Lettering digital: controla tus curvas y mejora tus diseños | Martina Flor | Skillshare
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Lettering digital: controla tus curvas y mejora tus diseños

teacher avatar Martina Flor, Lettering Artist, Author & Educator

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Avance de la clase

      1:00

    • 2.

      Introducción

      6:39

    • 3.

      Lleva bocetos a tu computadora

      7:43

    • 4.

      Dibujo con vectores

      6:16

    • 5.

      Ajustes ópticos y prácticas recomendadas

      16:12

    • 6.

      Cómo elegir un esquema de color

      6:10

    • 7.

      Agrega textura

      13:13

    • 8.

      Toma el cuestionario definitivo de Lettering

      0:10

    • 9.

      Reflexiones finales

      2:49

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

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Proyectos

Acerca de esta clase

QUIZ DEFINITIVO DEL LETTERDescubre cuánto sabes realmente sobre las letras.https://www.martinaflor.com/quiz


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Martina Flor

Lettering Artist, Author & Educator

Profesor(a)

Martina Flor combines her talents as both a designer and an illustrator in the drawing of letters. Based in Berlin, she runs one of the world's leading studios in lettering and custom typography, working for clients all over the globe such as The Washington Post, Vanity Fair, HarperCollins, Monotype, Etsy, Adobe, Mercedes Benz, Lufthansa, and Cosmopolitan, among many others.

Martina Flor earned her Master's in Type Design from the esteemed Royal Academy of Art in The Hague, The Netherlands. Since then she has dedicated a large part of her time to teaching lettering and type design. She has published two books in several languages, The Golden Secrets of Lettering and The Big Leap, and launch... Ver perfil completo

Level: Intermediate

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Transcripciones

1. Avance de la clase: Hola, me llamo Martina Flor y soy diseñadora de letras, viviendo y trabajando en Berlín. Dirijo un estudio en topografía y letras personalizadas, y trabajo para clientes de todo el mundo. Muchos de nosotros, creamos letras dibujando composiciones en papel e incluso finalizando el diseño en papel o en sus iPads. No obstante, algunos proyectos requieren esta escalabilidad y versatilidad e incluso la afinación fina que la victoria, dibujando el proporciona. Si quieres que todo nerdy trabaje en las curvas de tus formas de letra y agregando profundidad visual a tu diseño, esta clase es para ti. Aprenderás una técnica efectiva para dibujar con vectores en Adobe Illustrator o en tu aplicación de dibujo favorita. Te mostraré cómo pulir tus formas y hacer ajuste óptico. Posteriormente, veremos una técnica intuitiva para encontrar un esquema de color para tu obra de arte. Por último, exploraremos algunos efectos y tratamientos de textura para agregar táctiles a tu diseño. Tengo ganas de verte por ahí. 2. Introducción: Hola a todos, gracias por unirse a mi clase. En esta clase vamos a hablar de letras digitales. Quisiera empezar hablando de los Gs generales y de las ventajas de trabajar con letras vectoriales de fuentes. Trabajo principalmente con letras digitales. Lo que realmente me gusta de trabajar con vectores es que puedes tener un control total de tus formas. Siempre digo que las letras digitales un ejercicio de diseño porque estás decidiendo la forma perfecta de esa curva, estás decidiendo la forma perfecta de ese florecimiento en todo por encima de tu mano, pudiendo dibujar esa forma. Pero se trata de lograr con la técnica que estamos usando el vector-dibujo, logrando esa forma perfecta que tienes en la cabeza. Entonces no se trata tanto de ser un hábil con las manos, pero se trata mucho más de colocar los puntos y mover esas curvas y mangos en los lugares donde quieres tenerlos para que tengas la forma exacta que quieres lograr. Pero una de las ventajas de trabajar con dibujos vectoriales es que son escalables. que puedas, por ejemplo, en proyectos tipo logotipo, puedes tener esa pieza de letras aplicada en tamaños muy pequeños e incluso en tamaños muy grandes. Entonces el ejemplo de una marca que necesita usar su tipo de logotipo o su branding y rayo aplicaciones muy diferentes como en una campaña publicitaria y en un gen mendigo y en tarjetas de visita. Por lo que te aseguras de que tu diseño sea utilizable en todas estas aplicaciones. Es por eso que el dibujo vectorial es muy útil, puedes escalarlo tanto como quieras sin perder nitidez. Otra ventaja de trabajar con dibujos vectoriales o letras digitales es que te permite tener un mejor control sobre tus formas. Por ejemplo, también en el diseño tipo logotipo. Muy a menudo necesitarás tener un diseño que también funcione en tamaños pequeños. Por lo que necesitarás hacer algunos ajustes ópticos a tus tipos de logotipos, para que funcione en tamaños pequeños. Y tener un dibujo vectorial te permite tener un mejor control de dónde se sembrarán las partes delgadas y gruesas de tu dibujo, y ajustarlo de acuerdo al tamaño. Trabajar con letras digitales también permite agregar muchas más capas de elementos decorativos y ser mucho más económico, después de usar esos elementos. En el sentido de que puedes usar partes que has dibujado antes y las usamos en otros lugares. Por lo que creas una especie de módulos dentro tus florecimientos o tus elementos de decoración y los usarás en otros lugares de tus letras. Por lo que no sólo se aplica al diseño tipo log-type, sino que también funciona con diseños muy elaborados con muchas capas de textura y decoraciones. Para que con el dibujo vectorial, puedas crear diseños muy intrincados donde reutilizas o copias ciertas partes y las reutilizas en otros lugares de tu composición. Entonces eso hace que todo el proceso sea mucho más económico para ti. Por lo que también es genial trabajar con composiciones que involucrar otros elementos como fotografía o ilustraciones, para que puedas crear diseños que involucren varias capas. Por lo que tienes la capa de tipografía, la capa de los elementos decorativos la fotografía, el fondo y se pueden editar individualmente sin que se colapsen en una sola capa. último, pero no menos importante, es que los entornos digitales te proporcionan muchas herramientas que una vez que puedes usarlas correctamente y aprendes a usarlas, puedes fingir un estilo de vida en el buen sentido. Eso te ayuda mucho con tu narración. Por ejemplo, necesitas crear una letra que parezca hecha de oro o si necesitas crear una letra de pieza que funcione con objetos o está hecha de objetos, por ejemplo, si necesitas crear formas de letra que sean hecho de cinta, entonces el entorno digital te da herramientas que te permiten imitar mejor el flujo o las formas de la cinta. Y eso le da mucho poder a tus letras para contar mejor esa historia. Por lo que el dibujo vectorial también tiene sus retos. A medida que avanzamos con nuestro proyecto, notarás que el dibujo vectorial o trabajar con vectores está en el principio mismo, una técnica que consume mucho tiempo. Pero a medida que avanzas y ganas más experiencia con la técnica, esta técnica se convertirá en tu mejor amiga. Esta la mejor técnica que yo y muchos otros, los diseñadores de cartas y las letras en el mundo utilizan para controlar mejor sus formas y digitalizar sus diseños. Otro reto es que a menudo cuando digitalizas tus dibujos a mano, eres dibujos vectoriales tienden a parecer un poco más rígidos solo porque tratamos de normalizar algunas de las formas y algunas de las curvas. Entonces veremos que algo necesita cuidar que no suceda, que seamos capaces de traducir las formas que dibujamos a mano y su naturaleza y su atractivo flexible. Trabajaremos para traducir esas formas correctamente en un dibujo vectorial. El último es que en mi mirada a digital. Creo que uno de los mayores retos de las letras digitales es que al final, no se ve demasiado digital y que tu diseño le tiene alguna sensación táctil. Por lo que para el final de esta clase, veremos técnicas para agregar estas sensaciones táctiles a tu diseño, y para agregar texturas y luego hacer que se vea no tradicional. Entonces en la siguiente lección, vamos a mirar nuestros bocetos y prepararlos a cada lado. 3. Taking en tu computadora: Hablemos en breve del boceto que vamos a digitalizar. Me gustaría mostrarles un poco mi proceso de bocetos y mostrarles el resultado o el boceto resultante que voy a digitalizar y darles un par de pistas para que tengan listo su dibujo para ser digitalizado. Mi proceso normalmente comienza a mano sobre papel, y me gusta empezar con unos pequeños bocetos en miniatura, por lo que en los pequeños bocetos en miniatura, pruebo diferentes direcciones para mi diseño. Si quiero usar la topografía cursiva o si quiero usar la topografía romana, o si quiero crear la composición de una forma u otra, si quiero usar una línea base curvada inclinada. En los bocetos en miniatura pruebo diferentes opciones para resolver mi diseño. Se trata de bocetos en miniatura muy pequeños. Normalmente las hago en un trozo de papel blanco. Una vez que encuentro una dirección con la que me gustaría continuar, paso a un papel de mayor tamaño como un tamaño de letra o algo así, en el rango de un papel tamaño carta. Siento que ya es suficiente espacio para que trabaje en los detalles y aún no un dibujo enorme que lleva mucho tiempo dibujar. Entonces este será mi primer gran boceto, y esa es la base del resto del proceso. Desde este boceto, lo miraré de manera crítica y pensaré en las cosas que quiero cambiar, piense en las cosas que me gustan y quiero conservar, así que trabajaré encima de este dibujo con capas de papel de calco. En cada capa recogeré lo que me guste o repetiré y copiaré lo que me guste y cambiaría las cosas que no me gustan. Expliqué este proceso a detalle en otras clases mías, como los secretos dorados de las letras. Te muestro todo el acercamiento de esta técnica y esta es una técnica que ha demostrado ser muy efectiva para ordenar tus dibujos porque no tienes que volver a empezar cada vez. Eso es genial porque te permite probar muchas cosas diferentes. Entonces en mi trabajo, uso mucho esta técnica y la uso cada vez que tengo que hacer un proyecto personal o una comisión de reclamo. Utilizo estas capas de papel de calco y de acuerdo con el proyecto, se necesitan más o menos capas para lograrlo. Este proceso, por ejemplo, tomó alrededor de siete capas. El primer bocetos en miniatura sobre papel y luego el boceto grande fue el primer paso. Después llegué al dibujo final o boceto de mano, que es la séptima capa de este proceso. A mí me gusta numerar mis capas para poder hacer un seguimiento de dónde empecé y dónde llegué. Creo que este también es un gran ejercicio porque se llega a ver, la transformación del primer boceto al último boceto. Es un momento un poco mágico porque se llega a ver hasta qué punto llegaste en tan solo siete capas, así que creo que es un buen ejercicio solo hacer un seguimiento de cuántas capas estás trabajando. A mí me gusta trabajar con bocetos porque creo que es una forma muy buena y efectiva de resolver la mayoría de los problemas de tu diseño, antes de pasar al dibujo digital. Como mencioné antes, el dibujo digital es una técnica mucho más lenta, por lo que cuanto más veas en tu boceto de mano, mejor y más rápido avanzará tu dibujo digital. Cuando digo que resolver la mayor parte del progreso de tu diseño es, ¿cómo funciona la composición? ¿ Resolví eso en mi boceto? ¿ Son legibles las formas de letra? ¿ Puedo leer esa palabra? ¿ Esos problemas se resuelven en mi diseño? ¿ Todas las características de mi diseño están en los lugares correctos? ¿ Eso también se resuelve en este boceto de mano? Notarás que el boceto de mano, sobre todo con esta técnica es un lugar donde puedes probar cosas muy diferentes y moverte muy rápido con él. En un par de minutos puedes crear una nueva capa y probar una solución diferente para tu diseño y eso no te costó mucho tiempo. En tanto que cuando pasas al dibujo digital, las cosas se mueven un poco más despacio, como puntos de trama para cada cosa nueva que quieras probar. Toma un poco de tiempo, así que es mucho mejor probar todas esas cosas en la parte de bocetos de tu proceso, y no más tarde en tu dibujo digital. Dicho esto, tu dibujo o tu pieza de letras siempre avanzarán. Este no es el final del boceto, no es el fin del mundo no es como si pasaras al dibujo digital y no serías capaz de cambiar ninguna de las características de tu boceto de mano. El dibujo siempre avanzará incluso cuando te muevas al entorno digital, así que no te preocupes no estás firmando para ninguna aventura loca aquí. Solo estás tratando de resolver la mayoría de los problemas en el boceto para facilitar tu trabajo en el entorno digital. Lo último que me gustaría mencionar de trabajar con bocetos es que también es muy útil trabajar con clientes. Crear un boceto una vez que te acostumbras a él, para crear bocetos a mano o incluso en tu iPad. Puede ser una forma muy efectiva de probar ideas con un cliente. En el caso de una comisión comercial, muy probablemente enviaré este boceto a mi cliente. Quizás escanearé esto y añadiré algo de color de una manera muy rugosa solo para mostrarle al cliente que hay una idea de este esquema de color para este proyecto, y le enviaré este boceto al cliente. Resuelve la mayoría de los problemas en tu composición y en tus letras en papel o en tus bocetos en tu iPad, ahora vamos a llevar esto al ordenador.. Lo que normalmente hago es escanear mis dibujos en 600 dpi, poder guardar una documentación digital de mis bocetos, para que tengas una copia de seguridad de tus bocetos de la vida real. Pero en realidad también puedes usar tu teléfono y hacer una imagen y eso ya es útil para estudiar tus letras digitales. Se puede escanear este dibujo en 300, 600 dpi o hacer una imagen de ellos. Ya tenemos nuestro dibujo escaneado o fotografiado, y esta será la base de nuestro dibujo vectorial. En la siguiente lección, te contaré un poco al respecto en una técnica específica para dibujar letras, formas en vectores. 4. Dibujo con vectores: El primer paso en tu dibujo digital es tener una digitalización aproximada de tu boceto. Eso significa que básicamente trazas todos los puntos o colocas todos los puntos en tu dibujo y tienes un primer dibujo digital muy áspero. Por supuesto, hay muchas cosas que mejorar, hay mucho pulido que hacer a tu forma pero creo que es un buen ejercicio tener siempre ese primer dibujo digital que es áspero donde tienes todos los puntos y luego tú empezar a mover y desplazar esos puntos y colocarlos en las posiciones correctas y también trabajar con las manijas, y asegurarse de que las manijas tengan la longitud que necesitan. Creo que también es un ejercicio muy útil para imprimir tus diseños. Simplemente dejar el equipo por un momento e imprimir tu diseño y ver cómo se ve, y también ser crítico con él. Hice una primera impresión de mi primera digitalización y voy a hacer notas de las cosas que quiero cambiar y las cosas que creo que no me veo bien. Mi consejo siempre es que la primera digitalización también sea blanco y negro. Letras se trata de crear formas de letras y contar historias con formas de letras, tu enfoque principal debe ser tus formas de letras. El mejor modo de trabajar en las formas de tus letras es trabajar en blanco y negro al principio. Si quieres agregar color, que vamos a hacer en las próximas lecciones, entonces definitivamente puedes hacer pero primero tratar de conseguir las formas lo más buenas que puedas, y la mejor manera de hacerlo es trabajar en blanco y negro. Un par de cosas que me gustaría cambiar de mi dibujo, creo que la forma general está empezando a verse bien. A pesar de que siento que este corazón no está exactamente centrado, siento que este punto debe ser el punto final de mi corazón o el pico final de ese corazón debe estar centrado, por lo que voy a cambiar eso en los próximos pasos. Creo que también me gustan mucho estas incisiones o estos cortes en esta gotas. Pero creo que a veces están empezando a parecer un poco raro como un animal tipo de forma. Necesito cuidar que esas formas no estén mirando otra cosa. Porque eso llevará mi dibujo en una dirección diferente o mi dibujo contará una historia totalmente diferente. Aquí te dejamos un par de cosas que puedes ver al criticar o hacer notas en tu primera impresión de tu primer dibujo digital. Creo que una de las cosas de los dibujos digitales que mientras que algunas de sus características o algunas de sus formas podrían haberse visto bien en el boceto de la mano. Una vez que trazas los puntos en ellos o copias esas formas en curvas digitales, y es posible que no se vean tan bien como antes en el boceto de mano. Eso se debe a que estás traduciendo tu forma en formas muy afiladas, y llegas a ver todos los golpes, todos los errores. El primer grabado de tu diseño se trata encontrar esos baches y esas formas que quieres pulir a continuación. Si miras, por ejemplo, a la forma de mi V aquí no es necesariamente una forma súper redondeada. Voy a tratar de redondear eso. Algunas de mis formas redondeadas están empezando a parecer un poco patatosas, las llamo. No son curvas súper suaves, pero son más como una papa como ella. Yo quiero cambiar eso o quiero mejorar eso en mis próximos pasos. Otra cosa que puedes ver es si tu espaciado se ve bien o no. Como saben, hay un principio que dice que, “El espacio dentro de la letra debe ser similar al espacio entre las letras”. Si puedes poner una cierta cantidad de agua dentro de la letra, deberías poder poner una cantidad similar de agua entre las letras. Mantén un ojo en eso cuando estés haciendo notas en tu impresión. Puedes ver el peso de tus trazos y ver si todas tus partes delgadas se ven delgadas o la misma cantidad de delgadas o están teniendo un peso similar. Por ejemplo, noté que el bucle de mi L aquí está teniendo una manera diferente de que el look en la parte inferior de mi L. La parte inferior de mi L parece ser demasiado delgada en comparación con otras partes delgadas de mi letra. Podría ser que en mis próximos pasos necesito cambiar esa característica ahí en la parte inferior de la L. Entonces hay algunos lugares donde noté que hay demasiado espacio en blanco. Yo voy a trabajar en eso en los próximos pasos. También noté que la distribución de estos pequeños puntos que estoy usando para compensar los espacios en blanco en mi composición no se distribuyen por igual. Hay muchos de ellos en la parte superior del diseño y hay muy pocos en la parte inferior de los diseños, así que voy a cambiar eso en los próximos pasos. Te quiero dar un par de pistas más que tienen que ver con diferente tamaño de letras. Si estás dibujando letras romanas o formas de letras con serifs o si estás dibujando letras de guión, por lo que las formas de letras conectadas entonces hay algunas técnicas que pueden ayudarte a lidiar con eso. 5. Ajustes ópticos y las mejores prácticas: Tenemos un escaneo o una foto de nuestro boceto de mano y lo vamos a llevar a nuestra computadora. Te voy a mostrar una técnica para trazar tu punto de una manera muy efectiva, digamos eso. He trabajado mucho con bocetos así que cada vez que trabajo en un proyecto de cliente, empiezo por bosquejar eso a mano o en mi iPad y le envío al cliente un boceto de la asignación. Aquí hay un ejemplo de un proyecto que hice recientemente para la revista de Independent Banker, tuve que hacer una portada. Este fue el boceto que creé. Lo que normalmente hago es, le agrego color para que el cliente pueda tener una idea o hacerse una idea del esquema de color que estoy pensando en usar, y luego una vez que el cliente apruebe este boceto, luego paso al digital dibujo. El primer dibujo digital es muy básico, muy esencial, se trata sólo de conseguir la forma de las letras correcta, y después de eso viene todo lo que tiene que ver con los tratamientos y las sombras y las texturas, pero lo que creo que debe ser el foco principal hora de hacer letras es que la forma de las letras se ven bien. Una vez que tengas ese derecho, entonces podrás pasar a agregar color y textura y elementos decorativos más lejanos. Hago eso cada vez que tengo un boceto, a veces es más rugoso, a veces está más pulido y luego una vez que se aprueba, paso al dibujo digital. Esto sucede con diseños decorativos así como con diseños de logotipos. Este también fue un boceto para un logotipo que creé para una conferencia aquí en Berlín. Este fue boceto a mano que envié al cliente y una vez que eso fue aprobado, pasé al dibujo digital. Trabajé en este dibujo usando un color de fondo negro, siempre que estés trabajando en diseño negativo, intenta dibujar las letras también en la forma negativa. Vamos a ir a la parte analógica de analógica a digital, desde tu boceto hasta una versión digital de tu boceto. Con el fin de digitalizar o crear un dibujo vectorial a partir de sus bocetos de mano. Hay un par de prácticas o técnicas que puedes usar. Una de las más utilizadas es esa técnica de rastreo. La técnica de trazado que he creado, tengo aquí mi boceto, mi piel se pone, y he creado otra versión de la misma, que es una versión de alto contraste de ese boceto. Si llevas este boceto a un archivo de Illustrator, en Adobe Illustrator, puedes utilizar la herramienta de traza automática que está presionando este botón y eligiendo entre las diferentes categorías y lo que básicamente hará es rastrearlo en un dibujo vectorial, convertirá tu boceto de mano en vectores. Lo que esto hace es convertir realmente tu dibujo en muchos puntos. Si te acercas a esto, definitivamente esta técnica simplifica muchos elementos de tu boceto de mano, pero mantiene parte de la textura y lo que hace es que convierte tu dibujo en muchos puntos. Siempre que quieras editar estas formas, ya sea que quieras cambiar la forma de la E o cambiar la forma de esta gota aquí, entonces eso será bastante complicado porque necesitas editar muchos de los puntos para realmente editar esa forma. Diré que en este enfoque que estamos teniendo con esta clase donde queremos tener control total sobre las formas, este no es el enfoque que queremos usar. El enfoque que vamos a querer utilizar para ganar el control sobre la forma de nuestras letras es la llamada técnica de puntos extremos. El extremo de las técnicas de punto se trata utilizar la menor cantidad de puntos para dibujar las formas de las letras. Permítanme mostrarles el principio de esta técnica. Simplemente ve por un segundo a los conceptos básicos del dibujo vectorial en una aplicación vectorial, lo que básicamente estás haciendo cuando drena con vectores es que estás usando puntos y cada uno de esos puntos tiene también dos asas para ellos. Este es el punto de anclaje, estos son los que estaremos llamando mangos a partir de ahora. Con este mangos y puntos, solo ajustando esto podrás obtener diferentes reacciones a tus curvas. Se puede trabajar en una línea recta, por ejemplo, como aquí, o se puede trabajar en una línea curva de esta manera, o se puede tener un semicírculo, pero lo que estaremos repitiendo todo el tiempo al dibujar con vectores es que trataremos de mantener esos mangos siempre sentados como línea vertical y horizontal. Este será nuestro uso ideal de esos mangos, eso no será. Un ejemplo muy claro de puntos extremos se puede ver simplemente creando un círculo sobre ilustrador con la herramienta de elipse. Siempre que dibuje una herramienta de elipse en Illustrator, verá cuatro puntos de anclaje con sus respectivos mangos que acabamos de hablar de esos mangos. Estos puntos de anclaje se encuentran en los valores máximos extremos Norte, Sur, Este y Oeste de una curva. El suena muy técnico, pero se puede ver que estos puntos están sentados exactamente donde esa curva está tocando esas líneas, esas pautas. Como se puede ver que los mangos siempre están sentados en el eje vertical y horizontal. Para cambiar la sección de ese círculo, solo necesitas editar esos manejadores, necesitas editar si esos manejadores o los puntos. Creo que el principio de elipse es una manera muy fácil de entender cómo funcionan los puntos extremos, porque siempre puedes extrapolarlo a tus formas. Por ejemplo, si quiero digitalizar este D que digitalizé sigue el mismo principio entonces digitalizar. Forma redondeada. Considerando que en esta O, que es la letra circular más simple que sigue los principios de los puntos extremos en las curvas. Si miro la forma en que funciona la elipse en Illustrator y trato de llevar esto a una forma más compleja como esta D que tengo aquí, entonces puedo aplicar el mismo principio que aplicé sobre una elipse en una forma más compleja. Se puede ver que todos los puntos extremos se encuentran en las líneas verticales y horizontales. Hablemos de las herramientas. Te voy a dar una introducción a las herramientas con las que vamos a trabajar. Las herramientas de Selección nos permiten seleccionar y mover y transformar toda una forma. Este es un concepto básico de Illustrator completamente. No edita ningún punto de anclaje ni asas. La herramienta Selección Directa es la que utilizarás para seleccionar tus puntos y moverlos, así como tus asas. Tendrás que usar Shift siempre que estés editando tus mangos para que los mangos siempre permanezcan ya sea en el carril vertical o horizontal, y siempre se peguen a él. Si presiona Mayús cada vez que edite sus asas con la herramienta Selección directa, entonces mantendrá sus asas rectas. Con la herramienta Pluma, dibujaremos nuestras formas de letra. Al hacer clic y arrastrar, veremos cómo se están dibujando las curvas, como lo estoy haciendo ahora mismo. A la derecha, voy a hacer exactamente lo mismo, pero voy a presionar “Shift” cada vez que arrastre mi herramienta Pluma. Doy clic, arrastre, cambio. Haga clic, arrastre, desplazamiento. Presiona siempre “Shift”. Haga clic, arrastre, desplazamiento. Esto siempre mantendrá tu mango sentado en el eje horizontal y vertical. Mira qué ordenado se ve este dibujo a la derecha, mientras que el de la izquierda se ve muy caótico. Entonces si olvidamos agregar un punto para ocurrir, podemos hacerlo con la herramienta Añadir punto de anclaje haciendo click en la línea. Podemos deshacernos de esos mediante el uso de la herramienta Eliminar punto de anclaje. Cada punto de anclaje normalmente tiene dos mangos, y siempre están sentados bajo línea recta, pero podemos romper eso mediante el uso de la herramienta Punto de anclaje. Idealmente, seguiremos presionando Shift para mantener este mango también sentado en una línea vertical u horizontal. Nos vamos a deshacer de este trazado en vivo de nuestro boceto, y vamos a llevar el boceto real a nuestra pizarra. Lo que normalmente hago se llevó a cabo el boceto como imagen de fondo de mi dibujo. Yo nombraría esto básicamente el fondo. Siempre me gusta bajar la opacidad de mi dibujo para que lo que realmente necesito sea ver ligeramente cuáles son las formas para poder copiarlas con mis vectores. Pero si eso opuesto es demasiado alto, entonces es un poco perturbador. Voy a nombrar a este nuevo dibujo vectorial de capas. Como acabamos de ver, voy a empezar colocando el primer punto, voy a usar mi herramienta Pluma, y voy a hacer clic, arrastrar y presionar Mayús. Al presionar Mayús, estos mangos se mantienen en la línea horizontal. Ese es mi primer punto extremo. Voy a seguir haciendo el siguiente punto extremo. Otra aquí. Otro ahí. Otra aquí. Ahí voy a cerrar esta forma. Al presionar “Opción”, rompo los mangos para que no se queden en la misma línea, pero se rompen. Voy a dibujar de nuevo mi punto extremo ahí. Haga clic, arrastre, presione Mayús. Haga clic, arrastre, presione Mayús. Estos cortes aquí son muy complicados. Voy a cortar esquinas aquí, así que voy a romper este punto para poder crear una esquina, y voy a usar la tecla Opción, presionarla ahora, y voy a llevar ese mango en la otra dirección. Voy a ir a esta esquina de aquí. De nuevo, pulsa la tecla “Opción” y rompe ese punto. Aquí, tengo un punto extremo, y sigo dibujando mis puntos extremos. Idealmente, los mangos compartirán el trabajo. Por ejemplo, aquí hay un buen ejemplo de ello. Idealmente, tus mangos tendrán más o menos la misma longitud, entonces no tendrás la situación donde este mango es muy largo, junto a un mango que es muy corto, siempre compartirán el trabajo. La forma de tu curva o lo perfecta que se vea tu curva depende no sólo de la forma o la longitud de los mangos, sino también de la posición de esos puntos, por lo que quizá también quieras reubicar esos puntos y obtener la curva exactamente en el lugar donde quieres que esté. Voy a seguir dibujando esta forma aquí. Como mencioné antes, idealmente, dibujarás tus formas y las colorearás de negro. Porque al colorearlos en negro, se puede ver muy claramente cuál es la forma de esta letra. No completé mi L, pero desactivemos el boceto. Cuando la forma es solo negra sobre un fondo blanco, se puede ver muy bien dónde están los problemas. Aquí puedo ver que esta curva no es súper suave. También puedo ver aquí que esta curva tiene un bache por ahí. Arreglaré esta curva desplazando esos mangos, reposicionando los puntos. Todo se trata de afinación fina. Una vez que dispones todos tus puntos, entonces puedes empezar a reposicionarlos, desplazando esos mangos. Lo que normalmente hago es diseñar primero todos mis vectores, no importa lo accidentado o raro que se vean las curvas. En primer lugar, pondré todos mis puntos vectoriales y asas, y más adelante, pasaré a pulir cada una de las formas. Tan sólo para recapitular un poco lo que hemos hecho hasta ahora, hemos comenzado con un boceto de mano, nos movíamos a la computadora. Tomamos ese boceto de mano en la computadora, e hicimos nuestro primer dibujo de estudio, un dibujo digital muy fácil, solo para colocar los puntos en los puntos correctos y para asegurarnos de que las formas de letras se vean bien y para pulir las formas de las letras. Ahora, nos estamos moviendo a agregar profundidad visual y textura a nuestro diseño, y también trabajamos en un esquema de color que nos ayude con nuestro [inaudible]. 6. Elección de un esquema de color: El esquema de color que elijas puede tener un enorme impacto en tu narración. Para hacer un punto sobre esto, hice el ejercicio de cambiar el color de algunas de las piezas de letras que creé en la base. Apliqué un esquema de color diferente para ver cómo reaccionó el diseño o cómo reaccionó la narración de mi diseño. El primer ejemplo es una portada que creé para Alicia en el país de las maravillas, para una editorial española de Alicia en el país de las maravillas. El libro fue dirigido a adolescentes de entre 10 y 16 años pienso en todos los géneros. Este fue el esquema de color final y aplicar a esto fue el diseño final y el esquema de color final así y aplicar en un esquema de color diferente a este diseño tiene un atractivo completamente diferente al mismo, dice a un historia completamente diferente. A la izquierda, tienes el nuevo esquema de colores, y a la derecha tienes el esquema de color original. Parece mucho más adecuado para el viejo grupo objetivo de género. Hay otro ejemplo de un proyecto que hice para titular que creé para una revista aquí en Alemania, donde tuve que ilustrar la palabra Gelassenheit. Gelassenheit significa que la traducción al inglés sería serenidad, mientras que el diseño, la composición, el diseño, y el esquema de color hablan muy bien del concepto de serenidad. El mismo diseño, un titular, y letras, formas con un esquema de color totalmente diferente, hablan de algo, una completamente opuesta. No hay serenidad alguna en esta pieza de letras con este esquema de color mientras que el esquema de color anterior o el original acompañaba mucho esta idea de serenidad. En esta lección, nos estamos moviendo hacia agregar color y profundidad facial a nuestro diseño. Elegir un esquema de color para su dibujo o para su diseño es uno de los primeros pasos. Lo que me gusta usar como técnica que es muy alcanzable para elegir esquemas de color para tu diseño es encontrar inspiración en ambientes naturales. Como mencioné en un principio, uno de los retos de las letras digitales es hacer que se vea no tan digital. Inspirarse en la naturaleza para tu diseño ya es como una técnica muy efectiva para que tus diseños se vean un poco más naturales. Si tengo que trabajar en un diseño que hable de cierta temporada del año. Simplemente saldré a buscar referencias de esa temporada, si es otoño trataré de encontrar cuadros que reflejen el bosque en otoño o un parque en otoño y simplemente pellizcar algunos de los colores de esa fotografía y utilizarlos en mi diseño. Por supuesto, que elegir un esquema de color no sólo se trata de los colores, sino también de cómo funcionan aplicados en tu diseño. Si tienes un conjunto de cuatro colores con los que vas a trabajar, y no significa necesariamente que todos ellos vayan a funcionar de fondo, o todos ellos van a ser una buena opción para el primer plano. Después de seleccionar un determinado esquema de color con el que vas a trabajar, también necesitas hacer pruebas si aplicas los colores en ciertas partes de tu trabajo de letras o te ayudas con la legibilidad de tus letras. Si te ayudan a contar la historia que quieres contar con las letras. Una vez que tengas el conjunto de colores con el que quieres trabajar, entonces haz algunas pruebas y trataste de encontrar diferentes combinaciones de esos colores en tu diseño y ver cuál funciona mejor para ti. Al ir y venir entre imprimir y corregir y volver a mi dibujo, a mi dibujo vectorial para hacer esas correcciones, mi diseño o mi dibujo también se desarrolla en capas de la misma manera que lo hicimos o lo expliqué antes de eso Lo hice con mi boceto de mano, que desarrolle el boceto de mano con capas de papel de calco. la misma manera sucede en Illustrator o así. Siempre que quiero hacer un cambio, creo una nueva capa y mejoro esas formas y miro este dibujo y pienso en las cosas que quiero cambiar y creo una nueva capa y cambio las cosas que quiero cambiar, y así sucesivamente y así sucesivamente y así sucesivamente. Toda nueva capa es un cambio o una mejora de ese dibujo y es al mismo tiempo, el mismo dibujo. Recojo las cosas que me gustan, guardo las cosas que me gustaron y que se ven bien y cambian las cosas que no me gustan. Por supuesto entonces viene la aplicación del color. Este es uno muy fácil, obvio. Pero en mi caso, quería crear una impresión de seda a partir de este diseño así que quiero usar el dibujo vectorial con una impresión de seda de un solo color. En la siguiente lección, vamos a ver cómo agregar textura y profundidad visual a tus letras. 7. Agrega textura: Por último, me gustaría darles algunos consejos sobre cómo agregar textura a su dibujo, y también proporcionarle de algunas texturas que ya pueden aplicar en sus letras. A ver eso. Yo quiero proporcionarte mis texturas favoritas para que empiece con ello. Si acudes a mi página web martinaflor.com/enseñanza-recursos y utilizas drawingletters password, puedes acceder para descargar algunas de las texturas. Encontrarás que hay algunas texturas con las que puedes trabajar, y te mostraré cómo las utilizo aplicándolas en mi propio diseño. Estas son algunas de mis texturas favoritas. Una de ellas es el ruido, esta es una textura generada digitalmente y me gusta usarla porque solo le agregas un poco de ruido a tu dibujo, por lo que se deshace de ese efecto blain digital de aspecto perfecto de un dibujo digital. También está este papel viejo, me encanta el papel viejo, tiene algo más oscuro, se oscurece hacia los bordes y tiene mucho ruido y polvo. Después tengo una fotocopia, un escaneo de una fotocopia que aplicó muy suavemente o en una opacidad muy baja, también agrega un poco de ruido. Un escaneo de fotocopia realmente rugoso, agrega mucho ruido y textura, y también puede crear un efecto de impresión de madera y pintura en rollo. En realidad puedes crear tantas texturas como quieras, y mi consejo es siempre tomar fotos de cosas y escanear materiales e intentar usarlos en blanco y negro, que puedas aplicarles el color que quieras. En realidad me gusta mantener el viejo papel como es porque, el uso de esta textura específica, siempre trae un efecto sorprendente y además mezcla todo tu esquema de color, te mostraré cómo. Tengo mi diseño aquí realmente pongo el rojo en el fondo y hice blanco el corazón o el amor, para poder aplicar efectos y, siento que gana un poco de contraste, y así tengo mi diseño en capas. Traje esto de Illustrator a Photoshop, así que ahora estoy trabajando en un archivo de Photoshop porque quiero trabajar con unos pinceles, así que en el caso de que solo esté aplicando texturas al diseño como ruido o textura de papel viejo, Probablemente elegiré quedarme en Illustrator pero en este caso como quería agregar detalles con un pincel, entonces es más fácil y rápido trabajar en Photoshop y tengo algunas de las texturas que mencioné antes, las tengo aquí. Por ejemplo, tengo la capa de ruido, así que si nos acercamos al diseño y activo la capa de ruido, se puede ver que el fondo está teniendo algo de ese ruido. También tengo una viñeta, eso hace que básicamente todos los bordes sean un poco más oscuros, y crea el efecto de la viñeta. Siento que si no es demasiado duro, si no demasiado fuerte, crea un enfoque en el centro de la pieza, por lo que el amor es ligero, está brillando un poco más. Lo que normalmente haría es, primero, me gustaría agregar un poco de sombra de gota detrás de mis cartas, no debería ser demasiado fuerte, como esta, así que la sombra de gota no debe ser perceptible, ese es mi gusto personal. Siento que la sombra gota es solo una muy buena forma de crear algún contraste extra a tus letras, porque agrega un área más oscura alrededor de tus letras, pero no debería ser demasiado perceptible. Si te acercas a las letras déjame activar y desactivar este efecto. Se puede ver que las letras están ganando un poco de contraste porque hay un poco de sombra detrás de ellas, no muy perceptible, pero hay algo. Despegan del fondo y me gusta usarlo por esa razón, una de las opciones para agregar textura es agregar primero algunos efectos de sombra como el que acabo de hacer. Otra cosa que puedes hacer es, por ejemplo, agregar ruido a tus letras, así que déjame solo llevar la capa de ruido encima de la tipografía activando y desactivando esa capa. Al usar diferentes mezclas, puedo agregar un poco de ruido a las letras, así que voy a seleccionar la tipografía y deshacerme del resto del ruido para que pueda bajar la opacidad de esta capa y solo tener un poco poco de ruido, no demasiado, en esas letras. Ahora no hay textura, ahora hay textura. Las letras están un poco sucias y ese es el punto de añadirles un poco de ruido. Lo que me gusta de la vieja textura del papel es que mezcla todos los colores en algún efecto retro, por lo que los blancos se volverán un poco amarillentos, y los otros colores también tendrán sutil tono amarillento, así que por activando estas capas y multiplicando y cambiando la opacidad, muy bien puedes mezclar todo tu esquema de color en un esquema de color de aspecto retro. Lo último que me gustaría añadir es un poco de sombras en esas letras. Siento que podrían tener un efecto mucho más volumétrico o efecto 3D sin que necesariamente sea súper digital. Lo que haría es crear para agregar algunas sombras manualmente, digamos con un pincel en Photoshop, eso da la idea de que las formas se superponen, por ejemplo, en la L, el swash de la L va detrás del tallo de la L y este swash también. Hacer eso requiere un poco de trabajo de detalle. Voy a llamar a esta nueva sombra de capa. Lo que normalmente haría aquí es usar también la herramienta de dibujo vectorial, así que permítanme acercarme a esta forma. Usaré esta herramienta y para tan solo copiar el área quiero aplicar la herramienta pincel, así que aquí estamos, y voy a crear la selección fuera de eso, eso significa que sea cual sea un do, dondequiera que aplique el pincel, se quedará sólo dentro de esta selección. Al usar un pincel, en este caso estoy usando un pincel seco, así que estoy usando el último pastel de Kyle Palooza, y estoy insinuando un poco de sombra a esos bordes solo varían como si realmente estaré usando manualmente estos pincel. Ahí vas. Mi primera sombra, así que voy a añadir algo más de sombra detrás la otra parte de la letra a la que quiero añadir textura. Solo estoy creando una forma muy rápida encima de esa carta. Nuevamente, con el pincel, le estoy agregando un poco de sombra. Simplemente lo haré aquí también. Se puede ver que es muy fuerte ahora mismo, pero si se baja la opacidad, se puede obtener muy bien un efecto de esos trazos superpuestos entre sí, y también tiene efecto táctil. No es un gradiente plano en Photoshop o Illustrator solo siente algo como si solo tuviera un relleno más hecho a mano, al usar pinceles, también puedes agregar ese efecto a tu diseño. Esta idea que creé en la L, voy a aplicar en todas las demás letras y formas. Con este pincel agregué efecto en todas mis letras y se puede ver que ganaron mucho volumen. También agregó parte de ese tratamiento a las propias gotas y a los bordes de las letras. Tienen un relleno mucho más realista sin parecer demasiado digital y demasiado realista. Eso es un poco de la idea de agregar efecto táctil a tu diseño. Viniste de un proceso de trabajo a mano, pasando a un dibujo vectorial donde puedes controlar tus formas de una manera muy precisa, y luego trataste de llevar ese dibujo perfecto a algo que se vea un poco más realista, más humano, más cálido y al agregar estas texturas y trabajar digitalmente a mano sobre ellas con estos pinceles y estas sombras y estas texturas y estos ruidos, agregarás un poco de esa calidez que duran dibujando esos perfectamente y controlando la forma de tus letras de una manera muy precisa. Espero que esos consejos sean útiles para que agregues textura a tu diseño y estoy deseando ver esas letras digitales finales. 8. Toma el último cuestionario de letrado: La letra definitiva en Grecia. Descubre lo mucho que sabes realmente sobre las cartas tomando el cuestionario gratis en Martina flor.com slash quiz. Disfrutar. 9. Reflexiones finales: Entonces ahora es tu turno y ojalá esta clase te ayude el camino para que tus dibujos de mano sean digitalizados. Entonces para recapitular un poco de lo que vimos en esta clase, empezamos por mirar cuáles son los pros y los contras de usar letras digitales, o digamos como las ventajas o retos de crear letras con vectores, entonces pasamos a preparándose nuestros bocetos de mano para ser digitalizados. Por lo que resolvemos la mayoría de los problemas en nuestro boceto de mano, para que nuestro dibujo digital se mueva más rápido y eficientemente. También miramos una técnica efectiva para digitalizar formas de letras, las técnicas de puntos extremos que esperemos serán útiles en tu proyecto. Miramos algunas pistas para hacer ajustes ópticos y para trabajar mejor con asas y puntos de anclaje en un dibujo vectorial. También miramos la técnica, o una técnica muy intuitiva para encontrar un esquema de color para tu dibujo o para tus letras. Por último, miramos cómo aplicar una textura y crear profundidad visual en tu diseño. Al final del día, las letras, como siempre dicen, se trata de contar una historia con formas de letras y los colores, la forma de las letras, las texturas, y cómo todo esto se une en una final pieza es lo que en realidad le cuenta la historia al lector. Entonces, cuantas más herramientas tengas que trabajar de forma creativa con formas de letras, mejor para ti, si un cliente te acerca con un proyecto que requiere cierta escalabilidad, entonces tienes ahora estas herramientas para trabajar con eso. Entonces una cosa que te puedo decir sobre las letras digitales después de años de trabajar con él es que definitivamente se vuelve más rápido. Cuanto más dibujes letras con vectores, más rápido se pone. Entonces lo que sea que te tomara tres horas para prepararte en esta clase, tardarías 10 diez minutos o 20 minutos en un par de años. Así que apégate a ella. Te prometo que esta técnica va a ser tu amiga y te va a permitir trabajar de manera más eficiente con tus piezas y también de manera más eficiente con ciertos proyectos de clientes. Tengo ganas de ver con qué se te va a llegar.