enriquecer la calidad del tono sin para traído del giro es opaco y sonando libra para producir para amplio. Oh jugador tirará ver el aire con los labios y la mandíbula, tirar los músculos, los músculos abdominales o mediante el uso de una combinación de frutas y músculos abdominales. No hay necesidad de señalar por traído en el marcador, ya que las mujeres jugadoras normalmente juegan con librato. El clarinete es la única excepción. Clarinete clásico para no usar vibrato ya que esto está reservado para su uso en la música jazz. Si deseas un sonido sordo, pálido, fui a paso particular en la música para que se tocara con Alvarado. Coloque las palabras sentido de Alvarado o no por traído en el marcador. Asegúrate de indicar cuándo los jugadores regresarán a la normalidad por aproximadamente una cosa colocando con vibrato o Norman el marcador. Sí, 61. Tono de madera: Los jugadores de viento carpintero son capaces de articular lanzamientos a través de una técnica llamada lengua ing. La lengua es básicamente el inicio y parada del flujo de aire de un jugador con el tiempo. Esto generalmente se logra produciendo un sonido T con el tiempo todas las notas que se tocan con una articulación separada distinta. Tal staccato o marcano se tocan por el ing de la lengua, cada nota individual. Es importante recordar que cuando un pasaje no indica ninguna articulación específica , el jugador también lengua cada nota individual. La lengua se usa un poco diferente, y el dios de los pasajes cuando slurs aire notaba sólo el primer tono dentro de cada estruendo veces . En este ejemplo, el flujo de aire se detiene brevemente. Por el momento cada tres notas. Existen tres tipos básicos de cronometraje. Hablar sencillo, doble cronometraje y triple temporización. La lengua única se realiza fácilmente en todos los vientos de madera. Esto se logra haciendo sonar el té como se mencionó anteriormente, con el fin de producir una procesión de pitches muy rápida. Doble tiempo. Estos utilizados Esto se hace alternando rápidamente entre A T y en caso de sonido. Triple Tony se utiliza cuando se realizan trillizos dobles y triples Tunney típicamente se realizan en instrumentos de Relis como flauta y piccolo. Si bien el atado doble y triple son posibles por algunos intérpretes en oboe, clarinete y fagot, rara vez se usan porque la articulación se ve obstaculizada por la lectura uh. 62. Luma de la Flutter de Woodwind: lengua aleteo es básicamente la versión woodwind de un trémolo inclinado para instrumentos de cuerda . Esta técnica se logra rodando y nuestro mientras sopla aire en los instrumentos. Al rodar en nuestra lengua crea rápidas pulsaciones de aire, resultando en un aleteo del terreno de juego. También es posible producir un efecto de lengua aleteo con un gutural se enrollan en la garganta. La lengua aleteo es posible en todos los Woodman's, pero es más difícil realizar en instrumentos de doble caña como oboes y fagots. El notación para lengua aleteo es el mismo que la notación para un trémolo inclinado en el instrumento de cuerda. Coloque tres marcas de listón a través del tallo de la nota o, en el caso de en las tres varillas, colocadas encima o debajo de la nota. Otra forma de conocer Tate tiempo revoloteando simplemente colocando las palabras tiempo revoloteando donde la abreviatura para el tiempo futuro por encima de las notas y la puntuación. Si eliges esta opción, asegúrate de conocer Tate Order o Norm cuando quieras que el jugador deje de usar Flauta de tiempo Padre , oboe, uh, clarinete. Pero pronto 63. Trilles de Woodwind: eligió aire jugable en todos los instrumentos de viento carpintero para una discusión completa sobre senderos y notación trump, por favor vea los trinos de conferencias bajo la sección técnicas de tocar para ambos instrumentos de cuerda . Aquí te dejamos algunas pautas seguras a seguir en escritura trolls para victorias de madera, el terreno de juego se da refieren a la nota más baja del sendero. Los espectáculos son muy adecuados a la flauta y son muy comunes medio paso. pueden jugar fácilmente senderos de paso enteros entre D four y B six. Evita los proyectiles que involucren los lanzamientos de abajo. Difamar. El piccolo puede jugar fácilmente medio paso. Whole Step aparece hasta un siete en el obo medio paso. Escalofríos enteros de B plana tres. T six se puede jugar fácilmente, aunque debes evitar espectáculos de B Flat 32 D cuatro. Dado que estos aires un poco lento, el cuerno inglés puede jugar medio paso en proyectiles de herradura desde los lanzamientos sonantes E tres a G cinco en el clarinete medio paso Se pueden jugar fácilmente trinos de paso enteros de pitches escritos E tres a F seis . El clarinete bajo puede tocar todo medio steppin sostiene que muestra en cualquier lugar dentro de sus trinos de rango o no tan fácilmente realizado en el por pronto. En comparación con los otros instrumentos de viento de madera, el mejor rango de trail es G dos a un cuatro. Evita proyectiles en la quinta más baja y proyectiles por encima de C cinco. escalofríos son posibles pero no se aconseja en el fagot contra porque el sonido es tan lento . Flauta, Sí, oboe e no sé clarinete, pero pronto lo sé. 64. Tremolos de Woodwind: mientras que la lengua aleteo es el equivalente ganaría de trémolo inclinado para cuerdas. Un trémolo ganaría es el equivalente a un problema de dedo de sus cuerdas. Ningún Taito ganaría trémolo de la misma manera que conocerías Tate dedo trémolo en un instrumento de cuerda de barco . Recuerda incluir una slur para indicar que el trémolo se va a tocar sin detener el flujo de aire con la lengua en cada nota. Aquí te dejamos algunos lineamientos y escribir Tremble debe por triunfos de madera. El tono se da se refiere al tono más bajo del trémolo. A pesar de que los problemas son fáciles de tocar la flauta, debes evitar escribir cargas de farsa en cualquiera de los extremos del rango. Esta consideración de lugar a piccolo también no escriben. Trumbull es mayor que 1/5 en la subasta más baja en el rango superior. mínimos de recorte de 1/4 son posibles está lejos como un cinco, y algunos mínimos de un tercio mayor son posibles. A medida que faras, planas seis no escribes un trémolo mayor que 1/5 en cualquier parte del rango de la Rba. Trimble está por encima del personal son bastante difíciles para los jugadores, y cuanto mayor sea el intervalo, más lento se puede jugar el temblor. Se aplican las mismas consideraciones al cuerno inglés así en clarinete, todo el aire de Tremmel posible, aunque las que están por encima del personal por un poco más difícil tremolo Sa's grande es un activo son factibles siempre y cuando no hay lanzamientos vayan por encima mar. Seis. Shambles para clarinete bajo tienen anillos de dedos difíciles en el registro inferior y más difíciles tocar tremolo zehr, no muy adecuados para el fagot y no deben ser mayores que un tercio mayor al máximo del cuarto. Su mejor uso en cuatro pasajes para que la orquesta cubra parte del sonido que Gemmill debe entre C tres y G cuatro son más fáciles para los jugadores. El aire de Trammell no aconsejó sobre la controversia pronto porque el sonido es tan lento. Flauta, oboe, clarinete. Pero pronto. 65. Woodwind Glissando: Obasanjo es un tobogán de un tono a otro para que todos los lanzamientos entre los dos lanzamientos o duelan con instrumentos de cuerda inclinados. Aprendimos que esto se logra muy fácilmente deslizando un dedo a lo largo de la cuerda. Pero producir un Sandro de vidrio en un instrumento de viento de madera es mucho más difícil debido a su mecánica, y hay algunas limitaciones. Como principio, compositor y orquestador, generalmente debes evitar escribir Grisanti para Woodman's. Si sí deseas temerario en el aquí hay algunas cosas de las que debes estar al tanto. logrado de Douglas Oddo ya sea haciendo rodar los dedos para destapar lentamente o cubrir los agujeros abiertos del instrumento, o bien cambiando el on Fisher Gasana a través del cambio de armadura, se conoce como brillo de labios. Sandra Brillo labial Sando solo debe utilizarse para diapositivas en intervalos pequeños de no más de una segunda arcilla. Las arenosas son más fáciles en el clarinete y ascendentes en tono no típico de Santa con una línea ondulada o recta entre las imágenes de inicio y final. También se puede utilizar la dicha de derivación. Uh, 66. Moles de madera: 67. Demostraciones de madera: 68. Encuesta 9: 69. Asignaciones de estudio y escucha (sec.9): 70. Escribir proyectos (sec.9): 71. Construcción y producción de sonido: 72. Quiz 10: 73. Tríaca: el triunfo. Es el instrumento de latón de sonido más alto. Está en total. El tubing es de casi cinco pies. Podría cambiarse con tres válvulas de pistón. Las trompetas estándar utilizadas en la orquesta moderna son la trompeta de mar y la trompeta plana B el triunfo del mar. Se trata de un instrumento no transpuesto, mientras que la trompeta plana B es un instrumento de transposición. Para una discusión completa sobre la transposición, véase la conferencia denominada Transposición. Bajo la sección introducción a Woodman's, corresponde al compositor orquestador elegir qué tipo de trompetas usar. El trompeta de mar tiene un sonido más brillante. ¿ Dónde está la B? Trompeta plana tiene un sonido más rico. Es más seguro escribir para la trompeta plana B, ya que es el instrumento más común. Y debido a que la mayoría de los jugadores no profesionales ni siquiera poseen una trompeta C, una orquesta suele tener tres trompetistas. Las orquestaciones más grandes pueden requerir hasta seis jugadores. Música para Trump, está escrita en problemas. Clough El mar Trompeta suena como está escrito a B trompeta plana suena una cosa entera más baja que escrita. A escrita Ver será su primer sonido como B música orquestal plana para Trump. Está escrito sin firmas clave. Todos los puntiagudos y planos se escriben directamente en la partitura. Este método de notación se remonta al comienzo mismo de la escritura orquestal. Si escribes una firma clave en la partitura, los intérpretes tendrán dificultades para leer su parte y pueden perderse involuntariamente los Sharps y flats. Ya que no están acostumbrados a leer música escrita con trompeta de firma clave, la música escrita para bandas como viento, militar o jazz normalmente se escribiría con firmas clave. Aquí está la gama de la trompeta de mar Ah, aquí está la gama escrita y el rango sonoro de la trompeta plana B. Al igual que con todos los instrumentos de pechos, alto vayas, más brillante se vuelve el sonido. La parte más alta del padrón puede recortar fácilmente el resto de la orquesta y debe utilizarse frugalmente, como o clímax culturales. El quinto inferior es ligeramente menos potente que el resto de la gama. En el quinto superior, es difícil jugar tranquilamente. Ten en cuenta que a los jugadores no profesionales les cuesta jugar tranquilamente en cualquier parte del rango 74. Horno: el cuerno es el segundo instrumento de latón de sonido más alto. El tubo del cuerno moderno tiene aproximadamente 12 pies de longitud. Tres válvulas rotativas operadas con amantes cambian la longitud del tubo. El cuerno moderno es en realidad un cuerno doble, que es de dos cuernos en uno un cuerno s y en todo dedo del pie B los compositores de cuerno no seguían pidiendo a los bocinas jugar lanzamientos más altos y más altos, pero los parciales más altos fueron más difíciles para los jugadores de producir en el F uno. Entonces en lugar de tener que separar instrumentos, estos dos cuernos se combinaron en uno. Palanca de 1/4, operada con la thung convierte a Thea Foreign en una bocina plana B a través de un conjunto alterno de tubo. Una orquesta típicamente tiene cuatro trompestas. Orquestaciones más grandes pueden requerir hasta ocho jugadores debido a su muy amplio alcance. Música para Horn está escrita en cualquiera de los problemas. Se necesitaban arcillas o con base de cambio de tela Cerrar para evitar demasiadas líneas de libro mayor. El cuerno es un instrumento de transposición y suena un quinto piso perfecto que el escrito en algunas partituras más antiguas. Pitch está escrito en base, Clough transpuesto de perfecto cuarto. Esto nunca se hace hoy en todos los pitches suenan un quinto perfecto más bajo que escrito. No importa el Clough, como con la trompeta o la música personalizada para Horn se escribe sin cantante clave Tregua. Todos los puntiagudos y planos se escriben directamente en la partitura. Este método de notación se remonta al comienzo mismo de la escritura orquestal. Si escribes una firma clave en la partitura, los intérpretes tendrán dificultades para leer su parte y pueden perderse involuntariamente los Sharps y flats. Ya que no están acostumbrados a leer música escrita con la firma clave de cuerno la música escrita para bandas como Wind, militares y Jazz se escribirán típicamente con firmas clave. Uh uh. El cuerno tiene la calidad de menos latón como de todos los instrumentos de latón al que a menudo se le conoce como el puente entre el latón y las secciones de viento de madera. Debido a que es un poco más cálido, sonido le permite mezclarse muy bien con instrumentos de Woodman. A pesar de que el cuerno tiene un amplio rango, las notas en extremo o difícil de producir un cómodo rango de juego es C tres a cuatro lanzamientos sonando. Los pitches en el registro inferior suenan un poco débiles y desenfocados, sobre todo para jugadores no profesionales. El Ártico más bajo debe usarse para sostener piezas y no para piezas móviles rápidas. Si quieres un sonido más enfocado, potente, deja estos pitches inferiores para el trombón, nunca justo en el registro superior por largos periodos de tiempo. Esto exige mucha energía de los jugadores, así que asegúrate de darles spots en los que descansar el quinto más alto es difícil de producir como piano. 75. Trombón: el trombón es el segundo demasiado bajo. Un instrumento de latón sonando. Es el único instrumento de latón que no utiliza votos. En lugar de válvulas, utiliza un mecanismo de deslizamiento en el que una pieza de tubería desprende su segunda pieza de tubería , con lo que acorta o aumenta el ng general para el tubing. El largo total de los tubing es de aproximadamente nueve pies. Se cuenta con un total de siete posiciones diferentes para el lateral. Cada posición produce un tono fundamental diferente. Los propios pitches fundamentales rara vez se utilizan en nuestra música personalizada. Pero al cambiar la emboscada, er un jugador puede producir los lanzamientos en los armónicos Siri que se derivan de los fundamentos. Una orquesta suele tener tres trombones, dos trombones tenor y un trombón bajo. Las orquestaciones más grandes pueden requerir hasta seis jugadores, de los cuales 1 a 2 serían trombones basados. El trombón es un instrumento no transpuesto y suena tal como está escrito. La música para trombón está escrita en tela base, pero la clave tenor se utiliza según sea necesario para evitar demasiadas líneas de contabilidad. A diferencia de las partes de trompeta y cuerno, la parte del trombón está escrita con una firma de llave. El rango dado aquí es el rango práctico de los profesionales del trombón tenor pueden jugar ligeramente más alto hasta F cinco con dificultad. Muchos trombones tenor ahora incluyen un gatillo F, una válvula rotativa, que conecta instantáneamente el tubing extra para extender el rango hacia abajo. Debido a esto, el trombón tenor a menudo puede tener el mismo rango que el trombón bajo que se muestra en la siguiente diapositiva. Acabo de darme cuenta de que no sonará bastante su residente en el padrón inferior como un verdadero trombón bajo . Will ah ah está bien. Ah ah Las siguientes son las características de registro del trombón tenor. El trombón bajo suena similar, pero es más bajo. El registro es un sonido más completo. Es registros medios más oscuros, y es alto. Registrarse es difícil de jugar. El rango del trombón es bastante homogéneo y no cambia características tanto como hacen algunos de los Woodman's. Cuando se juega forte, el registro inferior suena amenazante. Bueno, los registros medio y superior suenan heroicos cuando se tocan piano. El registro inferior y medio suena misterioso o grave. Bueno, el padrón superior suena lleno y brillante. Capacidades dinámicas no se ven muy afectadas por el registro ni en el trombón tenor ni bajo 76. Tuba: con casi 18 pies de tubo. El tuba es el instrumento de latón de sonido más bajo. Hay en cualquier lugar de 4 a 6 válvulas. El cambio, la longitud del tubo ahí, muchos tamaños de tubas. Y en base a lo que exige una paz, los jugadores orquestales profesionales a menudo elegirán tubas de diferentes tamaños para diferentes piezas de música dentro de un mismo concierto. Las tubas más comunes son la tuba F y la tuba de mar. En Estados Unidos. El C dos, con cuatro válvulas, se utiliza como un tipo de instrumento todo alrededor. Debido a su tamaño, el tubérculo requiere más aire, tierra y otros instrumentos de latón. Asegúrate de dar a los jugadores muchos periodos de descanso. Una orquesta típicamente tiene sólo 12 pero el jugador orquestaciones más grandes pueden requerir hasta dos jugadores. El tuba es un instrumento no transpuesto y sonidos como escrito La música para tuba siempre se escribe en base. Clough es importante recordar que las partes a un como partes de trombón se escriben con firmas clave donde sus partes de cuerno y trompeta no utilizan firmas clave. Um ah, Las notas en el registro inferior son un poco lentas y más lentas para sonar como el registro inferior de la polémica pronto. Por lo tanto, debes evitar escribir pasajes muy rápidos en el padrón inferior. El padrón superior suena muy lleno en suaves pasajes llegados y comienza a parecerse un poco a la calidad del cuerno. De hecho, el tubo en bocina suena muy parecido. Cuando se tocan piano y más silenciosos, más alto se ponen, menos suenan el uno al otro. El registro inferior suena más completo y es más fácil de jugar en tubas más grandes. Bueno, el registro superior suena para y es más fácil de jugar en. El tubo más pequeño es la dinámica no se ven muy afectados por el registro. 77. Quiz 11: 78. Estudios de estudio y la escucha (sec.11): 79. Vibrato de latón: la técnica de plano de un más amplio es posible en todos los instrumentos de latón, muy poco para traído Era necesario y su principalmente reservado para pasajes en solitario. No hace falta conocer a Teva más amplio en el marcador, ya que los jugadores sabrán y decidirán por sí mismos cuándo y cuánto por la gravedad. Si sí quieres que se toque un pasaje particular en la música sin vibrato, coloca las palabras sentido del extranjero sobre no vibrado con partitura. Asegúrate de indicar cuándo los jugadores regresarán a la normalidad para jugar brutal colocando convertir Botto o Norman. El marcador para más amplio en instrumentos de latón podría realizarse de varias maneras. Lip for a broad es probablemente el más común y se hace cambiando la emboscada. Claro, otro método de tocar con fuego traído me logré sacudiendo suavemente instrumento con las manos ahí variando la presión contra la boquilla. Este tipo de para traído se llamaba vibrato mano. Si bien es posible, la forma menos común de jugar con para más amplio en un instrumento de latón es mediante el uso los músculos abdominales para cambiar. El flujo de aire ha llegado se haga con triunfos de madera 80. Tono de latón y lengua: en instrumentos de latón, todas las notas que se tocan con una articulación separada distinta. Tal staccato o marcano se juegan girando cada nota individual cuando un pasaje no indica una articulación específica. El jugador también lengua cada nota individual en pasajes llegados solo el primer lanzamiento dentro de cada slurs. Tiempo para una discusión completa sobre giro Consulte la conferencia lengua ing bajo la sección técnicas de juego para mujeres. Se necesitaban muchas áreas para tocar un instrumento de latón y los pasajes tan aguerridos no deberían ser tan largos como los de Woodman's. Recuerda dar tiempo a los jugadores para respirar. Hmm. El cronometraje simple doble y triple es posible en todos los instrumentos de pechos y ha logrado la misma manera que las victorias involuntarias. Para obtener más información, consulte la conferencia lengua ing bajo técnicas de juego para vientos madereros. Trump lo trombón de maíz, Ah, tuba y yo lo triunfo trombón de maíz, tuba. Trump it trombón de maíz. Si bien la lengua aleteo es jugable en todos los instrumentos de latón, es más fácil en cuerno y trompeta, luego en trombón o tuba. El tiempo de aleteo también es más difícil en los registros extremos. Se logra de la misma manera que un ganaría y se nota de la misma manera. Trump it maíz, trombón, tuba. Uh, 81. Trillos de latón y tremolos: todos los instrumentos de latón son capaces de tocar trinos hombro típicamente realizado con las válvulas. A pesar de que algunos espectáculos en el padrón superior se pueden producir con los amish. Claro, se llaman trinos de labios. Cuantas más válvulas estén involucradas en el show, más difícil es jugar. Por ejemplo, trolling con una sola válvula es más fácil. Dos válvulas son incómodas y tres son muy difíciles. trolls no se juegan típicamente con el trombón, ya que el trombón no tiene válvulas. La luz de los trombones se puede usar para troll, pero es muy lento y sonando incómodo. Todos los instrumentos de pechos son capaces de tocar ribete de ILO ya que el trémolo en un instrumento de latón involucra dos lanzamientos que en realidad sonarán más como un trino Si quieres sonar parecido a un arco. Dremel en una cuerda, usan lengua aleteo en su lugar. Por lo general, un jugador de bronce podría jugar suavemente un temblor de un tercio menor cambiando a su aficionado un tercio mayor o cuarto o un poco más lento y incómodo. No escribir tiemblos mayores de 1/4 ya que serán muy lentos y bastante ridículos sonando como con los trills, más valvular sitter involucrado en tocar el trémolo, más difícil es para el jugador realizar las quejas de trombón de junto con el slide, pero es más lento y sonando incómodo. Trump lo. Maíz, trombón, tuba. Uh, trimplalo. De acuerdo, Trombón, tuba. 82. Glissando de latón: de todos los instrumentos de latón go Sando es más fácil de realizar en el trombón debido a su mecanismo deslizante. El slide crea una verdadera dicha en el sonido similar al de deslizarse el dedo a través de una cuerda en el instrumento de cuerda de arco. Es muy importante recordar, con el intervalo más grande jugable ya que ical Sando es la zona comercial. Este es el intervalo entre la primera y la séptima posición de diapositiva y es tan lejos como posiblemente puedas moverte. Las ligeras trompetas y cuernos usan Olympic Lysander para crear un vaso sobre el efecto. Al cambiar rápidamente su Amish ER, los jugadores son capaces de correr a través de lanzamientos en los armónicos Siri's a una velocidad rápida. Esto funciona mejor arriba en la gama de instrumentos donde los parciales aire más cerca juntos, ascendente van Sandoz son más fáciles de realizar los descendentes. Gasana también es posible en el trombón y la tuba, pero es más difícil y rara vez se usa. Trump it maíz, trombón, tuba 83. Mesas de latón: hay varios mudos que podrían colocarse dentro de las campanas de instrumentos de latón. Estas carnes cambian tanto el carácter dinámico como la calidad tonal de los sonidos. Por ejemplo, de pasaje jugado fortissimo, más silenciado bien, no sólo suenan un poco más tranquilo que un pasaje fortissimo normal, sino que el Tambor también será diferente. Teoh cinta tocando con un mudo. Se colocan las palabras Concertino por encima de las notas en la partitura para conocer Tate el retiro de un mudo. Se utilizan las palabras sentido de Sir Gino. Acuérdate de dar a los intérpretes el tiempo suficiente para colocar o quitar el mudo de sus instrumentos . Significa que no se usan bastante suavizado o música personalizada como música jazz cuando se usan . El más común es el mudo callejero. Este es el mudo que los jugadores usualmente usarán cuando vean concertina en el marcador. En el cuerno, hay una alternativa para jugar con un mudo, que tiene un efecto algo similar. Se llama bocina detenida. Cuando un jugador de cuernos se detuvo, colocaron su mano derecha dentro del cinturón para detener la mayor parte del sonido. El resultado es una calidad más suave, más nasal para indicar que un intérprete debe jugar detenido. Simplemente conoce Tate se detuvo o elige por encima del personal. Asegúrate de conocer a Tate la palabra abierta en el marcador cuando quieras que el único jugador ya no detenga la guerra con su mano. Una forma alternativa de notar cuerno detenido es colocar un cartel más sobre cada uno. No, deseas que te jueguen como detenido. Trump lo. Trombón de cuerno. Uh uh. Tuba. Ah. 84. Demostraciones de latón: 85. Quiz 12: 86. Asignaciones de estudio y escucha (sec.12): 87. Escribir proyectos (sec.12): 88. Clasificaciones de percusión: 89. Quiz 13: 90. Timpani: también conocido como tambores de hervidor, los timbales, o uno de los miembros más antiguos de la sección de percusión. En la orquesta moderna, típicamente son un conjunto de cuatro tambores de timpani, interpretados por un timpanista. Cada tambor es de un tamaño diferente y por lo tanto tiene un registro diferente. En ocasiones se utiliza el tambor 1/5 para extender el rango más alto o más bajo. El toro del tambor está hecho de cobre o latón, y la cabeza del tambor está hecha de piel de animal o plástico. Un beneficio de usar plástico es que la cabeza no se ve afectada por la humedad o el cambio temperatura, como lo es la piel de los animales. Si se utiliza piel animal, el timpanista tendrá que comprobar la afinación de su instrumento varias veces durante un concierto. Los métodos tempranos para cambiar el tono del tambor consumían mucho tiempo. Alrededor de 10 tornillos alrededor de todo el tambor tuvieron que ser apretados o aflojados para ajustar la tensión del tambor, y así cambió el tono. Alrededor de 18 70 se inventó el tambor de pedal, que permiten que el timpanista se ajuste. El tensor del tambor tenía muy rápidamente usando un pedal de pie. Todos los tambores de timpani modernos cuentan con este mecanismo de pedal. Es de destacar que el timpanista es un tipo especial de percusionista que se especializa en tocar los saltos de la compañía. En otras palabras, el timpani solo tocado por un timpanista. El timpanista a veces puede ayudar con tocar otros instrumentos de percusión, pero a otros percusionistas muy raramente se les permite tocar la compañía. Música para timpani se anota en un bastón cruzado de base única. Se trata de un instrumento no transponible y suena tal como está escrito. Aquí está la gama de un conjunto estándar de cuatro tambores de timpani. ¡ Oh oh! Cada tambor tiene un rango de aproximadamente 1/5. Las dimensiones que aquí se dan son tamaños típicos, pero éstos pueden muy levemente, acuerdo a cada instrumento, con un piccolo de 20 pulgadas a video drum se alzan para ver para posible marcar las afinaciones para cada tambor por encima del pentagrama el inicio de la puntuación de menor a más alto aquí, el timpanista afinaría los tambores dedo del pie a C, D y G. D y G. Cualquier cambio de afinación necesita ser marcado también. Por ejemplo, para cambiar el D Tony, conocerías a Tate de Dashi por encima del personal en el lugar más temprano posible. Un intérprete podría hacer el cambio. Otra alternativa es conocer a Tate, un error de arriba abajo entre los lanzamientos, y algunos prefieren este método. También se puede utilizar la notación de tono científico, pero esto es menos común si hay múltiples cambios, elpulgar derecho, pulgar derecho, uno por encima del otro de la afinación más alta a la más baja. Los cambios son mejores durante los descansos, pero es posible cambiar un tono en un tambor mientras se toca en otro. Un buen timpanista ha adquirido memoria muscular y puede ajustar la afinación con el pie simplemente por sentir quieto es más seguro para permitir que el jugador de 1 a 2 segundos sintonice oralmente. Afinación auralmente implica los 10 minutos colocando su aquí junto al tambor y golpeándolo suavemente mientras ajusta el pedal. No se necesita silencio completo para sintonizar. De hecho, afinación puede incluso tener lugar durante un completo de dos T en la orquesta. Evita escribir cambios de afinación durante pasajes muy tranquilos para que el público no escuche el timpani siendo girado. El Tim Paneer, capaz de triplicar P dos triple F en cualquier parte de su rango, tarda aproximadamente de 3 a 5 segundos para que una nota muera, dependiendo de lo duro que golpeara el drama. Un timpanista puede cambiar la madera del terreno de juego golpeando el tambor en diferentes lugares. El punto dulce donde el giro es más puro y definitivo, está a unas seis pulgadas del borde. A medida que te acercas al centro del tambor, el tono se vuelve menos puro y menos definido hasta que suena más como un golpe. También se puede cambiar la madera mediante el uso de diferentes tipos de boletas. Ahora vengamos en suave a medio y duro. Cuanto más duro es el malot, más brillante, más suave el sonido que malot, oscuro es el sonido. A veces también se usan palos de madera. Si conoce la dureza exacta y el tipo de material que desea utilizar, indíquelo hacia adentro por encima de las notas en el pentagrama. Por lo menos, debes especificar mazos duros, mazos medios o mazos blandos. Siempre que haya un cambio en el tipo mala durante una paz, asegúrate de darle al intérprete tiempo suficiente para hacer el cambio. Y si no se indica el tipo de mazo, el timpanista decidirá qué tipo sería más adecuado para cada situación en particular. Aquí te dejamos algunos ejemplos de audio de tipos de mazos. Media Ellen. Cantidad dura, entonces sería, uh una de las técnicas de plano más idiomáticas para Tim Petit es el rollo de tambor. Las niñas son similares a los instrumentos de cuerda de trémolo inclinado Zahn y deben anotarse de la misma manera para una discusión completa. Entre malos y su notación por favor vea el entrante de la conferencia. Melo bajo la sección técnicas de tocar para instrumentos de cuerda inclinados. Antes del siglo XX, los generales se anotaban con el letrero del sendero para rodar un solo tono. El timpanista se alternará rápidamente con Mel. Está en un solo tambor. Temblores, que consisten en dos lanzamientos diferentes se tocan en dos tambores diferentes. Los rollos suelen tener un trazo de corte, que es el último trazo del rol. Asegúrate de conocer Tate la longitud del trazo de corte. En este ejemplo, el trazo de corte es de 1/4 nota. El timpanista tendrá que detener el sonido colocando su mano sobre el tambor que tenía al cuarto de descanso. Aquí te dejamos un ejemplo de audio del rollo de timpani. Tocar lanzamientos sencillos es muy común en la música Tim Pretty, pero también es posible tocar dos lanzamientos simultáneamente, usando dos tambores. Ya que el timpanista tiene un mazo y tú Chand, pueden golpear dos tambores al mismo tiempo. Aquí un ejemplo que involucra el total de tres tambores afinados FCF tocó dos a la vez alterando el tono con el pedal, una copa Sando de aproximadamente 1/5 como sea posible en el Tempe. Podrían realizarse en cualquier dinámica y pueden ser ascendentes o descendentes. Alessandro también se puede realizar mientras rodaba. Aquí te dejamos algunos ejemplos de audio. ¡ Oh oh! 91. Xylophone: xilófono es una firma idiota de tono definido. Fue el primero de los Instrumentos Mela en formar parte de la sección de percusión de la orquesta. Algunas de las primeras apariciones orquestales del xilófono, que están en 18 75 en 18 86. Los nombres yo el teléfono viene del griego. El instrumento está conformado por muchas barras de madera de diferentes tamaños, que uno golpeó con un mazo, producen diferentes lanzamientos. El rango de aire de barras de madera drásticamente de acuerdo al tamaño. Cuanto más grande es la barra, menor es el tono, su lugar en dos juegos de rosa, como las teclas blancas y las teclas negras sobre un piano. The Moderns I. El teléfono también cuenta con tubos resonantes para cada barra, lo que ayudó a simplificar el sonido. Música para teléfono Zyla está anotada en un solo personal en problemas. Clough. Se trata de un instrumento de transposición y suena una octava más alta que la escrita. El teléfono silencioso viene de varios tamaños, siendo la más común la versión tres activa. El xilófono es capaz de triplicar P dos triple F en cualquier parte de su rango. El instrumento tiene muy poca resonancia, y todas las notas básicamente suenan staccato. Su tambor general es un sonido de madera brillante Pero como todos los instrumentos mala, la madera es más cálida en el registro inferior y se vuelve más brillante. ¿ Es un lugar más alto? mazos telefónicos Zyla típicamente tienen mangos algo flexibles y cabezas redondas pequeñas. Los cabezales están hechos de caucho, madera o plástico. mazos más suaves pueden tener cabezas envueltas en patio. puede alterar la madera de los instrumentos de O'Malia mediante el uso de diferentes talentos. Si conoce la dureza exacta y el tipo de material que desea utilizar, indíquelo hacia adentro por encima de las notas en el pentagrama. Por lo menos, debes especificar boletas duras, mazos mediáticos o monturas blandas. Y siempre que haya un cambio en el tipo mala durante una pieza, asegúrate de darle al intérprete tiempo suficiente para hacer el cambio. En caso de no indicar el tipo de mazo, percusionistas decidirán qué tipo sería más adecuado para cada situación en particular. Preferido tipo Mala para su teléfono isla esta dura debido a la calidad de tono particularmente brillante proporciona con el duro Mellat. El sonido del xilófono suele cortar a través de la orquesta. Técnicas de juego incluyen el trill, trémolo arpegio y Dalesandro. También son posibles acordes negros y temblores de acordes si el jugador sostiene dos melones en cada mano. El estándar es un mijo por mano intervalos de hasta 11 o posible a los melones en una mano . Pero algunos jugadores con manos más grandes y mazos más largos pueden alcanzar hasta 1/13 hilo plástico blando plástico duro, entonces lo haría más. 92. Marimba: el Marambra es un teléfono idiota de tono definido. Básicamente es una versión más grande, más baja de diseño un teléfono. Su primera introducción en la sección de percusión de la orquesta fue en 1947. Recuerda Mallet's vienen en duro, medio y blando, y mientras que los mazos más duros preferían para esto voy un teléfono. Mazos más suaves aire preferido para la marimba. Esto se debe a que las barras Merima son más delicadas. Las cabezas de melón están hechas de caucho, madera o plástico, y típicamente están cubiertas de orina. Como siempre, el compositor orquestador debería señalar en la partitura si el jugador debe usar mazos duros, medianos blandos y darles tiempo suficiente si fueran a cambiar melones durante una pieza . Música de Marimba se anota en el personal individual en cualquiera de los clubes de viajes para que Clough cambie paños según sea necesario. También a veces se anota en un gran staff, y muchos jugadores de marimba parecen preferir este método. Se trata de un instrumento no transpuesto, y se escriben sonidos. El Merima viene en varios tamaños. El más común son las cuatro versiones activas y cinco Octa. Aquí está el rango de los cinco marambra activos, más MBAs. Las barras de madera son más suaves y delgadas que las barras de xilófonos y por lo tanto tienen un tono Britcher más oscuro en el registro superior que Marambra se asemeja al sonido de la firma Zyla al escribir desde marimba, es el registro inferior el que debe ser explotado, ya que este registro tono es único del instrumento. No sólo los cuadros inferiores son más oscuros y ricos, también resuenan mucho más tiempo, 2 a 3 segundos. El miembro capaz de triplicar P dos triple F y tú estabas en su rango. Todas las técnicas de juego posibles en xilófono también son posibles en marimba. Es estándar que la mayoría de los jugadores de marimba jueguen con dos mazos en cada mano. Esto no implica que todos los escritos de miembros deban ser cordiales. Los golpes individuales también se pueden jugar bien, sosteniendo a los mazos en cada mano. Al escribir intervalos y acordes, recuerda que el ancho de las barras se vuelve más delgado cuanto más alto juegas. A diferencia del teléfono Zyla, donde todas las barras son de igual con inactivo es de aproximadamente 24 pulgadas en el activo más bajo del instrumento y alrededor de 16 pulgadas en el activo más alto. Esto significa que los intervalos y acordes más grandes son posibles. Cuanto más alto juegues aquí, los intervalos máximos promedio posibles a millones por mano noventa desde mar hasta carpas de mí también. 11 de mí tres y 12 de C cuatro blandos en hilo medio, hilo duro caucho, entonces lo haría oh. 93. Glockenspiel: el glockenspiel es un teléfono idiota como tono definido. El nombre glockenspiel es alemán para Bell play. A diferencia de este teléfono Isla de Marambra, que estaban conformados por barras de madera, el glockenspiel está conformado por barras metálicas. Al igual que con todos los instrumentos mala, las barras dispuestas dramáticamente de acuerdo al tamaño y vienen en dos filas como un teclado de piano . A diferencia de los otros instrumentos mala, el glockenspiel viene de una manera talla única y tiene un rango más pequeño. Las cabezas de mazo vienen en varios materiales más duros. Los melones están hechos de metales como el latón. mazos más suaves están hechos de madera, plástico y caucho. Es típico que un Glock Ishmael se juegue con mazos metálicos, ya que las barras de acero se airean más densas que las barras de madera y toman más fuerza para hacerlas vibrar. Un aspecto único del moderno glockenspiel es el pedal del amortiguador. Cuando el pedal no se presiona hacia abajo, las barras metálicas se humedecieron con aire por un riel de fieltro. Esto permite a un intérprete jugar elegir a las nueces de Qatar. Cuando se presiona el pedal, los amortiguadores se levantaron y los tonos pueden resuenar durante mucho tiempo. Pablo debe notarse debajo del pentagrama utilizando cualquiera de los siguientes métodos porque el metal resuena mucho más tiempo que la madera que un intérprete puede lograr. I botto moviendo una mano cubada arriba y abajo sobre la barra vibratoria para indicar para amplia Oh , derecha con,para una amplia , derecha con, derecha con, encima del pentagrama para indicar un retorno a la normalidad tocando derecho sin vibrato encima de la música del pentagrama para glockenspiel se anota en un solo personal en problemas. Clough. Se trata de un instrumento de transposición y suena dos octavas más altas que las escritas. - El glockenspiel es capaz de triples P dos triples off en cualquier parte de esta gama. Su Tambor general es una campana brillante, metálica como sonido, Pero como todos los instrumentos mala, el tambor es más cálido en el registro inferior y se vuelve más brillante como un lugar más alto. Todas las técnicas de avión posibles en la marimba del xilófono también son posibles en el billete negruzco . Por lo general, solo se usa un mazo por mano, pero los jugadores pueden usar hasta dos por mano para canchas más grandes, el intervalo más grande posible para mazos en una mano. Sus dos activos, más un segundo sería plástico duro que metal tú , no 94. Vibraphone: el vibráfono es un teléfono idiota de tono definido. Se trata de un invento estadounidense desarrollado alrededor de la época de la Guerra Mundial. A pesar de que se ha utilizado cada vez con mayor frecuencia, nunca ha alcanzado bastante la misma posición que los otros instrumentos Mala, el vibrafonista similar a la factura de bloqueo, y que sus barras están hechas de metal en lugar de madera. Cabezales de mazo u otros redondos o elípticos. mazos duros suelen acostumbrarse a tocar el vibráfono porque se necesita más fuerza para vibrar las barras metálicas. Los materiales comunes son el latón y el caucho duro. mazos más suaves incluyen mantequilla de plástico y madera. Rara vez usado. El vibráfono tiene un pedal amortiguador, como el glockenspiel, que se nota de la misma manera. También tiene tubos resonantes debajo de cada barra, como la marambra y el xilófono en la parte superior de cada YouTube residente. Son pequeños discos giratorios controlados por un motor, discos giratorios de los, efecto vibrato creativo. La velocidad del motor es ajustable y el disco y girar en cualquier lugar de 0 a 12 veces por segundo, indicando la puntuación si se va a utilizar el motor. Y si es así, la velocidad de la música motora para vibráfono se nota en un solo pentagrama en paño problemático. Se trata de un instrumento no transponible y suena tal como está escrito. El vibráfono viene en varios tamaños. El más común es la versión tres activa, con el rango de F tres a F seis. Uh, - vibráfono es capaz de triple P dos triple F en cualquier lugar de su rango. El Tambor se asemeja al glockenspiel, pero mucho más suave. La mayoría metálica y brights, es sonido, se ha llamado vidrioso y etéreo. El vibráfono es capaz de todas las técnicas de juego comunes utilizadas para un xilófono, marimba y glockenspiel. Al igual que la marimba el vibráfono tiene barras se han graduado con Esto significa. Cuanto más alto vayas, mayor será el intervalo posible. Aquí, los intervalos máximos medios posibles con dos millas por mano noventa de F tres 10 de G tres, 11 de D cuatro 12 de una mela blandacuatro blanda , luego mazo duro. 95. Campanas Tubular: Este instrumento es un teléfono idiota de tono definido, también conocido como campanillas o campanillas sinfónicas. Las campanas tubulares fueron utilizadas originalmente en óperas para imitar el sonido de las campanas de iglesia. Algunas de las primeras apariciones fueron en 18 53 18 59 y 1900. A Estándares de Campanas Tubulares consta de 18 climáticamente, dos tubos cilíndricos. Se aferran a Irak y se arreglan en rosa. La fila de atrás es equivalente a las teclas negras del piano, mientras que la primera fila es equivalente a las teclas blancas. Los tubos son golpeados con barcos martillo, mazos hechos de madera o plástico. También hay bocas metálicas, pero estos aire generalmente no se usan porque pueden dañar los tubos. Las montañas están cubiertas y fieltro o cuero con el fin de lograr diferentes niveles de dureza. Un pedal amortiguador permite al jugador amortiguar el sonido de todos los tubos a la vez. Un jugador también puede amortiguar el sonido de cualquier tubo en particular colocando su mano sobre el tubo . Música para campanas tubulares se nota en un solo personal en problemas. Clough. Se trata de un instrumento no transponible y suena tal como está escrito. El estándar 18 tubos da un rango de C cuatro dedos F cinco. Las orquestas más grandes a menudo tendrán un conjunto con más tubos, lo que permite un rango de F tres a G cinco. Uh uh. - Las campanas tubulares son capaces de triples P dos triple F en cualquier parte de su rango. El sonido está conformado por dos partes. El aviso de huelga y la residencia. El strike note es el sonido o oído percibe como el tono y corresponde al tono escrito en la partitura. El poblador contiene lo fundamental un golpeado de más bajos y muchos armónicos. Es un tono muy rico. Cuando se golpea, el sonido resonará durante un tiempo extremadamente largo a menos que las técnicas de juego amortiguadas incluyan golpes individuales. Single Notre Melo jugó usando a mazos en un solo tubo. Inglés Sandoz cerrar. Sandoz típicamente jugaba corriendo un palo a través de los tubos. Dos lanzamientos simultáneos aire posibles si el jugador utiliza para monturas. Uno. Cualquier canto. Si se desea un maíz de tres notas o extranjero, es necesario otro jugador. Ambos tocando en el mismo instrumento se sintieron luego plásticos. El O Way 96. Encuesta 14: 97. Asignaciones de estudio y escucha (sec.14): 98. Escribir proyectos (sec.14): 99. Batería Snare: el tambor de la caja es miembro y un teléfono de tono indefinido. También se le conoce como el lateral Drum porque originalmente se tocaba de su lado y bandas militares donde colgaba de los bateristas izquierda cadera. Posiblemente su primera aparición en la orquesta fue en 17 49. El tambor de la caja en realidad tiene que tambor cabezas. A la cabeza superior donde toca el percusionista se le llama la cabeza de bateador. El fondo tenía donde se unen las trabas se llama la caja Cabeza. Generalmente son de 8 a 18. Snares hechos de seda o nylon enrollado con alambre. Se podrían encender o apagar las burlas con un interruptor con trabas. Apague. Este casi tambor suena como un típico Tom Tom de un kit de batería con sneers encendidos. Este tambor de caja tiene un sonido muy único, el cual es metálico brillante. Los tambores de caja tienen palos de madera especiales que se adelgaza, estrechan cerca de la parte superior y tienen ya sea alrededor de punta ovalada. En ocasiones se usaban mazos Semejantes pequeños timbales, mazos o mazos de marambra. El tipo de uso del palo cambia la forma en que suena el tambor cuando se golpea, por ejemplo, pequeños mazos de timpanes que se usan típicamente para trabar y producen un golpe corto. El tambor de la caja también se puede reproducir usando cepillos de alambre. Esto es común en el jazz. Los cepillos de alambre tienen un sonido mucho más suave palos de madera. Ahí, dos formas de jugar con pinceles. El primero es golpear la cabeza de los alemanes que normalmente haría con un palo, y la segunda forma es frotar los pinceles con un movimiento circular sobre el cabezal. No Tate, la palabra pincha en la partitura si quieres que el tambor sea golpeado con cepillo de alambre, y si quieres un frote circular, conoce Tate la palabra swish. trazos individuales y los roles son técnicas típicas de juego, ritmos muy rápidos de posibles debido a la corta residencia del instrumento. Aquí hay algunos trazos comunes el flam, el drag, los tres trazos ásperos, los cuatro trazos ásperos y el papel. Otro golpe es el disparo de habitación para producir un tiro de habitación. Ese percusionista coloca una de las baquetas en el tambor. El extremo está descansando sobre el cabezal, y el mango está descansando sobre el borde. Después golpean a este palo con segunda baqueta, y esto crea pueblo UNIX que ha sido micrófono en un disparo de pistola. Es de señalar que El tiro de sala orquestal es diferente al tiro de llanta del mundo pop rock. Este tipo de tiro de habitación se logra por el golpe simultáneo del Grim y la cabeza . Esto tiene un sonido más potente, pero es más difícil realizar precisión. El tambor de la caja es capaz de tocar doble P dos triple F música para la caja El tambor se nota típicamente en un pentagrama de una sola línea con la clase de percusión, ya sea el siguiente cierre de percusión es aceptable. 100. Batería de bajo: el bombo es miembro y un teléfono de tono indefinido. Se afianzó firmemente como parte de la sección de percusión de orquesta para el último tercio del siglo XIX. El tambor se sienta verticalmente y tiene un cabezal de tambor en ambos lados. Un lado es la cabeza de bateador, donde el jugador golpea y la otra cabeza es la cabeza resonante. El bateador tenía su más grueso, pero ambas cabezas están hechas del mismo material, generalmente pantorrilla asustada. Los tambores de bajo típicamente golpearon con el mazo, similar a un mazo de timpani, solo más grande, con una cabeza más suave y cubierta de fieltro. En ocasiones se usaban palos de madera. El impactante spot, que produce el lleno de sonido, es alrededor de una mano con desde el centro. Los trazos individuales y los roles son técnicas típicas de juego. Los golpes sencillos rápidos no son tan comunes porque la gran resonancia del instrumento difumina el sonido. Si cada trazo se va a escuchar claramente, una tela tal vez colocada sobre el cabezal de tambor y se pegaría usado. El bombo es capaz de tocar triple P dos triple F y puede superar fácilmente al resto . El orquesta en su más fuerte. El sonido del bombo ha sido como dentro del sonido de la música de trueno para el bombo se nota en una sola línea Staff con la percusión Clough Oh, oh! 101. Triángulo: el triángulo es un teléfono idiota de tono indefinido que está usando. La orquesta data de mediados del siglo XVIII. El triángulo está alrededor de la varilla. Típicamente hecho de acero. Se ha doblado en forma de triángulo y se ha dejado abierto en un extremo. El instrumento cuelga de un trozo de cuerda o alambre unido a la esquina superior. El triángulo viene en varios tamaños, pero el sonido más común o de 68 y 10 pulgadas se produce en un triángulo golpeando el instrumento con un batidor de metal. Los batidores vienen en diferentes grosores. Cuanto más grueso sea el batidor, la gran cantidad del sonido tocando en diferentes puntos en el triángulo también puede cambiar La calidad del sonido. Golpear cerca del centro de cualquiera de los tres lados da el sonido más puro, más parecido a campana. Llamar cerca de las esquinas le da o resplandeciente calidad al sonido. Las técnicas de juego se limitan a hits individuales y recortar. Un trémolo de Ilo se logra alternando rápidamente con golpes de lado a lado en una de las esquinas. El instrumento tiene un tiempo de descomposición muy largo, pero podría ser humedecido con la mano no llamativa para tuercas más cortas para ritmos complicados rápidos . podrán utilizar dos batidores. El triángulo es capaz de tocar música triple P dos doble F para triángulos, anotada en un pentagrama de una sola línea con un paño de percusión. 102. Cymbals: Los símbolos son un teléfono Nydia de tono indefinido. El instrumento es otro de los instrumentos más antiguos, no agudos de la sección de percusión, con uno de los primeros usos en 17. 82 símbolos están hechos de alambre de latón, ella latón, níquel, plata o bronce aliados. El diámetro oscila entre 16 y 24 pulgadas. Hay un agujero en el centro de cada símbolo donde se adjunta una correa de mano de cuero. El instrumento viene en par, y los percusionistas sostendrán un símbolo en cada mano. Usando las tiras de mano, el platillo se estrella la técnica más idiomática, sencilla. El choque podría jugarse desde doble P dos triple F. Alejado en voz alta. Un choque de platillos se puede escuchar fácilmente sobre toda la orquesta. Los símbolos tienen un tiempo muy largo a K, pero este tiempo de descomposición podría acortarse amortiguando los sonidos. Esto lo logra el jugador tocando los símbolos contra su cuerpo, generalmente su pecho. Es importante conocer a Tate cuánto tiempo debe sonar el símbolo y cuándo deben humedecerse. Normalmente, si colocas descansos en el marcador, el jugador humedecerá el sonido. Pero no siempre. Hay un tipo especial de notación que le dice al intérprete cuándo embalar el sonido y fue a dejarlo seguir vibrando. Si quieres que el sonido resuene, debes saber Tate un empate o LV dejar vibrar por encima de las tuercas. tocarían las siguientes dos medidas exactamente de la misma manera que se tocarían 4/4 notas, y el intérprete no amortiguaría el sonido entre cada nota. Si quieres, la amortiguación del sonido en el medio es ahora. Simplemente podrías dejar fuera los lazos de que esto podría ser ambiguo. Es mejor conocer a Tate Seiko por encima de cada uno ahora. El farsante dos medidas se tocarían exactamente de la misma manera en que se podían tocar 4/4 notas, y el intérprete amortiguaría el sonido entre cada nota. Otras técnicas al lado del choque estándar, Nuestros roles Instru Shadow roles se realizan frotando los dos Platillos juntos en un rápido movimiento circular. Típicamente se notan como general, serían sombras de amante interpretadas al comenzar con los dos Platillos juntos y luego deslizarlos rápidamente para crear un sonido zing o silbido. Típicamente se nota con línea de troll ondulada. También se podrán utilizar símbolos suspendidos en la orquesta. Estos aire suspendidos en un soporte y se golpean con palos, mazos o cepillos e incluso se pueden inclinar con un contrabajo o arco de violonchelo. Indicar siempre en la partitura si los símbolos aire a jugar como platillos de choque o símbolos suspendidos . 103. Tam-tam: el Tam Tam es un teléfono idiota de tono indefinido. A pesar de que es miembro de la familia Gong, se diferencia de los gongs jefe, que el aire golpeó en el centro y producen lanzamientos definidos. El instrumento es un disco circular, ligeramente convexo hecho de chapa de bronce fundido de bronce martillado Tam tams varían en tamaño desde siete pulgadas más de 60 pulgadas. Se perforaron agujeros en la llanta en lugares que no vibran con el fin de suspender el instrumento por cable. Las técnicas de juego incluyen trazos individuales, repeticiones y rollos. El tam tam es típicamente golpeado con un Malik especial llamado batidor Agong. Otras técnicas incluyen frotar la superficie del instrumento con un batidor de triángulo en un movimiento circular. Esto podría notarse como un trémolo con frote de triángulo colocado encima del pentagrama. También puedes raspar la habitación del instrumento con el batidor triángulo. Esto se nota como un trémolo, con triángulo raspado colocado encima del pentagrama. Otra técnica interesante no es inclinarse. El borde del instrumento con un arco de contrabajo o arco de violonchelo simplemente no lancha cinta arriba del personal. Esto solo es niveles efectivos, más silenciosos, más silenciosos, dinámicos. El largo de resonancia podría ser superior a 30 segundos así que asegúrese de usar notación muy clara. Al igual que con los símbolos, las notas sostenidas deben ser de marcha, ya sea con corbatas o mucho vibrar. Los malditos plátanos deberían marcarse Sekou. Los tandemos más grandes airan difícil de detener de vibrar, y el intérprete normalmente tendrá que agarrar el instrumento con ambos brazos y llevarlo a descansar contra su cuerpo durante medio segundo. El tantalio es capaz de jugar Triple P a cuádruple F. Un verdadero placer Bluff es posible y crescendos por la acumulación de energía y golpes repetidos . Música para 10 Tim se anota en un pentagrama de una sola línea con un acantilado de percusión. 104. Tambourine: el Tam Marine es un meme teléfono Brenna de tono indefinido su nombre en tambor pequeño. A pesar de que el instrumento ha tenido un lugar en la sección de percusión de la orquesta desde mediados del siglo XIX, la pandereta hizo apariciones orquestales aún antes a finales de los 17 cientos. El instrumento consiste en un aro de madera sobre el cual se ha estirado una piel de becerro, o cabeza de plástico alrededor del aro de madera. Nuestras ranuras con pequeños discos de mama podría haber en cualquier lugar de 4 a 20 pares de discos en dos filas. El pandereta viene en varios tamaños, siendo 10 pulgadas el estándar. Otros tamaños incluyen seis pulgadas y 15 pulgadas. El manipulado típicamente se sostiene en una mano y se golpea con la otra mano, pero también se puede golpear con los dedos Nichols o palma. Si se coloca en el soporte, se puede golpear con mazos. Una técnica de juego común para la manipulación es el trémolo para crear un trémolo, el instrumento se agita rápidamente, lo que provoca que los pequeños discos mamarios sonen. Otro tipo de trémolo es el papel del pulgar a realizar efímero, un jugador mojará su pulgar y luego lo frotará en un movimiento circular alrededor del borde del cabezal Esto crea fricción que hace sonar los discos pechos pequeños. Las dinámicas son controladas por la cantidad de presión desde el pulgar y la velocidad del movimiento circular efímero les da o efecto tremolo intenso. Pero el inconveniente es que sólo dura unos segundos. Aproximadamente tres segundos jugados. Forte y ocho segundos tocaron piano para indicar un trémolo estándar coloca la palabra sacudida por encima del trémolo para indicar un rollo de pulgar. Coloca la palabra pulgar sobre el trémolo. El manipulado es capaz de tocar triple P dos Triple F. Un verdadero triple P solo es posible si golpeas ligeramente un solo par de discos. Música para Tampering se anota en un pentagrama de una sola línea con el acantilado de percusión. 105. Demostración de percusión: 106. Quiz 15: 107. Asignaciones de estudio y escucha (sec.15): 108. Escribir proyectos (sec.15): 109. Introducción a los Keyboards: 110. Piano: se produce sonido en un piano. Cuando los martillos de fieltro duro golpean las cuerdas, estos martillos se activan al golpear las teclas del teclado, las cuerdas aire se estiraban a través de un marco de hierro fundido muy grande. Este marco es tan fuerte que puede soportar 20 toneladas de tensión de las cuerdas. El error y la imagen indica los amortiguadores. Cuando se golpea una llave, el amortiguador correspondiente se levanta de la cuerda justo antes de que el martillo lo golpee el martillo que golpea la cuerda, provocando que vibre. Cuando se suelta la llave, el amortiguador regresa a la cuerda, deteniendo la vibración y su sonido. Los amortiguadores permiten tocar el verdadero staccato en el piano. Existen dos divisiones básicas de pianos. El piano vertical y el piano de cola. Los pianos verticales, las cuerdas, las cuerdas, marco y la tabla de sonido son verticales. ¿ Dónde están los pianos grandiosos? Cuerdas, marco y tabla de sonido u horizontal? El piano de cola fue superior tanto en su mecánica como en su sonido y por lo tanto es el único tipo de piano utilizado en la orquesta. Un piano de cola y la mayoría de los pianos verticales tienen tres pedales de izquierda a derecha ahí. El U. N regala un pedal, el sustento del pedal y el pedal del amortiguador. Algunas opera sólo tienen los pedales derecho e izquierdo. El pedal del amortiguador es el pedal de uso más frecuente. A veces se le conoce como el pedal de sustain. Cuando se presiona el pedal del amortiguador con el pie, todos los amortiguadores de todo el piano se levantan de las cuerdas. Esto permite al intérprete quitar los dedos de las teclas y tocar otras teclas si es necesario, y las notas seguirán sonando. También permite vibraciones simpáticas de otras cuerdas que no han sido golpeadas, mejorando así el tono del piano. Un buen pianista sabe instintivamente cuando está deprimido soltó el pedal del amortiguador. Si quieres un tráfico específico del pedal del amortiguador en el marcador, debes conocerlo Tate. No. Toma la abreviatura pet para indicar cuándo un intérprete va a presionar el pedal y el asterisco indica cuándo un intérprete va a soltar el pedal en pedal alterno. Marcar es el soporte. El corto línea vertical de la izquierda significa pedal hacia abajo. La larga línea horizontal significa seguir sosteniendo el pedal. Muerte en la línea vertical corta a la derecha significa pedal arriba. Pedal solapado, a veces llamado pedal llegado, es cuando el pedal sube y retrocede de nuevo muy rápido. El sello termina los sonidos precedentes y sostiene los siguientes sonidos sin una ruptura en la continuidad del sonido, Se utiliza para conectar sin problemas armonías y despejar las distancias no deseadas. El punto en el medio muestra dónde el intérprete dejaría rápidamente el pie arriba y abajo otra vez. El U. N Accord a pedal es el segundo pedal más utilizado. Se utiliza para permitir que el intérprete juegue más tranquilo, y la mecánica funciona de una de dos maneras. Presionar este pedal sobre un piano vertical hace que los martillos se acerquen más a las cuerdas. Esto reduce la cantidad de velocidad que Hammer podría ganar, reduciendo así el volumen de sonido. el pedal de un cuarto sobre un piano de cola funciona de manera muy diferente y para explicar el mecanismo del que se nos mencionó por primera vez, realmente , de hecho, sobre el piano bolos notas en un piano tienen una cuerda para martillo. Las notas medias tienen dos cuerdas. Brammer y el más alto de nosotros tenemos tres cuerdas por martillo. Esta disposición de cuerdas mantiene las capacidades dinámicas más o menos uniformes en todo el rango del piano. Por ejemplo, cuando se presenta un en el registro inferior del piano. El martillo está golpeando. Una sola cuerda fija giró a. Cuando se presiona en una en el registro medio del piano, el martillo golpea a cuerdas más delgadas. Dos en un solo A. Cuando se presiona en un en el registro superior del piano, el martillo golpeando tres cuerdas muy finas afinadas a un solo A. Se les ha concedido pedal sobre un piano de cola causa de los martillos para moverse ligeramente al derecha para que los martillos que el aire golpeando múltiples cuerdas golpeen una fuerza menos. Esto hace que los sonidos sean un poco más silenciosos y permite al intérprete jugar expresivamente niveles dinámicos más bajos con mayor facilidad. No, toma estos de este pedal con palabras en 1/4 para volver a jugar sin este pedal. No, toma las palabras Trey Corta asesinado Pedal es el pedal menos usado. Funciona de manera similar al amortiguador Powell, pero sostiene sólo aquellas notas que se están tocando en el momento en que se presiona el pedal y no es efecto e incluso expresa a partir de entonces. Esto hace posible colocar para contrarrestar lanzamientos Mientras que los lanzamientos jugados anteriormente están siendo sostenidos. Esto es algo que no es posible con el pedal del amortiguador. Observe el pedal medio en algunos grands de menor calidad y vertical. Panoz sostiene sólo las notas en el padrón base y algunos montantes. El pedal medio baja un trozo de tela de fieltro entre los martillos y las cuerdas, que silencia todas las notas de una llave. A esto se le llama pedal de práctica y permite a los estudiantes practicar a menor volumen. Música para el piano no es profesor en un Grand Staff y Sonidos está escrito. El piano tiene la mayor gama de cualquiera de los instrumentos estándar. La orquesta moderna, - la madera del piano, es bastante homogénea en todo. Un extraño del extremo inferior es más oscuro y el más alto y se vuelve más brillante, el más alto un lugar. El tiempo de resonancia es de alrededor de 20 segundos del extremo inferior y disminuye a medida que se mueve más alto hasta que se vuelve alrededor de un segundo. Usando notas simples. Ese piano es capaz de tocar triple P dos doble F en cualquier parte de su rango. Pero con el uso del pedal y múltiples lanzamientos simultáneos, se podría obtener un triple F 111. Celesta: El Celesta es uno de los instrumentos de teclado más utilizados en la orquesta, quien fue inventado en 18 86 en París en 18 92. Tchaikovsky hizo popular el instrumento al usarlo en la Danza del Hada del Ciruelo Azúcar de su ballet, El Cascanueces. El nombre del instrumento proviene del Celeste francés, que significa celestial. Cuando se presionan las teclas de los instrumentos, los martillos de fieltro golpean barras fijas, que luego vibran sobre cajas de resonadores de madera debido a las cajas de resonadores. El verdadero staccato no es posible. A diferencia del piano, el Celesta solo tiene un pedal. El pedal del amortiguador. Presionar hacia abajo el pedal del amortiguador provoca que los amortiguadores se retiren de las barras de acero, permitiendo así que los lanzamientos resuenan más tiempo de lo que normalmente lo harían. Levantar el pie del pedal provoca que los amortiguadores regresen a las barras fijas, De este modo se detiene el sonido. Música para la celesta se nota en un gran staff y suena una octava más alta que la escrita. Aquí está el rango escrito de la celesta que se muestra en el pentagrama, y el rango de lijado del Celeste se muestra en el teclado. Un modelo alemán de cinco octavas extiende el rango hacia abajo por uno activo, y está empezando a reemplazar el estándar para el modelo francés activo. Uh, sobre todo en su rango más alto. El sonido de la celesta recuerda a una glockenspiel sólo más delicada y dinámica en la madera. El celestuoso, um, juega pianissimo en cualquier parte de su rango. Cuanto más alto se juega, más fácil es jugar encantador. E o mas tú, uh 112. Quiz 16: 113. Asignaciones de estudio y escucha (sec.16): 114. Escribir proyectos (sec.16): 115. Preparación de la base: 116. Encuesta 17: 117. Preparación de las partes: 118. Quiz 18: 119. Método para la puntura y las partes: 120. Doublings: una familiaridad con diferentes Tambor's de instrumentos individuales y la capacidad de utilizar madera bien partes importantes de la orquestación. Tambor es la calidad de color o tono de un instrumento. Está determinado en gran medida por un armónico de instrumentos y es la razón por la que somos capaces decir la diferencia entre una flauta y un oboe tocando el mismo tono, o incluso entre dos flautas diferentes tocando el mismo tono. Existen dos tipos básicos de madera. Cámara pura y madera compuesta. En el sentido más estricto, Pure Tambor es el sonido de un tipo de instrumento tocando pitches que no son duplicados por ningún otro instrumento o madera compuesta resulta de dos o más instrumentos diferentes tocando los mismos pitches. Vamos a ahondar un poco más en esto con algunos ejemplos. Aquí un ejemplo de una sola flauta tocando línea melódica. Esto sería un ejemplo de madera pura. Si dos flautas tocaran la misma línea melódica, también se consideraría una cámara pura, aunque un poco menos pura ya que ninguna dos flautas tiene exactamente la misma madera, aquí está el mismo ejemplo, esta vez jugó en perfecto unísono por una gripe para conocer a Bo. Esto se llama duplicación unísono y es un ejemplo de una cámara compuesta al unísono, duplicando zonas. El madera individual de cada instrumento se mezcla y crea un nuevo temperamento compuesto . Está bien. Cuanto más homogéneo sean los dos instrumentos, más completo será el sonido compuesto. Vamos a reemplazar el oboe por el clarinete y escuchar la diferencia. Observe cómo la mordida del oboe en el ejemplo anterior sobresalía contra la flauta. Pues bien, la calidez de un clarinete en este ejemplo se mezcla mejor. Esto se debe a que las tambor de una flauta y clarinetes son más homogéneas que las maderas de la flauta y el oboe. Ahora escucha lo que pasa si adquiere red para jugar las mismas líneas. El alimento pero una octava más baja cuando dos instrumentos tocan la misma línea en octavas, y se llama octave duplicar. La duplicación activa es una técnica y orquestación muy común. Tanto los dobles ings al unísono como los activos de Dublín se utilizan para mezclar el duplicado de Tambor pero de octava permiten a cada Tambor retener más de su propia identidad. Piensa en unidades y duplicar Xas, mezclando dos colores de pintura para conseguir un nuevo color como amarillo y azul me verde. Ahora piensa en octava duplicar Xas dos colores uno al lado del otro en el lienzo utilizado para complementarse o contrastar entre sí. Octave duplicar es no siempre tienen que ser dos instrumentos diferentes tocando la misma línea inductiva aparte. También pueden ser cualquiera de los dos siguientes del mismo instrumento tocando la misma línea una octava aparte, dos del mismo instrumento tocando la misma línea, dos o más acciones de partes, dos instrumentos diferentes tocando la misma línea, gira marroquíes aparte o múltiples instrumentos tocando la misma línea en múltiples octavas están activos. Doblar se considera el pozo de Tambor puro o compuesto, Técnicamente, cada instrumento está tocando un conjunto diferente de pitches, y en ese sentido, el Tambor es puro. Pero como cada instrumento está tocando el mismo elemento musical en este caso, la melodía con la que se encuentra la madera es un sonido algo compuesto, y así vemos que el elemento musical que cada instrumento toca puede tener un gran impacto en si la madera se encontrará con un sonido puro o compuesto. Por ejemplo, si la flauta y el clarinete tocaran melodías completamente diferentes y distintas, el sonido resultante sería el de, para contrastar ing puro. Tambor's, quien no se encontraría con un compuesto sonando como 121. Doublings dentro de una textura homofónica: Si bien la textura se estudiará en la siguiente sección, es necesario mencionarla aquí brevemente ya que se relaciona con la textura de madera trata con el número y tipo de elementos musicales en la partitura. En esta conferencia, llevaremos una de las texturas más comunes a casa una textura fónica y miraremos las diferentes formas en que podemos utilizar maderas puras y compuestas dentro de este tipo de texturas. Estas diferencias podrían resolverse, sobre todo si no has entrenado previamente a tu oído para reconocer diferencias en la madera para ayudarte. Al escuchar las sutiles diferencias, se recomienda que escuches en un buen conjunto de altavoces en un lugar tranquilo. Aquí tenemos la viola tocando la melodía y el violonchelo tocando el acompañamiento. Cada parte ha aparecido. Hambor I Aquí tenemos el video de tocar la melodía mientras el fagot duplica el violonchelo unísono en el acompañamiento. Esto agrega color y refuerza ligeramente el acompañamiento, pero al mismo tiempo hace que el Tambor puro del video sea un destaque. En contraste, aquí tenemos el violonchelo tocando bien el acompañamiento. El oboe duplica la viola y el unísono en la melodía. Esto agrega color y refuerza ligeramente la melodía, pero al mismo tiempo hace que destaque el puro Tambor del violonchelo. En contraste, aquí tenemos la viola y el oboe doblando al unísono sobre la melodía. Bueno, el fagot y el violonchelo doble y unísono en el acompañamiento. El sonido es más completo, ya que tanto la melodía como el acompañamiento se duplican, pero ahora hay una falta de cámara pura. Aquí. Todas las partes se duplican una vez más al unísono como ejemplo para, excepto en esta ocasión hemos introducido un golpe de duplicación al tener la flauta tocando la octava melodía más alta que el oboe y la viola. Esto agrega color y refuerza aún más la melodía. También como un poco de brillo a la melodía, ya que la flauta conserva más de su propio tambor debido a que la octava se duplica en lugar mezclarse y convertirse en un verdadero compuesto, como con el doblaje al unísono. Aquí tenemos el mismo ejemplo es el ejemplo cinco. Excepto en esta ocasión hemos añadido otra duplicación activa. El contrabajo está duplicando ciertos lanzamientos en el tell apart, pero una o dos octavas más bajas. Recuerda, el contrabajo suena una octava más baja que la escrita este color EDS y refuerza aún más el acompañamiento. El pizzicato articulación. También, como cierto grado de brillo, el contrabajo conserva más de su propia madera. Debido a la diferencia en la articulación y también debido a la duplicación de octava, un hábil orquestador es capaz de equilibrar eficazmente el uso de temperamentos puros de Tambor y compuestos para obtener el sonido o compuesto deseado. de Tambor podría ser diferente y nuevo. Ten en cuenta que si estás mezclando constantemente Tambor's con el doblaje al unísono, perderás el contraste y el sonido estimulante del puro Tambor's. Es vil variar el Tambor a lo largo de una pieza para evitar una orquestación de sonido soso y plano. Pero ten en cuenta que están cambiando constantemente. de Tambor podría convertirse en Justus, monótono ya que raramente cambia el de Tambor. 122. Dude en un acordes: Ahora veamos el de Dublín Dentro del contexto de la concordia. En la música orquestal, la duplicación de opciones está dentro. Cordones bien por necesidad, estar presentes debido a la gran cantidad de instrumentos y sus rangos. Aquí te mostramos un ejemplo de la sección de cuerdas tocando un acorde. El Pitch D se duplica por los primeros violines, el violonchelo y el contrabajo en octavas, con la octava duplicando zin, esta cancha se considere una madera compuesta o tambor puro. Cada instrumento está tocando un pitches diferentes, y así, técnicamente, el Tambor es puro. Pero una vez más vemos el efecto que los elementos musicales pueden tener en Tambor, ya que cada instrumento está tocando el mismo elemento musical en esta instancia de parte de Accord la madera se encuentra es un sonido algo compuesto. Aquí está el mismo acorde con vientos de madera y latón agregado. Ahora tenemos tanto dobles ings activos y unidades como de Dublin. Noté que cada tono implica el uso de doblaje al unísono para crear una madera compuesta a excepción del top D, tocado por la flauta, que es un Tambor puro y un cuatro tocado por la segunda trompeta, que es también apareció. Tambor 123. Razones para la Doubling: 124. Desequilibrio por el registro: ya sea que estés usando el unísono perfecto o la duplicación de octava, siempre debe estar atento a cada instrumento. Registrar características. Así es no crear un desequilibrio. Si se eligieron registros pobres, ciertos lanzamientos en concordancia pueden sobresalir, otros serán enterrados y no lastimados. La elección del registro también puede afectar a una línea melódica. En este ejemplo, el más se escuchará de manera más prominente en el principio porque está en un registro fuerte mientras que la flauta se encuentra en un registro más débil. Hacia el final de la línea, la gripe se escuchará de manera más prominente, ya que es más fuerte en su registro superior. Este tipo de desequilibrios, a veces deseados podría hacerle mucho escalar o interesante, ya que diferentes instrumentos se vuelven más o menos prominentes a lo largo de la duración de la línea. Si, por otro lado, buscas una mezcla más completa, entonces tendrás que tener cuidado en tu elección de instrumentos y registros 125. Desequilibrio por la habilidad de la dinámica: 126. Combinaciones de instrumentos comunes: 127. Quiz 20: 128. Asignaciones de estudio y escucha (sec.20): 129. Escribir proyectos (sec.20): 130. Textura monofónica: En las próximas conferencias, estaremos discutiendo diversos tipos de texturas orquestales. Textura se refiere a los diferentes elementos que componen la música como la melodía y la armonía y las formas en que se utilizan o combinan estos elementos. Entender la textura es una parte esencial de la escritura para orquesta. Empezaremos con el tipo de textura más simple, que es una textura fónica Monta. El término Monta phonic significa un sonido. Ammán. Una textura fónica es una textura que involucra un solo elemento. El melodía incluido en la categoría de textura modificadora, nuestro unísono perfecto, duplicación ártica y duplicación paralela. Empecemos con unísono perfecto, que es el primer y más básico tipo de textura fónica modelo que encontramos por primera vez. unísono es cuando discutimos los dobles ings al unísono en esta sección sobre madera El unísono perfecto ocurre cuando cada instrumento tocando en un momento determinado de la partitura está tocando mismos pitches en la misma octava. Aquí te dejamos un ejemplo de Ammán, una textura fónica que utiliza unísono perfecto. Todos los instrumentos de transposición han sido escritos. Está sonando, los pitches cuentan ilustran visualmente el unísono perfecto. Perfect Unison se utiliza a menudo para crear una poderosa declaración de un tema melódico, el resultado de tantos instrumentos tocando los mismos pitches crea un color masivo mezclado. En este ejemplo, vemos que Busy ha utilizado tantos instrumentos como sea posible para ver el tema de apertura. Debido a la gama de melodías, ciertos instrumentos han quedado fuera. Esta melodía en particular es demasiado baja para las flautas y oboes y demasiado alta para el contrabajo . El unísono perfecto es raro. Nuestra música personalizada. Cuando sí ocurre y por lo general sólo dura un breve periodo de tiempo, son un par de razones para esto. En primer lugar, es una textura particularmente simplista. Pueden volverse un interesante si se usan por más tiempo que una o dos frases. Segundo, es difícil escribir una melodía que se ajuste bien a las gamas de numerosos instrumentos . Ciertos instrumentos pueden terminar tocando demasiado alto o demasiado bajo en su rango. Por lo tanto, destacan no seguramente mezclándose con el todo. El siguiente tipo de textura fónica de Monta es la octava duplicada. Nos encontramos por primera vez con la duplicación activa en el apartado sobre madera. Aquí hablamos de ello en relación a la textura. El duplicado activo sigue siendo considerado una textura modificadora porque no se han agregado nuevos elementos . El único elemento que la melodía simplemente se juega inactivo. Uno de los beneficios de la duplicación de Oxford es que permite al compositor orquestador colocar cada instrumento en un rango de juego adecuado para que no destaque. Aquí te dejamos un ejemplo de Ammán, una textura fónica que usa el doble ártico. Observe que la línea melódica se extiende a través de cuatro octavas al inicio, - una textura que consiste únicamente en Oxford. Doblar es raro en nuestra música personalizada, pero no tan raro como perfecto. unísono, cuando ocurre, por lo general sólo dura un breve periodo de tiempo y se utiliza como un efecto dramático a T. En este ejemplo de partitura, vemos que el buey de textura duplicada no dura mucho. Puccini se intercala con cordones para una variedad de textura. Otro tipo de textura fónica Monta se puede ver en la técnica de duplicación paralela. Si bien las zonas de duplicación activa son técnicamente también padres hermanos, el término duplicación paralela está reservado para intervalos distintos de inactivos. El duplicado paralelo más común Zehr se elevó en seis menos comunes o cuartos y quintos trabajos de duplicación paralela mejor cuando se tocaba por el mismo tipo de instrumento o al menos por instrumentos de sonido en su mayoría homogéneos. Esto es especialmente importante si hay otras texturas ocurriendo simultáneamente, como en el caso de las texturas complejas. Pero fiel a aprender en breve mediante el uso de los mismos instrumentos, la textura soy yo más clara a través de Tambor. Aquí te dejamos un ejemplo de Ammán, una textura fónica. Utilizan la duplicación paralela, tocada por tres trompetas. La duplicación paralela sigue siendo considerada una textura mono fónica porque no han estado en ello nuevos elementos reales . El único elemento, la melodía simplemente se reza, utilizando intervalos al usar unísono perfecto y Ártico duplicando las melodías reforzadas pero con duplicación paralela la melodía se refuerza de una manera diferente, se refuerza armónicamente. 131. Textura homofónica: uno de los tipos más comunes de textura y música es el hogar una textura fónica. El término Homo phonic significa los mismos sonidos. Esta textura consiste en una sola melodía con acompañamiento armónico, pesar de que la melodía y el acompañamiento armónico son dos elementos muy diferentes. Nos referimos a ellos como los mismos sonidos porque sus combinados juntos de tal manera que formen un sonido completo y completo. Aquí te dejamos un ejemplo de hogar una flauta de textura fónica. Uno es tocar bien la melodía, flauta a los clarinetes y el de la persona proporcionan el acompañamiento armónico. Los acompañamientos armónicos podrían ser ya sea sostenidos o moviéndose como acordes rotos y otras figuras armónicas. En este ejemplo, el acompañamiento armónico está sosteniendo en un hogar, una textura fónica. La melodía siempre tiene precedencia sobre el acompañamiento armónico. La melodía puede ser puesta a la vanguardia a través de diversos medios, entre ellos el uso de un instrumento de contraste ing Tambor para la melodía, utilizando una dinámica más fuerte para la melodía, colocando la melodía y ah, su registrado que el acompañamiento. Al duplicar la melodía en octavas o cualquier combinación de estas técnicas, 132. Textura polifónica: una textura polifónica es una textura formada por dos o más líneas melódicas independientes para ello simultáneamente, la palabra polifónica significa muchos sonidos. Si bien no hay acompañamiento armónico en una textura polifónica, las armonías resultarán de la interacción vertical de las notas. Las líneas melódicas y las texturas polifónicas pueden ser similares, como en unas pocas, pero más a menudo son temas melódicos completamente diferentes que se escuchan simultáneamente. Estos temas completamente diferentes pueden haberse jugado por separado antes en la pieza, y luego ella tocó juntos más adelante, o pueden estar conformados por material completamente nuevo. Aquí un ejemplo de polifonía imitativa. El tema melódico comienza con la primera violencia cada cuatro medidas. El mismo tema ha comenzado de nuevo, con un conjunto diferente de instrumentos en un intervalo diferente o activo. El sonido resultante es intrincado y bastante impresionante. Aquí un ejemplo de polifonía no imitativa. El tema principal lo interpretan los videos y los poco profundos, mientras que el fagot y el contrabajo tocaban dos distintas contramedias. Las melodías de contador son sub ordenanza o melodías secundarias. Siempre que estés escribiendo melodías de contador, debes asegurarte de que no estés eclipsando la melodía primaria. Hay algunas maneras de asegurar que esto no suceda. Marcar la melodía primaria con una dinámica de escalera se colocaron la melodía primaria y un registro más fuerte y más notable que la melodía secundaria. O reforzar la melodía primaria con unísono, de Dublín o mejor aún con Doctor of Dublin Cuando estabas escribiendo una textura polifónica para orquesta, lo siguiente puede ocurrir debido a la gran cantidad de instrumentos. Puede haber lanzamientos superpuestos, que ocurren cuando dos melodías carnes en el mismo tono en el mismo apostaron por un breve momento. También puede haber algún cruce de líneas, lo que significa que o una línea superior cae por debajo de una línea inferior o la línea inferior se eleva por encima de una línea más alta. Por un breve momento, debes intentar evitar estos dos escenarios tanto como sea posible, sobre todo cruzar líneas para que cada línea se escuche claramente y el sonido no se vuelva fangoso. Una forma de evitar el cruce de líneas es abstenerse de utilizar la duplicación de octava para las inter líneas. Doblar en sus líneas casi siempre conducirá al cruce de líneas. utiliza cualquier duplicación activa. Deberías duplicar la línea más alta una octava arriba con el signo más bajo, una octava abajo. Si haces lo suficiente no has solapado lanzamientos ni líneas cruzadas. Puede ayudar a eliminar parte de la confusión, la lista o puede experimentar mediante el uso de instrumentos con maderas notablemente diferentes para cada línea. Recuerda, la textura se hace más clara a través de la cámara. 133. Textura de coral: porque el tema de anotar cordones es largo, involucrando discusiones sobre el espaciado de voz de Tambor y el equilibrio. Dedicaremos todo el siguiente apartado a estos temas. En esta conferencia. Estaremos hablando, por supuesto, en general, en general, ya que se relacionan con la textura. Básicamente son dos tipos de texturas cuartiles, las que expresan un elemento estrictamente armónico y las que expresan ambos un elemento armónico . Animal fuera de elemento. Aquí te dejamos un ejemplo de una textura Cornel que expresa un elemento estrictamente armónico. Las texturas de cuartil son típicamente arrítmicas caseras, lo que significa que cada línea es más. Las líneas tendrán el mismo ritmo. Cuando se reduce a un panel, puntuación se vuelve muy fácil de ver la textura del cuartil. Hay un elemento armónico y un elementos rítmicos, pero no realmente un elemento melódico presente. Aquí te dejamos un ejemplo de una textura cuartil que expresa tanto un elemento armónico animal fuera de elementos. Este extracto de Mueller es una ilustración de parte de escritura La escritura típicamente consta de cuatro partes únicas llamadas voces. La voz superior suele delinear bien una melodía, las otras voces debajo de ella contribuyen a una estructura armónica vertical. A pesar de que estas otras voces son parte de la estructura armónica, también son causa yo naturaleza melódica. - A primera vista, puede parecer como si hubiera cinco voces en el ejemplo de Mahler, pero pronto la tuba y la polémica, que no se muestra aquí, sólo están duplicando el cuarto trombón ¿Debe el tiempo triunfar sobre dos y tres también doblarse entre sí en la primera medida de línea, también? Sólo en la segunda medida de mentir para ser conseguir un verdadero sabor de cinco partes distintas. Aquí hay una reducción, para que puedas ver más fácilmente cómo se mueve cada voz Dentro del todo, - algunos clasifican erróneamente la escritura de parte como un hogar, una textura fónica. Puede parecer similar a casa una textura fina porque tiene una melodía definida y percibe armonía subyacente. Pero como esta armonía subyacente en realidad está conformada por voces individuales, cuasi melódicas de más o menos igual importancia a la melodía, no es verdaderamente, ah, acompañamiento armónico. La escritura de parte también es a veces se tomó como una textura polifónica sobre ambos hacen uso de voces melódicas simultáneas. Hay una distinción importante impartir calificación. Cada voz, toda la separada y única, se basa en las otras voces para crear una estructura armónica vertical pretendida. Estas voces se conectan entre sí. No se mantendría muy bien por sí solo como dolencias independientes. Con la excepción de la voz principal, que es típicamente la voz superior y probablemente Fonda, crear cada voz es completamente independiente de las demás y podría mantenerse muy bien sí sola. Sí, las armonías pueden resultar de la colocación vertical de las notas, pero la intención primaria en una textura fina poeta es la escritura melódica, no su escritura Mónica Cada orquestador debe tener conocimiento y experiencia y cuatro escritura de parte. Si no estás familiarizado con la escritura de cuatro partes, es muy recomendable que tomes un curso en ella. La escritura tradicional de cuatro partes sigue enseñándose en las universidades y es una parte esencial de la música. Educación, por supuesto, en para Retratar está disponible en ti para mí, por este instructor. 134. Textura compleja: el tipo final de textura, veremos su compleja textura. Textura compleja es cualquier combinación de dos o más tipos de texturas. Una de las texturas complejas más comunes es la combinación de un hogar, una textura fónica con la textura polifónica. Este tipo de textura compleja suele aparecer y anota en el siguiente formato una melodía primaria , una melodía secundaria y un acompañamiento armónico. Aquí te dejamos un ejemplo de una textura compleja. Aquí vemos al clarinete tocando la melodía primaria contra la melodía secundaria interpretada por la flauta justo antes de esto. En el marcador, la textura era estrictamente en casa. Un fónico y la flauta había estado tocando La melodía primaria. Observe que el acompañamiento armónico está conformado por tres elementos diferentes. El violín, viola y el violonchelo proporcionan un elemento sustentante. El arpa proporciona un elemento en movimiento, y el pizzicato contrabajo proporciona un refuerzo y coloración de los sótanos. Esto aporta variedad y se suma a la dimensión oral del acompañamiento armónico. - Si todos los elementos de la textura son de igual peso, entonces no habrá muerte a la textura, solo un sonido masivo. Un hábil compositor orquestador sabe equilibrar cada parte de la textura para que ciertas partes sean más prominentes que otras. Esta es una tarea muy importante. Esto nos lleva al tema de los tres terrenos en primer plano medio y fondo. Definamos cada uno de los materiales de primer plano es aquel que está destinado a ser escuchado de manera más prominente que todo lo demás. Esta es típicamente la melodía. Aunque se puede marcar el material de primer plano más fuerte que todo lo demás, no se debe confiar simplemente en el nivel dinámico para llevarlo al primer plano. También se puede lograr esto mediante el uso de un ing de contraste o madera vívida mediante el uso de un registro más fuerte del instrumento o colocando la melodía más alta que los demás instrumentos. El material de tierra media es aquel que está destinado a ser menos prominente que el material de primer plano pero todavía bastante perceptible. Esto es típicamente un contador maliti, o importante material de IQ motivo. Si bien el material del suelo medio podría estar marcado a un nivel dinámico más bajo que el material de primer plano para hacerlo menos prominente, no debes confiar únicamente en esta práctica. Otros métodos incluyen el uso de registros de instrumentos más débiles de Tambor menos vívidos. Estamos colocando el material del suelo medio más bajo que el material de fondo de primer plano es aquel que está destinado a ser menos herido permanentemente. Este es típicamente el acompañamiento armónico. El acompañamiento armónico podría ser sostenedor, conmovedor o ambos. Si se mueve, solo recuerda que cuanto más activo esté aparte, más atención llamará hacia sí mismo. Aunque se puede marcar el material de fondo a un nivel dinámico más bajo que el primer plano del material del suelo medio, no se debe confiar simplemente en el nivel dinámico para hacerlo menos prominente. También puedes lograr esto mediante el uso de material menos activo mediante el uso de Tambor's leve o utilizando registros medios de instrumentos medio de registros aire bien adecuado para material de fondo ya que son menos perceptibles que registros extremos. Ahora que hemos discutido en primer plano el medio suelo y el fondo, veamos un ejemplo más elaborado de textura compleja. Para poder encajar todas estas puñaladas en la pantalla, se tuvo que reducir el tamaño, por lo que un ejemplo de tamaño completo está disponible para ti con esta conferencia como descarga. El material de primer plano consta de cuatro trompetas que están tocando la melodía. El material de tierra media consta de dos trombones que aire jugando el contador Maliti. El material de fondo consiste en violines, vientos madereros superiores y glockenspiel que aire tocando el patrón armónico de acompañamiento en movimiento . Las cuerdas inferiores y había vientos carpinteros están tocando el acompañamiento armónico de Kordell. Reproduciremos el audio tres veces cada vez. Preste atención a un elemento diferente. En primer lugar, escucha el primer plano. Ahora escucha el medio terreno y finalmente escucha el fondo. Escribir una textura compleja con el equilibrio adecuado de primer plano medio en segundo plano lleva muchos años de estudio de puntaje, orquestar para hacerse hábil en ello. Pero en general, lo que hay que recordar es eso. El oyente normalmente seguirá la parte más ruidosa, la parte más melódica, la parte más alta. El parte con el tambor más vívido y la parte más activa. La mayoría de las composiciones orquestales no consisten en un solo tipo de textura. Usar una sola textura para una pieza entera sería absolutamente monótona. Para el oyente, es necesario cambiar entre los diversos tipos de texturas para crear variedad y continuo interés por la música. Si bien es vital variar la textura a lo largo de una pieza para evitar una orquestación de sonido suave y plana , las texturas en constante cambio pueden volverse monótonas Justus como realmente cambiando la textura. Como compositor, necesitas encontrar el equilibrio adecuado entre estos dos extremos. Hablaremos más de textura en la sección final del curso 135. Quiz 21: 136. Asignaciones de estudio y escucha (sec.21): 137. Escribir proyectos (sec.21): 138. Espaciado: 139. Voz: En la última conferencia, aprendimos sobre el espaciado. El otro componente básico a considerar en los cordones de anotación es la voz. voz es la forma en que los diferentes instrumentos se arreglan con un acuerdo. Existen cinco tipos de voz. Definiremos cada uno de los cinco tipos aquí antes de ver cómo los cables del aire típicamente se voz dentro de diferentes secciones de la orquesta. Conoces los siguientes ejemplos. par uno se refiere a dos del mismo tipo de instrumento. Par. Dos se refiere a dos de otro tipo de comprobaciones de instrumentos para posicionar pares de instrumentos sustituidos, uno por encima del otro entrelazado. La nota inferior del par superior se coloca debajo de la nota superior del recinto del par inferior . Un par de instrumentos está encerrado por otro par de instrumentos, superponiendo uno o más lanzamientos. El aire se duplicó al unísono por los pares de instrumentos de voz única. Cada tono de la cancha es tocado por un instrumento diferente 140. Voicing de los acordes para los talados de un: ahora que hemos definido los cinco tipos de voz, echemos un vistazo a cómo el cable típicamente se voz dentro de las diferentes secciones de la orquesta. Empezaremos con la familia Woodman. yuxtaposición es probablemente la voz más utilizada para los acordes de viento carpintero, típicamente los pares o orden de colocación de registro, con los instrumentos más altos tocando los tonos más altos del cordón y los instrumentos inferiores tocando el inferior lanzamientos de la cancha tras yuxtaposición. entrelazamiento es probablemente el segundo con mayor frecuencia es la voz para las canchas de Whitman. Algunos encuentran que la definición de enclavamiento es larga y confusa. Puede ser más fácil simplemente pensar en el entrelazamiento como alternar entre pares de instrumentos, como en este ejemplo, de arriba a abajo, Tenemos oboe, clarinete, oboe, clarinete entrelazado, permite a los Tambor's de diferentes instrumentos remezclados con un acorde de una manera única. Pero con esta mezcla viene el riesgo de desequilibrio y el siguiente ejemplo. El codo se destacaría sobre la flauta porque el oboe es más fuerte en este registro inferior , mientras que la flauta es más débil y su registro más bajo. Esta es una de las razones por las que es tan importante conocer las fortalezas y debilidades únicas de cada gabinete de registro de instrumentos conlleva el mismo riesgo de desequilibrio que el entrelazamiento. Expresar el par de instrumentos al cerrar el otro par por lo general será una octava o más aparte. Esto significa que la nota más baja en el honor más alto tendrá diferentes fortalezas y madera porque lo más probable es que fueran registros diferentes en general y cerrados. voz no se mezcla así como la voz entrelazada para los vientos de madera y no se utiliza con tanta frecuencia superposición. voz era más común antes del siglo XX. Hoy en día se utiliza principalmente para pasajes personalizados a t cuando se utilizan superpuestos, expresando sus dos temas para considerar los primeros tratos con madera pura y compuesta. En este ejemplo, los lanzadores superior e inferior se airean puros. Si bien el tono medio es compuesto, esto puede afectar el color general que estabas tratando de lograr dentro de la cancha. El otro tema con la voz solapada es que los pitches rezados al unísono tendrán un poco más de volumen. Las imágenes, tocadas por instrumentos sencillos, el tono medio en este ejemplo, sobresalen ligeramente ya que es doble por flauta y oboe. A veces este desequilibrio podría ser exactamente lo que pretendemos. Por ejemplo, cuando estamos tratando de enfatizar la raíz de un tribunal, podríamos resolver y equilibrar los problemas causados por la superposición si se utilizaran tres pares diferentes de instrumentos. Aquí hay algunas opciones comunes. Como se puede ver en estos ejemplos, cada lanzamiento es tocado por dos instrumentos. Si estuvieras escribiendo para tres de cada viento carpintero en lugar de dos de cada uno, el desequilibrio causado por la superposición es aún más suave. Por ejemplo, con tres flautas y tres clarinetes, simplemente podemos solapar un acorde de tres notas, y la madera será completamente compuesta. Se debe evitar la voz única en los tribunales de escritura para los vientos de madera, típicamente sólo se usa en conjuntos pequeños donde solo hay uno de cada instrumento de viento de madera . Si absolutamente debes escribir una palabra o en corte y voz soltera, no utilices posición cercana. Si lo haces, los diferentes, de Tambor serán difíciles de equilibrar, y a los jugadores les resultará difícil jugar en dos uno con el otro. En lugar de ello, siempre debe recetar acordes de voz única en posición abierta. Esto tendrá un equilibrio mucho mejor y más fácil de jugar 141. Voz de la voz para el latón: 142. Voz de los cuerdas: al anotar cordones para vientos de madera o latón, vimos que había problemas con la mezcla y el equilibrio con cuerdas, estos problemas o menos de un problema. Hay dos razones para ello. El primero es que las cuerdas son mucho más homogéneas, y por lo tanto la madera puede mezclarse fácilmente entre sí. El segundo motivo es que están de pie. La fuerza es bastante uniforme a lo largo de los registros, de bajo a alto en las siguientes diapositivas, se notaría el contrabajo, sonando tono por lo que generalmente se puede ver el espaciado de los cordones. yuxtaposición es el tipo de voz más común para anotar acordes de cuerda. Los acordes de cuerda como cuerdas para viento de madera o latón son típicamente espacio para parecerse al espaciado en los intervalos armónicos de Siri o más grandes cerca de la parte inferior del cordón. Creo que es más pequeño, más pequeño cerca de la parte superior. Se puede notar que en este ejemplo de seis se utiliza en la parte superior del cordón. Esto suele ser efectivo ya que se puede encontrar en el tribunal mayor esbozado en series armónicas . voz entrelazada es probablemente la segunda voz más común para acordes de cuerda y a menudo se usa con topes dobles, o DIV. El recinto fácil es extremadamente raro. Facturación tribunales de cuerdas. La superposición se usa raramente, pero cuando se utiliza, crea única una rica mezcla de maderas. Todos los lanzamientos de este ejemplo se escucharían simultáneamente. Acaban de extenderse para que pudieras ver más fácilmente qué instrumentos se superponen entre sí. Recuerda, al escribir a visi, no debes dividir cada sección de cuerdas en más de dos grupos a menos que estuvieras escribiendo para una orquesta profesional que tenga suficiente de cada instrumento para dividir secciones en grupos de tres o cuatro. voz simple de un instrumento por voz, que no se va a utilizar para viento de madera o latón, se puede utilizar en canchas de anotación para cuerdas, ya que hay menos problemas con la mezcla y el equilibrio. 143. Acordes para la orquesta: 144. Quiz 22: 145. Asignaciones de estudio y escucha (sec.22): 146. Escribir proyectos (sec.22): 147. Quién hace lo y para el tiempo: 148. La frecuencia de la reproducción de la sección: un error común. Compositores orquestales de inicio es tener todos o la mayoría de los instrumentos tocando todo o la mayor parte del tiempo. Hay dos problemas con esto. En primer lugar, cuando se está pasando demasiado. Al mismo tiempo, el oyente suele pasar por alto o perderse partes de la música. Segundo, cada sección de la orquesta sólo puede ser tolerada por el oyente durante un cierto periodo de tiempo. Antes están todos los sets de fatiga en, será útil recordar lo siguiente. Cuanto mayor sea la intensidad del sonido, más rápido se desgastará en la oreja. Si los choques de platillos, por ejemplo, se tocaran durante 30 minutos seguidos, el hijo se volvería insoportable porque el sonido del platillo se estrella muy intenso. Si, otro lado, se tocara el violín durante 30 minutos seguidos, no nos importaría en absoluto porque suena suave en la orquesta. Cada sección tiene un cierto grado de intensidad, el orden de las secciones de más intensas a menos intensas. Su percusión prensa vientos de madera, luego cuerdas. El intensidad de una sección tiene una correlación directa con el porcentaje de tiempo que una sección juega típicamente durante una pieza. Por lo que de acuerdo a esta lista, la sección de percusión debe tocar por la menor cantidad de veces, ya que es la más intensa, la sección de cuerdas para la mayor cantidad de tiempo ya que es el arrendamiento intenso, podemos ver que este suele ser el caso cuando analizamos o aducimos puntuaciones de los grandes compositores. Echemos un vistazo a la famosa sinfonía para tener una idea de la frecuencia con que cada sección de la orquesta coloca en los siguientes gráficos. analizó cada movimiento de la Sinfonía número seis de Tchaikovsky medida por medida para determinar el porcentaje de tiempo de cada placa de sección. A pesar de que estos números serán ligeramente diferentes para cada pieza, compositor y periodo de tiempo. Esto te dará una idea general de la frecuencia con la que colocas la sección. Pausa el video para estudiar aquí las gráficas, los porcentajes para los cuatro movimientos combinados. Como puedes ver, más intensiva sea la sección, menos frecuentemente un lugar hace esto significa que cuando escribes una pieza de música, necesitas hacer un seguimiento de cuántas medidas está tocando cada sección. Por supuesto que no. Cuando Jackowski escribió esta sinfonía, no contaba el número de medidas que estaban tocando el bronce para determinar si tenía demasiados o muy pequeños pechos. Simplemente supo instintivamente lo que sería una buena cantidad de bronce. Como compositor principiante para orquesta, simplemente ten en cuenta estos porcentajes como pauta, e intenta estar al tanto de la frecuencia con la que utilizas cada sección. Es posible que hayas notado que las cuerdas se tocan durante casi el 100% del tiempo. Además de su sonido suave, hay una serie de otras razones para esta cuerda. Los jugadores no necesitaban respirar como leñosos o jugadores de bronce, y por lo tanto pueden jugar durante periodos de tiempo más largos. Las cuerdas son muy ágiles, son capaces de más técnicas de tocar que cualquier otro instrumento. Cuentan con una gama extremadamente grande, tanto de forma individual como en grupo. Casi no hay problemas con la mezcla o el equilibrio. Dinámicas no se ven afectadas por el registro como los vientos madereros y el latón lo son. Y ahora pasamos a la frecuencia de dos T. ¿Con qué frecuencia debe tocar toda la orquesta junto a T no significa necesariamente que cada instrumento esté tocando. T. También comodamente se refiere a instancias donde una mayoría del plano de la orquesta en la misma sinfonía. Encontramos los siguientes porcentajes de dos pasajes T. Si comparas esta gráfica con las gráficas anteriores, verás que el porcentaje de tiempo que una mayoría de orquesta toca juntas es mucho menor que el porcentaje de tiempo que juegan las secciones de viento de madera o latón para rasgar generalmente utilizado en clímaxes y otros momentos clave en una pieza. Si la mayor parte de la orquesta está tocando la mayor parte del tiempo, entonces no hay absolutamente ninguna posibilidad de clímax ni ningún contraste, y el público experimentará rápidamente o cansancio. 149. Tareas de la sección: 150. Instrumento de tocar la frecuencia: apenas una Z. Cada sección de orquesta tiene un grado diferente de intensidad, especie de los instrumentos dentro de cada sección. Por lo tanto, podemos aplicar la misma pauta respecto a todos están fatigados a instrumentos individuales. Cuanto mayor sea la intensidad del sonido, más rápido se desgastará en el aire. Usaremos una vez más la Sinfonía número seis de Tchaikovsky como nuestro caso en el punto, esta vez calculando el porcentaje de tiempo que cada instrumento está tocando. Pausa un video para estudiar cada gráfica. - Aquí están los cuatro movimientos combinados. ¿ Qué podemos aprender de esta información? El pepinillo se usa con mucha menos frecuencia que el otro Woodman's. Suena demasiado intenso para ser escuchado durante largos periodos de tiempo. El oboe es más intenso que el clarinete flauta pronto, y por lo que se usa un poco menos a menudo, ya que el sonido del cuerno es menos intenso y los demás instrumentos de latón, el cuerno normalmente tocará con más frecuencia que cualquiera de los senos. Debido a que el uno también es el puente entre la sección de viento de madera y la sección de latón, a menudo tocará con tanta frecuencia como algunos de los arbolados. El timpani suele tocar con más frecuencia que cualquier otro instrumento de percusión, a veces tanto como el latón pesado. Las trompetas, trombones y la tuba percusión de tono indefinido tocan con muy poca frecuencia, ya que los pitches indefinidos son más intensos y pueden rápidamente donde en el año todas las cuerdas tocan por aproximadamente la misma cantidad de tiempo. Porque, a diferencia de los vientos de madera y el latón, las cuerdas airen casi iguales en intensidad. Cualquier diferencia se debe principalmente a los tipos de tareas que están realizando y no a las diferencias de intensidad. Este análisis consideró sólo la intensidad general de cada instrumento. Es importante recordar que todos los instrumentos tienden a ser más intensos en sus registros extremos . frecuencia con la que están jugando en sus registros extremos también debe tenerse en cuenta a la hora decidir con qué frecuencia deben ser escuchados. Otro factor es la intensidad dinámica. A lo apisonó, por ejemplo, podría ser utilizado con más frecuencia si se tocaba pianissimo. Entonces, si se juega fortissimo 151. Tareas de instrumento: 152. Quiz 23: 153. Asignaciones de estudio y escucha (sec.23): 154. Escribir proyectos (sec.23): 155. Otros usos de Timbre y textura: 156. Duplicidad en la serie armónica: en la sección de anotar cordones, vimos cómo se utiliza el armónico Siri's como modelo para espaciar canchas. También es un modelo de la frecuencia con la que debemos duplicar los lanzamientos de concordancia. Muchos compositores y orquestadores iniciantes cometen el error de duplicar el tercero de Accord con tanta frecuencia o con mayor frecuencia, luego las raíces o la quinta de Accord. Creen erróneamente que todos los lanzamientos no tienen igual importancia y deben escucharse igual o peor aún, que desde el tercero determina la calidad del recordatorio mayor de corte. lo tanto, debe destacarse. Echemos otro vistazo al comienzo armónico de Siri en el mar y contemos los lanzamientos de la cancha mayor C. Encontramos que C ocurre cinco veces, G ocurre tres veces y e solo ocurre dos veces. A partir de esto, podemos concluir lo siguiente. Dentro de cualquier tono fundamental, hay una ocurrencia natural de lanzamientos duplicados. El raíz de un acorde mayor es el doble tono con mayor frecuencia, el quinto y luego el tercero. Ahora que estás al tanto de este hecho, echemos un vistazo a lo que realmente está sucediendo cada vez que eliges duplicar un tono acorde por cada G que dupliques en un acorde C mayor. Estás, en esencia, también agregando todos los armónicos de la serie armónica de G al sonido general. Esto no es un problema enorme porque la mayoría de los parciales inferiores, hasta 11 están en la clave de C mayor y por lo tanto no crearán demasiada disonancia. Los parciales superiores airen no tan audibles como los parciales inferiores y no causan tanto problema . Ahora veamos qué pasa cuando duplicas el tercio de acorde mayor por cada E que tu doble y un acorde C mayor eres, en esencia, añadiendo también todos los armónicos de la syriza e armónica al sonido general. Esto se convierte en un problema por el número parcial cinco, que es bastante fuerte, menos de un problema por los parciales superiores 9 10 11 y 15. Esto creará mucha más disonancia dentro de tu cordón. Por lo tanto, para construir los cordones resplandecientes más acústicamente puros, no sólo debemos modelar son cordones después del espaciado delineado en los armónicos Siri, sino también modelarlos después de la frecuencia con la que se repitan los tonos de corte en los Siri. Escuchemos algunos ejemplos para escuchar de qué estamos hablando en realidad. Aquí te dejamos el acorde anotado para cuerdas con Poor spacing y Doug Ling. El tercero ocurre tres veces. El quinto ocurre una vez, y la raíz ocurre el doble de los lanzamientos inferiores o no lo suficientemente alejados. Aquí está el mismo acorde con espaciar y duplicar, que se asemeja más a la de los armónicos Siri. El tercero ocurre una vez que el quinto ocurre dos veces, y la raíz ocurre tres veces los lanzamientos más bajos aire lo suficientemente separados. 157. Marcados dinámicos de contraste: 158. Agrega y sustración de instrumentos: 159. Puntuación: no siempre es necesario doblar una línea entera para agregar color. También puede ser efectivo agregar color puntuando partes clave de la línea. El siguiente ejemplo es de la apertura del Aprendiz de Hechicero, mi casa avícola. Aquí vemos el piccolo y la flauta, duplicando los lanzamientos clave en la línea, interpretados por los violines primero y segundo. En lugar de simplemente tener el piccolo y la flauta tocando la misma duración de nota que los violines. 1/4 nota tigre 16th Acosta les da un motivo rítmico que no sólo colorea esos tonos particulares sino que lo hace destacar aún más en la línea. 160. Uso de timbre Vivid: 161. Dinámica de marcado: 162. Distribución de los elementos de la presentación: Si dos elementos musicales se colocan al aire en la misma ubicación general de pitch, tampoco será ella distintamente. En el siguiente ejemplo estaba tocando la melodía y los segundos violines aire tocando el acompañamiento armónico en la misma ubicación de pitch. Se trata de una escritura pobre y sonará como si cada elemento estuviera luchando por ser escuchado por encima del otro. Si simplemente movemos el sobre una octava más alto, es el pitch. Localización no chocaría con la de los segundos violines, y cada elemento se escucharía con mayor claridad. 163. Contraste a través de las articulaciones: el contraste es un componente vital para orquestaciones interesantes. Ya hemos visto cómo se podría crear contraste a través del uso de las diferentes texturas de Tambor puro y el contraste de registro también se puede crear firmando diferentes articulaciones. Dos elementos musicales diferentes. Toma, por ejemplo, ah, casa, una textura fónica de melodía y acompañamiento armónico. Si ambos elementos aire jugado llegado llegado, no hay contraste de partes. Escucha lo que pasa si se toca la melodía llegado y se toca el acompañamiento armónico staccato. Ambas partes de repente se vuelven mucho más definidas y mucho más interesantes debido a los contrastes . Esto no quiere decir que nunca debes tener todas las partes jugando llegado son todas partes aviones a tipo de simplemente hacerlo con moderación o para efecto especial la mayoría del tiempo, debes apuntar a una variedad de articulaciones jugadas simultáneamente. Además de usar articulaciones para crear contraste entre diferentes elementos musicales, también puedes usar articulaciones para crear contraste dentro de un solo elemento. Aquí la melodía del ejemplo anterior. No hay contraste dentro de la línea han jugado enteramente llegado. No hay contraste dentro de la línea de jugada enteramente staccato. Ahora escucha cómo la línea es mucho más interesante si se juega con una combinación de llegado y staccato 164. Contraste con la Antiphony: y Tiffany es la alternancia de ideas musicales entre dos grupos. Su estructura básica es una llamada seguida de una respuesta, un instrumento o grupo de instrumentos, estados e idea musical y el otro instrumento o grupo de instrumentos. Porque de vuelta la misma idea musical o variación de la idea y Tiffany ha sido comin desde los primeros días de orquestación, se pueden encontrar muchos ejemplos en las partituras de Tchaikovsky. El contraste es más fuerte cuando la hormiga, si va material, es presentada por instrumentos de diferentes maderas, como instrumentos de diferentes familias. Aquí, el estado de bronce de la idea musical y los arroyos lo hacen eco. Si bien no es necesario, la respuesta es típicamente en una octava superior o inferior para intensificar el contraste. El contraste es más sutil cuando la hormiga, si 'll material se presenta por instrumentos de la misma familia. Si, por ejemplo, sustituyéramos el latón por cuerdas bajas, el contraste sería menos marcado. Aquí. El contraste es más de registro, a menos que de madera y Tiffany no necesite ser escuchado de manera aislada también es efectivo para combinar, y Tiffany con otro elemento musical, como un fondo armónico. Aquí te dejamos un ejemplo de la apertura del divorcio Choques Serenata para cuerdas. En los videos se tocaba un acompañamiento armónico. Bueno, los segundos violines y violonchelo deben tocar en un Tiffany. Recuerda, La respuesta no necesita ser un eco estricto. Aquí vemos el eco de violonchelo atrás para temas que comienzan en E en lugar de en G agudo. 165. Cuando se usar los signos de Octave: 166. Variación de la distribución de la presentación del discurso: 167. Dovetailing: dovetailing también se conoce como superposición. Se utiliza para una variedad de propósitos. En esta conferencia, vamos a echar un vistazo a algunos de los usos más comunes, labrando para hacer más fácil jugar un pasaje técnicamente difícil. A pesar de que esto podría ser tocado por una sola flauta, un pasaje técnicamente difícil podría dividirse entre dos del mismo instrumento para que sea más fácil tocar. Esto disminuye la posibilidad de cualquier problema con el ritmo, tempo y la entonación. Aquí te dejamos el mismo ejemplo interpretado por dos flautas. Para que el pasaje suene sin fisuras, amarramos, solapamos las partes al mismo tiempo que una flauta está terminando. El otro alimento está empezando a labanear para hacer posible un pasaje con un rango demasiado grande para un solo instrumento. Si un pasaje ha dispuesto que es demasiado grande para un solo instrumento, podría dividirse entre diversos instrumentos. Esto funciona Lo mejor de los instrumentos son de la misma familia o sección. El siguiente pasaje extiende cinco activos y sería imposible en cualquier instrumento. Al utilizar diversos miembros de la familia de cuerdas, este pasaje se hace posible. Para que el pasaje suene sin fisuras. Hacemos cola de milano o solapamos las partes a medida que termina el violonchelo, la viola está empezando. Conforme termina el video, el violín está empezando y así sucesivamente y así sucesivamente, labrando para un efecto de pedal sostenido. Si esto se tocara en el piano, el pedal de sustain sostendría todos los lanzamientos. Si bien la orquesta no tiene un pedal sostenido, podemos aproximar el efecto. Una solución sería firmar un instrumento diferente a cada tono y simplemente hacer que sostengan su propio tono. Si bien esto crea una sostenida, es una mala solución porque perdemos el sentido del movimiento y la continuidad de la línea laboreo Consol. Este problema. El truco es tener algunos instrumentos moviéndose y luego sosteniendo, todo al tiempo que labraba varias partes que recibió encorvado en las partes de violonchelo y viola . Las octava notas que tocan ayudaron a crear la sensación de movimiento y continuidad de la línea a partir de la versión original para piano. Si bien los lanzamientos infernales se aproximan al efecto del pedal de sustain de decir a color, un solo tono de adoquín podría usarse para cambiar la madera de un solo tono casi sin problemas cuando diferentes instrumentos se turnan tocando el terreno de juego. Esto funciona mejor con instrumentos de la misma familia o sección y cuando se agregan crescendo y diminuendo para desvanecerse cruzado, el sonido de cola para crear Alternaciones de madera. Si orquestas para que las secciones airen constantemente jugando juntas, la arena se volverá monótona ya que faltará cambio de madera seccional. Si orquestas para que solo una sección esté tocando a la vez, tendrás cambio en la madera seccional, pero te falta una mezcla de temperamento sexual. Esto también puede volverse tedioso. Podemos utilizar la técnica de laboreo para crear una especie de híbrido entre estos dos tipos de escritura. Aquí, la madera de las cuerdas se lastima primero de manera aislada, seguida de una mezcla de tambor entre vientos y cuerdas, que luego es seguida por la madera de los vientos leñosos escuchados de manera aislada. Esta alternancia de seccionales, Hambor tiene un tipo de orquestación mucho más interesante. Esta técnica también se puede aplicar a los temperamentos individuales de instrumentos, amañando para crear un efecto de piano subito. Si un grupo de instrumentos está tocando en voz alta, puedes hacer que otro grupo de instrumentos comience a tocar tranquilamente justo antes de que el grupo ruidoso deje de tocar. El sonido resultante es un efecto de piano subito 168. Boca doble con gruma con gruma con: el contrabajo lleno, muchas veces el doble de la parte de violonchelo al unísono o una octava más baja. Si la parte del violonchelo es rápida o intrincada, la adición del contrabajo puede resultar en un sonido lento debido al tiempo de ataque más lento del contrabajo. Una solución común es duplicar sólo las notas principales de la parte del violonchelo. 169. Plazos de movimiento y voces Stationary: utilizar siempre una madera para la voz estacionaria y otra madera para la voz en movimiento. Usar diferentes Tambor's ayuda a diferenciar las voces. El tono en el siguiente ejemplo no está claro, ya que el oboe está tocando tanto la voz estacionaria como la voz en movimiento. Si le damos la voz estacionaria al codo y las voces móviles al clarinete, la línea se vuelve muy clara. 170. "Solo" vs "y "un 2": 171. Clarinet y Oboe: 172. Entradas de latón: 173. Dibujo: se puede intensificar la disonancia y la concordia mediante el uso de los mismos instrumentos para tocar la disonancia. También se puede debilitar la disonancia en concordancia mediante el uso de diferentes instrumentos para tocar a los disidentes. Aquí tenemos dos trompetas tocando un segundo, seguido de una trompeta y un clarinete tocando el mismo intervalo. El contraste de Tambor en el segundo ejemplo debilita ligeramente a los disidentes del segundo. Esto funciona en casa una texturas fónicas también. Aquí tenemos las trompetas tocando tanto melodía como acompañamiento. El distanciamiento entre el D, interpretado por Trompeta tres y El IV Adiós Shumpert. Uno es muy duro. Aquí te dejamos el mismo ejemplo, esta vez con el fagot tocando la melodía. La distancia entre la D y la E es ahora menos dura debido a los contrastes y la de Tambor. 174. Movimiento Instrumental: un error común que cometen los compositores iniciadores o clientes es escribir con falta de movimiento instrumental. Una buena regla de oro es escribir cada parte con suficiente movimiento instrumental para que si se tocara por sí misma, sonara interesante. En otras palabras, incluso la parte insignificante más pequeña debería ser interesante. Si sigues la vid del cielo, entonces la orquesta en su conjunto debe tener una cantidad suficiente de movimiento instrumental. Aquí te presentamos un ejemplo de una cantidad insuficiente de movimiento instrumental. El parte del violonchelo es muy aburrido, ya que básicamente solo está marcando cada golpe fuerte del medidor. Si agregamos solo un poco más de movimiento a la parte del violonchelo, el pasaje se vuelve más interesante y un poco menos vacío o hueco de lijado. Si agregamos aún más movimiento instrumental al chill apart, ahora es lo suficientemente interesante que podría mantenerse por su cuenta. El sonido hueco por falta de movimiento instrumental ya se ha ido. También queremos tener cuidado de tener demasiado movimiento instrumental. Demasiado movimiento instrumental podría ser tan perjudicial como tener muy poco. Diversos elementos musicales podrían volverse borrosos y poco claros cuando hay demasiados pasando No tenga instrumentos haciendo trabajo ocupado Solo por el bien de hacer un trabajo ocupado, siempre debe haber una razón o propósito para sus elecciones. 175. Cómo hacer las cosas más fáciles para los interpretadores: 176. Quiz 24: 177. Consejos para analizar las grabaciones y: 178. Congratulations: