Introducción a la producción de sonido para cine

1. Introducción: Hola. Yo soy Gabby. Soy el cofundador y director de Black Goblin, que es una empresa de servicios y tecnología de sonido con sede en Edimburgo, Escocia. En conjunto, mi cofundador, Andrew y yo tenemos más de 17 años de experiencia trabajando en producción y postproducción de sonido. Esta clase está dirigida a cineastas y a aquellos de ustedes que tienen interés en la producción de sonido, y quieren obtener los mejores resultados posibles para su trabajo. Tomar interés por los sonidos para tus películas ya te pone 10 pasos por delante de la mayoría de los cineastas. Eso es lo que hará que tus proyectos sean los mejores. Nuestra esperanza en crear este contenido es aliviar algunos de los miedos y la desinformación que muchos creadores tienen con sonido y para ayudarte a sentirte más confiado al comunicarte con algunos profesionales, y cuando están emprendiendo un trabajo sólido por ti mismo. El sonido es algo que no debe dejarse en el último minuto para pensar. Pero desafortunadamente, este es el caso con tanta frecuencia en el cine. Es algo que he experimentado de primera mano como diseñador de sonido trabajando en post, así como innumerables colegas a mi alrededor que han experimentado exactamente lo mismo. En última instancia conduce a un mal sonido como resultados finales y eso arrastra hacia abajo la calidad general de tus proyectos. Recuerda, el sonido es el 50 por ciento de la película, por lo que hay que hacer bien. Si te inscribes en esta clase, te estaré llevando por el sonido para la producción cinematográfica, y al final, tendrás mucho más conocimiento y comprensión de cómo funciona el sonido a través este proceso y por qué siempre es mejor hacerlo bien el primero tiempo. Te estaré mostrando técnicas para la captura de sonido y la mejor manera de utilizar el equipo que debes tener disponible al filmar. Usar sonido para tus proyectos siempre hará tus películas, videos de YouTube, y cualquier contenido audiovisual que crees, tanto más profesional y simplemente mejor en general. Es mucho más fácil de lo que se podría pensar. Yo quiero que sepas cómo es un montón de diversión también. Para el proyecto de clase, quiero que compartas los resultados de las técnicas que practicas. Esto puede ser con video, imagen, o simplemente audio. Estaré aquí para contestar cualquier pregunta que pueda tener a lo largo del curso. Te mostraré ejemplos y te daré ejercicios para que puedas practicar y fomentar la confianza, y para el final de la clase, habrás ganado valiosos conocimientos que podrás utilizar para que tu trabajo destaque. Gracias por ver. Te veré pronto. 2. Conceptos básicos de producción: A la persona encargada de la producción de unidades de sonido se le llama el mezclador de sonido y es su trabajo capturar audio limpio e inteligible a lo largo. El público nunca debe tener que tensar para escuchar lo que se decía y puede hacer muy difícil para ellos entender la historia y el al final sentirse desconectado de la película. Si sí terminas con mal diálogo como resultado del uso indebido de los equipos o no tener el profesional adecuado para poder hacer el trabajo, posible que tengas que considerar hacer ADR en puesto, que es grabación de diálogo adicional o adicional diálogo sustitución. Eso es sólo si tienes los fondos y el tiempo para hacerlo. Se requeriría contratar a algún profesional, alquilar estudios y pagar el tiempo de los actores y actrices con el fin de que el diálogo esté al nivel que se necesita. Si no tienes los fondos para hacer eso, no hay mucho que puedas hacer en post. Ahí está esta idea errónea de que todo sólo se puede arreglar en post cuando se trata de audio pero en realidad no es el caso. Si la calidad del diálogo no estaba ahí originalmente, no hay mucho que puedas hacer. Las cosas se pueden quitar y limpiar, pero la calidad del diálogo capturado no se puede mejorar. Por eso es tan importante asegurarse de que se haga bien durante la fase de producción. Te ahorrará mucha molestia, mucho dinero y mucha angustia en general. Se tienen cinco elementos principales para el sonido cinematográfico. Esos son el diálogo, el foley, los efectos de sonido, la música, y el tono de la habitación y los ambientes. Para la producción sin embargo, nos vamos a centrar en el diálogo y los ambientes y el tono de la habitación. Sabemos qué es el diálogo, pero ¿qué son los ambientes de tono de habitación y para qué se utilizan? tono de la habitación es el sonido de una habitación interior en la que se grabó el diálogo. Esto se capta cuando no hay nadie hablando, nadie moviéndose. Es solo el sonido ambiental de la habitación. El motivo por el que es tan importante es que se utiliza para crear un fondo consistente y para llenar cualquier hueco en el sonido en la posproducción para crear una banda sonora suave. Lo mismo aplica para las ubicaciones al aire libre, pero estos se conocen como ambientes sobre sonido natural, pero sirven para el mismo propósito. Para captar el tono de habitación, es necesario conseguir el mismo micrófono en la misma posición en la que se encontraba durante el disparo. Esto es para asegurarte de que captes el mismo sonido que fue capturado durante la toma de diálogo. Necesita tener al menos 30 segundos a un minuto de longitud sin interrupciones alguna. Eso debería ser suficiente para que el editor haga cambios en el puesto. 3. Cómo impulsar: Yo quiero llevarte a través de algunas de las técnicas de boom involucradas durante la producción cinematográfica. Es tarea del operador del boom acercarse lo más posible a la acción, y esto puede implicar meterse en algunas posiciones bastante incómodas. Siempre quieres estar lo más cerca de la boca del actor o actriz como puedas, dentro de seis a 12 pulgadas si es posible, asegurarte de captar el diálogo más limpio a lo largo de todo. Como operador de auge, quieres asegurarte de que estás evitando golpear cualquier luminaria, utilería, interponerse en el camino de espejos que puedan provocar reflejos que se captan en la cámara, o provocar que se proyecten sombras durante la escena. Estas son todas las cosas que necesitas tener en cuenta al mismo tiempo que aseguras que el micrófono esté en posición perfecta en todo momento. Yo quiero que esta sección sea lo más simple posible, porque probablemente sea lo más importante de todas. Te voy a mostrar algunos de los equipos que uso y cómo utilizarlos así como algunas de las posiciones de auge que te podrían resultar útiles al trabajar en set. En primer lugar, tenemos la posición de cobertura estándar. Tus brazos están doblados en el codo, y tus pies deben estar firmemente plantados para apoyo. En esta posición, tus brazos son capaces de mover un par de pies en cualquier dirección, dándote un poco de alcance y control extra. A continuación se encuentra el asta de la bandera o posición de seto perezoso. En esta posición, dejas caer los brazos para que tus codos estén por tus costados, esto es genial para darle un poco de descanso a tus brazos, así como cuando trabajas en espacios confinados que puedan restringir tus movimientos. Aquí tenemos la posición del crucifijo. En esta posición, el poste del brazo descansa detrás de tu cuello con ambos brazos drapeados sobre los lados del poste. Esta posición no es óptima para la precisión, pero se puede utilizar para escenas largas con mínimo movimiento cuando el poste está completamente extendido. Si eres un mezclador de sonido que también es un boomer, entonces esta posición de una mano es muy útil. Mantener una mano en el poste de la pluma le permite tener una mano libre para operar el mezclador. También hay una versión sucia de la posición de una mano, llamada posición de justa. Esto funciona de la misma manera pero permite micro desde abajo si es necesario. Dependiendo del disparo, la posición de una mano es ideal para un mezclador de sonido, que también está operando el boom. Esta posición no siempre es posible, y es probable que tengas que cambiar a la posición de cobertura para acercarte más a la acción. Qué posición elijas bajará a tu mejor juicio durante el rodaje. La primera pieza de kit que necesitarás como operador de pluma es un poste de pluma. Es absolutamente crucial y te recomendaría conseguir la más larga que puedas. El largo mínimo no debe ser inferior a tres metros, ya que he encontrado que esta longitud apenas funciona para la mayoría de las situaciones, también pueden dejarte luchando por llegar y causar mucha fatiga después de un largo día. Si puedes conseguir uno más largo por favor hazlo. Este de aquí es solo un poste de brazo de varilla estándar. Siguiente es un parabrisas. Ahora bien, esto sólo es realmente importante si vas a estar filmando al aire libre o en cualquier lugar particularmente ventoso. Este de aquí está hecho por Rycote y es el kit grande super shield. En su interior, albergará un micrófono de escopeta, diseñado para usar un micrófono de escopeta para dialogar con un poste de auge. Como puedes ver, se les llama el micrófono de escopeta, debido a su apariencia, pero están pensados para una captura de sonido muy direccional. Todos los micrófonos son diferentes, pero quieres usar uno que tenga un botón polar o pick-up que sea supercardioide o hipercardiod. Esto significa que el micrófono recogerá el sonido directamente delante de él, y rechazará la mayor parte del sonido que viene desde un lado y detrás. Esto significa que puedes escoger el diálogo en entornos potencialmente ruidosos, y si haces mucha captura de diálogos entonces un micrófono de escopeta de muy buena calidad vale la pena la inversión. Este de aquí es un montada NTG2, pero el que me gusta usar es un Schoeps CMIT 5U. Para ir con el parabrisas, también debes usar un parabrisas. Esta es especialmente hecha cubierta esponjosa que cabe sobre tu parabrisas. Esto reduce aún más el ruido del viento y usar tanto el parabrisas como el parabrisas juntos, permite grabar al aire libre en vientos más fuertes. También se puede utilizar con lluvia muy ligera, pero si la lluvia se vuelve más fuerte, tendrás que cubrirla y reanudar el rodaje una vez que la lluvia se haya aliviado si es posible. Muchas de las marcas funcionan de la misma manera que Rycote, y simplemente deslízate sobre el parabrisas. Esto hace que el montaje sea rápido y tu equipo sea muy fácil de armar al disparar. Tener un parabrisas y parabrisas de buena calidad te hará la vida mucho más fácil al disparar al aire libre. Cuando tienes equipo en el que puedes confiar, puedes enfocarte en capturar el mejor audio que puedas. Un micrófono de buena calidad y protección contra el viento siempre es una prioridad. Una de las piezas de kit más básicas es un cable XLR o cable de micrófono. Esto te permite conectar todos tus engranajes juntos y obtener un buen flujo de señal. Asegúrese de invertir en un cable de buena calidad, ya que esto reducirá el ruido y la interferencia en el cable. A continuación, otra opción que tenemos disponible es un transmisor inalámbrico. Este de aquí es de Sennheiser y se utiliza con un micrófono de boom. En lugar de usar el cable, puedes usar este transmisor inalámbrico, y simplemente conectarlo de la misma manera que lo harías con un cable XLR. Este de aquí está hecho por Sennheiser y te permite ser inalámbrico y no tener que preocuparte por los cables XLR. Si trabajas como pareja y tienes un mezclador de sonido separado y un operativo de pluma, esto le da al operador de la pluma libertad para moverse sin tener que preocuparse de que los cables estén conectados al mezclador de sonido todo el tiempo. A continuación tenemos un micrófono lavalier o un micrófono lav? Estos están diseñados para ser colocados directamente en tu talento. Tienen una cápsula muy pequeña y un cable delgado, lo que los hace fáciles de ocultar entre la ropa y otros accesorios. También necesitarás un receptor inalámbrico, y un transmisor inalámbrico para ir con tu lav. Entraré en más detalle sobre cómo colocar y ocultar los tipos de micrófonos, y saber hacer sección de esta clase. No obstante, nunca se quiere confiar sólo en una fuente de audio si es posible. Tener un lav es un gran respaldo, y también puede ser la mejor opción para ciertas situaciones, que no permiten que un boom esté presente. Plantean muchos de sus propios retos, pero siempre deben ser parte del kit de una persona sana. Se trata de un parabrisas de espuma, y funcionan de la misma manera que el parabrisas y el parabrisas que mostré antes. Pero estos generalmente se usan dentro de configuraciones interiores para reducir cualquier ruido potencial de viento que pudiera crearse al mover el auge. Simplemente se desliza sobre el micrófono de la escopeta así, y esto debería darte suficiente protección en interiores, al tiempo que te permite acercarte lo más posible al talento con el extremo del micrófono de la escopeta. Ahora, no puedes ser una persona sana sin un par de auriculares de buena calidad. Estos son hechos por Audio-Technica, pero cualquier audífono de buena calidad hará el trabajo. Por último, una de las piezas de kit más importantes es una grabadora multipista. Este es el Zoom F8. Actualmente se coloca en mi bolsa de audio, pero se puede utilizar por sí solo siempre y cuando esté protegido de daños. Entraré en más detalle sobre los dispositivos de grabación más adelante en la clase. Una manera realmente buena de practicar tu posición como operador de auge, es que si no tienes a mano el equipo disponible, puedes conseguir algo que tenga un mango bastante largo, y abrochar una antorcha hasta el final, y puedes practica tus posiciones con eso, asegurándote de que la luz que se proyecta desde el final de la antorcha, esté apuntando a la boca de quien apuntes. Eso te dará una buena idea general de cómo está funcionando todo el puesto, y siempre es bueno practicar de antemano de todos modos. A medida de boom op quieres estar asegurándote de que tu gancho en la línea de marco del disparo tanto como sea posible. Una buena manera de hacerlo es si consigues tu boom, baja al tiro así, luego pide al operador de la cámara que te avise una vez despejado. Una vez que estás en ese punto, si miras la pared detrás de ti o un spot en línea con el boom, y tomas nota de dónde está, y durante el disparo, solo asegúrate de que tu boom se alinee con ese spot que tú encontrado antes, y eso asegurará que siempre estés en el lugar correcto durante el disparo. Un operador de boom tiene que volverse bastante bueno para ocultarse mientras está en tiro también. Tienen que meterse en las posiciones más incómodas mientras se aseguran de captar el diálogo. Esto puede significar meterse en posiciones de crump, en mesas, o detrás de armarios, y simplemente asegurarse de que no se mete en el marco durante la escena, pero todo vale la pena para asegurarse de obtener el mejor diálogo que posiblemente pueda. Si te puedo dar un consejo, sería para tratar de evitar sobrecargar los brazos tanto como sea posible. Si estás teniendo que pararte a plena extensión, con los brazos al más tiempo que puedan ir, vas a estar llegando bastante fatigado con bastante rapidez. Como dije anteriormente, si puedes conseguir un poste de boom más largo para permitirte tener una posición más relajada en tus hombros y brazos, eso te ahorrará mucho dolor a largo plazo. Si estás haciendo un día de 12 horas, confía en mí se sumará. 4. Cómo hacer un micrófono: Yo quiero hablarte de ocultar los micrófonos de lav. Los micrófonos de Lav son una parte crucial del hacer cine ya que permite tener una fuente secundaria de grabación de diálogo. Nunca quieres estar en una situación en la que solo tienes el boom como tu única fuente de captura de diálogo. Si esa grabación de boom se ve comprometida con el ruido de fondo, el manejo de ruido, o cualquier cosa que interfiera con la calidad del diálogo y no tienes lav como respaldo, no hay mucho que puedas hacer al respecto y se separa de intento ADR. Siempre asegúrate de tener un lav y un boom durante tus producciones y al menos entonces siempre tienes dos opciones. Al considerar micrófonos no es sólo un caso de encontrar el primer lugar para poner el micrófono y dejarlo ahí durante todo el disparo. Es necesario hacer consideraciones para la ubicación. El mejor lugar para colocar un micrófono es en el pecho medio hacia el área del esternón de los actores. Pero ten en cuenta que quieres tener como pocas capas de ropa entre el micrófono y la persona que habla. Si no puedes colocar el micrófono en esta posición media, posible que tengas que ser más creativo respecto a tu posicionamiento, como ir por el cuello, las gafas dentro del bolsillo, o tomar en cuenta cualquier accesorio que alguien puede estar usando. Si tienen bolígrafos en sus camisas, a veces es posible esconderlos dentro de éstas. Necesitas ser realmente creativo sobre tu posicionamiento y descubrirías cuál es la mejor opción para ti durante ese rodaje. Este es el micrófono lav que estaré usando para demostrar montaje y colocaciones de micrófono. Este es elaborado por Sennheiser y tiene una cápsula relativamente pequeña. En el mercado hay cápsulas pequeñas que harán aún más fácil el ocultamiento, pero tienden a estar en el extremo más caro de la báscula. Esta es mi pequeña caja de materiales de montaje lav que guardo en mi bolsa de audio. Contiene varias cosas que puedo usar para ocultar y montar micrófonos a [inaudible] durante un rodaje. De este lado hay una cinta de microfibra, cinta doble cara, correctores lav, clips, y pasadores de seguridad. Este es un corrector lav específicamente para el micrófono Sennheiser que estaré usando. Está hecho de un material liso que reduce el ruido de la ropa, no se deshará de ella por completo, pero debido a que es material liso, lo hace mucho más difícil para la fricción. La cápsula del micrófono simplemente encaja en la cota en la parte posterior. Esto literalmente tarda alrededor de tres segundos en caber y luego tu micrófono lav está protegido de cualquier contacto directo de la ropa, lo que causará ruido. Dependiendo de dónde quieras montar el micrófono dictará qué materiales utilices, pero generalmente, alguna buena cinta de doble cara hará el truco. Una vez que la cinta esté ajustada, puedes pegar el corrector ya sea en la piel o en la ropa. Recuerda usar la seguridad de la piel para montarla directamente a la piel. Ahora demostraré lo fácil que es montañar estos correctores. Consigue tu cinta de doble cara y asegúrela a la parte trasera del corrector. Quita la segunda tira para exponer la capa pegajosa, y voy a montar esto directamente en mi pecho, que es la posición de go-to para la mayoría de mic lav si es posible. sea puedes preguntar a quien estés miking si preferirían que coloques el micrófono o si están contentos de hacerlo ellos mismos con tus instrucciones sobre dónde debería ir. Una vez montado a menos que haya alguna fricción dura contra el micrófono, debe mantenerse en su lugar. Asegúrate de que no se pueda ver el micrófono ni a través de la ropa ni a medida que el actor se mueve. También tengo correctores universales. Estas se ajustarán a mis cápsulas entre cinco a siete milímetros cómodamente y la que tengo aquí también tiene un clip de vampiro instalado en la parte posterior de la misma. Estos son solo pasadores muy finos que se pueden resbalar a través de la tela para asegurar el corrector. Estos funcionan muy de la misma manera que los correctores personalizados que podrían cápsula simplemente se desliza y si pellizcas los lados, hará que sea un poco más fácil pasarlo. Los correctores universales son un poco más gruesos y no de perfil bajo como los personalizados, pero son muy útiles en el trabajo generalmente igual de bien. Tan solo para mostrarte lo fáciles que son dos montura, me ajustaré este corrector a mi manga. Una vez que el eclipse de vampiros está dentro, son sorprendentemente fuertes y no deben moverse de lugar. Se pueden mover fácilmente desenganchando y enganchando los clips en la tela. Aquí te mostraré lo fácil que estos se pueden montar a una camisa. Apuntar nuevamente a esa posición central del pecho, montando el clip entre los botones. Si entre los botones no es una opción, entonces también podrías montarlo en el interior de la abertura en la parte delantera de una camisa, exactamente de la misma manera que antes. Para simplemente deslizar los clips de vampiro a través del material hasta que esté seguro. Otra opción que quizá tengas para ocultar el lav es debajo del cuello de la camisa o blusa. Esto se puede hacer con cinta de doble cara o usando clips de vampiros. Ajusta el cable por la parte posterior de la camisa, o si es posible, puedes crear un pequeño orificio en la parte posterior del cuello para que la Y quede oculta debajo de la camisa y no se vea desde ningún ángulo. A continuación, vamos a ver una de las opciones más económicas, que todavía es ampliamente utilizada por los profesionales, y eso es moleskin. moleskin se puede encontrar en la mayoría de supermercados o farmacias y se usa principalmente en pies para proteger contra ampollas. lo general es seguro para la mayoría de los tipos de piel a menos que tengan alergia. Vamos a hacer algo llamado sándwich de moleskin. Para ello, necesitamos dos piezas cuadradas pequeñas. Tendrás que tomar una pieza y quitar el respaldo y asegurar el micrófono así. Consigue tu segunda pieza de moleskin y con el lado esponjoso al micrófono, asegúrelos así. Una vez hecho eso, estás listo para montar el micrófono. Recuerda que esta técnica utiliza consumibles, por lo que tendrás que usar una nueva pieza de moleskin cada vez. Entonces, asegúrate de tener suficiente contigo si esto es todo lo que tienes disponible. Cuando estés listo para montar, simplemente retira la última pieza del respaldo y asegúrala ya sea a la ropa o directamente a la piel, dependiendo de tus opciones en el momento. Si se hace correctamente, el micrófono debe estar seguro y no extraerse fácilmente de su montaje. Como mostré antes, también puedes asegurar el micrófono con el moleskin sumergido de la misma manera que los consillers. Puede ir directamente a la piel o a la ropa. Recuerda, quieres la menor fricción posible contra el micrófono, así que ten eso en cuenta a la hora de pensar en tu colocación. La ubicación central del pecho es buena ya que los músculos pectorales suelen crear un poco de espacio de aire entre la ropa. Tener este pequeño espacio de aire significa que no hay riesgo de que la ropa se frote directamente contra el micrófono. Una vez que hayas terminado, sólo tienes que quitar el moleskin y tirarlo. La siguiente parte del miking está conectada en el inalámbrico transmitido al cable del micrófono. Los transmisores pueden ser bastante grandes, por lo que necesitamos encontrar la manera de ocultarlo de forma segura a la persona a la que se está mimetiendo. A mí me gusta usar bolsas transmisoras. Este de aquí está hecho por URSA, y su nombre sugiere que es una bolsa flexible en la que se puede deslizar el transmisor. Estos están diseñados para ajustarse herméticamente. Cuando los uses por primera vez, puede tomar algún estiramiento para que el transmisor quepa, pero una vez que está dentro, no se caerá. Hay dos bucles para cinturón, uno a cada lado, que pueda montar la bolsa ya sea vertical u horizontalmente. También puedes usar estos bucles para sujetar la bolsa directamente a una correa de sujetador para que se asiente más arriba en la retroexcavadora de quien lo esté usando. Para ir con la bolsa, también uso en cinturón URSA, pero también podrías usar un vendaje de manera similar para asegurar la bolsa. Podrás obtener diferentes tamaños dependiendo de tus necesidades, pero simplemente se deslizan por los bucles y luego las puntas de velcro se pegarán a cualquier parte del cinturón, y es agradable y elásticas por lo que no debes sentirte incómodo cuando está siendo desgastado. Estos se pueden utilizar más de una vez. Solo necesitas asegurarte de que estén lo suficientemente limpiados en medio utilizándolos en diferentes personas. Te mostraré lo fácil que es asegurarme el transmisor a mí mismo. Hacer esto a ti mismo es mucho más difícil que hacerlo a alguien más. Si puedes hacer esto, entonces no debería ser un problema. Simplemente envuélvala alrededor de la cintura y asegure el velcro al cinturón. En la mayoría de las ocasiones, el mejor lugar para el transmisor es en el centro a la espalda baja. Como mencioné anteriormente, otra opción es usar un vendaje, y esto funciona de la misma manera que el cinturón. Simplemente se alimenta a través de los bucles y luego se envuelve alrededor de la persona que se está micrando. La única diferencia en este punto es que tendrías que usar algo así como un pasador de seguridad para asegurar el vendaje y para evitar que se desenrede. Es por esto que guardo algunas de estas cosas en mi caja de materiales por si esto es algo que hay que hacer. Tener algunos de estos materiales hechos a medida de URSA puede ser costoso. Tener la opción de usar vendajes hace que el costo sea mucho más bajo, y a veces es algo que puede que tengas que hacer si hay mucha gente que necesita ser micrófonos a la vez. Tener unas cuantas bolsitas extra y algunas vendas hará que todo sea mucho más fácil a la larga. Encajar en el transmisor a la cintura o espalda de la persona no siempre es una opción. Esto podría deberse al tipo de ropa que llevan o a las acciones en las que necesitan realizar. En este caso, se pueden utilizar piezas más pequeñas del cinturón o vendajes URSA, que se pueden atrapar y el transmisor se puede colocar en el muslo o tobillo del actor. Tan solo asegúrate de que no impida su desempeño tanto como sea posible. A continuación vamos a ver conectar el micrófono al transmisor y mantener ordenado el cable. El motivo por el que no conecté el micrófono al transmisor antes de montar el cinturón es que es mucho más fácil hacerlo de esta manera ya que el cinturón y el cable no se enredan. Una vez conectado el micrófono al transmisor, puedes llamar al cable suelto y mantenerlo ordenado. Utilice la correa para alimentar el cable al transmisor. Esto impide que quede atrapado en cualquier cosa. Después puedes colocar el cable llamado arriba en el interior del cinturón para evitar que cuelgue libremente. Si hay algún cable sobresaliendo, usa una punta de microfibra para asegurarla al actor. Trata de mantener tu cable lo más ordenado posible ya que esto te hará la vida más fácil. Otra opción de montaje es utilizar clips. Estos suelen venir con el micrófono Lav que compres. Se pueden usar en el exterior de la ropa para cosas como entrevistas, pero también pueden ocultarse con fines de filmación. La técnica que te voy a mostrar aquí funciona con cualquiera use un sujetador o top recortado debajo de su capa superior de tela, y es mi opción de montaje go-to si es posible. Como mencioné antes, los músculos pectorales o cualquier persona con un pecho más lleno, crea un bolsillo de aire perfecto entre su piel y su ropa, que es el lugar ideal para que un micrófono no esté en riesgo de ruido directo de la ropa. Ten en cuenta que esto solo funciona si no hay muchas capas de tela entre el micrófono y la persona que está hablando, así que ten siempre eso en cuenta al montar. Ensamble el clip así para que el clip y el micrófono estén orientados hacia arriba. Esto significa que el clip se puede colocar hacia arriba y sobre la mordida sensible del sujetador o la parte superior recortada, y el micrófono también permanecerá apuntando hacia arriba hacia la boca. Si es necesario, también puedes girar el clip horizontalmente para que se pueda asegurar a un lado. Al usar esta técnica, desea asegurar el clip para que el micrófono cable y capte hacia la piel, y el clip se ajuste sobre la mitad del sujetador o top recortado. Para mayor seguridad, también podrías usar una sumergida consiller o moleskin para asegurar la captura del micrófono a la piel de la persona que se está mimetiendo. Recuerda, todavía estás apuntando a que el micrófono esté en la posición central del pecho si es posible. Asegúrese de que la punta del micrófono no esté obstruida por ninguno de los materiales. Por último, también se puede asegurar un micrófono al interior de un par de gafas con punta y alimentar el cable por la parte posterior del actor. Esto es raro pero a veces la situación puede requerir esta técnica. Al considerar los micrófonos de Lav, una de las principales cosas que hay que tratar de combatir es el ruido que se transfiere al micrófono. Esto puede provenir del movimiento de los actores, la ropa que llevan, o de cualquier jurado o utilería que puedan tener. También vale la pena mencionar que se debe hablar con los actores de antemano sólo para hacerlos conscientes de que deben tratar de evitar acercar los apoyos o las manos demasiado cerca del pecho o cualquier cosa que pueda obstruir el diálogo siendo registrado con claridad. También debes hablar hacia o de antemano, para que puedas hacerte una idea de los tipos de ropa que podrían estar usando o cualquier joyería o utilería que pueda causar ruido innecesario. Si este es el caso, puedes hacer consideraciones para asegurarlas de antemano. Deberías hacer esto antes de cada producción, y por supuesto usar mucho menos molestia a largo plazo. 5. Dispositivos de grabación: Los tipos de dispositivos de grabación pueden variar mucho dependiendo de tu presupuesto o a quién contrataste como tu equipo de sonido. Si planeas abordar el sonido por ti mismo, hay un par de conceptos básicos que debes tener en cuenta a la hora de grabar sonido para tu proyecto. Para el cine, se quiere utilizar en una grabadora multipista. Un grabador multipista permite grabar entradas individuales de micrófono al mismo tiempo para que puedas tener pistas aisladas para cada uno de los micros en set. Esto hará que la vida del editor del diálogo sea mucho más fácil y publique y definitivamente te lo agradecerán, por lo que este debe ser el estándar mínimo en cualquier producción cinematográfica. Una grabadora multipista que nos gusta usar es el Zoom F8 o el Zoom F8N. Cuenta con ocho entradas y controles de ganancia súper silenciosos, lo que permite grabar diálogo nítido y claro y en general es una pieza de kit muy robusta. Por supuesto, puedes gastar miles en grabadoras como los dispositivos de sonido, pero si estuvieras en un muy buen comienzo y de una grabadora multipista, no puedes equivocarte con el Zoom F8. Existen otras opciones más baratas como grabadora manual y zoom ofrece una bajo el nombre Zoom H8, y que también tiene ocho entradas. Pero hay que recordar que las grabadoras manuales tienen una funcionalidad limitada. La mayoría de ellos no tienen tiempo llamado capacidades, que en el cine puede ser muy problemático. Necesitas sopesar tus opciones y ver cuál es la mejor inversión para ti. Te llevaré a través de los componentes del Zoom F8 y muchos otros grabadores multipista funcionan de la misma manera y tienen características muy similares. En la parte frontal del dispositivo están los controles que usarás durante la grabación. Cada pista tiene su propio control de entrada y ganancia. En el lado derecho, verás las primeras cuatro entradas, con las que puedes usar conectores XLR o jack, y también hay dos ranuras para tarjetas SD. Tener dos tarjetas SD es muy importante ya que permite grabar en dos tarjetas SD al mismo tiempo. Esto significa que siempre tendrás una copia de seguridad de tu audio en caso de que una tarjeta SD esté dañada o se corrompa. En el otro lado, utilizarás principalmente las otras cuatro entradas de audio, así como el sup out y salida de auriculares. En la parte posterior, verá un compartimento para las baterías, una entrada de alimentación de CC, y el código de entrada y salida para el tiempo. Hay muchas otras marcas disponibles, pero no hemos tenido problemas con esta marca de modelo hasta la fecha. Ahora te mostraré lo fácil que es conectarte a un receptor inalámbrico y a un micrófono Boom a través de conectores XLR. En esta etapa, lo más importante que debes hacer es etiquetar tus receptores para que sepas exactamente cuál se está utilizando en qué entrada. Esto facilita mucho la resolución de cualquier problema y la solución de problemas. Ahora encenderé la grabadora para que veas cómo se ve la interfaz digital. Al estar usando las dos primeras entradas, solo necesitaría tener 1 y 2 seleccionados para poder grabar esas pistas. Escucha a cada uno por su cuenta, y establece el nivel correcto con los controles de ganancia en el frente. Al configurar su grabadora, una de las principales cosas que necesita para hacer bien es la frecuencia de muestreo y la profundidad de bits. No se quiere grabar nada para una película a 44.1 y 16 bits de profundidad. Esto no te dará suficiente margen de cabeza si necesitas procesar el audio impuesto. Como mínimo, nos gusta usar 96 kilohercios y 24 bits, por lo que sabemos que podemos procesar el audio impuesto sin ninguna preocupación de causar artefactos en el sonido. Por último, quieres asegurarte de que estás ajustando tus niveles de ganancia a la cantidad correcta. No quieres que tus entradas estén alcanzando un máximo de 0 dB. Esto puede causar clips digitales y distorsión en tu audio, y eso no es lo que quieres. Idealmente, quieres estar entre menos 20 dB a menos 16, dependiendo del rango dinámico. Si sabes en la toma que el diálogo se va a hacer cada vez más ruidoso, posible que tengas que escribir los controles de ganancia solo para compensar para asegurarte de que no obtienes ningún clip o distorsión en toda la tecnología. Yo recomendaría encarecidamente practicar estas habilidades y probarlas antes de que pases al set de producción cinematográfica. Obtén los grabadores que tienes disponibles, y practica establecer los niveles en el entorno en el que te sientas cómodo y monitorea cómo estos cambian a medida que cambia el rango dinámico a través de una conversación, y luego podrás llegar a ser más consciente de lo que hay que tener en cuenta al grabar en el set. 6. Sincronización de sonido: Existen dos tipos de sincronización, un solo sistema, y un sistema doble. Un solo sistema es donde una cámara captura tanto el audio la imagen en cuyo caso la cámara está actuando como la grabadora de audio. Este sistema debe evitarse tanto como sea posible en producción de películas ya que no se puede acceder a los controles de audio durante una toma. Un sistema doble es donde se captura la imagen en una cámara y el sonido se captura en una grabadora de audio. El grabador de audio funciona enteramente por separado de la cámara. Es necesario tener en cuenta sin embargo, eso es muy importante para capturar una pista de audio referenciada desde la cámara para utilizarla como referencia en post. Esto sólo es utilizable aunque si el boom y la cámara no están a una distancia significativa el uno del otro. Si lo son, esto puede resultar en un retraso en el sonido y provocar problemas de sincronización en post. Para evitar esto, es posible que necesite enviar una señal desde su mezclador a la cámara para usarla como referencia en su lugar. Pero esto se está acercando a las capacidades de los mezcladores de sonido más avanzados. Como mínimo, por favor solo usa una entrada de micrófono en tu cámara para grabar una pista de referencia. En un sistema doble se necesita un tablero de clapper para sincronizar el audio con la imagen. Se cuenta con un protocolo estándar para cada toma, y al inicio de cada toma, se realizará la siguiente convocatoria. El AD hará un llamado para el sonido roll. El mezclador de sonido responderá con sonido rodando o velocidad. A continuación, el AD convocará al rollo de cámara. El operador de cámara responderá con velocidad o balanceo de cámara, y luego el AD llamará para un marcador, y normalmente, el segundo operador asistente de cámara sostendrá el tablero de clapper, leerá el mismo número, la toma, y cierra los palos para crear un aplauso audible, que luego se puede usar para sincronizar en post. uso de un sistema doble es muy recomendable para captar la mejor calidad de sonido posible. Al igual que las capacidades de audio e incluso las cámaras más modernas como la roja, como simplemente inferior a las grabadoras independientes. Siempre que sea posible, intente utilizar un sistema doble Timecode se puede producir en la grabadora de audio a través de un generador de código de tiempo interno o externo. El código de tiempo interno es generado por el propio grabador de audio. Un código de tiempo externo es el código de tiempo recibido de un dispositivo externo a la grabadora de audio. Jam sync es el proceso de decirle un generador de código de tiempo interno que acepte una fuente de código de tiempo externa, que suele ser de una cámara. Cuando uses jam sync, asegúrate de que tu grabadora esté configurada en modo de ejecución libre. Con jam sync, la grabadora acepta código de tiempo una vez, y luego el cable se puede desconectar y la grabadora puede seguir generando código de tiempo continuo. También debes tener en cuenta que es posible que tengas que volver a atascar tu código de tiempo al menos una vez al día o después de que tu dispositivo de grabación haya sido apagado. Algunas grabaciones no mantienen el código de tiempo cuando están completamente apagadas. También puede salirse de la sincronización cada ocho horas más o menos. También debes asegurarte de que tu dispositivo de grabación esté configurado los mismos fotogramas por segundo que la cámara que se ha utilizado durante la toma. Timecode es muy útil, pero como mínimo, siempre asegúrate de tener un tablero de clapper en el set. 7. Informes de sonido: Un reporte de sonido es un registro detallado de cada pista grabada por el mezclador de sonido. Se trata de un documento crucial para la postproducción, ya que toda la información respecto a las escenas y garrapatas se guarda en este registro, así como cualquier nota sonora que pueda tener. El supervisor de guión, da números vistos y texto. En caso de duda, comprueba siempre estos números con ellos. Información adicional que puede encontrar en un informe de sonido, tal vez cosas como tipos de micrófono, muestreo, profundidad de bits, así como información de código de tiempo. El Zoom F8 tiene la capacidad de crear informes de sonido por sí mismo. Se pueden hacer notas sobre tecs buenos o malos así como cualquier cosa que el editor pueda encontrar útil, como ruido de fondo o textos falsos. Tendrás que proporcionarle al editor estos después de que la producción haya terminado de rodar, o tal vez incluso después de que se complete cada día de rodaje. Recuerda guardar una copia para ti mismo en caso de que se pierda el original. Asegúrate de agregar notas a tus informes de sonido en cualquier momento solo hubo problemas de sonido durante el rodaje y si el director permitía o no una etiqueta adicional. Esto mantendrá la culpa fuera de ti durante el post si surge algún problema, pero asegúrate de que tus notas sean siempre profesionales, y no te encuentres de manera agresiva o condescendiente. 8. Crew de sonido: ¿ Cómo encuentras un buen equipo de sonido? Bueno, hay muchas cosas que se toman en cuenta. La experiencia es muy importante, pero eso no siempre se refleja en la cantidad de crédito que alguien pueda tener. hecho de que alguien tenga 100 créditos, no necesariamente significa que la calidad de su trabajo sea buena. Asegúrate de mirar la calidad del trabajo de alguien sobre la cantidad ya que te van a dar un resultado final mucho mejor que alguien que tiene mala calidad pero muchos créditos. Otra cosa a tener en cuenta es si el equipo de sonido hace alguna pregunta. ¿ Quieren hablar con el director para entender su visión y asumir el guión? ¿ Quieren ver el guión antes de la mano para que puedan ver cómo va a jugar cada escena? ¿ Piden hablar con otros miembros de la tripulación, particularmente en vestuario para que puedan entender el tipo de cosas que podrían estar usando actores y actrices para que puedan tener eso en cuenta? ¿ Solicitan directamente a los lugares en los que estará filmando? Esto te mostrará si tienen una comprensión del sonido de producción cinematográfica. Si van a hacer eso, entonces eso es realmente beneficioso para ti. Algo bueno preguntarle al equipo de sonido tal vez, ¿qué necesita de nosotros? Si están respondiendo con cosas como, necesito tiempo para grabar tono de habitación. Pueden decir que necesito tiempo para hacer a los actores, hay una buena posibilidad de que también sepan lo que necesitan hacer en el set y que necesiten el tiempo para hacer esto correctamente. Hacer esta pregunta es una manera realmente buena de entender si saben hacer su trabajo. También vale la pena preguntarle a su equipo de sonido qué equipo estarán utilizando y por qué. Si tienen mando sobre el equipo y pueden darte un conocimiento profundo real de cómo usarlo, entonces existe la posibilidad de que lo hayan usado en muchas ocasiones y te den los mejores resultados. Otra cosa a tener en cuenta es si quieren ver el guión antes mano y algo que siempre debes asegurarte es que les das materiales a tu tripulación. les quiere dar el guión, la lista de preselección, y el horario. Estas son cosas que necesitan tener antes de la fecha de producción y no deben dejarse hasta el último minuto. 9. Ronda final: Hemos llegado al final de esta clase. Espero de verdad que he logrado aclarar cualquier desinformación y proporcionarte los conocimientos que necesitas para que tu trabajo sea lo mejor que pueda ser. He tocado los conceptos básicos de cada área del trabajo sonoro para producción y he compartido con ustedes algunos del kit básico que necesitan mientras están en el set. En el futuro, entraremos aún más en detalle para los estudiantes de audio más avanzados y las personas que puedan ver esto como una carrera futura. También estaremos lanzando clases dirigidas a preproducción y postproducción de sonido para que puedas tener un conocimiento bien redondeado de esta área crítica del cine. Por favor practica y comparte tus técnicas y resultados. Buena suerte y te volveré a ver muy pronto. 10. Clase extra: diferentes mezclas de sonido para producción: [ MÚSICA] Cuando se trata de ser un mezclador de sonido, hay que pensar mucho más que en lo que está escuchando. Hay muchas otras personas trabajando en el set que también necesitan una alimentación de sonido, la más importante de las que después del mezclador de sonido, es el operador boom. Necesitan escuchar exactamente lo que están capturando, y dependiendo de sus preferencias, tal vez incluso escuchar un poco de lo que se está capturando en los micrófonos en vivo que están en los propios actores. Esto les permite escoger las mejores posiciones y asegurarse de que están capturando el diálogo más claro que pueden. Entonces la mayoría de los casos, el director también quiere escuchar lo que se está capturando inicio, esto les permite tomar decisiones creativas y sentir cómo se está encontrando la entrega. También es beneficioso para ellos estar conscientes cuando hay localizaciones o tomas donde el diálogo no es capaz de ser capturado tan bien como debería, y pueden tomar esta información en movimiento avanzar hacia la etapa de postproducción. Después de eso, es más un caso de quién quisiera escuchar el sonido en lugar de quién realmente necesita escucharlo más. Es posible que tengas productores que también quisieran escuchar la acción que se está capturando, y en cualquier caso, como mezclador de sonido, es tu trabajo conseguir las mezclas de sonido adecuadas a las personas adecuadas. Vamos a entrar en el mezclador de sonido y mezclar. Ser un mezclador de sonido puede volverse bastante intenso, sobre todo si hay muchas fuentes de micrófono que entran en el mezclador todo a la vez. Bueno, este es el trabajo al que se llama el mezclador de sonido que más se enfoca en la acción de uno. Trabajar en sincronía con el Subdirector y el Supervisor de Script para estar al tanto de cualquier cambio de última hora el horario es muy, muy importante. Una buena comprensión de la escena que está a punto tener lugar también es crucial ya que nos permite a algún mezclador hacer una priorización en vivo de las voces del actor y les permite eliminar cualquier ruido innecesario, y siendo consciente de que no hay clip de audio dentro durante la escena. Esta mezcla también permite que el mezclador de sonido se comunique con el operador del boom con información actualizada como si la posición que están tomando es la mejor en relación con el imagen de sonido en general y mucho más. Para la mezcla de operador boom, se crea una mezcla de sonido diferente especialmente para ellos, en la que pueden escuchar el sonido de su boom como una retroalimentación en vivo, lo que les permite rendir mejor en general. También podrían querer un poco de los amores de los actores ascendidos a la mezcla también, lo que les permitirá entender qué voces pueden necesitar priorizar y qué posiciones son las mejores en general . Dependiendo del tamaño del proyecto, el operador del boom y el mezclador pueden llevar su propio conjunto de micrófonos direccionales vivos para que se comuniquen. Estos entrarían directamente en sus mezclas también, pero algunas producciones tienen sistemas de comunicación en su lugar entre sí. Pero a veces los equipos de sonido prefieren tener sus propios sistemas en su lugar para que no dependan de las mismas frecuencias que los micrófonos de radio que se han utilizado para los actores, eliminando así cualquier interferencia en esos canales. En general, estamos mirando la alimentación del boom, comps se alimentan desde el mezclador de sonido y la parte superior de atrás desde el boom hasta el mezclador. Para la mezcla de directores, en la mayoría de los casos, el director quiere escuchar lo que viene del micrófono boom, ya que esto suele ser lo que se usa en la postproducción. Puedes hacerle saber esto al director cuando estés configurando sus micrófonos y si quieren escuchar cualquier otra fuente, entonces puedes agregarlos a esa mezcla también. No obstante, recuerde tener en cuenta que la alimentación de comunicación desde el operador del boom hasta el mezclador de celdas debe permanecer privado. El director no necesita estar al tanto de toda la comunicación que pasa dentro del equipo de sonido. Si es necesario, el mezclador de sonido puede hablar directamente con el director ya sea en persona o a través de un enlace de coms separado.