Ilustración desde el diseño: una guía para elevar tus habilidades de dibujo

1. Introducción: La ilustración es algo increíble. Puede iluminar una idea, transmitir un pensamiento complejo, y darnos los sentimientos todos al mismo tiempo. Pero, ¿qué hace que funcione la ilustración? Esa es una gran pregunta. Mi nombre es Ira Marcks. Soy ilustrador y dibujante, y me pregunto eso mismo cada vez que voy a recoger mi lápiz. La ilustración es mi forma de comunicación ya sea que estoy tratando de transmitir un mensaje con un solo dibujo, o contar una historia a través de los paneles de un cómic. Un ilustrador está en constante búsqueda de dos objetivos creativos para comunicarse con claridad y significado, y para evocar una fuerte respuesta emocional. Pero llegar a ser bueno en el dibujo es sólo una parte de ello, ilustración es un estado de ánimo. Los ilustradores necesitan ver las formas y formas de su mundo es símbolos con significado. Ahora podrías ser como, “Ira, esto suena como un tema para una clase de diseño gráfico”. Sí lo es. Por eso llamo a esta clase Ilustración por Diseño, y de eso se trata todo esto, pensando como un diseñador para dibujar como un ilustrador. Diseñadores piensan en un lenguaje gráfico y te voy a mostrar cómo pensamiento de diseño puede ayudarte a impulsar tus habilidades de ilustración, y a comunicarte a un nivel superior. Esta clase no es solo para ilustradores o diseñadores, es para tipógrafos, desarrolladores de aplicaciones, desarrolladores web, comunicadores, personas en marketing, los perros, amantes de los gatos, cualquiera que quiera conectarse con el mundo en un ritmo más rápido y en un nivel más profundo. Todos podemos usar un poco de pensamiento de diseño en nuestras vidas. Por lo que espero verte en clase. 2. ¿Qué es el pensamiento de diseño?: ¿ En qué consiste el diseño pensando? El pensamiento de diseño se puede definir como la búsqueda soluciones simples y accesibles a ideas o problemas complicados. El proceso se puede encontrar en los primeros momentos de la civilización humana y jugó un papel esencial en el desarrollo de una civilización en funcionamiento aquí es cómo. El pensamiento de diseño nació de la necesidad de comunicarse. Mucho antes del lenguaje escrito y la comunicación hablada, nuestros primeros antepasados marcaron formas en piedra y arcilla para definir los perímetros de sus fronteras tribales. El pensamiento de diseño evolucionó posteriormente a través del poder de su lenguaje simbólico. La función de estas primeras formas se hizo más compleja con el tiempo. La gente comenzó a marcar, no sólo sus tierras sino sus seres internos con iconografía visual. pensamiento del diseño es la raíz de la metáfora y el simbolismo visual, los jeroglíficos, los símbolos religiosos, incluso los diseños de bandera son todas buenas soluciones de diseño, que unen a las personas de todo tipo de formas diferentes. pensamiento de diseño moderno invita a las conexiones íntimas e inmediatas. Utilizando los elementos del diseño visual, los artistas crearon una nueva y evocadora gramática de formas emocionales y expresivas que podrían ser utilizadas no sólo por artistas académicos, sino por cualquiera que recogiera un lápiz o un pincel. Toda esta historia, creó un lugar en la sociedad para que existiera el ilustrador moderno. Entonces, a continuación, voy a compartir la historia del movimiento cultural que me hizo enamorarme de la ilustración. 3. Conectar la ilustración y el diseño: Conectando Ilustración y Diseño. Mi aprecio y amor por la ilustración proviene de una conexión con el estilo. Probablemente empezó para todos nosotros con unos cuantos libros ilustrados. Entonces para mí, se trasladó a películas de animación, y luego visitas a museos, y empezando a notar arte callejero. Tengo muchos recuerdos positivos con ilustración, gracias por supuesto, a mis padres que me expusieron a todo tipo de ello. Pero todo el tiempo que estaba aprendiendo a apreciar la ilustración, estaba encontrando otra inspiración creativa en lugares poco probables. Cuando íbamos a un restaurante, me encantaba mirar los menús, estudiar las pequeñas fotos y escribirlas. Me encantaron los mapas de turistas cuando visitábamos una ciudad pequeña. Incluso me encantaron las cartas y gráficas de los libros de historia en la escuela media, y los titulares de periódicos antiguos, y las revistas Life que encontraría en la biblioteca. Resultó que me encantó el diseño tanto como me encantó la ilustración. Al principio, la ilustración y el diseño parecían dos mundos muy diferentes. No fue hasta que descubrí el movimiento Art Nouveau que me di cuenta de cómo podía encajar todo. A lo mejor se puede ver la influencia del Art Nouveau en mi propio trabajo con sólo mirarlo. Es un movimiento artístico que habla con el ilustrador, cuentacuentos, y diseñador en mí todo al mismo tiempo. medida que crecí y comencé a profundizar en el Art Nouveau, quedó tan claro que lo que realmente me conectaba iba mucho más allá de todas las lindas líneas, formas y esquemas de colores del Art Nouveau. Fue la idea y sentir detrás de toda la revolución creativa. 4. Art Nouveau: el estilo del pueblo: Art Nouveau, el estilo de la gente. Es el cambio del siglo XX en Europa, y la relación del país con el mundo está cambiando. La revolución industrial es esta cosa nueva y fresca. El capitalismo está literalmente en todas partes, y la clase media está dando un paso adelante y se educa más. Están haciendo más dinero, y están siendo un poco más frívolos e indulgentes en sus intereses. Eso significa leer más y viajar por el mundo e ir también a la escuela de arte. Es el cambio del siglo XX en Europa, y la relación del país con el arte está cambiando. Los artistas más jóvenes no están tan interesados en el mundo soñador, Frenchy del impresionismo, y están aún más cansados de la idea de que el Renacimiento es el be all end todo de estética. los jóvenes artistas no les interesaban los renderizados hiper realistas de monumentos históricos ni las técnicas pictóricas que se habían utilizado desde la edad oscura. Querían mostrarle al mundo que una visión artística no era propiedad exclusiva de los ricos y los poderosos, y no era la visión estrecha de los ricos. Querían diseñar su propia visión creativa, y buscaban inspiración en todos los lugares. Lo encontraron en los artistas y escribas sin nombre que dedicaron su vida a manuscritos iluminados y textos evangélicos de la antigüedad. El pueblo y artistas que fueron lo desconocido y bajo apreciado en la historia. inspiraron en las ciencias más específicamente el trabajo de Ernst Haeckel, quien dibujó llamativos, renderizados de plantas y animales exóticos que nunca antes habían sido vistos por el ojo humano. inspiraron en estas fantásticas visiones del mundo natural, y se inspiraron en el poder y potencial de la tecnología de impresión. Simplificaron sus estilos de diseño y planos en sus imágenes para crear estampados audaces y llamativos y a través del disfraz del arte comercial, podrían difundir más su mensaje. Con este mishmash de influencias, los jóvenes artistas del movimiento Art Nouveau crearon su propio lenguaje ilustrativo lleno de curvas de latigazo y [inaudibles] como líneas eróticas, formas orgánicas raras pero familiares. El movimiento Art Nouveau fue evocador y erótico. Era misterioso e hipnotizante, y sus formas raras crecían por todo el continente. Es el cambio del siglo XX en Europa y el Art Nouveau está en todas partes. Y ese fue todo el punto. El movimiento no iba a ser el dominio de unos cuantos artistas selectos. Fue para todos los creativos. Cualquiera que quisiera abrazar la estética podría aplicar estas sencillas formas y formas donde quisieran. No fue sólo en las artes gráficas en ilustración. El Art Nouveau estaba sobre jarrones y sillas y papel tapiz en la arquitectura. Cuanto más se extendieron los estilos, más borrosa la línea entre el mundo del arte y las personas que lo hicieron. 5. El espíritu del movimiento: El Espíritu del Movimiento. Viena, capital de Austria, 1897. pintor, Gustav Klimt; el arquitecto, Joseph Maria Olbrich; y el diseñador, Josef Hoffman fueron un pequeño grupo apasionado de artistas antiacadémicos y antihistoricistas. Miraron a través su bulliciosa metrópolis europea de Viena y se encontraron sin inspiración. El skyline a ellos apestaba al pasado, hileras de edificios municipales sin alma empapados de neoclasicismo, ese estilo de diseño cansado y astuto ligado a la historia del Imperio Romano. Estos tres artistas miraron hacia fuera la piedra gris decorada con pilares gubernamentales y puertas rematadas con piedras angulares que se llamaban figuras de mitos oscuros, y lo vieron todo. El movimiento Art Nouveau se paró contra la ciudad de Viena. Su casa estaba atascada en el pasado rindiendo homenaje a una cultura en el tiempo tan alejada de su propia experiencia, no pudieron conectarse. Klimt, Olbritch, y Hoffman querían traer una nueva forma al horizonte, un edificio inspirado en las artes y artesanías de la gente común, algo democrático, algo espiritual. Entonces, juntos, diseñaron y construyeron un nuevo espacio expositivo con un diseño inspirado en planos transversales tipo iglesia griega. Construyeron una estructura de hierro y ladrillo. Cubrieron las paredes en yeso liso y las encalaron hasta un llamativo resplandor. Decoraron las paredes con formas planas estilizadas del movimiento Art Nouveau. En la parte superior del techo, construyeron cuatro pilones para sostener una cúpula de corona dorada. En medio de una ciudad de piedra grisácea, su edificio se convirtió en un faro para que los jóvenes artistas de Viena se congregaran. Fue un espacio hermoso y único, pero también imperfecto y totalmente irracional. Esto se convirtió en el hogar de la Secesión de Viena. Encima de la puerta en letras doradas como gusano, ponen una simple inscripción que se traduce : “A cada época su arte. Todo arte su libertad”. Ahora para mí, la Secesión de Viena y los artistas que pasan por sus puertas representan más que la mirada del movimiento artístico porque se diga la verdad, no hay un look definitivo y todo Art Nouveau. El Secesión representó el espíritu del movimiento, y los artistas que participaron también hablaron. Como dice el arquitecto, Joseph Maria Olbrich, “Una verdad metafísica superior derivada de la inspiración artística subjetiva”. Es decir, el movimiento fue sobre la creatividad que buscaba elevarse a un lugar más allá de las restricciones del mundo físico. 6. Una utopía para ilustradores: Una utopía para ilustradores. La secesión de Viena, fue un lugar de inspiración para los ilustradores, muchos de los cuales, contribuyeron a la revista oficial de arte de la secesión, Ver Sacrum. Al mirar a través de las páginas de la publicación, que ahora tiene más de 100 años, todavía podemos decir que las editoriales en la secesión estaban empujando las formas de diseño gráfico, tipografía, e ilustración a nuevos niveles. Fue incluso la primera publicación en adoptar ese formato cuadrado Super-Hip. Al igual que el propio edificio de secesión, Ver Sacrum rindió homenaje a la liberación creativa de formas geométricas simples, y la abstracción total. Ver Sacrum, considerada como una publicación rompedor figurativa. El primer número de junio de 1897, dejó totalmente claro ese mensaje con el ilustrador Alford Roller Blossoming Tree, que estalló de las restricciones de su contenedor. La revista siguió impulsando esta idea durante años. Exponiendo la idea de que los artistas de la época finalmente se habían liberado del pasado, y estaban dando inicio a una nueva utopía creativa. Con su audaz declaración y gran diseño, Ver Sacrum ayudó a definir los roles del ilustrador moderno. 7. Roles para ilustradores: Roles para un Ilustrador. En el Ver Sacrum, había tres papeles distintos para una ilustración. Uno, la ilustración como cuentacuentos. la revista les encanta publicar ilustradores que utilizan su estilo íntimo para hacer declaraciones grandiosas y míticas. Si bien mencioné antes que los artistas del Movimiento Modernista rechazaron la referencia histórica y la iconografía mítica, el Ver Sacrum y sus artistas utilizan el arte clásico y sus técnicas de narración como inspiración para diseñar nuevos y mundos vibrantes. Belleza y agonía vivieron lado a lado. la metáfora mítica de los lados claros y oscuros En estos dibujos estaban en juegola metáfora mítica de los lados claros y oscurosde la humanidad y muchas veces los ilustradores usaban los tropos del viaje del héroe y la leyenda arturiana en sus diseños y composiciones. Muchos de los ilustradores que trabajan en el Art Nouveau tenían narración clásica incorporada en su ADN y se puede ver en las páginas de la revista. Dos, la ilustración como arte decorativo. Los ilustradores decorativos también encontraron un hogar en Vera Sacrum. Al dar igual respeto al texto y a la imagen en la página, el estilo Art Nouveau fue un ajuste perfecto para la revista. Sus vibraciones metafísicas complementaban perfectamente la poesía que publicó la revista. Elementos decorativos rompieron a través de las convenciones de la cuadrícula editorial y fluyeron dentro y alrededor del texto. A veces incluso infectó las palabras con su extraño erotismo. La ilustración decorativa cae dentro y fuera de moda de vez en cuando. Pero, esta revista muestra su poder y potencial. Tres, la ilustración como mensaje. Una de mis citas favoritas sobre cultura y comunicación proviene de una de esas famosas figuras del discurso mediático, Marshall McLuhan. Declaró que el medio es el mensaje. Significado, la forma de comunicación tiene una relación simbiótica con el mensaje que se pretende transmitir. Entonces, pregúntate, ¿el Ver Sacrum es icónico por su contenido o icónico por su forma? La revista en sí es una obra de arte innegable y algunos de los artistas que destaca son innegablemente artistas famosos. Pero, ahora desde un punto de vista histórico, la propia publicación es un icono de la cultura creativa que creció a partir del movimiento Art Nouveau. Creo que muchos de los ilustradores de la época sabían que la revista era en sí misma más importante que cualquier artista representado en sus páginas. ¿ Cómo lo sé? Bueno, lo puedes ver de la forma en que los ilustradores permitieron constantemente que sus diseños fluyeran en el molde de los diseños innovadores de la revista. El trabajo publicado de muchos de estos ilustradores no podía realmente estar solo. Está eternamente ligado a la página en la que se imprimió. Muchas de estas ilustraciones son las marcas de belleza y las imperfecciones de la personalidad de la revista. Incluso ahora, 120 años más tarde, el Movimiento Art Nouveau, la Secesión de Viena y el Ver Sacrum son influencias importantes en cómo vemos la relación entre diseño e ilustración. 8. Proyecto de clase: planificación de una composición: Antes de iniciar nuestro proyecto de clase, te voy a mostrar cómo aplico el pensamiento de diseño a mi propio trabajo de ilustración. Esta es una portada para una Guía de Cervecería, fue un número especial de un documento de cultura regional llamado The ALT en el norte del estado de Nueva York donde vivo. El idea con él fue celebrar la cultura de la cerveza artesanal en todo norte del estado de Nueva York en un número especial con artículos y características sobre cervecerías de la zona. La imagen que estaba creando necesitaba para servir un par de funciones. En primer lugar, necesitaba ser portada de una revista impresa/periódico. Está en papel de periódico, pero es un formato de revista. Creo que el formato es de unos 9 por 12 pulgadas. Necesitaba ser una portada de revista, necesitaba ser una imagen para sus redes sociales y su página web. También tenían una petición especial, que era que los personajes y elementos de la imagen pudieran estallar para ser ilustraciones puntuales colocadas a lo largo de la revista. Aquí está el oso, y luego se puede ver el resto de los pequeños personajes. Entonces, necesitaban destacarse por su cuenta. No quería que solo fueran recortadas de una sola ilustración, quería que se rompan para que parecieran que fueron diseñadas para ser imágenes simples y pequeñas. Repasemos el pensamiento de diseño, y veamos los objetivos del proceso de diseño. Volveré a romper eso en tres puntos principales, como lo hice en el capítulo anterior. Uno, para resolver una idea. En este proyecto, la idea era representar la cultura cervecera en Upstate, Nueva York. Entonces, no sólo una sola cervecería, sino toda la cultura que la rodea, todas las diferentes etapas del proceso, las personas que lo beben, los lugares que la venden, e incluso algunas de las leyes que rodearlo. El segundo objetivo de diseño sería crear una ilustración funcional o digamos icónica y/o simbólica. Si hubiera un logotipo asociado a esto, probablemente lo veríamos presente aquí porque eso sería un elemento ilustrativo icónico o simbólico. Pero en este caso, tuve que simplemente captar la vibra del norte del estado de Nueva York-ness, que hice a través de las elecciones de animales y el tipo de árbol que vemos símbolos presentes y simplemente básicos de la cultura cervecera, es decir, la maquinaria utilizada en el y la mecánica de beberlo, lenguas, grifos. La tercera etapa, y probablemente para mí, la más interesante, y la forma en que realmente puedo llevar mi estilo al proyecto es evocar una respuesta a través del diseño. Eso significa que después de considerar estos dos primeros objetivos, ¿cómo puedo llevar alguna energía humana y emotiva al diseño? Entonces, hablemos de los aspectos prácticos de la asignación. La portada de la revista fue como dije alrededor de 9 por 12, así que cuando estaba enmarcando mi boceto, dibujé ese rectángulo. Decidí que quería que la imagen ocupara la mayor parte del espacio, y casi se vea un poco como un mapa. Entonces, comencé a cuadrangular donde caería cada punto de interés en la página. Entonces, es casi como funcionar como un cómic o algún tipo de arte secuencial donde la cuadrícula sigue una narrativa. Entonces, numeré las cajas y eso te lleva por el proceso de la cervecería, hacia el tap-room, y hasta la gente bebiendo la cerveza, y los resultados de beber cerveza. Entonces, la mitad izquierda ahí, donde puse la estrella, esa es la política y las leyes que rodean todo este proceso. Entonces, no tiene un solo punto en el tiempo, es sólo mirar todo el asunto en general, por eso elegí una L. Ahora, empiezo a descomponer la cuadrícula en formas más orgánicas. Sabía que quería un árbol porque para mí los árboles son, los arces, en particular, son un símbolo del norte del estado, Nueva York. Entonces, encontré donde iba a colocar todos mis elementos principales. Sabía que quería un par de etapas del proceso cervecero, los barriles, que estoy representando con barriles, un grifo, y los bebedores y les estoy dando sus propias pequeñas regiones para ocupar en la página. Entonces, ahora puedo dibujar con confianza elementos visuales en los espacios que me proporcioné. Entonces, ahora mismo estoy delineando las formas básicas que me gusta usar. Se puede ver que los personajes todos tienen formas de frijol blandito. El maquinaria cuenta con bases planas para darle un campo mecánico, pero son redondeadas y amigables en la parte superior, e incluso el texto ocupa espacio orgánico. Entonces, como recuerdan desde el principio, necesitaba romper estos elementos visuales. Entonces, en este punto, todos están sentados en su propio espacio. Estoy usando el árbol para guiar el ojo a través del dibujo y para unir todos los elementos visuales. Entonces, para mí, el árbol representa ese tercer objetivo del proceso de diseño, esa respuesta evocadora y emotiva. De ahí proviene realmente la energía natural en el flujo del dibujo. Si hago zoom aquí en la ilustración, se puede ver esa vibra Art Nouveau moviéndose por la corteza del árbol. Entonces, tiene líneas groovy horizontales, y también uso líneas punteadas en medio para representar carreteras que se tejen a través del Adirondack en las Montañas Catskill. Entonces, es casi como un mapa de contorno y una energía al mismo tiempo. Entonces eso es sutil, nuevamente, tercera etapa del proceso de diseño. Porque para resolver una idea, eso se puede hacer a través de sólo un boceto básico. Podemos resolver una idea con un diseño, o un mapa, o un breve resumen de un proyecto. Entonces, puedes tener un equipo o un enfoque individual en ese solo gol. El elemento icónico y simbólico, ese es un proceso de diseño que se puede utilizar con un logotipo o elemento ilustrar. Pero el verdadero arte, de nuevo, entra cuando estás tratando de evocar una respuesta, y puedes poner tanta o tan poca energía en ese escenario. Todavía estás logrando muchos de tus objetivos en las dos primeras etapas del proceso, pero el tercer paso es realmente donde puede salir tu personalidad como ilustrador. 9. Proyecto de clase: líneas, formas, espacio: Capítulo 10, líneas, formas y espacio. Para nuestro proyecto de clase, vamos a diseñar nuestra propia portada de la revista Ver Sacrum. Aquí está el ejemplo que vimos antes en uno de los capítulos. No creo que esto sea un gran ejemplo de la estética general que iba a emerger a través de su sacro. Entonces, he juntado una pequeña colección de portadas realmente captan el tono estético de la revista y por supuesto relación general con el movimiento Art Nouveau. Repasemos algunos de los elementos reconocibles de la Ver Sacrum. El grande que sale enseguida porque fluye por toda la era del Art Nouveau es la emotiva línea curvilínea, ese tipo de forma de látigo de serpentin que dependiendo de cómo lo esté usando el artista, puede significar un número de diferentes cosas. En este caso tiene un flujo como un remolino o una corriente de viento, algo con algo de energía fuerte a la misma. También podría ser sólo un hermoso elemento decorativo o incluso podría ser violento si cambias la dirección de más de una tranquilidad horizontal plana a un empuje vertical como este tipo de llama géiser como el flujo. Entonces, hay mucho movimiento que viene a través de las curvas emotivas, es un baile al mismo. Probablemente también te hayas dado cuenta de que mucho del ilustrado de trabajo de esta época en esta revista es muy plano. Se eluda esa tercera dimensión incluso cuando el contenido de la portada podría sugerir que hay una tercera dimensión como incluso estas figuras y sus poses bailarinas no tienen esa ilusión de profundidad, son planas. No se puede caminar alrededor de estos personajes. No hay sentido de un espacio donde estén. Son más icónicos y gráficos lo cual es genial para la tecnología de impresión de la época pero también es genial en la creación de imágenes memorables. El diseño tiene menos complejidad, por lo que no tienes que mirar tan profundamente en la historia. Habla de manera sencilla y clara con mucho contraste y enfoques bidimensionales para diseñar también se presta a elementos decorativos en formas más simbólicas como se puede ver este brazo colgando y cortando la pequeña línea para soltar la cuchilla. Eso es algo que sería menos metafórico si agregaras una tercera dimensión. Tendrías que explicar a qué está conectado ese brazo y dónde estamos parados en relación con estos personajes. Dos dimensiones hacen que las cosas sean más simbólicas. Con esa gran restricción de trabajar en solo dos dimensiones tienes muchos artistas jugando con espacio positivo y negativo. Existe un misterio y ambigüedad que viene con invertir las expectativas de los ojos y forzar al espectador a voltear su cerebro para encontrar el significado en el mensaje dentro de la imagen. A medida que empecemos a construir nuestro diseño, vamos a tener en cuenta estos tres elementos. 10. Proyecto de clase: cómo hacer un panel de inspiración: Capítulo 11, hacer una pizarra de humor. Este es un tablero de Pinterest para un proyecto en el que estaba trabajando. Se convirtió en un banner de YouTube para un músico que comenzó a forjar series sobre encontrar comida en el bosque, hacer una comida, cantar canciones al respecto. El tablero de humor que creé guió el proyecto. Por lo que un tablero de humor es una herramienta para que un ilustrador, diseñador, o cualquier tipo de creatividad use para enmarcar cómo se va a ver y sentir el proyecto antes de que incluso puedas crear un boceto o cualquier otra nota visual. Entonces, un tablero de humor es una colección de imágenes que hablan de temas que te gustaría abordar en tu trabajo, composición, o elementos estáticos que quizás quieras robar y o pedir prestado para tu propio proceso creativo. Te mostraré una rápida colección de imágenes que recogí de capítulos anteriores de este proyecto para inspirar mi diseño de portada Ver Sacrum. Agarré esta imagen primero solo porque me gustó el aspecto y la sensación de ella, ninguna otra razón que eso. A mí me gusta su sencillez. Una vez que escogí esa primera imagen me puse un poco más enfocada y decidí un director me gustaría lidiar con esta simetría en mi diseño algo que tiene una base y una base y un poco de equilibrio y comodidad para ello. Me gustó el flujo de esta imagen, me gustaron los grandes espacios negativos y los elementos detallados realmente comprimidos, y también me gustó el vago sentido de la naturaleza en este diseño. Me encanta la paleta de colores de esto y los negros realmente pesados y las formas abstractas en primer plano que son tulipán florales pero también ajenos y extraños, así que me gustan los elementos oscuros de esta imagen. Agarré esto es una referencia tipográfica. Esta clase realmente no se trata de tipo así que no voy a hablar demasiado de eso. Voy a pensar en el tipo como sólo otro elemento visual y voy a usar Ver Sacrum como texto en la portada y eso es todo. No se trata de un artista que trabajó para el Ver Sacrum de hecho probablemente había fallecido para cuando la revista recogió pero era una influencia modernista temprana. Se llama Aubrey Beardsley. Trabajó bastante con Oscar Wilde y Gustav Klemp fue claramente influenciado por este tipo. Me gusta esta pieza específicamente porque esa abertura en la bata de donde sale todo el material orgánico, me gusta eso como símbolo de la revelación de una idea creativa o de las cosas que se guardan dentro de nosotros y las complejidades y crecimiento que escondemos debajo de nosotros. Entonces, tal vez esa sea una metáfora visual con la que quiero trabajar en mi diseño de portada. Me encantó el sentido del patrón con este diseño y las formas negativas de los pequeños óvalos en el medio. Si estás familiarizado con el artista del cómic, Jack Kirby, esto en realidad se parece mucho a los tipos de formas que utiliza en sus imágenes cósmicas en sus cómics de Marvel. En realidad agarré la foto que usé antes del propio edificio de la Secesión de Viena. Me gustó la estructura simple, me gusta la forma el elemento más visualmente detallado está tan fuera de alcance hay que entrecerrar los ojos para mirar, en realidad nunca se puede obtener una vista completa de esa corona y las paredes que están justo en tu cara está más en blanco. Entonces, esa idea del detalle oculto y complejidad del mundo funcionando más de las fronteras del diseño, casi una inversa de la composición tradicional. Está bien, esa es mi tabla de humor. Voy a empezar a construir mi diseño basado en estas inspiraciones. 11. Proyecto de clase: formas simbólicas: cuando el Ver Sacrum vino alrededor del lenguaje del Art Nouveau había evolucionado hasta el punto en que surgió un grupo de ese movimiento inicial que se llamaban los Simbolistas. Gustav Klimt se consideraría uno de estos. Fueron los artistas que utilizaron la estética del Art Nouveau para explorar la relación de la ilustración con la respuesta emocional. Entonces, voy a bosquejar ocho miniaturas diferentes, sus formas básicas que todas evocan una respuesta emocional y a partir de éstas voy a empezar a diseñar la portada de mi revista. Al igual que la teoría del color, la teoría de las formas y las respuestas emocionales es una especie de definición elástica. Son sólo lugares familiares para explorar y desarrollar una idea. Entonces, por usar formas horizontales estás retransmitiendo una emotiva sensación de calma, de tranquilidad y tranquilidad. Las formas verticales son estructurales y si señalamos el ojo hacia esas formas usando formas triangulares agitadas podemos crear un sentido de enfoque o la idea de devoción de un ídolo o incluso una energía irradiante para darle a algo una sensación de especialidad. formas verticales como torres, cosas que tipo de representan las estructuras urbanas, tienen sentido de estabilidad. Evocan asombro y se sienten poderosos. triángulos son estructurales y se sienten seguros en sus formas. Tienen sentido de permanencia y un peso para ellos. Los sistemas de seguridad y los bancos suelen utilizar triángulos en su diseño de logotipo. Si usamos la página como horizonte y hacemos un medio círculo con líneas irradiantes a su alrededor, estamos evocando un amanecer o una puesta de sol. El surgimiento de algo nuevo, podemos ofrecer un sentido de esperanza o incluso de iluminación. líneas en espiral se sienten emocionantes. Tienen una sensación de movimiento que evoca un poder como un remolino o agua que fluye por un desagüe. También pueden sentir que están simulando una ilusión. Un óvalo colocado en el centro de la página puede evocar una sensación de equilibrio y confianza. Y luego si rompemos un poco ese espacio lo podemos usar para evocar dos lados de una idea el día y la noche. Si dejamos flotar algunos círculos alrededor del espacio podemos crear la idea de la inmensidad. También podemos hablar al espacio negativo alrededor de las formas y crear una sensación de inmensidad. He escrito una pequeña declaración que quiero traducir a través de mi ilustración. Supongo que un poco de filosofía tengo sobre el papel del arte en la sociedad y es algo que quiero desafiarme a decir con mi ilustración. Entonces, hay un par de puntos principales en esta frase y puedo usar una combinación de estos bocetos en miniatura para comunicar esta idea. Entonces, para la idea del arte, voy a evocar un sentido de esperanza, un sentido de novedad. Voy a usar la idea de un vasto espacio para representar las influencias circundantes y a lo largo de esto no quiero que se sienta agitado o enojado. Yo quiero evocar una sensación de tranquilidad tranquila. Entonces, voy a llevar algo de esa vibra horizontal silenciosa a la composición. Ahora que tengo algunas formas simbólicas en mente puedo empezar a construir mi boceto final. 12. Proyecto de clase: como esbozar una idea: Está bien. Por fin es hora de esbozar nuestra idea. He configurado mi página aquí en una plantilla cuadrada porque ese es el formato de la diversa Revista Sicher. A la izquierda tengo mi frase temática y mis tres referencias de forma simbólica. Sé que quiero hacer espacio para texto en la página y lo voy a colocar en la parte inferior. Entonces, para eso es esta pequeña pauta. Voy a tirar de mi primera imagen de referencia, y tomando una inspiración de esa forma de flor orgánica, la forma roja en la base de este dibujo. Voy a empezar a esbozar tu metáfora visual del arte, una extraña flor en ciernes alienígena. Tiene simetría a ella, pero voy a compensar esa simetría con unos cogollos pequeños y luego en la base del diseño, voy a poner las viñas pero van a sentirse más como un nido de víbora. El asunto del Art Nouveau que siempre me ha apelado es el lado más peligroso de la naturaleza que trae consigo. Entonces, puedo hacer que estas viñas se sientan peligrosas. Voy a subir un poco el diseño, y luego voy a cambiar mi imagen de referencia a esta forma curvada como humo. Entonces, esto representa la influencia que rodea la obra de arte a medida que emerge. Estas son solo pautas básicas de diseño. Yo sólo estoy representando un sentimiento. No los quiero demasiado verticales. No quiero movimiento ascendente. Yo quiero más de una tranquilidad arremolinada. Pero tampoco quiero sobrecargar el espacio. Voy a sacar pedacitos, dejar espacios más grandes. Las formas del Art Nouveau pueden ser un gran ejercicio para desplazar tu mente del espacio positivo al negativo, porque las formas son tan abstractas cuando estás creando tus pautas, quién quiere decir cuál es la formación positiva. ¿ Cuál es la forma negativa? Voy a saltar lejos de una metáfora visual, y bloquear mi texto. Sé que necesita decir Ver Sacrum. Voy a espaciar pequeños rectángulos que representan los bienes raíces de cada letra. Voy a crear un par de guías que son una referencia así, sé qué letra está donde, porque estoy muy del lado derecho del cerebro, enfocado ahora mismo y es muy fácil para mí deletrear palabras mal. Se puede ver el beneficio de bloquear texto como este, porque se puede machacarlo en un espacio sin comprometer ningún detalle, porque es etapa sólida o muy áspera. Ya puedo pasar y reajustar el ancho de las letras. Ahí está mi texto bloqueado. Ahora que tengo mis elementos clave, mi forma de arte en el centro, las influencias onduladas circundantes, y mi bloque de texto, voy a reevaluar la colocación en la página. Los hice todos en diferentes capas. Entonces, voy a simplemente cambiarlos. Voy a crear un borde alrededor del borde exterior de la página. Podría poner un patrón ahí dentro. No estoy seguro aún de lo decorativo que quiero conseguir. Estoy reevaluando la escala y ubicación de la forma central. Estoy pensando que necesita encogerse un poco, hace que el espacio a su alrededor parezca más grande. Voy a acercarlo un poco más pero no exactamente al centro de mi página. Entonces, aquí está mi trazado áspero. Tengo un sentido básico de la energía y simbolismo del diseño, colocación de formas clave, y voy a ir por arriba con rojo y definir algunas de estas formas, hacerlas un poco menos geométricas, un poco más orgánicas y un poco más específico a lo que representan. Entonces, empiezo con la flor, estoy superpuesto en un par de pequeños objetos, y dibujando las curvas tipo serpiente de la vid. A lo mejor les pondré unas espinas. Los dejaré caer por ahora. Aquí hay otra influencia mía. Las damas simétricas. Me gusta mucho la forma en que ese brazo se extiende y es casi como el tallo de una planta. Voy a pedir prestado eso y tal vez crear algunas pequeñas formas de tallo que fluyen hacia arriba y hacia abajo. No puedo evitar usar esta vid de fondo para conectarme a la S. Así que, probablemente sea más inteligente de lo que necesita ser, pero me voy a quedar por ahora. Ahora, las texturas de la influencia circundante, no estoy asentado ahí abajo todavía. Voy a probar algunas líneas discontinuas y reajustar estas formas. A ver si puedo conseguir que fluyan de una manera interesante. Creo que necesito ir un poco más simple. Yo quiero que se sientan ondulados. Estoy considerando conectarlos al texto de alguna manera. Bloqueemos parte de este espacio negativo en segundo plano. Entonces, estoy seguro de que tengo un poco de espacio para un marco, ya sea que elijo dejarlo vacío o ponerle un patrón, sigue siendo un marco y voy a apretar algunas de estas líneas curvas en el fondo. Una de las cosas en las que siempre estoy trabajando para mejorar como ilustrador es dejar mucho espacio para el movimiento entre mi etapa de boceto y mi trabajo de línea final. No quiero definir todos los detalles de mi diseño en la etapa de boceto porque entonces la obra final se siente muy rígida. Entonces, esto podría parecerle a un ilustrador novato, un poco demasiado suelto para que usted tinta con confianza encima, pero para mí es justo suficiente. Te mostraré cómo utilizo esa libertad en el trabajo de línea final. 13. Proyecto de clase: mapa de tonos: Encuentro que cuando voy a tinta mi composición, me pongo hiper enfocado en cualquier región del diseño en la que estoy trabajando y pierdo de vista los objetivos más grandes del proyecto porque me estoy divirtiendo tanto creando trabajo de línea limpia o consentir pequeños bolsillos de detalle. Entonces, lo que me gusta hacer es crear un mapa de tonos que es un pequeño boceto en miniatura de la relación de las luces y los oscuros en el proyecto final. No incluye color. Es solo negro, blanco, y tonos de gris, los valores de la imagen final. Entonces, aquí hay un ejemplo de un mapa de tonos. Se puede ver que los negros representan el marco. El flor en el centro y el espacio negativo alrededor del texto y alrededor de la flor, tengo algunos tonos de gris. A mí me gusta la relación de los grises y los negros en esto pero no es tan fuerte como podría ser. Entonces, voy a hacer un boceto más aquí y voy a probar la popular técnica art nouveau de invertir las luces y los oscuros. Yo quiero dibujar más el ojo a los pétalos de esa flor. Entonces, mi mapa de tonos es una forma de hacer que la gente mire las partes del diseño. Yo quiero que lo hagan y que me recuerden a dónde quiero dirigir la atención. A mí me gusta mucho más esto. El texto se pop. Se invierte, por lo que de nuevo, el espacio negativo se oscureció, crea algún espacio negativo en el flujo del diseño alrededor la flor pero la flor misma se dejará luz. De esa manera tu ojo se dibuja hacia esos dos pétalos principales y crea una bonita tensión con esa pequeña forma justo en el centro muerto del dibujo. Entonces, ese es un mapa de tonos. Te recomiendo probarlo. Sólo te tomará uno o dos minutos averiguarlo. Es algo que es útil tener a la mano mientras construyes tu trabajo de línea final. 14. Proyecto de clase: arte lineal y contraste (parte 1): Trato de no aprovechar las capacidades del software cuando estoy haciendo estas clases porque quiero que artistas que puedan estar trabajando con medios tradicionales como solo un lápiz y papel puedan participar y dibujar a lo largo y no dejarse fuera del proceso. Pero en este caso, estoy haciendo mucho redibujo de líneas y creo que es importante ver las líneas que guardo y las que rehago. No es porque esté tratando de conseguir que sean perfectos, estoy tratando de hablar con la sensación general del diseño, la metáfora visual hacia la que estoy trabajando y luego retrabajo espacios a veces porque necesita relacionarse con las formas que lo rodean. Cada línea que dibujo revela algo nuevo sobre la composición. Entonces, tengo que estar constantemente pensando y reevaluando cómo encaja todo este espacio como si estuviera encontrando las piezas de un rompecabezas. Sucede justo del murciélago aquí en medio de esta flor. Este es un gran ejemplo del espacio al que llega tu mente cuando estás trabajando con este estilo. Veo que estas líneas forman una forma muy específica dentro de la mitad de esta flor. Yo quiero que se sienta como una lágrima que está fluyendo por la flor tanto como yo quiero que se sienta como una abertura dentro de ella. Tiene que sentirse agraciado. Cuando llego a estas viñas, necesitan sentirse como serpiente, no pueden sentirse demasiado geométricas y redondas, quiero que estén un poco comprimidas como si tuvieran un peso para ellos, casi como si estuvieran sentados sobre una superficie. También estoy viendo una oportunidad aquí para crear una especie de referencia sutil al símbolo del infinito que es la forma que estaba usando antes en las lecciones para representar la relación de ilustración y diseño y cómo encajan juntos es especie de dar y tomar. Dentro de estas viñas, voy a tomar esa influencia Aubrey Beardsley, la idea de que dentro de cualquier forma dada es un conjunto más complejo de emociones y sentimientos y eso está representado con la biología o naturaleza orgánica como vemos en la capa de la mujer en esta imagen de referencia. Entonces, estoy creando una maraña de vides que están algo escondidas dentro de la forma de esta flor. Nuevamente, estoy constantemente tratando de equilibrar el espacio positivo y el negativo. Me estoy imaginando lo que voy a llenar de negro y lo que voy a mantener blanco. Entonces, tengo que conseguir las curvas justo. Tienen que estar espaciados uniformemente. Dependiendo del tipo de artista que seas puedes conectarte o no conectarte a este enfoque. Podría tomar todo este boceto y rastrearlo en Adobe Illustrator con una herramienta de lápiz vectorial, podría acercar e intentar igualar las líneas justo, pero para mí, la emoción sale cuando juego y exploro en estos lugares con el movimiento de mi mano, creando grandes arcos o a veces incluso líneas más complicadas con solo un solo flujo y movimiento de la muñeca. Es como un pequeño baile, ¿verdad? Si estoy usando una herramienta vectorial, solo estoy buscando precisión y puedo crear bonitas curvas hermosas pero puedo explorar lo que significan esas curvas en un momento y pierdo un poco de esa conexión humana. No hay manera correcta o incorrecta, no me resentido de los ilustradores que usan esas herramientas y lo hago yo mismo a veces, pero hay que admitir que hay un poco de oportunidad perdida cuando se trabaja con técnica realmente precisa software. Una vez que complete mi vid, me voy a mover dominante al texto y estoy pensando en esto ya que estoy creando una fuente única, ni siquiera una fuente, solo formas de letra que están relacionadas con esta flor en la vid a las cosas que Ya tengo en la página. Entonces, en realidad me va a llevar un tiempo encontrar la personalidad de estas cartas. Yo estoy, por supuesto, inclinado hacia formas caricaturales suaves así que eso es con lo que estoy empezando aquí y estas primeras letras realmente definirán el lenguaje de todo el diseño. Entonces, sólo voy a trabajarlos hasta que se sientan bien. A las letras se les empuja el uno contra el otro porque quiero crear oportunidades para espacio negativo pero también todavía necesitan ser legibles pero apenas. Está bien. Eso me parece demasiado caricaturoso. Voy a borrar todo eso y voy a empezar de nuevo. Tomaré un nuevo punto de vista aquí, voy a bloquear toda la letra espaciada y luego voy a empezar a cortar las formas. Bueno, en realidad no cortar las formas, pensémoslo de esta manera, estoy insinuando las formas de letra creando oscuridad. Entonces, estoy trabajando exclusivamente en el espacio negativo. Tengo una referencia pero si de verdad lo piensas no he dibujado ninguna letra solo estoy insinuando letras con mi diseño. Busco simpatía, formas y formas interesantes. El objetivo secundario aquí es representar las letras y las dos palabras distintas. Puedes verme quedar atrapado aquí alrededor de esta vid otra vez, probablemente debería hacerla serpiente como y darle un poco de carácter único de esa manera se aleja del vair porque no dejé un espacio entre estas dos palabras. No sé tú, pero realmente me meto al día en un estado mental diferente cuando estoy trabajando así, cuando estoy pintando un redondo formas y formas y lo puedes ver salir mientras decoro este tipo de espacio. Estoy convirtiendo algunas de las letras en formas y estoy convirtiendo parte del espacio negativo en formas. Entonces, la idea aquí es que tu cerebro es una especie de salto de ida y vuelta desde lo literal y lo representacional, la letra y su significado abstracto y la forma real que he creado esa es esa relación metafísica I mencionado en un capítulo anterior. El Art Nouveau es jugar con tu mente cuando lo miras y ese es el punto. No quiere representar aspectos de nuestra sociedad ni del mundo real. Quiere mirar lo que significa ser persona y esa es toda la idea detrás del estudio metafísico, ¿verdad? Se remonta a Aristóteles y hay una buena cita filósofo Emmanuel Kant desde principios del 1700, ya sabes, unos 100 años antes de que el estilo Art Nouveau realmente entrara en el suyo. Emmanuel Kant dijo: “El estudio de la metafísica es un abismo sin fondo, un océano oscuro sin orilla”. Bromeamos de lo que significa conseguir meta sobre algo, que básicamente significa despojar toda lógica y simplemente fluir con los sentimientos y las emociones de un tema. Mucha gente con una mente más científica diría que ese es un punto de vista débil del mundo porque es tan introspectivo, ¿verdad? Todo se trata de ti, o es tan conceptual, o solo puede existir realmente en tu mente, pero nuestras relaciones más cercanas con las ideas y las cosas tienen un sentimiento metafísico porque habla de lo que significa ser algo, lo que significa relacionarse con el mundo que te rodea. ¿ Cómo llegó a ser algo en primer lugar? Las cosas no sólo salen de la nada. Las cosas no nacen de una definición científica, hay resultados de efectos ambientales. Eso es lo que las cosas como estas líneas, esta influencia, la influencia circundante alrededor de mi flor, eso es lo que representan esos. las cosas que hacen que algo entre en existencia. Es difícil evaluar cuáles son esas cosas, pero hay que estar consciente de que existen, ¿verdad? Pero, por supuesto, las curvas también necesitan sentirse bien. Tiene que quedar bien al final del día. 15. Proyecto de clase: arte lineal y contraste (parte 2): -Todo este trabajo que hemos estado viendo, ya sabes que tipo de alrededor de 1905- 1906. En unos cinco años después nació el movimiento del arte metafísico. Y esa es básicamente la idea de que los artistas estaban pintando aquello que no se veía. El extrañeza del mundo invisible, de otras realidades y cosas así. Ahí es cuando se pone una especie de ciencia ficción basada pero este tipo de trabajo creo que está un poco más relacionado con Edgar Allan Poe y historias como The Raven. Donde hay una energía amenazante o un sentimiento pero no hay ningún elemento antagonista real. Está bien. Entonces, sabes que eso es triste que estoy trabajando no solo estoy rastreando mi trabajo de línea. Constantemente pienso en cómo las líneas que estoy dibujando ahora se relacionan con lo que he dibujado antes. Podría ser difícil de ver pero ahora mismo voy por todos esos espacios vacíos alrededor los hilos ahumados que he creado y convirtiendo esos espacios a su alrededor en formas propias. Casi se siente como un corte de madera en este punto. Cual fue un estilo que sin duda inspiró esta era de las Artes Gráficas. Ahora voy a recorrer el espacio principal alrededor de la flor y crear un visual más específico de la influencia del mundo circundante. Entonces el ahumamiento es influencia pero también es como un elemento de encuadre. No quiero conectar nada directamente a la flor. Es decir, dejo que estos elementos floten en el espacio a su alrededor. Es tan fácil llenar el espacio negativo y sobrecargar el diseño, pero creo que puedo salirme con la suya si mantengo mis formas realmente simples. Yo quiero un sentido de inmensidad. Correcto. Al igual que en una mirada sentimental a la izquierda ahí, mi pequeña imagen de referencia de planetas moviéndose por las profundidades del espacio. Entonces, voy a usar pequeños puntitos. Entonces, parecen más alejados de la flor, empujan la flor al primer plano. Saquemos el boceto ahora. De verdad llego a ver este espacio negativo. Está bien. Esto está mirando, esto se ve bastante bien. Voy a pasar a la parte interior de la flor y mostrar especie del lado interno de la flor, lo que viene después de ella y añadir un poco de misterio. Me encanta la superposición de las viñas y estos pequeños puntos dentro tipo de insinuaron que esas cosas detrás de la iconografía principal. No estoy seguro de qué hacer con estos pétalos, no quiero darles demasiada forma. Supongo que esto me gusta. Ahora voy a pasar y apagarme alrededor de las viñas que es la parte divertida. Ya lo había imaginado, sólo es cuestión de pasar ahora y hacerlo. He dibujado un montón de criaturas tentacladas en mi día así que, soy bastante bueno tejiendo líneas y formas dentro y fuera uno del otro. Voy a tratar de decorar los pétalos de esta flor y no estoy seguro si me gusta todavía. Deberían tener un poco más de carácter para ellos. Esto es demasiado. Pero tengo que tener en cuenta que voy a llevar un color a este diseño y necesito dejar algo de espacio para eso. Por lo que demasiado negro en este diseño de flores no va a funcionar. De acuerdo, estos pedales me están molestando. Voy a sacar las pequeñas líneas horizontales que les pongo. Y si puedo conseguir una pequeña curva en este pétalo, en este pétalo de primer plano aquí eso sería genial. ¿ Lo lleno o no? Déjalo sin llenar. Está bien. Ahora me estoy metiendo en la mi nueva parte aquí. Entonces, ese siempre es un buen lugar para parar porque exagero un espacio diminuto. Es como, qué tan de cerca se mide una línea costera. Un último viaje al borde exterior aquí tal vez sienta este espacio. No. Debería dejarlo vacío. Está bien. El equilibrio del espacio positivo y negativo de crear contrastes y tensión. Es una lucha constante. Es por ello que seguimos haciendo arte. 16. Proyecto de clase: color y espacio negativo: Aquí estamos en el tramo final del proyecto de clase. Todo lo que queda por hacer es negociar el color y el espacio negativo. Echemos un par de ejemplos y veamos cómo otros artistas de la Ver Sacrum han lidiado con el color. Recuerda que estamos lidiando con tecnología de impresión temprana y probablemente pequeños presupuestos para estas revistas. Entonces, el color es una mercancía. La mayoría de las imágenes y páginas utilizaban sólo uno o dos colores más un negro. Entonces, los artistas se pondrían realmente listos sobre cómo utilizan el espacio negativo. En este primer ejemplo de la izquierda, vemos que el negro es contraste entre la noche. El trabajo de línea del negro crea texturas, y luego el azul es el color general del estado de ánimo del diseño. Entonces, si esta imagen de la izquierda hubiera sido roja, tendría una sensación totalmente diferente sin cambiar ningún otro elemento del diseño. Entonces, podemos usar el color para establecer el estado de ánimo para la imagen. En el ejemplo medio aquí, tenemos el naranja estableciendo un tono más vibrante, enérgico. Tenemos el negro como punto central de énfasis. La sombra en el fondo podría haber sido también negra, pero le habría quitado a ese otro elemento visual. Entonces, el morado funciona como un bonito cumplido al naranja. Tiene una agradable energía porque es de alto contraste, pero no le quita a la forma negra completamente saturada en el medio. Por lo que podemos usar el color para enmarcar también un punto de énfasis. Entonces tengo que decidir, ¿mis sombras son todas negras? ¿ Cómo trato con otros elementos secundarios? El tercero es bastante inteligente porque mantiene el elemento de primer plano negro, forma icónica, y utiliza el naranja en la parte posterior para establecer el tono del estado de ánimo y casi enmarcar un poco la cara, pero con un tipo inteligente de silueta del atardecer sacada de ella. Entonces, podemos crear espacios negativos dentro del color. Podemos usar a nuestros negros como puntos de énfasis para guiar el ojo, y también podemos usar el color para establecer el estado de ánimo y el tono en nuestra composición. Voy a trabajar en negro, blanco, y voy a elegir sombra de rojo similar al primer número de la Ver Sacrum. Esa es mi pequeña referencia interna para este diseño, y también me va a ayudar a mantener las cosas bastante simples. Voy a llenar todo el fondo en rojo para empezar. Voy a llenar toda la imagen de rojo, y voy a sacar blanco donde parezca necesario. El rojo le da una agradable calidez, pero también aplana la imagen de muchas maneras. Reduce el contraste porque el valor del rojo está unos pasos más cerca del negro que del blanco. Blanco y negro, alto contraste. Ahí hay mucha tensión porque es un gran salto de donde mirar el ojo, de blanco a negro. Pero el rojo se sienta en medio. Entonces, voy a sacar un poco de rojo. Empecemos con la flor en el centro. Esos dos pétalos principales de los que sigo hablando, y cuánto me gusta que sean el punto de énfasis. Sacaré el color de ahí, los pétalos, y los tres bucles principales más la parte más grande del tallo. De esa manera retengo un poco de ese símbolo del infinito. También me estoy quedando con las curvas y fijaciones más complicadas de las vides empujadas al interior del diseño, más como tallo de órgano. Saca un poco de blanco en esos orbes circundantes para conectarlos a la flor. A lo mejor son brotes que simplemente no han brotado aún flotando alrededor del espacio. Ahora, quiero construir un poco de patrón. Patrón es un elemento tan fuerte del movimiento Art Nouveau. Realmente no abordé eso para nada, pero puedo usar las estrellas para crear un patrón muy sencillo. Algo relajante y tranquilo. Tan sólo para conseguir un poco más de blanco y resaltar y los remolinos, voy a pasar y sacar algo del rojo de diversas partes del humo. Considero sacar el rojo del texto, pero la revista nunca se salió de su camino para mostrar su nombre. No como, por ejemplo, una revista Life, donde el título siempre es prominente y en primer plano. El Ver Sacrum era un poco más sutil y oscuro. Entonces, no me importa ocultar el texto en el diseño y dejar que la flor sea el principal punto de énfasis. Ese es el tipo de cosas que se llega a hacer con una revista de arte a diferencia de un producto comercial. Está bien. Ahí está mi cubierta de Ver Sacrum completada. Son unos 120 años más allá de la fecha límite. Fuimos a algunos lugares extraños que provocaban la reflexión en el camino. Espero que hayan disfrutado esos pequeños desvíos. Por supuesto, esa es la diversión y emoción del proceso creativo, ir a lugares que tu mente nunca había ido antes. Estilo Star Trek. Está bien. Vamos a envolverlo. 17. Cierre: Bueno, espero que hayas disfrutado de la ilustración por diseño, y espero que la clase te haya inspirado para crear una ilustración propia y compartirla en la sección de proyecto de clase. Me encanta ver el trabajo de los alumnos. Es parte de lo que hace de esto una comunidad, y es parte de lo que me inspira a crear una nueva clase para ustedes chicos. Asegúrate de seguir mi canal de clase para recibir actualizaciones sobre nuevas clases. Estoy en Instagram, si te gusta ese tipo de cosas. Puso un boletín de vez en cuando con concursos, enlaces geniales, imágenes de mi arte, y eventos en los que estaré. Si te gusta esta clase, echa un vistazo a mis otras clases de arte conceptual, dibujos animados, ilustración de libros infantiles, dibujo de serpientes marinas medievales, todo tipo de cosas divertidas para que ustedes ocupen sus cerebros creativos. Está bien. Te veré la próxima vez.