Introducción a la preproducción de sonido para cine

1. ¡Hola!: Hola, soy Ana. Bienvenido a una introducción al sonido de preproducción para cine. Soy el cofundador y director de Black Goblin, una empresa de servicios de audio y tecnología con sede en Edimburgo, Escocia. Tengo poco más de la década de experiencia trabajando en sonido para cine, asumiendo diferentes roles a lo largo de mi carrera, incluyendo los de operador de boom, mezclador de sonido de ubicación, editor de sonido, y mezclador de doblaje. conjunto, el co-anfitrión de este canal, Gabby y yo tiramos más de 17 años de experiencia en las industrias creativas. Esta clase es para cineastas de cualquier nivel. Para todos aquellos que tienen interés en el sonido para el cine y quieren conocer todos los aspectos del mismo con el fin de obtener los mejores resultados posibles. El sonido de preproducción es un tema que no se oye demasiado, pero es tan crucial para el éxito de una película. A medida que se eleva el sector independiente, la forma en que hacemos películas ha cambiado y redefinido. Esto es genial. Pero es importante que ningún departamento o aspecto de la fabricación de películas caiga por las grietas. El sonido, después de todo, es el 50 por ciento de tu proyecto. Nos escucharás decir esto innumerables veces a lo largo de nuestras clases. Sólo es sabio pensar en ello tan pronto como puedas y llevarlo al proceso creativo. En este curso, aprenderemos sobre las diferentes etapas de realización cinematográfica y dónde comienza y termina el sonido. También hablaremos de todos esos pequeños aspectos de gestión pero súper importantes del cine, como presupuestación, planeación, programación, y equipamiento. Para el proyecto de clase, estarás haciendo un desglose de guiones a partir de una obra original la increíble guionista Anna [inaudible]. Tendrás la oportunidad de desbloquear tu yo creativo e imaginar un mundo lleno de posibilidades sonoras mientras pronosticas cualquier problema potencial que pueda ocurrir, ayudándonos así a salvar la película. El sonido es una de esas áreas en el cine que parece ser bastante error. Francamente, por eso me encanta. Pero como cineasta quieres pasar tanto tiempo desarrollando tus oídos como pasas desarrollando tus ojos. Empecemos y gracias por ver. 2. Las fases de cine, cine: Bienvenido de nuevo. Me alegra tanto que decidieras unirte a mí. Para empezar, quiero pasar brevemente por las fases del cine. Dependiendo de la literatura que consultes, existen cinco o siete fases del proceso cinematográfico. Voy a pasar por los siete primero. Contamos con desarrollo, preproducción, producción, fotografía, envoltura, postproducción, y distribución. La fotografía y el envoltorio son dos aspectos del cine que marcan un manejo adicional de recursos y tareas específicas particulares de la etapa de producción. Se pueden comprimir dentro de esa fase dejándonos con sólo cinco fases. Para efectos de este y futuros cursos, nos apegaremos a utilizar sólo cinco fases. En términos generales, el desarrollo de la película comienza con una idea. Salir esta idea y escribir el primer borrador del guión más averiguar la logística financiera del proyecto son todos aspectos cruciales de la etapa de desarrollo, que pueden ser bastante largos o bastante cortos, dependiendo de la complejidad de la película. No es habitual encontrar profesionales del sonido emborrachados en esta fase. Eso está bastante bien. De manera realista, no hace falta que una persona sana embellezca aquí por ahora. No por lo menos hasta obtener una imagen más clara de cómo será el proyecto. A continuación, es la preproducción, el foco de este curso. La preproducción ocurre una vez que la película está iluminada de verde. Aquí es donde comienza la planeación para el rodaje de la película, e incluye aspectos como la terminación del guión, el scouting de localizaciones, el presupuesto de producción, programación, las decisiones de equipamiento, y la contratación del equipo de filmación tal como elenco, equipo de producción, director de fotografía, subdirectores, [inaudible], y por supuesto, súper importante el departamento de sonido. A partir de aquí, llegamos a la parte divertida, que es el proceso creativo, y el guión se descompone. El director también mantiene conversaciones con los jefes de cada departamento y comparte derivación de la película. En última instancia, la producción también busca entender lo que requiere cada departamento para cumplir tal visión. Ahora tenemos la producción, que algunos también llaman fotografía de principio. Se refiere a cuándo comienza el tiroteo real. Cualquier tripulación adicional será contratada en esta etapa, como supervisor de guión, y maquillaje, iluminación, etcétera. En este punto ocurren ensayos con el talento, y es imperativo que consideres al menos tu mezclador de sonido, pero idealmente, tu operador de boom también para asistir a estos ensayos. A estas alturas, sus editores de video y sonido deberían ser contratados. Si bien vamos a argumentar en esta clase que esto debe hacerse desde la etapa de preproducción. La postproducción llega justo después de que finalice el rodaje de la película. Aquí es donde se cortan materiales audiovisuales y visuales para crear la película. Después de que el editor de video ensamble material de archivo, comienza la posproducción de audio. graba ADR y voz en off planificada. Artistas de foley acuden al estudio y recrean todos los sonidos de movimiento relevantes, y los editores de audio para cada una de las cinco categorías sonoras, que son efectos de sonido, Foley, ambient, dialogue, y la música, todos editan y rompecabezas juntos el material. Por último, el mezclador de doblaje trabaja en posicionar cualquier mejora de edición, desequilibrio de nivelación, así como preparar los materiales para su entrega y codificación en caso necesario. Por último, tenemos la etapa de distribución. se cumplen los compromisos con los inversionistas En esta etapase cumplen los compromisos con los inversionistas, la publicidad, por supuesto, y tu acuerdo de distribución entra en marcha, y es posible que tengas que filmar estreno en cines, online, DVD, o cualquier otra plataforma de tu elección. Aquí también es donde los viejos involucrados en el proceso pueden celebrar y esperar las deliberaciones sobre el éxito o fracaso del proyecto. Como se puede ver en este rápido resumen, esperarías que el trabajo sonoro comience a más tardar el inicio de la preproducción, y termine junto a la conclusión de la etapa de posproducción. 3. ¿Por qué preproducción de sonido?: Como cineasta, apuesto a que pasaste innumerables horas, y días, y semanas, y gosh, incluso meses preparándote para todos los temas de peor escenario que puedan ocurrir al filmar. Por ejemplo, ¿y si el armario no funciona o no se ve bien y cámara? ¿ Tenemos tiempo suficiente para entrar y salir de una ubicación específica? ¿ Qué pasa si tu cámara repente deja de funcionar, y muchos, muchos más. Se toman innumerables precauciones para esta planeación, tener acuerdos en su lugar, hacer scouting de localizaciones, así como montones y montones de reuniones con el director y los jefes del departamento. Como debieras. Pero ahora piensa en todos los temas potenciales que puedes tener con el sonido. mejor ya tienes una larga lista de ellos, o tal vez no tienes ninguna porque no tienes idea de lo que podría ser esto. En ambos casos, lo que esto te dice es que debes preparar y traer a los expertos lo antes posible. Cuando hablamos de reuniones de producción, por ejemplo, siempre debes incluir tu editor de sonido supervisor o diseñador de sonido. Esta es la persona, por supuesto, coordinando tu postproducción sonora y tomando decisiones artísticas respecto a sonar tu tono. Definitivamente también debes incluir, sin duda tu mezclador de sonido ubicación. Su experiencia y conocimientos juntados te ayudarán a evitar innumerables trampas. Si crees que esto es demasiado temprano o demasiado, espera hasta la postproducción, verás que no es demasiado temprano. Una buena regla de oro es que deberías estar entrevistando a candidatos tanto para tu diseño de sonido como para tu sonido de producción desde el momento en que tu proyecto es verde lit. Deberías tener para ellos contratados el momento en que apenas empiezas a buscar ubicaciones, pero mucho antes de haber hecho alguna rekey o incluso tu localizador inicial y en realidad preferentemente. Si has hecho el scouting de localizaciones y tomando alguna decisión antes de tener bordo a tu equipo de expertos en sonido, entonces llegas demasiado tarde. ¿ Por qué? Bueno, en pocas palabras, cuando scouting DOPs y directores puede emocionarse mucho con los componentes visuales del espacio, y todo el mundo se olvida de escuchar. Es por ello que quieres un profesional del sonido ahí mismo contigo para enfocarte únicamente en el sonido. Pero entraremos en más detalles sobre esto en la lección de localización y rekey. Adicionalmente, quieres asegurarte de tener tu equipo de sonido ya armado para maximizar el resultado artístico del sonido en tu proyecto. El sonido puede ayudarte a transmitir tanto más allá del diálogo. Cuando está bien pensado, puede impulsar la narrativa, darte información que no se ve inmediatamente en la imagen, y sacar emociones subyacentes que actúan en general al sentido de la noción. Atraer sonidos en la etapa de preproducción puede ser la diferencia clave de tu proyecto y ayudarte a recolectar todos esos galardones que tu gran historia merece. 4. Recruiting un equipo de sonido: Podrías decirme, Anna, me has dicho mil veces que necesito un equipo de sonido y un diseñador de sonido lo antes posible. Yo lo entiendo. Pero a quién debo contratar entonces. ¿ Cómo se ve este equipo de sonido? Bueno, empecemos con tu equipo de sonido de ubicación. manera realista, y particularmente para un largometraje con más complejidad, se requerirá un mínimo de tres miembros del equipo de sonido, un resistente a la mezcla de sonido, un operador de boom y un mezclador de sonido. En mis más de 10 años de experiencia, he encontrado varias veces que la producción desea reducir costos, optando por reducir el número de tripulantes en ciertos departamentos. Desafortunadamente, el sonido tiende a ser uno de ellos. Pero siempre sugiero comparar el departamento de sonido con el departamento de fotografía. Tu tripulación mínima para el departamento de fotografía es tu director de fotografía, tu primer asistente de fotografía, y tu segundo asistente de fotografía. Los tres tripulantes tienen una función vital. Seguro que estás más que consciente de que si sacas una de la ecuación, tu imagen sufrirá. Es exactamente lo mismo con el sonido. Todo miembro de la tripulación tiene una función vital y sacar a uno de ellos puede llevar a tiempos de configuración más largos, errores, y en general, no los mejores resultados que se pueden obtener. Ahora, podría haber visto tripulaciones más pequeñas. Pues bien, para los cortometrajes, que quizá no sean demasiado complejos y sin mucha acción o actores, quizá puedas bajar este número a dos miembros. No obstante, sí ten en cuenta que si estás queriendo reclutar solo a dos personas, mejor que sean las personas con más experiencia que puedas encontrar. Estos dos miembros son por supuesto, el operador de boom y el mezclador de sonido. 5. Reclutar un equipo de sonido y un equipo de sonido de sonido de locación: Ahora bien, ¿qué hace cada una de estas personas? Un operador de boom es un papel clave dentro del departamento de sonido y contrario a la creencia popular, no es una posición de entrada. Para el papel de un operador de boom, se requerirá de una persona con un conjunto de habilidades que van desde la resistencia física, quiero decir por supuesto, se ha visto a un operador de boom resistiendo durante horas seguidas para obtener el mejor sonido. Pero lo más importante, lo que realmente necesitas es alguien con un oído excepcional y una gran atención al detalle también. Ejemplo de ello, es la capacidad de dominar mi afán por escenas con múltiples actores en un plano ancho, donde tal vez se está dando mucha charla y cuando la disposición del talento a un no tan cercano distancia entre sí. En este escenario, el operador de boom necesita idear soluciones creativas para miccionar eficazmente a cada actor mientras habla sin causar cambios dramáticos, caídas en el audio o peor aún, producir ruidos como resultado de que el poste de la pluma se moviera demasiado repentinamente. El operador de boom trabaja con el mezclador de sonido y el director de fotografía para coreografiar rápidamente cualquier cambio de último minuto. Adicionalmente, el conocimiento de los operadores también se extiende al manejo de una variedad de micrófonos para diferentes situaciones. Por lo general, tu equipo de sonido vendrá a establecer con al menos un par de micrófonos de escopeta para la captura de sonido por supuesto y un par más para el ambiente interior. El operador de boom así como el mezclador de sonido, ambos necesitan conocer muy bien a su hijo e identificar qué micrófono de escopeta es óptimo para cada escena así como entender muy rápidamente cuando [inaudible] y es necesario mantener la consistencia pegándose al mismo modelo, por ejemplo. Al igual que la luz y los filtros, las decisiones de micrófono impactan más que la calidad del sonido. También hay decisiones artísticas que podrían retratar la voz de un personaje una luz específica y tal vez mejorar la narración a nivel subconsciente cuando se hace bien. Pasando, tenemos el mezclador de sonido. Un mezclador de sonido a veces es la posición más senior en el equipo de sonido. No obstante, diferentes tripulaciones tienen estrategias diferentes por supuesto. Por lo menos, es una posición llena por un experto en sonido que ha tenido experiencia con varios si no todos los aspectos de la producción de sonido. En nuestro equipo por ejemplo, tanto el operador de boom como el mezclador de sonido se consideran puestos de alto nivel ya que cada uno de nosotros tenemos años de experiencia y tenemos desarrollar habilidades particulares a nuestros roles. Dicho esto, por lo general el mezclador de sonido es efectivamente responsable de la grabación general del diálogo y otros sonidos durante el rodaje. También detectan cualquier problema y sugieren cualquier solución en nombre del equipo de sonido en la preproducción como cambios de ubicación, decisiones de equipos de audio, y muy parecido a una fotografía director, el mezclador de sonido también puede influir en el posicionamiento del micrófono y la relevancia del personaje con el propósito de la captura de sonido. El mezclador de sonido también crea diferentes mezclas de monitoreo. Una mezcla de monitor es una versión de lo que está capturando el dispositivo de grabación de audio que luego se envía a cualquier salida de audio según sea necesario. Ejemplo de ello es crear y enviar la mezcla al operador de boom para que puedan escuchar su vida de micrófono de escopeta por ejemplo, pero sin escuchar ninguno de los micrófonos de radio o micrófonos ambientales que la mezcla está capturando al mismo tiempo. Otro ejemplo muy realista es la creación de una mezcla que se puede enviar a los auriculares directores y que podría incluir el micrófono de escopeta principalmente, pero también una señal mucho menor de los micrófonos de radio dando al director una imagen clara de lo que está oyendo el micrófono pero sin ser demasiado caótico ni distraído. Enviar un ajuste de sonido al director es realmente importante ya que permite al director no sólo sumergirse plenamente en la performance sino que también genera conciencia sobre el sonido y los aspectos potenciales que puede arruinar una actuación si no se toma en cuenta. También aclara por qué el equipo de sonido siempre es tan inflexible para todos estén extremadamente tranquilos en el set entre otras cosas. Dependiendo del tamaño del equipo de sonido, la problemas técnicos adicionales también puede ser parte de la descripción del trabajo de un mezclador de sonido que me lleva al último rol. El micrófono de sonido resistente. Cuando hablamos de un micrófono de sonido resistente, existen varias responsabilidades que este tripulante puede tener. Una cosa es segura, independientemente de cualquiera de estos tres roles. Se requiere de un especialista en ocultación de micrófonos. En nuestro equipo, esta tarea la realiza Gaby Haley quien tiene mucha experiencia ocultando micrófonos y llegando con soluciones creativas para capturar el mejor sonido posible mientras mantiene micrófonos oculto y seguro. Por cierto, muestra muchas de sus increíbles técnicas y trucos en el curso e introducción a producción sonido para cine todo a este canal. Pero, de todos modos, en otros equipos esta tarea podría caer a la resistencia del micrófono de sonido por ejemplo, todos los micrófonos de sonido son parejos. Todo depende de las habilidades y habilidades desarrolladas por cada miembro de la tripulación. En cualquier caso, asegúrate de que al contratar, tengas a bordo un experto que pueda ocultar micrófonos ya este aspecto suele ser la diferencia entre súper y mala captura de audio. Volviendo al micrófono de sonido resistente, una parte crucial de este rol incluye el respaldo de datos. Esto es clave para asegurarnos de que estamos manteniendo seguros nuestros datos de sonido en todo momento. También nos permite realizar algunas de las tareas de preparación durante el rodaje, como el etiquetado de metadatos por ejemplo, la preparación de reporte de sonido para el editor, ahorrándonos mucho tiempo y ajetreo. Muchas otras tareas técnicas deben caer dentro del alcance del trabajo de resistencia de micrófono de sonido. Algunos de estos incluyen barrido de frecuencia para interferencias por ejemplo o configuración de micrófonos de radio y micrófonos de ambiente, cambio de batería, cableado de seguridad y solución rápida de problemas por mencionar sólo algunos. actualidad, es bastante común ver publicidad para empleo buscando un operador de boom y unos micrófonos de sonido por separado. hay absolutamente nada cierto, nohay absolutamente nadade malo en este enfoque. De hecho, algunos profesionales del audio trabajan de manera freelance están muy acostumbrados a trabajar de esta manera y se pueden obtener resultados excepcionales. Dicho esto, no descuidaría el valor de encontrar un equipo que pueda ofrecer a los miembros para todos los puestos ya que esto sin duda trae ventajas con él, pues te asegura que, tienes un equipo de sonido que se utiliza para trabajar entre sí y que ha desarrollado un eficaz sistema de comunicación y un ritmo que por supuesto hará que todo funcione sin problemas. Si quieres saber más sobre qué buscar a la hora de reclutar equipo de sonido y qué preguntas pedir una entrevista, acude a nuestro curso de introducción a la producción de sonido para cine donde Gaby te dará consejos útiles para abordar este trabajo. 6. Reclutar un equipo de sonido de sonido: En cuanto a su diseñador de sonido, bueno, el sonido de ubicación y sonido de posproducción son muy diferentes conjunto de habilidades. Hay algunos equipos que tienen mucha experiencia en ambos lados o que tienen un equipo lo suficientemente grande como para poder tener expertos en cada área que se requiere y básicamente ver tu sonido completado desde el pre -producción a la etapa de posproducción. Este es sin duda el caso de la forma en que Agave y yo mismo, y nuestro equipo, trabajamos dentro de nuestra empresa. En cierto modo, esto es una ventaja, por supuesto, porque si como cineasta encuentras un equipo que pueda responder eficazmente a todas tus necesidades sonoras, entonces, claro, puedes estar seguro de que el sonido será capturado de una manera que será beneficiosa para el diseño de sonido. De igual forma, también puedes asegurarte de que tu diseñador de sonido se involucre tan pronto como sea necesario en el proyecto y participar en aspectos como el recce y el desglose de guiones, que es de lo que hablaremos en el siguiente lección. Esto no quiere decir que siempre debes buscar ir por este enfoque de contratar a un equipo completo. Al buscar un diseñador de sonido, asegúrate de que su compromiso con el proyecto parezca bastante abierto y no único en la etapa de posproducción. Cuanto más diseñador de sonido enfatiza la importancia de involucrarse temprano o tan pronto como te pongas en contacto con ellos, más tienen preguntas también en lo que respecta a la preproducción. Se puede apostar a que haya experiencia y disposición para contribuir de manera significativa al proyecto. Adicionalmente, pidió ver un carrete demo o comprobante de trabajos anteriores y mirar el estilo. No siempre se trata de la cantidad de créditos que yo diría, pero la calidad de los mismos está ahí, por ejemplo, buen valor de producción ahí? ¿Puedes oír eso? Se pueden escuchar estas obras quizá en el cine cómodamente, ¿las imaginas ahí? También, por ejemplo, si tu película es de terror, pero el diseñador de sonido no tiene ninguna película de terror en el portafolio, no las descartes todavía, sino pregunte por qué el interés por el horror. Si el diseñador de sonido muestra un gran mando y conocimiento del cine de terror y establece ejemplos dibujando a tu guión, esta es en realidad muy buena señal. Un trabajo previo en el género no asegurará que el trabajo realizado para tu película sea el mejor. Pero el interés y el compromiso en el proyecto y las sugerencias que te sientes cómodo y atraído, esa es una buena persona para llevar a tu tripulación. Si has encontrado al diseñador de sonido con todas estas características además de mucha experiencia en el género de tu película, entonces probablemente deberías contratarlos pronto. 7. Desglosado de guión: Ahora hemos llegado a una de mis partes favoritas de la preproducción. El desglose del guión. Había algo tan emocionante leer un guión por primera vez, se siente casi como descubrir algo nuevo. Cuando hacemos un desglose de guión, existen dos áreas principales sobre las que se quiere hacer notas, técnicas y artísticas. Lee el guión y resalta aquellas escenas que son difíciles, particularmente aquellas que tienen espacios únicos o difíciles. ¿ Contamos con estacionamientos, por ejemplo? O estás atrapado en un tren en movimiento durante los primeros 16 minutos de la película? No lo sé. ¿Tenemos varias escenas en un aeropuerto real? Estas son todas preguntas de la naturaleza de solución de problemas que quieres preguntar inmediato e identificarte mientras lees el guión por primera vez. Veremos más sobre los espacios problemáticos potenciales, y lo que busca un profesional de sonido a la hora de hacer recce. No obstante, podemos identificar problemáticas específicas relacionadas con espacio y la ubicación incluso desde el guión. Esto es algo muy valioso hacer ya que permite a directores y fotógrafos pensar estas cosas al hacer su exploración inicial de localización. Otra pieza de información muy importante que puedes obtener de los guiones en el lado técnico de las cosas, se relaciona con cuántas personas están hablando en cualquier momento en una escena. ¿ Son cuatro personas a la vez, dos, o tal vez ocho? ¿ Qué tan importantes son todas? Esto es crucial para entender la cantidad máxima de micros de radio por ejemplo, que necesitas. Si tienes 100 personajes en la película, pero no hay ni una sola cosa que tenga más de dos personajes hablando o involucrándose en una conversación, bueno, probablemente sólo necesiten tres series de micros de radio, uno por cada uno de estos personajes y uno extra por precaución. También debes buscar en el guión escenas coordinadas complejas. Un buen ejemplo son aquellas largas secuencias que se intentan en un solo disparo y que mueven a través de una o varias salas. Es posible que quieras preguntar cómo se coordinará la escena. ¿ Habrá un dolly o tal vez un Steadicam? ¿ Cómo puede el operador de boom navegar por esta escena dependerá mucho de cómo se robe la escena, pero también del contenido de la misma. ¿ Hay algún diálogo en marcha o algún efecto de sonido que estemos captando? Si sí tenemos que captar algunos efectos de sonido, también es importante hacer la pregunta, ¿tenemos que hacerlo durante la actuación del pueblo o se puede hacer en otro momento para evitar cámara y la gente moviéndose alrededor de ruidos? Un mezclador de sonido debe ser parte del recce y del proceso de aprobación de ubicación, como hemos mencionado antes muchas veces. Tanto la producción como los directores deben ser lo más complacientes posible. También, como dijimos, debido a que el desglose de guiones es una gran manera de identificar posibles temas incluso antes los cineastas vayan al scouting de localizaciones, significa que se puede tomar en cuenta cualquier problema cuando elegir un espacio en lugar de decir, enamorados de un lugar, sólo para descubrir que arruinará actuaciones de todos porque no funciona suena sabio. 8. Desglose de guiones - parte 2: Ahora, hablando de los aspectos artísticos del desglose del guión, esto lo hace normalmente el diseñador de sonido. Pero si tienes un solo equipo como lo comentamos en la lección anterior, podría haber solapamientos en la gente. No obstante, si tu audio de producción y postproducción son equipos totalmente diferentes, también es genial obtener opinión de los mezcladores de sonido de tu ubicación desde un punto de vista artístico. Esto puede asegurar que los acuerdos entre director, diseñador de sonido, mezclador de sonido de ubicación, DOP, y equipo de producción así se hagan para que todos los aspectos de la planeación tengan en cuenta audio también con fines artísticos. Para el desglose audio artístico, podemos empezar visualizando todos los objetos en una escena y qué sonidos producen. Nuestros cerebros son en realidad bastante interesantes en el sentido de que cuando lees cualquier historia, ya sea un guión o cualquier otra forma narrativa, no sólo podemos imaginar cómo se ven los objetos, sino que también podemos adjuntar una memoria sonora a ellos. El acto de visualizar objetos y escucharlos en tu cabeza puede traer a primer plano algunos elementos dentro de la escena que podrían no haber sido pensados por el guionista como significativos, pero pueden servir a la narrativa por el sonido que hacen. En una de las películas más recientes en las que tuve la oportunidad de trabajar, había dos escenas que mencionan un reloj dentro de una habitación en particular. En esto, el personaje o personaje específico miraría y vería el tiempo. Esa fue tanta descripción como el guión daría en realidad. No obstante, mi equipo y yo empezamos a notar otros elementos a través cómo la narrativa que apuntaba al tiempo con bastante claridad, como una campana de iglesia y no sólo esto, sino toda la narrativa tenía un tema subyacente de tiempo y edad y vulnerabilidad por el tiempo y la edad también. Esto nos dio la idea de que el reloj en esa sala podría ser un personaje adicional que pudiera conectar con la narrativa y aparentemente correr contra el aspecto del reloj dentro de ella. Proponemos a través de nuestro desglose de guión para que el reloj se convierta en este elemento sonoro que dependiendo del contexto sería más o menos prominente dentro del sonido ambiental. partir de estas notas, el director decidió entonces agregar algunas inserciones de este reloj a la lista de preselección y de ahí comenzó a desarrollar este aspecto también en la narrativa. Este es sólo un ejemplo muy sencillo de cómo se puede usar el sonido para reenviar la narrativa tal como usarías la luz o un color, y puedes hacerlo desde el desglose del guión. Como cineasta, no tengas miedo de tomar algunas ideas propuestas por tu diseñador de sonido e integrarlas. Esta es una de las razones vitales que tienes un diseñador de sonido tan temprano. Recuerda, los diseñadores de sonido son artistas antiguos, así que úsalos para mejorar aún más tu narración. Para esta parte de la clase, me gustaría llevarles a través de una escena donde hacemos exactamente lo que acabo de describir en mis ejemplos anteriores. Hay varios métodos que he usado para hacer notas sobre el script normalmente, y si obtienes una copia en PDF puedes usar un editor como Adobe Acrobat Pro. No obstante, también puedes usar una versión de documento de Word y hacer prácticamente lo mismo. Aquí para este ejemplo, usaré Adobe Acrobat ya que es el software que normalmente uso de todos modos, pero sin embargo el proceso de edición, será muy similar en palabras y lo que decidas ir. Estos no son de ninguna manera los únicos métodos para hacerlo. Sé que si eres, por ejemplo, director o guionista, podrías estar usando un software de escritura de guiones y tal vez te resulte más fácil poner realmente tus notas allí también. Esto está absolutamente bien. Sea lo que sea que utilices, el proceso creativo es más o menos el mismo. Para esta lección, tomaremos prestado un guión de una brillante película, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, dirigida por Michel Gondry. Hay muchos guiones brillantes por ahí con los que puedes practicar siempre y cuando respetes las reglas de derechos de autor. Pero con fines educativos, hay un par de sitios en línea donde puedes encontrar una plétora de esto y practicar este ejercicio tantas veces como necesites. De igual forma, si tienes tu propio guión mientras realizas este curso, por todos los medios, empieza a descomponer manuscrito con tu propio trabajo. Para este ejemplo de clase sin embargo, haremos dos cosas. En primer lugar, veremos el guión sin tener en cuenta el cine. Si lo has visto, trata de sacarte los recuerdos de ella de la cabeza lo cual será bastante adecuado de cualquier manera para la película. Si no lo has visto, entonces fantástico, ya estás ahí. Hagamos una lectura al principio y esta primera escena que les estoy presentando ahora. 9. Desglose de la escritura y de la mente sin Spotless: Bienvenido de nuevo. Ahora que hemos leído esta escena inaugural de la película, Eternal Sunshine of the Spotless Mind , empecemos. Ahora bien, no tienes que escribir notas en ningún orden en particular, solo te animaría a dejar fluir tus ideas. Pero toma nota de cada pensamiento que te viene a la mente. Para este ejemplo, elegiré un resaltante verde para todos los modos técnicos que puedes encontrar aquí arriba. Ya lo he seleccionado y luego voy a elegir un color amarillo para todo lo que considero de carácter más artístico. Para dar un ejemplo de cómo pasar del verde al amarillo, por ejemplo, voy a seleccionar esta frase dispersa aquí y por defecto puedes ver que es verde. Pero si quiero que sea amarillo, solo voy a dar clic en él y se puede ver el color verde aquí, voy a dar clic en eso también y puedo cambiarlo. Estaré usando este amarillo para cualquier nota artística. Simplemente borraré eso por ahora. Lo primero que estoy pensando después de leer este guión es, ¿a qué suena la falta de color? Esta es definitivamente una nota creativa. Destacaré la frase que se refiere a la falta de color realmente y escribiré esta pregunta por ahí. Voy a dar clic en él y se puede ver un pequeño cuadro de comentarios en el lado izquierdo que dice agregar nota. Voy a dar click en eso y esa es mi pregunta que escribiré. ¿ A qué suena la falta de color? Anteriormente en el guión, teníamos una referencia al color gris también, que puedes ver hay muchas referencias de color y es solo un pequeño párrafo lo cual es increíble. Para fines meteorológicos, gris suele significar nublados o lluviosos o fríos. Sé como persona sana que la mejor manera de tal vez retratar esto es teniendo un tratamiento ambiental de clima muy frío. Podría plantearse una pregunta técnica al respecto, cuándo se registrará esto? ¿ Cuándo o cuáles son fecha de rodaje de oro realmente? ¿ Hay algún tipo de clima al que estamos apuntando para esto? En cierto modo, se trata de una nota técnica pero también artística. Como ya puedes empezar a imaginar que si estás filmando hoy en, por ejemplo, una tormenta de nieve o un día lluvioso, eso puede causar algunos problemas en captura con diálogo. Escribiré todos estos nodos en mis scripts. Seleccionaré, es genial por aquí, haga clic en él, y luego iré con mi nota creativa. Simplemente pondré una nota diciendo que también es cuestión creativa y técnica fronteriza. Esas son todas las notas de las que estábamos hablando justo ahora. Voy a publicar esos. Ahora, hay mucho mencionado, quiero decir, desde el inicio tenemos una mención de la estación de tren aquí. También podemos tener la sensación que el aire también de que el sonido ambiental no fluye tanto como en un espacio abierto regular. Las estaciones de tren son siempre un espacio extraño porque varía mucho de estación a estación. Pero es bueno entender si ya ha habido varias localizaciones diferentes que se han visto o si no, que normalmente es como mencionamos lo largo de todo este curso, lo óptimo, nos vamos aquí con la idea de que el director y la producción aún no han seleccionado y las localizaciones con Irish Siren Crew. Pero aunque no hayan seleccionado ninguna ubicación, ¿en qué están pensando la visión del directorio para esta escena? ¿ Qué estación de tren es? Un espacio blanco cerrado o es uno de esos locales más pequeños, que parece más bien porque estamos teniendo una descripción de una plataforma aquí mismo. Las plataformas a veces son un lugar extraño porque no están completamente abiertas pero no están en interiores en absoluto. ¿ Cuál es la visión para este espacio y por supuesto cuáles son las implicaciones de eso? En el mismo sentido, también podemos tener la sensación de que, como dije, el aire no es fluir y a veces esta forma particular de cualquier estación que se vaya a elegir tendrá una implicación definida. Eso lo anotaremos y en lugar de seleccionar la sección específica, lo escribiré como comentario general. Para hacer eso, solo daré clic aquí en el icono del comentario o nota pegajosa en realidad y sólo lo añadiré junto a la descripción de la escena. En esa misma nota, estamos filmando en la estación de tren. Una de las primeras preguntas que probablemente debería haber escrito es, ¿tenemos diálogo? El motivo por el que me lo salté es porque obviamente no llegamos. Nos hace realmente afortunados porque podría ser un problema muy grande estar en un espacio abierto donde quizá no haya mucho control sobre las idas y venidas de la gente. No tener diálogo, aquí es algo muy afortunado. Definitivamente va a ser realmente ruidoso, como dije. Podríamos tener que rehacer todo el diseño sonoro en la posproducción. Definitivamente se trata de una narrativa técnica, que de nuevo, voy a sumar en contraposición a una general y sólo voy a poner eso hacia el final y decir, la mayor parte del diseño sonoro tendrá que hacerse potencialmente en post- producción. El mezclador de ubicación definitivamente querrá capturar tantas pistas salvajes como sea posible desde esta estación, idealmente sin ninguna gente. Nuevamente, dónde está esta estación que definitivamente es importante. Como se dijo, presumimos en este punto que realmente no lo sabemos todavía, pero esto es algo para agregar como consideración. ¿ Podemos deshacernos? ¿ Podemos intentar elegir un lugar donde podamos deshacernos de la gente un rato y hacer unas breves sesiones de grabación con solo audio, solo pistas salvajes? Por supuesto, esto no tiene que hacerse durante el principal ni el calendario principal de rodaje. Podría programarse en un tiempo diferente, pero esto es algo para que un primer subdirector de producción lo considere de inmediato. Nuevamente, es una nota general más que algo que vamos a destacar aquí. Crearé otro comentario al respecto. Acabo de publicar eso. Ahora, me encantan los trenes, no sé ustedes chicos. Hay todo el paisaje sonoro en la habitación, lo cual es realmente genial. Pero, ¿cuál es el papel de ellos aquí en la película en esta escena en particular, y cómo pueden ayudar para la narrativa? Eso me lleva a la intención general de la escena, que es una escena mucho más creativa en la naturaleza, lo que me recuerda por cierto, ponemos ésta. Es gracia un poco de pregunta técnica y creativa. En realidad voy a cambiar el color aquí o intentarlo al menos. Ahí vamos. diciendo ¿cuál es la intención de la escena? Para mí de inmediato, lo que estoy viendo es este mensaje inmediato que parece hablar de una falta de individualidad en este mundo. Tenemos a todas esas personas luciendo exactamente igual con solo unas pequeñas luces de individualidad aquí y allá con la forma de corazón, caja roja de caramelos bajo el brazo de alguien. Todo el mundo se ve casi igual, casi en blanco y negro. Nuevamente, esta referencia a la falta de color, y también viene un poco como reflejo de la soledad que viene como resultado de esta falta de individualidad y cada uno realmente inmerso en su propia vida. En cierto modo los trenes tienen esa calidad de la anotación muchas cosas como el paso del tiempo y el ambiente que simplemente está realmente ocupado y rico, pero ahoga la individualidad de alguna manera. Creo que todas estas cosas son muy, muy importantes tener en cuenta aquí y empezar a pensar en cómo el sonido puede denotar eso. Para mí, una forma en la que podemos hacer eso es que si tenemos todos los personajes o los movimientos de la gente, sentimos pequeños y casi aislados, bueno, el espacio que rodea todo, es un poco más asfixiados y tomando el relevo. Esto significa tener potencialmente tipo de ambiente que ligeramente es realmente sobrepotente. Potencialmente trenes yendo y viniendo, y vemos mucho movimiento potencialmente si la gente no se está moviendo en absoluto, pero simplemente se siente realmente pequeño. Pondremos aquí una nota al respecto. Quiero decir que puede ser un poco sofocada y hacerse cargo de los movimientos de las personas. Creo que eso es algo interesante para jugar. Otra cosa a tener en cuenta aquí es que hay un gran potencial, una gran oportunidad para que el compositor musical haga un buen tema aquí. Eso es algo a lo que definitivamente quieres estar abierto como diseñador de sonido y dislocaciones hacia fuera asegúrate de que aquí está proponiendo cosas artísticas. No obstante, personalmente me inclino por esta escena en particular a empujar por una escena sin música. Creo que eso definitivamente realzaría este sentimiento que estamos viendo en términos de soledad. En ocasiones algo como el silencio o más como la percepción del silencio puede hacer que la gente se sienta realmente incómoda, lo cual es algo que definitivamente se puede utilizar a nuestra ventaja aquí. Escribiré eso también y diré, definitivamente podemos usar el silencio de manera inteligente aquí para crear ese sentido de soledad, pero también sentimientos incómodos. Creo que en esa misma nota, otra cosa interesante aquí es que tenemos un tren que tira al andén al otro lado y vemos a estos hombres que acecha arriba las escaleras dos a la vez. Creo que esta es una de esas situaciones en las que el ambiente del tren y el ambiente general se adelantan. Podemos ver a este hombre moverse, pero realmente no escuchamos los movimientos, solo vemos la acción y todo lo demás se hace cargo. De hecho lo subrayaré y lo resaltaremos, cambiaremos a amarillo y diremos precisamente esto. Este es un ejemplo de lo que he estado diciendo en los comentarios. Creo que este sonido por aquí la apertura de la puerta, ese necesita ser probablemente uno de los únicos sonidos que va a ser bastante brillante en el sentido de su frecuencia y composición. No sólo porque las puertas del tren tendrán esa composición más de alta frecuencia o de alto tono a ellos naturalmente, sino porque sí necesitamos algunos efectos de sonido aquí que nos den un poco de luz y nos diga este es el status quo, es como luce el mundo para este personaje desconocido hasta el momento. Pero hay un vislumbre de las cosas que están a punto de cambiar para este personaje desde el inicio de esta película. Definitivamente esto es algo a considerar y lo destacaré también. En primer lugar lo voy a poner como un nuevo creativo, después voy a añadir otro comentario diciendo, técnicamente hablando localizaciones, voy a mezclarlo va a querer grabar tantas de estas puertas de tren como sea posible para poder tienen efectos de sonido originales que luego podemos procesar en posproducción en lugar de ir por solo lo que hay ahí fuera. Aquí vamos. Voy a parar un poco aquí porque la verdad es que podría seguir y seguir y seguir y seguir sobre esto. Hay tanta más información de la que jamás se podría imaginar en uno de estos párrafos del guión. No se trata sólo de lo que estos guionistas significan decirnos, sino también de nuestra interpretación de los materiales. Para un párrafo tan pequeño, como dije, en realidad agregamos bastante información aquí ya. Por supuesto, esto es antes incluso de hablar con un director o mirar storyboards. Toma esta escena que he agregado a los materiales de esta clase e intenta hacer tu propia versión. Después de que hayas terminado, mira la escena inaugural de la película. También he dejado enlace en los recursos en para ver esta escena de apertura. Verás cuánto cambia la escena con respecto a lo que originalmente tenemos aquí en el guión. En cierto modo, mucho de lo que el cambio tiene que ver con el sonido en realidad, lo cual es realmente genial de ver, particularmente para los propósitos de esta clase, porque ya se puede entender cómo suena. En ocasiones va a adelantar la narrativa de una manera muy, muy hermosa. Por favor ve y tómate algún tiempo, echa un vistazo y practica mucho, activos antes, practica con esta escena, pero también puedes usar tu propio trabajo o puedes echar un vistazo en línea, hay tantos recursos. Recuerda que para este proyecto de clase estarás haciendo exactamente lo que acabamos de hacer, pero con un trabajo original del increíble guionista [inaudible]. Su película se llama Mañana, y subiré varias escenas donde realmente se puede tratar de hacer esto. Todo lo que necesitamos es una escena, no necesitamos más de una escena. Aunque por supuesto, si te sientes apasionado por eso te metes en ello y quieres hacer todo el cortometraje, eres más que bienvenido a hacer. Siempre es increíble hacer este proceso desde el principio hasta el final, porque ya vas por la narrativa con todas estas notas. Dos cosas para que hagas a estas alturas, practica mucho con este pedacito de guión que voy a poner en los recursos, mira la escena de apertura, y por supuesto empieza a pensar en tu proyecto de clase también. 10. Conversaciones con el director: [ MÚSICA] Una vez que has hecho el desglose del guión, es momento de sentarse con el director y discutir la intención, y la visión general. Si eres el director de la película, asegúrate de leer las notas del diseñador de sonido y de los mezcladores de ubicación. Si la visión y la sensación que obtuvieron al leer el guión por primera vez es extremadamente diferente a la tuya, entonces un poco de orientación podría estar en orden. Pero también, se puede tratar de entender por qué hay tanta diferencia en lo que han percibido durante su primera reunión, y decidir si alguna de sus observaciones hecho válida y puede ser introducida en el narrativa. Esté abierto a esto, ya que tiene el potencial de hacer que tu película sea mucho mejor. En sus primeras discusiones, es bueno que ambas partes tengan los guiones con las notas. Los Directores pueden comenzar dejando que el diseñador de sonido y mezclador de sonido de ubicación hagan tantas preguntas como sea posible. Estas preguntas podrían incluir ideas generales sobre cómo será la toma, etc. Si ya tienes un guión gráfico, por favor envíales eso ya sea antes de esta reunión inicial o si no lo hiciste tenerlo entonces pero lo haces ahora, pasarlo con ellos. Tocaremos brevemente sobre storyboards más adelante en esta clase, pero el punto es que este primer encuentro permite a tu equipo de sonido estar completamente inmerso en una narrativa y básicamente comprar lo que estás vendiendo. Si sostienes esta conversación donde la charla es más artística, y retrataste tus intenciones como nuestra directora y tus metas para la narrativa, como lo harías con el director de fotografía, entonces podrás tener un equipo dedicado a lograr estos objetivos a través de su oficio. 11. Locación y recCE: Indirectamente, ya hemos tocado mucha comunicación, pero pensé que sólo tendría sentido tener una lección que se centre más en este proceso y detalles del mismo. Localizaciones scouting y Recce son partes esenciales y establecidas de la etapa de preproducción. Se usan indistintamente los términos y la verdad es que dependiendo dónde del mundo estés trabajando, puedes escuchar a directores y productores usando uno u otro. Lo importante a saber es que lo general hay un scouting inicial realizado por productores y director en el que se enfocan en seleccionar algunas opciones para una ubicación determinada. Después de esto, se produce un Recce o scouting técnico, si se puede, donde jefes de departamentos, principalmente fotografía y adivinaste bien, sonido, evalúan la idoneidad del espacio. Es importante tener un grado de flexibilidad aquí, y es posible que la fotografía y el sonido no estén de acuerdo en una ubicación. Es muy importante que los directores mantengan una mente abierta y traten de entender el poco de por qué una persona sana está empujando hacia un no con una ubicación específica. El diálogo es tu objetivo número 1 al grabar sonido en una película, como ya sabes, y esto se debe a que uno de los procesos más caros en posproducción es ADR o reemplazo automático de diálogo. Esto requiere presupuestación para alquiler de estudios, tiempo de grabadores ADR, y un montón de horas extra para tu talento asista a las sesiones. Particularmente para la independencia, muy a menudo sucede que el presupuesto es realmente ajustado, por lo que quieres asegurarte de evitar ADR tanto como sea posible no sólo capaz de tomar una enorme parte de tus recursos monetarios, pero también puede tener repercusiones en el desempeño de sus actores. Si realmente, realmente quieres apelar por una ubicación que tu grabación sonora esté marcada como un no, entonces es conveniente discutir qué se puede hacer para disminuir el impacto del ruido en ese lugar. Un buen ejemplo de ello es un espacio que por la naturaleza del guión está destinado a estar tranquilo como un cementerio por ejemplo. Pero que tal vez está apenas cerca de una carretera. Una de las cosas a considerar es detener el tráfico durante los tiempos de tiroteo. Esto implicará permisos y gestión a nombre del equipo de producción, y definitivamente no es opcional. Absolutamente necesita ser considerado. Directores y el equipo de producción a menudo mirarán al mezclador de sonido en busca de una solución técnica como una pieza de equipo de fantasía, estado del arte, o incluso preguntarán si el diálogo puede ser quizás la limpieza de la posproducción. Cuando muy a menudo la única solución viable no es técnica, como digamos, reducir el ruido proveniente de una carretera cercana deteniendo el tráfico por un par de horas o apagando un sistema de refrigeración que patea en todo momento. Esto podría parecer inconveniente, pero confía en mí, no hay una sola pieza de tecnología que elimine los problemas de ruido con la misma eficacia y sencillamente como atacar la fuente del mismo. Recuerda, una vez que una toma de audio es mala, equivale a tener una toma visual sin enfoque. Se puede decir adiós. No se puede fijar en la posproducción. Por esta razón, es necesario tener personas sonoras en esta etapa ya sus evaluaciones del espacio no se limitarán a fuentes de ruido en esa zona en particular, pero también incluirán cosas como barridos de frecuencia de micrófono inalámbrico, y evaluaciones de requisitos eléctricos. Debe tratar la presencia de su mezclador de sonido de producción en las ubicaciones scouting como no negociable. Porque una vez que estás en el lugar para filmar, no hay vuelta atrás y las consecuencias pueden ser bastante grandes, y por supuesto, si quieres mirarlo desde una perspectiva de números, que todos hacemos, piensa que el dolor, dos o tres horas a tu mezclador de sonido y dos o tres horas a tu diseñador de sonido para tiempo récord te ahorrarán entre decenas y cientos de horas facturables en postproducción, dependiendo de la duración y el tamaño de su proyecto por supuesto. 12. Locación y recCE - parte 2: Una experiencia personal que justifica por qué debes tener un profesional del sonido incluido en tu localización scouting, es de una película para la que hicimos grabación de sonido. Requirió que se filmara un puesto de perritos calientes y un vendedor para esa escena. El director quería la sensación de una ciudad muy ocupada. Pero mirando el guión gráfico en las listas de preselección, nos dimos cuenta de que el único y real disparado en ese lugar era un primer plano y tenía mucho diálogo muy importante. El director estaba presionando por una ubicación que estaba situada prácticamente en una de las carreteras más transitadas de la ciudad. Al hablar con el vendedor de hot dog que participó en la película, accedió a hacer el rodaje en un lugar completamente diferente. Tenemos otro lugar con la misma sensación visual pero considerablemente menos tráfico y menos ruido. De no ser por nuestra insistencia en buscar una alternativa, la escena se habría filmado ahí y la actuación se arruinó por completo ya la producción ya estaba confirmando ubicación antes incluso de consultarnos con nosotros. Una forma genial de entender esto es que una de las principales diferencias de imagen frente al sonido es que cuando no te gusta el aspecto de algo, tienes la opción de cambiar la colocación de la cámara. Puedes acercarte más, puedes ir más lejos. No tenemos opciones de asume-in, por así decirlo, con audio. Ya sea que veamos una fuente de ruido en la pantalla o no, no hay mucho que se pueda hacer para deshacerse de ella más que eliminarla físicamente. Si quieres saber un poco más sobre esto e incluso aquí un ejemplo de cuando esto aplica, echa un vistazo a la entrevista vinculada en nuestro curso materiales del mezclador de sonido Jeff Wexler, hablando de una situación como esta . Si hay una razón muy convincente por la que necesitas filmar en un ambiente súper ruidoso y no puedes deshacerte absolutamente de la fuente, entonces sí considera ADR, como mencionamos antes. Pero de nuevo, por supuesto, sí recuerdan que incluso con una buena cantidad de presupuesto, rendimiento puede sufrir ya que incluso los actores más expertos pueden modificar la entrega porque el espacio y el tiempo simplemente no son los mismos. Siempre apunta a conseguir el mejor, mayor diálogo en el rodaje. 13. Desglose de storyboard: storyboards son una de las cosas más informativas, creativas y sorprendentes que se pueden hacer en la etapa de preproducción, junto con el desglose del guión. Esta será una lección muy corta donde tendremos la oportunidad de mirar y analizar una escena realmente genial de la película Gladiator de Ridley Scott. Sin embargo, en lugar de escribir nuestras propias notas, trataremos de leer este guión gráfico desde una perspectiva cinematográfica, y trataremos de entender lo que esto significa desde el sonido en términos de ambiente y efectos. No estoy asumiendo que todos hayan visto la película, así que en nuestros recursos de clase, habrá un enlace a esta escena para que puedas relacionarla con el storyboard. Si no has visto la película, puedes pulsar pausa aquí y ver primero el video de la escena. Con el storyboard esencialmente tienes una lista preseleccionada, aquí tengo ocho tomas diferentes muestran lo que está pasando en la escena, y no me meteré en los detalles de tener tigre real y cómo es esto se va a coordinar, aunque esta es probablemente una de las primeras preguntas que hará un mezclador de sonido ubicación al hablar con el director y la producción, luego de ver primero el guión por supuesto. Pero en nuestro tiro número 1, tenemos un primer plano medio en ángulo bajo aquí, y todo lo que vemos es la magnitud del tigre. Apenas vemos la cara en el fondo del personaje, pero a esto ya se le da tanta indicación sobre el ambiente. Nuestra perspectiva no es de un coliseo aquí, sino de lo que sea que venga el tigre, y esto es algo realmente bueno a considerar ya que, toda esta escena será cargada por un poderoso sonido de una multitud que rodea al toda la acción. Tener momentos donde esta intensidad en el sonido se pueda equilibrar con la diferente perspectiva es súper útil para crear una narrativa más convincente. Ve cómo Shots 1 y 2 aquí mismo son todo sobre el movimiento del tigre. Hay una clara marca de la espora del tigre y presumiblemente el material del piso y el piso es de arena, claro, la huella ya nos está dando una pista cuánto peso queremos tener sobre el tigre movimiento. Estos dos disparos son también una pequeña rotura de sonido, como dije, que se adelantan al primer intento de un ataque del tigre al Disparo 3. Aquí en Shot 3 el sonido del personaje principal blindaje y reactante es importante llevar al primer plano así como a otros elementos, pero casi en una medida menor, cosas como el cambio de la tigre por ejemplo. En general sin embargo, los movimientos del personaje principal y sus pasos, las espadas y los escudos son la principal fuente de sonido que debes anotar en este Shot 3. También tiro inmediato bajo ángulo nos dice desde una perspectiva sonora que los movimientos individuales van a ser más prominentes que el ruido de multitud porque no estamos viendo todo desde una perspectiva grande. Disparo 4 aquí mismo es súper crucial porque es el primer momento de esta mini secuencia donde tenemos una imagen clara del contexto y del espacio. El sonido de la multitud será superado en los movimientos, y esto es de mi opinión, por supuesto, los gladiadores se hacen más pequeños y tenemos un ángulo alto que trata de decirnos un poco más sobre la falta de poder que este gladiadores como personajes realmente tienen en el gran esquema de las cosas. Son grandes guerreros, pero son realmente impotentes, y esto se refleja realmente en este tiro blanco de ángulo alto. Esto realmente animaciones rodaron también, está muy bien pensado, creo porque nos pone en esta posición de expectantes bastante literalmente. Entonces somos superados por la multitud con el sonido. Eso es lo que soy ambicioso. Si estuviera haciendo el diseño sonoro para esta escena, diría que este es el momento donde tenemos el rugido casi paralelo de toda la multitud, y como gente viendo la película nos sumergimos en ese sonido. Ahora, en el tiro número 5 por aquí, lo que tenemos es un tiro medio ángulo bajo. De nuevo, tenemos los sonidos del tigre, disparos chocando, y Shot 6 es uno de mis favoritos en realidad, un tiro medio desde un ángulo realmente, muy bajo y una vista del emperador, bastante literal representación de su poder de alguna manera. Pequeños paréntesis por cierto aquí para decir eso, nota cómo los ángulos en la pelea, cuando estamos viendo que los máximos del personaje principal también son ángulos bajos. En cierto modo está representando un tipo diferente de poderío empoderar, supongo. Yo sugeriría que el Shot 6 es otro pequeño respiro en cuanto al sonido de toda la acción, que puede mirar un poquito más de la psicología de los personajes también, y donde nuestro orejas de un fondo un poco más técnico pueden tener literalmente un pequeño descanso. Ahora tenemos una parada y rompemos abruptamente desde el descanso en Disparo número 7 con la imagen de la espora del tigre justo aquí. Esencialmente queremos un papel muy claro aquí como el sonido principal, y el sonido de la carne siendo algo bastante visceral. Por último, pero no menos importante, tenemos Shot 8, que está atando de una manera muy bien toda la narrativa, esa imagen de la cadena, muy prominente. El sonido aquí puede dar con precisión al expectante una sensación de enjaulamiento, por así decirlo, la misma sensación que, lamentablemente los personajes principales están sintiendo a lo largo de la narrativa. Como puedes ver, puedes obtener tanta información sobre cómo tocar con sonido, cómo capturarlo y qué significa para la historia que intentas contar. Voy a [inaudible] el storyboard más otro de la película Pacific Rim, y tratar de hacer este análisis también, y pensar, si fueras el director o el diseñador de sonido, qué te gustaría para escuchar en cada escena? Descompárelo, agrega algunas notas y compártelo con todos. Dejaré mi despegue, los storyboards de gladiadores así en los recursos de clase para su referencia. Feliz desglose de storyboard y divertirse mucho. 14. Sonido y armario: Esta es una lección rápida sobre la relación entre el sonido y el vestuario. Una de las primeras cosas que pedirá un mezclador de ubicación profesional es hablar con el jefe de vestuario y averiguar lo más posible sobre las opciones de vestuario. Como productor y como director también, quiere instigar una línea directa de comunicación entre el vestuario y los departamentos de sonido. Desde una perspectiva técnica, vestuario querrá considerar el impacto su elección tiene en la captura de sonido durante la película. Preguntas que todos ustedes quieren hacerse son, por ejemplo, ¿qué materiales llevan los actores? ¿ Hay alguna escena en la que los actores estén desnudos y tengan diálogo al mismo tiempo en realidad? ¿ Dónde ocurre esto? Por ejemplo, ¿es un lugar donde podemos esconder un micrófono otro lugar más que en el talento real, la gente real? Capturando así ese diálogo sin temas. ¿ A qué tan cerca está el disparo? Esto también puede ayudar. También podría ser al revés. ¿ Cuántas capas de ropa lleva puesto el actor? ¿ Esto crea conflictos o agrega ruido a los micrófonos lavalier posiblemente? Es importante permanecer abierto y entender que los cambios en ropa podrían ser posibles si no funcionan con sonido y potencialmente, una elección ligeramente diferente de materiales o capas puede ser una salvavidas. Otra de las razones por las que es crucial una sinergia entre los departamentos de sonido y vestuario es porque técnicas como coser micrófonos y otros trucos ingeniosos para ocultar micrófonos en la ropa del talento puede ser la diferencia entre el audio mal capturado y el audio magníficamente capturado. Gabby pasa por un conjunto de increíbles técnicas sobre cómo ocultar micrófonos en nuestro curso e introducción a la producción de sonido para cine. Si te interesa, ve y echa un vistazo a eso. 15. Conversaciones con el departamento de producción: El equipo de producción tiene mucho que ver con el sonido. Ellos son el principal punto de contacto en términos de presupuesto y programación, pero también el principal punto de contacto entre el audio y el resto del equipo de filmación. Si eres parte del equipo de producción, te interesará saber sobre los mismos fundamentos del audio y cómo te preocupa esto. Hemos hablado mucho de equipo de sonido y a quién contratar, pero es igualmente importante entender los conceptos básicos del equipo también. equipos de sonido profesionales tendrán su propio equipo. No obstante, y por supuesto, dependiendo de las necesidades de tu película, es posible que encuentres que es necesario alquilar o contratar equipo adicional . Por esta razón, voy a enumerar los tipos mínimos de equipos requeridos para cualquier película dada. En primer lugar, se requiere al menos un dispositivo de grabación que pueda capturar el sonido de una alta calidad. La mayoría de los equipos de sonido profesionales tendrán al menos, uno, pero más realista, todos estamos llevando con nosotros varias piezas de equipo para adaptarse a nuestras necesidades y al medio ambiente en el que necesitamos grabar, potencialmente dos o tres grabadoras de dispositivos de audio. Otra parte crucial del equipo es un micrófono de escopeta. Nuevamente, un equipo de sonido de producción tendrá varias opciones y habrá hecho una evaluación técnica en la etapa de rekey para determinar qué bits de equipo son más adecuados o qué micrófonos realmente son más adecuados para cada ubicación, y potencialmente escenas diferentes también. Micrófonos de radio y lavaliers de buena calidad son una necesidad, ya que tu mezclador de sonido querrá grabar varias opciones de diálogo para que no solo estés confiando en el micrófono de escopeta para la postproducción. Asegúrate de tener suficientes conjuntos de micrófonos de radio disponibles. La regla es que siempre consigues al menos, uno, pero preferiblemente dos conjuntos de micrófonos de radio más que la cantidad de personas que hablan en una escena dada. Cableado, electricidad, cinta gaffer, consumibles para ocultar micrófonos, micrófonos de habitación, todas estas cosas también son necesarias. Adicionalmente, y si estás grabando afuera, quieres asegurarte de tener varias opciones de parabrisas para las escopetas que usa tu equipo de sonido. Si todos los micrófonos de escopeta pertenecen al equipo de sonido, es muy probable que tengan parabrisas que les caben. Pero si estás rentando algún micrófono de escopeta, quieres asegurarte de que estos sean luego incluidos en tu kit de alquiler. Los postes de pluma y soportes de diferentes tamaños también deben formar parte de este kit básico. Respaldar unidades y una buena conexión a Internet siempre es imprescindible, no sólo para el equipo de sonido, sino para toda la producción. Potencialmente, se requiere un sistema de alquiler inalámbrico si se encuentra en ubicaciones remotas o no tiene acceso regular a conexiones Wi-Fi o de línea. Como gerente de producción, asegúrate de estar en contacto con el departamento de sonido y pregunta si se requiere algún equipo adicional para el alquiler. En esta misma nota, y ahora hablando de presupuesto y para terminar esta lección, ten en cuenta que cuando estás contratando a un equipo de sonido, no solo estás pagando su tiempo, también estás pagando por su equipo y el transporte de dicho equipo. El hecho de que gran parte de este equipo venga con la tripulación de sonido no significa que este costo no debe ser presupuestado. Si los separas, puedes ver cómo el costo empieza a subir y se pone bastante alto. Para tener una idea de costos realistas de producción como equipos sonoros y sus equipos, visite las tasas sonoras de producción de Bectu y presupuesto en consecuencia. dejaremos un enlace sobre nuestros recursos de clase para que lo compruebes. 16. Sonido programado: una breve guía para directores asistentes: Algo muy importante a tener en cuenta es programar para el sonido. Si eres un primer director de sistema, lo que se necesita para el sonido, necesitas saber, muy sencillo. Siempre hora programada para pistas salvajes. Se requiere al menos una grabación de pista salvaje por cada ubicación todos los días. Un track salvaje es una grabación de sonido en una habitación sin actores ni tripulación. El sonido de la habitación rompen por así decirlo. Lo cual te puede dar una visión general del espacio. Se utiliza para varios fines durante la postproducción. Pero dos de las más grandes son, en primer lugar, tienen una muestra del espacio y poder utilizar estas grabaciones como pistas ambientales, colocándolas cuando sea necesario durante la edición del sonido. Otro uso súper crucial para esta pista salvaje es que, si tienes una grabación de la habitación sin ruido hecho por el hombre, también puedes usarlo para corregir cualquier ruido de habitación como zumbidos eléctricos o zumbidos de refrigeración, o cualquiera de esas cosas que pudiera tener en un lugar específico. Si estás filmando durante todo un día en el mismo lugar, muy mente podría tener que programar varias grabaciones de track salvaje para retratar el sonido de la sala en diferentes momentos del día, muy parecido a la luz. Adicionalmente, y particularmente a las películas de bajo presupuesto, es posible que desee considerar la grabación voz en off como parte de su agenda de producción. Esto puede tener beneficios desde una perspectiva de presupuesto y tiempo, pero también desde el aspecto de desempeño. Ya que puedes conseguir que la actriz en el espacio adecuado para entregar la forma en que las ambiciones del director. En última instancia y otro truco de menos uso es programar potencialmente bits y piezas de ADR durante la producción, configurando una pantalla y consiguiendo algo de tiempo para los actores fuera del regular de filmación horario para entregar en una escena ya grabada. Una vez más, esto puede haber comprado beneficios de presupuesto y rendimiento por las mismas razones que la sobredosis de voz. Si como primer asistente de dirección, tomas en consideración estas cosas, ya estás 10 pasos por delante de lo que se requiere para capturar el sonido óptimo para la película. 17. Conversaciones con el departamento de fotografía: Una de las relaciones más importantes durante el rodaje cinematográfico es la que existe entre los departamentos de fotografía y sonido. La foto y el sonido son dos caras de una misma moneda, y deben trabajar juntos para asegurar que la visión general se sostenga a través de su funcionamiento. Para empezar, el sonido necesita comunicarse con foto para descubrir las siguientes cosas. En primer lugar, ¿a qué velocidad de fotogramas es la grabación de imágenes, y en segundo lugar, a qué cámara están usando? Es crucial contar con un sistema de grabación dual en el que la cámara esté capturando audio con fines de referencia al mismo tiempo que el dispositivo de audio. Algunas cámaras no cuentan con un micrófono incorporado. Es clave como director de fotografía hacer consciente al departamento de sonido de esto para que el mezclador de sonido planee y quizá convenga en una solución como conectar un micrófono externo a la cámara, por ejemplo, o duplicar en otros métodos de sincronización para apoyar al editor en posproducción. La velocidad de fotogramas es súper importante por esta razón también. Tener un audio que esté sincronizado preferentemente pero mínimo en la misma velocidad de fotogramas permite al editor sincronizar la imagen fácilmente con el sonido. Además, ¿cuántas cámaras se están utilizando en la película? ¿ Es sólo uno o más de uno? Esto es súper importante para que el equipo de sonido lo sepa, ya que impacta directamente el posicionamiento del micrófono, el operador del boom, por supuesto, e incluso el número de miembros de la tripulación que necesitan formar parte del departamento de sonido. Quizás un operador de segundo boom podría necesitar ser parte de la tripulación o traída como solución a esta dificultad potencial. Por último, pero no menos importante, el departamento de fotografía debe considerar proporcionar también una imagen o un relé de pantalla al mezclador de sonido. Esto se puede hacer en conjunto con la imagen proporcionada para el supervisor del guión, pero también como una pantalla separada. Esto permitirá al mezclador de sonido equilibrar el audio según lo que está sucediendo en la toma. Todos estos aspectos básicos permitirán que ambos departamentos trabajen en sincronicidad y hacia una meta común. 18. Reflexiones finales: [ MÚSICA] Felicitaciones. Hemos llegado al final de esta clase. Espero que haya encontrado el contenido proporcionado útil y tal vez hasta divertido. Hemos hablado de todos los fundamentos de la reproducción del sonido para el cine desde la perspectiva, no sólo de los profesionales del sonido, sino también de la del director de cine, equipo de producción y fotografía. También hemos realizado varios ejercicios como el desglose de guiones y un análisis de storyboard ambos de los cuales por cierto son cruciales y se hacen como estándar en entornos profesionales. De verdad espero que te sientas seguro usando estas técnicas en el futuro para hacerte trabajar lo mejor que pueda ser, y por supuesto, utilizar el sonido como una poderosa herramienta artística llena de posibilidades. Pronto estaremos lanzando nuevos contenidos, incluyendo un curso de sonido de postproducción, que junto a esta y nuestra otra clase, una introducción al sonido de producción para cine, te dará un conocimiento bien redondeado y las herramientas correctas para tener éxito al trabajar con sonido. Buena suerte, feliz rodaje y gracias por ver. [ MÚSICA] 19. Clase de bonificación: Análisis de scripts LOTR: Yo quería hacer un ejemplo diferente. Ahora con una de mis películas favoritas personales, que es El Señor de los Anillos. Se trata de una Fellowship of the Ring. En realidad, lo que realmente me gusta de los guiones que lo he visto en este momento es que tiene mucho es muy detalle en realidad. Sólo desplazándote un poco a través de ella. Puedes ver eso solo desde las primeras secuencias y tal vez recuerdes la película si la ves y si no lo has hecho, por favor ve a verla. Pero tienes tanto detalle. Empezamos con un montaje de diferentes imágenes y mucha voz en off muy potente, que es narrada por uno de los personajes principales. Tenemos hasta detalles sobre lo que el súper, lo que en realidad están diciendo las pantallas, qué títulos tenemos. Y tenemos tanto detalle sobre el sonido. Entonces este es más o menos sueño de un diseñador de sonido porque ya tienes tanto detalle en cuanto a cómo se va a parcelar el sonido con la imagen. Encima de eso, tienes la voz por aquí, por supuesto, que es una indicación muy directa de cuál va a ser ya el tratamiento sonoro. Pero también para el mezclador de sonido de ubicación. Ya están pensando, ¿es esto bonito aseado que suceda en un lugar específico, o podemos hacer esto en postproducción? Es decir, por una obra de la magnitud y el presupuesto de Señor de los Anillos. Y como probablemente hayas escuchado, si te interesa para nada el, detrás de cámaras de grandes películas como esta. Mucho de lo que está pasando en esta película realidad sucedió en posproducción. Entonces hubo mucho ADR. El presupuesto aunque se estira considerablemente debido a esto. Además, por supuesto, de todos los increíbles efectos visuales y especiales que tiene la propia película. Pero están pasando muchos chicos de más. Ocurren mucho tratamiento de las voces. Y todo esto se hace al lado de la película por supuesto, pero también durante etapa de posproducción. Por lo que de nuevo, tienes cosas como imagen Flickr en firelight, tanto detalle. Entonces esto te está diciendo cómo va a quedar el montaje ya desde el guión. Entonces llegamos a este punto y somos día de pasillo backend interior. Ya tenemos cosas en instrucciones sobre lo que va a hacer la cámara. Así que incluso si no tienes un storyboard disponible para tu diseñador de sonido y para las ubicaciones no son MOOCS o ya tienes tanta indicación en papel en cuanto a lo que va a hacer la cámara, cuál va a ser la posición. Y desde un Locations lo mezclaré como decir sonidos y esto es un sueño porque ya, ya estás pensando en los tecnicismos de las cosas. Pistas de cámara, Ahí va, ya sabes, va a haber un movimiento. Qué significativo entonces es lo que estamos viendo aquí en el lado bueno desde una perspectiva de mezclador de sonido de ubicación de inmediato. Pienso que esto no es tan complejo como parece porque mucho de lo que está pasando aquí, no hay diálogo. El ambiente puede redibujarse completamente en posproducción. Y eso probablemente sea aún mejor para ser justos. Porque no quieres los ruidos de las pistas de dolly, de las pistas de cámara, del movimiento o del equipo de filmación. Pero también si haces esto en postproducción, tienes más control habiendo establecido eso. ¿ Qué es este espacio y el mezclador de sonido de ubicación necesita ser realmente consciente porque probablemente una gran cantidad de pistas salvajes tendrán que ser recolectadas aquí desde adentro, desde el exterior para que puedas ayudar el proceso de postproducción sea lo mejor que pueda ser. Ahora bien, esta pequeña escena de aquí donde vemos a Bill estaba sentado en su escritorio con su pluma en la mano. Y sus muchachos dicen ahí y atrás otra vez, espero su cola por Bilbo Bolsón, que es lo que aquí dice el guión. cerca en un primer plano del libro, inmediatamente revelado hasta te está diciendo que el sonido es importante llamado lo suficientemente cerca de la parte de atrás. Mostrar el libro y luego, y luego cerrar aquí, eso es muy, muy, muy, muy importante. Entonces no voy a entrar en mucho detalle como hicimos con Eternal Sunshine of the Spotless Mind. No voy a hacer las notas, pero también voy a dejar este guión en las notas para que puedas hacer más práctica. Ahora, si tienes ganas de hacer más de un guión para tu proyecto, puedes hacerlo. No tienes que hacer todo esto, todo este guión, por supuesto, es de 173 páginas. Muy, muy largo, pero definitivamente puedes escoger una o dos escenas pequeñas aquí e intentar hacer lo mismo. Creo que es realmente interesante tener tanto una película que es una saga épica muy grande, fantástica, El señor de los anillos. Y luego también tener algo que le tiene un tono más dramático, como Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Y comparar cómo el proceso creativo es más o menos el mismo, pero cómo cambian los nodos por género, porque lo que tienes en la pantalla por el contenido del mismo.