Mezcla de música para compositores - del principiante al productor | Mike Barnes | Skillshare
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Mezcla de música para compositores - del principiante al productor

teacher avatar Mike Barnes, Music Instructor

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introduccion

      2:43

    • 2.

      Proyecto de clase

      1:52

    • 3.

      Lecciones importantes de mezcla

      6:45

    • 4.

      La canción que vamos a mezclar

      3:12

    • 5.

      Preparación de mezcla

      14:10

    • 6.

      Etapa de ganancia

      14:55

    • 7.

      Equilibrio de volumen

      7:02

    • 8.

      Autobuses

      4:58

    • 9.

      Compresión

      8:05

    • 10.

      Uso de compresión

      14:32

    • 11.

      EQ

      9:08

    • 12.

      Uso de ecualizadores

      11:03

    • 13.

      Paneo

      7:13

    • 14.

      Reverberación

      12:44

    • 15.

      retardo

      6:11

    • 16.

      Automatización

      7:47

    • 17.

      Distorsión, emoción y coro

      6:08

    • 18.

      Cheques finales

      4:31

    • 19.

      Lección final

      3:09

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

498

Estudiantes

14

Proyectos

Acerca de esta clase

ACERCA DE ESTA CLASE

La mezcla puede ser un tema complicado y confuso. ¡Pero no tiene por qué serlo! Con solo unos pocos efectos simples puede tomar una canción para tocar aburridas, sin vida y messy para tocar limpio, completa y profesional.

La producción de música y la mezcla de audio pueden ser tan simples cuando conoces los conceptos básicos.

En esta clase, te enseñaré todo lo que necesitas saber para mezclar música para producir pistas de sonido increíbles.

En clase aprenderás:

  • Los conceptos básicos de mezcla de audio
  • Producción musical
  • Cómo preparar una pista para mezclar
  • Ganancia en estadios
  • Equilibrio de volumen
  • Cómo usar autobuses
  • Compresión
  • EQ
  • Paneo
  • Reverberación
  • retardo
  • Automatización
  • Emocionante
  • Distorsión
  • coro
  • Cómo usar pistas de referencia
  • ¡Y más!

Al final de este curso, tendrás una excelente comprensión de cómo mezclar música para producir música increíble con confianza.

En esta clase, demuestro todas estas técnicas de mezcla con Logic Pro x, pero las habilidades son aplicables en los programas de producción de música, como Ableton Live 11 y FL Studio.

Estaré más que feliz de ayudarte, así que no dudes en preguntarme cualquier cosa. Puedes escribir en las discusiones o envíame un correo electrónico AQUÍ.

(Recomiendo encarecidamente escuchar este curso con audífonos/altavoces decentes. Algunos de los ejemplos de audio que presento serán más difíciles de escuchar a través de los altavoces de la computadora portátil o del teléfono).

Música introductoria de Louie Zong.

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Mike Barnes

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Hey friends!

My name's Mike, I'm a 29-year-old musician and music instructor from the U.K. I've been playing, writing and producing music for the last 13 years. I co-run a music charity called T.I.M.E - Together In Musical Expression where I run music workshops and classes for people of all ages and abilities.

I believe EVERYONE has it in them to create beautiful music. It's just a case of letting go of expectations and having fun with the process of creating.

Please feel free to get in touch with any questions or just to say hello!

mikerjbarnes@gmail.com

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Transcripciones

1. Introduccion: Si pensabas que el proceso creativo de producir una canción termina después de que se haya grabado cada pista, estarías completamente equivocado. mezcla es uno de los procesos más divertidos, creativos y vitales que un productor puede aprender. Se trata de tallar y moldear una pista para darle forma a tu sonido característico. Con algunos efectos simples, puedo llevar una grabación de sonar débil, masa y desordenada a sonar limpia, completa y profesional. En esta clase vas a aprender a hacer exactamente eso. Hola amigos, ¿cómo te va? Espero que tengas un gran día. Bienvenido a mi guía para principiantes para mezclar música. Mi nombre es Mike. músico de tiempo completo e instructor de música del Reino Unido. He estado tocando, escribiendo y produciendo música durante los últimos 13 años, y también co-dirijo una organización benéfica musical multipremiada llamada TIME. Realizamos sesiones de música y talleres para personas de todas las edades, habilidades y orígenes. También soy una de las mejores maestras aquí en Skillshare, y he tenido una explosión absoluta haciendo clases aquí en los últimos años. En esta clase, te voy a enseñar todo lo que necesitas saber sobre la mezcla de música para elaborar pistas con un sonido increíble. Esta clase va a ser amigable para principiantes, así que incluso si eres totalmente nuevo en la mezcla, es mejor que sigas y salgas de esto. Comenzaremos con una preparación simple para que las cosas se limpien y sean fáciles de trabajar. Luego aprenderemos sobre la puesta en escena de ganancia y el equilibrio de volumen para asegurarnos de que todo suene claro y equilibrado. Te enseñaré sobre el uso de la compresión para hacer que cada pista suene contundente y segura. Luego pasaremos a aprender sobre EQ para curvar, dar forma y limpiar nuestras grabaciones. Desglosaremos el paneo, la reverberación y el retraso para crear un espacio 3D en el que nuestra canción exista. También te enseñaré a manejar estos efectos con automatización y autobuses para darle una verdadera calidad profesional a la mezcla. Y por último, sumergiremos nuestro dedo del pie en el mundo de los efectos creativos como la distorsión, los excitadores y el coro para agregar destello e interés a nuestra pista. A lo largo de la clase, voy a estar mezclando una canción yo mismo para que veas exactamente cómo implementamos cada uno de estos temas en una mezcla. Lo único que necesitarás para esta clase es una comprensión básica de una estación de trabajo de audio. Voy a estar usando la lógica hoy, pero me he asegurado de que esta clase sea apropiada, no importa qué DAW estés usando. Mezclar puede parecer un tema muy desalentador y confuso, así que mi objetivo para esta clase es realmente descomponer cada tema en trozos pequeños y del tamaño de un bocado, y hacer que sea lo más simple posible para cualquiera posible para cualquiera aprender los fundamentos. Estoy muy emocionada de hacer algunos medios musicales, espero verte en clase. 2. Proyecto de clase: Hola amigos, ¿cómo te va? Muchas gracias por acompañarme aquí en mi clase de mezcla. Realmente espero que te sea útil y salgas con un montón de información muy buena sobre mezclar tu propia música. Antes de saltar a la mezcla, rápidamente quiero hablar sobre nuestro proyecto de clase. Al final de esta clase, vas a aprender un montón de cosas geniales sobre la mezcla, que puedes aplicar en tus propias canciones y grabaciones, y me encantaría escuchar lo que se te ocurre. Cualquier cosa que implemente desde esta clase en su propio trabajo, no dude en enviarlo a nuestro proyecto de clase. Va a ser un espacio de aprendizaje seguro donde todos podamos publicar nuestras canciones o pequeñas ideas, y esto podría ser cualquier cosa, desde una canción mixta completamente producida con como 100 pistas , hasta como un sonido de reverberación realmente agradable que has hecho para una guitarra. Cualquier cosa en esa estratosfera, siéntete libre de publicarla en ese proyecto de clase, y sin embargo, que tienen un compositor y productor genial pueden platicar sobre ello. Responderé a cada proyecto enviado, así que si hay algo con lo que alguna vez necesites ayuda también o quieres asesorarte, no dudes en hacérmelo saber. Todo lo que tienes que hacer es subir tu sonido o tu pista a un sitio como YouTube o SoundCloud. Puedes crear un enlace privado si lo deseas también en caso de que no quieras que nadie más lo escuche, y luego simplemente publicar ese enlace en el proyecto de la clase, cuéntame un poco sobre esa es tu canción o qué te gustaría comentar, y me pondré en contacto contigo lo antes posible. Por favor, no se asuste por publicar allí. Es muy importante hacer como músico o artista para obtener comentarios y hablar con otros artistas y productores sobre las cosas que estás haciendo. Significa que progresas mucho más rápido y aprendes muchas cosas geniales. Por favor, siéntete libre de publicar ahí, y estoy muy emocionado de escuchar lo que se te ocurre. 3. Lecciones importantes de la mezcla: Antes de sumergirnos en el verdadero meollo de mezclar y esas cosas, solo necesito pasar por un par lecciones realmente importantes que van a ser vitales para comprender realmente y aprovechar al máximo esta clase. La primera lección es, grabarla bien. Podemos hacer un montón de cosas geniales en la mezcla para mejorar el sonido y la calidad de una grabación. Pero no hay manera de escapar del hecho que grabar un sonido justo en primer lugar va a ser vital para realmente sacar lo mejor de ese sonido. Digamos que mientras estás grabando estás escuchando algunas cosas de vuelta, y la habitación suena un poco extraña o hay un zumbido extraño, o tal vez simplemente no obtuviste la toma que buscabas. Honestamente, pasa todo el tiempo que puedas en esa fase de grabación, obteniendo la mejor grabación que puedas. Segunda lección, escucha esta clase usando un par de auriculares decentes o algunos altavoces semi-decentes si puedes. Muchos de los ejemplos que di con E haciendo cola en compresión van a ser muy difíciles de escuchar de un altavoz de teléfono o de un altavoz de iPad. Para sacarle el máximo provecho, recomiendo encarecidamente usar algunos auriculares. Lección Número 3, 1% a la vez. Muchos de los ejemplos por los que vamos a pasar no necesariamente sonarán rompedores cuando empecemos a retocar con ellos. Pero mi mentalidad detrás de la mezcla es que solo estamos haciendo una diferencia del 1% a la vez. Si pasamos el tiempo suficiente en una pista, hacemos un poco de 1% aquí, un poco de 1% allá. En el transcurso de un par de horas, hacemos suficiente de esos pequeños retoques, esos pequeños por ciento, y equivaldrá a una diferencia masiva. La siguiente lección, si puedes, seguirme va a ser mucho más fácil que solo ver esta clase y luego tratar recordar y replicar algunas cosas más tarde. Si puedes tomar una pista o una grabación, y mientras estoy hablando de la cola de E o algo así, si puedes estar jugando con ella al mismo tiempo, absorberás todo esto de esta manera, mucho más rápido que si solo estuvieras viendo los videos. Si se trata de una canción que más te gusta, guarda una copia para que simplemente te muevas por completo y ponte realmente experimental con ella, y entonces siempre puedes volver a tu predeterminada si te pierdes un poco. La siguiente lección va a ser, tener intención detrás de todo lo que hagas. Lo que vamos a hacer en esta clase es aprender realmente sobre lo que hace cada técnica de mezcla. Lo que realmente quiero que hagas es preguntarte cuando estás a punto de meterte en una mezcla, ¿qué quiero cambiar de esto? Por ejemplo, si estás mezclando una guitarra, en lugar de simplemente darle una bofetada a muchos efectos solo porque crees que deberías, efectos solo porque crees que deberías, escúchala con mucha atención y piensa, ¿cómo puedo hacer que esto suene mejor? ¿Qué herramientas tengo a mi disposición para afectarlo de la manera que quiero? Mezclar se trata de escuchar una pieza musical, identificar lo que se necesita cambiar para obtener un mejor resultado, y luego usar las herramientas adecuadas para cambiarlos. Para contradecirme ahí, la siguiente lección es, no hay una manera real y correcta de mezclarme. Es en gran medida un proceso creativo, igual que lo es escribir una canción. Recuerdo cuando aprendí a mezclar por primera vez, me frustraba mucho los profesores porque solo quería saber qué ajustes de compresor pongo en mi batería o qué reverberación pongo en mi guitarra, pero esa no es la forma en que funcionan las cosas. Yo digo que es como un proceso artístico, creativo en sí mismo. Cómo funciona un compresor en una batería será completamente diferente a otra, y depende mucho del tipo de canción que vayas a buscar también sabemos si estás haciendo una pista de voz y guitarra, la forma en que comprimes, y ecualizador, y mezcla esa pista va a ser tremendamente diferente a una banda de 10 piezas. De nuevo se trata de saber realmente lo que hacen todas estas herramientas. Como dijimos antes, analizando lo que hay que cambiar y cambiarlo. Pero sé que puede dar un poco de miedo pensar, oh, no tengo límites ni cosas a las que realmente aferrarme. Pero creo que aquí es donde puedes ponerte realmente raro y experimental con él. Como dije, no hay una forma correcta de mezclar. A menudo, las pistas más geniales provienen de aquellas que realmente empujan los límites y no siguen las reglas y esas cosas. Por ejemplo, uno de mis discos favoritos de todos los tiempos Para Emma, Forever Ago de Bon Iver se grabó en una choza de madera. Sin instalación de sonido, sin estudio adecuado, un micrófono bastante barato, y una puerta muy, muy básica. El disco está lleno de zumbidos raros, y crujidos, y ruido de la habitación, y iría totalmente en contra una forma muy profesional de grabar una pista. Pero me encanta, y es toda esa rareza lo que le agrega carácter. Una vez que sepas usar las herramientas, utilízalas de la manera que creas que suena mejor. Te voy a dar algunos parámetros muy básicos por los que pasar. Pero como digo, hazte experimental con ello. Realmente quieres saber qué productor, y qué ingeniero de mezclas eres personalmente, igual que qué tipo de compositor eres personalmente. Todos van a tener un gusto diferente en la música y la composición de canciones, igual que todos van a tener un gusto diferente en la mezcla. Para seguir a partir de eso, sé que suena cliché, pero la práctica realmente hace la perfección. Es bastante complicado tratar de explicar sonidos con palabras. A veces simplemente no hay manera de explicar realmente algo verbalmente sin que realmente entres y pruebes estas cosas por ti mismo. Como cualquier otra cosa, cuanto más lo hagas, más rápido vas a poder reconocer qué frecuencias no encajan bien o qué ajustes de compresor te gustan más en las voces. La única manera de entenderlo es practicando. Mi mayor consejo para rematar esta lección es hacer que todo este proceso sea súper divertido. No te lo tomes demasiado en serio, diviértete con el proceso de simplemente jugar con las cosas. No te presiones para intentar mezclarte como el mejor ingeniero de inmediato. Solo toma el tiempo que necesites para elaborar realmente cada una de estas herramientas, qué hacen, qué sonidos crean. Hazlo divertido, hazlo regularmente y serás un profesional absoluto en poco tiempo. Basta, el yap run-on, realidad vamos a sumergirnos en la mezcla ahora. Te veré en la siguiente lección. 4. La canción que vamos a mezclar: Para demostrar todas las cosas mezcladas de las que vamos a estar hablando hoy. Voy a estar mezclando una sección de una canción que he estado trabajando con algunos amigos, así que para darte una buena idea en la pista vamos a estar mezclando hoy. Sólo voy a jugarlo. Sólo vamos a estar mezclando la sección media. Sólo para que no sea tan abrumador. Sólo para que estés al tanto de la canción que vamos a estar mezclando. Ahora voy a jugarlo por ti. Entonces empieza a entrar ahí en una sección ligeramente diferente. Pero es ese primer bit, el dinero, ese bit medio en el que nos vamos a centrar hoy. Ahora bien, vale la pena decir que no está nada mezclado. Si pudieras decir que los volúmenes están por todas partes, incluso se pueden escuchar muchos instrumentos. En realidad lo que lograr jugar eso también, porque es sólo un poco de un desastre. Pero ojalá eso te dé un bosquejo aproximado y el género de la canción y donde entramos. Vamos a sumergirnos y comencemos a ordenar algo de este desastre. Sherry, te veré en la siguiente lección. 5. Preparación de la mezcla: Hola amigos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a estar hablando de una preparación mixta, que podría sonar coja. Pero créeme, hace que todo el proceso sea mucho menos abrumador, y solo en general hace que sea mucho más rápido y fácil mezclar y rebotar por la pista. Siempre me gusta descomponer las cosas en escalones para que sea lo más fácil posible. Número 1, esto puede sonar obvio, pero elige tus mejores tomas. Ya he hecho la mayor parte de eso porque lleva un poco de tiempo. Solo quieres pasar y elegir todas tus mejores actuaciones. Puede haber como un verso donde la primera sección vocal te gustó más que la segunda. O tal vez quieras cortar como cada línea vocal si quieres ponerte realmente genial con ella. Entonces el segundo paso suena obvio, pero solo elimina cualquier cosa que no necesites. Cualquier mal toma tal vez algunas ideas con las que estás experimentando que simplemente no funcionaron del todo, solo sigue adelante y elimínalas. A continuación, vamos a etiquetar adecuadamente cada pista. Es muy fácil caer en la trampa de la guitarra 1 o el instrumento 1 o la entrada de audio 5 o lo que sea que sepas. Significa que hay que estar recordando constantemente qué pista es qué. Solo pasa un poco de tiempo simplemente pasando y dando a todo su nombre propio. Bastante como factor, eso está bien y plomo, guitarra, armonía, y así sucesivamente así. Simplemente para que todo esté muy claro y a mí también me gusta cambiar el icono. Así de nuevo, solo un lugar agradable para estar, una manera agradable y fácil de mirar a través de la pista. En lógica, puedes hacer clic con el botón derecho y seleccionar tus iconos desde allí. Sólo voy a pasar un minuto haciendo eso. tenemos una idea mucho más clara Ahí tenemos una idea mucho más clara de lo que es cada pista. Supongo que un poco más como [inaudible] aquí abajo con todas estas voces diferentes. Pero lo que vamos a hacer después es como apilar estos en una carpeta. No siento que necesite etiquetarlos demasiado. Pero de nuevo cosas como las guitarras, las voces principales, y todos esos tipos han sido bien etiquetados ahora. A continuación, simplemente organice las pistas en un orden que funcione bien con usted. Esto es diferente para todos. algunas personas les gusta la voz sentada en la parte superior, otras personas les gusta el tambor sentado en la parte superior, y luego el bajo y la guitarra y van así. Simplemente agruparlos de cualquier manera que tenga sentido. En realidad acabo de lanzar todos los instrumentos principales hacia arriba hacia arriba. Entonces tengo todas las voces más hacia abajo. Pero para moverlas, solo puedes seleccionar las que quieras y luego arrastrarlas hacia arriba y hacia abajo. Eso sería bastante similar en cualquier Doyle que estés usando. Lo siguiente es la codificación por colores. Como puedes ver aquí, mayoría de las pistas son azules, lo cual está bien. Pero lo que podemos hacer solo para que las cosas sean un poco fáciles para nosotros es codificarlas por colores todas. Esto va a ser un poco diferente en cada Doyle. Es posible que tengas que buscar un poco en Google por tu cuenta si quieres hacer esto. En lógica, vamos a Logic Pro, ajustes y vamos a mostrar. Después vamos a Tracks. Entonces podemos asignar de forma automática un color 24 o un color 96 dependiendo de lo que quieras. Y es aquí podemos sumergirnos en algunas otras configuraciones para que podamos tratar cada pista diferente como un color diferente. Si ves ahí, nosotros lo hemos seleccionado. Entonces cada uno va a asignar un color diferente. Ahora bien, si queremos decir como agrupar todos estos de una manera realmente fácil, podemos simplemente seleccionarlos todos, hacer clic derecho y luego ir a un color de banda sonora. Podemos simplemente cambiarlos todos por grupos. Todas estas extrañas sesiones vocales que solo conocemos están todas agrupadas. Podemos simplemente pasar por la pista y colorear como nos guste. A continuación vamos a agrupar instrumentos y crear pilas de pistas. Esto es realmente útil si tienes como un montón de pilas vocales con las que estás trabajando como esta pista. O a menudo si tienes una grabación como una batería donde has usado como 10 micrómetros diferentes, lo que puedes hacer es agrupar todos estos juntos y tratarlos como lo que puedes hacer es agrupar todos estos juntos y tratarlos como un archivo específico y esconderlos para que no estés constantemente desplazándote por toneladas y toneladas de pistas. Cuando se trata de trabajar solo en la batería y la voz, simplemente te sumerges en esa carpeta y todo se abre para ti. En este ejemplo, voy a usar esta pila vocal rara. Va a ser un poco diferente en cada Doyle, pero deberías poder apilar carpetas sin importar qué Doyle estés usando. En Logic, solo queremos seleccionar todas las pistas. Queremos grupos juntos. Haga clic con el botón derecho. Entonces queremos ir a Crear Pila de Pista. Nos va a dar dos escenarios diferentes. La pila de carpetas va a ser simplemente literalmente solo agruparlas todas juntas para que podamos sacar la carpeta y volverla a encogerla, lo cual está bien para organizarlas. Pero una pila sumadora esencialmente nos permite como crear efectos o ajustar el volumen en toda la pila. Esto es realmente útil en baterías similares si quieres bajar toda la batería, en lugar de bajar a cada individuo como micrófono, podemos hacerlo todo a la vez. Si estás usando lógica, te recomiendo ir por Summing Stack, si vas a estar ajustando algo. Podemos ver aquí, está arreglado todas esas voces en esta pista que podemos abrir y trabajar o podemos cerrar, y luego tenemos una mirada un poco más ordenada en la línea de tiempo. También podemos nombrar esta pila, así que como pilas vocales raras. Entonces sí, podemos ajustar el volumen a esto o a la ganancia o donde sea que esté y es mucho más fácil. Podríamos hacer lo mismo con todos estos. Sé que todas estas van a ser solo las armonías de versos. Puedo crear una pila de pistas versos armonías vocales. Eso acaba de reducir la gran cantidad de cosas por las que hemos tenido que desplazarnos. Simplemente hace las cosas más simples y esto tiene más sentido para mí ahora. A continuación, vamos a eliminar el sonido vacío. En muchas grabaciones como esta, por ejemplo es guitarra acústica. En realidad no hay sonido hasta aquí. Nuevamente, sólo para que quede muy claro de dónde entra y sale cada instrumento , me gusta borrar todo el sonido vacío, no hacer nada por la pista. Si te gusta un pequeño estruendo de gama baja o algo raro, obviamente no dudes en dejar eso adentro. Pero me gustó si, borra tanto sonido vacío como pueda. Esto podría ser tan simple como recortar, atraer y simplemente encontrar dónde se detiene. A menudo hay una manera más fácil de evitar esto. Si seleccionamos la pista, queremos que le quiten el ruido. Después en la lógica, vamos a funciones y eliminamos el silencio de la región de audio. Nuevamente, va a haber un poco diferente en cada Doyle pero debería ser algo similar. Entonces solo queremos ajustar el umbral para que estemos quitando el silencio. Ahora, obviamente puedes conseguir realmente como específicamente con esto. No obstante, yo recomendaría estar tan suelto como puedas, así que no estás cortando ninguna de las bonitas resonancia. Acerca de ahí está bien solo cortando aproximadamente el silencio. Vamos a golpear Bien y puedes ver ahí que se acaba de cortar con ese silencio [RUIDO] para nosotros. Yo solo voy a pasar y hacer lo mismo por cada instrumento que tenga ese silencio en él o podemos usar el atajo, la flecha y x, dos fáciles sacan esto a colación y simplemente pasan muy rápido y lo solucionan. Yo recomendaría hacerlo uno a la vez solo para que puedas asegurarte de que no estás cortando nada en lo querido y todo es simplemente realmente exacto. De nuevo, eso me parece mucho más claro ahora. Ahora encima de esto, podemos crear fundidos cruzados y solo en general, desvanecer las cosas dentro y fuera. Por ejemplo algunas cosas podrían entrar un poco de repente, como esta guitarra, como esta guitarra principal por ejemplo obviamente corta ahí fuera así que en lugar de simplemente terminar repentinamente en la lógica, podemos golpear Shift Control y luego dibujar una línea y va a crear un fade out. Para eso por ejemplo necesita o incluso desvanecerse un poco antes así termina ahí. Podemos simplemente cortar eso hacia atrás y luego presionar Mayús y Control y dibujar una línea y eso va a desvanecerlo. Ves que esa línea la va a derribar y simplemente se va a desvanecer de manera más natural que solo terminaciones repentinas. Podemos pasar y hacerle eso a cada uno si quieres. No sientas que necesitas tener todas las pistas, pero cualquiera tiene un poco de recorte o simplemente haz un pop repentino cuando la traes. Eso es guitarra rasca, por ejemplo, podríamos simplemente hacer un poco de solo que la hace un poco más agradable. Pero lo que también podemos hacer es el crossfade. Si alguna vez tienes dos tomas y estás tratando de juntarlas y hay un poco extraño de crossover ahí hay como un pop o simplemente no se desvanece de un tipo a otro muy naturalmente, podemos crear un crossfade con la misma técnica exacta, así que controla el turno y podríamos simplemente poner un poco de crossfade en eso y va a tomar una y poner abajo mientras que los otros suben. Se van a encontrar muy bien. Simplemente da como un sonido muy natural. Para facilitarnos aún más las cosas, a menudo solo puedes aplicar un cross-fade predeterminado. Si vas a la pista, quieres insertar tus fundidos cruzados al ir a las funciones y luego aplicar el fundido cruzado predeterminado. Eso aplicará todos los fundidos cruzados donde sean necesarios. A continuación, podemos crear algunas secciones la parte superior de nuestra pista, así podemos realmente fácilmente, conocer aquí el verso y el coro y los puentes son. Es muy opcional, pero de nuevo, te ayuda simplemente a rebotar y acelera las cosas. Por lógica, queríamos mostrar las pistas globales aquí y luego se puede ver este marcador de arreglo para que podamos golpear plus y se puede decir que agrega un mercado para una introducción para nosotros para que sepamos que la introducción termina por ahí. Podemos simplemente estirarlo y luego volver a golpear Plus y va a tener por defecto un verso. Podemos seguir así y podemos cambiarles el nombre solo para que se ajusten a lo que sea que se adapte. Es como una sección de verso para escuchar por mí. Simplemente seguimos así y solo hace que sea muy fácil rebotar alrededor de la pista. Si quieres también puedes deshacerte de estos también para que podamos hacer clic derecho y quitarle el tempo, el marcador de firma también se desharía de eso así que solo podemos tener las secciones de suma arriba en la parte superior ahí. Ahora bien, echando un vistazo a esta pista tal como es, esto para mí es mucho más claro que donde estábamos al principio. Simplemente va a ser mucho más divertido y accesible para entrar ahora y modificar las cosas en lugar de simplemente luchar entre nombres de pistas realmente confusos y cosas así. Todo eso se ve muy bien pero hay un paso más que me gusta dar a hora de prepararme para una mezcla y es importar una pista de referencia. Una pista de referencia va a ser de gran ayuda a medida que salimos del proceso de mezcla. Es muy fácil cuando escuchas atraer una y otra vez para acostumbrarte al sonido que has hecho. A menos que realmente estemos comparando de ida y vuelta con una canción que es un estándar de la industria, es bastante difícil mantenerse en pista y estar al tanto de lo que estás apuntando. Piensa en qué género o estilo estás tratando de replicar o trabajar y muchas veces es útil agarrar un par de temas como dos o tres pero por hoy solo voy a agarrar uno. Voy por un estilo Bon Iver, Phoebe bridges con esta pista, y una de las canciones que realmente me inspiró mientras escribía esta canción fue el banco de sangre de Bon Iver. He descargado esa pista de referencia y sólo voy a arrastrarla hasta el fondo aquí. Obviamente aléjalo de la pista para que no se estrelle, sino solo para que puedas pellizcar y haber escuchado volver a la tuya. Pero tenga en cuenta que su pista de referencia a menudo va a ser masterizada al volumen más alto que pueda llegar así que solo siempre esté equilibrado y el volumen de la pista de referencia en línea con la pista en la que esté trabajando. No te preocupes demasiado por subir al mismo volumen de inmediato. De eso se trata más masterización pero una pista de referencia va a ser súper importante en el futuro. Limpiemos su rastro del tuyo y una vez que estés listo, vamos a sumergirnos en la siguiente lección. Te veré ahí. 6. Ganar escenario: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a hablar de la puesta en escena de ganancia. Pero antes de sumergirnos en eso, ¿qué es incluso la ganancia? Ves ganancias, el proceso de ser absolutamente secuestrado como yo. No, sólo estoy bromeando. Ganancia, es esencialmente el nivel de la entrada del sonido. Ahora, muy a menudo se confunde con el volumen, que es la salida del sonido. Ahora bien, pueden parecer muy similares, pero el volumen y la ganancia, en realidad son dos cosas diferentes. Me gusta pensarlo como una guitarra. Si conectas una guitarra al amplificador, tienes un dial de ganancia, y si giras esa ganancia todo el camino hacia arriba, obtendrás una guitarra con sonido distorsionado. Estás ajustando el nivel de entrada para que esté sobreconducido. Pero puedes controlar qué tan fuerte sigue siendo esa guitarra con un dial de volumen. Se puede crear una guitarra con sonido distorsionado a un volumen bajo. Aunque no muchos guitarristas rocosos distorsionados parecen hacer eso, pero así es como me gusta pensarlo. volumen controla la sonoridad, mientras que la ganancia controla el tono y la entrada del canal. En va ganancia, sale volumen, si eso tiene sentido. Con eso en mente, ¿qué es la puesta en escena de ganancia? La puesta en escena de ganancia es establecer correctamente el equilibrio de ganancia para cada uno de los instrumentos en nuestra pista. Eso es ajustar la ganancia hacia arriba o hacia abajo. por lo que golpea cierto punto dulce, lo que minimiza el ruido y la distorsión. Pero también asegura que estés obteniendo el mejor sonido posible de esa grabación. También es muy agradable porque si ganamos escenario todas nuestras pistas ese mismo punto óptimo, significa que todos nuestros instrumentos están sentados al mismo nivel, por lo que es mucho más agradable y rápido a la hora de mezclar y ajustar volúmenes. Es muy importante hacer este paso antes de hacer cualquier mezcla como cualquier compresión o ecualización o algo así, hacer primero la puesta en escena de ganancia y tenemos una base muy buena para trabajar. Antes de comenzar a ajustar la ganancia de cada pista, queremos asegurarnos de que todos los volúmenes estén establecidos en cero dB. Como puedes ver aquí, solo queremos asegurarnos de que ese número esté en cero o si estamos trabajando desde aquí arriba, queremos asegurarnos de que todos sean neutrales en cero dB. También queremos asegurarnos de que ninguno de los instrumentos sea pan, así que esta esfera aquí que usamos para el paneo, vamos a llegar a eso más adelante. Pero sí, sólo vamos a asegurarnos de que todo sea central y que todo esté al mismo nivel. En lógica para ajustar la ganancia de cualquier pista, queremos simplemente hacer clic en la pista, queremos ajustar la ganancia en, presionar este pequeño botón i, y aquí verás que hay una opción para ajustar la ganancia. O si quieres, puedes dirigirte a la sección de mezcla, y podemos agregar una unidad de ganancia aquí, si queremos usarla en forma de plugin. Pero me gusta bastante usarlo en este viaje, así que eso es lo que voy a hacer hoy. Para ganar escenario, necesitamos ajustar la ganancia para que el audio esté golpeando cierto punto dulce de audio. Ahora podemos encontrar ese punto dulce de dos maneras distintas. La mejor manera es usar lo que se llama un medidor DBVu. Dejaré un enlace de descarga gratuita a eso en la descripción. O puedes usar el fader de volumen de tu DAW para hacerte una idea de dónde se encuentra ese volumen y hacerlo de esa manera en su lugar. Hola, estoy editando. Sólo voy a hacer estallar aquí y allá para agregar un poco más de contexto a lo que estoy diciendo. Solo para expandir un poco en decibelios y DBF y ese tipo de cosas. DBFs y dbVu son solo formas diferentes de medir el volumen. DBFS es la versión digital moderna. DBVU es más de la vieja escuela como forma analógica de medir el volumen. Debido a que se basan en diferentes sistemas, funcionan un poco diferente. Pero todo lo que realmente necesitas saber es que es solo una forma de medir un volumen, y la forma analógica de la vieja escuela, dbVu, tiende a ser más el estándar oro al que apuntar al hacer cosas como ganar puesta en escena. Pero al trabajar con DAW modernos estaremos trabajando casi exclusivamente en decibelios o DBF. También vale la pena señalar que si vamos por encima de cero decibelios, estaremos alcanzando el pico de la señal, y eso muchas veces produce distorsión y sólo algunos sonidos desagradables. Casi nunca queremos estar por encima de cero decibelios. Si toco esta guitarra por ejemplo se puede ver el medidor de volumen ahí. Esto es leer en decibelios o DBF. Un poco técnico, pero esencialmente estamos viendo los números y las lecturas en el medidor de nivel aquí. La forma más precisa de llegar a este punto óptimo de audio, como dije, es usar un medidor dbVu. Podemos descargarla de forma gratuita en línea. Al menos están libres en este momento. Se ven un poco así. Lo que estamos tratando de apuntar es conseguir que el audio se sitúe en cero dbVu. Otra vez, si toco esta guitarra, podemos ver que en realidad está bastante cerca. Pero si queremos ajustar esto, podemos simplemente hacer clic en la guitarra y dirigirnos a la ganancia. Sólo queremos subir un poquito para que esté llegando a ese cero. En un poco más. Obviamente, cualquier instrumento va a subir y bajar de volumen. Esa es sólo la naturaleza de cualquier instrumento. Lo que realmente pretendemos aquí es acercarlo lo posible a ese dBVu cero. Si se está repasando un poquito, está bien. Tiendo a gustarme mantenerlo bajo cero si puedo. Pero eso es bastante cercano a mí. Sólo he tenido que hacer un pequeño ajuste ahí a 1.6 decibelios. Eso es todo lo que estamos haciendo, es que estamos pasando por cada pista y ajustando la ganancia para que sean las sesiones lo más cercanas posible a ese dBVu cero. Ahora bien, si realmente no puedes poner en tus manos esto, o simplemente estás en apuro, mucha gente también dice que apuntes a menos 18 dBFS, que podemos ver nuestro medidor de volumen. Me parece que la mayor parte del tiempo estamos tratando de encontrar el equilibrio que está sentado alrededor de menos 18, y es nuestro pico en menos diez. Eso tiende a ser un rango similar a ese dBVu cero. Si echamos un vistazo aquí, esta vez echamos un vistazo a nuestro medidor de volumen en su lugar. Podemos ver que estamos viendo alrededor de 18, un poco más de músculo alcanzando su pico alrededor de 10, que es por aquí. Ese es un nivel bastante bueno para mí. Téngalo en mente. Vamos por aproximadamente cero dbVu, o alcanzando un máximo de menos 10 dBFS. Voy a seleccionar todas nuestras pistas aquí y voy a sacar el medidor DBVu en todas ellas. Así como así. Solo voy a pasar uno por uno y ajustar ese juego para que esté golpeando alrededor de cero dBVu. Mientras estamos haciendo esto, queremos estar dando vueltas a la parte más ruidosa de la pista en la que enfocarnos. Se puede ver aquí con el bajo, vamos por mucho tiempo. Queremos acabar con este juego. Ahora, obviamente, cada instrumento va a ser un poco diferente. Ahora con instrumentos con mucha dinámica, tambores particulares donde hay sonidos impactantes repentinos, necesitamos ganar escenario de una manera ligeramente diferente. Por ejemplo, este derecho no está golpeando del todo ese cero dBVu. Pensaríamos en retomarlo, pero si miramos nuestro medidor de nivel, estamos recogiendo la señal, lo que va a significar que vamos a obtener distorsión y simplemente no va a sonar muy bien. Va a sonar muy desequilibrado con todo lo demás también. No podemos tenerlo en su punto máximo, lo que significa que tenemos que bajarlo y eso está bien. No todos los instrumentos van a poder alcanzar ese punto dulce digital en este medidor VU. En un caso como este, volveré a mirar el medidor de nivel e intentaré que se asiente alrededor de menos 18, alcanzando un máximo de 10 en su lugar. Pero de nuevo, si podemos acercarlo lo más posible a cero dbVu, eso también es genial. [RUIDO] Eso es bueno, está sentado alrededor de las 18 ahí y están alcanzando su punto máximo alrededor de menos 10. Yo soy genial. Desafortunadamente no se puede conocer ese punto dulce, pero eso está absolutamente bien. Lo patea bastante bien ahí. Órgano sentado por ahí también, lo cual es bueno. Para cada instrumento diferente, como esta guitarra es solo un poco difícil de precisar exactamente dónde está. Solo busco constantemente entre mi medidor de nivel y mi medidor de DBVu, estoy tratando de marcarlo lo más cerca que pueda. Pero mucho de esto es bastante como una ciencia blanda. No tiene que ser exacto. Solo estamos buscando un buen nivel de estadio. Por lo que la mayoría de las pistas se han ganado escenario ahí. Ahora, solo tenemos que hacer estas armonías vocales, pero lo que podemos hacer, es algo bastante genial para ahorrar un poco de tiempo para instrumentos que no están demasiado en tu cara cosas como sonidos de fondo o armonías, especialmente aquellos como estos que son como una o dos líneas ganan puesta en escena esas no son tan vitales. Lo que podemos hacer es algo llamado normalización de audio. Eso esencialmente va a ajustar la ganancia a cada región para que esté alcanzando un cierto punto máximo. Si seleccionamos todo lo que queremos ajustar, luego ir a funciones y aplicar normalizar ganancia región aquí. Entonces podemos elegir si queremos que sean pistas individuales o regiones individuales, vamos a ir por regiones porque hemos seleccionado regiones amor y luego como decíamos antes, estamos apuntando a alrededor de menos 10 picos, [ Risas] si eso es una palabra. Entonces podemos escribir aquí menos 10 y presionar Aplicar y luego todas estas pequeñas regiones van a ser traídas hasta aproximadamente menos 10. Verás, todos han sido llevados a un nivel bastante bueno ahí. Ahora lo que podemos hacer es volver a entrar con una medición y sólo ver cómo está eso. Entonces podemos decir que eso es demasiado ruidoso. Así que solo podemos hacer ese proceso exacto otra vez, pero bajarlo un poco. A lo mejor vamos a ir a menos, decir como menos 16 en su lugar. Intentemos menos 13 en su lugar. Eso es golpear un balance de osos ahí. Así que podemos jugar con esa característica de ganancia normalizada en más como fondo, los instrumentos, o como un gran kit de batería con un montón de sonidos diferentes. Suena un poco de tiempo. De nuevo, está bien para meter nuestro audio en ese punto óptimo. Ahora la pregunta que a menudo se hace es, ¿todos los instrumentos necesitan ser escenificadas de ganancia? Bueno, en realidad no, pero vale la pena considerarlo. Lo que quiero decir con eso es que definitivamente quieres ganar pistas escénicas al frente y muy presentes como guitarras, voces, bases, pero instrumentos como un pequeño shaker o una pandereta o algún ruido ambiental de fondo, cosas así. No te preocupes demasiado, pero llegar al nivel correcto solo va a significar que vas a ser difícil mezclar agradable y fácilmente. Siempre y cuando estés en el estadio correcto está totalmente bien. ¿Deberías ganar midi escénico? En cierto modo, sí. Como por ejemplo tenemos las cuerdas el amidi. Ahora porque amidi es como la información de audio no es como una grabación, no tiene exactamente como ganancia, pero a menudo podemos hacer es entrar en los plug-ins como los que tenemos aquí y a menudo serán como un dial de volumen o alguna forma de ajustar la salida. Podemos meter eso en el punto ideal solo para que quede bien sentado con los otros instrumentos o en su defecto, si estás enchufando no tiene un control deslizante de volumen, puedes agregar un complemento de ganancia un poco que vimos antes, así que solo agregando ganancia de utilidad, agregando eso a los efectos y puedes ajustar la ganancia a partir de ahí. Ahora es posible que ahora puedas escuchar que las cosas están sentadas en un equilibrio un poco más agradable, solo ajustar esas ganancias, todo está sentado a un nivel agradable y puedes escuchar la mayoría de las cosas. Al crear esta base para nosotros mismos, es muy fácil hacer pequeños pequeños ajustes y equilibrar la mezcla que quieras. Simplemente crea una base perfecta para trabajar y significa que estamos sacando el máximo provecho de todas nuestras grabaciones y todos nuestros instrumentos. A continuación, vamos a estar trabajando en la balanza y los volúmenes. También, te veré en la siguiente lección. 7. Equilibrio de volumen: A continuación vamos a trabajar en el balance de volúmenes. Eso es exactamente lo que suena. Solo vamos a estar jugando con los volúmenes y asegurándonos de que todo esté sentado a un nivel realmente agradable. Podemos escuchar todo con claridad y estamos contentos con el balance de la pista. Aquí es donde nuestra pista de referencia va a ser muy útil también, ya que solo podemos comparar los volúmenes y donde todo se sienta con una referencia. Volvamos a desglosar esto en escalones, así que es realmente fácil de entender. El primer paso va a ser dar un bucle a la parte más ruidosa de la pista. Entonces vamos a seleccionar cada uno de nuestros instrumentos. Todos estos, y vamos a girar todos los controles deslizantes de volumen a cero, así que deberías poder escuchar cualquier cosa. Ahora vamos a escoger nuestro instrumento más importante. Esta suele ser la voz, pero obviamente dependiendo del estilo en el que estés trabajando, podría ser diferente. Puede que estés trabajando en lo-fi, que no tiene voz, en cuyo caso podrías tener una melodía muy fuerte. Vamos a escoger el sonido principal de nuestra canción, que va a ser la voz para esta pista. Vamos a traerlo así que está sentado a aproximadamente menos -5 db. Ver los climas pasados más ruidosos fue -6 o -5 rotondas, no está bien. Entonces vamos a elegir para el segundo instrumento más importante y traerlo para que quede bien sentado con esas voces. Creo que para mí, probablemente sea la guitarra principal. Ahí va a venir en segundo lugar más importante. Eso está aquí. Entonces simplemente vamos a continuar de esa manera, eligiendo el siguiente instrumento más importante y el siguiente instrumento más importante y simplemente mezclarlo con los instrumentos que ya están presentes. Después de esa guitarra principal para mí probablemente viene la guitarra rítmica. Siguiente es la base. Sólo estamos recorriendo cada una de esas pistas y solo mezclándolas una por una. No hace falta decir que obviamente se puede volver a cada instrumento. Estarás retocando esto para toda la pista, estoy seguro. Pero solo queremos acercarlo lo más posible, suspender como una muy buena cantidad de tiempo aquí. Solo sigue escuchando esa misma sección y acercando esos volúmenes como puedas. Vale la pena decir que si tocas la canción de principio a fin, hay algunas partes al principio o al final que tal vez no suenen bien, pero vamos a arreglarlo un poco más tarde. Pero por ahora, solo queremos que la parte más ruidosa de la canción suene bien y equilibrada y llegaremos al resto del verano un poco más tarde. Asegúrate de tener un descanso también. Darle un aumento y descansar. Vamos a tomar una taza de té o simplemente ir a hacer otra cosa y luego volver a ella como media hora después con algunos ligeramente más frescos es. También sigue rebotando entre tu pista de referencia así como. Aquí puedo resolver que creo que necesito un poco más de la guitarra principal. Un poco más de patada también. Creo que estoy bastante contento con el saldo ahí. Es un poco intimidante tratar de filmar mientras se hace esto, pero creo que eso suena bien. Estoy contento con eso por ahora. Probablemente pensaré diferente [Risas] como media hora de tiempo pero eso es genial por ahora. Si tocamos esta canción de principio a fin, probablemente pensarás que las cosas suenan un poco desequilibradas en ciertas secciones. Eso está totalmente bien. Eso es normal. Vamos a arreglar eso con algo que se llama automatización un poco más tarde. A algunas personas les puede gustar hacer un poco de automatización en esta etapa, lo cual es totalmente genial. Pero para mí, lo voy a hacer un poco más tarde solo porque sé que a través de eQing y comprimir las cosas puede sonar un poco diferente. Pero a continuación, vamos a hablar de autobuses. Te contaré más sobre eso en la siguiente lección. Gracias, chicos. 8. Buses: Hola chicos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a hablar de autobuses. Estuve confundido por los autobuses durante más tiempo, pero en realidad es súper sencillo. El viejo refrán va un poco así. Imagina que quieres llevar a un grupo de niños a la escuela. La forma más fácil de llevar a todos estos niños al mismo lugar es enviarlos en un autobús al lugar y así es exactamente como es el autobús en audio. Digamos que tenemos como una batería con montón de micrófonos y tambores diferentes, y todos queremos conseguir reverberación en ellos, queremos enviarlos a una reverberación. En lugar de enviar cada uno individualmente, podemos enviarlos todos al mismo tiempo. ¿Por qué hacemos eso? En primer lugar, ahorra mucho tiempo. En lugar de aplicar reverberación en cada pista, podemos crear una reverberación que nos guste y luego enviar una tonelada de instrumentos diferentes a esa misma reverberación. Hace que las cosas sean mucho más rápidas y fáciles como en todos los sentidos y también reduce en gran medida la cantidad de energía que su computadora necesita para que todo funcione. También porque podemos usar esto para aplicar así mismo efecto en un grupo de instrumentos, ayuda a pegarlo, como reverberación por ejemplo. En lugar de que cada reverberación sea un poco diferente, si podemos enviar muchas de nuestras pistas al mismo bus de reverberación, sonará como que se están tocando en el mismo espacio y las pega muy bien. Además, si quieres ajustar la reverberación más tarde por la línea, nuevo, en lugar de tener que entrar en cada pista individual y ajustarla, solo podemos ajustar el bus de reverberación que nos hemos propuesto y podemos hacer esto con cualquier efecto que queramos, como reverb, delay, compresión, EQ. A veces es agradable ecualizar todo el kit de batería juntos en lugar de individualmente. Nuevamente, ayuda a pegarlo. No necesariamente necesitamos configurar todos nuestros autobuses ahora, pero justo cuando entramos en la sección donde hablamos de cosas como efectos y reverberación de compresión, ten en cuenta que puedes colocar estos efectos en un autobús para hacerte la vida un poco más fácil. Por ahora, solo aprendamos cómo podemos montar un autobús nosotros mismos. Tomemos esta voz principal por ejemplo. Digamos que queremos enviar esto a un autobús de reverberación en lugar de poner una reverberación en esta pista. Podemos llegar a esta pequeña sección aquí y podemos seleccionar a qué autobús queremos enviarlo. Todos estos sólo van a ser canales vacíos, vacíos. Podemos ir al Autobús 5 y puedes ver por aquí en Aux 4, esto nos ha creado un nuevo autobús, así que este es el Autobús 5 aquí. Podemos renombrar esto en la parte inferior, reverberar y ese es nuestro bus de reverberación ahora. En el bus de reverberación voy a poner en un plug-in de reverberación. En este punto podemos configurar la reverberación como queramos. Vamos a entrar en esto un poco más tarde, pero podemos marcar cuánto de este efecto queremos agregar a nuestra pista. Con la voz principal en mente, podemos usar este dial para cambiar la cantidad de la señal que se está enviando a ese bus, lo que significa que todavía nos puede gustar marcar en cuánta reverberación o cuánto efecto queremos en cada canal diferente. Tenemos esta reverberación pasando por el autobús 5, y puedo subir este autobús si quieres mucha reverberación y bajarla y ahí estamos obteniendo un buen nivel de sonido de reverberación. Ahora, digamos que queríamos agregar armonías vocales a esa misma reverberación. Solo tenemos que seleccionar esa pista y otra vez, sacarla al bus 5 reverb, y podemos tocarlas juntas y podemos hacer exactamente lo mismo para que podamos ajustar la cantidad de reverberación que queremos en el backend. Ambos van a la misma reverberación, no tenemos que establecer ese canal de reverberación dos veces y enloquecer con todos los ajustes, solo podemos obtener un sonido de reverberación que nos guste, y luego ajustar la cantidad de la señal que entra en ese efecto. También podemos ajustar la intensidad del autobús usando el deslizador también. Eso es todo bussing es, es solo enviar diferentes instrumentos a través un efecto nos facilita mucho las cosas y crea una buena cohesión entre las pistas y tener una jugada alrededor con esto y te veo en la siguiente lección. Gracias chicos. 9. Compresión: Hola amigos. Bienvenida de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a hablar de compresión. compresión es uno de los componentes más clave de la mezcla, por lo que es muy importante entender y aprender. Pero antes de empezar a hablar de compresión, necesitamos entender algo llamado rango dinámico. ¿Qué es el rango dinámico? Esencialmente, es solo la diferencia entre la parte más ruidosa y la más silenciosa de una grabación, así que usemos el ejemplo de grabar a un vocalista. Ahora, naturalmente, cuando estás grabando algo así como voces, van a ser partes que sean más fuertes que otras. El intérprete podría acercarse al micrófono, podría simplemente gritar align [NOISE], o susurrar align [NOISE], y eso va a crear ciertas partes ruidosas y ciertas partes silenciosas en la grabación, cual es genial para el rendimiento, lo cual es genial para el rendimiento, le da vida y la hace sentir humana. Pero esto causa un poco de problema dentro de la mezcla, porque si tratamos equilibrar el volumen a las partes más fuertes, las partes más silenciosas van a cantar bastante débiles y un poco demasiado distantes, pero igualmente, si tenemos volumen equilibrado las partes más silenciosas, las partes ruidosas van a ser demasiado ruidosas. Aquí es donde entra la compresión. Lo que hace la compresión es esencialmente apretar las partes más fuertes de una grabación, por lo que toda la grabación es más consistente. Podemos controlar cómo funciona este compresor, así que esencialmente podemos controlar el rango dinámico de una grabación, y eso crea un nivel de volumen más consistente, y mucha gente dice que agrega presencia y punch a una pista. Pero hay que tener cuidado como si comprimiéramos demasiado una señal, a menudo puede simplemente muerta en una actuación y hacerla sonar bastante plana, inorgánica y bastante procesada. Eso es lo que hace la compresión, es simplemente hacer un nivel de volumen más consistente para cualquier grabación. Escuche estas voces antes y después de que estén comprimidas, y observe cómo las voces no comprimidas suenan inseguras de sí mismas y bastante poco seguras. Ojalá, se pueda escuchar que el sonido vocal comprimido es mucho más seguro y consistente y más fuerte en general. Pero, ¿cómo usamos la compresión? Cada compresor se compone de varios elementos diferentes de diales. El primero es el umbral. Establecemos el umbral donde queremos que comience a tener lugar la compresión. Si usamos esto como ejemplo, aquí tenemos nuestra señal de audio y queremos comprimir las partes más fuertes de esta, así que solo quieres enfocarte en este bit de audio más alto. Establecemos el umbral donde queremos que empiece a tener lugar esa compresión, así que si establecemos el umbral aquí, todo por encima de él, todo esto va a ser lo que se vea afectado. Cuanto más bajo establecemos ese umbral, más de la señal se va a comprimir. Podríamos establecer el umbral aquí abajo, pero eso haría una compresión muy intensa, así que queremos conseguirlo a un nivel que suene agradable y orgánico, idealmente, a menos que quieras ir por tambores comprimidos locos o algo así. A continuación tenemos la relación. La relación determina cuánta compresión tiene lugar por encima del umbral. Si comprimimos todo por encima de ese umbral, suena un poco plano y un orgánico, así que ajustamos la relación para determinar cuánta compresión se está produciendo por encima de ese umbral. Lo pienso un poco como un filtro sentado encima del umbral, y podemos abrir ese filtro hacia arriba y dejar pasar un poco de esa señal, suena un poco más natural y orgánico de esa manera, o realmente podemos cerrar ese filtro hacia abajo, subir esa proporción para hacer un estilo de compresión mucho más intenso. Cuanto mayor sea la relación, mayor será la compresión, menor la relación, menor será la compresión. Aquí hay algunos hitos de relación realmente simples para darte una idea más clara. A continuación tenemos ataque. ataque es la cantidad de tiempo que tarda el compresor en comenzar a funcionar. Un tiempo de ataque más rápido da un sonido espeso y apretado, mientras que un sonido de ataque más lento suena más contundente y orgánico. Por lo general, los tiempos de ataque más lentos son más agradables de escuchar. Como puede ver en esta pantalla, con un tiempo de ataque rápido, tan pronto como esa señal sobrepasa el umbral, el compresor está entrando de inmediato, está cavando el compresor en la señal de inmediato. Mientras que con un tiempo de ataque lento, tan pronto como esa señal alcanza el umbral, el compresor empieza a funcionar, pero es un declive mucho más lento, como puedes ver aquí, y con un tiempo de ataque más lento, significa que parte de esa señal inicial va a golpear ese poco más, así que ciertas líneas van a tener un buen poco de impacto, ahí hacerlas un poco más contundentes porque sólo acaban de atrapar el inicio de la compresión. En el otro extremo de esto está el lanzamiento. Si el ataque engancha el compresor, la liberación libera el compresor, por lo que es la cantidad de tiempo que tarda el compresor soltar la compresión. Los tiempos de liberación rápidos tienden a sonar más naturales y la gente tiende a inclinarse un poco más hacia esos tiempos de liberación rápidos, así que puedes ver aquí que una vez que esa señal vuelve por debajo del umbral, esa es la señal del compresor para dejar de funcionar. Los relieves determinan la rapidez con la que el compresor pasa de funcionar a no funcionar. Se puede ver aquí con una liberación lenta, ese compresor vuelve a salir lentamente, pero con una liberación rápida, cuanto esa señal entra por debajo del umbral, el audio vuelve directamente a su nivel regular. A continuación tenemos la rodilla. La rodilla es la transición entre los compresores reducción total a ninguna reducción de la señal, pero en términos de Layman, pienso en ello esencialmente como lo agresivo que funciona el compresor. Una rodilla más alta resultará en una compresión más sutil, mientras que una rodilla inferior será poco más en tu cara y agresiva. Pero es bastante sutil, así que no te preocupes demasiado por ésta. Pero nuevamente, solo para darte una idea aproximada, puedes ver una rodilla suave aquí, igual que Ben es la compresión y la hace simplemente más sutil y suave, mientras que una rodilla dura simplemente va a ser mucho más directa y afilada. Por último, tenemos ganancia de maquillaje. Cuando estamos usando compresión, estamos haciendo que la señal más silenciosa porque estamos bajando esas partes más fuertes. Usamos la ganancia de maquillaje para reajustarnos a la pérdida de señal, así que solo la estamos volviendo a subir a un nivel con el que estamos contentos. Además, en la mayoría de los compresores, tendrá un estilo mixto, y esto esencialmente es solo la diferencia entre como la señal seca no comprimida y la señal comprimida húmeda. Simplemente puedes marcarlo si quieres quitarle el borde a un compresor, también vale la pena mencionar sobre la reducción de ganancia. La compresión se mide en reducción de ganancia porque está aplastando esa señal y haciéndola más silenciosa, reduciendo la ganancia, y si alguna vez miras un compresor, verás un dial o un gráfico, y eso es lo que está leyendo es cuánta reducción de ganancia se está produciendo. obtenemos una idea muy clara de estas lecturas obtenemos una idea muy clara de cuánto se está comprimiendo la señal. Eso es bastante interesante, ¿no? Siéntete libre de recuperarte a través esta lección tantas veces como necesites, pero a continuación vamos a entrar en cómo usamos realmente compresión en el propio audio . Te veré en la siguiente lección. 10. Cómo usar la compresión: Hola chicos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a tomar lo que aprendimos en la última lección sobre compresión y aplicarlo a las grabaciones que tenemos en nuestra canción. En este ejemplo, voy a estar usando la voz. Ahora bien, si escuchamos esta pista vocal, verás que hay ciertas palabras en ciertas partes que se sienten un poco débiles y poco confiadas. Eso no es culpa de Harriet, la cantante en absoluto. Es una cantante increíble, y es totalmente natural que cualquier cantante vaya a cantar ciertas palabras más fuerte, ciertos bits más silenciosos. Eso es lo que queremos. Queremos una interpretación vocal genuina. Pero solo queremos poder controlar ese rango dinámico para que no suene demasiado silencioso o bajo confianza. Si tenemos una escucha. Ojalá se pueda escuchar ahí, el comienzo de eso, es bastante fuerte. Pero entonces estas partes posteriores aquí, que falta el sentimiento, suena bastante poco confiada. Ahora bien, si fuéramos a solo eso sonaría bien. Pero cuando tenemos tantos otros instrumentos y otros sonidos, fácilmente puede simplemente enterrar esas partes más fuertes, que es exactamente la razón por la que usamos la compresión. Voy a dirigirme a la voz, y voy a ponerle un compresor. Aquí puedes ver todos los diales de los que estuvimos hablando en la última lección. Ahora no hemos ajustado esto en absoluto. Esta es solo la configuración predeterminada de fábrica. Pero se puede ver que la línea ahí. Es indagar en la señal y simplemente empujar hacia abajo esas partes más fuertes, esa línea que se está dibujando solo está cavando en la señal. Ahora bien, aunque sepas lo que hacen todos estos diales, puede resultar realmente abrumador mirar este compresor y saber lo que estás haciendo. Nuevamente, solo me gusta dividirlo en varios pasos a seguir cada vez, y siempre parece que me funciona muy bien. Primero, sólo queremos asegurarnos de que no estamos solos. Estamos tratando de mezclar las compresiones para que funcione con la pista, no que funcione por sí sola. Idealmente, queremos estar mezclándonos con la pista que se reproduce, pero podemos rebotar entre pero podemos rebotar entre los solos solo para que podamos escuchar exactamente lo que está pasando. Además, me facilita explicar. Para comenzar, me gusta establecer el umbral en aproximadamente tres a uno, así sabemos que se está produciendo una buena cantidad de compresión. A continuación, voy a ajustar el umbral hasta que note que se produce alguna compresión. Voy a bajar el umbral a cero. Voy a ponérselo al medidor, y voy a bajar ese umbral hasta que empiece a comprimir la señal. Una compresión más suave y sutil normalmente se asienta entre dos y cuatro decibelios de reducción, mientras que una compresión más pesada se asienta más hacia menos seis y menos 10. Pero eso no me preocuparía demasiado. Cada instrumento es muy diferente, y solo me gusta ajustar el umbral hasta que vea que se produce alguna compresión, y me suena bien. Se puede ver que estamos algo así como flotando alrededor de menos cinco, lo que creo que suena bastante bien. No suena demasiado agresivo, simplemente suena agradable y sutil. Puede que no notes como una diferencia masiva ahí. Pero si escuchas con mucha atención, puedes sentir que todo está un poco más nivelado, en lugar de ese rango dinámico haciendo que ciertos bits sean más silenciosos. Podemos hacer esto realmente agresivo si quieres. Si giro la relación hacia arriba, baje un poco el umbral. Eso es con una compresión pesada, y es de esperar que aquí hay algún tipo de sonidos procesados y un poco planos y algo aburridos. Queremos estar ajustándonos para evitar eso. Pero algunos géneros como el heavy metal o la compresión de tambores, a veces a la gente le gusta mucho una señal duramente comprimida. Pero con esta voz, quiero que le quede ese elemento natural, así que la voy a volver a bajar. El paso tres sería volver a llevar esa ganancia de maquillaje al nivel que la teníamos de antemano. Solo queremos estar ajustando esa ganancia de maquillaje, encender y apagar el compresor, y volverlo a subir al nivel en el que lo teníamos antes. Para que esto sea aún más fácil, solo podemos mirar la cantidad de reducción de ganancia que se está produciendo en nuestra gráfica, y podemos ajustar la ganancia de maquillaje dependiendo de eso. Si el medidor está leyendo menos cinco reducción de ganancia, podemos llevar la ganancia de maquillaje a más cinco ganancia, que la estemos volviendo a subir al nivel en el que estaba anteriormente. A continuación, podemos establecer la relación para que las cosas suenen agradables y consistentes. Si hay mucho rango dinámico, posible que desee ir un poco más alto con la relación. Si ciertas líneas realmente te están saliendo, esa es una señal de que necesitas subir un poco esa proporción, para que puedas bajarla. Pero me gusta bastante cerrar los ojos y simplemente girar este dial hacia arriba y hacia abajo hasta llegar a un punto óptimo con él. Apenas por ahora, voy a quitarme esas armonías. Bien, entonces estoy bastante contento con esa proporción ahí. Acabo de marcarlo un poco para que sea un poco más sutil. Eso me suena bastante bien. A continuación, vamos a fijar el ataque. Este es otro en el que solo me gusta cerrar los ojos y sentir esto fuera. Nuevamente, como dije en la última lección, el ataque es la rapidez con la que va a entrar el compresor. Cuanto más lento pongamos esto, más va a pasar esa señal inicial. Sí, los tiempos de ataque más lentos tienden a ser más agradables. Sólo vamos a ver lo lento que puede ir sin que suene demasiado raro. Ojalá se pueda escuchar que el tiempo de ataque más rápido suena más ágil. Cuanto más lento. Lo quiero, todo lo que tenías ahora. Mira cómo el más lento simplemente se siente un poco más natural. De nuevo, es realmente sutil. Tienes que escucharlo de verdad. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me falta la sensación. Harriet realmente no tenía grandes líneas destacadas donde de repente gritó. No tenemos que establecer la velocidad de ataque demasiado rápido. Si estás viendo una de repente gritó una palabra, y si ese ataque se vuelve demasiado lento no se agregará para comprimirlo correctamente sino porque las voces de Harriet fueron bastante suaves aquí podemos ponerla bastante lenta y no está causando demasiado problema. Decir que el tiempo de ataque demasiado rápido a menudo puede succionar la vida de una actuación o puede hacer que un instrumento se sienta como si estuviera más lejos, pero con un tiempo de ataque más lento solo va a ser un poco más contundente, natural y orgánico. Pero los tiempos de ataque lentos no son los mejores para controlar realmente instrumentos muy dinámicos como una batería o vocalistas que gritan muy fuertes que repente gritan de la nada. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me falta la sensación. [inaudible]. A continuación vamos a ajustar el lanzamiento. Aprendimos que esto es al soltar el compresor. Si el lanzamiento es demasiado rápido, va a sonar un poco entrecortado como si estuviera subiendo y bajando muy rápido, pero si es demasiado lento simplemente sonará un poco demasiado tranquilo y aburrido y empiezo a cerrar los ojos y a llenar esto y oirás donde las cosas empiezan a ponerse un poco raras. Este es un tiempo de lanzamiento muy lento. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me falta la sensación. Se puede ver en la gráfica ahí que realmente está soltando lentamente el compresor pero si hacemos que ese tiempo de liberación sea mucho más rápido. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me falta la sensación. Ya ves como suena más entrecortado, ¿no? Podemos simplemente poner esto en un lugar que se sienta natural. Lo quiero todo lo que tenías ahora me aburro y me falta la sensación. color verde brillante Escarabajo Forester Park de agosto a septiembre. A mí me parece justo a los 30. Ahora, olvidé decir que al ajustar el lanzamiento, esencialmente estamos buscando el compresor para soltar entre palabras o sonidos. En este caso las voces, si le pegas a Harriet cantando. Lo quiero en todo en ese pequeño hueco, ideal es que queremos que el compresor deje de funcionar y empiece a activarse de nuevo cuando empiece a cantarlos de nuevo. Si escuchas. Lo quiero, todo lo que tenías. Ojalá se pueda ver ahí, apenas como ella deje de cantar, la compresión vamos y la gráfica se reduce de nuevo a cero dB y eso crea unos sonidos naturales agradables, la compresión que es casi como respirar con la música. Queremos estar ajustando el lanzamiento para que esté soltando ese compresor entre líneas o sonidos, pero al final del día, hacer lo que suene bien. No importa a quién le importe. Por último, el nombre. Ahora de nuevo, esto va a ser muy sutil. Todo lo que realmente necesitamos saber es que cuanto menor sea esto, más agresiva es la compresión y viceversa. Cuanto más alto, menos agresivo. Nuevamente, vamos a llenar esto con nuestros oídos. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me falta. Volvamos a hacer un antes y después tan rápido. Rodilla baja. Lo quiero, todo lo que tenías. Yo preferí una rodilla más alta ahí. Lo quiero, todo lo que tenías. Tráelo de vuelta con el resto de la pista. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me falta la sensación. Esa es nuestra voz comprimida. Voy a hacer un par de antes y después ahora y ojalá sea mejor que oigas la diferencia. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me falta la sensación. Es solo hacer que esas voces sean más presentes y que destaquen un poco más. Algunas de esas líneas más silenciosas que sentían que se desvanecieron y ahora mucho más presentes y se pueden escuchar con mucha más claridad. Sé que eso es mucho para asumir y así que realmente recomiendo simplemente entrar en ti mismo ahora y simplemente jugar realmente con todos estos diales y solo escuchar y sentir lo que hace cada uno. Ahora no es necesario agregar compresión a todos los instrumentos. De nuevo pregúntate, ¿qué hay que cambiar de un sonido? Haz que escuches una guitarra o una batería y piensa, ¿ hay notas que se están desvaneciendo un poco o son ciertas partes que se destacan demasiado Si quieres controlar ese rango dinámico, es cuando usas un compresor, pero muy a menudo ocurre que instrumentos como guitarras, bajos, voces, batería son todos muy dinámicos, por lo que poder controlar esos instrumentos frontales suele ser una buena cosa muy poderosa que hacer. A continuación, vamos a hablar EQ. Te veré en la siguiente lección. 11. EQ: A continuación vamos a hablar de EQ. EQ significa ecualizador, y es esencialmente una forma de ajustar las frecuencias de cualquier sonido. Si alguna vez has usado un mezclador básico o una guitarra antes es posible que hayas visto antes bajos, medios y agudos. Podemos usar estos diales para ajustar las frecuencias de un sonido. Puede traer a colación la gama alta con los agudos o derribar la base con la base y la forma o el sonido. Todo un ecualizador es, es esencialmente una forma mucho más precisa de usar esos tres diales. Podemos usar un montón de diferentes herramientas para dar mejor forma a la frecuencia que está haciendo un sonido. Se puede utilizar para mejorar ciertas frecuencias. Di que si quieres un poco más de sonidos brillantes de gama alta, podemos subir el extremo superior por igual si hay como un ruido de habitación extraño o resonancia, no me gusta, puedes cortar eso usando EQ también. También podemos usar esto para dar cabida a otros instrumentos. Digamos que como la guitarra rítmico tiene demasiado bajo en ella, podemos agachar algo del bajo y dejar espacio para la patada y el bajo y dar forma a nuestros instrumentos así para que puedan ser escuchados un poco más claros. No son como pelear en la misma banda de frecuencias entre sí. Pienso en ello como esculpir un sonido. Leonardo Da Vinci configurando la estatua de David. Pero en este escenario, es un sonido de snare de porquería en lugar de un trozo de herp. Hay varios rangos de frecuencia diferentes de los que a menudo se habla en EQ. Tenemos los graves, los medios bajos, los medios altos y los agudos. Cada instrumento en una mezcla va a tener su propio rango de frecuencia. Cuanto mejor podamos entenderlos, mejor podremos tomar decisiones informadas sobre qué hacer con un ecualizador. Una técnica muy común en una mezcla ocupada es enfocar el ecualizador alrededor del patrón de ecualización natural de los instrumentos. De esa manera esas otras frecuencias no están interfiriendo con otros instrumentos de la mezcla. Para el ejemplo de hoy, voy a estar usando un ecualizador en nuestra guitarra rítpica. Así es como se verán la mayoría de los complementos de EQ a medida que jugamos en la pista. Se ve dónde se están formando las frecuencias. Tenemos mucho en la zona media baja ahí. Ahora obviamente puedes usar cualquier plugin de EQ que venga con tu puerta. Pero si eres un principiante y estás tratando de averiguar cómo suena cada banda de frecuencia y tener una idea muy clara de lo que estamos haciendo aquí. Realmente recomiendo conseguir algo un poco como esto, que es la neurona para el ecualizador, solo paga un poquito de dinero por ello. Pero esencialmente lo que te permite hacer es lo que muchas cosas diferentes. Pero creo que lo más útil es que puede mostrarte una banda de frecuencia solista. Si pegamos solo, puedes ver toda esta área blanca aquí es la zona que está solida. Se puede escuchar muy claramente cómo suena cada frecuencia. Se oye una vez que superamos esos 60 hercios, 60 ahí abajo, solo puede tener un estruendo muy bajo. Sabemos que ahí atrás no hay mucha información que realmente necesitemos. las frecuencias más básicas, quiero decir aquí que el cuerpo principal sigue sentado entre 3 mil y mil 500. Elegimos realmente dónde dice ese sonido. Porque algún pequeño matiz agradable, las cosas de aquí. Pero mucho de esto es muy áspero y probablemente no necesitamos mucho más allá de este extremo superior aquí. Pero esencialmente, así es como suena cada frecuencia. Siempre que estoy haciendo, son realmente como para saltar en esto y simplemente realmente llenar un instrumento y cómo es que cada frecuencia viene a través. Hay varias formas diferentes de moldear y dar forma a un ecualizador y lo hacemos con varios filtros diferentes. El primero es un filtro de paso alto. Un filtro de paso alto se verá así. El paso alto va a hacer exactamente lo que dice. Va a dejar pasar todas las frecuencias más altas y va a cortar las inferiores. Como puedes ver aquí, todas estas frecuencias más bajas y va a estar cortando. Esto es realmente bueno para quitar ruido no deseado de la habitación o Bulinus y también podemos ajustar la pendiente. Eso es como lo dramático que es el decaimiento con el pasado, por lo que puede hacerlo realmente dramático ahí y causar todo pase de 299 hertz. Si nos ponemos bastante dramáticos con él, o podemos nivelar la pendiente un poco más abajo y hacer que suene un poco más natural. De nuevo, podemos hacerlo solo para escuchar realmente en qué área estamos afectando. En el extremo opuesto del espectro, literalmente, tenemos un filtro de paso bajo, y esto va a ser justo en el paso alto pero a la inversa. Podemos librarnos solos sin los altos y duros ruidos tontos. Siempre podemos crear unos efectos bastante bajo--fi con estos dos. Esto es realmente bueno por solo quitarle ruido agudo realmente extraño o sangrado de símbolos y espacio. A continuación tenemos campanas. Estos se ven así. Solían impulsar o reducir un área muy específica. Si queremos realmente apuntar hacia abajo una frecuencia específicamente, podemos usar una campana para eso. Lo que también podemos hacer es ajustar una cola. Y eso hace que el nodo sea más ancho o más estrecho dependiendo de la cantidad de frecuencia que queramos efectuar. Si podemos estrecharlo, si solo queremos obtener un bajo raro o simplemente una frecuencia realmente molesta de la habitación o algo así, realmente podemos apuntar finamente con una Q. alta O podemos hacerlo mucho más amplio. Sólo queremos añadir un poco más de extremo superior a esta guitarra. Podemos hacer una Q bastante amplia y podríamos sacar a colación esta linda frecuencia en la guitarra. Diga que me gusta bastante ese rasguño sido guitarra y quiere y más que eso en eso. Podemos usar una campana para enfocarnos alrededor de ese rango de frecuencia. Por último, podemos usar una repisa. Una repisa va a apuntar a un área más amplia que los vientres y va a alinear plano un cierto rango de frecuencias. Es más fácil mostrarte con la cosa misma. Si vamos por una repisa alta o baja, al igual que los filtros de paso alto y bajo y cuando bajamos una repisa, se puede ver que talla una línea de frecuencias. Digamos que solo queríamos bajar el extremo base de esto, pero no queremos deshacernos de él por completo con un paso alto. Podemos usar una repisa para justo cronometrar ese extremo bajo. El minuto en que hay maíz en gama baja, tiene es que intenso. Pero realmente podemos cronometrarlo bajando esa repisa. Nuevamente, podemos ajustar la cola y cambiar la forma y cómo está afectando su frecuencia. Entonces esa es una breve introducción a EQ. En la siguiente lección, vamos a aprender cómo podemos usar el ecualizador para dar mejor forma a nuestros instrumentos y pasar por el proceso de lo que debemos hacer al intentar ecualizar un instrumento o un sonido. Te veré ahí. 12. Cómo usar EQ: Oigan, chicos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a aprender sobre cómo podemos utilizar lo que hemos aprendido sobre EQ en nuestra pista y aprender realmente lo que deberíamos estar haciendo y lo que deberíamos estar buscando, y cuándo el instrumento EQ. Sin embargo, a algunos pasos más sobre cómo hacer que las cosas suenen bien. Como dijimos antes, todo lo que realmente estamos haciendo con el ecualizador es aumentar las frecuencias que nos gustan, cortar las que no nos gustan y dejar espacio para otros instrumentos de la mezcla. Antes de que realmente empecemos a hacer movimientos con EQ, de nuevo, voy a necesitar tener una escucha del sonido y pensar en lo cambiar y empezar a hacer algunas notas mentales sobre lo que quieres hacer para cambiarlo. Si estamos trabajando en esta guitarra, solo vamos a escucharla y resolvamos qué es lo que queremos cambiar antes de cambiar nada. Sólo por contexto para trabajar con esta guitarra, así que ahí me están saltando un par de cosas. El primero, es que hay bastantes frecuencias bajas en esa guitarra, y el bajo está haciendo gran parte del trabajo en esa zona muy baja, así que solo puedo decir que realmente no necesitamos mucho de ese extremo bajo, y de hecho podemos hacer que la guitarra se destaque un poco más cortando algo de eso. También puedo escuchar un poco de silbido en el extremo superior. Nada de eso importa demasiado porque apenas se puede escuchar realmente, pero podría ayudar a obtenerlo y quitarle algo de lo diminuto. Es casi como un ruido eléctrico, pero es tan sutil. Además, quiero mantener algo de ese low-end adentro, pero no hace falta que sea casi tan ruidoso. Podemos simplemente cronometrar ese low-end y bajarlo. Además, hay cierta frecuencia, como una media, más alta. Quiero que esas frecuencias de timbre aumenten un poco porque creo que suena bastante bien. Esa frecuencia. Primero, voy a usar un filtro de paso alto solo para deshacerme de muchos de esos innecesarios súper bajo ruido de bassy. De nuevo, podemos escuchar que aquí están sucediendo bastantes cosas. No quiero cortar eso demasiado. mejor me voy a mudar a esta zona, deslizarla un poco más hacia abajo. Todas esas cosas realmente bajitas han sido llenadas por el bajo. Queremos hacer un poco más de espacio para el bajo, así que cortar eso tiene sentido. A diferencia de todo lo demás, es muy importante estar siempre encendiendo y apagando un efecto, solándolo y desensolándolo para que estés diciendo exactamente qué efecto está teniendo dentro del contexto de una canción. Esencialmente, realmente no quieres estar haciendo movimientos si no están haciendo ninguna diferencia, así que siempre quieres estar muy al tanto de lo que estás haciendo, y quieres tocar realmente EQ lo menos que puedas realmente. A continuación, solo quiero derribar un poco ese extremo bajo. Voy a usar una repisa para simplemente reducir todo ese extremo bajo. Además, lo bueno de este ecualizador aquí es el hecho de que puedes simplemente encenderlo y apagarlo para escuchar fácilmente lo que estás haciendo. Ahora otra vez, si estaba mezclando esta guitarra por su cuenta, muchas de esas frecuencias suenan bastante bien. A lo mejor no quisiéramos cortarlos a todos. Pero como sé que ahí tengo un bajo y tengo varios otros instrumentos llenando este low-end, me siento cómodo quitándole eso. A continuación dijimos sobre la eliminación de esa súper gama alta. Algo de esa frecuencia simplemente innecesaria realmente no le agrega nada, así que podemos usar otro pase, paso bajo y solo cuesta esa súper salida de gama alta. Ahora lo que a mucha gente le gusta hacer en EQ es eliminar cualquier zumbido no deseado o simplemente frecuencias desagradables. Mucha gente sigue esta regla de hacer una Q muy estrecha y pasar por esta regla de hacer una Q muy estrecha un sonido hasta que escuchas una frecuencia desagradable. Entonces, una vez que hayas encontrado esa frecuencia desagradable, baja eso ahora y corta esa frecuencia desagradable. Ahora bien, eso funciona bien si hay cierto ruido que puedes escuchar del que quieres deshacerte cuando lo escuchas simplemente. Pero el problema con esto es que si pasas y escuchas una frecuencia que no te gusta, cuando estás potenciando tanto las frecuencias, cada frecuencia puede sonar desagradable. Entonces, si lo cortas, estás haciendo más daño en el proceso en lugar de hacer alguna mejora. Realmente quieres estar escuchando y averiguando lo que quieres cambiar antes de empezar a mover estas Q's. Pero digamos que tuvimos algún crujido raro o algo así. Podemos usar esto para precisar dónde puede estar ese sonido extraño, y luego podemos precisar eso y eliminar esa frecuencia del sonido. Pero vale la pena decir que si vas a estar usando esta técnica de corte, siempre es prudente usar una Q bastante estrecha porque no queremos estar cortando demasiadas de las buenas frecuencias que componen este sonido, así que realmente queremos estar simplemente reduciendo la frecuencia exacta que queremos con una Q. muy estrecha Sin embargo, en el otro lado de esto, si quiero darle un impulso a cualquier área, digamos, por ejemplo, quería probar esa linda frecuencia en la guitarra, ese sonido casi torpe, áspero. Pero al usar esto, queremos que el Q sea silencioso bajo. No queremos que sea demasiado radical porque sonará un poco antinatural, así que quieres que la Q sea tranquila y amplia. El viejo refrán es cortado estrecho y impulso ancho. Eso es exactamente lo que vamos a hacer aquí. Es solo hacer que ese rascado rápido destaque un poco más. A mucha gente le gusta ir por la regla para recortar el impulso siempre que puedas, con lo que sí estoy de acuerdo hasta cierto punto. Creo que quieres enfocarte principalmente en cortar frecuencias desagradables y dar forma al sonido para que funcione con los otros instrumentos. Sin embargo, si quieres agregar un poco de extremo superior o simplemente quieres enfatizar una cierta frecuencia, en lugar de tener que volver a grabar una guitarra y ajustar el AMP, solo hacer esas pequeñas diferencias el ecualizador puede simplemente potenciarlo en un lugar agradable. Escuchando la pista de referencia. En realidad está un poco más presente a mediados que el mío. De nuevo, volvamos y tal vez ajustemos eso un poco. Esta es la cosa, está bien experimentar y ajustarse a medida que avanza. Puedes ajustar estas cosas tanto como quieras. Escúchalo ahora, a lo mejor quiero un poco más de frecuencia ahí. También vale la pena decir que la gente no tiende a volverse demasiado loca con los potenciadores también. Una vez que lleguemos a más 10 de ganancia y hasta ese nivel, las cosas van a empezar a sonar un poco raras. A menudo a la gente le gusta impulsar de manera bastante conservadora y solo hacer pequeños ajustes en el sonido. Entonces para darte un antes y un después. Ahora, sé que puede parecer sutil, sobre todo cuando escuchamos todo lo demás. Pero como decía antes, es todo alrededor del uno por ciento a la vez. Una vez que ajustemos todo lo demás, habrá una diferencia mucho más notable. De nuevo, es como tallar la canción, y cuantos más instrumentos podamos tallar con un poco de ecualización, más claro se volverá cada uno. Por ejemplo, queremos hacer un poco de espacio para esta guitarra porque es bastante difícil de escuchar, así podemos cortar algunas frecuencias lejos ese sonido de órgano y del sonido de bajo. Entonces de pronto esta guitarra va a quedar un poco más clara. Continuar haciendo pequeños pequeños ajustes en el ecualizador a cada instrumento. Es posible que tengas que volver a ciertos instrumentos fuera del ecualizador a algunos otros ya que las frecuencias siempre están cambiando a medida que estás EQing. Te veré en la siguiente lección. Gracias, chicos. 13. Paneo: Hola chicos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a hablar de panning. El paneo es súper sencillo. Todo lo que es, es mover nuestros instrumentos ya sea a la izquierda o a la derecha para crear un escenario sonoro más amplio para nuestra mezcla. Si vas a ver tocar en directo a una banda, los integrantes de la banda estarán repartidos por el escenario de izquierda a derecha. No estarían todos parados uno frente al otro porque eso sería muy raro, ¿no? También sonaría bastante raro, ¿no? Todos esos sonidos que acaban de llegar a ti desde una dirección estrecha, no suena bien. Es como intentar escuchar una mezcla a través de un tubo. Lo que podemos hacer con el paneo es esparcir nuestros instrumentos por todo el campo de audio para crear un sonido mucho más extendido y equilibrado a nuestra mezcla y darle mucha profundidad y efecto 3D a nuestra mezcla. También hace que las cosas sean más fáciles de escuchar porque en lugar de que las cosas se superpongan en el mismo espacio, podemos mover algunos bits por aquí, algunos bits por allá, y colocar cada instrumento alrededor del oyente en lugar de todos en el frente. Ahora podemos usar el panning como nos guste. Puede ser un proceso bastante creativo atravesando y encontrando qué espacio funciona muy bien con cada instrumento. Pero hay un par de reglas básicas sensatas a seguir. El primero es mantener cualquier instrumento de núcleo real o instrumento de bajo pesado en el medio. Al igual que la batería y el bajo, si van a un lado, porque son un sonido tan dominante, puede parecer que estás desequilibrado de alguna manera. Esto va lo mismo para las voces también en la línea vocal principal. En realidad no quieres que se desplace a la izquierda. Quieres que eso esté al frente y al centro. Esos son los instrumentos que realmente quieres mantener en el medio. Pero muchos de los otros realmente podemos jugar con el panning de ellos. Otra buena regla general es tener siempre presente este equilibrio a la hora de hacer paneo. Si te imaginas como una báscula, no queremos tener sobrepeso a un lado porque de nuevo, va a sonar un poco desequilibrado, así que solo intenta asegurarte de que haya un equilibrio uniforme de instrumentos ya sea a la izquierda o a la derecha. En Logic, es muy fácil encontrar el panning, es solo este dial aquí para que podamos ir a la derecha o a la izquierda y como ves, tenemos 64 lugares diferentes a los que podemos llevarlo. Un montón de espacio para trabajar. Para esta guitarra principal, me voy a quitar eso a la derecha. Ya se puede escuchar eso un poco más claro ahora, antes estaba luchando en la mezcla, pero es mucho más claro. Estoy con estas pilas vocales. Sólo voy a ponerme realmente experimental y panearlos como por todas partes. Va a sonar como esta calma fresca que nos rodea. Acabo de explorar la mayoría de los instrumentos de esta sección por todo el lugar. Creo que eso suena bastante bien tal como es. Suena genial. Ahora, algunos de ustedes se habrán dado cuenta de que aquí abajo, tengo tres voces principales. Eso suena un poco raro, ¿ no? ¿Por qué los he hecho? Algo más que podemos hacer con el paneo que es realmente genial, se llama doble seguimiento. Esto es esencialmente el acto de grabar dos de las mismas grabaciones y panear una dura izquierda y otra dura derecha. Esto a menudo se hace con guitarra acústica, guitarra rítmica también. Le da un escenario de sonido mucho más amplio y realmente llena el campo estéreo en lugar de solo una pista que viene hacia ti en el centro. Al tener dos cosas viniendo a través, cada orador simplemente suena enorme y ancho. Ahora eso es genial con la guitarra y para ser honesto, cualquier instrumento que realmente quieras ensanchar, también funciona muy bien con él. Ahora con la voz, es una técnica más común hacer pan una dura izquierda y otra dura derecha y mantener una centrada también. Esencialmente tres temas todos han sido grabados de manera ligeramente diferente. Idealmente, el más fuerte quiere estar en el centro y luego vamos a panearlos a izquierda y derecha. También puedes volverte loco con esto. Mucha gente como Billie Eilish capa toneladas y toneladas de diferentes pistas dobles y las hace pan por todas partes, y hace que este enorme sonido vocal gordo. Para mí, voy a mantener una vocal centrada, una dura a la izquierda y otra dura a la derecha. Ahora suena así. Comparado con esto. Ahora bien, si escuchamos eso en el contexto de una mezcla. Ahora escuchémoslo sin el doble seguimiento. Ya ves como suena mucho más solitario con solo el uno. Ahora, de nuevo, usas mucho esto como quieras. En el primer verso, quería que sonara un poco más solitaria, así que solo tuve la única voz para esa sección baja. Pero luego dentro de la versión de doble pista, con todos los instrumentos, solo hizo que la voz se destacara y les diera un poco más de confianza, así que eso es paneo. Justo la manera de como cambiar ejecutar esos instrumentos en diferentes espacios en nuestros auriculares o nuestros altavoces y hacer un agradable escenario de sonido amplio. Gracias chicos. Te veré en la siguiente lección. 14. Reverberación: Hola chicos, bienvenidos de nuevo. Entonces en esta siguiente lección, vamos a estar hablando de reverberación. Entonces, si has sido músico durante algún tiempo, probablemente sepas exactamente lo que ya es la reverberación, es uno de los efectos más utilizados de la historia. Pero si no sabes qué es la reverberación, es esencialmente como el sonido de una habitación. Por ejemplo, si tocas en una Catedral grande, el sonido de tu voz, tu guitarra hará eco y rebotará por la habitación de una manera muy diferente en cuanto a si estuvieras tocando tu guitarra en una habitación pequeña. Entonces lo que hacemos es usar el efecto de reverberación digital para tratar recrear esa sensación de un instrumento está en una habitación y da una interpretación, un montón de vida, y lo hace sentir como real y se está tocando en un espacio natural. Pero también puede crear la ilusión de que el instrumento está más alejado del oyente. Así que esto significa que en realidad podemos empujar las cosas de nuevo en la mezcla mediante el uso de reverberación en lugar de ajustar el volumen. Hace más de un impacto atmosférico. Entonces, si recuerdas de nuestra lección pasada, lugar de poner una reverberación en cada pista, voy a crear un nuevo autobús. Voy a convertirlo en nuestro tono de reverberación principal. ¿Por qué lo llamo lead reverb? Entonces, como estaba diciendo hace un segundo, podemos usar reverberación para agregar carácter o para empujar los instrumentos hacia atrás en la mezcla. Entonces lo que me gusta hacer personalmente es crear un autobús para como una reverberación de plomo. Así que vamos a sacar nuestros instrumentos de plomo a través de esa bonita reverberación. Pero luego cualquiera para la que queramos usar como efectos ambientales y retroceder en la mezcla. De hecho voy a hacer una reverberación ligeramente diferente para esa. Voy a crear un nuevo autobús para que eso continúe. Así que cada plugin de reverberación va a verse un poco diferente. Solo estoy usando el complemento de reverberación de stock de Logic. Se ve un poco aterrador con todas estas esferas diferentes, pero en realidad es mucho más sencillo de lo que parece. Pero repasemos cada una de estas esferas para que sepamos exactamente con qué estamos trabajando. Entonces, antes que nada, a menudo podemos cambiar los sonidos de la habitación. Como decía hace un minuto, podemos elegir entre cualquiera de estos diferentes espacios para crear un sonido genial. Así que vamos a jugar un poco. Llamo el sonido de esta cámara reverberación. Voy a seguir con eso por ahora. Ahora bien, si bajamos aquí, verás que hay un deslizador seco y húmedo. Entonces todo esto es, es que te permite ajustar la cantidad de señal seca y húmeda que está saliendo de esta reverberación. El seco es solo la grabación sin ningún efecto sobre él, y húmedo es la señal efectuada. Entonces el que tenemos reverberar en él. Ves a medida que tomamos el camino hacia arriba, simplemente se vuelve más afectado. Podemos equilibrar en cuanto de la reverberación está afectando a la señal con esto. Ahora porque estamos usando esto como mi vocal principal. Quiero tener mucha señal seca entrando, y quería tener reverberación. Pero otra vez, no quiero estar demasiado mojada porque eso lo va a empujar demasiado atrás en la mezcla. Pero en mi reverberación ambiental, voy a hacer de este un canal mucho más húmedo. El siguiente es el tiempo de decaimiento. Entonces esto es esencialmente cuánto dura la reverberación y se mide en segundos. Entonces es realmente fácil de entender. Si volteamos la decadencia. Ya ves lo largo que es ese rastro de reverberación. Mientras que con apretamos eso hacia abajo se desvanece mucho más rápido. Así que de nuevo, para un instrumento principal, tendría este más corto, y para el más ambiente que encendí un buen poco, y aparte de eso, en realidad es solo una cosa de sabor. Nuevamente siempre estarás solista y contando estas cosas de vez en cuando viendo qué diferencia haces. Eso suena bastante bien. También podemos hacer clic en este botón y podemos agregar cuántas barras queremos que dure la voz. Para que podamos ponernos un poco más matemáticos con él si queremos. Creo que lo siguiente más importante es el pre-delay. Entonces, el pre-delay es esencialmente cuánto tiempo tarda la reverberación en entrar en acción. En este ejemplo, cuando Harriet comienza a cantar, la reverberación no patea de inmediato como un par de milisegundos antes de que comience la reverberación, y ahí es donde está el pre-delay. Entonces, cuanto más subimos esto, más largo sea el pre-delay, realmente va a exagerar la reverberación y hacerla más notoria. De nuevo, podemos subirlo para la reverberación más ambiental, pero si quieres mantenerla un poco más como más ajustada a la voz regular, te recomendaría pasar por debajo de los 15 milisegundos. La mayoría de las reverberaciones también vendrán con el parámetro EQ. Esta cosa de aquí, y esto esencialmente solo te permite dar forma al ecualizador de la reverberación. Podemos hacer esto tanto para la señal entrante como para la señal saliente. En principal, ajustamos la señal EQ que entra. En los detalles, ajustamos la señal EQ que sale. No te preocupes demasiado por esto si eres principiante. Todo lo que nos permite hacer es tomar lo que aprendimos sobre las cosas de EQ en nuestra última lección y aplicarlo a la reverberación y cómo está funcionando la reverberación. Podemos usar un filtro de paso alto para reducir cualquiera de esos sonidos fangosos o podemos usar un filtro de paso bajo y hacerlos más oscuros reverberación o podemos hacer ambas y obtener una reverberación de sonido medio realmente concentrada. Entonces también podemos entrar en los detalles y hacer lo mismo con la reverberación que está saliendo. Pero hoy no voy a andar con eso demasiado. Siento que esto es tanto para llevar a bordo como lo es. Así que solo vamos a centrarnos en estos diales para el resto de la lección. Estas son las esferas que ves aquí y aquí. Tu reverberación puede que no tenga estos, pero en caso de que lo hagan, los revisaré muy rápido. El primero es el ataque. Ahora cuanto más rápido sea el ataque, más rápido se van a acumular los reflejos de reverberación. Pero si lo tenemos más lento, van a desvanecerse más en las horas extras. Tan bastante sutil ahí. Va a ser más evidente en las reverberaciones en solitario ambiental. El tamaño es bastante autoexplicativo, solo que realmente afecta lo grande que suena la habitación. Es bastante sutil, particularmente en esta cámara porque es una habitación bastante pequeña que estamos replicando. La densidad controla la cantidad de reflejos, esta rebotando alrededor. Entonces, si imaginas que se está haciendo un sonido y rebotando alrededor de las paredes es esencialmente como, cuántas veces está reflejando. Nuevamente, todas estas cosas son muy sutiles y la distancia es la distancia percibida entre tú y el instrumento que se está tocando. Así que de nuevo, para ese ambiental, si quieres empujar algo hacia atrás en la mezcla, podemos hacer esa distancia más lejos, pero con un instrumento de plomo como este, queremos hacer eco un poco más cerca. Como siempre empiezan a escuchar esto junto a la pista regular y mezclarla en la que suena mejor. Fresco. ¿Qué es genial? Si quiero ajustar lo intensa que es esa reverberación en las voces, solo puedo usar este pequeño estilo de autobús aquí. ¿Y si quiero hacerlo más? Ahora lo que puedo hacer es usar todo ese conocimiento para crear otro bus de reverberación, que puedo hacer la reverberación ambiental. Puedo crear un canal donde las reverberaciones sean realmente exageradas y va a empujar las cosas hacia atrás en la mezcla un poco. Pero aún así les va a agregar mucho carácter. Lo cual suena muy bien con coros o cualquier instrumento de estilo ambiente. Ahora como los tengo en mis autobuses, sólo puedo pasar por cada uno de estos instrumentos y elegir a qué autobús enviarlos. Entonces como por ejemplo vamos por esta patada. Agreguemos el autobús y queremos hacer esto más de un tono de reverberación principal porque va a estar muy presente. Yo solo ajusto el estilo. Entonces esa es nuestra lección sobre reverberación. Te veré en la siguiente lección. 15. retardo: Hola amigos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a hablar de retraso. retraso a menudo se confunde con la reverberación y es por una buena razón porque ambos son bastante similares, pero en realidad son un poco diferentes. reverberación emula las ondas sonoras que se reflejan los servicios para crear un espacio tridimensional, mientras que el delay crea una copia del sonido como se está haciendo y lo reproduce, pero a ciertos intervalos para crear un efecto de eco, como si estuvieras hablando en una gran cueva o algo así, y luego estás consiguiendo que esos reflejos vuelvan a ti. Eso es lo que hace el retraso. Pienso en ello como una extensión para reverberar realmente, solo estamos agregando más espacio y dimensión a un sonido. Lo que es realmente bueno retraso es que es realmente sencillo. Nuevamente, para que esto sea realmente fácil para nosotros, voy a reventar un retraso. Sí, solo vive mucho más fácil para mí. Hay retraso. Ahora por lógica, hay un par de retrasos diferentes. Ahora, no voy a ir demasiado a fondo con retraso. Sólo voy a estar usando un poco de ella en esta pista. Ahí está este plugin básico de eco, que es súper fácil de usar, pero aún así nos da un buen poco de control sobre el tipo de retraso que está sucediendo. Voy a poner esto en las voces y voy a apagar la reverberación en las voces para que puedas simplemente realmente puedes escuchar muy claramente lo que hacen los retrasos aquí. Como puedes escuchar, es como devolvernos esas ondas sonoras a la moda académica de la pesca. Con estos diales, solo podemos controlar cómo funciona eso. La mezcla seca y la húmeda, como ya hemos explicado, son solo los niveles efectuados. El dial de nota aquí solo está determinando la cantidad de repeticiones que están resonando y en qué intervalos están sucediendo. Podemos ponernos bastante locos con esto. Podemos hacer los ecos trillizos o punteados. Apenas teniendo un cuarto de tiempo ahí, o podemos ir a la derecha del otro extremo e ir como un decimosexto. Es mucho más rápido. O podemos ir como un triplete. Sólo estamos eligiendo lo que realmente suena interesante. Es bastante agradable con demasiada frecuencia alinearse con el momento de tu canción. Realmente no sabes mucho de ritmos para saber cómo funciona esto, solo enciende tu partido. Ese octavo está a tiempo con nuestra canción ahí, pero si la cambiamos a un triplete, verás que es porque no estamos escribiendo en trillizos está un poco más fuera de línea con ella. Eso es en el tiempo, pero ahí está creando un tipo diferente de efecto. Es mucho más exagerado así. Me gustó bastante el sonido del octavo. A mí me sonaba bastante bien. Sólo voy a bajar un poco la señal húmeda. Esto es solo la duración del retraso. Hay cargas y cargas y montones de ecos que regresan a nosotros allí. Pero si giramos esto a la derecha hacia abajo, es mucho más corto. Solo estamos controlando la cantidad de retraso, y por último, el color va a afectar como qué rango de frecuencia están ocupando los retardos. Por lo general, con retrasos, obtendrás un corte alto y bajo para determinar dónde están esos retrasos, pero esta esfera de color solo nos lo hace aún más fácil. Simplemente podemos elegir en qué área del espectro de frecuencias queremos enfocarnos. Inferior o superior. Vamos a exagerarlo e ir primero por el extremo superior. Esos retrasos están ocurriendo más en el extremo superior, pero igualmente, si podemos derribar eso. Esos retrasos ahora están sentados en una frecuencia más baja. Nuevamente, vamos a tocar una canción y equilibrar esto hasta que suene bien. Añadiendo solo un sutil retraso ahí, no quiero que sea demasiado aparente, solo llena un poco de espacio entre las líneas y solo agrega esos efectos de sala que estamos creando con la reverberación. Es tan simple como eso, y eso es más o menos todo. Podemos trabajar esto en cualquier instrumento del que solo queramos un poco de vida extra, tener un experimento y ver de qué te gusta el sonido, y te veré en la siguiente lección. 16. Automatización: A continuación, vamos a hablar de automatización. automatización en la música es el proceso de alterar ciertos efectos o volúmenes en ciertos momentos en una pista. ¿Qué quiero decir con eso? Digamos que equilibraste el volumen de tu pista y todo suena bien y equilibrado en el coro, pero ustedes tocan el verso y repente esa guitarra es demasiado ruidosa. Lo que hacemos es automatizar el volumen, por lo que es un poco más silencioso en el verso y luego retoma hacia el coro para que podamos equilibrar mucho mejor los volúmenes a lo largo de toda la pista, pero podemos usar la automatización para cualquier efecto. Digamos que en el puente solo queremos empapar las voces en reverberación. Podemos automatizarlo para que la reverberación llegue muy arriba y nos dé un montón de reverberación agradable en un puente, o digamos que realmente quieres captar la distorsión en un solo de guitarra. Nuevamente, podemos simplemente automatizar la distorsión para recoger durante esa sección. Ahora bien, vale la pena decir que esta parte de la mezcla es muy crucial. Querrás pasar mucho tiempo automatizando los volúmenes para que todo esté muy bien equilibrado. Vale la pena decirlo antes de entrar en la automatización, realmente dedique mucho tiempo al equilibrio de volumen y asegúrate realmente contento con él porque ahora es mucho más fácil cambiar los volúmenes y los bits. Date un descanso por 24 horas, regresa con orejas frescas, ten otro balance de volumen, date otro descanso, y luego regresa y empieza a automatizar esos volúmenes en, pero no te preocupes demasiado. Siempre podemos ajustar el volumen después de una automatización, solo se vuelve un poco más quisquilloso. Es automatización de acceso por lógica, solo podemos seleccionar la pista a la que queremos agregar automatización y presionar A. Ahora podemos acercar y es posible que veas esta tenue línea gris ahí. Esa es nuestra línea de automatización. Ahora bien, si miramos hacia atrás hacia la pista, veremos que aparecieron los diferentes compases. Este es un parámetro de automatización. Podemos hacer click en él y cambiar qué efecto se está utilizando en la automatización. Podemos ajustar la compresión o el ecualizador, pero nos vamos a quedar con el volumen por el minuto. Si toco la pista desde la primera sección, lo poco que hasta ahora no hemos estado mezclando la canción, esas voces son solo un poco ruidosas con esa guitarra. También quiero hacer que toda la sección sea un poco más silenciosa antes de que entren todos los instrumentos porque si tenemos un aumento de volumen, cuando todas esas cosas entren, va a crear un buen poco de emoción. Quiero que la primera sección del verso sea un poco más tranquila. Todo lo que tengo que hacer es hacer clic en la barra, hacer clic de nuevo y va a crear este nodo. Podemos mover este nodo arriba y abajo. Eso es lo que va a cambiar el volumen. Acabo de bajarlo por menos 2.5 dB en el verso y luego solo voy a hacer clic en otro nodo y otro aquí, y solo voy a traerlo de nuevo a donde estaba en más 1.7. Podemos ir a este dial y subir y bajar el frente para ser realmente precisos. Tráelo de nuevo hasta 1.7 y ahí queda bastante claro visualmente. Sólo lo estamos bajando para esta sección y luego el volumen simplemente se está arrastrando ahí arriba. Cuando la voz está regresando para esa sección chorusy, se han potenciado. También voy a hacer esto con la guitarra Manne. Quiero que lo bajen y luego quiero meterlo lentamente en el coro. Ahora bien, vale la pena decirlo por algo como esto, donde hay un sonido constante, no tenemos un descanso donde el oleaje de volumen va a ser muy notorio, queremos hacer la curva bastante sutil porque no quieres disparar de repente porque va a sonar un poco raro así. Si encuentro donde entra el coro, entonces ahí es donde queremos que esté nuestro próximo nodo. Queremos que llegue a ese volumen a medida que entramos en el coro. Quiero hacer una pendiente muy suave ahí y sólo voy a bajar un poco esta guitarra. Se puede ver que está muy bien levantado suavemente allí y es casi crear un poco de barras, así que puede casi notar que el volumen está aumentando y algo está a punto de suceder. Como dije, es realmente vital que si estás mezclando una canción entera, revises y automatices todo lo que puedas y la hagas sonar equilibrada en cada sección. Pase mucho tiempo aquí y realmente particular con forma en que esos volúmenes están equilibrados, pero lo que también podemos hacer es ser un poco más creativos con la automatización también. Por ejemplo, esta guitarra rasca que tengo aquí suena bien, pero creo que sería genial si ese sonido se está dando vueltas mientras se toca. Creo que solo agrega ese espacio 3D y creo que simplemente sueno genial. Si vamos al volumen, podemos seleccionar panning en su lugar. Vamos a ir absolutos. Entonces voy a iniciarlo todo el camino a la izquierda y voy a automatizarlo redondo a la derecha. Al igual que antes, vamos a elegir un nodo. Voy a panearlo de esta manera, y luego al final, quiero que termine del otro lado. En realidad es comenzar por la derecha y entrar por el lado izquierdo. Más empieza por aquí, así que sólo voy a traerlo un poco. Ojalá oigas ahí que la guitarra se ha movido alrededor de nuestra cabeza. ¿Cómo suena eso en conjunto ahora? Realmente genial. Pasa mucho tiempo aquí, sé creativo con él y mira qué efectos geniales puedes hacer con esto y tu mezcla será absolutamente as. Se lo garantizo. Nuestra mezcla está muy cerca de ahí. Vamos a hablar de algunos efectos geniales en la siguiente lección, así que te veré ahí. 17. Distorsión, emoción y coro: Oigan, amigos. Bienvenido de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a hablar de algunos efectos realmente geniales que podemos agregar a nuestra pista para solo agregar un poco de interés. Vale la pena decir que puedes parar aquí si quieres, hemos pasado por la mayor parte de la mezcla. Pero, solo hay tres efectos en particular que agregan un poco de vida realmente agradable a nuestra mezcla y son súper fáciles de usar, así que ahora solo voy a pasar por ellos rápidamente. El primero es la distorsión. Un efecto súper popular, probablemente ya lo hayas escuchado. Agrega carácter, calidez y arena a una pista. Se usa mucho en guitarras, espacios, kits de batería, anuncios, un poco más de agresión y un poco más de ponche a una pista. Pero la distorsión puede enturbiar una mezcla si la usamos en exceso, así que hay que tener cuidado con la cantidad de distorsión que ponemos en algo. Para mí, quiero añadir un poco de distorsión a esta guitarra principal. He añadido un plugin de distorsión, realmente sencillo de usar, solo estamos ajustando el pre-juego, la unidad y un tono. No hay una manera correcta o incorrecta de usar esto, solo juega con estos diales hasta que obtengas un tono que te guste. Nuevamente, queremos ser como solarla, encenderla y apagarla, escuchar con la pista y sin ella. Cada social va a ser un poco diferente, pero le agrega un poco de ese valor. Esto es antes y después. Lo conduzco un poco más. Baje un poco el volumen, así que ahí muy sutil, pero solo le agregué un poco de interés. El siguiente es un excitador. Un excitador esencialmente va a agregar algunos sonidos más armónicos para atraer. Hará que las cosas suenen más brillantes, y más animadas y brillantes. Esencialmente está impulsando muchas de las frecuencias altas, puede agregar mucha claridad para atraer. Para guardar algo que se está enterrando en la mezcla, agregar un excitador puede hacer que destaque un poco más. Se usa muy a menudo en cosas como voces, que también pueden agregar mucha energía a la batería, particularmente con los símbolos y cosas así . Eso es exactamente lo que voy a hacer. Voy a añadir un excitador a nuestro ascenso. Nuevamente, este es otro que es realmente sencillo. Con esto, solo estamos ajustando qué rango de frecuencia queremos que funcione el excitador, y estamos ajustando estos armónicos para que oigas cómo suena eso. El armónico es la intensidad del excitador, y este deslizador aquí nos va a permitir centrarnos en qué frecuencia queremos exagerar. Antes, después, eso es un excitador pesado, voy a tocar con la pista y mezclarla. Está haciendo que ese paseo brille y ayuda a que se destaque en la mezcla, y agrega un poco encantador de extremo superior al sonido general de la mezcla. Un excitador puede agregar un poco de aspereza y demasiado brillo para mezclarlo. De nuevo, solo tenlo en cuenta, no quieres abusar de él, quieres equilibrarlo así que suena bien. No lo usamos en demasiadas cosas porque entonces habrá mucha dureza en la mezcla. El último es el coro. Nuevamente, quizás hayas oído hablar del coro, es esencialmente un efecto de audio genial que agrega un buen poco de grosor y profundidad a un sonido, pero es muy característico y va a agregar una dinámica muy diferente a un instrumento, y suena un poco así. Antes, efecto muy famoso usado en muchas pistas de Nevada si te diste cuenta. Nuevamente, en realidad no hay ningún bien o mal en esto. Podemos simplemente ajustar estos tres daus hasta que suene bien. El derecho va a ser la rapidez con la que esas frecuencias sin tambalearse. La intensidad, se explica por sí misma, y la mezcla también se explica por sí misma. Usando el coro, estamos ampliando la imagen estéreo para que la guitarra esté ocupando un poco más de espacio en la mezcla. También está agregando efectos en espiral, lo que está haciendo una capa genial e interesante al sonido. Se usa muy a menudo con voces así como un buen poco de grosor y puede realzar la voz. Pero para hoy, sólo voy a dejarla en esa guitarra de élite, creo que suena genial. Pero de nuevo, es importante no exagerar ya que demasiado coro en demasiadas cosas puede crear mucho barro en la mezcla. Esta es tu oportunidad de tener realmente mucha diversión de estos efectos en diferentes instrumentos, y ver qué sonidos creativos se te ocurren. Ya estamos casi terminados. Hay un par de cosas por las que quiero pasar en nuestras comprobaciones finales escuchar para asegurarnos de que esta mezcla pueda ser lo mejor posible, así que te veré en la siguiente lección. 18. Las comprobaciones finales: Nuestra mezcla debería estar sonando bastante bien ahora. Pasamos mucho tiempo revisando y ajustando todos esos diferentes elementos para que todo suene lo mejor posible, y también hemos puesto nuestro propio toque artístico en la mezcla. Ahora es el momento de reducir realmente. Si hay algo con lo que no estemos contentos o algo que queramos cambiado, ahora es el momento en que podamos volver a entrar y simplemente hacer esos pequeños ajustes para pulirlo realmente. Cuando estoy en esta etapa, me doy al menos 12 horas, si no 24, para simplemente tomarme un descanso, dejar que tus oídos se reajusten al mundo normal en lugar de simplemente escuchar la misma canción una y otra vez. Cuando vuelvas a la mezcla uno o dos días después, solo escogerás cosas que tal vez no se sientan bien o tal vez no te diste cuenta antes cuando vuelves a mezclar la pista. Escucharía la canción de principio a fin y tomaría notas sobre todo lo que surja. En lugar de tratar de ajustarla a medida que la escuchas, solo haz muchas notas, y luego después de haber escuchado la canción una o dos veces, ese es el momento de volver a entrar y trabajar en esa lista que has hecho. No olvides tu pista de referencia, siempre la compara con esas dos pistas de referencia que has trazado. Realmente van a ser tu estrella del Norte porque han sido mezclados y diseñados por muy probablemente gente muy profesional. Así que siempre rebotar de un lado a otro entre esa pista de referencia y la tuya va a dejar mucho más clara, tal vez lo que hay que cambiar o dónde quieres que esté sentado cada instrumento o sonido. También querrás tener en cuenta que si has estado ajustando un excitador o alguna distorsión o cualquier otro efecto, eso muy bien podría cambiar la forma en que ecualizas cierto instrumento. Por ejemplo, si has agregado un poco de distorsión a algo, y ahora tal vez suene un poco demasiado duro, puedes simplemente volver directamente a ese ecualizador y tal vez sacar un poco de ese extremo superior. O si has agregado compresión a algo, eso podría hacer que suene un poco más silencioso. Así que tal vez tengas que volver atrás y ajustar el volumen. También es muy importante escuchar tu mezcla en tantos entornos diferentes como puedas a través de diferentes altavoces en diferentes habitaciones, diferentes auriculares. Escucha la mezcla en tu auto, encuentra el altavoz más barato, peor que puedas encontrar. Como puede estar mezclando muy bien a sus auriculares o altavoces específicos, pero hay que tener en cuenta que el sistema de sonido de todos va a ser diferente. Así que realmente quieres hacer una mezcla que funcione mejor muchas salas y altavoces diferentes y cosas así. Muy a menudo es el caso de que los ingenieros de mezclas tengan un altavoz cutre en su escritorio, por lo que recorrerán tengan un altavoz cutre en su escritorio, la pista y tomarán decisiones de mezcla en este altavoz realmente malo porque eso es a menudo a través de lo que la gente escucha música. También es una gran idea pedir la opinión de otras personas. Si tienes algún amigo o familia que sepa un poco de música, mira lo que piensan al respecto, lo que les destaca como tal vez no suena bien. Alguien más aparte de ti que va a tener un oído completamente fresco a una pista va a escuchar las cosas muy claramente. Si no tienes amigos musicales que te puedan dar ese análisis crítico, dudes en enviarlo a ese proyecto de clase. Como dije antes, escucho y respondo a cada uno de ellos. Si quieres alguna ayuda o consejo o simplemente quieres que vaya a ver tu banda o lo que sea, por favor siéntete libre de publicarlo en esa descripción, realmente me encanta escuchar lo que se le ocurre a la gente. Si tienes tu mezcla sonando muy bien y estás muy contento con ella, el siguiente punto a partir de aquí suele ser masterizar. Masterizar es el arte de mezclar la pista como un todo. En lugar de equilibrar el volumen cada instrumento individual o agregar compresión a cada instrumento individual, masterización está afectando a la pista como un todo. A menudo exportamos la mezcla tal cual, y luego la llevamos a un proyecto separado para que no estemos jugando con ninguno de los niveles. Ahora, creo que el dominio realmente merece su propia clase. Entonces no vamos a estar hablando de ello hoy, pero si estás en una etapa en la que quieres que se publique esa música, puedes descargar programas como Ozono 9. Este es un programa que uso todo el tiempo y esencialmente usa IA para enmascarar tu pista. Es súper fácil. Alternativamente, puede enviar su pista a empresas altamente profesionales como LANDR, y ellos dominarán su pista con algunos de los mejores ingenieros y los mejores equipos del mundo a menudo por un precio bastante bajo. Eso realmente agregará la guinda a tu canción, sonando completa y lista para streaming. Ya prácticamente terminamos. Voy a decir un último par de palabras en la siguiente lección, así que te veré ahí. 19. Lección final: Hola amigos, bienvenidos de nuevo así que lo lograste. Estás aquí al final de la clase y muchas gracias por quedarte conmigo lo largo de todo este curso y realmente espero que te haya sido útil y te quitaste mucha buena información de esto. Ojalá ahora te sientas un poco más seguro de entrar en una mezcla y esencialmente dar forma a la canción, cómo te gusta. Ahora no hace falta ese dicho, pero hay mucho más que aprender sobre la mezcla. Es un poco como un arte oscuro. Hay tantas técnicas diferentes, formas de hacer las cosas, diferentes plugins y efectos para jugar y jugar con ellos. Es uno de esos temas sobre los que siempre estarás aprendiendo y todos hacen las cosas de manera tan diferente también pero es básicamente imposible entrar realmente en ese reino sin primero conocer realmente los conceptos básicos profilácticamente y abajo como tus conocimientos sobre EQ y compresión y todas las cosas que hemos hablado en esta clase. Realmente espero que esta clase haya establecido una base muy sólida para ti. Pero vale la pena decir que los temas que hemos cubierto solo en esta clase son suficientes para obtener sonidos verdaderamente profesionales de una mezcla. Simplemente hay tantas cosas diferentes que aprender y saber sobre la mezcla. Si implementas algo que hayas aprendido en esta clase en tus propias pistas, por favor considera enviarlo a ese proyecto de clase. Honestamente, me encantaría escuchar lo que haces. Honestamente, una de mis cosas favoritas de hacer clases es la interacción con las personas que envían a su personal legítimamente siempre hace que mi día cuando veo una ventana emergente. Si quieres compartir en lo que estás trabajando o quieres un poco de comentarios y críticas sobre un proyecto, no dudes en enviarlo en proyecto de clase stack Generalmente me encantaría escuchar lo que has estado haciendo. Además, si tienes alguna pregunta, no dudes en comunicarte. Respondo a cada pregunta enviada lo mejor que puedo. Puedes enviarlos a las discusiones como parte de la página del curso o no dudes en enviarme un correo electrónico o enviarme un DM en Instagram. Sé que pueden sentirse como un poco desconectados con profesores y cursos en línea y cosas así pero genuinamente, estoy aquí revisando mis discusiones y mis correos electrónicos como todos los días. No dude en ponerse en contacto y comunicarse con usted si lo desea. Simplemente me encantaría ayudar si puedo. Por último, si disfrutaste de esta clase o obtuviste buena información de ella, una crítica positiva es honestamente muy apreciada. Tienen un impacto tan masivo para gente como yo haciendo estas clases. Realmente ayuda más de lo que sabes. Si consigues el tiempo, honestamente te lo agradecería tanto. Sé que estás muy ocupado, tienes mucho que hacer pero si tienes dos minutos para simplemente tomar una caja positiva y solo decir, gracias Mike, No tienes idea de lo mucho que me ayuda eso y gracias de antemano si tienes la oportunidad de hacerlo. Eso de envuelve las cosas. Muchas gracias por quedarse por ahí. Si quieres mantenerte en contacto, no dudes en agregarme en Instagram o puedes consultar mi canal de YouTube si quieres y te pillaré muy pronto. Gracias de nuevo. Que tengas un gran día. Adiós.