Ilustración en tinta: líneas audaces y estilo intrépido | Ira Marcks | Skillshare
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Ilustración en tinta: líneas audaces y estilo intrépido

teacher avatar Ira Marcks, Graphic Novelist

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:16

    • 2.

      Espacio de trabajo tradicional

      2:41

    • 3.

      Un cortometraje: entintado en la oscuridad

      2:31

    • 4.

      Espacio de trabajo digital

      1:21

    • 5.

      Software y herramientas digitales

      4:00

    • 6.

      Composición de la escena

      8:02

    • 7.

      Tinta y sombra

      4:52

    • 8.

      Celebra tus influencias

      1:16

    • 9.

      Líneas divertidas: Quentin Blake

      2:36

    • 10.

      Sombrear con líneas sin miedo: Maurice Sendak

      5:28

    • 11.

      Sombras misteriosas: Edward Gorey

      14:02

    • 12.

      Tu proyecto de clase

      1:25

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

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Estudiantes

83

Proyectos

Acerca de esta clase

Únete al artista y autor Ira Marcks en su última clase de ilustración y aprende a construir composiciones más fuertes, a entintar líneas más audaces y a utilizar tus inspiraciones. 

Esta clase es un acercamiento al proceso ilustrativo. Comienza en el estudio de Ira, en el que comparte las dos caras de su vida artística: la tradicional y la digital. Los siguientes capítulos de la lección revisan el diseño de la composición, las herramientas tanto digitales como tradicionales, y las técnicas de entintado favoritas de Ira y cómo crea su trabajo profesional. Pero eso es solo el principio.

¿Has considerado todas las formas en que se puede entintar un dibujo?

A través de una serie de ejercicios de entintado, Ira se adentra en los estilos de los artistas que han inspirado su obra desde la niñez. ¡Seguramente ya conoces a algunos de ellos! Esta clase es ideal para ilustradores creativos, diseñadores visuales y todos aquellos que busquen formas nuevas y emocionantes de dibujar y entintar sus ideas.

Esta lección está llena de giros y vueltas a través de las inspiraciones y recuerdos de un artista y se pregunta cómo todos encontramos nuestro lugar único en el extenso mundo de la ilustración. Una vez que completes este viaje, nunca volverás a mirar una línea de tinta de la misma manera.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Ira Marcks

Graphic Novelist

Top Teacher

Ira Marcks is an award-winning and New York Times recommended cartoonist. His love of strange fiction and scientific research has led to an unlikely list of collaborators including the Hugo Award-winning magazine Weird Tales, European Research Council, and a White House Fellowship Scientist. His online courses have inspired 100,000 students. iramarcks.com

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Transcripciones

1. Introducción: Oye, soy Ira Marcks. Soy autor e ilustrador y generalmente persona creativa en el estado de Nueva York. Para mí, las historias y las imágenes van de la mano, ya sea que esté construyendo un mundo en uno de mis libros, creando personajes de dibujos animados para niños, elaborando un gran cartel colorido, trabajando en una asignación de ilustración o cualquiera de los otras cosas que hago. Siempre me encuentro preguntándome ¿cuál es la historia que está pasando justo fuera de los marcos de mi propio arte? En esta clase, voy a consentir mi propia curiosidad y finalmente mirar fuera de los marcos de mi trabajo. Voy a explorar los mundos de algunos de los ilustradores increíblemente brillantes, intemporal impresionantes que me hicieron la persona que soy hoy. Espero que te unas a mí y a mi clase, ilustración de tinta, líneas audaces, y estilo intrépido. La clase comienza con una breve visión general de mis herramientas y mi estación de trabajo, luego llegaremos directo al dibujo. Cubriré mis técnicas básicas sobre la construcción de una composición, luego veremos cómo tinta y sombra en ilustración. La siguiente parte de la clase es realmente emocionante para mí, se trata de celebrar tus influencias, y voy a mirar a tres de mis ilustradores favoritos. Las que me han dejado grandes impresiones, Quentin Blake, Maurice Sendak, y Edward Gorey. Espero que te inspires en mi viaje a las raíces de mis influencias ilustrativas, y mires al artista que más te inspira y crea un amoroso homenaje a su trabajo. 2. Espacio de trabajo tradicional: Este es mi estudio, llevo más de 10 años haciendo arte profesionalmente, y mucho de ese tiempo se ha dedicado sentado justo en esta mesa muy ligera. He trabajado con herramientas realmente tradicionales sólo porque mis raíces están en dibujos animados y tiras cómicas de periódicos, así que ese es el estilo que empecé a emular, cuando decidí con qué herramientas quería trabajar. Mi tinta de elección tiene que ser la tinta de la marca Winsor & Newton, en parte porque la etiqueta es tan cool, pero sobre todo por la opacidad de la tinta, es un negro rico realmente sólido. Tiene un poco de brillo. Es sólo una cosa realmente bonita. Tengo muchos pinceles y bolígrafos, pero honestamente solo uso uno o dos, y este bolígrafo de aquí es, cómo hago el 98 por ciento de mi entintado tradicional. Es solo una punta de caligrafía de tamaño mediano. No hay nada especial en ello. Creo que cuestan como $0.40 cada uno. También uso algunos pinceles de la marca Winsor & Newton para acuarela o haciendo gouaches de tinta. Cepillos redondos por lo general, me gusta el Winsor & Newton. Tienen una punta redonda agradable, limpia, puntiaguda. Mi papel de elección es algo que descubrí mucho más tarde, lo que ojalá supiera desde el principio. Se trata de Arches Prensa caliente Papel de acuarela. prensa caliente significa que realmente planchan el papel a medida que lo procesan, por lo que es genial para escanear. A diferencia de muchos papeles de acuarela, sobre todo como las marcas más baratas que compras, tienen un tono de textura que a veces puede funcionar dependiendo de lo que quieras, pero es difícil sacar a Photoshop esa textura. Arches es totalmente suave, así que sea cual sea tu proceso, es el papel no deja ninguna impresión en tus diseños. Aquí hay una pieza en la que estaba trabajando en esta mesa de luz, así que solo te mostraré mi configuración. Normalmente esbozo todo primero. Se podría decir que este es un boceto bastante detallado que hice en mi tableta de dibujo, y lo coloco debajo de mi papel Arches, y mi proceso comienza aquí con mi mesa de luz. Es por ello que es tan genial tener una mesa ligera tan grande. Si eres fan del arte como yo, realmente te encanta ver a la gente trabajar con herramientas tradicionales. Es como algo genial de ver, así que les hice un video realmente genial, artístico de mí entintando este dibujo. Tiene algunos primeros planos agradables y algo de música dramática. Antes de entrar en la lección de clase real, disfruta de este cortometraje. 3. Un cortometraje: entintado en la oscuridad: usted. - ¿Estás bien? 4. Espacio de trabajo digital: La triste verdad es que no paso mucho tiempo en mi mesa de luz. Aquí me siento en mi estación de trabajo digital. Es difícil validar como profesional haciendo las cosas formas tradicionales cuando una tableta hace que tu trabajo se haga mucho más rápido. Comprometes la experiencia por la productividad, que así sea. Guardo muchas notas en mi escritorio. No puedo trabajar con notas digitales, necesito verlas todas a la vez, al parecer. Escribo mucho más de lo que garabatea, así que aquí hay notas para diferentes proyectos en los que estoy trabajando como un libro o de un recordatorio para hacer algunos bocetos para algunos freelance, listas de tareas, listas de clases de Skillshare y demás. Este de aquí es mi nuevo mejor amigo, mi pequeño temporizador de huevos. Yo lo puse por 60 minutos. Trabajo directo sin distracción, y luego, tomo un descanso de cinco minutos y repito. Hago eso de las ocho de la mañana a las cinco de la tarde, y luego, me voy a casa. El brazo para mi tablet digital aquí es esencial. Realmente me salva la espalda de encorvarme sobre una pantalla todo el día. Simplemente ya no puedo agacharme tan lejos por ocho horas seguidas. Ahí en el centro está mi tableta de dibujo. Se trata de un Yiynova MSP19U plus. Ya puedes conseguirlos por unos 300 dólares. El pantalla es un poco brillante, pero en general, me gusta. 5. Software y herramientas digitales: Si bien estoy diseñando esta hoja de referencia de eclosión para ustedes chicos, pensé que les daría un pequeño resumen de los tipos de software que uso. En realidad, voy a hablar específicamente de este programa único. Por mucho que me encanta el Adobe Suite y crecí con Photoshop e Illustrator e InDesign y todas esas cosas divertidas. En estos días, utilizo mayormente un programa llamado Clips Studio Paint. Como dibujante que está lidiando con grandes documentos cómicos, 30 a 40 a 100, 200, sin embargo muchas páginas. Este programa está diseñado para permitirte abrir y cerrar esas páginas con bastante rapidez y trabajar con múltiples documentos de página muy rápido. Ya que está diseñado para artistas cómicos, las herramientas de dibujo son realmente prominentes. Tiene un montón de pinceles incorporados, hablaré de los que uso en un minuto. También es bueno para hacer diálogo en burbujas de habla. La herramienta de texto está bien, no es genial, pero es realmente bueno para los paneles e incluso es colorear es bastante intuitivo. Para estas clases, como dije, quiero que cualquiera pueda usarlas. No estoy usando ninguna herramienta o técnica de fantasía en esto. Solo estoy usando algunas herramientas básicas de dibujo. Un bolígrafo es más o menos simulación digital de una punta de caligrafía. Se puede ver lo similar que es la calidad de la línea a las del video de mí entintando con el plumín real y uso el lápiz azul no fotográfico para mis diseños y luego uso el lápiz rojo para mis bocetos secundarios de vez en cuando. El diseño del programa es bastante similar a Photoshop. Tengo un montón de diferentes capas de entintado yendo y probablemente lo mejor de cualquier trabajo digital es que puedes trabajar sin ponerte nervioso de que lo vas a fastidiar. A menudo tendré un montón de capas que son versiones diferentes de la misma idea y cambiaré de ida y vuelta entre las dos. Trato de no quedar atrapado en esas cosas porque es agradable cuando las cosas se sienten algo espontáneas y no sobrepensadas, así que cada vez más trato de no acercar y ser hipercrítico sobre cada pequeña línea que hago y solo trato de mantenerla con un tacto más natural. Muchos artistas probablemente te dirán que el lugar que quieres conseguir con tu software digital es ese mismo nivel de comodidad que estás con tus herramientas tradicionales. Evita deshacer constantemente y reparar cada error. gente le encanta ver un poco de humanidad y hay, así que no borres todos tus errores, quédate con algo de eso porque es la verdad. Muy bien, por muy divertido que esté teniendo bosquejando estos pequeños pingüinos lindos con todos estos diferentes estilos de eclosión, te voy a mostrar mi recurso de pincel donde consigo los diferentes pinceles que tengo. Tengo pinceles de este artista llamado Frenden y lo puedes buscar en Google y esta es su página web. Hace pinceles para Clips Studio Paint. Es un Illustrator que tiene un estilo muy caricónico, así que si quieres inclinaciones pesadas, sólidas , agudas, es bueno para eso. También cuenta con muchas herramientas de software, mucho lápiz, pinceles, tintas crujientes, ásperas, de aspecto escaso. Es una mezcla bastante bien redondeada y se puede ver que hay más de 450 de ellos. ¿ Los he mirado a todos? Sí. ¿Cuántos uso? Dos o tres, por lo general sólo uno. Es divertido navegar, pero si realmente vas a desarrollar tu arte en una carrera, cuando comienzas a saltar a muchos estilos diferentes, veces comienzas a confundir a tu público y realmente ralentizas el tuyo propio proceso creativo. Escoge las herramientas que te gusten y solo concéntrate en tus ideas. 6. Composición de la escena: En cualquier proyecto de ilustración, un artista va a querer hacer alguna preparación para su diseño. Podría ser tan sencillo como simplemente colocar algunas formas básicas en la página para darles una sensación de la disposición y posición de sus personajes y otros elementos visuales o podrías agregar otro paso a la planeación, y eso es lo que lo vamos a hacer aquí. Vamos a crear lo que llamarías una plantilla de diseño formal para colocar debajo de nuestro dibujo. Ya puedes ver, voy a romper mi página y sencilla cuadrícula. Voy a usar esta diagonal, definir el centro de la página. Entonces lo voy a romper en tercios, así como esto. Voy a aburrir eso. Ahora esto me da una estructura formal real. Nosotros lo llamamos formal porque la página está desagregada. El centro. Es sólo una simetría limpia. Encima de esta rejilla, empezaré a construir mi diseño. Entonces este proyecto de ilustración, voy a mantener los temas a los animales en un escenario. Va a ser tan sencillo como eso y tu proyecto va a seguir esas mismas pautas para mi animal. Voy a elegir un gato porque me gusta dibujar gatos, sobre todo cuando son gatos somnolientos. Voy a poner a este gato en un fantástico entorno de selva. Es sólo una excusa para conformar mis formas del escenario sin basarlas demasiado en la realidad, aparte de lo que recuerdo de la selva, las pocas veces que he estado ahí. El tema del dibujo, el gato está centrado en esa línea vertical y se puede ver que he usado esos horizontales. No de ninguna manera clara. Es sólo una forma de descomponer la página y liberar mi mente sólo del opresivo espacio gigante. Soy un artista al que le gusta hacer dos bocetos. No sé de dónde salió eso. Es sólo algo que no sé si es una cosa de confianza o qué, pero a lo largo de los años he encontrado que hago un boceto realmente suelto, áspero que se podía ver es básicamente formas orgánicas, líneas curvas, círculos. Además de eso, ya sea que esté dibujando a mano o tablet, hago mi segundo boceto y ese boceto tiene un poco más de sentido de no mucho detalle, pero las formas y la colocación de esas formas toma un poco más de estructura. Por ejemplo, en la esquina superior derecha, esas hojas en el fondo, básicamente están enmarcando la cabeza del gato. Al hacer mi segundo boceto, se simplifican un poco y simplemente se vuelven un poco más confiados en su forma. Entonces el segundo boceto es realmente sobre solo construir una confianza y tu diseño. Pequeñas cosas cambiarán, tomarás nuevas decisiones. Podrías incluso volver a la primera versión. Lo que no quieres hacer realmente es pensar demasiado que estás dibujando demasiado. Esto es realmente solo notas y pautas para influir en tu entintado. Estoy haciendo algunas eclosiones realmente sueltas solo para dar una sensación de adónde van mis sombras. Esta va a ser una composición donde el primer plano tiene una sombra sobre él y el medio suelo es realmente como la capa más brillante. Por lo que estoy obteniendo un poco más de una sensación de dónde viene mi fuente de luz. Ya verás aquí incluso entro por encima de esa flor principal, que se ha convertido en una parte bastante prominente de este diseño ahora que lo pienso. Solo estoy rediseñando un poco los pétalos, haciéndolos más expresivos. Después del segundo boceto, voy a sumar en otro paso. Es más un ejercicio. Eso no es algo que suelo hacer, pero creo que es algo como estudiante que podrías encontrar interesante. Voy a contener la respiración y voy a tinta este dibujo lo más rápido posible. ¿ Por qué estoy conteniendo la respiración? De esa manera no pensaré de más en ninguna elección de línea. Probablemente notaste como joven artista, cuando estás haciendo ciertas líneas por primera vez, estás entintando estilo o tu línea de trabajo. No es muy confiado. Es sólo a través de la práctica y saber a dónde vas con tu línea, que obtienes líneas suaves, limpias, expresivas. Por lo que al contener la respiración, no llego a pensar en exceso este proceso. Aquí vamos. Agarrando mi aliento aquí. Entonces aquí está el resultado de ese ejercicio alrededor una versión entintada de dos minutos de gato durmiendo en la selva. Entonces la comida para llevar aquí es, ¿cuáles fueron las líneas que fueron más importantes para captar en este diseño? Obviamente, el contorno del gato, algunos de los rasgos faciales para representarlo está durmiendo. El tronco en el que está durmiendo. El flor en primer plano con un poco de detalle. Un par de otros elementos visuales en primer plano, el hongo y el pequeño, no sé, moho o mezquita que crece en el tronco, sea lo que sea. No tuve tiempo para pensarlo y luego los elementos de encuadre, tenemos los pequeños brotes a la izquierda y las grandes hojas de estilo tropical a la derecha. Aviso mucho del detalle no tuvo tiempo de llenar. Entonces eso es bueno. Estos son los huesos de la ilustración. Cualquier entintado que haga de aquí en adelante y esta versión final va a capturar estas líneas y luego a partir de ahí decido cuánto detalle estoy agregando y cuánto me estoy dejando fuera. 7. Tinta y sombra: Apagemos el ejercicio de tinta rápida y empezamos a conferir real. De nuevo, estoy usando un bolígrafo de pincel y solo voy a empezar con mi trabajo básico de línea. Me voy a ir en todos mis deshacer también sólo para que veas desarrollarse las formas y la personalidad de estos elementos visuales. Como dije antes, esta flor en la parte inferior izquierda realmente ha empezado a adquirir una personalidad prominente y acento visual en el diseño. Las hojas tienen mucho más carácter para ellos, son un poco tambaleantes. Eso también significa que voy a mantener sencillos estos otros elementos visuales, los hongos y el molde en el fondo del tronco. Estoy tan familiarizado con la composición en este punto. Puedo ver patrones ocurriendo y los tipos de líneas que estoy haciendo. Nuevamente, este proyecto es realmente todo acerca de la línea en que nos estamos centrando. De hecho, me vas a escuchar referir el papel emotivo o abstracto de estas líneas más que el propio tema. Al igual que los pequeños brotes que estamos viendo aquí, en la parte trasera del gato ¿qué representan, su elemento de encuadre? También quiero que guíen el ojo hacia el centro de la ilustración. Incluso he ido tan lejos como para segundo adivinar mi segundo boceto y simplificar el trabajo de línea de los pequeños brotes. Lo mismo con estas hojas tropicales a un costado, todo apunta hacia el centro muerto de la imagen. Cuando llegas no hay muchas caras de gato escindidas incluso fuera del centro un poco. Todas las líneas están trayendo la mirada del espectador al centro de la página, estamos dibujando al espectador en el diseño. Los detalles del gato para mí son lo complicado aquí. No estoy seguro de qué quiero agregar en cuanto a detalle con esos, no quiero un look Garfield, pero quiero que el gato tenga un poco de redondez a su forma. Voy a hacer como una línea de rayas tambaleantes que se asemeja a la parte rota del tronco y también se asemeja ligeramente a las hojas tropicales en el fondo profundo de la parte superior derecha. Ahora que tenemos el entintado básico hecho, vamos a empezar a mirar la sombra. Voy a decir que mi fuente de luz viene desde el primer plano derecho superior, por lo que la luz está brillando justo abajo en la cabeza del gato. Eso me dará un punto de referencia para donde yacen mis reflejos. No tengo mucha instrucción formal en mi educación artística de colocar fuentes de luz, así que solo voy a maquillarlo y decidir qué se siente bien. Voy a empezar diseñando sombra alrededor del gato, casi todos los demás elementos se desaparecen, tal vez sea el dibujante en mí siempre tratando de crear una sensación de contraste con el diseño. Las sombras pesadas en estos casos se convierten en un verdadero prominente y estético en mi trabajo digital, porque es tan fácil hacer lindas líneas limpias. Algo que quiero que pruebes cuando estás entintando es sobre tinta tu diseño, aportarle más sombra, de lo que normalmente lo harías. Esta es una técnica avanzada y muchas veces tenemos miedo de exagerar nuestros diseños, hecho tenemos miedo de iniciarlos mucho tiempo también. Pero hay algo mágico que empieza a suceder cuando construyes sombras en las sombras se convierten formas y casi se convierten en la nueva versión de la ilustración. Ahora que he apagado todas esas capas esbozadas, soy libre de reinterpretar este diseño en diferentes ondas. Por ejemplo, las sombras dentro del pasador casi parecen personajes mismos. Tenemos que desentrañar el significado de esta imagen. De hecho la idea de un gato durmiendo sobre un tronco podría ni siquiera saltar hacia ti a primera vista, tiene que revelarse a través de la observación. Siempre pienso que un dibujo que requiere que lo mires un poco más es un dibujo mejor. 8. Celebra tus influencias: Una de las mejores cosas de ser artista es tener oportunidad de celebrar el arte que amas. Alrededor de una cuarta parte de mi espacio de estudio se dedica a los recordatorios del arte que me ha encantado, ya sean cosas que he encontrado como mayor o amigos del trabajo han compartido conmigo, cosas de las que he aprendido en la universidad o libros que me encantaron como mi recuerdos más tempranos de la infancia. Voy a aprovechar esta oportunidad para sumergirme en tres ilustradores. De verdad influyeron en mi arte a temprana edad, ideas que están tan arraigadas en mi estilo que no creo que pudiera sacarlas nunca. Son fundamentales para cómo trabajo. Al hablar a través de mi proceso de re-entintado mi diseño, vas a empezar a ver dónde entra en juego esa influencia. Espero que vayas a asumir este reto sobre ti mismo, para encontrar o nuevas influencias o celebrar las influencias que te han hecho convertirte en artista. 9. Líneas divertidas: Quentin Blake: Para mi primera referencia de entintado, voy a ir conmigo uno realmente desafiante. Voy a tinta al estilo de Quentin Blake. Ha escrito e ilustrado alrededor como 300 libros infantiles, pero probablemente sea más famoso por trabajar con Roald Dahl en libros como The Fantastic Mr. Fox o The BFG. Es un gran ilustrador de libros infantiles porque como se puede ver en este clip, lo encontré en YouTube, no piensa demasiado en sus dibujos de hecho, en estos ejemplos, ni siquiera está usando un bajo dibujo. No hay boceto ni planeación. Todo se trata de simplemente venir directamente de su imaginación, razón por la cual sus dibujos se sienten tan enérgicos. Podría no ser el mejor artista representacional. Sus diseños de personajes a menudo se ven realmente similares. No hay mucho detalle y la anatomía de ellos, pero su trabajo de línea es instantáneamente reconocible. Eso se debe a que sale con tanta claridad y confianza con sentido de la diversión. Tiene antecedentes técnicos en su trabajo, pero cuando se pone a la altura y está trabajando para los jóvenes, lo mejor es relacionar una sensación de libertad y diversión e imaginación, en lugar de precisión técnica. Volvemos a mi segundo boceto del gato durmiendo en un tronco. Para este enfoque de Quentin Blake, voy a trabajar muy rápido como lo hice y estoy conteniendo mi ejercicio respiratorio. Voy a asegurarme de que el dibujo parezca una línea. Si recuerdas en los videos, Quentin Blake está usando un bolígrafo de pincel, muy similar al que estoy usando. Pero la forma en que se mueve la pluma, nunca se olvida que está dibujando. Voy a trabajar muy rápido. Voy a mantener las líneas suaves en fluir. No voy a golpear ninguna esquina dura. Justo como un reto, voy a volver como si miras la cola aquí, he desbaste un poco para darle una sensación de textura. No hay eclosión y este estilo Quentin Blake utiliza lavados de tinta. No voy a ir tan lejos con esta idea. Simplemente voy a usar expresión de textura en el trabajo de línea. Antes de que te des cuenta, tengo un boceto de Quentin Blake. Trabaja muy rápido y con confianza, razón probablemente por la que pudo ilustrar más de 300 libros infantiles. 10. Sombrear con líneas sin miedo: Maurice Sendak: Son pocos los artistas que me han dejado tanta impresión como Maurice Sendak. Es una combinación de su narración, historias más profundas de experiencia infantil, y para mí, sus dibujos realmente elogian ese tono narrativo. Se puede ver justo desde la portada interior de una copia de Where the Wild Things Are, el pesado crosshatching que utiliza, incluso cuando sus ilustraciones están coloreadas, la tinta domina tanto a su mundo. Todo parece tener lugar en un atardecer perpetuo. El cielo está nublado y la luz viene de algún lugar lejano. Muchas de sus historias están ambientadas en la oscuridad o en noche y realmente se encuentra en sus dibujos. Les da casi como un tipo de calidad de pesadilla. Pero no de mala manera, sino solo de una manera en la que se te pide que mires los profundos aspectos tácitos de ti mismo. Sin ponernos demasiado pesados en eso, vamos a entrar en la ilustración inspirada en Maurice Sendak. Lo primero que tiene que venir a la mente cuando estoy viendo estilo de entintado de Maurice Sendak es que está arraigado en la eclosión, lo que significa que no hay mucho esbozo en su trabajo. No digo que esto sea la verdad, no tengo ningún buen metraje de él realmente trabajando, pero para mí, este es el enfoque que imagino que está tomando. Estoy usando mi boceto como las pautas de adónde va mi eclosión. No voy a dar la vuelta y esbozar primero. Voy a empezar con el gato en este caso. Tengo que tener un sentido de dónde está mi fuente de luz porque como mencioné antes, hay una oscuridad a su trabajo, con apenas una luz mínima. Yo voy a hacer todo el pelaje. Es importante cuando estás eclosionando entender la forma de la forma de la que estás eclosionando encima. Enseguida, las líneas necesitan ser curvadas. El gato tiene que tener una redondez a ella. sombreado hace referencia sólo a una sola dirección de línea y la densidad de la línea representa la densidad de la sombra. Crosshatching es cuando vuelves a cruzar y eso es lo que es tan distinto del trabajo de Maurice Sendak. Es cruzado, no sólo eclosionar. Pronto veremos a otro artista de incubación. Tengo un sentido general del gato y ahora voy a trabajar en segundo plano. Mucha de la eclosión que estoy haciendo ahora es representativa no sólo de la luz sino de las texturas que atraviesan a la luz, así que realmente voy a construir esto. Al prepararme para hacer este video, estaba viendo algunas imágenes de entrevistas con Maurice Sendak para ver de dónde provienen sus influencias y no sorprendentemente, una de sus grandes influencias fue el poeta e ilustrador, William Blake. William Blake estaba por ahí a finales de 1700, en esa era romántica del arte visual y la poesía. Fue poeta y también ilustró mucho trabajo de otros escritores y poetas. Maurice Sendak habla mucho de estar fascinado con el arte de William Blake, aunque realmente no entendiera mucho de dónde venía. No necesitas ser un maestro de tus referencias para tomarlas en tu propio trabajo. Te llevas lo que quieres de gente y lo que puedes poner a usar en tus propios puntos de vista. Estoy trabajando en secciones aquí mientras pincho a través de este diseño, construyendo constantemente las sombras más oscuras y oscuras, pero teniendo cuidado de dejar reflejos en ciertos lugares. Para mí, la cara es un verdadero reto. Casi siento que lo he sobrecargado así que voy a sacar algo de esto en la cola y en la cara. Ahora que tengo una sensación más cómoda de este estilo, voy a volver a atravesar y volver a pintar la cola y la cara. Está un poco demasiado oscuro. Yo quiero que esto siga siendo atractivo y no aterrador. Ahí vamos. Ahora que he apagado mi boceto, puedo obtener algún sentido de la relación entre luz y oscuridad en esta imagen. Es como si estuviera atenuando las luces de la habitación y siguiera alejando la luz construyendo la oscuridad. A lo largo, puedo revelar más aspectos de la textura del mundo. Te das cuenta incluso en los elementos de fondo, nada se asienta en total negrura. Siempre hay una sensación de luz rebotando desde algún lugar del escenario. Ahí tenemos el gato durmiendo en tronco al estilo de Maurice Sendak. 11. Sombras misteriosas: Edward Gorey: Piensa en el arte que realmente está atascado contigo a lo largo de tu vida, los ilustradores que casi puedes recordar el día en que te presentaron. Normalmente hay una sensación de misterio que está conectada a esa reacción inicial. Probablemente has tenido un libro, podría haber estado sentado en el piso de la biblioteca. Tenías algunas imágenes, palabras, y en el mejor de los casos un sobre una página de autor. Antes de que tuvieras la oportunidad de correr a Google y buscar a esta persona, toda su historia era misteriosa. Hay algo que realmente es atrayente en eso. Para mí, Edward Gorey es el epítome del misterioso artista. Mirarías su obra y pensarías que fue creada con una pluma sumergida en tinta por un retenido a mediados de 1800. Pero de hecho, Edward Gorey es un artista contemporáneo y pasó gran parte de su vida colgando en la ciudad de Nueva York y más tarde en Cape Cod. Hay mucho más que decir de él, pero ante todo, se trata pero ante todo, de un hombre obsesionado con la eclosión, y como observador y niño descubriendo su trabajo, yo también me obsesioné con su eclosión. Antes de continuar mi despotricación sobre eso, tenemos mucho que hacer eclosionar, así que solo empecemos. Estaba realmente emocionado de tener una excusa para dibujar como Edward Gorey, no es que no pasara la mayor parte de mis 20 años dibujando como él. Si de alguna manera tenías una copia de novela gráfica, escribí e ilustré cuando tenía 22, 23, 24. Verías mucha influencia de Edward Gorey en ese libro. Es como la estrella de rock de los ilustradores creo, sólo en parte por el misterio que mencioné antes. Pero llegó a trabajar en tantos proyectos geniales como ilustrar Drácula, y portadas para la Guerra de los Mundos de HG Wells, muchos poetas famosos. Estuvo involucrado en el teatro. De hecho, si miras su trabajo, hay mucho lenguaje corporal que viene del teatro. Podrías llamarlo incómodo y incómodo en los momentos que eligió, pero en realidad es sólo un lenguaje teatral como el ballet, básicamente. Porque asistió a mucho ballet. En fin, se puede ver que estoy construyendo mi eclosión. En este caso, empiezo con los antecedentes. Estoy tan familiarizado con esta composición en este punto. Realmente no importa por dónde empiezo. Tengo una visión bastante buena de adónde voy a ir. eclosión de Edward Gorey juega muchos papeles diferentes. En ocasiones representa sombra, textura, ropa, telas, hierba, nubes, lluvia, humo, sangre, alfombra, por lo que llegas a decidir su papel desde el principio. En este caso, voy con un enfoque horizontal, una técnica que usaría mucho solo para llenar que no somos súper importantes. Se puede ver la eclosión de las hojas en el fondo es solo horizontal, lo que significa que es agradable y suave y uniforme. Voy a pasar y cambiar algunas de las formas que tengo, hacerlas un poco más amenazadoras. Me pueden ver aquí a la izquierda lidiando con esos brotes que se están asomando. Voy a tomar las formas redondas habituales con las que trabajo y hacerlas puntiagudas casi como si fueran picos de pequeñas aves carnívoras. Mi eclosión va a cambiar aquí un poco. Va a representar una sombra y ojalá le dé un poco de forma a estas formas. En cuanto a luz, estoy tomando un enfoque muy parecido a lo que hice con la ilustración de Maurice Sendak, determinando una fuente de luz. En este caso, es casi sobrecarga, supongo. El resaltado está en la parte superior, y el lado inferior es sombra completa. A medida que construya esta ilustración, decidiré más específicamente qué tan profundas se ponen las sombras. En este punto, se puede ver que tengo blanco completo, y luego estoy operando como un 90 por ciento de sombra en el borde inferior. En tu proyecto, espero que te tomes algún tiempo para mirar a ilustradores que realmente admirarías y también profundizar en lo que les influye. Por lo general, es casi como un juego de teléfono. Con el arte, todo el mundo se está tomando prestadas las texturas, y los tonos, y se acerca y construyéndolos en su propia fórmula única para la ilustración. Los artistas que amas están inspirados por otros artistas en los que potencialmente estarías súper. Saqué algunos clips de Edward Gorey. No hay mucho par de entrevistas con él donde habla de sus influencias. Si bien estamos a la espera de que este dibujo se renderice, vamos a escuchar. Bueno, creo que me han influenciado mucho cosas como [inaudible] y Lewis Carroll, y Edward Lear, y toda la tradición del verso sinsentido inglés y la piedra. Bueno, claro, supongo que se remonta a Thomas Hood quien escribió algunos realmente bastante violentos, no necesariamente para niños. Bueno, quiero decir, Lear era un gran amigo de Tennyson o algo así, y algunas de sus cosas realmente suena como Tennyson yendo un poco torpe y lo que sea. La idea de las tonterías es realmente prominente en las palabras de Edward Gorey así como en sus ilustraciones. Estamos hablando de sus ilustraciones en su mayor parte aquí, claro. Hay muchos no-secuenciadores, piensa que simplemente parecían salir de la nada y no tienen sentido de dónde venían, o de dónde van en sus dibujos, y parte de eso agrega misterio, y parte de eso también sólo habla de la idea del misterio de la infancia, y cómo acabas de caer, en medio de esta historia más grande, y puedes mirar tan profundamente en estas ideas como quieras y nosotros escogemos y elegimos en lo que miramos. Pero realmente el mundo es en su mayoría misterioso el 98 por ciento de las veces y como decía antes, puedo recordar tan claramente mirando a la eclosión y tratando de casi encontrar un mensaje dentro de ella, casi me gusta empujaron juntos pero por supuesto que eso no existe. Eventualmente coges un bolígrafo y empiezas a dibujar por ti mismo. Al estar trabajando a través de este dibujo, sé que está acelerado, pero vuelvo a entrar al mismo lugar al que siempre voy. Cuando eclosiono en este estilo Edward Gorey, tienes la composición construida, no estás tomando ninguna decisión crítica aparte de cuántas líneas pertenecen a qué espacio y esas cosas siempre se pueden ajustar más adelante. Se trata de un estado de apagado cerebral meditativo al que puedes entrar, que no es algo que llegues a hacer mucho en la vida, ya sea arte o cualquier otro tipo de carrera en la que entres. Pude ver que un artista que realmente se entrega a una técnica como esta, parte de ella es escapar de su mente más reflexiva y simplemente espaciarse y disfrutar de un momento en un proceso sencillo y saber que se está construyendo hacia otra cosa. Se puede ver cambiando la personalidad de toda esta composición mientras trabajo en las diferentes partes. Aquí estoy en primer plano tratando con la flor, es casi como una planta venenosa. Los pétalos son más afilados y caen al centro del capullo y se vuelven casi negros y como se llame, la parte de la flor que está en el medio. En fin, la parte media de la flor casi parece una trampa Venus. Aviso He apagado el gato y el boceto por completo, así que solo puedo enfocarme en las texturas que estoy haciendo con mi eclosión. Me estoy divirtiendo mucho con este. A medida que tinta el registro, pongo un par de pautas y solo mantengo mi eclosión en buen camino, no quiero ir totalmente sin sentido aquí y perder la pista de lo que estoy haciendo. Estas líneas van a ser una horizontal moviéndose hacia abajo por la longitud del tronco, dada su sensación de movimiento. Pero estoy evitando las líneas simples, todo está construido sobre la eclosión, poco dentados, gestos tipo rayo. No hay movimiento suave, elegante. A pesar de que cuando todo se construye junto a través de un simple cierre visual, obtendrás una mejor sensación del movimiento de toda la imagen pero en esta etapa temprana, todo está fuertemente texturizado y casi como violento en su movimiento como ataque al acercamiento de aguja. Realmente me encanta la forma en que están saliendo las formas detrás de las hojas. Casi parecen formas sobrenaturales; alguna nebulosa ominosa, mancha negra que va a adelantar a la escena. En realidad, cada aspecto de esta composición ha tomado una sensación ligeramente diferente hasta los champiñones. Ya no los champiñones blandos redondos, ahora son gorras en forma de bala y son siluetas, formas oscuras en primer plano. Estoy trabajando en la parte frontal del tronco, el borde dentado, no lo incluí en esta versión del dibujo, pero todavía quiero que el log tenga mucha textura así que haciendo los puntos más oscuros al tronco justo donde golpea los anillos, realmente estamos creando ese marco fuerte aquí para el gato, no puedo esperar a meterme en él y ver cómo lido con eso. Es casi como un fantasma flotando ahí en el centro en este punto. Tiempo para el gato, los gatos tienen un lugar muy específico en esa palabra mundo Gorey. Una de las ilustraciones de gatos más famosas que ha hecho es para la portada de una colección de poemas de TS Eliot y son como el personaje caprichoso del vino en el mundo de Edward Gorey. Tienen una forma diferente, sí sienten que tienen una cabeza grande y amplia y una sonrisa generosa. Parece ser mucha influencia proveniente de, como usted mencionó, el mundo de Cheshire Cat y Lewis Carroll. Supongo que tal vez ese es su punto de referencia y voy a tomar ese gato y llevarlo a este dibujo. La forma del cuerpo del gato está cambiando mucho y estoy pensando que va a ser en su mayoría negro sólido así que sólo voy a hacer trampa aquí y llenar esta cosa en negro total justo de atrás y eso me gusta. La forma de la cabeza está cambiando un poco y ahora es un juego cuidadoso de ¿qué necesito para dejar blanco? Mantén un destello alrededor del borde de la cabeza y las puntas de las orejas pueden volverse blancas y la punta de la cola y un par de reflejos en la parte superior de la cola pero realmente el gato va a ser negro sólido. El gato sigue dormido, pero se cambia la posición de los ojos. Ahora están en lenguaje Edward Gorey, están un poco más arriba y de lado algunos de estos aspectos destacados, no hay mucha luz en este mundo. Me siento bastante bien con esto. A lo mejor un poco más de sombra elimina algunos de estos anillos en el árbol y traen un poco más de profundidad a algunas de estas hojas, me gusta volver plana, pero es casi un poco demasiado plana para esta versión del mundo. Tiene que haber algo de profundidad a medida que se mueven detrás del gato y bloquean parte de la luz. narices de Edward Gorey son muy específicas así que sólo voy a pedir prestada esa mirada entera y ahí la tenemos. Un gato durmiendo en la selva, esta vez en el mundo de Edward Gorey. 12. Tu proyecto de clase: Eso es eso. Espero que hayas disfrutado de la clase y viéndome trabajar y explorar mis propias influencias creativas. Hablemos de proyecto de clase. Esto es lo que haremos. Vamos a construir una ilustración inspirada en otro estilo de entintado de artista. Vas a empezar diseñando una composición conformada por un animal, y un escenario único. Te proporcionaré algunas hojas de trabajo para guiar tu proceso. He creado una plantilla de composición que te permitirá descomponer la página de formas que quizá nunca hayas pensado. Te proporcionaré referencias para eclosionar, e incluso una lista de inspiración para temas y ambientación de tu diseño. Tu objetivo es ampliar lo que sabes sobre la ilustración, y encontrar nueva influencia, y construir encima del conjunto de habilidades que ya tienes. Cuando termines tu ilustración, por favor compártela en la sección de proyectos de clase. Al compartir tu trabajo, inspira a otros alumnos a ver la clase, crear sus propios diseños, y eso a su vez me inspira a crear nuevas clases para ustedes chicos y darles más razones para dibujar y explorar la creatividad. Además, si pudieras escribir una reseña para la clase, eso va mucho camino para sacarla por ahí y exponerse a más alumnos. Te veré la próxima vez.