Ilustración en Procreate: dibujar personajes dinámicos y entornos

1. Introducción: [ MÚSICA] Siempre que pienso en la ilustración, la pienso como narración. Me encanta perderme en todas las cosas más pequeñas, salir inspirado, y llevar todos de vuelta a dar un paseo a mis ilustraciones. [ MÚSICA] Hola. Yo soy Chaitanya Limaye. Soy ilustrador y narrador visual. Llevo cerca de seis años trabajando como ilustrador independiente . Me encanta dar vida a historias y evocar emociones a través de mi arte. Antes, trabajé como animador de personajes 3D. Tengo la oportunidad de trabajar en películas como El libro de la selva, Guardianes de la galaxia, Cenicienta, y muchas más. Traté de llevar esta experiencia a mis ilustraciones cuando estoy creando mis personajes y ambientes que se sienten creíbles y hermosos. En esta clase, te estaré llevando a través de mi proceso de creación de unas ilustraciones [inaudibles] en Procreate. El clave para hacer las cosas creíbles es convertirlas en realidad. Observar las cosas que vamos a dibujar muy de cerca, por lo que aunque podrían no parecer realistas, siguen siendo creíbles, y entonces eso nos permite esta libertad creativa agregar nuestra propia imaginación a ella y llevar a nuestros televidentes a un mundo completamente diferente. Te estaré mostrando cómo inspirarte del mundo que nos rodea que más tiene fuera de esa inspiración, luego empezar con el proceso real de creación de miniaturas, luego meterte en el boceto, para luego crear la ilustración completa que incluya la pintura de los personajes y el entorno. Estoy súper emocionado de empezar en esta clase. Entonces vámonos. [ MÚSICA] 2. Examinar tu proceso: [ MÚSICA] Incluso mientras trabajaba como animador profesionalmente, seguí dibujando por un lado aunque no era un requisito del trabajo, y realmente disfruté mucho haciendo eso. Eventualmente, empecé a publicarlos en Instagram y fue increíble descubrir que hay un lugar en este mundo para mi propio trabajo personal y así es como empecé en este viaje de ser un Ilustrador independiente. Al comenzar una nueva pieza de trabajo, traté de encontrar la idea más fresca y nueva que pueda, pero encontrar alguna idea original puede sentirse extremadamente cansada y desalentadora. Ahora creo que tengo la solución a eso, recordando que nada es original. Todo es una mezcla y coincidencia de las cosas que vemos en el mundo, todo lo que tenemos que hacer es enfocarnos en las cosas que observamos en el mundo y tratar de presentarlas en lo más personal perspectiva lo más posible. A lo que quiero decir con eso es una idea que se ha presentado muchas veces antes, todavía se puede hacer con un toque único que es muy personal para ti, por ejemplo, si tú y un montón de amigos visitar un lugar y ver la puesta de sol, qué elementos podrías recoger alrededor de la puesta de sol, serían muy personales para ti y serán diferentes a lo que podrían estar notando tus amigos. Creo que el estilo es una amalgama de esas pequeñas opciones que hacemos cuando nos estamos expresando visualmente. De niño, también me fascinaron los cómics y los programas de televisión animados y películas y realmente me informaron el sentido de la narración visual. Incluso ahora, creo que mi estilo sigue evolucionando poco a poco y eso sucede porque quiero experimentar con las cosas y eso sólo se agrega a qué estilo he construido hasta ahora. Para darles una visión general de mi proceso, empiezo con un montón de observaciones, luego las señalo a algunas cosas que harán un nuevo punto de vista para el público. Aquí es donde empiezo con hacer muchas miniaturas. Ahora bien, estos son bocetos o garabatos muy rápidos, donde experimento con el pensamiento, todo es posible en este dibujo. Una vez que tengo esta miniatura, me meto en hacer el dibujo muy apretado y limpio. Si bien estoy trabajando en esto, traté de agregar tantos detalles como sea posible para que se sienta como un mundo que existe más allá de este dibujo. Ahora pasando al color, traté de traer la iluminación y hacerla lo más creíble posible, pero elementos que la gente pudo haber visto aquí o allá como en el mundo real o en digamos incluso fotografías y todos estos elementos unen para crear ilustraciones inmersivas. Creo que el estilo es súper subjetivo y lo que funciona para ti podría no funcionar para mí. Entonces a medida que sigas en esta clase, no necesitas dibujar cosas como decir los ojos y las manos, exactamente como yo, si tienes una forma de que disfrutes haciéndolo ya, te sugeriría que te pegues a ella y mezcla eso con las cosas nuevas que estás aprendiendo de mi clase para hacer tu propio trabajo único. Para la mayor parte de mis bocetos, generalmente uso unos bolígrafos de pincel unos cuantos lápices, y solo papel normal. Sin embargo, para mi trabajo de ilustración digital, tiendo a pegarme solo al iPad Pro y al lápiz de Apple, y mi app favorita para usar en él es Procreate. Lo que me encanta de esta combinación de hardware y software del iPad Pro y Procreate es que se siente súper sensible, casi se siente como dibujar directamente sobre papel como con medio tradicional. Yo valoro mucho eso porque lo último que quiero mientras dibuja es cualquier rezago. Ahora, esto es lo que uso personalmente, pero independientemente del software o hardware que estés usando para tus propias ilustraciones digitales, aún puedes seguir esta lección y ver qué funciona para ti. De hecho, muchas de estas técnicas que estaré mostrando en la clase se aplicarán igualmente bien a los medios tradicionales también. Ahora más allá de la ilustración digital, me encanta experimentar con otros medios, como acuarelas, pinturas acrílicas, y colores de lápiz. Lo que he aprendido hasta ahora es que siempre hay algo que aprender de diferentes técnicas y hay una finalidad a los medios estadísticos que no podemos encontrar en ilustración digital porque hay un número infinito de deshacer y rehacer que podemos hacer mientras trabajamos digitalmente, pero eso falta por completo en los medios tradicionales y eso realmente nos ayuda a planear mejor las cosas y mejor nuestras ilustraciones digitales también. El proyecto estudiantil para esta clase va a ser tú haciendo tu propia ilustración y podrás seguir a lo largo de mi proceso y escoger lo que disfrutes y te guste y añadirlo a tu proceso y hazlo tuyo. Adelante y descubramos cómo podemos sacar el máximo provecho de nuestras observaciones, estaremos aprendiendo a escoger esas pequeñas cosas que aportan especificidad a nuestras ilustraciones. [ MÚSICA] 3. Honren tus observaciones: Constantemente me inspiran mucho en muchas cosas que veo a su alrededor. Podrían ser solo las personas, sus expresiones faciales, su postura, cómo hacen las cosas de manera muy única, y también por el medio ambiente. Cosas como la luz, las sombras que son proyectadas por diferentes árboles y hojas. Yo sugeriría que siempre mantente al pendiente de cosas que pudieran hacer clic espontáneamente contigo o destacar de una manera diferente. Permítanme mostrarles algunos ejemplos de mis ilustraciones y contarles cómo las inspiraron espontáneamente algunas observaciones . Hace un par de años, Ruja y yo viajamos a los andamanos y nos fuimos a esta caricatura nocturna muy especial donde vamos a ver algas bioluminiscentes en el agua. Ahora, estas algas son extremadamente diminutas. Son muy transitorios y tienen resplandor muy ligero, algo que no se puede fotografiar en absoluto con ninguna cámara. Esa fue una experiencia increíble y tuve que llevarlo a mi lienzo, sobre todo porque no se puede contar de ninguna otra manera. Disfruto salir a largas caminatas siempre que sea posible. En una caminata tan larga, resulta que me encuentro con este viejo caballero que tenía, de todas las cosas posibles, un faro que el ciclista podría usar en la cabeza. Este anciano que llevaba este impresionante faro en la cabeza era algo muy único y se destacó muy de inmediato. Pero entonces no todas las cosas son muy obvias de inmediato. Tenemos muchas de estas plantas en casa en nuestro balcón, y una de esas plantas es la de algodón. Ahora bien, esto podría no ser muy certero científicamente, pero lo que he observado es que siempre hay una hoja que aparece cada vez que hay un boll de algodón tratando de protegerlo del Sol y de los elementos. Sentí que esto es demasiado como una persona cuidaría de alguien como su hermano o como su hijo. Eso es lo que me inspiró a dibujar esta ilustración donde una hoja está cuidando el fresco nuevo boll de algodón y el boll de algodón está mirando hacia arriba de una manera muy linda, muy cariñosamente en la hoja, como lo que un niño miraría a su mamá. Es importante mirar las cosas cotidianas de diferentes maneras y pensar en ellas un poco más para que podamos llegar a las partes no obvias de ello. Personalmente, me encanta buscar simetría y patrones en cosas como árboles, flores, otras cosas en la naturaleza. Creo que es importante tener muchas de estas observaciones de tal manera que formen un banco de memoria. Una vez que tenemos este enorme repositorio de visuales, siempre podemos sacar de ellos cada vez que estamos trabajando en algo y estamos necesitando algo que encaje justo a la perfección. Cuando estés observando el mundo que te rodea, busca cosas que sean muy específicas cómo la gente está haciendo las cosas. Diga, ves a algunas personas que están sentadas, lo primero que surgirá en nuestra mente es que están sentadas. Ahora, necesitamos preguntarnos ¿cómo se sienten? Todos tienen una forma única de expresar físicamente cómo se sienten. Alguien podría sentirse un poco triste. Eso se puede ver desde su postura. Una vez que tengas este hábito de mirar los matices, empezarás a notar estas cosas manera más obvia también. Cuando estoy fuera haciendo algunos recados o sentado en un café o restaurante, tiendo a mirar a la gente mi alrededor y observar estas cosas. Ahora bien, compartir esas observaciones con ustedes no sería posible ya que no tengo ninguna fotografía de eso. Pero lo que sí tengo es un marco de uno de mis programas de televisión favoritos, Breaking Bad. Aquí tenemos a estos dos personajes sentados en un sofá y ambos se ven bastante relajados a primera vista. Parecen muy amables. Si miras de cerca, notarás que la persona de la derecha está más relajada mientras que la persona de la izquierda parece rígida, y eso lo vemos desde su postura corporal. El de la derecha tiene esta bonita curva que supongo está pasando por su cuerpo que nos dice que se siente más libre mientras la otra persona se ve muy rígida. Se puede notar que sus hombros también son bastante rígidos, y eso nos dice que probablemente la persona de la izquierda no está muy cómoda en este escenario. Estos matices que podemos retomar cuando estamos mirando las cosas muy de cerca. Para este siguiente ejemplo, hagamos un pequeño ejercicio divertido. Voy a dejar esta imagen en pantalla por unos momentos. Echémosle un vistazo de cerca y veamos qué matices estamos notando en esto. Entonces veamos cuáles son esas observaciones que estaban en común y cuáles son las cosas que podrías haber recogido y podría haberme perdido. Cuando miro este marco, lo primero que noto es que ambos parecen bastante interesados en esta conversación. Eso es evidente por el hecho de que ambos están inclinados uno hacia el otro, pero cuando empiezas a mirar de cerca, notarás que la mujer de la izquierda tiene los dedos atados, y eso le da un sentimiento tenso. Al mismo tiempo, la persona de la derecha, aunque se inclina hacia adentro, se puede ver cierta cantidad de rigidez y rectitud en su postura, lo que da la sensación de que está tratando de dominan esta conversación. Si miras aún más de cerca sus rostros, entonces notarás que su rostro parece bastante conmocionado como si sus ojos estuvieran bien abiertos, sus cejas también están tensas. Su cara, notarás que su mandíbula está bastante apretada y quiere decir algo tal vez significar, y sus cejas también están tensas. Esas son algunas de las observaciones que tuve y tengo curiosidad por saber qué pudo haber encontrado. Una gran manera de construir tu banco de memoria y grabar tu inspiración es hacer muchos bocetos en vivo. Yo trataría de grabar a la gente como se están moviendo. Esa es la clave para capturarlos en movimiento porque eso sucede en una fracción de segundo, y más hagas de esto, más tu ojo se pondrá más nítido a capturar movimiento. Siento que ahora que tengo mucha experiencia con bocetos en vivo, ya no necesariamente lo hago mucho. Generalmente confío en tomar notas rápidas y también fotos rápidas de algo que podría encontrar muy notable, y siempre puedo volver a él si voy a dibujar algo basado en él. Es importante simplemente reunir y capturar esta idea primero, y siempre se puede volver atrás y dibujar a los personajes de la forma que sienta con el tiempo cuando se baja a realidad haciendo la ilustración. A veces puede suceder que veas un momento muy interesante pero no sabes qué hacer con él de inmediato. Lo mejor es guardar esto para más adelante porque nunca se sabe siempre se puede volver a visitarlo y probablemente descubrir una historia a su alrededor, o incluso, hecho, agregar algunos personajes y crear algo de química para agregar algo de especia y desarrollarla en algo que nunca habías pensado antes. Muchas de mis ideas que he llegado a notar son de naturaleza muy visual, y puede pasar muchas veces que no tengo un cuaderno de bocetos y un bolígrafo encima. Lo que hago generalmente es hacer un garabato rápido en mi teléfono. Puede que no sea bonito y definitivamente no me arrepiento por lo bien que se ve. Generalmente uso Procreate Pocket en mi iPhone, pero si prefieres Android, siempre puedes usar Autodesk Sketchbook para exactamente lo mismo. Encontré que la luz es una fuente útil de inspiración para mí. Sigo notando luz que atraviesa árboles, ramas, o incluso rebotando del piso de mi casa y echando un resplandor interesante en la pared. Todas estas cosas pueden ayudar a colocar nuestras ilustraciones de diferentes maneras posibles. Un día intentaba pensar una idea para una ilustración y simplemente me acordé de esta tienda de señora zapatera que he pasado muchas veces. La recordé sentada con su perro, acariciándola y pasándola realmente maravillosa. Yo lo dibujé y me di cuenta de que le falta algo, algo que podría agregar un poco de magia a esa ilustración. Rápidamente me di cuenta que se ve bastante plano y la luz haría ese truco. Pensé que el filtrado de luz a través de las hojas sería lo perfecto para este ajuste porque esa tienda de dama zapatero está justo debajo de un gran árbol. Añadí esta luz en la que podemos ver las sombras de las hojas y simplemente encaja perfectamente. Me encanta ver películas y me he dado cuenta de que muchas de ellas tienen una cinematografía brillante. Cosas como ángulos de cámara, paletas de colores, o simplemente la forma en que se enmarca una cosa en particular pueden ser inspiradoras y siempre podemos llevar eso a nuestras ilustraciones. Incluso con fotografías que quizá te encuentres mientras, digamos, te estás desplazando en Instagram, podría tener algunos elementos que tal vez quieras retomar. Para este ejercicio lectivo, puedes ir a tu lugar favorito, notar cosas que disfrutas o quizás quieras dibujar y tomar notas de ello. Entonces estas notas pueden ser en forma de texto o simplemente una fotografía, o incluso si no quieres salir de tu casa, siempre puedes encontrar inspiración en cualquier lugar. Simplemente mira tu película favorita y empieza a buscar cosas que realmente te interesen. Podría ser la actuación del actor o la forma en que se hace la iluminación, o la paleta de colores de la dirección artística y tal. También puedes tomar notas de ellas y derivar algo de inspiración para tu próximo trabajo. Ahora hablemos de cómo convertir tu inspiración e ideas en bocetos. 4. Creación de miniaturas: ¿ Cuál es el primer paso que hago cuando llego a empezar realmente mi ilustración? Pienso en las ideas que tengo y luego primero hago la miniatura. Ahora bien, ¿qué es una miniatura? Miniatura es un pequeño boceto que es un lugar donde puedo explorar la idea en detalle en cuanto a la composición, el ángulo, la perspectiva, la colocación de diferentes elementos, el posando del personaje y la historia estará altamente informada por estas diminutas decisiones, todas juntas. Simplemente puedo hacer muchas miniaturas si quiero y explorar ángulos de cámara BCL o diferentes formas de colocaciones de diferentes elementos y entonces será mucho más fácil para mí rehacer sobre cosas si algo no está funcionando. Tengo un par de ilustraciones para mostrar y describir lo que he hecho aquí. Echémosles un vistazo. En esta primera ilustración, quería comunicar un estado de ánimo muy de terror porque esta era la portada de un libro de terror. Intenté minimizar el espacio para este personaje, tratar de que se vea claustrofóbico, y tratar de ocultar la cara de este personaje para que se sienta muy misterioso. Otra cosa que hice fue jugar con tantos elementos espeluznantes como sea posible, cabello largo loco y un cuerpo semitransparente para este personaje. En la siguiente ilustración que tengo aquí, tenemos una abundancia de espacio porque hay un par de personajes que están volando sobre la ciudad en un avión de papel y hace que sea un estado de ánimo bastante lindo. Quería asegurarme de que todo se vea brillante y alegre y así es como pensé en añadir los satélites abajo y luego tener unas nubes sabias que los pasen por encima para que se sienta aún más mágico. Ahora cuando los miramos juntos, notamos que ambos tienen exactamente la misma paleta de colores, y eso es oro y negro, o dicen amarillo y negro, pero sin embargo dicen completamente cosas diferentes. Ahora bien, esto se debe a las decisiones que hemos tomado al pulgar desde el principio. Es por ello que tenemos que prestar más atención a las miniaturas a pesar que pueda parecer algo desechable. Podemos utilizar diferentes elementos de composición como formas, tamaños, contraste, líneas de liderazgo para informar la atención del espectador y llevarlos literalmente a donde quieres que vean. Tengo aquí una foto que he dibujado donde un padre está presentando a su hijito a flores de primavera. Quiero que la atención del espectador llegue al punto donde el pequeño bebé está arrancando las flores, así que estoy usando diferentes elementos de composición como estas líneas de la barda a su lado y luego se fusionan en este árbol y luego levantan al bebé y luego se doblan hacia las flores. De igual manera, los demás elementos también, como la parte superior de la barda también hace eso. Las manos del papá también llevan exactamente a lo mismo, incluyendo sus ojos y el otro lado del sendero también conducirá al mismo punto exacto. De esta manera, puedes tener todo tipo de líneas diferentes las cuales se esconden en el lugar que llevan exactamente a donde quieres que mire el espectador. Tengo otro ejemplo aquí donde la comparación es bastante interesante. Quería dibujar este personaje cocinando en la cocina y el espacio que quería mostrar era bastante pequeño. Ahora lo que pensaba aquí es que probablemente pueda usar una vista a ojo de pez. Ahora ojo de pez son una lente particular en las cámaras, en donde puedes comprimir un espacio y mostrarlo incluso en un encuadre más apretado. Quería darle esta sensación del espacio incluso con una visión muy cercana, y esta vista realmente ayudó e hizo una composición muy interesante. Otro factor importante a considerar a la hora de componer imágenes es pensar el ángulo desde el que estamos mirando la escena. Si queremos hacer que alguien o algo se vea pequeño podemos componerlo desde un ángulo superior o si queremos que algo se vea bastante grandioso, bastante grande entonces podemos componerlo desde el punto de vista de Moisés, mirando de abajo hacia arriba. Siempre puedes pensar en cómo quieres que el espectador perciba las cosas y luego coloque la cámara en consecuencia. Otra cosa a recordar al trabajar en nuestras miniaturas es la escala y la proporción. Una escala y proporción se pueden utilizar de múltiples maneras, una de las cuales es agregar profundidad a una escena o también podemos usar para agregar diferentes niveles de importancia a diferentes personajes o elementos de una escena. Aquí, tengo un par de parejas llevando kayaks y decidí tener a una de ellas estar al frente y ser grande para que la atención del público primero vaya a ellos, pero también quería dar una sensación de que hay más gente como ellos. Otra cosa usualmente importante que aprendí mientras trabajaba como animador profesional es posando el personaje. Ahora bien, hay dos aspectos a esto. Una de ellas es claridad y comunicación y la otra es mecánica corporal. Tengo aquí un clip que he animado antes el cual voy a usar para explicarte esto, tengo a este personaje empezando realmente agravado y enojado por algo. Yo lo he posado de tal manera que está revolcando los brazos en el aire y está pisoteando y tal. Posteriormente, pasa a la fase donde está suplicando y su columna vertebral está inclinada y sus hombros también se inclinan, todo tratando de decir que simplemente no está teniendo un buen día. Hacia el final del show, lo he hecho ver muy cool en la forma en que se mueve. Todas las formas sin duda se simplifican, como esta forma muy curva en su columna vertebral dice que se siente completamente relajado, pero está encubriendo algo y eso está claro porque al final vuelve de nuevo a suplicar. El otro aspecto a la posación del personaje es la mecánica del cuerpo. Hay un montón de pequeñas cositas que suceden en el cuerpo, en las caderas cuando estamos caminando sin tropezar y ese es el área de la mecánica corporal. Cuando estamos posando un personaje, es muy importante pensar en dónde el centro de gravedad de un personaje para que se sienta creíble que este personaje realmente esté de pie y no esté cayendo. Tengo a este personaje en el principio donde está de pie y la mayor parte de su peso está en su cadera izquierda y más tarde a medida que se mueve, el peso se desplaza a su cadera derecha y así es como realmente puede moverse su pierna izquierda y luego meterse en esta pose. Y otra vez, cuando está haciendo este gran movimiento, su peso cambia repentinamente a su cadera izquierda de nuevo. Estas pequeñas cosas, por pequeñas que parezcan, son muy cruciales para plantear un personaje. Por eso es muy importante emplear ambos aspectos del carácter posando para hacer que nuestros personajes se sientan creíbles, y puedes asegurarte de que la próxima vez que te fijas en dibujar un personaje, estás pensando también en estos aspectos. Como mencioné antes, muchas de mis ideas se registran inicialmente como una nota rápida o algo o una fotografía así que cuando empiezo a miniaturas, las miro y luego empiezo desde ahí. También hay momentos en los que acabo de empezar a dibujar de mi memoria. En la clase de hoy estaré dibujando algo basado en un recuerdo reciente. Hace unos días fui a una colina cercana y noté algo muy fascinante. Había muchos perros de mascotas y muchos de ellos estaban súper contentos de estar al aire libre y estaban jalando a sus dueños por la correa. Pensé en captar eso para la clase de hoy así que empecemos. Aquí la clave es no casarse con la primera idea visual que aparece en tu mente sino explorar opciones y ver qué funcionaría mejor para ello. Estoy pensando en hacer un par de opciones antes poder empezar realmente con el dibujo principal. Quiero explorar cómo se verá desde un par de ángulos diferentes. Un ángulo en el que estaba pensando es desde el frente donde probablemente esté liderando el perro. Estoy tratando de hacer una perspectiva forzada y hacer que el dueño sea realmente pequeño para dar una sensación de que el perro realmente está tirando extremadamente duro de la correa y también crear estas líneas que también llevar la atención del espectador desde el dueño hasta el perro y entonces probablemente pueda llenarlo con mucha hierba conduciendo a la dirección de estas líneas que tengo. Para la siguiente miniatura, estoy pensando en mantener las cosas más simples. Veamos cómo va a funcionar traer el humor a través. En este ejemplo, estoy tratando de escenificar todo muy plano al espectador, y ya puedo sentir que si voy por incluso de una manera ligeramente humorística, esta versión va a funcionar mucho mejor en comparación con éste porque en éste todo empieza a parecer súper dramático y puede ser muy útil para algo donde quiero hacerlo muy pesado de acción. A lo mejor es una trama de un cómic de detectives o algo así, pero supongo que esto es lo que me voy a quedar para este. Una parte muy crucial del proceso creativo es recabar retroalimentación y luego aplicarla. El mejor modo de empezar, creo, es obtener retroalimentación directamente desde las miniaturas. Cuando hacemos miniaturas, realmente no invertimos demasiado de nuestro tiempo haciendo esas, y si hay algún error o algunas cosas no están lo suficientemente claras, podemos desechar fácilmente y empezar de nuevo. Al tomar esta retroalimentación y aplicarla, siempre puedes hacer ajustes y cambios para asegurarte que la historia que estás contando se cuente de la mejor manera posible. También puedes publicar en los tableros de discusión de Skillshare y obtener comentarios de otros estudiantes. En este ejercicio lectivo, puedes tomar la observación desde antes y luego dibujar miniaturas basadas en la cabeza. Al dibujar estas miniaturas, puedes asegurarte de que la composición está haciendo lo mejor puede para contar la historia que quieres contar. Puedes rehacer estas miniaturas y otra vez hasta que estés contento con ellas, y ellos cuentan la historia lo más claramente posible. Una vez que aterrices en una miniatura que realmente estás feliz, puedes tomar una fotografía y luego continuar este proceso digitalmente. 5. Detalle de tu boceto: [ MÚSICA] Muchas veces cuando tengo una miniatura de la que estoy realmente feliz y casi todo se ha arreglado detalladamente dentro de eso. Simplemente tomaré un chasquido de esa miniatura usando mi iPad o teléfono y luego pondré una capa encima de ella y luego bajaré la opacidad de esta capa de boceto y luego comenzaré mi dibujo real encima de ella. Pero hay algunos casos en los que las miniaturas no son muy claras. En esos casos, utilizo esas miniaturas solo como referencia y luego empiezo a dibujar de nuevo. Como debiste haber visto en las miniaturas para este dibujo. No tenía muchos detalles para el personaje aquí y ahora como estoy haciendo el dibujo real, voy a plasmar esos detalles sobre todo las formas para el torso y las piernas para que creen muy formas gráficas claras que solo pueden hacer que el dibujo muy agradable y divertido de mirar. Entonces con estas formas gráficas, estoy tratando de crear armonía visual ya en hay algunas líneas que son muy largas y rectas y luego hay algunas líneas curvas, todas juntas hacer una imagen atractiva a la vista. Es realmente importante jugar con las expresiones para los personajes y simplemente asegurarse de que sean súper expresivos. Entonces en este caso, estoy dibujando este personaje. cara de esta chica está mostrando una sonrisa realmente amplia. Ella obviamente ama a su perro mascota pero también está molesta que él la esté jalando todo el camino y realmente quiero resaltar esta contradicción con sus cejas poniéndose demasiado apretadas y tensa mientras ella todavía tiene una sonrisa muy amplia. Aquí, solo estoy jugando con la forma de su cola de caballo. Quiero asegurarme de que se vea súper cinética y justo en medio del movimiento solo para realzar la naturaleza de esta escena que se está secando. Entonces como estoy trabajando en el perro aquí solo estoy ejerciendo la mecánica y la anatomía de las piernas también. Entonces a veces podría suceder que tal vez no sepa qué músculos usaría un perro y cómo se vería su estructura ósea y cómo puedo hacerlo creíble. En tales casos, lo mejor es buscar referencias. Con referencias, generalmente tiendo a empezar con una idea primero, así que la trampa con empezar a buscar referencias antes de tener una idea clara de tu ilustración es que podemos terminar siendo esclavo de estas referencias. Ciertamente pueden limitar nuestra creatividad e imaginación muy fuertemente y eso es lo último que queremos como ilustradores. A veces cuando quiero afinar en la precisión de la anatomía de un personaje, la mejor manera es simplemente montar un trípode y configurar mi cámara de teléfono en un autodisparador y luego solo ser mi propio modelo y disparar yo mismo. De esa manera puedo tener referencias exactas de lo que busco. También ayuda para descubrir poses que podría no haber imaginado pero me siento realmente bien para el dibujo. Ahora voy a seguir adelante y detallar el resto del boceto. [ MÚSICA] Una característica muy cool de Procreate I love es de forma rápida. Si estoy planeando dibujar línea muy recta típicamente se tiene que dibujar a mano alzada pero como estás notando a veces puede suceder que está saliendo curvo ligeramente. Pero si quiero tenerlo precisamente recto entonces lo que puedo hacer es dibujar una línea y luego sostener la punta del lápiz en la pantalla y luego se convierte a una forma rápida que es una línea recta. Entonces una vez que lo dejo ahí, se convierte en parte del boceto. De igual manera, si fuera a dibujar una elipse, solo puedo dibujar una elipse y luego simplemente sostenerla para que obtenga una elipse perfecta usando esta característica y otra vez, de igual manera, si quiero dibujar un círculo sin tener que dibujar un círculo perfecto yo mismo, puedo hacer elipse así solo sostenga con el lápiz en la pantalla y con dedo coloca mi mano en la pantalla y luego se convierte en un círculo. Puedo escalarlo como quiera y luego dejar el lápiz fuera la pantalla para que pueda conseguir el círculo en la pantalla. Por lo que esto es súper útil para dibujos especialmente técnicos. Cuando estamos trabajando en la parte de dibujo, tenemos que asegurarnos de que se vea anatómicamente correcta. Una forma de comprobar eso es tomarte un descanso y mirar la imagen después de un rato y luego empezarás a darte cuenta de errores muy rápidamente. Otra forma de hacerlo más rápido es ir a la opción “Canvas” aquí y luego usar la opción “Voltear Horizontal”. Entonces si hago eso, voltea el Lienzo y pronto empezaré a notar cosas que quizá no me hubiera dado cuenta antes. Es sólo algo que ver con nuestros cerebros que si empezamos a mirar los errores durante mucho tiempo empiezan a parecer correctos, pero si ciertamente los miramos desde un ángulo diferente , perspectiva diferente, o simplemente voltear la imagen entonces puedes empezar a ver problemas con ella. Entonces si siento los ojos no están mirando exactamente al personaje, tal vez solo retoque ligeramente la línea del ojo y entonces creo que estaremos bien para ir. Entonces una vez que haya hecho los ajustes, solo volveré a dar la vuelta horizontalmente y estoy vuelta donde empecé con el ojal correcto ahora. Lo que voy a hacer a continuación es tomar todas mis capas de dibujo y combinarlas en una sola capa y luego estaré poniendo una capa debajo de ella y bajando la opacidad de este dibujo capa a alrededor de 30 por ciento para que pueda comenzar el proceso de coloración en la capa de abajo. Para este ejercicio de lección, puede hacer el dibujo real en función de la miniatura que haya elegido. Además, puedes agregar muchos detalles en base a tu observación. [ MÚSICA] 6. Explorar el panel de color: [ MÚSICA] Antes de iniciar el proceso de coloración, me encantará llevarte por el panel de color Procreate y mostrarte cómo elijo los colores. Cuando vamos a esta esquina y tocamos ese botón del panel de color, podemos ver esta vista de disco, en donde podemos ver toda la gama de todo tipo de usos, y luego podemos elegir el tono exacto de ese tonalidad particular, dependiendo de la ligereza u oscuridad y así como de la saturación o desaturación. Entonces también está esta vista clásica donde puedes ser más preciso sobre tus elecciones y decisiones. Lo que tenemos aquí es un slider para seleccionar un matiz en particular, y luego también tenemos este slider en el que puedo seleccionar y elegir la cantidad de saturación o desaturación que quiero, y luego yo tener este lugar para elegir el tono. Ahora tono o valor es sólo otra palabra para la cantidad de oscuridad o ligereza en una imagen en particular. Estos deslizadores se combinan para darnos el color exacto que estamos buscando, por lo que podemos elegirlo directamente así o podemos sintonizarlo específicamente a lo que queremos. En ocasiones queremos hacer algo un poco oscuro y también un poco más saturado, digamos, para crear una sombra particular de objeto. Entonces en ese caso, lo que voy a estar haciendo es tomar poco más la saturación y agregarle un poco más de oscuridad. Más de una sombra que quiero a veces puedo hacer más de la oscuridad, y también cambiar la saturación dependiendo de la iluminación que quiera en la escena. Aquí tenemos esta pestaña Harmony dentro del panel de colores, que es excelente y una característica muy cool de Procreate, donde podemos seleccionar y crear diferentes combinaciones de colores inmediatamente directamente desde este panel. Esto es algo que uno tendría que planear y hacer tradicionalmente, mirando muestras de diferentes colores, pero la característica impresionante de Procreate es que está incorporado y ayuda a hacer este proceso mucho más rápido. Si estoy buscando el tono de cortesía para particular sombra de verde, entonces puedo simplemente ir usando este método y obtener el tono opuesto exacto del rojo. También podemos echar un vistazo a otros esquemas de colores como split complementario, en donde tenemos un color y luego dos colores justo además del color opuesto exacto de éste. Aquí tengo naranja, luego me estoy poniendo cian como color y luego azul, y estos juntos harán una combinación de colores realmente impresionante. Entonces para experimentar con la oscuridad de la misma, también puedo escoger, decir, este naranja brillante y luego ir más oscuro y luego usar ese naranja brillante junto con este cian y azul, que son versiones más oscuras de ellos mismos para crear algo interesante. De igual manera, también tenemos el esquema de color análogo, en este esquema, podemos seleccionar cualquier color y luego nos da colores que solo le envío, y esperando en cantidades diminutas para que nosotros puede obtener una ligera gradación. Después está el esquema de color triádico, que es como un triángulo en la rueda de color, que también es una forma fresca de colorear tus dibujos. Aparte de estos esquemas de color que discutimos, más importante que creo en elegir colores son los colores cálidos y fríos. Todos los colores que son adyacentes al naranja, por lo que sería rojo, naranja, amarillo se conocen como colores cálidos porque exudan calor, y de igual manera, todos los colores que están colindantes azul son conocidos como colores fríos porque tienen este efecto de enfriamiento que vemos en la naturaleza. Podría sonar muy simplista que los colores particulares sean cálidos y el conjunto particular de colores sean geniales. Pero incluso dentro de un color fresco, siempre podemos tener colores más cálidos también. Digamos que voy a hacer una gran sección de mi ilustración en color azul, pero incluso dentro de eso, puedo tener este matiz de tener pocas partes de la ilustración sean más cálidas, así que solo puedo ir más hacia el amarillo, y entonces esas partes de azul comenzarán a parecer más cálidas, y luego las partes aún más azules pueden verse aún más frías. Podemos mezclar y emparejar calentamientos y enfriadores para crear estas interesantes combinaciones de colores, y también dar una sensación de luz diurna o diferentes tipos de iluminación en nuestras ilustraciones. [ MÚSICA] 7. Colorear tu fondo: Para mis ilustraciones, generalmente tiendo a escoger más de colores naturalistas. Creo que funcionan mejor con el tipo de ilustraciones que hago. Ya se sabe que muchos colores tienen cierto efecto en el espectador. Diga que es algo así como el rojo. rojo es el color de la pasión, del peligro y el azul puede darle cierta cantidad de frescura a una imagen, por lo que podemos elegir colores con el fin de crear un estado de ánimo exacto que queremos transmitir al espectador. Aparte del estado de ánimo, otra cosa importante es la iluminación de la escena. Tenga en cuenta, es la hora del día que estamos eligiendo para nuestro dibujo. También nos habla de la fuente de luz. Por lo general, existen dos fuentes de luz diferentes. Una es la fuente directa y la otra es fuente difusa de luz. Una fuente directa de luz es el sol. Notarás que las sombras proyectadas por el Sol son muy específicas y muy agudas, mientras que con un día nublado, notarás que todas las sombras que se están echando son bastante difusas y suaves. Tenemos que hacer una elección con qué tipo de escenario de iluminación y sombra queremos tener en una imagen. En este primer ejemplo, he elegido la hora del día para ser amanecer matutino. En este ejemplo, notarás que las sombras proyectadas por el Sol en la parte posterior son extremadamente agudas, y también están altamente contrastantes con la luz del sol que se está extendiendo sobre las hojas de hierba alrededor ella. En el siguiente ejemplo, notarás que se trata de otro escenario similar. Tenemos luz del sol entrando durante un amanecer desde una ventana en un avión. Lo que es diferente aquí es que tratarse de un escenario interior, la misma luz solar no está rebotando de diferentes superficies y eso hace que las sombras sean mucho más difundidas. Notarás que la luz que está rebotando de diferentes superficies también está iluminando las sombras y haciendo esta elección desde el principio informará cómo hacemos las sombras y el resto de la iluminación también . Si miras las sombras y las comparas, notarás que las sombras, en un escenario donde se difunde la luz, no son esa contrastia y también informan cómo elegimos la saturación de tonalidad y el brillo de estas sombras. Usar la luz es una gran manera de dirigir atención hacia la atención hacialos personajes que queremos resaltar. En ambos ejemplos, estoy usando la luz del sol de esa manera. Se puede notar que el granjero aquí y su perro en la parte trasera también se están iluminando por el sol que viene de atrás y que les ayuda a sobresalir del resto de la escena de la izquierda. De igual manera, en el otro ejemplo, tengo las caras del personaje iluminan por la luz del sol que entra. En este cuadro, los rostros son la parte más importante que quiero resaltar y la luz ayuda de esa manera. Creo que cuando estamos pintando desde la imaginación, iluminación es una de esas cosas que pueden ser muy duras al principio, porque nuestra mente no tiene suficiente de un fondo de recursos para sacar. Una vez que tengamos una práctica de mirar muchas imágenes o observar la luz en nuestro entorno, creo que vendrá mucho más naturalmente y podemos crear iluminación sobre la marcha. Como mencioné inicialmente, tiendo a ir con colores naturalistas, pero también es importante recordar para mí que tenía esta licencia creativa para escoger y elegir estos otros colores que pueden hacer y dar este estado de ánimo exacto que quiero ir. Comencemos con el proceso de coloración real para esta ilustración. Una de las preguntas más frecuentes en mi Instagram es, ¿qué pinceles uso? Tengo un montón de estos cepillos MaxPacks que obtuve de este sitio web llamado MaxPacks y también uso un montón de pinceles por defecto que vienen con Procreate. Quisiera destacar que los pinceles no son más importante en el proceso creativo. Podrás escoger y elegir cualquier tipo de pincel, lo que te funcione. Lo primero que insisto es colorear el fondo porque todas las demás opciones, dicen los personajes, los otros objetos dentro de la escena, están fuertemente informados por la iluminación que se crea ya en segundo plano. Temprano antes solía hacer los personajes primero, porque solía sentir que eso me viene más naturalmente pero luego siempre terminaba metiéndome en un lugar donde el fondo no está coincidente con el personaje y luego tuve que hacer sobre el personaje otra vez. Al principio, generalmente empiezo bloqueando en las formas más grandes para el fondo. Estaré usando este pincel llamado Nikko Rull, que viene por defecto en Procreate. Pero te darás cuenta de esta pequeña al final y eso es porque he duplicado este pincel. Tiendo a personalizar ligeramente mis pinceles para que me dieran esa forma exacta de trabajar, que prefiero, en comparación con cómo viene el pincel por defecto. Generalmente empiezo escogiendo un color dominante, y luego busco otros colores que puedan funcionar bien con él. Para empezar, quiero una especie de look fangoso para el fondo. Voy a llenarlo con un tipo de color bronceado marrón y luego generalmente voy por estos pinceles grandes para que pueda hacerlo más rápido. Porque voy con un fondo fangoso, el resto de los colores que voy por también van a estar fangosos. Voy a crear otra capa. Tiendo a hacer esto para que todas estas capas separadas tengan diferentes colores y es mucho más fácil volver atrás y ajustar algunas cosas si no me gustan. Realmente ayuda mucho si puedes mantener las cosas más organizadas en capas. No te vayas por la borda con capas porque cuantas más capas tengas, las cosas simplemente se complican demasiado y no necesitamos esa complejidad innecesaria mientras trabajamos en nuestras imágenes. Una vez que he bloqueado en las grandes formas del fondo, empiezo con agregar un poco de sombras y reflejos para empezar a añadirle dimensiones. Al principio, voy a elegir un tipo de sombra azulada aquí y usando el mismo pincel, probablemente reducir el tamaño y también reducir la opacidad. Tengo esta foto de referencia que hago clic en ese lugar. Yo quería capturar esa luz en ese momento en particular, y era una R dorada, justo antes de la puesta del sol. Tenía esta hermosa luz anaranjada que estaba rebotando por la pared. Yo quería llevar ese tipo de sensación a esta ilustración. Voy a empezar agregando alguna dimensión lista a ella mediante el uso de estos pocos trazos. Estos trazos, no estoy siendo muy preciso con ellos inicialmente porque todo lo que quiero hacer es dar una sensación de que esta superficie no es súper lisa ni limpia. El carácter vertical de estas pinceladas también le dirá al espectador que se trata de parches muy rocosos. Una de las cosas muy cool que me gustan de Procreate es el hecho de que tiene una interfaz de usuario muy minimalista y este panel en el lateral es tan fácil de manipular y solo cambia el tamaño del pincel o la opacidad. Una vez que haya terminado con hacer la pared de roca en la textura trasera y no tan limpia, voy a empezar a usar el gouache smooth 1 pincel aquí, que puedo usar para agregar muchos detalles muy rápidamente y crear formas más pequeñas que se asemejarán a las rocas. También resulta que noto que, hubo estos pequeños cambios en los colores de las rocas y quiero llevar esa mirada a este cuadro también. Fui con verde opaco, que es verde muy aburrido. Estoy agregando trazos aleatorios aquí y allá para que se sienta más como la parte inferior de una enorme roca. Estoy bastante contento con lo que tengo ahora para la base de la estructura rocosa. Ahora le voy a añadir mucha luz solar. Para eso, voy a crear otra capa y me voy a ir con un tipo de color anaranjado aquí. No quiero que esté súper saturado porque la luz del sol que estoy mostrando aquí en este momento no es súper afilada en ese momento. Es menos brillante y tiene un tono más rojo y anaranjado que amarillo. Voy a ir por algo entre esos y algo que no está sobre la parte superior saturado, sino en algún lugar del medio. A lo mejor puedo ir por este pincel anterior otra vez, así puedo hacer estos parches más grandes con una mejor velocidad. Lo que busco es las superficies que están mirando hacia el Sol. Estoy dejando fuera áreas en las que quiero tener sombras adentro. Esto inmediatamente comienza a dar un nivel de contraste a la imagen y luego comienza a hacerlo también dimensional. Me aseguro de que toda la paleta de colores no se vea súper saturada porque eso puede parecer muy amateurish. Otra cosa es que si todo es el mismo nivel de saturación, el ojo del espectador no puede ser realmente dirigido. Tener ciertas partes que están desaturadas realmente puede ayudar en ese caso. Una vez que haya terminado con la parte dominante del fondo, empiezo con las otras partes más pequeñas. Estoy trabajando en el pasto en la parte de atrás aquí, solo agregando algún tipo de textura para darle ese aspecto de pasto seco. Dependiendo de la naturaleza de la luz, elijo los colores que busco para los reflejos y sombras. Como debes haber notado aquí, estamos usando una gran fuente de luz solar brillante aquí, que está cerca de la r dorada Va a tener mucha influencia amarilla en todos los reflejos de los objetos. Para estos calurosos reflejos, estoy tomando ese color local del objeto. color local es el verdadero color de un objeto sin mucha interferencia por parte de las luces externas. Tomo ese color, que es verde oliva, y luego estoy agregando más brillo y saturación. Si estoy moviendo el picker a la derecha, está agregando saturación y si estoy moviendo mi picker a la parte superior, está agregando el brillo. Estoy agregando un poco de ambos y también probablemente desplazar el uso un poco más hacia el amarillo. Es así como estoy obteniendo los reflejos brillantes y vibrantes para mi follaje en la parte posterior. Generalmente sólo las hago muy rápido. Ahora que tengo este gran arbusto hecho por atrás, solo estoy agregando un poco de reflexión porque este es un pequeño estanque que quería mostrar. Sólo usaré los colores del arbusto de arriba. Una cosa importante a recordar es que tenemos que enfocarnos en lo que queremos que se centre nuestra audiencia. Si quieres que el personaje sea el foco principal de una ilustración, entonces el fondo debe tener menores detalles. El monto de detalle es un gran factor diferenciador entre las cosas que el público mirará cuidadosamente, y no mirará. Cuanto más detalle, más va a atraer la atención del espectador. En el caso de esta ilustración, quiero que este personaje que está siendo arrastrado por este perro mascota sea el foco principal de la misma. Voy a mantener el fondo súper simple, lo más simple posible. Estoy agregando esta textura o simplemente como una variación de colores para la hierba en primer plano. Antes aprendimos que si cada color también tiene su lado fresco y cálido. Si he querido hacer algo cálido, escogeré algo como esto, que estará más cerca del amarillo, pero quiero que esta parte de la escena esté en las sombras. Esta sombra está siendo echada por otro muro de este tipo al otro lado y es por eso que la mayor parte de la luz que está golpeando en esta parte va a estar viniendo del cielo, que está fuertemente influenciada por azul. Por eso voy a ir por un verde un poco más fresco y también desaturado casi se ve gris así que supongo que esto funcionará mejor para mí. Me gusta el color que he encontrado aquí. Voy a empezar a trabajar en todo el pasto y asegurarme de que el fondo se vea cohesionado juntos. Recuerdo que este cerro tenía muchos árboles en su cima así que voy a dibujar rápidamente algunos de ellos. Voy a empezar con el mismo tipo sub-verde de un color, otra vez yendo con el pincel más pequeño. Ahora que ya he terminado con los árboles, estoy bastante contento con el fondo que tengo aquí, pero me encantaría mostrarles una herramienta que es muy valiosa. Esto es algo que no uso constantemente, pero sí lo uso definitivamente si quiero ajustar, digamos, la oscuridad de pares de colores o el matiz o la saturación. Puedes empezar haciendo una selección en una parte de una capa, o puedes elegir esa capa entera para realizar ese ajuste. Puedes ir a este menú, es decir Ajustes, y luego usar saturación y brillo. Obtendrás este panel donde podrás ajustar todas estas tres cosas. Si fuera a hacer estos árboles en eso la parte superior todo tipo de aspecto fresco, entonces haré que este slider vaya a la derecha, y ahora parecen más fríos. Si quiero que se vean más calientes, moveré ese deslizador hacia la izquierda y de igual manera. Si quiero hacerlo más oscuro, solo puedo usar esta herramienta. Si quiero que salga con mucha saturación, solo puedo añadir un montón de ella de esta manera. Pero en este caso, estoy bastante contento con lo que tengo, así que no voy a usar estos ajustes. Sólo voy a deshacerlas usando un solo toque de dos dedos para que rápidamente lo lleve de vuelta a donde estaba. Tu ejercicio para esta lección es ahora pintar tu fondo y pensar en los conceptos que acabamos discutir sobre el color y la luz. Recuerda que este trasfondo va a estar al servicio de la historia de los personajes y no debe dominarlos. 8. Colorear tu personaje: [ MÚSICA] Ahora que tengo el fondo listo, quiero empezar a trabajar en colorear a mis personajes. El primer paso para mí es entrar en las capas y luego seleccionarlas todas juntas. Lo que voy a hacer es seleccionarlos deslizando con el lápiz y luego agruparlos. Una vez que tengo eso, puedo ocultarlos fácilmente y todo lo que consigo es el personaje en el que trabajar con enfoque completo. Lo primero que voy a hacer es bloquear formas. Voy a rellenarlos con un color muy plano. Ahora bien, este color no tiene por qué ser el color final que podrías desear para esa forma o parte en particular del personaje. Es solo algo que te ayudará ahí dentro para el proceso. Simplemente voy a seleccionar el tono de piel y luego usando este pincel más pequeño, voy a marcar las formas. Ahora bien, este proceso podría sentirse mucho impositivo porque hay que conseguir que los bordes se vean nítidos y limpios y hay que usar el mismo cepillo para llenar todo. Lo que puedes hacer alternativamente es simplemente marcar el contorno usando la forma aún más nítida del pincel. Simplemente usando el tamaño del pincel. Basta con arrastrar el color en el medio y simplemente mantenerlo pulsado. Asegúrate de que el lápiz superior no salga de la superficie y hazlo justo para que se llene sin inundar todo el Lona. Notarás que se ha llenado correctamente, pero aún le quedan algunas secciones. Eso sucede porque hay muchos cambios en la opacidad ya que estamos usando el pincel. Podemos simplemente llenarlo y asegurarnos que se vea nítido y limpio. [ MÚSICA] Ya he completado el bloqueo en todo el personaje. Este es el momento perfecto para empezar a trabajar en los detalles faciales. Voy a acercar y luego volver a usar el pincel pequeño, voy a dibujar los detalles de la expresión. Esta es la etapa final para que los detalles sean correctos. Si no estás muy contento con lo que tienes, solo borra y luego dibuja esos detalles porque una vez que completemos los personajes estaremos en su mayoría terminando con la ilustración por completo. Ya he completado todos los detalles de sus rasgos faciales. La siguiente etapa sería encender el grupo de antecedentes. Se puede ver esta contradicción del personaje luciendo súper plano y el fondo luciendo bastante detallado en comparación con eso. El siguiente paso sería entrar en el personaje y luego empezar a agregarles luz y sombras. Cómo lo hago es, generalmente solo selecciono capas particulares en las que quiero trabajar, solo toca sobre ella, solo toca sobre ella, y luego digo “Alpha Lock”. También se puede hacer lo mismo simplemente deslizando por esa capa usando dos dedos a la vez. Al hacer esto también se puede activar el bloqueo del canal alfa. Básicamente, cada píxel está hecho de cuatro canales. Ese es el R, G, B y E. R significa rojo, G para verde, y B para azul, y A para alfa. Por lo que alfa es un canal que controla la opacidad de cada píxel. Cuando encendemos el Bloqueo Alfa, estamos limitando todas nuestras acciones cuando estamos pintando sobre él al área que ya tenemos una forma encendida. Si fuera a pintar algo encima de esto usando este color rojo brillante, notarás que pinta sólo dentro de los límites de lo que ya tengo. Esta es una gran manera de ahorrar mucho tiempo. Ahora que sabemos lo que es Alpha Lock, puedo empezar a mostrarte cómo enciendo el personaje. Lo primero que hago es repasar cada capa en la que tengo algún tipo de bits del personaje, y luego solo encienda ese Alpha Lock, así que no tengo que preocuparme por ello más adelante. Ahora si nos fijamos en esta escena que hemos construido, es que la luz del sol viene de detrás del espectador, y solo está lanzando luz sobre su cabeza y tal vez sólo su torso superior, pero la mayor parte de esto otra sección va a estar en las sombras. Estar en las sombras, eso sólo tendrá ese nuevo tragaluz iluminándolo mientras esta parte le tendrá mucho más calidez y brillo. Esta es la parte a la que voy divertirme mucho y agrego mucha dimensionalidad a estos personajes. Lo que voy a hacer es solo escoger el color local que he creado para el personaje, siento que todo se ve demasiado fresco y demasiado azul, creo que puedo agregarle un poco más de brillo y oscuridad. Yo sólo voy a tomar este cepillo más grande y llenarla. Voy por un color ligeramente tenue y más oscuro que cuando agrego la luz haga brillar esas partes. El siguiente paso es ajustar el color local que tengo. Solo estoy escogiendo ese color que tengo. Me estoy moviendo hacia amarillos y también le estoy agregando mucho más brillo. Vamos a probar esto. Sí, creo que esto se ve bien. Da una sensación de luz cayendo sobre ella. Típicamente, cuando estamos tratando con entrada de tiendas, tenemos que tener sombras muy agudas. Pero entonces en este caso la luz no es tan afilada. De acuerdo, ahora que tengo estos reflejos arriba, escogeré el color local y luego añadiré un poco de sombras. Ahora, está esta simplificación excesiva que a veces la gente hace, que las sombras siempre tienen que ser frescas y los aspectos más destacados siempre tienen que ser cálidos, pero eso no es verdad. Depende enteramente de los colores que estén en la iluminación en ese mismo momento. En este contexto, las sombras van a estar recibiendo sólo luz de la claraboya de arriba. Todavía voy a ir con sombras azules. Voy a moverlo ligeramente hacia azul y luego le añadiré algo de oscuridad, probablemente hasta alguna saturación. Entonces voy a empezar casi a esculpir alrededor del personaje para que empiece a tener una sensación de tener una tercera dimensión. Podría simplemente cambiar al pincel más pequeño para poder hacer algunos detalles. También puedes trabajar en cualquier tipo de caídas en la ropa y tal para que empiece a sentirse aún más táctil. En ocasiones quiero hacer esta transición del resaltado brillante al tono medio. En esos casos, solo puedo usar esta herramienta inteligente con este cepillo acrílico húmedo o puedes elegir cualquier otro cepillo y ver qué funcionaría mejor para ti. Tengo mucha experiencia trabajando con acrílicos, y obtengo esa textura. De verdad me encanta, pero es una elección muy personal. Te recomendaría encarecidamente probar diferentes pinceles y ver qué habla mejor para ti. [ MÚSICA] Ahora que he completado el personaje principal que es, el dueño de la mascota, voy a trabajar en el perro aquí. Voy a empezar seleccionando el color local que he seleccionado antes. Asegúrese de que el bloqueo del canal alfa esté encendido y luego comience a pintar en la parte superior. [ MÚSICA] Ahora que tengo listo el resto de la iluminación del personaje, sé en qué puedo enfocarme exactamente. Quiero asegurarme de que su cara reciba mucha de esa luz solar en la que he estado trabajando, alrededor de su parte superior del cuerpo. Para dar ese sentimiento, voy a empezar por pintarlo en un color más cálido y saturado. Podría parecer un poco antinatural, para empezar, porque nadie luce un tono brillante de amarillo-rojo pálido pero una vez que ponga las sombras, quedará bastante claro lo que estoy tratando de lograr aquí. Ahora voy a ir por un tono más oscuro y más rojizo. Entonces voy a encender mi capa de dibujo contra justo a una opacidad muy baja me pueda guiar por el resto de la misma. Voy a trabajar en agregar esos medios tonos y sombras. Ahora voy a añadir algunas sombras para poder mostrar dónde está la nariz. Pero también mostramos un poco los detalles del oído. Ahora te darás cuenta de repente que el personaje sí se siente un poco más dimensional porque faltaba la cara que antes. Ahora sólo voy a añadir un poco de negro a la mitad de los ojos. Lo que puedes hacer para que esto sea mucho más fácil es que puedes crear igual que las formas de ojos blancos y luego crear los ojos. Pero mientras haces eso, solo enciende la máscara de recorte. Cuando enciendes la máscara de recorte de la capa, la capa encima de esa gran forma ancha que tienes la limita y bloquea todo dentro de esa forma inferior. Este es un consejo muy bonito para usar cuando quieres hacer las cosas más rápidamente. Ahora en esta etapa, siento que el fondo ya está 80 por ciento completo, pero sigo buscando cosas que pueda más y mejorar una vez que tenga el personaje en su lugar. Acabo de notar que los reflejos de las rocas en la parte trasera no se sienten lo suficientemente brillantes y saturados. Lo que voy a hacer es volver al grupo de fondo de capas, buscar los aspectos más destacados. Afortunadamente, los había mantenido en una capa separada. Aquí es donde las capas separadas son realmente útiles. Lo que voy a hacer es solo duplicarlo e inmediatamente deep pop ahora. Los tendré un poco transparentes para que no se vean demasiado brillantes. Creo que eso se ve mucho mejor que antes, ¿verdad? Acabo de notar que me había olvidado por completo agregar las sombras debajo de los personajes. Lo que voy a hacer ahora es simplemente poner capa adicional encima de la capa de hierba y luego ir rápidamente sobre ellos con un color más oscuro. Ahora déjame decirte algo sobre oficina de dibujos digitales que no obtenemos medios internacionales para pintar, y eso son modos de mezcla de capas. Si creas una nueva capa, si tocas “N”, notarás que “N” era para lo normal. Hay muchos modos de mezcla de capas diferentes. Déjame mostrarte rápidamente uno y luego podrás experimentar con los demás. Te voy a mostrar superposición hoy. Este es el que uso con bastante frecuencia. Si enciendo eso para esta capa, voy a ir a recoger algún color que sea brillante, mayormente algo alrededor de amarillo. Después usando este pequeño pincel, voy a agregar algunos reflejos a su cabello. Pero es importante no exagerar y sobreusarlo porque es algo que se tiene que usar con extrema moderación para que no todo empiece a lucir súper brillante y vibrante. Ahora que he hecho todo lo que quería hacer en esta ilustración, voy a añadir un poco de unos tiradores de punto que aguantan un poco más de contraste. La forma en que me acerco es que generalmente tomo todas las capas y luego las fusiono usando este gesto en una sola capa plana. Pero ten mucho cuidado, asegúrate de tener una copia duplicada de tu archivo que siempre puedas volver a tu archivo y hacer cualquier retoque si quieres. Voy al panel de ajustes y luego uso curvas. Dentro de curvas, verás este histograma y podrás hacer ajustes a las sombras y los reflejos, y a los tonos medios. Esto es solo una gráfica, puedes trazar cualquier punto y luego retocar y mover las cosas. Si quiero reventar los aspectos más destacados, podría simplemente trazar un punto aquí y aumentarlos. Pero eso no es lo que quiero porque va a empezar a lucir muy lavada. Simplemente lo borraré. Haré un punto cerca de las sombras y luego lo bajaré ligeramente. Creo que me encanta lo que estoy consiguiendo aquí, es importante recordar que no deberías estar exagerando también esto. Creo que ya terminé con esta ilustración y estoy bastante contenta con ello. Tu ejercicio para esta lección es no pintar a tus personajes y hacerlos encajar cohesionadamente en el fondo. Recuerda que siempre puedes volver al segundo plano si sientes que le falta cierta cantidad de detalle y luego solo agrégalo, tendrás una imagen mucho mejor de esa manera. [ MÚSICA] 9. Reflexiones finales: [ MÚSICA] Felicitaciones. Gracias por tomar esta clase conmigo. De verdad espero que llegues a aprender algunas cosas que tal vez quieras aplicar a tu próximo proyecto. Definitivamente sí comparte tu proyecto en la galería de proyectos y me encantaría echarles un vistazo. Me puedes encontrar en Instagram en [inaudible] y también puedes echar un vistazo [inaudible] Row y Jack. Muchas gracias por ser parte de este viaje.