La historia del diseño gráfico: estilo y movimientos artísticos influyentes

1. Avance de la clase: [MÚSICA] Para entender el futuro del diseño gráfico, hay que entender el pasado y lo lejos que hemos llegado en los últimos 120 años. Esta clase rápida revisa la historia del diseño gráfico mientras revisamos siete movimientos de estilo y arte diferentes que cambiaron nuestra industria para siempre. Estas son lecciones divertidas y agradables que están llenas de muchos ejemplos visuales de cada movimiento de estilo. En esta clase, estaremos revisando los siguientes movimientos artísticos. Art Nouveau, Bauhaus, Art Deco, estilo suizo, Pop Art, posmoderno y la era digital. Al final, se te asignará la tarea de crear un proyecto de póster que emule uno de estos siete estilos. También serán útiles investigaciones adicionales disponibles para que puedas ver interpretaciones modernas de estos estilos en acción. Este curso es para cualquier persona interesada en la historia del diseño o para aquellos que son apasionados por ampliar sus conocimientos en el campo del diseño. Seré tu maestra para esta clase. Mi nombre es Lindsay Marsh y he sido diseñadora gráfica por más de 20 años y he enseñado a más 300,000 estudiantes de diseño en los últimos cinco años. Cualquiera que haya tomado mis clases ha visto mi devoción y amor por la industria del diseño gráfico, y hoy me entusiasma presentarles esta clase de historia. Te veré en la primera lección. [MÚSICA] 2. Historia de los movimientos de estilo: una introducción: [MÚSICA] Tenemos mucha suerte de estar en nuestra posición y poder basarnos en una historia de diseño tan grande, maravillosa y rica. Para entender el futuro del diseño, debemos entender el pasado. Esta clase revisará los movimientos de estilo duraderos de los siglos XX y XXI que ayudaron a dar forma a la industria del diseño gráfico hoy en día. Los movimientos de estilo y arte ocurren raramente, a veces solo una vez en una generación y dependen en gran medida los eventos que ocurren en la política global, la cultura y la historia. Son cambios amplios y amplios en la forma en que los artistas y diseñadores ven e interactúan con el mundo que los rodea. Algunos movimientos como el Art Deco, que fue popular en las décadas de 1920 y 1930, siguen siendo relevantes hoy en día en el diseño. Puedes ver cómo todas estas épocas de estilo han influido la diversidad de la estética actual del diseño. Notarás que cada nuevo movimiento de arte o estilo se basa en el siguiente. Cuando un estilo de diseño en particular comienza a volverse rancio o sobresaturado en una cultura, tiende a haber un cambio hacia un estilo opuesto. Piensa en el estilo de los autos en los últimos 50 años. En los años 50 y 60 notarás que los autos tenían aletas muy grandes y estilos de carrocería muy suaves y redondeados. Después de algunas décadas de saturación y sobreuso, se deseó algo nuevo y diferente. Fue entonces cuando surgió el estilo más boxy de la década de 1980. Luego, poco a poco, pasado la década de 1990 y a mediados de la década de 2010, notamos que los autos volvían a ser más redondos También, el mismo fenómeno ocurre con la moda. Una vez fueron los jeans de mamá allá por la década de 1980. Luego, los jeans rasgados de color claro en la década de 1990, para luego en la década de 2000, cambian de nuevo a los pantalones más oscuros de piernas rectas que fueron populares en la década de 1950. Al ahora, bueno, volvemos a mamá jeans. Los colores blanqueados más claros de la década de 1990 están en. El péndulo sigue oscilando de un lado a otro, no sólo en el estilo de los autos sino en el estilo de casi todo. Cuando algo se vuelve ordinario, buscamos dirección sobre lo que podemos hacer para ahora convertirlo en algo extraordinario. En la historia del diseño gráfico, vemos el mismo péndulo balanceándose cada década o dos a lo largo de los últimos cien años. Notarás mientras camino por estos siete movimientos diferentes de estilo más grande que un movimiento contrasta al siguiente y lentamente se construyen uno sobre el otro como un edificio de varios niveles, permitiendo todos los estilos del pasado para influir en los últimos movimientos. Me gustaría comenzar a finales del siglo XIX para nuestro primer movimiento de estilo y terminaremos hablando de la historia más reciente del diseño gráfico y eventos que ayudaron a dar forma a nuestra industria ahora y más allá. Te veré en la siguiente lección. [MÚSICA] 3. Art Nouveau y el movimiento Bauhaus: [MÚSICA] Nuestro primer estilo del que vamos a hablar es el Art Nouveau. Esto duró aproximadamente alrededor de la década de 1880 a la década de 1910. Yo creo que antes de todo, un cuadro debe decorar. Se trata de los artistas Maurice Denis, un pintor y artista francés. Si pudiera describir este estilo en una frase, sería curvilíneo, juguetón y lleno de vida, literalmente. Si Francia tuviera una herencia de estilo de diseño, lo más probable es que tenga sus raíces en el Art Nouveau. Este estilo arquitectónico influiría en muchos de los magníficos hoteles y edificios de París y en el diseño de ornamentos. Como la mayoría de los movimientos de diseño, éste trascendió el diseño, la arquitectura y las artes decorativas y fue dominante durante el período Belle Epoque. Este periodo a finales del siglo XIX y antes de la Primera Guerra Mundial estuvo lleno de optimismo enérgico y exploración y expresión artística. Art Nouveau se caracteriza por la abundancia de vida floral y vegetal detallada, generalmente exhibida en patrones no repetitivos. Notarás muchas de las curvas que enmarcan fotos y puntos focales, como en este ejemplo. En las dos fotos de abajo se ven diversos elementos de diseño en el estilo Art Nouveau. Encontrarás estos abundantes como decoración de fondo están cubiertos en las esquinas de un diseño. También ves que muchos personajes principales altamente ilustrativos tenderían a presentar a muchas mujeres más que a hombres. El Art Nouveau encontró su inspiración antiguos grabados japoneses en madera. Muchos artistas de mediados a finales del siglo XIX gravitaron hacia el arte y el estilo japoneses de principios del siglo XIX, incluyendo nada menos que Claude Monet. El estilo de topografía a menudo presentaría letras imperfectas dibujadas a mano con un aspecto personalizado distinto. La mayoría de los carteles utilizan tipografía que usa todas las mayúsculas en sus titulares. Rara vez hay espacios en blanco en una pieza Art Nouveau y casi cada pulgada cuadrada tiene detalles y adornos ornamentales y una sensación de riqueza. Los personajes principales del diseño probablemente estarían en una pose muy dramática para mostrar el mayor movimiento posible. El póster de la izquierda presenta un titular en diferentes tamaños de fuente bien empaquetados. Esta es una característica muy común del Art Nouveau. Las paletas de colores utilizadas en este estilo tendían a favorecer los tonos más saturados y terrosos con una agradable mezcla de colores cálidos y fríos, siendo un cálido el más favorito de los dos. También puedes ver muchos bronceados, dorados, marrones y tonos verdes naturales. Una de las características interesantes del estilo son los aspectos asimétricos de la mayoría de los diseños. Por lo general, verá un lado más ponderado que el otro, con la tipografía equilibrando las imágenes y los personajes. Cerca del comienzo de la Primera Guerra Mundial, este estilo de diseño había corrido su curso y daría paso un estilo de diseño similar detallado y ornamental llamado Art Deco que persistiría en la década de 1920. Más tarde verás cuánto influye el estilo en las características curvilíneas y maximalistas del Art Deco. Ahora pasamos al segundo movimiento artístico. Necesitábamos tener algo para contrarrestar todo ese diseño maximalista del Art Nouveau y que iba a ser Bauhaus. Bauhaus duró aproximadamente 1919-1933. Unificó las artes para crear un diseño estéticamente agradable y práctico. Bauhaus era una escuela alemana que estaba abierta 1919-1933. La palabra Bauhaus en alemán se traduce como construir casa, la escuela y eventualmente un movimiento influyente en el arte y el diseño, buscó hacer efectivos los objetos cotidianos y mantener un sentido de simplicidad y belleza. Nació en una era del modernismo en Alemania donde los artistas querían crear nuevas expresiones y formas de arte y estilo y dejar atrás la era tradicional del diseño. Se centró en producir productos bien diseñados que se puedan producir fácilmente en masa para una mayor parte de la sociedad. En lugar de solo la élite adinerada. Hay una influencia industrializada en Bauhaus, ya que introduce tecnología y nuevos materiales en sus diseños de productos. La escuela de pensamiento Bauhaus finalmente impactó el futuro del diseño arquitectónico, diseño de productos e incluso la tipografía. La tipografía geométrica estuvo influenciada por las características precisas pero redondeadas del estilo Bauhaus. Tiene un enfoque holístico del diseño y las artes sin fronteras distintas entre los diferentes campos del diseño y del arte. Hay un fuerte deseo dentro del estilo Bauhaus de enfocarse en el enfoque más científico para resolver problemas de diseño. Esto allanó el camino para que las cuadrículas, la proporción áurea y otras interpretaciones más matemáticas se usaran en el diseño. El estilo Bauhaus consiste en formas geométricas básicas que sirven como su principal forma de inspiración. Hay un uso distinto de bordes redondeados combinados con bordes rectangulares más nítidos. Se busca liberarse de las expresiones artísticas pasadas y se centra más en la naturaleza simplista de las líneas limpias y menos en las emociones. Quería dar orden a un mundo desordenado. Este estilo frecuentemente se superpone a formas geométricas y se asegura seguir las teorías básicas del color, diseño y la jerarquía para lograr un equilibrio y flujo básicos. El diseño de Bauhaus busca hacer las cosas lo más simples posible sin el uso de nada innecesario. forma sigue la función es el lema principal de este estilo. La forma de un objeto debe relacionarse con su función o propósito previsto. A diferencia de los movimientos artísticos del siglo XIX, como el Art Nouveau, innecesarias o adornadas o añadidas decoraciones innecesarias o adornadas o añadidas en el diseño fueron despojadas. Esto se debe a que cada elemento debe servir al propósito principal del diseño. La silla que aquí presenta Marcel Breuer parece básica, pero cada decisión de diseño aporta valor al propósito principal, que es sentarse cómodamente. También hace menos uso de materiales. Sería fácil de fabricar y producir debido a la simplificación. Es fácil ver la influencia del estilo Bauhaus en el diseño actual del logotipo. La mayoría de estos ejemplos continuaron utilizando formas geométricas básicas para construir sus marcas de logotipo. El logo de Beats de Dr. Dre es una gran representación de la forma de letra redondeada Bauhaus y el círculo circundante. La Bauhaus puede tener ángulos agudos, pero complementada por los bordes redondeados más suaves. Todas estas marcas están en su forma más simple sin ningún elemento de diseño innecesario. El estilo del logotipo funciona bien para el mundo digital moderno debido a la simplicidad y al aspecto básico. Este estilo ha existido por casi 100 años y no es un estilo que va a desaparecer pronto y encapsula un diseño limpio y clásico. [MÚSICA] 4. Art Deco y el movimiento suizo: El siguiente estilo que vamos a descubrir es el Art Deco, que duró aproximadamente entre 1925-1940. Esto sería descrito como dramático, opulento detalle y lujoso. El movimiento Art Deco se inspiró en el cubismo, un estilo de pintura pionero en Pablo Picasso. cubismo también estuvo fuertemente influenciado por formas geométricas básicas en 3D como el cono, el cilindro y la esfera. Art Deco es menos de un estilo de arte específico, pero más de una colección de estilos de esa época. Se desarrolló a principios del siglo XX, alrededor del período de la Primera Guerra Mundial. Se desarrolló a través del deseo de mostrar entusiasmo por la tecnología y las industrias de rápido desarrollo de su época y el éxito que siguió. Se define por la opulencia extravagante con muchos detalles, ángulos agudos y materiales modernos como plástico redondeado liso y vidrio. El estilo del movimiento Art Deco inspiró edificios como el Empire State Building y el Chrysler Building. También se pueden ver los detalles y adornos en este diseño clásico para una baraja de cartas, muy al estilo Art Deco. Este estilo influyó fuertemente en el desarrollo de diversas características tipográficas como formas de letras largas, estiradas y dramáticas con ambos extremos puntiagudos pero curvas de inspiración geométrica. La influencia actual del art deco se puede ver en el diseño de logotipos de muchas maneras diferentes, podría ver a través del uso de la tipografía como las formas de letras ultra elásticas que a menudo ve utilizadas en la moderna día. También lo puedes ver en arte lineal detallado, que es popular en logotipos para coaching, desarrollo personal y hospitalidad. Debido a que Art Deco no es solo un solo estilo definido, es una colección de estilos de esa época, se pueden ver diferentes representaciones del Art Deco a lo largo de los logotipos basados en la tipografía. En este ejemplo, se tiene un clásico de letras elásticas con el brazo central de la E colocado más abajo en la forma de letra, así como en caracteres subrayados como la o y este ejemplo de metro. También ves ligaduras más estilizadas, notarás en esta interpretación tipográfica moderna las dos l's, con la segunda anidada en la primera esto se ve muy comúnmente en todo el Art Deco. El diseño de diseño en estilo Art Deco presenta cajas detalladas, arte lineal y trazos dobles. Encontré el ejemplo perfecto mientras cenaba en un restaurante estilo 1920 en Asheville, Carolina del Norte. El diseño del menú presentaba arte lineal bellamente detallado, así como cuadros que presentan esos trazos dobles o líneas que se cruzan entre sí creando una característica elegante. También puedes ver esta característica de doble trazo o contorno en el nombre del restaurante que va verticalmente hacia abajo por el lado izquierdo. oro, como habrás notado, se usa mucho en este movimiento como parte de mostrar el éxito, riqueza y la opulencia de la época. Monogramas y radiográficos. Otra multa fantástica fue este guía scout, que se encuentra en el vestíbulo de mi hotel. Este triple monograma presenta un efecto de línea radial que emula los rayos del sol. Verás los rayos del sol resonando y muchos diseños Art Deco, así como otras características de la naturaleza como hojas de plantas, conchas y otros objetos naturales un remanente del Art Nouveau. El próximo movimiento de arte y estilo del que vamos a hablar es probablemente el más influyente en el diseño gráfico moderno. A todos nos enseñan este método cuando vamos a la escuela de diseño o cuando estamos empezando a aprender diseño así que es muy importante prestar atención a este porque realmente estableció los conceptos básicos por muchas cosas que hacemos hoy. El siguiente es Swiss International Design, también conocido como el Estilo Tipográfico Internacional. Algunas personas lo acortan solo para decir diseño suizo. Regla de cuadrículas, espacios en blanco y tipografías San-Serif. Esta forma sigue el ethos de función del movimiento Bauhaus se puede ver claramente en el estilo de diseño suizo popularizado en la década de 1950 por los diseñadores en Suiza. Ha influido mucho diseño moderno y puede verse como una evolución continua del movimiento Bauhaus con sus formas geométricas súper simples. cuadrículas son el pilar del estilo suizo y que ayudaron a mantener lógicamente el orden, pero también a presentar la información una manera fácil de digerir. Este estilo destaca entre otros estilos por su uso general de pesados espacios en blanco entre elementos, esto asegura que el diseño mantenga legibilidad y tenga un simple objetivo directo. La tipografía juega un papel más importante e incluso comienza a convertirse en el diseño mismo. Cuenta principalmente con tipografías San-Serif , sin ningún detalle o serifa. Por lo general, la tipografía se alinea a la izquierda con los bordes derectos Este es también el estilo que nace la tipografía Helvética, la tipografía San-Serif más popular hoy en día, incluso utilizada para el metro de la ciudad de Nueva York y muchas otras instituciones gubernamentales. Volkswagen aplicó el diseño suizo a su publicidad para crear espacios en blanco abiertos. Antes de este tiempo, usar demasiado espacio en blanco se consideraba derrochador del espacio dado. diseño suizo acentúa el espacio en blanco e incluso se convierte en parte de un elemento de diseño por sí solo. La proporción áurea fue importante para el diseño suizo para ayudar a dar estructura al diseño. Cualquier cuadrícula creada con una ecuación matemática estructurada estaba ahora en el cinturón de herramientas del diseñador suizo, podemos ver un resurgimiento y rejillas se utilizan en todas las facetas del diseño del logotipo desde el general diseño a la construcción de la marca del logotipo como se ve en estos ejemplos. El movimiento Bauhaus, hay un enfoque general en formas geométricas simples y simplificación, rara vez existe un movimiento de diseño independientemente sin ser influenciado por movimientos de diseño anteriores. Si puedes hacerlo más sencillo entonces hazlo. El principal mantra del diseño suizo es el proceso de simplificación. Creo que el mayor error que cometen los diseñadores por ser demasiado ambiciosos al visualizar una idea. La complejidad puede agregar algún carácter a un logotipo o icono o diseño pero también debemos asegurarnos de que nuestros conceptos sean lo más simples que puedan ser, para que puedan ser efectivos. ¿Hay elementos o detalles innecesarios en tu concepto? ¿Hay alguna manera de combinar gráficos para tener un solo punto focal en lugar de múltiples cosas? Como estudiamos anteriormente, Art Deco y otros movimientos de la técnica anterior dependían decoraciones o detalles adicionales para asombrar a un espectador. Con el diseño suizo, sorprendemos con simplicidad y claridad. Queremos que vean nuestro diseño tan limpio y sencillo y al grano. Es lo que haces con el espacio extra lo que importa. Lo que hace de este viejo libro de texto de física un diseño suizo clásico no es lo que hace con el espacio de diseño, sino lo que hace con el espacio sobrante, mayoría de los diseñadores modernos luchan por asegurarse de utilizar todo el espacio de diseño dado. diseño suizo permite al diseñador presentar menos información a la vez, aportando más atención a lo que se muestra. Sería natural hacer este gráfico de física más grande. En este caso, se hace más pequeño para que espacio en blanco extra pueda permitir que el diseño respire. Siempre hay tensión cuando diseñamos nuestros diseños, asegúrate de usar espacios en blanco como elemento de diseño y no solo vaciar la nada. Lo que hagas con el espacio extra importa tanto como los otros elementos de diseño que muestres. Esta es una característica del trabajo de los estudiantes. Este proyecto editorial realizado por un alumno de uno de mis cursos, utiliza la tipografía en elementos gráficos que van verticales y alineados al centro para desafiar la típica página de índice que normalmente ves. El peso delgado del tipo ayuda a agregar una sensación elegante y frágil. El tema que aparece en la portada es impresionante por sí solo, así que se aseguraron de mantenerlo libre de objetos, patrones y texturas que distraen para crear un estilo muy suizo, limpio diseño con un montón de gran espacio. 5. Arte pop, el Ad Boom: Sigamos moviéndonos a lo largo de la historia del diseño gráfico. Voy a hablar del movimiento pop art y esto duró aproximadamente desde los años 50 hasta los 70. Las cosas cotidianas se vuelven emocionantes, coloridas y atrevidas. El arte pop se originó en los Estados Unidos y el Reino Unido. Uno podría pensar instantáneamente en el famoso artista Andy Warhol cuando vea este estilo exagerado. Bueno, el desafío del arte pop era las formas tradicionales de bellas artes usando objetos cotidianos y mundanos como tema, generalmente en un estilo tipo cómic. Un famoso ejemplo de Andy Warhol es su pintura de una simple lata de Campbell's Soup. Estos objetos cotidianos se volvieron interesantes y resonaron entre los espectadores porque el arte pop era muy identificable. Muy lejos de los delicados e intrincados patrones e imágenes de perfección de la época renacentista. Lo que define al arte pop es un estilo fortuito, menos limpio que se enfoca en el tema y menos en las cuadrículas y la precisión y en ser perfecto. Líneas de boceto ásperas, periódicos rotos, collages eran elementos comunes utilizados en el arte pop. arte pop define el estilo publicitario de los años sesenta con un sentido del humor colorido, aunque a veces sarcástico. Trajo una corriente principal de estilo realista para vender productos. El globo fue testigo de un enorme resurgimiento del estilo pop art y también de la década de 1990. posible que hayas visto este patrón antes de que se llame patrón de semitono, y se originó en este período de tiempo. Si hubiera un mantra a este estilo, sería no dejes que las reglas limiten tu estilo. Uno de los diseños de logotipos más conocidos de nuestro tiempo son los famosos labios rojos de la banda The Rolling Stones. Hace una gran declaración con un trasfondo cómico y un ligero desafío a las normas sociales. La mayoría de los logotipos que se adaptan a un estilo pop art tienen una tipografía muy expresiva, como en el logo de pizza head de este diseñador. Por lo general, consiste en caracteres personalizados de topografía manuscrita o textos en lugar de seguir una línea recta, acariciarse entre sí y encajar casi como una pieza de rompecabezas. El inicio del estilo pop art naturalmente dio origen a otro boom, ese es el boom publicitario. De la década de 1960 a la década de 1990, estuvimos sobresaturados de publicidad. “No trates de ser original, solo trata de ser bueno”, famoso diseñador Paul Rand, quien vivió entre 1914-1996. A medida que los presupuestos publicitarios de las corporaciones crecieron a mediados del siglo XX, también lo hizo su apetito por el arte y el diseño. Los diseñadores gráficos ya no estaban relegados a simplemente colocar palabras en una página u organizar fotos para un periódico. Ahora jugaron un papel muy importante en ayudar a las empresas a establecer marcas visuales, logotipos, campañas publicitarias globales y ayudar a las empresas a conectarse visualmente con su audiencia. Paul Rand, un diseñador gráfico que alguna vez fue humilde y autodidacta, indicio, autodidacta, igual que yo y muchos de ustedes convertidos en director de arte global, desarrolló logotipos icónicos para Ford, ABC e IBM. Paul Rand fusiona el lado artístico del diseño con el lado comercial más práctico y el lado de marketing de las cosas. Hizo del diseño gráfico una parte esencial del floreciente departamento de publicidad. Rand era más conocido por desarrollar identidades corporativas. Su enfoque no era ser audaz, acéntrico, sino ser afectivo en su enfoque de diseño asegurándose de evitar ideas visuales demasiado complejas por el bien de la expresión artística. Inspirándose en los movimientos de estilo anteriores a él, se aseguró de que cada trazo y objeto tuviera significado y tuviera un propósito para estar ahí en contexto. Después del boom publicitario, nos adentramos en el movimiento del diseño posmoderno, duró aproximadamente desde la década de 1980 hasta la década de 1990. Esto sería descrito como brillante y experimental, y rompamos algunas reglas. Si te gusta ser extraño, divertido, peculiar, atrevido, y si rompes las reglas de diseño que a menudo establecen personas como el estilo tipográfico suizo y el movimiento Bauhaus, podrías encontrarte en el movimiento del diseño posmoderno. Se desarrolló a finales de la década de 1960 pero realmente se convirtió un estilo de diseño de interiores popular en las décadas de 1970 y 80. deconstruccionismo fue un movimiento dentro del diseño posmoderno, que dio a los edificios un aspecto fragmentado. Utiliza formas no rectangulares y exteriores distorsionados. Todo esto fue para desafiar e impulsar aún más la rígida arquitectura clásica del pasado. Existe una vasta percepción del movimiento y del arte posmoderno con esquinas redondeadas y objetos que tienden a aparecer en movimiento con líneas no lineales. Los logos abstractos nacieron de este movimiento de romper la rejilla, pero también aportando este movimiento fluido con bordes redondeados y elementos superpuestos. Hablemos de un ejemplo de la vida real. Este es el logotipo de Parsons, y Parson es una escuela de diseño que forma parte de la famosa, la New School en la ciudad de Nueva York. Adaptó un tipo de letra variable aleatoria para sus estándares de marca llamado new random. Establecería aleatoriamente diferentes anchos de caracteres a medida que se escribe el usuario, creando así un aspecto totalmente rompeolas de reglas a su topografía y sus logotipos. Esto fue polémico en su momento, y la mayoría de las cosas que son posmodernas intentan ser polémicas, pero decide ser diferente. La escuela de diseño tiene una filosofía de probar cosas nuevas y desarrollar el futuro del diseño por lo que tuvo mucho sentido para la marca. ¿En qué movimiento estamos ahora mismo? Yo llamaría a eso la era digital. El paso al estilo digital fusionado con la usabilidad. Lo que ha hecho que los estilos evolucionen en la última década ha sido un incremento en el diseño de la experiencia de usuario. experiencia de usuario o experiencia de usuario pone La experiencia de usuario o experiencia de usuario pone al usuario en el centro del enfoque y muestra que no hay barreras para lograr sus metas, deseos y deseos. Si se trata de una aplicación de pedido de alimentos, entonces centrarse en la experiencia de usuario permite al usuario pasar rápidamente al proceso de pago y procesar el pedido mientras disfruta de la experiencia fluida y fácil. Quizás la app, asegúrate de que el artículo no se olvidó al finalizar la compra con una notificación que brinde una experiencia muy visual para fluir a través de la app de forma rápida y sencilla. La era digital nos ha llevado a un nuevo territorio. Ahora que los dispositivos digitales son súper pequeños y móviles, todo lo que creamos como diseñadores debe adaptarse a este nuevo mundo. Los logotipos complicados y detallados siguen siendo excelentes para otros activos de marca, pero para el uso de un identificador principal de la compañía, debes pensar en los pequeños espacios en los que ahora debe existir. Antes de que los dispositivos móviles fueran nuestra principal interacción con el mundo, navegábamos por Internet usando computadoras de escritorio. Las pantallas fueron generosas y permitieron la creación de marcas de logotipo más complicadas con sombras sueltas, reflejos borrosos y capas. Tiendo a pensar en los logotipos originales de Yahoo y Google cuando considero el estilo a finales de la década de 1990 y principios de la década de 2000. Apple cambia el mundo con su computadora iMac de alto brillo y aspecto elegante con respaldo transparente y opciones de color individualizadas. También están anunciando el cambio con el efecto súper brillante y de aspecto elegante agregado. Este estilo, puede que te refieras como Web 2.0, si viviste en ese entonces, este fue un movimiento para hacer que las marcas luzcan de alta tecnología y listas para ayudarte a avanzar hacia el futuro con la última tecnología. Otras marcas siguieron con este aspecto brillante y adoptaron el nombre Web 2.0, y su referencia a cuánto ha evolucionado la web desde principios de la década de 2000. Muchas empresas tecnológicas siguieron su ejemplo con estos detalles adicionales. Los efectos populares incluyeron fluxiones, como el logotipo estaba sentado encima del vidrio. Otros usan gradientes, reflejos curvos y cualquier cosa que pueda emular al vidrio, como puedes ver aquí. Apple lanzó el iPhone y con él llegaron estos diseños de iconos de aspecto hiperrealista . A esto se le llamó diseño skeuomórfico donde se favoreció capas y realismo. Estos iconos casi tenían una sensación táctil con texturas, patrones y reflejos. Ejemplo popular es el logotipo de Instagram de 2015. A medida que avanzamos hacia la era digital, tenemos la era del diseño plano desde 2008 hasta la actualidad. Si se puede simplificar, era similar a movimientos pasados como Bauhaus o estilo suizo. A medida que entramos en la segunda década del siglo XXI, experimentamos un contraste total con todo el diseño detallado y efectivo impulsado. La era del diseño plano estaba sobre nosotros. Este era un aspecto contrario al aspecto de la Web 2.0 que casi todas las empresas habían abrazado en ese momento, y como ya hablábamos antes, una vez que un movimiento de estilo ha ido demasiado lejos, produce un contramovimiento y el futuro no es diferente. El diseño plano tiene cero efectos, sombras y detalles. El diseño plano también se volvió muy sobreutilizado y sobresaturado en las últimas dos décadas y especialmente en la última década donde casi todas las empresas tenían un estilo de diseño de logotipo plano, y de ida y vuelta va el estilos. Ahora el péndulo se balancea hacia el otro lado en los últimos años ya que más elementos dibujados a mano se abren paso de regreso a los logotipos, pero también lo mantienen plano y limpio a diferencia del logos de principios del siglo XXI. Esto se debe a que nos estamos asegurando de que nuestros logotipos sigan siendo expresivos y únicos, pero también podemos adoptar a esos tamaños de pantalla más pequeños y ser prácticos por el bien del usuario. 6. Proyecto del estudiante: [MÚSICA] Ahora que tuvimos la oportunidad de sumergirnos en el estilo influyente y los movimientos artísticos de los últimos 100 años, ahora es el momento aplicar lo que hemos aprendido y, ojalá, despertar algo de emoción por probar algunos nuevos estilos. Quiero que escojas uno de los movimientos de estilo que discutimos, y cree un póster que encuentre inspiración en ese estilo. Contamos con Art Nouveau, que es elementos detallados, curvilíneos, naturales. Bauhaus, que es geométrica, simplificada y decidida. Contamos con Art Deco, que es ornamental, line art detallado, dorado y paletas de colores oscuros . Estilo suizo, que es el uso de rejillas, mucho espacio en blanco y estructura. Pop Art, que son objetos cotidianos y colores brillantes. Posmoderno, que rompe las reglas, distorsionado, impredecible. O la era digital, las reglas de la tecnología, experiencia del usuario primero y la práctica. Siéntase libre de investigar más a fondo algunos de los influyentes artistas y diseñadores que vivieron durante estos movimientos artísticos dominantes para recopilar algunas ideas para su póster. Tu póster podría ser una publicidad para un auto de la década de 1960 o una pieza de arte pop. Podría presentar formas geométricas inspiradas en el movimiento Bauhaus, o quieres que tu póster sea un póster caprichoso para un musical de finales del siglo XIX. La elección es toda suya. Disfrute del proceso de estudio de otros estilos que han influido en el diseño gráfico moderno. Espero que hayan disfrutado de esta clase. No puedo esperar a ver lo que se les ocurre a ustedes. Me encanta presentar el trabajo de los estudiantes en mi Instagram @lindsaymarshdesign, así que asegúrate de etiquetarme con tu trabajo estudiantil, pero también publicar trabajo en las áreas de proyectos estudiantiles para inspirar a otros a asumir el desafío. [MÚSICA]