Los secretos dorados de la escritura a mano: Crea la postal perfecta | Martina Flor | Skillshare
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Los secretos dorados de la escritura a mano: Crea la postal perfecta

teacher avatar Martina Flor, Lettering Artist, Author & Educator

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Trailer

      1:40

    • 2.

      Introducción

      4:42

    • 3.

      El proyecto

      6:36

    • 4.

      Buscar inspiración

      7:11

    • 5.

      Entrena tu ojo tipográfico

      8:24

    • 6.

      Conceptos básicos del diseño de letras

      11:55

    • 7.

      El papel de la caligrafía en el diseño de letras

      6:49

    • 8.

      Bocetos en bruto

      5:28

    • 9.

      Perfeccionar tu boceto

      13:35

    • 10.

      De analógico a digital

      1:30

    • 11.

      Técnicas para dibujar letras en vectores digitales I

      8:31

    • 12.

      Técnicas para dibujar letras en vectores digitales II

      9:59

    • 13.

      Impresión y corrección

      11:03

    • 14.

      Color y textura

      9:23

    • 15.

      Toma el cuestionario definitivo de Lettering

      0:10

    • 16.

      CONCLUSIÓN

      1:22

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

20.052

Estudiantes

161

Proyectos

Acerca de esta clase

La diseñadora de letras berlinesa Martina Flor te presentará el arte de hacer Lettering y te enseñará los principios del diseño de letras, así como técnicas efectivas para pensar, dibujar y crear una pieza de letttering desde cero. Martina cree que dibujar letras es algo que todo el mundo puede aprender y está dispuesta a desvelar todos los secretos que se esconden detrás de este arte.

También te mostrará cómo es el trabajo profesional con tipografía y lettering personalizados, incluyendo consejos para mejorar tu proceso de trabajo. Saldrás de esta clase con un ojo más agudo para trabajar con tipografía y con herramientas esenciales y prácticas para dibujar lettering y para guiar tu propio perfeccionamiento después. Después de esta clase verás la tipografía de una manera completamente diferente.

______________

Resumen de la clase

  • Avance  ¿Has visto alguna vez una hermosa postal y te has preguntado cómo fue exactamente el proceso de su creación?. La fuente es en realidad una profesión llamada lettering art. Este proceso incluye la creación de conceptos, bocetos y digitalización. En esta clase, la diseñadora de letras Martina Flor te mostrará cómo hacer tarjetas postales inolvidables.
  • Introducción. Esta clase te enseñará en qué forma el lettering, la caligrafía y el diseño tipográfico son diferentes. Por ejemplo, una letra de caligrafía es más fluida e ingeniosa que los diseños de lettering. El diseño tipográfico se trata más bien de hacer coincidir combinaciones de letras estilizadas para la producción en masa, y no de crear algo como una tarjeta postal. El lettering tiene más énfasis en la narración y es más comercial que el arte de la caligrafía.
  • El proyecto.  Tu proyecto consiste en diseñar lettering para una tarjeta postal. La tarjeta solo contendrá unas pocas palabras, pero deberás dedicar mucho tiempo y cuidado a cada letra. Puedes usar los ejemplos de Flor para inspirarte y hacerte una idea de lo que puedes crear. Verás cómo simples combinaciones de formas, color y tipografía pueden expresar mensajes y emociones relativamente complejos.
  • Buscar inspiración.  Mirar algunos sitios web de diseño, te puede ayudar a comprender el lettering. Y así te inspirarás para hacer tarjetas postales originales. Las fotos de caerteles también pueden ser plantillas útiles. Todo, desde apliques cromados en los logotipos de los coches hasta el arte callejero, puede catalizar tu creatividad. Intenta dar un paseo y buscar ejemplos.
  • Conceptos básicos del diseño de letras.  Dominarás tres formas básicas de lettering: cuadrado, círculo y triángulo. La mayoría de las letras encarnan o caen bajo combinaciones de estas tres amplias categorías. Sin embargo, existen diferencias entre letras mayúsculas y minúsculas.
  • Bocetos en bruto.  Ahora es el momento de sumergirte en el proyecto. Aprenderás sobre los diferentes materiales y estilos que pueden ser óptimos para crear tarjetas postales con letras. Por ejemplo, podría ser útil usar papel de calco además del papel normal. Algunos artistas utilizan varios minibocetos, mientras que otros reservan una hoja entera de papel para un borrador.
  • Refinar tu boceto.  Aprenderás a usar papel de calco para refinar tus bocetos en bruto y convertirlos en hermosos diseños aptos para postales. Esta técnica te permite mejorar tus dibujos capa a capa.
  • Técnicas de dibujo vectorial para formas de letras I.  El dibujo vectorial es una habilidad valiosa para cualquier carrera de diseño. Aprenderás a transformar dibujos en activos digitales, que usan vectores para imitar y expandir bocetos en bruto. Este proceso te ayudará a desarrollar formas, curvas y bordes más nítidos. El instructor demostrará los fundamentos del dibujo vectorial, incluidos los puntos extremos y las asas.
  • Técnicas de dibujo vectorial para formas de letras II.  Ahora puedes usar tu conocimiento de los puntos extremos y otros aspectos del diseño para dibujar vectores. Practicarás la manipulación de puntos extremos, asas y trazos. Este proyecto es una gran oportunidad para mejorar tu habilidad a través de Adobe Illustrator.
  • Color y textura.  Aprenderás algunas técnicas para añadir color y textura a tu lettering. Esta parte del proyecto es otra oportunidad para mejorar tus habilidades con Adobe Illustrator.
  • Conclusión.  Cuando termines de usar esta clase, ya deberías comprender los fundamentos del arte de las letras. Tal vez las postales solo sean el comienzo para ti.

QUIZ DEFINITIVO DEL LETTERDescubre cuánto sabes realmente sobre las letras.https://www.martinaflor.com/quiz


Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Martina Flor

Lettering Artist, Author & Educator

Profesor(a)

Martina Flor combines her talents as both a designer and an illustrator in the drawing of letters. Based in Berlin, she runs one of the world's leading studios in lettering and custom typography, working for clients all over the globe such as The Washington Post, Vanity Fair, HarperCollins, Monotype, Etsy, Adobe, Mercedes Benz, Lufthansa, and Cosmopolitan, among many others.

Martina Flor earned her Master's in Type Design from the esteemed Royal Academy of Art in The Hague, The Netherlands. Since then she has dedicated a large part of her time to teaching lettering and type design. She has published two books in several languages, The Golden Secrets of Lettering and The Big Leap, and launch... Ver perfil completo

Level: All Levels

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Transcripciones

1. Avance: Me llamo Martina Flor, y soy artista y diseñadora de letras, trabajando y viviendo en Berlín, Alemania. Dirijo mi estudio sobre letras y tipografía personalizada, donde trabajo en proyectos de diferente tipo para fans de todo el mundo. Supongo que se llama, The Golden Secrets of Lettering, y vamos a estar pasando por todo el proceso de crear una pieza de letras desde cero, desde el concepto, hasta el boceto, hasta la digitalización, incluyendo algunos consejos para agregar color y textura a tu arte final. Este arte final se utilizaría para una postal que pudiéramos mandar a alguien que nos guste, alguien con quien quisiéramos ponernos en contacto, o un completo desconocido. El concepto de esta clase se basa en mi proyecto online de colecciones de cartas, donde diseño y envío postales por todo el mundo, y compartiré con ustedes mi realización de ese proceso. Empezaremos entrenando nuestro ojo tipográfico mirando ejemplos de tipografía o rostros tipográficos que nos rodean. Te mostraré algunos principios teóricos para entender la estructura de las formas de letras, y les compartiré el uso clínico para lograr un resultado más, extremo, personal, y único al trabajar con letras. Esta clase esta apta para principiantes así como para aquellos con experiencia previa, que quieran dar un paso adelante en el arte de letras, y ampliar su conjunto de habilidades creativas. Después de esta clase, veremos la tipografía de una manera completamente diferente. 2. Introducción: Hola, bienvenidos a mi clase. Antes de empezar o de empezar, en realidad me gustaría empezar a definir un poco lo que es el lettering. letras a menudo se confunden con la caligrafía o el diseño de tipo. En realidad las letras es una disciplina sobre sí misma. Lettering es dibujar letras mientras que la caligrafía es escribir letras, esto significa que en caligrafía tratamos de dominar cierta herramienta siguiendo cierto modelo para escribir bellas letras y la caligrafía abraza mucho la aleatoriedad y la sorpresa de un cierto trazo descrito por esta herramienta rascando el papel. En el caso de las letras, es más una disciplina de diseño. Significa que decidimos o tomamos cierta decisión sobre cómo queremos que se vea una determinada carta. ¿ Cómo queremos que sea esta A. ¿ Cómo queremos que se vea esta curva. En este sentido, es bastante similar o está relacionado con el diseño de tipos donde también los diseñadores tipográficos deciden sobre cierta forma que quieren que tengan sus letras. El caso del diseño de tipo, lo que hace un diseñador de tipos es diseñar un alfabeto donde funcionen todas las combinaciones posibles de letras. Esto significa que la fuente resultante, puedo instalar en mi computadora y puedo escribir cualquier palabra con ella, y cada combinación funcionará. En el caso de las letras, estamos produciendo trabajos personalizados. Estamos produciendo trabajo que se aplica en tan solo una o unas pocas aplicaciones. Diseñé una pieza de letras para mi estudio. Tengo esto colgado en la pared de mi estudio para explicar un poco a mis colegas y también a mis clientes sobre de qué se trata mi trabajo. A menudo digo que letras es contar historias con letras. Suena un poco poético, pero al mismo tiempo explica por qué las letras son diferentes al diseño de tipo. Estamos diseñando cartas. Estamos trabajando con formas de letras, pero también estamos contando una historia con eso, estamos comunicando algo. En este sentido combinamos formas de letras, color, textura, y también composición. Decidimos cómo está sentado este cierto diseño en una página determinada. Tratamos de contar una historia, de comunicar algo con eso. Esto se trata un poco de letras. Por último, vengo de un fondo de diseño tipo. Conseguí mi maestría en diseño de tipos en las Badlands. Después de eso, me especializé en letras. En realidad el gran reto en mi carrera era realmente desprenderse, para lograr resultados coloridos, interesantes, y muy extremos. Ya ves que la técnica que voy a compartir hoy con ustedes está informada por estos dos hechos en mi carrera. un lado, el fondo muy nerdy que tiene que ver con saber por qué las formas de letra son como son y cuáles son los fundamentos detrás del diseño de letras y por otro lado, una técnica que desarrollé con el tiempo que me permite crear resultados muy expresivos y extremos. Estos combinados es lo que hoy voy a compartir con ustedes. Quédate ahí, vamos a ver ahora de qué va a ser el proyecto que vamos a desarrollar en esta clase. 3. El proyecto: El proyecto que vamos a hacer juntos en esta clase es diseñar un lettering para una postal. Creo que es una buena manera de empezar a enfocarnos en una palabra o un par de palabras para que realmente podamos sacar lo mejor de esta clase. Me gustaría compartir con ustedes algunas de las piezas que hice para un proyecto paralelo mío llamado Colecciones Laterales; es un proyecto temprano donde diseño regularmente una postal que enviaría a alguien de todo el mundo. La mayoría de estas postales son una forma de explorar diferentes estilos de letras y una forma también de crear series de letras usando el mismo estilo. Esta es una de las postales que hice en mi proyecto. En este caso, utilicé un estilo de letras con serifs abiertos y elegí un esquema de color que funciona muy bien con este concepto. Azul y naranja y negro, no tienen tanto contraste entre ellos, sin embargo el blanco está trayendo el tipo al frente de la postal. Una serie que hice para este proyecto es ilustrar todas las temporadas, por lo que en este caso ilustré el otoño. Las formas de letras se basan en estas rotas o usando esta rota terminaciones de trazo seco que recuerda a los árboles en otoño, así como los elementos decorativos que están rodeando la pieza de letras tienen que ver con el Otoño. La textura que estoy usando dentro de las letras también recuerda las texturas que se encuentran en un árbol o en las hojas. Por lo que en conjunto está hablando del Otoño, el esquema de color que también tiene que ver con esta hojas secas y con estos árboles secos está hablando junto con las formas de letras y el uso de texturas. Por otro lado por ejemplo, para Spring, dibujo unas formas de letra mucho más amigables o formas letra mucho más elegantes con este bornes suaves que se combinan con un esquema de color de primavera, me ayudan a comunicar el idea de florecer y de sol y flores. Esta es una expresión alemana, en alemán geil significa caliente o cool, por lo que esto significa super cool o super hot. Lo que decidí hacer para esto es usar formas de letras muy afiladas que se combinan con este efecto dorado, expresar la idea de súper caliente o cool o super glamorosa. Me gustó este proyecto porque me permite desarrollar series del mismo estilo de letras. En este caso, estaba usando este estilo de letras de los años 50 y podría crear dos postales diferentes y explorar cuáles son las posibilidades de este estilo de letras y utilicé también diferentes esquemas de color pero tienen una relación con cada otro. Para hablar de, excelente, dibujo formas letras muy aseadas y muy elegantes y afiladas. Los combiné con estos florecimientos muy delgados y alegres y el esquema de color, un poco relajado pero a la vez con mucho contraste, me está ayudando a expresar la idea de excelencia y perfección. En la misma dirección pero de manera irónica, utilicé los mismos elementos para esta postal. En este caso intentaba ser irónico, decir algo horrible o no realmente agradable con alguien de una manera muy elegante y refinada. En ocasiones la selección de ciertas formas te ayuda ya sea a ser irónico o bien a reforzar tu mensaje. El último que te estoy mostrando es éste de una cita de unos artistas alemanes, donde usé la idea de artistas y la idea de trazos y gestos muy expresivos. Tradujo esto en trazos muy flamboyantes y en mi topografía. La idea, lo que quieras comunicar, también está relacionada con la combinación de color, formas de letra, textura. Entonces en este primer ejercicio, vamos a concentrarnos en combinar todos estos elementos en una sola postal. Te recomiendo que solo elijas una palabra, máximo dos o tres, para que puedas sacar lo mejor de ella. En un segundo juicio o en un tercer juicio, podrás dibujar probablemente más palabras que esas. Pero te recomendaré que empieces por pequeño trozo de letras. Ve a elegir tu palabra y nos vemos en la próxima conferencia. 4. Buscar inspiración: Ahora me gustaría mostrarles un par de sitios y lugares donde busqué inspiración para mi trabajo. Estamos rodeados de tipografía, por lo que podemos encontrar inspiración en todas partes. En la calle, en el periódico, en el empaque de las cosas que comemos. Estamos rodeados todo el tiempo de tipografía, no necesariamente buenos o bien hechos pero, ojalá, esta clase nos haga más nítidos los ojos para que realmente podamos diferenciar o reconocer cosas que están bien hechas de las cosas que no están tan bien hechos. Tengo dos sitios que me gustaría compartir con ustedes. Tipografía vernácula, es un proyecto de Molly Woodward y supongo que vive en Nueva York porque tiene una breve postura, archivo de tipografía en Nueva York, dividida en diferentes categorías. Por ejemplo, tiene letras doradas. Puedes desplazarte por todos los diferentes tipos de letras de oro en Nueva York. Se puede tener más o menos una visión general de qué formas de letras están en uso en esta técnica. Algunas imágenes son mejores que otras, pero el archivo es Briggs tenso. Tiene también, por ejemplo, neón y luces. Ya se puede ver un cómo el material que se utiliza para construir ese signo está afectando las formas de las letras. Por lo general, con señales de neón, que tratar de mantener el tubo de luz en una pieza a lo largo de varias letras. Aquí se puede ver la conexión entre la B y la A, y la conexión entre la A y la R. Esto es bastante interesante de ver. Hay muchas otras categorías. También me gustará mostrarte tipografía en otros lugares. En Francia, por ejemplo, y es bastante interesante ver cómo las letras están hablando de la identidad de ese lugar. Cómo las formas de letras están empezando a tener una relación entre sí. Cómo también cambian de acuerdo al material del que están hechos. Ya sean de metal o madera o neón como acabamos de ver. Es bastante interesante ver cómo, por ejemplo, letras encontradas en Francia se ven en combinación con las letras encontradas en Italia, por ejemplo. Hay una mezcla de todo tipo de arte callejero. Pero ya puedes encontrar algunas piezas interesantes, y cómo las formas están empezando a tener una relación entre sí. Mira este R por ejemplo aquí y mira la R en este otro signo, tienen una relación en forma y quizá no sea coincidencia que se encuentren en la misma ciudad. Tipografía con guiones o tipografía conectada, y así tipografía de neón. Esta es una bastante interesante para pasar. Hay otra que me gusta mucho. Esto es cromeografía. Se trata de un proyecto de Stephen Coles y es un proyecto colaborativo donde todos pueden realmente enviar fotos. lo que me parece realmente interesante de esto es que es muy específico. Recoge sólo imágenes de los cromos encontrados en los autos. Me pareció increíble que sean tan diferentes entre sí aunque están usando el mismo material y se usan para el mismo propósito. Igual que etiqueta de nombre para ese auto. Lo que también me parece muy interesante de esto es ver cómo se relacionan con el auto y cómo expresan cierta característica de ese auto, si ese auto es rápido o moderno o muy elegante, o si el auto es para familias o un automóvil familiar. Al usar el mismo material, las posibilidades son múltiples o infinitas. En realidad te recomiendo salir y empezar a mirar hacia arriba en tu ciudad y tu barrio, para tratar de identificar las piezas tipográficas que están llamando tu atención. Serán bastante útiles para más adelante cuando empecemos a entrenar nuestro ojo en ser críticos con esas formas o esas piezas de letras. Nos estamos moviendo, ahora, hacia adelante a los conceptos básicos de tipo y cómo podemos identificar las relaciones entre las formas de letras. Vamos a entrenar nuestro ojo para poder diferenciar aquellas piezas de letras que lo valen y las que no lo son. 5. Entrena tu ojo tipográfico: Nos estamos moviendo ahora a los conceptos básicos del diseño de niveles. Algo que considero muy importante al trabajar con tipografía es el sentido de la observación. realmente aprender a mirar y qué mirar y no ser tan ingenuo al mirar la tipografía. Veremos algunos ejemplos de letras que encontré en la calle. Algunos de ellos o creo que la mayoría son de aquí de Berlín. Aprenderemos a analizarlas y a encontrar las relaciones entre las letras y ver cómo se construyen, o trataremos de averiguar cómo lo hizo el diseñador de esa pieza de letras, qué hizo o ella. Podemos ver claramente la relación entre la U y la N, son formas más menos espejadas. También podemos ver rápidamente la relación entre la A y la E, son las dos formas redondeadas de esta letra. Si miramos con más cuidado, también podemos encontrar la relación entre la parte superior de la R y el punto de la I. Este es un ejemplo de letras de neón y de un guión conectado. Esto significa que todas las letras están conectadas por un trazo. Podemos ver aquí también que hay más o menos siguiendo el mismo ritmo y ángulo. También podemos encontrar cierta inclinación para todas las letras. Aquí también encontramos esta relación entre la U y la N, estas dos formas espejadas. También tenemos la M aquí, que está bastante relacionada con la U y una N. También los trazos siempre están terminando con este corte claro. No obstante, es bastante interesante ver cómo este estudio del trazo se compensa con estos trazos finales que salen del final. Están más o menos siguiendo las mismas formas. Otro ejemplo de un script conectado, en este caso es muy evidente cómo todas las conexiones siguen el mismo ángulo. Es muy frecuente el caso de las letras donde las formas de letra tienen que caber en cierta forma. En este caso, este lettering está coronando la entrada de la tienda. Las propias formas de letra están siguiendo un cierto patrón o forma. Todos están compartiendo este principio de esquinas redondeadas. No obstante, también puedo ser crítico con esta pieza de letras y decir que encuentro esta base aquí bajo la Y realmente amplia en comparación con el espaciado en las otras letras. Otro ejemplo de letras siguiendo cierto eje. Este es un ejemplo de una letra de contraste invertida. Esto significa que el contraste está sucediendo en el eje horizontal y la mayoría de las letras la mayoría de las veces, encontramos el contraste sentado en el eje vertical y en este caso está sentado en el eje horizontal. Esto es realmente consecuente en todas las letras. Mira lo pesado que se está poniendo el trazo al bajar o subir. Este lettering se construye a través de cierto material. En este caso, es este alambre metálico el que está construyendo cada letra individual. Lo primero que podemos notar es la relación entre las formas redondeadas, en este caso la E y la A y la D. Además, existe una relación entre las mayúsculas. Mira la complejidad y mira lo anchos que son y lo altos que son. Aquí sucede lo mismo en relación con las capitales. Tienen más o menos la misma complejidad y el mismo volumen. Marcan el inicio de una palabra y esta parada e inicio de la nueva palabra. Aquí podemos notar bastante claro cómo las terminaciones de trazo tienen una relación entre sí. Las terminaciones de trazo K son similares a las terminaciones de trazo de las S y la L. Sin embargo, tengo que ser crítico con esta pieza de letras y decir que creo que el espaciado entre la O y las dos S está demasiado empatado y por eso esta zona es bastante oscura. También podemos ver aquí el principio de terminaciones de trazo, donde los trazos K están relacionados con este final de trazo de la S y el final de trazo del K. Además, el trazo de la K, la T, la M tienen este corte afilado en la parte superior, que también se utiliza aquí en la S. Esto es un poco más detallado, pero mira la relación entre esta [inaudible] de la O y el punto de la I. Ellos más o menos tienen el mismo peso. Al mirar la cierta pieza de letras con un ojo crítico, realidad podemos encontrar las relaciones entre las formas de letra mismas. En realidad podemos darnos cuenta por qué un A es la forma en que está en relación con su endemicidad, la siguiente palabra. Al hacer letras propias, al dibujar nuestras propias cartas, estaremos mirando nuestro dibujo todo el tiempo e intentando averiguar cuál es la mejor solución para cada una de las letras en relación con las letras que ya dibujamos. En cierta carta encontramos ese ADN para construir la carta que viene junto a ella, y la de al lado y la de al lado. La observación es una herramienta crítica para trabajar a hora de dibujar letras y estaremos ejercitando esto todo el tiempo. Ahora nos movemos para averiguar los criterios detrás de las formas de las letras. 6. Conceptos básicos del diseño de letras: Después de entrenar nuestro ojo tipográfico mirando ejemplos, me gustaría mostrarte algunos consejos teóricos que combinados con tu observación te ayudarán a dibujar tus letras mucho más fácilmente. Al dibujar letras o al trabajar con diseño de letras, básicamente utilizamos tres formas o tres formas básicas. Déjame mostrarte lo que quiero decir con esto. Rápidamente dibujaré una palabra con unas letras en ella. En esta palabra, tengo las tres formas básicas con las que voy a trabajar al dibujar mis cartas. Tengo el cuadrado o el rectángulo. Tengo también un círculo o las formas circulares, y tengo el triángulo. Bajo estos tres grandes grupos, puedo agrupar la mayoría de mis cartas. El H está bajo el grupo de formas rectangulares. También puedo nombrar la E, por ejemplo. El L, lo tengo por ahí, pero lo volveré a dibujar. Tengo la T, tengo la I. Bajo el grupo de las formas redondeadas, también tengo la Q. Tengo la O ahora. Tengo la Q. Tengo este C, por ejemplo. Para el grupo de las formas triangulares, tengo la A, tengo la V. Tengo la W. Al identificar estos grupos, también puedo encontrar letras que utilizan características de varios grupos. Por ejemplo, al tener la información del grupo rectangular y combinarla con la información que obtengo del grupo de las formas circulares, puedo, por ejemplo, dibujar un D. Obtengo la información de los tallos que encuentro aquí en el grupo cuadrado. Tengo una idea de cómo se ven las formas redondeadas de este grupo. Aquí está mi información D o ADN de la plaza y de las formas redondeadas. Sucede lo mismo, por ejemplo, si quiero construir una P o una B, o una G. Por ejemplo, si combino ADN de este grupo con el grupo triangular, puedo obtener información para construir una K por ejemplo. Sé cómo son los tallos rectos de este grupo. A partir de aquí obtengo esa información. Puedo averiguar cómo se ven estas formas diagonales de este grupo de aquí. Esto se refiere a las mayúsculas. Lo mismo sucede con las minúsculas por ejemplo. dibujaré rápidamente algunas formas básicas. Al trabajar con letras minúsculas, básicamente tenemos un par de pautas para guiar nuestro dibujo. Aquí está la altura x. Esta es la línea donde estarán llegando todas mis cartas. También tengo una línea ascendente donde letras como B o L o T a veces estarán llegando y tengo la línea de mi descendiente donde estarán llegando letras como P o Q. Aquí dibujaré mis formas básicas. Al tener estas tres formas básicas o estas tres, digamos, formas clave de mi alfabeto, entonces tengo mucha información para construir otras letras. Por ejemplo, si quiero construir un P sé cómo se ve un tallo desde la N, así que solo usaré ese tallo para mi P. Sé cómo se ven las formas redondeadas de mi O, así que sacaré ese vientre P de eso. Sucede lo mismo si quiero construir un B, por ejemplo. Tengo mi tallo otra vez. Aquí está la información. Cuando hablo de información, significa lo grueso que es el tallo, si tiene una curva o no. Todos estos detalles que puedo obtener de lo que ya está en el dibujo. Tengo una P, tengo una B, y se construyen a partir de estas formas clave que tengo aquí. Por bien puedo decir, vale, voy a construir un K. Tengo de nuevo la información de los tallos. Tengo alguna información de la V por ahí que puedo usar para construir estas formas diagonales de mi K. Tengo una idea de cómo se ve un serif, si es redondeado, si es puntiagudo, si está dividida. Por supuesto, esta no es una forma matemática o no es una fórmula para construir las letras y construirlas. Hay, por supuesto, muchas características a ella, a cada una de las letras. Pero básicamente, puedes agrupar letras que tienen que hacer y diseñarlas juntas cuando trabajes en tus letras. La solución para tu dibujo está siempre en el propio dibujo. El último concepto que quiero mostrarles que también será útil para dibujar sus letras es el concepto de espaciado. espaciado es el espacio entre tus letras. Hay un principio que dice que el espacio dentro la letra debe ser similar al espacio entre las letras. Esto significa que el espacio que tengo por allá, si esto es agua, debería poder alimentar la misma cantidad de agua o una cantidad similar de agua aquí en el medio. Esto significa que la propia carta te da mucha información ya de lo lejos que tiene que sentarse de la siguiente carta. Esto es otra cosa a mirar cuando estás dibujando tus cartas. Con este principio, cuanto más gruesas sean tus letras, menos espacio tendrás. Si toda mi carta es más gruesa, tendré mucho menos espacio de contador o espacio interior, y por lo tanto mucho menos espacio entre las letras. Con estos conceptos teóricos básicos, podrás dibujar tus letras mucho mejor y mucho más rápido. Me gustaría mostrarles ahora algunas herramientas caligráficas y cómo influye la caligrafía en las letras. 7. El papel de la caligrafía en el diseño de letras: Me gustaría mostrarles ahora cómo funcionan algunas herramientas caligráficas. Ya hemos visto antes que el estratificación no es caligrafía. No obstante, como nuestro alfabeto proviene de capítulos caligráficos, conocer un poco cómo funcionan las herramientas caligráficas puede ayudarte a un gran momento en el dibujo de tus letras. Yo solo quiero darte una visión general rápida, no te preocupes, no vamos a practicar la caligrafía ahora, pero es solo para darte una visión rápida de las herramientas. Hay dos grandes grupos de herramientas caligráficas. Las herramientas de traducción, se ven así. Son principalmente los que tienen punta amplia o punta amplia. Por ejemplo, este es un plumín amplio. También tienes el pincel amplio. Ahí están las herramientas de expansión, estas son, por ejemplo, el bolígrafo puntiagudo o el pincel puntiagudo, como este de aquí tiene un punto, el pincel. Te mostraré rápidamente cuál es la lógica detrás de estas herramientas. Tomaría sólo dos de ellos para ejemplificar cómo funcionan. Las herramientas de traducción, como dice su nombre, funcionan por traducción. Funciona principalmente configurando la herramienta en el papel en un cierto ángulo y moviendo la mano. El instrumento permanece en el mismo ángulo o inclinación, y tu mano se mueve para describir la letra. De esta forma obtienes este contraste a tu carta que básicamente se hace por la ubicación de la de la punta. El instrumento se puede utilizar de la forma que desee, se puede utilizar de una manera un poco más controlada, siempre siguiendo el mismo principio y se puede utilizar de una manera mucho más libre. Pero el principio siempre es el mismo, el ángulo sigue siendo el mismo y lo que se mueve es mi mano. A las herramientas de expansión, trabajan de una manera bastante diferente; trabajan por presión. Esto significa que al bajar presiono mi herramienta y describo un trazo grueso, al subir suelto la herramienta y describiré un trazo delgado. Presión hacia abajo, liberación hacia arriba, presión hacia abajo , liberación hacia arriba, presión hacia abajo, liberación hacia arriba, presión hacia abajo, liberación hacia arriba, presión, liberación, presión, liberación. Al usar este principio, también consigo cierto ritmo a mis letras, y el ritmo me ayuda a definir dónde comienza y termina cada letra, y esto definitivamente me ayuda a leer la palabra. Esta herramienta, también la puedo usar de muchas maneras: la puedo usar de una manera más controlada, siempre siguiendo el mismo principio. Puedo usarlo de una manera mucho más libre. Lo importante es que siempre guardes el mismo principio; cuando bajas presionas, cuando subes sueltas. Esta es una visión muy superficial de las herramientas. No obstante, les animo a tratar de desarrollar su mano para la caligrafía. No significa que tengas que convertirte en un maestro de caligrafía, pero practicarte o tomar una clase en línea o ir a un taller te dará una mejor visión general y una mejor comprensión de cómo funcionan estas herramientas, y estas te ayudarán para desarrollar tus habilidades como cartero. Ahora, estamos avanzando para ver la técnica o la técnica que uso para bosquejar letras. 8. Bocetos en bruto: Tan bueno. Ahora empezamos con nuestro proyecto, y antes me gustaría contarles un poco sobre las herramientas que uso para trabajar. No es mucho en realidad, uso un lápiz automático, un lápiz mecánico. No tengo preferencia en la marca ni nada. Yo solo uso lápices mecánicos porque no tienes que afilar todo el tiempo y no es tan desordenado. Tengo conmigo un borrador. No lo uso mucho ya verás. También prefiero trabajar con papel suelto. mismo si es A4 o un formato de letra. Creo que este es un buen tamaño para trabajar en los detalles y para moverme rápido con mi dibujo. También me gusta ser independiente de mantener un cuaderno de bocetos, es demasiada presión. Siempre tengo la sensación de que tengo que mantenerlo agradable y tengo que hacer lindos dibujos por ahí. Entonces prefiero mantener papel suelto que puedo tirar si no me gusta y puedo quedarme con lo que tenga sentido. El otro material que uso es el papel de calco. Este. Normalmente compro papel de calco de 40 gramos y me gusta comprarlo en rollo. Para que pueda conseguir esto tanto grande como quiera. Por lo que luego te mostraré cómo usar este papel de calco. Para empezar te mostraré cómo poner tus ideas en papel. Al iniciar un proyecto, no empiezo directamente en el primer boceto. Normalmente hago bocetos pequeños y luego pruebo diferentes composiciones, diferentes estilos de letras, y este es un proceso muy rápido. Me permite ver en qué dirección quiero ir y me permite moverme más rápido. Entonces voy a hacer una postal. Vamos a hacer una postal o letras para una postal. Entonces les voy a enviar una postal que diga Berlín, a ustedes. Lo que básicamente hago es hacer bocetos muy pequeños como este pequeño donde puedo hacerme una idea del formato. Puedo decir, usaré el tipo romano con unas perlas y lo veremos así en el papel. Por lo que muy rápido consigo una idea de cómo se verá esto. Esto podría ser una dirección, otra dirección. Estas son solo primeras ideas. Cuando avance con mi dibujo, esto definitivamente cambiará. El propio proceso cambiaría formas y composición. Déjame probar uno con mi letra. Utilizo mucho mi herramienta de escritura a mano para crear los esqueletos que más tarde puedo usar en mis diseños. Entonces estos son bocetos muy pequeños que hice en unos dos minutos. Me da una idea de diferentes direcciones puedo ir con mi dibujo o con mi diseño. Lo que esto me permite es tener una primera visión general de cómo podría ser la estructura, qué estilo de letras estoy usando, si estoy usando estilo romano no conectado o estoy usando mi propia letra para hacer mi diseño. Pero en muy pocos minutos, puedo decidir un par de direcciones y seguir trabajando en esas más. Por lo que sólo llevaré esto a una escala más grande, ya sea por copia o bien traduciendo esto a un pedazo de papel más grande. 9. Mejorar tus bocetos: Ahora lo que hice básicamente es replicar lo que tenía aquí en mi pequeño dibujo a un tamaño más grande. También se podría hacer una copia, como dije. En esta base, voy a trabajar en capas de mejora. Las capas son estos papeles de calco del que te hablé. Simplemente vamos a colocar una hoja de papel de calco. Lo que es bueno de esta técnica es que al dibujar con capas de papel de calco, recoges lo que fuera bueno del dibujo anterior, puedes volver a recogerlo, solo puedes copiarlo, y lo que fuera que estuviera mal, puedes cambiarlo y mejorarlo. Tienes la oportunidad de mejorar realmente tu dibujo sin volver a empezar realmente y sin destruir el dibujo que hiciste antes. Lo cual te permite moverte mucho más rápido, para hacer todos los cambios que quieras tener menos cuidado con tu propio dibujo. Lo que me gusta hacer con mis diseños es probar diferentes cambios extremos. Por ejemplo, en este caso tengo estas fases, pero podría decir, vale, ¿ qué pasa con que esto sea súper grueso? En mi siguiente capa, puedo probar cómo todo este diseño, usando eso como base podría verse mucho más grueso. Normalmente trabajo muy rápido al principio, no me detengo en los detalles, solo me gusta definir las formas generales, y pasar de lo general a lo particular, del panorama general a los detalles. Creo que al principio hay mucho más toma de decisiones que hacer en el panorama general que en los propios detalles. Sucede mucho que al principio te encuentres trabajando durante una hora en una E, o dibujando una N que después tendrás que cambiar porque no funciona con tu R ni con tu T o algo así. Lo que estoy haciendo ahora es básicamente aplicar una decisión a todo el diseño. Dije, hagamos todo más grueso, así que solo estoy haciendo todo más grueso. Estoy usando la información que tengo debajo con mi dibujo anterior. Estoy usando eso como base así que no estoy empezando de nuevo. Tengo algo en lo que puedo basarme. Pero al mismo tiempo, estoy cambiando radicalmente lo que hay en el papel. Todo se está volviendo mucho más grueso ahora. Mira, estoy trabajando muy rápido, muy duro. Otra cosa importante cuando dibujas es que rellenas la forma así. No trabajes con contornos sólo porque cuando se trabaja con contornos, no se tiene una idea de lo pesada que es una letra en comparación con la otra. Al usar el campo de forma así, aunque sea realmente rugoso, puedes hacerte una idea de lo grueso, lo pesado. ¿ Cuál es el volumen de cierta forma? Esta es la mi segunda capa, esa es mi primera, esa es mi segunda capa. Esta es mi segunda capa. Ya tengo algo bastante diferente a lo que tenía antes. ¿ Puedo seguir haciendo cosas de cambios de toma de decisiones? Por supuesto. Se puede. Por ejemplo, en mi segunda capa, di, vale, quiero que mis cartas sean mucho más altas y les quiero un poco de nitidez. Puedo hacer que todas mis cartas sean mucho más altas, y no tengo que pensar mucho. Sólo tengo que cambiar la característica que dije voy a cambiar. Esto hace que la palabra sea bastante fácil y también el hecho de que no estés destruyendo tu dibujo, nuevo te está animando a hacer cambios. También es bueno cuando dibujas rápido en el principio mismo. Estoy dibujando todo más alto ahora. Dibujar rápido te permite moverte a través de todas las letras más o menos al mismo tiempo. Si dibujas despacio, significa que te quedas demasiado tiempo con cada letra y estás perdiendo la atención en el resto. Aquí estamos con mi tercera capa. Hay muchas cosas que refinar y decidir. Lo que también hago a veces es probar soluciones en letras individuales. Por ejemplo, no sólo el panorama general, sino también como soluciones a cada letra. No hay sólo una forma de dibujar un R. No hay sólo una forma de dibujar un E. A veces sólo tomaré un trozo de papel y trabajaré en cierta letra. Por ejemplo, di bien, ¿cómo funcionará así esta E? ¿ Eso funcionaría mejor que mi otro E o no? ¿ Debería cambiarme la R también en su caso? Además de cambiar el panorama general de tu diseño, esta técnica es buena para probar soluciones únicas para letras. Recuerda que no solo hay una forma de dibujar una E o una R o dibujar una B. Hay varias soluciones para cada forma y será bueno si la exploras al dibujar. Creo que siempre es bueno probarlo al trabajar con tipografía o al dibujar letras, siempre es bueno probarlo. No planees, no digas, bueno si muevo esto a la derecha, se verá incómodo o la E debería moverse o lo que sea. Simplemente pruébalo, por eso esta técnica es tan útil para eso, porque no pasas tanto tiempo dibujando algo, solo lo intentas, si no funciona, entonces puedes saltarte. Si funciona, entonces es un precio y no necesitas planear tanto sobre cómo o qué quieres hacer, pero solo puedes hacerlo y probarlo. Lo que quería mostrarles con esta técnica es que con tan solo unas pocas operaciones que hice, podía alejarme de mi dibujo inicial. Creo que lo que es interesante de esta técnica es primero que se puede avanzar muy rápido. Que no tienes miedo de probar soluciones porque no estás destruyendo tu dibujo. Eso se puede llegar a resultados muy extremos si nos fijamos en el primer dibujo o en el primer boceto que hice y cómo resultó esto. Esto está bastante lejos, aunque está hablando el mismo idioma o está usando las mismas formas básicas. Creo que explorar un poco en principio cuáles son tus posibilidades te permite decir, “quiero ir en esta dirección, o quiero ir algo un poco más extremo en esta dirección, o quiero algo un poco más a un poco más de control como este, o algo que se sienta entre esos dos en términos de peso”. Esta primera exploración te da una visión general de cuáles son las posibilidades de tu diseño? En este caso, elegiría uno de estos y luego seguiré trabajando en capas, pero esta vez, tratando de poner un poco más de atención en los detalles sobre cómo son esas serifs? Si son redondeados, si son realmente afilados, si el espaciado entre las letras encaja o no? Tomaría este dibujo aquí, me gustan mucho los diseños de grasa extrema, y seguiré desarrollando aún más en capas. Mejoraré detalles, trabajaré un poco más lento, pero llegaré a un boceto más limpio y limpio. Este es mi boceto final, digamos. Este será el boceto que enviaré a otro actor en el caso de una comisión comercial. Probablemente solo presentaré también un esquema de color que me gustaría usar y escribir en texto algunas aclaraciones sobre concepto o idea general del diseño. Es realmente importante que trataras de resolver la mayoría de los problemas en el papel. Ya verás cuando pasemos al dibujo digital, que todo se mueve mucho más despacio. Tener esta técnica en el boceto analógico, te permite probar cosas y resolver problemas mucho más fácil de lo que será en digital. Ahora estamos avanzando para escanear este dibujo y llevarlo a nuestra computadora. 10. De analógico a digital: Ahora te mostraré rápidamente cómo escanear tu dibujo o boceto analógico. No hay nada realmente especial en la forma en que escaneo, apuesto a que ustedes ya saben escanear cierta imagen. No obstante, te mostraré cómo lo hago. A mí me gusta guardar una copia de seguridad digital de todos mis bocetos de mano. Intento escanear mis dibujos en una resolución bastante alta. Utilizo 600 DPI y lo escaneo en blanco y negro porque solo es lápiz sobre papel. Normalmente lo guardo en una carpeta de imágenes dentro de mi proyecto, me gusta mantener una carpeta de imágenes o una carpeta de escaneos en mi carpeta de proyecto, y voy a llamar a esto Berlín y JPEG, es un formato bastante razonable cuando estamos usando 600 DPI de todos modos. Entonces voy a escanear ahora. Bien, entonces tengo mi boceto de mano ahora y este es normalmente el escenario donde enviaré este boceto a otro director en el caso de una comisión comercial. En este caso, no estamos trabajando con ningún otro director, por lo que simplemente nos estamos moviendo directamente al dibujo digital. 11. Técnicas para dibujar letras en vectores digitales I: Escaneamos nuestro dibujo, lo importamos a nuestro archivo. Ahora me gustaría mostrarles una técnica que se utiliza para dibujar letras en vectores. Digitalizar tu dibujo no significa bajo ninguna condición, usar la función de trazado automático en Illustrator o cualquier software digital o software vectorial que estés usando. Esta función de traza externa, lo que hacemos es convertir tu dibujo en miles de puntos que imitarán esta sensación artesanal que tiene desde el boceto analógico. Si lo que queremos es conseguir formas y curvas realmente bonitas y afiladas a nuestras letras, entonces tenemos que utilizar la técnica de los puntos extremos. Esta es una técnica en la que se utilizan los pocos puntos que se pueden. Cuanto menor cantidad de puntos uses es menor cantidad de trabajo y más rápido podrás moverlo con tu dibujo digital. Al principio, es bastante difícil entender el concepto de puntos extremos, pero en realidad es después de un tiempo verás que te hará la vida mucho más fácil. Para entender este concepto, una manera muy fácil de dibujar un círculo en tu software de dibujo vectorial. Si dibujas un círculo, verás que obtendrás cuatro puntos. Estos puntos son los extremos. A partir de cada punto, tendrás dos asas. Se verá más o menos así. Este maneja y los puntos son los que controla cierta curva. Para modificar esta curva, para cambiar la forma de esta curva, entonces tendré que trabajar con esos dos puntos extremos y con esos dos mangos. Esto significa que si quiero que esta curva sea un poco más contundente, entonces solo haré que mis asas sean un poco más largas. Mi curva se volverá más contundente. Si esta era mi curva inicial, y muevo estos mangos hacia la derecha y hacia arriba y hacia arriba. Esta será la curva resultante. Esto simplifica mucho el trabajo con curvas. Si voy a tener un punto extra aquí, entonces tendré dos asas más con las que tengo que lidiar. Para modificar aquí esta curva, tendré que mover este punto, otro punto, un tercer punto, y luego 1, 2 y 3, 4 asas en lugar de las dos asas que tengo ahora. Esto se traduce en nuestro dibujo. Si tengo un no, por ejemplo, siempre encontrarás tus puntos extremos en el eje horizontal y en el eje vertical. Si dibujas líneas verticales y horizontales, será mucho más rápido para ti encontrar esos puntos. Los puntos extremos se sientan siempre en la intersección entre estas líneas horizontales y la curva. Donde la curva se encuentra con la línea horizontal, encontrarás más fuerte para que puedas verla bien. Ahí están mis puntos extremos. La ubicación de los mangos y los puntos es realmente importante para que tu dibujo sea correcto. Si tienes cierta curva, tienes que tratar de resolver esta curva. Con los dos puntos extremos y los dos mangos pertenecientes a ese punto extremo, esto significa que la ubicación de estos puntos es bastante importante. Idealmente, tus mangos estarán trabajando en la curva o estaríamos haciendo la misma presión en la curva. En este caso, esta manija, está haciendo mucha más presión en esto para que esta curva sea correcta, y ésta está haciendo muy menos trabajo. Es muy importante que la ubicación de tus puntos sea correcta y que tus mangos mantengan un cierto equilibrio, que no haya uno haciendo todo el trabajo y el otro solo sea perezoso no haciendo nada. Tienes que tratar de mantener un equilibrio entre esos. Para mantener un equilibrio entre esos, lo mejor es tratar de encontrar la mejor ubicación para los puntos extremos y la mejor longitud para tus asas. Te recomendaré empezar por localizar primero los puntos extremos en tu dibujo, lo haría con mi dibujo. Creo que al principio es bastante fácil sólo tratar de encontrarlos, o es mucho más fácil al principio tratar de encontrarlos en tu dibujo sobre papel. Usando este principio de las horizontales y verticales, puedo encontrar los puntos extremos mucho más rápido. Dibujaré aquí algunas horizontales y verticales. Para mi B, encontré mis puntos extremos por ahí, por ahí, por allá, y por ahí, tengo algunos otros aquí y tengo otro ahí mismo. Te has dado cuenta de que también tengo esquinas, las esquinas entonces no estoy describiendo ninguna curva, así que solo necesito un punto donde una línea pueda ir de ese punto al siguiente. No necesito mangos ni nada más. Los rincones son sólo puntos rotos. Después de localizar tu punto extremo, también encontrarás tus asas. Te recomiendo tratar de encontrar los puntos en tu dibujo analógico, en tu boceto antes de dibujar en tu software de dibujo vectorial. Ahora que encontré un par de puntos en mi dibujo, me trasladaré a Illustrator para ubicar realmente esos puntos. 12. Técnicas para dibujar letras en vectores digitales II: Ya localizé mis puntos extremos en mi dibujo para entender mejor cómo trabajar con puntos extremos. Ahora vamos a dibujar en vectores con estos puntos extremos. Voy a empezar por ubicar los puntos extremos en el B, que es el del papel. Voy a llevar esta herramienta aquí, la Herramienta Pluma, y voy a empezar a localizar esos puntos extremos. Para mantener tus mangos siempre rectos, basta con hacer clic y arrastrar, presionando shift, y eso siempre mantendría los puntos extremos en las líneas verticales y horizontales. Como puedes ver, estoy organizando constantemente los mangos para que puedan trabajar juntos en la misma curva. Al escribir estos puntos donde hay una esquina, puedes romper el punto presionando hacia fuera y girando ese mango. En la esquina está el lugar donde puedo romper estos puntos. Te recomiendo separar las letras simples en los varios trazos que tienen. Por ejemplo en este caso, tal vez esté compuesto por tres trazos, tallo, el primer trazo, y el segundo trazo por lo que simplemente los dibujaré individualmente. También puedo editarlos individualmente después. En este tallo, me quedaré los mangos porque en realidad no quiero tener líneas rectas en esta forma. En realidad quiero tener alguna curva a ello. Siempre que quiero tener una curva, necesito tener asas para ello. Puedo convertirlo en negro y desactivar la capa de fondo. Este es el primer dibujo, hay mucho ajuste que hacer. No se ven bonitas las curvas. Pero el primer paso para digitalizar tu dibujo es colocar realmente los puntos donde deberían estar. Seguiré colocando esos puntos extremos en las demás letras. El mejor es mantener las letras independientes y no conectadas. Se pueden mover las letras cuando hay un problema de espaciado, cuando hay un problema de ancho. Simplemente puedes trabajar en esa carta de forma individual. Al igual que en el dibujo analógico, recuerda convertir siempre la forma en negro para que realmente puedas ver lo pesada que es esa letra. A lo que me refiero con mantener las dos letras individualmente o independientes entre sí es que en realidad puedo decir, necesito un poco más de espacio. Necesito que esto esté un poco más cerca, para poder moverme en realidad. Tengo algo de espacio para mover las letras y editarlas individualmente. Yo sólo seguiría con el resto. Como dijimos antes, idealmente, resolveremos todos los problemas y haremos la mayor parte de la toma de decisiones en papel porque se mueve más rápido que dibujar con vectores. No obstante, esto no quiere decir que no podamos cambiar ni mejorar las formas cuando se trabaja con vectores. Este es el proceso de diseño y debe avanzar todo el tiempo, en papel como en la computadora. Notaremos temas que no nos dimos cuenta antes. En este caso, ya puedo ver algunos temas pasando aquí. Hay demasiadas partes gruesas, voy a necesitar unos trazos delgados en esta zona. Si comparo el trazo aquí con todas las demás letras, todas tienen este delgado trazo a ella. Yo quisiera tener algo de eso en estos rubros. Trataré de agregar un poco de trazo fino a este pincel también. Lo mismo está pasando con la B mayúscula Creo que tendré que hacer que todas esas partes delgadas sean mucho más delgadas de lo que realmente son. Si lo comparo de nuevo con las partes delgadas de la minúscula, entonces estas son bastante gruesas. Seguiré mejorando mi dibujo moviendo esas asas y colocando esos puntos. Además, trataré de hacer estas curvas realmente bonitas y pequeñas. Trataré de identificar los problemas en estas curvas. Por ejemplo, ya puedo notar estos baches por aquí, y es probablemente por eso porque estos mangos están demasiado cerca el uno del otro. Están sobretrabajando ahí mismo. Se trata de un trabajo artesanal en un entorno digital, por lo que ahora sigo refinando mi dibujo. Esta es la primera digitalización que hago, y es el primer paso para colocar los puntos extremos y mejorar algunas formas. Ahora bien, me gustaría imprimir. Idealmente imprimirás varias veces durante tu proceso. En realidad puedes tomar cierta distancia de tu dibujo, hacer algunas notas, decidir qué cambios quieres hacer y volver a tu dibujo digital. Ya voy a imprimir. Voy a imprimir en el tamaño para el que en realidad está destinado. Este es a la vez el tamaño actual. A ver cómo va. 13. Impresión y corrección: Al trabajar con vectores, es realmente importante que imprimas de vez en cuando tus dibujos. ¿Por qué es eso? Porque es una forma de tomar una foto de una determinada etapa del proceso y hacer notas, hacer correcciones, identificar lo que está mal, tomar un poco de distancia de lo que esté haciendo en la computadora, y decidir los siguientes pasos de su proceso. Imprimí aquí mi dibujo. Lo que sea que esté dibujando sobre vectores en la computadora y voy a hacer algunas notas y luego voy a ir a cambiarlo en mi dibujo. Tengo mi impresión aquí. En un principio, vamos a trabajar sólo en blanco y negro para que en realidad podamos ver las formas de manera clara y tan afilada como podamos. Al imprimir, sólo voy a tomar notas en estos papeles para poder tener un plan para seguir trabajando en el dibujo digital e ir y cambiar la posición de esos vectores y mover esas asas. hora de criticar tu dibujo, lo que básicamente estarás haciendo es lo que hicimos en un principio, donde estábamos viendo ejemplos ya existentes de tipografía y criticando y encontrando las relaciones entre las formas y encontrar también cosas que vamos a cambiar. En este caso, las primeras cosas que voy a estar viendo son las mismas anchuras. Voy a estar comparando cómo están funcionando todos estos tallos dentro de la letra y lo gruesos que son en comparación con los demás. Lo primero que noto aquí es que mi tallo N por ahí es bastante grueso en comparación, por ejemplo, con el otro trazo final. Esto es algo que voy a cambiar a continuación. También noté que el tallo de la R es bastante delgado. Esto podría crecer un poco de espesor. También me gustará comparar las formas redondeadas aquí en las conexiones. Noto, por ejemplo, que esta E y esta R tienen mucho que hacer y también esto estoy trabajando de la misma manera. Puedo ver que mi curva L es mucho más nítida que las otras curvas de ahí. Esto es algo que quiero cambiar en mi siguiente paso. También noté que mi R se está hundiendo o mi E está volando. Al dibujar una línea de base, puedo ver que la E no está sentada en la misma línea de base, por lo que probablemente esto tenga que bajar un poco. Al mirar la curva noto que las partes delgadas de mi letra mayúscula son más gruesas que las partes gruesas de mis letras, que a veces podrían funcionar. Por lo general, las mayúsculas son letras más grandes y tienen un espacio más grande, más en blanco. Intentas compensar este espacio extra en blanco haciendo los trazos un poco más gruesos en todas partes. Por eso los trazos de mi B son tan gruesos en comparación con los trazos de mis letras minúsculas. En este sentido, creo que mi trazo por aquí es bastante grueso. En realidad es más grueso que las mayúsculas. Creo que esos dos o esos dos trazos podrían tener una relación entre sí, y podrían compartir el mismo grosor. Voy a tratar de hacer que todo este trazo sea un poco más delgado en la siguiente ronda. En cuanto a las terminaciones de trazo, por ejemplo , aquella de aquí, esa de aquí, y esa de aquí, yo intentaría igualarlas, tratar de trabajar con la misma forma dentro de las letras. Por fin, creo que este pequeño detalle allá en la forma de condominio de la N es más bien redondeado en comparación con otras formas que estoy usando en mi diseño. Creo que esto podría convertirse tal vez en un filo más afilado, por lo que esta conexión podría en realidad volverse más nítida de lo que es. No estoy seguro, es sólo una solución. Voy a probarlo y a ver si funciona mejor. Ahora voy a ir a mis dibujos digitales y trabajar en esos puntos de anclaje y vectores. Tengo mi dibujo digital y voy a empezar a mover esos puntos de anclaje de acuerdo a las correcciones que hice en mi impresión. En primer lugar, voy a duplicar la capa. Esto hace un seguimiento de los diferentes cambios que voy a hacer a mi dibujo digital así como mantuve esas capas en el boceto analógico. Voy a empezar a hacer esas correcciones. Voy a guardar, recuerda guardar tu archivo. Como pudiste ver, hice mucho cambio durante este proceso. El terreno digital también es un lugar para hacer mucha toma de decisiones. La decisión más llamativa fue, por ejemplo, cambiar la dirección del trazo, este understroke aquí, creo que funciona mucho mejor con esta línea de base curva donde están sentadas las letras. También cambié la escala de la letra mayúscula y definí un poco mejor las terminaciones de trazo. Ahora hay un borde afilado y un borde redondeado. ¿ Hay más lugar para seguir cambiando de cosas? Por supuesto, siempre hay espacio para seguir cambiando cosas. Miraré este dibujo en un mes y pensaría en cosas que me gustaría cambiar. No obstante, ahora me detendré aquí y ahora pasaremos a añadir color y textura a mi pieza de letras. 14. Color y textura: He mejorado mis formas de letras con puntos extremos en mi software de dibujo vectorial. Ahora te voy a mostrar un par de trucos que uso o mis trucos para agregar color y textura a tu dibujo. Agregar color y textura a tus letras no es necesariamente el último paso de tu proceso, estas son partes importantes del diseño, por lo que decidirás sobre esto por adelantado o durante el proceso de confeccionar tu pieza de letras. Eso es todo, me gustaría mostrarles un par de técnicas que utilizo a la hora de agregar color y textura a mis diseños. Elegir un esquema de color puede ser difícil. Hay tantos colores en el mundo, así que siempre busco inspiración. En este caso, la inspiración puede ser realmente clara. Hablo de Berlín. Puedo obtener inspiraciones en las fotos de Berlín. En otros casos, buscaré inspiración en imágenes fijas de películas o imágenes que me recuerden cierto tema o concepto. Simplemente iré a Google y buscaré imágenes de Berlín. Voy a mi imagen y solo toque. Aquí obtengo una visión general de imágenes muy turísticas de Berlín, el Brandenburger Tor, algunas imágenes del skyline. No obstante, desde que vivo aquí, puedo ver que éste se parece más o menos a Berlín, también el esquema de color, la tendencia a ser un poco gris, un poco nublado, y este hierro cubiertas por ahí son bastante más grandes, también esta construcción de ladrillo. Yo tomaría esta imagen, creo que tiene el ambiente de Berlín. Simplemente tomaré esta foto y la usaré para obtener un esquema de color que me vendría bien. Voy a sacar este verde de las cubiertas. También este color de ladrillo por allá debe ser de color marrón. Esto es algo que puedo ajustar más adelante. También voy a conseguir algo de este gris claro por ahí. Dejaré esta imagen a un costado. Duplicaré mi capa para hacer un seguimiento de mi proceso, vector tres color y textura, cómo lo llamamos. Entonces aquí tengo mi esquema de colores, y usaré esto para agregar color a mi dibujo. Por supuesto este esquema de color es un punto de partida, es solo una forma de encontrar un par de colores con los que podría trabajar. Puedo cambiar los tonos, puedo cambiar la opacidad. Puedo cambiar muchas cosas al tener esos colores como base. También puedo idear cualquier esquema de color que quiera, pero esto es por supuesto una forma más fácil o una forma más rápida de encontrar un concepto de color. Mantendré este color marrón para agregar detalles más adelante. Me gustaría mostrarles también cómo agregar textura a su diseño. El dibujo digital tiende a verse muy digital, así que si queremos que nuestro diseño se vea un poco más natural, un poco menos rígido, entonces tenemos un par de trucos para agregarle algo de textura. A lo largo del tiempo, he construido una biblioteca de diferentes texturas; fotocopias texturas, texturas de todos los papeles, manchas texturas que uso en mis diseños a menudo, y sigo produciendo cada vez. Tengo aquí por ejemplo, una vieja textura de papel. Es sólo un papel viejo escaneado, y me ayuda. Yo sólo añadiría esto. Me ayuda a sumar un poco de todo sentimiento a mis dibujos. Déjame abrir la capa de transparencia. No me gusta hacer tan obvio que hay una textura encima de mi dibujo, quiero que el tipo sea o las formas de letra sigan siendo la estrella de la pieza. Puedo definir la opacidad de la misma moviendo este mango aquí, pero esto agrega ya un poco de atmósfera a mi dibujo, que de lo contrario me dejaré poner esto en otra capa, que de lo contrario se verá mucho más digital. Déjame mostrarte otra foto que tengo. Iré a Place, se llama ruido. Es sólo una capa de ruido. Por supuesto esto cubrirá totalmente mi diseño, pero si lo uso en una opacidad muy baja, entonces solo está agregando un poco de ruido, por lo que la diferencia es bastante sutil, pero un ojo entrenado podría notar cuando la textura es aplicado o no. Esto es algo que más bien tengo en mis diseños. Puedes decidir si quieres tenerlo en tu diseño o no. Si quieres que tu diseño luzca muy digital, entonces tal vez esto no sea algo que deberías usar. También me gusta tener algo de sombra a mis cartas, y al decir sombra, me refiero a una sombra muy sutil sólo para hacer un poco más oscuro el fondo de las letras, para que puedan brillar un poco más. Yo iría a valores muy bajos. Aquí vamos. Es realmente sutil, es realmente suave, pero añade un poco de contraste a mi dibujo. Por agregar color y textura a tu pieza de letras, seguiré agregando detalles, me gustaría usar este marrón para agregar algunos elementos decorativos a mi dibujo, así que espero que sigas mejorando tu dibujo también. 15. Toma el último cuestionario de letrado: El cuestionario definitivo sobre letras. Descubre lo mucho que sabes realmente sobre las cartas tomando el cuestionario gratis en martinaflor.com/quiz. Disfrutar. 16. Conclusión: Bien. Ya terminamos con nuestro proyecto. Hemos aprendido a bosquejar nuestra propia pieza de letras desde cero utilizando capas de refinamiento. También hemos aprendido a dibujar formas de letras en vectores digitales, y hemos digitalizado nuestra pieza de letras, y hemos aprendido a agregar color y textura a nuestro arte final. Lo más importante, no lo hemos hecho copiando ningún otro modelo ya existente, sino entendiendo la lógica detrás de las letras y dibujando nuestras propias formas. Mi último consejo para ti será la práctica. Practica mucho. Esta es la única forma de mejorar realmente. No importa si esta vez tu arte final no se ve perfecto. Te aseguro que la próxima vez que hagas una pieza de letras, se verá mucho mejor. Esperemos que esta clase te haya dado un conjunto de herramientas para guiar tu propio desarrollo como cartero después, y te haya ayudado a entrenar los ojos para criticar [inaudible] y trabajar con él. Tengo ganas de ver lo que hiciste. Espero que publiques tu proyecto final en la página Proyecto Final, y no olvides enviar tu postal a la persona que diseñaste esta postal también. Te voy a mandar chicos la postal que hice.