Los Fundamentos de Ableton Live: haz que tu primera canción de Hip Hop en Lofi

1. Introducción: Crear música puede ser una experiencia realmente relajante. Encontré tanto cumplimiento a través de hacer música. Y en estos días es fácil para cualquiera comenzar. Ableton Live es una de las mejores herramientas para ello. No solo es extremadamente poderoso una vez que lo conoces bien, sino que también es fácil poner marcha las ideas una vez que conoces lo básico. Hola, soy Jonathan y hago la música como mero juego. He estado haciendo música durante casi una década y podido encontrar el éxito en todas las plataformas de transmisión, así como usar mis habilidades de Ableton en una variedad de trabajos, incluida la creación de paquetes de muestra, comerciales , y el audio del juego. Soy mejor conocido por mi canción el miércoles por la tarde, que fue compartida en Twitter por BTS en 2020 y ahora tiene alrededor de 7 millones de reproducciones en todas las plataformas. Bienvenido a mi clase sobre cómo aprender los fundamentos de poder vivir mientras creas tu primera canción de hip hop lo-fi. hip hop de lo-fi es un gran género para aquellos que buscan meterse en la producción musical. Como puedes empezar con una comprensión básica de la teoría musical y cosas capaces de entrar. Entonces si eres un principiante completo ya eres cantante, compositor o productor que busca aprender Ableton. Esta clase es para ti. Estaremos cubriendo todo, desde el diseño de Ableton, trabajando con audio y midi hasta crear batería y escribir acordes, melodías y líneas de base luego terminaremos con una visión general de lo que toma para completar la canción final, incluyendo arreglo, mezcla y masterización, así como exportar el archivo de diseño final. Al final de esta clase, habrás creado tu primera canción de hip hop lo-fi y construido una base sólida para continuar tu viaje musical en Ableton. Espero que lo disfrutes y me emociona escuchar lo que has creado. 2. Orientación de la clase: En esta clase vamos a hacer los golpes de cadera de lo-fi en todos mientras aprendemos los fundamentos de Ableton Live. Al final de esta clase, confío en que podrás seguir haciendo beats lo-fi en Ableton Live, así como aventurarte en cualquier otro género que disfrutes. Durante esta clase, cubriremos lo siguiente. El diseño de Ableton, trabajando con audio, midi, instrumentos y efectos virtuales, deformación y transposición, programación de tambores, escritura de acordes, melodías y líneas de base, creando un rack de efectos, algún arreglo. Y por último, veremos una visión general básica de las técnicas de mezcla y masterización. Solo usaremos herramientas dentro Ableton Live ya que es muy importante comprender bien la puerta antes de perdernos en cualquier otro complemento nuevo. Las herramientas nativas de Ableton son más que capaces de crear música increíble. Todo lo que necesitarás para completar esta clase es el Ableton Live. Vivimos en suites, de las cuales puedes obtener una prueba gratuita de 90 días en ableton.com slash child, así como el pack de muestra que he creado para esta clase. Puedes encontrar el enlace de descarga en la sección de proyectos y recursos. Vamos a sumergirnos en el maravilloso mundo de Ableton Live y el hip hop lo-fi. 3. Tus primeros 5 minutos en Ableton Live: Cuando abrí por primera vez capaz de vivir y me pareció extremadamente abrumador. Entonces en esta lección, voy a estar desglosando cada sección paso a paso, que tengas una sólida comprensión de la interfaz. Cuando abres Ableton por primera vez, son cinco secciones primarias que debes conocer. La sección del navegador, la vista de disposición, la vista de sesión, la sección de detalles y la barra superior. La sección del navegador es el área en el lado izquierdo de tu pantalla. Es donde encontrarás tus loops, samples, instrumentos, efectos y plug-ins. A continuación se encuentra la disposición y la vista de sesión. Su vista de arreglo es esta área aquí. Es donde principalmente estaremos trabajando, es donde empezaremos a crear ideas antiguas para la canción. Y luego por supuesto, crearemos el arreglo final de la canción. Puede hacer clic en la pestaña para cambiar a la vista de sesión. Aquí podrás ver tus niveles de pista así como el nivel maestro. Eso es principalmente para lo que lo uso a la hora de mezclar y masterizar. También la vista que usas cuando usas Ableton para presentaciones en vivo o deejaking. Algunas personas lo usan para obtener ideas para canciones, pero aún prefiero comenzar mis canciones en la vista de arreglos. La sección de detalles es donde puedes ver qué efectos o instrumentos hay en cada pista de audio y midi. También es donde se pueden ver los detalles de un archivo de audio o midi. Simplemente haga doble clic en un archivo de audio o midi para vernos la información. Esta es también la sección donde se puede aplicar automatización, deformación o cambiar el tono de un archivo de audio. La barra superior es donde estableces el tempo de la canción, ajustas la compás de la canción y activas el metrónomo es también donde puedes reproducir o detener la canción, así como comenzar a grabar. También puede usar la barra espaciadora para reproducir o detener la celda. En el lado derecho de la barra superior es donde puedes activar tu teclado para tocar instrumentos o crear diferentes mapeos de teclas o midi. Ahora veamos dos atajos principales que debes saber al comenzar. Voy a repasar más a medida que avancemos. Para crear una nueva pista de audio, puede hacer clic con el botón derecho en una pista y hacer clic en Insertar pista de audio o usar el atajo en su teclado. Command plus T en Mac o Control plus T en PC. Para hacer una nueva pista midi en la que puedas agregar instrumentos virtuales. Puede hacer clic con el botón derecho en una pista y hacer clic en insertar pista midi o usar el atajo en su teclado. Comando más Shift más T en Mac o control más cambio más T en PC. Agrega un archivo de audio a una pista de audio, ve a la sesión del navegador, encuentra la muestra o el bucle que quieras y arrástralo a una pista de audio o justo debajo de la pista anterior. Agrega un instrumento virtual, ve a la sección Navegador, haz clic en instrumentos e instrumento Dragon en una pista midi o justo debajo de la pista anterior. Agrega un efecto. Haga clic en Efectos de audio en el navegador y arrastre el efecto a una pista de audio o midi. Ahora para agregar la carpeta del paquete de muestra a la sección del navegador, desplácese hacia abajo hasta la parte inferior de la ventana del navegador y haga clic en Agregar carpeta. Busque la carpeta que descargó y haga clic en Abrir. Ahora siempre estará aquí en la ventana del navegador al usar capaz de. Por último, vamos a guardar el proyecto. Asegúrate de que tu bpm esté configurado en AD, que es un buen tempo para el hip hop lo-fi. Luego haga clic en Archivo, Guardar conjunto en vivo como y localice dónde desea guardar el proyecto. Voy a llamarlo Skillshare, lo-fi hip hop June, y haga clic en Guardar. Repasemos rápidamente algunas de las cosas clave que hemos aprendido en esta lista. La sección del navegador es donde accedes a todos tus samples, instrumentos y afectos. La vista de arreglo como la sección principal en la que trabajaremos y donde se crea el diseño final de la canción. Puede hacer clic en la pestaña para cambiar a la vista de sesión. Utilizaremos esta vista para mezclar y masterizar. Principalmente. La sección de detalles es donde se pueden ver los efectos o instrumentos en cada pista. También se utiliza para ver más información sobre un archivo de audio o midi y aplicar automatización y cambios de tono. La barra superior es donde estableces el tempo de la canción, ajustas la compás de la canción y activas el metrónomo. Y luego los dos atajos principales que cubrimos, estamos agregando una nueva pista de audio, que es Command plus T en Mac o Control plus T en PC. Además de agregar una nueva pista midi, que es Command más Shift plus T en Mac y control más shift plus T en PC. Impresionante. Espero que la interfaz de Ableton tenga más sentido para ti ahora. A continuación, pasemos a la deformación y transposición. 4. Warping y Transpose: Hay dos técnicas esenciales que debes conocer antes de crear música. Inevitablemente, estos están deformándose y transponiendo y pude realmente brillar por encima de la carrera. Estas técnicas se asegurarán de que tus muestras estén a tiempo y entintadas con tu pista, además de proporcionar infinitas posibilidades creativas. Pagar. Entonces primero, vayamos a la sección warp en tus preferencias. asegura de que las muestras cortas a pie de bucle, estén ajustadas a auto. asegura de que las muestras largas de deformación automática estén por defecto. El modo Warp está configurado en beats. Y luego, por último, se asegura de que crear desvanecimientos y bordes de clip esté apagado. Ahora vamos a arrastrar cualquier bucle de batería a una nueva pista de audio. Vamos a abrir la sección de detalles. Como puedes ver, warp se activa y en vivo se deforma el bucle de tambor perfectamente al BPM maestro. También hay algunos modos de warp diferentes para varios tipos de audio. El primero es el modo beats, que por supuesto está diseñado para tambores y loops de percusión. Sin embargo, a veces usa el modo de repetición en la batería ya que también puede funcionar bien e incluso puede sonar más natural que el modo beats. El segundo modo es el modo tonos. Es para sonidos con contenido de tono obvio. Sin embargo, el modo complejo suele funcionar también para esos sonidos. Y luego el modo textura es para su uso en sonidos con contenido melódico oscuro. Es bueno para hacer sonidos ambientales o efectos experimentales. Y luego a continuación tenemos el modo de repetición, que básicamente funciona igual que lo hacen los tocadiscos al ajustar el tono. El audio es realmente agudo para que coincida con el tempo de las pistas. Así que no obtendrás ningún objeto extraño que pueda crear una deformación normal. Pero obviamente no conserva el tono del audio. Entonces generalmente no es una buena opción para muestras melódicas, pero a menudo lo uso en la batería de otorgar loops únicos. Y entonces el modo complejo es lo que suelo usar en la mayoría de los loops que no son de batería y está diseñado para abrir canciones de empate al grabar o cualquier otro audio complejo. Y por último, tenemos el modo pro complejo, que es el más adecuado para deformar voces. Principalmente uso beats, leí tono o modo complejo y toda mi música. Pero definitivamente deberías experimentar con uso de diferentes modos de warp en muestras. Ahora te voy a mostrar cómo puedes transponer el audio para estar en la clave correcta de tu pista o para tocar con diferentes octavas. En primer lugar, abramos la sección de detalles de nuestro bucle melódico. Cambiemos el modo warp demasiado complejo para obtener los mejores resultados. Ahora, todo lo que necesita hacer para ajustar el paso de la muestra es usar esta rueda de paso aquí. Además de arrastrar la rueda de cabeceo con el mouse, también puedes escribir valores específicos en el cuadro de abajo. Para recapitular rápidamente, la deformación se usa para establecer los bucles de audio en la misma canción de temperatura. También diversos modos warp para diferentes tipos de audio. Y luego se usa la transposición para poner audio en la misma clave que tu canción. El modo warp afectará cómo suena la transposición. Ambos también pueden ser utilizados como poderosas herramientas creativas. En esta lección, espero que hayas podido ver cuán poderosa puede ser la deformación y la transposición. A continuación, pasemos a crear tu primer ritmo de batería. 5. Los tambores: Una de las principales características del hip hop lo-fi es la batería, la clave para un buen ritmo de batería, selección de muestras y groove. Hay pocas maneras diferentes que los productores del programa, ellos tambores en Ableton. A algunos les gusta usar solo audio, luz solar para usar principalmente middy y algunos usan una combinación de ambos. A medida que produzca más, descubrirá qué funciona mejor para usted. Para esta lección, vamos a usar un rack de batería para los golpes de batería principal, ya que es mucho más fácil cambiar muestras más tarde grupos de anuncios del pool de ranura de Ableton y ver cómo funcionan los éxitos de batería principal juntos, crea una nueva pista midi usando Command en Mac o Control en PC más Shift más t. Nombremos esta batería principal. Ahora tengo dos instrumentos y arrastra una batería a la pista midi. Ahora elige una patada en tu pierna del paquete de muestras. Arrastremos eso al módulo C1 del rack de tambor. Cuando arrastras la muestra hacia adentro, automáticamente disminuye el volumen en 12 db, lo que es útil para crear espacio para agregar más elementos y evitar recortes. A continuación, escojamos una muestra de trampa del paquete de muestras. Arrastre eso al módulo C-Sharp one del rack de tambor. Ahora encuentra un hi-hat que te guste y arrástralo al módulo D1. Para comenzar a programar la batería, necesitamos hacer un nuevo clip midi. Haga esto haciendo clic y arrastrando sobre 4 bar en la pista del rack de batería y presionando Comando en Mac o Control en PC más Shift más M. Ahora tenemos un clip midi de cuatro barras. Ahora selecciona el fangoso y presiona Comando en Mac o Control en PC más L Para que esta área ahora haga un bucle a todos estamos creando todas las ideas iniciales para la pista. La mayoría de los géneros suelen tener una serpiente o aplaudir en el segundo y cuarto latidos, o en el tercer ritmo. Lo--fi hip up. La trampa suele estar en B2. Y para, sobre todo cuando se trabaja a este tempo. Para comenzar a colocar la trampa, haga doble clic en P2 para crear las notas midi. Puedes duplicar esa nota seleccionándola, manteniendo presionada la tecla Alt y arrastrándola para batir. Para. Ahora, selecciona ambas notas y haz lo mismo para duplicarlas en la siguiente barra de 3. Ahora programemos las patadas. Por lo general habrá una patada colocada en el beat one para iniciar el beat. Siéntete libre de experimentar colocando patadas donde te suene bien, o seguir mi patrón. Ten en cuenta que en su mayoría es mejor tener una buena cantidad de espacio entre golpes de patada en baja fi. Sobre los hi-hats. Una forma sencilla de empezar a poner en marcha el patrón del sombrero es poner un sombrero en cada nota de cuarto. Y una vez que agrega más oscilación y variación de velocidad, todavía suena genial a pesar de que es tan simple. Para editar la nota del selector de velocidad y reducir esta línea en la parte inferior. Hagamos esto por cada nodo alterno para agregar más vida al patrón. También me gusta hacer que los sombreros golpeen un poco más tarde que la patada y la trampa, solo para empezar a agregar groove al beat. Esto lo hago seleccionando todos los sombreros, manteniendo presionado Comando en Mac o Control en PC, y haciendo clic en la tecla de flecha derecha hasta que suene bien. Durante esto permite ajustar fangoso sin que sea golpeada a la rejilla. Y por último, juguemos con el patrón para agregar más variación a los sombreros. Siéntete libre de experimentar tú mismo o seguirme conmigo. Puede hacer clic derecho para acceder a diferentes configuraciones de cuadrícula. Agreguemos más grupo a los tambores mediante el uso de la piscina de ranura. Haga clic en el botón de intercambio en caliente junto a la ranura. Voy a usar este grupo de hip hop, pero definitivamente deberías experimentar con estos y encontrar lo que te gusta. El groove ahora se aplica a todos los beats programados en este clip midi. Para agregar más movimiento a la batería, agreguemos un bucle de percusión del paquete de muestra. Arrástrelo a una nueva pista de audio debajo del rack de batería y asígnele el nombre. La percusión debe tener deformaciones automáticas usando el modo beats. Si no, haz clic en warp en el clip de audio en la sección de detalles y toca BPM manualmente aquí, también puedes agregar el mismo groove que usamos en los tambores principales a este clip de audio. Por último, hagamos algunos ajustes de nivel de volumen para hacer que el tambor suene más cohesivo, además de eliminar las bajas frecuencias de la trampa, sombreros y percusión usando un ecualizador. También haremos una mezcla final de todos los elementos cantados al final. Pero también funciona bien para ajustar los niveles a medida que avanzas como puedes aquí he hecho la patada y la trampa el más fuerte de los elementos traumáticos. Esta suele ser la mejor práctica para recapitular, la selección de muestras y el groove son clave para tener tambores sólidos en tu pista. En general, sumando tu trampa al segundo y cuarto latido. El tercer latido es un buen punto de partida. Puedes agregar groove a tu ritmo manualmente o usando el pool de groove editar la velocidad de las muestras es otra gran manera de agregar risas, tus tambores. Los atajos que hemos cubierto en esta lección, estamos creando un clip midi está en Comando más Mayús más M en Mac o control más cambio más MPC. Configurando una sección a loop usando Command plus L en Mac y Control plus L en PC, podemos duplicar una nota midi usando alt más drag o Command plus D en Mac y en PC, Control Plus drag o control plus D también te mostró cómo ajustar notas midi sin que estén bloqueadas a la cuadrícula. Esto lo hacemos manteniendo pulsado Comando y usando las teclas de flecha izquierda y derecha en Mac y PC, mantendríamos Control. Confío en que te hayas divertido creando tu primer ritmo de batería en Ableton y empecé a tener una idea del programa. A continuación, pasaremos a crear tu primera progresión de acordes. 6. Acordes de piano principal: Parte 1: Ahora pasemos al contenido melódico de la canción, comenzando por los acordes, que crearán la emoción central de nuestra pista. Como regla general, las canciones más felices están en clave importante y las canciones más tristes están en un minuto. Voy a cubrir algunos conceptos básicos de la teoría musical. Dentro de esta lección, podremos escribir una progresión de acordes y poder rodar el piano dentro de la siguiente lista. También hay herramientas dentro capaces de vivir que pueden ayudarte a crear una gran progresión de acordes, incluso si no tienes conocimiento de teoría musical, asegúrate de descargar mi hoja de referencia de teoría musical dentro del sección de recursos que debería simplificar aún más los conceptos que cubren antes de comenzar a crear el acorde. Así que repasemos la función de modo escala. Esto te ayudará a comenzar a crear acordes y melodías en Ableton Live sin conocimientos previos de teoría musical dentro de una app médica, puedes activar y desactivar el modo escala aquí. Puedes usar estas opciones para seleccionar la báscula en la que quieres trabajar. Las notas dentro de esa escala ahora serán resaltadas en el clip midi. Ahora, te voy a mostrar cómo crear acordes mayores y menores, así como acordes séptimo y noveno, que a menudo se utilizan en el hip hop lo-fi. Para mostrarte el proceso de co-creación, usemos la escala más simple, c mayor, que en realidad solo consiste en todas las notas blancas en el teclado. Para crear un acorde mayor, comience con la nota raíz del acorde que desee. Aquí, he elegido una C como raíz para un acorde de Do mayor. Ahora, duplica esa nota manteniendo la tecla Alt y sube otros cuatro nodos. Después duplica esta nota y sube otros tres nodos. Esta es la versión más básica de un acorde mayor y se llama tríada mayor. Como puedes aquí, tiene un sonido más feliz. Para crear un acorde menor, comience con la nota raíz del acorde que desee. Aquí he elegido una D como raíz para el acorde D menor. Ahora, dupliquemos esas notas y subamos por tres notas esta vez. Después duplique esta nota y suba otras cuatro notas. Esta es la versión más básica de un acorde menor, y se llama tríada menor. Como puedes aquí, tiene un sonido más triste para crear un séptimo acorde en Do mayor. Duplica la nota superior y sube otras cuatro notas. Como puedes escuchar, esto crea una vibra más conmovedora y jazzy para crear un noveno acorde en Do mayor. Duplica la última noche del séptimo acorde y sube otros tres nodos. Esto ni siquiera tiene un sonido más completo. Para crear un acorde de séptimo D menor, duplica la nota superior y sube por tres nodos. Integrada d menor noveno acorde, duplicar las últimas notas del séptimo acorde y subir por cuatro notas. Otro concepto importante para aprender a crear acordes o inversiones de acordes más interesantes. Inversión de acordes, o cuando cambias la posición de las notas en un acorde, por ejemplo, moviendo la nota raíz de la app acorde y octava. Esto hará que el código suene un poco diferente. 7. Acordes de piano principal: Parte 2: Puedes usar estas fórmulas para crear acordes con cualquier nodo raíz que elijas. Sin embargo, para mantenerse en clave se asegura de que solo use notas que encajen dentro de la escala. Estás trabajando con este conocimiento de escalas y acordes hasta el momento, confío en que puedas seguirme como programa la progresión de acordes, o incluso poder escribir tus propias canchas sin mi ayuda. Comencemos a crear nuestra progresión de acordes. En primer lugar, carguemos nuestro instrumento. Ve a instrumentos y encuentra un sonido de piano que te guste. Voy a usar el piano vertical, cargarlo en una nueva pista midi. Vamos a nombrar a esta pista piano principal. A continuación, crea un nuevo clip midi usando Command en Mac o Control en PC más Shift más M en la pista principal del piano. Y selecciona la escala en la que queremos trabajar. Voy a seleccionar la escala menor D-sharp. A medida que adquieras más experiencia haciendo música, encontrarás en qué claves te gusta trabajar. Ahora, programaré la progresión del acorde central. Cuando estoy en el piano roll, suelo tener habilitado este icono de auriculares azules. Esto me permite escuchar mis notas midi mientras las dibujo. Como verás, este proceso puede requerir mucho ensayo y error. Sin embargo, eso es parte de la diversión de hacer música, y es realmente gratificante cuando obtienes algo que funciona. Y por último, para hacerlo más interesante y agregar una sensación humana mole que sugiera las filosofías, las colocaciones de notas y las voces de acordes. También me gusta experimentar a veces con esta característica aleatoria de velocidad. Así es como suena la progresión final con la batería. Repasemos algunos de los conceptos clave que hemos cubierto en esta lección. La función de modo escala le permite ver fácilmente qué notas puede usar dentro de la tecla elegida. Son fórmulas que podemos usar para crear acordes mayores y menores dentro del piano roll, así como varios otros tipos de citas. Para crear un acorde mayor, comienzas con el nodo raíz de tu código, luego subes cuatro nodos y luego otros tres nodos. Para crear un acorde menor. Empiezas con el nodo raíz de tu código y subes tres nodos y luego otras cuatro notas para crear un séptimo acorde mayor, formas el acorde mayor y luego tomas la nota superior y subes por cuatro notas. Para crear un noveno código mayor, se forma el séptimo acorde mayor y tomar esa nota de cabeza y subir por tres nodos. Para crear un acorde séptimo menor, comenzamos con un acorde menor, duplicamos la nota superior y subimos por tres nodos para crear un noveno acorde menor, reformar el séptimo acorde, y luego duplicar ese nodo superior y subir por cuatro nodos, inversiones de acordes. O cuando cambias la posición de las notas en un acorde y son otra gran manera de crear progresiones de acordes más interesantes. También es importante experimentar con las velocidades de las notas y las colocaciones de notas para crear una sensación más humana. A estas alturas, deberías tener una comprensión mucho mejor de cómo crear tus propias progresiones de acordes. A continuación, maquillaremos en nuestro sonido más lo-fi usando un rack de efectos Ableton. 8. Creación de un estante de efectos Lofi: En esta lección, crearemos nuestro propio rack de efectos para agregarlos o sonido lo-fi a nuestra melodía de piano. Una gran parte del sonido hip-hop lo-fi es usar sonidos con textura cálida, además de agregar ruido y un campo ligeramente H. Dos efectos que se utilizan para lograr esto, un wow y más plano. Estos efectos provienen originalmente de máquinas de cinta y giro. El efecto wow es cuando hay bajas frecuencias. Y el efecto más plano es cuando están de alta frecuencia mirando a color con pérdidas a anti-retro y cassette de boceto, o dos plugins muy populares para lograr estos efectos. Sin embargo, podemos simularlos usando plug-ins de stock de Ableton dentro de un rack de efectos. Vamos a crear el rack de efectos en el canal de piano. Ir a efectos y cargar un turno. Haga clic derecho sobre él y haga clic en Grupo. Ahora tenemos un naufragio. Vamos a usar macros para controlar el desplazador de frecuencia para el efecto wow. Haga clic en el icono de macro en la parte superior izquierda. Haga clic derecho en la macro uno y cámbiela. Guau. Siguiente haz clic derecho en la cima de la montaña dentro de la palanca y asígnala a la macro wow. Ahora podemos controlar la cantidad de efectos con la macro wow. Juega con el macro while hasta obtener una vibra. También voy a cambiar el LFO a una onda sinusoidal para una sensación más suave. Para el efecto más plano, cambie el nombre de macro a a flatter. Luego haz clic derecho en la velocidad dentro del desplazador y mapea esto a los planos y macro. Ahora podemos controlar los efectos ahora mismo, usando la macro aplanada. Juega con los pisos y macro hasta que te suene bien. También puedes expandirte en este rack, pero agregando cosas como saturación, distorsión, compresión, reducción de mascotas, etc. Guardemos el rack para su uso posterior. Haz clic en el ícono Guardar en la esquina derecha del rack, y voy a llamarlo lo-fi afecta al rojo Skillshare. Ahora puedes arrastrarlo desde tu biblioteca de usuario cuando lo necesites. Nuevamente, recapitulemos lo que hemos cubierto en esta lección. Puede usar macros dentro de un rack de efectos para controlar diferentes parámetros de un efecto. Los efectos Wow y Flutter provienen originalmente del uso de máquinas de cinta y tocadiscos. Estos efectos crean irregularidades con un audio y ayudan a lograr el sonido lo-fi. Puede guardar y efectos rack para su uso posterior. Nueces, acabas de crear tus primeros efectos y otra característica increíble con habilitaciones. Ahora pasemos a la melodía principal. 9. La melodía: Esta lección, te voy a mostrar cómo crear un sonido de show pluck usando operadores de Ableton. El proceso de crear tus propios sonidos de sintetizador se llama diseño de sonido, luego usará el sonido para crear una melodía relajante encima de aquí arriba. Vamos a crear nuestro sonido de sintetizador, duplicar el canal principal del piano y cambiarle el nombre a sentimentalismo. Abre el midi en el canal de oración, selecciona todo usando Comando en Mac o Control en PC más a, luego presiona cero para desactivar todas las notas midi. Esto ahora nos permite comenzar a crear fácilmente una melodía usando los códigos originales como nuestra guía. Luego habilite la primera nota de tres D-sharp seleccionándola y presionando cero. Otra vez. Esto es para que podamos escuchar cómo está sonando el centro mientras creamos junto a arrastrar y operador de instrumentos para reemplazar el piano, voy a empujar hacia arriba el volumen y la velocidad del canal para que podamos escucharlo correctamente mientras se crea el sonido. Así es como suena el parche de operador predeterminado. Ahora diseñemos el sonido. Haga clic en este oscilador inferior, lleve el sustain hasta el fondo. Un sostenido corto como una de las principales características de un sonido de arranque. Establezca el decaimiento a alrededor de 2 s o experimente con él usted mismo. Entonces veamos si podemos agregar algún personaje genial al sonido usando la sección de filtro junto a la opción de filtro que tiene drive. Veamos si funciona una forma de onda diferente. También voy a retocar el ataque para suavizar un poco el sonido. De hecho, vamos a quitar la unidad ya que está haciendo que este sonido sea demasiado duro para lo que estoy buscando. Ahora hagamos el sonido más exuberante e interesante usando efectos. Los efectos más comunes que uso en sonidos de pluck son reverb y delay, así como los efectos wow y flatter que usamos en la pista de piano en una reverberación a partir de efectos de audio. Uno de mis presets favoritos es el de catedral. Genial. Así que ponlo en alrededor del 17% de peso por ahora. Solo tu gusto por tu pista. Entonces vamos a ajustar la configuración de nuestro rack de efectos lo-fi hasta que lleguemos a una vibra que nos gustaría. Por último, agreguemos un retraso de octava nota después de la reverberación, va a poner el retraso en 40 por ciento de peso y 66% de retroalimentación. Pero de nuevo, ajusta estos a tu gusto o incluso prueba otros retrasos. Empujemos hacia arriba el testigo de la reverberación o apuestas y luego ecualicemos los mínimos del sonido efectuado los mínimos del sonido efectuado antes de comenzar a escribir la melodía. Ahora a escribir la melodía. Va a mantenerlo sencillo por el bien de esta clase. Y usemos notas singulares de cada acorde para iniciar nuestra melodía. Continúa tocando con notas de la progresión de acordes hasta encontrar la melodía que te gusta o seguir junto con la mía. Siéntase libre de usar también otras notas de la escala si lo desea. Y por último, ajustemos las colocaciones de las notas para agregar un campo más humano a la melodía. Asegúrese de guardar la opción segura, asegura de que todas sus muestras se guarden dentro de la carpeta de su proyecto. Ahora, para recapitular rápidamente lo que hemos cubierto dentro de esta lección, podemos comenzar a crear fácilmente nuestra melodía usando el midi de nuestros acordes principales como guía. reverberación y el retardo se utilizan a menudo en los sonidos de arranque. El proceso de creación de tus propios sonidos de sintetizador se llama Sound Design. sintetizador operador Ableton es una herramienta popular para esto. Los atajos que cubrimos fueron Seleccionar todo usando Comando en Mac o Control en PC más a, así como el atajo de desactivar o activar muchas notas, que se realiza pulsando cero. Espero que te hayas divertido creando tu primera melodía, además de probar lo que es crear articulaciones. Y a continuación, pongamos en marcha la línea de base. 10. La línea de bajos: La forma más sencilla de agregar una línea de base a tu pista sería simplemente tocar cada nota base desde las canchas usando un simple sub sonido. Esto puede funcionar si hay mucho otro contenido melódico dentro de tu pista. No obstante, para esta canción, quiero crear una línea de base que tenga una sensación de vida moral. En primer lugar, encuentra al operador guitarra, presets de bajo y arrástralo bajo la melodía. También suelen ser como elegir mi propio color para la trampa, lo que puedes hacer haciendo clic derecho y eligiendo un color aquí, Vamos a nombrar la base de la pista. Después selecciona la melodía del piano, presiona Alt en Mac o Control en PC, y arrastra el fangoso para duplicarlo a la pista de bajo. Abre el fangoso y selecciónalo todo de nuevo, luego presiona cero para desactivar los nodos. Activa el D-sharp para anotarlo seleccionándolo y presionando cero. Otra vez. Eso no suena lo suficientemente bajo. Así que seleccionemos todo el midi y luego presionemos Mayús más la flecha hacia abajo. Esto hará que todo baje una octava. Ahora toquemos con las notas dentro los acordes y veamos cómo suena junto al piano. Y como voy a reducir los volúmenes como se puede escuchar, el audio se está distorsionando por recorte, que es cuando va por encima de cero dB. Una vez que tengo la base de la línea de base hacia abajo, me gusta comenzar a agregar más variación con notas extra. Intente experimentar o seguir junto con mi línea base. Azul. Azul. Azul. Por último, ecualicemos algunas de las frecuencias altas de la base para que no choque con el piano y el sintetizador. Vamos a recapitular algunas de las ideas clave por las que hemos pasado en esta lección. Nuevamente, puedes usar tus acordes principales como guía para comenzar a programar tu línea de base para hip hop lo-fi, normalmente no quieres mucho contenido de alta frecuencia en tu base para que no choque con tu instrumentos de alta frecuencia. El atajo principal recuperado en esta lección nos permitió mover una nota midi hacia arriba o hacia abajo una octava entera. Hacemos esto usando Shift más la flecha hacia abajo o hacia arriba. Ahora tenemos un bucle fuerte que incluye todos nuestros elementos principales. A continuación, estaremos convirtiendo este bucle en una canción completa. 11. Arreglo: convierte el bucle en una canción completa: En esta lección, vamos a estar convirtiendo nuestro bucle de cuatro barras en una canción completa. También agregaremos efectos, muestras, muestras completas y automatización para obtener más movimiento y textura, encontré que algunos arreglos son la parte más desafiante de la clasificación de la muestra. Sin embargo, hay formas de simplificar el proceso. La forma más sencilla de organizar una canción sería comenzar con una introducción que vaya a la primera sección principal, desde sus interruptores a un desglose que lleve a la segunda sección principal. Y luego finalmente termina con un outro. maquetación puede funcionar en muchos casos, especialmente si hay suficientes cambios interesantes ocurriendo con los instrumentos y la batería. Para esta clase, usaré la fórmula de arreglo estándar, pero el hip hop de lo-fi a menudo se aventura lejos de este diseño. También puedes usar una de tus canciones favoritas en un tempo similar como guía hora de trabajar en tu arreglo, vamos a crear nuestro layout básico. Los marcadores son útiles para esto ya que te permiten titular cada sección de tu canción. En primer lugar, movamos nuestro bucle principal dos por nueve y dupliquemos tres veces, creando una sección principal de 16 barras. Después, para nombrar esta sección, haga clic derecho en la línea debajo la línea y haga clic en Agregar localizador. Vamos a llamarlo sección principal uno. Para comenzar la intro, dupliquemos solo los acordes de piano dos veces y agreguemos un marcador en la barra uno y pongamos el nombre intro. Haz lo mismo después de la primera sección principal y nombra descomponer. Para la siguiente parte, duplique la primera sección principal, colócala en ambas 33 y nombra la sección principal dos. Para el outro, vamos a tener los acordes de piano para 4 bar. Agrega un marcador en la barra 49 y nombra altro. Ahora tenemos nuestro arreglo básico, que técnicamente es una canción completa. No obstante, si dejamos la pista así, sería una experiencia auditiva bastante aburrida. Para que el arreglo sea más interesante, podemos hacer lo siguiente. Agrega muestras de efectos para hacer la transición entre secciones. Usa la automatización, que es cuando controlas el perímetro de un instrumento de efecto o pista para cambiar con el tiempo dentro tu canción en el campo y grabaciones completas para obtener más textura, mayor variación a nuestra tambores y contenido melódico, crean más contenido melódico para agregar a lo largo de la canción. Ahora voy a cubrir brevemente estos pasos, pero se asegura de experimentar con cada uno para su propia canción y ver qué se le ocurre. Para fines de demostración, voy a usar sonidos de la biblioteca central de Ableton, que puedes acceder aquí, así como descargar varios otros packs. Ahora voy a agregar muestras de efectos para hacer la transición entre diferentes secciones y luego explicar lo que he hecho. Así es como suenan los efectos. entrar en la sección principal uno, he agregado un elevador de ruido blanco de Ableton se llama biblioteca así como un efecto completo para llevarnos a la sección principal uno. También he agregado un acierto de corrección a corto plazo a mitad de la sección principal uno, y luego volver a usar los efectos completos para llevarnos al desglose. Todos estos efectos se copian a la sección principal dos. A menudo mantengo mis muestras fijas en deformado para un campo más orgánico. También agregué reverberación y echo hacia fuera las frecuencias bajas. Probablemente hayas escuchado cosas como grabaciones de vinil crujido y lluvia y hip hop lo-fi. Usar grabaciones de campo es otra excelente manera de agregar calidez y textura a tu pista. He agregado una grabación de rayos y atmósfera de tren. Lo he mantenido en deformado y lo coloqué para que juegue a lo largo de la pista. También he liderado en una grabación de vinil crujido. Decidí mantener este deformado y duplicado a lo largo de la pista a excepción de en el outro. Así suena al lado del piano. Como probablemente puedas decir, nuestros elementos principales siguen siendo bastante repetitivos. Arreglemos esto agregando más variación. Podemos lograr esto haciendo cosas como agregar o eliminar elementos en diferentes secciones, ajustar notas dentro de nuestro contenido melódico o cambiar de batería. Repasemos los cambios que he hecho a la batería. El cambio principal que ves es este bucle superior que viene a mitad de camino a través de la sección principal uno. Como pueden ver, necesitaba editar un poco el alabeo para asegurarme de que encaja muy bien con mis otros tambores. Una técnica que me gusta aplicar a menudo en los bucles superiores es usar esta opción aquí para controlar los transitorios del bucle. A menudo le ayuda Fitbit en la pista y también es una buena manera de hacer un loop más propio. Asegúrate de ecualizar los mínimos de esto también para que no choque con la base de kickin. También he añadido más variación a los golpes de batería principal. Para variar en un piano, he añadido estas notas extra al final de la progresión. Otro método que puede funcionar desagradable es agregar una segunda rendición de cuentas que reproduzca la melodía existente. Utilicé códigos R y la función de escala como guía para crear esto. Para el sonido, utilizo este preset de pluck oceánico que se hace con Ableton es instrumento de colisión. Sin embargo, sí edité bastante para encajar mejor y los bajos de datos de EQ. También he añadido cadenas de fondo que entran durante el desglose. Yo usé cuerdas orquestales Ableton, que puedes descargar aquí. Para cuerdas y almohadillas. Me gusta mantenerlos tranquilos, sencillos y espaciosos. Así que he usado dos nodos espaciados de cada acorde que creamos para la progresión del piano. Entonces para un poco más de interés antígeno una tercera nota sobre el último acorde. Agregué reverberación y eco de los mínimos y someto, así como mantener las cuerdas tocando ya que entra la sección principal dos. Otra gran técnica a utilizar para crear una transición sin problemas a una nueva sección es la automatización. Aquí voy a usar un filtro automático para filtrar las altas frecuencias del piano y luego traerlas de vuelta justo antes de la sección principal uno, cargar y auto filtrar en la pista del piano. Para activar la automatización, haga clic en el botón de automatización aquí. Ahora podemos elegir qué parámetros de nuestro dispositivo queremos automatizar aquí, o moviéndolo en el dispositivo. Haga clic en el signo más para crear carriles de automatización para que pueda ver la automatización por separado del fangoso, así como múltiples parámetros de automatización a la vez. Después selecciona la última parte de nuestro piano en la intro. Mantenga presionada la tecla Mayús y arrastre hacia abajo para bajar la línea de una vez. Entonces vamos a editarlo para que las frecuencias más altas se filtren y luego regresen justo antes de que arranque el tambor. Entonces copiemos sobre la automatización para hacer transición desde cada sección primaria. Vamos a recapitular. Lo que hemos cubierto en esta lección. Arreglo de canciones es cuando tomamos nuestra idea principal y la convertimos en una canción completa. Podemos agregar o eliminar elementos para crear diferentes secciones para asegurarnos de que la canción no se vuelva aburrida, necesitamos asegurarnos de que haya suficiente variación a lo largo de la canción. Los efectos, las muestras y la automatización son excelentes herramientas para transiciones suaves entre secciones. Si estás atascado en tu arreglo, puedes usar una pista de referencia como guía. Genial, espero haber podido hacer que el arreglo de la canción proceda menos intimidante durante esta lección. A continuación, pasaremos al paso final de crear una canción, mezclar y masterizar. 12. Mezcla y masterización: En esta lección, voy a estar cubriendo brevemente el proceso de mezcla y masterización. No voy a profundizar demasiado en este tema que está fuera del alcance de esta clase. No obstante, voy a estar pasando por algunas ideas que deberían ayudarte a pensar a la hora de mezclar y dominar tu propia música. Tiene algunos conceptos clave que deberían simplificarles el proceso de mezcla y masterización para ti. En primer lugar, las ideas musicales y la vibra, pero siempre las más importantes, sobre todo en el hip hop lo-fi. Usa tus oídos sobre cualquier monitoreo visual. Si suena bien, es bueno. Utilice muestras de buena calidad. Haz tu mejor esfuerzo para asegurarte de que cada elemento no choca con otro, usando cosas como establecer niveles, ecualización, paneo, etc. A partir de ahí podemos hacer la mayor parte del trabajo con solo ajustar los niveles de volumen, especialmente porque hemos hecho la mayor parte del procesamiento a cada sonido a medida que avanzamos, tenemos las ideas principales como las más ruidosas y vamos a partir de ahí, crear una buena patada en la relación de ritmo. Esto se puede lograr con niveles de ecualización y utilizando técnicas como la compresión de cadena lateral si es necesario, poniendo pistas como todas las baterías, instrumentos y desde efectos y Foley en sus grupos propios también pueden ayudar a simplificar el proceso y mantener las cosas organizadas. Primero, agruparemos nuestras pistas en consecuencia. Puedes agrupar pistas seleccionándolas y usando Comando en Mac o Control en PC más g. Para establecer los niveles finales, me gustaría usar esta técnica, cambiar a la vista de sesión pulsando pestaña, luego bajar todas las huellas a cero. Y poco a poco trayendo cada elemento a partir del bombo, que suele ser el más ruidoso. Puedes seleccionar varias pistas a la vez usando Shift para unir todos los niveles. Aquí hay un lapso de tiempo de mí usando esta técnica para hacer la trampa. Así es como suena una vez que se establecen los niveles finales. masterización es la etapa final del proceso de producción. De hecho, podemos mantener este paso bastante simple si la mezcla es buena, el objetivo principal de masterizar es llevar nuestras pistas a un nivel de sonoridad similar otras pistas de lo-fi y pegar todo junto. Esto lo hacemos principalmente con un compresor y limitador. Como pueden ver, mi cadena de masterización es bastante simple y solo usa plug-ins de stock Ableton, que incluye un limitador de compresor de pegamento saturado EQ. Luego ajustaré según sea necesario dependiendo en qué pista esté trabajando. Seleccione una sección donde la mayoría de los elementos estén jugando juntos. Y luego empuja el compresor de pegamento y limitador hasta justo antes de que el audio comience a recortar. Debe haber un nivel de sonoridad suficientemente bueno. Pero también a menudo uso pistas de referencia para probar contra. Y por último, vamos a exportar la canción final tiene un archivo web de alta calidad. Asegúrese de tener todo el arreglo seleccionado con los corchetes de bucle. Después ve a Archivo, Exportar audio slash video, o usa el atajo Mayús más Comando en Mac o Control en Windows más R. Se usará por defecto para exportar la pista maestra. Asegúrese de que la frecuencia de muestreo sea 44 100. El tipo de archivo se establece web y la profundidad de bits se establece en 24. Para esta canción, el tramado no debería ser necesario ya que el archivo web que estamos exportando las mismas cualidades de audio que las muestras hemos usado hasta ahora y no estamos downsampling. jittering agrega un poco de ruido al audio final, pero reduce los artefactos al aprender la profundidad de bits. También puedes exportar como un archivo MP3 activando esta opción. Ahora haz clic en Exportar, nombra tu pista y guárdala donde quieras. Espero que esta lección haya hecho que el proceso de mezcla y masterización sea menos intimidante. Ahora tienes una base sólida para mezclar y dominar tu propia música y eres capaz de cruzar la meta de completar una pista final. 13. Conclusión: Bien hecho al llegar al final de esta clase. Espero que lo hayas disfrutado y estés empezando a enamorarte de Ableton Live. Ahora tiene una sólida comprensión básica de las características de los laboratorios Ableton y el esquema esencial para crear hip hop lo-fi, así como formas de pensar que espero te ayuden a hacer música de manera más eficiente. Por favor, comparte las pistas que hiciste y ve a hacer otra. Estoy emocionado de escucharlos a todos. Puedes conectarte conmigo en todas las plataformas sociales en canciones de fair game o escuchar mi música en Spotify. Feliz creación.