Transcripciones
1. Introducción: [ MÚSICA] Alguna vez has escuchado una canción y te has preguntado cómo en
la tierra el compositor
pudo llegar a palabras tan creativas, ingeniosas, o incluso sorprendentes? Hola, mi nombre es April. Soy cantautor
y profesor de música. En este curso, te voy a estar dando todas las herramientas que necesitas para escribir letras increíbles. He sido
músico profesional, compositor y educador durante
los últimos 10 años. Soy egresado del Berklee
College of Music, y tengo un
canal de YouTube donde hablo todo los
entresimos de la composición. A lo largo de esta clase,
vamos a estar
aprendiendo a crear personajes que se sientan reales,
y emocionalmente convincentes. Vamos a estar
aprendiendo a crear mundos elaborados y
coloridos. Vamos a estar
aprendiendo sobre cómo usar ingeniosos giros de
frase para
llegar a letras que son inesperadas y realmente ingeniosas. Si siempre te has sentido
como la escritura lírica es la parte más difícil
del proceso de composición. Si has estado
escribiendo por un tiempo, pero ahora mismo estás
en una ruina o si
realmente te gusta escribir
y solo quieres aprender algunas técnicas
nuevas geniales, esta clase te va
a dar todo necesitas escribir como un profesional, te sientas
inspirado o no. Estoy tan emocionado de compartir todos mis
conocimientos de composición contigo. No puedo esperar a ver todas
las cosas increíbles que
vas a crear.
2. Resumen del proyecto: [ MÚSICA] Vamos
a arrancar las cosas en nuestra primera
lección hablando de
dos estilos distintos de composición,
trazando dos estilos distintos de composición, y jadeando, y luego
vamos a averiguar qué tipo de compositor eres. La lección dos se trata de establecer la escena y prepararse
para escribir sus letras. Entonces vamos a estar
descubriendo quién está cantando, a
quién están cantando, y cuando todo esto se
está llevando a cabo, al descubrir el punto de
vista y el tenso de tu canción. Lección tres, vamos a
estar sumergiéndonos en el carácter. ¿ Cómo
piensan, actúan
y hablan tus personajes .. Vamos
a estar buscando en sus personajes
puntos de vista y cómo ven el mundo para escribir
realmente gran
narración
en primera persona así como diálogo. En la lección cuatro, vamos
a estar discutiendo una de mis
cosas muy favoritas para enseñar, las cinco S de la composición. Vamos a estar
basando nuestras letras torno a la simplicidad, la
historia, los sentidos, los en
torno a la simplicidad, la
historia, los sentidos, los
detalles y el subtexto para crear personajes
multidimensionales y escenas en las que realmente puedas
sumergir a un oyente. Una lucha común que
tiendo a ver con los estudiantes que empiezan primero
con las letras, es averiguar cuánto tiempo debe ser
cada línea y averiguar cómo todas esas líneas deben
relacionarse entre sí. En menos de cinco, vamos a estar
echando un vistazo a las tensiones, latidos, y respiraciones. metáfora es una de las herramientas más sorprendentes para usar
en la composición para que tu historia sea más clara
y con el fin de
ayudar a tu oyente a
engancharse realmente a lo que es, tienes que decir,
así que en la lección seis, vamos a estar sumergiéndonos de
cabeza en Metáfora. En la Lección 7, vamos a estar jugando con las expectativas de los oyentes. Cuándo hacer exactamente lo que
su oyente espera, y cuándo cambiarlo y hacer algo completamente
fuera de lo azul. Saber lo que espera tu
oyente es realmente importante
porque te puede ayudar a elaborar algo que se sienta
cómodo o algo que tenga mucha tensión y los
mantiene en los
bordes de sus asientos . Algunas de las cosas más
emocionantes en las grandes letras son ingeniosos
giros de frase. Entonces en la Lección 8, vamos
a estar sumergiéndonos en ingenio, ironía y dobles significados. A veces la forma en
que dices las cosas puede ser tan importante como lo
que realmente estás diciendo. Entonces en la Lección 9, vamos a estar
hablando todo sonidos de
palabras y para
cuando llegues a la Lección 10, sabrás tanto escritura
lírica que solo
vamos a estar agregando ****** en
parte superior de todo, incluyendo una tonelada de dispositivos retóricos realmente
emocionantes. Estas son herramientas realmente
increíbles que pueden llevar tu canción de buena a grande y realmente elevar la experiencia de
tu oyente. En nuestra lección final, vamos a estar
atando todos
los cabos sueltos y
terminando nuestras canciones. Estaremos editando cosas, asegurándonos de que todo
fluya maravillosamente, y luego ya hayas terminado. [ MÚSICA] Habrás escrito toda
una hermosa canción y has
nivelado con éxito tu escritura lírica, así que empecemos.
3. ¿Qué tipo de escritor lírico eres?: [ MÚSICA] Para que nos
iniciemos en
nuestro viaje de escritura lírica, vamos a estar hablando qué tipo de
escritor lírico eres. Hay tantas formas
diferentes de iniciar una canción como hay compositores. Pero hoy, nos vamos
a centrar en dos estilos específicos
de escritura lírica. Un plotter es
alguien que comienza
creando un esquema
y básicamente planea toda su canción
antes de tiempo. Trazar es realmente genial
si eres del tipo de persona que tiende a quedarse atascado a medio
camino de una canción, o si
sientes que solo necesitas un poco de orientación
mientras estás escribiendo. Tiendo a recomendar los estilos específicamente para las personas que tienen mentalidad
más analítica
o visual, o para las personas que son
completamente nuevas en la composición. Es realmente útil
poder tener
algo a lo que seguir volviendo. De esa manera no
sientes que tienes que
seguir viniendo con nuevas
ideas a medida que vas. El trazado es impresionante
porque se obtiene todo el trabajo duro hecho al
comienzo del proceso, y entonces
realmente se puede enfocar en la
elaboración del lenguaje real. También es impresionante
porque eres mucho menos probable que te
quedes atascado a mitad de camino. plotters suelen ser geniales en
escribir letras realmente meticulosas, realmente provocadoras de pensamiento, y también son geniales en fórmulas
específicas de género. Tomemos, por ejemplo, Leonard
Cohen o Max Martin, ambos
artistas realmente pasaron mucho tiempo pensando en los temas y fórmulas de
su música antes de tiempo, lo que realmente muestra cuando
miras los productos finales. Pantsers, por otro lado, vuelan por el asiento de sus pantalones. Lo que significa que todo lo que
surja durante el proceso va
justo en esa página. No hay contorno en absoluto
y el pantser es capaz de simplemente llegar
a cosas sobre la marcha. Esto es realmente genial para las
personas que realmente no les gusta seguir un esquema o que simplemente sienten son
lo suficientemente creativos
como para seguir adelante. Pantsing es una gran manera de sorprenderte
al venir con
giros inesperados o giros de trama. También es perfecto para
las personas que escriben desde un
lugar realmente emotivo y quieren que sus canciones sean solo
una salida en el momento. Raperos de estilo libre como
Snoop Dogg, Kendrick Lamar, o Busta Rhymes son realmente grandes ejemplos de personas que
solo pueden escupir cosas sobre la marcha y llegar a grandes letras de pantalones. Ambos estilos de
escritura toman tiempo y práctica para dominar, así que si no eres perfecto de
inmediato, eso está totalmente bien. También podrías encontrar que el estilo en el que has
estado escribiendo por un tiempo podría no
encajar exactamente quién eres como escritor, así que adelante y
cambia las cosas solo para ver qué te conviene. hora de
elegir si trazar o calzonar tu canción Aquí hay algunas cosas que podrías
querer considerar. Si tendes a quedarte atascado a medio
camino escribiendo una canción, tienes problemas para pensar en ideas, o tienes que inspirarte para escribir, probablemente
seas un plotter. Dado que los plotters hacen mejor con
un poco de orientación, he incluido mi esquema en la descripción de
este curso a continuación. Si eres un plotter,
puedes empezar simplemente haciendo clic en eso y
echándole un vistazo a través de él. También podrías beneficiarte
de listas puntiagudas o de escribir avisos a
medida que estás
tratando de poner tus ideas en papel. Si sin embargo, terminas un esquema y ya no te
apetece escribir la canción, empiezas con un
aviso de escritura pero terminas escribiendo sobre algo
completamente diferente, o te ocurren
toneladas de ideas, pero si no escribes la canción
entera de inmediato, tendes a olvidarla, o decides que no
te gusta, probablemente seas un pantser. Pantser tiende a hacer mejor
sin un contorno. No te molestes con hacer clic en
ese enlace en la descripción, en
cambio, puedes escribir una manera más corriente de
conciencia. Solo recuerda que
estás haciendo todo tu trabajo al
final del proceso. Eso significa que
mientras los plotters están escribiendo sus canciones, vas a estar
enfocado principalmente en la edición. Personalmente, me gusta
tomar un poco de tiempo entre los procesos de escritura y
edición, solo porque hace que sea
un poco más fácil separarme de mi yo artístico. Puedo quitarme ese sombrero de escritor y ponerme
el sombrero de edición. De esa manera mis emociones y
mi ego no necesariamente
se magullan por cualquier cambio
o edición que haga más adelante. medida que pasamos por este curso, tratamos de encontrar el mejor
estilo para ti como escritor. Si la respuesta es
ambos, o ninguno, o una mezcla de los dos, eso también está totalmente bien. Es posible que encuentres que
no encajas perfectamente en una caja, o podrías elegir una y luego decidir más tarde que la otra podría encajar mejor, y eso está totalmente bien. Esta es tu canción y
tu proceso de escritura, por lo que puedes ser cualquier
tipo de escritor que quieras ser aunque no encaja
perfectamente en una de
esas categorías. En este momento tienes mi permiso para cambiar
tu estilo de escritura, para desviarte de tu contorno, para colorear fuera de las líneas. No hay respuestas equivocadas; esto se trata de encontrar
lo que es mejor para ti. Empecemos
con nuestra próxima lección en la que vamos a estar hablando todo
de punto de vista y tenso.
4. Punto de vista y tenso: Ahora, que sabemos que
estás escribiendo estilo, hablemos de tenso
y punto de vista. Punto de vista o
PDV se refiere a cómo su narrador y su oyente
están relacionados con la historia. Hay tres
tipos principales de PDV y cada uno hace
algo un poco diferente para la historia. Vamos a estar
pasando por los tres y averiguar cuál
vas a usar en tu canción. En la composición específicamente,
el punto
de vista más común es, con mucho, primera persona. Primera persona simplemente significa
que el narrador está hablando desde su
propia perspectiva. Creo que esto es realmente popular porque la composición tiende a ser muy personal y
emocional a diferencia de decir, una novela o un artículo. Para poder usar primera
persona en tu composición, vas a estar usando
palabras como yo, yo o mi. A continuación te presentamos algunos ejemplos
de primera persona. En primera persona
también se llega a decidir si su oyente forma o
no parte de la historia. Tu narrador puede
estar cantando, “Te amo” o “Lo amo”. De cualquier manera
funciona totalmente y ambos son formas
realmente válidas de
usar en primera persona. Si quieres hablar desde
el corazón o realmente deja que tu oyente sepa lo que está pasando en la cabeza de tus narradores, definitivamente comienza
con primera persona. En primera persona también es realmente genial para las personas que apenas
están
empezando con la escritura lírica
porque se siente realmente natural
y es agradable y cómodo para
empezar. Segunda persona significa que
el oyente va a experimentar la canción a través de
su propia perspectiva. Puedes lograr esto
usando palabras como tú y tu e imaginando que estás
hablando de tu oyente. Al poner al oyente en
el asiento del conductor puedes influir en la forma en que
están pensando y sintiendo, lo cual puede ser tanto un
poco incómodo también realmente poderoso e
intenso para un oyente. segunda persona es mucho menos
común que la primera persona, pero lo puedes encontrar
en estos ejemplos. Por último, tercera persona significa
que el narrador y el oyente no se encuentran en ninguna parte
en la historia. Para utilizar a tercera
persona debes usar palabras como él, ella,
ellos, él, ella,
su o la suya, la suya, las suyas. También puedes nombrar
tus personajes. Deberías usar tercera persona si quieres que tu
oyente pueda
ver múltiples
perspectivas diferentes. De esa manera puedes rebotar de un personaje a otro. Lo hace sin embargo, te hacen sentir un poco más
alejado de la historia. Ten en cuenta que
es mucho menos íntimo que algunos de los
otros puntos de vista. Ahora, algunas canciones
podrían sentir un corte un poco menos claro. Por ejemplo, en Lose Yourself de
Eminem, vamos en este viaje de ser participantes
realmente pasivos a los
activos porque nuestros
versos están en tercera persona, mientras que nuestro coro
está en segunda persona. No recomendaría hacer
este switcheroo todo el tiempo. Pero en este contexto particular creo que funciona muy bien. Porque la canción se trata aprovechar el día y
arriesgarse, así que al pasar de pasivo a activo estamos haciendo exactamente lo que las letras nos están
diciendo que hagamos. El Sk8er
Boi de Avril Lavigne hace algo realmente parecido en
que comienza en tercera persona y luego
al final cuando menos esperabas que
cambie a primera persona, trayéndose de
un participante pasivo a un participante activo, lo cual es realmente
interesante y crea este giro inesperado que termina cuando nos damos cuenta de que Avril fue parte de
la historia todo el tiempo. [ MÚSICA] Una vez que hayas decidido un punto de vista puedes empezar a pensar en
el tiempo de tu canción. Nos vamos a centrar
en los tres tiempos, que son pasados,
presentes y futuros. Tense es similar al punto
de vista en que puede hacerte sentir más cerca o
más lejos de la historia. Por ejemplo, cuando
usas
el tiempo pasado las cosas que están sucediendo en la historia ya han sucedido. Están en el
pasado. Ya no tenemos que preocuparnos por ellos. Sólo estamos
descubriendo lo que pasó. Estamos siendo atrapados. No hay mucha
tensión en tiempo pasado, pero sí se siente
muy cómodo. Nos permite
sentir que estamos teniendo una conversación con la
persona que cuenta la historia. Sólo estamos escuchando y
tomando en cuenta lo que pasó. En tiempo presente hay
mucha más tensión porque todo en la
canción está sucediendo en este momento. Estamos al borde de nuestros asientos averiguando qué está pasando
actualmente. Creo que el tiempo presente
es realmente genial si tu personaje está
escribiendo una carta, si están hablando con alguien sobre lo que está
pasando en este momento o si
nos están diciendo cómo se sienten actualmente. Escribir tu canción en
tiempo futuro va a
hacer que todo se sienta mucho menos real y
mucho menos castigado. Debido a que el futuro aún no ha
sucedido, todo en tiempo futuro
es puramente especulativo. Todo es muy soñador
y muy lejos. También es una gran manera de darle a tu oyente una sensación
de anticipación, esperanza o incluso suspense. Del mismo modo que hablamos
con punto de vista, a
veces podemos decidir usar una mezcla de tiempos. Podríamos empezar en un solo lugar y luego movernos a algún lugar
completamente diferente. Usar el tiempo pasado y luego cambiar al
tiempo presente, por ejemplo, puede darle a tu oyente
una muy buena idea de dónde estaba tu personaje y
lo que sucedió originalmente, y ahora cómo están
tratando con ella. Cambiar el tiempo
puede permitirnos ver dónde ha estado nuestro
personaje, dónde están, y hacia
dónde van, así
como sus aspiraciones,
esperanzas y miedos. También nos puede ayudar a cambiar
a otro punto de vista. Por ejemplo, en Escenas de
Billy Joel
From An Italian Restaurant, cambia entre viñetas, cada una en un tiempo diferente. El primero es en tiempo futuro, el segundo está en tiempo presente, y en la tercera sección
cambia de
tiempo pasado y el narrador en realidad
cambia a tercera persona. Esta técnica nos ayuda
a diferenciar entre todas las diferentes
historias dentro de la historia. Ahora que ya sabes todo sobre
tenso y punto de vista, quiero que empieces a
pensar en cuál vas a usar
para tu historia. En nuestra próxima lección
vamos a hablar todo sobre personajes, cómo hablan, cómo se comportan y cómo piensan.
5. Voces de Personaje: [ MÚSICA] Ahora que has pensado un poco el tenso y punto
de vista de tu canción. Esta es una gran oportunidad para
empezar a pensar en personajes. Diferentes personas hablan y piensan y se comportan
de diferentes maneras. Este es un
momento realmente divertido para empezar a
pensar en cómo quieres que suenen tus
personajes. Cuando estás escribiendo diálogo
y narración en primera persona, hay muchas
cosas que considerar, incluyendo, ¿qué voz
tiene tu personaje? ¿ Qué palabras usan? ¿ Cuál es su acento o dialecto? También es una gran idea empezar
a
pensar en cosas de las que
podrían hablar. Colin Meloy de la banda, los decemberistas realmente le gusta
escribir sobre folklore
e historia. En sus canciones, notarás
que su lenguaje es muy complejo y verboso. También es densa. También podría notar
que hay muchas alusiones
históricas y literarias plagadas por todas partes. Lin-Manuel Miranda,
por otro lado, también le encanta usar ilusiones literarias
e históricas, pero su lenguaje tiende
a ser mucho más actual y le gusta puntuarlo con
muchas palabras argot. Su uso del lenguaje hace que
sus personajes se sientan vez relacionables e inteligentes. Nos da mucho sobre los mundos interiores de
estos personajes. Al mismo tiempo, el
fin de semana, por ejemplo, realmente le gusta usar lenguaje
moderno que se siente
muy conversacional. Esto lo hace sentir natural a la vez que
sigue siendo emocionante e inteligente. Aquí hay algunas cosas a considerar, ya sea que estés
escribiendo desde la perspectiva propia o de otra persona. ¿ Cuáles son las normas del
género en el que estás escribiendo? Hip hop, jazz, rock, country metal,
cada uno de estos, y cualquier otro género
bajo el sol tiene normas
diferentes cuando se
trata de voces de personajes. Si por ejemplo,
estás escribiendo en rap o hip hop o incluso música
country, tiene mucho sentido
usar el lenguaje moderno, probablemente con muchas palabras
de argot. Puedes usar palabras como y'all o yoh en estos géneros
en particular, estos personajes tienden
a venir de lugares crudos y veraces muy honestos. Está bien, por
ejemplo, que
hablen de DMing que alguien en Instagram está poniendo
en sus AirPods. También es totalmente
normal en estos géneros, así
como en rock o metal, usar palabras juradas. Contrasta eso con artistas
contemporáneos adultos como Josh Grubbing
o Celine Dion. Realmente no creo que esos artistas
vayan a sonar sus más auténticos si están usando palabras
juradas o incluso lenguaje
moderno. ¿ Cuántos años tiene tu personaje? La edad de tu personaje
puede determinar mucho sobre la forma en que ven el mundo y sobre la forma en
que hablan. Por ejemplo, un
personaje que era adolescente en los
años ochenta es mucho más probable que use palabras como fly y gnarly mientras que alguien que era adolescente en la
década de 2000 como yo, es mucho más probable que use
palabras como dulce o esbozo. La edad de tu personaje también
va a determinar mucho de qué
les gustaría hablar. Por ejemplo, si tu canción se
trata de nostalgia infantil, la edad de tu personaje
va a determinar qué tan lejos están de los
eventos de su infancia, así
como las cosas en las
que se enfocan dentro de esa percepción
de la infancia. Por ejemplo, un milenario como yo es mucho más
probable que piense la infancia como un tiempo antes responsabilidad y los préstamos
estudiantiles. tanto que alguien que tal vez esté en sus ochenta o
noventa va a pensar mucho en cuánto ha cambiado en el mundo desde
que estaban en su juventud. Dónde y cuándo viven. Como mencioné antes, la edad de tu personaje puede hacer mucho para determinar cómo
ven el mundo y cómo funcionan sus patrones de habla
reales. Basar tu historia en
un tiempo diferente o un lugar diferente también
va a determinar esas cosas, así
como el entorno
real que rodea a tu personaje. ¿ Están haciendo una llamada
en su teléfono rotativo? ¿ Están usando palabras
como tú, tú y tu? ¿ O van a dar un paseo
y están volando coche? También presta atención
al hecho de que diferentes lugares alrededor del
mundo o alrededor del universo, si estás escribiendo una canción alienígena, van a tener acceso
diferente a tecnología y
a los recursos, así como diferentes acentos
y diferentes dialectos. Por último, si hablas
múltiples idiomas, tus personajes también pueden totalmente. Es muy común en
diversos géneros latinos, así
como en K-pop cambiar ida y
vuelta entre
dos idiomas diferentes. Esta técnica se puede utilizar en cualquier género y con cualquier
combinación de lenguajes, sólo hay que tener en cuenta que los diferentes lenguajes
que habla un personaje pueden determinar mucho sobre su patrones de habla y
cómo ven el mundo. Si eres un plotter, intenta contestar estas preguntas
en un trozo de papel. Para las pinzas, puede ayudar a practicar hablar en voz alta
como tu personaje. Piénsalo como improvisación
teatral. También está totalmente bien escribir desde tu propia perspectiva o usar tu propio lenguaje
conversacional diario. Una vez que hayas tenido un
momento para pensar cómo
van a hablar tus personajes [MÚSICA]. Adelante y avanza
a la siguiente lección, donde vamos a estar
sumergiéndonos en lo que yo llamo las cinco S de la escritura lírica.
6. Los 5 S's de la escritura lírica: [ MÚSICA] En esta lección, vamos a estar
hablando de mis cinco S de escritura lírica, que son sencillez, historia, sentidos, especificidades y subtexto. El primer S es por simplicidad, por lo que debes comenzar tu
canción de la manera más sencilla posible. Piensa en una idea principal, una moral, o un mensaje que quieras hacerle llegar a tu oyente, solo una cosa simple, y luego puedes construir
toda tu historia a partir de ahí. Cualquier mensaje puede ser
una gran idea principal, pero
aquí es realmente importante pensar simplemente. Estos son algunos ejemplos
de ideas principales simples. Observe que cada una de estas ideas comienza con un núcleo emocional. Te amo, es feliz, estoy enojado por la política, está enojado, y extraño
los viejos tiempos, está triste. Si te sientes
perplejo por una idea principal, empieza con cómo
te sientes en este
momento y luego solo
trabaja al revés, ¿qué te hace sentir de esta manera? Grandes canciones pueden venir de
cualquier emoción bajo el Sol, así que no te preocupes si no
te sientes particularmente triste o ansiedad, o si no tienes una hermosa historia de amor sobre la
que escribir. Eso está totalmente bien. No importa donde estés, solo comienza desde un lugar de autenticidad y tu canción
va a ser mejor para ello. Si estás teniendo
problemas para pensar en qué emoción debes
escribir una canción, también
puedes consultar una tabla
útil como esta. Demasiadas
emociones conflictivas pueden hacer que tu canción sienta desenfocada o
incluso confusa, así que asegúrate de que te estás
apegando a una cosa para empezar. Entonces siempre es más
fácil agregar más cosas que
quitarle las cosas. [ MÚSICA] Con el fin de escribir una canción convincente que tu
público realmente va a enganchar para empezar
contándote una historia. Todo lo que necesitas hacer para contar una historia es comenzar
con un comienzo, ir a un medio, y luego terminar tu canción. Al principio, introduce tu narrador, tu entorno, sus motivaciones u objetivos, y cualquier otra pieza
de información que te ayude a establecer tu escena. El medio de tu historia es
donde ocurre el conflicto. ¿ Por qué tu personaje no
obtiene lo que quiere? ¿ Qué se interpone en su camino? Por último, el final de tu
canción es la resolución. ¿ Qué hace tu
personaje para conseguir lo que quieren y funciona? ¿ Obtienen lo
que quieren? Para este ejemplo,
voy a estar trazando mi canción usando forma de canción pop. Ahora puedes usar cualquier
formulario que te guste. Pero realmente me gustó este porque es realmente
súper común. Voy a usar
Te quiero como mi idea principal. Si has
decidido calmar tu canción, puedes
simplemente
relajarte y relajarte o puedes
tomar algunas notas, cualquier cosa que realmente
te ayude a trotar esa
voz creativa en tu cabeza, porque en apenas un momento vas a
empezar a improvisar. Si por otro lado, has
decidido trazar tu canción, vamos a empezar
llenando todos los spots que dicen coro con tu idea principal, y luego vamos a
rellenar nuestros versos con sencillo corto explicaciones
del principio ,
medio y final de tu historia. Una vez que tengas ese esqueleto
básico de tu historia descubierto, es hora de empezar a usar tus sentidos y
volverse específicos. Usar tus sentidos y especificidad en tu escritura
lírica puede llevar tu canción de buena a grande
haciendo que tu oyente
se sienta como parte de la historia. Los cinco sentidos son la vista, olfato, el gusto, el tacto y el sonido. Pero también puedes incluir otros sentidos como el
movimiento y el equilibrio. Una vez que has empezado a pensar
en términos de tus sentidos, es realmente crucial
conseguir específico. Los detalles en tu
composición realmente pueden permitir que tu oyente sienta
que están dentro de la historia. Por ejemplo, no es muy convincente
decir simplemente, leí un libro, pero es mucho más
interesante
si les digo en qué libro leo y en
qué capítulo estoy, y qué acaba de pasar
con los personajes. Digamos que quiero que mi personaje
esté nadando en un lago, voy a empezar a usar sentidos y detalles
imaginando mi entorno y luego anotando lo que cada sentido
estaría experimentando. Observe que estas imágenes son
súper detalladas y específicas. Al contarte estos detalles, te
estoy dando la capacidad imaginar la historia
en tu propia mente, lugar de que
yo solo digo, me enamoré del lago. Cuando voy a
escribir realmente mi canción, no necesariamente
tengo que
usar todas estas imágenes, pero puede ser realmente
útil a lo largo del proceso solo
tener una lista en curso. Tómate este momento para
pausar el video y escribir algunos
puntos de bala para tu propia canción. El S final es para subtexto. El subtexto solo significa que estás haciendo que tu oyente
lea entre las líneas de
todo lo que estás diciendo en lugar de
decirlo externamente. Mi uso favorito del subtexto no es canción de
Bob Dylan
Most of the Time, que es una impresionante
canción de ruptura sobre un hombre que está tratando de convencerse de
que no ama a su ex pareja. Con cada verso de la canción, el narrador nos está
contando cómo mayoría de las veces
está totalmente bien. No cambiaría
nada de su vida, lo
está haciendo muy bien, pero el subtexto es que mayoría de las veces no
es ahora mismo. momento, es totalmente miserable y
echa de menos por completo a esta otra persona, pero no importa porque mayoría de las veces es bueno. A medida que continúan los versos, su lenguaje se vuelve cada vez más específico y se impulsa el sentido, dándonos cada vez más
razones para dudar de él. Para escribir un gran subtexto
para tu canción, comienza pensando en lo opuesto a la
emoción que estás sintiendo. Por caso, si estás escribiendo una canción sobre lo triste que estás, empieza por pensar,
lo estoy haciendo completamente bien, y luego trabaja a lo largo de
tu canción para tratar de
averiguar exactamente por qué es que no
eres haciéndolo bien, y trata de conseguir que tu
público adivine. De mi canción de amor, tal vez
quiera usar la frase, no
estoy enamorada, o incluso puedo ir con, no
quiero estar enamorada,
y luego se convierte en mi trabajo de oyentes
averiguar que estoy mintiendo. Si estás trazando tus letras, tómate este momento para
empezar a delinear. Anota tu idea principal, dibuja el principio, el medio y el final de tu historia, y si todavía estás trabajando
en ella, está bien. Te estaré dando
aún más consejos para terminar ese
contorno más tarde. Si por otro lado,
tu jadeando tu canción, sigue
adelante y escribe tu
primer verso y coro. Diviértete improvisando
y no te
preocupes por la calidad o la
forma de tus letras, esto es solo un primer
borrador y nos
metemos un poco más tarde en el meollo. Por la presente tienes mi
permiso para escribir letras
tontas o demasiado dramáticas
o incluso malas. Todo está totalmente bien. Solo asegúrate de seguir
adelante, porque de lo contrario, te vas a poner realmente
bueno en no escribir canciones. [ Risas] A medida que
trabajas a través de todas
las cosas que acabamos de
esbozar en este video, asegúrate de ser
amable contigo mismo. En nuestra próxima lección,
vamos a estar hablando latidos, tensiones y respiraciones.
7. Estresas, latidos y respiraciones: [ MÚSICA] Uno de los aspectos
más difíciles de escribir letras antes de haber escrito acordes y melodía es tratar de averiguar
cuánto tiempo debe ser cada línea. Porque eventualmente
vas a tener que tomar todas las palabras que has escrito y
convertirlas en música. Muchas personas, especialmente
los poetas se volvieron escritores
líricos y
los compositores por primera vez realmente lucharon por descubrir
cuántas sílabas o latidos o respiraciones deberían
suceder en cualquier línea dada. La verdad es, por supuesto, que
depende totalmente de ti como escritor, así
como de la canción que
intentas escribir. Pero aquí hay un par de
cosas que puedes considerar avanzas y
eliges las longitudes de tu línea. En primer lugar, empieza a
pensar en qué se
trata tu canción y el tipo de
personaje para el que estás escribiendo. La mayoría de las veces,
el número real de sílabas no va
a importar tanto, pero en un par de ejemplos, posible
que encuentres que el
recuento de sílaba hace un buen trabajo de pintar a un personaje que
realmente ansioso o meticuloso. Absolutamente Cuco de
The Magnetic Fields es un gran ejemplo de usar el
recuento de sílaba para pintar un personaje realmente
neurótico. Este personaje definitivamente tiene miedo de que alguien se
vaya a
enamorar de él y luego darse cuenta de
lo loco que realmente está. Como se puede ver, las letras tienen una corriente de conciencia
sentir a ellos. Pero cuando eches un vistazo más de cerca, verás que les puso bastante
esfuerzo. De hecho, cada línea en toda
esta canción tiene
siete sílabas de largo. Otro ejemplo gracioso
es Haiku de Tally Hall, en el que el
protagonista está tratando desesperadamente de escribir un haiku
para esta persona que ama, pero sigue luchando por conseguir que
en realidad se forme un haiku. Un haiku se compone
de tres líneas que siguen un conteo de
sílaba muy específico, cinco, siete, cinco. Entonces al prestar atención
a ese conteo de sílaba, se empieza a notar
que estos intentos de haiku están
fallando miserablemente, lo que subvierte la
expectativa en tu cabeza de escuchar
cinco, siete, cinco. También nos habla mucho nuestro personaje y del tipo de circunstancia en la
que nos encontramos. [ MÚSICA] Lo siguiente en lo que
quiero que pienses es tanto en tu género como en
tus estilos vocales. Por ejemplo, si estás escribiendo Americana o folk
realmente tradicional, probablemente no
vas a agregar muchos trinos o muchas cosas elegantes. Considerando que, si estás
escribiendo una canción de R&B, mucho más probable que uses todo tipo de acrobacias vocales. Toma la canción, I Will Always
Love You de Dolly Parton, sobre todo porque fue
cantada por Whitney Houston. Al leer las palabras en la página, el recuento de sílaba
ya está bastante suelto. Está claro que a Dolly
realmente no le importaba tanto
el
conteo específico de sílaba como lo hizo en el énfasis y la sensación de la canción de la que hablaremos un
poco más adelante. Pero cuando miras la versión de
Whitney, todo eso sale
completamente por la ventana y empieza a
verse más así. Esto incluye todas sus magníficas carreras locas
pero ni siquiera comienza a tomar en cuenta
espacio para respirar o notas más largas o más
mantenidas. Todo esto para decir
en la mayoría de los ejemplos, el recuento de sílaba real no va a
importar tanto y
en cambio quiero que empieces a
pensar en las tensiones de palabras. La palabra estrés aquí
se refiere a las palabras que
enfatizamos cuando cantamos o hablamos. Entonces para practicar esto, intenta decir esta
frase en voz alta. Ahora, fíjate en qué
palabras enfatizaste. Por ejemplo, enfaticé, vamos a Coney Island a
montar las copas de té giratorias. Ahora ten en cuenta
aquí que si no
dijiste este fraseo
exactamente de la misma manera que yo
lo hice, eso está completamente bien. Diferentes personas
van a decir las cosas diferentes maneras y
van a enfatizar
cosas diferentes
dependiendo del contexto de la situación. Por ejemplo, si en lugar de
decirlo de la manera en que lo dije, decidiste enfatizar
la palabra spinning, vamos a Coney Island a
montar las copas de té giratorias. Eso me implica que
algo no está funcionando del todo, que tal vez el paseo
no esté girando. Quiero ir a Coney Island y montar el paseo cuando está funcionando, no cuando no está girando. Se podría decir
lo mismo de la palabra ir. Vayamos a Coney Island lugar de solo
hablar de ello y sentarnos aquí, independientemente de
las palabras específicas que
enfatizaste, podrías notar que
ambas líneas
tienen tres puntos de estrés. Sin acordes ni una melodía
a la
que añadir estas palabras, realmente no importa cuántas tensiones
haya en cada línea pero lo notarás en este ejemplo
particular es que las longitudes de línea coinciden. El hecho de que haya
un número coincidente de tensiones entre
estas dos líneas
las hace sentir realmente estables y cómodas, casi terminadas. Esto emparejaría muy bien
con algo que se siente [RUIDO] resuelto y fácil. Considerando que, si en realidad
entro ahí y cambio el número de palabras
enfatizadas, la lírica ahora se siente un
poco desigual, pero aún hace que
quieras seguir escuchando. Creo que esta es una forma
increíble de sorprender a tu oyente y hacerlos
interesados en la historia, sobre todo si es una historia
realmente inestable. Entonces en este punto,
hemos descubierto que no
necesariamente importa cuántas sílabas o latidos o palabras
enfatizadas
hay en cada línea. Realmente todo se trata de contexto. Pero una cosa que
siempre tenemos que dar cuenta es el hecho de que nosotros como seres
humanos tenemos pulmones, y necesitamos esos pulmones
para poder funcionar. Entonces tenemos que respirar a veces. Te recomiendo leer
tus letras en
voz alta de vez en
cuando solo para
asegurarte de que fluya muy bien y que seas
capaz de tomar esas respiraciones. En nuestra próxima lección, vamos a echar
un vistazo a una de mis
cosas muy favoritas, la metáfora.
8. Metáfora: [ MÚSICA] Una de las formas
más comunes en que los compositores hacen más
interesantes
sus canciones es
mediante el uso de metáfora. La metáfora es una herramienta
increíble de tener, porque puede ayudarte a
explicarte de una manera más clara, y también puede hacer que tu canción sea visualmente
más interesante. En la canción Titanium, el narrador está tratando de
expresar que es fuerte, pero en lugar de simplemente
decir que soy fuerte, decide ir un paso
más allá y
compararse con algo que sabemos
que es fuerte, titanio. Esto nos da una imagen realmente
específica en nuestras mentes, y nos permite
ahondar aún más al hecho de
que es fuerte. Lo mismo va para los fuegos artificiales de
Katy Perry. Ella podría simplemente decir, “Eres impresionante”, pero eso
realmente no nos daría ninguna imagen ni nada más interesante que solo
saber que somos increíbles. En cambio, ella va un paso
más allá y dice: “Bebé, eres un fuegos artificiales”. Sabemos que los fuegos artificiales
son impresionantes. Sabemos que son
hermosas y super cool. Al saber eso, oye, somos un fuegos artificiales, podemos
conectar esas dos ideas. Soy impresionante, los fuegos artificiales
son impresionantes. En general, la metáfora hace una experiencia mucho más orientada a los sentidos
y visceral. Cuando veamos
ese último ejemplo,
firmado, sellado, entregado, notarás que Stevie Wonder en realidad
no dice la frase “Yo soy una carta”. Pero debido a que usa un montón de palabras que asociamos con cartas o con paquetes,
firmados, sellados , entregados,
sabemos automáticamente que de eso está hablando, y no
en realidad hay
que ir a decir que es una carta. Para usar metáfora, todo lo que tienes que hacer
es comparar algo tangible con algo abstracto. Elige un concepto que realmente esté ahí
afuera y trata de
descifrar una imagen o algo en la vida
real con el que se conecte. Por ejemplo, el amor
es un paso chirriante, o la vida está cavando un agujero
a China en el patio trasero. Trata de evitar comparaciones que
ya has escuchado antes como, el amor es una rosa, porque esas son cliché. Llegan al punto en que los
hemos escuchado una y otra vez y pierden
todo su significado. En cambio, intenta
llegar a algo original y extraño
y por ahí fuera, porque vas a pasar un
rato mucho más fácil pensando en cosas geniales que decir. Intenta terminar estas
frases con algo inesperado
y concreto. Puntos extra por ser
realmente específicos. Una vez que tengas algunas ideas
que te sientan interesantes, intenta comparar esas dos cosas. Por ejemplo, ¿cómo es el amor
como un escalón chirriante? Tal vez intentes evitarlo. A lo mejor te despierta en
medio de la noche. Ponte creativo y trata de
pensar fuera de la caja. Otra forma en la que puedes
ir por elegir tu metáfora es
mirando el ejercicio de
descripción de sentidos que hicimos hace un par de lecciones. En mi sentido lista de descripción, había un montón de imágenes que harían metáforas
interesantes. El lago podría
representar nuevo amor, porque el amor es refrescante. A lo mejor tienes miedo de
meterte demasiado profundo, así que solo te sumerges en el dedo del pie, o tal vez el amor sea transparente
y puedas ver con claridad. este momento quiero
que te lleves todas estas ideas que estás
empezando a hacer lluvia de ideas, y tratar de pensar en cómo
podrían funcionar en tu canción. ¿ Qué
metáforas vas a usar? Recuerda sin embargo,
solo pegarte con una metáfora a la vez, porque mezclar tus
metáforas puede resultar confuso. Una vez que tengas una idea
de la
metáfora o metáforas que te gustaría usar en tu canción, puedes pasar
a la siguiente lección, donde vamos a estar
hablando de intensidad, acumulaciones, y expectativas.
9. Expectativas: [ MÚSICA] Una de las mejores maneras conseguir que
tu oyente invierta en tu canción es crear
una acumulación impresionante. Al aumentar la intensidad o la emoción en tu canción, eres capaz de tocar en las expectativas de
tu oyente
y como escritor, depende de ti si esas
expectativas se cumplen o no. El argumento, el ajuste y
los personajes de tu historia pueden
ayudarte a determinar la mejor manera manejar las expectativas del oyente. Si, por ejemplo, estás escribiendo una canción de amor pura y dulce en que todo el mundo
termina feliz al final. Tiene perfecto sentido
ir de acuerdo con cada una de las expectativas de su
oyente. Pero si sin embargo, estás
escribiendo una historia sobre un personaje realmente errático o
enojado, o si tu historia tiene lugar en un carnaval y estás mirando
a través de divertidos espejos de casa, realmente no tendría
sentido que esas expectativas
de oyentes se cumplan de la misma manera. Romper
esas expectativas
realmente puede ayudar a tu oyente a empatizar con tus personajes, especialmente en situaciones en las que las cosas se sienten un poco apagadas. En esta lección, vamos
a hacer un poco de una profunda inmersión en
la canción, espero, Gaby Barrett, que es una canción fantástica si
aún no la has escuchado. Si eres nuevo en esta canción, debes tomarte un par de
minutos y darle un
spoiler de escucha gratis antes de que
realmente nos metamos en las malas hierbas. ¿ Qué increíble fue esa canción? Ella hace muchas cosas realmente
ingeniosas aquí. Pero una de las cosas que
más me encanta es lo mucho que juega con
tus expectativas. Cuando escuchamos el primer verso, ella nos prepara para tener un par de expectativas realmente específicas. En primer lugar, al usar la palabra
esperanza e imágenes como sonreír en el otro extremo de un teléfono o cantar a
lo largo de la radio, o incluso el disco, una sensación como un desenfoque. Ella nos configura con asociaciones
positivas. Esperamos que nuestro
narrador sea feliz, o al menos feliz
por este ex compañero. Y debido a todas
estas imágenes felices, asumimos que esta
va a ser una canción sobre seguir adelante. La segunda trampa en la que
caemos es creer que este es el
comienzo de la historia. La canción usa la frase, espero configurar sus
deseos para el futuro. No esperamos que se rumie ni siquiera mencione mucho sobre la
relación que alguna vez tuvieron. Anticipamos oírla decir está lista para encontrar a alguien nuevo, o que va
a aprender de sus errores pasados y ser
una persona más feliz, sabia. Hay toneladas de canciones
ridículamente famosas
y populares que se trata precisamente de eso. Esto honestamente se siente
como si pudiera
ser simplemente una continuación de esa tendencia. Estas imágenes y buenos deseos
continúan en el coro, convenciéndonos
aún más de
su intención de seguir adelante. Pero luego obtenemos la mejor
parte de toda la canción. El gancho en el que
nos da ese increíble giro de trama. Entonces espero que engaña
como tú me hiciste. Después de un minuto sólido de mentiras y engaños de nuestro narrador
poco fiable, nos
dimos cuenta de que
no estamos al principio de esta historia estaban justo en
medio de la acción. No le está deseando bien a su ex, es miserable y está enojada y espera
que también sea miserable. Cuando
ocurre un gran revelador
o un giro de trama en medio
de una canción como esta, puede ser realmente difícil averiguar
a dónde ir después, pero ella utiliza una técnica realmente
inteligente aquí. Toma un par de imágenes
realmente específicas
del primer verso y
les da la vuelta en la cabeza
en el segundo verso. Tomemos por ejemplo, la
imagen del teléfono, que pasa
de un positivo en el primer verso a
negativo en el segundo verso. Al repetir la misma imagen en contextos
emocionales muy diferentes, está creando tanto
comparación como contraste. La imagen del teléfono en
el segundo verso lleva todo el mismo
peso emocional que el primero porque recordamos esas asociaciones
positivas. Pero al usar una emoción
contrastante, se basa en esa intensidad en
lugar de reemplazarla. Esta es una gran técnica para
usar en su propia composición. Te animaría a
intentar jugar con el
uso de la misma imagen en
dos contextos diferentes. Comienza eligiendo una
imagen en tu primer verso y encuentra una manera de voltearla cuando llegues
al segundo verso. Por ejemplo, si
mi primer verso es dos personas
almorzando en un restaurante, podría usar mi segundo verso para hablar de ese restaurante cerrando o
sentado en la misma cabina al otro lado
desde un asiento vacío. Cuando estés planeando o escribiendo
los versos de tu canción, intenta apilar la intensidad. Deberías tener la sección
menos intensa de tu canción al principio. Entonces a medida que continúa la canción, deberías estar cada vez
más intenso. Todo después de ese
primer versículo debe seguir construyendo sobre lo que su
oyente ya sabe. Está totalmente bien si la
historia está fuera de orden, siempre y cuando use un lenguaje
claro para
expresar la línea de tiempo. y como aprendimos y
espero que puedas meterte con la
expectativa de
tu oyente y construir mucha intensidad
extra esperando revelar
nueva información. Si eres un plotter, sigue
adelante y mira a través de
tu contorno y trata averiguar el orden
de tus versos. Si eres un pancer, tómate este momento para escribir
realmente tu canción, los versos y el coro. En nuestra próxima lección, vamos a estar hablando lo más asombroso de
la historia. Giros de frase ingeniosos.
10. Vueltas Inteligentes de Frase: [ MÚSICA] En este punto, has pensado mucho tus personajes,
en tu trama, e incluso en la forma y
estructura de tu canción. Pero realmente no hemos
hablado de cómo
hacer que tus letras sean ingeniosas. En este video, vamos a estar abordando algunas técnicas
y pasando por algunas herramientas que pueden ayudarte
a que tus letras sean ingeniosas. Considera esta lírica
de la canción, Happy Face de Jagwar Twin. Me parece realmente
interesante esta lírica porque la frase consigue tus
patadas tiene dos significados. El primero es
por supuesto,
tomar literalmente tus zapatos y
salir por la puerta, así que preparándote para tu día. El segundo significa encontrar
disfrute en algo. Es posible que hayas escuchado esta
frase antes en la canción, Get Your Kicks on Route 66. Al usar una frase que tiene
dos significados distintos, está dando al oyente
la
oportunidad de interpretar la
canción por su cuenta. En este ejemplo, el
protagonista está a la vez expresando que literalmente está
caminando por la puerta, pero también que necesita
tomarse un momento para poner su falsa cara feliz. Me da la impresión de
que se está recogiendo y poniendo su falso buen humor antes de salir por la puerta. De esa manera, nadie lo cuestiona. En el puente de la canción de John
Legend, All Of
Me, utiliza la
metáfora del amor como juego de cartas para
construir esos dobles significados. Toma las imágenes de las cartas sobre la mesa mostrando sus cartas, el traje de corazones, y la idea de arriesgar las cosas
para expresar que él y su ser querido están siendo abiertos y honestos
con el uno al otro. Con el fin de crear un doble
significado efectivo para tu canción, piensa en frases o ideas que estén
relacionadas con tu idea principal, que pasan a significar
dos cosas diferentes. Por ejemplo, si estás usando esa metáfora de un juego de cartas, puedes escribir una lista de
imágenes relacionadas con las cartas, y una vez que tengas algunas
imágenes con las que trabajar, piensa en algunas frases populares u otras formas en que esas palabras
podrían ser interpretadas. Por ejemplo, los corazones son
tanto un traje en un juego de cartas, también un órgano interno y también una cosa que
asociamos con el amor. [ MÚSICA] Hay varios
significados de la palabra ironía, y todos son realmente
útiles en la escritura de canciones. Pero nos vamos a
centrar en este, la expresión del significado de
uno mediante lenguaje que normalmente
significa lo contrario, típicamente para efecto humorístico
o enfático. Es decir, crear sarcasmo diciendo lo contrario
de cómo nos sentimos. Esta puede ser una gran
herramienta para crear canciones
cómicas así como canciones cargadas
políticamente. Uno de mis ejemplos favoritos es Ciencia
Política de
Randy Newman, que obviamente fue muy crítica con las políticas
exteriores de Estados Unidos. Lo que notarás
sin embargo, es que él hace su mensaje
haciendo que el narrador exagere las vistas
del otro lado,
creando así subtexto. En lugar de decir lo que realmente
quiere decir, que es, Hey, tal vez dejemos de bombardear a la gente, va en la dirección opuesta
y realmente exagera ese concepto de,
bombardeemos a todos. Esto crea un tono cómico,
sarcástico, pero aún se cruza con
su mensaje haciendo hincapié en la
ridícula de la guerra. Por otro lado, Fue
un Buen Día de Cubo de Hielo, utiliza la ironía para expresar
inmenso horror y dificultad en la vida al
reflexionar sobre lo contrario. Habla de las
cosas que no sucedieron en este día en particular, dando a los subtextos que
otros días no son tan buenos. Las malas situaciones de miedo
que actualmente está evitando, cazadores de autos, armas, policías
corruptos, y la
muerte de amigos y familiares son todas situaciones que sí
suceden en su vida diaria. [ MÚSICA] Echa un
vistazo a estos
ejemplos de canciones y trata pensar por qué se
sienten listos. Algo que habrás notado al mirar estos ejemplos es que muchas de estas
ideas y palabras repiten, por ejemplo, solas
y soledad. La frase significa que
mucho y la palabra viva. La primera vez que escuchamos cada una
de estas palabras o frases, se expresa de una manera, pero la segunda vez se
usa de una manera diferente, típicamente lo contrario de cómo lo
interpretamos inicialmente. Estos artistas están
utilizando el contraste y la
comparación para
romper nuestras expectativas. Para practicar esto,
utilicemos algunos modismos populares. Bajo el clima,
caminando sobre el aire, y muerto en el agua. Ahora hagamos nuestro mejor esfuerzo
para voltearlos boca abajo pensando en sus
opuestos o inversos. me ocurrió
bajo el clima, podría ser clima sobre
mí, caminar sobre el aire, podría ser el aire me
está caminando, y muerto en el agua, podría estar vivo en tierra. Mis letras podrían verse así. El clima sobre mí
me hace bajo el clima. Yo solía estar caminando sobre el aire, pero ahora el aire está
caminando sobre mí, y estábamos muertos en el agua, pero vivos en la arena. Al voltear estas
frases comunes en sus cabezas, encontramos una manera de hacerlas
sentir frescas y únicas, pesar de que son frases que
hemos escuchado un millón de veces. Ten en cuenta que
no necesariamente tienes que apegarte a los modismos. Puedes usar palabras de moda de
noticias comunes o incluso solo palabras que
usas en la vida cotidiana. Esa sensación divertida de Bo Burnham crea muchas imágenes poderosas e intensas al contrastar imágenes e ideas que
escuchamos todos los días. Por ejemplo, obedecer
todas las leyes de tránsito en Grand Theft Auto V. Aquí
toma este videojuego que se basa totalmente en
romper todas las leyes y todas las reglas y en general
hacer cosas realmente desordenadas. Pero al usar una frase como
obedecer todas las leyes de tránsito, rompe por completo
nuestras expectativas y nos lleva a algún lugar
totalmente nuevo y fresco. Eso también es realmente cómico. En tanto, utiliza
esa misma técnica exacta para
crear ideas que provocan el pensamiento e inestable como ese
aire de verano inaparente a principios del otoño. Al mover la frase, el
aire del verano a la estación equivocada, se siente preocupante y
se siente incómodo, que es exactamente
como quiere que nos sintamos mientras habla de
algo así como el cambio climático. Adelante y
busca frases y palabras que se ajusten a tu idea de canción. Recuerda que no
tienes que usar todas
las cosas de las que
hablamos en este video, pero si quieres agregar alguna ironía inteligente o
algún contraste inteligente, realmente
va a ayudar hacer tus letras se sienten
ingeniosas y únicas. En nuestra próxima lección, vamos a hablar todo sobre
la forma en que suenan tus palabras.
11. Cómo suenan tus palabras: [ MÚSICA] Ahora tienes una gran base para escribir letras inteligentes,
que provocan la reflexión. Pero ¿qué pasa con la
forma en que suenan tus palabras? El sonido de tus
palabras puede ser tan
importante como lo
que realmente estás diciendo, pero a menudo es un aspecto
pasado por alto del proceso de composición. ¿ Alguna vez has notado que
algunas palabras se sienten realmente feas, mientras que algunas palabras
se sienten realmente bonitas. Algunos se sienten tontos y
algunos se sienten serios. Se trata de las
diferentes letras y sílabas que estamos usando. Sin embargo, ten en cuenta a
medida que pasamos por esta lección que los
sonidos de las palabras son totalmente subjetivos y a menudo se basan en normas
y asociaciones culturales. discutir cosas como la
eufonía y la cacofonía, recuerda que la belleza
está en el ojo del espectador y que
probablemente tengas una experiencia cultural muy
diferente que alguien más podría. Echa un vistazo a
estas dos fotos. Una de estas imágenes se llama bouba y la otra
se llama kiki. ¿ Cuál es cuál? Si tienes más del 90
por ciento de los hablantes de inglés, español y tamil, probablemente
hayas dicho que la
forma curvier más redonda es la bouba, mientras que esa
dentada osada es kiki. ¿ Por qué estas
asociaciones son tan fuertes? Una teoría posible es
la forma de tu boca. Cuando dices la palabra bouba, buo-ba [
Risas] tendes a abrir un
poco más la
boca y
tiende a ser un
poco más redonda. tanto que cuando dices kiki, ki-ki, tiende a estar
un poco más cerrado. Lo realmente genial aunque de este experimento es que
sugiere que los objetos
no son nombrados arbitrariamente, sino que son el resultado del mapeo
sonoro en nuestros cerebros. Aún más fresco aún
es que puedes usar este mapeo de sonido En tu escritura
lírica para que tu oyente entienda
tu significado aún mejor. Por ejemplo, es probable
que reacciones de manera diferente a las palabras y frases cuando se expresan
consonantes, como b-g y d
versos unvoiced p-k y t La combinación de varias consonantes de voz a menudo se encuentra con tonto o infantil, como un
cubstopper eterno o un bumfuzzle. Mientras que la combinación de consonantes
unvoice se encuentra un poco más duramente, como en constrillo o tácito. [ MÚSICA] La eufonía se refiere a palabras que son agradables y generalmente hermosas al oído. En estos ejemplos, notarás conexiones
sónicas y combinaciones de
palabras con
fácil pronunciación. También notarás que
estas letras que suenan bastante a menudo coinciden muy bien
con sus significados. Con tu silueta,
cuando la luz del sol atenúa en tus ojos donde nada
la luz de la luna, pero tus labios cuando
hablamos son los valles y picos de una cordillera en
llamas en un árbol junto al arroyo. Hay un pájaro cantor que canta. A veces todos nuestros
pensamientos están mal dados. Lo opuesto a la
eufonía es la cacofonía, que se refiere a sonidos duros y
discordantes. Esto suele ser el resultado
de la repetición y combinación de consonantes
dentro de un grupo de palabras. Los sonidos vocales son
guturales y abrasivos, y los
sonidos consonantes a menudo chocan. En estos ejemplos,
podrías encontrar que las palabras son
realmente difíciles de decir. Alguien vino diciendo, estoy loca por quejarme una boda de escopeta y
una mancha en mi camisa. Le rogó producción. Tiene bota morsa. Consiguió a la tabla lateral de Ono. Él una galleta espinal. ¿ Sabías que
las excavadoras de tumbas siguen atrapadas en la máquina a pesar de que es
un sueño de otro día? El uso de la cacofonía
en estas canciones hace un gran trabajo de
expresar el significado de ellas, que estamos
hablando de cosas que son asquerosas o incómodas. Somos capaces de contar todo esto
antes de que realmente hayamos
interpretado el significado. Mientras escribes,
piensa si
quieres que esa canción de cuna suene de eufonía o si
quieres cacofonía áspera, intensa, discordante. [ MÚSICA] Como
probablemente ya sabes, una rima ocurre cuando tienes dos palabras que tienen
el mismo final, pero un comienzo diferente, como rosa y eligió. rimas son un excelente lugar para empezar porque realmente pueden ayudar a tu oyente a
entrar en el ritmo de tu canción, para empezar a tener expectativas sobre dónde va a ir tu
canción, y es un gran lugar para
romper esas expectativas. Permite que tu oyente
realmente empiece a entender las canciones de ritmo. Una buena rima puede
golpear a tu oyente justo en el intestino con emoción. Puede acentuar una hilarante
punchline o hacer sonreír a
tu oyente cuando sean capaces de adivinar lo que sucede a continuación. Los esquemas de rima más comunes con los
que te encontrarás son AA, BB, y AB, AB. Observe que la A rima, rima entre sí
y la B rima , rima consigo mismos. Pero si decidimos que queremos
romper nuestras expectativas de los oyentes, también
podemos jugar con esquemas de rima
nuevos o diferentes. Por ejemplo, puedes
usar palabras compuestas o contracciones para crear interesantes
rimas inclinadas como M&Ms, famosa naranja y bisagra de puerta. La canción, A Guy Like You, del jorobado
de Notre-Dame, utiliza un esquema estándar de rima
AB-AB, pero crea comedia mediante el uso de
una rima inclinada inesperada. Adonis con croissant es. Esto crea una letra
realmente divertida. Entonces la canción ata
los cabos sueltos de la broma siguiéndola
con una rima más directa. Masticar y tú. El trapo vaticano por su parte
usa la palabra religión'll, que es una contracción
de religión y voluntad para crear una rima
inclinada cómica e inesperada con la palabra original. También puedes crear esquemas
inesperados de rima como este a partir de la canción temática de Big
Bang Theory. Algunos escritores líricos
incluso deciden no
rimar
intencionalmente en absoluto lo que rompe todas las expectativas de tu
oyente y pueden hacer que se sientan
desorientados o sorprendidos. Cuando una canción no rima, podemos sentirnos un poco desamarrados por el pulso o ritmo de la canción. Puede hacer que nos
sintamos un poco confundidos o arriba en el aire. Tomemos por ejemplo, What You
Waiting For de Gwen Stefani, en el que el personaje
se siente realmente desorientado. Estamos tan
sorprendidos como ella. Jugar con
diferentes esquemas de rima es una gran manera de hacer que
tu oyente empatice con tu personaje, para caminar una milla en sus zapatos. Pero no es la única forma de
meterse sonicamente con ellos. [ MÚSICA] La palabra sonic
se refiere al sonido. Cuando hablamos de conexiones
sónicas, estamos hablando de
la forma en que los sonidos en cada palabra se conectan entre sí. En esta sección de Gnarls
Barkley, Feng Shui, notarás que
CeELO usa muchas rimas
grandes al
final de sus frases, brisa y árboles,
teje y recibe. Pero en la última línea, notarás que también usa lo que se llama rima interna. Las palabras evolucionan y
resuelven, unas palabras rimantes, pero suceden en medio
de esta frase creando una conexión aún más emocionante para que nuestros cerebros capten. Pero CeELO no se detiene
ahí. También utiliza la aliteración
para sacar su punto a través. Observe que muchas de las
palabras en esta sección comienzan con la misma
letra o sonido. Otro gran ejemplo
de conexión sónica es en Cárdigan de Taylor Swift, que es uno de
mis muy favoritos de todo su catálogo. Porque su uso de la
conexión sónica es realmente efectivo y definitivamente se expande en lo que está sucediendo
en las letras. Tomen por ejemplo la
frase cuando eres joven, asumen que no sabes nada. Casi todas las sílaba
se repiten. El y y tú joven y ellos, la u en ti y asumen. Incluso la palabra nada
se pronuncia como nada que suene
similar a asumir. En tu propia escritura,
no tienes que ir tan lejos como estos artistas pero aún
puedes usar la asonancia, consonantes y la aliteración
para que
tu paisaje sónico sea más
emocionante y atractivo. Como mencioné antes, aliteración se refiere
a la repetición de la primera carta. Encuentro que es más fácil
pensar en trabalenguas como ella vende conchas marinas
junto a la orilla del mar. Asonancia significa
usar
sonidos vocales repetidos a lo largo de tus palabras. Al igual que en te mueves y surcas. La palabra consonancia se refiere a sonidos consonantes
repetidos que no están al inicio
de tus palabras. Como este beso en
la niebla primaveral. Los sonidos de tus palabras pueden ser una herramienta poderosa en
tu escritura lírica. Adelante y practica la asonancia, las consonantes, y la aliteración. En nuestra próxima lección, vamos a sumergirnos de cabeza
en dispositivos retóricos.
12. Dispositivos Retóricos: [ MÚSICA] El término dispositivo
retórico se define como un uso del
lenguaje que se pretende tener un
efecto en su audiencia. Esta definición es ridículamente vaga y amplia pero
esencialmente lo significa es que estamos tomando lenguaje ya sea en su
estructura y sus sonidos o en su significado y
estamos encontrando formas de sacar ciertas emociones
de nuestros oyentes. Probablemente hayas escuchado la
frase pregunta retórica o visto la palabra retórica. Pero en realidad hemos
utilizado un montón de estos dispositivos retóricos y
literarios hasta el momento en este curso, incluyendo metáfora, ironía, alliteración, asonancia
y consonancia. En esta lección,
vamos a explorar algunos de mis dispositivos retóricos
y literarios favoritos fin de agregar algunas
herramientas nuevas a su cinturón de herramientas. Pero mientras estás en ello, adelante y explora todos estos
dispositivos retóricos por tu cuenta, porque es un mundo realmente
fascinante de oportunidad para explorar
algunas cosas nuevas geniales que tú puede utilizar en tus canciones. [ MÚSICA] Los primeros
dispositivos retóricos de los que
vamos a hablar
en esta lección son la anáfora y la epistrofe. Ambas técnicas ayudan a enfatizar ideas importantes en tu canción repitiendo la misma frase o
palabra en cada línea. Anaphora se refiere a
la repetición de palabras al inicio
de cada línea, como en la canción Wonderful
World de Sam Cooke. Epistrophe se refiere
a la repetición de palabras o frases
al final de cada línea. Al igual que en, Aprendes de
Alanis Morissette. Estas son excelentes
técnicas para usar si
quieres atravesar una idea principal simple, concisa y tener mucha repetición a
lo largo de tu canción. También es realmente bueno si
quieres contradecir a ti mismo, como lo hace Sam Cooke
cuando canta, no
sé mucho, una y
otra vez. Entonces termina la sección con, pero sí sé. [ MÚSICA] La palabra enjambment se refiere a la continuación
de una frase sin pausa más allá
del final de una línea, copla, o incluso una estrofa. Creo que este es probablemente mi dispositivo retórico favorito para usar en mis canciones porque crea un poco de tensión vez que le da continuidad a
la canción. Casi actúa como
un poco de un cliffhanger que
mantiene al público al borde de su
asiento hasta que llegan al final de esa frase. Aviso en este
ejemplo de Blink 182, que la frase sobre
derramar jugo de manzana se divide entre dos líneas diferentes
en medio de una sección. Mientras que en este ejemplo, la línea enjambada se extiende entre dos secciones diferentes de
canciones. Te darás cuenta aquí que tenemos una rima inclinada al final
del puente entre las palabras
plebeian y conmigo y. Una rima al final del
puente típicamente haría que esta sección se sintiera
completa y resuelta. Pero al terminar con la
palabra “Y” dejamos el puente con una
pregunta, ¿y qué? Ya sea consciente
o inconscientemente, esto nos deja con mucha anticipación y con
mucha emoción para
la siguiente sección. [ MÚSICA] El último dispositivo
retórico que vamos a
tocar es el paralelismo. Paralelismo, o estructura paralela significa
usar el mismo patrón de palabras para mostrar que dos o más ideas tienen el
mismo nivel de importancia. Por ejemplo, esta ilusión
bíblica
en la de Metallica, Los restos de
memoria. Observe que las palabras
y significados cambian, pero la estructura
de la oración, incluida la palabra “To”
y el número de sílabas, permanecen exactamente iguales. Esta estructura paralela
también se puede utilizar a lo largo una canción con el fin de proporcionar
continuidad al oyente. Por ejemplo, en What a What a Wonderful World de
Louis Armstrong, usa las frases ,
“Veo, escucho, y veo” divididas
entre sus versus. Esta técnica es genial para hacer que tus versos se sientan uniformes. Pero también puede ser impresionante
para crear una sensación de
progreso o desarrollo de personajes a
lo largo de tu canción. Pat Pattison se refiere a cambiar las palabras en un
pre-coro o coro, que normalmente
permanecería
igual que recolorear el coro. Un gran ejemplo de
esto es la canción Rain King de Counting Crows. Notarás que cada
coro permanece mayormente igual, pero que dos palabras en la
tercera línea cambian cada vez. Esto da a cada coro un significado
ligeramente diferente y crea una sensación de impulso
hacia adelante lo largo de la narrativa. En la canción Kyoto de
Phoebe Bridgers, sin embargo, cambia significativamente
el coro la segunda vez. Pero notarás que
deja el esquema de rima, recuento de
sílaba, y
unas palabras clave iguales. Esto proporciona el mismo sentido de continuidad que
encontrarías en un coro típico, la
vez que muestra mucho
desarrollo en sus sentimientos. Ahora que sabes un poco más
sobre los dispositivos retóricos, empieza a pensar en
cuáles
podrías querer incluir
en tu canción. ¿ Podría su coro beneficiarse de alguna anáfora o epistrofe
para conducir el punto a casa? ¿ Podrías usar el
enjambment para crear un cliffhanger al
final de tu puente? ¿ Podría tu canción usar algún
paralelismo en el precoro? Si estás trazando tu canción, sigue
adelante y termina
tu contorno. Si eres pantser, puedes aprovechar esta oportunidad para terminar
totalmente de escribir
tu primer borrador. Un pre-coro es una gran cosa para agregar si
sientes que eres reacio y tu coro no
fluye narrativamente. Un puente es algo increíble
para agregar si quieres agregar algún contraste o una nueva
perspectiva a tu canción. Adelante y pon bolígrafo en papel o pulgares a la pantalla del teléfono y
encuéntrame en la siguiente lección
donde vamos a estar terminando tus letras.
13. Terminando Tu Letra: [ MÚSICA] A lo largo de
esta clase hasta ahora, hemos hablado de muchas herramientas y
consejos
realmente maravillosos para ayudarte a convertirte en el
mejor escritor lírico que puedas ser. Ahora es por fin el momento de
que termines tus letras. Si eres pantser, tus letras ya están escritas. Ahora es el momento de editar tu canción. Ahora que tienes un montón de
nuevos conocimientos de escritura lírica, podrías decidir que
algunas de tus palabras o frases podrían ser reemplazadas por otras nuevas
con el
fin de crear conexiones
sónicas frescas o usar ironía o metáfora. Por ejemplo, este borrador
rudo no está mal y sí incluye algunas de las cosas de las que hemos
hablado, como las imágenes impulsadas por los sentidos, aliteración entre
el sol, y el dulce, y el verano, e incluso asonancia
entre rayas y dulce. Pero con un
poco de reelaboración, podemos hacerlo aún mejor. El mensaje se mantuvo
exactamente igual. Pero ten en cuenta que en
mi segundo borrador, he incorporado enjambment y doble significado
usando la frase, “El sol se va”
y
siguiéndolo con “Su
luz en mi cabello”. Añadí detalles al
incluir el tipo de cerveza. Decidí personificar el sol, lo que me dio unas
bonitas conexiones sónicas entre ella y el cabello. Me divertí mucho creando
aún más conexiones sónicas. Hay asonancia entre cabello, pálido, ale, y aire, entre es, beber, amargo y en, así
como entre nosotros y dulce. También hay aliteración
entre la partida y la luz. Por último, he contrastado la palabra dulce con su opuesto, amargo. Diviértete y disfruta el proceso de ajustar lo
que ya tienes. No tengas miedo de mantener ese borrador rudo
porque podrías encontrar que puedes reciclar algunos
de esos queridos asesinados. O podría
ser divertido mirar
las dos versiones consecutivas
cuando termines. Si eres un trazador, usa tu esquema para ayudarte a
guiarte a lo largo del proceso de
escritura. Si alguna vez te sientes atascado, piensa en escribir como hacer
Sudoku o la Wordle. Sólo estás usando
lo que ya sabes para
llenar los espacios en blanco. Por ejemplo, si
tu contorno dice, me enamoré por el lago, vuelve a esas descripciones
orientadas a los sentidos y elige tus favoritos. De mis descripciones de mis personajes día
fuera en el lago, me gustaron estas líneas lo mejor. Ahora para terminar mi sección, voy a crear una rima. Si te cuesta pensar rimar palabras por
ti mismo, no hay problema. Siempre puedes usar un diccionario de
rimas o un sitio web como rhymezone.com. Esta es una canción de amor
simple y directa. Quiero que el esquema de rima
se ajuste a las expectativas de mi oyente, lo que significa que tengo
la opción de usar dedos o hombros. Vamos a elegir algunas
palabras que se sientan relevantes o fáciles de incorporar. Si las palabras que
eligiste no tienen tantas
opciones de rima como estas, siéntete libre de reorganizar
tus oraciones hasta que tus líneas terminen con palabras
más fáciles de rimar. Ahora todo lo que tienes que hacer es
simplemente rellenar los espacios en blanco. Intenta crear una
oración alrededor de cada uno, o simplemente elige tu palabra
favorita. Si te sientes atascado
ya sea con trazar o jadear, intenta contestar estas preguntas. ¿ Quién está cantando y a quién? ¿ Dónde y cuándo están? ¿ Cuál es la historia? ¿ Qué metáfora, doble significado, ironía o contraste
utilizarás para contar la historia? ¿ Cómo quieres que suenen tus
palabras? Por último, ¿qué palabras o
frases son importantes? ¿ Cómo lograrás que tu
oyente los recuerde? [ MÚSICA] Con todo lo dicho, tómate este momento para
terminar tus letras. Una vez que hayas terminado, ya
has terminado. Puedes pasar a
agregar música o hacer lo que quieras
hacer con esas palabras.
14. Reflexiones finales: Enhorabuena por
terminar tu canción y nivelar
con éxito tu escritura lírica. Espero que te haya parecido
útil
todo en este curso y que lo
uses para seguir perfeccionando tu oficio mientras escribes
canciones increíbles en el futuro. Recuerda que no hay forma
correcta de escribir una canción, por lo que puedes usar
tanto o tan poca información como
quieras seguir adelante. Pero aquí hay un par
de cosas a considerar. Número 1, encuentra tu estilo. ¿ Eres un plotter o un panzer, o una mezcla entre los dos? Número 2, usa las cinco
S de la composición. Simplicidad, historia, sentidos, especificidades, y el subtexto. Número 3, juega con las expectativas
del oyente. Los oyentes esperan escuchar ciertas cosas mientras
escuchan música. Presta atención a lo
que
son esas expectativas al notar tus
propias expectativas. Usa
dispositivos retóricos, mezcla y combina esos diferentes dispositivos literarios
y retóricos fin de agregar algo de
especia a tu canción. Mientras estás aquí,
me encantaría
ver en qué has estado trabajando. Adelante y publica tus letras de video o una grabación de audio
en la sección de proyectos a continuación. Desde el fondo de mi corazón, muchas gracias por
tomar mi rumbo. Espero que te haya parecido útil
en tu viaje de composición. Si quieres más información sobre composición, escritura lírica, o música en general, puedes seguir adelante y echa un vistazo a mi canal de YouTube
o mi sitio web, donde tengo toneladas de
composición y recursos musicales, o añada a tus habilidades de
escritura lírica y empieza con
el lado musical de composición en mi curso de
Skillshare , Introducción a la composición de canciones. Ahora vamos a escribir
algunas canciones increíbles. [ RUIDO]
April Keez, Singer-Songwriter and Music Teacher
