Transcripciones
1. Introduccion: Si pensabas que el
proceso creativo de producir una canción termina después de que se haya grabado cada
pista, estarías completamente equivocado. mezcla es uno de los procesos más divertidos, creativos y vitales que
un productor puede aprender. Se trata de
tallar y moldear una pista para darle forma a
tu sonido característico. Con algunos efectos simples, puedo llevar una grabación
de sonar débil, masa y desordenada
a sonar limpia, completa y profesional. En esta clase vas a aprender
a hacer exactamente eso. Hola amigos, ¿cómo te va? Espero que tengas un gran día. Bienvenido a mi
guía para principiantes para mezclar música. Mi nombre es Mike. músico
de tiempo completo e instructor de
música del Reino Unido. He estado tocando, escribiendo y produciendo música
durante los últimos 13 años, y también co-dirijo una organización benéfica
musical multipremiada llamada TIME. Realizamos sesiones de música
y talleres para personas de todas las edades,
habilidades y orígenes. También soy una de las mejores maestras
aquí en Skillshare, y he tenido una explosión absoluta haciendo clases aquí en los
últimos años. En esta clase,
te
voy a enseñar todo lo que necesitas saber sobre la mezcla de música para
elaborar pistas con un sonido increíble. Esta clase va a
ser amigable para principiantes, así que incluso si eres
totalmente nuevo en la mezcla, es mejor
que sigas y
salgas de esto. Comenzaremos con una preparación
simple para que
las cosas se limpien y
sean fáciles de trabajar. Luego aprenderemos sobre la puesta en escena de
ganancia y el
equilibrio de volumen para asegurarnos de que
todo suene claro y equilibrado. Te enseñaré sobre el
uso de la compresión para hacer que cada pista suene
contundente y segura. Luego pasaremos a
aprender sobre EQ para curvar, dar forma y
limpiar nuestras grabaciones. Desglosaremos el
paneo, la reverberación y el retraso
para crear un espacio 3D en el que nuestra canción exista. También te enseñaré a
manejar estos efectos con automatización y autobuses para darle una verdadera
calidad profesional a la mezcla. Y por último, sumergiremos
nuestro dedo del pie en el mundo de los efectos creativos
como la distorsión, los excitadores y el coro para agregar destello e interés
a nuestra pista. A lo largo de la clase,
voy a estar mezclando una canción yo mismo para que veas exactamente cómo implementamos cada uno
de estos temas en una mezcla. Lo único que
necesitarás para esta clase es una comprensión básica de una estación de
trabajo de audio. Voy a estar
usando la lógica hoy, pero me he asegurado de que esta
clase sea apropiada, no importa qué DAW estés usando. Mezclar puede parecer un tema muy desalentador y confuso, así que mi objetivo para esta
clase es realmente descomponer cada
tema en trozos pequeños y del
tamaño de un
bocado, y
hacer que sea lo más simple posible para cualquiera posible para cualquiera aprender los fundamentos. Estoy muy emocionada de
hacer algunos medios musicales, espero verte en clase.
2. Proyecto de clase: Hola amigos, ¿cómo te va? Muchas gracias por
acompañarme aquí en mi clase de mezcla. Realmente espero que
te sea útil y salgas con
un montón de información muy
buena sobre mezclar tu propia música. Antes de saltar a la mezcla, rápidamente
quiero hablar
sobre nuestro proyecto de clase. Al final de esta clase,
vas a aprender un montón de cosas geniales
sobre la mezcla, que puedes aplicar en tus
propias canciones y grabaciones, y me encantaría escuchar
lo que se te ocurre. Cualquier cosa que implemente desde esta clase en su propio trabajo, no
dude en enviarlo
a nuestro proyecto de clase. Va a ser un espacio de
aprendizaje seguro donde
todos podamos publicar nuestras canciones
o pequeñas ideas, y esto podría ser cualquier cosa, desde una
canción mixta completamente producida con como 100 pistas
, hasta como un sonido de reverberación realmente agradable
que has hecho para una guitarra. Cualquier cosa en esa estratosfera, siéntete libre de publicarla en ese proyecto de
clase, y sin embargo, que tienen un compositor
y productor genial pueden platicar sobre ello. Responderé a
cada proyecto enviado, así que si hay algo con lo
que alguna vez necesites ayuda también o quieres asesorarte, no
dudes en hacérmelo saber. Todo lo que tienes que hacer es
subir tu sonido o tu pista a un sitio como
YouTube o SoundCloud. Puedes crear un
enlace privado si lo deseas también en caso de que no
quieras que nadie más lo escuche, y luego simplemente publicar ese enlace
en el proyecto de la clase, cuéntame un poco
sobre esa es tu canción o qué te gustaría comentar,
y me pondré en contacto
contigo lo antes posible. Por favor, no se
asuste por publicar allí. Es
muy importante hacer como músico o artista para obtener comentarios y
hablar con otros artistas y productores sobre las
cosas que estás haciendo. Significa que progresas mucho más rápido y aprendes
muchas cosas geniales. Por favor,
siéntete libre de publicar ahí, y estoy muy emocionado de
escuchar lo que se te ocurre.
3. Lecciones importantes de la mezcla: Antes de sumergirnos en
el verdadero meollo de mezclar y esas cosas, solo
necesito
pasar por un par lecciones
realmente importantes
que van a ser vitales para comprender realmente y aprovechar al
máximo esta clase. La primera lección es,
grabarla bien. Podemos hacer un montón de cosas
geniales en la mezcla para mejorar el sonido y
la calidad de una grabación. Pero no hay manera de
escapar del hecho que grabar un sonido justo en primer lugar va a ser vital para realmente sacar
lo mejor de ese sonido. Digamos que mientras estás grabando estás escuchando
algunas cosas de vuelta, y la habitación suena un
poco extraña o hay un zumbido extraño, o tal vez simplemente no obtuviste
la toma que buscabas. Honestamente, pasa
todo el tiempo que
puedas en esa fase de grabación, obteniendo la mejor grabación
que puedas. Segunda lección, escucha esta
clase usando un par
de auriculares decentes o algunos altavoces
semi-decentes si puedes. Muchos de los
ejemplos que di con E haciendo cola en compresión
van a ser muy difíciles de escuchar de
un altavoz de teléfono o de
un altavoz de iPad. Para sacarle el máximo provecho,
recomiendo encarecidamente
usar algunos auriculares. Lección Número 3, 1% a la vez. Muchos de los ejemplos por los que
vamos a pasar no necesariamente sonarán
rompedores cuando empecemos a retocar con ellos. Pero mi mentalidad detrás de la mezcla es que solo estamos haciendo una diferencia
del 1% a la vez. Si pasamos el tiempo
suficiente en una pista, hacemos un poco de 1% aquí, un poco de 1% allá. En el transcurso de
un par de horas, hacemos suficiente de
esos pequeños retoques, esos pequeños por ciento, y equivaldrá a
una diferencia masiva. La siguiente lección, si puedes, seguirme
va a ser mucho más fácil que solo ver esta clase
y luego tratar recordar y replicar
algunas cosas más tarde. Si puedes tomar una
pista o una grabación, y mientras estoy hablando de la cola de
E o algo así, si puedes estar jugando
con ella al mismo tiempo, absorberás todo esto de esta
manera, mucho más rápido que si
solo estuvieras viendo los videos. Si se trata de una canción
que más te
gusta, guarda una copia para que simplemente te
muevas por completo y ponte
realmente experimental con ella, y entonces
siempre puedes volver a tu predeterminada si
te pierdes un poco. La siguiente lección va a ser, tener intención detrás de
todo lo que hagas. Lo que vamos a hacer en
esta clase es aprender realmente sobre lo que hace cada
técnica de mezcla. Lo que realmente quiero
que hagas es
preguntarte cuando estás a
punto de meterte en una mezcla, ¿qué quiero
cambiar de esto? Por ejemplo, si estás
mezclando una guitarra, en lugar de simplemente darle una
bofetada a muchos efectos solo porque crees que
deberías, efectos solo porque crees que
deberías,
escúchala
con mucha atención y piensa, ¿cómo puedo hacer que
esto suene mejor? ¿Qué herramientas tengo a mi disposición para afectarlo
de la manera que quiero? Mezclar se trata de
escuchar una pieza musical, identificar lo que se necesita
cambiar para obtener un mejor resultado, y luego usar las
herramientas adecuadas para cambiarlos. Para contradecirme ahí, la siguiente lección es, no
hay una manera real y
correcta de mezclarme. Es en gran medida un proceso
creativo, igual que lo es escribir una canción. Recuerdo cuando aprendí a mezclar por
primera vez, me frustraba mucho los profesores porque
solo quería saber qué
ajustes de compresor pongo en mi batería o qué reverberación
pongo en mi guitarra, pero esa no es
la forma en que funcionan las cosas. Yo digo que es como un proceso artístico, creativo en sí mismo. Cómo funciona un compresor en una batería será completamente diferente
a otra, y
depende mucho del tipo de canción que vayas a buscar también
sabemos si
estás haciendo una pista de
voz y guitarra,
la forma en que
comprimes, y ecualizador, y mezcla esa pista va a ser tremendamente diferente a
una banda de 10 piezas. De nuevo se trata de
saber realmente lo que hacen todas
estas herramientas. Como dijimos antes,
analizando lo
que hay que cambiar y cambiarlo. Pero sé que puede dar un poco de miedo pensar, oh, no
tengo límites ni
cosas a las que realmente aferrarme. Pero creo que aquí es
donde puedes ponerte
realmente raro y
experimental con él. Como dije,
no hay una forma correcta de mezclar. A menudo, las
pistas más geniales provienen de aquellas que realmente empujan los límites y no siguen
las reglas y esas cosas. Por ejemplo, uno de
mis discos favoritos de todos los tiempos Para Emma, Forever Ago de Bon Iver se
grabó en una choza de madera. Sin instalación de sonido,
sin estudio adecuado, un micrófono bastante barato, y una puerta muy, muy básica. El disco está lleno de
zumbidos raros, y crujidos, y ruido de la habitación, y iría totalmente en contra una forma muy profesional
de grabar una pista. Pero me encanta, y es toda esa rareza lo
que le agrega carácter. Una vez que sepas
usar las herramientas, utilízalas de la manera que
creas que suena mejor. Te voy a dar algunos parámetros muy básicos por los que pasar. Pero como digo, hazte
experimental con ello. Realmente quieres
saber qué productor,
y qué ingeniero de mezclas
eres personalmente, igual que qué tipo de
compositor eres personalmente. Todos van a
tener un gusto diferente en la música y la composición de canciones, igual que todos
van a tener un gusto
diferente en la mezcla. Para seguir a partir de eso,
sé que suena cliché, pero la práctica realmente
hace la perfección. Es bastante complicado tratar de
explicar sonidos con palabras. A veces simplemente no hay manera de explicar realmente algo verbalmente sin que realmente
entres y pruebes estas
cosas por ti mismo. Como cualquier otra cosa,
cuanto más lo hagas, más rápido
vas
a poder reconocer qué frecuencias no encajan bien o qué ajustes de
compresor te
gustan más en las voces. La única manera de
entenderlo es practicando. Mi mayor
consejo para
rematar esta lección es hacer que todo este
proceso sea súper divertido. No te lo tomes demasiado en serio, diviértete con el proceso de simplemente
jugar con las cosas. No te presiones para intentar
mezclarte como el mejor
ingeniero de inmediato. Solo toma el tiempo que necesites para elaborar realmente
cada una de estas herramientas, qué hacen, qué
sonidos crean. Hazlo divertido, hazlo regularmente y serás un profesional
absoluto en poco tiempo. Basta, el yap run-on, realidad
vamos a
sumergirnos en la mezcla ahora. Te veré en la siguiente lección.
4. La canción que vamos a mezclar: Para demostrar todas
las cosas mezcladas de las que vamos
a estar hablando hoy. Voy a estar mezclando una sección de una canción que he estado
trabajando con algunos amigos, así que para darte una buena idea en la pista vamos
a estar mezclando hoy. Sólo voy a
jugarlo. Sólo vamos a estar
mezclando la sección media. Sólo para que no sea
tan abrumador. Sólo para que estés al tanto de la canción que
vamos a estar mezclando. Ahora voy a
jugarlo por ti. Entonces empieza a entrar ahí en una sección
ligeramente diferente. Pero es ese primer bit, el dinero, ese bit medio en el que nos
vamos a centrar hoy. Ahora bien, vale la pena decir
que no está nada mezclado. Si pudieras decir que los volúmenes
están por todas partes, incluso se
pueden escuchar muchos instrumentos. En realidad lo que lograr
jugar eso también, porque es sólo
un poco de un desastre. Pero ojalá eso
te dé un bosquejo aproximado y el género de la canción
y donde entramos. Vamos a sumergirnos y comencemos a
ordenar algo de este desastre. Sherry, te veré
en la siguiente lección.
5. Preparación de la mezcla: Hola amigos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección,
vamos a estar hablando de una preparación mixta, que podría sonar coja. Pero créeme, hace que todo
el proceso sea mucho
menos abrumador, y solo en general
hace que sea mucho más rápido y fácil mezclar y
rebotar por la pista. Siempre me gusta descomponer
las cosas en escalones para que sea lo más
fácil posible. Número 1, esto puede
sonar obvio, pero elige tus mejores tomas. Ya he hecho la mayor parte de eso porque lleva un poco de tiempo. Solo quieres pasar y elegir todas tus mejores actuaciones. Puede haber como un verso donde la primera sección vocal te
gustó más que la segunda. O tal vez quieras cortar como cada línea vocal si
quieres ponerte realmente genial con ella. Entonces el segundo paso
suena obvio, pero solo elimina cualquier cosa
que no necesites. Cualquier mal toma tal vez
algunas ideas con las que estás experimentando que simplemente
no funcionaron del todo, solo sigue adelante y elimínalas. A continuación, vamos a etiquetar
adecuadamente cada pista. Es muy fácil
caer en la trampa de la guitarra 1 o el instrumento 1
o la entrada de audio 5 o
lo que sea que sepas. Significa que hay que
estar
recordando constantemente qué pista es qué. Solo pasa un poco
de tiempo simplemente
pasando y dando a
todo su nombre propio. Bastante como factor,
eso está bien y plomo, guitarra, armonía, y
así sucesivamente así. Simplemente para que todo esté
muy claro y
a mí también me gusta cambiar el icono. Así de nuevo, solo
un lugar agradable para estar, una manera agradable y fácil de
mirar a través de la pista. En lógica, puedes hacer clic con el botón derecho y seleccionar tus
iconos desde allí. Sólo voy a pasar
un minuto haciendo eso. tenemos una idea mucho más clara Ahí tenemos una idea mucho más clara de lo que es cada pista. Supongo que un poco más como [inaudible] aquí abajo con
todas estas voces diferentes. Pero lo que vamos
a hacer después es como
apilar estos en una carpeta. No siento que necesite
etiquetarlos demasiado. Pero de nuevo cosas
como las guitarras, las voces principales, y todos esos tipos han sido
bien etiquetados ahora. A continuación, simplemente organice las pistas en un orden
que funcione bien con usted. Esto es diferente para todos. algunas personas les gusta la
voz sentada en la parte superior, otras personas les gusta el
tambor sentado en la parte superior, y luego el bajo y la guitarra y
van así. Simplemente agruparlos de
cualquier manera que tenga sentido. En realidad
acabo de lanzar todos
los instrumentos principales hacia
arriba hacia arriba. Entonces tengo todas las voces
más hacia abajo. Pero para moverlas,
solo puedes seleccionar las que quieras y luego
arrastrarlas hacia arriba y hacia abajo. Eso sería bastante similar
en cualquier Doyle que estés usando. Lo siguiente es la codificación por colores.
Como puedes ver aquí, mayoría de las pistas son
azules, lo cual está bien. Pero lo que podemos hacer solo
para que las cosas sean un poco fáciles para nosotros es
codificarlas por colores todas. Esto va a ser un poco diferente en cada Doyle. Es posible que
tengas que buscar un poco en
Google por tu cuenta si
quieres hacer esto. En lógica, vamos a Logic Pro, ajustes y vamos a mostrar. Después vamos a Tracks. Entonces podemos asignar de forma automática un color 24 o un color 96
dependiendo de lo que quieras. Y es aquí podemos sumergirnos en algunas otras configuraciones
para que podamos tratar cada pista diferente
como un color diferente. Si ves ahí,
nosotros lo hemos seleccionado. Entonces cada uno va a
asignar un color diferente. Ahora bien, si queremos
decir como agrupar todos estos de una manera realmente fácil, podemos simplemente seleccionarlos todos, hacer clic derecho y luego ir
a un color de banda sonora. Podemos simplemente
cambiarlos todos por grupos. Todas estas extrañas sesiones
vocales que solo conocemos están todas
agrupadas. Podemos simplemente pasar por la pista y colorear como nos guste. A continuación vamos a
agrupar instrumentos y crear pilas de
pistas. Esto es realmente útil
si tienes como un montón de pilas vocales con las que estás trabajando como esta pista. O a menudo si tienes
una grabación como una batería
donde has usado como 10 micrómetros diferentes, lo que puedes hacer es agrupar todos estos juntos y
tratarlos como lo que puedes hacer es agrupar
todos estos juntos y
tratarlos como
un archivo específico y
esconderlos para que no estés constantemente desplazándote por
toneladas y toneladas de pistas. Cuando se trata de trabajar solo en la batería y la voz, simplemente
te sumerges en esa carpeta y todo se abre para ti. En este ejemplo, voy a
usar esta pila vocal rara. Va a ser un
poco diferente en cada Doyle, pero deberías poder apilar carpetas sin importar qué
Doyle estés usando. En Logic, solo queremos
seleccionar todas las pistas. Queremos grupos juntos. Haga clic con el botón derecho. Entonces queremos
ir a Crear Pila de Pista. Nos va a dar
dos escenarios diferentes. La pila de carpetas va
a ser simplemente literalmente solo agruparlas todas juntas para que
podamos sacar la carpeta
y volverla a encogerla, lo cual está bien para organizarlas. Pero una pila sumadora
esencialmente nos permite como crear efectos o ajustar el
volumen en toda la pila. Esto es realmente útil en
baterías similares si quieres bajar toda
la batería,
en lugar de bajar a cada
individuo como micrófono, podemos hacerlo todo a la vez. Si estás usando lógica, te
recomiendo ir
por Summing Stack, si vas a estar
ajustando algo. Podemos ver aquí, está
arreglado todas esas voces en esta pista que podemos
abrir y trabajar
o podemos cerrar,
y luego tenemos una mirada un poco más
ordenada en la línea de tiempo. También podemos nombrar esta pila,
así que como pilas vocales raras. Entonces sí, podemos
ajustar el volumen a esto o a la ganancia o donde sea que esté y
es mucho más fácil. Podríamos hacer lo mismo
con todos estos. Sé que todas estas van a ser solo las armonías de versos. Puedo crear una pila de pistas
versos armonías vocales. Eso acaba de reducir la gran cantidad de cosas por las que
hemos tenido que desplazarnos. Simplemente hace las cosas más simples y esto
tiene más sentido para mí ahora. A continuación, vamos a
eliminar el sonido vacío. En muchas grabaciones
como esta, por ejemplo es guitarra
acústica. En realidad no hay sonido
hasta aquí. Nuevamente, sólo para que quede muy claro de dónde entra y sale cada instrumento
, me gusta borrar todo
el sonido vacío, no hacer nada
por la pista. Si te gusta un pequeño
estruendo de gama baja o algo raro, obviamente no dudes en
dejar eso adentro. Pero me gustó si, borra tanto
sonido vacío como pueda. Esto podría ser tan simple como
recortar, atraer y simplemente
encontrar dónde se detiene. A menudo hay una
manera más fácil de evitar esto. Si seleccionamos la pista, queremos que le
quiten el ruido. Después en la lógica, vamos a funciones y eliminamos el
silencio de la región de audio. Nuevamente, va
a haber un poco diferente en cada Doyle
pero debería ser algo similar. Entonces solo queremos ajustar el umbral para que estemos
quitando el silencio. Ahora, obviamente puedes conseguir realmente como
específicamente con esto. No obstante, yo recomendaría
estar tan suelto como puedas, así que no estás cortando
ninguna de las bonitas resonancia. Acerca de ahí está bien solo cortando
aproximadamente el silencio. Vamos a golpear
Bien y puedes ver ahí que se acaba de
cortar con ese silencio
[RUIDO] para nosotros. Yo solo voy a
pasar y hacer lo mismo por cada instrumento que
tenga ese silencio en él o
podemos usar el atajo,
la flecha y x, dos fáciles sacan esto a colación y
simplemente
pasan muy rápido y lo solucionan. Yo recomendaría
hacerlo uno a la vez solo para que puedas
asegurarte de que no estás
cortando nada en lo querido y todo es
simplemente realmente exacto. De nuevo, eso me parece
mucho más claro ahora. Ahora encima de esto, podemos crear fundidos cruzados
y solo en general, desvanecer las cosas dentro y fuera. Por ejemplo algunas cosas podrían entrar un poco de repente,
como esta guitarra, como esta guitarra principal
por ejemplo obviamente corta
ahí fuera así que en lugar de simplemente
terminar repentinamente en la lógica, podemos golpear Shift
Control y luego dibujar una línea y va
a crear un fade out. Para eso por ejemplo
necesita o incluso desvanecerse un poco antes así termina ahí. Podemos simplemente cortar eso
hacia atrás y luego presionar Mayús y Control y dibujar una línea y eso
va a desvanecerlo. Ves que esa línea la
va a
derribar y simplemente se va a desvanecer de
manera más natural que solo terminaciones
repentinas. Podemos pasar y hacerle eso
a cada uno si quieres. No sientas que necesitas
tener todas las pistas, pero cualquiera tiene un
poco de recorte o simplemente haz un
pop repentino cuando la traes. Eso es
guitarra rasca, por ejemplo, podríamos simplemente hacer un poco de solo que la hace un poco más agradable. Pero lo que también podemos
hacer es el crossfade. Si alguna vez tienes
dos tomas y estás tratando de
juntarlas y hay un poco extraño de crossover
ahí hay como un pop o simplemente no se desvanece de un tipo a
otro muy naturalmente, podemos crear un crossfade con
la misma técnica exacta, así que controla el turno y podríamos simplemente poner un poco de crossfade en eso y va a tomar una y poner abajo mientras que
los otros suben. Se van a
encontrar muy bien. Simplemente da como un sonido
muy natural. Para facilitarnos aún más las cosas,
a menudo solo puedes aplicar un cross-fade
predeterminado. Si vas a la pista, quieres insertar tus fundidos
cruzados al ir a las funciones y luego aplicar el fundido cruzado
predeterminado. Eso aplicará todos los
fundidos cruzados donde sean necesarios. A continuación, podemos crear algunas
secciones la parte superior de nuestra pista, así podemos realmente fácilmente, conocer aquí el verso y el
coro y los puentes son. Es muy opcional, pero de nuevo, te
ayuda simplemente a rebotar
y acelera las cosas. Por lógica, queríamos
mostrar las pistas globales aquí y luego se puede ver
este marcador de arreglo para que
podamos golpear plus y se puede decir que agrega un mercado para
una introducción para nosotros para que sepamos que la introducción
termina por ahí. Podemos simplemente estirarlo y luego volver a golpear Plus y va a tener
por defecto un verso. Podemos seguir así y podemos
cambiarles el nombre solo para
que se ajusten a lo que sea que se adapte. Es como una
sección de verso para escuchar por mí. Simplemente seguimos así y solo hace
que sea muy fácil rebotar
alrededor de la pista. Si quieres también puedes
deshacerte de estos también para que podamos hacer clic derecho y
quitarle el tempo,
el marcador de firma
también se
desharía de eso así que solo podemos tener las secciones de suma
arriba en la parte superior ahí. Ahora bien, echando un vistazo a
esta pista tal como es, esto para mí es mucho más claro que donde
estábamos al principio. Simplemente va a
ser mucho más divertido y accesible
para entrar ahora y
modificar las cosas en lugar de simplemente luchar entre
nombres de pistas realmente confusos y cosas así. Todo eso se ve muy bien pero hay un paso
más que me gusta dar a hora de prepararme para una mezcla y es importar
una pista de referencia. Una pista de referencia
va a ser de gran ayuda a medida que salimos
del proceso de mezcla. Es muy fácil cuando escuchas
atraer una y otra vez para acostumbrarte
al sonido que has hecho. A menos que realmente estemos
comparando de ida y vuelta con una canción que es un estándar de la
industria, es bastante difícil mantenerse en pista y estar al tanto de
lo que estás apuntando. Piensa en qué género o
estilo estás tratando de replicar o
trabajar y muchas veces es útil agarrar un par de
temas como dos o tres pero por hoy
solo voy a agarrar uno. Voy por un estilo Bon Iver, Phoebe bridges
con esta pista, y una de las canciones
que realmente me inspiró mientras escribía esta canción fue el banco de
sangre de Bon Iver. He descargado esa
pista de referencia y sólo voy a arrastrarla hasta
el fondo aquí. Obviamente aléjalo de la
pista para que no se estrelle, sino solo para que puedas
pellizcar y haber escuchado
volver a la tuya. Pero tenga en cuenta que
su
pista de referencia a menudo va a ser masterizada al
volumen más alto que pueda llegar así que solo siempre esté equilibrado
y el volumen de la pista de referencia en línea con la pista en la que
esté trabajando. No te
preocupes demasiado por subir
al mismo volumen de inmediato. De eso se trata más
masterización pero una pista de referencia va a ser súper importante en el futuro. Limpiemos su rastro del tuyo y una vez que estés listo, vamos a sumergirnos en la siguiente
lección. Te veré ahí.
6. Ganar escenario: Hola a todos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección,
vamos a hablar de la puesta en escena de ganancia. Pero antes de sumergirnos en eso, ¿qué es incluso la ganancia? Ves ganancias, el
proceso de ser absolutamente secuestrado como
yo. No, sólo estoy bromeando. Ganancia, es esencialmente el nivel de la
entrada del sonido. Ahora, muy a menudo se
confunde con el volumen, que es la salida
del sonido. Ahora bien, pueden parecer muy similares, pero el volumen y la ganancia, en realidad
son dos cosas
diferentes. Me gusta
pensarlo como una guitarra. Si conectas una guitarra
al amplificador, tienes un dial de ganancia, y si giras esa
ganancia todo el camino hacia arriba, obtendrás una guitarra con
sonido distorsionado. Estás ajustando
el nivel de entrada para que esté sobreconducido. Pero puedes controlar qué tan fuerte sigue siendo
esa guitarra
con un dial de volumen. Se puede crear una
guitarra con sonido distorsionado a un volumen bajo. Aunque no muchos guitarristas rocosos distorsionados
parecen hacer eso, pero así es como me
gusta pensarlo. volumen controla la sonoridad, mientras que la ganancia controla el tono y la entrada del canal. En va ganancia, sale volumen, si
eso tiene sentido. Con eso en mente,
¿qué es la puesta en escena de ganancia? La puesta en escena de ganancia es establecer
correctamente el equilibrio de ganancia para cada uno de los
instrumentos en nuestra pista. Eso es ajustar
la ganancia hacia arriba o hacia abajo. por lo que golpea cierto punto dulce, lo que minimiza el ruido
y la distorsión. Pero también asegura que
estés obteniendo el mejor sonido
posible
de esa grabación. También es muy agradable
porque si ganamos escenario todas nuestras pistas
ese mismo punto óptimo, significa
que todos nuestros instrumentos están sentados al mismo nivel, por lo que es mucho más agradable y rápido a la hora de mezclar
y ajustar volúmenes. Es muy importante hacer
este paso antes de hacer cualquier mezcla como cualquier compresión
o ecualización o algo así, hacer primero la puesta en escena de ganancia y tenemos una
base muy buena para trabajar. Antes de comenzar a ajustar
la ganancia de cada pista, queremos asegurarnos de que todos
los volúmenes estén establecidos en cero dB. Como puedes ver aquí, solo
queremos
asegurarnos de que ese número esté en cero o si estamos
trabajando desde aquí arriba, queremos asegurarnos de que
todos sean neutrales en cero dB. También queremos asegurarnos de que ninguno de los instrumentos sea pan, así que esta esfera aquí que
usamos para el paneo, vamos a llegar
a eso más adelante. Pero sí, sólo vamos
a asegurarnos de que todo sea central y que todo esté
al mismo nivel. En lógica para ajustar la
ganancia de cualquier pista, queremos simplemente hacer
clic en la pista, queremos ajustar la ganancia en, presionar este pequeño botón i, y aquí verás que hay
una opción para ajustar la ganancia. O si quieres, puedes
dirigirte a la sección de mezcla, y podemos agregar una unidad de ganancia aquí, si queremos usarla
en forma de plugin. Pero me gusta bastante
usarlo en este viaje, así que eso es lo que voy
a hacer hoy. Para ganar escenario, necesitamos ajustar la ganancia
para
que el audio esté golpeando
cierto punto dulce de audio. Ahora podemos encontrar ese
punto dulce de dos maneras distintas. La mejor manera es usar
lo que se llama un medidor DBVu. Dejaré un enlace de descarga gratuita a eso en la descripción. O puedes usar el fader de
volumen de tu DAW para hacerte una idea de dónde se encuentra ese volumen y hacerlo de
esa manera en su lugar. Hola, estoy editando. Sólo voy a hacer estallar
aquí y allá para agregar un poco más de contexto
a lo que estoy diciendo. Solo para expandir un poco en decibelios y DBF y
ese tipo de cosas. DBFs y dbVu son solo formas diferentes
de medir el volumen. DBFS es la versión digital
moderna. DBVU es más de la vieja escuela como forma analógica de
medir el volumen. Debido a que se
basan en diferentes sistemas, funcionan un
poco diferente. Pero todo lo que realmente
necesitas saber es que es solo una forma de
medir un volumen, y la forma analógica de la vieja escuela, dbVu, tiende a ser más el estándar oro al que apuntar
al hacer cosas
como ganar puesta en escena. Pero al trabajar con DAW
modernos estaremos trabajando casi exclusivamente
en decibelios o DBF. También vale la pena señalar que
si vamos por encima de cero decibelios, estaremos alcanzando el pico de la señal, y eso muchas veces produce distorsión y sólo algunos sonidos desagradables. Casi nunca queremos estar por encima
de cero decibelios. Si toco esta guitarra por ejemplo se
puede ver el medidor de
volumen ahí. Esto es leer en
decibelios o DBF. Un poco técnico, pero
esencialmente estamos viendo los números y las lecturas
en el medidor de nivel aquí. La forma más precisa de llegar a este punto óptimo de
audio, como dije, es
usar un medidor dbVu. Podemos descargarla de forma
gratuita en línea. Al menos están
libres en este momento. Se ven un
poco así. Lo que estamos tratando de apuntar
es conseguir que el audio se
sitúe en cero dbVu. Otra vez, si toco esta guitarra, podemos ver que en realidad está
bastante cerca. Pero si queremos ajustar esto, podemos simplemente hacer clic en la guitarra y dirigirnos a la ganancia. Sólo queremos subir
un poquito para que esté llegando a ese cero. En un poco más. Obviamente, cualquier instrumento va a
subir y bajar de volumen. Esa es sólo la naturaleza
de cualquier instrumento. Lo que realmente pretendemos
aquí es
acercarlo lo posible a ese dBVu cero. Si se está repasando un
poquito, está bien. Tiendo a gustarme
mantenerlo bajo cero si puedo. Pero eso es bastante cercano a mí. Sólo he tenido que hacer
un pequeño ajuste ahí a 1.6 decibelios. Eso es todo lo que estamos haciendo,
es que estamos pasando por cada pista y
ajustando la ganancia para que sean las sesiones lo más cercanas
posible a ese dBVu cero. Ahora bien, si realmente no puedes
poner en tus manos esto, o simplemente estás en apuro, mucha gente también dice que
apuntes a menos 18 dBFS, que podemos ver
nuestro medidor de volumen. Me parece que la mayor parte del
tiempo estamos tratando de encontrar el equilibrio que está sentado
alrededor de menos 18, y es nuestro pico
en menos diez. Eso tiende a ser un
rango similar a ese dBVu cero. Si echamos un vistazo aquí, esta vez
echamos un vistazo a nuestro
medidor de volumen en su lugar. Podemos ver que estamos
viendo alrededor de 18, un poco más de músculo
alcanzando su pico alrededor de 10, que es por aquí. Ese es un nivel bastante bueno
para mí. Téngalo en mente. Vamos por aproximadamente cero dbVu, o alcanzando un máximo de menos 10 dBFS. Voy a seleccionar todas
nuestras pistas aquí y voy a sacar el
medidor DBVu en todas ellas. Así como así.
Solo voy a pasar uno por uno y ajustar
ese juego para que esté golpeando
alrededor de cero dBVu. Mientras estamos haciendo esto,
queremos estar dando vueltas a la parte más ruidosa de
la pista en la que enfocarnos. Se puede ver aquí con el bajo, vamos por mucho tiempo. Queremos acabar con este juego. Ahora, obviamente, cada instrumento va a ser un
poco diferente. Ahora con instrumentos
con mucha dinámica, tambores
particulares donde
hay sonidos impactantes repentinos, necesitamos ganar escenario de
una manera ligeramente diferente. Por ejemplo, este derecho no está golpeando del todo
ese cero dBVu. Pensaríamos en retomarlo, pero si miramos
nuestro medidor de nivel, estamos recogiendo la señal, lo que va a significar que
vamos a obtener distorsión y simplemente no
va a sonar muy bien. Va a sonar
muy desequilibrado con todo lo demás también. No podemos tenerlo en su punto máximo, lo que significa que tenemos que
bajarlo y eso está bien. No todos los instrumentos
van a poder alcanzar ese
punto dulce digital en este medidor VU. En un caso como este, volveré
a mirar el medidor de nivel e intentaré que se
asiente alrededor de menos 18, alcanzando un máximo de 10 en su lugar. Pero de nuevo, si podemos
acercarlo lo más posible a cero dbVu, eso también es genial. [RUIDO] Eso es bueno, está
sentado alrededor de las 18 ahí y están alcanzando su punto
máximo alrededor de menos 10. Yo soy genial. Desafortunadamente no se puede conocer
ese punto dulce, pero eso está absolutamente bien. Lo patea bastante bien ahí. Órgano sentado por
ahí también, lo cual es bueno. Para cada instrumento diferente, como esta guitarra es
solo un poco difícil de precisar
exactamente dónde está. Solo
busco constantemente entre mi medidor de nivel y
mi medidor de DBVu, estoy tratando de
marcarlo lo más cerca que pueda. Pero mucho de esto es bastante
como una ciencia blanda. No tiene que ser exacto. Solo estamos buscando
un buen nivel de estadio. Por lo que la mayoría de las pistas
se han ganado escenario ahí. Ahora, solo tenemos que hacer estas armonías vocales,
pero lo que podemos hacer, es algo bastante
genial para ahorrar un poco de tiempo para instrumentos que no están demasiado en tu cara cosas como
sonidos de fondo o armonías, especialmente aquellos como
estos que son como una o dos líneas ganan puesta en escena
esas no son tan vitales. Lo que podemos hacer es algo
llamado normalización de audio. Eso esencialmente va
a ajustar la ganancia a cada región para que esté alcanzando
un cierto punto máximo. Si
seleccionamos todo lo que queremos ajustar, luego ir a funciones y aplicar normalizar ganancia
región aquí. Entonces podemos elegir
si queremos que sean pistas
individuales o regiones
individuales, vamos a ir por regiones
porque hemos seleccionado regiones amor y luego como
decíamos antes, estamos apuntando a alrededor de
menos 10 picos,
[ Risas] si eso es una palabra. Entonces podemos escribir
aquí menos 10 y presionar Aplicar y luego todas estas pequeñas regiones
van a ser traídas hasta aproximadamente menos 10. Verás,
todos han sido llevados a un nivel bastante bueno ahí. Ahora lo que podemos hacer
es volver a entrar con una medición y sólo
ver cómo está eso. Entonces podemos decir que
eso es demasiado ruidoso. Así que solo podemos hacer ese proceso
exacto otra vez, pero bajarlo un poco. A lo mejor vamos a ir a menos, decir como menos 16 en su lugar. Intentemos menos 13 en su lugar. Eso es golpear un balance de
osos ahí. Así que podemos jugar con esa característica de ganancia normalizada
en más como fondo, los instrumentos, o como un gran kit de batería con un
montón de sonidos diferentes. Suena un poco de tiempo. De nuevo, está bien para meter nuestro audio en ese punto óptimo. Ahora la pregunta que
a menudo se hace es, ¿todos los instrumentos necesitan
ser escenificadas de ganancia? Bueno, en realidad no, pero vale la pena considerarlo. Lo que quiero decir con eso es que
definitivamente quieres ganar pistas
escénicas al frente y muy presentes
como guitarras, voces, bases, pero instrumentos
como un pequeño shaker o una pandereta o algún
ruido ambiental de fondo, cosas así. No te preocupes demasiado, pero llegar al nivel correcto
solo va a significar
que vas a ser difícil mezclar agradable y fácilmente. Siempre y cuando estés en el
estadio correcto está totalmente bien. ¿Deberías ganar midi escénico? En cierto modo, sí. Como por ejemplo tenemos
las cuerdas el amidi. Ahora porque amidi es
como la información de audio
no es como una grabación, no
tiene exactamente como ganancia, pero a menudo podemos hacer es entrar en
los plug-ins como los que tenemos aquí y a menudo serán como un dial de volumen o alguna forma
de ajustar la salida. Podemos meter eso en el punto ideal solo para que
quede bien sentado con los otros instrumentos
o en su defecto, si estás enchufando no
tiene un control deslizante de volumen, puedes agregar un complemento de
ganancia un
poco que vimos antes, así que solo agregando ganancia de utilidad, agregando eso a los efectos y puedes ajustar
la ganancia a partir de ahí. Ahora es posible que ahora puedas
escuchar que las cosas están sentadas en un equilibrio un poco más agradable, solo ajustar esas ganancias, todo está sentado a un nivel agradable y
puedes escuchar la mayoría de las cosas. Al crear esta
base para nosotros mismos, es muy fácil hacer pequeños pequeños ajustes y
equilibrar la mezcla que quieras. Simplemente crea una
base perfecta para trabajar y significa que estamos sacando
el máximo provecho de todas nuestras grabaciones y todos
nuestros instrumentos. A continuación, vamos
a estar trabajando en la balanza y los volúmenes. También, te veré
en la siguiente lección.
7. Equilibrio de volumen: A continuación vamos a trabajar
en el balance de volúmenes. Eso es exactamente
lo que suena. Solo vamos a estar
jugando con los volúmenes y asegurándonos de que todo esté sentado a un nivel realmente agradable. Podemos escuchar todo con
claridad y estamos contentos con el
balance de la pista. Aquí es donde nuestra pista
de
referencia va a ser
muy útil también, ya que solo podemos comparar
los volúmenes y donde todo se sienta
con una referencia. Volvamos a desglosar
esto en escalones, así que es realmente
fácil de entender. El primer paso va a ser dar un
bucle a la
parte más ruidosa de la pista. Entonces vamos a seleccionar
cada uno de nuestros instrumentos. Todos estos, y
vamos a girar todos los controles deslizantes de volumen
a cero, así que deberías poder
escuchar cualquier cosa. Ahora vamos a escoger nuestro instrumento
más importante. Esta suele ser la voz, pero obviamente
dependiendo del estilo en el
que estés trabajando,
podría ser diferente. Puede que estés trabajando en lo-fi, que no tiene voz, en cuyo caso podrías tener
una melodía muy fuerte. Vamos a escoger el sonido
principal de nuestra canción, que va a ser la
voz para esta pista. Vamos a
traerlo así que está sentado a aproximadamente menos -5 db. Ver los climas
pasados más ruidosos fue -6 o -5 rotondas,
no está bien. Entonces vamos a elegir para el segundo instrumento más importante y traerlo para
que quede
bien sentado con esas voces. Creo que para mí,
probablemente sea la guitarra principal. Ahí va a venir en segundo lugar más importante. Eso está aquí. Entonces simplemente vamos a
continuar de esa manera, eligiendo el siguiente instrumento más
importante y
el siguiente instrumento más importante
y simplemente
mezclarlo con los instrumentos
que ya están presentes. Después de esa guitarra principal
para mí probablemente viene la guitarra rítmica. Siguiente es la base. Sólo estamos recorriendo
cada una de esas pistas y solo
mezclándolas una por una. No hace falta
decir que
obviamente se puede volver
a cada instrumento. Estarás retocando esto para toda
la pista, estoy seguro. Pero solo queremos
acercarlo lo más posible, suspender como una muy
buena cantidad de tiempo aquí. Solo sigue
escuchando esa misma sección y acercando esos volúmenes
como puedas. Vale la pena decir que si tocas la canción de
principio a fin, hay algunas partes
al principio o
al final que tal vez
no suenen bien, pero vamos a
arreglarlo un poco más tarde. Pero por ahora, solo queremos que la parte más ruidosa de
la canción suene bien
y equilibrada y llegaremos
al resto del verano
un poco más tarde. Asegúrate de tener
un descanso también. Darle un aumento y descansar. Vamos a tomar una taza de té o simplemente ir a hacer otra cosa
y luego volver a ella como media
hora después con algunos ligeramente más frescos es. También sigue rebotando entre tu
pista de referencia así como. Aquí puedo resolver que
creo que necesito un poco más de
la guitarra principal. Un poco más de patada también. Creo que estoy bastante contento
con el saldo ahí. Es un poco
intimidante
tratar de filmar mientras se hace esto, pero creo que eso suena bien. Estoy contento con eso por
ahora. Probablemente pensaré diferente [Risas]
como media hora de tiempo pero eso es genial por ahora. Si tocamos esta canción
de principio a fin, probablemente
pensarás que
las cosas suenan un poco desequilibradas en ciertas secciones. Eso está totalmente bien. Eso es normal.
Vamos a arreglar eso con algo que se llama automatización
un poco más tarde. A algunas personas les puede gustar
hacer un poco de automatización en esta etapa,
lo cual es totalmente genial. Pero para mí, lo voy a hacer un poco
más tarde solo porque
sé que a través de eQing y comprimir las cosas puede sonar
un poco diferente. Pero a continuación, vamos
a hablar de autobuses. Te contaré más sobre eso en la siguiente
lección. Gracias, chicos.
8. Buses: Hola chicos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a
hablar de autobuses. Estuve confundido por los autobuses
durante más tiempo, pero en realidad es
súper sencillo. El viejo refrán va un
poco así. Imagina que quieres llevar a un
grupo de niños a la escuela. La forma más fácil de
llevar a todos estos niños al mismo lugar es enviarlos en un autobús al lugar y así es exactamente como es el
autobús en audio. Digamos que tenemos como
una batería con montón de
micrófonos y tambores diferentes, y todos queremos
conseguir reverberación en ellos, queremos
enviarlos a una reverberación. En lugar de enviar
cada uno individualmente, podemos enviarlos todos al
mismo tiempo. ¿Por qué hacemos eso? En primer lugar,
ahorra mucho tiempo. En lugar de aplicar
reverberación en cada pista, podemos crear una reverberación
que nos guste y luego enviar una tonelada de instrumentos diferentes
a esa misma reverberación. Hace que las cosas sean
mucho más rápidas y fáciles como en
todos los sentidos y también reduce en
gran medida la cantidad de energía que su computadora necesita
para que todo funcione. También porque podemos
usar esto para aplicar así mismo efecto en un
grupo de instrumentos, ayuda a pegarlo, como reverberación por ejemplo. En lugar de que cada reverberación
sea un poco diferente, si podemos enviar muchas
de nuestras pistas
al mismo bus de reverberación,
sonará como que
se están tocando en el mismo espacio y las pega
muy bien. Además, si quieres
ajustar la reverberación
más tarde por la línea, nuevo, en lugar de
tener que entrar en cada pista individual
y ajustarla, solo
podemos ajustar
el bus de reverberación que nos hemos propuesto
y podemos hacer esto con cualquier efecto que queramos, como reverb, delay,
compresión, EQ. A veces es agradable
ecualizar todo el kit de batería juntos en
lugar de individualmente. Nuevamente, ayuda a
pegarlo. No necesariamente necesitamos
configurar todos nuestros autobuses ahora, pero justo cuando entramos en la
sección donde hablamos de
cosas como efectos y reverberación de
compresión, ten en cuenta que puedes
colocar
estos efectos en un autobús para hacerte la vida un
poco más fácil. Por ahora, solo
aprendamos cómo podemos
montar un autobús nosotros mismos. Tomemos esta
voz principal por ejemplo. Digamos que queremos enviar esto
a un autobús de reverberación en lugar de
poner una reverberación en esta pista. Podemos llegar a esta pequeña
sección aquí y
podemos seleccionar a qué autobús
queremos enviarlo. Todos estos sólo van a
ser canales vacíos, vacíos. Podemos ir al Autobús 5 y
puedes ver por aquí en Aux 4, esto nos ha creado
un nuevo autobús, así que este es el Autobús 5 aquí. Podemos renombrar esto
en la parte inferior, reverberar y ese es
nuestro bus de reverberación ahora. En el bus de reverberación voy
a poner en un plug-in de reverberación. En este punto podemos configurar
la reverberación como queramos. Vamos a entrar en
esto un poco más tarde, pero podemos marcar cuánto de este efecto queremos
agregar a nuestra pista. Con la voz principal en mente, podemos usar este
dial para cambiar la
cantidad de la señal que
se está enviando a ese bus, lo que significa que
todavía nos puede gustar marcar en cuánta reverberación o cuánto efecto queremos en
cada canal diferente. Tenemos esta reverberación
pasando por el autobús 5, y puedo
subir este autobús si quieres mucha reverberación y bajarla y ahí estamos obteniendo un buen
nivel de sonido de reverberación. Ahora, digamos que queríamos agregar armonías vocales
a esa misma reverberación. Solo tenemos
que seleccionar esa pista y otra vez, sacarla al bus 5 reverb, y podemos tocarlas
juntas y podemos hacer exactamente lo mismo para que podamos
ajustar
la cantidad de reverberación
que queremos en el backend. Ambos van
a la misma reverberación, no
tenemos que establecer
ese canal de reverberación dos veces y enloquecer
con todos los ajustes, solo
podemos obtener un sonido de
reverberación que nos guste, y luego ajustar la cantidad de la señal que
entra en ese efecto. También podemos ajustar la intensidad del autobús usando
el deslizador también. Eso es todo bussing es,
es solo enviar diferentes
instrumentos a través un efecto
nos facilita mucho
las cosas y crea una buena
cohesión entre las pistas y tener una jugada alrededor
con esto y
te veo en la siguiente
lección. Gracias chicos.
9. Compresión: Hola amigos. Bienvenida de nuevo.
En esta siguiente lección, vamos a
hablar de compresión. compresión es uno de los componentes más
clave de la mezcla, por lo que es muy importante
entender y aprender. Pero antes de empezar a
hablar de compresión, necesitamos entender algo
llamado rango dinámico. ¿Qué es el rango dinámico? Esencialmente, es solo la
diferencia entre la parte
más ruidosa y la más silenciosa de una grabación, así que usemos el ejemplo
de grabar a un vocalista. Ahora, naturalmente, cuando estás grabando algo así como voces, van a ser partes
que sean más fuertes que otras. El intérprete podría
acercarse al micrófono, podría
simplemente
gritar align [NOISE], o susurrar align [NOISE], y eso va a
crear ciertas partes ruidosas
y ciertas partes silenciosas
en la grabación, cual es genial para el rendimiento, lo
cual es genial para el rendimiento, le da vida y la
hace sentir humana. Pero esto causa un poco de
problema dentro de la mezcla, porque si tratamos equilibrar el volumen
a las partes más fuertes,
las partes más silenciosas
van a cantar bastante débiles y un poco demasiado
distantes, pero igualmente, si tenemos volumen equilibrado
las partes más silenciosas, las partes ruidosas van
a ser demasiado ruidosas. Aquí es donde entra
la compresión. Lo que
hace la compresión es esencialmente apretar las
partes más fuertes de una grabación, por lo que toda la grabación
es más consistente. Podemos controlar cómo funciona
este compresor, así que esencialmente podemos controlar el rango dinámico
de una grabación, y eso crea un nivel de volumen más
consistente, y mucha gente dice que agrega presencia y punch a una pista. Pero hay que tener
cuidado como si
comprimiéramos demasiado una señal, a menudo puede simplemente muerta en una actuación y
hacerla sonar bastante plana, inorgánica y bastante procesada. Eso es lo que hace la compresión, es simplemente hacer un nivel de volumen más
consistente para cualquier grabación. Escuche estas voces antes y después de
que estén comprimidas, y observe cómo las voces
no comprimidas suenan inseguras de sí mismas
y bastante poco seguras. Ojalá, se pueda escuchar que el
sonido vocal comprimido es mucho más seguro y consistente
y más fuerte en general. Pero, ¿cómo usamos la compresión? Cada compresor se compone de varios
elementos diferentes de diales. El primero es el umbral. Establecemos el umbral
donde queremos que comience a tener lugar la compresión. Si usamos esto como ejemplo, aquí tenemos nuestra señal de
audio y
queremos comprimir las partes
más fuertes de esta, así que solo quieres enfocarte en
este bit de audio más alto. Establecemos el umbral donde
queremos que empiece
a tener lugar esa compresión, así que si establecemos el umbral aquí, todo por encima de él, todo esto va
a ser lo que se vea afectado. Cuanto más bajo establecemos ese umbral, más de la señal se
va a comprimir. Podríamos establecer el
umbral aquí abajo, pero eso haría una compresión
muy intensa, así que queremos
conseguirlo a un nivel que suene agradable y orgánico,
idealmente, a menos que
quieras ir por tambores comprimidos
locos o algo así. A continuación tenemos la relación. La relación determina
cuánta compresión tiene lugar por encima del umbral. Si comprimimos todo
por encima de ese umbral, suena un poco plano
y un orgánico, así que ajustamos la
relación para determinar cuánta compresión se está
produciendo por encima de ese umbral. Lo pienso un poco como un filtro sentado
encima del umbral, y podemos
abrir ese filtro hacia arriba y dejar pasar un poco de
esa señal, suena un poco más natural
y orgánico de esa manera, o realmente podemos cerrar
ese filtro hacia abajo, subir esa proporción para hacer un
estilo de compresión mucho más intenso. Cuanto mayor sea la relación, mayor será
la compresión, menor la relación, menor será la compresión. Aquí hay algunos hitos de relación realmente
simples para darte una idea más clara. A continuación tenemos ataque. ataque es la cantidad de tiempo que tarda el compresor en comenzar
a funcionar. Un tiempo de ataque más rápido da
un sonido espeso y apretado, mientras que un sonido de ataque más lento suena más
contundente y orgánico. Por lo general,
los tiempos de ataque más lentos son más agradables de escuchar. Como puede ver en esta pantalla,
con un tiempo
de ataque rápido, tan pronto
como esa señal
sobrepasa el umbral, el compresor está
entrando de inmediato, está cavando el compresor en
la señal de inmediato. Mientras que con un tiempo de ataque lento, tan pronto
como esa señal
alcanza
el umbral, el compresor empieza a funcionar, pero es un declive mucho más lento, como puedes ver aquí, y con un tiempo de ataque más lento, significa que parte de
esa señal inicial va a golpear
ese poco más, así que ciertas líneas van a
tener un buen poco de impacto, ahí hacerlas un poco
más contundentes porque sólo acaban de atrapar el
inicio de la compresión. En el otro extremo de
esto está el lanzamiento. Si el ataque engancha
el compresor, la liberación libera
el compresor, por lo que es la cantidad de
tiempo que tarda
el compresor soltar la compresión. Los tiempos de liberación rápidos tienden
a sonar más naturales y la gente tiende a
inclinarse un poco más hacia esos tiempos de liberación
rápidos, así que puedes ver aquí que una vez que esa señal vuelve por
debajo del umbral, esa es la
señal del compresor para dejar de funcionar. Los relieves determinan la
rapidez con la que el compresor pasa de
funcionar a no funcionar. Se puede ver aquí
con una liberación lenta, ese compresor
vuelve a salir lentamente, pero con una liberación rápida, cuanto esa señal
entra por debajo del umbral, el audio vuelve directamente
a su nivel regular. A continuación tenemos la rodilla. La rodilla es la transición
entre los compresores reducción
total a ninguna
reducción de la señal, pero en términos de Layman, pienso en ello esencialmente como lo agresivo que funciona el
compresor. Una rodilla más alta resultará en
una compresión más sutil, mientras que una rodilla inferior será poco más en tu
cara y agresiva. Pero es bastante sutil, así que no te preocupes demasiado por
ésta. Pero nuevamente, solo para
darte una idea aproximada, puedes ver una rodilla suave aquí, igual que Ben es la compresión y la hace simplemente más
sutil y suave, mientras que una rodilla dura
simplemente va a ser mucho más directa y afilada. Por último, tenemos ganancia de maquillaje. Cuando estamos usando compresión, estamos haciendo que la señal más silenciosa porque estamos
bajando esas partes más fuertes. Usamos la ganancia de maquillaje para
reajustarnos a la pérdida de señal, así que solo la estamos volviendo a subir a un nivel con el que
estamos contentos. Además, en la mayoría de los compresores, tendrá un estilo mixto, y esto esencialmente es solo
la diferencia entre como la señal seca no comprimida
y la señal comprimida húmeda. Simplemente puedes
marcarlo si quieres quitarle el borde
a un compresor,
también vale
la pena mencionar
sobre la reducción de ganancia. La compresión se mide en reducción de
ganancia porque está aplastando esa señal
y haciéndola más silenciosa, reduciendo la ganancia, y si alguna vez
miras un compresor, verás un dial o un gráfico, y eso es lo
que está leyendo es cuánta reducción de ganancia
se está produciendo. obtenemos una idea muy clara de estas lecturas obtenemos una idea muy clara de cuánto se está comprimiendo la
señal. Eso es bastante
interesante, ¿no? Siéntete libre de recuperarte a través esta lección tantas
veces como necesites, pero a continuación vamos a
entrar en cómo usamos realmente compresión en el
propio audio . Te veré
en la siguiente lección.
10. Cómo usar la compresión: Hola chicos, bienvenidos de nuevo.
En esta siguiente lección, vamos a tomar
lo que aprendimos en la última lección sobre compresión y aplicarlo a las grabaciones que
tenemos en nuestra canción. En este ejemplo,
voy a estar usando la voz. Ahora bien, si
escuchamos esta pista vocal, verás que
hay ciertas palabras en
ciertas partes que se sienten un
poco débiles y poco confiadas. Eso no es culpa de
Harriet, la cantante en absoluto. Es una cantante increíble, y es totalmente natural que
cualquier cantante vaya a cantar ciertas palabras más fuerte,
ciertos bits más silenciosos. Eso es lo que queremos. Queremos
una interpretación vocal genuina. Pero solo queremos poder
controlar ese
rango dinámico para
que no suene demasiado silencioso o bajo confianza.
Si tenemos una escucha. Ojalá se pueda escuchar ahí, el comienzo de eso,
es bastante fuerte. Pero entonces estas partes posteriores aquí, que falta el sentimiento, suena bastante poco confiada. Ahora bien, si fuéramos a solo
eso sonaría bien. Pero cuando tenemos tantos otros instrumentos
y otros sonidos, fácilmente puede simplemente enterrar
esas partes más fuertes, que es exactamente la razón por la que
usamos la compresión. Voy a dirigirme
a la voz, y voy a ponerle
un compresor. Aquí puedes ver todos los diales de los que estuvimos
hablando en la última lección. Ahora no hemos
ajustado esto en absoluto. Esta es solo la configuración
predeterminada de fábrica. Pero se puede ver que
la línea ahí. Es indagar en la señal y simplemente empujar hacia abajo
esas partes más fuertes, esa línea que se está
dibujando solo está cavando
en la señal. Ahora bien, aunque sepas
lo que hacen todos estos diales, puede
resultar realmente abrumador mirar este compresor
y saber lo que estás haciendo. Nuevamente, solo me gusta
dividirlo en varios pasos a
seguir cada vez, y siempre parece que me
funciona muy bien. Primero, sólo queremos asegurarnos de
que no estamos solos. Estamos tratando de mezclar las compresiones para que
funcione con la pista, no que funcione por sí sola. Idealmente, queremos estar mezclándonos
con la pista que se reproduce, pero podemos rebotar entre pero podemos rebotar entre
los solos solo para que podamos
escuchar exactamente lo que está pasando. Además, me
facilita explicar. Para comenzar, me gusta establecer el umbral en
aproximadamente tres a uno, así sabemos que
se está produciendo una buena cantidad de compresión. A continuación, voy a
ajustar el umbral hasta que note que se
produce alguna compresión. Voy a bajar el
umbral a cero. Voy a
ponérselo al medidor, y voy a
bajar ese umbral hasta que empiece a
comprimir la señal. Una
compresión más suave y sutil normalmente se asienta entre dos y cuatro
decibelios de reducción, mientras que una
compresión más pesada se asienta más hacia menos seis y menos 10. Pero eso no me
preocuparía demasiado. Cada instrumento
es muy diferente, y solo me gusta
ajustar el umbral hasta que vea que se produce alguna
compresión, y me suena bien. Se puede ver que estamos
algo así como flotando
alrededor de menos cinco, lo
que creo que
suena bastante bien. No suena demasiado agresivo, simplemente
suena agradable y sutil. Puede que no notes como una diferencia
masiva ahí. Pero si escuchas con
mucha atención, puedes sentir que todo está un
poco más nivelado, en lugar de ese rango dinámico
haciendo que ciertos bits sean más silenciosos. Podemos hacer esto realmente
agresivo si quieres. Si giro la relación hacia arriba, baje un poco el umbral. Eso es con una compresión pesada, y es de esperar que aquí
hay algún tipo de sonidos procesados y un poco planos
y algo aburridos. Queremos estar ajustándonos
para evitar eso. Pero algunos géneros como el heavy
metal o la compresión de tambores, a veces a la gente le gusta mucho
una señal duramente comprimida. Pero con esta voz,
quiero que le quede ese elemento natural, así que la voy a
volver a bajar. El paso tres sería volver a llevar esa ganancia de maquillaje al nivel que la
teníamos de antemano. Solo queremos estar
ajustando esa ganancia de maquillaje, encender y apagar el compresor, y volverlo a subir al nivel en
el que lo
teníamos antes. Para que esto sea aún más fácil, solo
podemos
mirar la cantidad de reducción de ganancia que se está
produciendo en nuestra gráfica, y podemos ajustar la
ganancia de maquillaje dependiendo de eso. Si el medidor está leyendo
menos cinco reducción de ganancia, podemos llevar la
ganancia de maquillaje a más cinco ganancia, que la estemos volviendo a
subir al nivel en el que
estaba anteriormente. A continuación, podemos establecer la relación para que las cosas suenen
agradables y consistentes. Si hay mucho
rango dinámico, posible
que desee ir un poco
más alto con la relación. Si ciertas líneas
realmente te están saliendo, esa es una señal de que necesitas
subir un poco esa proporción, para que puedas bajarla. Pero me gusta bastante
cerrar los ojos y simplemente girar este dial hacia arriba y hacia abajo hasta llegar a un punto óptimo con él. Apenas por ahora, voy a
quitarme esas armonías. Bien, entonces estoy bastante contento
con esa proporción ahí. Acabo de
marcarlo un
poco para que sea un
poco más sutil. Eso me suena
bastante bien. A continuación, vamos
a fijar el ataque. Este es otro en el que solo me gusta cerrar los ojos
y sentir esto fuera. Nuevamente, como dije en la última lección, el ataque es
la rapidez con la que
va a entrar el compresor. Cuanto más lento pongamos esto, más
va a pasar esa señal inicial. Sí, los tiempos de ataque más lentos
tienden a ser más agradables. Sólo vamos
a ver lo lento que puede ir sin que
suene demasiado raro. Ojalá se pueda escuchar que el tiempo
de ataque más rápido suena más ágil. Cuanto más lento. Lo quiero, todo lo que tenías ahora. Mira cómo el más lento simplemente se siente un poco más natural. De nuevo, es realmente sutil. Tienes que
escucharlo de verdad. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me
falta la sensación. Harriet realmente no tenía grandes líneas destacadas donde de repente gritó. No tenemos que establecer la velocidad de
ataque demasiado rápido. Si estás viendo una de
repente gritó una palabra, y si ese ataque
se vuelve demasiado lento no se agregará para
comprimirlo correctamente sino porque las voces de Harriet
fueron bastante suaves aquí podemos ponerla bastante lenta y no está causando
demasiado problema. Decir que el tiempo de ataque demasiado
rápido a menudo puede succionar la vida de una
actuación o puede hacer que un instrumento se sienta
como si estuviera más lejos, pero con un tiempo de ataque más lento solo
va a ser
un poco más contundente, natural y orgánico. Pero los tiempos de ataque lentos
no son los mejores para controlar
realmente instrumentos muy
dinámicos como una batería o vocalistas que gritan muy fuertes que repente gritan de la nada. Lo quiero, todo lo que
tenías ahora me aburro y me falta la sensación.
[inaudible]. A continuación vamos a
ajustar el lanzamiento. Aprendimos que esto es al
soltar el compresor. Si el lanzamiento es demasiado rápido, va a sonar un poco entrecortado como si estuviera subiendo
y bajando muy rápido, pero si es demasiado
lento simplemente
sonará un poco demasiado
tranquilo y aburrido y
empiezo a cerrar los ojos
y a llenar esto y oirás donde las cosas empiezan
a ponerse un poco raras. Este es un tiempo de lanzamiento muy
lento. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me
falta la sensación. Se puede ver en la gráfica
ahí que realmente está
soltando lentamente el compresor pero si hacemos que ese tiempo de
liberación sea mucho más rápido. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me aburro y me
falta la sensación. Ya ves como suena
más entrecortado, ¿no? Podemos simplemente poner esto en un
lugar que se sienta natural. Lo quiero todo lo que tenías ahora me aburro y me falta la sensación. color verde brillante Escarabajo
Forester Park de agosto a septiembre. A mí me parece justo
a los 30. Ahora, olvidé decir que
al ajustar el lanzamiento, esencialmente
estamos
buscando el compresor para
soltar entre palabras o sonidos. En este caso las voces, si le pegas a Harriet cantando. Lo quiero en todo
en ese pequeño hueco, ideal es que queremos que el
compresor deje de funcionar
y empiece a activarse de
nuevo cuando empiece a cantarlos de
nuevo. Si escuchas. Lo quiero, todo lo que tenías. Ojalá se pueda ver ahí, apenas
como ella deje de cantar, la compresión
vamos y la gráfica se reduce de nuevo a cero dB y eso crea unos sonidos naturales
agradables, la compresión que es casi como respirar con la música. Queremos estar ajustando
el lanzamiento para que
esté soltando ese compresor entre
líneas o sonidos, pero al final del día, hacer lo que suene bien. No importa a quién le importe. Por último, el nombre. Ahora de nuevo, esto va
a ser muy sutil. Todo lo que realmente necesitamos saber
es que cuanto menor sea esto, más agresiva es la
compresión y viceversa. Cuanto más alto, menos agresivo. Nuevamente, vamos a llenar
esto con nuestros oídos. Lo quiero, todo lo que tenías ahora me
aburro y me falta. Volvamos a hacer un
antes y después tan rápido. Rodilla baja. Lo quiero, todo lo que tenías. Yo preferí una rodilla más alta ahí. Lo quiero, todo lo que tenías. Tráelo de vuelta con
el resto de la pista. Lo quiero, todo lo
que tenías ahora me aburro y me
falta la sensación. Esa es nuestra voz comprimida. Voy a hacer un par
de antes y después
ahora y ojalá sea
mejor que oigas la diferencia. Lo quiero, todo lo que tenías
ahora me aburro y me falta la sensación. Es solo hacer que
esas voces sean más presentes y que
destaquen un poco más. Algunas de esas líneas más silenciosas
que sentían que se
desvanecieron y ahora mucho más presentes y se pueden escuchar
con mucha más claridad. Sé que eso es mucho
para asumir y así que realmente
recomiendo
simplemente entrar en ti mismo ahora y simplemente
jugar realmente con todos estos diales y solo escuchar y sentir lo que hace cada uno. Ahora no es necesario
agregar compresión a todos los instrumentos. De nuevo pregúntate, ¿qué hay
que cambiar de un sonido? Haz que escuches una guitarra
o una batería y piensa, ¿
hay notas que se están
desvaneciendo un poco o
son ciertas partes que se destacan demasiado Si quieres controlar
ese rango dinámico, es cuando
usas un compresor, pero muy a menudo
ocurre que instrumentos como guitarras, bajos,
voces, batería son
todos muy dinámicos, por lo que poder controlar esos instrumentos frontales suele ser una
buena cosa muy poderosa que hacer. A continuación,
vamos a hablar EQ. Te veré en
la siguiente lección.
11. EQ: A continuación vamos a
hablar de EQ. EQ significa ecualizador, y es esencialmente una forma de ajustar las frecuencias
de cualquier sonido. Si alguna vez has usado
un mezclador básico o una guitarra antes es
posible que hayas visto antes
bajos, medios y agudos. Podemos usar estos diales para ajustar las frecuencias
de un sonido. Puede traer a colación la gama alta
con los agudos o derribar la base con la base
y la forma o el sonido. Todo un ecualizador es, es esencialmente una forma mucho
más precisa de usar esos tres diales. Podemos usar un montón de
diferentes herramientas para dar mejor forma a la frecuencia
que está haciendo un sonido. Se puede utilizar para mejorar
ciertas frecuencias. Di que si quieres un poco más de sonidos brillantes de
gama alta, podemos subir el extremo superior por igual si hay como un ruido de
habitación extraño o resonancia, no me gusta, puedes cortar
eso usando EQ también. También podemos usar esto para dar
cabida a otros instrumentos. Digamos que como la guitarra rítmico tiene demasiado bajo en ella, podemos agachar algo del bajo y dejar espacio para la patada y el bajo y dar forma a nuestros instrumentos
así para que
puedan ser escuchados un poco más claros. No son como pelear en la misma
banda de frecuencias entre sí. Pienso en ello como
esculpir un sonido. Leonardo Da Vinci
configurando la estatua de David. Pero en este escenario, es un sonido de snare de porquería
en lugar de un trozo de herp. Hay varios
rangos de frecuencia
diferentes de los que a menudo se
habla en EQ. Tenemos los graves, los medios bajos,
los medios altos y los agudos. Cada instrumento en
una mezcla va a tener su propio rango de frecuencia. Cuanto mejor podamos
entenderlos, mejor podremos tomar decisiones
informadas sobre qué hacer con un ecualizador. Una técnica muy común
en una mezcla ocupada es enfocar el ecualizador alrededor del patrón de ecualización
natural de los instrumentos. De esa manera esas otras
frecuencias no están interfiriendo con otros
instrumentos de la mezcla. Para el ejemplo de hoy,
voy a estar usando un ecualizador en nuestra guitarra rítpica. Así es como se
verán la mayoría de los complementos de EQ a medida
que jugamos en la pista. Se ve dónde se están formando
las frecuencias. Tenemos mucho en la zona media
baja ahí. Ahora obviamente puedes usar cualquier plugin de EQ que
venga con tu puerta. Pero si eres un principiante y estás tratando
de averiguar cómo suena
cada banda de frecuencia y tener una idea
muy clara de lo que estamos haciendo aquí. Realmente recomiendo conseguir algo un
poco como esto, que es la neurona
para el ecualizador, solo paga un
poquito de dinero por ello. Pero esencialmente
lo que te permite
hacer es lo que muchas cosas
diferentes. Pero creo que lo más
útil es que puede mostrarte una banda de
frecuencia solista. Si pegamos solo, puedes
ver toda esta área blanca aquí es la zona que está solida. Se puede escuchar muy claramente cómo suena cada frecuencia. Se oye una vez que
superamos esos 60 hercios, 60 ahí abajo, solo puede
tener un estruendo muy bajo. Sabemos que ahí atrás
no hay mucha información que realmente necesitemos. las frecuencias más básicas, quiero decir aquí que el
cuerpo principal sigue sentado entre 3 mil y mil 500. Elegimos realmente dónde dice
ese sonido. Porque algún pequeño
matiz agradable, las cosas de aquí. Pero mucho de esto es
muy áspero y probablemente no necesitamos
mucho más allá de este extremo superior aquí. Pero esencialmente, así es como suena
cada frecuencia. Siempre que estoy haciendo,
son realmente como para saltar en esto
y simplemente realmente llenar un instrumento y cómo es que cada frecuencia
viene a través. Hay varias
formas diferentes de
moldear y dar forma a un ecualizador y
lo hacemos con varios filtros
diferentes. El primero es un filtro de paso alto. Un filtro de paso alto
se verá así. El paso alto va a hacer
exactamente lo que dice. Va a dejar
pasar todas
las frecuencias más altas y va a
cortar las inferiores. Como puedes ver aquí, todas
estas frecuencias más bajas y va a
estar cortando. Esto es realmente bueno
para quitar ruido
no deseado de la habitación o Bulinus y
también podemos ajustar la pendiente. Eso es como lo dramático que es
el decaimiento con el pasado, por lo que puede hacerlo realmente
dramático ahí y causar todo pase de 299 hertz. Si nos ponemos bastante
dramáticos con él, o podemos nivelar la pendiente
un poco más abajo y hacer que
suene un poco más natural. De nuevo, podemos hacerlo solo para escuchar
realmente en qué área
estamos afectando. En el extremo opuesto
del espectro, literalmente, tenemos un filtro de paso bajo, y esto va a ser justo en el paso alto pero a la inversa. Podemos librarnos solos sin los altos y
duros ruidos tontos. Siempre podemos crear unos efectos bastante bajo--fi con estos dos. Esto es realmente bueno
por solo quitarle ruido agudo
realmente extraño
o sangrado de símbolos y espacio. A continuación tenemos campanas. Estos se ven así. Solían impulsar o reducir
un área muy específica. Si queremos realmente apuntar hacia abajo una
frecuencia específicamente, podemos usar una campana para eso. Lo que también podemos hacer
es ajustar una cola. Y eso hace que el nodo sea más ancho o más estrecho
dependiendo de
la cantidad de frecuencia que queramos efectuar. Si podemos estrecharlo, si solo queremos
obtener un bajo raro o simplemente una frecuencia realmente
molesta de la habitación o algo así, realmente
podemos
apuntar finamente con una Q. alta O podemos hacerlo mucho más amplio. Sólo queremos añadir un poco
más de extremo superior a esta guitarra. Podemos hacer una Q bastante
amplia y podríamos sacar a colación esta linda
frecuencia en la guitarra. Diga que me gusta bastante ese rasguño sido guitarra y quiere y
más que eso en eso. Podemos usar una campana para enfocarnos
alrededor de ese rango de frecuencia. Por último, podemos usar una repisa. Una repisa va a
apuntar a un área más amplia que los vientres y va a alinear plano un cierto rango
de frecuencias. Es más fácil mostrarte
con la cosa misma. Si vamos por una repisa
alta o baja, al
igual que los
filtros de paso alto y bajo y cuando
bajamos una repisa, se
puede ver que talla
una línea de frecuencias. Digamos que solo queríamos bajar
el extremo base de esto, pero no queremos
deshacernos de él por completo con un paso alto. Podemos usar una repisa para
justo cronometrar ese extremo bajo. El minuto en que hay
maíz en gama baja, tiene es que intenso. Pero realmente podemos
cronometrarlo bajando esa repisa. Nuevamente, podemos ajustar
la cola y cambiar la forma y cómo está
afectando su frecuencia. Entonces esa es una breve
introducción a EQ. En la siguiente lección,
vamos a aprender cómo
podemos usar el ecualizador para dar mejor forma a nuestros instrumentos y pasar por el proceso de lo que debemos hacer al intentar ecualizar un instrumento o un sonido. Te veré ahí.
12. Cómo usar EQ: Oigan, chicos, bienvenidos de nuevo.
En esta siguiente lección, vamos a aprender
sobre cómo podemos utilizar lo que hemos
aprendido sobre EQ en nuestra pista y aprender realmente lo que deberíamos estar haciendo y lo que deberíamos
estar buscando, y cuándo el instrumento EQ. Sin embargo, a algunos pasos más sobre cómo
hacer que las cosas suenen bien. Como dijimos antes, todo lo que realmente estamos
haciendo con el ecualizador es aumentar
las frecuencias que nos gustan, cortar las
que no nos gustan y dejar espacio para otros
instrumentos de la mezcla. Antes de que realmente empecemos a
hacer movimientos con EQ, de nuevo, voy a necesitar tener una escucha del sonido y
pensar en lo cambiar y empezar a hacer algunas notas mentales sobre lo
que quieres hacer para cambiarlo. Si estamos trabajando en esta guitarra, solo
vamos a
escucharla y resolvamos qué es lo que queremos cambiar antes
de cambiar nada. Sólo por contexto para
trabajar con esta guitarra, así que ahí me están
saltando un par de cosas. El primero, es que hay bastantes
frecuencias bajas en esa guitarra, y el bajo está haciendo gran parte del trabajo en
esa zona muy baja, así que solo puedo decir que
realmente no necesitamos mucho de ese extremo bajo,
y
de hecho podemos hacer que
la guitarra se destaque un poco más cortando
algo de eso. También puedo escuchar un poco
de silbido en el extremo superior. Nada de eso importa demasiado porque apenas se puede escuchar
realmente, pero podría ayudar
a obtenerlo y
quitarle algo
de lo diminuto. Es casi como
un ruido eléctrico, pero es tan sutil. Además, quiero mantener
algo de ese low-end adentro, pero no hace falta que
sea casi tan ruidoso. Podemos simplemente cronometrar ese
low-end y bajarlo. Además, hay
cierta frecuencia, como una media, más alta. Quiero que esas frecuencias de
timbre
aumenten un poco porque creo que
suena bastante bien. Esa frecuencia. Primero, voy a usar un filtro de paso alto
solo para deshacerme de muchos
de esos innecesarios
súper bajo ruido de bassy. De nuevo, podemos escuchar que aquí están sucediendo
bastantes cosas. No quiero cortar
eso demasiado. mejor me voy a
mudar a esta zona, deslizarla un poco más hacia abajo. Todas esas cosas realmente bajitas han
sido llenadas por el bajo. Queremos hacer un poco
más de espacio para el bajo, así que
cortar eso tiene sentido. A diferencia de todo lo demás,
es muy importante estar
siempre encendiendo y
apagando un
efecto, solándolo y
desensolándolo para que estés diciendo exactamente qué efecto está teniendo dentro del
contexto de una canción. Esencialmente,
realmente no quieres estar haciendo movimientos si no están
haciendo ninguna diferencia, así que siempre quieres estar muy al tanto de lo que estás haciendo, y quieres tocar realmente EQ lo menos que puedas realmente. A continuación, solo quiero
derribar un poco ese extremo bajo. Voy a usar una repisa para simplemente reducir todo ese extremo bajo. Además, lo bueno de este ecualizador aquí es el
hecho de que puedes simplemente encenderlo y apagarlo para escuchar fácilmente
lo que estás haciendo. Ahora otra vez, si estaba mezclando
esta guitarra por su cuenta, muchas de esas frecuencias
suenan bastante bien. A lo mejor no
quisiéramos cortarlos a todos. Pero como sé que ahí tengo
un bajo y tengo varios otros instrumentos
llenando este low-end, me siento cómodo
quitándole eso. A continuación dijimos sobre la eliminación de
esa súper gama alta. Algo de esa frecuencia simplemente innecesaria realmente
no le agrega
nada, así que podemos usar otro pase, paso bajo y solo cuesta
esa súper salida de gama alta. Ahora lo que a mucha gente
le gusta hacer en EQ es eliminar cualquier zumbido no deseado o
simplemente frecuencias desagradables. Mucha gente sigue
esta regla de hacer
una Q muy estrecha
y pasar por esta regla de hacer
una Q muy estrecha un sonido hasta que escuchas una frecuencia
desagradable. Entonces, una vez
que hayas encontrado esa frecuencia
desagradable, baja eso ahora y corta esa frecuencia
desagradable. Ahora bien, eso funciona bien si hay
cierto ruido que puedes escuchar
del que quieres deshacerte cuando lo escuchas
simplemente. Pero el problema con esto
es que si pasas y escuchas una
frecuencia que no te gusta, cuando estás potenciando tanto las
frecuencias, cada frecuencia
puede sonar desagradable. Entonces, si lo cortas, estás haciendo más daño en el proceso en lugar de
hacer alguna mejora. Realmente quieres estar escuchando
y averiguando lo que
quieres cambiar antes de
empezar a mover estas Q's. Pero digamos que tuvimos
algún crujido raro o algo así. Podemos usar esto para precisar dónde puede estar ese sonido
extraño, y luego podemos
precisar eso y eliminar esa
frecuencia del sonido. Pero vale la pena decir que
si vas a estar usando esta técnica de corte, siempre
es prudente usar una Q
bastante estrecha porque no
queremos estar cortando demasiadas de las buenas frecuencias
que componen este sonido, así que realmente queremos
estar simplemente reduciendo la frecuencia exacta que
queremos con una Q. muy estrecha Sin embargo, en el
otro lado de esto, si quiero darle un impulso a cualquier área, digamos, por ejemplo, quería probar esa
linda frecuencia en la guitarra, ese sonido casi torpe,
áspero. Pero al usar esto, queremos
que el Q sea silencioso bajo. No queremos que sea demasiado radical porque
sonará un poco antinatural, así que quieres que la Q
sea tranquila y amplia. El viejo refrán es cortado
estrecho y impulso ancho. Eso es exactamente lo que
vamos a hacer aquí. Es solo hacer que ese rascado
rápido
destaque un poco más. A mucha gente le gusta
ir por la regla para recortar el impulso
siempre que puedas, con
lo que sí estoy de acuerdo hasta cierto punto. Creo que quieres enfocarte
principalmente en cortar
frecuencias desagradables y dar forma al sonido para que funcione con
los otros instrumentos. Sin embargo, si quieres
agregar un poco de extremo superior o simplemente quieres enfatizar
una cierta frecuencia, en lugar de tener que volver a grabar una guitarra y
ajustar el AMP, solo hacer esas
pequeñas diferencias el ecualizador puede simplemente
potenciarlo en un lugar agradable. Escuchando la pista de
referencia. En realidad está un poco más
presente a mediados que el mío. De nuevo, volvamos y tal vez
ajustemos eso un poco. Esta es la cosa, está bien
experimentar y ajustarse a medida que avanza. Puedes ajustar estas cosas tanto
como quieras. Escúchalo ahora,
a lo mejor quiero un poco
más de frecuencia ahí. También vale la pena decir que la
gente no tiende a volverse demasiado loca con los potenciadores también. Una vez que lleguemos a más 10 de
ganancia y hasta ese nivel, las cosas van a
empezar a sonar un poco raras. A menudo a la gente le gusta impulsar de manera bastante conservadora y solo hacer pequeños ajustes en el sonido. Entonces para darte un
antes y un después. Ahora, sé que
puede parecer sutil, sobre todo cuando
escuchamos todo lo demás. Pero como decía antes, es todo alrededor del uno
por ciento a la vez. Una vez que ajustemos todo lo demás, habrá una diferencia mucho más
notable. De nuevo, es como
tallar la canción, y cuantos más instrumentos
podamos tallar con un poco de ecualización, más claro se volverá cada
uno. Por ejemplo, queremos
hacer un poco de espacio para esta guitarra porque es
bastante difícil de escuchar, así podemos cortar algunas
frecuencias lejos ese sonido de órgano
y del sonido de bajo. Entonces de pronto esta
guitarra va a quedar un poco más clara. Continuar haciendo pequeños
pequeños ajustes en el ecualizador a cada instrumento. Es posible que tengas que volver a ciertos instrumentos
fuera del ecualizador a algunos otros ya que las frecuencias siempre
están cambiando a
medida que estás EQing. Te veré en la siguiente
lección. Gracias, chicos.
13. Paneo: Hola chicos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección,
vamos a hablar de panning. El paneo es súper
sencillo. Todo lo que es, es mover nuestros
instrumentos ya sea a la izquierda o a la
derecha para crear un escenario
sonoro más amplio para nuestra mezcla. Si vas a ver tocar en directo a
una banda, los integrantes de la
banda estarán repartidos por el escenario de
izquierda a derecha. No estarían todos
parados uno frente al otro porque eso sería
muy raro, ¿no? También sonaría bastante
raro, ¿no? Todos esos sonidos que acaban de
llegar a ti desde una dirección estrecha, no
suena bien. Es como intentar escuchar una mezcla
a través de un tubo. Lo que podemos hacer con el paneo es esparcir nuestros instrumentos por
todo el campo de audio para crear un sonido mucho más extendido y equilibrado a nuestra mezcla y darle mucha profundidad y efecto 3D a nuestra mezcla. También hace que las cosas sean más
fáciles de escuchar porque
en lugar de
que las cosas se superpongan en el mismo espacio, podemos mover algunos bits por aquí, algunos bits por allá, y colocar cada instrumento alrededor del oyente en
lugar de todos en el frente. Ahora podemos usar el panning
como nos guste. Puede ser un
proceso bastante creativo atravesando y encontrando qué espacio funciona
muy bien con cada instrumento. Pero hay un par de reglas
básicas sensatas a seguir. El primero es mantener cualquier instrumento de núcleo real
o instrumento de bajo pesado
en el medio. Al igual que la batería y el bajo, si van a un lado, porque son
un sonido tan dominante, puede
parecer que estás
desequilibrado de alguna manera. Esto va lo mismo para las voces
también en la línea vocal principal. En realidad no quieres que
se desplace a la izquierda. Quieres que eso esté
al frente y al centro. Esos son los
instrumentos que realmente
quieres mantener en el medio. Pero muchos de los
otros realmente podemos jugar con el panning de ellos. Otra buena regla general es tener siempre presente
este equilibrio a la
hora de hacer paneo. Si te imaginas como una báscula, no
queremos tener sobrepeso a un
lado porque de nuevo, va a sonar un
poco desequilibrado, así que solo intenta
asegurarte de que haya un equilibrio uniforme de instrumentos ya sea a
la izquierda o a la derecha. En Logic, es muy
fácil encontrar el panning, es solo este dial
aquí para que podamos ir a la derecha o a la
izquierda y como ves, tenemos 64
lugares diferentes a los que podemos llevarlo. Un montón de espacio para trabajar. Para esta guitarra principal, me voy a
quitar eso a la derecha. Ya se puede escuchar eso
un poco más claro ahora, antes estaba luchando
en la mezcla, pero es mucho más claro. Estoy con estas pilas vocales. Sólo voy a ponerme
realmente experimental y panearlos como
por todas partes. Va a sonar como esta
calma fresca que nos rodea. Acabo de explorar la mayoría
de los instrumentos de esta sección
por todo el lugar. Creo que eso suena
bastante bien tal como es. Suena genial. Ahora,
algunos de ustedes se habrán dado cuenta de que aquí abajo, tengo tres voces principales. Eso suena un poco raro, ¿
no? ¿Por qué los
he hecho? Algo más que podemos hacer con el
paneo que es realmente genial, se llama doble seguimiento. Esto es esencialmente el
acto de grabar dos de las mismas grabaciones y panear una dura izquierda
y otra dura derecha. Esto a menudo se hace
con guitarra acústica, guitarra
rítmica también. Le da un escenario de
sonido mucho más amplio y realmente llena el campo estéreo en
lugar de solo una pista que viene hacia ti
en el centro. Al tener dos cosas
viniendo a través, cada orador simplemente
suena enorme y ancho. Ahora eso es genial con la
guitarra y para ser honesto, cualquier instrumento
que realmente quieras ensanchar, también
funciona muy bien con él. Ahora con la voz, es una técnica más
común hacer pan una dura izquierda y otra dura derecha y mantener
una centrada también. Esencialmente tres
temas todos han sido grabados de manera
ligeramente diferente. Idealmente, el
más fuerte quiere estar en el centro y luego vamos a panearlos
a izquierda y derecha. También puedes volverte loco
con esto. Mucha gente como Billie
Eilish capa toneladas y
toneladas de diferentes pistas dobles
y las hace pan por todas partes, y hace que este
enorme sonido vocal gordo. Para mí, voy a
mantener una vocal centrada,
una dura a la izquierda y
otra dura a la derecha. Ahora suena así. Comparado con esto. Ahora bien, si escuchamos eso en
el contexto de una mezcla. Ahora escuchémoslo sin
el doble seguimiento. Ya ves como suena mucho
más solitario con solo el uno. Ahora, de nuevo,
usas mucho esto como quieras. En el primer verso, quería que sonara
un poco más solitaria, así que solo tuve la única voz para esa sección baja. Pero luego dentro de la versión
de doble pista, con todos los instrumentos, solo hizo que la voz se
destacara y les diera
un poco más de confianza, así que eso es paneo. Justo la manera de como cambiar
ejecutar esos instrumentos en diferentes espacios
en nuestros auriculares o nuestros altavoces y hacer
un agradable escenario de sonido amplio. Gracias chicos.
Te veré en la siguiente lección.
14. Reverberación: Hola chicos, bienvenidos de nuevo.
Entonces en esta siguiente lección, vamos a estar
hablando de reverberación. Entonces, si has sido músico
durante algún tiempo, probablemente
sepas exactamente
lo que ya es la reverberación,
es uno de los efectos más
utilizados de la historia. Pero si no
sabes qué es la reverberación,
es esencialmente como
el sonido de una habitación. Por ejemplo, si tocas
en una Catedral grande, el sonido de tu voz, tu guitarra hará eco y
rebotará por la habitación de
una
manera muy diferente en cuanto a si
estuvieras tocando tu
guitarra en una habitación pequeña. Entonces lo que hacemos es usar el efecto de
reverberación digital para tratar recrear esa sensación de un instrumento está en una habitación
y da
una interpretación, un montón de vida, y lo hace sentir como real y se está tocando
en un espacio natural. Pero también puede crear
la ilusión de que el instrumento está más
alejado del oyente. Así que esto significa que en
realidad podemos empujar las cosas de nuevo en la mezcla mediante el uso de reverberación en
lugar de ajustar el volumen. Hace más de un impacto
atmosférico. Entonces, si recuerdas
de nuestra lección pasada, lugar de poner una reverberación
en cada pista, voy a crear un nuevo autobús. Voy a convertirlo en
nuestro tono de reverberación principal. ¿Por qué lo llamo lead reverb? Entonces, como estaba diciendo hace
un segundo, podemos usar reverberación para agregar carácter o para empujar
los instrumentos hacia atrás en la mezcla. Entonces lo que me gusta hacer
personalmente es crear un autobús para como una reverberación de plomo. Así que vamos a sacar
nuestros instrumentos de plomo
a través de esa bonita reverberación. Pero luego cualquiera para la que
queramos usar como efectos
ambientales y
retroceder en la mezcla. De hecho voy a
hacer una
reverberación ligeramente diferente para esa. Voy a crear un nuevo
autobús para que eso continúe. Así que cada plugin de reverberación va a verse un
poco diferente. Solo estoy usando el complemento de
reverberación de stock de Logic. Se ve un poco aterrador con
todas estas esferas diferentes, pero en realidad es mucho
más sencillo de lo que parece. Pero repasemos cada una
de estas esferas para que
sepamos exactamente con qué
estamos trabajando. Entonces, antes que nada, a menudo podemos
cambiar los sonidos de la habitación. Como decía
hace un minuto, podemos elegir entre cualquiera de estos diferentes espacios
para crear un sonido genial. Así que vamos a jugar un
poco. Llamo el sonido de
esta cámara reverberación. Voy a seguir
con eso por ahora. Ahora bien, si bajamos aquí, verás que hay
un deslizador seco y húmedo. Entonces todo esto es, es que
te permite ajustar la cantidad de señal
seca y húmeda que está
saliendo de esta reverberación. El seco es solo la grabación
sin ningún efecto sobre él, y húmedo es la señal efectuada. Entonces el que tenemos reverberar en él. Ves a medida que tomamos el camino hacia arriba, simplemente
se vuelve más afectado. Podemos equilibrar en cuanto de la reverberación está afectando a
la señal con esto. Ahora porque estamos usando
esto como mi vocal principal. Quiero tener mucha señal
seca entrando, y quería tener reverberación. Pero otra vez, no
quiero estar demasiado mojada porque eso
lo va a empujar demasiado atrás en la mezcla. Pero en mi reverberación ambiental, voy a hacer de este
un canal mucho más húmedo. El siguiente es el tiempo de decaimiento. Entonces esto es esencialmente
cuánto dura
la reverberación y
se mide en segundos. Entonces es realmente fácil
de entender. Si volteamos la decadencia. Ya ves lo largo que es ese rastro de reverberación. Mientras que con apretamos eso hacia abajo se desvanece mucho más rápido. Así que de nuevo, para un instrumento principal, tendría este más corto, y para el más ambiente
que encendí un buen poco, y aparte de eso, en
realidad es solo una cosa de sabor. Nuevamente siempre estarás solista y contando estas cosas de vez en cuando viendo qué diferencia
haces. Eso suena bastante bien. También podemos hacer clic en este
botón y podemos agregar cuántas barras queremos que dure
la voz. Para que podamos ponernos un poco más matemáticos con
él si queremos. Creo que lo siguiente más
importante es el pre-delay. Entonces, el pre-delay es
esencialmente cuánto tiempo tarda la
reverberación en entrar en acción. En este ejemplo, cuando
Harriet comienza a cantar, la reverberación no
patea de inmediato como un par de milisegundos
antes de que comience la reverberación, y ahí es donde está
el pre-delay. Entonces, cuanto más subimos esto, más largo
sea
el pre-delay, realmente va a exagerar la reverberación y
hacerla más notoria. De nuevo, podemos subirlo para
la reverberación más ambiental, pero si quieres mantenerla un poco más como más ajustada a
la voz regular, te
recomendaría pasar por
debajo de los 15 milisegundos. La mayoría de las reverberaciones también
vendrán con el parámetro EQ. Esta cosa de aquí, y esto
esencialmente solo te permite dar forma
al ecualizador de la reverberación. Podemos hacer esto tanto para
la señal entrante como para
la señal saliente. En principal, ajustamos la señal
EQ que entra. En los detalles, ajustamos la señal
EQ que sale. No te preocupes
demasiado por esto si eres principiante. Todo lo que nos permite hacer es tomar lo que aprendimos
sobre las cosas de EQ en nuestra última lección y aplicarlo a la reverberación y cómo está funcionando la
reverberación. Podemos usar un filtro de paso alto para reducir cualquiera de
esos sonidos fangosos o podemos usar un
filtro de paso bajo y hacerlos más oscuros reverberación o podemos hacer ambas y obtener una reverberación de
sonido medio realmente concentrada. Entonces también podemos
entrar en los detalles y hacer lo mismo con la
reverberación que está saliendo. Pero hoy no voy
a andar con eso demasiado. Siento que esto es tanto
para llevar a bordo como lo es. Así que solo vamos a centrarnos en estos diales para el
resto de la lección. Estas son las esferas
que ves aquí y aquí. Tu reverberación puede que no tenga estos, pero en caso de que lo hagan, los
revisaré muy rápido. El primero es el ataque. Ahora cuanto más rápido sea el ataque, más rápido
se van a acumular los reflejos de reverberación. Pero si lo tenemos más lento, van a desvanecerse
más en las horas extras. Tan bastante sutil ahí. Va a ser
más evidente en las reverberaciones en solitario ambiental. El tamaño es bastante
autoexplicativo, solo que realmente afecta
lo grande que suena la habitación. Es bastante sutil,
particularmente en esta cámara porque es una habitación bastante
pequeña que estamos replicando. La densidad controla la cantidad de reflejos, esta
rebotando alrededor. Entonces, si imaginas que se está haciendo
un sonido y rebotando alrededor de las
paredes es esencialmente como, cuántas veces está reflejando. Nuevamente, todas estas cosas son muy sutiles y la distancia es la distancia percibida entre tú y el instrumento
que se está tocando. Así que de nuevo, para ese ambiental, si quieres empujar
algo hacia atrás en la mezcla, podemos hacer esa
distancia más lejos, pero con un
instrumento de plomo como este, queremos hacer eco un poco más cerca. Como siempre empiezan a
escuchar esto junto a la pista regular y
mezclarla en la que suena mejor. Fresco. ¿Qué es genial? Si quiero ajustar lo intensa que
es esa reverberación en las voces, solo
puedo usar este
pequeño estilo de autobús aquí. ¿Y si quiero hacerlo más? Ahora lo que puedo hacer es usar
todo ese conocimiento
para crear otro bus de reverberación, que puedo hacer
la reverberación ambiental. Puedo crear un canal
donde las reverberaciones sean realmente exageradas y va
a empujar las cosas hacia atrás
en la mezcla un poco. Pero aún así les va
a agregar mucho carácter. Lo cual suena muy bien con coros o cualquier instrumento
de estilo ambiente. Ahora como
los tengo en mis autobuses, sólo
puedo pasar por cada uno de estos instrumentos y elegir a
qué autobús enviarlos. Entonces como por ejemplo
vamos por esta patada. Agreguemos el autobús y
queremos hacer esto más de un tono de reverberación principal
porque va a estar muy presente. Yo solo ajusto el estilo. Entonces esa es nuestra lección sobre reverberación. Te veré en la siguiente lección.
15. retardo: Hola amigos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a hablar de retraso. retraso a menudo se
confunde con la reverberación y es por una buena razón porque
ambos son bastante similares, pero en realidad son
un poco diferentes. reverberación emula
las ondas sonoras que se reflejan los servicios para crear un espacio
tridimensional, mientras que el delay crea una copia del sonido como
se está haciendo y lo reproduce, pero
a ciertos intervalos para crear un efecto de eco, como si estuvieras hablando en
una gran cueva o algo así, y luego estás consiguiendo que esos reflejos
vuelvan a ti. Eso es lo que hace el retraso. Pienso en ello como una
extensión para reverberar realmente, solo
estamos agregando más espacio
y dimensión a un sonido. Lo que es realmente bueno retraso es que es realmente
sencillo. Nuevamente, para que esto sea realmente
fácil para nosotros, voy a reventar un retraso. Sí, solo vive
mucho más fácil para mí. Hay retraso. Ahora por lógica, hay un par de retrasos
diferentes. Ahora, no voy a ir
demasiado a fondo con retraso. Sólo voy a estar usando
un poco de ella en esta pista. Ahí está este plugin básico de eco, que es súper fácil de usar, pero aún así nos da un buen poco de control sobre el tipo de
retraso que está sucediendo. Voy a poner
esto en las voces y voy a apagar la reverberación en las voces para que
puedas simplemente realmente
puedes escuchar muy claramente
lo que hacen los retrasos aquí. Como puedes escuchar, es
como devolvernos
esas ondas sonoras a la moda académica
de la pesca. Con estos diales,
solo podemos controlar cómo funciona eso. La mezcla seca y la húmeda, como ya hemos explicado, son solo los niveles efectuados. El dial de nota aquí solo
está determinando la cantidad de repeticiones que están resonando y en qué intervalos
están sucediendo. Podemos ponernos bastante
locos con esto. Podemos hacer los ecos
trillizos o punteados. Apenas teniendo un cuarto de
tiempo ahí, o podemos ir a la derecha del otro extremo e ir
como un decimosexto. Es mucho más rápido. O podemos ir como un triplete. Sólo estamos eligiendo lo que realmente
suena interesante. Es bastante agradable con demasiada frecuencia
alinearse con el momento de tu canción. Realmente no sabes
mucho de ritmos para saber cómo funciona esto,
solo enciende tu partido. Ese octavo está a
tiempo con nuestra canción ahí, pero si la
cambiamos a un triplete, verás que es porque no
estamos escribiendo en
trillizos está un poco más fuera de línea con ella. Eso es en el tiempo, pero ahí está creando un
tipo diferente de efecto. Es mucho más
exagerado así. Me gustó bastante el sonido
del octavo. A mí me sonaba bastante bien. Sólo voy a bajar un poco la señal
húmeda. Esto es solo la
duración del retraso. Hay cargas y cargas
y montones de ecos
que regresan a nosotros allí. Pero si giramos esto a la derecha
hacia abajo, es mucho más corto. Solo estamos controlando la
cantidad de retraso, y por último, el color va
a afectar como qué rango de
frecuencia están ocupando los
retardos. Por lo general, con retrasos, obtendrás un corte alto y bajo para determinar dónde están esos
retrasos, pero esta esfera de color solo nos lo
hace aún más fácil. Simplemente podemos elegir en qué área del espectro de frecuencias
queremos enfocarnos. Inferior o superior. Vamos a exagerarlo e
ir primero por el extremo superior. Esos retrasos están ocurriendo
más en el extremo superior, pero igualmente, si
podemos derribar eso. Esos retrasos ahora están sentados en una frecuencia más baja. Nuevamente, vamos a
tocar una canción y equilibrar esto hasta
que suene bien. Añadiendo solo un
sutil retraso ahí, no
quiero que
sea demasiado aparente, solo llena un
poco de espacio entre las líneas y solo agrega esos efectos de sala
que estamos
creando con la reverberación. Es tan simple como eso,
y eso es más o menos todo. Podemos trabajar esto en
cualquier instrumento del que
solo queramos un poco de vida
extra, tener un experimento y ver de
qué te gusta el sonido, y te veré en
la siguiente lección.
16. Automatización: A continuación, vamos a
hablar de automatización. automatización en la música es
el proceso de alterar ciertos efectos o volúmenes
en ciertos momentos en una pista. ¿Qué quiero decir con eso? Digamos que
equilibraste el volumen de tu pista y todo suena bien
y equilibrado en el coro, pero ustedes tocan el verso y repente esa guitarra
es demasiado ruidosa. Lo que hacemos es
automatizar el volumen, por lo que es un poco más silencioso en el verso y luego
retoma hacia el coro para que podamos
equilibrar mucho mejor los volúmenes a lo
largo de toda la pista, pero podemos usar la automatización
para cualquier efecto. Digamos que en el
puente
solo queremos empapar las
voces en reverberación. Podemos automatizarlo para que
la reverberación llegue muy arriba y nos dé un montón de reverberación
agradable en un puente, o digamos que realmente
quieres captar la distorsión en un solo de guitarra. Nuevamente, podemos simplemente automatizar la distorsión para
recoger durante esa sección. Ahora bien, vale la pena decir
que esta parte de la mezcla es muy crucial. Querrás pasar
mucho tiempo automatizando los volúmenes para que todo esté
muy bien equilibrado. Vale la pena decirlo
antes de entrar en la automatización, realmente dedique mucho tiempo
al equilibrio de volumen
y asegúrate realmente contento con él
porque ahora es mucho más fácil cambiar los volúmenes
y los bits. Date un
descanso por 24 horas, regresa con orejas frescas,
ten otro balance de volumen, date otro descanso, y luego regresa y empieza a automatizar esos volúmenes en,
pero no te preocupes demasiado. Siempre podemos ajustar el
volumen después de una automatización, solo
se vuelve un
poco más quisquilloso. Es automatización de acceso por lógica, solo
podemos seleccionar la
pista a la que queremos agregar automatización y presionar A. Ahora podemos acercar
y es posible que veas esta tenue línea gris ahí. Esa es nuestra línea de automatización. Ahora bien, si miramos
hacia atrás hacia la pista, veremos que aparecieron los
diferentes compases. Este es un parámetro de automatización. Podemos hacer click en él y cambiar qué efecto se está
utilizando en la automatización. Podemos ajustar la
compresión o el ecualizador, pero nos vamos a quedar
con el volumen por el minuto. Si toco la pista
desde la primera sección, lo poco que hasta ahora no hemos estado
mezclando la canción, esas voces son solo un
poco ruidosas con esa guitarra. También quiero hacer que
toda la sección sea un poco más silenciosa antes de que entren todos los
instrumentos porque si tenemos
un aumento de volumen, cuando todas esas cosas entren, va a crear un
buen poco de emoción. Quiero que la primera sección
del verso sea un poco más tranquila. Todo lo que tengo que hacer es hacer
clic en la barra, hacer clic de nuevo y va
a crear este nodo. Podemos mover este
nodo arriba y abajo. Eso es lo que va
a cambiar el volumen. Acabo de bajarlo
por menos 2.5 dB en el verso y luego
solo voy a hacer clic en otro nodo y
otro aquí, y solo voy a
traerlo de nuevo a donde estaba en más 1.7. Podemos ir a este dial y subir y bajar el frente
para ser realmente precisos. Tráelo de nuevo hasta 1.7 y ahí queda bastante claro visualmente. Sólo lo estamos
bajando para esta sección y luego el volumen
simplemente se está arrastrando ahí arriba. Cuando la voz está
regresando para esa sección chorusy, se
han potenciado. También voy a hacer esto con
la guitarra Manne. Quiero que lo
bajen y luego quiero
meterlo lentamente en el coro. Ahora bien, vale la pena decirlo
por algo como esto, donde hay un sonido constante, no
tenemos un descanso donde el oleaje de volumen va
a ser muy notorio, queremos hacer la curva
bastante sutil porque no
quieres disparar de repente
porque va a sonar un
poco raro así. Si encuentro donde entra el
coro, entonces ahí es donde queremos que esté
nuestro próximo nodo. Queremos que llegue a ese volumen a
medida que entramos en el coro. Quiero hacer una pendiente
muy suave ahí y sólo
voy a bajar un poco esta guitarra. Se puede ver que está muy
bien levantado
suavemente allí
y es casi crear un poco de barras,
así que puede casi notar que el volumen
está aumentando y algo está a punto de suceder. Como dije, es
realmente vital que si estás mezclando una canción entera, revises y automatices
todo
lo que puedas y la
hagas sonar equilibrada en cada sección. Pase mucho tiempo aquí y realmente particular con forma en que esos volúmenes
están equilibrados, pero lo que también podemos
hacer es ser un poco más creativos con la
automatización también. Por ejemplo, esta
guitarra rasca que tengo aquí suena bien, pero creo que
sería genial si ese sonido se está dando
vueltas mientras se toca. Creo que solo agrega ese
espacio 3D y
creo que simplemente sueno genial. Si vamos al volumen, podemos seleccionar panning en su lugar. Vamos a ir absolutos. Entonces voy a iniciarlo
todo el camino a la izquierda y
voy a automatizarlo
redondo a la derecha. Al igual que antes,
vamos a elegir un nodo. Voy a panearlo de esta manera, y luego al final, quiero que termine
del otro lado. En realidad es
comenzar por la derecha y entrar por el lado izquierdo. Más empieza por aquí, así que sólo voy a
traerlo un poco. Ojalá oigas
ahí que la guitarra se
ha movido alrededor de nuestra cabeza. ¿Cómo
suena eso en conjunto ahora? Realmente genial. Pasa
mucho tiempo aquí, sé creativo con él y mira qué efectos geniales
puedes hacer con esto y tu mezcla
será absolutamente as. Se lo garantizo. Nuestra mezcla
está muy cerca de ahí. Vamos a
hablar de algunos efectos geniales en la siguiente lección, así que te
veré ahí.
17. Distorsión, emoción y coro: Oigan, amigos. Bienvenido de
nuevo. En esta siguiente lección, vamos a hablar de algunos efectos
realmente geniales que
podemos agregar a nuestra pista para
solo agregar un poco de interés. Vale la pena decir que puedes parar aquí si quieres, hemos pasado por
la mayor parte de la mezcla. Pero, solo hay tres efectos
en particular que agregan un poco de vida realmente agradable a nuestra mezcla y son
súper fáciles de usar, así que ahora solo voy a
pasar por ellos rápidamente. El primero es la distorsión. Un efecto súper popular, probablemente ya
lo
hayas escuchado. Agrega carácter, calidez y arena a una pista. Se usa mucho en
guitarras, espacios, kits de
batería, anuncios, un poco más de agresión y un
poco más de ponche a una pista. Pero la distorsión puede enturbiar una mezcla si la usamos en exceso, así que hay que tener cuidado con la cantidad de distorsión
que ponemos en algo. Para mí, quiero añadir un poco de distorsión a esta guitarra principal. He añadido un plugin de distorsión, realmente sencillo de usar, solo
estamos ajustando
el pre-juego, la unidad y un tono. No hay una manera correcta o
incorrecta de usar esto, solo juega
con estos diales hasta que obtengas un tono que te guste. Nuevamente, queremos
ser como solarla,
encenderla y apagarla, escuchar con la
pista y sin ella. Cada social va a
ser un poco diferente, pero le agrega un poco
de ese valor. Esto es antes y después. Lo conduzco un poco más. Baje un poco el volumen, así que ahí muy sutil, pero solo le agregué un
poco de interés. El siguiente es un excitador. Un excitador
esencialmente va a agregar algunos
sonidos más armónicos para atraer. Hará que las cosas
suenen más brillantes, y más animadas y brillantes. Esencialmente está impulsando
muchas de las frecuencias altas, puede agregar mucha
claridad para atraer. Para guardar algo que
se está enterrando en la mezcla, agregar un excitador puede hacer
que destaque un poco más. Se usa muy a menudo
en cosas como voces, que también pueden agregar mucha
energía a la batería,
particularmente con los
símbolos y cosas así . Eso es exactamente lo
que voy a hacer. Voy a añadir un
excitador a nuestro ascenso. Nuevamente, este es
otro que es realmente sencillo. Con esto, solo estamos ajustando qué rango de frecuencia queremos que funcione
el excitador, y estamos ajustando
estos armónicos para que oigas cómo suena eso. El armónico es la
intensidad del excitador, y este deslizador aquí nos
va a permitir centrarnos en qué frecuencia
queremos exagerar. Antes, después, eso es un excitador pesado, voy a tocar con
la pista y mezclarla. Está haciendo que ese paseo brille y ayuda a que se
destaque en la mezcla, y agrega un poco encantador de extremo
superior al
sonido general de la mezcla. Un excitador puede agregar un poco de aspereza y demasiado
brillo para mezclarlo. De nuevo, solo tenlo en cuenta, no
quieres abusar de él, quieres equilibrarlo
así que suena bien. No lo usamos en
demasiadas cosas porque entonces habrá mucha
dureza en la mezcla. El último es el coro. Nuevamente, quizás
hayas oído hablar del coro, es esencialmente un efecto de audio
genial que agrega un buen poco de grosor
y profundidad a un sonido, pero es muy característico y va a agregar una dinámica muy diferente
a un instrumento, y suena un
poco así. Antes, efecto
muy famoso usado en muchas pistas de Nevada
si te diste cuenta. Nuevamente, en realidad no hay ningún
bien o mal en esto. Podemos simplemente ajustar
estos tres daus hasta que suene bien. El derecho va a ser la rapidez con la que esas frecuencias
sin tambalearse. La intensidad, se explica por sí misma, y la mezcla también se
explica por sí misma. Usando el coro, estamos ampliando la imagen estéreo
para que la guitarra esté ocupando un poco más de
espacio en la mezcla. También está agregando efectos en espiral,
lo que está haciendo
una capa genial e interesante al sonido. Se usa muy a menudo
con voces así como un buen poco de grosor
y puede realzar la voz. Pero para hoy, sólo voy a dejarla en esa guitarra de élite, creo que suena genial. Pero de nuevo, es importante
no exagerar ya que demasiado coro en
demasiadas cosas puede crear mucho
barro en la mezcla. Esta es tu
oportunidad de tener realmente mucha diversión
de estos efectos
en diferentes instrumentos, y ver qué
sonidos creativos se te ocurren. Ya estamos casi terminados. Hay un par de
cosas por las que quiero
pasar en nuestras comprobaciones finales escuchar para asegurarnos de que esta mezcla pueda ser lo mejor posible, así que te veré en
la siguiente lección.
18. Las comprobaciones finales: Nuestra mezcla debería estar
sonando bastante bien ahora. Pasamos mucho tiempo
revisando y ajustando todos esos diferentes elementos para que todo suene
lo mejor posible, y también hemos puesto nuestro
propio toque
artístico en la mezcla. Ahora es el momento de reducir
realmente. Si hay algo
con
lo que no estemos contentos o algo
que queramos cambiado, ahora es el momento en que podamos
volver a entrar y simplemente hacer esos pequeños ajustes para pulirlo
realmente. Cuando estoy en esta etapa, me
doy al menos
12 horas, si no 24, para simplemente tomarme un descanso, dejar que tus oídos se reajusten
al mundo normal en
lugar de simplemente escuchar la misma canción una
y otra vez. Cuando vuelvas a la
mezcla uno o dos días después, solo
escogerás
cosas que tal vez no se sientan
bien o tal vez no te diste cuenta antes cuando vuelves
a mezclar la pista. Escucharía la
canción de principio a fin y tomaría notas sobre
todo lo que surja. En lugar de tratar de
ajustarla a medida que la escuchas, solo haz muchas notas,
y luego después de haber escuchado
la canción una o dos veces, ese es el momento de volver a entrar
y trabajar en esa
lista que has hecho. No olvides tu pista de
referencia, siempre la compara con esas dos
pistas de referencia que has trazado. Realmente van a ser tu estrella
del Norte porque han sido mezclados y diseñados por muy
probablemente gente muy
profesional. Así que siempre
rebotar de un lado a otro entre esa
pista de referencia y la tuya va a dejar
mucho más clara, tal vez lo que hay que
cambiar o dónde
quieres que esté sentado cada instrumento o
sonido. También querrás tener en
cuenta que si has estado ajustando un excitador o
alguna distorsión o cualquier otro efecto, eso muy bien podría cambiar la forma en que ecualizas
cierto instrumento. Por ejemplo, si
has agregado un poco de distorsión a algo, y ahora tal vez suene
un poco demasiado duro, puedes simplemente
volver directamente a ese ecualizador y tal vez sacar un poco
de ese extremo superior. O si has agregado
compresión a algo, eso podría hacer que
suene un poco más silencioso. Así que tal vez tengas que
volver atrás y ajustar el volumen. También es muy
importante escuchar tu mezcla en tantos
entornos diferentes como
puedas a través de diferentes
altavoces en diferentes habitaciones,
diferentes auriculares. Escucha la mezcla en tu auto, encuentra el
altavoz más barato, peor que puedas encontrar. Como puede estar mezclando
muy bien a sus
auriculares o altavoces específicos, pero hay que
tener en cuenta que el sistema de sonido de todos
va a ser diferente. Así que realmente quieres hacer una mezcla que funcione mejor muchas salas y
altavoces diferentes y cosas así. Muy a menudo es el caso de
que los ingenieros de mezclas
tengan un altavoz cutre
en su escritorio, por
lo que recorrerán tengan un altavoz cutre
en su escritorio, la
pista y tomarán decisiones de mezcla en este altavoz realmente malo porque eso es a menudo a través de lo que la
gente escucha música. También es una gran idea
pedir la opinión de otras personas. Si tienes algún amigo o familia que sepa un
poco de música, mira lo que piensan al respecto,
lo que les destaca como tal vez no suena bien. Alguien más aparte de
ti que va a tener un oído completamente fresco
a una pista va
a escuchar las cosas muy claramente. Si no tienes
amigos musicales que te puedan dar ese análisis
crítico, dudes
en enviarlo a ese proyecto de clase. Como dije antes,
escucho y respondo a cada uno de ellos. Si quieres alguna ayuda o consejo
o simplemente quieres que vaya a ver tu banda o lo que sea, por favor siéntete libre de
publicarlo en esa descripción, realmente
me encanta escuchar
lo que se le ocurre a la gente. Si tienes tu mezcla sonando muy bien y estás
muy contento con ella, el siguiente punto a partir de
aquí suele ser masterizar. Masterizar es el arte de
mezclar la pista como un todo. En lugar de equilibrar el volumen cada
instrumento individual o agregar compresión a cada instrumento
individual, masterización está afectando a
la pista como un todo. A menudo exportamos la mezcla tal cual, y luego la llevamos a
un proyecto separado para que no estemos jugando
con ninguno de los niveles. Ahora, creo que el dominio realmente
merece su propia clase. Entonces no vamos a estar
hablando de ello hoy, pero si estás en
una etapa en la que
quieres que se publique esa música, puedes descargar
programas como Ozono 9. Este es un programa que
uso todo el tiempo y esencialmente usa IA
para enmascarar tu pista. Es súper fácil. Alternativamente, puede
enviar su pista a empresas
altamente profesionales como LANDR, y ellos dominarán
su pista con algunos de los mejores ingenieros y
los mejores equipos del mundo a menudo por
un precio bastante bajo. Eso realmente agregará la
guinda a tu canción, sonando completa y
lista para streaming. Ya prácticamente terminamos. Voy a decir un
último par de palabras en la siguiente lección, así que te
veré ahí.
19. Lección final: Hola amigos, bienvenidos de
nuevo así que lo lograste. Estás aquí al
final de la clase y muchas gracias
por quedarte conmigo lo largo de
todo este curso y realmente espero que te haya sido útil y te quitaste mucha buena información
de esto. Ojalá
ahora te sientas un
poco más seguro de entrar en una mezcla y esencialmente dar forma a
la canción, cómo te gusta. Ahora no hace falta ese dicho, pero hay mucho más que
aprender sobre la mezcla. Es un poco
como un arte oscuro. Hay tantas técnicas
diferentes, formas de hacer las cosas, diferentes plugins y efectos para jugar
y jugar con ellos. Es uno de esos
temas sobre los que
siempre estarás aprendiendo y todos hacen las cosas de manera
tan diferente también pero es básicamente
imposible entrar
realmente en ese reino sin primero
conocer realmente los conceptos básicos profilácticamente y abajo
como tus conocimientos sobre EQ y compresión
y todas las cosas que
hemos hablado
en esta clase. Realmente espero que esta
clase haya establecido una base muy
sólida para ti. Pero vale la pena decir que
los temas que hemos cubierto solo en esta clase son suficientes para obtener
sonidos verdaderamente profesionales de una mezcla. Simplemente hay tantas cosas
diferentes que
aprender y saber sobre la mezcla. Si implementas
algo que hayas aprendido en esta clase en
tus propias pistas, por favor considera enviarlo
a ese proyecto de clase. Honestamente, me encantaría
escuchar lo que haces. Honestamente, una de
mis
cosas favoritas de hacer clases es la interacción con las personas que
envían a su personal legítimamente siempre hace que mi
día cuando veo una ventana emergente. Si quieres compartir en lo que estás trabajando o quieres un poco de comentarios y críticas
sobre un proyecto, no
dudes en
enviarlo en proyecto de clase stack Generalmente
me encantaría
escuchar lo que has estado haciendo. Además, si tienes
alguna pregunta, no
dudes en comunicarte. Respondo a
cada pregunta enviada lo mejor que puedo. Puedes enviarlos a las discusiones como parte de
la página
del curso o
no dudes en
enviarme un correo electrónico o enviarme un DM en Instagram. Sé que pueden sentirse como un
poco desconectados con profesores y
cursos
en línea y cosas así pero genuinamente, estoy aquí revisando mis discusiones y mis correos electrónicos como
todos los días. No dude en ponerse en contacto y comunicarse con usted si lo desea. Simplemente me encantaría ayudar si puedo. Por último, si
disfrutaste de esta clase o obtuviste
buena información de ella, una crítica positiva es honestamente muy
apreciada. Tienen un impacto tan masivo para gente como yo
haciendo estas clases. Realmente ayuda
más de lo que sabes. Si consigues el tiempo,
honestamente te lo agradecería tanto. Sé que estás muy ocupado, tienes mucho que hacer pero si
tienes dos minutos para simplemente tomar una
caja positiva y solo decir, gracias Mike, No tienes
idea de lo mucho que
me ayuda eso y gracias de
antemano si tienes la
oportunidad de hacerlo. Eso de envuelve las cosas. Muchas gracias por quedarse
por ahí. Si quieres mantenerte en contacto, no dudes en agregarme en
Instagram o puedes consultar mi canal de YouTube si
quieres y
te pillaré muy pronto. Gracias de nuevo. Que tengas
un gran día. Adiós.